Material preparado por Anna Pashina

É um facto gratificante: a comunidade artística e a classe criativa existem na Rússia. O número de instituições de ensino públicas e privadas que formam artistas, curadores, historiadores da arte, designers gráficos e outros representantes das profissões “liberais” cresce a cada ano. O triste fato: tendo recebido uma excelente educação e compreendendo facilmente conceitos filosóficos, arte clássica e moderna, os graduados enfrentam o problema de aplicar seus conhecimentos e habilidades na prática. Onde obter educação artística na Rússia? Apresentamos um panorama das melhores instituições de ensino – acadêmicas e voltadas à arte contemporânea.

Educação acadêmica

Uma das principais e mais antigas universidades de arte da Rússia. Faculdades: pintura, gráfica, escultura, arquitetura, teoria e história da arte.

Sua história remonta a 1757, sucessora da Academia Imperial de Artes. Faculdades: pintura, gráfica, escultura, arquitetura, teoria e história das artes plásticas.

Forma artistas em 5 especialidades e 17 especializações: design de interiores e mobiliário, desenvolvimento de tecidos decorativos e mobiliários, forma especialistas em diversas áreas do design, historiadores e teóricos da arte, artistas de pintura monumental e escultores, artistas de metal, cerâmica e vidro, restauradores de pintura artística monumental, mobiliário e arte em metal.

Foi criado em 2015 combinando duas faculdades: Arte e Gráfica e Música.

Fundado em 1987. O reitor Ilya Glazunov considera o renascimento do realismo na arte sua principal tarefa.

Programas educacionais: pintura, grafismo, desenho do ambiente arquitetônico, teoria e história da arte, design, artes criativas e artesanato popular, restauração.

Arte Moderna

A primeira instituição no campo da arte contemporânea criada na Rússia (1991).

O artista fundador Anatoly Osmolovsky formula sua tarefa da seguinte forma: “Não tanto para fornecer conhecimento de forma alienada, mas para criar um ambiente criativo”.

Forma artistas contemporâneos, profissionais da área da fotografia e multimédia nas seguintes áreas: fotografia documental, fotografia artística, videoarte e multimédia.

Centro educacional do Museu de Arte Moderna de Moscou, criado para jovens artistas e curadores que iniciam a atuação na área de arte contemporânea.

O objetivo da escola é desenvolver a criatividade e o pensamento crítico de jovens artistas, criar um campo para a sua comunicação profissional e apoiar novos projetos. O treinamento dura um ano e meio

Programa de dois anos para formação de curadores.

Os artistas da “onda Voronezh” são um fenômeno notável no cenário artístico russo. Um dos centros regionais mais ativos no desenvolvimento da arte contemporânea.

Educação aplicada e educação continuada

A famosa britânica forma especialistas na área de design.

Filiais - em Moscou e São Petersburgo. O instituto forma especialistas na área de artes decorativas e aplicadas.

Educação complementar – cursos, palestras

Cursos sobre história da arte clássica e moderna, história do cinema, bem como prática artística e gestão artística.

A peculiaridade dos cursos é a combinação de teoria e prática.

Palestras sobre arte contemporânea nacional e estrangeira, bem como práticas artísticas interdisciplinares.

Treina historiadores de arte, especialistas em antiguidades e gerentes de arte.

A primeira escola online de gestão criativa em russo. Eles falam sobre como organizar uma exposição, um festival na cidade, encenar uma peça ou transportar uma obra de arte.

Escola online de Anastasia Postrigay com aulas teóricas sobre história da arte.

Escola online de design e ilustração. A base do programa é um sistema de cursos de design, ilustração e ciências afins. Os cursos da escola destinam-se não só a designers e artistas, mas também a quem pretende ser eles.

A RMA Business School foi fundada em 2000 e hoje é uma das líderes na área de educação empresarial na Rússia. A escola possui um programa de Gestão de Arte e Negócios de Galerias. Irá ajudá-lo a compreender a arte contemporânea e o mercado de arte, aprender sobre a organização de exposições e preços, desenvolver uma base de contactos úteis e encontrar pessoas com interesses semelhantes.

ESBOÇO DA HISTÓRIA DA REFORMA DA EDUCAÇÃO ARTÍSTICA “ACADÊMICA” NA RÚSSIA

A “Escola Acadêmica” é o mais antigo dos sistemas russos de ensino profissional de arte. Ao longo de dois séculos e meio de desenvolvimento quase contínuo, a “escola académica” russa mudou evolutivamente as suas formas externas, preservando os fundamentos fundamentais do “academicismo” não tanto como uma direcção estilística, mas como um dos princípios fundamentais da Europa. sistema de educação artística. A Rússia tomou emprestada a “escola académica” do exterior e, uma vez que não era uma consequência natural da vida russa, foi necessário um esforço considerável e mais de meio século para adaptar as tradições estrangeiras antes de se tornarem uma parte orgânica da cultura russa. O surgimento na Europa, em meados do século XVI, do sistema “acadêmico” de ensino das artes plásticas deve ser considerado como uma reação ao empobrecimento das possibilidades de formação artesanal e de guildas. A marca da “escola acadêmica” era o desejo de desenvolver, idealmente, programas educacionais unificados que ensinassem por sua própria essência e fossem suficientemente autônomos em relação às vantagens ou desvantagens dos professores que os utilizavam. Naturalmente, a pedagogia no campo das artes está, por natureza, condenada a ser “autoral” e os seus resultados dependem em grande parte da auto-suficiência criativa do professor. Uma verdadeira “escola acadêmica” inclui um princípio de “autor”. Os princípios fundamentais do academicismo são concebidos para serem desenvolvidos ao longo de uma longa perspectiva histórica, em contraste com as escolas declaradas de “autores” brilhantes, que geralmente são suprimidas já na segunda geração dos seus adeptos.

As Academias de Artes - como ideia gerada pelo Renascimento italiano e dele herdado o debate - o que a arte deve refletir ou imitar? Natureza ou clássicos, selecionados e reconhecidos como exemplos significativos. Este debate questionador está diretamente relacionado com as metodologias de ensino da arte, e a diferença de respostas confere particularidade a determinadas áreas da escola “académica”. São essas diferenças que estão na base de duas tradições acadêmicas russas - “São Petersburgo” e “Moscou”, de cuja cooperação e competição frutíferas nasceu a diversidade da cultura visual russa ao longo do último século e meio.

As características genéricas da “escola acadêmica” incluem a reverência pelas tradições. Desta forma, é semelhante à ciência fundamental. A história mostra que a Rússia está predisposta ao desenvolvimento de tendências fundamentais na ciência e na arte, com alguns danos à praticidade aplicada. E esta característica, aparentemente, deve ser levada em conta tanto na mentalidade da civilização russa, como na nossa contribuição para a harmonia global das culturas. O processo de formação e acumulação de tradição numa escola de artes é internamente contraditório. Por um lado, a escola comunica com o passado, separando a sua experiência, transmite as suas vantagens, mas por outro lado, deve relacionar-se adequadamente com a realidade, desvendar tendências de desenvolvimento e prever a sua relevância futura para os tempos. Como resultado, uma escola de arte deve proporcionar estabilidade e desenvolvimento. Dentro de uma única escola natural, diferentes tendências podem manifestar-se, desde o conservadorismo e o tradicionalismo frutíferos como base para a preservação da cultura profissional, até reações “revolucionárias” às tendências do estado moderno das artes plásticas. As propriedades naturais da “escola acadêmica” incluem a sua “lentidão” em relação ao imediatismo. Nesse sentido, a “escola acadêmica” é profícua conservadora em relação às tendências vindas de fora para sincronizar o aprendizado com a rapidez das mudanças nas tendências e nas tendências da arte. A história da “escola acadêmica” russa remonta oficialmente a 1757. A Academia, inaugurada na Universidade de Moscou e um ano depois transferida para São Petersburgo, começou a ser criada cento e cinquenta a cem anos depois das academias da Itália, França, Alemanha e quase simultaneamente com as academias de Londres e Madrid. Em muitos aspectos, a Academia Francesa serviu de modelo para São Petersburgo. Naturalmente, a Academia de Artes da Rússia teve antecessores na questão da educação artística estatal - a Câmara de Arsenais, a Chancelaria do Arsenal de São Petersburgo, a Chancelaria de Edifícios e o “departamento” de arte da Academia de Ciências.

