Ano ang gagawin kung hindi ka nakapasok sa unibersidad. Ang bata ay hindi pumasok sa unibersidad, ako ay isang masamang ina

Abstract ng pagsusulit

Paksa:"Romanticism bilang isang uso sa sining".

Ginanap mag-aaral 11 "B" klase sekondaryang paaralan No. 3

Boiprav Anna

Guro sa mundo ng sining

kultura Butsu T.N.

Brest, 2002

1. Panimula

2. Mga Dahilan ng Romantisismo

3. Ang mga pangunahing tampok ng romanticism

4. romantikong bayani

5. Romantisismo sa Russia

a) Panitikan

b) Pagpipinta

c) Musika

6. Kanlurang Europeong romantikismo

a) Pagpipinta

b) Musika

7. Konklusyon

8. Mga Sanggunian

1. PANIMULA

Kung titingnan mo ang paliwanag na diksyunaryo ng wikang Ruso, makakahanap ka ng ilang mga kahulugan ng salitang "romanticism": 1. Isang trend sa panitikan at sining ng unang quarter ng ika-19 na siglo, na nailalarawan sa idealization ng nakaraan, paghihiwalay mula sa realidad, ang kulto ng personalidad at tao. 2. Isang direksyon sa panitikan at sining, na puno ng optimismo at pagnanais na ipakita sa matingkad na mga larawan ang mataas na layunin ng tao. 3. Isang estado ng pag-iisip na puno ng ideyalisasyon ng katotohanan, panaginip na pagmumuni-muni.

Tulad ng makikita mula sa kahulugan, ang romantisismo ay isang kababalaghan na nagpapakita ng sarili hindi lamang sa sining, kundi pati na rin sa pag-uugali, pananamit, pamumuhay, sikolohiya ng mga tao at nangyayari sa mga kritikal na sandali sa buhay, kaya ang tema ng romantisismo ay may kaugnayan pa rin ngayon. . Nabubuhay tayo sa pagpasok ng siglo, nasa transitional stage na tayo. Kaugnay nito, sa lipunan ay may hindi paniniwala sa hinaharap, hindi paniniwala sa mga mithiin, may pagnanais na makatakas mula sa nakapaligid na katotohanan sa mundo ng sariling mga karanasan at sa parehong oras ay naiintindihan ito. Ito ang mga tampok na ito na katangian ng romantikong sining. Kaya naman pinili ko ang paksang “Romanticism as a trend in art” para sa pananaliksik.

Ang Romantisismo ay isang napakalaking layer ng iba't ibang uri ng sining. Ang layunin ng aking gawain ay upang masubaybayan ang mga kondisyon para sa paglitaw at mga sanhi ng paglitaw ng romantikismo sa iba't ibang mga bansa, upang siyasatin ang pag-unlad ng romantikismo sa mga anyo ng sining tulad ng panitikan, pagpipinta at musika, at upang ihambing ang mga ito. Ang pangunahing gawain para sa akin ay upang i-highlight ang mga pangunahing tampok ng romantikismo, katangian ng lahat ng uri ng sining, upang matukoy kung ano ang impluwensya ng romantikismo sa pag-unlad ng iba pang mga uso sa sining.

Sa pagbuo ng tema, gumamit ako ng mga aklat-aralin sa sining, tulad ng mga may-akda tulad ng Filimonova, Vorotnikov, at iba pa, mga publikasyong ensiklopediko, mga monograp na nakatuon sa iba't ibang mga may-akda ng panahon ng romantikismo, mga biograpikong materyales ng mga may-akda tulad ng Aminskaya, Atsarkina, Nekrasova, at iba pa.

2. MGA DAHILAN NG PINAGMULAN NG ROMANTISMO

Kung mas malapit tayo sa modernidad, mas maikli ang tagal ng panahon ng pangingibabaw ng isa o ibang istilo. Ang yugto ng panahon ng pagtatapos ng ika-18-1 ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo. itinuturing na panahon ng romanticism (mula sa French Romantique; isang bagay na misteryoso, kakaiba, hindi totoo)

Ano ang nakaimpluwensya sa paglitaw ng isang bagong istilo?

Ito ang tatlong pangunahing kaganapan: ang Great French Revolution, ang Napoleonic Wars, ang pag-usbong ng pambansang kilusang pagpapalaya sa Europa.

Ang mga kulog ng Paris ay umalingawngaw sa buong Europa. Ang slogan na "Kalayaan, Pagkakapantay-pantay, Kapatiran!" ay nagtataglay ng napakalaking atraksyon para sa lahat ng mga mamamayang Europeo. Sa pagbuo ng mga burges na lipunan, nagsimulang kumilos ang uring manggagawa laban sa pyudal na sistema bilang isang malayang puwersa. Ang magkasalungat na pakikibaka ng tatlong uri - ang maharlika, ang burgesya at ang proletaryado - ang naging batayan ng makasaysayang pag-unlad ng ika-19 na siglo.

Ang kapalaran ni Napoleon at ang kanyang papel sa kasaysayan ng Europa sa loob ng 2 dekada, 1796-1815, ay sumakop sa isip ng mga kontemporaryo. "Ang pinuno ng mga kaisipan" - Nagsalita si A.S. tungkol sa kanya. Pushkin.

Para sa France, ito ay mga taon ng kadakilaan at kaluwalhatian, kahit na sa halaga ng buhay ng libu-libong mga Pranses. Nakita ng Italya si Napoleon bilang tagapagpalaya nito. Malaki ang pag-asa ng mga Polo sa kanya.

Si Napoleon ay kumilos bilang isang mananakop na kumikilos sa interes ng mga Pranses na bourgeoisie. Para sa mga monarko ng Europa, hindi lamang siya isang kalaban ng militar, kundi isang kinatawan din ng dayuhan na mundo ng bourgeoisie. Kinasusuklaman nila siya. Sa simula ng Napoleonic Wars, maraming direktang kalahok sa rebolusyon sa kanyang "Great Army".

Ang personalidad ni Napoleon mismo ay kahanga-hanga din. Ang binata na si Lermontov ay tumugon sa ika-10 anibersaryo ng pagkamatay ni Napoleon:

Isa siyang estranghero sa mundo. Lahat ng tungkol sa kanya ay isang misteryo.

Ang araw ng kadakilaan - at ang pagbagsak ng oras!

Ang misteryong ito ay lalong nakaakit ng atensyon ng mga romantiko.

Kaugnay ng mga digmaang Napoleoniko at ang pagkahinog ng pambansang kamalayan sa sarili, ang panahong ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pag-usbong ng kilusang pambansang pagpapalaya. Ang Germany, Austria, Spain ay nakipaglaban sa Napoleonic occupation, Italy - laban sa Austrian yoke, Greece - laban sa Turkey, sa Poland sila ay nakipaglaban laban sa tsarism ng Russia, Ireland - laban sa British.

Ang mga kamangha-manghang pagbabago ay naganap sa harap ng mga mata ng isang henerasyon.

Higit sa lahat, pinuna ng France: ang magulong ikalimang anibersaryo ng Rebolusyong Pranses, ang pagbangon at pagbagsak ni Robespierre, ang mga kampanyang Napoleoniko, ang unang pagbibitiw ni Napoleon, ang kanyang pagbabalik mula sa isla ng Elba ("daang araw") at ang pangwakas.

pagkatalo sa Waterloo, ang madilim na ika-15 anibersaryo ng rehimeng Pagpapanumbalik, ang Rebolusyong Hulyo ng 1860, ang Rebolusyong Pebrero ng 1848 sa Paris, na nagdulot ng isang rebolusyonaryong alon sa ibang mga bansa.

Sa Inglatera, bilang resulta ng rebolusyong pang-industriya sa ikalawang kalahati ng siglo XIX. naitatag ang produksyon ng makina at kapitalistang relasyon. Ang repormang parlyamentaryo noong 1832 ay nagbigay daan para sa burgesya sa kapangyarihan ng estado.

Sa mga lupain ng Alemanya at Austria, napanatili ng mga pinunong pyudal ang kapangyarihan. Matapos ang pagbagsak ni Napoleon, malupit ang pakikitungo nila sa oposisyon. Ngunit maging sa lupain ng Aleman, ang steam locomotive, na dinala mula sa England noong 1831, ay naging salik sa pag-unlad ng burges.

Binago ng mga rebolusyong pang-industriya, mga rebolusyong pampulitika ang mukha ng Europa. “Ang burgesya, sa loob ng wala pang isang daang taon ng dominasyon ng uri nito, ay lumikha ng mas marami at engrandeng produktibong pwersa kaysa sa pinagsama-samang lahat ng nakaraang henerasyon,” isinulat ng mga siyentipikong Aleman na sina Marx at Engels noong 1848.

Kaya, ang Great French Revolution (1789-1794) ay minarkahan ang isang espesyal na milestone na naghihiwalay sa bagong panahon mula sa Age of Enlightenment. Hindi lamang ang mga anyo ng estado, ang istrukturang panlipunan ng lipunan, ang pagkakahanay ng mga uri ay nagbago. Ang buong sistema ng mga ideya, na naiilaw sa loob ng maraming siglo, ay nayanig. Ideolohiyang inihanda ng mga enlightener ang rebolusyon. Ngunit hindi nila mahulaan ang lahat ng kahihinatnan nito. Ang "kaharian ng katwiran" ay hindi naganap. Ang rebolusyon, na nagpahayag ng kalayaan ng indibidwal, ay nagbunga ng burges na kaayusan, ang diwa ng pagiging acquisitive at pagkamakasarili. Ito ang makasaysayang batayan para sa pag-unlad ng artistikong kultura, na naglagay ng isang bagong direksyon - romantisismo.

3. PANGUNAHING TAMPOK NG ROMANTISMO

Ang Romantisismo bilang isang pamamaraan at direksyon sa kulturang sining ay isang kumplikado at kontrobersyal na kababalaghan. Sa bawat bansa mayroon siyang maliwanag na pambansang ekspresyon. Hindi madaling makahanap ng mga tampok sa panitikan, musika, pagpipinta at teatro na pinag-iisa ang Chateaubriand at Delacroix, Mickiewicz at Chopin, Lermontov at Kiprensky.

Sinakop ng mga romantiko ang iba't ibang posisyong panlipunan at pampulitika sa lipunan. Lahat sila ay naghimagsik laban sa mga resulta ng burges na rebolusyon, ngunit sila ay naghimagsik sa iba't ibang paraan, dahil ang bawat isa ay may sariling mithiin. Ngunit sa lahat ng maraming mga mukha at pagkakaiba-iba, ang romantikismo ay may matatag na mga tampok.

Ang pagkabigo sa modernong panahon ay nagbunga ng isang espesyal interes sa nakaraan: sa mga pormasyong panlipunan bago ang burges, sa patriyarkal na sinaunang panahon. Maraming mga romantiko ang nailalarawan sa ideya na ang kaakit-akit na exoticism ng mga bansa sa timog at silangan - Italy, Spain, Greece, Turkey - ay isang patula na kaibahan sa boring na burges na pang-araw-araw na buhay. Sa mga bansang ito, hindi pa gaanong apektado ng sibilisasyon, ang mga romantiko ay naghahanap ng maliwanag, malalakas na karakter, isang orihinal, makulay na paraan ng pamumuhay. Ang interes sa pambansang nakaraan ay nagbunga ng isang masa ng mga akdang pangkasaysayan.

Sa isang pagsisikap na kahit papaano ay umangat sa prosa ng pagiging, upang palayain ang magkakaibang mga kakayahan ng indibidwal, upang mapagtanto ang kanilang sarili sa sukdulan sa pagkamalikhain, ang mga romantiko ay sumalungat sa pormalisasyon ng sining at ang tuwirang mapanghusgang paglapit dito, na katangian ng klasisismo. Lahat sila nanggaling pagtanggi sa Enlightenment at sa rasyonalistikong mga canon ng klasisismo, na nakagapos sa malikhaing inisyatiba ng pintor.At kung hinahati ng klasisismo ang lahat sa isang tuwid na linya, sa masama at mabuti, sa itim at puti, kung gayon ang romantikismo ay walang hinahati sa isang tuwid na linya. Ang Classicism ay isang sistema, ngunit ang romanticism ay hindi. Isinulong ng Romantisismo ang pagsulong ng modernong panahon mula sa klasisismo tungo sa sentimentalismo, na nagpapakita ng panloob na buhay ng isang tao na naaayon sa malawak na mundo. At ang romantisismo ay sumasalungat sa pagkakaisa sa panloob na mundo. Sa romantikismo na nagsisimulang lumitaw ang tunay na sikolohiya.

Ang pangunahing gawain ng romantisismo ay imahe ng panloob na mundo, espirituwal na buhay, at ito ay maaaring gawin sa materyal ng mga kuwento, mistisismo, atbp. Kinakailangan na ipakita ang kabalintunaan ng panloob na buhay na ito, ang hindi makatwiran nito.

Sa kanilang imahinasyon, binago ng mga romantiko ang hindi kaakit-akit na katotohanan o napunta sa mundo ng kanilang mga karanasan. Ang agwat sa pagitan ng panaginip at katotohanan, ang pagsalungat ng magandang kathang-isip sa layunin na katotohanan, ay nasa puso ng buong romantikong kilusan.

Ang romantikismo sa unang pagkakataon ay nagdulot ng problema sa wika ng sining. “Ang sining ay isang wika na ibang-iba kaysa sa kalikasan; ngunit naglalaman din ito ng parehong mahimalang kapangyarihan na tulad ng lihim at hindi maintindihan na nakakaapekto sa kaluluwa ng tao ”(Wackenroder at Tieck). Ang isang artista ay isang interpreter ng wika ng kalikasan, isang tagapamagitan sa pagitan ng mundo ng espiritu at mga tao. "Salamat sa mga artista, ang sangkatauhan ay lumalabas bilang isang buong pagkatao. Pinag-iisa ng mga artista sa pamamagitan ng modernidad ang mundo ng nakaraan sa mundo ng hinaharap. Sila ang pinakamataas na espirituwal na organ kung saan ang mga mahahalagang puwersa ng kanilang panlabas na sangkatauhan ay nagtatagpo sa isa't isa, at kung saan ang panloob na sangkatauhan ay nagpapakita ng sarili sa una sa lahat" (F. Schlegel).

Ang simula ng XIX na siglo - ang oras ng kultura at espirituwal na pagtaas sa Russia. Kung sa pag-unlad ng ekonomiya at sosyo-politikal ang Russia ay nahuhuli sa mga advanced na estado ng Europa, kung gayon sa mga tagumpay sa kultura hindi lamang ito nakipagsabayan sa kanila, ngunit madalas na nalampasan sila. Ang pag-unlad ng kulturang Ruso sa unang kalahati ng ika-19 na siglo ay batay sa mga pagbabago sa nakaraang panahon. Ang pagtagos ng mga elemento ng kapitalistang relasyon sa ekonomiya ay nagpapataas ng pangangailangan para sa mga taong marunong magbasa at mag-aral. Ang mga lungsod ay naging pangunahing sentro ng kultura.

Ang mga bagong strata ng lipunan ay nakuha sa mga prosesong panlipunan. Ang kultura ay nabuo laban sa background ng patuloy na pagtaas ng pambansang kamalayan sa sarili ng mga mamamayang Ruso at, sa bagay na ito, ay may binibigkas na pambansang katangian. Malaki ang impluwensya sa panitikan, teatro, musika, visual arts Digmaang Patriotiko noong 1812 na sa isang hindi pa naganap na antas ay pinabilis ang paglaki ng pambansang kamalayan sa sarili ng mga mamamayang Ruso, ang pagsasama-sama nito. Nagkaroon ng rapprochement sa mga taong Ruso ng ibang mga tao ng Russia.

Ang simula ng ika-19 na siglo ay wastong tinatawag na ginintuang edad ng pagpipinta ng Russia. Noon ay naabot ng mga artistang Ruso ang antas ng kasanayan na naglagay ng kanilang mga gawa sa isang par sa pinakamahusay na mga halimbawa ng sining ng Europa.

Tatlong pangalan ang bukas na pagpipinta ng Russia noong ika-19 na siglo - Kiprensky , Tropinin , Venetsianov. Ang bawat isa ay may iba't ibang pinagmulan: isang hindi lehitimong may-ari ng lupa, isang alipin at isang inapo ng isang mangangalakal. Ang bawat isa ay may kani-kaniyang malikhaing adhikain - isang romantiko, isang realista at isang "liriko ng nayon".

Sa kabila ng kanyang maagang pagkahilig para sa makasaysayang pagpipinta, Kiprensky ay kilala lalo na bilang isang natitirang pintor ng portrait. Masasabi natin na sa simula ng siglong XIX. siya ang naging unang pintor ng portrait ng Russia. Ang mga matandang masters, na naging sikat noong ika-18 siglo, ay hindi na makakalaban sa kanya: Namatay si Rokotov noong 1808, si Levitsky, na nabuhay sa kanya ng 14 na taon, hindi na nagpinta dahil sa sakit sa mata, at si Borovikovsky, na hindi nabuhay ng iilan. buwan bago ang pag-aalsa, ang mga Decembrist, ay nagtrabaho nang napakakaunti.

Si Kiprensky ay sapat na masuwerteng naging isang artistikong chronicler ng kanyang panahon. Ang "Kasaysayan sa mga mukha" ay maaaring ituring na kanyang mga larawan, na naglalarawan ng maraming mga kalahok sa mga makasaysayang kaganapan, kung saan siya ay isang kontemporaryo: ang mga bayani ng digmaan noong 1812, mga kinatawan ng kilusang Decembrist. Ang pamamaraan ng pagguhit ng lapis ay madaling gamitin, ang pagsasanay na kung saan ay binigyan ng seryosong pansin sa Academy of Arts. Gumawa si Kiprensky, sa esensya, ng isang bagong genre - isang larawang larawan.

Gumawa si Kiprensky ng maraming mga larawan ng mga pigura ng kulturang Ruso, at, siyempre, ang pinakasikat sa kanila ay ang Pushkin. Ito ay kinomisyon Delviga, isang kaibigan sa lyceum ng makata, noong 1827. Napansin ng mga kontemporaryo ang kamangha-manghang pagkakatulad ng larawan sa orihinal. Ang imahe ng makata ay pinalaya ng artist mula sa pang-araw-araw na mga tampok na likas sa larawan ng Pushkin ni Tropinin, na ipininta sa parehong taon. Si Alexander Sergeevich ay nakuha ng artista sa sandali ng inspirasyon, nang siya ay binisita ng isang patula na muse.

Inabot ng kamatayan ang artista sa kanyang ikalawang paglalakbay sa Italya. Sa mga nagdaang taon, marami ang hindi naging maganda sa sikat na pintor. Nagsimula ang creative slump. Ilang sandali bago ang kanyang kamatayan, ang kanyang buhay ay natabunan ng isang trahedya na kaganapan: ayon sa mga kontemporaryo, ang artista ay maling inakusahan ng pagpatay at natatakot na umalis sa bahay. Kahit na ang pagpapakasal sa kanyang Italian pupil ay hindi nagpapaliwanag sa kanyang mga huling araw.

Ilang nagdalamhati sa pintor ng Russia na namatay sa ibang bansa. Kabilang sa iilan na tunay na nakaunawa kung anong uri ng panginoon ang nawala sa pambansang kultura ay ang artistang si Alexander Ivanov, na nasa Italya noong panahong iyon. Sa malungkot na mga araw na iyon, isinulat niya: Si Kiprensky "ang unang gumawa ng pangalang Ruso na kilala sa Europa."

Pumasok si Tropinin sa kasaysayan ng sining ng Russia bilang isang natatanging pintor ng portrait. Sinabi niya: "Ang isang larawan ng isang tao ay ipininta para sa memorya ng mga taong malapit sa kanya, na nagmamahal sa kanya." Ayon sa mga kontemporaryo, si Tropinin ay nagpinta ng humigit-kumulang 3,000 mga larawan. Kung ito man ay mahirap sabihin. Sa isa sa mga libro tungkol sa artist, mayroong isang listahan ng 212 tiyak na natukoy na mga mukha na ipinakita ni Tropinin. Marami rin siyang obra na tinatawag na "Portrait of an Unknown (Unknown)". Ang Tropinin ay ipinakita ng mga dignitaryo ng estado, maharlika, mandirigma, negosyante, maliliit na opisyal, serf, intelektwal, at mga pigura ng kulturang Ruso. Kabilang sa mga ito: mananalaysay na si Karamzin, manunulat na si Zagoskin, kritiko ng sining na si Odoevsky, mga pintor na sina Bryullov at Aivazovsky, iskultor na si Vitali, arkitekto Gilardi, kompositor na si Alyabyev, mga aktor na sina Shchepkin at Mo-chalov, manunulat ng dulang si Sukhovo-Kobylin.

Isa sa pinakamagandang gawa Tropinina- larawan ng anak. Dapat kong sabihin na isa sa mga "tuklas" ng sining ng Russia noong ika-19 na siglo. may larawan ng isang bata. Sa Middle Ages, ang bata ay tiningnan bilang isang maliit na may sapat na gulang na hindi pa lumaki. Ang mga bata ay nakasuot pa ng mga damit na hindi naiiba sa mga matatanda: sa kalagitnaan ng ika-18 siglo. ang mga batang babae ay nagsuot ng masikip na corset at malalapad na palda na may fijma. Sa simula lamang ng XIX na siglo. may nakita silang bata sa isang bata. Ang mga artista ay kabilang sa mga unang gumawa nito. Mayroong maraming pagiging simple at natural sa larawan ng Tropinin. Hindi nag-pose ang bata. Interesado sa isang bagay, lumingon siya saglit: nakaawang ang bibig, nagniningning ang mga mata. Ang hitsura ng bata ay nakakagulat na kaakit-akit at patula. Ginintuang magulo ang buhok, isang bukas, parang bata na matambok na mukha, isang masiglang hitsura ng matatalinong mata. Madarama ng isang tao kung anong pagmamahal ang ipininta ng pintor ang larawan ng kanyang anak.

Dalawang beses na nagsulat ng self-portraits si Tropinin. Sa isang mamaya, na may petsang 1846, ang artist ay 70 taong gulang. Inilarawan niya ang kanyang sarili na may isang palette at mga brush sa kanyang mga kamay, nakasandal sa isang mastabl - isang espesyal na stick na ginagamit ng mga pintor. Sa likod niya ay ang maringal na panorama ng Kremlin. Sa kanyang kabataan, si Tropinin ay nagtataglay ng lakas ng kabayanihan at mabuting espiritu. Sa paghusga sa sariling larawan, napanatili niya ang lakas ng kanyang katawan kahit na sa katandaan. Ang isang bilugan na mukha na may salamin ay nagpapakita ng magandang kalikasan. Namatay ang artista pagkalipas ng 10 taon, ngunit ang kanyang imahe ay nanatili sa memorya ng kanyang mga inapo - isang mahusay, mabait na tao na nagpayaman sa sining ng Russia sa kanyang talento.

Natuklasan ni Venetsianov ang tema ng magsasaka sa pagpipinta ng Russia. Siya ang una sa mga Russian artist na nagpakita ng kagandahan ng kanyang katutubong kalikasan sa kanyang mga canvases. Ang genre ng landscape ay hindi napaboran sa Academy of Arts. Sinakop niya ang pinakamahalagang lugar sa penultimate, na nag-iiwan ng mas kasuklam-suklam - araw-araw. Ilang mga masters lamang ang nagpinta ng kalikasan, mas pinipili ang Italyano o haka-haka na mga tanawin.

Sa marami sa mga gawa ni Venetsianov, ang kalikasan at tao ay hindi mapaghihiwalay. Ang mga ito ay konektado na kasing lapit ng isang magsasaka sa lupa, mga regalo nito. Ang kanyang pinakasikat na mga gawa - "Haymaking", "Sa maaararong lupain. Spring", "Sa pag-aani. Tag-init" - ang artist ay lumilikha sa 20s. Iyon ang rurok ng kanyang pagkamalikhain. Walang sinuman sa sining ng Russia ang nakapagpakita ng buhay ng magsasaka at gawain ng mga magsasaka na may tulad na pagmamahal at napakatula gaya ng Venetsianov. Sa pagpipinta na "Sa lupang taniman. Spring" isang babae ang humahagulgol sa isang bukid. Ang mahirap, nakakapagod na gawaing ito ay mukhang napakaganda sa canvas ni Venetsianov: isang babaeng magsasaka na nakasuot ng eleganteng sundress at kokoshnik. Sa magandang mukha at flexible na katawan, siya ay kahawig ng isang sinaunang diyosa. Nangunguna sa pamamagitan ng paningil ng dalawang masunuring kabayo na naka-harness sa isang suyod, hindi siya lumalakad, ngunit tila lumilipad sa ibabaw ng parang. Ang buhay sa paligid ay dumadaloy nang mahinahon, nasusukat, mapayapa. Ang mga bihirang puno ay nagiging berde, ang mga puting ulap ay lumulutang sa kalangitan, ang bukid ay tila walang katapusan, sa gilid kung saan nakaupo ang isang sanggol na naghihintay sa kanyang ina.

Ang pagpipinta na "In the Harvest. Summer" ay tila nagpapatuloy sa nauna. Ang ani ay hinog na, ang mga bukid ay mga tainga ng gintong pinaggapasan - panahon na ng pag-aani. Sa harapan, isinantabi ang karit, isang babaeng magsasaka ang nagpapasuso sa isang bata. Ang langit, ang bukid, ang mga taong nagtatrabaho dito ay hindi mapaghihiwalay para sa artista. Ngunit gayon pa man, ang pangunahing paksa ng kanyang atensyon ay palaging isang tao.

Venetsianov lumikha ng isang buong gallery ng mga larawan ng mga magsasaka. Ito ay bago para sa pagpipinta ng Russia. Noong siglo XVIII. ang mga tao mula sa mga tao, at higit pa sa mga serf, ay hindi gaanong interesado sa mga artista. Ayon sa mga istoryador ng sining, si Venetsianov ang una sa kasaysayan ng pagpipinta ng Russia na "kumuha at muling likhain ang uri ng katutubong Ruso." Ang "Reapers", "Girl with cornflowers", "Girl with a calf", "Sleeping shepherd" ay mga magagandang larawan ng mga magsasaka na na-immortal ni Venetsianov. Ang isang espesyal na lugar sa gawa ng artist ay inookupahan ng mga larawan ng mga batang magsasaka. Gaano kahusay si "Zakharka" - isang malaking mata, matangos ang ilong, malaki ang labi na batang lalaki na may palakol sa kanyang balikat! Si Zakharka ay tila nagpapakilala ng isang masiglang kalikasan ng magsasaka, na sanay na magtrabaho mula pagkabata.

Iniwan ni Alexey Gavrilovich ang isang magandang memorya ng kanyang sarili hindi lamang bilang isang artista, kundi pati na rin bilang isang natitirang guro. Sa panahon ng isa sa kanyang mga pagbisita sa St. Petersburg, kinuha niya ang isang baguhan na artista bilang isang mag-aaral, pagkatapos ay isa pa, isang pangatlo ... Kaya, isang buong paaralan ng sining ang bumangon, na pumasok sa kasaysayan ng sining sa ilalim ng pangalang Venetian. Sa loob ng isang-kapat ng isang siglo, mga 70 mahuhusay na kabataang lalaki ang dumaan dito. Sinubukan ni Venetsianov na tubusin ang mga serf artist mula sa pagkabihag at labis siyang nag-aalala kung hindi ito gagana. Ang pinaka-talented sa kanyang mga estudyante - si Grigory Soroka - ay hindi kailanman nakakuha ng kanyang kalayaan mula sa kanyang may-ari ng lupa. Nabuhay siya upang makita ang pag-aalis ng serfdom, ngunit, na hinimok sa kawalan ng pag-asa sa pamamagitan ng kapangyarihan ng dating may-ari, nagpakamatay.

Marami sa mga estudyante ni Venetsianov ang nakatira sa kanyang bahay sa buong suweldo. Naunawaan nila ang mga lihim ng pagpipinta ng Venetian: matatag na pagsunod sa mga batas ng pananaw, malapit na pansin sa kalikasan. Sa kanyang mga mag-aaral mayroong maraming mga mahuhusay na masters na nag-iwan ng isang kapansin-pansing marka sa sining ng Russia: Grigory Soroka, Alexei Tyranov, Alexander Alekseev, Nikifor Krylov. "Venetianians" - buong pagmamahal na tinawag ang kanyang mga alagang hayop.

Kaya, maaari itong maitalo na sa unang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo nagkaroon ng mabilis na pagtaas sa pag-unlad ng kultura ng Russia at sa oras na ito ay tinatawag na ginintuang edad ng pagpipinta ng Russia.

