Falando sobre a arte russa do século 19, os especialistas costumam chamá-la de centrada na literatura. De fato, a literatura russa determinou em grande parte os temas e problemas, a dinâmica geral do desenvolvimento da música e das artes plásticas de seu tempo. Portanto, muitas pinturas de pintores russos parecem ser ilustrações para romances e histórias, e as obras musicais são construídas em programas literários detalhados.

Isso também afetou o fato de que todos os críticos literários proeminentes se comprometeram a avaliar obras musicais e pictóricas, para formular suas exigências para elas.

Isso, claro, se aplica principalmente à prosa, mas a poesia do século XIX também teve uma forte influência no desenvolvimento da arte nacional. Se isso é bom ou ruim é outra questão, mas para um estudo completo da poesia russa e sua integração no contexto geral da arte russa, é sem dúvida muito conveniente.

Assim, os principais gêneros da arte musical russa do século XIX foram romance e ópera - obras vocais baseadas em um texto poético.

A pintura, por sua vez, retratava na maioria das vezes imagens da natureza russa em diferentes épocas do ano, o que corresponde diretamente às letras naturais dos poetas russos de diferentes direções. Não menos populares eram as cenas cotidianas "da vida do povo", ecoando com a mesma clareza a poesia da direção democrática. No entanto, isso é tão óbvio que não precisa de prova.

Portanto, o movimento mais simples é ilustrar os poemas estudados ouvindo romances em suas palavras e demonstrando reproduções. Ao mesmo tempo, é melhor que os poemas de um poeta acompanhem os romances de um compositor e as pinturas de um pintor. Isso permitirá, junto com o estudo da obra de cada poeta, obter uma ideia adicional de mais dois mestres da cultura russa, o que é impossível de fazer quando se usa as ilustrações de muitos autores. Assim, para a poesia de F. Glinka, você pode pegar os gráficos e pinturas de F. Tolstoy e os romances de Verstovsky ou Napravnik, na poesia de Polonsky - coros para seus poemas de S. Taneyev e pintura de paisagem de Savrasov, etc.

Quem quiser entender mais detalhadamente a relação entre poesia e belas artes deve consultar os livros de V. Alfonsov "Palavras e Cores" (M.; L., 1966) e K. Pigarev "Literatura Russa e Belas Artes" (M., 1972), artigos nas coleções Interação e Síntese das Artes (L., 1978), Literatura e Pintura (L., 1982).

Será muito bom se os próprios alunos puderem se envolver na seleção de músicas e reproduções: isso os ensinará a navegar sozinhos no mundo da arte, a serem criativos em sua interpretação. Mesmo nos casos em que a escolha dos alunos não parece muito acertada para o professor, vale a pena trazê-la ao julgamento da equipe de turma e decidir em conjunto o que não está totalmente correto nessa escolha e por quê. Assim, aulas e atividades extracurriculares em literatura podem se tornar uma verdadeira introdução à cultura nacional russa como um todo.

Não se pode ignorar uma área de contato direto entre as artes como a representação de poetas por artistas contemporâneos. São as imagens-versões artísticas que permitem capturar a personalidade dos escritores em sua encarnação estética, artística, que é valiosa por si só para os verdadeiros retratistas. D. Merezhkovsky demonstra brilhantemente como um retrato magistral pode se tornar um ponto de partida para entender a criatividade em seu artigo sobre Fofanov. Portanto, podemos recomendar ao professor que use em seu trabalho retratos de poetas russos reproduzidos nos volumes da série Poet's Library: A. Koltsov de K. Gorbunov (1838), K. Pavlova e A. Khomyakov de E. Dmitriev-Mamonov , retratos de artistas gráficos e pintores pouco conhecidos, caricaturas amigáveis ​​de contemporâneos.

Retratos fotográficos de poetas, ilustrações para suas obras, autógrafos podem se tornar não menos interessantes e úteis na prática. Esses materiais são geralmente reproduzidos na medida do necessário para o trabalho em publicações da Biblioteca do Poeta, obras coletadas e edições de obras selecionadas de poetas, cuja descrição é dada no final desta publicação.

Abaixo está um artigo abreviado de V. Gusev sobre o romance russo; Recomendamos ainda que consulte o livro de V. Vasina-Grossman “Música e a Palavra Poética” (M., 1972), a coletânea de artigos “Poesia e Música” (M., 1993) e o recente artigo de M. Petrovsky "Cavalgando para a Ilha do Amor", ou O que é um romance russo" (Questions of Literature. 1984. No. 5), bem como um livro de referência prática inestimável "Russian Poetry in Russian Music" (M., 1966 ), que lista quase todas as obras vocais baseadas em poemas de poetas russos do século XIX, agrupadas pelos autores dos textos, indicando as edições musicais correspondentes.

Do artigo "Canções e romances de poetas russos"

<…>A primeira metade do século XIX, em termos de variedade de tipos de letras vocais, abundância de obras e riqueza de seu conteúdo ideológico e artístico, pode ser considerada o apogeu do romance e da música cotidiana russa. Foi nessa época que foi criado o principal fundo de música, que em grande parte determinou a natureza da cultura musical e poética nacional russa e deixou sua marca na vida musical e poética da sociedade russa.

