Streltsova Anna

O ensaio é dedicado à época dos anos 60, a famosa disputa entre físicos e letristas, revela o clima, novas tendências no campo da poesia, explica o surgimento de um novo gênero - a canção do bardo.

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O tempo do "Thaw" de Khrushchev está a meio século de distância de hoje, mas disputas, problemas, relações entre "físicos" (e agora técnicos) e letristas, humanistas ainda são relevantes hoje. Provavelmente porque essa disputa - sobre os benefícios de ambos - é eterna e insolúvel. Mesmo o Bazárov de Turgenev produziu uma espécie de "boom", rejeitando o significado da arte para o homem e proclamando apenas os benefícios materiais da ciência: "Um químico decente é vinte vezes mais útil do que qualquer poeta". Mas a vida coloca tudo em seu lugar. Certa vez, o famoso Einstein disse sobre F. Dostoiévski que ele (Dostoiévski) lhe deu "mais do que qualquer pensador científico, mais do que Gauss".

O mais próximo no tempo de nossos dias foi o boom do final dos anos 50 - início dos anos 60. Não é por acaso que foi então que novos nomes poéticos foram ouvidos pela primeira vez. E não é por acaso que as salas de concerto onde os então jovens Yevgeny Yevtushenko e Andrei Voznesensky se apresentavam foram invadidas por uma multidão de pessoas, mal contidas pela polícia montada.

Essa época foi marcante em sua abertura ingênua e humanidade. As pessoas foram autorizadas a ser apenas pessoas. Os "sessenta" acreditavam que "o regime pode ser humanizado, que ele mesmo quer ser humanizado". O sistema soviético parecia inabalável, bastava remover dele a crosta do stalinismo. Assim, a emancipação espiritual do povo soviético durante os anos do "degelo", humores liberais - tudo isso abriu o caminho para a próxima perestroika.

O próprio espírito da época era “degelo”. Oleg Efremov, um ator e diretor conhecido, lembrou: “Criando Sovremennik, nos sentimos juntos - não apenas dentro da equipe, mas também fora dela. Isso significa que uma certa atmosfera social ajudou minha geração a encontrar uma voz. Eles esperavam algo de nós, agora eu entendo - eles nos empurraram diretamente para a frente e exigiram que ficássemos juntos. E todos sentiram – com a alma, corpo, cotovelo, nervos: não estou sozinho!”

Essa atmosfera contribuiu para o nascimento de obras significativas em todas as formas de arte. O romance "Mestre e Margarita" foi publicado, o livro de 9 volumes de I. Bunin foi publicado, o primeiro trabalho confiável sobre o campo "Um dia na vida de Ivan Denisovich" de A. Solzhenitsyn apareceu, a "verdade da trincheira" por Y. Bondarev "Os batalhões estão pedindo fogo", Para Vorobyov "Morto perto de Moscou". 1 de dezembro de 1956 e 1 de janeiro de 1957 no principal jornal da União Soviética "Pravda" A história de Mikhail Sholokhov "O destino de um homem" foi publicado. A história causou uma grande ressonância no país, o que na verdade não é surpreendente, porque o personagem principal era um homem que há alguns anos teria sido inequivocamente classificado entre os inimigos do povo - o ex-prisioneiro de guerra Andrei Sokolov. No entanto, agora a situação no país mudou significativamente. O filme de S. Bondarchuk, diretor estreante, tornou-se uma lenda do cinema soviético. O reconhecimento popular coincidiu com o oficial, apesar de o herói do filme ser um homem que esteve em cativeiro, e a ideologia comunista não ser expressa no filme. Mesmo entre os inimigos mais ardentes dos filmes subsequentes de S. Bondarchuk, "The Fate of a Man" foi depositado nas mentes como um sucesso indiscutível - tanto na direção quanto na atuação (Bondarchuk desempenhou o papel principal em seu filme). Durante este período, o papel da chamada "samizdat" - a poesia de vanguarda unida - aumentou acentuadamente. Foi o surgimento de uma série de obras de arte que afirmaram um novo tipo de relação entre o escritor e a sociedade, o direito do escritor de ver o mundo como ele é.

Na década de 1960, o país experimentou um “boom” poético. A poesia do “degelo” tornou-se para a poesia russa não apenas uma época de renascimento, mas também uma época de prosperidade. Com o advento de brilhantes talentos poéticos, o interesse pela poesia aumentou muitas vezes. As enormes salas de Luzhniki, a sala de concertos. P. I. Tchaikovsky, o Museu Politécnico de Moscou, o teatro e as salas de concerto de Leningrado e outras cidades do país estavam lotados quando a noite de poesia foi anunciada. Por muitas horas, ouvintes agradecidos ouviram as vozes de seus poetas favoritos. Coleções de poesia foram literalmente varridas das estantes. A área dedicada à poesia por revistas e almanaques “grossos” aumentou notavelmente. O almanaque "O Dia da Poesia" foi fundado e por vários anos foi publicado. O pathos da poesia daqueles anos era a afirmação do valor, da personalidade humana única, da dignidade humana:

As pessoas estão partindo... Elas não podem ser devolvidas.
E mundos secretos não podem ser revividos.
E toda vez que eu quero de novo
Desta impossibilidade de gritar.
(E. Evtushenko)

Um poeta ficou indignado com uma sociedade onde uma pessoa é tratada como uma engrenagem, outro estava convencido: “Não há pessoas desinteressantes no mundo”, um terceiro proclamou: “Todo progresso é reacionário se uma pessoa desmorona”. A poesia dos anos 60 afastou-se resolutamente dos clichês ideológicos, adquiriu conteúdo polêmico e fez descobertas artísticas. Sucessos notáveis ​​em ciência e tecnologia: o lançamento dos primeiros satélites, a saída do homem para o espaço sideral - teve um impacto na consciência pública:

Algo de física
Em alta estima
Letra de algo
No paddock
escreveu Slutsky.

Alguns poetas tentaram compreender essa situação de outra maneira:

E deixe a visão eletrônica
Muito é confiado, mas
Todas as facetas de qualquer fenômeno
A arte só é dada para ver.

* * *
E em algum lugar no trabalho indefinido,
O que é surdo aos sucessos fáceis,
Fecha com a ciência exata
A precisão cinzelada do verso.
(V. Shefner)

O ambiente favorável criou um verdadeiro milagre.

Poetas conhecidos das décadas de 1920 e 1930, que ficaram em silêncio por muito tempo ou esqueceram os gostos das verdadeiras vitórias criativas, recuperaram sua voz: M. Svetlov - a coleção "Hunting Lodge" (1961), N. Aseev - a coleção "Lad" (1961), L. Martynov - coleção "Birthright" (1965), etc.

Mas o papel principal no boom poético dos anos 60, é claro, pertencia aos jovens.

Foi quando o sonho de V. Mayakovsky se tornou realidade: "Ter mais poetas, bons e diferentes"

Os contemporâneos destacaram dois ramos na poesia dos anos 1960.

Alguns poetas, que continuam as tradições de V. Mayakovsky, encontraram-se no palco, servindo a chamada poesia alta: R. Rozhdestvensky, B. Akhmadulina, E. Yevtushenko, A. Voznesensky e outros.

Seguindo as letras filosóficas e paisagísticas russas, seus oponentes usaram poesia “silenciosa”: A. Zhigulin, N. Rubtsov, V. Sokolov, Ya. Smelyakov e outros.

O tempo nos obrigou a abandonar essa classificação artificial baseada em uma compreensão simplificada da maneira criativa de muitos poetas.

Na década de 1950, o gênero da música do autor surgiu e depois ganhou grande popularidade - B. Okudzhava, A. Galich, Yu. Vizbor, V. Vysotsky e outros.

Se falamos sobre a técnica poética dos mestres da época, basicamente eles permaneceram de acordo com as tradições da poesia russa clássica.

Mas nos anos 60, a poesia de vanguarda também foi revivida (I. Brodsky, A. Voznesensky, G. Sapgir, etc.), embora, com poucas exceções, não tenha sido impressa.

O gênero principal na poesia dos anos 60 foi a poesia lírica - civil, filosófica, amorosa, paisagística.

A primitiva disputa dos anos sessenta entre "físicos" e "letristas" estava sob o signo da desconfiança mútua. Os "físicos" consideravam os "letristas" sonhadores e devoradores do vazio, pessoas desligadas da vida. Consideravam-se pessoas “concretas”, capazes de “fazer ferro”, dar vida às ideias. Os "letristas" falavam do perigo da inércia do progresso técnico irracional. Em suma, os "letristas" eram pessimistas e céticos, quase degenerados, enquanto os "físicos" eram otimistas e empresários.

Os letristas sempre tiveram um complexo de sua subestimação. Os mitos estatais predominantes tornaram a esfera humanitária desinteressante e pouco lucrativa. O que pode ser produzido aqui, se tudo está lá, que tipo de conhecimento é necessário, se há Cadernos Filosóficos de Lenin, que esgotam todas as perguntas e dão todas as respostas?

Bastava em qualquer cidade do país ir a qualquer universidade técnica e imediatamente uma humanitária para entender toda a diferença na atitude do estado em relação à primeira e à segunda. Edifícios colossais para "físicos", equipados com o que há de mais moderno em tudo e em tudo, e lixo em ruínas com tetos caindo para as humanidades. Você não pode ir longe. Mesmo na Universidade Estadual de Moscou, essa segregação é impressionante: para os “físicos” o prédio principal, conhecido em todo o mundo, para os “letristas” das humanidades é uma imundície de vidro plano, conhecido apenas por quem ingressa na Universidade Estadual de Moscou por estudos filológicos, históricos e filosóficos.

Disseram-nos: a defesa é o principal. Corrida armamentista, precisamos de mais mísseis, bons e de longo alcance.

E todos acenaram com a cabeça.

"O colapso do comunismo é 50% mérito dos Beatles, os outros 50% pertencem a Solzhenitsyn."

Um fenômeno marcante na disputa entre "físicos" e "letristas" foi o aparecimento em 1968 do poema "Atomic Tale" do jovem poeta Yuri Kuznetsov.

Eu ouvi este conto feliz
Eu já estou no caminho presente,
Como Ivanushka entrou em campo
E disparou uma flecha ao acaso.
Ele foi na direção do vôo
Na trilha prateada do destino.
E ele chegou ao sapo no pântano,
Sobre três mares da cabana do pai.
- Útil por uma causa justa! -
Ele colocou o sapo em um lenço.
Abriu seu corpo real branco
E deixe a corrente elétrica.
Em longa agonia ela morreu,
Em cada veia bateu séculos.
E o sorriso do conhecimento jogado
No rosto feliz de um tolo.

Claro, é incrível como em um pequeno poema foi possível formular o problema mais difícil.

Vamos começar com o nome.

Primeiro, este um conto de fadas em que se encontra com uma dica.Em outras palavras, ler o texto sem decodificação semântica que “tenho pena do sapo” significa ver uma mentira e não ver uma dica.

Este é o primeiro.

Segundo. Um conto de fadas é uma forma de pensar o solo do povo que atravessou os séculos, tendo estabelecido seu sincretismo conceitual e mitológico. Em outras palavras, as principais figuras do conto são as figuras da transferência, gravitando em torno do simbolismo (reprodutibilidade na consciência como signos estáveis). Em outras palavras, isso não é apenas um sapo, mas uma generalização fabulosa.

Falando sobre a rejeição imerecida da utilidade das letras, B.A. Slutsky expressou uma opinião geral que instantaneamente ganhou fama e se tornou quase um aforismo:

Algo de física em alta estima. Algo das letras no paddock. Não se trata de cálculo seco, trata-se de lei mundial.

E como eram eles, os letristas, arautos da liberdade durante o período do "Degelo, a liberdade de expressão que amanheceu adiante?"

Voznesensky: Estávamos cantando e mesmo assim não tínhamos medo de nada. Todos nós cantamos Okudzhava. Ele ainda não havia escrito a música "About Fools", mas eles consideravam suas músicas perigosas.

B. Akhmadulina: Eu dirigi "Moskvich". Meu rosto brilhava com a música.

Yevtushenko: Fui o primeiro em Moscou a usar um terno de náilon.

Natal: Eu tinha um suéter de esqui, mas recitava ardentemente poesia civil do palco.

Um fenômeno marcante dos anos 60, assim "BOOM", foi o fenômeno da canção do autor.

Entre os poetas que estiveram nas origens do gênero da música artística, é necessário citar os nomes de Mikhail Ancharov, Yuri Vizborn, Ada Yakusheva, Yuli Kim, Alexander Vertinsky.

No entanto, os verdadeiros fundadores, figuras-chave são Bulat Okudzhava, Vladimir Vysotsky, Alexander Galich.

Sendo uma das manifestações mais brilhantes do crescimento da autoconsciência espiritual durante o "degelo", que Bulat Okudzhava definiu como "o tempo de espera por mudanças", a canção do autor tornou-se uma forma real de confronto com a burocracia, a burocracia, o dogmatismo durante os anos 1960-1970.

Surgindo na década de 1950 com base em várias tradições, principalmente folclóricas, incluindo romance urbano, estudantes. turista, canções de "quintal", posteriormente sofreu alterações significativas de conteúdo e aspectos artísticos e estilísticos.

Observando que o criador de uma canção de autor "combina, via de regra, o autor de uma melodia, o autor de poemas, um intérprete e um acompanhante", que "o dominante aqui é o texto poético, tanto do lado musical quanto do modo de desempenho lhe estão subordinados", Vl. Novikov, no entanto, tem o cuidado de não usar a palavra "gênero" em relação a isso.

No entanto, ele ainda considera possível hoje começar "a considerar a canção do autor como um fenômeno puramente literário, como um fato da poesia russa da segunda metade do século XX"

Observe, a propósito, que B. Okudzhava. usando as palavras “fenômeno”, “movimento”, “direção” em conexão com ele, ele falou mais de uma vez sobre um gênero peculiar, enfatizando repetidamente que é baseado principalmente na poesia: “Não é apenas uma música, é uma performance de poesia”.

Os criadores da canção do autor, com toda a originalidade de gênero das obras que criaram, focaram não na massa de ouvintes, mas no indivíduo. Eles são caracterizados pela atenção especial a uma pessoa comum, comum e até "pequena". É graças ao apelo não a todos, mas a cada um individualmente. a canção do autor recebeu a mais ampla e, no caso de Vysotsky, fama verdadeiramente nacional.

Via de regra, os criadores da canção do autor buscavam fugir da cidadania aberta, sobretudo do pathos, invariavelmente amenizando-a com ironia. Voltando-se para o mundo interior do indivíduo, para as queridas cordas da alma humana, eles introduziram notas de intimidade, lirismo, conversa sincera e confidencial sobre o que há de mais profundo e importante na performance e no conteúdo das canções. Foi a entonação da conversa, comunicação amigável, que determina a atmosfera de "atenção humana sincera, comunicação e compreensão mútua"

Daí a cativante naturalidade do sentimento, da palavra, da imagem, do imediatismo das experiências, do apelo à vida cotidiana real, à existência cotidiana e de hoje, e ao mesmo tempo, por meio desse presente, ordinário, aos valores eternos, profundos, principais, espirituais. que uma pessoa leva em sua alma: pátria e natureza, amizade e amor, fé e esperança, honra e consciência.

Ao contrário de uma música pop, a poesia em si, os versos, uma palavra poética e a música, uma melodia, que geralmente é condicionada pela entoação semântica de um texto poético e transmite suas nuances mais sutis, desempenham o papel mais importante e dominante na canção do autor. . serve como um meio de aumentar o impacto da palavra do poeta. Era uma poesia ressonante baseada em uma longa tradição histórica e cultural, uma palavra ressonante.

Bulat Okudzhava, embora tenha se anunciado pela primeira vez no final dos anos 50, junto com os poetas do "período de degelo" - "anos sessenta" (E. Yevtushenko, A. Voznesensky, B. Akhmadulina, ...), mas na verdade ele ainda é um dos poetas da geração militar ou da linha de frente, aqueles cujo talento se formou em duras provações, na vanguarda, sob fogo de artilharia e metralhadora, nas trincheiras e abrigos da Guerra Patriótica.

Falando ao público em 1961, o poeta observa: "A maioria dos meus poemas, tanto os que leio quanto os que canto, são de tema militar. Quando eu tinha 17 anos, fui para a frente do nono E então eu não escrevi poesia, e então, obviamente, essas impressões da juventude eram tão fortes que ainda me seguem nos meus calcanhares.

O poeta e o seu herói caracterizam-se por uma rejeição aguda, uma negação da guerra, precisamente como sobre a morte e a destruição, e ao mesmo tempo, uma afirmação da vida, uma crença no seu triunfo, na vitória sobre a morte:

"Não, não se esconda, seja alto,

Não poupe nem balas nem granadas

E não se poupe

E ainda

Tente voltar"

Mas o alcance temático e figurativo das canções de Okudzhava não é de forma alguma esgotado pela guerra. A beleza, a poesia da vida cotidiana comum, é afirmada em suas letras. Tem uma base terrena bem percebida, um solo vital sobre o qual cresce uma experiência de sentimento e, ao mesmo tempo, uma inspiração romântica na percepção e recriação criativa dos fenômenos mais comuns.

"Nós somos terra terrena. E em tudo

para o inferno com as histórias dos deuses!