Ang mga artistang Ruso ay umabot sa antas ng kasanayan na inilalagay ang kanilang mga gawa sa isang par sa pinakamahusay na mga halimbawa ng sining sa Europa.

Ang pagluwalhati sa tagumpay ng mga tao, ang ideya ng kanilang espirituwal na paggising, ang pagtuligsa sa mga salot ng pyudal na Russia - ito ang mga pangunahing tema ng pinong sining noong ika-19 na siglo.

Sa portraiture, ang mga tampok ng romanticism - ang pagsasarili ng pagkatao ng tao, ang kanyang sariling katangian, ang kalayaan na ipahayag ang mga damdamin - ay partikular na naiiba.

Maraming mga larawan ng mga pigura ng kulturang Ruso, isang larawan ng mga bata ang nalikha. Ang tema ng magsasaka, ang tanawin, na nagpakita ng kagandahan ng katutubong kalikasan, ay nasa uso.

Abstract ng pagsusulit

Paksa: "Romanticism bilang isang uso sa sining".

Ginanap mag-aaral 11 "B" klase sekondaryang paaralan No. 3

Boiprav Anna

Guro sa mundo ng sining

kultura Butsu T.N.

Brest, 2002

1. Panimula

2. Mga Dahilan ng Romantisismo

3. Ang mga pangunahing tampok ng romanticism

4. romantikong bayani

5. Romantisismo sa Russia

a) Panitikan

b) Pagpipinta

c) Musika

6. Kanlurang Europeong romantikismo

a) Pagpipinta

b) Musika

7. Konklusyon

8. Mga Sanggunian

1. PANIMULA

2. MGA DAHILAN NG PINAGMULAN NG ROMANTISMO

Ano ang nakaimpluwensya sa paglitaw ng isang bagong istilo?

Ito ang tatlong pangunahing kaganapan: ang Great French Revolution, ang Napoleonic Wars, ang pag-usbong ng pambansang kilusang pagpapalaya sa Europa.

Ang personalidad ni Napoleon mismo ay kahanga-hanga din. Ang binata na si Lermontov ay tumugon sa ika-10 anibersaryo ng pagkamatay ni Napoleon:

Isa siyang estranghero sa mundo. Lahat ng tungkol sa kanya ay isang misteryo.

Ang araw ng kadakilaan - at ang pagbagsak ng oras!

Ang misteryong ito ay lalong nakaakit ng atensyon ng mga romantiko.

Ang mga kamangha-manghang pagbabago ay naganap sa harap ng mga mata ng isang henerasyon.

3. PANGUNAHING TAMPOK NG ROMANTISMO

Ang Romantisismo bilang isang pamamaraan at direksyon sa kulturang sining ay isang kumplikado at kontrobersyal na kababalaghan. Sa bawat bansa mayroon siyang maliwanag na pambansang ekspresyon. Hindi madaling makahanap ng mga tampok sa panitikan, musika, pagpipinta at teatro na pinag-iisa ang Chateaubriand at Delacroix, Mickiewicz at Chopin, Lermontov at Kiprensky.

Gayunpaman, ang romantisismo ay hindi isang homogenous na kalakaran: ang pag-unlad ng ideolohiya nito ay napunta sa iba't ibang direksyon. Kabilang sa mga romantiko ang mga reaksyunaryong manunulat, mga tagasunod ng lumang rehimen, na umawit ng pyudal na monarkiya at Kristiyanismo. Sa kabilang banda, ang mga romantikong may progresibong pananaw ay nagpahayag ng demokratikong protesta laban sa pyudal at lahat ng uri ng pang-aapi, na naglalaman ng rebolusyonaryong udyok ng mga tao para sa isang magandang kinabukasan.

Ang Romantisismo ay nag-iwan ng isang buong panahon sa kulturang sining ng mundo, ang mga kinatawan nito ay: sa panitikan V. Scott, J. Byron, Shelley, V. Hugo, A. Mickiewicz, at iba pa; sa pinong sining ng E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky at iba pa; sa musika nina F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin at iba pa. Natuklasan at nakabuo sila ng mga bagong genre, binigyang pansin ang kapalaran ng personalidad ng tao, inihayag ang dialectic ng mabuti at masama, mahusay na inihayag ang mga hilig ng tao, atbp.

Ang mga anyo ng sining ay higit pa o hindi gaanong katumbas sa kanilang kahalagahan at gumawa ng mga kahanga-hangang gawa ng sining, bagaman ang mga romantiko ay nagbigay ng priyoridad sa musika sa hagdan ng sining.

4. ROMANTIC HERO

Sino ang isang romantikong bayani at ano siya?

Isa itong indibidwalista. Isang superman na nabuhay sa dalawang yugto: bago ang banggaan sa realidad, nabubuhay siya sa isang 'pink' na estado, siya ay tinataglay ng pagnanais para sa tagumpay, pagbabago ng mundo; pagkatapos ng isang banggaan sa katotohanan, patuloy niyang isinasaalang-alang ang mundong ito na parehong bulgar at mayamot, ngunit hindi siya nagiging isang may pag-aalinlangan, isang pesimista. Sa isang malinaw na pag-unawa na walang mababago, ang pagnanais para sa isang gawa ay bumababa sa isang pagnanais para sa panganib.

Ang mga romantiko ay maaaring magbigay ng walang hanggan, pangmatagalang halaga sa bawat maliit na bagay, sa bawat kongkretong katotohanan, sa lahat ng bagay na isahan. Tinawag ito ni Joseph de Maistre na "the paths of Providence", Germaine de Stael - "the fruitful bosom of the imortal universe." Ang Chateaubriand sa "Henyo ng Kristiyanismo", sa isang aklat na nakatuon sa kasaysayan, ay direktang tumutukoy sa Diyos bilang simula ng makasaysayang panahon. Lumilitaw ang lipunan bilang isang hindi matitinag na buklod, "ang hibla ng buhay na nag-uugnay sa atin sa ating mga ninuno at dapat nating ipaabot sa ating mga inapo." Ang puso lamang ng isang tao, at hindi ang kanyang isip, ang makakaunawa at makakarinig ng tinig ng Lumikha, sa pamamagitan ng kagandahan ng kalikasan, sa pamamagitan ng malalim na damdamin. Ang kalikasan ay banal, ito ay pinagmumulan ng pagkakaisa at malikhaing pwersa, ang mga metapora nito ay madalas na inililipat ng mga romantiko sa pampulitikang leksikon. Para sa mga romantiko, ang puno ay nagiging simbolo ng pamilya, kusang pag-unlad, pang-unawa sa mga katas ng katutubong lupain, isang simbolo ng pambansang pagkakaisa. Kung mas inosente at sensitibo ang kalikasan ng isang tao, mas madali niyang marinig ang tinig ng Diyos. Ang isang bata, isang babae, isang marangal na kabataan ay mas madalas kaysa sa iba na nakikita ang kawalang-kamatayan ng kaluluwa at ang halaga ng buhay na walang hanggan. Ang pagkauhaw ng mga romantiko sa kaligayahan ay hindi limitado sa idealistikong pagnanais para sa Kaharian ng Diyos pagkatapos ng kamatayan.

Bilang karagdagan sa mistikong pag-ibig sa Diyos, ang isang tao ay nangangailangan ng tunay, makalupang pag-ibig. Hindi kayang taglayin ang bagay ng kanyang pagnanasa, ang romantikong bayani ay naging isang walang hanggang martir, na nakatakdang maghintay para sa isang pagpupulong kasama ang kanyang minamahal sa kabilang buhay, "sapagkat ang dakilang pag-ibig ay karapat-dapat sa kawalang-kamatayan kapag ang halaga ng buhay ng isang tao."

Ang isang espesyal na lugar sa gawain ng mga romantiko ay inookupahan ng problema ng pag-unlad at edukasyon ng indibidwal. Ang pagkabata ay walang mga batas, ang mga panandaliang impulses nito ay lumalabag sa moralidad ng publiko, na sumusunod sa sarili nitong mga alituntunin ng paglalaro ng bata. Sa isang may sapat na gulang, ang mga katulad na reaksyon ay humahantong sa kamatayan, sa paghatol sa kaluluwa. Sa paghahanap ng makalangit na kaharian, dapat na maunawaan ng isang tao ang mga batas ng tungkulin at moralidad, saka lamang siya makakaasa ng buhay na walang hanggan. Dahil ang tungkulin ay idinidikta sa mga romantiko sa pamamagitan ng kanilang pagnanais na makamtan ang buhay na walang hanggan, ang pagtupad sa tungkulin ay nagbibigay ng personal na kaligayahan sa pinakamalalim at pinakamakapangyarihang pagpapakita nito. Sa moral na tungkulin ay idinagdag ang tungkulin ng malalim na damdamin at matayog na interes. Nang walang paghahalo ng mga merito ng iba't ibang kasarian, itinataguyod ng mga romantiko ang pagkakapantay-pantay ng espirituwal na pag-unlad ng mga lalaki at babae. Sa parehong paraan, ang pag-ibig sa Diyos at sa kanyang mga institusyon ay nagdidikta ng tungkuling sibiko. Ang personal na pagsusumikap ay nahahanap ang pagkumpleto nito sa karaniwang layunin, sa pagsusumikap ng buong bansa, ng buong sangkatauhan, ng buong mundo.

Ang bawat kultura ay may sariling romantikong bayani, ngunit si Byron, sa kanyang obra na si Charld Harold, ay nagbigay ng tipikal na representasyon ng romantikong bayani. Nagsuot siya ng maskara ng kanyang bayani (sabi niya na walang distansya sa pagitan ng bayani at ng may-akda) at pinamamahalaang sumunod sa romantikong canon.

Ang lahat ng mga romantikong gawa ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga tampok na katangian:

Una, sa bawat romantikong akda ay walang distansya sa pagitan ng bayani at ng may-akda.

Pangalawa, hindi nanghuhusga ang may-akda ng bida, ngunit kahit na may masamang sabihin tungkol sa kanya, ang plot ay binuo sa paraang hindi masisi ang bida. Karaniwang romantiko ang balangkas sa isang romantikong gawain. Ang mga romantiko ay nagtatayo rin ng isang espesyal na relasyon sa kalikasan, gusto nila ang mga bagyo, bagyo, at cataclysm.

5. ROMANTICISMO SA RUSSIA.

Ang Romantisismo sa Russia ay naiiba sa Kanlurang Europa sa pabor ng ibang makasaysayang tagpuan at ibang kultural na tradisyon. Ang Rebolusyong Pranses ay hindi mabibilang bilang isa sa mga dahilan ng paglitaw nito; isang napakakitid na bilog ng mga tao ang may pag-asa para sa mga pagbabago sa kurso nito. At ang mga resulta ng rebolusyon ay ganap na nakakabigo. Ang tanong ng kapitalismo sa Russia sa simula ng ika-19 na siglo. hindi tumayo. Samakatuwid, walang ganoong dahilan. Ang tunay na dahilan ay ang Digmaang Patriotiko noong 1812, kung saan ipinakita ang lahat ng kapangyarihan ng inisyatiba ng bayan. Ngunit pagkatapos ng digmaan, hindi nakuha ng mga tao ang kalooban. Ang pinakamahusay sa mga maharlika, na hindi nasisiyahan sa katotohanan, ay pumunta sa Senate Square noong Disyembre 1825. Nag-iwan din ng marka ang pagkilos na ito sa mga creative intelligentsia. Ang magulong mga taon pagkatapos ng digmaan ay naging kapaligiran kung saan nabuo ang romantikong Ruso.

Romantisismo, at, bukod dito, ang atin, Ruso, na binuo at hinulma sa ating orihinal na mga anyo, ang romantikismo ay hindi isang simpleng pampanitikan, ngunit isang kababalaghan sa buhay, isang buong panahon ng moral na pag-unlad, isang panahon na may sariling espesyal na kulay, na nagsagawa ng isang espesyal na pananaw sa buhay ... Hayaang ang romantikong kalakaran ay magmula sa labas, mula sa Kanluraning buhay at mga panitikan sa Kanluran, natagpuan nito sa kalikasan ng Russia ang lupa na handa para sa pang-unawa nito, at samakatuwid ay makikita sa ganap na orihinal na mga phenomena, bilang ang makata at kritiko na si Apollon Grigoriev nasuri - ito ay isang natatanging kultural na kababalaghan, at ang paglalarawan nito ay nagpapakita ng mahalagang pagiging kumplikado ng romantikismo , mula sa mga bituka kung saan lumabas ang batang Gogol at kung kanino siya nauugnay hindi lamang sa simula ng kanyang karera sa pagsusulat, ngunit sa buong buhay niya.

Tumpak din na tinukoy ni Apollon Grigoriev ang likas na katangian ng epekto ng romantikong paaralan sa panitikan at buhay, kabilang ang prosa ng panahong iyon: hindi isang simpleng impluwensya o paghiram, ngunit isang katangian at makapangyarihang buhay at usong pampanitikan na nagbigay ng ganap na orihinal na mga phenomena sa batang panitikan ng Russia. .

a) Panitikan

Ang romantikong Ruso ay karaniwang nahahati sa ilang mga panahon: inisyal (1801-1815), mature (1815-1825) at ang panahon ng post-Decembrist development. Gayunpaman, may kaugnayan sa paunang panahon, ang pagkakatulad ng pamamaraang ito ay kapansin-pansin. Para sa bukang-liwayway ng romantikong Ruso ay nauugnay sa mga pangalan nina Zhukovsky at Batyushkov, ang mga makata na ang trabaho at pananaw sa mundo ay mahirap na magkatabi at ihambing sa loob ng parehong panahon, ang kanilang mga layunin, adhikain, ugali ay ibang-iba. Sa mga tula ng parehong mga makata, ang mapang-akit na impluwensya ng nakaraan, ang panahon ng sentimentalismo, ay nararamdaman pa rin, ngunit kung si Zhukovsky ay nakaugat pa rin dito, kung gayon si Batyushkov ay mas malapit sa mga bagong uso.

Tamang nabanggit ni Belinsky na ang gawain ni Zhukovsky ay nailalarawan sa pamamagitan ng "mga reklamo tungkol sa hindi perpektong pag-asa na walang pangalan, kalungkutan para sa nawawalang kaligayahan, na alam ng Diyos kung ano ang binubuo nito." Sa katunayan, sa katauhan ni Zhukovsky, ang romantikismo ay nagsasagawa pa rin ng mga unang mahiyain na hakbang, na nagbibigay pugay sa sentimental at mapanglaw na pananabik, isang malabo, halos hindi mahahalata na pananabik ng puso, sa madaling salita, sa masalimuot na hanay ng mga damdamin na sa pagpuna sa Russia ay tinatawag na "romantisismo ng Middle Ages."

Isang ganap na kakaibang kapaligiran ang naghahari sa tula ni Batyushkov: ang kagalakan ng pagiging, tapat na kahalayan, isang himno sa kasiyahan.

Si Zhukovsky ay nararapat na itinuturing na isang kilalang kinatawan ng Russian aesthetic humanism. Alien sa malakas na hilig, kampante at maamo si Zhukovsky ay nasa ilalim ng kapansin-pansing impluwensya ng mga ideya ni Rousseau at ng mga romantikong Aleman. Sa pagsunod sa kanila, binigyan niya ng malaking kahalagahan ang aesthetic side sa relihiyon, moralidad, at panlipunang relasyon. Ang sining ay nakakuha ng isang relihiyosong kahulugan mula kay Zhukovsky, hinahangad niyang makita sa sining ang isang "paghahayag" ng mas mataas na mga katotohanan, ito ay "sagrado" para sa kanya. Karaniwang kilalanin ng mga romantikong Aleman ang tula at relihiyon. Nakita natin ang parehong bagay kay Zhukovsky, na sumulat: "Ang tula ay Diyos sa mga banal na panaginip ng lupa." Sa romantikismo ng Aleman, lalo siyang malapit sa pagkahumaling sa lahat ng bagay sa kabila, sa "gilid ng gabi ng kaluluwa", sa "hindi maipahahayag" sa kalikasan at tao. Ang kalikasan sa tula ni Zhukovsky ay napapalibutan ng misteryo, ang kanyang mga tanawin ay makamulto at halos hindi totoo, tulad ng mga pagmuni-muni sa tubig:

Anong insenso ang pinagsama sa lamig ng mga halaman!

Kay tamis sa katahimikan sa dalampasigan ng mga jet splashing!

Gaano katahimik ang hangin ng mga marshmallow sa tubig

At nababaluktot na wilow flutter!

Ang sensitibo, malambot at mapangarapin na kaluluwa ni Zhukovsky ay tila matamis na nag-freeze sa threshold ng "misteryosong liwanag na ito." Ang makata, sa angkop na pagpapahayag ni Belinsky, ay "mahal at kalapati ang kanyang pagdurusa," ngunit ang pagdurusa na ito ay hindi sinasaksak ang kanyang puso ng malupit na sugat, dahil kahit na sa dalamhati at kalungkutan ang kanyang panloob na buhay ay tahimik at matahimik. Samakatuwid, kapag sa isang mensahe kay Batyushkov, "ang anak ng kaligayahan at kasiyahan," tinawag niya ang Epicurean na makata na "kamag-anak sa Muse," mahirap paniwalaan ang relasyon na ito. Sa halip, naniniwala kami sa mabait na si Zhukovsky, na magiliw na nagpapayo sa mang-aawit ng mga kasiyahan sa lupa: "Tanggihan ang kabaliwan, ang mga pangarap ay nakamamatay!"

Si Batyushkov ay isang pigura sa lahat ng bagay na kabaligtaran ni Zhukovsky. Siya ay isang tao ng malakas na hilig, at ang kanyang malikhaing buhay ay pinutol 35 taon na mas maaga kaysa sa kanyang pisikal na pag-iral: bilang isang napakabata na lalaki, siya ay bumulusok sa kailaliman ng kabaliwan. Inilaan niya ang kanyang sarili nang may pantay na puwersa at simbuyo ng damdamin sa parehong kagalakan at kalungkutan: sa buhay, pati na rin sa patula na pag-unawa, siya - hindi katulad ni Zhukovsky - ay dayuhan sa "gintong kahulugan". Bagaman ang kanyang tula ay nailalarawan din ng papuri ng dalisay na pagkakaibigan, ang kagalakan ng isang "mapagpakumbaba na sulok", ngunit ang kanyang idyll ay hindi nangangahulugang katamtaman at tahimik, dahil hindi ito maiisip ni Batyushkov nang walang matamlay na kaligayahan ng madamdaming kasiyahan at pagkalasing sa buhay. Kung minsan, ang makata ay dinadala ng mga senswal na kagalakan na handa siyang walang ingat na tanggihan ang mapang-aping karunungan ng agham:

Nasa katotohanan ba ng malungkot

Mapanglaw na stoics at boring sage,

Nakaupo sa mga damit pang-libing,

Sa pagitan ng mga durog na bato at mga kabaong

Mahahanap ba natin ang tamis ng ating buhay?

Mula sa kanila, nakikita ko ang saya

Lumilipad ito na parang paru-paro mula sa mga matitinik na palumpong.

Para sa kanila walang alindog sa kagandahan ng kalikasan,

Ang mga dalaga ay hindi umaawit sa kanila, na nagsasama-sama sa mga pabilog na sayaw;

Para sa kanila, para sa mga bulag,

Ang tagsibol na walang kagalakan at tag-araw na walang mga bulaklak.

Ang tunay na trahedya ay bihirang marinig sa kanyang mga tula. Sa pagtatapos lamang ng kanyang malikhaing buhay, nang magsimula siyang magpakita ng mga palatandaan ng sakit sa isip, ang isa sa kanyang mga huling tula ay naitala sa ilalim ng pagdidikta, kung saan ang mga motif ng kawalang-saysay ng pag-iral sa lupa ay malinaw na tunog:

Naalala mo ba yung sinabi mo

Nagpaalam sa buhay, may buhok na Melchizedek?

Ang tao ay ipinanganak na alipin

Hihiga na parang alipin sa libingan,

At halos hindi sasabihin sa kanya ng kamatayan

Bakit siya lumakad sa lambak ng kamangha-manghang mga luha,

Nagdusa, umiyak, nagtiis,

Sa Russia, ang romantikismo bilang isang usong pampanitikan na binuo noong ikadalawampu ng ikalabinsiyam na siglo. Ang mga pinagmulan nito ay mga makata, mga manunulat ng prosa, mga manunulat, lumikha sila ng romantikong Ruso, na naiiba sa "Western European" sa pambansa, orihinal na karakter nito. Ang romantikong Ruso ay binuo ng mga makata ng unang kalahati ng ikalabinsiyam na siglo, at ang bawat makata ay nagdala ng bago. Ang romantikong Ruso ay malawak na binuo, nakakuha ng mga katangiang katangian, at naging isang malayang kalakaran sa panitikan. Sa "Ruslan at Lyudmila" A.S. Pushkin mayroong mga linya: "Mayroong isang espiritu ng Russia, doon ito amoy ng Russia." Ang parehong ay maaaring sinabi tungkol sa Russian romanticism. Ang mga bayani ng mga romantikong akda ay mga makatang kaluluwa na nagsusumikap para sa "mataas" at maganda. Ngunit mayroong isang pagalit na mundo na hindi nagpapahintulot sa iyo na madama ang kalayaan, na nag-iiwan sa mga kaluluwang ito na hindi maintindihan. Ang mundong ito ay magaspang, kaya ang mala-tula na kaluluwa ay tumakas sa iba, kung saan mayroong isang ideal, ito ay nagsusumikap para sa "walang hanggan". Ang romantikismo ay batay sa labanang ito. Ngunit iba ang naging reaksyon ng mga makata sa sitwasyong ito. Zhukovsky, Pushkin, Lermontov, nagpapatuloy mula sa isang bagay, bumuo ng relasyon ng kanilang mga bayani at ng mundo sa kanilang paligid sa iba't ibang paraan, samakatuwid ang kanilang mga bayani ay may iba't ibang mga landas patungo sa perpekto.

Ang katotohanan ay kakila-kilabot, bastos, walang pakundangan at makasarili, walang lugar dito para sa mga damdamin, pangarap at pagnanasa ng makata, ang kanyang mga bayani. "Totoo" at walang hanggan - sa kabilang mundo. Samakatuwid ang konsepto ng dalawang mundo, ang makata ay nagsusumikap para sa isa sa mga mundong ito sa paghahanap ng isang ideal.

Ang posisyon ni Zhukovsky ay hindi ang posisyon ng isang tao na pumasok sa isang pakikibaka sa labas ng mundo, na hinamon siya. Ito ay isang landas sa pamamagitan ng pagkakaisa sa kalikasan, isang landas ng pagkakaisa sa kalikasan, sa isang walang hanggan at magandang mundo. Si Zhukovsky, sa opinyon ng maraming mananaliksik (kabilang si Yu.V. Mann), ay nagpapahayag ng kanyang pag-unawa sa prosesong ito ng pagkakaisa sa The Inexpressible. Ang pagkakaisa ay ang paglipad ng kaluluwa. Ang kagandahan na nakapaligid sa iyo ay pumupuno sa iyong kaluluwa, ito ay nasa iyo, at ikaw ay nasa loob nito, ang kaluluwa ay lumilipad, ni oras o espasyo ay umiiral, ngunit ikaw ay umiiral sa kalikasan, at sa sandaling ito ay nabubuhay ka, nais mong kantahin ang tungkol sa kagandahang ito. , ngunit walang mga salita upang ipahayag ang iyong estado, mayroon lamang isang pakiramdam ng pagkakaisa. Hindi ka naaabala ng mga tao sa paligid mo, mga kaluluwang prosaic, mas marami ang bukas sa iyo, ikaw ay malaya.

Nilapitan nina Pushkin at Lermontov ang problemang ito ng romantikismo nang iba. Walang alinlangan na ang impluwensyang ginawa ni Zhukovsky kay Pushkin ay hindi maipapakita sa gawain ng huli. Ang maagang gawain ni Pushkin ay nailalarawan sa "sibil" na romantikismo. Sa ilalim ng impluwensya ng "The Singer in the Camp of Russian Warriors" Zhukovsky at ang mga gawa ni Griboyedov, si Pushkin ay sumulat ng isang ode sa "Liberty", "To Chaadaev". Sa huli, tinawag niya:

"Aking kaibigan! Ilaan natin ang ating mga kaluluwa sa Ama na may kahanga-hangang mga impulses ...". Ito ang parehong pagnanais para sa ideyal na mayroon si Zhukovsky, tanging si Pushkin ang nakakaunawa ng perpekto sa kanyang sariling paraan, samakatuwid ang landas sa perpekto ay naiiba para sa makata. Hindi niya gusto at hindi maaaring magsikap para sa ideal na mag-isa, ang tawag sa kanya ng makata. Iba ang tingin ni Pushkin sa realidad at sa ideal. Hindi mo ito matatawag na rebelyon, ito ay repleksyon sa mga rebeldeng elemento. Ito ay makikita sa ode na "Dagat". Ito ang lakas at kapangyarihan ng dagat, malaya ang dagat, naabot na nito ang ideal. Ang tao ay dapat ding maging malaya, ang kanyang espiritu ay dapat na malaya.

Ang paghahanap para sa isang ideal ay ang pangunahing katangian ng romanticism. Ipinakita nito ang sarili sa gawain ni Zhukovsky, at Pushkin, at Lermontov. Lahat ng tatlong makata ay naghahanap ng kalayaan, ngunit hinanap nila ito sa iba't ibang paraan, naiintindihan nila ito nang iba. Si Zhukovsky ay naghahanap ng kalayaang ipinadala ng "tagalikha". Ang pagkakaroon ng natagpuan ang pagkakaisa, ang isang tao ay nagiging malaya. Para kay Pushkin, ang kalayaan ng espiritu ay mahalaga, na dapat magpakita mismo sa isang tao. Para kay Lermontov, ang rebeldeng bayani lamang ang libre. Paghihimagsik para sa kalayaan, ano ang mas maganda? Ang saloobing ito sa ideyal ay napanatili sa mga liriko ng pag-ibig ng mga makata. Sa aking opinyon, ang relasyon na ito ay dahil sa oras. Bagama't lahat sila ay nagtrabaho halos sa parehong panahon, ang oras ng kanilang trabaho ay naiiba, ang mga kaganapan ay nabuo nang may pambihirang bilis. Malaki rin ang impluwensya ng mga tauhan ng mga makata sa kanilang relasyon. Ang kalmado na si Zhukovsky at ang rebeldeng Lermontov ay ganap na kabaligtaran. Ngunit ang romantikong Ruso ay tiyak na umunlad dahil ang mga katangian ng mga makata na ito ay naiiba. Nagpakilala sila ng mga bagong konsepto, bagong karakter, bagong mithiin, nagbigay ng kumpletong larawan kung ano ang kalayaan, kung ano ang totoong buhay. Ang bawat isa sa kanila ay kumakatawan sa sarili nitong landas patungo sa ideal, ito ang karapatan ng pagpili para sa bawat indibidwal.

Ang mismong paglitaw ng romantikismo ay lubhang nakababahala. Ang pagkatao ng tao ngayon ay nakatayo sa gitna ng buong mundo. Ang "Ako" ng tao ay nagsimulang bigyang-kahulugan bilang batayan at kahulugan ng lahat ng pag-iral. Ang buhay ng tao ay nagsimulang ituring bilang isang gawa ng sining, sining. Laganap ang romantikismo noong ika-19 na siglo. Ngunit hindi lahat ng mga makata na tinawag ang kanilang sarili na mga romantiko ay naghatid ng kakanyahan ng kalakaran na ito.

Ngayon, sa pagtatapos ng ika-20 siglo, maaari na nating uriin ang mga romantiko noong nakaraang siglo batay dito sa dalawang grupo. Ang isa at marahil ang pinakamalawak na grupo ay ang nagbuklod sa "pormal" na mga romantiko. Mahirap maghinala sa kanila ng kawalang-katapatan, sa kabaligtaran, napakatumpak nilang ihatid ang kanilang mga damdamin. Kabilang sa mga ito ay sina Dmitry Venevitinov (1805-1827) at Alexander Polezhaev (1804-1838). Ginamit ng mga makata na ito ang romantikong anyo, na isinasaalang-alang ito ang pinaka-angkop para sa pagkamit ng kanilang masining na layunin. Kaya, isinulat ni D. Venevitinov:

Pakiramdam ko nasusunog ito sa loob ko

Banal na apoy ng inspirasyon

Ngunit ang diwa ay pumapaitaas patungo sa madilim na layunin...

