Napansin mo ba na ang pangunahing tauhan ng mga trahedya ni Shakespeare ay unti-unting tumatanda? Maaari nating husgahan ito dahil alam ang kronolohiya ng mga dula ni Shakespeare. Batang Romeo (“Romeo and Juliet”, c. 1595), tatlumpung taong gulang na Hamlet (“Hamlet”, c. 1600), matapang at may-gulang na mandirigmang si Othello (“Othello”, c. 1603), matandang Haring Lear (“ King Lear", ca. 1605) at walang hanggan, walang edad, Prospero (The Tempest, ca. 1611). Ito ay maaaring ipaliwanag sa pamamagitan ng ilang sikolohikal o pilosopikal na mga kadahilanan, masasabi nating ang may-akda ng mga dula mismo ay lumalaki, ang kanyang liriko na bayani ay tumatanda at mas matalino. Ngunit mayroong isang mas simpleng paliwanag: ang lahat ng mga tungkuling ito ay isinulat para sa isang aktor - para kay Richard Burbage, na namuno sa tropa ng teatro, kung saan si Shakespeare ay isang artista. Ginampanan ni Burbage si Romeo, at Hamlet, at Othello, at Macbeth, at Prospero, at marami pang ibang mga tungkulin. At habang tumatanda si Burbage, ganoon din ang bayaning Shakespearean.

Ito ay isa lamang halimbawa kung paano ang mga teksto ni Shakespeare ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa teatro kung saan sinulat ni Shakespeare. Hindi siya sumulat para sa mambabasa. Siya, tulad ng karamihan sa mga tao sa kanyang panahon, ay hindi tinatrato ang mga dula bilang isang uri ng panitikan. Ang dramaturgy noong panahong iyon ay nagsisimula pa lamang maging panitikan. Ang mga dula ay itinuring na materyal para sa mga aktor, bilang hilaw na materyal para sa teatro. Hindi dapat ipagpalagay na si Shakespeare, na nagsusulat ng mga dula, ay nag-iisip tungkol sa mga inapo, tungkol sa kung ano ang sasabihin ng mga susunod na henerasyon. Sumulat siya hindi lamang mga dula, nagsulat siya ng mga pagtatanghal. Isa siyang playwright na may directorial mindset. Isinulat niya ang bawat papel para sa ilang mga aktor ng kanyang tropa. Iniangkop niya ang mga katangian ng mga karakter sa mga katangian ng mismong mga aktor. Halimbawa, hindi tayo dapat magulat kapag, sa dulo ng Hamlet, sinabi ni Gertrude tungkol kay Hamlet na siya ay mataba at kapos sa paghinga. Ito ay nakakagulat: paano ito? Hamlet - ang sagisag ng biyaya, ang sagisag ng pagiging sopistikado at pinong mapanglaw - biglang taba at kapos sa hininga? Ito ay ipinaliwanag nang simple: Si Burbage, na gumaganap ng Hamlet, ay hindi na isang batang lalaki, ngunit isang tao na medyo makapangyarihan, malakas ang pangangatawan.

Mandelstam sa isang artikulo "Sining Teatro at ang Salita" (1923). Mayroong isang kahanga-hangang pormula: "Ang direksyon ay nakatago sa salita." Sa salita ni Shakespeare, ang pagdidirekta na ito ay nakatago (o bukas) sa pinaka-halatang paraan. Nagsusulat siya ng mga pagtatanghal, gumagawa siya ng mise-en-scenes.

Sa Theatrical Novel ng Bulgakov ay may isang sandali nang ang pangunahing tauhan na si Maksudov, na kakalikha pa lamang ng kuwentong Black Snow, ay bigla, nang hindi inaasahan para sa kanyang sarili, ay ginawa itong isang dula. Nakaupo siya sa mesa, sa tabi niya ay may mangy cat, isang lumang lampara sa kanyang ulo. At biglang tila sa kanya na sa harap niya sa mesa ay isang kahon kung saan gumagalaw ang maliliit na pigura. May bumaril, may nahuhulog na patay, may tumutugtog ng piano, at iba pa. Doon niya napagtanto na nagko-compose siya ng isang dula.

May katulad na nangyari kay Shakespeare. Tanging sa harap niya ay hindi isang stage-box, ngunit ang open space ng Globe Theater, kasama ang entablado nito na bumagsak sa auditorium, kaya napalibutan ito ng audience mula sa tatlong panig - at samakatuwid ang mise-en-scenes ay hindi patag. , ngunit napakalaki. At si Hamlet, na nagsasabing "maging o hindi na", nakita niya sa paligid niya, sa tabi niya, ang mga matulungin na mukha ng publiko. Ang madla kung saan at kung saan isinulat ang lahat ng mga dulang ito. Si Shakespeare ay bahagi ng theatrical reality na ito. Nabuhay siya sa buong buhay niya sa mga aktor, sa mga pag-uusap ng aktor, sa mga kakaunting props. Siya ay isang tao ng teatro. Binuo niya ang kanyang mga dula sa partikular na espasyo ng entablado. Hindi lang siya nagsulat ng mga papel para sa mga artista ng kanyang tropa, ibinagay niya ang istruktura ng kanyang mga dula sa istruktura ng entablado ng Globe o iyong mga teatro kung saan nilalaro ang kanyang tropa.

Mayroong tatlong mga puwang sa entablado sa Globe: mayroong pangunahing entablado, mayroong isang itaas na entablado, na nakasabit sa ibabaw ng pangunahing isa tulad ng isang balkonahe, at mayroong isang panloob na entablado, na pinaghihiwalay mula sa pangunahing entablado ng isang kurtina. Walang kurtina sa harap ng main stage. Inayos ni Shakespeare ang kanyang dula upang maging malinaw kung saan nagaganap ang isang tiyak na eksena, kung paano nagbabago ang paggamit ng itaas na entablado, ang panloob na entablado, ang paggamit ng kubo sa pinakatuktok ng entablado, kung saan nakakabit ang mga mekanismo ng pag-angat. Ibig sabihin, siya ang nagsusulat ng dula. At isang kamangha-manghang gawain — na ginagawa namin kasama ng mga mag-aaral sa loob ng maraming taon — ang pagkuha ng isang pagtatanghal mula sa teksto ng isang dula! Mula sa teksto ng "Hamlet" kinuha namin ang premiere ng "Hamlet" bilang "Hamlet" ay nilalaro sa "Globe" noong 1601, nang isulat ang dulang ito.

Kung nagbabasa ka ng isang dulang Shakespearean mula sa puntong ito ng pananaw, pagkatapos ay biglang lumitaw sa harap mo ang mga buhay na mukha, buhay na mise-en-scenes, buhay na mga metapora sa teatro mula sa mga pahinang ito. Ito marahil ang pinakakahanga-hangang bagay. At ito ay nagpapatunay na si Shakespeare ay isang tao ng teatro hanggang sa utak ng kanyang mga buto, at ang teatro, sa esensya, noon at ngayon, ay ang pangunahing instrumento kung saan nakikipag-usap si Shakespeare sa mundo. Gaano man kahalaga ang pag-aaral sa philological, pag-aaral ng mga ideyang pilosopiko ni Shakespeare, ang kanyang mundo, una sa lahat, ay isang entablado, isang teatro.

Ang kawalan ng kurtina sa harap ng pangunahing yugto ay tumutukoy sa istruktura ng dula. Halimbawa, kung may napatay sa entablado - at sa Shakespeare, tulad ng alam mo, madalas itong nangyayari, lalo na sa mga unang dula. Mayroong maraming dugo sa ilang "Titus Andronicus", ang dula ay nagsisimula sa katotohanan na ang mga labi ng dalawampu, sa palagay ko, apat na anak ng bayani ang dinala sa entablado "Labing-apat na pagpatay, tatlumpu't apat na bangkay, tatlong putol na kamay, isang pinutol na dila - ganyan ang imbentaryo ng mga kakila-kilabot na pumupuno sa trahedyang ito." A. A. Anikst. Titus Andronicus. // William Shakespeare. Mga nakolektang gawa. T. 2. M., 1958.. At kung ano ang wala doon - putulin ang mga kamay, putulin ang mga dila. Pinapatay nila si Shakespeare sa lahat ng oras. Ano ang gagawin sa mga patay sa entablado? Saan ilalagay ang mga ito? Sa isang modernong teatro, ang mga ilaw ay nakapatay o ang mga kurtina ay nakasara. Ang aktor na gumaganap bilang bida na kamamatay lang ay tumayo at pumunta sa backstage. Anong gagawin dito? Dahil sa liwanag ng araw ang mga pagtatanghal, walang artificial lighting. Oo nga pala, wala ring intermissions. Nakatayo ang karamihan sa mga manonood. (Isipin kung gaano mo kailangang mahalin ang teatro upang tumayo sa ilalim ng bukas na kalangitan ng London nang walang intermission sa loob ng dalawa at kalahati, tatlong oras.)

Kaya, sa entablado, may pinatay o may namamatay. Halimbawa, sa salaysay ni Shakespeare na Henry IV, namatay si Haring Henry IV. Siya ay naghahatid ng isang mahaba at napakalalim na paalam na monologo para sa kanyang anak. At bigla siyang nagtanong ng isang kakaibang tanong: "Ano ang pangalan ng susunod na silid?" Sa palagay ko ay hindi ito ang pangunahing tanong ng isang naghihingalo na tao. Sumagot sila sa kanya: "Jerusa-Lim, soberano." Sinabi niya, "Dalhin mo ako sa susunod na bulwagan, sapagkat inihula na ako ay mamamatay sa Jerusalem."

Maraming ganyang halimbawa. Halimbawa, bakit dadalhin ni Hamlet ang patay na si Polonius? At pagkatapos, upang palayain ang entablado mula sa mga patay, dahil hindi maisasara ang kurtina. Ang isang tao ay maaaring bumuo ng maraming mga pagpapalagay tungkol sa kung bakit kailangan ang Fortinbras sa finale ng Hamlet. Ano ang pilosopikal, sikolohikal, makasaysayang kahulugan ng misteryosong karakter na ito? Isang bagay ang lubos na malinaw: Kailangan ng Fortinbras para madala ang mga bangkay, kung saan marami ang nasa entablado sa finale. Naturally, ang kahulugan ng pagkakaroon nito ay hindi lamang dito, ngunit ito ay isa sa mga purong theatrical function nito.

Siyempre, si Shakespeare ay hindi isang serye ng mga panlilinlang sa teatro. Medyo malalim at pilosopo ang mismong view niya sa teatro. Isa sa mga leitmotif ng gawa ni Shakespeare ay ang ideya na ang buong uniberso ay nakaayos tulad ng isang teatro. Ang teatro ay isang modelo ng mundo. Ito ang laruang inimbento ng Panginoon para sa kanyang sarili upang hindi siya magsawa sa walang hangganang espasyong ito, sa walang katapusang kalungkutan. Ang teatro ay ang mundo. Ang kasaysayan ay teatro. Ang buhay ay teatro. Ang buhay ay theatrical. Ang mga tao ay mga artista sa entablado ng teatro sa mundo. Ito ang isa sa mga pangunahing motibo ng pagkamalikhain ni Shakespeare, na nag-aalis sa atin sa larangan ng puro teatro at teknikal na mga adaptasyon patungo sa larangan ng pag-unawa sa mundo.

Sa itaas ng ulo ng mga artista sa Globe Theater ay isang canopy na tinatawag na "langit". Ang underfoot ay isang hatch, na tinatawag na "hell, underworld." Ang aktor ay gumaganap sa pagitan ng langit at impiyerno. Ito ay isang kahanga-hangang modelo, isang kahanga-hangang larawan ng isang Renaissance na tao, iginiit ang kanyang pagkatao sa walang laman na espasyo ng pagiging, pinupunan ang walang laman sa pagitan ng langit at lupa ng mga kahulugan, mga mala-tula na imahe, mga bagay na wala sa entablado, ngunit nasa salita. Samakatuwid, kapag pinag-uusapan natin si Shakespeare bilang isang tao ng teatro, dapat nating isaisip na ang kanyang teatro ay isang modelo ng sansinukob.

Pag-decryption

Ito ay noong 1607, sa aking palagay - noong Setyembre. Dalawang barkong mangangalakal ng Ingles ang naglayag mula London patungong India sa palibot ng Africa sa rutang binuksan ni Vasco da Gama. Dahil mahaba ang paglalakbay, nagpasya kaming huminto malapit sa Sierra Leone - upang magpahinga at maglagay muli ng mga suplay. Ang isa sa mga barko ay tinawag na Red Dragon at pinamunuan ni William Keeling. Sa talaan ng barko, isinulat niya na inutusan niya ang mga mandaragat na maglaro ng ilang play sa deck. Ang rekord na ito ay binuksan sa pagtatapos ng ika-19 na siglo - bago ito kailanman naisip ng sinuman na maghanap ng isang bagay na Shakespearean sa archive ng Admiralty.

Anong dula ang pipiliin para sa isang illiterate na mandaragat? Una, dapat itong maging lubhang epektibo. Pangalawa, mas maraming pagpatay sa isang dula, mas mabuti. Pangatlo, dapat may pagmamahal. Pang-apat, mga kanta. Panglima, ang mga biro na iyon ay nagbibiro at nagbibiro nang walang patid. Tiyak na ito mismo ang inaasahan ng ganap na hindi marunong bumasa at sumulat na madla sa pagtatanghal.

Pinili ni Keeling ang isang piyesa na dapat laruin ng mga mandaragat para sa mga mandaragat. Tinawag itong "Hamlet" at nagustuhan ito ng mga mandaragat - pagkatapos ay nilaro muli nila ito, naglalayag na sa Indian Ocean. Hindi tulad natin, wala silang nakitang bugtong sa dulang ito. Para sa kanila, isa ito sa mga sikat na trahedya sa paghihiganti noon, isa sa mga madugong trahedya na isinulat ng hinalinhan ni Shakespeare na si Thomas Kyd. (Sa pamamagitan ng paraan, malamang na ang may-akda ng pre-Shakespearean Hamlet.)

Ang genre na ito ng madugong drama ay bumagsak sa isang buong hanay ng mga pare-parehong tampok. Una, ito ay isang kwento tungkol sa isang lihim na pagpatay. Pangalawa, tiyak na may multo na lumitaw dito, na nagsasabi kung sino ang pinatay at kung sino ang pumatay. Pangatlo, ang dula ay dapat may dula-dulaan. atbp. Siyanga pala, ginawa sa ganitong paraan ang dulang The Spanish Tragedy na sikat na sikat noon. Sa mga mata ng mga mandaragat, ang Hamlet ni Shakespeare ay natural na pumasok sa sikat, minamahal at, sa esensya, napakasimpleng genre.

