Gambar artistik- kategori umum kreativitas artistik, suatu bentuk interpretasi dan pengembangan dunia dari sudut pandang cita-cita estetika tertentu dengan menciptakan objek yang mempengaruhi estetis. Citra artistik juga disebut fenomena apa pun yang diciptakan kembali secara kreatif dalam sebuah karya seni. Gambar artistik adalah gambar dari seni, yang diciptakan oleh penulis sebuah karya seni untuk mengungkapkan fenomena realitas yang dijelaskan secara maksimal. Gambar artistik dibuat oleh penulis untuk pengembangan paling lengkap dari dunia artistik karya. Pertama-tama, melalui citra artistik, pembaca mengungkapkan gambaran dunia, gerak plot-plot dan ciri-ciri psikologi dalam karya.
Gambar artistik bersifat dialektis: menggabungkan kontemplasi hidup, interpretasi subjektif dan evaluasi oleh penulis (dan juga oleh pemain, pendengar, pembaca, penonton).
Gambar artistik dibuat atas dasar salah satu cara: gambar, suara, lingkungan bahasa, atau kombinasi dari beberapa. Hal ini tidak terlepas dari substratum material seni. Misalnya, makna, struktur internal, kejelasan gambar musik sangat ditentukan oleh materi alami musik - kualitas akustik suara musik. Dalam sastra dan puisi, gambar artistik dibuat berdasarkan lingkungan bahasa tertentu; ketiga sarana tersebut digunakan dalam seni teater.
Pada saat yang sama, makna gambar artistik terungkap hanya dalam situasi komunikatif tertentu, dan hasil akhir dari komunikasi tersebut tergantung pada kepribadian, tujuan, dan bahkan suasana hati sesaat dari orang yang menghadapinya, serta pada situasinya. budaya tertentu di mana dia berasal. Oleh karena itu, seringkali setelah satu atau dua abad berlalu sejak penciptaan sebuah karya seni, itu dirasakan dengan cara yang sama sekali berbeda dari orang-orang sezamannya dan bahkan penulis sendiri melihatnya.
Gambar artistik dalam romantisme
Ini ditandai dengan penegasan nilai yang melekat pada kehidupan spiritual dan kreatif individu, citra hasrat dan karakter yang kuat (sering memberontak), sifat spiritual dan penyembuhan.
Dalam puisi Rusia, M. Yu. Lermontov dianggap sebagai perwakilan utama romantisme. Puisi "Mtsyri". Puisi "Berlayar"
Gambar artistik dalam surealisme
Konsep utama surealisme, surealitas adalah kombinasi antara mimpi dan kenyataan. Untuk melakukan ini, para surealis menawarkan kombinasi gambar naturalistik yang absurd dan kontradiktif melalui kolase. Arah ini terbentuk di bawah pengaruh besar teori psikoanalisis Freud. Tujuan utama surealis adalah peningkatan spiritual dan pemisahan roh dari materi. Salah satu nilai terpenting adalah kebebasan, sekaligus irasionalitas.
Surealisme berakar pada Simbolisme dan pada awalnya dipengaruhi oleh seniman Simbolis seperti Gustave Moreau. Artis terkenal dari arah ini adalah Salvador Dali.
Pertanyaan 27. Cervantes. Don Quixote
Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616), yang hidupnya sendiri seperti novel, menganggap karyanya sebagai parodi dari romansa ksatria, dan pada halaman terakhir, mengucapkan selamat tinggal kepada pembaca, menegaskan bahwa dia "tidak punya keinginan lain , selain untuk menanamkan pada orang-orang keengganan terhadap cerita-cerita fiktif dan konyol yang dijelaskan dalam roman kesatria. Ini adalah tugas yang sangat mendesak bagi Spanyol pada pergantian abad 16-17. Pada awal abad ke-17, era ksatria di Eropa telah berlalu. Namun, selama abad sebelum kemunculan Don Quixote, sekitar 120 novel ksatria diterbitkan di Spanyol, yang merupakan bacaan paling populer dari semua lapisan masyarakat. Banyak filsuf dan moralis berbicara menentang hasrat merusak untuk penemuan-penemuan absurd dari genre usang. Tetapi jika "Don Quixote" hanyalah parodi dari romansa ksatria (contoh tertinggi dari genre ini adalah "The Death of Arthur" oleh T. Mallory), nama pahlawannya tidak akan menjadi nama rumah tangga.
Faktanya adalah bahwa di Don Quixote, penulis paruh baya Cervantes melakukan eksperimen berani dengan konsekuensi dan kemungkinan yang tidak terduga: ia memverifikasi cita-cita ksatria dengan realitas Spanyol kontemporer, dan sebagai hasilnya, ksatrianya berkeliaran di ruang angkasa. -disebut novel picaresque.
Sebuah novel picaresque, atau picaresque, adalah sebuah cerita yang muncul di Spanyol pada pertengahan abad ke-16, mengklaim sebagai dokumenter mutlak dan menggambarkan kehidupan bajingan, penipu, pelayan semua tuan (dari bahasa Spanyol picaro - bajingan , penipu). Dengan sendirinya, pahlawan dari novel picaresque itu dangkal; dia dibawa keliling dunia oleh nasib malang, dan banyak petualangannya di jalan kehidupan yang tinggi adalah minat utama picaresque. Artinya, materi picaresque adalah realitas rendah tegas. Cita-cita luhur ksatria berbenturan dengan kenyataan ini, dan Cervantes, sebagai novelis tipe baru, mengeksplorasi konsekuensi dari tabrakan ini.
Alur novel ini diringkas sebagai berikut. Hidalgo setengah baya yang malang Don Alonso Quijana, seorang penduduk desa tertentu di provinsi La Mancha, provinsi Spanyol, menjadi gila setelah membaca novel kesatria. Membayangkan dirinya sebagai ksatria-pelanggaran, ia berangkat mencari petualangan untuk "membasmi semua jenis ketidakbenaran dan dalam perjuangan dengan segala macam kecelakaan dan bahaya untuk mendapatkan nama dan kehormatan abadi."
dia mengganti nama kuda tua melolong Rocinante, menyebut dirinya Don Quixote dari La Mancha, menyatakan wanita petani Aldonsa Lorenzo wanita cantiknya Dulcinea dari Toboso, mengambil pembudidaya Sancho Panza sebagai pengawal, dan di bagian pertama novel membuat dua perjalanan, mengira penginapan untuk kastil, menyerang kincir angin, di mana dia melihat raksasa jahat, berdiri untuk yang tersinggung. Kerabat dan orang-orang di sekitarnya melihat Don Quixote sebagai orang gila, dia dipukuli dan dipermalukan, yang dia sendiri anggap sebagai kesialan biasa dari seorang ksatria pengembara. Kepergian Don Quixote ketiga dijelaskan di bagian novel kedua yang lebih pahit, yang berakhir dengan pemulihan pahlawan dan kematian Alonso Quixana yang Baik.
Dalam Don Quixote, penulis merangkum fitur-fitur penting dari karakter manusia: kehausan romantis akan penegasan cita-cita, dikombinasikan dengan kenaifan komik dan kecerobohan. Hati "ksatria kurus, kurus dan eksentrik" terbakar dengan cinta untuk kemanusiaan. Don Quixote benar-benar diilhami oleh cita-cita kesatria dan humanistik, tetapi pada saat yang sama ia benar-benar memisahkan diri dari kenyataan. Kemartiran duniawinya mengikuti misinya "memperbaiki kepalsuan" di dunia yang tidak sempurna; kemauan dan keberaniannya diwujudkan dalam keinginan untuk menjadi dirinya sendiri, dalam pengertian ini hidalgo tua yang menyedihkan adalah salah satu pahlawan pertama era individualisme.
Orang gila yang mulia Don Quixote dan Sancho Panza yang bijaksana saling melengkapi. Sancho mengagumi tuannya karena dia melihat bahwa Don Quixote entah bagaimana naik di atas semua orang yang dia temui, altruisme murni menang dalam dirinya, penolakan terhadap segala sesuatu yang duniawi. Kegilaan Don Quixote tidak terlepas dari kebijaksanaannya, komik dalam novel ini berasal dari tragedi, yang mengungkapkan kepenuhan pandangan dunia Renaisans.