Makakahanap ba ako ng maaasahang bangin,

Saan ko ipagpapahinga ang aking matatag na paa?

Ito ay isang tipikal na romantikong tula. Gumagamit ito ng tradisyunal na romantikong bokabularyo - ito ay parehong "ang apoy ng inspirasyon" at "sumisikat na espiritu". Kaya, inilalarawan ng makata ang kanyang damdamin. Pero wala na. Ang makata ay nakatali sa balangkas ng romanticism, ang "verbal appearance" nito. Ang lahat ay pinasimple sa ilang mga selyo.

Ang mga kinatawan ng isa pang grupo ng mga romantiko noong ika-19 na siglo, siyempre, ay sina A.S. Pushkin at M. Lermontov. Ang mga makata na ito, sa kabaligtaran, ay pinunan ang romantikong anyo ng kanilang sariling nilalaman. Ang romantikong panahon sa buhay ni A. Pushkin ay maikli, kaya kakaunti ang mga romantikong gawa niya. Ang "Prisoner of the Caucasus" (1820-1821) ay isa sa mga pinakaunang romantikong tula ni A.S. Pushkin. Bago sa amin ay isang klasikong bersyon ng isang romantikong gawa. Ang may-akda ay hindi nagbibigay sa amin ng isang larawan ng kanyang bayani, hindi namin alam ang kanyang pangalan. At hindi ito nakakagulat - lahat ng mga romantikong bayani ay magkatulad sa bawat isa. Bata pa sila, maganda... at malungkot. Ang balangkas ng trabaho ay klasikal din na romantiko. Isang bilanggo na Ruso kasama ang mga Circassian, isang batang babaeng Circassian ang umibig sa kanya at tinulungan siyang makatakas. Ngunit siya ay walang pag-asa na nagmamahal sa isa pa... Ang tula ay nagtatapos sa tragically - ang Circassian ay itinapon ang sarili sa tubig at namatay, at ang Ruso, napalaya mula sa "pisikal" na pagkabihag, ay nahulog sa isa pa, mas masakit na pagkabihag - pagkabihag ng kaluluwa. Ano ang alam natin tungkol sa nakaraan ng bayani?

Malayo ang daan patungo sa Russia...

.....................................

Kung saan niyakap niya ang matinding pagdurusa,

Kung saan nasira ang hectic na buhay

Pag-asa, kagalakan at pagnanais.

Dumating siya sa steppe sa paghahanap ng kalayaan, sinubukang tumakas mula sa kanyang nakaraang buhay. At ngayon, nang ang kaligayahan ay tila malapit na, kailangan niyang tumakbo muli. Pero saan? Bumalik sa mundo kung saan siya "niyakap ang kakila-kilabot na pagdurusa."

Taksil ng liwanag, kaibigan ng kalikasan,

Iniwan niya ang kanyang sariling lupain

At lumipad sa malayong lupain

Na may masayang multo ng kalayaan.

Ngunit ang "multo ng kalayaan" ay nanatiling multo lamang. Hangganan niya ang romantikong bayani. Ang isa pang romantikong tula ay "Gypsies". Sa loob nito, hindi muling binibigyan ng may-akda ang mambabasa ng isang larawan ng bayani, alam lamang natin ang kanyang pangalan - Aleko. Dumating siya sa kampo upang malaman ang tunay na kasiyahan, tunay na kalayaan. Para sa kanyang kapakanan, iniwan niya ang lahat ng nakapaligid sa kanya noon. Malaya ba siya at masaya? Tila mahal ni Aleko, ngunit sa pakiramdam na ito ay kasawian at paghamak lamang ang dumarating sa kanya. Si Aleko, na labis na naghahangad ng kalayaan, ay hindi makilala ang kalooban ng ibang tao. Sa tulang ito, ang isa pa sa mga labis na katangian ng pananaw sa mundo ng romantikong bayani ay ipinakita - pagkamakasarili at kumpletong hindi pagkakatugma sa labas ng mundo. Si Aleko ay hindi pinarusahan ng kamatayan, ngunit mas masahol pa - sa pamamagitan ng kalungkutan at debate. Siya ay nag-iisa sa mundo kung saan siya tumakas, ngunit sa isa pa, kaya kanais-nais, siya ay naiwang mag-isa muli.

Bago isulat ang The Prisoner of the Caucasus, minsang sinabi ni Pushkin: "Hindi ako karapat-dapat na maging bayani ng isang romantikong tula"; gayunpaman, sa parehong oras, noong 1820, isinulat ni Pushkin ang kanyang tula na "Namatay ang liwanag ng araw ...". Dito makikita mo ang lahat ng bokabularyo na likas sa romantikismo. Ito ang "malayong pampang", at "mapanglaw na karagatan", at "katuwaan at pananabik", na nagpapahirap sa may-akda. Ang refrain ay tumatakbo sa buong tula:

Kumaway ka sa ilalim ko, masungit na karagatan.

Ito ay naroroon hindi lamang sa paglalarawan ng kalikasan, kundi pati na rin sa paglalarawan ng damdamin ng bayani.

... Ngunit ang dating pusong sugat,

Malalim na sugat ng pag-ibig, walang naghilom...

Ingay, ingay, masunuring layag,

Mag-alala sa ilalim ko, madilim na karagatan...

Ibig sabihin, nagiging ibang karakter ang kalikasan, isa pang liriko na bayani ng tula. Nang maglaon, noong 1824, isinulat ni Pushkin ang tula na "Sa Dagat". Ang romantikong bayani sa loob nito, tulad ng sa "The light of day went out ...", muling naging may-akda mismo. Dito tinutukoy ni Pushkin ang dagat bilang isang tradisyonal na simbolo ng kalayaan. Ang dagat ay isang elemento, na nangangahulugang kalayaan at kaligayahan. Gayunpaman, itinayo ni Pushkin ang tulang ito nang hindi inaasahan:

Naghintay ka, tumawag ka... nakadena ako;

Narito ang aking kaluluwa ay napunit:

Nabighani ng matinding pagsinta,

Nanatili ako sa dalampasigan...

Masasabi nating kinukumpleto ng tulang ito ang romantikong panahon ng buhay ni Pushkin. Ito ay isinulat ng isang lalaking nakakaalam na pagkatapos makamit ang tinatawag na "pisikal" na kalayaan, ang romantikong bayani ay hindi nagiging masaya.

Sa kagubatan, sa disyerto ay tahimik

Ililipat ko, punong-puno ka,

Ang iyong mga bato, ang iyong mga bay...

Sa oras na ito, dumating si Pushkin sa konklusyon na ang tunay na kalayaan ay maaari lamang umiral sa loob ng isang tao at ito lamang ang makapagpapasaya sa kanya.

Ang variant ng romantikismo ni Byron ay nabuhay at nadama sa kanyang trabaho ang una sa kulturang Ruso na Pushkin, pagkatapos ay si Lermontov. Si Pushkin ay may regalo para sa pagbibigay pansin sa mga tao, ngunit ang pinaka romantikong mga romantikong tula sa gawa ng mahusay na makata at manunulat ng prosa ay walang alinlangan na The Fountain of Bakhchisarai.

Ang tula na "The Fountain of Bakhchisaray" ay nagpapatuloy lamang sa paghahanap ni Pushkin sa genre ng isang romantikong tula. At tiyak na napigilan ito ng pagkamatay ng dakilang manunulat na Ruso.

Ang romantikong tema sa trabaho ni Pushkin ay nakatanggap ng dalawang magkakaibang mga pagpipilian: mayroong isang kabayanihan na romantikong bayani ("bihag", "magnanakaw", "takas"), na nakikilala sa pamamagitan ng isang malakas na kalooban, na dumaan sa isang malupit na pagsubok ng marahas na mga hilig, at mayroong isang naghihirap na bayani kung saan ang banayad na emosyonal na mga karanasan ay hindi tugma sa kalupitan ng labas ng mundo ("pagkatapon", "bilanggo"). Ang pasibo na simula sa isang romantikong karakter ngayon ay nakakuha ng isang pambabae na pagkukunwari sa Pushkin. Ang Fountain ng Bakhchisaray ay tiyak na bumuo ng aspetong ito ng romantikong bayani.

Sa "Prisoner of the Caucasus" ang lahat ng pansin ay binayaran sa "bihag" at napakaliit sa "Circassian", ngayon sa kabaligtaran - si Khan Girey ay hindi hihigit sa isang hindi dramatikong pigura, at sa katunayan ang pangunahing karakter ay isang babae, kahit dalawa - sina Zarema at Maria. Ang solusyon sa duality ng bayani na natagpuan sa mga nakaraang tula (sa pamamagitan ng imahe ng mga nakakadena na kapatid) ay ginamit din ni Pushkin dito: ang pasibo na simula ay inilalarawan sa harap ng dalawang karakter - ang nagseselos, madamdamin sa pag-ibig Zarema at ang malungkot , nawalan ng pag-asa at pagmamahal kay Maria. Pareho silang dalawang magkasalungat na hilig ng isang romantikong kalikasan: pagkabigo, kawalan ng pag-asa, kawalan ng pag-asa at sa parehong oras espirituwal na sigasig, intensity ng damdamin; ang kontradiksyon ay malulutas nang malungkot sa tula - ang pagkamatay ni Maria ay hindi rin nagdulot ng kaligayahan kay Zarema, dahil sila ay konektado sa pamamagitan ng mahiwagang ugnayan. Kaya sa The Robber Brothers, ang pagkamatay ng isa sa magkapatid ay tuluyang natabunan ang buhay ng isa pa.

Gayunpaman, tama ang sinabi ni B.V. Tomashevsky, "ang liriko na paghihiwalay ng tula ay tumutukoy din sa ilang kakulangan ng nilalaman ... Ang moral na tagumpay laban kay Zarema ay hindi humahantong sa karagdagang mga konklusyon at pagmumuni-muni ... "Ang Bilanggo ng Caucasus" ay may malinaw na pagpapatuloy sa gawa ni Pushkin: parehong pinahihintulutan nina Aleko at Eugene Onegin ... mga tanong na ibinabanta sa unang tula sa timog. Ang "The Fountain of Bakhchisarai" ay walang ganoong pagpapatuloy ... "

Hinanap at tinukoy ni Pushkin ang pinaka-mahina na lugar sa romantikong posisyon ng isang tao: gusto niya ang lahat para lamang sa kanyang sarili.

Ang tula ni Lermontov na "Mtsyri" ay hindi rin ganap na sumasalamin sa mga katangian ng romantikismo.

Mayroong dalawang romantikong bayani sa tulang ito, samakatuwid, kung ito ay isang romantikong tula, kung gayon ito ay lubhang kakaiba: una, ang pangalawang bayani ay inihatid ng may-akda sa pamamagitan ng isang epigraph; pangalawa, ang may-akda ay hindi kumonekta kay Mtsyri, nilulutas ng bayani ang problema ng sariling kagustuhan sa kanyang sariling paraan, at iniisip lamang ni Lermontov sa buong tula ang paglutas ng problemang ito. Hindi niya hinuhusgahan ang kanyang bayani, ngunit hindi rin niya ito binibigyang-katwiran, ngunit kumuha siya ng isang tiyak na posisyon - pag-unawa. Lumalabas na ang romantikismo sa kulturang Ruso ay binago sa pagmuni-muni. Lumalabas ang pagiging romantiko sa mga tuntunin ng pagiging totoo.

Masasabing hindi nagawa nina Pushkin at Lermontov na maging mga romantiko (bagaman minsan ay nagawa ni Lermontov na sumunod sa mga romantikong batas - sa drama na 'Masquerade'). Sa pamamagitan ng kanilang mga eksperimento, ipinakita ng mga makata na sa Inglatera ang posisyon ng isang indibidwalista ay maaaring maging mabunga, ngunit hindi sa Russia. Bagama't nabigo sina Pushkin at Lermontov na maging romantiko, nagbigay-daan sila sa pag-unlad ng realismo. Noong 1825, ang unang makatotohanang gawain ay nai-publish: "Boris Godunov", pagkatapos ay "The Captain's Daughter", "Eugene Onegin", "A Hero of Our Time" at marami pang iba.

b) Pagpipinta

Sa visual arts, ang romantikismo ay malinaw na ipinakita sa pagpipinta at mga graphic, hindi gaanong ipinahayag sa iskultura at arkitektura. Ang mga romantikong pintor ng Russia ay mga kilalang kinatawan ng romantikismo sa visual arts. Sa kanilang mga canvases ay ipinahayag nila ang diwa ng pag-ibig sa kalayaan, aktibong pagkilos, madamdamin at temperamental na umapela sa pagpapakita ng humanismo. Ang mga pang-araw-araw na canvases ng mga pintor ng Russia ay nakikilala sa pamamagitan ng kaugnayan at sikolohiya, walang uliran na pagpapahayag. Ang mga espiritwal at mapanglaw na tanawin ay muli ang parehong pagtatangka ng mga romantiko na tumagos sa mundo ng mga tao, upang ipakita kung paano nabubuhay at nangangarap ang isang tao sa sublunar na mundo. Ang romantikong pagpipinta ng Russia ay naiiba sa dayuhan. Natukoy ito ng makasaysayang sitwasyon at tradisyon.

Mga tampok ng romantikong pagpipinta ng Russia:

Ang ideolohiya ng paliwanag ay humina ngunit hindi bumagsak, tulad ng sa Europa. Samakatuwid, ang romantikismo ay hindi binibigkas.

Ang romantikismo ay nabuo kasabay ng klasiko, na madalas na magkakaugnay dito.

Ang akademikong pagpipinta sa Russia ay hindi pa naubos ang sarili nito.

Ang Romantisismo sa Russia ay hindi isang matatag na kababalaghan, ang mga romantiko ay naakit sa akademiko. Sa kalagitnaan ng siglo XIX. halos mawala na ang romantikong tradisyon.

Ang mga gawa na may kaugnayan sa romanticism ay nagsimulang lumitaw sa Russia noong 1790s (ang mga gawa ni Feodosy Yanenko "Travelers Caught in a Storm" (1796), "Self-Portrait in a Helmet" (1792). Ang prototype ay halata sa kanila - Salvator Rosa, sikat na sikat sa pagliko ng ika-18 at ika-19 na siglo. Nang maglaon, mapapansin ang impluwensya ng proto-Romantic artist na ito sa gawa ni Alexander Orlovsky. Sinamahan ng mga tulisan, mga eksena sa campfire, mga labanan ang kanyang buong karera. Gaya sa ibang mga bansa , ang mga artist na kabilang sa Russian romanticism ay nagpakilala sa mga portrait, landscape at genre na mga eksena ng isang ganap na bagong emosyonal na mood.

Sa Russia, ang romantikismo ay nagsimulang magpakita mismo sa portrait painting. Sa unang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo, sa karamihan, nawalan siya ng pakikipag-ugnayan sa mataas na ranggo ng aristokrasya. Ang isang makabuluhang lugar ay nagsimulang sakupin ng mga larawan ng mga makata, artista, mga patron ng sining, ang imahe ng mga ordinaryong magsasaka. Ang kalakaran na ito ay partikular na binibigkas sa gawain ng O.A. Kiprensky (1782 - 1836) at V.A. Tropinin (1776 - 1857).

Si Vasily Andreevich Tropinin ay nagsumikap para sa isang buhay na buhay, tahimik na katangian ng isang tao, na ipinahayag sa pamamagitan ng kanyang larawan. Ang portrait ng isang anak na lalaki (1818), "Portrait of A.S. Pushkin" (1827), "Self-portrait" (1846) ay humanga hindi sa isang portrait na pagkakahawig sa mga orihinal, ngunit sa isang hindi pangkaraniwang banayad na pagtagos sa panloob na mundo ng isang tao.

Larawan ng isang anak na lalaki- Si Arsenia Tropinina ay isa sa mga pinakamahusay sa trabaho ng master. Napakaganda, malambot na gintong mga kulay na nakapagpapaalaala sa pagpipinta ng valerie noong ika-18 siglo. Gayunpaman, kumpara sa isang tipikal na larawan ng mga bata sa romanticism ng XVIII na siglo. dito ang walang pinapanigan na disenyo ay kapansin-pansin - ang batang ito ay nag-pose sa napakaliit na lawak. Lumipad ang tingin ni Arseny sa tumitingin, nakasuot ito ng kaswal, ang gate ay parang aksidenteng nabuksan. Ang kakulangan ng pagiging kinatawan ay nasa pambihirang pagkapira-piraso ng komposisyon: pinupuno ng ulo ang halos buong ibabaw ng canvas, ang imahe ay pinutol hanggang sa mga collarbone, at sa gayon ang mukha ng batang lalaki ay awtomatikong inilipat patungo sa manonood.

Pambihirang kawili-wiling kasaysayan ng paglikha "Larawan ng Pushkin". Tulad ng dati, para sa unang kakilala kay Pushkin, si Tropinin ay dumating sa bahay ni Sobolevsky sa palaruan ng aso, kung saan nakatira ang makata. Natagpuan siya ng artista sa kanyang opisina na kinakalikot ang mga tuta. Kasabay nito, tila, ito ay isinulat ayon sa unang impression, na labis na pinahahalagahan ni Tropinin, isang maliit na sketch. Sa mahabang panahon ay nanatili siyang wala sa paningin ng mga humahabol sa kanya. Pagkaraan lamang ng halos isang daang taon, noong 1914, inilathala ito ni P.M. Si Shchekotov, na sumulat na sa lahat ng mga larawan ni Alexander Sergeevich, siya ay "pinakadala ng kanyang mga tampok ... ang mga asul na mata ng makata ay puno ng isang espesyal na ningning dito, ang pagliko ng ulo ay mabilis, at ang mga tampok ng mukha ay nagpapahayag at mobile. . Walang alinlangan, narito ang mga tunay na tampok ng mukha ni Pushkin, na isa-isa nating nakikilala sa isa o isa pa sa mga larawang napunta sa atin. Ito ay nananatiling palaisipan," dagdag ni Shchekotov, "kung bakit ang kaakit-akit na sketch na ito ay hindi nakatanggap ng nararapat na atensyon mula sa mga publisher at connoisseurs ng makata." Ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng mismong mga katangian ng maliit na sketch: walang kinang ng mga kulay, o kagandahan ng brushstroke, o mahusay na nakasulat na "roundabouts" dito. At ang Pushkin dito ay hindi isang tanyag na "vitia", hindi isang "henyo", ngunit, higit sa lahat, isang lalaki. At halos hindi katanggap-tanggap sa pagsusuri kung bakit ang napakagandang nilalaman ng tao ay nakapaloob sa monochromatic grayish-green, olive scale, sa padalos-dalos, na parang mga random na stroke ng brush ng isang halos hindi matukoy na etude. Ang pagpunta sa memorya sa buong buhay at kasunod na mga larawan ng Pushkin, ang sketch na ito sa mga tuntunin ng lakas ng sangkatauhan ay maaaring ilagay sa tabi ng pigura ng Pushkin, na nililok ng iskultor ng Sobyet na si A. Matveev. Ngunit hindi ito ang gawain na itinakda ni Tropinin sa kanyang sarili, hindi ito ang uri ng Pushkin na gustong makita ng kanyang kaibigan, kahit na inutusan niyang ilarawan ang makata sa isang simple, parang bahay na anyo.

Sa pagtatasa ng artist, si Pushkin ay "ang tsar-makata". Ngunit isa rin siyang makatang bayan, sarili niya at malapit sa lahat. "Ang pagkakahawig ng larawan sa orihinal ay kapansin-pansin," isinulat ni Polevoy sa dulo nito, bagaman nabanggit niya ang kakulangan ng "bilis ng paningin" at ang "buhay na ekspresyon ng mukha," na nagbabago at binubuhay ang Pushkin sa bawat bago. impresyon.

Sa larawan, ang lahat ay naisip at napatunayan sa pinakamaliit na detalye, at sa parehong oras ay walang sinadya, walang ipinakilala ng artist. Kahit na ang mga singsing na nagpapalamuti sa mga daliri ng makata ay naka-highlight sa lawak na si Pushkin mismo ay nagbigay ng kahalagahan sa kanila sa buhay. Kabilang sa mga kaakit-akit na paghahayag ng Tropinin, ang larawan ng Pushkin ay tumatama sa sonority ng saklaw nito.

Ang romanticism ni Tropinin ay malinaw na nagpahayag ng sentimentalistic na pinagmulan. Si Tropinin ang nagtatag ng genre, medyo idealized na larawan ng isang tao mula sa mga tao ("The Lacemaker" (1823)). "Parehong mga connoisseurs at hindi connoisseurs," ang isinulat ni Svinin tungkol sa "Lacemaker" -- humanga kapag tinitingnan ang larawang ito, na tunay na nag-uugnay sa lahat ng kagandahan ng sining ng larawan: ang kaaya-aya ng brush, ang tama, masayang pag-iilaw, ang kulay ay malinaw, natural, bukod dito, ang larawang ito ay nagpapakita ng kaluluwa ng isang kagandahan at iyon. mapanlinlang na tingin ng curiosity na ibinato niya sa isang taong pumasok ng mga sandaling iyon. Ang kanyang mga braso, na nakabukas sa siko, ay tumigil sa kanyang tingin, ang trabaho ay tumigil, isang buntong-hininga ang lumipad mula sa kanyang birhen na dibdib, na natatakpan ng isang muslin scarf - at ang lahat ng ito ay inilalarawan nang may ganoong katotohanan at pagiging simple na ang larawang ito ay madaling magkamali. para sa pinakamatagumpay na gawain ng maluwalhating Pangarap. Ang mga pangalawang bagay, tulad ng isang lace na unan at isang tuwalya, ay inayos nang may mahusay na sining at ginawa nang may katapusan ... ”

Sa simula ng ika-19 na siglo, ang Tver ay isang makabuluhang sentro ng kultura ng Russia. Ang lahat ng mga kilalang tao ng Moscow ay narito para sa mga gabing pampanitikan. Dito, nakilala ng batang Orest Kiprensky si A.S. Pushkin, na ang larawan, na ipininta kalaunan, ay naging perlas ng sining ng larawan ng mundo, at ilalaan ni A.S. Pushkin ang mga tula sa kanya, kung saan tatawagin niya siyang "ang paborito ng light-winged na fashion." Larawan ng Pushkin ang mga brush ni O. Kiprensky ay isang buhay na personipikasyon ng isang mala-tula na henyo. Sa determinadong pag-ikot ng ulo, sa mga bisig na masiglang nakakrus sa dibdib, ang buong anyo ng makata ay nagpapakita ng isang pakiramdam ng kalayaan at kalayaan. Ito ay tungkol sa kanya na sinabi ni Pushkin: "Nakikita ko ang aking sarili bilang isang salamin, ngunit ang salamin na ito ay nagpapapuri sa akin." Sa gawain sa larawan ng Pushkin, sina Tropinin at Kiprensky ay nagkita sa huling pagkakataon, kahit na ang pagpupulong na ito ay hindi naganap mismo, ngunit pagkalipas ng maraming taon sa kasaysayan ng sining, kung saan, bilang panuntunan, dalawang larawan ng pinakadakilang makatang Ruso. ay inihambing, nilikha nang sabay-sabay, ngunit sa iba't ibang mga lugar - isa sa Moscow. Isa pa sa St. Petersburg. Ngayon ito ay isang pulong ng mga masters na pantay na mahusay sa kanilang kahalagahan para sa sining ng Russia. Bagaman inaangkin ng mga hinahangaan ni Kiprensky na ang mga artistikong bentahe ay nasa gilid ng kanyang romantikong larawan, kung saan ipinakita ang makata na nalubog sa kanyang sariling mga kaisipan, nag-iisa sa muse, ang nasyonalidad at demokrasya ng imahe ay tiyak na nasa panig ng Pushkin ni Tropininsky.

Kaya, ang dalawang larawan ay sumasalamin sa dalawang lugar ng sining ng Russia, na puro sa dalawang kabisera. At kalaunan ay isusulat ng mga kritiko na ang Tropinin ay para sa Moscow kung ano ang Kiprensky para sa St. Petersburg.

Ang isang natatanging tampok ng mga larawan ni Kiprensky ay ang pagpapakita ng espirituwal na kagandahan at panloob na kadakilaan ng isang tao. Ang larawan ng isang bayani, matapang at malakas ang pakiramdam, ay dapat na isama ang mga kalunos-lunos ng mapagmahal sa kalayaan at makabayan na damdamin ng isang advanced na taong Ruso.

sa harap "Larawan ni E.V. Davydov"(1809) ay nagpapakita ng pigura ng isang opisyal, na direktang nagpakita ng pagpapahayag ng kultong iyon ng isang malakas at matapang na personalidad, na napaka tipikal para sa romantikismo ng mga taong iyon. Ang fragmentarily na ipinakita na tanawin, kung saan ang isang sinag ng liwanag ay nakikipagpunyagi sa kadiliman, ay nagpapahiwatig ng mga espirituwal na pagkabalisa ng bayani, ngunit sa kanyang mukha ay may isang pagmuni-muni ng panaginip na sensitivity. Hinahanap ni Kiprensky ang "tao" sa isang tao, at ang perpekto ay hindi nakakubli sa mga personal na katangian ng karakter ng modelo mula sa kanya.

Ang mga larawan ni Kiprensky, kung titingnan mo sila gamit ang iyong isip, ipakita ang espirituwal at likas na yaman ng isang tao, ang kanyang intelektwal na lakas. Oo, mayroon siyang ideyal ng isang maayos na personalidad, gaya ng binanggit ng kanyang mga kontemporaryo, ngunit hindi hinangad ni Kiprensky na literal na maipakita ang ideyal na ito sa isang masining na imahe. Sa paglikha ng isang masining na imahe, siya ay nagmula sa kalikasan, na parang sinusukat kung gaano kalayo o malapit ito sa gayong ideal. Sa katunayan, marami sa mga inilalarawan niya ay nasa bisperas ng ideal, na nakadirekta dito, habang ang ideal mismo, ayon sa mga ideya ng romantikong aesthetics, ay halos hindi makakamit, at ang lahat ng romantikong sining ay isang landas lamang dito.

Napansin ang mga kontradiksyon sa kaluluwa ng kanyang mga bayani, na nagpapakita sa kanila sa mga sandali ng pagkabalisa ng buhay, kapag nagbago ang kapalaran, nasira ang mga lumang ideya, umalis ang kabataan, atbp., Tila nararanasan ni Kiprensky kasama ang kanyang mga modelo. Samakatuwid ang espesyal na paglahok ng pintor ng portrait sa interpretasyon ng mga masining na imahe, na nagbibigay sa portrait ng isang intimate touch.

Sa unang bahagi ng panahon ng pagkamalikhain sa Kiprensky hindi ka makakakita ng mga mukha na nahawaan ng pag-aalinlangan, pagsusuri na nakakasira sa kaluluwa. Darating ito sa ibang pagkakataon, kapag ang romantikong oras ay makakaligtas sa taglagas nito, na nagbibigay daan sa iba pang mga mood at damdamin, kapag ang pag-asa para sa tagumpay ng ideal ng isang maayos na personalidad ay gumuho. Sa lahat ng mga larawan ng 1800s at ang mga larawang isinagawa sa Tver, si Kiprensky ay nagpapakita ng isang matapang na brush, madali at malayang pagbuo ng isang form. Ang pagiging kumplikado ng mga diskarte, ang likas na katangian ng pigura ay nagbago mula sa trabaho patungo sa trabaho.

Kapansin-pansin na hindi mo makikita ang heroic elation sa mga mukha ng kanyang mga bayani, sa kabaligtaran, karamihan sa mga mukha ay medyo malungkot, sila ay nagpapakasawa sa mga pagmumuni-muni. Tila ang mga taong ito ay nag-aalala tungkol sa kapalaran ng Russia, iniisip nila ang hinaharap kaysa sa kasalukuyan. Sa mga babaeng imahe na kumakatawan sa mga asawa, mga kapatid na babae ng mga kalahok sa mga makabuluhang kaganapan, si Kiprensky ay hindi rin nagsusumikap para sa sadyang kabayanihan na kagalakan. Ang pakiramdam ng kagaanan, pagiging natural ay nangingibabaw. Kasabay nito, sa lahat ng mga larawan ay may napakaraming tunay na maharlika ng kaluluwa. Ang mga larawan ng kababaihan ay umaakit sa kanilang mababang dignidad, integridad ng kalikasan; sa mga mukha ng mga tao ay maaaring hulaan ang isang matanong na pag-iisip, isang kahandaan para sa asetisismo. Ang mga larawang ito ay kasabay ng lumalagong etikal at aesthetic na mga ideya ng mga Decembrist. Ang kanilang mga iniisip at adhikain ay ibinahagi ng marami (ang paglikha ng mga lihim na lipunan na may ilang mga programang panlipunan at pampulitika ay nahuhulog sa panahon ng 1816-1821), alam ng artista ang tungkol sa kanila, at samakatuwid ay masasabi natin na ang kanyang mga larawan ng mga kalahok sa mga kaganapan ng 1812-1814, mga larawan ng mga magsasaka, nilikha sa parehong mga taon - isang uri ng artistikong kahanay sa mga umuusbong na konsepto ng Decembrism.