Mas convidar artistas-professores ocidentais de terceira categoria e um pequeno número de estudantes russos reformados para a Rússia não poderia mudar rapidamente a situação à escala nacional. Na verdade, ainda antes do terceiro quartel do século XVIII, o pleno desenvolvimento da tradição dos ícones continuou, e a parsuna existia como forma pictórica intermediária.
Na verdade, a verdadeira estruturação da Academia de Artes começa não com o decreto sobre a sua criação, mas com a introdução da Carta de 1764 (“Privilégio e Carta da Academia Imperial das três nobres artes, pintura, escultura e arquitectura, com uma escola educacional anexa”). Estruturalmente, a academia é composta por uma Escola Educacional, turmas gerais e especiais. Crianças “com menos de cinco ou seis anos de idade, da religião grega, de qualquer categoria, exceto servos, eram aceitas na Escola Educacional. A escola pedagógica era uma espécie de escola secundária com viés artístico. O tempo de conclusão do percurso académico foi determinado em quinze anos e foi dividido em cinco idades, das quais as três primeiras idades constituíam a Escola Educativa, e as duas últimas constituíam a Academia propriamente dita. A desvantagem do sistema criado deve ser considerada a idade precoce dos alunos, fadados a uma escolha inconsciente de profissão.

Pesquisadores da história da Academia observam que um novo período de sua formação está associado à abertura, em 1798, da Escola de Desenho para pessoas livres de diversas categorias. Na verdade, a partir desse período começou a preparação consciente preliminar, que deu origem a uma geração de artistas que entraram para a história da arte russa. Ideias que inspiraram os criadores da Academia I.I. Shuvalov e I.I. Betsky, atribuiu um papel significativo à “educação” (como está gravada a placa acima dos quatro portais do pátio da Academia de Artes - “Pintura”, “Escultura”, “Arquitetura”, “Educação”), o que implicou o desenvolvimento de um grande ciclo de “ciências”.

O início do reinado de Alexandre I foi marcado por amplos planos de reestruturação do Estado, incluindo o sistema de gestão cultural. A Academia propôs abandonar o período fixo de estudos, tornando o tempo de conclusão do programa dependente do sucesso alcançado no domínio de tarefas estritamente designadas. Tem havido uma tendência de transferência de toda a carga educativa geral para a Escola Educativa, libertando as idades mais avançadas para alguns estudos especializados.
A Academia uniu a formação não só no domínio das “três artes mais nobres” - pintura, escultura e arquitectura, mas também herdou dos seus antecessores a formação de artistas e artesãos noutras áreas, principalmente na direcção das artes e ofícios. Gradualmente, a Academia especializa-se, concentra-se nas artes “clássicas” e abandona a formação não essencial.

Um componente importante da “escola acadêmica” foi a instituição da “aposentadoria”, se traduzida na terminologia moderna - o sistema de “ensino de pós-graduação”. Desde o final do século XVIII, a aposentadoria tornou-se praticamente uma continuação direta dos estudos acadêmicos para os alunos mais superdotados (às vezes até um terço do total da graduação). A pensão contribuiu para uma melhoria ainda maior, formou futuros professores, ajudou-os a encontrar um emprego e, por vezes, até a receber um título académico. No prazo de três anos, o aposentado poderia concluir o programa da Grande Medalha de Ouro e, em caso de pontuação alta, receber o direito de viajar para o exterior.
A reforma de 1830 pretendia transformar a Academia de Artes numa instituição de ensino puramente especial.

O anacronismo de uma escola estritamente especializada e a negação da experiência anterior na busca de um equilíbrio entre os ciclos humanitários gerais e os ciclos educacionais especiais foram superados pela reforma de 1859. Durante 19 anos, quando a Academia era uma escola estritamente profissional, pintores, escultores e arquitetos bem treinados emergiram de suas paredes. Todos esses anos houve debates entre importantes artistas e professores sobre o significado do curso de humanidades. Por exemplo, I. K. Aivazovsky tinha uma atitude extremamente negativa em relação ao curso das disciplinas de educação geral dentro dos muros da Academia e defendia uma escola estritamente profissional. E ele não estava sozinho em sua opinião. E, no entanto, a maioria dos membros do Conselho estava inclinada a restaurar o ensino das disciplinas de educação geral em desenvolvimento. A reforma de 1859 não só reintroduziu o ciclo de ensino geral, mas restaurou a ideia suprema da Academia, originalmente estabelecida, que afirmava a primazia da formação de artistas capazes de criatividade livre sobre a formação artesanal absolutamente obrigatória, no mais alto sentido deste conceito, treinamento. Esta disputa só parece simples e passada. Na verdade, cada nova reorganização da escola “académica” (por exemplo, o desenvolvimento moderno dos padrões educativos estatais) resolve necessariamente a questão da relação profissional entre os ciclos de humanidades gerais e as disciplinas especiais.

O drama da situação reside no facto de ter sido das paredes da Academia que surgiram artistas que questionaram os méritos do sistema que os formou. Externamente, o conflito concretizou-se no confronto entre a Academia e a Associação de Exposições Itinerantes. Ao nível das ideias, os “Itinerantes” e os seus ideólogos afirmaram a primazia da pintura de género de orientação social. . É muito difícil para um observador externo compreender a natureza da disputa excessivamente ideológica entre a “velha” Academia e os “Wanderers”. A sua severidade está associada tanto ao nascimento de uma genuína intelectualidade, que inicialmente não aceitava qualquer forma de estrutura estatal, como à mudança de gerações na arte.

Em 1833, para a “educação do gosto público”, foi criada a Sociedade de Arte de Moscou, que preparou a abertura da Escola de Arte de Moscou em 1843.
As aulas na Escola limitavam-se às disciplinas artísticas, anatomia e perspectiva. Somente na última quarta série o trabalho vitalício foi permitido. Não houve curso especial de composição. Supunha-se que seria ministrado treinamento profissional médio, em grande parte artesanal, e o desenvolvimento de um artista como uma personalidade criativa continuava sendo prerrogativa da Academia. Além da formação geral, o curso incluía especialização em retrato, pintura de paisagem e, posteriormente, escultura histórica.
A prática real de ensino na Escola de Moscou diferia dos programas aprovados e baseava-se no trabalho da vida. A natureza da formação foi em grande parte determinada pela experiência pessoal criativa e pedagógica dos artistas convidados a lecionar. A formação da “escola de Moscou” é caracterizada por acaloradas controvérsias metodológicas. A “Escola de Moscou” é caracterizada pelo amor pelos pequenos gêneros da arte, pelo culto à natureza e pela ênfase na experiência, embora com alguns danos à racionalidade acadêmica de São Petersburgo, à solidez do desenho e à precisão composicional. A rivalidade emergente com a Academia, que se considerava parte de uma única escola europeia, permitiu, no final do século XIX, falar da Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscovo como uma escola que encarna as tendências do desenvolvimento nacional original. .