Selain itu, Cervantes, yang menekankan sifat sastra novel, memperumitnya dengan bermain dengan pembaca. Jadi, dalam bab 9 bagian pertama, ia mewariskan novelnya sebagai manuskrip sejarawan Arab Sid Ahmet Beninhali, dalam bab 38, melalui mulut Don Quixote, ia lebih memilih bidang militer, daripada belajar dan sastra. .
Segera setelah penerbitan bagian pertama novel, nama-nama pahlawannya diketahui semua orang, temuan linguistik Cervantes memasuki pidato populer.
Dari balkon istana, raja Spanyol Philip III melihat seorang siswa membaca buku di perjalanan dan tertawa terbahak-bahak; raja menyarankan bahwa siswa itu sudah gila atau sedang membaca Don Quixote. Para abdi dalem bergegas mencari tahu dan memastikan bahwa siswa tersebut telah membaca novel Cervantes.
Seperti karya sastra lainnya, novel Cervantes memiliki sejarah persepsi yang panjang dan mempesona, menarik dalam dirinya sendiri dan dari sudut pandang pendalaman interpretasi novel. Pada abad ke-17 yang rasionalistik, pahlawan Cervantes dipandang sebagai tipe, meskipun simpatik, tetapi negatif. Untuk Zaman Pencerahan, Don Quixote adalah pahlawan yang mencoba memperkenalkan keadilan sosial ke dunia dengan bantuan cara yang jelas tidak cocok. Revolusi dalam interpretasi "Don Quixote" dibuat oleh romantika Jerman, yang melihat di dalamnya model novel yang tidak dapat diakses. Bagi F. Novalis dan F. Schlegel, hal utama di dalamnya adalah manifestasi dari dua kekuatan vital: puisi, yang diwakili oleh Don Quixote, dan prosa, yang kepentingannya dilindungi oleh Sancho Panza. Menurut F. Schelling, Cervantes menciptakan dari bahan pada masanya kisah Don Quixote, yang, seperti Sancho, memiliki ciri-ciri kepribadian mitologis. Don Quixote dan Sancho adalah tokoh mitologi bagi seluruh umat manusia, dan sejarah kincir angin dan sejenisnya merupakan mitos yang benar. Tema novel adalah yang nyata versus yang ideal. Dari sudut pandang G. Heine, Cervantes, "tanpa disadarinya dengan jelas, menulis sindiran terbesar tentang antusiasme manusia."
G. Hegel, seperti biasa, berbicara paling mendalam tentang kekhasan psikologi Don Quixote: "Cervantes juga menjadikan Don Quixote-nya sebagai sifat yang awalnya mulia, serbaguna, dan berbakat secara spiritual. Don Quixote adalah jiwa yang, dalam kegilaannya, sepenuhnya percaya diri dalam dirinya sendiri dan dalam pekerjaannya atau lebih tepatnya, kegilaannya hanya terdiri dari fakta bahwa dia percaya diri dan tetap begitu percaya diri pada dirinya sendiri dan dalam pekerjaannya.Tanpa ketenangan sembrono ini dalam kaitannya dengan karakter dan keberhasilan tindakannya, dia tidak akan menjadi benar-benar romantis; kepercayaan diri ini benar-benar hebat dan cemerlang".
V. G. Belinsky, yang menekankan realisme novel, kekonkritan historis dan kekhasan gambar-gambarnya, berkomentar: “Setiap orang adalah Don Quixote kecil; tetapi yang paling penting Don Quixote adalah orang-orang dengan imajinasi yang berapi-api, jiwa yang penuh kasih, hati yang mulia. , bahkan kemauan dan pikiran yang kuat tetapi tanpa alasan dan kebijaksanaan kenyataan. Dalam artikel terkenal oleh I. S. Turgenev "Hamlet and Don Quixote" (1860), pahlawan Cervantes pertama kali ditafsirkan dengan cara baru: bukan sebagai seorang arkais yang tidak mau memperhitungkan persyaratan waktu, tetapi sebagai seorang pejuang , seorang revolusioner. I. S. Turgenev menganggap pengorbanan diri dan aktivitas sebagai sifat utamanya. Publisitas seperti itu dalam interpretasi gambar adalah karakteristik dari tradisi Rusia. F. M. Dostoevsky sama subjektifnya, tetapi secara psikologis lebih dalam dalam pendekatannya terhadap gambar. Untuk pencipta Pangeran Myshkin, dalam citra Don Quixote, keraguan muncul ke depan, hampir menggoyahkan keyakinannya: "Orang-orang yang paling fantastis, yang telah percaya pada mimpi paling fantastis yang bisa dibayangkan sampai pada titik kegilaan, tiba-tiba jatuh ke keraguan dan kebingungan ..."
Penulis Jerman terbesar abad ke-20, T. Mann, dalam esainya "Journey by Sea with Don Quixote" (1934) membuat sejumlah pengamatan halus pada gambar: "...kejutan dan rasa hormat selalu bercampur dengan tawa yang disebabkan oleh sosoknya yang aneh."
Tetapi kritikus dan penulis Spanyol mendekati Don Quixote dengan cara yang sangat istimewa. Inilah pendapat J. Ortega y Gasset: "Wawasan sekilas tentang dia membayangi pikiran orang asing: Schelling, Heine, Turgenev ... Wahyu jahat dan inferior. Don Quixote adalah keingintahuan yang mengagumkan bagi mereka; bukan seperti itu bagi kami itu adalah masalah takdir." M. Unamuno dalam esainya "The Way to the Tomb of Don Quixote" (1906) menyanyikan di dalamnya tentang Kristus Spanyol, antusiasmenya yang tragis dari seorang penyendiri, ditakdirkan untuk dikalahkan terlebih dahulu, dan menggambarkan "quixoticism" sebagai versi nasional dari Kekristenan.
Segera setelah penerbitan novel tersebut, Don Quixote mulai menjalani kehidupan "mandiri" dari penciptanya. Don Quixote - pahlawan komedi G. Fielding "Don Quixote di Inggris" (1734); ada ciri-ciri quixoticism dalam Mr. Pickwick dari "Notes of the Pickwick Club" (1836) oleh C. Dickens, dalam Prince Myshkin dari "The Idiot" oleh F. M. Dostoevsky, dalam "Tartarin dari Tarascon" (1872) oleh A. Daud. "Don Quixote in a skirt" adalah nama yang diberikan kepada tokoh wanita dari novel Madame Bovary karya G. Flaubert (1856). Don Quixote adalah yang pertama di galeri gambar individualis hebat yang dibuat dalam literatur Renaisans, sama seperti Don Quixote karya Cervantes adalah contoh pertama dari genre baru novel.
Kata "gambar" (dari gr. lain. Mata- penampilan, penampilan) digunakan sebagai istilah dalam berbagai bidang pengetahuan. Dalam filsafat, citra dipahami sebagai refleksi realitas; dalam psikologi, itu adalah representasi, atau kontemplasi mental dari suatu objek secara keseluruhan; dalam estetika - reproduksi integritas subjek dalam sistem tanda tertentu. Dalam fiksi, pembawa materi citra adalah kata . A A. Potebnya dalam karyanya “Thought and Language” menganggap gambar sebagai representasi yang direproduksi, masuk akal diberikan . Arti istilah "citra" inilah yang relevan dengan teori sastra dan seni. Gambar artistik memiliki yang berikut: properti : memiliki karakter subjek-indrawi, ditandai dengan integritas refleksi realitas; dia emosional, individual; vitalitas, relevansi, ambiguitas yang berbeda; mungkin muncul sebagai hasil dari fiksi kreatif dengan partisipasi aktif imajinasi penulis. Dalam sebuah karya seni ada objektivitas fiktif, yang tidak sepenuhnya sesuai dengan dirinya sendiri dalam kenyataan.