Ang maliwanag na selyo ng romantikong ideal ay minarkahan "Larawan ni V.A. Zhukovsky"(1816). Ang artist, na lumilikha ng isang larawan na kinomisyon ni S.S. Uvarov, ay nagpasya na ipakita sa kanyang mga kontemporaryo hindi lamang ang imahe ng makata, na kilalang-kilala sa mga bilog na pampanitikan, kundi pati na rin upang ipakita ang isang tiyak na pag-unawa sa personalidad ng romantikong makata. Sa harap natin ay isang uri ng makata na nagpahayag ng pilosopiko at mapangarapin na takbo ng romantikong Ruso. Ipinakilala ni Kiprensky si Zhukovsky sa isang sandali ng malikhaing inspirasyon. Ginulo ng hangin ang buhok ng makata, ang mga punungkahoy ay nakakabahala sa pagsabog ng kanilang mga sanga sa gabi, ang mga guho ng mga sinaunang gusali ay halos hindi nakikita. Ganito dapat ang hitsura ng lumikha ng mga romantikong ballad. Ang mga madilim na kulay ay nagpapalala sa kapaligiran ng misteryoso. Sa payo ni Uvarov, hindi natapos ni Kiprensky ang pagpipinta ng mga indibidwal na fragment ng portrait, upang ang "sobrang pagkakumpleto" ay hindi mapatay ang espiritu, ugali, at emosyonalidad.

Maraming mga larawan ang ipininta ni Kiprensky sa Tver. Bukod dito, nang ipinta niya si Ivan Petrovich Vulf, isang may-ari ng lupa mula sa Tver, tiningnan niya nang may damdamin ang batang babae na nakatayo sa harap niya, ang kanyang apo, ang hinaharap na si Anna Petrovna Kern, kung saan nakatuon ang isa sa mga pinaka-kaakit-akit na liriko na gawa - A.S. Pushkin's tula "Naaalala ko ang napakagandang sandali... Ang ganitong mga asosasyon ng mga makata, artista, musikero ay naging isang pagpapakita ng isang bagong kalakaran sa sining - romantisismo.

Ang "Young Gardener" (1817) ni Kiprensky, "Italian Noon" (1827) ni Bryullov, "Reapers" o "Reaper" (1820s) ni Venetsianov ay mga gawa ng parehong tipological series. Nakatuon ang mga ito sa kalikasan at malinaw na isinulat gamit ang Gayunpaman, ang gawain ng bawat isa sa mga artista - upang isama ang aesthetic na pagiging perpekto ng simpleng kalikasan - ay humantong sa isang tiyak na ideyalisasyon ng mga hitsura, damit, mga sitwasyon para sa kapakanan ng paglikha ng isang metapora ng imahe. Ang pagmamasid sa buhay, kalikasan, muling inisip ito ng artista. , patula sa nakikita. Sa ganitong qualitatively bagong kumbinasyon ng kalikasan at imahinasyon na may karanasan ng mga sinaunang at Renaissance masters, na nagbubunga ng mga imahe na hindi pa kilala sa sining noon, at isa sa mga tampok ng romantikismo sa unang kalahati ng ika-19 siglo.Ang metaporikal na kalikasan, sa pangkalahatan ay katangian ng mga gawang ito nina Venetsianov at Bryullov, ay isa sa pinakamahalagang katangian ng romantikong noong hindi pa gaanong pamilyar ang mga artistang Ruso sa larawang romantikong Kanlurang Europa . "Larawan ng isang ama (A. K. Schwalbe)"(1804) ay isinulat ni Orest Kiprensky ng sining at ang portrait genre sa partikular.

Ang pinakamahalagang tagumpay ng romantikong Ruso ay mga gawa sa genre ng portrait. Ang pinakamaliwanag at pinakamahusay na mga halimbawa ng Romantisismo ay mula sa unang bahagi ng panahon. Matagal bago ang kanyang paglalakbay sa Italya, noong 1816, si Kiprensky, sa loob na handa para sa isang romantikong pagkakatawang-tao, ay nakita ng mga bagong mata ang mga kuwadro na gawa ng mga lumang masters. Madilim na kulay, mga figure na naka-highlight sa pamamagitan ng liwanag, nasusunog na mga kulay, matinding dramaturgy ay nagkaroon ng malakas na epekto sa kanya. Ang "Portrait of a Father" ay walang alinlangan na nilikha sa ilalim ng impresyon ni Rembrandt. Ngunit ang Russian artist ay kumuha lamang ng mga panlabas na pamamaraan mula sa mahusay na Dutchman. Ang "Portrait of a Father" ay isang ganap na independiyenteng gawain, na nagtataglay ng sarili nitong panloob na enerhiya at kapangyarihan ng masining na pagpapahayag. Ang isang natatanging tampok ng mga landscape portrait ay ang kasiglahan ng kanilang pagganap. Walang kaakit-akit dito - ang agarang paglipat ng kanyang nakita sa papel ay lumilikha ng kakaibang pagiging bago ng graphic na pagpapahayag. Samakatuwid, ang mga taong inilalarawan sa mga guhit ay tila malapit at naiintindihan sa amin.

Tinawag ng mga dayuhan si Kiprensky ang Russian Van Dyck, ang kanyang mga larawan ay nasa maraming museo sa buong mundo. Ang kahalili ng gawain nina Levitsky at Borovikovsky, ang hinalinhan ni L. Ivanov at K. Bryullov, Kiprensky, kasama ang kanyang trabaho, ay nagbigay sa Russian art school na European katanyagan. Sa mga salita ni Alexander Ivanov, "siya ang unang nagdala ng pangalang Ruso sa Europa ...".

Ang pagtaas ng interes sa personalidad ng isang tao, katangian ng romantikismo, ay paunang natukoy ang pamumulaklak ng genre ng portrait sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, kung saan ang self-portrait ay naging nangingibabaw na tampok. Bilang isang patakaran, ang paglikha ng isang self-portrait ay hindi isang random na episode. Ang mga artista ay paulit-ulit na sumulat at gumuhit sa kanilang sarili, at ang mga gawang ito ay naging isang uri ng talaarawan na sumasalamin sa iba't ibang estado ng pag-iisip at yugto ng buhay, at sa parehong oras sila ay isang manifesto na hinarap sa mga kontemporaryo. sariling larawan ay hindi isang pasadyang genre, ang artist ay nagsulat para sa kanyang sarili, at dito, bilang hindi kailanman bago, siya ay naging malaya sa pagpapahayag ng sarili. Noong ika-18 siglo, ang mga artistang Ruso ay bihirang nagpinta ng mga orihinal na larawan, ang romantikismo lamang, kasama ang kulto ng indibidwal, ang pambihirang, ay nag-ambag sa pagtaas ng genre na ito. Ang iba't ibang uri ng self-portrait ay sumasalamin sa pananaw ng mga artista sa kanilang sarili bilang isang mayaman at multifaceted na personalidad. Lumilitaw ang mga ito sa karaniwan at natural na papel ng lumikha ("Self-portrait in a velvet beret" ni A. G. Varnek, 1810s), pagkatapos ay bumulusok sila sa nakaraan, na parang sinusubukan ito sa kanilang sarili ("Self-portrait in a helmet at baluti” ni F. I. Yanenko , 1792), o, kadalasan, lumilitaw nang walang anumang mga propesyonal na katangian, na iginiit ang kahalagahan at pagpapahalaga sa sarili ng bawat tao, pinalaya at bukas sa mundo, naghahanap at nagmamadali, tulad ng, halimbawa, F. A. Bruni at O. A. Orlovsky sa self-portraits noong 1810s. Ang pagiging handa para sa diyalogo at pagiging bukas, na katangian ng makasagisag na solusyon ng mga gawa ng 1810-1820s, ay unti-unting pinalitan ng pagkapagod at pagkabigo, paglulubog, pag-alis sa sarili ("Self-portrait" ni M. I. Terebenev). Ang trend na ito ay makikita sa pagbuo ng portrait genre sa kabuuan.

Ang mga self-portraits ni Kiprensky ay lumitaw, na kung saan ay nagkakahalaga ng pagpuna, sa mga kritikal na sandali ng buhay, sila ay nagpatotoo sa pagtaas o pagbagsak ng lakas ng kaisipan. Sa pamamagitan ng kanyang sining, tiningnan ng artista ang kanyang sarili. Gayunpaman, hindi siya gumamit, tulad ng karamihan sa mga pintor, ng salamin; ipininta niya ang kanyang sarili higit sa lahat ayon sa kanyang ideya, gusto niyang ipahayag ang kanyang espiritu, ngunit hindi ang kanyang hitsura.

"Pag-self-portrait na may mga brush sa likod ng tainga" binuo sa isang pagtanggi, at isang malinaw na nagpapakita, sa panlabas na pagluwalhati ng imahe, ang klasikal na normativity at perpektong konstruksyon. Ang mga tampok ng mukha ay nakabalangkas sa humigit-kumulang, sa pangkalahatan. Ang ilaw sa gilid ay bumabagsak sa mukha, na nagha-highlight lamang sa mga tampok sa gilid. Ang hiwalay na mga pagmuni-muni ng liwanag ay nahuhulog sa pigura ng artist, na pinatay sa isang halos hindi nakikitang tela, na kumakatawan sa background ng larawan. Ang lahat dito ay napapailalim sa pagpapahayag ng buhay, damdamin, mood. Ito ay isang pagtingin sa romantikong sining sa pamamagitan ng sining ng self-portraiture. Ang paglahok ng artist sa mga lihim ng pagkamalikhain ay ipinahayag sa misteryosong romantikong "sfumato ng ika-19 na siglo". Ang isang kakaibang berdeng tono ay lumilikha ng isang espesyal na kapaligiran ng artistikong mundo, sa gitna nito ay ang artist mismo.

Halos kasabay ng self-portrait na ito, at nakasulat “Self-portrait sa isang pink na neckerchief”, kung saan nakapaloob ang isa pang larawan. Nang walang direktang indikasyon ng propesyon ng isang pintor. Ang imahe ng isang binata ay muling nilikha, pakiramdam sa kagaanan, natural, malaya. Ang nakalarawang ibabaw ng canvas ay pinong pagkakagawa. Kumpiyansa na naglalagay ng pintura ang brush ng artist. Nag-iiwan ng malaki at maliliit na stroke. Ang pangkulay ay napakahusay na binuo, ang mga kulay ay hindi maliwanag, sila ay magkakasuwato na pinagsama sa isa't isa, ang pag-iilaw ay kalmado: ang liwanag ay malumanay na bumubuhos sa mukha ng binata, na binabalangkas ang kanyang mga tampok, nang walang hindi kinakailangang pagpapahayag at pagpapapangit.

Ang isa pang natatanging pintor ay si Venetsianov. Noong 1811, natanggap niya ang pamagat ng akademya mula sa Academy, na hinirang para sa "Self-portrait" at "Portrait of K.I. Golovachevsky na may tatlong mga mag-aaral ng Academy of Arts." Ito ay mga pambihirang gawa.

Ipinahayag ni Venetsianov ang kanyang sarili bilang isang tunay na karunungan "Larawan sa sarili" 1811. Ito ay isinulat nang iba kaysa sa iba pang mga artist na pininturahan ang kanilang mga sarili sa oras na iyon - A. Orlovsky, O. Kiprensky, E. Varnek at maging ang serf V. Tropinin. Karaniwan sa kanilang lahat na isipin ang kanilang sarili sa isang romantikong halo, ang kanilang mga larawan sa sarili ay isang uri ng patula na paghaharap na may kaugnayan sa kapaligiran. Ang pagiging eksklusibo ng artistikong kalikasan ay ipinakita sa pose, mga kilos, sa pagiging pambihira ng espesyal na ipinaglihi na kasuutan. Sa "Self-Portrait" ni Venetsianov, ang mga mananaliksik ay nagpapansin, una sa lahat, ang mahigpit at matinding pagpapahayag ng isang abalang tao ... Tamang kahusayan, na naiiba sa pakitang-tao na "artistic negligence", na ipinahiwatig ng mga dressing gowns o coquettishly shifted mga sumbrero ng ibang mga artista. Tinitingnan ni Venitsianov ang kanyang sarili nang matino. Ang sining para sa kanya ay hindi isang inspiradong salpok, ngunit higit sa lahat isang bagay na nangangailangan ng konsentrasyon at atensyon. Maliit sa laki, halos monochrome sa kulay ng mga tono ng oliba, napaka tumpak na nakasulat, ito ay simple at kumplikado sa parehong oras. Hindi umaakit sa panlabas na bahagi ng pagpipinta, huminto siya sa kanyang tingin. Ang perpektong manipis na mga gilid ng manipis na gintong frame ng mga baso ay hindi nagtatago, ngunit sa halip ay binibigyang-diin ang matalim na talas ng mga mata, hindi masyadong nakatuon sa kalikasan (ang artist ay inilalarawan ang kanyang sarili na may isang palette at isang brush sa kanyang mga kamay), ngunit sa ang lalim ng sariling iniisip. Ang isang malaking malapad na noo, kanang bahagi ng mukha, na iluminado ng direktang liwanag, at isang puting kamiseta-harap ay bumubuo ng isang magaan na tatsulok, una sa lahat ay umaakit sa mata ng manonood, na sa susunod na sandali, sumusunod sa paggalaw ng kanan. kamay na may hawak na manipis na brush, dumudulas pababa sa palette. Ang mga kulot na hibla ng buhok, makintab na mga frame, isang maluwag na kurbata na bilog sa kwelyo, isang malambot na linya ng balikat at, sa wakas, isang malawak na kalahating bilog ng palette ay bumubuo ng isang gumagalaw na sistema ng makinis, umaagos na mga linya, sa loob kung saan mayroong tatlong pangunahing mga punto. : maliit na liwanag na nakasisilaw ng mga mag-aaral, at ang matalim na dulo ng shirt-harap, halos pagsasara ng palette at brush. Ang gayong halos mathematical na pagkalkula sa pagbuo ng komposisyon ng portrait ay nagbibigay sa imahe ng isang bahagyang panloob na pag-iingat at nagbibigay ng dahilan upang ipalagay na ang may-akda ay may analytical na pag-iisip, madaling kapitan ng pag-iisip sa agham. Sa "Self-portrait" ay walang bakas ng anumang romanticism, na noon ay napakadalas sa paglalarawan ng mga artista mismo. Ito ay isang self-portrait ng isang artist-researcher, isang artist-thinker at isang hard worker.

Iba pang gawain - larawan ng Golovachevsky- ipinaglihi bilang isang uri ng komposisyon ng balangkas: ang mas lumang henerasyon ng mga masters ng Academy sa katauhan ng matandang inspektor ay nagbibigay ng mga tagubilin sa lumalaking talento: ang pintor (na may isang folder ng mga guhit. Ang arkitekto at ang iskultor. Ngunit hindi ginawa ni Venetsianov payagan ang kahit na anino ng anumang artificiality o didaktisismo sa larawang ito: ang mabuting matandang si Golovachevsky ay magiliw na nagpapakahulugan sa mga tinedyer ng ilang pahina na binasa sa isang libro. Ang katapatan ng pagpapahayag ay nakakahanap ng suporta sa nakalarawang istraktura ng larawan: ang kanyang masunurin, banayad at maganda ang pagkakatugma. Ang mga makukulay na tono ay lumilikha ng impresyon ng kapayapaan at kaseryosohan. Ang mga mukha ay ipininta nang maganda, puno ng panloob na kahalagahan. Ang larawan ay isa sa pinakamataas na tagumpay ng pagpipinta ng portraiture ng Russia.

At sa gawain ni Orlovsky noong 1800s, lumilitaw ang mga gawa sa portrait, karamihan sa anyo ng mga guhit. Sa pamamagitan ng 1809, tulad ng isang emosyonal na mayaman portrait sheet bilang "Larawan sa sarili". Isinagawa gamit ang isang makatas na libreng stroke ng sanguine at charcoal (na may chalk highlighting), ang "Self-portrait" ni Orlovsky ay umaakit sa kanyang artistikong integridad, paglalarawan ng imahe, at kasiningan ng pagpapatupad. Kasabay nito, pinapayagan nito ang isa na makilala ang ilang mga kakaibang aspeto ng sining ni Orlovsky. Ang "Self-portrait" Orlovsky, siyempre, ay hindi naglalayong tumpak na kopyahin ang tipikal na hitsura ng artist ng mga taong iyon. Bago sa amin - sa maraming aspeto sinadya. Ang labis na hitsura ng isang "artista" na sumasalungat sa kanyang sariling "Ako" sa nakapaligid na katotohanan, hindi siya nababahala tungkol sa "disente" ng kanyang hitsura: hindi hinawakan ng suklay at brush ang kanyang malago na buhok, sa kanyang balikat ay ang gilid ng isang checkered raincoat sa ibabaw mismo ng isang home shirt na may bukas na kwelyo. Ang isang matalim na pagliko ng ulo na may "mapanglaw" na hitsura mula sa ilalim ng inilipat na mga kilay, isang malapit na hiwa ng larawan, kung saan ang mukha ay inilalarawan nang malapitan, mga kaibahan ng liwanag - lahat ng ito ay naglalayong makamit ang pangunahing epekto ng pagsalungat. ang inilalarawang tao sa kapaligiran (at sa gayon ay sa manonood).

Ang mga pathos ng paggigiit ng sariling katangian - isa sa mga pinaka-progresibong tampok sa sining ng panahong iyon - ay bumubuo ng pangunahing ideolohikal at emosyonal na tono ng larawan, ngunit lumilitaw sa isang kakaibang aspeto na halos hindi matatagpuan sa sining ng Russia noong panahong iyon. Ang paninindigan ng pagkatao ay hindi napupunta sa pamamagitan ng paglalahad ng kayamanan ng panloob na mundo nito, ngunit sa pamamagitan ng isang mas panlabas na paraan ng pagtanggi sa lahat ng bagay na nasa paligid nito. Ang imahe sa parehong oras, siyempre, mukhang maubos, limitado.

Ang ganitong mga solusyon ay mahirap hanapin sa Russian portrait art noong panahong iyon, kung saan nasa kalagitnaan na ng ika-18 siglo ang civic at humanistic motives ay malakas na tunog at ang personalidad ng tao ay hindi kailanman sinira ang malakas na ugnayan sa kapaligiran. Nangangarap ng isang mas mahusay, demokratikong kaayusan sa lipunan, ang pinakamahusay na mga tao ng Russia sa panahong iyon ay hindi nangangahulugang hiwalay sa katotohanan, sinasadya nilang tinanggihan ang indibidwalistikong kulto ng "personal na kalayaan" na umunlad sa lupa ng Kanlurang Europa, na pinaluwag ng burges na rebolusyon. . Ito ay malinaw na ipinakita bilang isang salamin ng mga tunay na kadahilanan sa Russian portrait art. Ang isa ay dapat lamang ihambing ang "Self-portrait" ni Orlovsky sa sabay-sabay "Larawan sa sarili" Kiprensky (halimbawa, 1809), upang ang seryosong panloob na pagkakaiba sa pagitan ng dalawang pintor ng portrait ay agad na nakakakuha ng mata.

"Kabayanihan" din ni Kiprensky ang personalidad ng isang tao, ngunit ipinapakita niya ang tunay na mga pagpapahalaga nito. Sa harap ng artista, nakikilala ng manonood ang mga tampok ng isang malakas na pag-iisip, karakter, kadalisayan ng moral.

Ang buong hitsura ng Kiprensky ay natatakpan ng kamangha-manghang maharlika at sangkatauhan. Nagagawa niyang makilala ang "mabuti" at "masama" sa nakapaligid na mundo at, tinatanggihan ang pangalawa, mahalin at pahalagahan ang una, mahalin at pahalagahan ang mga taong katulad ng pag-iisip. Kasabay nito, mayroon kaming bago sa amin, walang alinlangan, isang malakas na pagkatao, ipinagmamalaki ang kamalayan ng halaga ng kanyang mga personal na katangian. Eksakto ang parehong konsepto ng larawan ng portrait na pinagbabatayan ng kilalang heroic portrait ni D. Davydov ni Kiprensky.

Si Orlovsky, kung ihahambing kay Kiprensky, pati na rin sa ilang iba pang mga pintor ng portrait ng Russia noong panahong iyon, mas limitado, mas diretso at panlabas na niresolba ang imahe ng isang "malakas na personalidad", habang malinaw na nakatuon sa sining ng burges na France. Kapag tiningnan mo ang kanyang "Self-portrait", ang mga larawan ni A. Gro, Gericault ay hindi sinasadyang pumasok sa isip. Ang profile ni Orlovsky na "Self-portrait" noong 1810, kasama ang kulto ng indibidwal na "panloob na lakas", gayunpaman, ay wala na sa matalim na "sketch" na anyo ng "Self-portrait" noong 1809 o "Larawan ng Duport". Sa huli, si Orlovsky, tulad ng sa Self-Portrait, ay gumagamit ng isang kamangha-manghang, "kabayanihan" na pose na may isang matalim, halos criss-cross na paggalaw ng ulo at balikat. Binibigyang-diin niya ang hindi regular na istraktura ng mukha ni Duport, ang kanyang gulo-gulo na buhok, na may layuning lumikha ng larawang portrait na sapat sa sarili sa kakaiba at random na karakter nito.

"Ang tanawin ay dapat na isang larawan," isinulat ni K. N. Batyushkov. Karamihan sa mga artista na bumaling sa genre ay sumunod sa setting na ito sa kanilang trabaho. tanawin. Kabilang sa mga halatang pagbubukod, na nakahilig patungo sa kamangha-manghang tanawin, ay si A. O. Orlovsky ("Sea View", 1809); A. G. Varnek ("Tingnan sa paligid ng Roma", 1809); P. V. Basin ("The Sky at Sunset in the Outskirts of Rome", "Evening Landscape", pareho - 1820s). Paglikha ng mga tiyak na uri, napanatili nila ang kamadalian ng sensasyon, emosyonal na kayamanan, pagkamit ng napakalaking tunog na may mga diskarte sa komposisyon.

Nakita ng batang Orlrovsky sa kalikasan ang mga titanic na pwersa lamang, hindi napapailalim sa kalooban ng tao, na may kakayahang magdulot ng isang sakuna, isang sakuna. Ang pakikibaka ng isang tao na may nagngangalit na elemento ng dagat ay isa sa mga paboritong tema ng artista ng kanyang "mapaghimagsik" na romantikong panahon. Ito ang naging laman ng kanyang mga guhit, watercolor at oil painting noong 1809-1810. ang kalunos-lunos na tagpo ay ipinapakita sa larawan "Pagbagsak ng barko"(1809(?)). Sa matinding dilim na bumagsak sa lupa, sa gitna ng rumaragasang alon, ang mga nalulunod na mangingisda ay galit na galit na umaakyat sa mga bato sa baybayin kung saan bumagsak ang kanilang barko. Nananatili sa matinding pulang kulay, pinahuhusay ng kulay ang pakiramdam ng pagkabalisa. Kakila-kilabot ang mga pagsalakay ng malalakas na alon, na naglalarawan ng isang bagyo, at sa isa pang larawan - "Sa dagat"(1809). Ito rin ay gumaganap ng isang malaking emosyonal na papel sa mabagyong kalangitan, na sumasakop sa karamihan ng komposisyon. Bagaman hindi pinagkadalubhasaan ni Orlovsky ang sining ng pananaw sa himpapawid, ang mga unti-unting paglipat ng mga plano ay nalutas dito nang mas maayos at mahina. Ang kulay ay naging mas maliwanag. Mahusay na naglalaro sa isang mapula-pula-kayumangging background, ang mga pulang batik ng damit ng mga mangingisda. Hindi mapakali at balisang elemento ng dagat sa watercolor "bangka"(c.1812). At kahit na ang hangin ay hindi umuuga sa layag at hindi umaagos sa ibabaw ng tubig, tulad ng sa watercolor “Seascape na may mga barko”(c. 1810), hindi iniiwan ng manonood ang premonisyon na ang isang bagyo ay susunod sa kalmado.

Sa lahat ng drama at damdamin ng mga damdamin, ang mga seascape ni Orlovsky ay hindi gaanong bunga ng kanyang mga obserbasyon sa atmospheric phenomena, ngunit ang resulta ng isang direktang imitasyon ng mga klasiko ng sining. Sa partikular, si J. Vernet.

Ang mga tanawin ng S. F. Shchedrin ay may ibang katangian. Ang mga ito ay puno ng pagkakaisa ng pagkakaisa ng tao at kalikasan ("Terrace sa dalampasigan. Cappuccini malapit sa Sorrento", 1827). Maraming tanawin ng Naples at ang paligid ng kanyang brush ang nagtamasa ng hindi pangkaraniwang tagumpay at katanyagan.

Ang paglikha ng isang romantikong imahe ng St. Petersburg sa pagpipinta ng Russia ay nauugnay sa gawain ni M. N. Vorobyov. Sa kanyang mga canvases, ang lungsod ay lumitaw na nababalot ng mahiwagang mga fog ng St. Petersburg, isang malambot na ulap ng puting gabi at isang kapaligiran na puspos ng kahalumigmigan ng dagat, kung saan ang mga contour ng mga gusali ay nabubura, at ang liwanag ng buwan ay nakumpleto ang sakramento. Ang parehong liriko na simula ay nakikilala ang mga pananaw sa mga kapaligiran ng St. Petersburg na ginawa niya ("Sunset in the Outskirts of St. Petersburg", 1832). Ngunit ang hilagang kabisera ay nakita din ng mga artista sa ibang, dramatikong ugat, bilang isang arena para sa banggaan at pakikibaka ng mga natural na elemento (V. E. Raev, Alexander Column sa panahon ng Thunderstorm, 1834).

Ang makikinang na mga kuwadro na gawa ni I. K. Aivazovsky ay malinaw na naglalaman ng mga romantikong mithiin ng pagkalasing sa pakikibaka at kapangyarihan ng mga likas na pwersa, ang tibay ng espiritu ng tao at ang kakayahang lumaban hanggang sa wakas. Gayunpaman, ang isang malaking lugar sa pamana ng master ay inookupahan ng mga seascape sa gabi na nakatuon sa mga tiyak na lugar kung saan ang bagyo ay nagbibigay daan sa magic ng gabi, isang oras na, ayon sa mga pananaw ng mga romantiko, ay puno ng isang mahiwagang panloob na buhay, at kung saan nakadirekta ang pictorial search ng artist tungo sa pagkuha ng mga pambihirang epekto sa pag-iilaw ( "View of Odessa on a moonlight night", "View of Constantinople in the moonlight", both - 1846).

Ang tema ng mga natural na elemento at isang lalaking nagulat, isang paboritong tema ng romantikong sining, ay naiiba ang interpretasyon ng mga artista noong 1800-1850s. Ang mga akda ay batay sa mga totoong pangyayari, ngunit ang kahulugan ng mga larawan ay wala sa kanilang layuning muling pagsasalaysay. Ang isang tipikal na halimbawa ay ang pagpipinta ni Pyotr Basin "Lindol sa Rocca di Papa malapit sa Roma"(1830). Ito ay nakatuon hindi gaanong sa paglalarawan ng isang tiyak na kaganapan bilang sa paglalarawan ng takot at sindak ng isang tao na nahaharap sa isang pagpapakita ng mga elemento.

Ang mga luminaries ng pagpipinta ng Russia sa panahong ito ay sina K.P. Bryullov (1799-1852) at A.A. Ivanov (1806 - 1858). Ang pintor at draftsman ng Russia na si K.P. Si Bryullov, habang nag-aaral pa rin ng Academy of Arts, ay pinagkadalubhasaan ang walang kapantay na kasanayan sa pagguhit. Ang gawain ni Bryullov ay karaniwang nahahati sa bago ang "Ang Huling Araw ng Pompeii" at pagkatapos. Ano ang nilikha bago ....?!