Mas também há mudanças em São Petersburgo. Os “Peredvizhniki” chegaram à Academia na aura dos vencedores da inércia e com a negação da experiência metodológica e das ideias metodológicas acumuladas antes deles. A face da reforma, seu diferencial, foi a organização de oficinas pessoais lideradas por artistas conhecidos por sua criatividade. Segundo a convicção dos novos professores (principalmente I.E. Repin), que se sentiam líderes da arte moderna, e por esta circunstância absolutizavam excessivamente a experiência pessoal, a atenção principal deveria ter sido dada às oficinas criativas com metodologias muito diferentes. configurações. Desde então, o desejo corporativo de uma definição consensual de normas e critérios na pedagogia artística foi violado. Por outro lado, surgiu a oportunidade para uma variedade de experiências pedagógicas.
O que e como ensinar foi discutido ativamente. Mais uma vez, cabe ressaltar que o princípio acadêmico de uma normatividade educacional unificada foi questionado. Os principais professores trouxeram muitas coisas novas e inesperadas para o processo de ensino. Mas depois de pouco tempo descobriu-se que a maioria das inovações era excessivamente proprietária. Gradualmente, o ensino começou a retornar às tradições clássicas. Apesar de toda a rotina da “velha” Academia, poucas pessoas notam que, em muitos aspectos, o novo sistema liberalizado mudou dramaticamente a qualidade final da educação. A Academia começou a produzir artistas de igual calibre.

Em 1910, a crise da Academia “Itinerante” tornou-se óbvia. Por exemplo, A. Benoit exigiu a expulsão dos “Itinerantes” da Academia e a restauração da educação canônica. A escola de São Petersburgo, especialmente após a saída em 1907 do líder dos reformadores, I.E. Repin gradualmente começou a retornar ao desenvolvimento de padrões metodológicos acordados.
Já nos décimos anos do século XX, uma geração chegou às instituições de ensino artístico que rejeitava a escola como tal.

As mudanças que ocorreram na Academia de Artes diferiram em aparência das mudanças na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou. No final do século 19, a autoridade da Escola de Moscou tornou-se comparável à da Academia de Artes. A rivalidade entre as duas capitais criou uma tensão voltaica na cultura russa. A cooperação-rivalidade frutuosa é continuada pelos seus herdeiros contemporâneos das duas escolas - os institutos académicos “Repinsky” e “Surikovsky”.

UDC 7.072.2:378

Yu. I. Harutyunyan

Arte e crítica de arte no sistema de educação humanitária moderna

A arte e a crítica de arte desempenham um papel fundamentalmente importante no sistema de educação moderna em humanidades. Passando à componente prática da formação, ampliando a base metodológica, dominando os princípios de descrição e análise de monumentos com recurso a material empírico específico permite atualizar os conhecimentos adquiridos, envolvendo um vasto conjunto de fenómenos da prática artística moderna no campo de atividade de um crítico de arte. Uma abordagem interdisciplinar na formação de currículos, o desenvolvimento de programas em rede e o desenvolvimento de princípios de aprendizagem interativa e a introdução de cursos práticos afetam a ativação do trabalho dos alunos, principalmente no âmbito de tarefas criativas e desenvolvimento de projetos.

Palavras-chave: história da arte, sistema educacional, educação em humanidades, práticas visuais modernas, métodos de ensino interativos, programas interdisciplinares

Julia I. Arutyunyan Arte e história da arte no sistema de educação humanitária moderna

A arte e a história da arte desempenham um papel crucial no sistema de educação liberal moderna. Passando à componente prática da formação, o alargamento do quadro metodológico, o desenvolvimento de princípios de descrição e análise de monumentos de material empírico específico permitem actualizar o conhecimento, envolvendo-se no campo da arte com um vasto conjunto de fenómenos da arte contemporânea. prática. Uma abordagem interdisciplinar no desenvolvimento do currículo, a formação de uma rede de programas e o desenvolvimento de princípios de aprendizagem interativa e a implementação de cursos práticos afetam a ativação do trabalho do aluno, especialmente no âmbito das tarefas criativas e projetos de desenvolvimento.

Palavras-chave: educação em história da arte, humanidades, prática de artes visuais contemporâneas, métodos de ensino interativos, programa interdisciplinar

A crítica de arte, como muitas outras disciplinas científicas que se formaram no final do século XIX e desenvolveram as principais abordagens metodológicas na primeira metade até meados do século XX, enfrentou uma série de problemas de investigação e pedagógicos no mundo moderno. Mudar o vetor da atividade educativa e mudar a ênfase da disciplina e do curso expositivo detalhado para o aluno e uma aula prática desenvolvida tendo em conta vários métodos interativos de trabalho transformam os princípios tradicionais de apresentação da matéria. “A virada provocada na prática pedagógica nacional pela transição para novos padrões educacionais coincidiu com um avanço no campo da tecnologia da informação, que transformou o mundo e deu origem a uma transformação da estrutura clássica do curso teórico”1. Respondendo aos desafios da época, a educação humana moderna constrói estratégias fundamentalmente novas em relação à formação e implementação de padrões educacionais, oferece várias formas de atingir o objetivo, desenvolve um sistema de avaliação de resultados e um esquema de relação entre teórico e prático , individual e universal na resolução de problemas

tarefas. A natureza integradora do conhecimento humanitário moderno, baseado na síntese de várias abordagens à análise dos fenómenos, dá origem a novas oportunidades no desenvolvimento de métodos de ensino para uma série de disciplinas.

Desde os seus fundamentos, as tradições do ensino da história da arte consideraram a descrição e a análise o método fundamental de ensino. Os primeiros currículos, formados em 1936, pressupunham a utilização generalizada de métodos de análise formal e comparativa no trabalho com monumentos de diversas regiões, períodos e estilos, vários tipos e géneros de arte, incluindo obras de mestres modernos e obras de estudantes2. Tal método educativo envolve a resolução do problema do objeto de análise, um princípio consciente e determinado pelos objetivos de aprendizagem da seleção do material, da percepção da análise e da descrição como etapas sucessivas no caminho para a compreensão e interpretação do monumento. Claro, é necessário obter uma visão sobre a essência do trabalho com o assunto, uma abordagem de “ciência material” e consciência da singularidade e do significado do original. Ao desenvolver um esquema de análise, envolvendo abordagens e métodos interativos de “atividade de projeto” no âmbito da criatividade

atribuições, é necessário ter em conta não só um sistema rigoroso de critérios para a realização de trabalhos educativos de alto nível científico, mas também a possibilidade de envolver toda a equipa no processo de trabalho e, o mais importante, a oportunidade de demonstrar criatividade individual habilidades e realizações na área em estudo.

O âmbito de aplicação desta abordagem, que exige que o professor e o aluno tenham uma compreensão responsável do significado do original, um desejo de expandir o leque de abordagens científicas, independência na dependência de modernas tecnologias interativas na educação e métodos interdisciplinares de análise , abrange fenómenos relacionados com a esfera da arte tradicional e popular, que ocupa atualmente o seu nicho específico no sistema de ensino superior. A arte clássica tem sido considerada como base para a formação tanto do aluno teórico quanto do artista desde a antiguidade, mas na prática pedagógica da história da arte, voltar-se para o desenvolvimento científico da arte popular é um fenômeno moderno que requer compreensão e desenvolvimento de metodologia. A arte popular como disciplina do currículo envolve a formação de uma certa base para o domínio do material, compreendendo os seus fundamentos; o problema de uma abordagem integrada e de métodos interdisciplinares de estudo de monumentos deste tipo são trazidos à tona no âmbito da proposta curso. Acrescente-se que a compreensão da arte como ofício e “ciência exata” desde a época de Leonardo da Vinci tem sido percebida como a alternativa mais eficaz no processo de ensino e compreensão do fenômeno da educação artística e teórica; não é sem razão que a ideia: “A pintura é uma ciência e filha legítima da natureza”3 continua a ser uma abordagem tradicional em numerosas academias de arte, onde se desenvolveram as artes decorativas e aplicadas e se estudou a arte popular (principalmente do ponto de vista do rigor histórico). de fantasias e utensílios)4.