Nós apenas carregamos asas

então. o que eles usam em suas mãos.

Você só precisa realmente acreditar

esses faróis azuis,

e então a costa inesperada

do nevoeiro virá até você."

No sistema artístico de Okudzhava, o cotidiano e terreno é literalmente transformado diante de nossos olhos no incomum e sublimemente romântico, formando "seu próprio mundo poético, seu próprio continente poético"

O papel indubitável dos tropos e a criação deste mundo poético no próprio Okudzhava. Em suas canções, vemos "Mulher, Vossa Majestade", cujos olhos são "como um arco de diamante do céu", "duas frias estrelas azuis", são como "faróis azuis", que lembram uma "costa inesperada", que torna-se uma "praia próxima". Ou seja, o inusitado acaba por estar próximo: “ela mora na nossa rua”, ela tem “mãos rachadas e sapatos velhos”, “seu casaco ...

Nas metáforas de Okudzhava funde-se, funde-se o ordinário, o terreno e o romântico, aspirando ao alto e à distância, celestial e mar. Em seus poemas, uma rua comum de Moscou flui "como um rio", seu asfalto é transparente, "como água em um rio".

No mundo poético de Okudzhava, o lugar mais importante é ocupado pelo tema e imagem da pátria, casa e estrada, o motivo do movimento e a esperança associada a ele, a compreensão moral e filosófica da vida, os próprios fundamentos do ser , e, como forma de corporificação de tudo isso, o início musical e pictórico. Tudo isso junto forma um sistema de arte vivo, integral e em movimento.

"Minha pátria histórica é o Arbat", disse B. Okudzhava. Ele explicou: "A Arbat não é apenas uma rua para mim, mas um lugar que para mim, por assim dizer, personifica Moscou e minha terra natal".

"Seus pedestres não são grandes pessoas,

batendo com os calcanhares - com pressa

Ah, Arbat, meu Arbat, você é minha religião,

suas pontes estão debaixo de mim.

Você não pode curar do seu amor

quarenta mil outras pontes amorosas.

Ah, Arbat, meu Arbat, você é minha pátria,

nunca passar por você!"

"O Arbat não tem quintais, mas em geral o Arbat é um distrito, um país. Uma história viva, trêmula, nossa cultura.. Desconfio até que tenha alma, e há vários séculos exala ondas invisíveis que um efeito benéfico em nossa saúde moral".

Nos poemas e canções de Okudzhava, o sócio-histórico e o eterno, o universal estão sempre sombriamente entrelaçados. Seu desejo de harmonia, de destacar o belo na vida e no homem, associado à fé, à esperança e ao amor, é inseparável do sentimento de drama e tragédia de estar no mundo.

Em um de seus poemas posteriores dedicados a Novella Matveeva, Okudzhava descreveu o tempo de "descongelar" as esperanças da seguinte forma, que deu origem, em particular, a um fenômeno como a canção de um autor:

"Somos românticos da velha escola

De um tempo passado e terrível.

Viemos ao mundo debaixo do bastão,

cantar os pátios da cidade"

Sentimento romântico da juventude, naturalmente. sofreu mudanças significativas, tendo absorvido a tristeza e a amargura da "musa da ironia", levando a repensar as imagens de seus próprios poemas:

"Minha têmpora apertou os olhos sobre o sangue,

no entanto, assim como outros canteiros de obras.

Árvore de Natal - no lixo.

Sem esperança, sem destino, sem amor."

O trabalho lírico de Bulat Okudzhava é baseado em sua inseparabilidade da vida e do destino folclóricos, experiência e tradições organicamente absorvidas da poesia russa e, é claro, fontes folclóricas.

Vladimir Vysotsky disse em um dos concertos: "... quando ouvi as músicas de Bulat Okudzhava, vi que você pode aprimorar seus poemas com música, melodia, ritmo. Então comecei a compor música para meus poemas".

O nascimento de um novo gênero de canção de autor, a originalidade desse fenômeno artístico em Vysotsky é evidenciada por suas próprias palavras, bem como pelas declarações e características de seus contemporâneos. Em seus discursos, V. Vysotsky enfatizou repetidamente a diferença entre uma canção de autor e uma canção pop, e, por outro lado, de uma canção "amadora", acreditando que a primeira sempre se baseia em sua própria criatividade poética original, inseparável da uma performance puramente individual, do autor, "ao vivo" que destaca sutis nuances semânticas e rítmicas musicais da poesia.

Quanto às especificidades da composição de V. Vysotsky, segundo a correta observação de R. Rozhdestvensky, ele criou "canções-papéis", acostumando-se organicamente às imagens dos personagens-heróis de seus poemas.

"Cada uma de suas canções é uma performance solo, onde Vysotsky foi dramaturgo, diretor e intérprete."

Vysotsky não gostou. quando falavam de suas primeiras canções como ladrões, pátios, preferia associá-las à tradição do romance urbano.

"Comecei com músicas que muitos, por algum motivo, chamavam de quintal, rua. Era uma homenagem ao romance urbano, que na época estava completamente esquecido. E as pessoas provavelmente ansiavam por uma conversa tão simples e normal em uma música, ansiando não por uma entonação humana simplificada, ou seja, simples. Eram ingênuas, essas primeiras canções, ela estava nelas. mas uma paixão ardente; o desejo eterno de uma pessoa pela verdade, amor por seus amigos, mulher, entes queridos ".

Falar da obra cantônica de Vysotsky como uma espécie de sistema artístico, filosófico e poético, das formas de combinar poemas individuais em grupos temáticos, das formas de ciclização. atenção especial deve ser dada aos versos do ciclo militar e à originalidade da solução do autor para este tema.

Entre os poemas-chave do ciclo militar está "Ele não voltou da batalha". Nele, a trágica morte de um dos inúmeros soldados da Grande Guerra é compreendida como um fato corriqueiro, adquirindo um som simbólico. A amargura da perda, a conexão de sangue entre os vivos e os mortos, em contraste, são realçadas aqui por uma imagem tão serena contra o pano de fundo da tragédia humana da natureza eterna e bela:

“Hoje, a primavera escapou, como se do cativeiro.

Eu o chamei por engano.

"Amigo, pare de fumar!" - e em resposta - silêncio...

Ele não voltou da batalha ontem.

Nossos mortos não nos deixarão em apuros.

Nossos caídos são como sentinelas ..

O céu se reflete na floresta, como na água, -

E as árvores são azuis."

Nos versos do ciclo militar, o poeta atinge uma capacidade especial na criação de uma imagem poética. Tal é o símbolo da Chama Eterna no poema "Túmulo Comum", com o qual Vysotsky costumava abrir suas performances-concertos.

Além do tema militar - ou, talvez, mais precisamente, antiguerra -, um lugar importante na obra do poeta é ocupado pelo tema da Pátria-Rússia em seu presente e em seu passado histórico.

Quanto às letras de amor, Vysotsky possui amostras magníficas, criadas em diferentes etapas de seu caminho criativo e em diversas formas.

"Colocarei campos para os amantes -

Deixe-os cantar em um sonho e na realidade! ..

Eu respiro, e isso significa que eu amo!

Eu amo, e isso significa que eu vivo! "

É importante notar a diversidade de gêneros, a especificidade das formas e as modificações dos versos e canções de Vysotsky. Suas próprias designações de gênero geralmente incluem as palavras música música , e, talvez, mais frequentemente do que outros, a palavra aparece em seus nomes balada.

O próprio Vysotsky sempre destacou a base narrativa épica de suas composições: "Em geral, tento escrever todas as músicas como contos de músicas - para que algo aconteça lá". E por outro lado. Acompanhando os ouvintes, chamou a atenção para o tom lírico e não narrativo de suas obras, ao mesmo tempo em que frisou que sua performance pressupõe indispensável contato e interação com aqueles a quem são dirigidas.

Em um esforço para entrar em diálogo com as pessoas a quem a canção é dirigida, o poeta às vezes usava a forma tradicional do lírico, irônico. carta-endereço satírico para vários destinatários. Estes são, por exemplo, "Uma carta a um amigo, ou um esboço sobre Paris", "Uma carta ao editor do programa de televisão "Obvio-incrível" de um manicômio de Kanatchikova dacha", "Carta dos trabalhadores de a fábrica de Tambov aos líderes chineses".

E apesar de tudo, talvez, a indefinição das fronteiras de gênero de muitas das obras de Vysotsky, seus ciclos temáticos de gênero são formados em um todo artístico, em um mundo artístico complexo e integral. Respondendo em suas canções ao "tópico do dia", o poeta o viu e o compreendeu em larga escala, histórica e até cósmica: Terra e céu, elementos naturais, tempo, eternidade, o universo vive em seus poemas, os dias atuais é inseparável neles da história, momentânea - do eterno. Daí a abertura espaço-temporal, amplitude e escala de seu mundo poético.

Vysotsky é caracterizado por um senso especial das circunstâncias da vida. detalhes do comportamento humano e da psicologia, sentimentos e experiências, gestos e ações e, mais importante, a máxima confiabilidade de recriar a fala coloquial animada de vários personagens em seus poemas e canções. Cada vez, tudo isso é motivado por uma imagem específica, personagem, composição mental, o estado do protagonista da canção-monólogo e encontra expressão em um lexical único. estrutura fraseológica, entoacional-sintática do discurso.

Exemplos de tons de entonação coloquial animada, que determinam as características sintáticas do enunciado, são encontrados no discurso abrupto "Reconhecimento em batalha":

"Quem está comigo? Com ​​quem ir?

Então, Borisov .. Então, Leonov ..

e suave reflexão "Mountain lyrical":

"E qual era o dia então?

Ah sim, quarta-feira!

no som satírico de exclamações e perguntas de "Diálogo na TV":

"Oh, Van, olhe, ceifando, papagaios!

Não, eu vou gritar!

Quem está de camiseta curta?

Eu, Van, quero o mesmo."

nos apelos expressivos do poema-programa "Corda bamba":

"Olha, aqui está ele.

fica sem seguro.

Inclinação ligeiramente para a direita

cair, cair!

Incline ligeiramente para a esquerda

Ainda não consigo salvar...

Mas congele - resta para ele passar

não mais do que um quarto do caminho! "

Quanto às características da poética e do estilo, Vysotsky é caracterizado por uma tendência à interação e à síntese de vários princípios estilísticos: realismo e romance, convenção e fantasia de conto de fadas, simplicidade natural e, juntos, extrema tensão, expressividade no uso de , meios visuais, de fala e poéticos. A busca pela síntese artística se realiza absorvendo a experiência das artes afins. Como tem sido repetidamente observado, Vysotsky era um poeta e um compositor, um autor de poesia e música, um diretor de palco e um ator apresentando suas obras para o público e ouvintes.

A emergência de novas formas poéticas, novos temas. um apelo ao mundo interior de uma pessoa, uma nova compreensão do destino do país e do indivíduo - essa é a conquista do boom poético dos anos 60. No final, tudo isso acabou sendo a mudança mais significativa e fatídica, uma poderosa onda poética que multiplicou a reserva de altura espiritual. Nessa poesia vivia uma imagem mais multifacetada e espiritualmente mais complexa da Pátria.

Lista de literatura usada:

1.V.A.Chalmaev, S.A.Zinin "Literature" Grade 11, livro didático para instituições educacionais, TID "Russian Word" LLC, 2008.

2.V.A.Zaitsev "Okudzhava, Vysotsky, Galich. Poéticas, gêneros, tradições" 2003 GKTsM V.S.Vysotsky

3. http://1001material.ru

4. http://www.computerbooks.r

5. http://ishevelev.narod.ru/ipavlova.htm

Igor SHEVELEV.

Moscou
subterrâneo.

6. Poemas de V. Vysotsky, B. Okudzhava.

7. http://ivancgalina.ya.ru/replies.xml?item_no=1300

V.N. Barakov

Poesia dos anos 60

A maioria dos pesquisadores acreditou e continua acreditando que na virada dos anos 50 para 60 começou uma nova etapa na história da poesia, associada às mudanças sociais: com a exposição do culto à personalidade e o “degelo” que se seguiu. A literatura, após uma breve pausa, reagiu a esses eventos com uma explosão de atividade criativa. Uma espécie de "cartão de visita" da época era o poema de A. Tvardovsky "Além da distância - distância" (1953-1960), ao mesmo tempo que B. Pasternak criava um ciclo de poemas "Quando se esclarece" (1956-1959 ), as coleções de N. Zabolotsky foram publicadas: "Poemas" (1957) e" Poemas "(1959); E. Evtushenko: "Estrada dos Entusiastas" (1956); V. Sokolova: "Grama sob a neve" (1958). O amor nacional pela poesia é "um sinal dos tempos de meados dos anos cinqüenta: almanaques literários foram publicados em quase todas as cidades da região". (386, pág. 80). A "reabilitação" de S. Yesenin desempenhou um grande papel nisso: "A memória do povo e o tempo levantaram a proibição do nome do poeta. E foi como se uma barragem se rompesse!" (386, pág. 82). Aqui está o que N. Rubtsov escreveu sobre S. Yesenin naquela época (ele estava procurando por vestígios da estadia do poeta em Murmansk): “Seja o que for, eu sempre me lembrarei. E é impossível para mim esquecer qualquer coisa sobre Yesenin. ” (386, pág. 83).

A década de 1960 foi uma época de prosperidade para a poesia soviética. A atenção a ela é extraordinariamente grande. Os livros de E. Yevtushenko são publicados: "Tenderness" (1962), "White Snows Are Falling" (1969), seu poema "Babi Yar" (1961) e o poema "Stalin's Heirs" (1962) ganharam fama particular; a glória de A. Voznesensky cresce (Sb. "Antimirs", 1964, etc.). "Segundo vento" abre e reconhece "mestres": "Rapaz" (1961-1963) N. Aseeva, "Uma vez amanhã" (1962-1964) S. Kirsanov, "Poemas do pós-guerra" (1962) A. Tvardovsky, " Direito de nascença "(1965) L. Martynov, "Consciência" (1961) e "Barefoot on the Ground" (1965) A. Yashin, "Dia da Rússia" (1967) Y. Smelyakova. A coleção final de A. Akhmatova "The Run of Time" (1965) é publicada.

Letras "ruidosas" e "silenciosas" tornam-se não apenas um fenômeno literário, mas também adquirem significado social. Tanto os poetas "quietos" quanto os "barulhentos" lançam inúmeras coleções que não passam despercebidas. Na primeira metade dos anos 60, a "variedade" bate todos os recordes de popularidade. As noites no Museu Politécnico, nas quais participam A. Voznesensky, E. Yevtushenko, R. Rozhdestvensky, reúnem casas cheias. A publicidade aberta dos "artistas pop" já ultrapassava todos os limites. Mesmo em seus poemas dedicados ao passado ("Longjumeau" de A. Voznesensky, "Kazan University" de E. Yevtushenko etc.), havia pouca história propriamente dita. Por outro lado, tem havido muitas tentativas de "adaptá-lo" às necessidades de hoje, sem muita preocupação com a verdade histórica. Seu outro "pecado" foi uma paixão desenfreada pela experimentação. No início dos anos 60, esse hobby era difundido não apenas entre poetas, mas também entre músicos, artistas e arquitetos. By the way, mesmo N. Rubtsov sobreviveu, embora de curta duração, período de "criação de palavras" - aqui está um exemplo:

Sax fox picado, o chão tremeu
De pés loucos.
parceiro
para o salão de coquetéis
E pediu pedra. (906, C 125)

Não havia nada de errado com tudo isso, eram apenas dores de crescimento. Assim, A. Voznesensky construiu suas declarações a partir do grotesco, inúmeras hipérboles e abstrações. Todos os seus achados realmente maravilhosos ("Estou feliz por ser russo, vejo assim, vivo assim, E mastigo o ar como um pedaço de pão gelado") se perderam sob uma pilha de construções verbais .

O verdadeiro erro dos poetas da direção "pop" foi a glorificação imprudente da era da revolução científica e tecnológica. A técnica não carregava e não podia levar valores espirituais às pessoas, mas ajudava a destruí-las. A única coisa que podia ser feita à artista da palavra era enobrecê-la, humanizá-la, enfim, sofrer ("Sofri, como uma infecção, Amor pelas grandes cidades", escreveu Rubtsov). Fracassos francos aguardavam os poetas neste caminho: "Eu te amo com um bonde enferrujado" (V. Sokolov), mas não havia outra saída, qualquer outro caminho levava ao ecletismo1

A “culpa” dos “trabalhadores da variedade” foi que na busca do “apelo do dia” eles perderam o eterno, o duradouro. .) ), para uma compreensão histórica da história (os poemas "Bratskaya HPP", "Kazan University") e, acima de tudo - para o publicismo, "correndo atrás dos fatos da realidade . Ele é o poeta da "fotografia instantânea" da vida. Este é o “segredo” da atratividade de seus versos tópicos, que concordam com seus aforismos, que podem afetar a consciência, chamar a atenção para este ou aquele fato. Mas não mais. Não há profundidade de compreensão poética desses fatos aqui, pois o poeta os vê puramente com o "olho" do autor. Mas longe de todo o mundo vive, pensa e vê à maneira de Yevtushenkov. Este é também o "segredo" da fragilidade, até mesmo o valor informativo de seus slogans poéticos, apelos e revelações líricas (589, p. 184-185), escrevem P. Weil e A. Genis. - Não amanhã, não para amanhã, mas agora e para agora. Khrushchev, com frivolidade poética, resolveu todos os problemas plantando milho, e Yevtushenko já estava com pressa de segui-lo:

O mundo inteiro é uma espiga de milho
crocante em seus dentes!