Na segunda metade do século 19, mudanças significativas ocorreram nas letras vocais russas - elas afetam tanto seu conteúdo ideológico, a correlação de gêneros e meios visuais musicais e poéticos estilísticos.

O processo de democratização da cultura russa, o florescimento do realismo e o aprofundamento da nacionalidade em vários tipos de arte tiveram um efeito benéfico no desenvolvimento da composição. O estudo cuidadoso da tradição folclórica por poetas e compositores e um manuseio mais independente e livre dela levaram ao fato de que a chamada "canção russa", que se distingue pela estilização deliberada do folclore, deixou de satisfazer tanto os próprios artistas quanto a crítica e o público.

As tradições poéticas populares, como se recém-descobertas e assimiladas organicamente por toda a avançada cultura artística russa, deram-lhe um caráter nacional pronunciado, não importando os tópicos que tocasse, não importando o material que levasse, não importando os meios de refletir a realidade que usasse. A necessidade de um gênero especial de "canção russa" nessas condições desapareceu. Tendo desempenhado seu papel positivo na formação da arte nacional, deu lugar a outros tipos de letras de músicas, caracterizadas por não menos, senão maior, originalidade nacional. Privadas de sinais de folclore externo e formal, as letras vocais não apenas não perdem, mas, ao contrário, desenvolvem as melhores tradições da composição folclórica, enriquecendo-as com a experiência adquirida pela "poesia de livro" russa. É característico que mesmo os poetas, mais próximos à poesia popular, superem as convenções do gênero “canção russa” e recusem o próprio termo, preferindo o nome “canção” a ele, ou mesmo dispensando este último. As características estilísticas da poesia popular são criativamente assimiladas, processadas e recebem uma pronunciada refração individualizada no método artístico de cada poeta mais ou menos importante.

O desejo de superar as convenções da “canção russa”, de abandonar seus clichês musicais e poéticos, faz surgir na consciência estética de destacados poetas, compositores e principalmente críticos da segunda metade do século XIX, uma espécie de reação à o gênero como um todo, mesmo para as melhores obras desse gênero criadas na primeira metade do século. A própria nacionalidade de muitas “canções russas” está sendo questionada, e nem sempre elas recebem uma avaliação justa. Um Koltsov evita o julgamento severo das novas gerações, embora avaliações entusiásticas estejam sendo substituídas por uma análise objetiva dos pontos fortes e fracos de sua poesia. A crítica democrático-revolucionária dos anos 1950 e 1960 dá um passo à frente a esse respeito em relação a Belinsky. Já Herzen, apreciando muito a poesia de Koltsov, comparando seu significado para a poesia russa com o significado de Shevchenko para a poesia ucraniana, prefere a última. Ogarev, como se comentasse a observação de seu amigo, define o sentido da poesia de Koltsov como reflexo da "força do povo, que ainda não amadureceu a ponto". As limitações da nacionalidade de Koltsov tornam-se especialmente claras para Dobrolyubov: “Sua (Koltsov. - V. G.) poesia carece de uma visão abrangente, a classe simples do povo aparece em sua solidão de interesses comuns”. Em outros lugares, como Herzen, comparando Koltsov com Shevchenko, Dobrolyubov escreveu que o poeta russo "com sua mentalidade e até mesmo suas aspirações às vezes se afasta do povo". As “canções russas” de Merzlyakov, Delvig, Tsyganov recebem uma avaliação ainda mais dura sob a caneta da crítica democrática revolucionária - são reconhecidas como pseudo-folk. A mesma coisa acontece no campo da crítica musical. Do ponto de vista de Stasov e seus seguidores, a "canção russa" cultivada por Alyabyev, Varlamov e Gurilev é vista como artificial, imitativa, pseudo-folk. Em sua monografia sobre Glinka, V.V. Stasov, defendendo uma arte verdadeiramente nacional e democrática, fez uma avaliação geral negativa das estilizações e empréstimos folclóricos que estavam na moda em vários tipos de arte russa da primeira metade do século XIX: “Nos anos 30 , tivemos, como se sabe que se fala muito em nacionalidade na arte... o artista deve inserir nele, como em um novo quadro, o que já existe entre as pessoas, criou seu instinto criativo imediato. Eles queriam e exigiam o impossível: um amálgama de materiais antigos com arte nova; esqueceram que os materiais antigos correspondiam ao seu tempo específico e que a nova arte, já tendo elaborado suas formas, também precisa de novos materiais. Esta afirmação de Stasov tem um caráter fundamental. Ajuda a entender a inconsistência de uma ideia simplista bastante comum sobre os requisitos para a arte de um crítico democrático notável. Quando falam sobre sua propaganda do folclore, sobre sua luta pela identidade nacional e pela nacionalidade da arte, geralmente esquecem que Stasov sempre se opôs à atitude do consumidor em relação ao folclore, contra sua assimilação passiva e mecânica, contra a estilização, contra o folclore naturalista externo. Essa afirmação também explica a atitude fortemente negativa de Stassov em relação à "canção russa": mesmo sobre o "rouxinol" de Delvig e Alyabyev, ele falou ironicamente, colocando-o entre as "inúteis" "composições musicais" russas de nossos então amadores. Ele considerava todos os compositores do período pré-Glinka "amadores" e acreditava que suas experiências "eram completamente insignificantes, fracas, incolores e medíocres". Stasov ignorou o trabalho de música desses compositores, e seu seguidor A.N. Serov desdenhosamente apelidou todo o estilo de "canção russa" - "Varlamovism", considerando suas características características de "vulgaridade" e "doçura".

