Isi sebuah karya seni adalah komponen-komponennya. Karya seni sebagai struktur

Sepintas, jelas bahwa sebuah karya seni terdiri dari sisi, elemen, aspek tertentu, dan sebagainya. Dengan kata lain, ia memiliki komposisi internal yang kompleks. Pada saat yang sama, bagian-bagian individu dari karya itu terhubung dan disatukan satu sama lain begitu erat sehingga ini memberi alasan untuk secara metaforis menyamakan karya itu dengan organisme hidup.

Komposisi karya dicirikan, oleh karena itu, tidak hanya oleh kompleksitas, tetapi juga oleh urutan. Sebuah karya seni adalah keseluruhan yang terorganisir secara kompleks; dari realisasi fakta yang jelas ini mengikuti kebutuhan untuk mengetahui struktur internal pekerjaan, yaitu, untuk memilih komponen individualnya dan menyadari hubungan di antara mereka.

Penolakan terhadap sikap seperti itu mau tidak mau mengarah pada empirisme dan penilaian yang tidak berdasar tentang karya tersebut, untuk menyelesaikan kesewenang-wenangan dalam pertimbangannya, dan pada akhirnya memiskinkan pemahaman kita tentang keseluruhan artistik, meninggalkannya pada tingkat persepsi pembaca utama.

Dalam kritik sastra modern, ada dua kecenderungan utama dalam pembentukan struktur sebuah karya. Yang pertama berangkat dari pemisahan sejumlah lapisan atau tingkatan dalam sebuah karya, seperti halnya dalam linguistik dalam pernyataan terpisah, seseorang dapat membedakan tingkat fonetik, morfologis, leksikal, sintaksis.

Pada saat yang sama, peneliti yang berbeda secara tidak seimbang membayangkan baik set level maupun sifat hubungan mereka. Jadi, M.M. Bakhtin melihat dalam karya itu, pertama-tama, dua tingkat - "plot" dan "plot", dunia yang digambarkan dan dunia gambar itu sendiri, realitas penulis dan realitas pahlawan.

MM. Hirshman mengusulkan struktur tiga tingkat yang lebih kompleks: ritme, plot, pahlawan; Selain itu, organisasi subjek-objek dari karya tersebut menembus level-level ini secara “vertikal”, yang pada akhirnya menciptakan bukan struktur linier, melainkan sebuah kisi-kisi yang ditumpangkan pada karya seni. Ada model lain dari sebuah karya seni, yang direpresentasikan dalam bentuk sejumlah tingkatan, irisan.

Jelas, subjektivitas dan kesewenang-wenangan alokasi level dapat dianggap sebagai kelemahan umum dari konsep ini. Selain itu, belum ada seorang pun yang mencoba membenarkan pembagian ke dalam tingkatan-tingkatan dengan beberapa pertimbangan dan prinsip umum.

Kelemahan kedua mengikuti dari yang pertama dan terdiri dari fakta bahwa tidak ada pembagian berdasarkan tingkat yang mencakup seluruh kekayaan elemen pekerjaan, tidak memberikan ide yang lengkap bahkan tentang komposisinya.

Akhirnya, level harus dianggap sama secara fundamental - jika tidak, prinsip penataan kehilangan maknanya - dan ini dengan mudah menyebabkan hilangnya gagasan tentang inti tertentu dari sebuah karya seni, yang menghubungkan elemen-elemennya ke dalam realitas nyata. integritas; koneksi antara level dan elemen lebih lemah dari yang sebenarnya.

Di sini kita juga harus mencatat fakta bahwa pendekatan "level" sangat kurang memperhitungkan perbedaan mendasar dalam kualitas sejumlah komponen pekerjaan: misalnya, jelas bahwa ide artistik dan detail artistik adalah fenomena dari sebuah sifat yang berbeda secara mendasar.

Pendekatan kedua terhadap struktur sebuah karya seni mengambil kategori umum seperti isi dan bentuk sebagai divisi utamanya. Dalam bentuk yang paling lengkap dan masuk akal, pendekatan ini disajikan dalam karya-karya G.N. Pospelov.

Tren metodologis ini memiliki kekurangan yang jauh lebih sedikit daripada yang dibahas di atas, itu jauh lebih sesuai dengan struktur pekerjaan yang sebenarnya dan jauh lebih dibenarkan dari sudut pandang filosofi dan metodologi.

Esin A.B. Prinsip dan metode analisis sebuah karya sastra. - M., 1998

Karya fiksi- objek utama studi sastra, semacam "unit" sastra terkecil. Formasi yang lebih besar dalam proses sastra - arah, arus, sistem artistik - dibangun dari karya individu, mereka adalah kombinasi dari bagian-bagian. Sebuah karya sastra, di sisi lain, memiliki integritas dan kelengkapan internal, itu adalah unit pengembangan sastra yang mandiri, mampu hidup mandiri. Sebuah karya sastra secara keseluruhan memiliki makna ideologis dan estetika yang lengkap, berbeda dengan komponennya - tema, ide, plot, pidato, dll., Yang menerima makna dan secara umum hanya dapat ada dalam sistem keseluruhan.

Karya sastra sebagai fenomena seni

Karya sastra dan seni adalah karya seni dalam arti sempit*, yaitu salah satu bentuk kesadaran sosial. Seperti semua seni pada umumnya, sebuah karya seni adalah ekspresi dari konten emosional dan mental tertentu, beberapa kompleks ideologis dan emosional dalam bentuk figuratif yang signifikan secara estetika. Menggunakan terminologi M.M. Bakhtin, kita dapat mengatakan bahwa sebuah karya seni adalah "kata tentang dunia" yang diucapkan oleh seorang penulis, penyair, tindakan reaksi orang yang berbakat secara artistik terhadap realitas di sekitarnya.
___________________
* Untuk perbedaan arti kata "seni", lihat: Pospelov G.N. Estetika dan artistik. M, 1965. S. 159-166.

Menurut teori refleksi, pemikiran manusia adalah refleksi dari realitas, dunia objektif. Ini, tentu saja, sepenuhnya berlaku untuk pemikiran artistik. Sebuah karya sastra, seperti semua seni, adalah kasus khusus refleksi subjektif dari realitas objektif. Namun, refleksi, terutama pada tahap perkembangannya yang paling tinggi, yaitu pemikiran manusia, tidak boleh dipahami sebagai refleksi cermin mekanis, sebagai salinan realitas satu-ke-satu. Sifat refleksi yang kompleks dan tidak langsung, mungkin sebagian besar, tercermin dalam pemikiran artistik, di mana momen subjektif, kepribadian unik pencipta, visi aslinya tentang dunia, dan cara berpikir tentangnya sangat penting. Oleh karena itu, sebuah karya seni adalah refleksi pribadi yang aktif; satu di mana tidak hanya reproduksi realitas kehidupan terjadi, tetapi juga transformasi kreatifnya. Selain itu, penulis tidak pernah mereproduksi realitas demi reproduksi itu sendiri: pilihan subjek refleksi, dorongan untuk reproduksi realitas yang kreatif lahir dari pandangan penulis yang pribadi, bias, dan acuh tak acuh tentang dunia.

Dengan demikian, sebuah karya seni adalah satu kesatuan yang tak terpisahkan dari tujuan dan subyektif, reproduksi realitas dan pemahaman penulis tentangnya, kehidupan seperti itu, yang termasuk dalam karya seni dan dikenal di dalamnya, dan sikap pengarangnya. untuk hidup. Kedua aspek seni ini dikemukakan oleh N.G. Chernyshevsky. Dalam risalahnya “The Aesthetic Relations of Art to Reality”, ia menulis: “Makna esensial seni adalah reproduksi segala sesuatu yang menarik bagi seseorang dalam hidup; sangat sering, terutama dalam karya puisi, penjelasan tentang kehidupan, putusan atas fenomenanya, juga muncul ke permukaan. Benar, Chernyshevsky, yang secara polemik mempertajam tesis tentang keunggulan kehidupan di atas seni dalam perang melawan estetika idealis, secara keliru menganggap tugas utama dan wajib hanya tugas pertama - "reproduksi realitas", dan dua lainnya - sekunder dan opsional. Tentu saja lebih tepat untuk berbicara bukan tentang hierarki tugas-tugas ini, tetapi tentang kesetaraan mereka, atau lebih tepatnya, tentang hubungan yang tak terpisahkan antara tujuan dan subyektif dalam sebuah karya: bagaimanapun, seorang seniman sejati tidak dapat menggambarkan kenyataan. tanpa memahami dan mengevaluasinya dengan cara apa pun. Namun, perlu ditekankan bahwa kehadiran momen subjektif dalam sebuah karya seni itu sendiri diakui dengan jelas oleh Chernyshevsky, dan ini merupakan langkah maju dibandingkan dengan, katakanlah, estetika Hegel, yang sangat condong mendekati sebuah karya. seni dengan cara yang murni objektivis, meremehkan atau sama sekali mengabaikan aktivitas pencipta.
___________________
* Chernyshevsky N.G. Penuh col. cit.: Tahun 15 t. M., 1949. T. II. C.87.

Untuk mewujudkan kesatuan citra objektif dan ekspresi subjektif dalam sebuah karya seni juga diperlukan dari segi metodologis, demi tugas-tugas praktis karya analitis dengan karya tersebut. Secara tradisional, dalam studi kami dan khususnya pengajaran sastra, lebih banyak perhatian diberikan pada sisi objektif, yang tidak diragukan lagi memiskinkan gagasan sebuah karya seni. Selain itu, semacam substitusi subjek penelitian dapat terjadi di sini: alih-alih mempelajari sebuah karya seni dengan hukum estetika yang melekat, kita mulai mempelajari realitas yang tercermin dalam karya tersebut, yang tentu saja juga menarik dan penting. , tetapi tidak memiliki hubungan langsung dengan studi sastra sebagai bentuk seni. Pendekatan metodologis, yang bertujuan untuk mempelajari sisi objektif sebuah karya seni, disadari atau tidak, mengurangi pentingnya seni sebagai bentuk independen dari aktivitas spiritual masyarakat, dan pada akhirnya mengarah pada gagasan tentang sifat ilustratif seni dan sastra. Pada saat yang sama, sebuah karya seni sebagian besar kehilangan konten emosional, gairah, kesedihannya yang hidup, yang, tentu saja, terutama terkait dengan subjektivitas penulis.