Ambos eram camaradas de armas e co-autores - o poeta reformador Khrushchev e o poeta-arauto Yevtushenko. o trabalho patético de R. Rozhdestvensky (poemas "Requiem", "Carta ao século 30"). R. Rozhdestvensky trabalhou muito e frutuosamente como compositor. No entanto, os poetas da "variedade" dos anos 50 e 60 contribuíram e realmente ainda não foram apreciados) contribuição para a renovação do verso, eles usaram amplamente "irregularidades imaginárias" (Yu. Mineralov), assonância e rimas de raiz, metáforas complexas, associações e outros meios de representação.

Naqueles anos, a chamada "canção de autor" tornou-se uma verdadeira "descoberta do gênero". A intimidade original da performance na era do caráter de massa soviético a relegou ao pano de fundo da cultura oficial, mas não no coração das pessoas. As canções dos anos de guerra são a confirmação mais marcante disso. A propósito, a primeira "canção do autor" apareceu em 1941 ("Sobre meu amigo artista" de M. Ancharov). Desde a segunda metade dos anos 50, as canções de M. Ancharov, Y. Vizbor, A. Galich, A. Gorodnitsky, A. Dulov, Y. Kim, N. Matveeva, B. Okudzhava, A. Yakusheva e outros "bardos " têm sido usados ​​com enorme sucesso, principalmente entre os jovens. O auge da "canção do autor" caiu nos anos 60 - 70. Suas conotações sociais eram claras para todos. O mais importante desta série, sem dúvida, é o trabalho de V. Vysotsky. Ele se tornou "um poeta do novo nacionalismo russo" (P. Weil e A. Genis). "O herói de suas canções se opõe ao império com sua consciência nacional nua e dolorosa. Vysotsky, que substituiu Yevtushenko como comentarista da época no final dos anos 60, abre o tema do russo hipertrofiado. A antítese do império despersonalizado e padronizado torna-se uma alma especificamente russa, que Vysotsky descreve como combinando extremos extremos ". (379, p. 290-291).

Entre os poetas dos anos 60 - 80, Vysotsky e Rubtsov desfrutam de uma popularidade genuína, não imposta "de cima". Há uma extensa bibliografia de obras de autores e publicações sobre sua vida e obra, mais e mais museus e monumentos estão sendo abertos, livros, jornais, almanaques, revistas dedicadas a eles são publicados ("Vagant" em Moscou e "Nikolai Rubtsov" em São Petersburgo . Petersburgo); vive também uma crítica literária especial, "amadora", criada pelos mais verdadeiros "fãs" de sua poesia.

N. Rubtsov e V. Vysotsky são pessoas da mesma geração dos "anos sessenta", seus melhores trabalhos foram escritos no final dos anos 60: "Banka in white" (1968), "Hunting for wolves" (1968), "Ele fez não voltar da luta "(1969)," Eu não amo "(1969) - com Vysotsky e" Até o fim "(1968)," Pela estrada turva "(1968)," Sob os ramos de bétulas do hospital . .." (1969), "Trem "(1969) - em Rubtsov. Em meados dos anos 60, Nikolai Rubtsov, junto com colegas do Instituto Literário, foi ao Teatro Taganka, um dia, após a apresentação, ocorreu nos bastidores um encontro de futuros poetas e prosadores com atores, incluindo Vysotsky. N. Rubtsov adorava ouvir as músicas de Vladimir Semenovich, após a morte de Rubtsov em 1971 em Vologda, fitas com gravações do bardo foram encontradas entre seus pertences pessoais. Mais tarde, o escritor German Alexandrov lembrou: "Outra vez, quando cheguei a Nikolai à noite, ele estava sentado no chão, havia um jogador ao lado dele, as músicas de Vysotsky soavam. Ele tocava uma delas repetidamente, ouvindo atentamente as mesmas palavras e, em seguida, perguntou:

Você seria capaz de?

E como se ele mesmo respondesse: - Eu provavelmente não faria ... "(386, p. 266). Vysotsky estava fora da poesia "soviética", Rubtsov ainda estava nela, embora com grandes reservas.

Um dos principais temas de V. Vysotsky era o tema de uma "pequena" pessoa, e o subtexto social de suas letras era em muitos aspectos semelhante a um subtexto semelhante na poesia de N. Rubtsov. Eles estavam unidos pela dor comum, pela tragédia (em particular, o trágico conflito entre as autoridades e o indivíduo) e orientação para um determinado leitor (ouvinte) "do povo". "Vysotsky", escreve V. Bondarenko, "é o solo do quartel, seu solo é o "limite" dos anos setenta, os habitantes de Khrushchev, Arkharovtsy de assentamentos de tipo urbano. Embora fraco - ao contrário dos camponeses -, mas os vivos raízes de um povo vivo." (375, pág. 68).

O apelo à vida popular leva inevitavelmente ao folclore. Vladimir Vysotsky, baseando-se na canção folclórica, introduziu um conteúdo social ampliado em seu tema tradicional, ultrapassou os limites da linguagem poética das letras russas, usando amplamente o vocabulário coloquial e de gírias. Vysotsky introduziu na circulação artística os gêneros folclóricos das canções "ladrões" e "prisão", romance cruel, considerado "obsceno" na poesia, criou suas novas variedades: uma canção crônica, uma canção de monólogo de dramatização, uma canção de diálogo, uma canção-fábula. Os gêneros favoritos de Vysotsky eram, além da música "ladrões" e do romance "cruel", ou seja, gêneros do folclore urbano, e canção lírica, balada, conto de fadas. Mas os personagens tradicionais dos contos de fadas, por exemplo, Vysotsky modernizou - Baba Yaga, a Serpente Gorynych e outros parodiaram certos fenômenos sociais.

N. Rubtsov voltou-se para o folclore "ladrões" em suas primeiras letras:

Quanta vodka foi bebida!
Quantos copos foram quebrados!
Quanto dinheiro foi cortado!
Quantas mulheres são abandonadas!
Em algum lugar as crianças estavam chorando...
Em algum lugar os finlandeses tilintaram...

Oh, sivukha sivukha!
A vida era... linda!
("Férias na aldeia")

Mas em seu trabalho maduro, Rubtsov se concentrou principalmente no gênero de música lírica "camponesa" e gêneros clássicos, por exemplo, elegia.

Comum no estilo de Rubtsov e Vysotsky foi a introdução de provérbios, ditos no texto literário, o uso de epítetos folclóricos, ironia (nos primeiros trabalhos), paralelismo de canções e o uso generalizado de vocabulário coloquial. Mas N. Rubtsov raramente usava, ao contrário de V. Vysotsky, sátira e paródia, nenhuma ficção social.

Tanto na poesia de Vysotsky quanto nas letras de Rubtsov, certas imagens e idéias mitológicas são refletidas, seu pensamento artístico é caracterizado por uma espécie de mitologismo. Em primeiro lugar, expressou-se na transferência do antigo sistema de oposições binárias (cima-baixo, branco-negro, Ocidente-Leste etc.) suas poesias, inclusive as comuns. Assim, o navio nos versos de Vysotsky é um meio de travessia para outro mundo; O barco de Rubtsov é um símbolo de amor perdido, esperanças não cumpridas e, em última análise, morte; o cavalo de ambos simboliza a tragédia do tempo e do destino. Por exemplo, em Vysotsky lemos:

Mas aqui o Destino e o Tempo foram montados em cavalos,
E lá - a galope, sob balas na testa ...

Rubtsov falou sobre isso de forma mais suave e elegia: "Vou galopar sobre as colinas de minha pátria adormecida..." Os dois poetas estão unidos por um desejo comum de usar vocabulário e fraseologia bíblica, embora isso não determine seu estilo. Um dos componentes de seu imaginário poético é a mitologia eslava e mundial e o folclore russo, mas as imagens simbólicas na poesia de Vysotsky não são tão numerosas e nem sempre correspondem a significados mitológicos e folclóricos, enquanto em Rubtsov elas se tornaram a base de seu sistema figurativo.

Na segunda metade da década de 1960, a poesia "samizdat" subterrânea de uma cultura "não oficial" ou "paralela" começou a se desenvolver na URSS. Esta poesia estava condenada à perseguição e à obscuridade: "O espírito da cultura subterrânea é como uma luz apostólica primitiva" (V. Krivulin). Amplamente conhecidos (em um círculo estreito) eram os seguintes grupos: SMOG (Courage Thought Image Depth ou The Youngest Society of Geniuses) - surgiu em meados dos anos 60 em Moscou, incluindo V. Aleinikov, L. Gubanov, Yu. Kublanovsky e outros.; grupo poético Lianozovsky (V. Nekrasov, Ya. Satunovsky, V. Nemukhin, B. Sveshnikov, N. Vechtomov e outros); Escola de Leningrado (G. Gorbovsky, V. Uflyand, A. Naiman, D. Bobyshev, I. Brodsky e outros); grupo "Concreto" (V. Bakhchanyan, I. Kholin, G. Sapgir, Ya. Satunovsky e outros).

Em 1991, M. Eisenberg, no artigo "Some Others..." ("Teatro", nº 4), fez a primeira tentativa de descrever plenamente o caminho da poesia não oficial nas últimas décadas. Ele lista muitos nomes, mas não é possível citar todos, especialmente porque muitos passaram de um grupo ou escola para outro.

A maior figura desta lista é I. Brodsky. Embora seu verdadeiro antecessor "deve ser considerado uma das figuras mais misteriosas da "cultura paralela" - Stanislav Krasovitsky. Uma análise dos poemas de Krasovitsky nos permite concluir que foi ele quem foi o primeiro dos poetas de sua geração a "mudar aliados", isto é, ele não se voltou para a experiência tradicional russa da poesia francesa e alemã, mas para a experiência da poesia inglesa, implicando a "perspectiva" das coisas mais tarde declarada por Brodsky. (470, pág. 6). Na primavera de 1960, Anna Akhmatova "falou sobre o florescimento sem precedentes da poesia, comparável, talvez, apenas com o início do nosso século. "Posso nomear - estas são suas verdadeiras palavras - pelo menos dez poetas da geração mais jovem, não inferior ao alto padrão da "Idade de Prata". Aqui estão seus nomes: Stanislav Krasovitsky, Valentin Khromov, Genrikh Sapgir e Igor Kholin em Moscou e em Leningrado - Mikhail Eremin, Vladimir Uflyand, Alexander Kushner, Gleb Gorbovsky, Evgeny Rein e Anatoly Naiman. "(769, p. 187). Stanislav Krasovitsky foi o primeiro desta lista, e não é por acaso que ao longo dos cinco anos de sua obra, ele, o líder reconhecido da poesia "não reconhecida", "lançou as bases de uma nova linguagem poética, um novo olhar sobre o lugar da homem no mundo. "(769). Mikhail Aizenberg lembra: "Eu sei que muitos o consideravam um poeta de gênio. É difícil aplicar tais epítetos aos contemporâneos, mas é difícil censurar os primeiros leitores com exaltação excessiva. Os poemas de Krasovitsky são surpreendentes até agora, mas então parecia que eles caíram do céu..." (659). queimou manuscritos, amaldiçoou seu trabalho, considerando essa ocupação imoral e, deixando Moscou e sua carreira, foi para uma aldeia remota, aconselhando seus amigos a fazerem o mesmo. Somente em meados dos anos 80 Krasovitsky voltou à poesia (mas não a Moscou) como autor de religiosos o conteúdo dos poemas.

No exílio, Brodsky e Rubtsov escrevem incrivelmente (I. Brodsky naquela época está experimentando uma paixão de curto prazo pelo folclore russo), trabalham, às vezes viajam para as cidades a negócios (de acordo com alguns relatórios, Brodsky foi para Vologda naquele ano ( 767)). E as coincidências continuam!

"Brodsky tem seu próprio destino, e Rubtsov tem o seu", escreve N. Konyaev. "Não há necessidade de aproximá-los à força, mas ainda é incrível como o padrão desses destinos coincide. As mesmas datas, punições semelhantes, sensações semelhantes. Até geografia e quase combina.” (459, pág. 126).

Diferentes fontes alimentaram o trabalho desses poetas (Brodsky - a tradição anglo-americana e clássicos russos, Rubtsov - folclore e tradições clássicas), eles se moveram em direções diferentes, ainda mais marcantes não são apenas (e nem tanto) geográficas e cronológicas coincidências (como se o próprio destino comparasse seus relógios de vida), mas a convergência é principalmente poética. Comum em seu trabalho era: 1) o motivo da solidão, o motivo do sono, como a morte; 2) a estrutura enfaticamente dialógica das letras; 3) o desenvolvimento dos gêneros elegíacos: "Grande Elegia a D. Donnu" (1963), "Novas Estâncias para Agosto" (1964), "Carta na Garrafa" (1964) - de Brodsky e "Vou montar... " (1963), "Masts" (1964), "Autumn Studies" (1965) - com Rubtsov. A coisa mais importante na poesia de Brodsky e Rubtsov é uma atitude comum, confissão, fidelidade ao verso clássico.

P. Weil e A. Genis chamam Brodsky Ovídio, um exilado: "Exílio do tempo e espaço reais" (o herói lírico de Rubtsov é "um jovem desconhecido" - V.B.), mas a "visão de mundo" de Brodsky do "romano" é sempre uma vista da província, da orla do ecúmeno, de um lugar cujas coordenadas geográficas e culturais são insignificantes." (379, pág. 289). Para Rubtsov, esta é a Rússia (uma coisa comum para eles era a rejeição do tempo, mas não do espaço).

Para os heróis de Dostoiévski, os conceitos de "partir" (para a América) e "perecer" eram sinônimos. I. Brodsky, tendo deixado a Rússia, rompeu não apenas com a tradição nacional. A ruptura com a Pátria foi mais significativa, sua atitude posterior em relação a ela (antes dos apelos para bombardear não apenas a Sérvia, mas também a Rússia, desafiadoramente recusando-se a encontrar escritores democráticos russos, ignorando conscientemente todos os convites para visitar São Petersburgo) tornou-se dolorosa. Talvez, por trás desse "ódio" houvesse um amor não conquistado e um medo de admiti-lo para si mesmo? Além disso, no exterior, I. Brodsky recorreu constantemente a obras escritas na Rússia como fontes de novos conteúdos. Por exemplo, "Part of Speech" está enraizado em "Songs of a Happy Winter", "Autumn Cry of a Hawk" segue de "Great Elegy to J. Donne", "Marble" - de "Gorbunov and Gorchakov". V. Kulle chama o caminho de Brodsky "o destino ideal do "poeta-exilado", "estóico e cosmopolita" (470, p. 1). O caminho de Rubtsov, "um estrangeiro em seu país", "estóico e solo " era tão "ideal" e trágico. E o fato de que poetas tão diferentes nos anos 60 tinham uma visão de mundo semelhante fala muito.

Na segunda metade dos anos 60, as letras "silenciosas" dominaram a poesia: A. Zhigulin (Coll. "Polar Flowers" (1966)); V. Kazantsev ("Glades of Light" (1968)); A. Peredreev ("Retorno" (1972)); A. Prasolov ("Terra e Zênite" (1968); V. Sokolov ("Neve em setembro" (1968)) e outros. Em 1967, o famoso livro de N. Rubtsov "A Estrela dos Campos" foi publicado. minha pátria" e deu aos críticos motivos para chamar a direção poética de letras "tranquilas". Atraiu a atenção com uma análise profunda da alma humana, um apelo à experiência da poesia clássica. V. Sokolov, por exemplo, afirmou isso de forma clara e definitiva: "Nekrasov e Afanasy Fet estão comigo novamente". O psicologismo sutil, combinado com a paisagem, era característico não apenas das letras de V. Sokolov, mas em muitos aspectos ele estava à frente de outros poetas "quietos" aqui, mesmo porque em nos anos 50 publicou uma coletânea de excelentes poemas ("Grass under the snow" (1958)).

Em 1974, V. Akatkin fez uma pergunta retórica: “Será que este fato não é uma refutação do esquema mecânico do movimento da poesia como simples substituição de“ barulhento ”“ quieto ”, há uma indicação da unidade (enfatizado por mim? .-V.B.) dos processos que nele ocorrem?" (660, pág. 41).

Tanto os poetas "silenciosos" quanto os "barulhentos" elevaram objetivamente a poesia russa a um novo nível artístico. O significado das letras "tranquilas" já foi mencionado acima, enquanto os "artistas pop" não apenas "ampliaram o leque de meios e técnicas artísticas" (644, p. 30), mas também expressaram, ainda que superficialmente, esses humores, aspirações e esperanças que também viviam as pessoas naquela época.

Uma compreensão muito estreita do desenvolvimento da poesia nos anos 60 como uma luta entre duas tendências tem sido rejeitada pelos críticos literários (V. Obaturov, A. Pavlovsky, A. Pikach e outros). Afinal, ao longo desses anos, não só entre os poetas que caíram no clipe do “quieto”, mas também em toda a direção do “solo”, uma abordagem histórica se estabelece firmemente na compreensão artística da realidade, no desejo de compreender o nacional e As origens sociais da modernidade se intensificam, há uma fusão orgânica desses dois princípios.Toda uma constelação de nomes poéticos deu origem a uma geração que se tornou amplamente conhecida nesses anos.