O exagero e a injustiça de tais críticas já são evidentes, mas devem ser levados em conta para entender que a rejeição do gênero “canção russa” na segunda metade do século XIX foi ditada por um desejo progressivo de desenvolvimento de realismo e por um nível mais elevado de nacionalidade. Isso deve explicar o fato de que Nekrasov, e até Nikitin e Surikov, não seguem tanto a tradição da “canção russa”, mas combinam o interesse pela vida popular e folclore genuíno com o estudo da experiência da poesia clássica russa. Não é por acaso que as canções no sentido exato da palavra agora, ainda mais frequentemente do que na primeira metade do século XIX, não são aqueles poemas que, em certa medida, ainda são guiados pelas tradições da “canção russa”, mas aqueles que os próprios poetas não profetizaram "canção futura. Até I. N. Rozanov notou que, entre os poemas de Nekrasov, suas letras de propaganda civil, poemas de enredo, trechos de poemas e não "canções" ganharam popularidade na vida cotidiana. O mesmo aconteceu com as obras de Nikitin - não foram suas “canções” que entraram firmemente no repertório oral (das quais apenas “The Bobylya's Song” realmente se tornou uma música), mas poemas como “Um buraco profundo foi cavado com uma pá . ..”, “Eu andava de feiras ukhar-merchant…”, “O tempo passa devagar…”. Surikov não é exceção - escrito no estilo tradicional "Canção" ("No jardim verde de um rouxinol ...") acabou sendo muito menos popular do que os poemas "Na estepe", "Eu cresci órfão . ..", "Rowan", "A execução de Stenka Razin" ; nesses poemas, a ligação com o folclore é inegável, mas adquire o caráter de uma interpretação livre de um enredo ou imagem poética popular. Indicativo a este respeito é o poema "Na estepe", inspirado na conhecida canção folclórica prolongada sobre a estepe de Mozdok. É curioso que este poema, transformado em canção, tenha retirado a canção tradicional do repertório folclórico. É verdade que as pessoas ao mesmo tempo abandonaram o enredo da música, introduzido pelo poeta.

Se o fenômeno observado é tão característico de poetas diretamente ligados à tradição folclórica, não é de surpreender que também possa ser rastreado na obra de outros poetas da segunda metade do século XIX. A maioria deles não escreve mais poesia no estilo da "canção russa"; nos casos em que alguns poetas prestaram homenagem a esse gênero, via de regra, não são suas “canções russas” que adquirem vida musical, mas outros poemas - como, por exemplo, de A. Tolstoy ou May. As músicas mais populares da segunda metade do século XIX não se assemelham mais ao gênero da “canção russa” em seu tipo.

É verdade que, no final do século XIX, o gênero da “canção russa” parecia renascer na obra de Drozhzhin, Ozhegov, Panov, Kondratiev, Ivin e outros poetas, agrupados principalmente no “Círculo de Escritores de Camaradagem de Moscou do Povo”, “Círculo Literário e Musical. Surikov" e em várias associações provinciais semelhantes. Mas das numerosas obras escritas à maneira das letras de Koltsovo e Surikov e preenchendo as coleções e livros de canções publicados por esses círculos e especialmente pelo empreendedor Ozhegov, apenas muito poucos adquiriram uma verdadeira vida de música, e menos ainda entraram no repertório oral de as massas.

A popularidade da música das obras dos poetas Surikov é muitas vezes exagerada pelos pesquisadores de seu trabalho. Às vezes, informações simplesmente incorretas são relatadas, o que migra de publicações autorizadas para vários artigos e comentários em coleções. Assim, na acadêmica “História da Literatura Russa” lemos: “Surikovitas são compositores por excelência. Seus melhores poemas, semelhantes ao estilo das letras camponesas, às vezes entraram firmemente no uso popular. Estas são as músicas "Não me repreenda, querida ..." de A. E. Razorenova, "Perdi meu anel ..." de M. I. Ozhegova e outros. Mas, na realidade, a música popular "Não me repreenda, querida ..." foi criada por Razorenov muito antes do surgimento do círculo Surikov, e mesmo antes de o próprio Surikov começar a escrever poesia, ou seja, nos anos 40 ou 50; nenhum dos poemas de Razorenov-Surikov, escritos na segunda metade do século XIX, tornou-se uma canção. Quanto à música "I lost my ringlet ...", Ozhegov não é seu autor - ele apenas processou a música conhecida por ele. É característico que outras músicas do próprio Ozhegov (excluindo "Entre as margens íngremes ...") não ganharam tanta popularidade quanto essa adaptação de sua antiga música.