Dalam sejarah kritik sastra, kecenderungan metodologis ini telah menemukan perwujudannya yang paling nyata dalam teori dan praktik dari apa yang disebut mazhab budaya-sejarah, terutama dalam kritik sastra Eropa. Perwakilannya melihat dalam karya sastra, pertama-tama, tanda-tanda dan ciri-ciri realitas yang direfleksikan; "mereka melihat monumen budaya dan sejarah dalam karya sastra", tetapi "kekhususan artistik, semua kompleksitas karya sastra tidak menarik minat peneliti"*. Perwakilan individu dari sekolah budaya-sejarah Rusia melihat bahaya dari pendekatan sastra semacam itu. Jadi, V. Sipovsky menulis dengan blak-blakan: “Seseorang tidak dapat melihat sastra hanya sebagai cerminan realitas”**.
___________________
* Nikolaev P.A., Kurilov A.S., Grishunin A.L. Sejarah kritik sastra Rusia. M., 1980. S. 128.
** Sipovsky V.V. Sejarah sastra sebagai ilmu. Sankt Peterburg; M. . S.17.

Tentu saja, percakapan tentang sastra dapat berubah menjadi percakapan tentang kehidupan itu sendiri - tidak ada yang tidak wajar atau tidak dapat dipertahankan dalam hal ini, karena sastra dan kehidupan tidak dipisahkan oleh tembok. Namun, pada saat yang sama, setting metodologis menjadi penting, yang tidak membiarkan seseorang melupakan kekhususan estetika sastra, untuk mereduksi sastra dan maknanya menjadi makna ilustrasi.

Jika isi suatu karya seni merupakan satu kesatuan dari kehidupan yang direfleksikan dan sikap pengarang terhadapnya, yaitu mengungkapkan suatu "kata tentang dunia", maka bentuk karya tersebut bersifat kiasan, estetis. Tidak seperti jenis kesadaran sosial lainnya, seni dan sastra, seperti yang Anda tahu, mencerminkan kehidupan dalam bentuk gambar, yaitu, mereka menggunakan objek tunggal yang spesifik, fenomena, peristiwa yang, dalam singularitas spesifiknya, membawa generalisasi. Berbeda dengan konsepnya, gambar memiliki "visibilitas" yang lebih besar, tidak dicirikan oleh logis, tetapi oleh persuasi konkrit-indera dan emosional. Pencitraan adalah dasar seni rupa, baik dalam arti milik seni maupun dalam arti keterampilan tinggi: karena sifat kiasannya, karya seni memiliki nilai estetika, nilai estetika.
Jadi, kita dapat memberikan definisi kerja seperti itu tentang sebuah karya seni: itu adalah konten emosional dan mental tertentu, sebuah "kata tentang dunia", yang diekspresikan dalam bentuk estetis dan figuratif; sebuah karya seni memiliki integritas, kelengkapan dan kemandirian.

Fungsi karya seni

Karya seni yang diciptakan oleh penulis selanjutnya dirasakan oleh pembaca, yaitu mulai menjalani kehidupannya yang relatif mandiri, sambil melakukan fungsi-fungsi tertentu. Mari kita pertimbangkan yang paling penting dari mereka.
Melayani, dalam kata-kata Chernyshevsky, sebagai "buku teks kehidupan", menjelaskan kehidupan dalam satu atau lain cara, sebuah karya sastra melakukan fungsi kognitif atau epistemologis.

Pertanyaan mungkin muncul: Mengapa fungsi ini diperlukan untuk sastra, seni, jika ada sains, yang tugas langsungnya adalah mengenali realitas di sekitarnya? Tetapi kenyataannya adalah seni mengenali kehidupan dalam perspektif khusus, hanya dapat diakses olehnya sendiri dan karenanya tak tergantikan oleh kognisi lainnya. Jika sains memecah-belah dunia, mengabstraksikan aspek-aspek individualnya di dalamnya, dan masing-masing mempelajari subjeknya sendiri, maka seni dan sastra mengenali dunia dalam integritas, ketidakterpisahan, dan sinkretismenya. Oleh karena itu, objek pengetahuan dalam sastra mungkin sebagian bertepatan dengan objek ilmu-ilmu tertentu, terutama "studi manusia": sejarah, filsafat, psikologi, dll, tetapi tidak pernah menyatu dengannya. Mempertimbangkan semua aspek kehidupan manusia dalam satu kesatuan yang tidak terbagi, "penyandingan" (L.N. Tolstoy) dari fenomena kehidupan yang paling beragam menjadi satu gambaran holistik tunggal dunia tetap spesifik untuk seni dan sastra. Kehidupan terbuka untuk sastra dalam perjalanan alaminya; Pada saat yang sama, sastra sangat tertarik pada kehidupan sehari-hari yang konkret dari keberadaan manusia, di mana besar dan kecil, alami dan kebetulan, pengalaman psikologis dan ... tombol yang robek dicampur. Ilmu pengetahuan, tentu saja, tidak dapat menetapkan sendiri tujuan untuk memahami keberadaan kehidupan yang konkret ini dalam semua keragamannya; ia harus mengabstraksikan dari detail dan "hal-hal sepele" acak secara individual untuk melihat yang umum. Namun dalam aspek sinkretisme, integritas, konkrit, kehidupan juga perlu dipahami, dan seni dan sastralah yang mengemban tugas ini.

Perspektif spesifik kognisi realitas juga menentukan cara kognisi tertentu: tidak seperti sains, seni dan sastra mengenali kehidupan, sebagai suatu peraturan, tidak membicarakannya, tetapi mereproduksinya - jika tidak, mustahil untuk memahami realitas dalam sinkretisme dan konkretnya.
Ngomong-ngomong, mari kita perhatikan bahwa bagi orang "biasa", bagi kesadaran biasa (bukan filosofis dan bukan ilmiah), kehidupan muncul persis seperti yang direproduksi dalam seni - dalam ketidakterpisahan, individualitas, keanekaragaman alam. Akibatnya, kesadaran biasa terutama membutuhkan interpretasi kehidupan seperti itu, yang ditawarkan oleh seni dan sastra. Chernyshevsky dengan cerdik mencatat bahwa "isi seni adalah segala sesuatu yang dalam kehidupan nyata menarik minat seseorang (bukan sebagai ilmuwan, tetapi hanya sebagai pribadi)"*.
___________________
* Chernyshevsky N.G. Penuh col. cit.: Dalam 15 jilid.Jil.II. S.17. 2

Fungsi terpenting kedua dari sebuah karya seni adalah evaluatif, atau aksiologis. Ini terutama terdiri dari fakta bahwa, dalam kata-kata Chernyshevsky, karya seni "mungkin memiliki makna kalimat untuk fenomena kehidupan." Menggambarkan fenomena kehidupan tertentu, tentu saja penulis mengevaluasinya dengan cara tertentu. Seluruh karya ternyata diilhami oleh perasaan penulis, bias tertarik, seluruh sistem penegasan dan penolakan artistik, penilaian terbentuk dalam karya. Tetapi intinya tidak hanya dalam "kalimat" langsung ke satu atau lain fenomena kehidupan tertentu yang tercermin dalam karya. Faktanya adalah bahwa setiap karya membawa dan berusaha untuk membangun dalam pikiran pengamat suatu sistem nilai tertentu, jenis orientasi emosional dan nilai tertentu. Dalam pengertian ini, karya-karya tersebut juga memiliki fungsi evaluatif, di mana tidak ada “kalimat” untuk fenomena kehidupan tertentu. Seperti, misalnya, banyak karya lirik.

Berdasarkan fungsi kognitif dan evaluatif, pekerjaan ternyata dapat melakukan fungsi terpenting ketiga - pendidikan. Nilai pendidikan karya seni dan sastra diakui pada zaman dahulu, dan memang sangat besar. Penting untuk tidak mempersempit makna ini, tidak memahaminya dengan cara yang disederhanakan, sebagai pemenuhan tugas didaktik tertentu. Paling sering, dalam fungsi pendidikan seni, penekanannya adalah pada kenyataan bahwa ia mengajarkan untuk meniru karakter positif atau mendorong seseorang untuk satu atau lain tindakan tertentu. Semua ini benar, tetapi makna edukatif sastra sama sekali tidak direduksi menjadi ini. Sastra dan seni menjalankan fungsi ini terutama dengan membentuk kepribadian seseorang, mempengaruhi sistem nilainya, secara bertahap mengajarinya untuk berpikir dan merasakan. Komunikasi dengan karya seni dalam pengertian ini sangat mirip dengan komunikasi dengan orang yang baik dan pintar: tampaknya dia tidak mengajari Anda sesuatu yang spesifik, dia tidak memberi Anda nasihat atau aturan hidup, tetapi Anda tetap merasa lebih baik, lebih pintar , lebih kaya secara rohani.

Tempat khusus dalam sistem fungsi sebuah karya termasuk dalam fungsi estetika, yang terdiri dari fakta bahwa karya tersebut memiliki dampak emosional yang kuat pada pembaca, memberinya kesenangan intelektual dan terkadang sensual, dengan kata lain, dirasakan secara pribadi. Peran khusus dari fungsi khusus ini ditentukan oleh fakta bahwa tanpanya tidak mungkin untuk melakukan semua fungsi lain - kognitif, evaluatif, pendidikan. Faktanya, jika pekerjaan itu tidak menyentuh jiwa seseorang, hanya berbicara, tidak menyukainya, tidak menimbulkan reaksi emosional dan pribadi yang tertarik, tidak membawa kesenangan, maka semua pekerjaan itu sia-sia. Jika masih mungkin untuk memandang secara dingin dan acuh tak acuh terhadap isi kebenaran ilmiah atau bahkan doktrin moral, maka isi suatu karya seni harus dialami agar dapat dipahami. Dan ini menjadi mungkin terutama karena dampak estetika pada pembaca, pemirsa, pendengar.

Oleh karena itu, kesalahan metodologis tanpa syarat, terutama berbahaya dalam pengajaran di sekolah, adalah pendapat yang tersebar luas, dan kadang-kadang bahkan kepercayaan bawah sadar bahwa fungsi estetika karya sastra tidak sepenting yang lainnya. Dari apa yang telah dikatakan, jelas bahwa situasinya justru sebaliknya - fungsi estetika karya hampir yang paling penting, jika orang dapat berbicara tentang kepentingan komparatif dari semua tugas sastra yang benar-benar ada dalam sebuah kesatuan yang tidak dapat dipisahkan. Oleh karena itu, tentu disarankan, sebelum mulai membongkar karya "dengan gambar" atau menafsirkan maknanya, memberi siswa satu atau lain cara (kadang-kadang bacaan yang baik sudah cukup) untuk merasakan keindahan karya ini, untuk membantunya mengalami kesenangan. dari itu, emosi positif. Dan bantuan itu biasanya dibutuhkan di sini, persepsi estetika itu juga perlu diajarkan - tidak ada keraguan tentang ini.