No final dos anos 60, os poetas desta corrente “serão cada vez mais unidos sob a denominação condicional e imprecisa de “poetas da aldeia”. tradições vindas de Koltsov e Nekrasov a Yesenin e Tvardovsky. Simultaneamente com o termo poetas de "aldeia", surgiu o termo "poesia silenciosa", o que possibilitou incluir poetas de "aldeia" e "urbanos" em uma linha, mas semelhante a o primeiro na atenção ao mundo natural, bem como no registro de uma voz poética, evitando tons altos e propenso a timbre elegíaco, simplicidade de som e discrição da palavra. O mundo natural dos poetas mais talentosos dessa corrente não se limitava à representação poética, mas, via de regra, era permeado por um intenso início espiritual e filosófico, ou seja, conscientemente ou não, mas tinha, por assim dizer, um caráter conceitual.”( 444, página 207).

A partir de 1965, a poesia foi tomada pelo "esfriamento geral" (I. Shaitanov), mas o mais importante, a própria ideia unificadora supranacional experimentou uma crise: "o objetivo comum é construir o comunismo" (P. Weil, A. Genis) - foi desacreditado, "o pólo da unificação foi localizado retrospectivamente - no passado russo (não no passado, mas nos valores eternos deste passado. - V.B.) O caminho para ele foi feito gradualmente, afastando-se do pressão cosmopolita do início dos anos 60. Após a eliminação do ocidentalizador Khrushchev, esse caminho se tornou um pilar ... Voltar às raízes tornou-se uma reação natural à crise da ideologia liberal ... O povo soviético - uma ferida comunitária em torno do núcleo de uma ideia e objetivo comuns - estratificados em nações. (379, p. 236-237). Entre os russos da URSS, o pochvenismo se manifestou no cinema (Andrei Rublev de A. Tarkovsky), na pintura (I. Glazunov, K. Vasiliev), na música (G. Sviridov) e no interesse geral pela história (obras de D. S. Likhachev, a preservação de monumentos antigos, o florescimento do romance histórico), mas especialmente na "grande literatura" (prosa e poesia da "aldeia"). A popularidade dos poetas do "solo" não era muito inferior à popularidade dos "artistas de variedades". Assim, o destino criativo de Boris Primerov se desenvolveu - “você não pode imaginar um melhor: suas apresentações no Politécnico, no Teatro de Variedades, no Grande Salão da Casa Central dos Escritores, causaram tempestades de aplausos. Seus poemas foram lidos de no palco, no rádio. Entre os leitores estava o maravilhoso artista Dmitry Zhuravlev. Criatividade e destino Sholokhov estava interessado no jovem poeta, como A. Kalinin testemunhou nas páginas de Ogonyok.No dormitório do Instituto Literário Gorky, colegas estudantes pendurou uma faixa divertida, mas não sem significado: "Na poesia, Boris Primerov é um exemplo para nós!" (803, p. 164) O governo da França o convidou para seu país como "um poeta nacional original da Rússia". , o rosto de Primerov serviu de protótipo para os retratos de Ilya Glazunov "Russian Icarus" e "Boris Godunov". Ele foi reconhecido como "um dos líderes" da poesia jovem, ele foi considerado. Em uma noite na Casa de Pioneiros no início dos anos 60, Exemplos disseram algo sobre Deus ... Logo o próprio Suslov o chamou de "no tapete". O poeta foi salvo pela desenvoltura: "Se Deus não existe, por que você está então você está lutando com ele?"

Na segunda metade da década de 1960, devido à crise ideológica, "era objetivamente necessário um sistema de valores mais eficaz. Deus tornou-se uma necessidade urgente, e eles o encontraram ... - na Rússia, entre as pessoas, na Ortodoxia ." (379, pág. 267). No início não havia profundidade, especialmente entre a intelectualidade: "O livro de V. Soloukhin" Black Boards "explicava que colecionar antiguidades significa" coletar a alma das pessoas. "Um novo hobby conquistou o país. Ícones ou rodas de fiar, sapatos de fibra ou baús, ferraduras ou potes - algo "Embora o próprio Soloukhin não tenha chamado a busca de Deus, muito em breve o interesse pela vida camponesa se associou à paixão pela fé popular. A ortodoxia da vida cotidiana camponesa pré-revolucionária chegou à intelectualidade junto com o ícone e lâmpada." (379, pág. 268). A literatura, "que trouxe à tona Matryona Solzhenitsyn em vez de Pavka Korchagin, é claro, não se tornou cristã, mas preparou o terreno para o que mais tarde foi chamado de renascimento religioso". (379, pág. 272). Além disso, não foi a intelectualidade que esteve na origem desse fenômeno, "essa verdade existia, jazia nas camadas profundas, escondia-se na parte submarina do iceberg antes que os anos sessenta a entendessem..." (671, p. 336). ). Valentin Rasputin lembra: “Foi um retorno natural ao solo russo, coincidindo justamente com a morte da antiga vila.” (888). E, portanto, não era mais possível se opor abertamente a esse processo. Não é por acaso que A. Yakovlev, tendo condenado a “idealização do campesinato” na poesia, foi imediatamente forçado a fazer uma reserva: “O sentimento de amor pela terra, pela natureza nativa, um senso de comunidade no trabalho, capacidade de resposta para as necessidades de outras pessoas é caro para nós ... Nós somos, então condenamos o descaso cosmopolita das tradições folclóricas." (986, pág. 4). Mas qual era a disputa então? Sobre diferenças na "abordagem de classe" ou sobre outra coisa? Yakovlev, neste longo artigo, sugeriu apenas uma vez: "Em muitos versos, encontramos o canto de igrejas e ícones, e isso está longe de ser uma questão poética". (986, pág. 4). A disputa foi conduzida no nível do subtexto, nenhum dos lados ousou falar abertamente, especialmente porque o próprio "subtexto" foi entendido mais intuitivamente do que conscientemente. Assim, O. Mikhailov estava perdido em conjecturas: “Por que agora, sem motivação visível, uma atração genuína, sincera e sincera por nossas ricas tradições está se expandindo com vigor renovado? e há um interesse vivo e vivificante pela Pátria, vindo "das necessidades profundas de nosso tempo". (851, pág. 19). A "figura padrão" foi mais do que eloquente aqui, mas tudo foi novamente decidido em um nível subjetivo. No entanto, a palavra foi encontrada como um símbolo cifrado: "Espiritualidade... Parece que nossos dias estão novamente devolvendo-a ao sistema, sentindo (grifo meu. - V.B.) que é melhor determinar todo o conjunto mental e moral vida de uma pessoa do que sua contraparte da moda, "intelectualidade" (765, p. 207). O leitor rapidamente "decifrou" o significado dessa palavra, recebendo não apenas prazer estético: "O conteúdo interno da obra de Esopo é uma catarse experimentada por o leitor como uma vitória sobre o poder repressivo." (483 , p. 5) Todas essas mudanças foram tão graves que mesmo poetas "soviéticos" reconhecidos não puderam ficar de fora delas, por exemplo, o representante da letra da "frente" S. Orlov

Sergei Orlov é mais conhecido como autor de poemas sinceros e poemas sobre a guerra. O tema “linha de frente” é sem dúvida o principal em sua obra, porém, tanto as obras dos anos da guerra quanto os poemas escritos nos anos do pós-guerra “quase sempre diferiram na escala do pensamento e do sentimento poético... não privá-los da concretude realista, sobriedade do olhar, solo terreno” (432, p. 65). Em 1945, em sua terra natal, Belozersk, Orlov, desmobilizado após um grave ferimento, criou um ciclo poético, cujo motivo principal era o motivo de retorno, tradicional nas letras russas (st-I "The Village of Gora", "The cloud pegou por um mês ...", "Outono", "Norte brilhante, floresta densa..." etc.). Mas o poeta viu a Rússia rural provinciana por enquanto à luz das letras de Blok:

Nas décadas seguintes, Sergei Orlov, com toda a diversidade de gênero e temática de sua obra, buscou inspiração no amor por sua terra natal, percebendo que o amor pela terra é “uma tradição cujas raízes poéticas se perdem na bruma das distâncias históricas”. (174, vol. 2, p. 207). Das letras usuais de paisagem (st-I 1961: "Paisagem", "Acontece assim: a primavera já chegou ...", "Primavera", etc.), ele foi para uma compreensão lírica da história da Rússia (" Contos de Dionísio", 1962), para compreender suas grandes descobertas filosóficas direcionadas ao espaço.

“Ainda sou teu filho, a aldeia...”, confessou o poeta, e embora se tenha perdido na turbulência do século XX (“A minha aldeia já não é...”), encontrou a poesia na sua terra.

Na segunda metade dos anos 60 - primeira metade dos anos 70, S. Orlov não podia mais ignorar as novas tendências poéticas, especialmente a experiência das "letras tranquilas", que se opunham à destruição do modo rural.

A maioria dos poemas deste período foram escritos no gênero da elegia ("Pássaros voam para o sul sob o céu ...", "Como se os antigos reinos fossem uma relíquia ...", "Adeus ao verão", etc.) . Essas elegias tornaram-se a base da última coleção poética de S. Orlov - "White Lake" (1975). O poema central da coletânea: "Hoje sonho com minha terra natal à noite..." (1975) é simbólico, muitos significados podem ser distinguidos de seu subtexto: tanto o resultado da vida do poeta, quanto a enorme tragédia que se abateu sobre Rússia rural (e não apenas rural), e uma conclusão filosófica, etc. Trata-se da aldeia de Meghra, a pátria do letrista, inundada pelas águas de um dos inúmeros reservatórios gigantes. O método mitológico de criar uma situação simbólica também é digno de nota: o herói lírico em um sonho retorna à aldeia desaparecida e, no entanto, na mitologia mundial, acreditava-se que a alma de uma pessoa adormecida deixa o corpo e visita seus lugares nativos. As mesmas origens antigas estão na imagem simbólica do poema: a terra inundada de água significava esquecimento e, no folclore russo, simbolizava dor, tristeza.

"Nas letras de S. Orlov, - escreve E. Ben, - a imagem da terra está presente em quase um terço dos poemas." (684, pág. 65). Em termos de frequência de uso, apenas a imagem do céu pode competir com ela. A atração da terra e o desejo do céu são os dois componentes mais importantes de seu mundo poético. "... Cada verdadeiro poeta tem seu próprio "solo", sua própria terra, seu próprio céu, a partir do qual criam poemas", considerou o próprio Orlov (174, vol. 2, p. 194). O poema do livro didático "Ele foi enterrado no globo da terra ..." (1944) é uma confirmação vívida de suas palavras. "O alcance cósmico do pensamento do poeta ("milhões de séculos", "Vias Lácteas"), - observa V. Zaitsev, - não se opõe à concretude terrena da imagem do guerreiro caído..." (432, p. 67) ). Deve-se acrescentar que o "globo da terra" de Orlov é tanto a terra das pessoas quanto um corpo cósmico. Na oposição binária "terra - céu" esses conceitos se aproximaram, se tornaram dependentes um do outro, mas não iguais. Essa vertical ideológica tanto no folclore quanto na Bíblia, na "Filosofia de uma causa comum" de N. Fedorov e nas obras de K. Tsiolkovsky, pelas quais S. Orlov estava tão fascinado, adquire um significado simbólico apenas na conjugação de imagens da terra e do céu. Nos tempos antigos, o homem levantou os olhos e as mãos para o céu, esperando a ajuda de forças sobre-humanas. Cristo, por seu nascimento na Terra e ascensão ao Céu, deu à vida humana um significado divino. E mesmo em um sonho tão puramente materialista da humanidade como voar para as estrelas, em busca de "irmãos em mente", é fácil perceber o desejo de imortalidade (busca do paraíso perdido) - o centro religioso (e religioso-filosófico, e, portanto, poético). "A mente não pode concordar com a solidão da Terra", escreveu S. Orlov (174, vol. 2, p. 54). Na oposição binária "terra - céu" há também motivos escatológicos: privados - a alma de uma pessoa falecida deixa a terra, mas o corpo permanece nela - e universal: o fim da história terrena, o Juízo Final. Uma conexão rígida entre essas duas oposições também é assumida no futuro: a ressurreição dos justos em novos corpos, o paraíso (o estabelecimento do céu) na nova Terra e o inferno, "trevas exteriores" (em relação ao "celeste" terra) para os pecadores. Sem dúvida, na letra de S. Orlov, a glória celestial tem sinais terrenos bastante visíveis, e o humor elegíaco em seu último poema "A terra voa, verde, para ..." coloca com precisão seus acentos éticos e estéticos mais importantes:

Me desculpe, terra, que eu te deixo,
Não por minha própria culpa, então por culpa de outra pessoa,
E eu nunca vou ver Rowan
Nem na realidade, nem em um sonho impenetrável...

Alexey Prasolov nos anos 60 voltou-se séria e pensativamente para os melhores exemplos de letras russas dos séculos 19 e 20 - para A. Pushkin, F. Tyutchev, A. Blok, N. Zabolotsky. Suas letras são "letras filosóficas sérias" (755, p. 5).

A maturidade poética chegou a Prasolov aos 33 anos - em 1963 ele escreveu mais de 30 poemas, que se tornaram a base de suas coleções. Prasolov foi aberto ao público leitor em geral por A. Tvardovsky - primeiro, a seu pedido pessoal, o poeta foi libertado da prisão antes do previsto no verão de 1964, depois na oitava edição de Novy Mir no mesmo ano o ciclo " Dez Poemas" de um autor desconhecido foi publicado. Durante a vida do poeta, quatro de suas coleções foram publicadas: "Day and Night" (1966), "Lyrics" (1966), "Earth and Zenith" (1968), "In Your Name" (1971). Já na revisão da primeira coleção, a entonação principal na obra de Prasolov foi determinada - o "drama da vida", a "unidade do estado do herói lírico" foi observada (893, p. 300). Este estado era perturbador e formidável, mas não se transformou em melancolia. Externamente, o poeta não ultrapassou os limites estreitos das letras "tranquilas", nas quais muitos críticos que usavam esse termo se espremiam. Sinais de "tranquilidade" eram visíveis em apelos à casa, à terra: "Minha terra, sou todo daqui, E chega a hora - venho aqui ...", mas Prasolov foi mais longe, procurou encontrar o alto significado de ser, antes de tudo, na alma humana, ele falou "em uma palavra alta, solene, muitas vezes arcaica: eternidade, o universo, profético, céu, alturas, inesquecível, semelhança, trevas, luz, etc. " (661, p. 151). Suas letras se tornaram "poesia de um mundo dividido", "poesia do pensamento"1 "palavra impressa", nas palavras de Yu. Kuznetsov; na verdade, quieto, “não dito em voz alta”: “E o silêncio tinha uma linguagem – uniu o presente com o antigo”. Como a poesia de Rubtsov, foi construída em contrastes, mas em contrastes estáticos e imóveis; o poeta não se rendeu aos sons dos elementos, foi fiel à dialética do pensamento humano, que se combinou organicamente com os grafismos em preto e branco de suas paisagens:

Mas o meu é diferente - é igualmente escuro e claro,
E às vezes, não importa o que você faça
Para ele neste mundo, como se houvesse duas cores -
Somente preto e branco.
("À uma hora, como a chuva é curta e festivamente limpa...)

Sua "alma de pensamento" também era visível nas letras de amor, extraordinariamente puras, sublimemente trágicas em sua dor inescapável, lutando pela eternidade:

Mas uma vontade sóbria
Atirou a alma mais íngreme, mais alto, -
Não há simpatia pela dor
É apenas a verdade que é difícil de respirar.
("O pôr do sol se desvaneceu, a ternura se desvaneceu...")

O destino de A. Prasolov foi tão difícil quanto o de N. Rubtsov; ambos os poetas receberam sua educação bastante tarde e começaram a publicar relativamente tarde. Eles faleceram mais ou menos na mesma época: N. Rubtsov - em 1971, A. Prasolov - em 1972, e mais ou menos na mesma época, sua poesia gradualmente começou a ganhar reconhecimento universal. A atitude desses letristas extremamente sensíveis é de fato semelhante1, mas as formas de transmiti-la são diferentes. Uma comparação de seus modos criativos pode dar muito para a compreensão dos processos de compreensão poética da modernidade ocorridos nas décadas de 60 e 70.

Palestra "Poesia dos anos 60XXséculo"

Fundamentação metodológica da palestra “Poesia dos anos 60XXséculo"

O tema da palestra é “Poesia do degelo”

O objetivo é conhecer as tendências gerais do desenvolvimento da poesia nos anos 60XXséculo, para mostrar as características dos poetas dos anos sessenta e dos poetas que criaram canções de autor, para destacar as características individuais da obra dos principais poetas dos anos 60.

O conceito é mostrar que:

Nos anos 60, havia uma divisão nas letras em oficial e não oficial.

Os poetas dos anos sessenta, sendo um fenômeno novo na literatura, ainda assim se apoiam nas tradições da Idade de Prata e nas letras militares.