Asal usul teori gambar terletak pada konsep kuno peniruan. Selama periode kelahiran gambar artistik dalam aktivitas seniman, dua tahap kreatif utama : prasejarah dan sejarah pembuatan gambar. Pada periode pertama kerja, akumulasi bahan vital terkonsentrasi, ide dikembangkan, gambar pahlawan diuraikan, dan sebagainya. Sketsa serupa ditemukan di buku catatan penulis.Karya sastra seorang seniman dimulai pada saat idenya diwujudkan dalam kata-kata. Di sini, pada pekerjaan tahap kedua, sebuah gambar dikristalkan yang akan bertindak baik sebagai objek baru yang dibuat di dunia, dan sebagai dunia baru. Dalam puisi "Musim Gugur" A.S. Pushkin secara kiasan menyajikan proses kelahiran gambar:
Dan saya melupakan dunia - dan dalam keheningan yang manis
Aku terbuai dengan manis oleh imajinasiku,
Dan puisi terbangun dalam diriku:
Jiwa dipermalukan oleh kegembiraan liris,
Itu bergetar dan berbunyi, dan mencari, seperti dalam mimpi,
Akhirnya mencurahkan manifestasi gratis -
Dan kemudian segerombolan tamu tak terlihat datang kepada saya,
Kenalan lama, buah dari mimpiku.
Dan pikiran di kepalaku khawatir dalam keberanian,
Dan sajak ringan berlari ke arah mereka,
Dan jari meminta pena, pena untuk kertas,
Satu menit - dan ayat-ayat akan mengalir dengan bebas.
Gambar artistik membawa generalisasi, memiliki khas arti (dari gr. salah ketik jejak, jejak). Jika dalam realitas sekitarnya rasio yang umum dan yang khusus bisa berbeda, maka gambar-gambar seni selalu cerah: mereka mengandung perwujudan yang terkonsentrasi dari yang umum, yang esensial dalam diri individu.
Dalam praktik kreatif, generalisasi artistik mengambil bentuk yang berbeda, diwarnai oleh emosi dan penilaian penulis. Gambar selalu ekspresif, mengungkapkan sikap ideologis dan emosional penulis terhadap subjek. Jenis penilaian penulis yang paling penting adalah kategori estetika, di mana penulis, seperti orang lain, memandang kehidupan: ia dapat mengagungkannya, mengekspos detail komik, mengekspresikan tragedi, dll. Citra artistik adalah fenomena estetis, hasil pemahaman seniman tentang suatu fenomena, proses kehidupan dengan cara yang khas dari jenis seni tertentu, yang diobjektifkan dalam bentuk keseluruhan karya dan bagian-bagiannya.
Gambar artistik adalah salah satu kategori estetika yang paling penting, yang menentukan esensi seni, kekhususannya. Seni itu sendiri sering dipahami sebagai pemikiran dalam gambar dan dikontraskan dengan pemikiran konseptual dan ilmiah yang muncul pada tahap perkembangan manusia selanjutnya.
Sebuah gambar pada dasarnya polisemantik (tidak seperti konsep dalam sains), karena seni berpikir dalam jumlah makna, dan kehadiran sejumlah makna merupakan kondisi yang sangat diperlukan untuk "kehidupan" gambar artistik. Apakah pemahaman ilmiah tentang gambar artistik mungkin? Secara teoritis, konten artistik dapat direduksi menjadi konten ilmiah, ke sistem konsep yang dikembangkan secara logis. Tetapi secara praktis itu tidak mungkin, dan itu tidak perlu. Kita berhadapan dengan jurang makna. Pengetahuan tentang karya yang sangat artistik adalah proses tanpa akhir. Gambar tidak dapat didekomposisi. Dan persepsinya hanya bisa holistik: sebagai pengalaman pemikiran, sebagai esensi yang dirasakan secara sensual. Persepsi estetika (tak terpisahkan) pada saat yang sama adalah empati ("Saya akan meneteskan air mata atas fiksi"), kreasi bersama, serta pendekatan integritas artistik dengan bantuan logika dialektika ilmiah.
Dengan demikian, citra artistik adalah bentuk reproduksi dan transformasi realitas yang konkrit-indrawi. Gambar menyampaikan realitas dan pada saat yang sama menciptakan dunia fiksi baru yang kita anggap ada dalam kenyataan. “Gambar itu banyak sisi dan multi-komponen, termasuk semua momen transformasi timbal balik organik dari yang nyata dan yang spiritual; melalui gambar yang menghubungkan subyektif dengan tujuan, esensial dengan kemungkinan, individu dengan umum, ideal dengan nyata, kesepakatan dari semua bidang yang berlawanan ini dikembangkan, keselarasan yang mencakup semuanya” (Literary Encyclopedic Kamus, 1987).
Berbicara tentang gambar artistik, yang mereka maksud adalah gambar pahlawan, karakter karya, terutama orang. Namun, konsep gambar artistik seringkali juga mencakup berbagai objek atau fenomena yang digambarkan dalam sebuah karya. Beberapa sarjana memprotes pemahaman yang begitu luas tentang gambar artistik, menganggapnya salah untuk menggunakan konsep seperti "gambar pohon" (daun dalam "Perpisahan dengan Ibu" V. Rasputin atau ek dalam "Perang dan Damai" L. Tolstoy) , "gambar orang-orang" (termasuk novel epik yang sama oleh Tolstoy). Dalam kasus seperti itu, diusulkan untuk berbicara tentang detail figuratif yang dapat menjadi pohon, dan tentang ide, tema atau masalah orang-orang. Lebih sulit lagi adalah kasus dengan gambar binatang. Dalam beberapa karya terkenal ("Kashtanka" dan "Putih-alis" oleh A. Chekhov, "Strider" oleh L. Tolstoy), hewan itu muncul sebagai karakter sentral, yang psikologi dan pandangan dunianya direproduksi dengan sangat rinci. Namun ada perbedaan mendasar antara gambar seseorang dan gambar binatang, yang tidak memungkinkan, khususnya, untuk menganalisis yang terakhir secara serius, karena ada kesengajaan dalam gambar artistik itu sendiri (dunia batin binatang dicirikan oleh konsep-konsep yang berkaitan dengan psikologi manusia).
Apa klasifikasi gambar seni? Ini adalah pertanyaan yang agak ambigu. Dalam klasifikasi tipologi tradisional (V.P. Meshcheryakov, A.S. Kozlov), menurut sifat generalisasi, gambar artistik dibagi menjadi individu, karakteristik, tipikal, gambar-motif, topoi, arketipe, dan gambar-simbol.
Individu gambar dicirikan oleh orisinalitas, orisinalitas. Mereka biasanya produk dari imajinasi penulis. Gambar individu paling sering ditemukan di antara penulis roman dan fiksi ilmiah. Seperti, misalnya, adalah Quasimodo di Katedral Notre Dame V. Hugo, Setan dalam penyair M. Lermontov dengan nama yang sama, Woland dalam The Master and Margarita karya M. Bulgakov.
Ciri gambar, berbeda dengan individu, adalah generalisasi. Ini berisi ciri-ciri umum karakter dan moral yang melekat pada banyak orang di era tertentu dan ruang publiknya (karakter "The Brothers Karamazov" oleh F. Dostoevsky, drama
A. Ostrovsky, "The Forsyte Sagas" oleh J. Galsworthy).
Khas citra merupakan level tertinggi dari citra karakteristik. Khas adalah yang paling mungkin, bisa dikatakan, teladan untuk era tertentu. Penggambaran gambar-gambar khas adalah salah satu tujuan utama, serta pencapaian, dari sastra realistis abad ke-19. Cukuplah untuk mengingat Pastor Goriot dan Gobsek Balzac, Anna Karenina dan Platon Karataev L. Tolstoy, Madame Bovary
G. Flaubert dan lain-lain Kadang-kadang baik tanda-tanda sosio-historis zaman dan ciri-ciri karakter manusia universal dari pahlawan tertentu (yang disebut gambar abadi) dapat ditangkap dalam gambar artistik - Don Quixote, Don Juan, Hamlet, Oblomov, Tartuffe...
Gambar-motif dan topoi melampaui karakter individu. Gambar-motif adalah tema yang secara konsisten diulang dalam karya seorang penulis, diekspresikan dalam berbagai aspek dengan memvariasikan unsur-unsurnya yang paling signifikan (“desa Rusia” oleh S. Yesenin, “Wanita Cantik” oleh A. Blok).
Topo (gr. topos- tempat, lokalitas, surat. artinya - "tempat umum") menunjukkan gambar umum dan khas yang dibuat dalam literatur seluruh era, bangsa, dan bukan dalam karya penulis individu. Contohnya adalah gambar "pria kecil" dalam karya penulis Rusia - dari A. Pushkin dan N. Gogol hingga M. Zoshchenko dan A. Platonov.