Ang mga taong hindi marunong bumasa at sumulat (na sa katunayan ay hindi naiiba sa mga manonood ng Globe Theater ni Shakespeare - mga semi-literate na artisan) upang makita sa Hamlet kung ano ang nakita ng mga susunod na henerasyon, kung ano ang nakikita natin? Ang sagot ay halata: siyempre hindi. Napagtanto nila ang dulang ito nang hindi pinagkaiba ito sa iba pang katulad, wika nga, mga dulang tiktik. Ibinilang ba ni Shakespeare sa pagsulat ng Hamlet na darating ang panahon na ihahayag ng hinaharap na sangkatauhan ang lahat ng magagandang katotohanang inilagay niya sa dulang ito? Malinaw din ang sagot: hindi. Ang taong gustong mabuhay ang kanyang mga dula ang siyang bahala sa paglalathala ng mga ito. Subukan mong makipagtalo dito. Si Shakespeare ay hindi lamang walang pakialam sa paglalathala ng kanyang mga dula - madalas niyang pinipigilan ito. Sa oras na iyon, ang dramaturgy ay itinuturing na isang purong theatrical na bagay - at ang mga dula ni Shakespeare at ng kanyang mga kontemporaryo ay nai-publish para sa iba't ibang, madalas na hindi sinasadyang mga kadahilanan.

Halimbawa, ang gayong kuwento ay kay Hamlet lamang. Noong 1603, inilathala ang unang edisyon ng Hamlet, ang tinatawag na pirated na edisyon, na may pinaikling, baluktot, gusot na teksto, na hindi masyadong katulad ng alam natin. Ang teksto ay ninakaw at inilathala laban sa kagustuhan ng tropa at ng may-akda. Bagama't maliit ang ibig sabihin noon ng kalooban ng may-akda. Ang dula ay buong pagmamay-ari ng tropa. Kung ang mga sinehan ay biglang nagsara sa London (halimbawa, dahil sa salot), kung gayon ang tropa, upang mai-save ang teksto, ay napilitang dalhin ang dula sa publisher at ibenta ito para sa isang sentimos.

Ang "Hamlet" ay isang napakapopular na dula kapwa sa mga marino at artisan, at sa mga humanist na intelektwal. Gustung-gusto ng lahat ang Hamlet, tulad ng isinulat ng kontemporaryo ni Shakespeare.

At kaya, sa pagbabalik-tanaw, noong ika-20 siglo, sinimulan nilang malaman kung anong bastard ang nagbebenta ng teksto ni Shakespeare? Dahil eksaktong isang taon pagkatapos lumabas ang pirated na edisyon, inilathala ng tropa ni Shakespeare ang orihinal na teksto. Ang katotohanan ay ang tropa mismo ay labis na nag-aalala na ang dula ay hindi ninakaw. At nais ng mga publisher na makuha ang teksto ng dula sa anumang paraan, kung ito ay isang tagumpay. Minsan nagpadala sila ng mga stenographer, at kumuha sila ng mga tala sa pamamagitan ng tainga, kahit na ang mga kondisyon ay napakasama - ang pagganap ay nasa liwanag ng araw, at walang mapagtataguan. Ang mga aktor, na nakahanap ng isang tao na nagsusulat ng teksto sa pagtatanghal, ay maaaring matalo siya ng kalahati hanggang mamatay.

At kung minsan sinuhulan ng mga publisher ang ilang artista upang kopyahin ang teksto mula sa memorya. Bilang isang alaala, dahil wala ni isang aktor ang nakatanggap ng teksto ng buong dula, mga listahan lamang ng kanyang mga tungkulin.

At ngayon, mahigit tatlong siglo matapos isulat ang dula, nagpasya ang mga istoryador na ilantad ang manloloko. Nagsimula sila sa isang napakasimpleng palagay. Siyempre, alam ng aktor na ito ang teksto ng kanyang papel at ang teksto ng mga eksena kung saan kasama ang kanyang karakter. Inihambing ng mga mananaliksik ang dalawang teksto ng dula, pirated at authentic. Ito ay lumabas na ang mga teksto ng tatlong maliliit na tungkulin lamang ay ganap na nag-tutugma. Ang katotohanan ay ang tropa ni Shakespeare ay binubuo, tulad ng iba pang mga tropa noong panahong iyon, ng mga shareholder - mga aktor na nagsilbi sa pagbabahagi at nakatanggap ng suweldo depende sa kita ng teatro. At para sa mga maliliit na papel, sa mga eksena sa masa, kumuha sila ng mga artista mula sa labas. Halatang halata na ang pirata (ito ang termino ng panahon) na nagbenta ng teksto ay gumanap ng tatlong maliliit na papel na ito sa tatlong magkakaibang mga eksena - at samakatuwid ang mga ito ay ipinadala nang may kumpletong pagiging tunay. Ang isa sa kanila ay ang bantay na si Marcellus mula sa unang pagkilos, ang nagsasabi ng mga sikat na salita na "May nabulok sa estado ng Danish." Ito ay lubos na nauunawaan na ang mga pilosopiko na monologo ay pinakamahirap para sa pirata. Subukang tandaan ang "Maging o hindi maging." Samakatuwid, sa edisyong ito, ang mga monologo ni Hamlet ay muling ginawa sa pinakamalungkot na paraan. Ang pirata ay nagdagdag ng isang bagay sa kanyang sarili. Tandaan, ang Hamlet ay naglilista ng mga kasawian na nahuhulog sa ulo ng mga tao, at nagtatanong kung sino ang magtitiis "sa pang-aapi ng malakas ... hukom kabagalan"? Sa listahang ito ng mga kasawian, idinagdag ng pirata ang "pagdurusa ng mga ulila at matinding gutom." Malinaw na nakatakas ito sa kanyang kaluluwa.

Matapos ang insidenteng ito, hindi na naulit ang pagnanakaw. Posibleng ang mga aktor ng tropa ni Shakespeare mismo ang humawak sa kapus-palad na manloloko na ito sa pamamagitan ng kamay - at maiisip lamang ng isa kung ano ang ginawa nila sa kanya.

Bakit ko naalala ang kwentong ito? Ito ay isa sa isang libong mga halimbawa kung paano ang kapalaran ng mga teksto ni Shakespeare ay konektado sa kapalaran ng teatro ng panahon ni Shakespeare, sa buhay ng tropa nito at ng mga manonood nito, kung saan isinulat ang mga dakilang dulang ito.

Madaling pagtawanan ang kamangmangan ng publiko, sa kung ano sila maitim at bastos na mga lalaki. Ngunit sa parehong oras, ito ay ang perpektong madla. Ito ay isang banal na magandang madla, handang maniwala sa lahat ng nangyayari sa entablado. Ito ay isang madla na dinala sa simbahan upang mangaral, na naaalala pa rin ang karanasan ng mga pagtatanghal ng misteryo sa medieval. Ito ay isang madla kung saan mayroong isang banal na kawalang-kasalanan. Sa madlang ito, kung saan isinulat ni Shakespeare at kung saan siya direktang umaasa, mayroong isang kamangha-manghang, nakakainggit na pag-aari ng ganap na pananampalataya, na sa esensya ay nawala sa modernong teatro. Pananampalataya, kung wala ito ay walang mahusay na teatro.

Pag-decryption

Ang mga komedya ni Shakespeare ay hindi tumutugma sa ideya ng genre ng komedya kung saan tayo pinalaki. Itinuro sa atin na ang pagtawa ay panlilibak. Sanay na tayo sa katotohanan na ang comedy at satire ay halos iisa lang. Ang mga komedya ni Shakespeare ay mga gawa ng misteryo, mahika, at kakaiba ("Ipinanganak ako sa ilalim ng dancing star," sabi ni Beatrice sa Much Ado About Nothing). Ito ang pinaka-natatanging halimbawa ng komedya ng Renaissance, na namamalagi sa tradisyunal na landas ng pag-unlad ng komedya sa mundo, na umunlad bilang isang satirical, na may pagpuksa, galit, sarkastikong pagtawa (ng uri ng Moliere).

Iba ang tawa ni Shakespeare. Ito ang tawa ng kasiyahan sa harap ng mundo. Ito ay mala-tula na pagtawa, kung saan ang isang ganap na renaissance-esensyal na kumukulo ng sigla ay lumalabas. Ang pagtawa na ito ay nagiging deklarasyon ng pagmamahal sa mundo, para sa damo, para sa kagubatan, para sa langit, para sa mga tao.

Ang mga tradisyunal na komedya, ng uri ng Molière, ay mapanuksong mga komedya. Ang mga komedya ng Shakespearean ay mga nakakatawang komedya. Ang mga bayani ng uri ng Moliere-Gogolian ay kinutya, mga satirical na character, kadalasang matatanda. Ang mga bayani ni Shakespeare ay mga batang magkasintahan na gumagala sa mundo sa paghahanap ng kaligayahan, mga taong natuklasan ang mundo para sa kanilang sarili. Sila ay umibig sa unang pagkakataon, sila ay nagseselos, sila ay nagagalit - lahat ay sa unang pagkakataon. At ang punto ay hindi lamang na ang mga bayani ni Shakespeare ay bata pa, ngunit dala rin nila ang diwa ng isang batang panahon, isang panahon na tumutuklas sa mundo para sa sarili nito. Kaya naman ang pakiramdam ng mapang-akit na pagka-orihinal na bumubuo sa kamangha-manghang kagandahan ng mga dula ni Shakespeare. Para sa isang modernong tao - balintuna, sarcastic, hindi masyadong hilig na maniwala sa anuman - ang mga komedya ni Shakespeare kung minsan ay nagiging isang misteryo, isang lihim na may pitong selyo.

Sa pamamagitan ng paraan, ito mismo ang dahilan kung bakit maaaring pangalanan ng isang tao ang dose-dosenang mga mahusay na produksyon ng trahedya sa teatro ng ika-20 siglo - at literal na hindi mabilang na mahusay na mga produksyon ng komedya. Madaling isipin ang isang direktor na gumugol ng kanyang buong buhay sa pagtatrabaho patungo sa pagdidirekta sa Hamlet. Pero gusto kong makakita ng isang direktor na buong buhay niyang naghahanda para sa produksyon ng The Taming of the Shrew. Ito ay hindi malamang. Ang ika-20 at ika-21 siglo ay mas bukas sa trahedya. Siguro dahil ang mga komedya ni Shakespeare ay puno ng kaligayahan, puno ng nagniningning na nakakahilo na kagalakan - ang kagalakan ng pagkakaroon mismo, ang kagalakan na ipinanganak ang isang tao, ang kagalakan ng pagtuklas sa mundo, at tao, at pag-ibig.

Ang mga komedya ni Shakespeare ay ibang-iba. Malaki ang distansya sa pagitan ng The Taming of the Shrew o The Comedy of Errors sa isang banda at A Midsummer Night's Dream o Twelfth Night sa kabilang banda. Gayunpaman, mayroong konsepto ng komedya ng Shakespearean bilang isang espesyal na integral na genre. Ang isa sa mga palatandaan ng genre na ito ay ang marami sa mga komedya ay nagsasabi ng parehong kuwento - ang kuwento ng mga batang magkasintahan mula sa isang dramatiko, pagalit na mundo, isang mundo ng malupit na mga batas na humahabol, sumisira sa pag-ibig, tumakas sa kagubatan. At ang kagubatan ay nagliligtas at nagsisilungan sa kanila. Lahat ng kanilang dalamhati at drama na nagpahirap sa kanila ay naglaho sa kagubatan. Ang kagubatan bilang isang imahe ng kalikasan ay isa sa mga sentral na larawan ng Renaissance art. Siya, tulad ng musika, ay ibinabalik ang mga tao sa kanilang sariling kalikasan. (Para sa isang Renaissance na tao, ang musika ay isang simbolo ng pagiging, isang imahe ng istraktura ng Uniberso. Ito ang hiniram ng mga tao ng Renaissance mula sa mga sinaunang Pythagorean: musika bilang batas ng pagkakaroon ng Uniberso. Ang mga komedya ni Shakespeare ay puno ng gayong musika.)

Sa As You Like It, si Rosalind at ang kanyang kasintahan na si Orlando ay tumakas mula sa kastilyo ng malupit na si Frederick patungo sa kagubatan at nakahanap ng pagkakaisa, kapayapaan at kaligayahan doon. Si Rosalind ay isa sa pinakamatalino, perpekto at madaling maglaro at magbago, ang mga super-artistic na bayani ni Shakespeare. Sa pangkalahatan, ang kanyang mga bayani - mga artista, aktor - ay madalas na nakakahanap ng tunay na kaligayahan sa laro.

Ngunit hindi tulad ng kung paano ito nangyayari sa pastoral Pastoral- isang genre sa sining na tumutula sa isang mapayapa at simpleng pamumuhay sa kanayunan, kung saan ang mga bayani ay tumatakbo din sa kalikasan mula sa mga kaguluhan ng pang-araw-araw na buhay, ang mga bayani ng mga komedya ni Shakespeare sa tuwing babalik sa mundo - ngunit sa mundo na nailigtas at na-renew ng kagubatan. Ang paghaharap na ito ay matatawag na pangunahing balangkas ng mga komedya ng Shakespearean - ang paghaharap sa pagitan ng malupit, tradisyonal, hangal, konserbatibo, malupit na mundo at ang mundo ng kalayaan na matatagpuan ng mga tao sa kagubatan.

Isa itong fairy forest. Sa komedya na As You Like It, tumutubo ang mga palm tree at naninirahan dito ang mga leon, bagama't nagaganap ang aksyon sa isang lugar sa pagitan ng France at Belgium. Sa A Midsummer Night's Dream, ang mga duwende at mahiwagang nilalang ay nakatira sa kagubatan. Ito ang mundo ng isang malayong kaharian, isang panaginip na natupad - sa isang banda. Sa kabilang banda, ito ay isang English forest. Ang parehong Sherwood Forest mula sa mga ballad tungkol sa Robin Hood (tulad ng sa "Dalawang Veronians", kung saan ang mga magnanakaw na nakatira sa pagitan ng Milan at Verona ay nanunumpa sa pamamagitan ng kalbo na ulo ng isang matandang monghe mula sa mapangahas na banda ng Robin Hood). O ang mismong Kagubatan ng Arden sa dulang As You Like Ito rin ang kagubatan malapit sa Stratford, kung saan ginugol ni Shakespeare ang kanyang pagkabata at kung saan, ayon sa tanyag na paniniwala, naninirahan ang mga duwende - mga incorporeal na lumilipad na nilalang na pumupuno sa hangin ng kagubatan na ito. Ito ay isang mahiwagang lupain, ngunit ito rin ay Elizabethan England. Ang komedya na As You Like It ay nag-uusap tungkol sa mga taong naninirahan sa kagubatan na ito bilang mga tapon, tulad noong mga araw ni Robin Hood. Ang imahe ng mga komedya ni Shakespeare ay imahe rin ng lumang England. Lumang Robin Hood England.

Sa salaysay na "Henry V", isang babaeng nakatayo malapit sa higaan ng kamatayan ni Falstaff, ang pinakadakilang bayani ng komiks ni Shakespeare, ay nagsabi na bago siya mamatay ay bumulung-bulong siya tungkol sa ilang mga berdeng bukid. Ito ang mga berdeng bukid ng lumang England, ang mga bukid ng lumang Robin Hood England. Isang England na wala nang tuluyan, kung saan nagpaalam ang mga dula ni Shakespeare. Nagpaalam sila, nakakaramdam ng nostalgia para sa simple-puso at magandang mundong ito, na nakunan nang may lalim, alindog at simple sa mga komedya ni Shakespeare.