Arti metodologis dari apa yang telah dikatakan terdiri, pertama-tama, pada kenyataan bahwa seseorang tidak boleh akhir studi tentang sebuah karya berdasarkan aspek estetikanya, seperti yang dilakukan di sebagian besar kasus (jika memang, tangan mencapai analisis estetika), dan mulai dari dia. Lagi pula, ada bahaya nyata bahwa tanpa ini, kebenaran artistik dari karya tersebut, dan pelajaran moralnya, dan sistem nilai yang terkandung di dalamnya hanya akan dirasakan secara formal.

Akhirnya, harus dikatakan tentang satu lagi fungsi sebuah karya sastra - fungsi ekspresi diri. Fungsi ini biasanya tidak disebut sebagai yang paling penting, karena dianggap hanya ada untuk satu orang - penulis sendiri. Namun kenyataannya tidak demikian, dan fungsi ekspresi diri ternyata jauh lebih luas, sementara signifikansinya jauh lebih penting bagi budaya daripada yang terlihat pada pandangan pertama. Faktanya bukan hanya kepribadian penulis, tetapi juga kepribadian pembaca yang dapat diekspresikan dalam karya. Melihat sebuah karya yang sangat kita sukai, terutama yang sesuai dengan dunia batin kita, kita sebagian mengidentifikasi diri kita dengan penulisnya, dan mengutip (secara keseluruhan atau sebagian, dengan lantang atau untuk diri kita sendiri), kita sudah berbicara "atas nama kita sendiri". Fenomena yang terkenal, ketika seseorang mengekspresikan keadaan psikologis atau posisi hidupnya dengan garis favoritnya, dengan jelas menggambarkan apa yang dikatakan. Setiap pengalaman pribadi mengetahui perasaan bahwa penulis, dalam satu kata atau lain, atau dalam karya secara keseluruhan, mengungkapkan pikiran dan perasaan terdalam kami, yang tidak dapat kami ungkapkan dengan sempurna oleh diri kami sendiri. Ekspresi diri melalui sebuah karya seni, oleh karena itu, adalah banyak tidak sedikit - penulis, tetapi jutaan - pembaca.

Tetapi pentingnya fungsi ekspresi diri ternyata menjadi lebih penting lagi jika kita ingat bahwa tidak hanya dunia batin individu, tetapi juga jiwa orang, psikologi kelompok sosial, dll. dapat diwujudkan dalam karya individu. Dalam "Internasional" proletariat di seluruh dunia menemukan ekspresi diri artistik; di hari-hari pertama perang, lagu "Bangkitlah, negara yang hebat ..." mengekspresikan dirinya kepada semua orang kita.
Oleh karena itu, fungsi ekspresi diri tidak diragukan lagi harus ditempatkan di antara fungsi terpenting dari sebuah karya seni. Tanpa itu, sulit, dan terkadang tidak mungkin, untuk memahami kehidupan nyata sebuah karya di benak dan jiwa pembaca, untuk menghargai pentingnya dan keniscayaan sastra dan seni dalam sistem budaya.

Realitas artistik. Konvensi artistik

Kekhususan refleksi dan penggambaran dalam seni dan khususnya dalam sastra adalah sedemikian rupa sehingga dalam sebuah karya seni kita melihat, seolah-olah, kehidupan itu sendiri, dunia, semacam realitas. Bukan suatu kebetulan bahwa salah satu penulis Rusia menyebut sebuah karya sastra sebagai "alam semesta yang tereduksi". Dari jenis seperti itu ilusi kenyataan - properti unik karya seni yang tidak melekat pada bentuk kesadaran sosial lainnya. Untuk menunjuk properti ini dalam sains, istilah "dunia artistik", "realitas artistik" digunakan. Tampaknya secara fundamental penting untuk mengetahui dalam proporsi apa realitas vital (primer) dan realitas artistik (sekunder).

Pertama-tama, kami mencatat bahwa dibandingkan dengan realitas primer, realitas artistik adalah jenis konvensi tertentu. Dia adalah dibuat(sebagai lawan dari kenyataan hidup yang ajaib), dan diciptakan untuk sesuatu untuk suatu tujuan tertentu, sebagaimana ditunjukkan dengan jelas oleh adanya fungsi-fungsi karya seni rupa yang dibicarakan di atas. Ini juga berbeda dengan realitas kehidupan yang tidak memiliki tujuan di luar dirinya, yang keberadaannya mutlak, tidak bersyarat, dan tidak memerlukan pembenaran atau pembenaran.

Dibandingkan dengan kehidupan seperti itu, sebuah karya seni tampak seperti konvensi, dan karena dunianya adalah dunianya khayali. Bahkan dengan ketergantungan paling ketat pada materi faktual, peran kreatif fiksi yang sangat besar tetap ada, yang merupakan fitur penting dari kreativitas artistik. Bahkan jika seseorang membayangkan skenario yang hampir mustahil, ketika sebuah karya seni dibangun khusus atas penggambaran suatu peristiwa yang andal dan nyata, maka di sini fiksi, yang dipahami secara luas sebagai pengolahan realitas yang kreatif, tidak akan kehilangan perannya. Itu akan mempengaruhi dan memanifestasikan dirinya dalam pilihan fenomena yang digambarkan dalam karya, dalam membangun hubungan teratur di antara mereka, dalam memberikan kemanfaatan artistik pada materi kehidupan.

Realitas hidup diberikan kepada setiap orang secara langsung dan tidak memerlukan kondisi khusus untuk persepsinya. Realitas artistik dirasakan melalui prisma pengalaman spiritual seseorang dan didasarkan pada beberapa konvensionalitas. Sejak kecil, kita secara tidak kentara dan bertahap belajar mengenali perbedaan antara sastra dan kehidupan, menerima "aturan main" yang ada dalam sastra, dan kita menguasai sistem konvensi yang melekat di dalamnya. Ini dapat diilustrasikan dengan contoh yang sangat sederhana: mendengarkan dongeng, anak dengan sangat cepat setuju bahwa binatang dan bahkan benda mati berbicara di dalamnya, meskipun pada kenyataannya ia tidak mengamati hal seperti itu. Sistem konvensi yang lebih kompleks harus diadopsi untuk persepsi sastra "hebat". Semua ini secara mendasar membedakan realitas artistik dari kehidupan; secara umum, perbedaannya bermuara pada kenyataan bahwa realitas primer adalah alam alam, dan yang sekunder adalah alam budaya.

Mengapa perlu untuk memikirkan secara rinci tentang kondisionalitas realitas artistik dan non-identitas realitas hidupnya? Faktanya adalah bahwa, seperti yang telah disebutkan, non-identitas ini tidak mencegah penciptaan ilusi realitas dalam karya, yang mengarah ke salah satu kesalahan paling umum dalam pekerjaan analitis - yang disebut "pembacaan naif-realistis" . Kesalahan ini terdiri dari identifikasi kehidupan dan realitas artistik. Manifestasinya yang paling umum adalah persepsi karakter dari karya epik dan dramatis, pahlawan liris dalam lirik sebagai kepribadian kehidupan nyata - dengan semua konsekuensi berikutnya. Karakter diberkahi dengan keberadaan yang mandiri, mereka dituntut untuk bertanggung jawab secara pribadi atas tindakan mereka, keadaan hidup mereka yang diduga, dan sebagainya. Suatu ketika, di sejumlah sekolah di Moskow, mereka menulis esai dengan topik "Kamu salah, Sophia!" berdasarkan komedi Griboyedov "Woe from Wit". Seruan "kepada Anda" seperti itu kepada para pahlawan karya sastra tidak memperhitungkan poin paling mendasar dan mendasar: yaitu, bahwa Sophia ini tidak pernah benar-benar ada, bahwa seluruh karakternya dari awal hingga akhir ditemukan oleh Griboedov dan keseluruhannya. sistem tindakannya (di mana dia dapat bertanggung jawab kepada Chatsky sebagai orang fiksi yang sama, yaitu, dalam dunia artistik komedi, tetapi tidak kepada kita, orang sungguhan) juga diciptakan oleh penulis dengan tujuan tertentu, agar untuk mencapai beberapa efek artistik.

Namun, tema esai di atas belum menjadi contoh yang paling aneh dari pendekatan naif-realistis terhadap sastra. Biaya metodologi ini juga termasuk "uji coba" karakter sastra yang sangat populer di tahun 1920-an - Don Quixote diadili karena dia berperang dengan kincir angin, dan bukan dengan penindas rakyat, Hamlet diadili karena kepasifan dan kurangnya kemauan. ... Sendiri peserta "pengadilan" seperti itu sekarang mengingat mereka dengan senyuman.

Mari kita segera mencatat konsekuensi negatif dari pendekatan naif-realistis untuk menilai tidak berbahayanya. Pertama, ini mengarah pada hilangnya kekhususan estetika - tidak mungkin lagi untuk mempelajari sebuah karya sebagai karya seni yang tepat, yaitu, pada akhirnya, untuk mengekstrak informasi artistik tertentu darinya dan menerima darinya kesenangan estetika yang aneh dan tak tergantikan. . Kedua, karena mudah dipahami, pendekatan semacam itu menghancurkan integritas sebuah karya seni dan, merobek detail individu darinya, sangat memiskinkannya. Jika L.N. Tolstoy mengatakan bahwa "setiap pemikiran, yang diungkapkan dalam kata-kata dengan cara yang khusus, kehilangan maknanya, sangat rendah ketika salah satu kopling yang diambilnya diambil"*, lalu berapa nilai karakter individu yang terkoyak dari " tautan" "diturunkan"! Selain itu, dengan fokus pada karakter, yaitu, pada subjek objektif gambar, pendekatan naif-realistis melupakan penulis, sistem penilaian dan hubungannya, posisinya, yaitu, mengabaikan sisi subjektif dari karya. seni. Bahaya dari sikap metodologis seperti itu telah dibahas di atas.
___________________
* Tolstoy L.N. Surat untuk N.N. Strakhov tertanggal 23 April 1876// Poli. col. cit.: V 90 t. M 1953. T. 62. S. 268.