Drozhzhin foi um poeta muito prolífico, e sua atividade literária durou mais de meio século, muitos de seus poemas foram musicados, alguns foram popularizados no palco pelo cantor N. Plevitskaya. Mas vale ressaltar que, na verdade, 3-4 de seus poemas, principalmente do período inicial de seu trabalho, tornaram-se canções. Ainda mais problemático é o destino da canção dos poemas de outros poetas Surikov e poetas próximos a eles. Dos poemas de Panov, que escreveu um grande número de "canções", dois ou três entraram em uso oral. Várias dezenas de “canções russas” foram publicadas na coleção de Kondratiev “Sob o ruído das florestas de carvalho”, mas nenhuma delas foi cantada (no meio urbano, seus outros poemas ganharam alguma fama: um foi escrito no estilo de um “cruel romance”, o outro foi escrito em uma “canção cigana”) . Não importa como Ozhegov promoveu os poemas de I. Ivin, A. Egorov, I. Vdovin, S. Lyutov, N. Prokofiev, N. Libina e outros em seus cancioneiros, eles não penetraram no repertório oral.

Os poetas Surikov não apenas não avançaram em comparação com seu professor, que aceitou criativamente as tradições do folclore, mas, de fato, deram um passo atrás - para a “canção russa” da primeira metade do século XIX. Eles não conseguiram dar vida a esse gênero, cujas possibilidades já estavam esgotadas por seus antecessores.

O tipo mais característico de letra vocal da segunda metade do século 19 - início do século 20 é a música revolucionária amante da liberdade em suas várias variedades de gênero: propaganda, hino, satírico, marcha de luto. Criadas por representantes poéticos de várias gerações e tendências na luta de libertação do povo russo – democracia revolucionária, populismo revolucionário e proletariado – essas canções da clandestinidade, de círculos e organizações ilegais, foram distribuídas pelas prisões e exilados, penetraram nas massas , soou em manifestações e comícios, durante greves, greves e lutas de barricadas.

Como regra, essas canções foram criadas pelos próprios participantes do movimento revolucionário, que não eram poetas profissionais, ou por pessoas que combinavam atividade literária com participação na luta de libertação: A. Pleshcheev (“Avante! Sem medo e dúvida .. .”), P. Lavrov (“Vamos renunciar ao velho mundo…”, M. Mikhailov (“Seja corajoso, amigos! Não perca…”), L. Palmin (“Não chore pelos cadáveres dos soldados caídos …”), G. Machtet (“Atormentado por severa escravidão…”), V. Tan-Bogoraz (“Cavamos nossa própria cova …”), L. Radin (“Audaciosamente, camaradas, no passo …” ), G. Krzhizhanovsky (“Raiva, tiranos ...”), N. Rivkin (“O mar gemeu de fúria ...”), etc. Os autores das melodias dessas músicas, como regra, também acabaram ser compositores não profissionais (A. Rashevskaya, N. e P. Peskov), às vezes - os próprios poetas (L. Radin, N. Rivkin), muito raramente - figuras musicais conhecidas (P. Sokalsky), na maioria das vezes os autores da música permaneceram desconhecidos.

O repertório dos combatentes da liberdade incluía, adquirindo na performance oral as características da composição revolucionária, e poemas de poetas que estavam longe da luta de libertação, mas que refletiam objetivamente em algumas de suas obras as aspirações de seus participantes ou captavam o humor do público de sua época . Portanto, os poemas de A. K. Tolstoy ("Kolodniki"), Y. Polonsky ("O que ela é para mim ..."), I. Nikitin ("O tempo se move lentamente ...), I. Nikitin ("O tempo se move lentamente ...), até "O maçom", de V. Bryusov, e até algumas obras de autores conservadores: "Há um penhasco no Volga ..." de A. A. Navrotsky, "É minha tira, listras ..." por V. V. Krestovsky, "Abra a janela, abra ..." Você. I. Nemirovitch-Danchenko.

Uma característica marcante que distingue as canções revolucionárias da segunda metade do século XIX - início do século XIX é que elas eram verdadeiramente difundidas, muitas vezes cantadas em versões diferentes da edição do autor, elas mesmas se tornaram modelo para canções anônimas semelhantes, foram incluídas em o processo de composição coletiva, - em uma palavra, folclorizado. Outra característica deles é a performance coral, na maioria das vezes polifônica sem acompanhamento (“canção russa”, via de regra, pelo seu próprio conteúdo assumia performance solo; na primeira metade do século XIX, apenas bebida, estudante e algumas “canções livres” ” foram executadas pelo coro).

Esta última circunstância permite na letra vocal da segunda metade do século XIX traçar uma linha mais clara entre a canção no sentido próprio da palavra e o romance, orientado para a performance solo e acompanhamento musical em algum instrumento.