Hiniram ko ang pagtatapos ng lecture mula sa isang Amerikanong siyentipiko. Sa pagbibigay ng lecture sa komedya ni Shakespeare sa kanyang mga estudyante, tinapos niya ito ng ganito: "Paano tukuyin ang mundo ng mga komedya ni Shakespeare? Marahil ang pinakamahusay na paraan upang tukuyin ang mundo ng mga komedya ni Shakespeare ay ito. Ito ay isang mundo kung saan may mga mag-aaral ngunit walang mga lektura."

Pag-decryption

Ang Shakespeare's Chronicles ay mga makasaysayang drama mula sa nakaraan ng England, pangunahin mula sa ika-14 hanggang ika-15 na siglo. Ito ay kagiliw-giliw na maunawaan kung bakit sa Shakespearean England, hindi lamang sa mga humanista, siyentipiko, istoryador, kundi pati na rin sa mga karaniwang tao, nagkaroon ng napakalaking interes sa pambansang kasaysayan. Sa aking opinyon, ang sagot ay malinaw. Noong 1588 ang Invincible Spanish Armada - isang malaking armada na may sampu-sampung libong sundalo na sakay - ay umalis upang sakupin ang Inglatera, lumabas na ang kapalaran ng Britain ay nakasalalay sa balanse. Sino ang mag-aakala na ang bagyo ay magpapakalat sa mga barko ng mga Kastila, at ang mga English naval commander ay magagawang sirain ang napakalaking fleet na ito. May isang sandali na tila ang mga British ay nasa isang pambansang sakuna. At ang banta na ito, ang premonisyon na ito ng sakuna ay nagkaisa sa bansa, nagkaisa ng lahat ng uri. Ang mga British ay nadama na isang bansa na hindi kailanman bago. At tulad ng nangyayari sa mga sandali ng pambansang panganib, sining, at sa simpleng kamalayan ng mga tao, lumingon sa nakaraan - upang doon malaman ng bansang Ingles ang pinagmulan ng makasaysayang kapalaran nito at makahanap ng pag-asa para sa tagumpay doon. Sa alon ng pambansang pag-iisa, lumitaw ang partikular na dramatikong genre ng mga makasaysayang salaysay.

Masasabing sa mga salaysay ni Shakespeare, ang pananaw ng mga humanista ng Renaissance sa kasaysayan ay ipinahayag nang buong kumpleto. Ito ay batay sa ideya na ang kakanyahan ng kasaysayan ay isang banal na kakanyahan, na sa likod ng proseso ng kasaysayan ay mayroong isang super-kalooban, banal na kalooban, ganap na hustisya. Ang mga lumalabag sa mga batas ng kasaysayan, ang mga lumalabag sa mga batas moral, ay tiyak na mapapahamak. Ngunit ito ay mahalaga na ang pinaka-theatrical, makatao kawili-wiling motibo at mga larawan ng mga salaysay ni Shakespeare ay tiyak sa mga kuwento tungkol sa mga lumalabag sa lahat ng uri ng mga batas. Ang pinaka-kapansin-pansin na halimbawa ay si Richard III. Halimaw, halimaw, kontrabida, voluptuary, mamamatay-tao, maninirang-puri, rapist. Ngunit kapag sa simula pa lang ng dula ay lumabas na siya sa entablado, lumingon siya sa amin na may pag-amin. Isang kakaibang ideya na magsimula ng isang dula sa isang pagtatapat. Kakaiba ang pagbuo ng isang dula sa paraang sa pinakaunang eksena ay ipinakita ng bayani ang kanyang kakila-kilabot na kaluluwa. Napakalaking paglabag sa lahat ng batas ng istruktura ng drama! Paano mapapaunlad pa ang mga kaganapan? Ngunit si Shakespeare ay isang henyo, at siya ay nasa itaas ng mga batas. At ang "Richard III" ay isang kahanga-hangang patunay.

At ang punto ay hindi na ang dula ay nagsisimula sa isang pag-amin, ngunit na bigla tayong nahulog sa ilalim ng mapang-akit na alindog, ang espesyal na kakila-kilabot na atraksyon ng freak na ito, kontrabida, scoundrel, mamamatay-tao, voluptuary. Ang kanyang mga kasalanan ay walang katapusan. Ngunit ito ang pigura ng isang henyo, itim, ngunit isang henyo, isang lalaking ipinanganak upang mag-utos. Sa tabi niya, ang ibang makasalanan o mabubuting politiko ay tila maliit na prito. Sa katunayan, upang makakuha ng kapangyarihan sa kanila, gumugugol siya ng labis na lakas. Sa mga tahimik na tupa na ito, tahimik na duwag, ang tagumpay ay mas madali kaysa sa isang madali.

Si Richard III ay una at higit sa lahat isang mahusay na aktor. Nasisiyahan siya sa mismong proseso ng mapagkunwari na paglalaro, pagpapalit ng mga maskara. Dito gumuho ang lahat ng moral na tuntunin, lahat ng tradisyonal na ideya tungkol sa mabuti at masama. Bumagsak sila bago ang pagpili ng kakila-kilabot, napakapangit, ngunit tunay na mahusay na pigura.

Napakadali nitong talunin ng kuba, pambihira, pilay na lalaking ito si Lady Anne. Ito ang pinakasikat na eksena sa dula, bagama't tumatagal lamang ito ng halos sampung minuto. Noong una, kinasusuklaman siya ni Lady Anne, dinuraan siya sa mukha, sinusumpa siya dahil siya ang pumatay sa kanyang asawa at ama ng kanyang asawa, si Henry VI. At sa dulo ng eksena, siya ay pag-aari niya - ganoon ang super-will, ang kakila-kilabot na super-power na sumisira sa lahat ng ideya ng mabuti at masama. At nahulog kami sa ilalim ng kanyang spell. Hinihintay namin ang henyong ito ng kasamaan na sa wakas ay lumitaw sa entablado. Ang mga aktor sa lahat ng oras ay adored ang papel na ito. At si Burbage, na siyang unang performer, at si Garrick noong ika-18 siglo, at si Edmund Keane noong ika-19 na siglo, at sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, sina Henry Irving, at Laurence Olivier. At kung pag-uusapan natin ang ating teatro, kung gayon ang dula ni Robert Sturua ay nananatiling isang magandang halimbawa. Robert Sturua(b. 1938) - direktor ng teatro, artista, guro.. Si Ramaz Chkhikvadze ay mahusay na nilalaro ang half-man, half-monster na ito.

Ang halimaw na ito ay ipinanganak upang mag-utos, ngunit ang kanyang kamatayan ay hindi maiiwasan. Dahil nagrebelde siya laban sa kasaysayan, laban sa pinagsama-sama ni Shakespeare sa gitnang leitmotif ng mga chronicles. Siya, isang rebelde, ay naghimagsik laban sa panahon, laban sa Diyos. Hindi nagkataon na noong ginampanan ni Keane ang papel na ito, ang huling tingin ng naghihingalong si Richard ay ang tingin sa langit. At ito ay ang hitsura ng hindi mapalagay, hindi mapagpatawad na hitsura ng kaaway. Ang "Richard III" ay isang halimbawa kung paano napagtagumpayan ng henyo ni Shakespeare ang mga batas sa etika. At natagpuan natin ang ating sarili sa awa ng itim na henyo na ito. Ang halimaw na ito, ang kontrabida, ang pagnanasa sa kapangyarihan, ay hindi lamang tinatalo si Lady Anna, natalo niya tayo. (Lalo na kung si Richard ay ginampanan ng isang mahusay na aktor. Halimbawa, si Laurence Olivier. Ito ang kanyang pinakamahusay na papel, na una niyang ginampanan sa teatro, at pagkatapos ay sa isang pelikula na idinirek ng kanyang sarili.)

Ang mga salaysay ni Shakespeare ay matagal nang itinuturing bilang isang de-ideologized treatise sa kasaysayan. Maliban sa "Richard III", na palaging itinatanghal at palaging minamahal ng mga artista. Ang lahat ng walang katapusang "Henry VI", unang bahagi, dalawang bahagi, tatlong bahagi, "Henry IV", unang bahagi, dalawang bahagi, lahat ng "King Johns" na ito ay mas kawili-wili para sa mga istoryador, ngunit hindi para sa teatro.

Hanggang sa 1960s sa Stratford na si Peter Hall, na namamahala sa Royal Shakespeare Theater, ay nagtanghal ng isang cycle ng mga chronicle ni Shakespeare na tinatawag na The Wars of the Roses. Digmaan ng Scarlet and White Roses, o Digmaan ng mga Rosas, (1455-1485) - isang serye ng mga armadong dynastic conflict sa pagitan ng mga paksyon ng maharlikang Ingles na nag-aagawan para sa kapangyarihan.. Inayos niya ang mga ito sa paraang naging halata ang koneksyon sa pagitan ng makasaysayang drama ni Shakespeare at Brecht, ang makasaysayang drama ni Shakespeare at ng dokumentaryong drama noong kalagitnaan ng ikadalawampu siglo. Ang koneksyon sa pagitan ng mga salaysay ni Shakespeare at ng "theater of cruelty" ni Antonin Artaud Antonin Artaud(1896-1948) - Pranses na manunulat, manunulat ng dula, aktor at teorista, innovator ng theatrical language. Ang batayan ng sistemang Artaud ay ang pagtanggi sa teatro sa karaniwang kahulugan ng hindi pangkaraniwang bagay na ito, isang teatro na nakakatugon sa mga tradisyonal na pangangailangan ng publiko. Ang pinakamahalagang gawain ay upang matuklasan ang tunay na kahulugan ng pag-iral ng tao sa pamamagitan ng pagkasira ng mga random na anyo. Ang terminong "kalupitan" sa sistema ng Artaud ay may kahulugan na sa panimula ay naiiba sa pang-araw-araw na kahulugan. Kung, sa karaniwang kahulugan, ang kalupitan ay nauugnay sa pagpapakita ng indibidwalismo, kung gayon ayon kay Artaud, ang kalupitan ay isang mulat na pagpapasakop sa pangangailangan, na naglalayong sirain ang sariling katangian.. Tinalikuran ni Peter Hall ang mga tradisyonal na damdaming makabayan, mula sa anumang pagtatangka na luwalhatiin ang kadakilaan ng Imperyo ng Britanya. Nagtanghal siya ng isang pagtatanghal tungkol sa napakapangit, pangit, hindi makatao na mukha ng digmaan, na sumusunod sa mga yapak ni Bertolt Brecht at natutunan mula sa kanya ang isang pagtingin sa kasaysayan.

Simula noon, mula noong 1963, nang itanghal ni Peter Hall ang kanyang makasaysayang cycle sa Stratford, ang theatrical na kapalaran ng mga chronicle ni Shakespeare ay nagbago. Pumasok sila sa world theater na may lawak na dati ay ganap na imposible. At hanggang ngayon, ang mga salaysay ni Shakespeare ay napanatili sa repertoire ng modernong teatro, pangunahin ang Ingles at ang ating sarili.

Naaalala ko ang kahanga-hangang dula ni Henry IV na itinanghal noong huling bahagi ng 1960s ni Georgy Tovstonogov sa Bolshoi Drama Theatre. At isang napakatalino na kapalaran sa entablado ng Russia sa "Richard III". Hindi iyon noong itinanghal nila ang "Richard III", naalala nila ang ating kasaysayan, ang pigura ng sarili nating halimaw. Halata naman. Ngunit si Shakespeare ay hindi sumulat ng mga dula na tumutukoy sa mga partikular na makasaysayang pigura. Si Richard III ay hindi isang dula tungkol kay Stalin. Ang Richard III ay isang dula tungkol sa paniniil. At hindi gaanong tungkol sa kanya, ngunit tungkol sa tuksong dinadala niya. Tungkol sa pagkauhaw sa pagkaalipin, kung saan itinayo ang lahat ng paniniil.

Kaya, ang mga salaysay ni Shakespeare ay hindi mga treatise sa kasaysayan, sila ay mga buhay na dula, mga dula tungkol sa ating sariling makasaysayang kapalaran.

Pag-decryption

Ilang taon na ang nakararaan nasa Verona ako at nilibot ko ang mga lugar na iyon na, bilang tiniyak ng mga naninirahan sa Verona, ay konektado sa kuwento ni Romeo at Juliet. Narito ang isang luma, mabigat, natatakpan ng lumot na balkonahe kung saan nakatayo si Juliet, at sa ilalim kung saan nakatayo si Romeo. Narito ang templo kung saan pinakasalan ni Padre Lorenzo ang mga batang magkasintahan. Narito ang puntod ni Juliet. Ito ay matatagpuan sa labas ng mga pader ng lumang lungsod, sa modernong Verona Cheryomushki. Doon, kabilang sa mga ganap na Khrushchev na limang palapag na mga gusali, ay nakatayo ang isang kaakit-akit na maliit na lumang monasteryo. Sa basement nito ay ang tinatawag na Juliet's crypt. Walang nakakaalam kung ito nga, ngunit pinaniniwalaan na ito nga.

Ito ay isang bukas na libingan. Pumunta ako sa basement, tumingin, ginawa ang tungkulin ko kay Shakespeare at aalis na sana. Ngunit sa huling sandali ay napansin niya ang isang tumpok ng mga papel na nakalatag sa isang bato sa itaas ng libingan. Tumingin ako sa isa at napagtanto ko na ito ay mga liham na isinulat ng mga modernong babae kay Juliet. At kahit na bastos magbasa ng mga sulat ng ibang tao, nagbabasa pa rin ako ng isa. Napakawalang muwang, nakasulat sa Ingles. Alinman sa isang Amerikano ang sumulat nito, o isang Italyano na batang babae na nagpasya na si Juliet ay dapat isulat sa Ingles, dahil ito ay isang dula ni Shakespeare. Ang nilalaman ay parang ganito: “Dear Juliet, ngayon ko lang nalaman ang kwento mo at umiyak ako ng sobra. Ano ang ginawa sa iyo ng masasamang matatandang iyon?"

Naisip ko na ang makabagong sangkatauhan at modernong teatro ay gumagawa ng gayon, na sila ay nagsusulat ng mga liham sa mga dakilang gawa ng nakaraan. At nakakakuha sila ng sagot. Sa esensya, ang buong kapalaran ng modernong teatro, ang pagtatanghal ng mga klasiko sa pangkalahatan at partikular sa Shakespeare, ay ang kasaysayan ng sulat na ito. Minsan dumarating ang sagot, minsan hindi. Ang lahat ay nakasalalay sa kung ano ang itatanong natin sa nakaraan. Hindi itinatanghal ng modernong teatro si Shakespeare upang malaman kung paano nabuhay ang mga tao noong ika-16 na siglo. At hindi upang subukang tumagos sa mundo ng kulturang British mula sa ating mundo ng Russia. Ito ay mahalaga, ngunit pangalawa. Bumaling tayo sa mga klasiko, bumaling tayo kay Shakespeare, pangunahin upang maunawaan ang ating sarili.

Kinumpirma ito ng kapalaran nina Romeo at Juliet. Hindi inimbento ni Shakespeare ang balangkas ng dulang ito. Parang wala siyang hilig gumawa ng kwento. Dalawang dulang Shakespeare lang ang umiiral nang walang kilalang pinagmulan - A Midsummer Night's Dream at The Tempest. At pagkatapos, marahil, dahil hindi lang natin alam kung saan sila pinagmumulan.