A obra dos poetas dos anos sessenta é heterogênea e cada autor manifesta características individuais de criatividade

Tarefas:

Educacional:

1) aprimorar as habilidades de análise filológica da obra;

2) revelando as características da individualidade criativa de Yevtushenko, Rozhdestvensky, Akhmadulina, Okudzhava.

Educacional: analisando os poemas dos poetas dos anos 60, mostra seu interesse pela vida de uma pessoa comum.

Plano de aula:

Definição de metas.

Características do período de "descongelamento"

3. Tendências gerais no desenvolvimento da poesia nos anos 60XXséculo (quatro gerações de poetas, letras oficiais e não oficiais).

4. Poetas dos anos sessenta.

5. Criatividade Yevtushenko.

6. Criatividade Rozhdestvensky.

7. Criatividade Akhmadulina.

9. Criatividade de Bulat Okudzhava.

10. Criatividade de Yuri Vizbor.

11. Criatividade de Yuli Kim.

12. Resultados.

XX

Lista de literatura utilizada na preparação da palestra

Leiderman, N.L., Lipovetsky, M.N. Literatura russa moderna: 1950-1990 [Texto]: livro didático: em 2 volumes. T. 1: 1953 - 1968 / N.L. Leiderman, M. N. Lipovetsky. - M., 2003 (Capítulo 2 "Realismo social com rosto humano")

L. Anninsky. Núcleo de noz. Ensaios Críticos. - M., escritor soviético, 1965

Novidade nos programas escolares. poesia russaXXséculo. Para ajudar professores, alunos do ensino médio e candidatos / Comp. S.F. Dmitrenko. - M., Editora da Universidade Estadual de Moscou, 1998

L. Lavlinsky, Poder explosivo do coração (sobre a poesia lírica dos anos 60). - M., escritor soviético, 1972

V. Barlas, Pelos Olhos da Poesia. Sobre as descobertas da arte e dos poetas contemporâneos. - M., escritor soviético, 1966

B. Messerer, "Bella's Flash" "Banner", 2011

Resumo da palestra "Poesia dos anos 60XXséculo"

Saudação, transição para o tópico da lição, estabelecimento de metas.

O objetivo da lição: hoje vamos nos familiarizar com as tendências culturais do período "degelo", estudaremos as características da criatividade de representantes de quatro gerações de poesia oficial e representantes de poesia não oficial (canções de autor).

O período do “degelo” recebeu o nome da mão leve de I. Ehrenburg, que publicou a história de mesmo nome em 1954. Como qualquer ciclo cultural e histórico, não tem limites cronológicos rígidos, no entanto, existem eventos que desempenharam o papel de sinais marcantes do “degelo”: o sinal do início é o relatório secreto de Khrushchev “Sobre o culto da personalidade e suas consequências” no 20º Congresso do Partido Comunista da União Soviética (fevereiro de 1956), um sinal do fim - a supressão da "Primavera de Praga" pelos tanques soviéticos (agosto de 1968).

No entanto, esse período de tempo relativamente curto acabou sendo um dos períodos mais importantes da história da Rússia e de sua cultura. Durante este período, a consciência pública passou por uma passagem muito difícil: da euforia baseada na crença na inviolabilidade dos fundamentos do sistema soviético e na esperança de "restaurar as normas leninistas da vida partidária e estatal", a dúvidas profundas, e depois à decepção com a possibilidade de construir um "socialismo com rosto humano" em um estado totalitário. No entanto, os primeiros vislumbres de liberdade, os tímidos brotos da democracia, acabaram sendo o impulso para o despertar das mentes, a intensificação da atividade social e para um poderoso surto criativo. As obras de Babel, Platonov, Bulgakov, Tsvetaeva, Mandelstam, Olesha começaram a retornar à consciência cultural e, no fluxo geral com o permitido, livros de filósofos e poetas que permaneceram sob proibições oficiais tornaram-se mais acessíveis. A "cortina de ferro" foi ligeiramente aberta e o povo soviético pôde conhecer os filmes do neorrealismo italiano, ler as obras de Hemingway, Faulkner, Camus, Sartre e assim por diante. Depois de quase três décadas de proibição total, a vanguarda artística começou a abrir caminho para o público e os leitores, tinha seguidores. O próprio espírito da época era "descongelar".

Obras significativas aparecem literalmente em todos os tipos de arte: no cinema - "Infância de Ivan" e "Andrey Rublev" de A. Tarkovsky, "Os guindastes estão voando" de M. Kalatozov, "A balada de um soldado" de G. Chukhrai , "Hamlet" de G. Kozintsev, filmes G. Danelia, E. Ryazanova; no teatro - os fenômenos de Sovremennik de Efremov e Taganka de Lyubimov, performances de A. Efros baseadas nas peças de V. Rozov no Teatro Lenin Komsomol; nas artes visuais - esculturas de E. Neizvestny, "realismo severo" de P. Osovsky e V. Nikonov; na música - as últimas sinfonias de D.D. Shostakovich, música de A. Schnittke, etc.

O processo de renascimento da vida cultural foi contraditório. O Estado não queria perder o controle sobre a criatividade artística, mas não podia ignorar as tendências da época, além disso, era necessário criar a aparência de democratização (dentro do país e diante da opinião pública mundial). Os flertes do partido com a intelectualidade criativa, algumas indulgências de censura alternavam-se com "bombeamento" nas famosas reuniões dos líderes do partido e do governo com figuras da literatura e da arte e "apertando os parafusos". Por exemplo, a existência da revista Novy Mir foi permitida, embora com enormes obstáculos, com a orientação crítica que A. Tvardovsky lhe deu, mas em contrapartida, a revista Oktyabr, liderada pelo franco stalinista V. Kochetov, foi apoiada. Um "sábado" foi iniciado com a entrega do Prêmio Nobel a Pasternak pelo romance "Doutor Jivago" e a publicação de "Um dia na vida de Ivan Denisovich" de Solzhenitsyn foi permitida. Pela primeira vez na URSS, foi inaugurada uma exposição de obras de Pablo Picasso e realizada a destruição da “exposição de escavadeiras”, onde foi apresentada a vanguarda doméstica moderna. Por sugestão do próprio Khrushchev, o jornal Izvestia publicou o poema fortemente satírico de Tvardovsky "Terkin no Outro Mundo" e lançou julgamentos dos "caluniadores" Sinyavsky e Daniel e do "parasita" Brodsky. Mas desta vez, pela primeira vez em quarenta anos, a comunidade de escritores não disse “nós aprovamos por unanimidade” e não ficou em silêncio - começaram os protestos, testemunhas de defesa falaram no julgamento, cartas coletivas de escritores ao Comitê Central. A partir daqui veio o underground "Crônica dos Eventos Atuais", "samizdat" e "tamizdat" começaram a ganhar força.

Os primeiros sintomas do “degelo” apareceram justamente no meio artístico. Em 1953, no artigo “Sobre o trabalho de um escritor”, Ilya Ehrenburg escreveu: “O lugar do escritor não é no comboio, ele parece mais um olheiro do que um funcionário. Ele não reescreve, não expõe, ele revela. Kaverin do pódio do Segundo Congresso de Escritores Soviéticos (dezembro de 1954) compartilhou seu sonho: "... vejo literatura que não fica atrás da vida, mas a conduz", e Olga Berggolts defendeu o direito do poeta lírico de " auto-expressão." Vladimir Pomerantsev publicou um artigo "Sobre Sinceridade na Literatura", onde pediu para não contornar "questões controversas e difíceis" e falou sobre "a necessidade de destacar os aspectos negativos de nossa vida".

A discussão dividiu a comunidade criativa em dois campos - aqueles que queriam mudanças e que mais tarde ficaram conhecidos como os "anos sessenta", e aqueles que tentaram manter tudo igual ("guardiões").

As letras estão se desenvolvendo ativamente e penetrando em outros gêneros literários, influenciando o sistema de gênero. “Tudo em Moscou está saturado de versos, / perfurado por rimas” (A. Akhmatova, 1963). O surto lírico capturou todas as gerações poéticas.

Na poesia, diferentes gerações poéticas desse período são ativadas:

Geração Akhmatova: Akhmatova, Pasternak, Zabolotsky.

Seu trabalho começou com o período da Idade de Prata, os anos 60 é a última etapa de seu trabalho.

Geração de Neo-Acmeístas: Arseny Tarkovsky, David Samoilov, Maria Petrovykh, Semyon Lipkin, etc.

Eles chegaram à poesia nos anos 30 e continuaram as tendências modernistas em seu trabalho. Nas décadas de 1930 e 1940 eles não podiam publicar por causa da censura, eles se salvavam pelas traduções. Na década de 1960, eles estavam apenas começando a ser publicados abertamente.

Geração de poetas Komsomol dos anos 30: A.F. Tvardovsky, Ya. Smelyakov, Leonid Martynov.

A criatividade correspondia à ideologia, o pathos soviético, eles cantavam o novo estado. Nos anos 60, um período de repensamento dramático do repensar dos poetas sobre seus princípios éticos e estéticos.

Poetas dos anos sessenta: E. Yevtushenko, Robert Rozhdestvensky, Andrey Voznesensky, Bella Akhmadulina.

Acabei de entrar na poesia. E. Yevtushenko: “Nós somos os filhos de 1956” (cerca deXXcongresso de escritores). O tema de expor o culto à personalidade de Stalin.

Além da poesia oficial, a poesia não oficial se desenvolveu na década de 1960 (escritores publicados em samizdat).

Um grupo de poetas de Lianozovo (a cidade de Lianozovo): Heinrich Sapgir e outros.

Poetas de Leningrado: Joseph Brodsky, Evgeny Rein, Gleb Gorbovsky, etc.

Poetas dos anos sessenta.

Um evento marcante é a abertura do monumento a Mayakovsky em Moscou em 29 de julho de 1958. No final do comício, os poetas falaram, mas inesperadamente o comício continuou - as pessoas começaram a sair da multidão e ler poesia. Os encontros "no Farol" de quem queria ler e ouvir poesia tornaram-se regulares. Poetas foram ao monumento (no Farol) e leram seus poemas. O Museu Politécnico não podia acomodar aqueles que desejavam ouvir poesia, as noites de poesia mudaram para Luzhniki e estádios.

Tudo isso era uma expressão tanto da ativação tempestuosa da vida espiritual quanto da necessidade agravada de expressão e interesse pela vida da alma, pelos pensamentos, opiniões e sentimentos de uma pessoa.

Em relação aos poetas - "anos sessenta" é impossível usar a palavra "grupo", porque não tinha limites organizacionais. No entanto, a poesia dos “anos sessenta” tornou-se um movimento artístico forte e influente, com uma imagem conceptual e estilística distinta. Foram eles que reincutiram o amor pela poesia em milhões de pessoas, abriram as portas para uma enorme biblioteca de obras-primas da poesia nacional e mundial. No início do "degelo" as pessoas queriam ouvir seus poemas. Então eles disseram algo que seus contemporâneos precisavam muito. Yevgeny Yevtushenko descreveu suas atividades da seguinte forma: "uma geração que levantou a questão da necessidade de uma reestruturação moral de nossa sociedade desde tenra idade". No entanto, a perestroika que eles pediram não invadiu os fundamentos reconhecidos da sociedade soviética. Alguns falavam a linguagem de conceitos e valores que não diferiam dos ideais do socialismo, mas eram coerentes com a mentalidade de seus contemporâneos.

Além disso, eles não romperam com as tradições poéticas existentes. Associados aos poetas da geração da linha de frente, eles apreciam muito o destemor da visão, a dura veracidade e a nudez de sentimentos neles. Associado à poesia de Yesenin.

Tópicos: - exposição do culto à personalidade de Stalin (poesia tópica, tópica).

O pathos publicitário é muitas vezes expresso de forma francamente retórica, às vezes recorrendo a alegorias.

Pr: R. Rozhdestvensky "Bom dia!"

MANHÃ

Escuridão...

Fala com calma no início

e então fervendo de raiva:

- Pessoas!

O que é isso?

Afinal, você está comigo

também algo

distinto.

Nós andamos

sem brigar com a minha verdade,

ainda que lentamente,

sim cuidado...

Eu fiquei mais escuro de propósito

para que a tua consciência não te atormente,

para não ver a sujeira,

para fazer você mesmo

não xingou...

Noite, cale a boca!

Ainda não grite

a crescente aurora plena.

Cale-se!

A manhã vai te responder.

A manhã vai falar com você.

Você se deixa

para seus bajuladores,

e com esse conselho para nós

não vá -

o homem morre no final

se ele se esconder

sua doença...

Eles tentaram transformar o pathos social tradicional das letras cívicas soviéticas em um pathos humanista e universal.

No início do “degelo”, a qualidade de sua poesia era muito baixa, mas adquiriu grande força emocional (esperança de rápida libertação dos vícios, porque não eram pensados ​​apenas como uma “distorção”, como uma deformação de uma bela ideia).

A configuração básica da poesia está mudando. Sem pompa. A poesia torna-se aberta, franca para o escritor. O herói lírico está mudando. Este é um contemporâneo, uma pessoa comum. A posição do autor e do leitor está mudando (em pé de igualdade, intimidade). O poeta não tem vergonha de falar, fala dos lados feios de seu personagem, pois ele é uma pessoa comum, como todo mundo.

A atitude dos anos sessenta para a era está mudando. Poderoso tema cívico. Mas seu personagem está mudando. A atitude em relação à época, ao tempo, à pessoa da época torna-se mais crítica. O herói lírico se preocupa com tudo o que acontece no país. História, estado, época - essas palavras na poesia perdem sua abstração, tornam-se próximas e compreensíveis tanto para o poeta quanto para o leitor. Estabelecemos um contato íntimo e doméstico com fenômenos e categorias de megaescala - a época, a história, a humanidade.

Pr: “O propósito da poesia é limpar a história da sujeira” (Yevtushenko “Cinderela”):

Minha poesia é como Cinderela

esquecendo do seu

apaga todos os dias, um pouco de madrugada,

era da roupa suja...

e, de joelhos com um trapo, rastejando,

raspa o chão da história.

Relação de paridade com a época, história. Eles acreditavam que poderiam influenciar o destino de seus contemporâneos. A poesia cívica deixa de ser pomposa, torna-se simples e compreensível. Há uma relação de paridade entre o homem e o tempo. Eles restauraram o significado original e ideal da relação entre o indivíduo e a sociedade, o destino individual e a história, que deveria ser um sonho socialista.

Yevtushenko:

o tempo quebrado gritou,

e o tempo era eu e eu era isso

e que importância: quem ficou mudo primeiro. ("Estrada", 1966)

Voznesensky:

Rússia amada,

eles não brincam com isso.

Todas as suas dores - elas me perfuraram com dor.

Rússia,

Eu sou seu vaso capilar,

dói-me quando

você se machucou, Rússia. ("Longjumeau", 1963)

Eles confiam nas tradições dos poetas da Idade de Prata. Pr: Voznesensky se concentra em Mayakovsky e Pasternak. Akhmadulina - em Akhmatova e Tsvetaeva. De Mayakovsky, a cidadania, que dá importância ao pessoal para o geral, e experimenta o geral como pessoal.

Eles buscaram um ponto de apoio em ideias utópicas que estavam associadas aos conceitos de "revolução", "outubro", "comunismo". Para eles, esses conceitos tornaram-se mitologemas, perderam sua carne viva, foram substituídos por signos - uma bandeira vermelha, um verso de uma canção revolucionária, que para eles se tornaram emblemas de pureza moral, abnegação, liberdade e justiça.

Yevtushenko: "Camaradas, / devemos retornar às palavras // Seu som original" (Celebrar o primeiro de maio!) e jurou: "Não vou vender a revolução!" ("Conversa com a Revolução").

Eles estão unidos às tendências modernistas por:

Cenário para um experimento (desenho rítmico, uma prosa pode ser introduzida, rimas podem ser imprecisas, metáforas são originais, objetos e fenômenos de diferentes camadas semânticas são comparados).

Pr: Yevtushenko é o globo, como uma laranja em um saco de barbante.

Poética de tropos, com a ajuda da qual a elevação emocional foi expressa (uma abundância de vários meios artísticos - metáforas, epítetos, comparações detalhadas, figuras estilísticas). As idéias e conceitos mais recentes (mísseis, aeroportos, antimundos, plásticos, isótopos, rock and roll, etc.) são atraídos para seu campo associativo. Junto com os sinais da revolução científica e tecnológica estão imagens da antiguidade russa, grandes realizações artísticas, ecos de eventos globais.

“Eu entendo uma metáfora não como uma medalha de arte, mas como um minimundo de um poeta. Na metáfora de todo grande artista está o grão, os genes de sua poesia”, afirma Voznesensky.

Voznesensky: “Meu auto-retrato, réplica de néon, o apóstolo dos portões celestiais - / aeroporto!”

Confissão

Gravação de som.

Andrei Voznesensky

Ópera rock Juno e Avos com Rybnikov (baseado no poema Avos). Com Raymond Pauls "A Million Scarlet Roses" (baseado em um enredo histórico da vida do artista Pirosmanishvili (Pirosmani)). "Baterista".

Traços de um herói lírico:

O sentido de si do herói lírico é a avidez do novo, a sede de descobrir outros horizontes até então desconhecidos, a busca de novos símbolos de fé.

O herói lírico é enfaticamente comum. Mas carrega em si o drama - criado em um espírito utópico-otimista, está passando por um doloroso processo de libertação da verdade.