Mas mesmo na própria arte romântica, uma notável evolução ocorreu desde meados do século XIX. Como observa o pesquisador, “a área do romance “profissional” e “doméstico” também é bem demarcada, e sua proporção muda significativamente”. De fato, no século XVIII e na primeira metade do século XIX, toda a arte românica era, de fato, acessível a qualquer amante da música e entrava facilmente na vida doméstica, especialmente entre a nobre intelectualidade. Apenas alguns romances de Glinka podem ser considerados os primeiros exemplos de um romance "profissional", exigindo grande habilidade técnica e treinamento especial da cantora. A situação é completamente diferente na segunda metade do século XIX e início do século XX. O romance cotidiano está se tornando principalmente o destino dos compositores menores. Entre os autores do romance cotidiano para as palavras dos poetas contemporâneos russos estão N. Ya. Afanasyev, P. P. Bulakhov, K. P. Vilboa, K. Yu. A. Lishina, V. N. Paskhalova, V. T. Sokolova. O historiador da música russa N.V. Findeizen escreve: "Algumas das obras desses romancistas ... às vezes gozavam de popularidade invejável, embora barata ..." O romance cotidiano no sentido próprio da palavra é menor em conteúdo ideológico e psicológico e geralmente é marcado pelo selo do epigonismo formal em relação aos mestres do quotidiano romance da primeira metade do século XIX. Isso, é claro, não significa que na massa de obras medíocres do gênero citado não houvesse de forma alguma aquelas que, em sua arte, se aproximassem do romance cotidiano da primeira metade do século XIX.

Romances cotidianos muito populares da segunda metade do século XIX - início do século XX foram "Um par de baías" de Apukhtin, "Sob o ramo perfumado de lilases ..." de V. Krestovsky, "Você esqueceu" de P. Kozlov, “Foi há muito tempo... não me lembro quando foi...” S. Safonov, “Carta” de A. Mazurkevich, “Sob a impressão da gaivota de Chekhov” de E. Bulanina, “Nocturne” por Z. Bukharova. Eles entraram em uso oral há muito tempo.

Os melhores romances cotidianos do período em análise são alguns dos romances mais acessíveis de grandes compositores aos amantes da música. Vale ressaltar que com a música de compositores da segunda metade do século XIX, poemas de poetas da primeira metade do século também entram no cotidiano. Tais, em particular, são muitos dos romances de Balakirev com textos de Pushkin, Lermontov, Koltsov. É curioso, por exemplo, que o raznochintsy dos anos 60 se apaixonou pelo romance de Balakirev com as palavras de Lermontov "Canção de Selim" - não é coincidência que "a senhora de luto" do romance de Chernyshevsky "O que deve ser feito? " canta. Alguns dos romances de Dargomyzhsky para as palavras de poetas de meados do século 19 - N. Pavlov ("Ela de sonhos sem pecado ..."), Yu. Zhadovskaya ("Você logo me esquecerá ..."), F. Miller (“I don’t care...”) ganhou popularidade na música. "Calistrat" ​​de Nekrasov-Mussorgsky e "Eu vim até você com saudações ..." por Fet-Balakirev tornaram-se amplamente conhecidos. Particularmente famosos foram muitos dos romances de Tchaikovsky com as palavras de poetas da segunda metade do século 19: “Oh, cante essa música, querida ...” (Pleshcheev), “Eu gostaria em uma única palavra ...” ( Mei), “Noites loucas, noites sem dormir...” (Apukhtin), “Ao amanhecer, não a acorde...” (Fet), “No meio de uma bola barulhenta...” (A. K. Tolstoy) ), “Eu abri a janela...” (K. R.), “Estávamos sentados com você à beira do rio adormecido...” (D. Ratgauz).

Muitos dos poemas dos poetas da segunda metade do século 19 - início do século 20 tornaram-se fenômenos notáveis ​​de letras vocais russas, onde foi alcançada uma fusão completa de texto e música. Isso se aplica ao trabalho de poetas como A. K. Tolstoy, Pleshcheev, Maikov, Fet, Polonsky, Apukhtin, Mei. Os poemas de alguns poetas geralmente ainda vivem apenas como romances (Golenishchev-Kutuzov, Rostopchina, Minsky, Ratgauz, K. R.). Juntamente com a música dos maiores compositores, os poemas desses poetas entraram firmemente na consciência da intelectualidade russa e, à medida que o nível cultural das massas aumenta, eles se tornam propriedade de um círculo cada vez mais amplo de trabalhadores. Portanto, ao avaliar a contribuição da poesia russa para a cultura nacional, é impossível nos limitarmos à herança dos clássicos, mas é necessário levar em consideração os melhores exemplos de romance cotidiano - em primeiro lugar, as obras que são incluídos no repertório de vocalistas populares e constantemente soam do palco de salas de concerto e no rádio, e também penetram na arte moderna amadora de massa.