Ang balangkas ng "Romeo at Juliet" ay kilala sa napakatagal na panahon. Noong unang panahon, mayroong kanilang sariling Romeo at Juliet - ito ay sina Pyramus at Thisbe, na ang kasaysayan ay inilarawan ni Ovid. Ang kuwento ni Romeo ay binanggit din ni Dante - Montecchi at Cappelletti, tulad ng sinabi niya sa Divine Comedy. Mula noong huling bahagi ng Middle Ages, ang mga lungsod sa Italya ay nagtatalo tungkol sa kung saan naganap ang kuwento ng "Romeo at Juliet". Sa huli, nanalo si Verona. Pagkatapos ay sumulat si Lope de Vega ng isang dula tungkol kay Romeo at Juliet. Pagkatapos ay isa-isang ikinuwento ng mga nobelang Italyano ang kuwento.

Sa England, ang balangkas ng Romeo at Juliet ay kilala rin bago si Shakespeare. Isang makatang Ingles, si Arthur Brooke, ang sumulat ng tula ng pag-ibig sa pagitan nina Romeus at Juliet. Ibig sabihin, ang dula ni Shakespeare ay nauuna sa isang napakalaking kwento. Itinatayo niya ang kanyang gusali sa isang tapos na pundasyon. At ang iba't ibang interpretasyon ng dulang ito ay posible dahil ang mismong batayan nito ay naglalaman ng iba't ibang posibilidad sa pag-unawa at pagbibigay-kahulugan sa kwentong ito.

Tumatagal ng siyam na buwan ang kwento ni Arthur Brooke tungkol sa lihim na pag-iibigan nina Romeus at Juliet. Sa Shakespeare, ang aksyon ng isang trahedya ay umaangkop sa limang araw. Mahalaga para kay Shakespeare na simulan ang dula sa Linggo ng hapon at tapusin ito nang eksaktong limang araw mamaya, sa Biyernes ng gabi. Mahalaga sa kanya na ang proposed wedding nina Paris at Juliet ay dapat maganap sa Huwebes. "Hindi, sa Miyerkules," sabi ni Padre Capulet. Isang kakaibang bagay: paano nauugnay ang mga araw ng linggo at ang dakilang trahedya sa mga ideyang pilosopikal nito? Mahalaga para kay Shakespeare na ang mga ideyang pilosopikal na ito ay pagsamahin sa napakakonkreto, pang-araw-araw na mga pangyayari. Sa limang araw na ito, ang pinakadakilang kuwento ng pag-ibig sa panitikan sa mundo ay nagbubukas sa harap natin.

Tingnan kung paano pinasok nina Romeo at Juliet ang kwentong ito at kung paano nila ito iniwan. Tingnan kung ano ang mangyayari sa kanila sa ilang araw na ito. Tingnan mo itong babaeng ito na naglaro lang ng mga manika. At tingnan kung paano naging malakas at malalim na tao ang mga kalunus-lunos na kalagayan ng kapalaran. Tingnan mo itong batang ito, sentimental teenager na si Romeo. Paano ito nagbabago patungo sa wakas?

Sa isa sa mga huling eksena ng dula, may isang sandali na dumating si Romeo sa crypt ni Juliet at nakilala siya ni Paris doon. Nagpasya ang Paris na si Romeo ay dumating upang lapastanganin ang mga abo ni Juliet at hinarangan ang kanyang daan. Sinabi sa kanya ni Romeo: "Umalis ka, mahal na binata." Ang tono ng pananalita ni Romeo kay Paris, na malamang na mas matanda sa kanya, ay ang tono ng isang matalino at pagod na tao, isang taong nabuhay, isang taong nasa bingit ng kamatayan. Ito ay isang kwento tungkol sa pagbabago ng isang tao sa pamamagitan ng pag-ibig at ang trahedya na nauugnay sa pag-ibig na ito.

Ang trahedya, tulad ng alam mo, ay ang kaharian ng hindi maiiwasan, ito ang mundo ng hindi maiiwasan. Sa trahedya, namamatay sila dahil kailangan, dahil ang kamatayan ay inireseta para sa isang taong pumasok sa isang trahedya na labanan. Gayunpaman, ang pagkamatay nina Romeo at Juliet ay hindi sinasadya. Kung hindi dahil sa hangal na salot na ito, narating na ng sugo ni Padre Lorenzo si Romeo at ipinaliwanag na hindi naman patay si Juliet, na ang lahat ng ito ay ang marangal na karunungan ni Lorenzo. Kakaibang kwento.

Minsan ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng katotohanan na ang Romeo at Juliet ay isang maagang dula, na ito ay hindi pa ganap na trahedya, na ang Hamlet ay malayo pa. Siguro nga. Ngunit iba rin ang posible. Paano maintindihan ang salot sa trahedya ni Shakespeare? Ngunit paano kung ang salot ay hindi lamang isang epidemya, ngunit isang imahe ng trahedya na nilalang ng pagiging?

Sa likod ng kwentong ito ay mayroong ibang subtext na nagbibigay-daan para sa ibang interpretasyon. Franco Zeffirelli bago gumawa ng isang sikat na pelikula "Romeo at Juliet", 1968., nagtanghal ng isang pagtatanghal sa isang teatro ng Italyano. Dinala ito sa Moscow, at naaalala ko kung paano ito nagsimula. Nagsimula ito sa isang maingay, makulay, neo-realistic na eksena ng maraming tao sa merkado, nagsasaya, tumatakbo, nakikipagkalakalan, nagsisigawan. Italy, sa isang salita. At bigla kaming nakakita ng isang lalaking nakaitim na lumitaw sa likod ng entablado at nagsimulang gumalaw sa mga taong ito patungo sa amin. Sa ilang mga punto, ang karamihan ng tao ay nag-freeze, at isang lalaki na may scroll sa kanyang mga kamay ay lumapit sa unahan at binasa ang teksto ng prologue. Ang itim na lalaking ito ay ang imahe ng kapalaran at ang hindi maiiwasang pagdurusa at pagkamatay ng mga magkasintahan.

Alin sa dalawang interpretasyong ito ang tama? At maaari ba nating pag-usapan ang tama at maling interpretasyon? Ang buong punto ay ang dramaturhiya ni Shakespeare ay naglalaman ng mga posibilidad ng ibang-iba, minsan halos magkahiwalay, na mga punto ng pananaw. Ito ang kalidad ng mahusay na sining. Ito ay malinaw na pinatunayan kapwa ng pampanitikan at, higit sa lahat, ng teatro na kapalaran nina Romeo at Juliet.

Sapat na upang alalahanin ang kalunos-lunos na pagganap ni Anatoly Efros, isa sa pinakamalalim na pananaw sa dulang ito. Sa produksyong ito, hindi mga kalapati sina Romeo at Juliet - sila ay malakas, may sapat na gulang, malalim na mga tao na alam kung ano ang naghihintay sa kanila kung hahayaan nila ang kanilang sarili na labanan ang mundo ng boorish na kapangyarihan na naghahari sa theatrical Verona. Walang takot silang naglakad patungo sa kamatayan. Nabasa na nila ang Hamlet. Alam nila kung paano ito magtatapos. Nagkaisa sila hindi lamang sa pamamagitan ng pakiramdam, pinag-isa sila ng pagnanais na labanan ang mundong ito at ang hindi maiiwasang kamatayan. Ito ay isang madilim na pagtatanghal na hindi nag-iiwan ng maraming pag-asa, at ito ay isang pagtatanghal na lumago mula sa pinakadiwa ng teksto ni Shakespeare.

Marahil ay isinulat mismo ni Shakespeare ang Romeo at Juliet sa ganitong paraan, kung isinulat niya ang dulang ito hindi sa panahon ng kanyang kabataan, ngunit sa panahon ng trahedya na Hamlet.

Pag-decryption

Ang Hamlet ay isang espesyal na dula para sa Russia. Ang Hamlet sa trahedya ay nagsasabi na ang teatro ay isang salamin kung saan ang mga siglo, estate at henerasyon ay makikita, at ang layunin ng teatro ay humawak ng salamin sa harap ng sangkatauhan. Ngunit ang Hamlet mismo ay isang salamin. May nagsabi na ito ay salamin na nakalagay sa mataas na kalsada. At ang mga tao, mga henerasyon, mga tao, mga estate ay dumaan sa kanya. At nakikita ng lahat ang kanyang sarili. Tungkol sa kasaysayan ng Russia, ito ay totoo lalo na. Ang Hamlet ay ang salamin kung saan palaging hinahangad ng Russia na makita ang sarili nitong mukha, hinahangad na maunawaan ang sarili sa pamamagitan ng Hamlet.

Nang si Mochalov Pavel Stepanovich Mochalov(1800-1848) - aktor ng panahon ng romantikismo, nagsilbi sa Moscow Maly Theatre. naglaro ng Hamlet noong 1837, isinulat ni Belinsky ang kanyang tanyag na mga salita na ang Hamlet ay "ikaw ito, ako ito, bawat isa sa atin." Ang pariralang ito ay hindi sinasadya para sa Russian view ng play. Makalipas ang halos 80 taon, isusulat ni Blok: "Ako si Hamlet. Lumalamig ang dugo…” (1914). Ang pariralang "Ako ay Hamlet" ay sumasailalim hindi lamang sa kasaysayan ng entablado ng dulang ito sa teatro ng Russia, ang pormula na ito ay mahalaga at totoo para sa bawat butas ng kasaysayan ng Russia. Ang sinumang magpasya na mag-imbestiga sa kasaysayan ng kulturang espirituwal ng Russia, ang Russian intelligentsia, ay dapat malaman kung paano binigyang-kahulugan ang dulang ito sa iba't ibang mga punto sa kasaysayan, kung paano naunawaan ang Hamlet sa mga kalunos-lunos na tagumpay at kabiguan nito.

Nang i-rehearse ni Stanislavsky ang Hamlet noong 1909, inihahanda ang mga aktor para sa pagdating ni Gordon Craig Edward Gordon Craig(1872-1966) - Ingles na artista, teatro at direktor ng opera ng panahon ng modernismo., na nagtanghal ng dula sa Moscow Art Theatre, sinabi niya na ang Hamlet ay ang hypostasis ni Kristo. Na ang misyon ng Hamlet ay hindi lamang sa dula, kundi sa mundo ay isang misyon na maihahambing sa pagiging Anak ng Diyos. Ito ay hindi isang aksidenteng samahan para sa kamalayan ng Russia. Alalahanin ang tula ni Boris Pasternak mula kay Doctor Zhivago, nang ang mga salita ni Kristo sa Halamanan ng Gethsemane ay inilagay sa bibig ni Hamlet:

"Kung maaari lamang, Abba Ama,
Ipasa ang tasang ito.
I love your stubborn intention
At pumapayag akong gampanan ang papel na ito.
Pero ngayon may isa pang drama na nangyayari
At sa pagkakataong ito, tanggalin mo ako.
Ngunit ang iskedyul ng mga aksyon ay naisip,
At ang dulo ng kalsada ay hindi maiiwasan.
Ako'y nag-iisa, lahat ay nalulunod sa pagkukunwari.
Ang mamuhay ay hindi pagtawid sa isang larangan.

Napaka-interesante na tingnan kung anong mga sandali sa kasaysayan ng Russia na "Hamlet" ang nauuna. Sa anong mga sandali kung saan ang paglalaro ng Shakespearean ay ang pinakamahalaga, ang pinakamahalaga. May mga pagkakataon na ang "Hamlet" ay natagpuan ang sarili sa paligid, nang ang ibang mga dula ni Shakespeare ang naging unang numero. Ito ay kagiliw-giliw na makita kung anong mga sandali sa kasaysayan ng Russia ang "Hamlet" ay naging isang instrumento ng pag-amin ng Russia. Kaya ito ay noong Panahon ng Pilak. Kaya ito ay sa mga post-rebolusyonaryong taon, at higit sa lahat sa Hamlet, na ginampanan, marahil, ng pinakamatalino na aktor ng ika-20 siglo, si Mikhail Chekhov. Isang mahusay at malalim na aktor, isang mistiko, kung saan ang pangunahing kahulugan ng Hamlet ay pakikipag-usap sa isang multo, ang katuparan ng kanyang kalooban.

Sa pamamagitan ng paraan, sa artikulo ni Pasternak sa mga pagsasalin ng mga trahedya ni Shakespeare mayroong isang parirala na ang Hamlet ay "upang gawin ang kalooban ng nagpadala sa kanya." Ang Hamlet ni Mikhail Chekhov ay nagpunta upang gawin ang kalooban ng multo na nagpadala sa kanya - na hindi lumitaw sa entablado, ngunit sinasagisag ng isang malaking patayong sinag na bumababa mula sa langit. Pumasok si Hamlet sa haligi ng apoy na ito, sa maliwanag na espasyong ito at tumambad dito, hinihigop ang makalangit na liwanag na ito hindi lamang sa kanyang kamalayan, kundi pati na rin sa bawat ugat ng kanyang katawan. Ginampanan ni Mikhail Chekhov ang isang taong durog sa mabigat na pagtapak ng kasaysayan. Ito ay isang sigaw ng sakit mula sa isang tao na nasagasaan ng mekanismo ng rebolusyonaryo at post-rebolusyonaryong realidad ng Russia. Naglaro si Chekhov ng Hamlet noong 1924 at lumipat noong 1928. Ang pag-alis ni Chekhov ay ganap na hindi maiiwasan - wala siyang magawa sa bansa ng matagumpay na rebolusyon.

Ang kanyang kasunod na kapalaran ay dramatiko. Namatay siya noong 1955, at bago iyon nanirahan siya sa Kanluran: sa mga estado ng Baltic, sa France, pagkatapos ay sa Amerika. Naglaro siya, isang direktor, isang guro. Ngunit wala siyang ginawang katapat sa papel na ginampanan niya sa Russia. At iyon ang kanyang trahedya. Ito ang trahedya ng kanyang Hamlet.

Sa loob ng 30 taon, ang "Hamlet" ay hindi pumunta sa entablado ng Moscow. (Maliban sa isang espesyal na kaso ng "Hamlet" ni Akimov sa Vakhtangov Theater "Hamlet" sa direksyon ni Nikolai Akimov noong 1932 sa Theatre. Vakhtangov.. Ito ay isang semi-parody, isang paghihiganti laban sa tradisyonal na titig ng Russia na umiidolo kay Hamlet.) Isa sa mga dahilan kung bakit natiwalag si Hamlet sa yugto ng Moscow ay dahil hindi kinaya ni Stalin ang dulang ito. Ito ay nauunawaan, dahil ang mga Russian intelligentsia ay palaging nakikita ang prinsipyo ng Hamletian sa sarili nito.