“Italian Morning” (1823), “Ermilia with the Shepherds” (1824) batay sa tula ni Torquatto Tasso na “The Liberation of Jerusalem”, “Italian Noon” (“Italian Woman Harvesting Grapes”, 1827), “Horsewoman” (1830) , "Bathsheba" (1832) - ang lahat ng mga kuwadro na ito ay puno ng maliwanag, hindi nakikilalang kagalakan ng buhay. Ang ganitong mga gawa ay naaayon sa mga unang epicurean na tula ng Pushkin, Batyushkov, Vyazemsky, Delvig. Ang lumang paraan, batay sa imitasyon ng mga dakilang masters, ay hindi nasiyahan kay Bryullov, at isinulat niya ang "Italian Morning", "Italian Noon", "Bathsheba" sa bukas na hangin.

Habang nagtatrabaho sa larawan, pininturahan lamang ni Bryullov ang ulo mula sa kalikasan. Ang lahat ng iba ay madalas na idinidikta sa kanya ng kanyang imahinasyon. Ang bunga ng naturang libreng creative improvisation ay "Rider". Ang pangunahing bagay sa larawan ay ang kaibahan ng isang pinainit, lumulutang na hayop na may namamaga na mga butas ng ilong at kumikinang na mga mata at isang matikas na babaeng mangangabayo na mahinahon na pinipigilan ang galit na galit na enerhiya ng isang kabayo (ang pagpapaamo ng mga hayop ay isang paboritong tema ng mga klasikal na iskultor, nalutas ito ni Bryullov sa pagpipinta) .

AT "Bathsheba" ginagamit ng pintor ang kuwento sa Bibliya bilang isang dahilan para sa pagpapakita ng isang hubad na katawan sa bukas na hangin at paghahatid ng paglalaro ng liwanag at reflexes sa makatarungang balat. Sa "Bathsheba" nilikha niya ang imahe ng isang dalaga, puno ng kagalakan at kaligayahan. Ang hubad na katawan ay kumikinang at nagniningning na napapalibutan ng mga olive green, mga damit na cherry, isang transparent na reservoir. Ang malambot na nababanat na mga anyo ng katawan ay maganda na pinagsama sa pagpaputi na tela at ang kulay na tsokolate ng babaeng Arabe na naglilingkod kay Bathsheba. Ang mga umaagos na linya ng mga katawan, pond, at mga tela ay nagbibigay sa komposisyon ng larawan ng isang makinis na ritmo.

Ang pagpinta ay naging isang bagong salita sa pagpipinta "Ang huling araw ng Pompeii"(1827-1833). Ginawa niyang walang kamatayan ang pangalan ng artista at napakasikat sa kanyang buhay.

Ang balangkas nito, tila, ay pinili sa ilalim ng impluwensya ng kanyang kapatid na si Alexander, na masinsinang pinag-aralan ang mga guho ng Pompeian. Ngunit mas malalim ang mga dahilan ng pagsulat ng larawan. Napansin ito ni Gogol, at direktang sinabi ni Herzen na sa The Last Day of Pompeii ay natagpuan nila ang kanilang lugar, marahil, isang walang malay na pagmuni-muni ng mga iniisip at damdamin ng artista, na sanhi ng pagkatalo ng pag-aalsa ng Decembrist sa Russia. Hindi nang walang dahilan, kabilang sa mga biktima ng nagngangalit na mga elemento sa namamatay na Pompeii, inilagay ni Bryullov ang kanyang sariling larawan at ibinigay ang mga tampok ng kanyang mga kakilala sa Russia sa iba pang mga character sa larawan.

Ang Italian entourage ni Bryullov ay gumanap din ng isang papel, na maaaring sabihin sa kanya ang tungkol sa mga rebolusyonaryong bagyo na tumangay sa buong Italya sa mga nakaraang taon, tungkol sa malungkot na kapalaran ng Carbonari sa mga taon ng reaksyon.

Ang napakagandang larawan ng pagkamatay ni Pompeii ay napuno ng diwa ng historicism, ipinapakita nito ang pagbabago ng isang makasaysayang panahon patungo sa isa pa, ang pagsupil sa sinaunang paganismo at ang pagsisimula ng isang bagong pananampalatayang Kristiyano.

Nakikita ng artista ang takbo ng kasaysayan, ang pagbabago ng mga panahon bilang isang pagkabigla sa sangkatauhan. Sa gitna ng komposisyon, ang isang babae na nahulog mula sa isang karwahe at binasag hanggang sa mamatay ay personified, tila, ang pagkamatay ng sinaunang mundo. Ngunit malapit sa katawan ng ina, inilagay ng artista ang isang buhay na sanggol. Naglalarawan sa mga bata at magulang, isang binata at isang matandang ina, mga anak na lalaki at isang huwarang ama, ipinakita ng artista ang mga lumang henerasyon na kumukupas sa kasaysayan at ang mga bagong darating na papalit sa kanila. Ang pagsilang ng isang bagong panahon sa mga guho ng isang luma, gumuho na mundo ang tunay na tema ng pagpipinta ni Bryullov. Anuman ang mga pagbabagong dulot ng kasaysayan, ang pag-iral ng sangkatauhan ay hindi tumitigil, at ang pagkauhaw nito sa buhay ay nananatiling walang kupas. Ito ang pangunahing ideya sa likod ng The Last Day of Pompeii. Ang larawang ito ay isang himno sa kagandahan ng sangkatauhan, na nananatiling walang kamatayan sa lahat ng mga siklo ng kasaysayan.

Ang canvas ay ipinakita noong 1833 sa Milan Art Exhibition, nagdulot ito ng magulo ng mga masigasig na tugon. Nasakop ang weathered Italy. Ang estudyante ni Bryullov na si G. G. Gagarin ay nagpapatotoo: “Ang dakilang gawaing ito ay pumukaw ng walang hanggang sigasig sa Italya. Ang mga lungsod kung saan ipinakita ang pagpipinta ay nag-ayos ng mga solemne na pagtanggap para sa artista, ang mga tula ay nakatuon sa kanya, dinala siya sa mga lansangan na may musika, mga bulaklak at mga sulo ... Kahit saan siya ay tinanggap nang may karangalan bilang isang kilalang, matagumpay na henyo, naiintindihan at pinahahalagahan ng lahat.

Ang Ingles na manunulat na si Walter Scott (kinatawan ng romantikong panitikan, sikat sa kanyang mga makasaysayang nobela) ay gumugol ng isang oras sa studio ni Bryullov, kung saan sinabi niya na hindi ito isang larawan, ngunit isang buong tula. Inihalal ng mga akademya ng sining ng Milan, Florence, Bologna at Parma ang pintor ng Russia bilang kanilang honorary member.

Ang canvas ni Bryullov ay nagdulot ng masigasig na mga tugon mula kina Pushkin at Gogol.

Binuksan ni Vesuvius zev - bumulwak ang usok sa isang club-flame

Malawak na binuo tulad ng isang banner ng labanan.

Ang lupa ay nag-aalala - mula sa nakakagulat na mga haligi

Bumagsak ang mga idol!..

Sumulat si Pushkin sa ilalim ng impresyon ng larawan.

Simula sa Bryullov, ang mga pagbabago sa kasaysayan ay naging pangunahing paksa ng pagpipinta ng kasaysayan ng Russia, na naglalarawan ng mga magagandang eksena ng katutubong, kung saan ang bawat tao ay kalahok sa makasaysayang drama, kung saan walang pangunahin at pangalawa.

Ang "Pompeii" ay kabilang, sa pangkalahatan, sa klasisismo. Mahusay na inihayag ng artista ang kaplastikan ng katawan ng tao sa canvas. Ang lahat ng mga espirituwal na paggalaw ng mga tao ay ipinadala ni Bryullov, pangunahin sa wika ng plasticity. Ang mga hiwalay na numero, na ibinigay sa isang mabagyong kilusan, ay kinokolekta sa balanseng, nagyelo na mga grupo. Binibigyang-diin ng mga kislap ng liwanag ang mga hugis ng mga katawan at hindi gumagawa ng malakas na epekto ng larawan. Gayunpaman, ang komposisyon ng pagpipinta, na may isang malakas na pambihirang tagumpay sa gitna sa lalim, na naglalarawan ng isang pambihirang kaganapan sa buhay ni Pompeii, ay inspirasyon ng romantikismo.

Ang romantikismo bilang isang pananaw sa mundo ay umiral sa Russia sa unang alon nito mula sa katapusan ng ika-18 siglo hanggang sa 1850s. Ang linya ng romantiko sa sining ng Russia ay hindi tumigil noong 1850s. Ang tema ng estado ng pagkatao, na natuklasan ng Romantics para sa sining, ay kalaunan ay binuo ng mga artista ng Blue Rose. Ang mga direktang tagapagmana ng Romantics ay walang alinlangan ang mga Symbolists. Ang mga romantikong tema, motif, nagpapahayag na mga aparato ay pumasok sa sining ng iba't ibang estilo, direksyon, malikhaing asosasyon. Ang romantikong pananaw sa mundo o pananaw sa mundo ay naging isa sa pinaka masigla, matiyaga, mabunga.

Ang Romantisismo bilang isang pangkalahatang saloobin, pangunahing katangian ng mga kabataan, bilang isang pagnanais para sa isang perpekto at malikhaing kalayaan, ay patuloy na nabubuhay sa sining ng mundo.

c) Musika

Ang romantikismo sa pinakadalisay nitong anyo ay isang kababalaghan ng sining ng Kanlurang Europa. Musika ng Russia noong ika-19 na siglo. mula Glinka hanggang Tchaikovsky, ang mga tampok ng klasisismo ay pinagsama sa mga tampok ng romantikismo, ang nangungunang elemento ay isang maliwanag, orihinal na pambansang prinsipyo. Ang Romantisismo sa Russia ay nagbigay ng hindi inaasahang pagtaas nang ang kalakaran na ito ay tila isang bagay ng nakaraan. Ang dalawang kompositor ng ika-20 siglo, sina Scriabin at Rachmaninov, ay muling bumuhay sa mga katangian ng romantikismo tulad ng walang pigil na paglipad ng pantasya at ang kaluluwa ng mga liriko. Samakatuwid, ang ika-19 na siglo tinatawag na panahon ng klasikal na musika.

Ang oras (1812, ang pag-aalsa ng Decembrist, ang sumunod na reaksyon) ay nag-iwan ng marka sa musika. Anuman ang genre na kunin natin - romansa, opera, ballet, chamber music - kahit saan sinabi ng mga kompositor na Ruso ang kanilang bagong salita.

Ang musika ng Russia, kasama ang lahat ng kagandahan ng salon nito at mahigpit na pagsunod sa mga tradisyon ng propesyonal na instrumental na pagsulat, kabilang ang sonata-symphonic na pagsulat, ay batay sa natatanging pangkulay ng modal at ritmikong istraktura ng alamat ng Russia. Ang ilan ay lubos na umaasa sa pang-araw-araw na kanta, ang iba sa mga orihinal na anyo ng paggawa ng musika, at ang iba pa sa sinaunang modality ng sinaunang Russian peasant mode.

Maagang ika-19 na siglo - ito ang mga taon ng una at maliwanag na pamumulaklak ng genre ng romansa. Ang katamtaman na taos-pusong liriko ay tumutunog pa rin at nagpapasaya sa mga nakikinig. Alexander Alexandrovich Alyabyev (1787-1851). Sumulat siya ng mga romansa sa mga taludtod ng maraming makata, ngunit ang mga imortal ay "Nightingale" sa mga taludtod ng Delvig, "Daan sa taglamig", "Mahal kita" sa mga tula ni Pushkin.

Alexander Egorovich Varlamov (1801-1848) nagsulat ng musika para sa mga dramatikong pagtatanghal, ngunit mas kilala namin siya mula sa mga sikat na romansa "Red sundress", "Huwag mo akong gisingin sa madaling araw", "Isang layag ang nagiging puti".

Alexander Lvovich Gurilev (1803-1858)- kompositor, pianista, biyolinista at guro, nagmamay-ari siya ng mga romansa gaya ng "Tunog ng monotonous ang kampana", "Sa bukang-liwayway ng isang malabo na kabataan" at iba pa.

Ang pinakakilalang lugar dito ay inookupahan ng mga romansa ni Glinka. Wala pang nakamit ang gayong natural na pagsasanib ng musika sa tula ni Pushkin, Zhukovsky.

Mikhail Ivanovich Glinka (1804-1857)- isang kontemporaryo ng Pushkin (5 taong mas bata kaysa kay Alexander Sergeevich), isang klasiko ng panitikang Ruso, ay naging tagapagtatag ng mga klasikong musikal. Ang kanyang trabaho ay isa sa mga tuktok ng kulturang musikal ng Russia at mundo. Ito ay maayos na pinagsasama ang kayamanan ng katutubong musika at ang pinakamataas na tagumpay ng kasanayan ng kompositor. Ang malalim na katutubong makatotohanang gawa ni Glinka ay sumasalamin sa malakas na pag-usbong ng kulturang Ruso sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, na nauugnay sa Digmaang Patriotiko noong 1812 at kilusang Decembrist. Ang liwanag, nagpapatibay sa buhay na karakter, pagkakatugma ng mga anyo, kagandahan ng nagpapahayag at malambing na melodies, iba't-ibang, kinang at subtlety ng harmonies ay ang pinakamahalagang katangian ng musika ni Glinka. Sa sikat na opera "Ivan Susanin"(1836) nakatanggap ng isang napakatalino na pagpapahayag ng ideya ng popular na pagkamakabayan; Ang moral na kadakilaan ng mga taong Ruso ay niluwalhati din sa fairy tale opera " Ruslan at Ludmila". Mga orkestra na gawa ni Glinka: “Fantasy Waltz”, “Gabi sa Madrid” at lalo na "Kamarinskaya", bumubuo ng batayan ng klasikal na symphonism ng Russia. Kapansin-pansin sa mga tuntunin ng kapangyarihan ng dramatikong pagpapahayag at ang ningning ng mga katangian ng musika para sa trahedya "Prinsipe Kholmsky". Ang vocal lyrics ni Glinka (romances "Naaalala ko ang isang magandang sandali", "Pag-aalinlangan") ay isang hindi maunahang sagisag ng tula ng Russia sa musika.

6. WESTERN EUROPEAN ROMANTICISMO

a) Pagpipinta

Kung ang France ang ninuno ng klasisismo, kung gayon "upang mahanap ang mga ugat ng ... ang romantikong paaralan," isinulat ng isa sa kanyang mga kontemporaryo, "dapat tayong pumunta sa Alemanya. Doon siya isinilang, at doon nabuo ng mga modernong Italyano at Pranses na romantiko ang kanilang panlasa.

pira-piraso Alemanya hindi alam ang rebolusyonaryong pag-aalsa. Marami sa mga romantikong Aleman ay dayuhan sa mga pathos ng mga advanced na ideya sa lipunan. Ginawa nila ang Middle Ages. Sumuko sila sa hindi mabilang na mga impulses na espirituwal, napag-usapan ang tungkol sa pag-abandona sa buhay ng tao. Ang sining ng marami sa kanila ay passive at contemplative. Nilikha nila ang kanilang pinakamahusay na mga gawa sa larangan ng portrait at landscape painting.

Ang isang natatanging pintor ng portrait ay si Otto Runge (1777-1810). Ang mga larawan ng master na ito, na may panlabas na kalmado, ay humanga sa isang matindi at matinding panloob na buhay.

Ang imahe ng romantikong makata ay nakita ni Runge sa "Larawan sa sarili". Maingat niyang sinuri ang sarili at nakita ang isang maitim ang buhok, maitim ang mata, seryoso, puno ng sigla, maalalahanin, introspective at malakas ang loob na binata. Gustong makilala ng romantikong artista ang kanyang sarili. Ang paraan ng pagsasagawa ng larawan ay mabilis at malawak, na para bang ang espirituwal na enerhiya ng lumikha ay dapat na naihatid na sa texture ng akda; sa isang madilim na makulay na hanay, lumilitaw ang mga kaibahan ng liwanag at dilim. Ang contrast ay isang katangian na nakalarawan na pamamaraan ng mga romantikong masters.

Upang mahuli ang nababagong paglalaro ng mood ng isang tao, upang tingnan ang kanyang kaluluwa, palaging susubukan ng isang artista ng isang romantikong bodega. At sa bagay na ito, ang mga larawan ng mga bata ay magsisilbing matabang materyal para sa kanya. AT larawan ng mga batang Hülsenbeck(1805) Ang Runge ay hindi lamang naghahatid ng kasiglahan at kamadalian ng karakter ng isang bata, ngunit nakakahanap din ng isang espesyal na pagtanggap para sa isang maliwanag na mood, na nakalulugod sa plein-air openings ng 2nd floor. ika-19 na siglo Ang background sa larawan ay isang landscape, na nagpapatotoo hindi lamang sa coloristic na regalo ng artist, hinahangaan ang saloobin sa kalikasan, kundi pati na rin sa paglitaw ng mga bagong problema sa mahusay na pagpaparami ng mga spatial na relasyon, mga light shade ng mga bagay sa open air. Ang isang master romantic, na nagnanais na pagsamahin ang kanyang "I" sa mga kalawakan ng Uniberso, ay nagsusumikap na makuha ang senswal na nasasalat na anyo ng kalikasan. Ngunit sa ganitong kahalayan ng imahe, mas gusto niyang makita ang simbolo ng malaking mundo, "ang ideya ng artista."

Si Runge, isa sa mga unang Romantikong artista, ay nagtakda sa kanyang sarili ng gawain ng pag-synthesize ng mga sining: pagpipinta, eskultura, arkitektura, musika. Ang ensemble sound ng sining ay dapat na ipahayag ang pagkakaisa ng mga banal na puwersa ng mundo, ang bawat particle nito ay sumisimbolo sa kosmos sa kabuuan. Ang artista ay nagpapantasya, na nagpapatibay sa kanyang pilosopikal na konsepto sa mga ideya ng sikat na German thinker ng 1st floor. ika-17 siglo Jacob Boehme. Ang mundo ay isang uri ng mystical na kabuuan, ang bawat butil nito ay nagpapahayag ng kabuuan. Ang ideyang ito ay nauugnay sa mga romantiko ng buong kontinente ng Europa. Sa anyong patula, ang Ingles na makata at pintor na si William Blake ay naglagay sa ganitong paraan:

Tingnan ang kawalang-hanggan sa isang sandali

Isang malaking mundo - sa salamin ng buhangin,

Sa isang dakot - infinity

At ang langit ay nasa isang tasa ng isang bulaklak.

Ang Runge cycle, o, kung tawagin niya, ang "nakamamanghang musikal na tula" "Mga oras ng araw"- umaga, tanghali, gabi - ang pagpapahayag ng konseptong ito. Umalis siya sa tula at prosa ng paliwanag ng kanyang konseptwal na modelo ng mundo. Ang imahe ng isang tao, tanawin, liwanag at kulay ay mga simbolo ng patuloy na pagbabago ng cycle ng natural at buhay ng tao.

Ang isa pang namumukod-tanging Aleman na romantikong pintor, si Caspar David Friedrich (1774-1840), ay mas pinili ang tanawin sa lahat ng iba pang mga genre at nagpinta lamang ng mga larawan ng kalikasan sa kanyang pitumpung taong buhay. Ang pangunahing motibo ng gawain ni Friedrich ay ang ideya ng pagkakaisa ng tao at kalikasan.

"Makinig sa tinig ng kalikasan na nagsasalita sa loob natin," ang tagubilin ng artista sa kanyang mga estudyante. Ang panloob na mundo ng isang tao ay nagpapakilala sa kawalang-hanggan ng Uniberso, samakatuwid, nang marinig ang kanyang sarili, naiintindihan ng isang tao ang espirituwal na kalaliman ng mundo.

Tinutukoy ng posisyon ng pakikinig ang pangunahing anyo ng "komunikasyon" ng isang tao na may kalikasan at imahe nito. Ito ang kadakilaan, misteryo o kaliwanagan ng kalikasan at ang mulat na kalagayan ng nagmamasid. Totoo, madalas na hindi pinapayagan ni Friedrich ang figure na "pumasok" sa landscape space ng kanyang mga pagpipinta, ngunit sa banayad na pagtagos ng makasagisag na istraktura ng mga nababagsak na expanses, ang pagkakaroon ng isang pakiramdam, ang karanasan ng isang tao ay naramdaman. Ang subjectivism sa paglalarawan ng landscape ay dumarating lamang sa sining sa gawa ng mga romantiko, na naglalarawan sa liriko na paghahayag ng kalikasan ng mga masters ng 2nd floor. ika-19 na siglo Napansin ng mga mananaliksik sa mga gawa ni Friedrich ang "pagpapalawak ng repertoire" ng mga motif ng landscape. Interesado ang may-akda sa dagat, kabundukan, kagubatan at iba't ibang lilim ng estado ng kalikasan sa iba't ibang oras ng taon at araw.

1811-1812 minarkahan ng paglikha ng isang serye ng mga landscape ng bundok bilang isang resulta ng paglalakbay ng artist sa mga bundok. "Umaga sa bundok" kaakit-akit na kumakatawan sa isang bagong natural na katotohanan, ipinanganak sa sinag ng sumisikat na araw. Ang pinkish-purple tones ay bumabalot at nag-aalis sa kanila ng lakas ng tunog at materyal na gravity. Ang mga taon ng pakikipaglaban kay Napoleon (1812-1813) ay naging si Friedrich sa mga makabayang tema. Naglalarawan, na inspirasyon ng drama ni Kleist, nagsusulat siya "Libingan ni Arminius"- isang tanawin na may mga libingan ng mga sinaunang Aleman na bayani.

Si Friedrich ay isang banayad na master ng mga seascape: "Ages", "Moonrise over the Sea", "Death of "Nadezhda" sa yelo".

Ang huling mga gawa ng artist - "Magpahinga sa field", "Big swamp" at "Remembering the Giant mountains", "Giant mountains" - isang serye ng mga hanay ng bundok at mga bato sa foreground darkened. Ito, tila, ay isang pagbabalik sa naranasan na pakiramdam ng tagumpay ng isang tao sa kanyang sarili, ang kagalakan ng pag-akyat sa "tuktok ng mundo", ang pagnanais para sa maliwanag na hindi nasakop na mga taas. Ang mga damdamin ng artist sa isang espesyal na paraan ay bumubuo ng mga masa ng bundok na ito, at muli ang paggalaw mula sa kadiliman ng mga unang hakbang patungo sa hinaharap na liwanag ay binabasa. Ang tuktok ng bundok sa background ay naka-highlight bilang sentro ng espirituwal na adhikain ng master. Napaka-associative ng larawan, tulad ng anumang gawain ng mga romantiko, at nagsasangkot ng iba't ibang antas ng pagbabasa at interpretasyon.

Si Friedrich ay napaka-tumpak sa pagguhit, musikal na magkakasuwato sa maindayog na pagtatayo ng kanyang mga kuwadro na gawa, kung saan sinusubukan niyang magsalita sa pamamagitan ng mga emosyon ng kulay at mga light effect. “Marami ang binibigyan ng kaunti, kakaunti ang binibigyan ng marami. Ang bawat tao'y nagbubukas ng kaluluwa ng kalikasan sa ibang paraan. Samakatuwid, walang sinumang maglalakas-loob na ilipat ang kanyang karanasan at ang kanyang mga tuntunin sa iba bilang isang umiiral na walang kondisyong batas. Walang sinuman ang sukatan ng lahat. Ang bawat tao'y nagdadala sa kanyang sarili ng isang sukatan lamang para sa kanyang sarili at para sa mga likas na kamag-anak sa kanyang sarili, "ang pagmuni-muni na ito ng panginoon ay nagpapatunay ng kamangha-manghang integridad ng kanyang panloob na buhay at pagkamalikhain. Ang pagiging natatangi ng artista ay makikita lamang sa kalayaan ng kanyang trabaho - ang romantikong Friedrich ay naninindigan dito.

Ang mas pormal ay tila ang paghiwalay sa mga artista - "mga klasiko" - mga kinatawan ng klasisismo ng isa pang sangay ng romantikong pagpipinta sa Alemanya - ang mga Nazareno. Itinatag sa Vienna at nanirahan sa Roma (1809-1810), ang "Union of St. Luke" ay pinagsama ang mga masters sa ideya ng muling pagbuhay sa monumental na sining ng mga isyu sa relihiyon. Ang Middle Ages ay isang paboritong panahon ng kasaysayan para sa Romantics. Ngunit sa kanilang masining na paghahanap, ang mga Nazarene ay bumaling sa mga tradisyon ng pagpipinta ng maagang Renaissance sa Italya at Alemanya. Sina Overbeck at Geforr ang mga nagpasimula ng isang bagong alyansa, na kalaunan ay sinamahan ni Cornelius, J. Schnoff von Karolsfeld, Veit Fürich.

Ang kilusang ito ng mga Nazareno ay tumutugma sa kanilang sariling mga anyo ng pagsalungat sa mga klasikong akademya sa France, Italy, at England. Halimbawa, sa France, ang tinatawag na "primitive" na mga artista ay lumitaw mula sa workshop ni David, at sa England, ang Pre-Raphaelites. Sa diwa ng romantikong tradisyon, itinuring nila ang sining bilang "pagpapahayag ng panahon", ang "espiritu ng mga tao", ngunit ang kanilang mga pampakay o pormal na kagustuhan, na sa una ay parang slogan ng pagkakaisa, pagkaraan ng ilang sandali sa parehong mga prinsipyo ng doktrina tulad ng sa Academy, na kanilang tinanggihan.

Ang Sining ng Romantisismo sa France binuo sa mga tiyak na paraan. Ang unang bagay na ikinaiba nito sa mga katulad na kilusan sa ibang mga bansa ay ang aktibong opensiba (“rebolusyonaryo”) na karakter nito. Ipinagtanggol ng mga makata, manunulat, musikero, artista ang kanilang mga posisyon hindi lamang sa pamamagitan ng paglikha ng mga bagong gawa, kundi pati na rin sa pamamagitan ng pakikilahok sa kontrobersya sa magasin at pahayagan, na kung saan ay nailalarawan ng mga mananaliksik bilang isang "romantikong labanan". Ang sikat na V. Hugo, Stendhal, George Sand, Berlioz at marami pang ibang Pranses na manunulat, kompositor at mamamahayag ay "naghasa ng kanilang mga balahibo" sa romantikong kontrobersya.

Ang romantikong pagpipinta sa France ay lumitaw bilang isang pagsalungat sa klasikong paaralan ni David, akademikong sining, na tinutukoy bilang "paaralan" sa pangkalahatan. Ngunit dapat itong maunawaan sa mas malawak na kahulugan: ito ay oposisyon sa opisyal na ideolohiya ng reaksyunaryong panahon, isang protesta laban sa mga limitasyon ng petiburges nito. Kaya't ang kalunus-lunos na katangian ng mga romantikong gawa, ang kanilang nerbiyos na kaguluhan, pagkahumaling sa mga kakaibang motif, sa makasaysayang at pampanitikan na mga balangkas, sa lahat ng bagay na maaaring umakay sa "dilim na pang-araw-araw na buhay", kaya ang larong ito ng imahinasyon, at kung minsan, sa kabaligtaran, dreaminess at isang kumpletong kakulangan ng aktibidad.

Ang mga kinatawan ng "paaralan", ang mga akademiko, ay pangunahing naghimagsik laban sa wika ng mga romantiko: ang kanilang nasasabik na mainit na kulay, ang kanilang pagmomodelo ng anyo, hindi ang pamilyar sa "klasiko", statuary-plastic, ngunit binuo sa malakas na mga kaibahan. ng mga spot ng kulay; ang kanilang nagpapahayag na disenyo, sadyang tinatanggihan ang katumpakan at klasisismo; ang kanilang matapang, kung minsan ay magulong komposisyon, walang kamahalan at hindi matitinag na kalmado. Si Ingres, ang walang kapantay na kaaway ng mga romantiko, hanggang sa katapusan ng kanyang buhay ay nagsabi na si Delacroix ay "nagsusulat gamit ang isang baliw na walis", at inakusahan ni Delacroix si Ingres at ang lahat ng mga artista ng "paaralan" ng kalamigan, katwiran, kawalan ng paggalaw, na sila ay huwag sumulat, ngunit "pintura" ang kanilang mga kuwadro na gawa. Ngunit ito ay hindi isang simpleng pag-aaway ng dalawang maliwanag, ganap na magkaibang personalidad, ito ay isang pakikibaka sa pagitan ng dalawang magkaibang artistikong pananaw sa mundo.