A confissão é uma franqueza e confiança especiais com o leitor.

Não está em bons termos consigo mesmo

Yevtushenko:

muitas vezes noto

para o triunfo, aparentemente, de alguém,

que eu sonho disperso

que eu vivo em desordem.

Entre os completamente destemidos

meio desejos

semi-sentimentos

dores:

eu não vou sair

não estou conseguindo?

Evgeny Yevtushenko

Leitura pelos alunos de trechos do artigo de Ozerov Yu.A. "Poetas dos anos sessenta", revelando as características da obra do poeta.

Por um lado, a instalação é dirigida ao leitor de massa, ao ouvinte-espectador. Portanto, aparecem características estilísticas específicas (publicismo, aumento da retórica, inclusão de um juramento, slogan).

Pr: o poema "Bratskaya HPP", "Não devemos nos esconder, lutar!"

O desejo de chocar o público (dos futuristas) é uma declaração civil ousada.

Por outro lado, ele sempre se opôs à divisão da poesia em alto e quieto (Poesia silenciosa do final dos anos 60 - início dos anos 70 - a entonação da poesia é calma, elegíaca, calma, íntima (Nikolai Rubtsov)). Em sua obra há características de ambos. Ele escreve sobre isso no poema "Sobre o túmulo de Rubtsov".

A linha elegíaca inclui seus poemas sobre a natureza (muito em comum com Rubtsov). Pr: "Bétula", "Estação Zima".

Presta especial atenção ao gênero do poema. Pr: "Bratskaya HPP", "Corrida" (1975), "Sob a Pele da Estátua da Liberdade" (1969).

Grande parte de sua poesia está ligada a viagens ao exterior.

Características de estilo: - Muitas vezes rimas assonantes.

Experiência de rima. Atento ao desenho fonético dos poemas.

No contexto de um poema, vocabulário de diferentes camadas estilísticas.

Os neologismos (de Mayakovsky) são derivativos, muitas vezes associados a sufixos de avaliação subjetiva.

Pr: o poema "Infantilismo" é poesia civil, mas sem especulação.

Poesia aforística (precisão e concisão de sua linguagem)

Muitas paráfrases da literatura russa, imagens russas

Pr: poema "Impressão de filme ocidental"

O herói lírico é franco até a nudez, à tolice (narcisismo por autoflagelação). O paradoxo é que no ato de exigir a revisão de si mesmo, no próprio estado de angústia mental, na descoberta da própria inconsistência e instabilidade, o herói encontra fundamentos para a autoafirmação. A inconsistência manifesta o não padrão de uma pessoa, sua incompletude fundamental. Sofro, logo existo.

"Prólogo"

eu sou diferente

Estou ocupado e ocioso.

eu sou objetivo-

e inadequado.

sou todo incompatível

inconveniente,

tímido e arrogante,

malvado e bondoso.

Eu amo tanto,

para que tudo se intercala!

E tantas coisas misturadas em mim

do oeste

e a leste

da inveja

e para deliciar!

Eu sei - você vai me dizer:

"Onde está a integridade?"

Oh, há um grande valor em tudo isso!

O herói lírico exige atenção à sua vida espiritual, ele anseia por sensibilidade para si mesmo.

"Se preocupe comigo"

se preocupe comigo

apaixonada e profundamente.

Não fique de lado

quando estou solitário.

Em zelo vazio

não pegue pequeno.

Por todo o meu "depois"

amo meu agora.

Na palavra e na experiência do herói lírico, projeta-se o leitor, o co-herói potencial do poema. Afirma o valor próprio de qualquer pessoa e requer sensibilidade, capacidade de resposta à sua vida espiritual.

Buscando sensibilidade para si mesmo, ele abre sua alma para a vida dos outros. "Sou ganancioso por pessoas." Heróis aparecem em seus poemas: “Muska da fábrica de doces”, “levantador Masha”, “Tio Vasya”, etc. (povo soviético comum). O herói lírico simpatiza com eles, cada um deles é valioso em si mesmo, em cada um deles está a Rússia.

A dupla unidade das imagens de "pessoas comuns" e da Rússia. Ritmos simples, rima frágil, melodia de música, entonação pungente. "As neves brancas estão chegando."

Ele vê o alto no que é considerado baixo, ele vê o extraordinário no ordinário.

Robert Rozhdestvensky

Assistindo a um trecho do filme "Zastava Ilyich" com um discurso de Robert Rozhdestvensky (um trecho do poema "Cogs"). Identificação das principais características de sua obra.

O principal pathos é civil e moral.

Alto pathos.

O começo lírico se dissolve na voz e no sentimento gerais do "enxame".

Retórica.

A criatividade é multidimensional. Começa com o jornalismo lírico. Em seus poemas, o herói lírico avalia a história, funde-se com a modernidade. Maximalista do ponto de vista do sistema de valores aprovado.

Poemas iniciais - linha patriótica. Pr: "Fale soviético." A imagem de Lenin na era do "degelo" é uma imagem de culto (um ideal a seguir, um padrão). Eles começaram a chamar Lenin de "Ilyich" nesta época, quando começaram a percebê-lo como uma pessoa próxima a ele.

O auge da poesia civil 1953 - 1959.

Letras de amor: afirma as verdades mais simples, devolve a literatura ao clássico (em termos do sistema de valores). Os poemas dos anos sessenta, dedicados aos eternos temas de amor, amizade, etc., tornaram-se mais populares.

Poemas de canções de Rozhdestvensky: “Chame-me, ligue!”, “Oh, este casamento …”, “Canção de Yashka-Gypsy”, “Vou me levantar antes do amanhecer hoje”, “Eco of love”, “Canção do Pátria”, “Lá atrás das nuvens”, “Desejo-lhe”, “Não precisa ficar triste...”.

Bella Akhmadulina

Leitura pelos alunos do poema "Na minha rua..." de Bella Akhmadulina e identificação das características de sua obra.

A poesia de Bella Akhatovna é interessante porque ela amava e sabia como combinar imagens do velho e novo mundos tradicionais em seus poemas. Seus trabalhos incluem itens como uma vela, uma lâmpada, uma casa decrépita e coisas novas na época: um semáforo, um avião, um gravador. Joseph Brodsky a chamou de herdeira da linha Lermotnov-Pasternak na poesia russa.

Pela primeira vez na poesia soviética moderna, Akhmadulina falou em alto estilo poético. E se agora podemos falar com segurança sobre a existência do próprio conceito de "belles-lettres", esse é em grande parte o mérito de Bella Akhmadulina para a literatura russa.

Vocabulário sublime, metáfora, estilização requintada do estilo "antigo", musicalidade e liberdade entoacional do verso tornaram sua poesia facilmente reconhecível.

O próprio estilo de seu discurso era uma fuga da modernidade, da mediocridade, da vida cotidiana, uma forma de criar um microcosmo ideal, ao qual Akhmadulina dotou seus próprios valores e significados.

A trama lírica de muitos de seus poemas não era desprovida de um tom mágico de comunicação com a "alma" de um objeto ou paisagem (velas, retratos, chuva, jardins), destinada a dar-lhes um nome, despertá-los, trazê-los à tona do esquecimento.

Apenas algo - para que haja uma vela,

vela simples, cera,

e antiquado antiquado

para que fique fresco na memória.

E sua caneta vai acelerar

a essa letra ornamentada,

inteligente e engenhoso

e o bem cairá sobre a alma.

Você já está pensando em amigos

cada vez mais, à maneira antiga,

e estalactite esteárica

lidar com ternura em seus olhos.

E Pushkin parece gentil

e a noite passou, e as velas se apagaram,

e sabor suave da fala nativa

lábios tão limpos e frios.

Em muitos poemas, especialmente com imagens convencionalmente fantásticas (o poema "My Genealogy", "An Adventure in an Antique Store", "Country Romance"), ela brincava com o tempo e o espaço, ressuscitou a atmosfera do século XIX, onde encontrou cavalheirismo e nobreza, generosidade e aristocracia , capacidade de sentimento imprudente e compaixão - os traços que compunham o ideal ético de sua poesia, na qual ela dizia: "O método da consciência já foi escolhido, e agora não depende de mim ." O desejo de adquirir uma linhagem espiritual foi encontrado em poemas dirigidos a Pushkin, Lermontov, Tsvetaeva e Akhmatova ("Saudade de Lermontov", "Aulas de música", "Eu a invejo - jovem" e outras obras); em seu destino, ela encontra sua medida de amor, bondade, "orfandade" e o trágico dom criativo pago. Akhmadulina apresentou essa medida até o presente - e isso (não apenas na palavra e no estilo) foi seu caráter especial de herdar a tradição do século XIX.

A estética dominante da obra de Akhmadulina é o desejo de cantar, "agradecer" a "qualquer pouco"; suas letras transbordavam de declarações de amor - a um transeunte, a um leitor, mas sobretudo a amigos, a quem ela estava pronta a perdoar, salvar e proteger de um julgamento injusto. "Amizade" é o valor fundamental de seu mundo (os poemas "Meus camaradas", "Isolamento de inverno", "Já estou entediado e inadequadamente", Craft uniu nossas almas "). Cantando a pureza dos pensamentos amigáveis, Akhmadulina não privou esse tema de conotações dramáticas: a amizade não salvou a solidão, a compreensão incompleta, a desesperança mútua.

Akhmadulina sempre evitou, ao contrário de outros "anos sessenta", temas sociais socialmente significativos.

A letra de Akhmadulina não reproduzia a história do sofrimento mental, mas apenas apontava para eles: "Na angústia de que é capaz", "Uma vez, balançando no limite", "Aconteceu assim...". Ela preferiu falar sobre a base trágica subjacente de ser de forma alegórica (“Não chore por mim! Eu vou viver ...” - “Feitiço”), mas mais frequentemente em poemas sobre poesia, o próprio processo de criatividade , que ocupa um lugar muito grande em suas criações.

A criatividade para Akhmadulina é "execução", "tortura" e a única salvação, o resultado do "tormento terreno" (poemas "A Palavra", "Noite", "Descrição da Noite", "É tão ruim viver) ; a fé na palavra (e a fidelidade a ela), na indissolubilidade da "alfabetização e consciência" em Akhmadulina é tão forte que a estupidez ultrapassada equivale à inexistência para ela, à perda da alta justificação de sua própria Akhmadulina está disposta a pagar por sua escolha poética com o “tormento da superioridade”, ela via o sofrimento como expiação pela imperfeição espiritual, “agravamento” de sua personalidade, mas nos poemas “Bad Spring”, “This is Me”, ela vence essas tentações.

Akhmadulina resolveu o tema tradicional do confronto entre o poeta e a multidão sem a habitual denúncia dos não iniciados (o poema “The Chill”, o poema “The Tale of the Rain”): a boemia de Moscou em conflito com o poeta não apareceu inescapavelmente hostil, mas geneticamente alienígena.

Nas coleções "Mistério", publicada em 1983, e "O Jardim", publicada em 1987, e premiada com o Prêmio do Estado em 1989, hermetismo poético, descrição de passeios solitários, "misturas noturnas", encontros e despedidas com paisagens queridas, guardiões de segredos , cujo significado não foi decifrado, foi combinado com a expansão sócio-temática do espaço poético: moradores de subúrbios, hospitais, crianças inquietas apareceram, a dor pela qual Akhmadulina se traduz em "cumplicidade do amor".

As canções dos bardos são líricas, sinceras.

O principal valor que cantavam era o motivo da liberdade, um círculo amistoso na floresta, junto à tenda, junto ao fogo, que contrastavam com a vida confortável de um citadino.

Não são poetas profissionais.

Há uma individualidade absoluta dos poetas. Sua criatividade se espalha graças aos gravadores.

Bulat Okudzhava

Alunos lendo os poemas de Bulat Okudzhava e destacando as características individuais de seu trabalho.

A guerra é um teste trágico da alma humana.

O herói lírico - um menino que mudou sua carteira escolar para as trincheiras, experimenta sua crueldade, mas resiste à desumanização (“Vou sorrir, caramba, / no calor do alarido corpo a corpo”).

Um sentido da fragilidade da vida humana e da necessidade de bons princípios que apoiem uma pessoa e lhe dêem esperança.

Humanidade. A fonte é a compaixão pelo indivíduo para ajudá-lo a superar a solidão.

A imagem da solidão é um sinal do principal infortúnio da existência humana.

No centro do sistema estético está o conceito de ideal (esperança). O objeto de adoração procura por perto, no círculo de valores que lhe são próximos.

Um topos especial, seu próprio universo artístico, onde vivem seus heróis e deusas (Arbat). Arbat é o núcleo não oficial da capital. A autenticidade do Arbat em sua vulgaridade feia e cotidiana descreve sua topografia. Este é o centro ético do mundo.

A Irmandade Arbat ocupa o lugar mais alto na hierarquia dos marcos espirituais de Okudzhava.

O sujeito lírico é um bardo, um intérprete de canções despretensiosas que são compostas no pátio e cantadas para a companhia. Esta é uma "imagem de papel". Ele não canta sobre pessoas comuns, mas em nome de "pessoas comuns".

Estilização sob as formas de arte comuns de "masscult". Um gênero lírico especial são as canções estilizadas como romance urbano.

Recria a imagem da mentalidade e linguística "Arbat". A "subcultura Arbat" contra o pano de fundo das normas culturais gerais em sua angularidade e ingenuidade parece algo genuíno.

Atitude romântica e origens sentimentais. Atualizado através de um conto de fadas (imagens e motivos separados, parafernália de contos de fadas, associações com arquétipos de contos de fadas).

"Sapateiro": "E seu martelo preto, como uma andorinha, / sacode sua cauda bifurcada."

Bateristas vivem em Drum Lane.

O Arbat é "um paraíso disfarçado de quintal / onde todos são iguais: / crianças e vagabundos".

Humor caloroso em relação aos heróis das canções.

Sinceridade "Vamos dar as mãos, amigos, / para não desaparecer um a um!"

Na canção do autor, Bulat Okudzhava coloca o texto em primeiro lugar. A melodia adquire a função de acompanhamento musical, o que potencializa o lirismo da sonoridade do verso. “Para mim, a canção de um autor é, antes de tudo, poesia. Poeta cantor”, - é assim que o próprio Bulat Okudzhava define as especificidades do gênero. Bulat Okudzhava raramente escreve músicas “na primeira pessoa”, mas sempre as canta “de si mesmo”: “É importante para mim que os próprios sentimentos que me possuem, o autor da música, no momento de sua performance, levem sobre os ouvintes...”

O herói lírico de Okudzhava também procura excitar as mentes humanas. Seu principal desejo é tornar as almas das pessoas mais sensíveis e responsivas. Este tema é ouvido no poema "Midnight Trolleybus".Esta conexão real de almas solitárias cria a comunidade que Okudzhava em sua outra canção conhecida liricamente comovente chama de "espera uma pequena orquestra sob o controle do amor".

A propósito, o tema do amor ocupa um lugar muito especial em Bulat Okudzhava. O amor está incorporado em uma variedade de situações que ocorreram em várias épocas. Por exemplo, nas canções de Okudzhava, encontramos o amor de um hussardo e a bela Natalia, o amor de um músico que inspira sua amada. De acordo com Okudzhava, um homem apaixonado está pronto para ser transferido para sempre para o grande mistério do amor, esquecendo o sono. Mas, é claro, o principal motivo das letras de amor de Okudzhava é a adoração da mulher amada, sua deificação.

Embora Okudzhava tenha escrito no século passado, muitas vezes é perceptível alguma confusão de tempos em seus poemas, e isso não é surpreendente - o autor repetidamente se chamou de poeta do século XIX. Okudzhava procura retornar à "sua" era, na qual ele acidentalmente não caiu, escrevendo poemas históricos. Por exemplo, a “Pintura de Batalha” tornou-se a quintessência do século XIX, que combinava as imagens do imperador, general e comitiva. Acima deles está o céu eterno e imutável, que não muda com o tempo. O romance das batalhas passadas mistura-se com a tragédia dos acontecimentos recentes: o poeta participou da Grande Guerra Patriótica. Sobre este tema - uma canção-poema sincera "Adeus, meninos". Os títulos e os primeiros versos das canções retratam a guerra como a maior tragédia folclórica (“Você ouve o barulho das botas”, “Perdoe a infantaria”, “E estamos com você, irmão, da infantaria”).

10 . Yuri Vizbor

Atitude perante a guerra, lealdade ao dever de memória, continuidade e ligação de gerações. Compreendendo as origens de sua visão de mundo, Vizbor dirá na peça “Birch Branch” pela boca de um de seus heróis: “Em um passeio de canoa pelo rio Zhizdra, que flui nas florestas de Bryansk, encontramos uma trilha incrível de guerra. Um quarto de século atrás, um soldado pendurou um rifle em uma bétula. Por um quarto de século ficou pendurado nesta bétula. O aço do barril estava comido pela ferrugem, a correia apodrecida. Mas o tronco do rabo cresceu até a bétula e tornou-se parte dele, e jovens ramos alegres já brotaram deste antigo tronco até o sol. O que era uma arma* de guerra passou a fazer parte do mundo, da natureza. E então eu pensei que isso "é - eu, nós, minha geração, que crescemos com as velhas e difíceis feridas da guerra ... A guerra não matou apenas aqueles que caíram no campo de batalha. Ela foi a aurora dura da nossa geração do pós-guerra. Ela nos deixou um legado do início da idade adulta, vinagretes escolares líquidos, órfãos, mandados para sandálias, brigas nos pátios das escolas por pilhas de lenha. A guerra era meu inimigo - um inimigo pessoal."