May isang kaso nang si Nemirovich-Danchenko, na nakatanggap ng espesyal na pahintulot, ay nag-ensayo ng Hamlet sa Art Theater (ang pagtatanghal ay hindi kailanman inilabas). At ang aktor na si Boris Livanov, sa isa sa mga pagtanggap sa Kremlin, ay nilapitan si Stalin at sinabi: "Kamang Stalin, nag-eensayo na kami ngayon ng trahedya ni Shakespeare na Hamlet. Ano ang maipapayo mo sa amin? Paano natin gagawin ang dulang ito?" Mayroong ilang mga bersyon ng sagot ni Stalin, ngunit ito ang pinaka maaasahan. Sinabi ni Stalin na may hindi maipaliwanag na paghamak: "Buweno, siya ay mahina." "Hindi hindi! Sabi ni Livanov. "Laro natin siyang malakas!"

Samakatuwid, nang mamatay si Stalin, noong 1953 maraming mga teatro ng Russia ang bumaling sa semi-hindi awtorisadong dula na ito nang sabay-sabay. Kasabay nito, noong 1954, ang mga premiere ay inilabas sa Mayakovsky Theater, kung saan ang dula ay itinanghal ni Okhlopkov. Nikolai Pavlovich Okhlopkov(1900-1967) - artista sa teatro at pelikula, direktor, guro. Disipulo at tagapagpatuloy ng mga tradisyon ng Vs. Meyerhold. Mula noong 1943 pinamunuan niya ang Teatro. Mayakovsky., at sa Leningrad sa Pushkin Theater (Alexandrinsky), kung saan itinanghal ito ni Kozintsev Grigory Mikhailovich Kozintsev(1905-1973) - direktor ng pelikula at teatro, manunulat ng senaryo, guro. Para sa pelikulang "Hamlet" (1964) natanggap niya ang Lenin Prize. bago pa man ang kanyang pelikula.

Ang kasaysayan ng Hamlet sa post-war Russian theater ay isang napakalaking paksa, ngunit nais kong sabihin ang isang bagay. Tungkol sa "Hamlet" na iyon, na siyang "Hamlet" ng aking henerasyon. Ito ay "Hamlet" ni Vysotsky, Borovsky, Lyubimov Ang Hamlet ay itinanghal sa Taganka Theater noong 1971. Ang direktor ng pagganap ay si Yuri Lyubimov, ang artist at set designer ay si David Borovsky, ang papel ng Hamlet ay ginampanan ni Vladimir Vysotsky.. Ito ay hindi isang kahila-hilakbot na panahon, 1971, imposibleng ihambing ito sa pagtatapos ng 30s. Ngunit ito ay isang kahiya-hiyang, kahiya-hiyang panahon. Ang pangkalahatang kawalang-interes, katahimikan, ang ilang mga dissidents na nangahas na itaas ang kanilang mga boses ay nauwi sa bilangguan, mga tangke sa Czechoslovakia, at iba pa.

Sa napakahiyang kapaligirang pampulitika at espirituwal, lumitaw ang pagtatanghal na ito kasama si Vysotsky, at naglalaman ito ng isang tunay na paghihimagsik ng Russia, isang tunay na pagsabog. Ito ay Hamlet, napakasimple, napaka Ruso at napakagalit. Si Hamlet ang nagpahintulot sa kanyang sarili na maghimagsik. Si Hamlet ang rebelde. Hinamon niya ang ganap na puwersa ng trahedya na humarap sa kanya. Siya ay tinutulan hindi lamang ng sistemang pampulitika, ang paniniil ng Sobyet - lahat ng ito ay hindi masyadong interesado si Vysotsky. Hinarap siya ng mga puwersa na imposibleng makayanan. Mga puwersa na sinasagisag sa sikat na larawan ng kurtina "Sa tulong ng mga inhinyero ng aeronautical, isang napaka-komplikadong istraktura ang naka-mount sa itaas ng entablado, salamat sa kung saan ang kurtina ay maaaring lumipat sa iba't ibang direksyon, binabago ang tanawin, inilalantad ang ilang mga aktor, pagsasara ng iba, pagwawalis ng mga pangatlo mula sa entablado ... Ang Ang ideya ng isang movable curtain ay nagpapahintulot kay Lyubimov na mahanap ang susi sa buong pagganap. Kung nasaan man ang Hamlet, ang kurtina ay lumipat at huminto ayon sa isang mahigpit na panuntunan: Si Vysotsky ay palaging nanatiling malayo, hiwalay sa iba "(mula sa artikulong "Hamlet mula sa Taganka. Sa ikadalawampu't anibersaryo ng pagtatanghal" sa pahayagan na "Molodoy Kommunar", 1991 )., nilikha ng napakatalino na si David Borovsky. Isa itong napakalaking halimaw na walang mata na naging pader ng lupa, o imahe ng kamatayan, o malaking sapot ng gagamba na buhol sa mga tao. Ito ay isang gumagalaw na halimaw, kung saan walang pagtakas, walang pagtakas. Ito ay isang higanteng walis na tumangay sa mga tao hanggang sa mamatay.

Dalawang larawan ng kamatayan sa pagtatanghal na ito ang umiral nang sabay - ang kurtina bilang simbolo ng transpersonal na hindi maiiwasang puwersa ng trahedya at ang libingan sa gilid ng entablado mula sa tunay, buhay na lupa. Sabi ko live, pero nagkamali ako. Isa itong patay na lupain, hindi kung saan may tumutubo. Ito ang lupain kung saan sila nakalibing.

At sa pagitan ng mga imaheng ito ng kamatayan ay mayroong Vysotsky. Hamlet, ang pamamaos ng boses na tila nanggaling sa katotohanang may humawak sa lalamunan niya gamit ang mahigpit na kamay. Sinubukan ng Hamlet na ito na timbangin ang lahat ng mga kalamangan at kahinaan, at ito ay hindi maiiwasang humantong sa kanya sa sterility ng isang mental dead end, dahil mula sa punto ng view ng sentido komun, ang isang pag-aalsa ay walang kahulugan, tiyak na matatalo. Ngunit sa Hamlet na ito ay mayroong banal na poot, kung ang poot ay maaaring maging banal. Sa Hamlet na ito ay mayroong katuwiran ng pagkainip. At ang taong ito, ang mandirigmang ito, ang intelektuwal at makata na ito, na nakayuko, itinatakwil ang lahat ng pag-aalinlangan, sumugod sa pakikipaglaban, sa paghihimagsik, sa pag-aalsa at namatay, habang ang mga sundalo ay namamatay, tahimik at hindi seremonyal. Walang Fortinbras ang kailangan dito, walang solemne na pagtanggal sa katawan ni Hamlet. Hamlet sa likod ng entablado, nakasandal ang kanyang likod sa dingding, tahimik na dumausdos pababa sa lupa - iyon lang ang kamatayan.

Sa nagyeyelong bulwagan kung saan nakaupo ang mga tao sa aking henerasyon, ang pagtatanghal na ito at ang aktor na ito ay nagbigay ng pag-asa. Pag-asa para sa posibilidad ng paglaban. Ito ay ang imahe ng Hamlet na naging bahagi ng kaluluwa ng aking henerasyon, na, sa pamamagitan ng paraan, ay direktang konektado sa imahe ni Pasternak ng Hamlet. Pagkatapos ng lahat, ito ay hindi nagkataon na ang pagtatanghal ay nagsimula sa isang kanta ni Vysotsky hanggang sa mismong mga talatang ito ni Pasternak mula sa Doctor Zhivago. Kapansin-pansin na si Vysotsky mula sa tula na ito, na halos ganap niyang ginampanan, ay naglabas ng isang saknong "Gustung-gusto ko ang iyong matigas na plano at sumasang-ayon akong gampanan ang papel na ito ...". Ang Hamlet na ito ay hindi nagustuhan ang plano ng mundo. Nilabanan niya ang anumang mas mataas na layunin na pinagbabatayan ng mundo. Hindi siya pumayag na gampanan ang papel na ito. Ang Hamlet na ito ay pawang paghihimagsik, paghihimagsik, paglaban. Ito ay pagmamadali sa kalooban, sa kalooban, sa pag-unawa sa kalayaan ng Russia, sa sinabi ni Fedya Protasov sa Tolstoy. Fedor Protasov- ang pangunahing karakter ng dula ni Leo Tolstoy na "The Living Corpse". nakikinig sa pagkanta ng gypsy. Malaki ang papel na ginampanan ng pagganap na ito sa ating buhay. Ang imaheng ito ay nanatili sa amin sa natitirang bahagi ng aming buhay.

May mga pagkakataon para sa Hamlet, may mga pagkakataon na hindi para sa Hamlet. Walang nakakahiya sa mga panahong hindi Hamletian. Kung tutuusin, may iba pang mga dula ni Shakespeare. Espesyal ang mga panahon ni Hamlet, at tila sa akin (marahil mali ako) na ang ating panahon ay hindi kay Hamlet, hindi tayo naaakit sa dulang ito. Bagaman, kung ang isang batang direktor ay biglang lumabas at, nang maitanghal ang dulang ito, ay magpapatunay na tayo ay karapat-dapat sa Hamlet, ako ang unang magagalak.

Pag-decryption

Kung titingnan mo ang pinakabagong mga gawa ng mga artista mula sa iba't ibang panahon at iba't ibang uri ng sining, makakahanap ka ng isang bagay na nagbubuklod sa kanila. May isang bagay na karaniwan sa pagitan ng huling trahedya ni Sophocles "Oedipus in Colon", ang mga huling gawa ni Beethoven, ang huling mga trahedya sa Bibliya ni Racine, yumaong Tolstoy o yumaong Dostoevsky at ang mga huling dula ni Shakespeare.

Posible na ang artista, na umabot na sa limitasyon, kung saan ang kamatayan ay nakatayo nang may kakila-kilabot na kalinawan bilang isang malapit na hinaharap, ay may ideya na umalis sa mundo, na nag-iiwan sa mga tao ng pag-asa, isang bagay na nagkakahalaga ng pamumuhay para sa, gaano man kalunos na kawalan ng pag-asa ang buhay ay. Marahil ang mga huling gawa ni Shakespeare ay isang salpok na lumampas sa kapahamakan na kawalan ng pag-asa. Pagkatapos ng Hamlet, Macbeth, Coriolanus, Timon ng Athens, ang pinakamadilim, pinakawalang pag-asa ng mga trahedya ni Shakespeare, may pagtatangka na makapasok sa mundo ng pag-asa, sa mundo ng pag-asa upang mapanatili ito para sa mga tao. Pagkatapos ng lahat, ang mga huling dula ni Shakespeare na Cymbeline, Pericles, The Winter's Tale, at, higit sa lahat, The Tempest, ay hindi katulad ng lahat ng nagawa niya sa ngayon. Sa mga dakilang trahedya na nagsasalita ng kalunus-lunos na kakanyahan ng pagiging.

Ang Tempest ay isang dula na tinatawag na Shakespeare's testament, ang huling chord ng kanyang gawa. Ito ay marahil ang pinaka-musika sa mga dula ni Shakespeare at ang pinaka-harmonic. Ito ay isang dula na tanging isang taong dumaan sa tukso ng trahedya, sa pamamagitan ng tukso ng kawalan ng pag-asa, ang maaaring lumikha. Ito ang pag-asa na bumangon sa kabilang panig ng kawalan ng pag-asa. Ito, sa pamamagitan ng paraan, ay isang parirala mula sa isang huling nobela ni Thomas Mann. Pag-asa, na alam ang tungkol sa kawalan ng pag-asa - ngunit sinusubukang pagtagumpayan ito. Ang Tempest ay isang fairy tale, isang pilosopikal na fairy tale. Ang salamangkero na si Prospero ay kumikilos dito, binigyan siya ng mahiwagang kapangyarihan sa isla ng mga libro ng mangkukulam, napapalibutan siya ng mga kamangha-manghang karakter: ang espiritu ng liwanag at hangin na si Ariel, ang espiritu ng lupang Caliban, ang kaakit-akit na anak na babae ni Prospero Miranda at iba pa .

Ngunit ito ay hindi lamang isang fairy tale, at hindi lamang isang pilosopiko na fairy tale - ito ay isang dula tungkol sa isang pagtatangka na iwasto ang sangkatauhan, upang pagalingin ang isang walang pag-asa na may sakit na mundo sa tulong ng sining. Ito ay hindi nagkataon na ang Prospero ay nagpakawala ng musika bilang isang mahusay na puwersa ng pagpapagaling sa pulutong ng mga freak at kontrabida na nahulog sa isla. Ngunit malabong mapagaling sila ng musika. Ang sining ay halos hindi kayang iligtas ang mundo, tulad ng kagandahan ay halos hindi kayang iligtas ang mundo. Ang narating ni Prospero sa pagtatapos ng kakaiba, napakahirap na dulang ito para sa teatro, ay ang ideya na nakasalalay sa pundasyon ng lahat ng susunod na Shakespeare. Ito ang ideya ng kaligtasan sa pamamagitan ng awa. Ang pagpapatawad lamang ang makapagpapabago, kung hindi man, hindi man lang magpapalubha sa kasamaang naghahari sa mundo. Ito ay kung ano, sa simpleng mga salita, ang kahulugan ng "Ang Bagyo" ay bumaba sa. Pinatawad ni Prospero ang kanyang mga kaaway, na muntik nang pumatay sa kanya. Siya ay nagpapatawad, kahit na hindi siya sigurado na sila ay nagbago, na sila ay gumaling. Ngunit ang pagpapatawad ay ang huling bagay na natitira para sa isang tao bago umalis sa mundo.

Oo, siyempre, sa finale, si Prospero ay bumalik sa kanyang trono ng Milan kasama ang kanyang pinakamamahal na anak na babae na si Miranda at ang kanyang minamahal na Ferdinand. Ngunit sa pagtatapos ng dula, sinabi niya ang mga kakaibang salita, na sa ilang kadahilanan ay palaging inalis sa mga pagsasalin ng Ruso. Sa orihinal, sinabi ni Prospero na babalik siya upang ang bawat ikatlong pag-iisip niya ay magiging libingan. Ang wakas ng dulang ito ay hindi kasing liwanag ng minsang pinaniniwalaan. At gayon pa man ito ay isang dula tungkol sa pagpapatawad at pagpapatawad. Ito ay isang pamamaalam at mapagpatawad na dula, tulad ng lahat ng huling dula ni Shakespeare.

Napakahirap para sa modernong teatro at bihirang lumabas na may mga modernong direktor. Bagaman sa pagtatapos ng ika-20 siglo, halos lahat ng magagaling na direktor ng teatro sa Europa ay bumaling sa dulang ito - ito ay itinanghal ni Strehler, Brook, sa Moscow ito ay itinanghal ni Robert Sturua sa teatro ng Et Cetera kasama si Alexander Kalyagin sa papel. ng Prospero. Hindi nagkataon na inilagay ni Peter Greenaway ang dulang ito sa kanyang kahanga-hangang pelikulang The Books of Prospero. Para sa papel na Prospero, iniimbitahan ng Greenway hindi lamang ang sinuman, ngunit ang pinakadakilang aktor na Ingles na si John Gielgud Sir Arthur John Gielgud(1904-2000) - Ingles na artista, direktor ng teatro, isa sa pinakamalaking gumaganap ng mga tungkulin ni Shakespeare sa kasaysayan ng teatro. Nagwagi ng lahat ng pangunahing parangal sa pagganap: Oscar, Grammy, Emmy, Tony, BAFTA at Golden Globe.. Hindi na siya marunong umarte, masyado na siyang matanda at may sakit na gampanan ang papel gaya ng ginampanan niya ang mga magagaling niyang tungkulin noong unang panahon. At hindi gumaganap si Gielgud sa pelikula ni Greenaway, present siya. Para sa Greenway, ang aktor na ito ay mahalaga bilang isang imahe at simbolo ng mahusay na kultura ng nakaraan, wala nang iba pa. Ang Prospero ni Gielgud ay parehong Prospero ni Shakespeare, at si Shakespeare mismo, na sumulat ng The Tempest, at ang Panginoong Diyos, ang panginoon ng magandang Uniberso na ito na puno ng sining. Permeated, ngunit oversaturated.