A interpretação das influências e a citação da “fonte”, que requer abordagens ponderadas para a análise dos princípios de interpretação, também pode ser abordada no âmbito do problema em estudo, tanto no que diz respeito ao trabalho com a arte da época clássica, como com a tradição popular e as práticas artísticas atuais5. No currículo é necessário dar lugar especial aos cursos dedicados tanto aos aspectos teóricos da investigação, aos métodos de trabalho com os materiais, aos princípios de descrição e análise dos fenómenos, como à arte popular. Particularmente digna de nota é a questão da relação entre os métodos tradicionais de análise utilizados

na história da arte, e os traços característicos da arte não clássica, que exige a resolução de certos problemas associados à formação de um conjunto de abordagens para a interpretação de uma obra individual e de um grupo de monumentos, os princípios de pesquisa interdisciplinar tornam-se relevantes em tal contexto.

O problema do “visual e virtual” reflecte-se nos padrões de percepção e interpretação do monumento; aqui o trabalho do professor no quadro da prática pedagógica torna-se extremamente relevante, onde os meios de reprodução e a possibilidade de introdução de uma gama visual são de fundamental importância tanto para aulas teóricas e interativas, quanto para o trabalho independente do aluno. A ilusão de “acessibilidade” de uma obra de arte, dados os meios modernos de comunicação e as capacidades técnicas de reprodução, não deve afectar a atitude face ao original, uma obra única, razão pela qual neste contexto a obra exposta num museu ou galeria adquire tal significado. O problema do “monumento” e do “original” deve ser resolvido ao nível da organização do processo educativo, o aluno deve estar consciente do valor do monumento, da fronteira entre um objecto real e a sua imagem, etc.6 O problema da A “reprodutibilidade técnica”7 na organização do processo educativo torna-se importante, senão crucial, porque a experiência do espectador num museu é diferente de trabalhar com qualquer tipo de imagem reproduzida. A experiência de estudo direto da arquitetura pode estender-se não só aos próprios monumentos, mas também à gráfica arquitetónica, à ilustração de livros, à arquitetura em cenografia, às artes decorativas e aplicadas e ao figurino; O fenómeno da “arquitetura de tela”8 também é interessante no século XXI. As próprias estruturas são muitas vezes transformadas em telas de projeção e funcionam como elemento de instalação.

A educação moderna também está focada em métodos de ensino a distância, onde o problema da relação entre teoria e prática deve ser resolvido através do desenvolvimento de tarefas práticas, abordagens interativas e novos métodos de trabalho independente para os alunos. É claro que o ensino a distância amplia as oportunidades, mas requer um esquema organizacional bem pensado e um suporte técnico e metodológico muito complexo. Tarefas práticas criativas podem ser resolvidas no contexto de problemas de estudo de estilo tanto na arquitetura como nas artes plásticas e decorativas. A análise do monumento deverá

Yu. I. Harutyunyan

ser considerado como base para o trabalho prático de um crítico de arte.

O problema do componente prático na educação humanitária moderna tem sido discutido ativamente nos últimos anos, abordado em conferências e publicações, e dominado como parte da transformação de requisitos para os resultados do domínio de cursos e aquisição de determinadas competências (Padrão Educacional Estadual Federal ( 3+)). As peculiaridades da formação de um historiador da arte no âmbito de um sistema de ensino de três etapas consistem, antes de tudo, na necessidade de compreender os requisitos específicos para um graduado de cada nível de ensino (bacharelado, mestrado, pós-graduação). O âmbito da atividade profissional do crítico de arte expandiu-se significativamente nas últimas décadas, mas os requisitos de profissionalismo, domínio de todo um conjunto de competências profissionais e capacidade de aprender e adquirir rapidamente os conhecimentos necessários também se tornaram mais complexos. A crítica prática da arte como saída para os problemas da investigação, do ensino, do trabalho museológico e do restauro exige novas abordagens teóricas e metodológicas. O sistema de ensino moderno enfrenta a questão de ampliar a parte prática do curso nas atividades docentes do professor, na organização do processo de aprendizagem e na condução das práticas. Nesse contexto, destaca-se o lugar e o papel do bacharelado aplicado, torna-se necessário o desenvolvimento de programas interdisciplinares, a adesão ao princípio da sequência de etapas do ensino e a questão da interação entre as formas de ensino acadêmico e aplicado é criado. O problema permanece que a presença no passado recente de uma distinção estrita entre especialidades levanta a questão da relação entre a direção de estudo (especialidade do diploma, ensino básico) e o local de trabalho, o que não tem plenamente em conta a tendência moderna em ciências pós-não clássicas, com foco em síntese e abordagens interdisciplinares. A transformação dos requisitos para a pós-graduação dá inevitavelmente origem a uma ampliação das competências práticas do aluno, uma orientação para o domínio científico do problema não só para os alunos da pós-graduação, mas também para os bacharéis e mestres, uma mudança na base da prática formação, necessidade de competências aplicadas e competências gerais (em documentos normalmente são formuladas como capacidade de tomada de decisões na área profissional, processamento de informação, análise e sistematização de material).

A história da arte pode atuar não apenas como uma área específica de estudo e como disciplina, mas também como um critério único de educação, um conhecimento padrão e geral que permite navegar pela cultura do passado e do presente, tornar-se profissional competente tomar decisões, possuir informações, compreender os vetores do desenvolvimento social, ser socialmente adaptado e um especialista qualificado. O lugar da arte no sistema de educação humanitária moderna pode certamente se tornar mais amplo, envolvendo estudantes de outras direções na órbita de sua influência; a “abordagem de competência” não esgota a plenitude dos requisitos para um especialista profissionalmente competente que possa facilmente encontrar aplicação no mercado de trabalho. Os métodos de ensino, especialmente as tecnologias interactivas, o princípio da continuidade, a natureza e importância do trabalho independente, a organização das práticas e o seu lugar no processo educativo, a familiarização com os princípios da actividade profissional, situam a história da arte ao nível das disciplinas gerais, cujo domínio pode contribuir para o crescimento profissional de qualquer graduado. A história da arte também pode existir no sistema de educação complementar.

A crítica de arte desempenha um papel especial no sistema de abordagens interdisciplinares; é um método universal de ativar o trabalho do aluno, desenvolvendo suas visões estéticas, habilidades e interesses, criatividade e atividade em atividade independente. O domínio de tais disciplinas, se o material for cuidadosamente organizado e apresentado com sucesso aos alunos, sem dúvida contribui para o desenvolvimento da personalidade, a formação de um sistema de valores, habilidades artísticas, interesse pelo trabalho de pesquisa e desejo de dominar novos tipos de atividades. Os problemas metodológicos da pedagogia da história da arte continuam a ser a necessidade de treinar o diálogo, dominar programas interativos e aprender a trabalhar diretamente com um monumento.

A crítica de arte como ciência, como criatividade, como método universal de conhecimento humanitário amplia os horizontes de aprendizagem, promove o crescimento pessoal do aluno, aumenta o seu profissionalismo (e portanto competitividade), e isso se aplica diretamente aos alunos de áreas relacionadas à arte , e representantes de especialidades criativas, e aqueles que procuram melhorar o seu nível cultural, e estudantes de “profissões não artísticas”, orientados

banheiros em independência, atividade, desejo de trabalho científico. O conceito de “estilo” permanece discutível, o que possibilita uma aprendizagem interativa dentro da disciplina, a partir do fenômeno do modelo “centrado no aluno”: o curso se constrói como um esquema, a aula se transforma em criatividade, a singularidade de o aluno dá origem à singularidade de cada curso. As técnicas de trabalho com uma obra de arte para futuros historiadores da arte e representantes de outras especialidades devem diferir um pouco, no entanto, estes princípios podem ser implementados, por exemplo, no âmbito das atividades de uma sociedade científica estudantil: o trabalho científico deve tornar-se uma continuação do processo educacional, é necessário manter a unidade das questões científicas, o significado especial nas olimpíadas e competições educacionais é adquirido no processo, a conferência científica do aluno passa a ser o resultado do trabalho individual, o aluno deve ter a oportunidade de publicar seu trabalho científico desenvolvimentos.