Quanto aos fatores espirituais que, em certa medida, determinaram os gostos artísticos de Vizbor, eram canções folclóricas que não perdiam valor em nenhum momento, canções da guerra e dos anos pós-guerra (ele era absolutamente reverente ao maravilhoso compositor Alexei Fatyanov), finalmente , canções de quintal.

O amor são montanhas. Eles também escreveram músicas, geralmente para melodias conhecidas, nenhuma tentativa de compor música foi feita naquela época. Vizbor escreveu sua primeira música, "uma obra super-romântica", em 1952. A música se chamava "Madagascar", embora não tivesse nada a ver com a famosa ilha. Naquela época, eles gostavam de Kipling, o exótico de países distantes, quando tudo parecia romântico. Bem, a música da música foi emprestada da apresentação do Teatro de Marionetes de S. Obraztsov “Sob o farfalhar de seus cílios”.

Caminhando temas turísticos, as montanhas tornaram-se os temas definidores da composição de canções de Vizbor até o final dos anos 50.

Além disso, junto com a música amadora de turista-estudante, também cresceu o interesse pela música folclórica, o que praticamente introduziu Vizbor nas tradições da canção folclórica.

Para o vizbor moscovita, o norte é parte da Pátria, parte da vida.

Vento nas colinas. O azul dos vales.

Baía branca e congelada.

Aqui ele estudou a vida militar:

Cante músicas, broca de hortelã.

Como posso te retribuir

Minha borda, infinitamente azul?

Eu não sou um convidado contando as horas

Eu, um moscovita, imagine - seu filho.

Naquela época, a música turista, estudantil (na época não existia o termo “canção amadora” hoje bem estabelecido, embora não corresponda exatamente ao conteúdo desse fenômeno) desenvolveu-se rapidamente. Em seu repertório, Vizbor inclui o melhor que foi criado por autores amadores. Por vários anos (final dos anos 50 - início dos anos 60), ele foi um propagandista ativo não apenas de suas músicas, mas também das músicas de Yuli Kim, Ada Yakusheva, Bulat Okudzhava, Dmitry Sukharev, Evgeny Klyachkin , Novella Matveeva, Mikhail Ancharov e muitos outros. Alexander Gorodnitsky admite que ainda ouve algumas de suas primeiras canções na voz de Vizbor.

Tendo se declarado principalmente como um romântico da vida no acampamento, um romântico das estradas, Vizbor vê que existem outras músicas próximas sobre esse assunto. Contra o vazio, a vulgaridade e o mau gosto na música vida desportiva, Vizbor fala em 1959 com um folhetim na revista Musical Life. E ele fala, em termos modernos, de forma construtiva, formulando seu programa: você pode erradicar músicas trashy apenas com boas músicas.

Tons calmos, líricos, leves e puros, às vezes com uma pitada de tristeza, mas não de pessimismo, com melodias despretensiosas e fáceis de lembrar, pressionaram com confiança seus antecessores.

Ele sempre foi atraído por profissões que exigem esforço, vontade, coragem de uma pessoa, ele amava pessoas de profissões extraordinárias: pilotos e exploradores polares, marinheiros e alpinistas, pescadores e astronautas. E em suas obras ele mostrou o romance difícil de seu trabalho e vida.

A gama de músicas do próprio Vizbor também está crescendo: viajando em missões de editorias por todo o país, sendo onde grandes coisas são feitas, ele traz músicas de todas essas viagens. Aqui estão apenas alguns deles: “Meu amor, Rússia”, “Okhotny Ryad”, “Astrônomos”, “Inverno da região de Moscou”, “No Planalto Rasvumchorr”, “Procure por mim hoje”, “Acalme-se, meu amigo , com calma”, “Deixe-os contornar uma avalanche para você”, “Se eu ficar doente” - para vários poemas alterados de Yaroslav Smelyakov. “O maior reconhecimento para um poeta”, disse Smelyakov mais tarde em seu discurso no rádio, “quando seus poemas se tornam uma canção folclórica”. Vizbor deu um bilhete para esta nacionalidade da música.

11. Júlio Kim

Ouvindo os alunos da música de Yuli Kim, destacando as características da obra do poeta.

“... não posso fazer mais nada. E eu realmente gosto. E o tema é inesgotável. As imagens e figuras que a humanidade conhecia estão em constante transformação, e novos personagens aparecem de século em século. Tudo isso fornece material infinito. Portanto, se meus personagens desfilarem, será uma reunião bastante heterogênea. Quem não cantou minhas músicas: Dzhigarkhanyan, Boyarsky, Gaft e, é claro, Nikolai Petrovich Karachentsov foram anotados aqui - ele tinha três ou quatro das minhas músicas em seu repertório. Mas estou especialmente orgulhoso de que as músicas baseadas em meus poemas tenham sido interpretadas por Evgeny Evstigneev e Evgeny Leonov, que se distinguiam por uma completa falta de ouvido musical. Mas, no entanto, ele cantou uma pequena música lírica para a música de Dashkevich e meus poemas no filme "Racers" ... "

Suas canções começaram a soar em filmes, e logo ele começou a escrever especificamente para cinema e televisão. Em 1968 ele recebeu as primeiras ofertas para escrever canções para apresentações teatrais. Desde 1970 Julius Kim tem colaborado com os compositores V. Dashkevich, G. Gladkov, A. Rybnikov e outros.

As primeiras canções de Yuli Kim estão imbuídas de humor e ironia benevolente. O autor, por assim dizer, está constantemente piscando para alguém, trocando olhares, chamando uns aos outros. Mesmo suas primeiras canções - Kamchatka - eram "deslumbrantes e irregulares, como uma tundra em degelo, como uma colina pintada com o brilho do sol, como uma vieira espumosa de uma onda na costa de Kamchatka" (L. Annensky).

Nas canções do ciclo dissidente, o autor permanece invulnerável sob a proteção de uma alegoria espirituosa, cujo sentido, no entanto, é bastante transparente, e o texto é antes um movimento enganoso, uma armadilha. Na verdade, o sarcasmo é mortal, não patético: Kim não fica com raiva e geralmente parece evitar mostrar sentimentos.

Em canções para teatro, cinema e televisão, desenvolve as tradições da estilização literária. Recitatividade, ópera, dialeto de cantigas, entonações românticas, aplicações coloquiais - tudo isso é magistralmente organizado na música música. Você só precisa ouvir. É preciso pegar os leitmotivs nessa diversidade. Nesse pandemônio de figuras há linhas de compreensão” (L. Anninsky).

Peru Julius Kim possui três roteiros. Segundo dois deles, no M. Gorky Studio for Children and Youth Films, dirigido por M. Yuzovsky, os filmes “Depois de uma chuva na quinta-feira” (1985) e “Um, dois - o luto não importa” (1989) , para o qual Y. Kim também escreveu letras (para música de G. Gladkov e R. Grinblat). Além disso, é autor de canções, romances, números vocais ou seus textos para mais de 40 filmes e telefilmes, entre eles: Newton Street, Building 1 (diretor T. Vulfovich; Lenfilm, 1963), Adventures of a Dentist doctor” (diretor E. Klimov; Mosfilm, 1965), “Bumbarash” (diretores N. Rasheev, A. Naroditsky; compositor V. Dashkevich; A. Dovzhenko Studio, 1972), “Ponto, ponto, vírgula .. .” (diretor A . Mitta; compositor G. Gladkov; Mosfilm, 1973), “As Doze Cadeiras” (diretor M. Zakharov; compositor G. Gladkov; TsT, T / o “Tela”, 1976), “Mayakovsky ri "(Diretores S. Yutkevich , A. Karanovich; compositor V. Dashkevich; "Mosfilm", 1976), "Sobre Chapeuzinho Vermelho" (diretor L. Nechaev; compositor A. Rybnikov; "Belarusfilm", 1977), "Homem Bonito" (diretor M. Mikaelyan; compositor V. Dashkevich; TsT, T/o Ekran, 1978), Ordinary Miracle (diretor M. Zakharov; compositor G. Gladkov; TsT, T/o Ekran, 1978), "Blue Carbuncle" (diretor N. Lukyanov; compositor V. Dashkevich; "Bielorrússia filme”, 1979), “Reis e Repolho” (diretor N. Rasheev; compositor V. Dashkevich; A. Dovzhenko Studio, 1979), Five Evenings (dirigido por N. Mikhalkov; Mosfilm, 1979), Courtship of a Hussar (dirigido por S. Druzhinina; compositor G. Gladkov; 1979), "Yaroslavna, Queen of France" (diretor I. Maslennikov; compositor V. Dashkevich; "Lenfilm", 1979), "Dulcinea Tobosskaya" (diretor S. Druzhinina; compositor G. Gladkov; "Mosfilm", 1980), " The Tale of Wanderings (diretor A. Mitta; compositor A. Schnittke; Mosfilm com a participação dos estúdios da Tchecoslováquia e SRR, 1983), Pippi Longstocking (diretor M. Mikaelyan; compositor V. Dashkevich; Mosfilm, 1984), The Formula of Love (diretor M. Zakharov; compositor G. Gladkov; Mosfilm, 1984), The House That Swift Built (diretor M. Zakharov; compositor G. Gladkov; TsT, T/o Ekran, 1985), "Fatal Eggs" (diretor S. Lomin; compositor V. Dashkevich; "ADA -filme"; "Trilobite", República Tcheca, 1995).

As músicas de Yuli Kim são imediatamente reconhecíveis por sua entonação especial, que combina ironia e serenidade, ceticismo razoável e capacidade de enfatizar um pensamento, escondendo emoções. Em Yulia Kim, a ingenuidade infantil de uma alma pura, a fé em uma pessoa, na maravilhosa propriedade da bondade, foi surpreendentemente preservada.

A arte inimitável não é apenas a maneira de nosso convidado falar, segurar, se comunicar com o público. A aura teatral, a capacidade de uma incrível transformação interior permeou toda a sua obra, o que faz lembrar a famosa afirmação de Shakespeare sobre a interligação e interpenetração da vida real e do teatro, um jogo inventado por pessoas para tentar compreender mais profundamente o que é a própria vida .

A teatralidade da poesia de Julius Kim não é apenas uma transformação talentosa em um personagem particular. Esta é uma qualidade especial na qual a precisão das avaliações sociais, a observação e a mais sutil ironia são marcantes. A ironia nos poemas de Yuli Kim ajuda a revelar a essência do fenômeno - parece que, caso contrário, esse resultado, esse efeito semântico e artístico não pode ser alcançado.

Pr: "Canção sobre um turista"

Quem é turista? E eu vou responder, não vou esconder nada:

Um turista de coração é uma criança e um artista que não quer paz.

E eu só quero escalar montanhas e carregar uma mochila nos ombros

E compartilhe seu último biscoito com cinco de seus amigos.

Tudo isso, é claro, é dito e pronunciado em nome do bobo da corte de coração simples, que é essencialmente um profundo pensador e filósofo, um analista impiedoso - preciso e figurativo.

No estilo poético de um alegre, espirituoso, cáustico, expondo grande parte da bem lembrada vida soviética a todos nós, avaliações trágicas daquela época, daquele país, daquele sistema terrível aparecem de repente como um lembrete agudo, quando você se encontra em terras distantes "nos braços do permafrost", onde "você não coletará um pacote mãe", onde uma pessoa "não precisa mais de nada - sem lágrimas, sem pedra, sem cruz ...". Surge uma imagem sofrida daquele vasto país, onde toda a terra é um cemitério dos inocentes mortos, onde "coloque uma vela e uma cruz em qualquer lugar e você não se enganará".

Ela entrou nas canções de Yuli Kim e na pretensiosa "amizade dos povos" soviética, baseada na grande potência russa como ideologia de Estado. Portanto, a música de Yuli Kim "An Open Letter to the Union of Writers of the RSFSR", escrita em 1989, foi recebida com tanta atenção e compreensão pelo público:

Permitam-me, irmãos, abordar timidamente:

É hora de purificar nosso povo.

E eu sou um simples mestiço soviético

E entro em uma terrível enrascada.

Em parte eu sou bastante puro-sangue

Vsesvyatsky, dos cristãos Kaluga,

Mas de acordo com meu pai, eu sou um chuchmek estrangeiro

E ele deve ir para sua Pyongyang.

Onde estou de acordo com a sua lei?

Minha terra é parcialmente minha agora.

Vá para o Volga, passeie por Pskov

Eu só tenho um pé.

Eu tenho um pesadelo de conflito nacional:

De manhã ouço a bronca do meu sangue.

Um grita que eu sou um katsap izvozny,

Outro, por alguma razão, que um judeu.

<…>

Não deixe uma alma viva quebrar

Peço ao governo da RSFSR

Como eu, construa uma reserva

Lá, em algum lugar em Odessa, por exemplo.

Haverá muitos de nós multi-sangue:

Fazil, Bulat, o próprio padre Florence,

Vysotsky e Mironov vão cantar para nós,

Vertinsky também não cantará para você.

Kasparov Garik é definitivamente duplo.

Vamos colocar o tabuleiro, cortar o mostrador,

E eu sou minha metade coreana

Seu armênio eu vou cortar o tapete russo.

E eu lhes direi, fanáticos da Rússia:

Oh, olhe para seus líderes.

Seu Mikhalkov era amigo de Lev Kassil,

E Bondarev é uma avó caraíta.

Resultados: na era do "degelo" na poesia russa, há outra ascensão e desenvolvimento. Além disso, esse desenvolvimento tem um caráter diverso. A literatura oficial está sendo atualizada, como complemento a ela é a literatura não oficial - a música do autor. Isso se deve ao início da democratização de toda a vida na URSS. Poetas foram capazes de expressar seus pensamentos e sentimentos.

Os anos sessenta do século 20 são o momento da ascensão da poesia russa. Finalmente, veio um degelo, muitas proibições foram levantadas e os autores puderam expressar suas opiniões abertamente, sem medo de represálias e expulsões. Coleções de poemas começaram a aparecer com tanta frequência que, talvez, nunca tenha havido um "boom editorial" no campo da poesia, antes ou depois. Os “cartões de visita” desta época são B. Akhmadulina, E. Yevtushenko, R. Rozhdestvensky, N. Rubtsov e, claro, o bardo rebelde V. Vysotsky.

Uma das principais direções da poesia dos anos 60 do século XX é a chamada "letra de Yesenin". Foi nessa época que a proibição do trabalho do poeta na Rússia foi suspensa e seus seguidores ficaram visivelmente inspirados. Talvez N. Rubtsov possa ser chamado de principal entre eles. Durante sua vida, o "cantor da pátria tranquila" não foi apreciado por seus compatriotas. Afinal, ele não falava das arquibancadas, não reunia casas cheias, e até se perdeu um pouco em meio ao boom poético dos anos sessenta. O romantismo não estava no auge da moda naquela época. E o herói lírico de Rubtsov, um homem de caráter forte e alma russa, procura significado, por assim dizer, lentamente e fala sobre o destino do país sem slogans e faixas. No entanto, o tempo colocou tudo em seu lugar, colocando Nikolai Mikhailovich em pé de igualdade com A. Fet, F. Tyutchev e S. Yesenin.

Outra direção popular da poesia dos anos sessenta do século 20 é a tribuna seguindo as tradições de V. Mayakovsky. Os nomes mais brilhantes nesta área são E. Yevtushenko e R. Rozhdestvensky. Eles, não temendo por seu destino, falaram dura e categoricamente sobre o acampamento. Seu herói lírico está pronto para lutar até o fim, expondo o culto da personalidade e defendendo a verdade. Não é de surpreender que tal poesia ressoasse nas massas. A inovação desta época são os chamados encontros poéticos. Robert Ivanovich, Evgeny Alexandrovich e seus associados não eram apenas populares: era impossível comprar ingressos para suas noites, e livros publicados em milhões de exemplares dispersos das prateleiras das lojas quase instantaneamente. É verdade que houve críticas. Até agora, alguns deles não reconhecem o "maiakovismo" dos anos sessenta, considerando essa direção na poesia amadora. Mas o próprio Yevgeny Aleksandrovich avalia seu trabalho com muito otimismo e em um de seus livros ele afirma que definitivamente entrará no século 21. Bem, ele já rompeu e até se estabeleceu firmemente nele.

Uma linha separada vale a pena notar o trabalho de I. Brodsky. Sua contribuição para a literatura mundial não pode ser superestimada. Não é por acaso que em 1987 ele recebeu o Prêmio Nobel. Sobre quem é Joseph Brodsky, críticos e publicitários discutem e discutem até hoje.

E, finalmente, outra direção da poesia dos anos sessenta do século XX são os poetas cantores. Os mais brilhantes deles são B. Okudzhava e V. Vysotsky. Você pode falar sobre o último infinitamente. Não reconhecendo nenhuma autoridade, nunca se considerando um bardo, Vladimir Semenovich sem medo, com seu espírito rebelde e arte inerente apenas a ele, sempre expressou abertamente sua opinião. Seu trabalho é um avanço na poesia do século 20. Hoje resta apenas regozijar que a estrela V.S. Vysotsky acendeu nos anos sessenta, e não na era de Stalin.