Se nos voltarmos para os poetas cujos poemas foram usados ​​com especial frequência e vontade pelos maiores compositores russos e cujos textos foram usados ​​para criar romances clássicos, é fácil ver que, com poucas exceções, a escolha dos nomes não é acidental. Apesar do fato de que as preferências e gostos pessoais de cada compositor podem desempenhar um grande papel (por exemplo, a paixão de Mussorgsky pela poesia de Golenishchev-Kutuzov), no entanto, o círculo de poetas, em cujos textos um número particularmente grande de romances foi escrito, é representados por nomes muito específicos. Na obra de qualquer um desses poetas pode-se encontrar alguns poemas que foram repetidamente musicados por compositores que diferem em seu método criativo. E mesmo o fato de que uma excelente música foi escrita para esses poemas por Glinka ou Tchaikovsky, cujos romances já ganharam fama, não impediu seus contemporâneos ou compositores da era subsequente, até o nosso tempo. Há poemas em que literalmente dezenas de romances foram escritos. Dos poetas da primeira metade do século XIX, Zhukovsky, Pushkin, Lermontov e Koltsov estavam especialmente felizes a esse respeito. Romances baseados nos textos do primeiro romântico russo foram criados ao longo de um século inteiro - desde os primeiros experimentos de seu amigo compositor A. A. Pleshcheev até as obras de Ippolitov-Ivanov. Só no século 19, mais de cento e setenta romances de Pushkin foram musicados. O poema “Não cante, beleza, comigo …”, apesar de ainda viver principalmente com a música de Glinka, criada em 1828, depois disso muitos outros compositores se dirigiram (entre eles estão nomes como Balakirev, Rimsky-Korsakov, Rachmaninov). O poema "The Singer" foi musicado por mais de quinze compositores do século XIX. Nos séculos 19 e 20, um grande número de romances foi criado com base em mais de setenta poemas de Lermontov. Sua “Oração” (“Em um momento difícil da vida...”) foi musicada por mais de trinta compositores. Mais de vinte romances existem nas palavras de "canção de ninar cossaco" e poemas: "Eu ouço sua voz ...", "Não, eu não te amo tão ardentemente ...". Talvez o primeiro lugar entre os poetas russos a esse respeito pertença a Koltsov - cerca de setecentos romances e canções foram criados em seus textos por mais de trezentos compositores! Como você pode ver, a proporção de poetas da primeira metade do século XIX nas letras vocais russas coincide aproximadamente com seu significado na história da poesia - os romances dos poetas primários predominam claramente (a única exceção é Baratynsky, cujas palavras são escreveu relativamente poucos romances).

Quando nos voltamos para a segunda metade do século XIX e início do século XX, aqui o quadro, à primeira vista, muda de repente: poetas, cujo papel na história da poesia parece modesto, são frequentemente preferidos pelos compositores a poetas maiores , e no repertório romântico dificilmente ocupam lugar maior do que os luminares da poesia russa. É curioso que, enquanto cerca de sessenta textos da herança poética de Nekrasov atraíram a atenção dos compositores, mais de setenta textos de Maikov e Polonsky foram musicados. Mais de noventa poemas de Fet, mais de cinquenta poemas de Pleshcheev e Ratgauz, mais de quarenta poemas de Nadson e o mesmo número de Apukhtin tornaram-se romances. Talvez o quadro para a poesia do início do século XX seja especialmente paradoxal: uma espécie de “registro” pertence a Balmont - mais de cento e cinquenta de seus poemas foram musicados (por cerca de vinte anos, quase tantos como em um século por Pushkin, e mais do que por Lermontov, Tyutchev, Nekrasov). Além disso, entre os compositores que criaram romances com suas palavras, encontramos Rachmaninov, Taneyev, S. Prokofiev, Grechaninov, Gliere, Ippolitov-Ivanov, Stravinsky, Myaskovsky ... Blok é significativamente inferior a esse respeito - cerca de cinquenta romances foram escritos para seus textos. Bryusov também poderia invejar Balmont a esse respeito. Outros poetas visivelmente "ficam atrás" de Blok e Bryusov - até A. Akhmatova, V. Ivanov, D. Merezhkovsky, F. Sologub, cujos textos, no entanto, foram repetidamente musicados. No entanto, muitos poetas famosos do início do século 20 poderiam se orgulhar de que pelo menos um ou dois de seus poemas foram musicados pelos maiores compositores da época.

O que atraiu os músicos para a poesia da segunda metade do século XIX - início do século XX? É claro que uma resposta categórica e monossilábica a essa pergunta dificilmente é possível, igualmente aplicável à obra de todos os poetas. Mas, levando em conta as características e possibilidades da música vocal, bem como as tarefas criativas que os compositores se propuseram ao criar romances, deve-se notar que eles preferiram aqueles versos onde o estado psicológico interior do herói lírico é expresso mais diretamente , especialmente onde a experiência do poeta se revela incompleta, não expressa até o fim, o que possibilitou revelá-la por meios musicais. A poesia de alusões, omissões, contendo profundas conotações líricas, representou o maior campo criativo para a imaginação do compositor. Não o último papel foi desempenhado por algumas características estilísticas da maneira criativa de poetas como Fet, A. Tolstoy, May, Polonsky - o desenvolvimento do tema e a estrutura composicional do poema, que lembra a estrutura de uma obra musical, a saturação do texto com repetições, exclamações, pausas semânticas, a melodiosidade da linguagem, a suavidade do ritmo, a entonação flexível da fala. Alguns desses poetas seguiram conscientemente as leis musicais em seu trabalho. Assim, Vasiliy partiu do princípio teórico por ele formulado: "Poesia e música não são apenas relacionadas, mas inseparáveis... Todas as obras poéticas centenárias... em essência... canções". Não é por acaso que Vasiliy chamou um dos ciclos de “Melodias”. O poeta admitiu: “Sempre fui arrastado de uma certa área das palavras para uma área indefinida da música, na qual eu ia, até onde minhas forças eram suficientes.”