Dan terakhir, yang terakhir, dan mungkin yang paling penting, karena berkaitan langsung dengan aspek moral dari studi dan pengajaran sastra. Pendekatan pahlawan sebagai orang yang nyata, sebagai tetangga atau kenalan, pasti menyederhanakan dan memiskinkan karakter artistik itu sendiri. Orang-orang, yang dibawa keluar dan diwujudkan oleh penulis dalam karya itu, selalu selalu lebih penting daripada orang-orang nyata, karena mereka mewujudkan yang khas, mewakili beberapa generalisasi, kadang-kadang dalam skala yang megah. Menerapkan pada kreasi artistik ini skala kehidupan kita sehari-hari, menilai mereka dengan standar saat ini, kita tidak hanya melanggar prinsip historisisme, tetapi juga kehilangan kesempatan. tumbuh ke level pahlawan, karena kami melakukan operasi yang berlawanan - kami menurunkannya ke level kami. Sangat mudah untuk menyangkal teori Raskolnikov secara logis, bahkan lebih mudah untuk menstigmatisasi Pechorin sebagai seorang egois, meskipun "penderitaan" - jauh lebih sulit untuk menumbuhkan dalam diri seseorang kesiapan untuk pencarian moral dan filosofis untuk ketegangan seperti itu sebagai karakteristik dari para pahlawan ini. Kemudahan sikap terhadap karakter sastra, terkadang berubah menjadi keakraban, sama sekali bukan sikap yang memungkinkan Anda untuk menguasai kedalaman penuh sebuah karya seni, untuk mendapatkan semua yang bisa diberikannya darinya. Dan ini belum lagi fakta bahwa kemungkinan menilai seseorang yang tidak bersuara dan tidak dapat menolak tidak memiliki efek terbaik pada pembentukan kualitas moral.

Pertimbangkan kelemahan lain dalam pendekatan naif-realistis untuk sebuah karya sastra. Pada suatu waktu, sangat populer dalam pengajaran sekolah untuk mengadakan diskusi dengan topik: "Akankah Onegin pergi dengan Desembris ke Lapangan Senat?" Dalam hal ini mereka hampir melihat penerapan prinsip pembelajaran bermasalah, sama sekali tidak menyadari fakta bahwa dengan cara ini prinsip yang lebih penting diabaikan sama sekali - prinsip karakter ilmiah. Adalah mungkin untuk menilai tindakan yang mungkin di masa depan hanya dalam kaitannya dengan orang yang nyata, sementara hukum dunia seni membuat perumusan pertanyaan semacam itu menjadi tidak masuk akal dan tidak berarti. Tidak mungkin untuk bertanya tentang Senat Square, jika dalam realitas artistik "Eugene Onegin" tidak ada Senat Square itu sendiri, jika waktu artistik dalam realitas ini berhenti sebelum mencapai Desember 1825 * dan bahkan nasib Onegin sudah tidak ada kelanjutan, bahkan hipotetis, seperti nasib Lensky. Pushkin terputus tindakan, meninggalkan Onegin "dalam satu menit, jahat baginya", tetapi dengan demikian selesai, menyelesaikan novel sebagai realitas artistik, sepenuhnya menghilangkan kemungkinan spekulasi tentang "nasib lebih lanjut" sang pahlawan. Bertanya "apa yang akan terjadi selanjutnya?" dalam situasi ini sama tidak berartinya dengan menanyakan apa yang ada di luar ujung dunia.
___________________
* Lotman Yu.M. Romawi A.S. Pushkin "Eugene Onegin". Komentar: Panduan guru. L., 1980. S.23.

Apa yang dikatakan contoh ini? Pertama-tama, tentang kenyataan bahwa pendekatan naif-realistis terhadap sebuah karya secara alami mengarah pada pengabaian kehendak penulis, kesewenang-wenangan dan subjektivisme dalam interpretasi sebuah karya. Betapa tidak diinginkannya efek semacam itu bagi kritik sastra ilmiah, hampir tidak perlu dijelaskan.
Biaya dan bahaya metodologi naif-realistis dalam analisis sebuah karya seni dianalisis secara rinci oleh G.A. Gukovsky dalam bukunya "Studi Karya Sastra di Sekolah". Berbicara tentang perlunya pengetahuan tanpa syarat dalam sebuah karya seni, tidak hanya objeknya, tetapi juga citranya, tidak hanya karakternya, tetapi juga sikap pengarangnya terhadapnya, yang sarat dengan makna ideologis, G.A. Gukovsky dengan tepat menyimpulkan: "Dalam sebuah karya seni, "objek" gambar tidak ada di luar gambar itu sendiri, dan tanpa interpretasi ideologis itu tidak ada sama sekali. Artinya, dengan "mempelajari" objek itu sendiri, kita tidak hanya mempersempit karya, tidak hanya membuatnya tidak berarti, tetapi, pada intinya, menghancurkannya, seperti karya yang diberikan. Dengan mengalihkan objek dari iluminasinya, dari makna iluminasi ini, kita mendistorsinya.
___________________
* Gukovsky G.A. Studi sastra di sekolah. (Esai metodologis tentang metodologi). M.; L., 1966. S.41.

Berjuang melawan transformasi pembacaan naif-realistis menjadi metodologi analisis dan pengajaran, G.A. Gukovsky pada saat yang sama melihat sisi lain dari masalah ini. Persepsi naif-realistis dunia seni, dalam kata-katanya, adalah "sah, tapi tidak cukup." G.A. Gukovsky menetapkan tugas "untuk mengajar siswa berpikir dan berbicara tentang dia (pahlawan wanita novel. - A.E.) tidak hanya bagaimana dengan seseorang? tapi dan bagaimana dengan gambar. Apa "legitimasi" pendekatan naif-realistis terhadap sastra?
Faktanya, karena kekhasan sebuah karya sastra sebagai sebuah karya seni, kita, menurut sifat persepsinya, tidak dapat melepaskan diri dari sikap naif-realistis terhadap orang dan peristiwa yang digambarkan di dalamnya. Selama kritikus sastra menganggap karya itu sebagai pembaca (dan, seperti yang mudah dipahami, setiap karya analitis dimulai dengan ini), dia tidak bisa tidak menganggap karakter buku sebagai orang yang hidup (dengan semua konsekuensi berikutnya - dia akan suka dan tidak suka karakter, membangkitkan kasih sayang, kemarahan, cinta, dll), dan peristiwa yang terjadi pada mereka - seperti yang sebenarnya terjadi. Tanpa ini, kita sama sekali tidak akan mengerti apa pun dalam isi karya, belum lagi fakta bahwa sikap pribadi terhadap orang-orang yang digambarkan oleh penulis adalah dasar dari penularan emosional dari karya tersebut dan pengalaman hidupnya dalam pikiran. dari pembaca. Tanpa adanya unsur “realisme naif” dalam membaca sebuah karya, kita mempersepsikannya secara datar, dingin, yang artinya entah karya tersebut buruk, atau diri kita sendiri sebagai pembaca yang buruk. Jika pendekatan naif-realistis, diangkat ke absolut, menurut G.A. Gukovsky, menghancurkan karya itu sebagai karya seni, maka ketidakhadirannya sama sekali tidak memungkinkannya terjadi sebagai karya seni.
Dualitas persepsi realitas artistik, dialektika kebutuhan dan pada saat yang sama ketidakcukupan pembacaan naif-realistis juga dicatat oleh V.F. Asmus: “Syarat pertama yang diperlukan agar membaca dapat berlanjut sebagai membaca sebuah karya seni adalah sikap khusus pikiran pembaca yang beroperasi sepanjang membaca. Berdasarkan sikap ini, pembaca berhubungan dengan apa yang dibaca atau "terlihat" melalui membaca bukan sebagai fiksi atau dongeng yang berkelanjutan, tetapi sebagai semacam kenyataan. Kondisi kedua untuk membaca sesuatu sebagai hal artistik mungkin tampak kebalikan dari yang pertama. Untuk membaca sebuah karya sebagai karya seni, pembaca harus menyadari sepanjang waktu membaca bahwa potongan kehidupan yang ditunjukkan oleh penulis melalui seni, bagaimanapun juga, bukanlah kehidupan langsung, tetapi hanya citranya.
___________________
* Asmus V.F. Pertanyaan tentang teori dan sejarah estetika. M., 1968. S. 56.

Jadi, satu kehalusan teoretis terungkap: pencerminan realitas primer dalam sebuah karya sastra tidak identik dengan realitas itu sendiri, itu bersyarat, tidak mutlak, tetapi salah satu syaratnya adalah bahwa kehidupan yang digambarkan dalam karya itu dirasakan oleh pembaca. sebagai "nyata", asli, yaitu identik dengan realitas primer. Ini adalah dasar dari efek emosional dan estetika yang dihasilkan pada kita oleh pekerjaan, dan keadaan ini harus diperhitungkan.
Persepsi naif-realistis adalah sah dan perlu, karena kita berbicara tentang proses primer, persepsi pembaca, tetapi itu tidak boleh menjadi dasar metodologis analisis ilmiah. Pada saat yang sama, fakta keniscayaan pendekatan naif-realistis terhadap sastra meninggalkan jejak tertentu pada metodologi kritik sastra ilmiah.