Upang pahalagahan ang kahulugan ng ginawa ng Greenaway, dapat maunawaan na halos bawat frame ng pelikulang ito ay dapat na nauugnay sa ilang partikular na gawain ng Renaissance o post-Renaissance, baroque na sining noong ika-16-17 siglo. Halos bawat frame ay tumutukoy sa atin sa mga dakilang gawa ng alinman sa mga pintor ng Venetian noong ika-16 na siglo o ng mga arkitekto ni Michelangelo. Ito ay isang mundo na sobrang puspos ng sining. Ito ay isang kulturang nabibigatan sa sarili nito at naghahangad ng wakas, na naghahangad sa wakas bilang resulta nito.

Sa pagtatapos ng pelikula, sinunog at nilunod ni Prospero ang kanyang mga mahiwagang libro. At ano ang mga aklat na ito? Ito ang mga pangunahing aklat ng sangkatauhan, kabilang ang, bukod sa iba pang mga bagay, ang "First Folio" - ang unang koleksyon ng mga gawa ni Shakespeare, na inilathala pagkatapos ng kanyang kamatayan, noong 1623. Nakita namin ang folio na unti-unting lumulubog sa ilalim. At isang kakaibang bagay ang nangyayari: ang sakuna na dumarating sa uniberso sa pagtatapos ng pelikula ni Greenaway ay nagbibigay ng pakiramdam ng kaginhawahan, pagpapalaya at paglilinis. Sa palagay ko, ganoon ang kahulugan ng pelikulang ito, na malalim at malalim na tumagos sa mga semantikong layer ng dula ni Shakespeare.

Pagkatapos ng The Tempest, nagsusulat si Shakespeare sa tabi ng wala. Nagsusulat lamang kasama si Fletcher John Fletcher(1579-1625) - English playwright, na tinukoy ang terminong "tragicomedy". his not the best, last chronicle "Henry VIII". Sa pamamagitan ng paraan, sa panahon ng kanyang pagtatanghal, ang Globe fire ay nangyayari - ang paboritong brainchild ni Shakespeare ay nasunog sa lupa sa kalahating oras. (Walang nasaktan, nasunog lang ang pantalon ng miyembro ng audience, ngunit may nagbuhos sa kanila ng isang pinta ng ale at napatay ang lahat.) Sa tingin ko para kay Shakespeare ito ay isang mahalagang kaganapan sa paalam. Sa huling apat na taon ay naninirahan siya sa Stratford at wala pang nakasulat.

Bakit siya tahimik? Ito ang isa sa mga pangunahing misteryo ng kanyang buhay. Isa sa mga pangunahing lihim ng kanyang sining. Marahil ay natahimik siya dahil lahat ng masasabi, na dapat niyang sabihin, ay nasabi na. O baka siya ay tahimik dahil walang Hamlet ang makakapagpabago ng mundo kahit isang iota, makapagpabago ng mga tao, makapagpaganda ng mundo. Ang desperasyon at ang pakiramdam na ang sining ay walang kabuluhan at walang bunga ay madalas na dumarating sa mga dakilang artista sa bingit ng kamatayan. Kung bakit siya tahimik, hindi namin alam. Ang alam natin ay nabubuhay si Shakespeare bilang isang pribadong mamamayan sa Stratford sa nakalipas na apat na taon, na nagsusulat ng kanyang kalooban ilang buwan bago siya namatay, at namamatay, na tila inatake sa puso. Nang mamatay si Lope de Vega sa Espanya, sinundan ng buong bansa ang kanyang kabaong - isa itong pambansang libing. Halos hindi napapansin ang pagkamatay ni Shakespeare. Ilang taon bago sumulat ang kanyang kaibigan at karibal na si Ben Jonson: "Hindi siya kabilang sa isa sa ating mga siglo, ngunit sa lahat ng siglo." Ngunit natuklasan lamang ito pagkatapos ng maraming, maraming, maraming taon. Ang totoong buhay ni Shakespeare ay nagsimula sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo, hindi mas maaga. At nagpatuloy siya.

Ang Globe Theatre ni Shakespeare ay itinuturing na isa sa pinakasikat hindi lamang sa UK, kundi pati na rin sa Europa. Ngayon ito ay hindi lamang isang sikat na institusyong pangkultura, kung saan maaari mong makita ang mga produksyon ng mga sikat na direktor at panoorin ang mga bituin ng world theater scene play, ngunit isa rin sa mga pinakasikat na atraksyon sa London.

background

Nagsimula ang lahat sa pagtatayo ng unang pampublikong teatro sa London noong 1576 sa Shoreditch, na tinawag ng lahat na "The Theatre". Ito ay pag-aari ni James Burbage, na nagtrabaho bilang isang karpintero sa kanyang kabataan, ngunit kalaunan ay naging isang artista at nagtipon ng kanyang sariling tropa. Ang teatro na ito ay umiral hanggang 1597, nang ang may-ari ng lupang kinatatayuan nito ay humiling na ang plot ay bakante o binayaran ng doble. Pagkatapos ay nagpasya ang mga anak ng may-ari ng institusyon - sina Richard at Cuthbert - na magtatag ng isang bagong institusyon sa kabilang panig ng Thames at dinala doon sa mga balsa ang mga lansag na kahoy na istruktura ng entablado - sinag sa pamamagitan ng sinag.

Ang unang "Globe"

Ang pagtatayo ng bagong teatro ay tumagal ng 2 taon. Bilang resulta, ang mga tagapagmana ni Burbage ay naging mga may-ari ng kalahati ng gusali at kinuha ang 50 porsiyento ng mga bahagi ng bagong institusyon. Tulad ng para sa natitirang mga seguridad, hinati nila ang mga ito sa ilan sa mga pinakasikat na miyembro ng lumang tropa, na ang isa ay ang aktor at may-akda ng karamihan sa mga dula na bumubuo sa repertoire ng Globe - si William Shakespeare.

Ang bagong teatro ay tumagal lamang ng 14 na taon, kung saan ang mga premiere ng halos lahat ng mga gawa na isinulat ng mahusay na manunulat ng dula ay naganap doon. Ang Globe ay hindi kapani-paniwalang tanyag, at sa mga manonood ay madalas na makikita ang mahahalagang maharlika at aristokrata. Minsan, nang ang dula na "Henry the Eighth" ay nasa entablado, ang kanyon ng teatro ay nabigo, bilang isang resulta kung saan ang bubong na gawa sa pawid ay nag-apoy, at ang kahoy na gusali ay nasunog sa lupa sa loob ng ilang oras. Sa kabutihang palad, walang nasugatan, maliban sa isang manonood na tumanggap ng menor de edad na paso, ngunit ang Globe Theater ni Shakespeare, na itinuturing na isa sa mga pinakatanyag na institusyon ng uri nito sa England noong panahong iyon, ay nawasak.

Kasaysayan mula 1614 hanggang 1642

Di-nagtagal pagkatapos ng sunog, muling itinayo ang teatro sa parehong lugar. Gayunpaman, hanggang ngayon, ang mga mananaliksik ay walang karaniwang opinyon tungkol sa kung si William Shakespeare ay lumahok sa pagpopondo ng bagong proyekto. Bilang mga biographer ng tala ng playwright, sa panahong ito ay nagkaroon siya ng malalaking problema sa kalusugan, at posible na unti-unti siyang nagsimulang magretiro. Magkagayunman, namatay si Shakespeare noong Abril 23, 1616, habang ang pangalawang teatro ay tumagal hanggang 1642. Noon ay isinara ang Globe, at ang tropa nito ay binuwag, nang sumiklab ang digmaang sibil sa Inglatera, at ang mga Puritans na naluklok sa kapangyarihan ay nakamit ang pagbabawal sa anumang mga kaganapan sa paglilibang bilang hindi naaayon sa moralidad ng mga Protestante. Pagkalipas ng 2 taon, ang gusali ng teatro ay ganap na giniba, kaya nagpalaya ng espasyo para sa pagtatayo ng mga gusali ng tirahan ng apartment. Kasabay nito, ang pagtatayo ay isinagawa nang napakakapal na walang kahit anong mga bakas ng pagkakaroon ng Globe Theater.

Mga paghuhukay

Ang Great Britain ay kilala bilang isang bansa kung saan sa nakalipas na 500 taon sila ay napaka-matulungin sa mga dokumento at archive. Samakatuwid, ito ay lubhang kakaiba na hanggang sa katapusan ng 80s ng huling siglo, walang sinuman ang maaaring pangalanan ang eksaktong lugar kung saan matatagpuan ang sikat na Shakespeare's Globe Theater noong ika-17 siglo. Ang liwanag sa tanong na ito ay naibigay sa pamamagitan ng ginawa noong 1989 sa parking lot ng Anchor Terrace, na matatagpuan sa Park Street. Pagkatapos ay nahanap ng mga siyentipiko ang mga bahagi ng pundasyon at isa sa mga tore ng Globe. Ayon sa mga siyentipiko, ito ay nagkakahalaga ng patuloy na paghahanap ng mga bagong fragment ng theater complex sa lugar na ito kahit ngayon. Gayunpaman, hindi posible ang pananaliksik, dahil may mga monumento ng arkitektura ng ika-18 siglo sa malapit, na, ayon sa batas ng Britanya, ay hindi napapailalim sa pagsusuri.

Ano ang pagtatayo ng teatro sa ilalim ni Shakespeare

Ang mga sukat ng pangalawang "Globe" ay hindi pa rin kilala para sa tiyak, ngunit nagawang ibalik ng mga siyentipiko ang plano nito nang may mahusay na katumpakan. Sa partikular, nagawa nilang itatag na ito ay itinayo sa anyo ng isang three-tiered open amphitheater na may diameter na 97-102 talampakan, na maaaring sabay-sabay na tumanggap ng hanggang 3 libong mga manonood. Kasabay nito, noong una ay pinaniniwalaan na ang istrakturang ito ay bilog, ngunit ang mga paghuhukay ng bahagi ng pundasyon ay nagpakita na ito ay kahawig ng isang 18- o 20-panig na istraktura at may hindi bababa sa isang tore.

Kung tungkol sa loob ng Globe, ang pahabang proscenium ay umabot sa gitna ng bukas na patyo. Ang mismong entablado, na may trapdoor, kung saan lumabas ang mga aktor kung kinakailangan, ay 43 talampakan ang lapad, 27 talampakan ang haba at itinaas sa ibabaw ng lupa sa taas na humigit-kumulang 1.5 m.

Mga upuan ng manonood

Ang paglalarawan ng Globe Theater na nakaligtas hanggang sa araw na ito ay nagpapahiwatig na ang medyo kumportableng mga kahon para sa aristokrasya ay matatagpuan sa kahabaan ng dingding sa unang baitang. Sa itaas ng mga ito ay mga gallery para sa mga mayayamang mamamayan, habang ang hindi gaanong mayaman ngunit iginagalang na mga taga-London at mga kabataang may pera, ay nanood ng pagtatanghal, na nakaupo sa mga upuang matatagpuan mismo sa entablado. Mayroon ding tinatawag na hukay sa teatro, kung saan pinayagan ang mga mahihirap, na nakapagbayad ng 1 sentimos para mapanood ang pagtatanghal. Kapansin-pansin, ang kategoryang ito ay may ugali na kumain ng mga mani at dalandan sa panahon ng mga pagtatanghal sa teatro, kaya noong hinukay ang pundasyon ng Globe, natagpuan ang mga tambak ng mga fragment ng shell at citrus seeds.

Sa likod ng entablado at mga lugar para sa mga musikero

Isang bubong ang itinayo sa likod ng entablado, na sinusuportahan ng malalaking haligi. Sa ibaba nito, sa layo na taas ng tao, mayroong isang kisame na may hatch, pininturahan ng mga ulap, mula sa kung saan, kung kinakailangan, ang mga aktor ay maaaring bumaba sa mga lubid, na naglalarawan ng mga diyos o mga anghel. Sa mga pagtatanghal, naroon din ang mga manggagawa sa entablado, nagpapababa o nagtataas ng tanawin.

Mula sa likod ng mga pakpak, kung saan nagpalit ng damit ang mga miyembro ng tropa at mula sa kung saan sila nanood ng pagtatanghal sa pag-asam ng kanilang hitsura, dalawa o tatlong pinto ang patungo sa entablado. Ang isang balkonahe ay nakadikit sa mga pakpak, kung saan nakaupo ang mga musikero ng orkestra sa teatro, at sa ilang mga pagtatanghal, halimbawa, kapag ang pagtatanghal ng Romeo at Juliet, ginamit ito bilang isang karagdagang plataporma kung saan naganap ang dula.

Globe Theater ngayon ni Shakespeare

Ang England ay itinuturing na isa sa mga bansa na ang kontribusyon sa mundo ng dramatikong sining ay mahirap i-overestimate. At ngayon, ang mga kilalang, kabilang ang makasaysayang, mga sinehan sa London, kung saan mayroong higit sa isang dosenang, ay hindi nagkukulang ng mga manonood sa buong panahon. Ang partikular na interes ay ang pangatlong "Globe" sa isang hilera, dahil ang pagbisita dito ay katulad ng isang uri ng paglalakbay sa oras. Bilang karagdagan, ang mga turista ay naaakit ng interactive na museo na tumatakbo sa ilalim nito.

Noong 1990s, umusbong ang ideya na buhayin ang English Globe Theatre. Bukod dito, ang kilalang Amerikanong direktor at aktor na si Sam Wanamaker, na nanguna sa proyekto, ay iginiit na ang bagong gusali ay itayo sa paraan na ito ay kahawig ng orihinal hangga't maaari. Ang feedback mula sa mga turista na dumalo na sa mga pagtatanghal ng Globe Theater ay nagpapatotoo na ang isang medyo malaking pangkat ng mga sikat na arkitekto, inhinyero at consultant, na abala sa muling pagbuhay sa isa sa mga pinakatanyag na institusyong pangkultura sa kasaysayan ng London, ay nagtagumpay nang buo. Pinahiran pa nila ito ng isang compound na may fire-retardant, bagama't ang naturang materyales sa gusali ay hindi pa ginagamit sa kabisera ng Britanya nang higit sa 250 taon. Ang pagbubukas ay naganap noong 1997, at sa loob ng humigit-kumulang 18 taon naging posible na manood ng mga pagtatanghal ng maraming dula ni Shakespeare na may mga orihinal na set at kasuotan. Bukod dito, tulad ng sa panahon ng paghahari ni James the First at Charles the First, walang mga teatro at pagtatanghal ay gaganapin lamang sa araw.