Belakangan ini, dalam ilmu sastra, konsep tersebut sangat banyak digunakan. "pola dasar" (dari bahasa Yunani arche - awal dan salah ketik - gambar). Untuk pertama kalinya istilah ini ditemukan di kalangan romantika Jerman pada awal abad ke-19, namun, karya psikolog Swiss C. Jung (1875–1961) memberinya kehidupan sejati di berbagai bidang pengetahuan. Jung memahami "arketipe" sebagai citra universal, secara tidak sadar ditransmisikan dari generasi ke generasi. Paling sering, arketipe adalah gambar mitologis. Yang terakhir, menurut Jung, secara harfiah "mengisi" semua umat manusia, dan arketipe bersarang di alam bawah sadar seseorang, terlepas dari kebangsaan, pendidikan, atau seleranya. “Sebagai seorang dokter,” tulis Jung, “Saya harus memunculkan gambaran-gambaran mitologi Yunani dalam delusi orang-orang Negro murni.”
Penulis brilian ("visioner", dalam terminologi Jung) tidak hanya membawa gambar-gambar ini dalam diri mereka sendiri, seperti semua orang, tetapi juga mampu memproduksinya, dan reproduksinya bukanlah salinan sederhana, tetapi diisi dengan konten baru yang modern. Dalam hal ini, K. Jung membandingkan pola dasar dengan dasar sungai kering, yang selalu siap untuk diisi dengan air baru. Konsep arketipe Jung tidak hanya mencakup gambar pahlawan mitologis, tetapi juga simbol universal - api, langit, rumah, jalan, taman, dll.
Untuk sebagian besar, istilah yang banyak digunakan dalam kritik sastra dekat dengan pemahaman Jung tentang arketipe. "mitologi" (dalam sastra Inggris - "tema"). Yang terakhir, seperti arketipe, mencakup gambar mitologis dan plot mitologis atau bagian darinya.
Banyak perhatian dalam kritik sastra diberikan pada masalah korelasi gambar dan simbol
. Masalah ini dikuasai pada Abad Pertengahan, khususnya oleh Thomas Aquinas (abad XIII). Dia percaya bahwa gambar artistik seharusnya tidak terlalu mencerminkan dunia yang terlihat, melainkan mengungkapkan apa yang tidak dapat dirasakan oleh indra. Dengan demikian dipahami, gambar benar-benar berubah menjadi simbol. Dalam pemahaman Thomas Aquinas, simbol ini dimaksudkan untuk mengungkapkan terutama esensi ilahi. Kemudian, di antara penyair simbolis abad 19-20, gambar simbolis juga dapat membawa konten duniawi ("mata orang miskin" di
S. Baudelaire, "jendela kuning" A. Blok). Citra artistik tidak harus "kering" dan terputus dari realitas objektif dan sensual, seperti yang diproklamirkan Thomas Aquinas. Blok's Stranger adalah contoh dari simbol yang luar biasa dan pada saat yang sama gambar hidup yang penuh darah, tertulis dengan sempurna dalam "tujuan", realitas duniawi.
Akhir-akhir ini para kritikus sastra banyak menaruh perhatian pada struktur citra seni, berdasarkan pemahaman manusia sebagai makhluk sosial dan mental, berdasarkan ciri-ciri kesadaran kepribadian . Di sini mereka mengandalkan penelitian dalam filsafat dan psikologi (Freud, Jung, Fromm).
Kritikus sastra terkenal V.I. Tyupa ("Analisis teks sastra") percaya bahwa dalam sebuah karya, citra seseorang adalah reproduksi kesadarannya, atau lebih tepatnya, jenis kesadaran, mentalitas tertentu. Jadi, dia menganggap, misalnya, "Tragedi Kecil" Pushkin sebagai bentrokan kesadaran yang dramatis, cara berpikir yang berbeda, pandangan dunia, posisi nilai. "Hero of Our Time" karya Lermontov dianalisis dengan nada yang sama. Semua pahlawan siklus "Tragedi Kecil" Pushkin sesuai dengan tiga jenis kesadaran: baik peran otoriter , atau tersendiri , atau konvergen . Di sini, Tyupa mengacu pada studi Teilhard de Chardin tentang Fenomena Manusia.
Pria bermain peran jenis kesadaran dogmatis hasil dari tatanan dunia - satu-satunya. Ini adalah jenis kesadaran patriarkal (Alber, Salieri, Leporello, Komandan, Donna Anna, Don Carlos, Mary, Imam, Valsingam). Kesadaran otoriter membagi peserta dalam tatanan dunia menjadi "kita" dan "mereka" dan tidak mengenal kategori "lain", tidak mengenal individualitas non-peran.
tersendiri Kesadaran (romantis) melihat dunia khusus dalam kepribadian seseorang. Itu tidak terikat oleh larangan dan peraturan moral, itu jahat dalam kebebasannya untuk melampaui batas apa pun. Di bidang kesadaran soliter, dunianya sendiri, terisolasi, berdaulat terbentuk, semua kepribadian lain muncul bukan sebagai subjek dari kesadaran yang sama, tetapi sebagai objek pemikiran dari "Aku" yang kesepian (Baron, Salieri, Don Guan, Laura, Valsingam ). Varian dari kesadaran soliter adalah variasinya yang introvert, "bawah tanah" (Baron pelit) dan ekstrovertnya, "Napoleonic" (Don Guan). Baik peran otoriter maupun kesadaran soliter secara inheren merupakan jenis kesadaran monologis, keduanya antagonis. Evolusi dari satu jenis kesadaran ke yang lain juga mungkin, yang kami amati dalam contoh gambar Salieri. Dari pandangan dunia otoriter seorang pendeta, pelayan musik, ia berkembang ke posisi orang yang iri dan terasing secara internal yang telah kehilangan kepercayaan pada kebenaran tertinggi.
Konvergen(konvergensi - konvergensi, divergensi - divergensi) kesadaran pada dasarnya dialogis, mampu berempati dengan "aku" orang lain. Begitulah Mozart, "aku" -nya tidak menganggap dirinya di luar korelasi dengan "kamu", dengan kepribadian asli miliknya yang lain(ketika yang lain dianggap sebagai milik sendiri). Teilhard de Chardin menulis: “Untuk menjadi diri sendiri sepenuhnya, Anda harus pergi ... ke arah konvergensi dengan orang lain, menuju yang lain. Puncak dari diri kita sendiri ... bukan individualitas kita, tetapi kepribadian kita; dan yang terakhir ini bisa kita temukan... hanya dengan menyatukan diri di antara kita sendiri. Kita dapat mengatakan bahwa perspektif kesadaran konvergen, yang dipersonifikasikan oleh Mozart, membuka kesadaran yang soliter sebagai hasil pemutusannya dengan otoritarianisme. Tapi Salieri Pushkin berhenti di tengah jalan dan tidak mengambil langkah dari monologisme ke dialogisme, yang tiba-tiba menjadi mungkin bagi Don Juan. Di akhir, "iblis"-nya dihancurkan, dia memohon kepada Tuhan dan Donna Anna, simbol kebajikan yang ditemukan di wajahnya.
Albert Albert
Adipati Adipati
Salieri Salieri Mozart
Leporello Don Guan
Komandan Laura
Donna Anna
Don Carlos
pendeta muda
Mary Louise
Walsingam Walsingam Walsingam
Pendekatan pemahaman tokoh yang demikian terkadang ternyata cukup produktif untuk memahami konsep kepribadian yang diciptakan pengarang dalam karyanya.
Volkov, I.F. Teori Sastra: buku teks. tunjangan / I.F. Volkov. -M., 1995.
Teori Sastra: dalam 3 jilid - M., 1964.
Dasar-dasar kritik sastra: buku teks. tunjangan / V.P. Meshcheryakov, A.S. Kozlov. - M., 2000.
Fedotov, O.I. Dasar-dasar teori sastra: buku teks. tunjangan: jam 2 /
O.I. Fedotov. - M., 1996.
Khalizev, V.E. Teori Sastra / V.E. Khalizev. -M., 2002.
Gambar artistik: definisi, struktur, tipologi gambar artistik. Ketergantungan gambar pada jenis sastra.
Gambar: tanda - alegori - simbol - pola dasar - mitos. Tahapan generalisasi gambar.
Konsep tipikal.
Keunikan bentuk sastra, kiasan dan ekspresinya.
Sastra dan cerita rakyat.
Karya sastra: kesatuan artistik dari sistem figuratif.