Seperti yang telah disebutkan, karya dibuat. Pencipta sebuah karya sastra adalah pengarangnya. Dalam kritik sastra, kata ini digunakan dalam beberapa arti yang terkait, tetapi pada saat yang sama relatif independen. Pertama-tama, perlu untuk menarik garis antara penulis biografi nyata dan penulis sebagai kategori analisis sastra. Dalam pengertian kedua, yang kami maksud dengan pengarang adalah pengemban konsep ideologis sebuah karya seni. Ini terkait dengan penulis asli, tetapi tidak identik dengannya, karena karya seni tidak mewujudkan keseluruhan kepribadian penulis, tetapi hanya beberapa aspeknya (meskipun seringkali yang paling penting). Selain itu, pengarang sebuah karya seni, dalam hal kesan yang dibuat pada pembaca, bisa sangat berbeda dari pengarang aslinya. Dengan demikian, kecerahan, kemeriahan, dan dorongan romantis menuju cita-cita menjadi ciri pengarang dalam karya-karya A. Green, sedangkan A.S. Grinevsky, menurut orang sezamannya, adalah orang yang sama sekali berbeda, agak suram dan suram. Diketahui bahwa tidak semua penulis humoris adalah orang yang ceria dalam hidup. Kritik seumur hidup Chekhov disebut "penyanyi senja", "pesimis", "darah dingin", yang sama sekali tidak sesuai dengan karakter penulis, dan sebagainya. Ketika mempertimbangkan kategori penulis dalam analisis sastra, kami abstrak dari biografi penulis sebenarnya, jurnalistiknya dan pernyataan non-fiksi lainnya, dll. dan kami mempertimbangkan kepribadian penulis hanya sejauh itu memanifestasikan dirinya dalam karya khusus ini, kami menganalisis konsepnya tentang dunia, pandangan dunia. Perlu juga diperingatkan bahwa penulis tidak boleh bingung dengan narator dari karya epik dan pahlawan liris dalam lirik.
Penulis sebagai pribadi biografi yang nyata dan penulis sebagai pembawa konsep karya tidak boleh bingung gambar penulis, yang tercipta dalam beberapa karya seni verbal. Citra pencipta merupakan kategori estetika khusus yang muncul ketika citra pencipta karya ini tercipta di dalam karya tersebut. Ini mungkin gambar "dirinya sendiri" ("Eugene Onegin" oleh Pushkin, "Apa yang harus dilakukan?" Chernyshevsky), atau gambar penulis fiktif dan fiktif (Kozma Prutkov, Ivan Petrovich Belkin oleh Pushkin). Dalam citra penulis, konvensi artistik, non-identitas sastra dan kehidupan dimanifestasikan dengan jelas - misalnya, dalam "Eugene Onegin" penulis dapat berbicara dengan pahlawan yang diciptakan - situasi yang tidak mungkin dalam kenyataan. Gambar penulis jarang muncul dalam sastra, itu adalah perangkat artistik tertentu, dan karena itu memerlukan analisis yang sangat diperlukan, karena mengungkapkan orisinalitas artistik dari karya ini.

? PERTANYAAN UJI:

1. Mengapa sebuah karya seni merupakan “satuan” terkecil dari sastra dan objek utama kajian ilmiah?
2. Apa saja ciri khas karya sastra sebagai karya seni?
3. Apa yang dimaksud dengan kesatuan objektif dan subjektif dalam kaitannya dengan sebuah karya sastra?
4. Apa saja ciri-ciri utama dari gambar sastra dan seni?
5. Apa fungsi karya seni? Apa saja fungsi-fungsi ini?
6. Apa yang dimaksud dengan "ilusi realitas"?
7. Bagaimana realitas primer dan realitas artistik berhubungan satu sama lain?
8. Apa inti dari konvensi artistik?
9. Apa yang dimaksud dengan persepsi sastra yang "naif-realistis"? Apa kekuatan dan kelemahannya?
10. Masalah apa yang terkait dengan konsep pengarang sebuah karya seni?

A.B. Esin
Prinsip dan metode analisis sebuah karya sastra: Buku teks. - edisi ke-3. -M.: Flinta, Nauka, 2000. - 248 hal.

Rencana

1. Ketentuan sastra dan psikologis awal yang menentukan metodologi membaca di kelas dasar.

2. Landasan sastra untuk analisis sebuah karya seni

3. Ciri-ciri psikologis persepsi karya seni oleh siswa yang lebih muda

4. Pola metodologis karya dengan teks sastra di kelas dasar

literatur

1. Lvov M.R., Ramzaeva T.G., Svetlovskaya N.N. Metode pengajaran bahasa Rusia di sekolah dasar. M.: Pencerahan, -1987. –hal.106-112

2. Lvov M.R., Goretsky V.G., Sosnovskaya O.V. Metode pengajaran bahasa Rusia di sekolah dasar. M .: penerbit "Academy", 2000 - 472s

3. Bahasa Rusia di sekolah dasar: Teori dan praktik mengajar. / M.S. Soloveychik, P.S. Zhedek, N.N. Svetlovskaya dan lainnya. - M .: 1993. - 383s

4. Rozhina L.N. Psikologi persepsi pahlawan sastra oleh anak sekolah. M., 1977. - hal.48

1. Ketentuan sastra dan psikologis awal yang menentukan metodologi membaca di kelas dasar.

Dalam ilmu metodologi tahun 30-50-an, pendekatan tertentu terhadap analisis sebuah karya seni di sekolah dasar dikembangkan, yang didasarkan pada orisinalitas sebuah karya seni dibandingkan dengan artikel ilmiah dan bisnis, mengasumsikan pekerjaan bertahap. pada pekerjaan, pengembangan keterampilan membaca, analisis pekerjaan pada bagian-bagian, diikuti oleh generalisasi, pekerjaan sistematis pada pengembangan pidato. E.A. Adamovich, N.P. Kanonykin, S.P. Redozubov, N.S. Rozhdestvensky dan lainnya memberikan kontribusi besar untuk pengembangan metodologi membaca penjelasan.

Pada tahun 1960-an, perubahan dilakukan pada isi dan metode pengajaran membaca di kelas. Ini mengarah pada peningkatan metodologi untuk menganalisis sebuah karya seni: lebih banyak latihan kreatif diberikan, pekerjaan dilakukan secara keseluruhan, dan bukan pada bagian-bagian kecil yang terpisah, berbagai jenis tugas digunakan dalam bekerja dengan teks. . Ahli metodologi berikut mengambil bagian dalam pengembangan metodologi membaca kelas: V.G. Goretsky, K.T. Golenkina, L.A. Gorbushina, M.I. Omorokova, dan lainnya.

Pada 1980-an, program membaca untuk sekolah tiga tahun ditingkatkan dan program dibuat untuk mengajar di sekolah dasar empat tahun. Penulis program dan buku untuk membaca: V.G. Goretsky, L.F. Klimanova dan lainnya, dengan fokus pada implementasi fungsi pendidikan, pengasuhan dan pengembangan pendidikan, melakukan pemilihan karya, dengan mempertimbangkan nilai kognitif, orientasi sosial dan ideologis dan moralnya , signifikansi pendidikan, sesuai dengan karakteristik usia siswa yang lebih muda.

Metode modern membaca sebuah karya seni melibatkan analisis wajib teks di kelas di bawah bimbingan seorang guru. Prinsip kerja ini, pertama, memiliki akar sejarah, kedua, ditentukan oleh kekhasan fiksi sebagai bentuk seni, dan ketiga, ditentukan oleh psikologi persepsi sebuah karya seni oleh siswa yang lebih muda.

Metode explanatory reading yang sudah ada sebelumnya mengharuskan guru untuk mengajukan pertanyaan terhadap teks yang sedang dibacakan. Pertanyaan-pertanyaan tersebut bersifat menyatakan dan tidak banyak membantu siswa untuk memahami pekerjaan seperti guru untuk memastikan bahwa fakta-fakta utama dari pekerjaan itu dipelajari oleh anak-anak. Dalam generalisasi berikutnya pada pelajaran, potensi pendidikan dari karya itu terungkap.

Dalam pengajaran membaca modern, prinsip umum bekerja dengan sebuah karya telah dipertahankan, tetapi sifat pertanyaannya telah berubah secara signifikan. Sekarang tugas guru bukanlah menjelaskan fakta pekerjaan, tetapi mengajar anak untuk merenungkannya. Dengan pendekatan membaca ini, maka landasan sastra terhadap analisis suatu karya seni menjadi fundamental.

Utama ketentuan metodologis, mendefinisikan pendekatan analisis suatu karya seni rupa adalah sebagai berikut:

Klarifikasi dasar ideologis dan tematik dari karya tersebut, gambarnya, alur cerita, komposisi, dan sarana visualnya melayani pengembangan siswa secara keseluruhan sebagai individu, dan juga memastikan pengembangan pidato siswa;

Ketergantungan pada pengalaman hidup siswa adalah dasar untuk persepsi sadar tentang isi karya dan kondisi yang diperlukan untuk analisis yang benar;

Membaca dianggap sebagai sarana untuk meningkatkan aktivitas kognitif siswa dan memperluas pengetahuan mereka tentang realitas di sekitarnya;

Analisis teks harus membangkitkan pikiran, perasaan, membangkitkan kebutuhan untuk berbicara, menghubungkan pengalaman hidup Anda dengan fakta-fakta yang disajikan oleh penulis.

Metodologi modern didasarkan pada prinsip-prinsip teoretis yang dikembangkan oleh ilmu-ilmu seperti kritik sastra, psikologi, dan pedagogi. Untuk organisasi yang benar dari pelajaran membaca dan sastra, guru perlu mempertimbangkan kekhasan sebuah karya seni, dasar psikologis dari proses membaca pada berbagai tahap pendidikan, kekhasan persepsi dan asimilasi teks oleh anak-anak sekolah, dll.

2. Landasan sastra untuk analisis sebuah karya seni

Membaca buku termasuk fiksi dari berbagai genre dan artikel sains populer. Isi objektif dari setiap karya adalah kenyataan. Dalam sebuah karya seni, kehidupan direpresentasikan dalam gambar. Bentuk kiasan dari refleksi realitas merupakan perbedaan yang signifikan antara sebuah karya seni dan sebuah karya ilmiah. Di bawah jalan dipahami sebagai "refleksi umum dari realitas dalam bentuk individu tunggal" (L.I. Timofeev). Dengan demikian, refleksi figuratif realitas dicirikan oleh dua: sifat-sifat: generalisasi dan individualitas.

Di tengah-tengah sebuah karya seni, paling sering ada seseorang dalam semua kompleksitas hubungannya dengan masyarakat dan alam.

Dalam sebuah karya sastra, bersama dengan konten objektif, ada penilaian subjektif oleh penulis tentang peristiwa, fakta, hubungan manusia. Penilaian subjektif ini ditransmisikan melalui gambar. Pilihan situasi kehidupan di mana karakter menemukan dirinya, tindakannya, hubungan dengan orang-orang dan alam menanggung penilaian penulis. Ketentuan ini secara teoritis dan praktis penting untuk metodologi. Pertama, ketika menganalisis sebuah karya seni, guru memberikan tempat sentral untuk pengungkapan motif perilaku karakter dan sikap penulis terhadap yang digambarkan. Kedua, pembacaan teks yang benar, pemahaman yang benar tentang motif karakter, penilaian yang andal terhadap fakta dan peristiwa yang dijelaskan dalam karya dimungkinkan di bawah kondisi pendekatan historis terhadap yang digambarkan dalam karya tersebut. Ini menunjukkan perlunya pengenalan singkat siswa dengan waktu yang tercermin dalam pekerjaan dan pengembangan pendekatan evaluatif terhadap tindakan aktor, dengan mempertimbangkan faktor temporal dan sosial. Ketiga, disarankan untuk memperkenalkan anak-anak dengan kehidupan penulis, pandangannya, karena dalam karya tersebut penulis berusaha untuk menyampaikan sikapnya terhadap fakta yang digambarkan, fenomena, ide-ide spesifik dari lapisan masyarakat tertentu. Evaluasi penulis terhadap materi kehidupan merupakan gagasan sebuah karya seni. Ketika menganalisis sebuah karya seni, penting untuk mengajar siswa untuk memahami orientasi ideologis dari karya tersebut, yang diperlukan untuk persepsi yang benar dari karya tersebut, untuk pembentukan pandangan dunia siswa, perasaan kewarganegaraan mereka.