Assim, a educação em história da arte no século XXI. requer inevitavelmente a inclusão em uma estrutura interdisciplinar complexa; somente na interação com assuntos sócio-humanitários, voltando-se para disciplinas afins (e, possivelmente, para as ciências exatas e naturais), adquire modernidade e uma compreensão completa do fenômeno. As abordagens interdisciplinares permitem ampliar a base metodológica, mudar o ângulo de visão, ampliar o sujeito e o objeto de estudo e transformar os princípios de trabalho com uma obra. Na prática pedagógica da história da arte é necessário intensificar o trabalho individual do aluno, utilizar o princípio competitivo (Olimpíadas), e um sistema de continuidade (da escola, onde é necessário manter e ampliar o curso “Cultura Artística Mundial” para a universidade, desde a graduação até a graduação e pós-graduação). Mais atenção deve ser dada ao trabalho com alunos e alunos superdotados. No ensino de história da arte, é possível ampliar a base metodológica das disciplinas, atrair materiais mais amplos, introduzir cursos práticos, novos tipos de práticas para alunos (e, possivelmente, especialidades), uma abordagem modular, introduzir diversas formas de segundo ensino superior educação, inclusive complementar (treinamento avançado) ), desenvolvimento de programas a distância, ampliação de rumos e perfis (incluindo, possivelmente,

bacharelado aplicado). A consideração incondicional dos requisitos específicos de um profissional da área da crítica de arte envolve, para além da introdução de um sistema de pontuação, a introdução de uma aprendizagem baseada em projetos construída sobre um sistema de tarefas criativas, tendo em conta os requisitos de a Norma Educacional Estadual Federal (3+), que proporciona certa liberdade na formação de programas de treinamento.

Notas

1 Harutyunyan Yu. I. Problemas metodológicos da história da arte no contexto da educação humanitária moderna // Tr. SPbGUKI. 2013. T. 200. P. 176.

2 Veja mais detalhes: Ibid. pp. 174-185.

3Leonardo da Vinci: livro. sobre a pintura do mestre Leonardo da Vinci, pintor e escultor florentino / trad., autor. entrada Arte. A. Guber. M.: Ogiz: Izogiz, 1934. S. 64.

4 Ver mais detalhadamente: Arutyunyan Yu. I. A Guerra Patriótica de 1812 nos programas da Academia de Artes e problemas de conceito histórico na pintura // Vestn. SPbGUKI. 2013. Nº 1 (14). pp. 90-98; Dela. Concursos, prémios e prémios na prática pedagógica da Academia das Artes // Ibid. 2014. Nº 1 (18). pp. 138-143.

5 Veja para mais detalhes: Ela mesma. Citações e analogias: alguns aspectos do estudo das influências na arte do passado e do presente // Vestn. SPbGUKI. 2011. Nº 2. S. 127-134; Dela. Gráficos arquitetônicos: problemas de recepção e interpretação // Científico. tr.: pergunta teorias da cultura. 2014. Vol. 31 de outubro a dezembro. pp. 157-194.

6 Veja para mais detalhes: Ela mesma. Relatório sobre a Olimpíada regional de estudantes de instituições de ensino superior de São Petersburgo em história da arte em 2013 // Coleção de materiais de Olimpíadas regionais de estudantes de instituições de ensino superior de São Petersburgo. São Petersburgo: Technolit, 2013. pp. 57-70; Dela. Relatório sobre a Olimpíada regional de estudantes de instituições de ensino superior de São Petersburgo em história da arte em 2014 // Coleção de materiais de Olimpíadas regionais de estudantes de instituições de ensino superior de São Petersburgo. São Petersburgo: Technolit, 2014. pp. 36-45; Dela. Relatório sobre a Olimpíada regional de 2015 para estudantes de instituições de ensino superior de São Petersburgo em história da arte. // Coleção de materiais de olimpíadas regionais para estudantes de instituições de ensino superior em São Petersburgo. São Petersburgo: Technolit, 2015. pp.

7 Benjamin V. Uma obra de arte na era da sua reprodutibilidade técnica: obras selecionadas. ensaio / prefácio, comp., trad. e observe. S. A. Romashko; Ed. Yu.A.Zdorovov. M.: Médio, 1996. S. 15-65.

8 Ver para mais detalhes: Harutyunyan Yu. I. Características metodológicas da recepção do estilo no contexto do fenômeno da gráfica arquitetônica // Tr. SPbGUKI. 2015. T. 209. P. 5-18.