Konsep bentuk dan isi dalam filsafat dan sastra.
Kesatuan bentuk dan isi dalam sebuah karya sastra.
Teknik artistik dan prinsip hidup pengarang dalam bentuk dan isi sebuah karya sastra.
Pertanyaan 1. Gambar artistik: definisi, struktur, tipologi gambar artistik. Ketergantungan gambar pada jenis sastra
Citra sebagai metode pengetahuan artistik dunia
Dalam seni, yang terdepan adalah gambar. Dalam literatur, ini adalah gambar VERBAL.
Ilmu yang berbeda mengenali dunia. Para ilmuwan menggambarkan dunia dengan berbagai cara ilmu mereka: rumus (rumus jembatan), angka (g = 9,8), teorema (teorema Pythagoras), aksioma, hukum (tiga hukum Newton, tiga hukum dialektika), tabel (Mendeleev), teori (Teori relativitas), dll.
Seni juga mengenali dunia - eksternal dan internal. Ingat apa yang dikatakan Kant tentang minat abadi manusia di dunia: "Dua hal tidak akan pernah berhenti memukau umat manusia: langit berbintang di atas kepalaku dan hukum moral di dalam diriku").
Artis menggambarkan dunia yang ia kenali (baik eksternal maupun internal) dengan bantuan gambar. Selain itu, artis mengungkapkan sikap mereka terhadap dunia ini dengan bantuan gambar. Akibatnya, dalam seni sastra, kekhasan mengetahui dunia dengan bantuan gambar diekspresikan seperti di dalamnya sifat figuratif, dan di dalam dia ekspresi.
Dalam humaniora dan ekonomi, para sarjana membuktikan bahwa kondisi masyarakat telah membaik atau memburuk. Para seniman menunjukkan bagaimana orang hidup dan cepat hubungan mereka dengan kehidupan masyarakat.
Tetapi keduanya - baik ilmuwan maupun seniman - dalam beberapa hal BERKONSULTASI!
Para ilmuwan menunjukkan apa yang ada, apa adanya, apa yang mungkin terjadi.
Seniman menunjukkan apa yang selalu TERJADI, apa yang dulu, sedang, dan akan selalu terjadi.
Sensasi dan kesadaran kita hanyalah gambaran dari dunia luar. Menurut hukum materialisme, yang ditampilkan tidak dapat ada tanpa yang ditampilkan, tetapi yang kedua ada secara independen dari yang pertama dan yang ditampilkan (yaitu, dalam sastra, yang ditampilkan ada terlepas dari penulisnya).
Ingat lebih detail: tiga tahap pengetahuan (persepsi - berpikir - praktik) dan tiga hukum dialektika (negasi - transisi - berlawanan) - NB: tulis, apa gunanya?
Gambar = kombinasi objek dan subjek. Subjek dalam sastra = penulis dan pembaca.
Banyak definisi GAMBAR ARTISTIK:
Sebuah gambar adalah VISI dari sebuah OBJEK
Gambar itu bukan hasil persepsi indrawi (kognisi 1 tahap), dan bukan pemikiran abstrak (tahap 2 kognisi), tetapi keduanya bersama-sama, dan bahkan + latihan
Gambar selalu spesifik dan tunggal. Dalam seni - dalam gambar - gambar, tidak mungkin, seperti dalam sains, untuk menyampaikan yang umum dalam bentuk umum.
Citra adalah gambaran kehidupan yang hidup, menyampaikan yang umum secara konkret dan individu.
Dalam seni - dalam gambar - tidak mungkin ada orang SAMA SEKALI (seperti, misalnya, dalam anatomi), setiap gambar seseorang akan menjadi unik.
Bayangan adalah produk dari hubungan antara objek dan subjek
Sebuah gambar adalah sesuatu dalam bentuk yang seniman dalam bentuk seni apapun menyampaikan pengetahuannya tentang dunia.
Sebuah gambar adalah cara untuk mencerminkan dan mengenali realitas
Sebuah gambar selalu merupakan terjemahan makna
Fitur karakteristik gambar artistik:
Citra terbentuk di dasar realitas yang dalam, kehidupan masyarakat yang dibangun secara historis
Idenya tidak bisa berada di luar citra artistik
Bahasa artistik dibangun di atas fondasi yang terdiri dari gambar
Gambar menghubungkan dua dunia antagonis melalui lompatan imajinasi berkuda
Sebuah gambar adalah pertukaran bentuk dan tujuan antara objek dan ide-ide alam.
Inspirasi memberi gambaran, tetapi menutupi pengamatan kata.
Imajinasi menimbulkan gambaran yang ditimbulkan oleh benda nyata.
Sebuah gambar adalah analogi plastik dari objek nyata yang terlihat dan sensasi sensual, itu adalah inspirasi, cinta, iman.
Gambar artistik sastra - itu adalah gambar yang dibuat oleh kata. Bahan sastra adalah bahasa.
Cara membuat gambar – karakter :
Prototipe sejarah (esai Gorky "Lenin")
Sintesis prototipe nyata, ketika satu sifat diambil dari banyak orang dengan tipe yang sama ("Perkawinan" oleh Gogol)
- "pendatang pertama" sebagai prototipe (Turgenev melihat gambar orang-orangnya, tetapi tanpa wajah, sampai dia "bertemu wajah")
Tipologi gambar
SAYA. Jenis gambaroleh lapisan bahasa artistik
1) Kata kiasan (kosa kata puitis atau artistik)
2) Gambar - kiasan (semantik puitis)
3) Gambar - gambar (sintaks puitis)
4) Gambar - suara (fonik puitis)
І І . Jenis gambar dalam bentuk - dalam urutan menaik dari beban semantik:
Gambar - detail
gambar adalah sesuatu
Gambar - lanskap
Gambar - interior
Gambar - gambar
gambar binatang
Citra sebuah karya sastra
Gambar adalah simbol
Gambar - pola dasar
Gambar - ide
Gambar - pengalaman
ІІ І . Jenis gambar menurut konten- ini hanya gambar orang, disusun dalam urutan menaik dari generalisasi gambar, sementara masing-masing mempertahankan konkrit dan singularitas, individualitas:
Gambar adalah karakter, protagonis - gambar ini netral, sama, mereka seperti orang lain, seperti kita semua
Karakter sastra - seperangkat kualitas mental, emosional, efektif-praktis, dan fisik seseorang
Tipe = karakter khas adalah gambar, dalam bentuk individu yang mengungkapkan esensi atau fitur penting dari suatu fenomena, waktu, kelompok sosial, orang, dll.
Pahlawan adalah karakter khas yang positif (atau, menurut aliran sastra lain, juga negatif).
І V. Jenis gambar menurut jenis sastra:
epik
Liris
dramatis
V. Klasifikasi gambar dengan generalisasi
Gambar (dalam arti kata yang sempit)
Alegori
Penafsiran gambar (oleh pembaca, kritikus, kritikus sastra) akan selalu tertinggal dari konten artistik, makna artistik, makna artistik yang sebenarnya.
Berikan contoh dari literatur tentang satu jenis setiap gambar dari semua klasifikasi ini (jenis gambar berdasarkan bahasa, bentuk, konten, generalisasi) - NB
Seni puitis berpikir dalam gambar. Citra merupakan unsur yang paling penting dan langsung dirasakan dari sebuah karya sastra. Citra merupakan fokus muatan ideologis dan estetis serta bentuk verbal perwujudannya.
Istilah "gambar artistik" berasal dari yang relatif baru. Ini pertama kali digunakan oleh J. W. Goethe. Namun, masalah gambar itu sendiri adalah salah satu yang kuno. Awal mula teori gambar artistik ditemukan dalam doktrin "mimesis" Aristoteles. Istilah “citra” banyak digunakan dalam kritik sastra setelah terbitnya karya-karya G. W. F. Hegel. Filsuf itu menulis: "Kita dapat menetapkan representasi puitis sebagai kiasan, karena ia menempatkan di depan mata kita, alih-alih esensi abstrak, realitas konkretnya."
G. V. F. Hegel, dengan merenungkan hubungan seni dengan cita-cita, memutuskan pertanyaan tentang dampak transformatif kreativitas seni pada kehidupan masyarakat. "Kuliah tentang Estetika" berisi teori rinci tentang gambar artistik: realitas estetika, ukuran artistik, konten ideologis, orisinalitas, keunikan, validitas umum, dialektika konten dan bentuk.