Untuk pengorganisasian karya yang benar pada sebuah karya seni, perlu untuk melanjutkan dari posisi interaksi bentuk dan konten. Interaksi ini meresapi semua komponen karya, termasuk gambar, komposisi, plot, sarana visual. Konten memanifestasikan dirinya dalam bentuk, formulir berinteraksi dengan konten. Yang satu tidak ada tanpa yang lain. Oleh karena itu, ketika menganalisis sebuah karya dalam sebuah kompleks, konten spesifik, gambar, sarana penggambaran artistik dipertimbangkan.

Semua hal di atas memungkinkan kita untuk membuat metodis temuan:

1) ketika menganalisis sebuah karya seni, perlu untuk menjaga gambar yang dibuat oleh penulis tetap terlihat. Dalam sastra, ada gambar-lanskap, gambar-benda dan gambar-karakter;

2) di sekolah dasar, ketika menganalisis karya epik, perhatian pembaca terfokus pada gambar-karakter. Istilah gambar tidak digunakan, kata-kata digunakan pahlawan karya, protagonis, karakter;

3) di sekolah dasar, karya-karya lirik lanskap ditawarkan untuk dibaca, mis. mereka di mana pahlawan liris difokuskan pada pengalaman yang disebabkan oleh gambar eksternal. Oleh karena itu, sangat penting untuk mendekatkan gambar-gambar bergambar-lanskap yang dibuat kepada anak, untuk membantunya melihat realitas yang membekas pada penyair. Untuk melakukan ini, akan berguna untuk menarik kesejajaran antara representasi imajiner yang muncul (gambar) dan struktur verbal (kamus) dari karya tersebut;

5) saat menganalisis, penting untuk memperhatikan membentuk bekerja dan mengajar untuk memahami komponen formal.

3. Ciri-ciri psikologis persepsi karya seni oleh siswa yang lebih muda

Sastra adalah jenis seni yang khusus, karena tindakan mempersepsikan gambar-gambar di pusat sebuah karya adalah proses yang kompleks. Seniman menggambarkan dunia dengan bantuan warna, komposer menggunakan suara, arsitek menggunakan bentuk spasial, dan penulis, penyair menggunakan kata. Penonton, pendengar mempersepsikan karya seni rupa, musik, arsitektur secara langsung dengan panca indera, yaitu memahami bahan dari mana pekerjaan itu "dibuat". Dan pembaca merasakan tanda-tanda grafik yang dicetak di atas kertas, dan hanya dengan menyalakan mekanisme mental otak tanda-tanda grafik ini diubah menjadi kata-kata. Berkat kata-kata dan imajinasi yang menciptakan, gambar dibangun, dan sudah gambar-gambar ini membangkitkan reaksi emosional dari pembaca, menimbulkan empati terhadap karakter dan penulis, dan dari sini muncul pemahaman tentang karya dan pemahaman tentang seseorang. sikap terhadap apa yang dibaca.

Psikolog mengidentifikasi beberapa tingkat pemahaman teks. Pertama, yang paling dangkal adalah pemahaman tentang apa yang dikatakan. Berikutnya ( kedua) tingkat ini ditandai dengan pemahaman "tidak hanya apa yang dikatakan, tetapi juga apa yang dikatakan dalam pernyataan" (I.A. Zimnyaya)

Keterampilan membaca yang sempurna melibatkan otomatisasi lengkap dari langkah pertama persepsi. Decoding tanda-tanda grafis tidak menyebabkan kesulitan bagi pembaca yang memenuhi syarat, ia menghabiskan semua upayanya untuk memahami sistem figuratif karya tersebut, untuk menciptakan kembali dunia artistik karya tersebut dalam imajinasi, untuk memahami idenya dan sikapnya sendiri terhadapnya. Namun, siswa yang lebih muda belum memiliki keterampilan membaca yang memadai, oleh karena itu, baginya, mengubah karakter grafis menjadi kata-kata, memahami arti kata-kata dan hubungannya adalah operasi yang agak melelahkan yang sering menaungi semua tindakan lain, dan membaca dengan demikian berubah menjadi suara sederhana. , dan tidak menjadi komunikasi dengan penulis karya tersebut. Kebutuhan untuk membaca teks sendiri sering kali mengarah pada fakta bahwa makna karya tersebut tetap tidak jelas bagi pembaca pemula. Oleh karena itu, menurut M.R. Lvov, pembacaan utama pekerjaan harus dilakukan oleh guru. Penting untuk melakukan pekerjaan kosa kata yang menyeluruh: menjelaskan, mengklarifikasi arti kata-kata, memberikan pembacaan awal kata-kata dan frasa yang sulit, mempersiapkan anak-anak secara emosional untuk persepsi pekerjaan. Perlu diingat bahwa pada tahap ini anak masih pendengar, tapi tidak pembaca. Mengamati karya dengan telinga, ia menemukan konten bersuara dan bentuk bersuara. Melalui bentuk yang disajikan oleh guru, dengan fokus pada intonasi, gerak tubuh, ekspresi wajah, anak menembus isinya.

Seorang pembaca yang memenuhi syarat merasakan sebuah karya seni secara bersamaan dengan dua sudut pandang: Pertama-tama, sebagai dunia khusus di mana peristiwa yang dijelaskan berlangsung; Kedua, sebagai realitas yang dibangun untuk tujuan khusus dan menurut hukum khusus, yang mematuhi kehendak penulis, sesuai dengan rencananya. Perpaduan yang serasi dari kedua sudut pandang ini dalam aktivitas pembaca membuat individu yang tahu bagaimana menyuarakan tanda-tanda grafis, pembaca.

Pembaca yang tidak memenuhi syarat dan tidak terlatih, masing-masing, bisa menjadi dua jenis:

1) orang yang hanya berdiri pada sudut pandang "internal", tidak memisahkan dirinya dari teks, memahami apa yang tertulis, hanya berdasarkan pengalaman duniawinya. Pembaca seperti itu disebut realis naif". Mereka mempersepsikan dunia artistik karya sebagai kenyataan dan pengalaman ketika membaca bukan estetis, tetapi emosi duniawi. Tinggal lama dalam tahap "realis naif" menghalangi pembaca untuk menikmati kesatuan yang harmonis dari bentuk dan isi sebuah karya seni, menghilangkan kesenangannya untuk memahami maksud penulis secara memadai, dan juga menghubungkan pengalaman subjektif pembacanya. dengan interpretasi objektif dari karya dalam ilmu sastra;

2) orang yang hanya berdiri pada sudut pandang "eksternal" dan memandang dunia karya sebagai penemuan, konstruksi buatan, tanpa kebenaran hidup. Orang-orang seperti itu tidak mengkorelasikan sikap pribadinya dengan nilai-nilai pengarang, mereka tidak tahu bagaimana memahami posisi pengarang, oleh karena itu mereka tidak merespon secara emosional dan secara estetis tidak bereaksi terhadap karya tersebut.

Pelajar junior - "realis naif"". Pada usia ini, ia tidak menyadari hukum-hukum khusus dalam mengkonstruksi teks sastra dan tidak memperhatikan bentuk karya. Pemikirannya masih aktif-figuratif. Anak tidak memisahkan objek, kata yang menunjukkan objek ini, dan tindakan yang dilakukan dengan objek ini, oleh karena itu, dalam pikiran anak, bentuk tidak dipisahkan dari konten, tetapi menyatu dengannya. Seringkali bentuk yang kompleks menjadi kendala untuk memahami isinya. Oleh karena itu, salah satu tugas guru adalah mengajar anak-anak sudut pandang "eksternal", yaitu kemampuan memahami struktur karya dan mengasimilasi pola konstruksi dunia seni.

Untuk organisasi yang benar dari analisis sebuah karya, perlu untuk mempertimbangkan kekhasan persepsi sebuah karya seni oleh anak-anak usia sekolah dasar. Dalam studi O.I. Nikiforova, L.N. Rozhina dan lainnya, karakteristik psikologis dari persepsi dan evaluasi pahlawan sastra oleh anak-anak sekolah yang lebih muda dipelajari. Dua jenis sikap terhadap pahlawan sastra didirikan:

Emosional, yang dibentuk atas dasar operasi tertentu dengan generalisasi kiasan;

Intellectual-evaluative, di mana siswa menggunakan konsep moral pada tingkat analisis unsur. Kedua jenis hubungan ini bergantung pada karakteristik analisis dan generalisasi oleh anak-anak tentang pengalaman membaca dan sehari-hari mereka.

Menurut O.I. Nikiforova, siswa yang lebih muda dalam analisis pengalaman hidup mereka sendiri ada di dua level: a) generalisasi emosional-figuratif, b) analisis dasar. Ketika mengevaluasi karakter dalam karya, siswa beroperasi dengan konsep moral seperti yang ada dalam pengalaman pribadi mereka. Paling sering mereka menyebut kualitas moral seperti keberanian, kejujuran, ketekunan, kebaikan. Anak-anak mengalami kesulitan yang signifikan dalam mengkarakterisasi pahlawan karena mereka tidak tahu terminologi yang tepat. Tugas guru adalah memperkenalkan kata-kata ke dalam pidato anak-anak ketika menganalisis pekerjaan, yang mencirikan kualitas moral, intelektual, emosional karakter.

Diketahui bahwa pemahaman pembaca tentang karakter dalam karya terjadi atas dasar kesadaran akan motif perilaku mereka, oleh karena itu, kerja yang bertujuan dengan siswa tentang motif perilaku pahlawan diperlukan.