Ang pakikibaka na ito ay tumagal ng halos kalahating siglo, ang romanticism sa sining ay hindi nagwagi nang madali at hindi kaagad, at ang unang artist ng trend na ito ay si Theodore Gericault (1791-1824) - isang master ng heroic monumental forms, na pinagsama sa kanyang trabaho parehong classicistic mga tampok at tampok ng romantikismo mismo, at, sa wakas, isang malakas na makatotohanang simula, na nagkaroon ng malaking epekto sa sining ng realismo sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Ngunit sa panahon ng kanyang buhay ay pinahahalagahan lamang siya ng ilang malalapit na kaibigan.

Ang pangalan ni Theodore Zhariko ay nauugnay sa mga unang makikinang na tagumpay ng romantikismo. Nasa kanyang maagang mga pagpipinta (mga larawan ng militar, mga larawan ng mga kabayo), ang mga sinaunang mithiin ay umatras bago ang direktang pang-unawa ng buhay.

Sa salon noong 1812 ay nagpapakita si Géricault ng isang larawan "Opisyal ng imperial horse rangers sa panahon ng pag-atake." Ito ang taon ng apogee ng kaluwalhatian ni Napoleon at ng kapangyarihang militar ng France.

Ang komposisyon ng larawan ay nagpapakita ng nakasakay sa isang hindi pangkaraniwang pananaw ng "biglaang" sandali nang ang kabayo ay umahon, at ang nakasakay, na humahawak sa halos patayong posisyon ng kabayo, ay lumingon sa manonood. Ang imahe ng gayong sandali ng kawalang-tatag, ang imposibilidad ng pustura ay nagpapabuti sa epekto ng paggalaw. Ang kabayo ay may isang punto ng suporta, dapat itong mahulog sa lupa, turnilyo sa paglaban na dinala ito sa ganoong estado. Malaki ang pinagsama-sama sa gawaing ito: Ang walang pasubaling pananalig ni Gericault sa posibilidad na ang isang tao ay nagmamay-ari ng kanyang sariling mga kapangyarihan, isang marubdob na pag-ibig para sa paglalarawan ng mga kabayo at ang tapang ng isang baguhang master sa pagpapakita kung ano ang tanging musika o wika ng tula ang maaaring ihatid noon - ang kaguluhan ng isang labanan, ang simula ng isang pag-atake, ang pinakahuling pilay ng isang buhay na nilalang . Itinayo ng batang may-akda ang kanyang imahe sa paghahatid ng dinamika ng paggalaw, at mahalaga para sa kanya na itakda ang manonood para sa "pag-iisip", pagguhit gamit ang "panloob na pangitain" at isang pakiramdam ng nais niyang ilarawan.

Ang mga tradisyon ng gayong dinamika ng nakalarawan na salaysay ng pag-iibigan sa Pransya ay halos hindi umiiral, maliban marahil sa mga kaluwagan ng mga templo ng Gothic, dahil noong unang dumating si Gericault sa Italya, nabigla siya sa nakatagong kapangyarihan ng mga komposisyon ni Michelangelo. "Nanginig ako," isinulat niya, "nag-alinlangan ako sa aking sarili at sa mahabang panahon ay hindi ako nakabawi mula sa karanasang ito." Ngunit itinuro ni Stendhal si Michelangelo bilang nangunguna sa isang bagong istilo ng istilo sa sining kahit na mas maaga sa kanyang mga artikulong polemikal.

Ang pagpipinta ni Gericault ay inihayag hindi lamang ang pagsilang ng isang bagong artistikong talento, ngunit nagbigay din ng parangal sa pagnanasa at pagkabigo ng may-akda sa mga ideya ni Napoleon. Mayroong ilang iba pang mga gawa na nauugnay sa paksang ito: Carabinieri officer", "Cuirassier officer bago ang pag-atake", "Portrait of a carabinieri", "Wounded cuirassier".

Sa treatise na "Reflection on the state of painting in France", isinulat niya na "ang karangyaan at ang sining ay naging ... isang pangangailangan at, kumbaga, pagkain para sa imahinasyon, na siyang pangalawang buhay ng isang sibilisadong tao . .. Hindi bilang isang bagay ng pangunahing pangangailangan, ang sining ay lumilitaw lamang kapag ang mga mahahalagang pangangailangan ay natutugunan at kapag ang kasaganaan ay dumating. Ang isang tao, na napalaya mula sa pang-araw-araw na pag-aalala, ay nagsimulang maghanap ng mga kasiyahan upang maalis ang pagkabagot, na hindi maiiwasang maabutan siya sa gitna ng kasiyahan.

Ang ganitong pag-unawa sa pang-edukasyon at makatao na papel ng sining ay ipinakita ni Gericault pagkatapos bumalik mula sa Italya noong 1818 - nagsimula siyang makisali sa litograpiya, na kinokopya ang iba't ibang mga paksa, kabilang ang pagkatalo ni Napoleon ( "Bumalik mula sa Russia").

Kasabay nito, lumingon ang artista sa paglalarawan ng paglubog ng frigate ng Meduza sa baybayin ng Africa, na ikinatuwa ng lipunan noong panahong iyon. Ang sakuna ay naganap sa pamamagitan ng kasalanan ng isang walang karanasan na kapitan, na itinalaga sa post na nasa ilalim ng patronage. Ang mga nakaligtas na pasahero ng barko, ang surgeon na si Savigny at ang engineer na si Correar, ay nagsalita nang detalyado tungkol sa aksidente.

Nagawa ng naghihingalong barko na itapon ang balsa, kung saan nakuha ng isang dakot ng mga nailigtas na tao. Sa loob ng labindalawang araw ay dinala sila sa nagngangalit na dagat hanggang sa makatagpo sila ng kaligtasan - ang barkong "Argus".

Interesado si Gericault sa sitwasyon ng sukdulang pag-igting ng espirituwal at pisikal na lakas ng tao. Ang pagpipinta ay naglalarawan ng 15 nakaligtas na mga pasahero sa isang balsa nang makita nila ang Argus sa abot-tanaw. “Ang balsa ng Medusa” ay ang resulta ng isang mahabang gawaing paghahanda ng artista. Gumawa siya ng maraming sketch ng rumaragasang dagat, mga larawan ng mga nasagip na tao sa ospital. Sa una, nais ni Gericault na ipakita ang pakikibaka ng mga tao sa isang balsa sa bawat isa, ngunit pagkatapos ay nanirahan siya sa kabayanihan na pag-uugali ng mga nanalo ng elemento ng dagat at kapabayaan ng estado. Matapang na tiniis ng mga tao ang kasawian, at hindi sila iniwan ng pag-asa ng kaligtasan: bawat grupo sa balsa ay may sariling katangian. Sa pagtatayo ng komposisyon, pumili si Gericault ng isang punto ng view mula sa itaas, na nagpapahintulot sa kanya na pagsamahin ang malawak na saklaw ng espasyo (nakikita ang mga distansya ng dagat) at ilarawan, na dinadala ang lahat ng mga naninirahan sa balsa na napakalapit sa harapan. Ang kilusan ay itinayo sa kaibahan ng mga figure na nakahiga nang walang magawa sa harapan at ang mapusok sa grupo na nagbibigay ng senyales sa dumadaang barko. Ang kalinawan ng ritmo ng paglago ng dynamics mula sa grupo hanggang sa grupo, ang kagandahan ng mga hubad na katawan, ang madilim na kulay ng larawan ay nagtatakda ng isang tiyak na tala ng conventionality ng imahe. Ngunit hindi ito ang punto para sa nakikitang manonood, kung kanino ang pagiging kumbensyonal ng wika ay nakakatulong upang maunawaan at madama ang pangunahing bagay: ang kakayahan ng isang tao na lumaban at manalo. Umuungol ang karagatan. Ang layag ay umuungol. Ang mga lubid ay tumutunog. Kaluskos ang balsa. Ang hangin ay nagtutulak sa mga alon at pinupunit ang mga itim na ulap.

Hindi ba ang France mismo, na dala ng unos ng kasaysayan? naisip ni Eugene Delacroix, nakatayo sa tabi ng pagpipinta. "Nagulat si Delacroix sa balsa ng Medusa, umiyak siya at, tulad ng isang baliw, tumalon mula sa pagawaan ni Gericault, na madalas niyang bisitahin.

Ang gayong mga hilig ay hindi alam ang sining ni David.

Ngunit ang buhay ni Gericault ay nagwakas nang maaga (siya ay may malubhang sakit pagkatapos mahulog mula sa isang kabayo), at marami sa kanyang mga plano ay nanatiling hindi natapos.

Ang inobasyon ni Géricault ay nagbukas ng mga bagong pagkakataon para sa paghahatid ng kilusang nag-aalala sa mga romantiko, ang pinagbabatayan na damdamin ng isang tao, ang coloristic textural expressiveness ng larawan.

Ang tagapagmana ni Géricault sa kanyang paghahanap ay si Eugene Delacroix. Totoo, si Delacroix ay pinahintulutan ng dalawang beses sa haba ng kanyang buhay, at pinamamahalaan niya hindi lamang upang patunayan ang kawastuhan ng romantikismo, kundi pati na rin upang pagpalain ang bagong direksyon sa pagpipinta ng ika-2 palapag. ika-19 na siglo - impresyonismo.

Bago magsimulang magsulat sa kanyang sarili, nag-aral si Eugene sa paaralan ng Lerain: nagpinta siya mula sa buhay, kinopya ang mahusay na Rubens, Rembrandt, Veronese, Titian sa Louvre ... Ang batang artista ay nagtrabaho ng 10-12 oras sa isang araw. Naalala niya ang mga salita ng dakilang Michelangelo: "Ang pagpipinta ay isang naninibugho na ginang, hinihingi nito ang buong tao ..."

Si Delacroix, pagkatapos ng mga pagtatanghal ng demonstrasyon ni Géricault, ay alam na alam na ang panahon ng matinding emosyonal na kaguluhan ay dumating sa sining. Una, sinisikap niyang unawain ang isang bagong panahon para sa kanya sa pamamagitan ng mga kilalang balangkas na pampanitikan. Ang kanyang pagpipinta "Dante at Virgil", na ipinakita sa salon ng 1822, ay isang pagtatangka sa pamamagitan ng makasaysayang nag-uugnay na mga larawan ng dalawang makata: sinaunang panahon - Virgil at Renaissance - Dante - upang tumingin sa isang kumukulong kaldero, ang "impiyerno" ng modernong panahon. Minsan sa kanyang "Divine Comedy" kinuha ni Dante ang lupain ni Virgil bilang isang escort sa lahat ng larangan (langit, impiyerno, purgatoryo). Sa gawain ni Dante, isang bagong renaissance na mundo ang lumitaw sa pamamagitan ng pagranas ng memorya ng unang panahon sa Middle Ages. Ang simbolo ng romantikong bilang isang synthesis ng sinaunang panahon, ang Renaissance at ang Middle Ages ay lumitaw sa "katakutan" ng mga pangitain nina Dante at Virgil. Ngunit ang kumplikadong pilosopikal na alegorya ay naging isang magandang emosyonal na paglalarawan ng panahon ng pre-Renaissance at isang walang kamatayang obra maestra sa panitikan.

Si Delacroix ay susubukan na makahanap ng isang direktang tugon sa mga puso ng kanyang mga kontemporaryo sa pamamagitan ng kanyang sariling dalamhati. Ang mga kabataan noong panahong iyon, na nag-aapoy sa kalayaan at pagkamuhi sa mga mapang-api, ay nakikiramay sa digmaang pagpapalaya ng Greece. Ang romantikong bard ng England, si Byron, ay pupunta doon upang makipaglaban. Nakikita ni Delacroix ang kahulugan ng bagong panahon sa paglalarawan ng isang mas tiyak na makasaysayang kaganapan - ang pakikibaka at pagdurusa ng Greece na mapagmahal sa kalayaan. Naninirahan siya sa balangkas ng pagkamatay ng populasyon ng isla ng Chios ng Greece, na nakuha ng mga Turko. Sa Salon ng 1824, ipinakita ni Delacroix ang isang pagpipinta "Masacre sa isla ng Chios". laban sa backdrop ng walang katapusang kalawakan ng maburol na lupain. Na sumisigaw pa rin mula sa usok ng apoy at walang tigil na labanan, ipinakita ng artista ang ilang grupo ng mga sugatan, pagod na mga kababaihan at mga bata. Nagkaroon sila ng mga huling minuto ng kalayaan bago ang paglapit ng mga kaaway. Ang Turk sa isang nagpapalaki na kabayo sa kanan ay tila nakabitin sa buong harapan at ang karamihan ng mga nagdurusa na naroroon. Magagandang katawan, mukha ng mga binihag na tao. Siyanga pala, isusulat ni Delacroix sa ibang pagkakataon na ang Greek sculpture ay ginawang hieroglyph ng mga artista na nagtago sa totoong kagandahan ng mukha at pigura ng Griyego. Ngunit, inilalantad ang "kagandahan ng kaluluwa" sa mga mukha ng natalong mga Griyego, ang pintor ay nagsasadula ng mga kaganapan nang labis na upang mapanatili ang isang solong dinamikong bilis ng pag-igting, napupunta siya sa pagpapapangit ng mga anggulo ng pigura. Ang mga "pagkakamali" na ito ay "nalutas" na ng gawa ni Gericault, ngunit muling ipinakita ni Delacroix ang romantikong paniniwala na ang pagpipinta ay "hindi ang katotohanan ng isang sitwasyon, ngunit ang katotohanan ng isang pakiramdam."

Noong 1824, nawalan ng kaibigan at guro si Delacroix, si Géricault. At siya ang naging pinuno ng bagong pagpipinta.

Lumipas ang mga taon. Isa-isang lumabas ang mga larawan: "Greece sa mga guho ng Missalunga", "Kamatayan ni Sardanapalus" at iba pa.Ang pintor ay naging outcast sa mga opisyal na bilog ng pagpipinta. Ngunit binago ng Rebolusyong Hulyo ng 1830 ang sitwasyon. Pinasisigla niya ang artista sa pagmamahalan ng mga tagumpay at tagumpay. Nagpapicture siya "Kalayaan sa mga Barricades".

Noong 1831, sa Paris Salon, unang nakita ng mga Pranses ang pagpipinta ni Eugene Delacroix na "Freedom on the Barricades", na nakatuon sa "tatlong maluwalhating araw" ng Rebolusyong Hulyo ng 1830. Ang canvas ay gumawa ng nakamamanghang impresyon sa mga kontemporaryo na may kapangyarihan, demokrasya at tapang ng masining na desisyon. Ayon sa alamat, ang isang kagalang-galang na burges ay bumulalas: "Sabi mo - ang pinuno ng paaralan? Sabihin mo sa akin nang mas mabuti - ang pinuno ng paghihimagsik! Matapos ang pagsasara ng Salon, ang gobyerno, na natakot sa nakakatakot at nakaka-inspire na apela na nagmumula sa larawan, ay nagmadali upang ibalik ito sa may-akda. Sa panahon ng rebolusyon ng 1848, muli itong ipinakita sa publiko sa Palasyo ng Luxembourg. At muling bumalik sa artista. Pagkatapos lamang maipakita ang canvas sa World Exhibition sa Paris noong 1855, napunta ito sa Louvre. Ang isa sa mga pinakamahusay na likha ng French romanticism ay pinananatili dito hanggang sa araw na ito - isang inspiradong ulat ng saksi at isang walang hanggang monumento sa pakikibaka ng mga tao para sa kanilang kalayaan.

Anong masining na wika ang natagpuan ng batang Pranses na romantikong upang pagsamahin ang dalawang tila magkasalungat na prinsipyong ito - isang malawak, sumasaklaw sa kabuuan at isang konkretong katotohanang malupit sa kahubaran nito?

Paris ng sikat na araw ng Hulyo 1830. Air saturated na may kulay abong usok at alikabok. Isang maganda at marilag na lungsod, nawawala sa manipis na ulap. Sa di kalayuan, halos hindi napapansin, ngunit ipinagmamalaki na itinaas ang mga tore ng Notre Dame Cathedral - isang simbolo ng kasaysayan, kultura, at diwa ng mga taong Pranses. Mula doon, mula sa mausok na lungsod, sa ibabaw ng mga guho ng mga barikada, sa ibabaw ng mga bangkay ng mga patay na kasama, ang mga rebelde ay matigas ang ulo at determinadong lumapit. Ang bawat isa sa kanila ay maaaring mamatay, ngunit ang hakbang ng mga rebelde ay hindi natitinag - sila ay inspirasyon ng kagustuhang manalo, sa kalayaan.

Ang nagbibigay-inspirasyong puwersang ito ay nakapaloob sa larawan ng isang magandang dalaga, sa isang marubdob na pagsabog ng pagtawag sa kanya. Sa hindi mauubos na enerhiya, libre at kabataang bilis ng paggalaw, para siyang isang diyosang Griyego

panalo si Nick. Ang kanyang matipunong pigura ay nakasuot ng damit na chiton, ang kanyang mukha na may perpektong katangian, na may nagbabagang mga mata, ay nakaharap sa mga rebelde. Sa isang kamay ay hawak niya ang tatlong kulay na banner ng France, sa kabilang banda - isang baril. Sa ulo ay isang takip ng Phrygian - isang sinaunang simbolo ng pagpapalaya mula sa pagkaalipin. Mabilis at magaan ang kanyang hakbang - ganito ang hakbang ng mga diyosa. Kasabay nito, ang imahe ng isang babae ay totoo - siya ay anak na babae ng mga Pranses. Siya ang gumagabay na puwersa sa likod ng paggalaw ng grupo sa mga barikada. Mula dito, bilang mula sa isang pinagmumulan ng liwanag sa gitna ng enerhiya, ang mga sinag ay nagliliwanag, na naniningil ng uhaw at ang paghahangad na manalo. Ang mga taong malapit dito, ang bawat isa sa kanilang sariling paraan, ay nagpapahayag ng kanilang pakikilahok sa nagbibigay-inspirasyon at nagbibigay-inspirasyong panawagang ito.

Sa kanan ay isang batang lalaki, isang Parisian gamen, na nagba-brand ng mga pistola. Siya ang pinakamalapit sa Kalayaan at, kumbaga, pinasisigla ng kanyang sigasig at kagalakan ng malayang simbuyo. Sa isang mabilis, walang tiyaga na kilusan, nauuna pa siya ng kaunti sa kanyang inspirasyon. Ito ang hinalinhan ng maalamat na Gavroche, na inilarawan pagkalipas ng dalawampung taon ni Victor Hugo sa nobelang Les Misérables: "Si Gavroche, puno ng inspirasyon, nagliliwanag, ay kinuha sa kanyang sarili ang gawaing itakda ang buong bagay sa paggalaw. Nagpabalik-balik siya, umakyat siya, bumaba siya

bumaba, bumangon muli, kumaluskos, kumikinang sa tuwa. Mukhang pumunta siya dito para pasayahin ang lahat. May motibo ba siya para dito? Oo, siyempre, ang kanyang kahirapan. May pakpak ba siya? Oo, siyempre, ang pagiging masayahin niya. Ito ay isang uri ng ipoipo. Tila pinupuno nito ang hangin sa sarili nito, na naroroon saanman sa parehong oras ... Naramdaman ito ng malalaking barikada sa gulugod nito.

Si Gavroche sa pagpipinta ni Delacroix ay ang personipikasyon ng kabataan, isang "magandang salpok", isang masayang pagtanggap sa maliwanag na ideya ng Kalayaan. Dalawang imahe - Gavroche at Liberty - tila umakma sa isa't isa: ang isa ay apoy, ang isa ay isang tanglaw na sinindihan mula rito. Sinabi ni Heinrich Heine kung ano ang masiglang tugon ng pigura ni Gavroche sa mga Parisian. "Hell! bulalas ng isang nagtitinda. "Ang mga batang iyon ay lumaban na parang higante!"

Sa kaliwa ay isang estudyante na may hawak na baril. Dati, nakita itong self-portrait ng artist. Ang rebeldeng ito ay hindi kasing bilis ni Gavroche. Ang kanyang paggalaw ay mas pinigilan, mas puro, makabuluhan. Ang mga kamay ay kumpiyansa na pinipiga ang bariles ng baril, ang mukha ay nagpapahayag ng lakas ng loob, matatag na determinasyon na tumayo hanggang sa wakas. Ito ay isang malalim na trahedya na imahe. Batid ng estudyante ang hindi maiiwasang mga pagkalugi na daranasin ng mga rebelde, ngunit hindi siya tinatakot ng mga biktima - mas malakas ang kalooban sa kalayaan. Sa likuran niya ay nakatayo ang isang parehong matapang at determinadong manggagawa na may sable. Nasugatan sa paanan ng Kalayaan. Siya ay bumangon nang may kahirapan upang muling tumingala sa Kalayaan, upang makita at madama nang buong puso ang kagandahan kung saan siya naghihingalo. Ang figure na ito ay nagdudulot ng isang matinding dramatikong simula sa tunog ng canvas ni Delacroix. Kung ang mga imahe ng Gavroche, Liberty, ang mag-aaral, ang manggagawa - halos mga simbolo, ang sagisag ng hindi maiiwasang kalooban ng mga mandirigma ng kalayaan - ay nagbibigay-inspirasyon at tumawag sa manonood, kung gayon ang sugatang lalaki ay nananawagan para sa pakikiramay. Ang tao ay nagpaalam sa Kalayaan, nagpaalam sa buhay. Siya ay isang salpok pa rin, isang kilusan, ngunit isa nang kumukupas na salpok.

Transitional ang figure niya. Bumaba sa paanan ng barikada ang titig ng manonood, na nabighani at dinadala pa rin ng rebolusyonaryong pagpapasiya ng mga rebelde, na natatakpan ng mga katawan ng maluwalhating patay na mga sundalo. Ang kamatayan ay ipinakita ng artista sa lahat ng kahubaran at katibayan ng katotohanan. Nakikita natin ang mga asul na mukha ng mga patay, ang kanilang mga hubad na katawan: ang pakikibaka ay walang awa, at ang kamatayan ay hindi maiiwasang kasama ng mga rebelde bilang ang magandang inspirar na Kalayaan.

Ngunit hindi eksaktong pareho! Mula sa kakila-kilabot na tanawin sa ibabang gilid ng larawan, muli naming itinaas ang aming mga mata at nakita ang isang magandang batang pigura - hindi! panalo ang buhay! Ang ideya ng kalayaan, na kinakatawan nang nakikita at nakikita, ay nakatuon sa hinaharap na ang kamatayan sa pangalan nito ay hindi kakila-kilabot.

Ang artista ay naglalarawan lamang ng isang maliit na grupo ng mga rebelde, buhay at patay. Ngunit ang mga tagapagtanggol ng barikada ay tila hindi pangkaraniwang marami. Ang komposisyon ay binuo sa paraang ang pangkat ng mga mandirigma ay hindi limitado, hindi sarado sa sarili nito. Bahagi lamang siya ng walang katapusang avalanche ng mga tao. Ang artist ay nagbibigay, kumbaga, ng isang fragment ng grupo: pinuputol ng frame ng larawan ang mga figure mula sa kaliwa, kanan, at ibaba.

Karaniwan ang kulay sa mga gawa ng Delacroix ay nakakakuha ng isang emosyonal na tunog, gumaganap ng isang nangingibabaw na papel sa paglikha ng isang dramatikong epekto. Ang mga kulay, kung minsan ay nagngangalit, minsan kumukupas, muffled, lumikha ng isang panahunan na kapaligiran. Sa Liberty at the Barricades, umalis si Delacroix sa prinsipyong ito. Tumpak na tumpak, hindi mapag-aalinlanganan ang pagpili ng pintura, na inilalapat ito ng malawak na mga stroke, inihahatid ng artist ang kapaligiran ng labanan.

Ngunit ang hanay ng mga kulay ay pinigilan. Nakatuon ang Delacroix sa relief modeling ng form. Ito ay kinakailangan ng makasagisag na solusyon ng larawan. Pagkatapos ng lahat, na naglalarawan ng isang tiyak na kaganapan kahapon, ang artista ay lumikha din ng isang monumento sa kaganapang ito. Samakatuwid, ang mga figure ay halos sculptural. Samakatuwid, ang bawat karakter, bilang bahagi ng isang solong kabuuan ng larawan, ay bumubuo rin ng isang bagay na sarado sa sarili nito, ay kumakatawan sa isang simbolo na inilagay sa isang nakumpletong anyo. Samakatuwid, ang kulay ay hindi lamang emosyonal na nakakaapekto sa damdamin ng manonood, ngunit nagdadala ng simbolikong pagkarga. Dito at doon, isang solemne triad ng pula, asul, puti ang kumikislap sa kayumanggi-kulay-abong espasyo - ang mga kulay ng bandila ng Rebolusyong Pranses noong 1789. Ang paulit-ulit na pag-uulit ng mga kulay na ito ay sumusuporta sa malakas na kuwerdas ng tatlong kulay na watawat na lumilipad sa ibabaw ng mga barikada.

Ang pagpipinta ni Delacroix na "Freedom on the Barricades" ay isang kumplikado, engrande na gawa sa saklaw nito. Dito pinagsama ang pagiging tunay ng direktang nakikitang katotohanan at ang simbolismo ng mga imahe; pagiging totoo, pag-abot sa brutal na naturalismo, at perpektong kagandahan; magaspang, kakila-kilabot at dakila, dalisay.

Ang pagpipinta na "Liberty at the Barricades" ay pinagsama ang tagumpay ng romantikismo sa pagpipinta ng Pranses. Noong 30s, dalawa pang makasaysayang pagpipinta: "Labanan ng Poitiers" at "Ang Pagpatay sa Obispo ng Liege".

Noong 1822 binisita ng artista ang North Africa, Morocco, Algeria. Ang paglalakbay ay gumawa ng isang hindi maalis na impresyon sa kanya. Noong 50s, lumitaw ang mga pagpipinta sa kanyang trabaho, na inspirasyon ng mga alaala ng paglalakbay na ito: "Pangangaso para sa mga leon", "Moroccan saddling isang kabayo" at iba pa. Ang maliwanag na magkakaibang kulay ay lumilikha ng isang romantikong tunog sa mga painting na ito. Sa kanila, lumilitaw ang pamamaraan ng isang malawak na stroke.

Si Delacroix, bilang isang romantikong, ay naitala ang estado ng kanyang kaluluwa hindi lamang sa wika ng mga larawang larawan, kundi pati na rin sa pampanitikan na anyo ng kanyang mga kaisipan. Mahusay niyang inilarawan ang proseso ng malikhaing gawain ng romantikong artista, ang kanyang mga eksperimento sa kulay, mga pagmuni-muni sa ugnayan sa pagitan ng musika at iba pang anyo ng sining. Ang kanyang mga talaarawan ay naging paboritong pagbabasa para sa mga artista ng mga susunod na henerasyon.

Ang French romantikong paaralan ay gumawa ng makabuluhang pag-unlad sa larangan ng iskultura (Rud at ang kanyang Marseillaise relief), landscape painting (Camille Corot kasama ang kanyang mga light-air na larawan ng kalikasan ng France).

Salamat sa romantikismo, ang personal na pansariling pananaw ng artista ay nasa anyo ng isang batas. Ang impresyonismo ay ganap na sisirain ang hadlang sa pagitan ng artist at kalikasan, na nagdedeklara ng sining bilang isang impresyon. Ang mga romantiko ay nagsasalita tungkol sa pantasiya ng artista, "ang tinig ng kanyang mga damdamin", na nagpapahintulot sa kanya na huminto sa trabaho kapag isinasaalang-alang ng master na kinakailangan ito, at hindi ayon sa kinakailangan ng mga pamantayang pang-akademiko ng pagkakumpleto.

Kung ang mga pantasya ni Gericault ay nakatuon sa paghahatid ng paggalaw, si Delacroix sa mahiwagang kapangyarihan ng kulay, at idinagdag ng mga Aleman dito ang isang tiyak na "espiritu ng pagpipinta", kung gayon Espanyol Ang mga romantiko sa katauhan ni Francisco Goya (1746-1828) ay nagpakita ng mga alamat na pinagmulan ng istilo, ang phantasmagoric at kakaibang karakter nito. Si Goya mismo at ang kanyang trabaho ay mukhang malayo sa anumang balangkas na pangkakanyahan, lalo na dahil ang artist ay madalas na kailangang sundin ang mga batas ng materyal ng pagganap (kapag, halimbawa, gumawa siya ng mga kuwadro na gawa para sa pinagtagpi na mga trellis carpet) o ang mga kinakailangan ng customer.