Dalam kritik sastra modern, citra artistik dipahami sebagai reproduksi fenomena kehidupan dalam bentuk individu yang konkret. Maksud dan tujuan gambar adalah untuk menyampaikan yang umum melalui individu, bukan meniru realitas, tetapi mereproduksinya.
Kata adalah sarana utama untuk menciptakan citra puitis dalam karya sastra. Citra artistik mengungkapkan visibilitas suatu objek atau fenomena.
Gambar memiliki parameter berikut: objektivitas, generalisasi semantik, struktur. Gambar objek bersifat statis dan deskriptif. Ini termasuk gambar detail, keadaan. Gambar semantik dibagi menjadi dua kelompok: individu - diciptakan oleh bakat dan imajinasi penulis, mencerminkan pola kehidupan di era tertentu dan di lingkungan tertentu; dan gambar-gambar yang melampaui batas-batas zaman mereka dan memperoleh makna kemanusiaan universal.
Gambar yang melampaui ruang lingkup karya dan seringkali di luar batas karya satu penulis termasuk gambar yang diulang dalam sejumlah karya oleh satu atau lebih penulis. Gambar-gambar yang menjadi ciri seluruh era atau bangsa, dan gambar-arketipe, mengandung "formula" imajinasi dan pengetahuan diri manusia yang paling stabil.
Citra artistik terkait dengan masalah kesadaran artistik. Ketika menganalisis sebuah gambar artistik, harus diperhitungkan bahwa sastra adalah salah satu bentuk kesadaran sosial dan semacam aktivitas praktis-spiritual manusia.
Citra artistik bukanlah sesuatu yang statis, ia dibedakan oleh karakter prosedural. Di era yang berbeda, gambar tunduk pada persyaratan spesifik dan genre tertentu yang mengembangkan tradisi artistik. Pada saat yang sama, gambar adalah tanda individualitas kreatif yang unik.
Gambar artistik adalah generalisasi dari elemen-elemen realitas, yang diobjektifkan dalam bentuk yang dirasakan secara sensual, yang dibuat sesuai dengan hukum jenis dan genre seni ini, dengan cara kreatif individu tertentu.
Subyektif, individual dan objektif hadir dalam citra dalam satu kesatuan yang tidak dapat dipisahkan. Realitas adalah bahan untuk diketahui, sumber fakta dan sensasi, mengeksplorasi yang dipelajari orang kreatif tentang dirinya sendiri dan dunia, mewujudkan ide-ide ideologis, moralnya tentang yang nyata dan yang tepat dalam karya.
Citra artistik, yang mencerminkan tren kehidupan, sekaligus merupakan penemuan orisinal dan penciptaan makna baru yang tidak ada sebelumnya. Citra sastra berkorelasi dengan fenomena kehidupan, dan generalisasi yang terkandung di dalamnya menjadi semacam model bagi pemahaman pembaca tentang masalah dan konflik realitasnya sendiri.
Citra artistik yang holistik juga menentukan orisinalitas karya. Karakter, peristiwa, tindakan, metafora disubordinasikan sesuai dengan maksud asli penulis dan dalam plot, komposisi, konflik utama, tema, ide karya, mengungkapkan sifat sikap estetika seniman terhadap kenyataan.
Proses menciptakan gambar artistik, pertama-tama, adalah pemilihan bahan yang ketat: seniman mengambil fitur paling khas dari yang digambarkan, membuang semuanya secara acak, memberikan pengembangan, pembesaran dan penajaman fitur tertentu untuk kejelasan lengkap.
V. G. Belinsky menulis dalam artikel "Sastra Rusia pada tahun 1842": "Sekarang "ideal" dipahami bukan sebagai berlebihan, bukan kebohongan, bukan fantasi kekanak-kanakan, tetapi fakta kenyataan, seperti apa adanya; tetapi fakta tidak dihapuskan dari kenyataan, tetapi dibawa melalui fantasi penyair, diterangi oleh cahaya makna umum (dan tidak luar biasa, khusus dan kebetulan), didirikan menjadi mutiara kesadaran dan karena itu lebih mirip dengan dirinya sendiri, lebih benar sendiri dari salinan paling budak dengan benar ke aslinya. Jadi, dalam potret yang dibuat oleh seorang pelukis hebat, seseorang lebih mirip dirinya daripada bayangannya di daguerreotype, karena pelukis hebat dengan fitur tajam mengeluarkan segala sesuatu yang bersembunyi di dalam orang seperti itu dan yang, mungkin, adalah rahasia untuknya. orang ini sendiri".
Daya persuasif sebuah karya sastra tidak berkurang dan tidak terbatas pada kesetiaan reproduksi realitas dan apa yang disebut "kebenaran hidup". Itu ditentukan oleh orisinalitas interpretasi kreatif, pemodelan dunia dalam bentuk, persepsi yang menciptakan ilusi pemahaman fenomena manusia.
Gambar-gambar artistik yang diciptakan oleh D. Joyce dan I. Kafka tidak identik dengan pengalaman hidup pembaca, sulit untuk membacanya sebagai kebetulan yang lengkap dengan fenomena realitas. "Non-identitas" ini tidak berarti kurangnya kesesuaian antara isi dan struktur karya penulis dan memungkinkan kita untuk mengatakan bahwa gambar artistik bukanlah realitas asli yang hidup, tetapi merupakan model filosofis dan estetika dunia. dan laki-laki.
Dalam karakterisasi elemen gambar, kemungkinan ekspresif dan gambarnya sangat penting. Yang dimaksud dengan "ekspresifitas" adalah orientasi ideologis dan emosional gambar, dan dengan "piktorialitas" - makhluk sensualnya, yang mengubah keadaan subjektif dan penilaian seniman menjadi realitas artistik. Ekspresifitas gambar artistik tidak dapat direduksi menjadi transfer pengalaman subjektif seniman atau pahlawan. Ini mengungkapkan makna keadaan atau hubungan psikologis tertentu. Figuratif dari gambar artistik memungkinkan Anda untuk membuat ulang objek atau peristiwa dalam kejelasan visual. Ekspresi dan figuratif dari gambar artistik tidak dapat dipisahkan pada semua tahap keberadaannya - dari ide awal hingga persepsi karya yang telah selesai. Kesatuan organik figuratif dan ekspresif sepenuhnya terkait dengan sistem citra integral; gambar-elemen terpisah tidak selalu pembawa kesatuan tersebut.
Perlu dicatat pendekatan sosio-genetik dan epistemologis untuk mempelajari gambar. Yang pertama menetapkan kebutuhan dan alasan sosial yang memunculkan konten dan fungsi tertentu dari gambar, dan yang kedua menganalisis korespondensi gambar dengan kenyataan dan dikaitkan dengan kriteria kebenaran dan kebenaran.
Dalam teks sastra, konsep "penulis" diekspresikan dalam tiga aspek utama: penulis biografi, yang dikenal pembaca sebagai penulis dan pribadi; penulis "sebagai perwujudan dari esensi karya"; citra pengarang, mirip dengan citra-karakter lain dari karya tersebut, merupakan subyek generalisasi pribadi bagi setiap pembaca.
Definisi fungsi artistik gambar penulis diberikan oleh V. V. Vinogradov: “Gambar penulis bukan hanya subjek pembicaraan, paling sering bahkan tidak disebutkan dalam struktur karya. Ini adalah perwujudan terkonsentrasi dari esensi karya, menyatukan seluruh sistem struktur pidato karakter dalam hubungannya dengan narator, narator atau narator dan melalui mereka menjadi fokus ideologis dan gaya, fokus keseluruhan.
Hal ini diperlukan untuk membedakan antara citra penulis dan narator. Narator adalah gambar artistik khusus yang diciptakan oleh penulis, seperti orang lain. Ini memiliki tingkat konvensionalitas artistik yang sama, itulah sebabnya identifikasi narator dengan penulis tidak dapat diterima. Mungkin ada beberapa narator dalam sebuah karya, dan ini sekali lagi membuktikan bahwa penulis bebas untuk menyembunyikan "di bawah topeng" dari satu atau lain narator (misalnya, beberapa narator dalam "Belkin's Tales", dalam "A Hero of Our Time" "). Citra narator dalam novel karya F. M. Dostoevsky "Setan" itu kompleks dan beragam.