O sistema geral de educação artística baseava-se no ensino do desenho, uma vez que escrever hieróglifos exigia certas habilidades. A formação em desenho foi estruturada em duas direções: desenvolver a técnica do movimento livre da mão e a firmeza na confecção de relevos e na escrita de papiros. O método principal é copiar e memorizar. O sistema educacional tinha requisitos disciplinares rígidos. Embora apenas camadas privilegiadas da sociedade egípcia pudessem receber educação, eram praticados castigos corporais (passaram 3 meses em cepas). A formação profissional, por um lado, era de natureza tribal, quando os segredos do artesanato eram passados ​​de pai para filho, e por outro, eram organizadas escolas profissionais. A principal escola profissional de belas artes foi a Memphis Court School of Architects and Sculptors. Durante a época de Ramsés II e seu sucessor, existia um instituto para artistas no Egito, onde os alunos podiam escolher seus professores. A metodologia de ensino nessa instituição de ensino foi dividida em tabelas, que serviram como instruções metodológicas com o passo a passo da execução do trabalho. Em particular, foi utilizada uma técnica como a construção de uma figura humana em uma grade. Não se tratou apenas de uma tentativa de ampliação da imagem, mas de um protótipo de grelha modular, que permitiu ampliar a imagem, construir uma imagem frontal e lateral, uma vez que a intersecção das linhas da grelha ocorria em determinadas ligações nodais. O desenho foi construído em qualquer lugar desta grade. A imagem foi revelada não a partir da definição da forma geral, mas da preparação mecânica de cálculos de proporções. No ensino da escultura, o método padrão e o método da obra inacabada foram utilizados como auxílio visual para a compreensão das etapas da obra. Assim, existe uma abordagem sistemática ao ensino das artes plásticas, foi lançada uma base teórica para a prática das artes plásticas e foram estabelecidas pela primeira vez as leis de representação e formação dos futuros artistas. Não foi estabelecido se existia uma teoria do processo de aprendizagem (didática). Porém, houve trabalhos pedagógicos (autor Tauf). A educação baseava-se não no estudo da realidade envolvente, mas na memorização dos cânones estabelecidos. As belas artes no Egito já eram uma disciplina de educação geral. Aula nº 4 “O sistema de educação artística na Grécia Antiga”. A arte da Grécia Antiga é a maior camada da história das artes plásticas mundiais. As obras criadas nesse período surpreendem os contemporâneos pela proporcionalidade, realismo e harmonia com o meio ambiente. Portanto, existe um interesse natural no sistema de educação artística, que, por sua vez, é uma etapa significativa na história do desenvolvimento da educação artística como um todo. As mudanças fundamentais no sistema educativo da Grécia Antiga estão associadas, em primeiro lugar, a uma mudança na visão de mundo e, como consequência, a uma mudança na religião e na consciência social no quadro da mesma formação económica escravista. O panteão dos deuses gregos, em contraste com os egípcios zoomórficos (mais tarde com corpos humanos), era antropomórfico. A vida após a morte foi imaginada por analogia com a realidade. E a preparação para a transição para outro mundo não foi tão exaustiva. Em geral, a visão de mundo dos antigos gregos era de cunho humanístico, visando identificar os padrões da realidade, e a beleza do corpo humano era considerada o padrão da harmonia, ou seja, da proporcionalidade das partes em relação ao todo. Este ideal estético é expresso nas palavras de Péricles 12 (o antigo estratega grego que liderou Atenas durante o seu apogeu): “Amamos a beleza combinada com a simplicidade e a sabedoria sem efeminação”. Porém, tudo o que é novo criado pelos gregos tem um fundamento. E esta base é a arte egípcia. Artistas gregos desenvolveram um sistema de cânones e métodos de escultura desenvolvidos no Egito. Por exemplo, os irmãos Telecles e Teodoro de Samos, morando em cidades diferentes, assumiram a tarefa de cumprir a ordem dos Sâmios de uma estátua de Apolo da Pítia. Independentemente um do outro, cada um deles fez sua metade da estátua com tanta habilidade que, quando conectados, as duas metades se uniram. Este progresso bem-sucedido do trabalho foi facilitado pela adesão ao método egípcio de trabalhar em uma obra escultórica. Posteriormente, os gregos adoptaram uma nova abordagem ao problema da formação e da educação. O realismo é a base da arte grega. Os artistas argumentaram que um padrão estrito reina no mundo, e a essência da beleza está na harmonia das partes e do todo, nas proporções matemáticas corretas. Em 432 AC. Policleto de Sicyon escreveu um ensaio sobre as leis proporcionais da construção do corpo humano e, pela primeira vez na história, resolveu o problema do congestionamento. A imagem do corpo humano tornou-se natural e realista. “Doriphorus” (lanceiro) destaca-se como exemplo de execução de escultura segundo os novos cânones. Os desenhos desta escultura foram feitos não só por futuros profissionais, mas também por crianças do ensino secundário. Outro grande escultor dos clássicos tardios, Praxíteles, criou seu próprio cânone, no qual as proporções do corpo eram um tanto alongadas em relação ao cânone policleciano. Conhecemos os métodos de ensino deste período a partir dos trabalhos teóricos posteriores dos historiadores romanos Plínio, Pausânio e Vetrúvio, bem como com base em artefatos sobreviventes. Além disso, não restam muitos artefatos da arte grega do cavalete: a escultura chegou até nós principalmente em cópias romanas, que não transmitem toda a profundidade da arte grega antiga; os artefatos de pintura também são poucos. A história dos primeiros desenvolvimentos metodológicos nas artes plásticas da Grécia Antiga está associada aos nomes de Polignoto e Apolodoro de Atenas. Polignoto, tendo formado um círculo de artistas em Atenas, onde obteve direitos de cidadania, iniciou a sua actividade docente. Ele exortou os artistas a lutar pela realidade. Porém, ele dominou apenas o desenho linear, sem renderizar luz e sombra. Mas também aqui a linha funcionou para transmitir espaço. Plínio escreve: “Poligno... que pintou mulheres com roupas translúcidas, cobriu suas cabeças com bonés coloridos e foi o primeiro a introduzir muitas coisas novas na pintura, assim que começou a abrir a boca, mostrar os dentes e dar variedade em vez do rosto imóvel anterior. Aristóteles observou que Polignoto transmitiu idealmente a forma do corpo humano e desenhou modelos em tamanho real. No entanto, a pintura parecia ser um desenho pintado em monocromático. A verdadeira revolução no campo do desenho e dos métodos de ensino é atribuída a Apolodoro de Atenas, a quem Plínio se refere como o “luminar da arte”. O mérito de Apolodoro reside no fato de ter sido o primeiro a introduzir o claro-escuro e ter começado a modelar o volume de uma forma em um desenho. Isso foi considerado um milagre. Havia necessidade de outros métodos de ensino que considerassem os padrões de distribuição de luz e sombra em relação à fonte de luz. A pintura passou a se basear no jogo do calor e do frio. Apolodoro não era apenas um artista talentoso, mas também um excelente professor. Um de seus alunos foi Zeucis (420-380 aC). Em um de seus epigramas, Apolodoro o chamou de “o ladrão da minha arte”. O método de Zeukis baseava-se num estudo aprofundado da natureza, compreendendo as leis da beleza através da observação. Existe uma lenda que diz que Zeukis pintou um menino carregando uvas. 14 pássaros voaram para as uvas, por isso foi habilmente desenhado. E o mestre ficou chateado: “Se eu tivesse retratado o menino com tanta habilidade como fiz, os pássaros não teriam voado, teriam ficado assustados”. A rivalidade entre Zeucis e outro artista importante, Parrásio, é famosa. Plínio escreve: “É relatado sobre Parrásio que ele entrou em competição com Zeúcis. Zeukis trouxe uma foto em que as uvas eram tão bem retratadas que os pássaros voavam. Parrásio trouxe um painel pintado de forma tão plausível que Zeúcis, orgulhoso do veredicto dos pássaros, começou a exigir que o painel fosse removido e a própria imagem mostrada. E então ele percebeu seu erro e desistiu da palma sob a influência da nobre vergonha.” Parrhasius também se mostrou um artista-teórico, escrevendo um tratado sobre desenho, no qual deu especial atenção à linha e ao seu trabalho na criação da ilusão de espaço. “Afinal, o contorno deve ser composto por uma linha própria e terminar de forma a sugerir o que está oculto. Características do seu ensino: - clareza na transmissão dos contornos dos objetos; -linearidade na transmissão da forma dos objetos; -trabalho ativo da natureza; -combinação de desenho altamente técnico com conhecimento das leis de construção realista do corpo humano; - domínio dos meios de desenho de luz e sombra; -a vontade de transmitir o realismo da imagem, atingindo um fim em si mesma. No século 4 aC. e. Houve várias escolas de desenho famosas: Sikyon, Éfeso, Tebana. A escola tebana, fundada por Aristides, atribuía importância aos efeitos de luz e sombra, à transferência de sensações e ilusões. A escola de Éfeso - Efranor ou Zeukis - baseava-se na percepção sensorial da natureza, sua beleza externa. 