Ang kanyang phantasmagoria ay nahayag sa serye ng pag-ukit "Mga Capricho" (1797-1799),"Mga Kalamidad ng Digmaan" (1810-1820),“Disparantes (“Mga Kalokohan”)(1815-1820), ang mga mural ng "House of the Deaf" at ang Church of San Antonio de la Florida sa Madrid (1798). Malubhang sakit noong 1792. humantong sa kumpletong pagkabingi ng artist. Ang sining ng master pagkatapos magdusa ng isang pisikal at espirituwal na trauma ay nagiging mas puro, maalalahanin, panloob na dinamiko. Ang panlabas na mundo, sarado dahil sa pagkabingi, ay nag-activate ng panloob na espirituwal na buhay ni Goya.

Sa mga ukit "Mga Capricho" Nakamit ni Goya ang pambihirang lakas sa paglipat ng mga agarang reaksyon, mapusok na damdamin. Black-and-white na pagganap, salamat sa matapang na kumbinasyon ng mga malalaking spot, ang kawalan ng linearity na katangian ng mga graphics, ay nakakakuha ng lahat ng mga katangian ng isang pagpipinta.

Ang mga mural ng Simbahan ng St. Anthony sa Madrid Goya ay lumilikha, tila, sa isang hininga. Ang pag-uugali ng stroke, ang laconism ng komposisyon, ang pagpapahayag ng mga katangian ng mga character, na ang uri ay kinuha ni Goya nang direkta mula sa karamihan ng tao, ay kamangha-manghang. Inilalarawan ng pintor ang himala ni Anthony ng Florida, na nagpabangon at nagsalita sa pinatay na tao, na pinangalanan ang mamamatay-tao at sa gayon ay nailigtas ang inosenteng hinatulan mula sa pagpapatupad. Ang dynamism ng matingkad na tumutugon na karamihan ay ipinarating ni Goya kapwa sa mga kilos at sa mga ekspresyon ng mukha ng mga itinatanghal na mukha. Sa compositional scheme ng pamamahagi ng mga painting sa espasyo ng simbahan, sinusundan ng pintor si Tiepolo, ngunit hindi barok, ngunit puro romantiko ang reaksyon na ipinupukaw niya sa manonood, na nakakaapekto sa pakiramdam ng bawat manonood, na tinatawagan siyang lumingon sa kanyang sarili.

Higit sa lahat, ang layuning ito ay nakamit sa pagpipinta ng Conto del Sordo ("Bahay ng mga Bingi"), kung saan nanirahan si Goya mula 1819. Ang mga dingding ng mga silid ay natatakpan ng labinlimang komposisyon ng isang kamangha-manghang at alegorikal na kalikasan. Ang pag-unawa sa kanila ay nangangailangan ng malalim na empatiya. Ang mga imahe ay lumitaw bilang ilang uri ng mga pangitain ng mga lungsod, babae, lalaki, atbp. Ang kulay, kumikislap, ay kumukuha ng isang pigura, pagkatapos ay isa pa. Ang pagpipinta sa kabuuan ay madilim, ito ay pinangungunahan ng puti, dilaw, pinkish-red spot, mga flash ng nakakagambalang damdamin. Ang mga ukit ng serye "Disparantes" .

Ginugol ni Goya ang huling 4 na taon sa France. Malabong alam niyang hindi nakipaghiwalay si Delacroix sa kanyang "Caprichos". At hindi niya mahulaan kung paano madadala sina Hugo at Baudelaire ng mga ukit na ito, kung ano ang magiging malaking impluwensya ng kanyang pagpipinta kay Manet, at kung paano sa 80s ng XIX na siglo. Aanyayahan ni V. Stasov ang mga artista ng Russia na pag-aralan ang kanyang "Mga Kalamidad ng Digmaan"

Ngunit kami, dahil dito, alam namin kung gaano kalaki ang epekto nitong "walang istilo" na sining ng isang matapang na realista at inspiradong romantiko sa artistikong kultura noong ika-19 at ika-20 siglo.

Ang kamangha-manghang mundo ng mga pangarap ay natanto din sa kanyang mga gawa ng Ingles na romantikong artista na si William Blake (1757-1827). Inglatera ay isang klasikong bansa ng romantikong panitikan. Byron. Si Shelley ang naging bandila ng kilusang ito na malayo sa "foggy Albion". Sa Pransya, sa pagpuna ng magasin sa panahon ng "mga romantikong labanan", ang Romantics ay tinawag na "Shakespeareans". Ang pangunahing tampok ng pagpipinta ng Ingles ay palaging isang interes sa pagkatao ng tao, na nagpapahintulot sa genre ng portrait na mabungang umunlad. Ang romantikismo sa pagpipinta ay napakalapit na nauugnay sa sentimentalismo. Ang Romantikong interes sa Middle Ages ay nagbunga ng malaking makasaysayang panitikan. Ang kinikilalang master nito ay si V. Scott. Sa pagpipinta, tinutukoy ng tema ng Middle Ages ang hitsura ng tinatawag na Peraphaelites.

Si William Blake ay isang kamangha-manghang uri ng romantiko sa eksenang pangkultura ng Ingles. Nagsusulat siya ng mga tula, naglalarawan ng kanyang sarili at iba pang mga libro. Ang kanyang talento ay naghangad na yakapin at ipahayag ang mundo sa isang holistic na pagkakaisa. Ang kanyang pinakatanyag na mga gawa ay mga ilustrasyon para sa biblikal na "Book of Job", "The Divine Comedy" ni Dante, "Paradise Lost" ni Milton. Pino-populate niya ang kanyang mga komposisyon ng mga titanic figure ng mga bayani, na tumutugma sa kanilang kapaligiran ng isang hindi tunay na napaliwanagan o phantasmagoric na mundo. Ang isang pakiramdam ng mapaghimagsik na pagmamataas o pagkakasundo, mahirap likhain mula sa mga dissonance, ay nangingibabaw sa kanyang mga ilustrasyon.

Ang mga ukit ng tanawin para sa mga "Pastorals" ng makatang Romano na si Virgil ay tila kakaiba - ang mga ito ay mas idyllicly romantiko kaysa sa kanilang mga naunang gawa.

Sinisikap ng romantikismo ni Blake na makahanap ng sarili nitong artistikong pormula at anyo ng pagkakaroon ng mundo.

Si William Blake, na namuhay ng matinding kahirapan at kalabuan, pagkatapos ng kanyang kamatayan ay niraranggo sa host ng mga klasiko ng sining ng Ingles.

Sa gawain ng mga pintor ng landscape ng Ingles noong unang bahagi ng XIX na siglo. ang mga romantikong libangan ay pinagsama sa isang mas layunin at matino na pagtingin sa kalikasan.

Ang mga romantikong nakataas na tanawin ay nilikha ni William Turner (1775-1851). Gusto niyang ilarawan ang mga bagyo, pagbuhos ng ulan, mga bagyo sa dagat, maliwanag, maapoy na paglubog ng araw. Madalas na pinalalaki ni Turner ang mga epekto ng pag-iilaw at pinatindi ang tunog ng kulay kahit na pininturahan niya ang kalmadong estado ng kalikasan. Para sa higit na epekto, ginamit niya ang pamamaraan ng mga watercolor at inilapat ang pintura ng langis sa isang napakanipis na layer at direktang ipininta sa lupa, na nakamit ang mga iridescent na pag-apaw. Ang isang halimbawa ay ang larawan “Ulan, singaw at bilis”(1844). Ngunit kahit na ang kilalang kritiko noong panahong iyon, si Thackeray, ay hindi maaaring maunawaan nang tama, marahil, ang pinaka-makabagong larawan kapwa sa disenyo at pagpapatupad. "Ang ulan ay ipinahihiwatig ng mga mantsa ng maruming masilya," isinulat niya, "na tumalsik sa canvas gamit ang isang palette knife, ang sikat ng araw na may mapurol na kinang ay pumapasok sa napakakapal na bukol ng maruruming dilaw na chrome. Ang mga anino ay dinadala ng malamig na mga kulay ng iskarlata na kraplak at mga cinnabar spot ng mga naka-mute na tono. At kahit na ang apoy sa pugon ng lokomotibo ay tila pula, hindi ko ipinapalagay na igiit na hindi ito pininturahan ng kulay ng cabalt o gisantes. Isa pang kritiko ang natagpuan sa pangkulay ni Turner ng kulay ng "scrambled egg at spinach." Ang mga kulay ng yumaong Turner sa pangkalahatan ay tila ganap na hindi maiisip at hindi kapani-paniwala sa mga kontemporaryo. Kinailangan ng higit sa isang siglo upang makita sa kanila ang butil ng tunay na mga obserbasyon. Ngunit tulad ng sa ibang mga kaso, ito ay narito. Ang isang kakaibang ulat ng isang nakasaksi, o sa halip, isang saksi sa pagsilang ng "Ulan, singaw at bilis", ay napanatili. Isang Mrs. Simone ang nakasakay sa isang compartment ng Western Express kasama ang isang matandang ginoo na nakaupo sa tapat niya. Humingi siya ng pahintulot na buksan ang bintana, idinikit ang ulo sa buhos ng ulan, at nanatili sa ganoong posisyon nang medyo matagal. Nang tuluyan na niyang isinara ang bintana. Tumulo ang tubig mula sa kanya sa mga batis, ngunit tuwang-tuwa siyang pumikit at sumandal, malinaw na nasasarapan sa nakita niya. Nagpasya ang isang mausisa na batang babae na maranasan ang kanyang nararamdaman para sa kanyang sarili - idinikit din niya ang kanyang ulo sa bintana. Nabasa rin. Ngunit nakakuha ako ng hindi malilimutang impresyon. Isipin ang kanyang sorpresa nang, makalipas ang isang taon, sa isang eksibisyon sa London, nakita niya ang Rain, Steam and Speed. Ang isang tao sa likod niya ay kritikal na nagsabi, "Extremely typical of Turner, right. Wala pang nakakita ng ganoong halo ng mga kahangalan.” At siya, hindi napigilan ang sarili, ay nagsabi: "Nakita ko."

Marahil ito ang unang larawan ng isang tren sa pagpipinta. ang punto ng view ay kinuha mula sa isang lugar sa itaas, na naging posible upang magbigay ng malawak na malawak na saklaw. Ang Western Express ay lumilipad sa ibabaw ng tulay sa bilis na talagang kakaiba para sa oras na iyon (mahigit sa 150 km bawat oras). Bilang karagdagan, ito ay marahil ang unang pagtatangka upang ilarawan ang liwanag sa pamamagitan ng ulan.

Ingles na sining ng kalagitnaan ng ika-19 na siglo. binuo sa isang ganap na naiibang direksyon kaysa sa pagpipinta ni Turner. Bagama't ang kanyang husay ay karaniwang kinikilala, walang sinuman sa mga kabataan ang sumunod sa kanya.

Si Turner ay matagal nang itinuturing na isang nangunguna sa Impresyonismo. Tila ang mga Pranses na artista ang dapat na nagpaunlad pa ng kanyang paghahanap ng kulay mula sa liwanag. Ngunit hindi iyon ang kaso sa lahat. Sa esensya, ang impluwensya ni Turner sa mga Impresyonista ay bumalik sa Paul Signac's From Delacroix to Neo-Impressionism, na inilathala noong 1899, kung saan inilarawan niya kung paano "noong 1871, sa kanilang mahabang pananatili sa London, natuklasan nina Claude Manet at Camille Pissarro si Turner. Namangha sila sa tiwala at mahiwagang kalidad ng kanyang mga kulay, pinag-aralan nila ang kanyang trabaho, sinuri nila ang kanyang pamamaraan. Sa una ay namangha sila sa kanyang paglalarawan ng niyebe at yelo, nabigla sa paraan na naihatid niya ang isang pakiramdam ng kaputian ng niyebe, na sila mismo ay hindi makakaya, na may malalaking patak ng kulay-pilak na puti na nakahiga na may malalawak na mga haplos ng brush. . Nakita nila na ang impresyong ito ay hindi nakamit sa pamamagitan lamang ng whitewash. At isang masa ng mga multi-color na stroke. Inflicted isa sa tabi ng isa, na ginawa ito impression, kung titingnan mo sila mula sa malayo.

Sa mga taong ito, si Signac ay naghahanap sa lahat ng dako para sa kumpirmasyon ng kanyang teorya ng pointillism. Ngunit wala sa mga painting ni Turner na makikita ng mga French artist sa National Gallery noong 1871, mayroong isang pamamaraan ng pointillism na inilarawan ni Signac, at wala ring "broad spots of whitewash". Sa katunayan, ang impluwensya ni Turner sa French ay hindi mas malakas sa 1870 -e, at noong 1890s.

Si Turner ay pinag-aralan nang mabuti ni Paul Signac - hindi lamang bilang isang tagapagpauna ng impresyonismo, na isinulat niya tungkol sa kanyang libro, kundi pati na rin bilang isang mahusay na makabagong artista. Tungkol sa mga huling pagpipinta ni Turner na "Rain, Steam and Speed", "Exile", "Morning" at "Evening of the Flood", sumulat si Signac sa kanyang kaibigan na si Angrand: magandang kahulugan ng salita."

Ang masigasig na pagtatasa ni Signac ay minarkahan ang simula ng modernong pag-unawa sa pictorial quest ni Turner. Ngunit sa mga nakaraang taon, kung minsan ay nangyayari na hindi nila isinasaalang-alang ang subtext at pagiging kumplikado ng mga direksyon ng kanyang paghahanap, isang panig na pagpili ng mga halimbawa mula sa talagang hindi natapos na "underpainting" ni Turner, sinusubukang matuklasan sa kanya ang hinalinhan ng impresyonismo.

Sa mga pinakabagong artist, natural na nagmumungkahi ang lahat ng paghahambing kay Monet, na kinilala mismo ang impluwensya ni Turner sa kanya. Mayroong kahit isang balangkas na ganap na magkapareho sa pareho - ibig sabihin, ang western portal ng Rouen Cathedral. Ngunit kung binibigyan tayo ni Monet ng pag-aaral ng solar lighting ng gusali, hindi niya tayo binibigyan ng Gothic, ngunit isang uri ng hubad na modelo, naiintindihan ni Turner kung bakit ang artist, na ganap na hinihigop sa kalikasan, ay naging interesado sa paksang ito - sa kanyang imahe ito. ay tiyak na kumbinasyon ng napakalaking kadakilaan ng kabuuan at ang walang katapusan na tumatama sa iba't ibang detalye na naglalapit sa mga likha ng sining ng Gothic sa mga gawa ng kalikasan.

Ang espesyal na katangian ng kultura ng Ingles at romantikong sining ay nagbukas ng posibilidad ng paglitaw ng unang plein air artist, na naglatag ng mga pundasyon para sa light-air na imahe ng kalikasan noong ika-19 na siglo, si John Constable (1776-1837). Pinili ng Englishman Constable ang landscape bilang pangunahing genre ng kanyang pagpipinta: “Ang mundo ay mahusay; walang dalawang araw ang magkatulad, kahit dalawang oras na magkapareho; Mula nang likhain ang mundo, walang dalawang dahon ang pareho sa isang puno, at lahat ng mga gawa ng tunay na sining, tulad ng mga likha ng kalikasan, ay naiiba sa bawat isa, "sabi niya.

Ang constable ay nagpinta ng malalaking sketch ng langis sa open air na may banayad na pagmamasid sa iba't ibang estado ng kalikasan. Sa mga ito, naihatid niya ang pagiging kumplikado ng panloob na buhay ng kalikasan at ang pang-araw-araw na buhay nito. (“Tanaw ng Highgate mula sa Hempstead Hills”, OK. 1834; "Hay cart" 1821; Nakamit ito ng "Detham Valley", ca. 1828) sa tulong ng mga diskarte sa pagsulat. Nagpinta siya gamit ang mga gumagalaw na stroke, minsan makapal at magaspang, minsan mas makinis at mas transparent. Ang mga Impresyonista ay darating sa ito lamang sa katapusan ng siglo. Naimpluwensyahan ng makabagong pagpipinta ng Constable ang mga gawa ni Delacroix, pati na rin ang buong pag-unlad ng tanawin ng Pransya.

Ang sining ng Constable, pati na rin ang maraming aspeto ng gawa ni Gericault, ay minarkahan ang paglitaw ng isang makatotohanang kalakaran sa sining ng Europa noong ika-19 na siglo, na sa simula ay nabuo nang kahanay ng romantikismo. Nang maglaon, naghiwalay ang kanilang mga landas.

Binubuksan ng mga romantiko ang mundo ng kaluluwa ng tao, indibidwal, hindi katulad ng iba, ngunit taos-puso at samakatuwid ay malapit sa lahat ng sensual na pangitain ng mundo. Ang instantaneity ng imahe sa pagpipinta, tulad ng sinabi ni Gelacroix, at hindi ang pagkakapare-pareho nito sa pagganap ng literatura, ay nagpasiya ng pokus ng mga artista sa pinaka kumplikadong paghahatid ng paggalaw, para sa kapakanan kung saan natagpuan ang mga bagong pormal at coloristic na solusyon. Ang Romantisismo ay nag-iwan ng isang pamana sa ikalawang kalahati ng siglo XIX. lahat ng mga problemang ito at artistikong indibidwalidad ay napalaya mula sa mga tuntunin ng akademya. Ang simbolo, na kabilang sa Romantics ay dapat na ipahayag ang mahalagang kumbinasyon ng ideya at buhay, sa sining ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. natutunaw sa polyphony ng masining na imahe, na kumukuha ng pagkakaiba-iba ng mga ideya at sa nakapaligid na mundo.

b) Musika

Ang ideya ng art synthesis ay natagpuang ekspresyon sa ideolohiya at kasanayan ng romantikismo. Ang romantikismo sa musika ay nabuo noong 20s ng ika-19 na siglo sa ilalim ng impluwensya ng panitikan ng romantikismo at binuo na malapit na nauugnay dito, kasama ang panitikan sa pangkalahatan (bumaling sa mga sintetikong genre, pangunahin ang opera, kanta, instrumental na miniature at musical programming). Ang pag-apila sa panloob na mundo ng isang tao, na katangian ng romantikismo, ay ipinahayag sa kulto ng subjective, ang pananabik para sa matinding emosyonal, na tumutukoy sa primacy ng musika at lyrics sa romantikismo.

Musika ng ika-1 kalahati ng ika-19 na siglo. mabilis na umunlad. Isang bagong musikal na wika ang lumitaw; sa instrumental at chamber-vocal music, ang miniature ay nakatanggap ng isang espesyal na lugar; ang orkestra ay tumunog na may magkakaibang spectrum ng mga kulay; ang mga posibilidad ng piano at biyolin ay inihayag sa isang bagong paraan; ang musika ng mga romantiko ay napaka birtuoso.

Ang musical romanticism ay nagpakita ng sarili sa maraming iba't ibang sangay na nauugnay sa iba't ibang pambansang kultura at sa iba't ibang mga panlipunang paggalaw. Kaya, halimbawa, ang intimate, liriko na istilo ng mga romantikong Aleman at ang "oratorical" civil pathos, na katangian ng gawa ng mga kompositor ng Pranses, ay naiiba nang malaki. Kaugnay nito, ang mga kinatawan ng mga bagong pambansang paaralan na bumangon batay sa isang malawak na kilusang pambansang pagpapalaya (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), pati na rin ang mga kinatawan ng paaralan ng opera ng Italya, na malapit na nauugnay sa kilusang Risorgimento (Verdi, Bellini), sa maraming paraan ay naiiba sa mga kontemporaryo sa Alemanya, Austria o Pransya, sa partikular, ang pagkahilig na mapanatili ang mga klasikal na tradisyon.

Gayunpaman, lahat ng mga ito ay minarkahan ng ilang pangkalahatang masining na mga prinsipyo na nagpapahintulot sa amin na magsalita ng isang solong romantikong istraktura ng pag-iisip.

Dahil sa espesyal na kakayahan ng musika na malalim at malalim na ihayag ang mayamang mundo ng mga karanasan ng tao, inilagay ito sa unang lugar bukod sa iba pang mga sining sa pamamagitan ng romantikong aesthetics. Maraming mga romantiko ang nagbigay-diin sa isang intuitive na simula sa musika, na iniuugnay dito ang pag-aari ng pagpapahayag ng "hindi alam". Ang gawain ng mga natatanging romantikong kompositor ay may matibay na makatotohanang batayan. Ang interes sa buhay ng mga ordinaryong tao, ang kapunuan ng buhay at ang katotohanan ng mga damdamin, ang pag-asa sa musika ng pang-araw-araw na buhay ay tinutukoy ang pagiging totoo ng gawain ng pinakamahusay na mga kinatawan ng musikal na romantikismo. Ang mga reaksyonaryong tendensya (mistisismo, paglipad mula sa katotohanan) ay likas sa isang medyo maliit na bilang ng mga gawa ng mga romantiko. Lumitaw sila sa bahagi sa opera na Euryanta ni Weber (1823), sa ilang mga musikal na drama ni Wagner, oratorio Christ ni Liszt (1862), atbp.

Sa simula ng ika-19 na siglo, lumitaw ang mga pangunahing pag-aaral ng alamat, kasaysayan, sinaunang panitikan, mga alamat sa medieval, sining ng gothic, at ang kultura ng Renaissance na nakalimutan ay muling nabuhay. Sa panahong ito maraming mga pambansang paaralan ng isang espesyal na uri ang binuo sa gawain ng kompositor ng Europa, na nakalaan upang makabuluhang palawakin ang mga hangganan ng karaniwang kultura ng Europa. Russian, na sa lalong madaling panahon kinuha, kung hindi ang una, pagkatapos ay isa sa mga unang lugar sa pagkamalikhain sa kultura ng mundo (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tchaikovsky), Polish (Chopin, Moniuszko), Czech (Sour Cream, Dvorak), Hungarian ( Listahan), pagkatapos ay Norwegian (Grieg), Espanyol (Pedrel), Finnish (Sibelius), Ingles (Elgar) - lahat ng mga ito, pinagsama sa pangkalahatang mainstream ng pagkamalikhain ng kompositor sa Europa, sa anumang paraan ay sumasalungat sa kanilang sarili sa itinatag na sinaunang mga tradisyon . Isang bagong bilog ng mga imahe ang lumitaw, na nagpapahayag ng mga natatanging pambansang katangian ng pambansang kultura kung saan kabilang ang kompositor. Ang istraktura ng intonasyon ng trabaho ay nagpapahintulot sa iyo na agad na makilala sa pamamagitan ng tainga na kabilang sa isang partikular na pambansang paaralan.

Isinasama ng mga kompositor sa karaniwang European musical language ang intonational turns ng lumang, pangunahing alamat ng mga magsasaka ng kanilang mga bansa. Sila, kumbaga, nilinis ang Russian folk song mula sa lacquered opera, ipinakilala nila sa cosmopolitan intonation system ng 18th century song turns ng folk-everyday genre. Ang pinaka-kapansin-pansing kababalaghan sa musika ng romantisismo, na kung saan ay malinaw na nakikita kung ihahambing sa matalinghagang globo ng klasisismo, ay ang pangingibabaw ng liriko-sikolohikal na prinsipyo. Siyempre, ang isang natatanging tampok ng musikal na sining sa pangkalahatan ay ang repraksyon ng anumang kababalaghan sa pamamagitan ng globo ng mga damdamin. Ang musika sa lahat ng panahon ay napapailalim sa pattern na ito. Ngunit ang mga romantiko ay nalampasan ang lahat ng kanilang mga nauna sa halaga ng liriko na simula sa kanilang musika, sa lakas at pagiging perpekto sa paghahatid ng kalaliman ng panloob na mundo ng isang tao, ang mga banayad na lilim ng kalooban.

Ang tema ng pag-ibig ay sumasakop sa isang nangingibabaw na lugar dito, dahil ito ang estado ng pag-iisip na pinaka-komprehensibo at ganap na sumasalamin sa lahat ng kalaliman at nuances ng psyche ng tao. Ngunit ito ay lubos na katangian na ang temang ito ay hindi limitado sa mga motibo ng pag-ibig sa literal na kahulugan ng salita, ngunit kinilala sa pinakamalawak na hanay ng mga phenomena. Ang puro liriko na mga karanasan ng mga tauhan ay inilalantad sa backdrop ng malawak na makasaysayang panorama. Ang pag-ibig ng isang tao para sa kanyang tahanan, para sa kanyang amang-bayan, para sa kanyang mga tao ay tumatakbo tulad ng isang thread sa pamamagitan ng trabaho ng lahat ng mga romantikong kompositor.

Ang isang malaking lugar ay ibinibigay sa mga musikal na gawa ng maliliit at malalaking anyo sa imahe ng kalikasan, malapit at hindi maiiwasang magkakaugnay sa tema ng liriko na pagtatapat. Tulad ng mga imahe ng pag-ibig, ang imahe ng kalikasan ay nagpapakilala sa estado ng pag-iisip ng bayani, na madalas na kulayan ng isang pakiramdam ng hindi pagkakasundo sa katotohanan.

Ang tema ng pantasya ay madalas na nakikipagkumpitensya sa mga imahe ng kalikasan, na marahil ay nabuo sa pamamagitan ng pagnanais na makatakas mula sa pagkabihag ng totoong buhay. Karaniwan para sa mga romantiko ay ang paghahanap para sa isang kahanga-hanga, kumikinang na may kayamanan ng mga kulay ng mundo, laban sa kulay abong pang-araw-araw na buhay. Sa mga taong ito ang panitikan ay pinayaman ng mga fairy tale, ballad ng mga manunulat na Ruso. Kabilang sa mga kompositor ng romantikong paaralan, ang mga kamangha-manghang, kamangha-manghang mga imahe ay nakakakuha ng isang pambansang natatanging kulay. Ang mga balad ay inspirasyon ng mga manunulat na Ruso, at salamat dito, ang mga gawa ng isang kamangha-manghang kataka-takang plano ay nilikha, na sumasagisag, parang, ang maling panig ng pananampalataya, na nagsisikap na baligtarin ang mga ideya ng takot sa mga puwersa ng kasamaan.

Maraming mga romantikong kompositor din ang kumilos bilang mga manunulat at kritiko ng musika (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt, atbp.). Ang teoretikal na gawain ng mga kinatawan ng progresibong romantisismo ay gumawa ng isang napakahalagang kontribusyon sa pag-unlad ng pinakamahalagang isyu ng musikal na sining. Natagpuan din ang romantikismo sa mga sining ng pagtatanghal (ang violinist na Paganini, ang mang-aawit na si A. Nurri, at iba pa).

Ang progresibong kahulugan ng Romantisismo sa panahong ito ay pangunahing nakasalalay sa aktibidad Franz Liszt. Ang gawain ni Liszt, sa kabila ng magkasalungat na pananaw sa mundo, ay karaniwang progresibo, makatotohanan. Isa sa mga tagapagtatag at klasiko ng Hungarian na musika, isang natatanging pambansang artista.

Ang mga pambansang tema ng Hungarian ay malawak na makikita sa marami sa mga gawa ni Liszt. Pinalawak ng mga romantikong, birtuoso na komposisyon ni Liszt ang teknikal at nagpapahayag na mga posibilidad ng pagtugtog ng piano (concertos, sonatas). Mahalaga ang mga koneksyon ni Liszt sa mga kinatawan ng musikang Ruso, na ang mga gawa ay aktibong isinulong niya.

Kasabay nito, gumaganap ng malaking papel si Liszt sa pag-unlad ng sining ng musikal sa mundo. Pagkatapos ng Liszt, "naging posible ang lahat para sa pianoforte." Ang mga tampok na katangian ng kanyang musika ay improvisasyon, romantikong tuwa ng damdamin, nagpapahayag na himig. Si Liszt ay pinahahalagahan bilang isang kompositor, performer, musical figure. Mga pangunahing gawa ng kompositor: opera " Don Sancho o ang kastilyo ng pag-ibig"(1825), 13 symphonic na tula" Tasso ”, ” Prometheus ”, “Hamlet” at iba pa, gumagana para sa orkestra, 2 concerto para sa piano at orkestra, 75 romansa, koro at iba pang pantay na kilalang mga gawa.