Gaya naratif dan kekhususan genre menentukan citra pengarang dalam karyanya. Seperti yang ditulis Yu. V. Mann, "setiap penulis muncul dalam sinar genrenya." Dalam klasisisme, penulis ode satir adalah penuduh, dan dalam elegi, penyanyi sedih, dalam kehidupan orang suci, seorang hagiografer. Ketika periode yang disebut "puisi genre" berakhir, citra penulis memperoleh fitur realistis, memperoleh makna emosional dan semantik yang diperluas. “Alih-alih satu, dua, beberapa warna, ada mereka yang beraneka warna, dan warna-warni,” kata Yu Mann. Penyimpangan resmi muncul - ini adalah bagaimana komunikasi langsung pencipta karya dengan pembaca diungkapkan.
Pembentukan genre novel berkontribusi pada perkembangan citra-narator. Dalam novel barok, narator bertindak secara anonim dan tidak mencari kontak dengan pembaca; dalam novel realistis, penulis-narator adalah pahlawan penuh dari karya tersebut. Dalam banyak hal, karakter utama karya mengungkapkan konsep penulis tentang dunia, mewujudkan pengalaman penulis. M. Cervantes, misalnya, menulis: “Pembaca yang tidak aktif! Anda dapat percaya tanpa sumpah, karena saya ingin buku ini, buah dari pemahaman saya, menjadi puncak keindahan, keanggunan dan perhatian. Tetapi bukan wewenang saya untuk membatalkan hukum alam, yang menurutnya setiap makhluk hidup melahirkan jenisnya sendiri.
Namun, bahkan ketika para pahlawan karya itu adalah personifikasi dari ide-ide penulis, mereka tidak identik dengan penulis. Bahkan dalam genre pengakuan, buku harian, catatan, orang tidak boleh mencari kecukupan penulis dan pahlawannya. Keyakinan J.-J. Rousseau bahwa otobiografi, suatu bentuk ideal introspeksi dan eksplorasi dunia, dipertanyakan oleh literatur abad ke-19.
Sudah M. Yu. Lermontov meragukan ketulusan pengakuan yang diungkapkan dalam pengakuan. Dalam kata pengantar Pechorin's Journal, Lermontov menulis: "Pengakuan Rousseau sudah merugikan karena dia membacanya kepada teman-temannya." Tanpa ragu, setiap seniman berusaha untuk membuat gambar menjadi hidup, dan plot yang menawan, oleh karena itu, mengejar "keinginan yang sia-sia untuk membangkitkan partisipasi dan kejutan."
A. S. Pushkin umumnya menyangkal perlunya pengakuan dalam bentuk prosa. Dalam sepucuk surat kepada P. A. Vyazemsky tentang catatan Byron yang hilang, penyair itu menulis: “Dia (Byron) mengaku dalam puisinya, tanpa sadar, terbawa oleh kegembiraan puisi. Dalam prosa berdarah dingin, dia akan berbohong dan licik, sekarang berusaha menunjukkan ketulusan, sekarang memfitnah musuh-musuhnya. Dia akan ditangkap, seperti Rousseau, dan di sana kebencian dan fitnah akan menang lagi... Anda tidak begitu mencintai siapa pun, Anda tidak mengenal siapa pun sebaik diri Anda sendiri. Subjek tidak ada habisnya. Tapi itu sulit. Adalah mungkin untuk tidak berbohong, tetapi menjadi tulus adalah ketidakmungkinan secara fisik.”
Pengantar Studi Sastra (N.L. Vershinina, E.V. Volkova, A.A. Ilyushin, dan lainnya) / Ed. L.M. Krupchanov. - M, 2005
Gambar artistik adalah salah satu kategori estetika yang paling penting, yang menentukan esensi seni, kekhususannya. Seni itu sendiri sering dipahami sebagai pemikiran dalam gambar dan dikontraskan dengan pemikiran konseptual yang muncul pada tahap perkembangan manusia selanjutnya. Gagasan bahwa pada awalnya orang berpikir dalam gambar konkret (jika tidak, mereka tidak tahu bagaimana) dan pemikiran abstrak itu muncul jauh kemudian dikembangkan oleh G. Vico dalam buku "Foundations of a New Science of the General Nature of Nations" (1725) . "Penyair," tulis Vico, "biasa membentuk puisi (kiasan. - Ed.) pidato, menyusun ide-ide yang sering ... dan orang-orang yang kemudian muncul membentuk pidato prosa, menggabungkan di setiap kata individu, seolah-olah dalam satu konsep umum, bagian-bagian yang telah terdiri dari pidato puitis. Misalnya, dari frasa puitis berikut: "Darah mendidih di hatiku," orang-orang membuat satu kata "marah".
Pemikiran kuno, atau lebih tepatnya, refleksi figuratif dan pemodelan realitas, telah bertahan hingga saat ini dan merupakan yang utama dalam kreativitas artistik. Dan tidak hanya dalam kreativitas. "Pemikiran" figuratif membentuk dasar pandangan dunia manusia, di mana realitas direfleksikan secara kiasan dan fantastis. Dengan kata lain, masing-masing dari kita membawa ke gambaran dunia yang dia persembahkan sejumlah imajinasinya. Bukan suatu kebetulan bahwa para peneliti psikologi mendalam dari Z. Freud hingga E. Fromm begitu sering menunjukkan kedekatan mimpi dan karya seni.
Dengan demikian, citra artistik adalah bentuk reproduksi dan transformasi realitas yang konkrit-indrawi. Gambar menyampaikan realitas dan pada saat yang sama menciptakan dunia fiksi baru yang kita anggap ada dalam kenyataan. "Citra itu banyak sisi dan multi-komponen, termasuk semua momen transformasi timbal balik organik yang nyata dan spiritual; melalui citra yang menghubungkan subjektif dengan tujuan, esensial dengan kemungkinan, individu dengan umum, yang ideal dengan yang nyata, kesepakatan dari semua bidang makhluk yang berlawanan ini dikembangkan, harmoni yang merangkul semuanya ".
Berbicara tentang gambar artistik, itu berarti gambar pahlawan, karakter karya dan, tentu saja, pertama-tama, orang. Dan itu benar. Namun, konsep "citra artistik" seringkali juga mencakup berbagai objek atau fenomena yang digambarkan dalam karya. Beberapa ilmuwan memprotes pemahaman yang begitu luas tentang gambar artistik, menganggapnya salah untuk menggunakan konsep seperti "gambar pohon" (daun dalam "Perpisahan dengan Matera" oleh V. Rasputin atau pohon ek dalam "Perang dan Damai" oleh L. Tolstoy), "citra rakyat" (termasuk novel epik yang sama oleh Tolstoy). Dalam kasus seperti itu, diusulkan untuk berbicara tentang detail figuratif yang dapat menjadi pohon, dan tentang ide, tema atau masalah orang-orang. Lebih sulit lagi adalah kasus dengan gambar binatang. Dalam beberapa karya terkenal ("Kashtanka" dan "Putih-alis" oleh A. Chekhov, "Strider" oleh L. Tolstoy), hewan itu muncul sebagai karakter sentral, yang psikologi dan pandangan dunianya direproduksi dengan sangat rinci. Namun ada perbedaan mendasar antara gambar seseorang dan gambar binatang, yang tidak memungkinkan, khususnya, untuk menganalisis yang terakhir secara serius, karena ada kesengajaan dalam gambar artistik itu sendiri (dunia batin binatang dicirikan oleh konsep-konsep yang berkaitan dengan psikologi manusia).
Jelas, dengan alasan yang baik, hanya gambar karakter manusia yang dapat dimasukkan dalam konsep "gambar artistik". Dalam kasus lain, penggunaan istilah ini menyiratkan sejumlah kekonvensionalan, meskipun penggunaannya yang "berkembang" cukup dapat diterima.
Untuk kritik sastra dalam negeri, "suatu pendekatan terhadap citra sebagai organisme yang hidup dan holistik, sejauh yang mampu memahami sepenuhnya kebenaran keberadaan ... sangat khas ... Dibandingkan dengan ilmu pengetahuan Barat, konsep" citra "dalam kritik sastra Rusia dan Soviet itu sendiri lebih "kiasan", polisemantik , memiliki cakupan penggunaan yang kurang berbeda.<...>Kepenuhan makna konsep "gambar" Rusia hanya ditunjukkan oleh sejumlah istilah Anglo-Amerika... - simbol, salinan, fiksi, gambar, ikon...".