Mga pagtatanghal

Tulad ng nabanggit na, ang batayan ng repertoire ng muling nabuhay na "Globe" ay ang dula ni William Shakespeare. Partikular na sikat ang mga pagtatanghal tulad ng "The Taming of the Shrew", "King Lear", "Henry IV", "Hamlet" at iba pa, na nilalaro sa paraang sila ay noong ika-17 siglo. In fairness, dapat sabihin na hindi lahat ng tradisyon ng Shakespearean theater ay napreserba sa modernong Globe. Sa partikular, ang mga babaeng papel ay ginagampanan na ngayon ng mga artista, hindi ng mga batang aktor, gaya ng nakaugalian 250 taon na ang nakalilipas.

Medyo kamakailan lamang ang teatro ay dumating sa paglilibot sa Russia at nagdala ng isang produksyon ng dula na "A Midsummer Night's Dream". Hindi lamang ang mga Muscovites, kundi pati na rin ang mga residente ng Yekaterinburg, Pskov at maraming iba pang mga lungsod ng ating bansa ay nakakakita nito. Ang mga tugon ng mga Ruso ay higit pa sa paghanga, kahit na sa kabila ng katotohanan na karamihan sa mga manonood ay nakinig sa teksto sa sabay-sabay na pagsasalin, na hindi maaaring makagambala sa holistic na pang-unawa ng pagganap ng mga aktor.

Saan ito matatagpuan at kung paano makarating doon

Matatagpuan ngayon ang Globe Theater ng Shakespeare sa New Globe Walk, SE1. Ang pinakamadaling paraan upang makarating doon ay sa pamamagitan ng subway papunta sa Cannon St, istasyon ng Mansion House. Dahil ang gusali ay bahagyang walang bubong, posible na maging isang manonood sa pagtatanghal ng Globus Theater lamang mula Mayo 19 hanggang Setyembre 20. Kasabay nito, ang mga paglilibot sa gusali ay nakaayos sa buong taon, na nagbibigay-daan sa iyo upang makita hindi lamang ang entablado at ang auditorium, kundi pati na rin kung paano nakaayos ang tanawin at backstage. Ipinakita rin sa mga turista ang mga costume na ginawa ayon sa mga sketch ng ika-17 siglo at mga luma. Ang presyo para sa pagbisita sa teatro bilang museo noong panahon ni Shakespeare ay 7 pounds para sa mga bata at 11 pounds para sa mga matatanda.

Ngayon alam mo na ang kasaysayan ng Globe Theater, at alam mo na rin kung paano makarating doon at kung anong mga palabas ang makikita mo doon.

Sinuri namin ang trahedya sa liwanag ng mga problemang pilosopikal, moral, panlipunan at pang-estado na itinaas dito. Ngunit hindi nito nauubos ang nilalaman ng Hamlet.

Upang magsimula, sa pakikipag-usap ni Hamlet kay Rosencrantz at Guildenstern, ang isa sa mga kakaibang yugto ng kultural na buhay ng London noong panahon ni Shakespeare ay sinabi nang walang sagabal tungkol sa tinatawag na "digmaan ng mga sinehan", na isa sa mga kalahok nito, ang manunulat ng dulang si T. Dekker, tinawag ang salitang Griyego na " poetomachia (digmaan ng mga makata).

Naganap ito sa mga taong 1599-1602 at nagsimula sa katotohanan na si John Marston, sa isang dulang isinulat para sa isang tropa ng mga aktor-lalaki ng paaralan sa St. Paul's, ay inilabas ang manunulat ng dulang si Ben Jonson na medyo hindi nakakapinsala. Siya ay nasaktan at, bilang tugon, ipinakita niya si Marston sa kanyang dula sa halip na masama. Nagbigay din si Johnson ng mga dula para sa isa pang tropa ng mga bata. Kaya naman sa loob ng tatlong taon ay pinagtatawanan nila ang isa't isa sa entablado ng dalawang sinehan na ito ng mga bata.

Ang pagpapakilala ng isang personal na sandali ay nagpukaw ng karagdagang interes sa theatrical life ng London. Ang mga pagtatanghal ng mga tropa ng mga bata ay nakakuha ng isang uri ng iskandalo na katanyagan. Ang teatro noon ay nagkaroon ng maraming tagahanga, at ang kontrobersya sa pagitan ng mga manunulat ay tinitingnan sa parehong paraan tulad ng sa ibang pagkakataon sa kompetisyon ng mga boksingero o mga koponan ng football. Nagkataon na naakit ng tropa ng mga bata ang karamihan sa mga manonood, at hindi ito maramdaman ng "Globe" ni Shakespeare sa kita nito. Ito ay makikita sa kuwento nina Rosencrantz at Guildenstern na ang mga teatro ng mga bata ay naging sunod sa moda at ang publiko ay nadadala sa mga pagtatalo ng mga manunulat ng dula, bilang isang resulta kung saan "ang mga bata ay nakakuha ng kapangyarihan", na nagdulot ng pinsala kahit na sa "Hercules kasama ang kanyang pasanin" (II, 2, 377-379). Upang maunawaan ang kahulugan ng mga huling salita, dapat malaman ng isa na ang sagisag ng Globe Theater ay ang imahe ni Hercules na hawak ang globo sa kanyang mga balikat. Kaya ipinakilala ni Shakespeare sa trahedya ang isang direktang pagbanggit hindi lamang ng mga kontemporaryong teatro na kaganapan, kundi pati na rin ang teatro sa entablado kung saan ginaganap ang Hamlet.

Hindi ko na hinawakan ang katotohanan na ang anachronism ay pinapayagan dito, iyon ay, ang pagpapakilala ng isang modernong katotohanan sa lumang plot, ang anatopism (incompatibility ng lokalidad) ay pinapayagan din: ang aksyon ay nagaganap sa Denmark, at pinag-uusapan natin ang tungkol sa. kabisera ng mga tropa ng London!

Sinadya ni Shakespeare na ginawa ang mga paglabag na ito ng pagiging totoo, dahil, sa isang banda, ang hitsura ng mga aktor ay kinakailangan ayon sa balangkas ng trahedya, sa kabilang banda, ang mga sanggunian sa "digmaan ng mga sinehan" ay ginawa itong bahagi ng dula na pangkasalukuyan. .

Ito ay lumabas na ang mga aktor ng teatro ni Shakespeare ay nilalaro ang kanilang sarili. Nagkaroon ng isang espesyal na poignancy sa katotohanan na sila at ang mga manonood na nanood ng pagtatanghal ay alam ito. Ang teatro ay parang salamin ng sarili. Ang pamamaraan ng mirror reflection ay ipinakilala sa pagpipinta ng mga mannerist artist. Inilapat ito ni Shakespeare sa entablado.

Hindi si Shakespeare ang gumawa ng pamamaraan na kilala bilang "eksena sa kadena", kapag ang imahe ng isang pagtatanghal sa teatro ay ipinakilala sa aksyon ng isang dramatikong gawain. Nasa sikat na "Spanish Tragedy" ni T. Kida, ang pagganap ng korte ay may mahalagang papel sa aksyon. Ang paglalarawan ng mga aktor at amateur na pagtatanghal ay matatagpuan din sa ilang mga dula ni Shakespeare.

Ang tema ng teatro sa drama ng Late Renaissance ay may malaking pilosopikal na kahulugan. Ang paniwala na "buhay ay teatro" na lumitaw sa oras na iyon ay sumasalamin sa isang mahalagang katotohanan ng bagong kulturang panlipunan. Sa Middle Ages, ang buhay ay isinara sa magkahiwalay na pang-ekonomiya (pagkabuhay) at pampulitika na mga selula (ang mga pyudal na panginoon). Nagkaroon ng medyo maliit na komunikasyon sa pagitan nila, hindi banggitin ang katotohanan na ang bawat estate - mga pyudal na panginoon, klero, taong-bayan, magsasaka - ay namumuhay nang hiwalay sa isa't isa.

Ang paghihiwalay ng pang-araw-araw na buhay ay nagsimulang bumagsak sa paglaki ng malalaking lungsod at pagbuo ng malalaking pambansang monarkiya. Ang mga hadlang sa pagitan ng mga klase ay nagsimulang gumuho, ang buhay panlipunan sa buong kahulugan ng salita ay nagsimulang lumitaw. Ang mga tao ay mas nakikita sa isa't isa. Ang kakayahang makita ng katotohanan ay humantong sa katotohanan na mayroong isang asimilasyon ng buhay sa teatro. Tinawag ni Calderon (1600-1681) ang isa sa kanyang mga dula na "The Great Theater of the World". Si Shakespeare sa dulang "As You Like It" ay naglagay ng mahabang monologo sa bibig ng isa sa kanyang mga karakter: "Ang lahat ng buhay ay isang teatro, at ang mga tao ay mga aktor dito ..." Ang ideyang ito ay napakamahal kay Shakespeare at sa kanyang mga aktor. , kung kanino siya lumikha ng isang tropa, na isinama nila ito sa sagisag ng kanilang teatro, na naglalarawan sa globo. Bukod dito, ang imahe ni Hercules ay sinamahan ng isang Latin na kasabihan: "ang buong mundo ay kumikilos", o "lahat ng tao ay kumikilos".

Hindi natin kailangang lumayo para sa mga halimbawa. Sa ating trahedya, kumilos ang mga pangunahing tauhan: Si Hamlet ay gumaganap sa papel ng isang baliw, si Claudius ay gumaganap sa papel ng isang guwapo at mabait na hari. Hindi natin pag-uusapan ang mas maliliit na "mga tungkulin" na ginagampanan ng mga pangalawang karakter. Ang pag-arte ng mga pangunahing tauhan ay binibigyang diin ng katotohanan na paminsan-minsan ay itinatapon nila ang maskara na isinusuot sa kanilang sarili at lumilitaw sa kanilang tunay na anyo - parehong Hamlet at Claudius.

Sa paglitaw ng malalaking absolutong monarkiya sa Espanya, Pransya, at Inglatera, ang teatro ay naging mahalagang bahagi ng buhay hukuman. Upang itaas ang ganap na monarko, ang mga kahanga-hangang seremonya ay ginanap sa bawat korte. Ang paggising ng hari at ang kanyang pagpunta sa kama, ang mga pagtanggap ng mga ministro at mga embahador ay mataimtim na isinaayos. Kasama sa buhay ng mga maharlikang korte ang lahat ng uri ng mga ritwal at seremonya. Hindi nakakagulat na lumitaw ang posisyon ng mga tagapag-ayos ng mga ritwal ng korte - mga masters of ceremonies. Sa buhay ng palasyo ng Elsinore, isang pangkalahatang pagkakasunud-sunod ng mga bagay ang pinagtibay, bagaman ang mga pangungusap sa Hamlet ay hindi nagpapakita ng seremonyal na katangian ng ilang mga eksena ng trahedya. Sa simula (I, 2) ay sinasabi: “Mga tubo. Ipasok ang Hari, Reyna, Hamlet, Polonius, Laertes, Voltimand, Cornelius, mga panginoon at mga tagapaglingkod. Ang pasukan ay ibinabalita ng mga fanfare, na sinusundan ng isang solemne prusisyon. Inililista ng pangungusap ang mga kalahok sa prusisyon ayon sa kanilang ranggo. Ngunit ayon sa mga pahayag sa isa pang dula ni Shakespeare ("Henry VIII"), alam natin na ang lahat ng mga tagapaglingkod ay nauna sa hari, dala ang royal regalia, at pagkatapos lamang lumitaw ang monarko. Ang prusisyon ay isinara ng isang retinue,

Ang parehong solemne na pasukan ay nagaganap sa ikalawang eksena ng ikalawang yugto: "Mga Trumpeta, Ipasok ang hari, reyna, Rosencrantz, Guildenstern at mga tagapaglingkod." Sa pagsunod sa lahat ng mga seremonya, ang mga maharlikang tao ay pumupunta sa pagtatanghal ng korte: "Ang Danish March. Mga tubo. Ipasok ang Hari, Reyna, Polonius, Ophelia, Rosencrantz, Guildenstern, at iba pang malalapit na dignitaryo, na may mga bantay na may dalang mga sulo. Nang walang musika, ngunit lubos na taimtim, dumating sina Claudius, Gertrude at mga maharlika upang panoorin ang tunggalian sa pagitan ng Hamlet at Laertes.

Ang apat na seremonyal na pasukan ng mga naghaharing tao kasama ang kanilang mga katulong ay ginanap sa teatro ni Shakespeare kasama ang lahat ng naaangkop na mga detalye upang simulan ang iba pang mga eksena sa tahanan. Ang theatricality ng court life ay direktang makikita sa Hamlet. Sa trahedya mayroong isang tunay na teatro, ang theatricality ng buhay palasyo, kumikilos sa pag-uugali ng mga karakter sa trahedya.

Itinuring na mababa ang propesyon sa pag-arte. Ang tanging bagay na nagligtas sa mga aktor ay na sila ay nakatala sa kanilang mga lingkod ng mga marangal na tao. Pinoprotektahan sila nito mula sa akusasyon ng vagrancy, na pinarusahan ng matinding batas. Ang tropa ni Shakespeare ay may matataas na patron - noong una ay tinawag itong Lord Chamberlain's Servants, at pagkatapos - His Majesty's Servants. Ngunit gayunpaman, ang propesyon sa pag-arte ay hindi nagtamasa ng paggalang ng publiko. Nagreklamo si Shakespeare tungkol dito sa kanyang mga Sonnets at sumasalamin sa trahedya kung paano naiiba ang pakikitungo nina Polonius at Hamlet sa mga aktor na dumating sa Elsinore. Inutusan sila ng prinsipe na tanggapin silang mabuti, tumugon si Polonius nang may pagpigil na tatanggapin niya sila "ayon sa kanilang mga merito." Nagalit si Hamlet: "Damn it, my dear, much better! (...) Tanggapin mo sila ayon sa iyong sariling karangalan at dignidad; mas kaunti ang nararapat sa kanila, higit na luwalhati sa iyong kagandahang-loob” (II, 2, 552-558).

Ang Danish na prinsipe ay nagpapakita ng isang mahusay na kaalaman sa humanistic na konsepto ng theatrical art. Ang mga dula ay "isang pangkalahatang-ideya at maikling mga talaan ng siglo" (II, 2, 548-549). Sa panahon ni Shakespeare, wala pang mga pahayagan, at ang mga balita ay nalaman alinman sa mga utos ng hari, na binabasa ng mga tagapagbalita sa mga parisukat at sangang-daan, o mula sa mga flying sheet - ballad, na inaawit din sa mga pampublikong lugar o kung minsan mula sa entablado, kapag Ang mga kahindik-hindik na pangyayari ay naging mga balangkas para sa mga dula. Ang Gabi ni Bartholomew ay paksa ng trahedya ni Christopher Marlo na The Massacre of Paris (1593). Ang proseso ng doktor na si Lopez ay hindi direktang makikita sa The Merchant of Venice, ang pakikibaka ng Venice laban sa mga Turks ay makikita sa Othello. Sa simula ng ikalabing pitong siglo sa London, isang kuwento na katulad ng kay Lear ang nangyari sa isang mamamayan, at ang kawalan ng pasasalamat ng mga modernong anak na babae ay maaaring nag-udyok kay Shakespeare na buhayin ang alamat ng sinaunang hari ng Britanya. Ngunit kahit na walang direktang pagsusulatan sa mga kaganapan sa modernong buhay sa mga dula ni Shakespeare, kung gayon ang pagtatantya ng mga plot sa kanyang kontemporaryong mga kaugalian at ang paglikha ng mga karakter na tipikal sa kanyang panahon ay nagpapahiwatig din na sinunod niya ang panuntunan ng pagsasalamin sa buhay sa entablado ng teatro. .