Esta é a poesia dos anos sessenta. Diferente, mas invariavelmente correndo para as massas e lutando por um futuro melhor.

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• Olá caro motorista! Desde a infância, sonho em ser como você - o mestre das máquinas. Esta é uma das melhores e mais interessantes profissões, pois o motorista faz o seu trabalho e ao mesmo tempo observa o mundo, aprende novos lugares. Quando íamos com a família para a floresta ou para outros eventos, papai às vezes me permitia sentar com ele e dirigir. Sempre gostei muito. E também acho que ser motorista é muito legal e útil. O motorista pode ajudar as pessoas. Por exemplo, conhecer uma avó ou uma mulher adulta com […]
• Cada pessoa entende a palavra "poder" à sua maneira. Para alguns, uma pessoa forte é uma pessoa fisicamente desenvolvida que pode lutar contra qualquer atacante no beco. Mas há um significado completamente diferente da palavra “forte”. E está conectado com o núcleo interior de uma pessoa, sua fortaleza. Na vida de cada um de nós houve pessoas que alcançaram o sucesso, apesar dos obstáculos e dificuldades, que nunca desistiram. Essas pessoas só podem ser chamadas de "fortes". Então, o que ele é, uma pessoa de força de vontade? Hoje em dia, um forte representante […]
• Na maioria das áreas de sua vida, uma pessoa não pode ficar sem um computador. Esta posição é devido às suas capacidades. Armazenamento e troca de informações, comunicação entre pessoas, inúmeros programas de computação - tudo isso o torna indispensável para uma pessoa moderna. No entanto, usar um computador tem lados positivos e negativos. Vantagens de um computador: com a capacidade de se conectar à Internet, um computador torna-se uma fonte indispensável de informação: enciclopédias, dicionários, […]
• A propriedade do idioma russo pode ser considerada unidades fraseológicas. Essas expressões de fala definidas não têm um autor. Eles são indivisíveis em significado e são um único todo. Em nosso discurso, cada um de nós os usa com frequência, embora não os percebamos. Com a ajuda de unidades fraseológicas, eles mostram sua atitude, o discurso torna-se vívido e figurativo. Todas as unidades fraseológicas pareciam expressar um determinado evento ou fenômeno. Mais tarde, por vários motivos, passaram a ser usados ​​em sentido figurado, mas semelhante ao significado original. As unidades fraseológicas são como […]
• No fim de semana passado, meus pais e eu fomos ao zoológico. Eu estive esperando por este dia a semana toda. Estava um clima de outono maravilhoso lá fora, o sol quente estava brilhando, uma leve brisa soprava. Todos estavam de ótimo humor. Na entrada do zoológico, compramos ingressos, várias guloseimas para os animais e entramos. Nossa caminhada começou com um passeio pelos recintos com lobos. Alguns deles andaram ao redor da jaula e mostraram suas presas afiadas. Outros estavam dormindo e não reagiram a nós de forma alguma. Depois de ficar um pouco em seus recintos, seguimos em frente. Nosso zoológico é muito […]
• Hoje meu pequeno sonho se tornou realidade - pude ver golfinhos não na TV, mas na vida. Fomos à nova apresentação e vimos muitos truques memoráveis ​​realizados por esses animais inteligentes. O delfinário em si é muito bonito - um salão moderno, um apresentador alegre, música fervorosa. O programa de concertos durou uma hora inteira: golfinhos, leões marinhos e focas giraram bolas no nariz, jogaram vôlei por muito tempo, carregaram seu treinador nas costas e um golfinho até deu cambalhotas no ar! Mas mais […]
• Eu amo muito minha mãe - ela é a pessoa mais próxima e sempre ajuda. Mesmo quando ela me repreende, eu sei que ela me ama. Minha mãe adora cozinhar e eu adoro ajudá-la. Minha mãe sempre sorri, eu raramente a via triste. Além disso, minha mãe ama muito animais e flores. Temos muitas flores lindas em casa, das quais minha mãe cuida. Algumas florescem e outras não, mas mamãe sempre diz que se você cuidar bem das flores, elas sempre agradarão os olhos, mesmo sem […]
• A língua russa é muito rica em provérbios e ditados. Um deles soa assim: "A palavra não é um pardal, vai voar - você não vai pegá-lo". Esta frase tem um significado muito correto, e todos devem se lembrar dela. O significado do provérbio pode ser expresso em poucas palavras: nunca retorne o que foi dito. Antes de dizer algo, você precisa pensar com cuidado. Muitas vezes acontece que, durante uma grande briga, as pessoas dizem palavras feias e raivosas. Quando eles se reconciliam, eles se arrependem, mas é tarde demais. E uma pessoa se lembrará por muito tempo não apenas de uma briga, mas também daquelas ruins […]
• Minha casa é meu castelo. É verdade! Não tem paredes grossas e torres. Mas minha pequena e simpática família mora nele. Minha casa é um apartamento simples com janelas. Pelo fato de minha mãe sempre brincar e meu pai brincar com ela, as paredes do nosso apartamento estão sempre cheias de luz e calor. Eu tenho uma irmã mais velha. Nem sempre nos damos bem, mas ainda sinto falta da risada da minha irmã. Depois da escola, quero correr para casa nos degraus da entrada. Eu sei que vou abrir a porta e sentir o cheiro da graxa de sapato da mamãe e do papai. vou passar por cima [...]
• Os adultos adoram repetir as palavras do poeta russo A.S. Pushkin "Ler é a melhor habilidade." Aprendi a ler aos 4 anos. E adoro ler livros diferentes. Especialmente os reais que são impressos em papel. Eu gosto de olhar primeiro para as imagens do livro e imaginar do que se trata. Então começo a ler. O enredo do livro me cativa completamente. Você pode aprender muito com os livros. Existem enciclopédias. Eles falam sobre tudo o que está no mundo. Destes, o mais divertido sobre vários […]
• Nativo e o melhor do mundo, minha Rússia. Neste verão, meus pais, minha irmã e eu saímos de férias para o mar na cidade de Sochi. Havia várias outras famílias onde morávamos. Um jovem casal (casaram-se recentemente) veio do Tartaristão, eles disseram que se conheceram quando trabalhavam na construção de instalações esportivas para a Universiade. No quarto ao nosso lado morava uma família com quatro filhos pequenos de Kuzbass, seu pai é um mineiro, extrai carvão (ele o chamou de "ouro negro"). Outra família veio da região de Voronezh, […]
• Hoje, a Internet está em quase todos os lares. Na Internet você pode encontrar muitas informações muito úteis para estudar ou para outra coisa. Muitas pessoas assistem a filmes e jogam na Internet. Além disso, na Internet você pode encontrar um emprego ou até novos amigos. A Internet ajuda a manter contato com parentes e amigos que moram longe. Graças à Internet, você pode contatá-los a qualquer momento. Mamãe costuma cozinhar pratos deliciosos que encontrou na Internet. Além disso, a Internet ajudará quem gosta de ler, mas […]
• Desde a infância, vamos à escola e estudamos assuntos diferentes. Alguns acreditam que isso é uma coisa desnecessária e só tira o tempo livre que pode ser gasto em jogos de computador e outras coisas. Eu penso diferente. Existe um provérbio russo: "Aprender é luz e a ignorância é escuridão". Isso significa que para quem aprende muitas coisas novas e se esforça para isso, um caminho brilhante para o futuro se abre pela frente. E aqueles que são preguiçosos e não estudam na escola permanecerão por toda a vida nas trevas da estupidez e da ignorância. As pessoas que aspiram a […]

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A maioria dos pesquisadores acreditou e continua acreditando que na virada dos anos 50 para 60 começou uma nova etapa na história da poesia, associada às mudanças sociais: com a exposição do culto à personalidade e o “degelo” que se seguiu. A literatura, após uma breve pausa, reagiu a esses eventos com uma explosão de atividade criativa. Uma espécie de "cartão de visita" da época era o poema de A. Tvardovsky "Além da distância - distância" (1953-1960), ao mesmo tempo que B. Pasternak criava um ciclo de poemas "Quando se esclarece" (1956-1959 ), as coleções de N. Zabolotsky foram publicadas: "Poemas" (1957) e" Poemas "(1959); E. Evtushenko: "Estrada dos Entusiastas" (1956); V. Sokolova: "Grama sob a neve" (1958). O amor nacional pela poesia é "um sinal dos tempos de meados dos anos cinqüenta: almanaques literários foram publicados em quase todas as cidades da região". A "reabilitação" de S. Yesenin desempenhou um grande papel nisso: "A memória do povo e o tempo levantaram a proibição do nome do poeta. E foi como se uma barragem se rompesse!" Aqui está o que N. Rubtsov escreveu sobre S. Yesenin naquela época (ele estava procurando por vestígios da estadia do poeta em Murmansk): “Seja o que for, eu sempre me lembrarei. E é impossível para mim esquecer qualquer coisa sobre Yesenin. ”

A década de 1960 foi uma época de prosperidade para a poesia soviética. A atenção a ela é extraordinariamente grande. Os livros de E. Yevtushenko são publicados: "Tenderness" (1962), "White Snows Are Falling" (1969), seu poema "Babi Yar" (1961) e o poema "Stalin's Heirs" (1962) ganharam fama particular; a glória de A. Voznesensky cresce (Sb. "Antimirs", 1964, etc.). "Segundo vento" abre e reconhece "mestres": "Rapaz" (1961-1963) N. Aseeva, "Uma vez amanhã" (1962-1964) S. Kirsanov, "Poemas do pós-guerra" (1962) A. Tvardovsky, " Direito de nascença "(1965) L. Martynov, "Consciência" (1961) e "Barefoot on the Ground" (1965) A. Yashin, "Dia da Rússia" (1967) Y. Smelyakova. A coleção final de A. Akhmatova "The Run of Time" (1965) é publicada. Letras "ruidosas" e "silenciosas" tornam-se não apenas um fenômeno literário, mas também adquirem significado social. Tanto os poetas "quietos" quanto os "barulhentos" lançam inúmeras coleções que não passam despercebidas. Na primeira metade dos anos 60, a "variedade" bate todos os recordes de popularidade. As noites no Museu Politécnico, nas quais participam A. Voznesensky, E. Yevtushenko, R. Rozhdestvensky, reúnem casas cheias. A publicidade aberta dos "artistas pop" já ultrapassava todos os limites. Mesmo em seus poemas dedicados ao passado ("Longjumeau" de A. Voznesensky, "Kazan University" de E. Yevtushenko etc.), havia pouca história propriamente dita. Por outro lado, tem havido muitas tentativas de "adaptá-lo" às necessidades de hoje, sem muita preocupação com a verdade histórica. Seu outro "pecado" foi uma paixão desenfreada pela experimentação. Naqueles anos, a chamada "canção de autor" tornou-se uma verdadeira "descoberta do gênero". A intimidade original da performance na era do caráter de massa soviético a relegou ao pano de fundo da cultura oficial, mas não no coração das pessoas. As canções dos anos de guerra são a confirmação mais marcante disso. A propósito, a primeira "canção do autor" apareceu em 1941 ("Sobre meu amigo artista" de M. Ancharov). Desde a segunda metade dos anos 50, as canções de M. Ancharov, Y. Vizbor, A. Galich, A. Gorodnitsky, A. Dulov, Y. Kim, N. Matveeva, B. Okudzhava, A. Yakusheva e outros "bardos " têm sido usados ​​com enorme sucesso, principalmente entre os jovens. O auge da "canção do autor" caiu nos anos 60 - 70. Suas conotações sociais eram claras para todos. O mais importante desta série, sem dúvida, é o trabalho de V. Vysotsky. Ele se tornou "um poeta do novo nacionalismo russo" (P. Weil e A. Genis). “O herói de suas canções se opõe ao império com sua consciência nacional nua e dolorosa. Vysotsky, que substituiu Yevtushenko como comentarista da época no final dos anos 60, abre o tópico do russianismo hipertrofiado. A antítese de um império padronizado e despersonalizado torna-se uma alma especificamente russa, que Vysotsky descreve como uma combinação de extremos extremos.

A poesia de vanguarda também aparece - Brodsky, Sapgir, Voznesensky.

Na segunda metade da década de 1960, a poesia "samizdat" subterrânea de uma cultura "não oficial" ou "paralela" começou a se desenvolver na URSS. Esta poesia estava condenada à perseguição e à obscuridade: "O espírito da cultura subterrânea é como uma luz apostólica primitiva" (V. Krivulin). Amplamente conhecidos (em um círculo estreito) eram os seguintes grupos: SMOG (Courage Thought Image Depth ou The Youngest Society of Geniuses) - surgiu em meados dos anos 60 em Moscou, incluindo V. Aleinikov, L. Gubanov, Yu. Kublanovsky e outros.; grupo poético Lianozovsky (V. Nekrasov, Ya. Satunovsky, V. Nemukhin, B. Sveshnikov, N. Vechtomov e outros); Escola de Leningrado (G. Gorbovsky, V. Uflyand, A. Naiman, D. Bobyshev, I. Brodsky e outros); grupo "Concreto" (V. Bakhchanyan, I. Kholin, G. Sapgir, Ya. Satunovsky e outros). Na segunda metade dos anos 60, as letras "silenciosas" dominaram a poesia: A. Zhigulin (Coll. "Polar Flowers" (1966)); V. Kazantsev ("Glades of Light" (1968)); A. Peredreev ("Retorno" (1972)); A. Prasolov ("Terra e Zênite" (1968); V. Sokolov ("Neve em setembro" (1968)) e outros. Em 1967, o famoso livro de N. Rubtsov "A Estrela dos Campos" foi publicado. minha pátria" e deu aos críticos motivos para chamar a direção poética de letras "tranquilas". Atraiu a atenção com uma análise profunda da alma humana, um apelo à experiência da poesia clássica. V. Sokolov, por exemplo, afirmou isso de forma clara e definitiva: "Nekrasov e Afanasy Fet estão comigo novamente". O psicologismo sutil, combinado com a paisagem, era característico não apenas das letras de V. Sokolov, mas em muitos aspectos ele estava à frente de outros poetas "quietos" aqui, mesmo porque em nos anos 50 publicou uma coletânea de excelentes poemas ("Grass under the snow" (1958)).

Em 1974, V. Akatkin fez uma pergunta retórica: “Será que este fato não é uma refutação do esquema mecânico do movimento da poesia como simples substituição de“ barulhento ”“ quieto ”, há uma indicação da unidade (enfatizado por mim? .-V.B.) dos processos que nele ocorrem?" (660, pág. 41).

Tanto os poetas "silenciosos" quanto os "barulhentos" elevaram objetivamente a poesia russa a um novo nível artístico. O significado das letras "tranquilas" já foi mencionado acima, enquanto os "artistas pop" não apenas "ampliaram o leque de meios e técnicas artísticas" (644, p. 30), mas também expressaram, ainda que superficialmente, esses humores, aspirações e esperanças que também viviam naquela época o povo

Uma compreensão muito estreita do desenvolvimento da poesia nos anos 60 como uma luta entre duas tendências tem sido rejeitada pelos críticos literários (V. Obaturov, A. Pavlovsky, A. Pikach e outros). Afinal, ao longo desses anos, não só entre os poetas que caíram no clipe do “quieto”, mas também em toda a direção do “solo”, uma abordagem histórica se estabelece firmemente na compreensão artística da realidade, no desejo de compreender o nacional e As origens sociais da modernidade se intensificam, há uma fusão orgânica desses dois princípios.Toda uma constelação de nomes poéticos deu origem a uma geração que se tornou amplamente conhecida nesses anos.

No final dos anos 60, os poetas desta corrente “serão cada vez mais unidos sob a denominação condicional e imprecisa de “poetas da aldeia”. tradições vindas de Koltsov e Nekrasov a Yesenin e Tvardovsky. Simultaneamente com o termo poetas de "aldeia", surgiu o termo "poesia silenciosa", o que possibilitou incluir poetas de "aldeia" e "urbanos" em uma linha, mas semelhante a o primeiro na atenção ao mundo natural, bem como no registro de uma voz poética, evitando tons altos e propenso a timbre elegíaco, simplicidade de som e discrição da palavra. o mundo natural dos poetas mais talentosos dessa corrente não se confinava ao quadro da representação poética, mas, via de regra, era permeado por um intenso início espiritual e filosófico, ou seja, conscientemente ou não, mas tinha, por assim dizer, uma personagem."

Após o fim do boom poético (final dos anos 60), mudanças significativas ocorreram na poesia. Os poemas não são mais escritos, as coleções são construídas de forma diferente do que antes (a seleção de poemas agora não está em ordem cronológica e não é aleatória, agora é uma única tela, projetada para uma percepção holística) - Tarkovsky, Samoilov, Slutsky, Chichibabin, Mezhirov , Kuznetsov, Ruchev. Um subterrâneo poético aparece - eles não foram reconhecidos e não publicados - Leonozovitas, Plisov, Rubinstein, Sedokova, Zhdanov, Vishnevsky, Huberman.

Do bardo (canção do autor) no início dos anos 70, formou-se a poesia rock, que por sua vez consistia em duas escolas: Moscou (Makarevich, Loza, Gradsky, Nikolsky, Romanov) e São Petersburgo (Grebenshchikov, Shevchuk, Kinchev, Butusov) .