Muito para entender o destino da poesia russa na música é dado pelas declarações dos próprios compositores. Tchaikovsky formulou claramente em uma de suas cartas que "o principal na música vocal é a veracidade da reprodução de sentimentos e humores ...". O grande compositor pensou muito nas peculiaridades da versificação russa e na estrutura entoacional da poesia russa, buscou na poesia uma variedade de ritmos, estrofes e rimas que criassem as oportunidades mais favoráveis ​​para a expressão musical do conteúdo lírico da poesia. Tchaikovsky foi atraído pelo tipo de verso expressivo de entonação melodiosa, e ele mesmo chamou a poesia de Fet como modelo a esse respeito. O compositor escreveu sobre ele: “Podemos antes dizer que Vasiliy, em seus melhores momentos, ultrapassa os limites indicados pela poesia e dá um passo ousado em nosso campo... Este não é apenas um poeta, mas sim um poeta- músico, como se estivesse evitando até mesmo tópicos tão fáceis de colocar em palavras." Tchaikovsky também apreciou muito a poesia de A. K. Tolstoy: “Tolstoy é uma fonte inesgotável de textos para música; este é um dos meus poetas favoritos.

Foi a maneira de expressar sentimentos, humores e pensamentos inerentes à poesia de Fet e A. K. Tolstoy, bem como Pleshcheev, Mey, Polonsky, Apukhtin e poetas próximos a eles, e a natureza da entonação do verso que forneceu o melhor oportunidades para transformar seus poemas em música. Portanto, não apenas em Tchaikovsky, mas também na obra românica de outros grandes compositores da segunda metade do século XIX, juntamente com os mestres clássicos da poesia russa, os poemas desses poetas ocupam um lugar central.

Vamos começar com algumas citações.

"Na poesia e na prosa poética, na música, na pintura, na escultura, na arquitetura - poesia é tudo o que nelas não é arte, nem esforço, isto é, pensamento, sentimento, ideal."

“O poeta cria com a palavra, e esta palavra criadora, provocada pela inspiração de uma ideia que possuía poderosamente a alma do poeta, passando rapidamente para outra alma, produz nela a mesma inspiração e a abraça com igual força; essa ação não é mental nem moral - é simplesmente poder, que não podemos repelir pela força da vontade ou pela força da razão. A poesia, agindo sobre a alma, não lhe dá nada de definido: não é a aquisição de alguma idéia nova, processada logicamente, nem a excitação do sentimento moral, nem sua afirmação por uma regra positiva; Não! - esta é uma ação secreta, abrangente, profunda, de franca beleza, que envolve toda a alma e nela deixa vestígios indeléveis, benéficos ou destrutivos, dependendo da propriedade da obra de arte, ou melhor, de acordo com o espírito do próprio artista.

Se esta é a ação da poesia, então o poder de produzi-la, dado ao poeta, não deve ser senão um chamado de Deus, é, por assim dizer, um chamado do Criador para entrar na comunhão da criação com Ele. . O Criador colocou seu espírito na criação: o poeta, seu mensageiro, busca, encontra e revela aos outros a presença onipresente do espírito de Deus. Este é o verdadeiro significado da sua vocação, o seu grande dom, que ao mesmo tempo é uma terrível tentação, pois nesta força para um voo alto está o perigo de uma queda profunda.

“Para escrever poemas, uma pessoa talentosa em literatura só precisa se acostumar a poder usar, no lugar de cada uma, uma palavra real e necessária, dependendo da exigência de rima ou tamanho, mais dez palavras de mesmo significado. e então acostumar cada frase, que, para ser clara, tem apenas uma colocação adequada de palavras, para poder dizer, com todos os movimentos possíveis das palavras, de modo que pareça algum sentido; aprender mais, guiado por palavras que cruzam por rima, inventar semblantes de pensamentos, sentimentos ou imagens para essas palavras, e então tal pessoa não pode mais parar de fazer poemas, dependendo da necessidade, curta ou longa, religiosa , amor ou civil.

“Com licença, não é loucura quebrar a cabeça por dias a fio para espremer a todo custo a fala humana natural e viva em versos medidos e rimados. É o mesmo que se alguém de repente pensasse em andar apenas ao longo de uma corda estendida e, sem falta, agachar-se a cada passo.

As duas primeiras citações pertencem aos contemporâneos e amigos de Pushkin, os poetas Kuchelbecker e Zhukovsky; os dois segundos - para seus longe dos piores seguidores, os escritores de prosa Leo Tolstoy e Shchedrin. Como podemos ver, a atitude em relação à poesia expressa nessas citações é exatamente o oposto: em vez de admiração e admiração, há humilhação e desprezo pelos poetas e seus “produtos”.