Studi khusus telah menetapkan ketergantungan kesadaran siswa yang lebih muda tentang kualitas aktor pada metode (kondisi) untuk manifestasi kualitas ini. Secara khusus, L.N. Rozhina mencatat bahwa siswa mengalami kesulitan paling sedikit ketika penulis menggambarkan suatu tindakan (kualitas diwujudkan dalam tindakan). Yang paling sulit dipahami anak-anak adalah kualitas-kualitas yang dimanifestasikan dalam pengalaman dan pemikiran para karakter. Fakta berikut ini bukannya tanpa minat: “Jika kualitas tidak disebutkan oleh penulis, tetapi oleh karakter karya, maka mereka lebih sering dibedakan oleh anak-anak, tetapi dengan satu syarat - jika, setelah menunjuk ke kualitas tertentu, diceritakan bagaimana itu memanifestasikan dirinya, dan jika penilaian terdengar dalam pernyataan karakter, kualitas-kualitas ini” (Rozhina L.N.). Untuk mengatur proses analisis karya seni dengan baik, guru perlu mengetahui kondisi apa yang memengaruhi persepsi karya dan, khususnya, karakternya.

Dengan demikian, dinamika zaman dalam memahami karya seni pada umumnya dan tokoh pada khususnya dapat direpresentasikan sebagai semacam jalan dari empati terhadap tokoh tertentu, simpati terhadapnya hingga memahami posisi pengarang dan selanjutnya menuju persepsi yang digeneralisasikan terhadap dunia seni rupa. dan kesadaran sikap seseorang terhadapnya, untuk memahami pengaruh pekerjaan pada pengaturan pribadi mereka. Namun, hanya dengan bantuan orang dewasa, seorang guru, siswa yang lebih muda dapat menempuh jalan ini. Tentang tugas guru dapat didefinisikan sebagai kebutuhan untuk: 1) bersama-sama dengan anak-anak, memperjelas dan mengkonsolidasikan kesan membaca utama mereka; 2) untuk membantu memperjelas dan memahami persepsi subjektif dari karya, membandingkannya dengan logika objektif dan struktur karya.

Pada saat yang sama, guru harus ingat bahwa tingkat kematangan membaca siswa di kelas 1-11 dan kelas 111-1U berbeda secara signifikan.

Siswa kelas 1-11 tidak dapat secara mandiri, tanpa bantuan orang dewasa, menyadari konten ideologis dari pekerjaan itu; anak-anak seusia ini, menurut deskripsi, tidak dapat menciptakan kembali dalam imajinasi mereka gambar objek yang sebelumnya tidak dikenal, tetapi melihatnya hanya pada tingkat emosional: "menakutkan", "lucu"; pembaca 6-8 tahun tidak menyadari bahwa dalam sebuah karya seni yang diciptakan bukanlah realitas nyata, melainkan sikap pengarang terhadap realitas, sehingga tidak merasakan posisi pengarang, sehingga tidak memperhatikan bentuknya. dari pekerjaan. Seorang pembaca tingkat pelatihan ini tidak dapat menilai korespondensi antara isi dan bentuk.

Siswa di kelas 111-1U telah memperoleh beberapa pengalaman membaca, beban hidup mereka menjadi lebih signifikan, dan beberapa materi sastra dan sehari-hari telah terakumulasi, yang dapat digeneralisasikan secara sadar. Pada usia ini, anak, di satu sisi, mulai merasa seperti orang yang terpisah, di sisi lain, berpisah dengan egosentrisme kekanak-kanakan. Dia terbuka untuk komunikasi, siap untuk "mendengar" lawan bicaranya, untuk bersimpati dengannya. Sebagai pembaca, dia sudah memanifestasikan dirinya di tingkat yang lebih tinggi:

Mampu memahami secara mandiri ide suatu karya, jika komposisinya tidak rumit, dan karya dengan struktur serupa telah dibahas sebelumnya;

Imajinasi cukup berkembang untuk menciptakan kembali objek yang sebelumnya tidak terlihat menurut deskripsi, jika sarana bahasa yang dikuasai digunakan untuk menggambarkannya;

Tanpa bantuan dari luar, ia dapat memahami ciri-ciri formal suatu karya, jika ia telah mengamati teknik-teknik kiasan dan ekspresif yang serupa dalam kegiatan membaca;

Dengan demikian, ia dapat mengalami kesenangan mengamati bentuk, memperhatikan dan mengevaluasi kasus-kasus korespondensi antara konten dan bentuk.

Pada usia ini, tren baru muncul dalam aktivitas membaca: anak tidak hanya puas dengan reaksi sensual dan emosional terhadap apa yang dia baca, dia berusaha menjelaskan secara logis apa yang dia baca untuk dirinya sendiri; segala sesuatu yang dibaca harus dapat dimengerti olehnya. Namun, tren ini, bersama dengan sisi positifnya, juga memiliki sisi negatif: segala sesuatu yang tidak jelas tidak dibaca dalam teks. Sulit bagi pembaca yang tidak terlatih untuk melakukan upaya untuk mengungkapkan "kode karya", dan karena alasan ini, ketulian emosional pembaca secara bertahap berkembang, ketika tidak ada gambar, ide, atau suasana hati yang muncul di balik kata tersebut. Membaca menjadi tidak menarik dan membosankan, aktivitas membaca memudar, seseorang tumbuh dewasa, tetapi tidak menjadi pembaca.

4. Pola metodologis karya dengan teks sastra di kelas dasar

Kesimpulan metodis semua hal di atas bisa:

Saat menganalisis sebuah karya, perlu dikembangkan pemahaman tentang tentang apa bekerja dan sebagai ini dituangkan dalam karya, sehingga membantu mewujudkan bentuk karya;

Sarana bahasa harus dipahami, berkat gambar-gambar karya itu dibuat;

Saat menganalisis sebuah karya, perhatian anak-anak harus diarahkan pada struktur karya;

Penting untuk mengaktifkan dalam pidato kata-kata anak-anak yang menunjukkan kualitas emosional dan moral;

Saat menganalisis sebuah karya, data ilmu metodologis juga harus diperhitungkan. Secara khusus, guru harus mengingat doktrin jenis kegiatan membaca yang benar, yang menentukan kebutuhan untuk memikirkan pekerjaan. sebelum membaca, saat membaca dan setelah membaca, dan juga tidak melupakan prinsip multi-reading produktif, yang melibatkan membaca ulang fragmen teks yang penting untuk memahami ide karya.

Tugas untuk pekerjaan mandiri

1. Menurut Anda, manakah dari ketiga jenis sikap terhadap sastra yang disebutkan di bawah ini, yang melekat pada siswa sekolah dasar? Bagaimana sikap sastra yang lebih produktif bagi perkembangan kepribadian pembaca?

1. Identifikasi karya sastra dengan realitas itu sendiri, yaitu sikap yang spesifik dan tidak digeneralisasikan terhadap fakta-fakta yang dideskripsikan dalam karya.

2. Memahami sastra sebagai fiksi yang tidak ada hubungannya dengan kehidupan nyata.

3. Sikap terhadap sastra sebagai gambaran umum realitas (klasifikasi dipinjam dari buku oleh O.I. Nikiforova).

11. Apakah imajinasi diperlukan untuk persepsi dan pemahaman penuh tentang fiksi? Untuk apa? (lihat Marshak S.Ya. Tentang pembaca berbakat // Koleksi Karya: Dalam 8 vol. - M., 1972 - hlm. 87)

111. Berdasarkan apa yang telah Anda baca, jelaskan tingkat persepsi artistik berikutnya yang lebih tinggi - persepsi "berpikir". Bagaimana seorang guru dapat mengatur pembacaan sedemikian sehingga komunikasi dengan sastra mencakup persepsi "langsung" dan "berpikir", sehingga menjadi membaca-berpikir, membaca-penemuan?

Kunci tugas untuk pekerjaan mandiri

1. Jenis sikap pertama terhadap sastra melekat pada siswa yang lebih muda - persepsi naif-realistis.

Realisme naif dicirikan oleh kurangnya pemahaman bahwa sebuah karya seni diciptakan oleh seseorang dan untuk sesuatu, oleh kurangnya perhatian pada bentuk artistik dari karya tersebut.

Realis naif hanya melihat garis besar plot yang penting dari karya tersebut, tidak menangkap makna yang untuknya karya sastra itu dibuat. Di bawah pengaruh karya baca, pembaca tersebut memiliki keinginan untuk mereproduksi dalam permainan atau dalam situasi kehidupan tindakan karakter yang mereka sukai, dan untuk menghindari mengulangi tindakan karakter negatif. Dampak sastra pada pembaca semacam itu sangat primitif karena ketidaksempurnaan persepsi mereka.

Tugas guru adalah membantu anak-anak melestarikan kedekatan, emosionalitas, kecerahan persepsi konten tertentu dan pada saat yang sama mengajar mereka untuk memahami makna yang lebih dalam dari karya tersebut, yang diwujudkan oleh penulis dengan bantuan sarana figuratif fiksi. . Menurut Kachurin A., siswa kelas dua tidak hanya mampu "membaca naif-realistis", tetapi juga memahami makna terdalam teks

11. “Sastra membutuhkan pembaca berbakat serta penulis berbakat. Pada mereka, pada pembaca yang berbakat, sensitif, dan imajinatif ini, penulis diperhitungkan ketika dia mengerahkan semua kekuatan mentalnya untuk mencari gambar yang tepat, tindakan yang tepat, kata yang tepat. Artis-penulis hanya mengambil sebagian dari karya. Selebihnya harus dilengkapi oleh seniman-pembaca dengan imajinasinya ”(Marshak S.Ya.)

Ada dua jenis imajinasi - kreatif dan kreatif. Inti dari penciptaan kembali imajinasi adalah untuk menyajikan, menurut deskripsi verbal penulis, gambaran kehidupan yang diciptakan oleh penulis (potret, lanskap ...)

Imajinasi kreatif terdiri dari kemampuan untuk menyajikan secara rinci gambar yang sedikit disajikan dalam bentuk verbal.

Kemampuan untuk melihat dan merasakan apa yang direfleksikan oleh penulis dalam teks mencirikan tahap pertama dari pemahaman penuh dari sebuah karya sastra - tahap persepsi "langsung".

111. Dengan mekanisme persepsi yang cacat, pembaca hanya mengasimilasi skema plot karya dan ide-ide skematis abstrak tentang gambar-gambarnya. Itulah mengapa perlu untuk mengajari anak-anak persepsi "berpikir", kemampuan untuk merenungkan buku, dan karenanya tentang seseorang dan tentang kehidupan secara umum. Analisis pekerjaan harus menjadi pemikiran bersama (guru dan siswa), yang seiring waktu akan memungkinkan Anda mengembangkan kebutuhan untuk memahami apa yang Anda baca sendiri.