15 A escola Sicyon - fundada por Eupompus - baseava-se em dados científicos das ciências naturais e aderiu estritamente às leis de representação da natureza real. Esta escola exigia a maior precisão e rigor de desenho. Ela influenciou o desenvolvimento das artes plásticas. Eupompus (400-375 aC) foi um excelente professor e pintor. Ele incentivou seus alunos a estudar as leis da natureza com base em dados científicos, principalmente matemática. Este é um método fundamentalmente novo – observação + análise. O aluno de Eupomp, Panfil, atribuiu grande importância ao desenho como disciplina de ensino geral, pois ao desenhar a pessoa não só transmite a forma de um objeto, mas também aprende sua estrutura. Panfil trabalhou muito no campo do contato entre desenho e geometria, pois acreditava que esta última desenvolve o pensamento espacial. Na porta de sua escola estava escrito: “Quem não sabe geometria não pode entrar aqui”. A duração do treinamento de Panfil foi de 12 anos e custou um talento (26,196 kg de ouro). Por volta do século 4 aC. e. Os artistas gregos antigos começaram a desenvolver a teoria da perspectiva. Porém, tinha pouca semelhança com o criado por Phillippo Brunelleschi (com um ponto de fuga). Esta é provavelmente uma percepção perceptiva da realidade. Assim, na história da arte da Europa Ocidental surgiram e existem ainda hoje duas direções: o desenho a partir de uma mancha de cor e a partir de uma análise construtiva da forma. Os mestres da Grécia Antiga encorajavam os seus alunos a estudar a natureza numa base científica; dava-se preferência ao conhecimento em vez de impulsos de inspiração. Portanto, aprender a desenhar foi de suma importância. Os alunos pintavam principalmente em tábuas de faia cobertas com cera, bastão de metal ou osso. As escolas de arte da Grécia Antiga são oficinas-estúdio privadas, que lembram em seu princípio as oficinas privadas da Renascença. 16 Resultado: - novos métodos de ensino, baseados no desenho da vida; - a tarefa do desenhista não é apenas copiar objetos, mas também compreender as leis de sua construção; - o desenho no ensino secundário como ferramenta de compreensão da realidade envolvente; - desenvolvimento de cânones para a construção do corpo humano de acordo com as leis da realidade visível do conhecimento científico; - o homem é a coroa da beleza, tudo nele é proporcional e harmonioso, “O homem é a medida de todas as coisas” (Heráclides). Aula nº 5 “Educação artística na Roma Antiga” O património artístico é significativo no seu valor para a cultura mundial. Mas tem um caráter diferente do grego. É tudo sobre a visão de mundo dos romanos. Eles, tal como os gregos e os etruscos, eram pagãos, mas a sua religião, e portanto a sua imaginação artística, era mais prosaica que a dos gregos, e a sua visão do mundo mais prática e sóbria. Os romanos criaram o seu próprio teatro maravilhoso, comédia afiada, memórias, desenvolveram um código de leis (o direito romano foi a base de toda a jurisprudência europeia), novas formas de arquitetura (a descoberta do concreto deu novas possibilidades construtivas para a construção de edifícios gigantes e tectos abobadados) e artes plásticas (relevo histórico, retrato escultórico realista, escultura estatuária, interessantes exemplos de pintura monumental). Após a conquista da Grécia por Roma, iniciou-se um conhecimento mais próximo da arte grega, que os romanos reverenciavam como modelo. “O conquistador ignorante foi conquistado pela arte de um povo conquistado.” 17 No século II. AC e. O grego era comum na alta sociedade. Obras de arte grega ocupavam edifícios públicos em Roma, edifícios residenciais e vilas rurais. Então, além dos originais, apareceram muitas cópias das famosas obras gregas de Myron e Fídias. Escopas, Praxíteles, Lísippos. Mas a inspiração poética da arte grega, a própria atitude para com o artista como o escolhido dos deuses que o dotou de talento, nunca existiu em Roma. Daí o sistema de educação artística, que fornecia apenas as habilidades de um artesão de alta classe, um copista. Na verdade, entre as cópias mecânicas polidas, a escultura grega original aparece tão viva no seu jogo de planos que parece uma leve brisa num dia quente. Roma não introduziu nada de fundamentalmente novo na metodologia de ensino das artes plásticas. Embora fosse considerado uma boa forma praticar artes plásticas na alta sociedade romana. Mas isso nada mais foi do que uma homenagem à moda. Assim, o pensamento utilitário dos romanos não teve o melhor efeito no desenvolvimento da educação artística neste país. Aula nº 6 “Métodos de trabalho na arte medieval” A arte medieval é uma etapa especial no desenvolvimento artístico mundial. Uma de suas principais características é a estreita ligação com a religião, seus dogmas, daí o espiritismo e o ascetismo. A religião e sua instituição social - a Igreja - foram uma força ideológica poderosa, o fator mais importante na formação de toda a cultura feudal. Além disso, a igreja foi a principal cliente da arte. Finalmente, não devemos esquecer que o clero era a única classe instruída naquela época. Portanto, o pensamento religioso moldou toda a arte medieval. No entanto,18 isto não significa que as verdadeiras contradições da vida não encontrassem expressão na arte medieval, que os artistas medievais não se esforçassem por procurar a harmonia. A estrutura figurativa e a linguagem da arte medieval são mais complexas e expressivas do que a arte da antiguidade; transmitem o mundo interior do homem com maior profundidade dramática. Expressa mais claramente o desejo de compreender as leis gerais do universo. O mestre medieval procurou criar uma grandiosa imagem artística do mundo na arquitetura, pintura monumental e escultura que adornava os templos medievais. Mas no próprio sistema artístico, no método artístico da arte medieval, havia uma limitação inerente, que se refletia principalmente nas convenções extremas, no simbolismo e no alegorismo da linguagem figurativa, à qual era atribuída a transmissão verdadeira da beleza do corpo físico. sacrificado. As conquistas da arte realista da antiguidade foram relegadas ao esquecimento. Ghiberti escreveu: “Assim, durante o tempo do Imperador Constantino e do Papa Silvestre, a fé cristã prevaleceu. A idolatria foi submetida à maior perseguição, todas as estátuas e imagens da mais perfeita perfeição foram quebradas e destruídas. Assim, junto com as estátuas e as pinturas, pereceram os pergaminhos e os registros, os desenhos e as regras que davam instruções a uma arte tão sublime e sutil.” As belas-artes foram construídas sem depender da ciência - apenas da atenção e do olhar fiel do artista. A fisicalidade foi preservada apenas pelo empréstimo de imagens da arte antiga (Orfeu - a imagem do jovem Cristo Pastor). No entanto, estes empréstimos não duraram muito. A imagem do jovem Cristo foi substituída pelo culto ao presbítero com estrutura figurativa própria. A base do treinamento nesse período é a cópia mecânica. Porém, na arte medieval existia um sistema que tentava encontrar certos padrões na construção da imagem. Este é o sistema Villars de Honnecourt. A sua essência está na construção de cálculos matemáticos abstratos, na busca de padrões geométricos, na cabalística dos números, e não na busca de padrões na estrutura das formas naturais. A arte bizantina distinguia-se pela maior canonicidade em comparação com a arte da Europa medieval. E aqui praticamos o trabalho a partir de amostras. Um trabalho interessante sobre os métodos das belas artes de Bizâncio sobreviveu até hoje. Esta é “Erminia, ou Instruções na arte da pintura” 1701-1745, escrita pelo monge atonita Dionísio de Fourna (Furnographiot). Ele contém muitos fatos sobre o ofício de um pintor (como fazer cópias, carvões, pincéis, adesivos, primers, instruções detalhadas sobre o método de pintar rostos, roupas) e muito mais. Por exemplo, sobre como fazer cópias: “...cole o papel embebido em óleo nas quatro bordas do original; faça tinta preta com um pouco de gema e contorne cuidadosamente o desenho com ela e aplique sombras; em seguida, prepare o branco e preencha as lacunas e use o branco mais fino para marcar as áreas claras. Aí vai sair um contorno da imagem, porque o papel é transparente e todas as características do original ficam visíveis através dele.” Outro exemplo de cópia: “Se não houver desenho nem mancha no verso do original, coloque papel não oleado sobre ele, segure-o contra a luz contra a janela... e, vendo todas as características, desenhe com cuidado coloque-os em seu papel e marque a luz com tinta vermelha " Assim, na Idade Média: - o principal método de ensino era a cópia a partir de amostras, o que contribuiu para o desenvolvimento do trabalho artesanal; - o processo de aprendizagem é um trabalho independente no âmbito de um artel de mestres. 20