Menurut sifat generalisasi, gambar artistik dapat dibagi menjadi individu, karakteristik, tipikal, gambar-motif, topoi dan arketipe.
Gambar individu dicirikan oleh orisinalitas, orisinalitas. Mereka biasanya produk dari imajinasi penulis. Gambar individu paling sering ditemukan di antara penulis roman dan fiksi ilmiah. Seperti, misalnya, adalah Quasimodo di Katedral Notre Dame V. Hugo, Setan dalam puisi M. Lermontov dengan nama yang sama, Woland dalam The Master and Margarita karya M. Bulgakov.
gambar khas, berbeda dengan individu, adalah generalisasi. Ini berisi ciri-ciri umum karakter dan moral yang melekat pada banyak orang di era tertentu dan lingkungan sosialnya (karakter "The Brothers Karamazov" oleh F. Dostoevsky, diperankan oleh A. Ostrovsky, "The Forsyte Saga" oleh J. Galsworthy).
gambar khas mewakili level tertinggi dari karakteristik citra. Khas adalah yang paling mungkin, bisa dikatakan, teladan untuk era tertentu. Penggambaran gambar-gambar khas adalah salah satu tujuan utama, serta pencapaian sastra realistis abad ke-19. Cukuplah untuk mengingat Pastor Goriot dan Gobsek O. Balzac, Anna Karenina dan Platon Karataev L. Tolstoy, Madame Bovary G. Flaubert dan lain-lain (yang disebut gambar abadi) - Don Quixote, Don Juan, Hamlet, Oblomov, Tartuffe. ..
Gambar-motif dan topoi melampaui karakter individu. Gambar-motif adalah tema yang secara konsisten diulang dalam karya seorang penulis, diekspresikan dalam berbagai aspek dengan memvariasikan unsur-unsurnya yang paling signifikan (“desa Rusia” oleh S. Yesenin, “Wanita Cantik” oleh A. Blok).
topos(gr. topos- tempat, lokalitas, huruf, makna - tempat umum) menunjukkan gambar umum dan khas yang dibuat dalam sastra seluruh era, bangsa, dan bukan dalam karya penulis individu. Contohnya adalah gambar "pria kecil" dalam karya penulis Rusia - dari A. Pushkin dan N. Gogol hingga M. Zoshchenko dan A. Platonov.
Belakangan ini, dalam ilmu sastra, konsep tersebut sangat banyak digunakan. "pola dasar"(dari bahasa Yunani. busur dia- mulai dan salah ketik- gambar). Untuk pertama kalinya istilah ini ditemukan di kalangan romantika Jerman pada awal abad ke-19, namun, karya psikolog Swiss C. Jung (1875–1961) memberinya kehidupan sejati di berbagai bidang pengetahuan. Jung memahami arketipe sebagai citra universal, secara tidak sadar diturunkan dari generasi ke generasi. Paling sering, arketipe adalah gambar mitologis. Yang terakhir, menurut Jung, secara harfiah "mengisi" semua umat manusia, dan arketipe bersarang di alam bawah sadar seseorang, terlepas dari kebangsaan, pendidikan, atau seleranya. "Sebagai seorang dokter," tulis Jung, "saya harus memunculkan gambaran-gambaran mitologi Yunani dalam delusi orang-orang Negro murni."
Penulis brilian ("visioner", dalam terminologi Jung) tidak hanya membawa gambar-gambar ini dalam diri mereka sendiri, seperti semua orang, tetapi juga mampu mereproduksinya, dan reproduksinya bukanlah salinan sederhana, tetapi diisi dengan konten baru yang modern. Dalam hal ini, K. Jung membandingkan pola dasar dengan dasar sungai kering, yang selalu siap untuk diisi dengan air baru.
Untuk sebagian besar, istilah yang banyak digunakan dalam kritik sastra dekat dengan pemahaman Jung tentang arketipe. "mitologi"(dalam sastra Inggris - "tema"). Yang terakhir, seperti arketipe, mencakup gambar mitologis dan plot mitologis atau bagian darinya.
Banyak perhatian dalam kritik sastra diberikan pada masalah hubungan antara citra dan simbol. Masalah ini diajukan pada Abad Pertengahan, khususnya oleh Thomas Aquinas (abad XIII). Dia percaya bahwa gambar artistik seharusnya tidak terlalu mencerminkan dunia yang terlihat, melainkan mengungkapkan apa yang tidak dapat dirasakan oleh indra. Dengan demikian dipahami, gambar benar-benar berubah menjadi simbol. Dalam pemahaman Thomas Aquinas, simbol ini dimaksudkan untuk mengungkapkan terutama esensi ilahi. Kemudian, di antara penyair simbolis abad 19-20, gambar simbolis juga dapat membawa konten duniawi ("mata orang miskin" oleh Ch. Baudelaire, "jendela kuning" oleh A. Blok). Citra artistik tidak harus "kering" dan dipisahkan dari realitas objektif dan sensual, seperti yang diproklamirkan Thomas Aquinas. Blok's Stranger adalah contoh dari simbol yang luar biasa dan pada saat yang sama gambar hidup yang penuh darah, tertulis dengan sempurna dalam "tujuan", realitas duniawi.
Filsuf dan penulis (Viko, Hegel, Belinsky dan lain-lain), yang mendefinisikan seni sebagai "berpikir dalam gambar", agak menyederhanakan esensi dan fungsi gambar artistik. Penyederhanaan serupa juga menjadi ciri beberapa ahli teori modern, yang paling-paling mendefinisikan gambar sebagai tanda "ikon" khusus (semiotika, sebagian strukturalisme). Jelas bahwa melalui gambar mereka tidak hanya berpikir (atau orang primitif berpikir, seperti yang dicatat oleh J. Vico dengan benar), tetapi juga merasakan, tidak hanya "mencerminkan" realitas, tetapi juga menciptakan dunia estetika khusus, sehingga mengubah dan memuliakan dunia nyata. .
Fungsi yang dilakukan oleh gambar artistik sangat banyak dan sangat penting. Mereka termasuk estetika, kognitif, pendidikan, komunikatif dan kemungkinan lainnya. Kami membatasi diri hanya pada satu contoh. Terkadang citra sastra yang diciptakan oleh seniman brilian secara aktif memengaruhi kehidupan itu sendiri. Jadi, meniru Goethe's Werther ("The Suffering of Young Werther", 1774), banyak anak muda, seperti pahlawan novel, bunuh diri.
Struktur gambar artistik bersifat konservatif dan dapat diubah. Setiap gambar artistik mencakup kesan nyata dan fiksi penulis, namun, seiring berkembangnya seni, rasio antara komponen-komponen ini berubah. Jadi, dalam gambar-gambar sastra Renaisans, hasrat besar para pahlawan muncul ke permukaan, di Zaman Pencerahan, orang "alami" dan rasionalisme menjadi objek gambar, dalam sastra realistis abad ke-19, para penulis berusaha untuk cakupan realitas yang komprehensif, menemukan inkonsistensi sifat manusia, dll. d.
Jika kita berbicara tentang nasib historis gambar, maka hampir tidak ada alasan untuk memisahkan pemikiran kiasan kuno dari yang modern. Pada saat yang sama, untuk setiap era baru, ada kebutuhan untuk pembacaan baru dari gambar yang dibuat sebelumnya. Dengan tunduk pada banyak interpretasi yang memproyeksikan gambar ke dalam bidang fakta, tren, ide tertentu, gambar melanjutkan pekerjaannya menampilkan dan mengubah realitas yang sudah berada di luar teks - dalam pikiran dan kehidupan generasi pembaca yang berurutan.
Gambar artistik adalah salah satu kategori sastra dan filosofis yang paling beragam dan kompleks. Dan tidak mengherankan bahwa literatur ilmiah yang ditujukan kepadanya sangat besar. Gambar dipelajari tidak hanya oleh penulis dan filsuf, tetapi juga oleh ahli mitologi, antropolog, ahli bahasa, sejarawan, dan psikolog.
- Kamus ensiklopedis sastra. M., 1987. S. 252.
- Kamus ensiklopedis sastra. S.256.
- Kamus ensiklopedis sastra. S.255.