Isa sa mga unang pagpapakita ng romantikismo sa musika ay ang pagkamalikhain Franz Schubert(1797-1828). Si Schubert ay pumasok sa kasaysayan ng musika bilang ang pinakamalaking sa mga tagapagtatag ng musikal na romantisismo at ang lumikha ng isang bilang ng mga bagong genre: romantikong symphony, piano miniature, lyric-romantic song (romance). Ang pinakamahalaga sa kanyang trabaho ay kanta, kung saan ipinakita niya lalo na ang maraming mga makabagong tendensya. Sa mga kanta ni Schubert, ang panloob na mundo ng isang tao ay pinakamalalim na inihayag, ang kanyang katangian na koneksyon sa katutubong musika ay pinaka-kapansin-pansin, ang isa sa mga pinakamahalagang katangian ng kanyang talento ay pinaka-maliwanag - ang kamangha-manghang pagkakaiba-iba, kagandahan, kagandahan ng mga melodies. Ang pinakamagagandang kanta noong unang panahon ay “ Margarita sa umiikot na gulong ”(1814) , “hari ng kagubatan". Ang parehong mga kanta ay nakasulat sa mga salita ng Goethe. Sa una sa kanila, naaalala ng inabandunang batang babae ang kanyang minamahal. Siya ay nag-iisa at malalim na nagdurusa, ang kanyang kanta ay malungkot. Ang isang simple at taos-pusong himig ay umaalingawngaw lamang ng monotonous na huni ng simoy ng hangin. Ang "The Forest King" ay isang kumplikadong gawain. Ito ay hindi isang kanta, ngunit sa halip ay isang dramatikong eksena kung saan tatlong karakter ang lumitaw sa harap natin: isang ama na nakasakay sa isang kabayo sa kagubatan, isang may sakit na bata na dala-dala niya, at isang kakila-kilabot na hari ng kagubatan na nagpakita sa isang batang lalaki na nilalagnat. kahibangan. Ang bawat isa sa kanila ay may sariling melodic na wika. Ang mga kanta ni Schubert na "Trout", "Barcarolle", "Morning Serenade" ay hindi gaanong sikat at minamahal. Isinulat sa mga susunod na taon, ang mga kantang ito ay kapansin-pansin para sa kanilang nakakagulat na simple at nagpapahayag ng melody at sariwang kulay.

Sumulat din si Schubert ng dalawang cycle ng mga kanta - " magandang miller"(1823), at" landas ng taglamig”(1872) - sa mga salita ng makatang Aleman na si Wilhelm Müller. Sa bawat isa sa kanila, ang mga kanta ay pinagsama ng isang balangkas. Ang mga kanta ng cycle na "The Beautiful Miller's Woman" ay nagsasabi tungkol sa isang batang lalaki. Kasunod ng agos ng batis, nagsimula siyang maglakbay upang hanapin ang kanyang kaligayahan. Karamihan sa mga kanta sa cycle na ito ay may magaan na karakter. Ang mood ng cycle na "Winter Way" ay ganap na naiiba. Ang isang mahirap na binata ay tinanggihan ng isang mayamang nobya. Sa kawalan ng pag-asa, umalis siya sa kanyang sariling lungsod at pumunta sa mundo. Ang kanyang mga kasama ay ang hangin, isang blizzard, isang nakakatakot na uwak.

Ang ilang mga halimbawa na ibinigay dito ay nagpapahintulot sa amin na pag-usapan ang tungkol sa mga tampok ng pagsulat ng kanta ni Schubert.

Mahilig magsulat si Schubert musikang piano. Para sa instrumentong ito, sumulat siya ng isang malaking bilang ng mga gawa. Tulad ng mga kanta, ang kanyang mga gawa sa piano ay malapit sa pang-araw-araw na musika at kasing simple at naiintindihan. Ang mga paboritong genre ng kanyang mga komposisyon ay mga sayaw, martsa, at sa mga huling taon ng kanyang buhay - impromptu.

Ang mga waltz at iba pang sayaw ay kadalasang lumilitaw sa mga bola ni Schubert, sa mga paglalakad sa bansa. Doon siya nag-improvise sa kanila, at ni-record sa bahay.

Kung ihahambing natin ang mga piyesa ng piano ni Schubert sa kanyang mga kanta, marami tayong makikitang pagkakatulad. Una sa lahat, ito ay isang mahusay na melodic expressiveness, biyaya, makulay na paghahambing ng major at minor.

Isa sa pinaka malaki Pranses mga kompositor ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo Georges Bizet, ang lumikha ng isang walang kamatayang likha para sa musikal na teatro - mga opera “Carmen"at magandang musika para sa drama ni Alphonse Daudet" Arlesian ”.

Ang gawa ni Bizet ay nailalarawan sa pamamagitan ng katumpakan at kalinawan ng pag-iisip, pagiging bago at pagiging bago ng mga paraan ng pagpapahayag, pagkakumpleto at kagandahan ng anyo. Ang Bizet ay nailalarawan sa pamamagitan ng talas ng sikolohikal na pagsusuri sa pag-unawa sa mga damdamin at pagkilos ng tao, na katangian ng gawa ng mga dakilang kababayan ng kompositor - ang mga manunulat na sina Balzac, Flaubert, Maupassant. Ang sentral na lugar sa gawain ng Bizet, na magkakaibang sa mga genre, ay kabilang sa opera. Ang operatic art ng kompositor ay lumitaw sa pambansang lupa at pinalaki ng mga tradisyon ng French opera house. Isinasaalang-alang ni Bizet ang unang gawain sa kanyang trabaho upang mapagtagumpayan ang mga paghihigpit sa genre na umiiral sa French opera, na humahadlang sa pag-unlad nito. Ang "malaking" opera ay tila sa kanya ay isang patay na genre, ang liriko na opera ay nakakairita sa kanyang pagluha at petiburges na makitid ang pag-iisip, ang komiks ay karapat-dapat ng pansin nang higit sa iba. Sa kauna-unahang pagkakataon sa opera ni Bizet, lumilitaw ang mga makatas at masiglang domestic at mass scene, na naghihintay sa buhay at matingkad na mga eksena.

Ang musika ni Bizet para sa drama ni Alphonse Daudet “Arlesian” ay pangunahing kilala para sa dalawang concert suite na binubuo ng kanyang pinakamahusay na mga numero. Gumamit si Bizet ng ilang tunay na Provençal melodies : “Marso ng Tatlong Hari” at "Sayaw ng malikot na kabayo".

Ang opera ni Bizet Carmen” ay isang musikal na drama na inilalahad sa harap ng mga manonood na may nakakumbinsi na katotohanan at may nakakabighaning artistikong kapangyarihan ang kuwento ng pag-ibig at pagkamatay ng mga bayani nito: ang sundalong si Jose at ang gipsy na si Carmen. Ang Opera Carmen ay nilikha batay sa mga tradisyon ng French musical theater, ngunit sa parehong oras ay ipinakilala din nito ang maraming mga bagong bagay. Batay sa pinakamahusay na mga nagawa ng pambansang opera at reporma sa pinakamahahalagang elemento nito, lumikha si Bizet ng bagong genre - isang makatotohanang musikal na drama.

Sa kasaysayan ng opera house noong ika-19 na siglo, ang opera Carmen ay sumasakop sa isa sa mga unang lugar. Mula noong 1876, nagsimula ang kanyang matagumpay na prusisyon sa mga yugto ng mga opera house ng Vienna, Brussels, at London.

Ang pagpapakita ng isang personal na relasyon sa kapaligiran ay ipinahayag ng mga makata at musikero, una sa lahat, sa kamadalian, emosyonal na "pagiging bukas" at pagsinta ng pagpapahayag, sa pagsisikap na kumbinsihin ang nakikinig sa tulong ng walang tigil na intensity ng tono ng pagkilala o pagtatapat.

Ang mga bagong uso sa sining ay may mapagpasyang impluwensya sa paglitaw lyric opera. Lumitaw ito bilang isang antithesis ng "grand" at comic opera, ngunit hindi ito makapasa sa kanilang mga pananakop at tagumpay sa larangan ng operatic dramaturgy at paraan ng pagpapahayag ng musikal.

Ang isang natatanging tampok ng bagong genre ng opera ay ang liriko na interpretasyon ng anumang balangkas na pampanitikan - sa isang makasaysayang, pilosopiko o modernong tema. Ang mga bayani ng lyrical opera ay pinagkalooban ng mga katangian ng mga ordinaryong tao, walang exclusivity at ilang hyperbolization, katangian ng isang romantikong opera. Ang pinaka makabuluhang artist sa larangan ng lyric opera ay Charles Gounod.

Kabilang sa napakaraming operatic heritage ng Gounod, ang opera " Faust" sumasakop sa isang espesyal at, maaaring sabihin, pambihirang lugar. Ang kanyang katanyagan sa buong mundo at katanyagan ay hindi mapapantayan ng iba pang mga opera ni Gounod. Ang makasaysayang kahalagahan ng opera na Faust ay lalong mahusay dahil hindi lamang ito ang pinakamahusay, ngunit sa esensya ang una sa mga opera ng bagong direksyon, kung saan isinulat ni Tchaikovsky: "Imposibleng tanggihan na si Faust ay isinulat, kung hindi kasama ang henyo, pagkatapos ay may pambihirang kasanayan at walang makabuluhang pagkakakilanlan." Sa imahe ni Faust, ang matalas na hindi pagkakapare-pareho at "paghiwa-hiwalay" ng kanyang kamalayan, ang walang hanggang kawalang-kasiyahan na dulot ng pagnanais na makilala ang mundo, ay pinawi. Hindi maiparating ni Gounod ang lahat ng versatility at pagiging kumplikado ng imahe ng Mephistopheles ni Goethe, na kinatawan ng diwa ng militanteng pagpuna sa panahong iyon.

Ang isa sa mga pangunahing dahilan para sa katanyagan ng "Faust" ay na ito ay nagkonsentra ng pinakamahusay at panimula na mga bagong tampok ng batang genre ng lyrical opera: isang emosyonal na direktang at malinaw na indibidwal na paglipat ng panloob na mundo ng mga karakter ng opera. Ang malalim na pilosopikal na kahulugan ng Goethe's Faust, na naghahangad na ihayag ang makasaysayang at panlipunang mga tadhana ng lahat ng sangkatauhan sa halimbawa ng salungatan ng mga pangunahing tauhan, ay isinama ni Gounod sa anyo ng isang makataong liriko na drama nina Marguerite at Faust.

Pranses na kompositor, konduktor, kritiko ng musika Hector Berlioz pumasok sa kasaysayan ng musika bilang pinakamalaking romantikong kompositor, tagalikha ng symphony ng programa, innovator sa larangan ng anyo ng musika, pagkakaisa at lalo na ang instrumento. Sa kanyang trabaho, natagpuan nila ang isang matingkad na sagisag ng mga tampok ng mga rebolusyonaryong kalunos-lunos at kabayanihan. Pamilyar si Berlioz kay M. Glinka, na ang musika ay lubos niyang pinahahalagahan. Nakipagkaibigan siya sa mga pinuno ng "Mighty Handful", na masigasig na tinanggap ang kanyang mga sinulat at malikhaing prinsipyo.

Gumawa siya ng 5 gawa sa entablado ng musika, kabilang ang opera " Benvenuto Cillini ”(1838), “ Mga Trojan ”,”Beatrice at Benedict(batay sa komedya ni Shakespeare na Much Ado About Nothing, 1862); 23 vocal at symphonic works, 31 romances, choirs, sinulat niya ang mga librong "Great Treatise on Modern Instrumentation and Orchestration" (1844), "Evenings in the Orchestra" (1853), "Through Songs" (1862), "Musical Curiosities" ( 1859), "Memoirs" (1870), mga artikulo, mga pagsusuri.

Deutsch kompositor, konduktor, playwright, publicist Richard Wagner pumasok sa kasaysayan ng kulturang pangmusika ng mundo bilang isa sa mga pinakadakilang tagalikha ng musika at mga pangunahing repormador ng sining ng opera. Ang layunin ng kanyang mga reporma ay lumikha ng isang monumental na programmatic vocal-symphonic na gawain sa dramatikong anyo, na idinisenyo upang palitan ang lahat ng uri ng opera at symphonic na musika. Ang nasabing gawain ay isang musikal na drama, kung saan ang musika ay dumadaloy sa isang tuluy-tuloy na stream, pinagsasama-sama ang lahat ng mga dramatikong link. Ang pagtanggi sa natapos na pag-awit, pinalitan sila ni Wagner ng isang uri ng emosyonal na mayaman na recitative. Ang isang malaking lugar sa mga opera ni Wagner ay inookupahan ng mga independiyenteng orkestra na mga yugto, na isang mahalagang kontribusyon sa musikang symphonic sa mundo.

Ang kamay ni Wagner ay kabilang sa 13 opera:“ The Flying Dutchman"(1843), "Tannhäuser"(1845), "Tristan and Isolde"(1865), "Gold of the Rhine"(1869) at iba pa.; choir, piano piece, romances.

Ang isa pang namumukod-tanging Aleman na kompositor, konduktor, pianista, guro, at pigura ng musika ay Felix Mendelssohn-Bartholdy. Mula sa edad na 9 nagsimula siyang gumanap bilang isang pianista, sa edad na 17 nilikha niya ang isa sa mga obra maestra - isang overture sa isang komedya " C nasa summer night siya" Shakespeare. Noong 1843 itinatag niya ang unang conservatory sa Germany sa Leipzig. Sa gawa ni Mendelssohn, "isang klasiko sa mga romantiko", ang mga romantikong tampok ay pinagsama sa klasikal na sistema ng pag-iisip. Ang kanyang musika ay nailalarawan sa pamamagitan ng maliwanag na himig, demokratismo ng pagpapahayag, katamtaman ng mga damdamin, kalmado ng pag-iisip, ang pamamayani ng maliwanag na damdamin, liriko na mga mood, hindi walang bahagyang ugnayan ng sentimentalidad, hindi nagkakamali na mga anyo, napakatalino na craftsmanship. Tinawag siya ni R. Schumann na "Mozart ng ika-19 na siglo", G. Heine - "isang himala sa musika".

May-akda ng landscape romantic symphony ("Scottish", "Italian"), mga palabas sa konsiyerto ng programa, isang sikat na violin concerto, mga cycle ng mga piraso para sa pianoforte na "Song without Words"; ang opera na Camacho's Marriage. Sumulat siya ng musika para sa dramatikong dula na Antigone (1841), Oedipus in Colon (1845) ni Sophocles, Atalia ni Racine (1845), Shakespeare's A Midsummer Night's Dream (1843) at iba pa; oratorio "Paul" (1836), "Elijah" (1846); 2 concerto para sa piano at 2 para sa violin.

AT Italyano kultura ng musika ang isang espesyal na lugar ay pag-aari ni Giuseppe Verdi - isang natitirang kompositor, konduktor, organista. Ang pangunahing lugar ng trabaho ni Verdi ay opera. Siya ay kumilos pangunahin bilang isang tagapagsalita para sa kabayanihan-makabayan na damdamin at mga ideya sa pambansang pagpapalaya ng mga Italyano. Sa mga sumunod na taon, binigyang-pansin niya ang mga dramatikong salungatan na dulot ng hindi pagkakapantay-pantay ng lipunan, karahasan, pang-aapi, at tinuligsa ang kasamaan sa kanyang mga opera. Mga tampok na katangian ng gawa ni Verdi: katutubong musika, dramatikong ugali, melodic na ningning, pag-unawa sa mga batas ng entablado.

Sumulat siya ng 26 na opera: " Nabucco”, “Macbeth”, “Troubadour”, “La Traviata”, “Othello”, “Aida" at iba pa . , 20 romances, vocal ensembles .

Bata pa Norwegian kompositor Edvard Grieg (1843-1907) naghahangad sa pagpapaunlad ng pambansang musika. Ito ay ipinahayag hindi lamang sa kanyang trabaho, kundi pati na rin sa pagsulong ng musikang Norwegian.

Sa kanyang mga taon sa Copenhagen, sumulat si Grieg ng maraming musika: " Mga Makatang Larawan” at "Humoresque", sonata para sa piano at unang violin sonata, mga kanta. Sa bawat bagong gawa, mas malinaw na lumilitaw ang imahe ni Grieg bilang isang Norwegian na kompositor. Sa banayad na liriko na "Poetic Pictures" (1863), ang mga pambansang tampok ay mahiyain pa ring pumasok. Ang rhythmic figure ay madalas na matatagpuan sa Norwegian folk music; naging katangian ito ng marami sa mga himig ni Grieg.

Ang gawain ni Grieg ay malawak at maraming aspeto. Sumulat si Grieg ng mga gawa ng iba't ibang genre. Piano Concerto at Ballades, tatlong sonata para sa violin at piano at isang sonata para sa cello at piano, ang quartet ay nagpapatotoo sa patuloy na pananabik ni Grieg para sa malaking anyo. Kasabay nito, ang interes ng kompositor sa mga instrumental na miniature ay nanatiling hindi nagbabago. Sa parehong lawak ng pianoforte, ang kompositor ay naaakit ng maliit na tinig ng silid - isang romansa, isang kanta. Huwag maging pangunahing kasama si Grieg, ang larangan ng symphonic creativity ay minarkahan ng mga obra maestra tulad ng mga suite " Bawat Gounod ”, “Mula sa mga araw ni Holberg". Ang isa sa mga katangiang uri ng gawa ni Grieg ay ang pagproseso ng mga katutubong kanta at sayaw: sa anyo ng mga simpleng piraso ng piano, isang suite cycle para sa piano na may apat na kamay.

Ang musikal na wika ni Grieg ay maliwanag na orihinal. Ang sariling katangian ng estilo ng kompositor ay higit sa lahat ay tinutukoy ng kanyang malalim na koneksyon sa Norwegian folk music. Malawakang ginagamit ni Grieg ang mga tampok ng genre, istraktura ng intonasyon, mga ritmo na pormula ng katutubong awit at himig ng sayaw.

Ang kahanga-hangang kasanayan ni Grieg sa variational at variant development ng isang melody ay nag-ugat sa mga katutubong tradisyon ng paulit-ulit na pag-uulit ng isang melody kasama ang mga pagbabago nito. "Ni-record ko ang katutubong musika ng aking bansa." Sa likod ng mga salitang ito ay nakasalalay ang magalang na saloobin ni Grieg sa katutubong sining at ang pagkilala sa mapagpasyang papel nito para sa kanyang sariling pagkamalikhain.

7. KONGKLUSYON

Batay sa itaas, ang mga sumusunod na konklusyon ay maaaring makuha:

Ang paglitaw ng romantikismo ay naimpluwensyahan ng tatlong pangunahing kaganapan: ang Rebolusyong Pranses, ang Napoleonic Wars, ang pag-usbong ng pambansang kilusang pagpapalaya sa Europa.

Ang Romantisismo bilang isang pamamaraan at direksyon sa kulturang sining ay isang kumplikado at kontrobersyal na kababalaghan. Sa bawat bansa mayroon siyang maliwanag na pambansang ekspresyon. Sinakop ng mga romantiko ang iba't ibang posisyong panlipunan at pampulitika sa lipunan. Lahat sila ay naghimagsik laban sa mga resulta ng burges na rebolusyon, ngunit sila ay naghimagsik sa iba't ibang paraan, dahil ang bawat isa ay may sariling mithiin. Ngunit sa lahat ng maraming mukha at pagkakaiba-iba, ang romantisismo ay may matatag na mga tampok:

Ang lahat ng mga ito ay nagmula sa pagtanggi sa Enlightenment at sa rasyonalistikong mga canon ng klasisismo, na nakagapos sa malikhaing inisyatiba ng artist.

Natuklasan nila ang prinsipyo ng historicism (husgahan ng mga enlighteners ang nakaraan na anti-historical para sa kanila na mayroong "makatwiran" at "hindi makatwiran"). Nakita natin ang mga karakter ng tao sa nakaraan, na hinubog ng kanilang panahon. Ang interes sa pambansang nakaraan ay nagbunga ng isang masa ng mga akdang pangkasaysayan.

Interes sa isang malakas na personalidad na sumasalungat sa kanyang sarili sa buong mundo sa kanyang paligid at umaasa lamang sa kanyang sarili.

Pansin sa panloob na mundo ng tao.

Ang romantikismo ay malawak na binuo kapwa sa mga bansa sa Kanlurang Europa at sa Russia. Gayunpaman, ang romantikismo sa Russia ay naiiba sa Kanlurang Europa sa pabor ng ibang makasaysayang tagpuan at ibang kultural na tradisyon. Ang tunay na dahilan ng paglitaw ng romantikismo sa Russia ay ang Patriotic War noong 1812, kung saan ang lahat ng kapangyarihan ng popular na inisyatiba ay ipinakita.

Mga tampok ng romantikong Ruso:

Ang Romantisismo ay hindi sumalungat sa Enlightenment. Ang ideolohiya ng paliwanag ay humina, ngunit hindi bumagsak, tulad ng sa Europa. Ang ideal ng isang napaliwanagan na monarko ay hindi naubos ang sarili nito.

Ang romantikismo ay nabuo kasabay ng klasiko, na madalas na magkakaugnay dito.

Ang romantikismo sa Russia ay nagpakita ng sarili sa iba't ibang paraan sa iba't ibang uri ng sining. Sa arkitektura, hindi ito binasa. Sa pagpipinta, natuyo ito sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Bahagya lang siyang nagpakita sa musika. Marahil sa panitikan lamang ang romantikismo ay patuloy na nagpakita ng sarili.

Sa visual arts, ang romantikismo ay malinaw na ipinakita sa pagpipinta at mga graphic, hindi gaanong ipinahayag sa iskultura at arkitektura.

Binubuksan ng mga romantiko ang mundo ng kaluluwa ng tao, indibidwal, hindi katulad ng iba, ngunit taos-puso at samakatuwid ay malapit sa lahat ng sensual na pangitain ng mundo. Ang instantaneity ng imahe sa pagpipinta, gaya ng sinabi ni Delacroix, at hindi ang pagkakapare-pareho nito sa pagganap ng literatura, ang nagpasiya sa pokus ng mga artista sa pinaka kumplikadong paghahatid ng paggalaw, para sa kapakanan kung saan natagpuan ang mga bagong pormal at coloristic na solusyon. Ang Romantisismo ay nag-iwan ng isang pamana sa ikalawang kalahati ng siglo XIX. lahat ng mga problemang ito at artistikong indibidwalidad ay napalaya mula sa mga tuntunin ng akademya. Ang simbolo, na kabilang sa Romantics ay dapat na ipahayag ang mahalagang kumbinasyon ng ideya at buhay, sa sining ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. natutunaw sa polyphony ng masining na imahe, na kumukuha ng pagkakaiba-iba ng mga ideya at sa nakapaligid na mundo. Ang romantikismo sa pagpipinta ay malapit na nauugnay sa sentimentalismo.

Ang Romantisismo ay nag-iwan ng isang buong panahon sa mundo ng artistikong kultura, ang mga kinatawan nito ay: sa panitikang Ruso Zhukovsky, A. Pushkin, M. Lermontov at iba pa; sa fine arts E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky, A. Venetsianov, A. Orlorsky, V. Tropinin at iba pa; sa musika nina F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin at iba pa. Natuklasan at nakabuo sila ng mga bagong genre, binigyang pansin ang kapalaran ng personalidad ng tao, inihayag ang dialectic ng mabuti at masama, mahusay na inihayag ang mga hilig ng tao, atbp.

8. SANGGUNIAN

1. Amminskaya A.M. Alexey Gavrilovich Vnetsianov. -- M: Kaalaman, 1980

2. Atsarkina E.N. Alexander Osipovich Orlovsky. -- M: Sining, 1971.

3. Belinsky V.G. Gumagana. A. Pushkin. - M: 1976.

4. Great Soviet Encyclopedia (Punong editor Prokhorov A.M.).- M: Soviet Encyclopedia, 1977.

5. Vainkop Yu., Gusin I. Maikling talambuhay na diksyunaryo ng mga kompositor. - L: Musika, 1983.

6. Vasily Andreevich Tropiin (sa ilalim ng pag-edit ni M.M. Rakovskaya). -- M: Visual arts, 1982.

7. Vorotnikov A.A., Gorshkovoz O.D., Yorkina O.A. Kasaysayan ng sining. - Mn: Panitikan, 1997.

8. Zimenko V. Alexander Osipovich Orlovsky. -- M: State Publishing House of Fine Arts, 1951.

9. Ivanov S.V. M.Yu.Lermontov. Buhay at sining. - M: 1989.

10. Musical literature ng mga banyagang bansa (sa ilalim ng editorship ni B. Levik).- M: Musika, 1984.

11. Nekrasova E.A. Turner. -- M: Fine Arts, 1976.

12. Ozhegov S.I. Diksyunaryo ng wikang Ruso. - M: State publishing house ng mga dayuhan at Russian na diksyunaryo, 1953.

13. Orlova M. J. Konstable. -- M: Sining, 1946.

14. Mga artistang Ruso. A.G. Venetsianov. - M: State Publishing House of Fine Arts, 1963.

15. Sokolov A.N. Kasaysayan ng panitikan ng Russia noong ika-19 na siglo (1st kalahati). - M: Higher School, 1976.

16. Turchin V.S. Orest Kiprensky. -- M: Kaalaman, 1982.

17. Turchin V.S. Theodore Géricault. -- M: Visual arts, 1982.

18. Filimonova S.V. Kasaysayan ng kultura ng sining ng mundo.-- Mozyr: White wind, 1997.

ang espirituwal na buhay ng isang tao, ang paglalarawan ng malakas na mga hilig, ang espiritwalisasyon ng kalikasan, interes sa pambansang nakaraan, ang pagnanais para sa mga sintetikong anyo ng sining ay pinagsama sa mga motibo ng kalungkutan sa mundo, ang pagnanais na galugarin at muling likhain ang "anino" , "gabi" na bahagi ng kaluluwa ng tao, na may sikat na "romantic irony", na nagpapahintulot sa mga romantiko na matapang na ihambing at itumbas ang mataas at mababa, ang trahedya at ang komiks, ang totoo at ang hindi kapani-paniwala. Ang pag-unlad sa maraming mga bansa, ang romantikismo sa lahat ng dako ay nakakuha ng isang maliwanag na pambansang pagkakakilanlan, dahil sa mga lokal na tradisyon at kundisyon sa kasaysayan. Ang pinaka-pare-parehong romantikong paaralan na binuo sa Pransya, kung saan ang mga artista, na nagreporma sa sistema ng mga paraan ng pagpapahayag, na-dynamize ang komposisyon, pinagsama ang mga anyo na may isang marahas na paggalaw, ginamit ang maliwanag na puspos na kulay at isang malawak, pangkalahatang estilo ng pagsulat (pagpinta ni T. Gericault, E . Delacroix, O. Daumier, plastics ni P .J. David d "Angers, A.L. Bari, F. Ryuda). Sa Germany at Austria, ang maagang romantikismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng malapit na atensyon sa lahat ng bagay na matalas na indibidwal, mapanglaw-contemplative tonality ng matalinghaga. -emosyonal na istraktura, mystical-pantheistic moods (portraits at allegorical compositions F.O. Runge, landscapes nina K.D. Friedrich at J.A. Koch), ang pagnanais na buhayin ang relihiyosong espiritu ng German at Italian painting noong ika-15 siglo (ang gawain ng mga Nazarenes); a uri ng pagsasanib ng mga prinsipyo ng romantikismo at "burgher realism" ay ang sining ni Biedermeier (ang gawain ni L Richter, K. Spitzweg, M. von Schwind, F. G. Waldmuller). bla at R. Bonington, kamangha-manghang mga imahe at hindi pangkaraniwang nagpapahayag na paraan - ang gawain ni W. Turner, attachment sa kultura ng Middle Ages at ang Early Renaissance - ang gawain ng mga masters ng huli na Romantic Pre-Raphaelite movement Sh.G. Rossetti, E. Burne-Jones, W. Morris at iba pa). Sa ibang mga bansa ng Europa at Amerika, ang romantikong kilusan ay kinakatawan ng mga landscape (pinta nina J. Inness at A.P. Ryder sa USA), mga komposisyon sa mga tema ng katutubong buhay at kasaysayan (ang gawain ni L. Galle sa Belgium, J. Manes sa Czech Republic, V. Madaras sa Hungary, P. Michalovsky at J. Matejko sa Poland, atbp.). Ang makasaysayang kapalaran ng romantisismo ay kumplikado at hindi maliwanag. Ang isa o isa pang romantikong trend ay minarkahan ang gawain ng mga pangunahing European masters noong ika-19 na siglo - ang mga artista ng paaralan ng Barbizon, C. Corot, G. Courbet, J.F. Millet, E. Manet sa France, A. von Menzel sa Germany, atbp. Kasabay nito, ang kumplikadong alegorismo, mga elemento ng mistisismo at pantasya, kung minsan ay likas sa romantikismo, ay natagpuan ang pagpapatuloy sa simbolismo, bahagyang sa sining ng post-impressionism at modernong istilo.

Portal para sa mag-aaral. Pagsasanay sa sarili

a) Panitikan

Iniwan niya ang kanyang sariling lupain

b) Pagpipinta

6. WESTERN EUROPEAN ROMANTICISMO

MGA KAUGNAY NA ARTIKULO