Ang mga aktor na dumating sa Elsinore ay gumanap din ng tungkulin ng mga chronicler ng kanilang panahon, bilang ebidensya ng presensya sa kanilang repertoire ng dulang "The Murder of Gonzago". Hindi natin alam kung ang balita ng brutal na pagpatay sa Italian marquis na si Alfonso Gonzago sa kanyang villa sa Mantua noong 1592 ay nakarating kay Shakespeare, o marahil ay narinig niya na kahit na mas maaga, noong 1538, ang Duke ng Urbino, Luigi Gonzago, ay pinatay sa isang pagkatapos ay bagong paraan. , pagbuhos ng lason sa kanyang tainga, na namangha kahit na ang battered Renaissance Europe. Alinmang paraan, ang The Gonzago Murder ay isang re-enactment ng isang kahindik-hindik na kaganapan. Ang sitwasyon ay kasabay ng nangyari sa Danish court. Binigyang-diin nito na ang teatro ay hindi nakikibahagi sa walang laman na kathang-isip, ngunit inilalarawan kung ano ang nangyayari sa katotohanan.

Ang lahat ng pinagsama-sama ay tumatanggap ng isang malinaw at para sa oras na iyon na klasikong ekspresyon sa bibig ng Hamlet, nang turuan niya ang mga aktor at sabihin sa kanila: ang layunin ng pag-arte ay "tulad ng dati, kaya ngayon at ngayon ay upang hawakan, parang, isang salamin sa harap ng kalikasan: upang ipakita ang mga birtud ng kanyang sariling mga katangian, maging mapagmataas - ang sariling hitsura, at para sa bawat edad at klase - ang pagkakahawig at imprint nito "(III, 2, 22-27). Tinawag naming klasikal ang kahulugang ito dahil bumalik ito sa pormula ni Cicero sa likas na katangian ng komedya, na inulit ng 4th-century grammarian na si Elius Donatus. Ito ay hiniram mula sa kanila ng mga theorist ng drama ng Renaissance, inulit ito sa mga paaralan at unibersidad, sa pag-aaral ng Latin. Ang posisyong ito ay hindi rin nababago sa mga sumunod na siglo, na isinalin ang metapora ni Cicero sa salitang "reflection". Oo, pinatunayan ni Shakespeare ang ideya na ang teatro ay dapat na repleksyon ng realidad at ipakita ang mga moral kung ano sila, nang hindi pinalamutian ang mga ito.

Ang flat at prangka na moralizing ay hindi kapani-paniwala kay Shakespeare, ngunit, tulad ng sinabi natin nang higit sa isang beses, hindi ito nangangahulugan ng pagtanggi sa moral na pagtatasa ng pag-uugali ng mga tao. Kumbinsido na ang sining ng teatro ay dapat na ganap na makatotohanan, pinilit ni Shakespeare si Hamlet na sabihin kay Polonius: "Mas mabuti para sa iyo na makatanggap ng isang masamang epitaph pagkatapos ng kamatayan kaysa sa isang masamang pagsusuri mula sa kanila (iyon ay, mula sa mga aktor. - A.A.) habang ikaw ay nabubuhay” (II, 2, 550-551).

Ang pagtatanggol sa teatro mula sa mga pag-atake ng mga klero at mapagkunwari-puritans, ang mga humanista ay nagtalo na ang teatro ay hindi lamang sumasalamin sa umiiral na mga kaugalian, ngunit nagsisilbi rin bilang isang moral na edukasyon. Ang mga salita ng Hamlet ay puno ng pananampalataya sa kapangyarihan ng impluwensya ng teatro sa isipan ng mga tao:

...Narinig ko
Na minsan mga kriminal sa sinehan
Nasa ilalim ng impluwensya ng laro
So deeply shocked na agad
Ipinahayag nila ang kanilang masasamang gawa...
        II, 2, 617-621

Kumbinsido dito, sinimulan ni Hamlet ang pagganap ng "The Murder of Gonzago", "to lasso the king's conscience" (II, 2, 634). Tulad ng alam natin, ang nangyayari sa panahon ng pagtatanghal ay nagpapatunay sa ideya ng moral na epekto ng teatro: ang hari ay nabigla nang makita niya sa entablado ang imahe ng kalupitan na ginawa niya.

Sa pamamagitan ng kanyang bayani, inihayag din ni Shakespeare ang kanyang pag-unawa sa mga batayan ng pag-arte. Ang Hamlet ay tumututol sa dalawang sukdulan - sa labis na pagpapahayag, humiling na huwag humikbi at "nakita ang hangin gamit ang iyong mga kamay" (III, 2, 5), at sa kabilang banda, huwag masyadong matamlay (III, 2, 17). "Huwag labagin ang pagiging simple ng kalikasan, dahil lahat ng bagay na labis na labis ay salungat sa layunin ng pagkilos" (III, 2, 22-23). Pinagtitibay ni Hamlet ang pagiging natural ng pag-uugali sa entablado ng mga aktor: “... Maging pantay-pantay sa lahat ng bagay; sapagka't sa batis mismo, sa bagyo at, sasabihin ko, sa ipoipo ng pagsinta, dapat mong matutunan at sundin ang sukat na magbibigay nito ng lambot ”(III, 2, 6-9). Ang mga aktor ay hindi dapat bigyan ng labis ang kanilang sarili sa pakiramdam, ugali, dapat nilang sundin ang dikta ng katwiran: "Hayaan ang iyong sariling pang-unawa ang iyong tagapagturo" (III, 2, 18-19). Sinabi ni Hamlet sa kasong ito: "ang kakayahang malaman kung paano maglaro." Mula sa aktor, samakatuwid, ay nangangailangan ng pagsasarili at kakayahang maunawaan ng mabuti ang papel na ibinigay sa kanya.

Si Shakespeare ay hindi nangangahulugang isang tagasuporta ng malamig na katwiran. Alalahanin ang sikat na salita ng Hamlet tungkol sa aktor: "Ano ang Hecuba sa kanya // Ano ang Hecuba sa kanya ..." (II, 2, 585). Bilang pagtupad sa kahilingan ni Hamlet, binasa ng aktor ang isang monologo tungkol sa Hecuba sa paraang kahit na sinabi ni Polonius: "Tingnan mo, nagbago siya sa kanyang mukha, at may luha sa kanyang mga mata" (II, 2, 542-543). Ang prinsipe mismo ay mas nagpapahayag at may pag-unawa sa sikolohiya ng aktor ay nagsabi:

...aktor
Sa imahinasyon, sa fictitious passion
Kaya't itinaas niya ang kanyang espiritu sa kanyang panaginip,
Na mula sa kanyang trabaho siya ay naging lahat ng maputla;
Basang mata, kawalan ng pag-asa sa mukha,
Basag ang boses, at umaalingawngaw ang buong anyo
Kanyang panaginip.
        II, 2, 577-583

"Pangarap" sa orihinal na tumutugon, pagmamataas; ang pagtatalaga nito sa diksyunaryo - "pantasya" - upang ibuhos ay bahagyang nagbibigay ng kahulugan kung saan ito ginamit ni Shakespeare. Ibinigay ni M. Morozov ang gayong interpretasyon ng parirala sa kabuuan: "lahat ng kanyang pag-uugali ay nagsimulang tumutugma sa mga imahe na nilikha ng kanyang imahinasyon." Ang salitang ito ay maaaring isalin bilang "konsepto", na talagang mas malawak na sinabi ni M. Morozov.

Iniwan sa amin ni Shakespeare ang kanyang opinyon sa kung ano ang dapat na talumpati sa entablado - ang mga salita ay dapat na madaling umalis sa dila, ang mga kilos ay dapat na natural. Nagagalit din si Hamlet sa labis na ekspresyon ng mukha ng kontrabida sa The Murder of Gonzago, at sinigawan niya ito: "Isuko mo ang iyong sinumpaang mga kalokohan ..." (III, 2, 262-263). At si Hamlet ay ganap na determinadong tumutol sa gag na pinahintulutan ng mga komedyante sa kanilang sarili, "na mapatawa ang isang tiyak na bilang ng mga pinakawalang laman na manonood" (III, 2, 45-46).

Nakilala rin ni Shakespeare ang dalawang uri ng madla sa pagpuna sa iba't ibang uri ng sining ng pag-arte sa kanyang panahon. Anumang labis ay maaaring sa panlasa lamang ng mga mangmang (III, 2, 28), habang "ang connoisseur ay masisira" (III, 2, 29). Hinihiling sa aktor na basahin ang isang monologue, ipinaalala ni Hamlet sa kanya na siya ay mula sa isang dula na "hindi nakalulugod sa karamihan; para sa karamihan ito ay caviar" (II, 2, 455-456) - masyadong pino ang isang treat. Ang teatro ay hindi dapat gabayan ng gayong mga mangmang, ngunit ng konnoisseur: "ang kanyang paghatol ay dapat na higit sa buong teatro ng iba" (III, 2, 30-31). Hindi ito maaaring bigyang-kahulugan bilang isang manipestasyon ng snobbery. Sinulat ni Shakespeare ang kanyang mga dula, kabilang ang Hamlet, para sa pampublikong teatro ng mga tao. Parehong pinagtatawanan niya at ng iba pang mga manunulat ng dula ang bulgar na panlasa ng madla, na lumilikha ng mga dulang idinisenyo para sa mga madla na matalino at madaling kapitan sa sining, habang itinatanim sa buong publiko ang pag-unawa sa kakanyahan ng teatro. Ang mga talumpati ni Hamlet ay isang aral na hindi gaanong para sa tropa na dumating sa Elsinore, hindi nang walang dahilan, ang mga tagubilin ng prinsipe ay pinakinggan tungkol sa kung anong mga pagkakamali ang dapat itama, Ang unang aktor ay nagsabi: "Sana ay mas marami o mas kaunti ang ating natanggal sa ating sarili. " (III, 2, 40-41 ), magkano para sa madla ng Globe Theatre.

Sa aspetong teatro, ang Hamlet ay isang matingkad na polemikal na gawain na sumasalamin sa pakikibaka sa pagitan ng iba't ibang artistikong uso ng panahon.

Bago ang pagganap ng The Murder of Gonzago, naalala ni Hamlet na minsang lumahok si Polonius sa isang dula sa unibersidad. Kinumpirma ng matandang courtier: "Naglaro siya, aking prinsipe, at itinuturing na isang mahusay na artista" (III, 2, 105-106). Siya pala ang gumanap na Caesar at pinatay siya ni Brutus sa Kapitolyo. Ito ay sanhi ng pun ng prinsipe: "Napaka-brutal sa kanya na pumatay ng tulad ng isang malaking guya" (III, 2, 110-111). Ang kabalintunaan ng sitwasyon ay na sa lalong madaling panahon pagkatapos nito, gagawin din ni Hamlet ang "brutal" na gawaing ito at papatayin si Polonius.

Sa mga unibersidad, nakaugalian na ang paglalaro ng mga trahedya ng Seneca at mga komedya ng Plautus at Terentius para sa isang mas mahusay na asimilasyon ng Latin. Gaya ng makikita natin ngayon, alam na alam ito ni Polonius. Ang mga trahedya at komedya ng mga Romanong manunulat ng dula ay itinuring na pinakamataas na halimbawa ng dramatikong sining sa mga grupong makatao. Ang dramaturhiya ng klasikal na istilo ay hindi nag-ugat sa entablado ng pampublikong teatro ng katutubong. Ang "Scholarly" na drama ay nanatiling pribilehiyo ng mga unibersidad. Dito naniwala sila sa pangangailangan para sa isang mahigpit na paghahati sa mga genre, itinuturing na hindi katanggap-tanggap na aesthetically na paghaluin ang komiks sa trahedya, habang sa entablado ng katutubong, kung saan isinulat ni Shakespeare, walang mga paghihigpit na inaprubahan ng mga tagasuporta ng Renaissance classicism ang kinikilala. Ang mga manonood ay humingi ng iba't-ibang at dinamikong aksyon; ang mga dula ni Shakespeare at ng kanyang mga kontemporaryo ay malaya sa dogmatismo ng mga istriktong theoreticians ng drama.

Kaugnay nito, ang paglalarawan ng repertoire ng wandering troupe, na ibinigay ni Polonius, ay nararapat pansin: "Ang pinakamahusay na mga aktor sa mundo para sa mga trahedya, komiks, makasaysayang, pastoral na mga pagtatanghal ..." Hanggang ngayon, mayroong isang enumeration ng mga talagang umiiral na uri ng drama, malinaw na delineated mula sa bawat isa; kinilala sila ng teoryang humanistiko ng drama bilang "lehitimo". Pinangalanan pa ni Polonius ang magkahalong uri ng mga dula: "pastoral-comic, historical-pastoral, tragic-historical, tragico-comic-historical-pastoral, para sa mga hindi tiyak na eksena at walang limitasyong mga tula." Sa mga ganitong uri ng drama, malinaw na balintuna ang pagsasalita ni Polonius; para sa kanya, pinalaki sa unibersidad, ang mga ganitong uri ng drama ay mga ilegal na hybrid. Ngunit ang dumadalaw na tropa, tulad ng malinaw sa kanyang mga salita, ay tumatagal ng isang eclectic na posisyon. Gumaganap siya ng mga dula ng magkahalong genre, ngunit binibigyang-pugay din niya ang klasikal na istilo: "Wala silang masyadong Seneca, at ang Plautus ay hindi masyadong magaan," ibig sabihin, alam nila kung paano gampanan nang malinaw ang mga monotonous at monotonous na trahedya ni Seneca, at ang masasayang komedya ni Plautus ay nagbibigay ng makabuluhang kahulugan. Ang hanay ng tropa na ito ay tulad na ito ay gumaganap pareho mula sa mga handa na teksto ng mga dula at mga resort hanggang sa improvisasyon sa diwa ng Italian commedia dell'arte: "Para sa mga nakasulat na tungkulin at para sa mga libre, ito lamang ang mga tao" (II, 2, 415-421).

Ang panlasa ni Polonius ay dapat na nagdidikta sa kanya ng isang negatibong saloobin sa isang makabuluhang bahagi ng repertoire ng tropa. Ngunit sa pamamagitan ng pagpapakita sa mga aktor na walang mga paghihigpit sa panlasa, mahusay sa pagganap ng mga dula ng anumang genre, "maliban sa pagbubutas," gaya ng sasabihin ni Voltaire, ipinahayag ni Shakespeare ang kanyang ideal ng isang teatro na walang aesthetic dogmatism at unibersal sa artistikong mga posibilidad nito.

Kaya, ang "Hamlet" ay naglalaman ng isang detalyadong aesthetics ng teatro.