Tes dan tugas untuk kuliah No 5

Dasar ilmiah untuk analisis sebuah karya seni

1. Sebutkan para ahli metodologi yang telah memberikan kontribusi besar bagi pengembangan metodologi membaca penjelasan: A) E.A. Adamovich, B) Ramzaeva T.G., C) N.P. Kanonykin, D) S.P. Redozubov, E) N. S. Rozhdestvensky

11. Sebutkan para ahli metodologi yang telah memberikan kontribusi besar pada metodologi membaca di kelas: A) D.B. Elkonin, B) M.R. Lvov, C) V.G. Goretsky, D) K.T. Golenkina, E) L.A. .Gorbushina, E) M.I. Omorokova.

111. Apa perbedaan esensial antara karya seni dan karya ilmiah: A) sarana representasi artistik, B) konten khusus, C) bentuk kiasan refleksi realitas?

1U. Kriteria pembentukan pembaca tingkat tinggi: A) kemampuan menceritakan kembali karya, B) kemampuan memahami gagasan karya; C) kemampuan untuk membuat kembali objek yang sebelumnya tidak terlihat sesuai dengan deskripsi; D) pembentukan kemampuan untuk "membiakkan" posisi pembaca sendiri dan posisi penulis; D) pengetahuan tentang fitur formal pekerjaan; E) kemampuan untuk memperhatikan dan mengevaluasi kasus-kasus korespondensi antara isi dan bentuk.

Buat daftar kriteria untuk pembentukan pembaca tingkat tinggi

U1 Saat menganalisis sebuah karya, Anda perlu: A) membentuk kemampuan untuk menemukan gagasan utama, B) menumbuhkan pemahaman tentang apa tentang apa bekerja dan sebagai ini dinyatakan dalam pekerjaan; C) sarana linguistik harus dipahami, berkat gambar karya mana yang dibuat; D) ketika menganalisis sebuah karya, perhatian anak-anak harus diarahkan pada struktur karya; E) perlu untuk mengaktifkan dalam pidato kata-kata anak-anak yang menunjukkan kualitas emosional dan moral; E) dalam menganalisis sebuah karya, data ilmu metodologis juga harus diperhitungkan.

Kuliah nomor 6.

Informasi serupa.

Seni adalah bidang aktivitas manusia yang ditujukan pada sisi emosional dan estetika kepribadiannya. Melalui gambar pendengaran dan visual, melalui kerja mental dan spiritual yang intens, ada semacam komunikasi dengan pencipta dan untuk siapa itu diciptakan: pendengar, pembaca, pemirsa.

Arti istilah

Sebuah karya seni adalah konsep yang terkait terutama dengan sastra. Istilah ini tidak berarti sembarang teks koheren, tetapi membawa beban estetika tertentu. Nuansa inilah yang membedakan karya semacam itu dari, misalnya, risalah ilmiah atau dokumen bisnis.

Karya seni bersifat imajinatif. Tidak masalah apakah ini novel multi-volume atau hanya syair. Imaji dipahami sebagai kejenuhan teks dengan ekspresif-piktorial.Pada tataran kosa kata, hal ini diekspresikan dalam penggunaan kiasan oleh pengarang seperti julukan, metafora, hiperbola, personifikasi, dll. Pada tataran sintaksis, sebuah karya seni dapat dipenuhi dengan inversi, kiasan retorika, repetisi atau sambungan sintaksis, dan sebagainya.

Ini ditandai dengan makna kedua, tambahan, dan dalam. Subteks ditebak oleh sejumlah tanda. Fenomena seperti itu bukan karakteristik teks bisnis dan ilmiah, yang tugasnya adalah menyediakan informasi yang dapat dipercaya.

Sebuah karya seni dikaitkan dengan konsep-konsep seperti tema dan ide, posisi penulis. Topiknya adalah tentang apa teks itu: peristiwa apa yang dijelaskan di dalamnya, era apa yang diliput, subjek apa yang sedang dipertimbangkan. Dengan demikian, subjek penggambaran dalam lirik lanskap adalah alam, keadaannya, manifestasi kehidupan yang kompleks, cerminan keadaan mental seseorang melalui keadaan alam. Ide sebuah karya seni adalah pemikiran, cita-cita, pandangan yang diekspresikan dalam karya. Jadi, ide utama Pushkin yang terkenal "Saya ingat momen yang indah ..." adalah untuk menunjukkan kesatuan cinta dan kreativitas, memahami cinta sebagai prinsip pendorong utama, menghidupkan kembali, dan menginspirasi. Dan posisi atau sudut pandang pengarang adalah sikap penyair, pengarang terhadap gagasan-gagasan tersebut, pahlawan-pahlawan yang tergambar dalam ciptaannya. Mungkin kontroversial, mungkin tidak sesuai dengan garis utama kritik, tetapi justru inilah yang menjadi kriteria utama dalam mengevaluasi teks, mengidentifikasi sisi ideologis dan semantiknya.

Sebuah karya seni adalah satu kesatuan bentuk dan isi. Setiap teks dibangun menurut hukumnya sendiri dan harus mematuhinya. Jadi, novel secara tradisional mengangkat masalah yang bersifat sosial, menggambarkan kehidupan kelas atau sistem sosial, yang melaluinya, seperti dalam prisma, masalah dan bidang kehidupan masyarakat secara keseluruhan tercermin. Dalam puisi liris, kehidupan jiwa yang intens tercermin, pengalaman emosional disampaikan. Menurut definisi kritikus, dalam sebuah karya seni nyata tidak ada yang bisa ditambahkan atau dikurangi: semuanya ada pada tempatnya, sebagaimana mestinya.

Fungsi estetis diwujudkan dalam sebuah teks sastra melalui bahasa sebuah karya seni. Dalam hal ini, teks-teks tersebut dapat berfungsi sebagai buku teks, karena berikan contoh prosa megah yang tak tertandingi dalam keindahan dan pesona. Bukan kebetulan bahwa orang asing yang ingin belajar bahasa negara asing sebaik mungkin disarankan untuk membaca, pertama-tama, klasik yang telah teruji waktu. Misalnya, prosa Turgenev dan Bunin adalah contoh luar biasa dari penguasaan semua kekayaan kata Rusia dan kemampuan untuk menyampaikan keindahannya.

Sebuah karya seni adalah objek utama studi sastra, semacam "unit" terkecil dari sastra. Formasi yang lebih besar dalam proses sastra - tren, arus, sistem artistik - dibangun dari karya individu, mereka adalah kombinasi dari bagian-bagian.

Sebuah karya sastra, di sisi lain, memiliki integritas dan kelengkapan internal, itu adalah unit pengembangan sastra yang mandiri, mampu hidup mandiri. Sebuah karya sastra secara keseluruhan memiliki makna ideologis dan estetika yang lengkap, berbeda dengan komponennya - tema, ide, plot, pidato, dll., Yang menerima makna dan secara umum hanya dapat ada dalam sistem keseluruhan.

Karya sastra sebagai fenomena seni

Karya sastra dan seni adalah karya seni dalam arti sempit*, yaitu salah satu bentuk kesadaran sosial. Seperti semua seni pada umumnya, sebuah karya seni adalah ekspresi dari konten emosional dan mental tertentu, beberapa kompleks ideologis dan emosional dalam bentuk figuratif yang signifikan secara estetika. Menggunakan terminologi M.M. Bakhtin, kita dapat mengatakan bahwa sebuah karya seni adalah "kata tentang dunia" yang diucapkan oleh seorang penulis, penyair, tindakan reaksi orang yang berbakat secara artistik terhadap realitas di sekitarnya.

___________________

* Tentang perbedaan arti kata "seni", lihat: Pospelov G.N. Estetika dan artistik. M, 1965. S. 159–166.

Dengan demikian, sebuah karya seni adalah satu kesatuan yang tak terpisahkan dari tujuan dan subyektif, reproduksi realitas dan pemahaman penulis tentangnya, kehidupan seperti itu, yang termasuk dalam karya seni dan dikenal di dalamnya, dan sikap pengarangnya. untuk hidup. Kedua aspek seni ini dikemukakan oleh N.G. Chernyshevsky. Dalam risalahnya “The Aesthetic Relations of Art to Reality”, ia menulis: “Makna esensial seni adalah reproduksi segala sesuatu yang menarik bagi seseorang dalam hidup; sangat sering, terutama dalam karya puisi, penjelasan tentang kehidupan, putusan atas fenomenanya, juga muncul ke permukaan. Benar, Chernyshevsky, yang secara polemik mempertajam tesis tentang keunggulan kehidupan di atas seni dalam perjuangan melawan estetika idealis, secara keliru menganggap tugas pertama dan wajib hanya tugas pertama - "reproduksi realitas", dan dua lainnya - sekunder dan opsional. Tentu saja lebih tepat untuk berbicara bukan tentang hierarki tugas-tugas ini, tetapi tentang kesetaraan mereka, atau lebih tepatnya, tentang hubungan yang tak terpisahkan antara tujuan dan subyektif dalam sebuah karya: bagaimanapun, seorang seniman sejati tidak dapat menggambarkan kenyataan. tanpa memahami dan mengevaluasinya dengan cara apa pun. Namun, perlu ditekankan bahwa kehadiran momen subjektif dalam sebuah karya seni itu sendiri diakui dengan jelas oleh Chernyshevsky, dan ini merupakan langkah maju dibandingkan dengan, katakanlah, estetika Hegel, yang sangat condong mendekati sebuah karya. seni dengan cara yang murni objektivis, meremehkan atau sama sekali mengabaikan aktivitas pencipta.

___________________

* Chernyshevsky N.G.

Penuh col. cit.: Tahun 15 t. M., 1949. T. II. C.87.

___________________

* Nikolaev P.A., Kurilov A.S., Grishunin A.L. Sejarah kritik sastra Rusia. M., 1980. S. 128.

** Sipovsky V.V. Sejarah sastra sebagai ilmu. Sankt Peterburg; M. . S.17.

Jadi, kita dapat memberikan definisi kerja seperti itu tentang sebuah karya seni: itu adalah konten emosional dan mental tertentu, sebuah "kata tentang dunia", yang diekspresikan dalam bentuk estetis dan figuratif; sebuah karya seni memiliki integritas, kelengkapan dan kemandirian.

Portal untuk siswa. Latihan mandiri

ARTIKEL TERKAIT