As instituições de ensino superior artístico em Moscou sempre ocuparam um lugar especial. As mudanças políticas e a turbulência económica no país não diminuem a concorrência: o amor pela arte supera qualquer pensamento sobre o pão de cada dia e o ganho financeiro. E isso apesar de poucos graduados conseguirem se estabelecer profissionalmente, encontrar o sucesso e com ele a prosperidade. Contudo, o facto permanece: normalmente há metade do número de vagas gratuitas nessas universidades do número de pessoas dispostas a cursá-las.

Talentos e fãs

Como no caso das universidades de teatro, ao ingressar em uma escola de artes, elas buscarão no candidato a presença de uma certa centelha, que costuma ser chamada de talento. Na verdade, todos podem segurar um lápis ou pincel nas mãos, mas apenas uma pessoa em cem ou mil pode criar algo único.

Não é possível dar uma definição absolutamente precisa do conceito de “talento”: na arte tudo é muito subjetivo. Infelizmente, qualquer profissão criativa depende inteiramente das opiniões dos telespectadores e críticos. É por isso que muitos especialistas aconselham: antes de cruzar o limiar de uma universidade de arte, você deve pensar se poderá passar muitos anos de sua vida na obscuridade, lamentando amargamente o fato de que suas obras nunca causaram a impressão certa no público. Afinal, todo o jogo de cores, clareza de linhas, consistência de estilo em uma obra de arte são criados com um único propósito - chocar o mundo e se expressar.

As perspectivas profissionais dos futuros artistas, designers e arquitetos são bastante ilusórias. O custo do seu trabalho pode variar muito - tudo dependerá da caprichosa e inconstante fada da sorte. A eficiência e a capacidade de encontrar uma linguagem comum com o cliente não são qualidades profissionais menos importantes hoje.

Preparando-se para admissão em uma universidade de arte

A lista de universidades de arte na capital não é muito grande, mas estudar dentro de seus muros é considerado prestigioso em todo o mundo. O alto nível de ensino neles foi estabelecido pelos fundadores dessas instituições de ensino. Estes incluem o Instituto Estadual de Arte Acadêmica de Moscou em homenagem a VI Surikov, a Universidade de Arte e Indústria de Moscou em homenagem. S. G. Stroganova, Academia Russa de Pintura, Escultura e Arquitetura, Instituto Estatal Russo de Cinematografia em homenagem. S. A. Gerasimova e o departamento de arte e gráfica da Universidade Estadual Pedagógica de Moscou. É imperativo mencionar o Instituto Acadêmico de Pintura, Escultura e Arquitetura do Estado de São Petersburgo que leva seu nome. I. E. Repin - esta universidade, com tradições centenárias, foi fundada em meados do século XVIII sob o patrocínio da Imperatriz Elizabeth Petrovna. De acordo com a Carta em vigor na época, ali estudaram durante 15 anos. Hoje, o prazo oficial para obtenção da educação foi reduzido, mas para se tornar estudante, o candidato terá literalmente que passar anos se preparando para a admissão.

Cada uma das universidades listadas possui sua própria escola de artes ou cursos preparatórios. O treinamento e a preparação para eles levam de vários meses a dois anos. Vale ressaltar, porém, que oficialmente ninguém dá garantias de ingresso ao seu graduado. Além disso, nos cursos preparatórios do Instituto Surikov, os professores alertam sem rodeios que “um dos nossos” não terá que esperar por quaisquer concessões - todos o fazem de forma geral. As aulas preparatórias, via de regra, são remuneradas, sem contar que o candidato deve se munir de materiais auxiliares - tintas, pincéis, lápis, papéis, macas, telas... O preço pode variar: para um tubo de tinta , por exemplo, de 10 a 1000 rublos. E o chassi auxiliar custa pelo menos 2.000 rublos.

Além disso, ao ingressar em uma universidade de artes, é muito importante levar em consideração uma sutileza: na análise das inscrições, a maior preferência é dada aos candidatos que se formaram em escolas especializadas de artes (por exemplo, Escola de Arte Infantil nº 1 chamada depois de V. A. Serov em Prechistenka, Liceu de Arte Acadêmica de Moscou da Academia Russa de Artes), ou ter uma educação profissional secundária em escolas de arte (Escola Estadual de Arte Acadêmica de Moscou em Memória de 1905 ou Escola de Arte de Moscou (Faculdade) de Artes Aplicadas). Isso porque esse tipo de ensino superior não tolera pessoas aleatórias que de repente tenham o desejo de se tornarem artistas, restauradores ou arquitetos. A competição entre os candidatos é bastante acirrada, e o melhor dos melhores deve ser aceito, por isso é necessário fazer planos de admissão com antecedência, levando em consideração suas próprias capacidades.

Exames de especialidade

Primeiro, você deve decidir em que direção gostaria de aplicar seus impulsos criativos. A profissão de artista tem diversas variedades, por exemplo, pintor, restaurador, artista de teatro. O número de especialidades que podem ser obtidas em uma universidade de artes inclui escultor, arquiteto, crítico de arte, professor de pintura, artista de longa-metragem, figurinista de cinema, filme de animação e artista de computação gráfica. E a primeira coisa que você deverá fazer na admissão é fornecer trabalhos criativos de acordo com o caminho escolhido para visualização. Via de regra, são desenhos: um retrato e uma figura humana, uma pintura - um retrato à mão, composições. Os aprovados nesta seleção poderão realizar o vestibular. Os exames da especialidade são realizados em workshops (com a participação de assistentes) durante vários dias. Os itens especiais incluem:

• desenho (duas tarefas): retrato e figura nua em pé (em papel com lápis grafite); o trabalho é emitido diretamente no local ou o candidato utiliza o seu próprio, marcado com o selo da comissão de seleção;
• pintura: um retrato feito pelas mãos de uma modelo sentada (sobre tela com tintas a óleo ou têmpera, guache, aquarela - mediante ingresso na Faculdade de Gráfica); o solicitante deverá trazer consigo uma tela medindo até 70 cm na face maior;
• composição: o trabalho sobre um determinado tema pode ser em qualquer técnica.

Em seguida, as provas são revisadas e as notas são atribuídas. Se a pontuação obtida for suficiente para passar no concurso, você será solicitado a escrever um ensaio sobre um determinado tema, história (oralmente), história da cultura artística russa e, em alguns casos, uma língua estrangeira. Se você ainda não conseguir se matricular em um departamento de tempo integral, departamentos pagos estão à sua disposição, cujo custo médio de estudo às vezes chega a US$ 4.500-5.000.

Endereços universitários

Instituto Estadual de Arte Acadêmica de Moscou em homenagem a V. I. Surikov: Faculdade de Pintura, Escultura, Teoria das Belas Artes; Moscou, pista Tovarishchesky, 30 (estações de metrô "Taganskaya", "Marksistskaya");

Faculdade de Gráficos e Arquitetura: Moscou, Lavrushinsky Lane, 15 (prédio em frente à entrada da Galeria Tretyakov, estações de metrô "Novokuznetskaya", "Tretyakovskaya").

Universidade de Arte e Indústria de Moscou em homenagem. S. G. Stroganova: Moscou, Volokolamskoe sh., 9 (estação de metrô "Sokol").

Academia Russa de Pintura, Escultura e Arquitetura: Moscou, st. Myasnitskaya, 21 (estação de metrô "Chistye Prudy"); Pista Kamergersky, 2 (estação de metrô "Okhotny Ryad").

Instituto Estatal Russo de Cinematografia em homenagem. S. A. Gerasimova: Moscou, st. Wilhelm Pieck, 3 (estação de metrô "Jardim Botânico").

Instituto Acadêmico Estadual de Pintura, Escultura e Arquitetura de São Petersburgo em homenagem a I. E. Repin: São Petersburgo, aterro Universitetskaya, 17 (estação de metrô "Vasileostrovskaya").

Classificação de universidades de arquitetura e arte

O Ministério da Educação e Ciência da Federação Russa aprovou a classificação das instituições de ensino superior com base nos resultados de suas atividades. A recolha de dados para determinação da classificação das universidades e especialidades tem sido efectuada desde meados do ano lectivo de 2004.

Na determinação da classificação foram levados em consideração vários parâmetros: a qualidade do corpo docente, o número de alunos das diferentes modalidades de ensino, a presença de alunos de outros países; volume de pesquisas científicas, atividades editoriais, fornecimento de dormitórios estudantis, dispensários, etc.

Lugar	Nome da universidade
1	Instituto de Arquitetura de Moscou (academia estadual)
2	Universidade Estadual de Artes e Indústria de Moscou
3	Academia Estadual de Arquitetura e Arte do Ural (Ecaterimburgo)
4	Academia Estadual de Artes e Indústria de São Petersburgo
5	Academia Estadual de Arquitetura e Arte de Novosibirsk
6	Academia Estadual de Arquitetura e Arte de Rostov
7	Instituto de Arte do Estado de Krasnoyarsk