Por que surgiu essa monstruosa discórdia nos pensamentos? Seria mais fácil responder a essa pergunta dessa maneira: a era Pushkin foi uma época alta e dourada da poesia russa, depois foi substituída pela era da prosa, e a poesia primeiro desapareceu em segundo plano e depois deixou completamente de existir. No entanto, os críticos russos também escreveram sobre isso, começando com Polevoy e Belinsky; Leo Tolstoy também afirmou o mesmo com sua peremptória característica: “Na poesia russa<…>depois de Pushkin, Lermontov (Tyutchev geralmente é esquecido), a fama poética passa primeiro para os poetas muito duvidosos Maikov, Polonsky, Fet, depois para Nekrasov, completamente desprovido de dom poético, depois para o poeta artificial e prosaico Alexei Tolstoy, depois para o monótono e Nadson fraco, depois para Apukhtin completamente medíocre, e então tudo atrapalha, e há poetas, seu nome é legião, que nem sabem o que é poesia e o que significa o que escrevem e por que escrevem.

Talvez o ser humano experiente esteja bem aqui, e a poesia russa depois de Pushkin e Lermontov deve ser esquecida e apagada de nossa memória? Parece, no entanto, que algo não está certo aqui. Pelo menos, se lembrarmos dos poemas de Tyutchev e Fet, Nekrasov e Maikov, Polonsky e Pleshcheev, familiares a todos desde a infância ...

De fato, a partir do final da década de 1830, as revistas começaram a publicar poesia com cada vez menos frequência. Eles são substituídos pela jovem prosa russa e pela crítica literária afiada, que se comprometeu a defender seus interesses desde os primeiros passos. E ela, essa crítica, foi extremamente partidária, ou seja, defendeu abertamente nas páginas da revista os interesses de certas forças políticas que se originaram na Rússia naquela época e entraram em uma batalha que não parou até hoje. É claro que a poesia, dirigida à alma humana, ao eterno, foi essa crítica – independentemente de seus interesses políticos – simplesmente a nada. Mas com a prosa, especialmente também a prosa de festa, é muito mais simples: afinal, ela descreve eventos terrenos compreensíveis e explica em texto claro quem é o culpado, o que fazer, quando chega o dia real ... com, interpretado, e para isso é melhor entender ou apenas não perceber, ou ridicularizar os clickers parodistas.

Os prosadores atacaram a poesia de meados do século não menos furiosamente do que os críticos. Não, eles concordaram em considerar seus amigos íntimos verdadeiros poetas, eles constantemente admiravam suas criações (especialmente em correspondência privada), mas os colocavam ao lado de Pushkin ...

Portanto, o aniversário de Pushkin se transformou, antes de tudo, em uma celebração, nas palavras de Vyazemsky, prosadores. Até Shchedrin ficou perplexo com isso: "Aparentemente, o inteligente Turgenev e o louco Dostoiévski conseguiram roubar o feriado de Pushkin em seu favor". Outros prosadores o transformaram em benefício próprio, ou seja, prosaico: basta abrir jornais e revistas daqueles anos ou coleções de aniversário para descobrir que os poetas modernos simplesmente não podiam participar das comemorações.

É claro que em primeiro plano entre os prosadores russos politizados estavam, como sempre, os interesses do partido. Mas não menos francamente expressa por todos eles, neste caso, independentemente das preferências políticas, a ideia geral: Pushkin é um grande poeta do passado, hoje não há poetas e não pode ser.

Claro, não sem a pressão dessas idéias, livros, por exemplo, Vasiliy não divergiram por muitos anos, como, de fato, em seu tempo, os poemas de Alexander Pushkin. Mas as “vitias populares” preferiram não falar sobre isso em voz alta...

Assim, desenvolveu-se uma espécie de conspiração contra a poesia russa - uma conspiração da qual participaram políticos, críticos e prosadores. Os poetas continuaram a criar, sem prestar atenção ao fato de que o círculo de seus leitores estava se estreitando – apesar das conquistas incondicionais. Os poetas chegaram ao público de uma forma diferente – principalmente através do romance cada vez mais popular, através de poemas simples dirigidos às crianças.

De fato, depois de Pushkin, a poesia russa se torna muito mais simples e acessível, quase se recusa a apelar às tradições antigas e europeias, concentra-se conscientemente na música folclórica, fala de coisas simples que são necessárias para todos: natureza e amor, as delícias da juventude e as experiências da velhice. Nele, o alto pathos civil da era Pushkin soa cada vez menos, cada vez mais - a voz sincera de um ente querido. A poesia da segunda metade do século XIX é mais íntima do que seu predecessor de maior sucesso.

Ao mesmo tempo, não se desvia em nada da defesa dos valores humanos superiores – pelo contrário, defende-os consistentemente em contraste com a prosa dirigida à atual modernidade. Isso é especialmente evidente nos casos em que o mesmo escritor escreve tanto em verso quanto em prosa. Por exemplo, Turgenev é o autor de Pais e Filhos e Gray Morning. Hoje, o romance sobre niilistas precisa ser explicado em detalhes, e o romance clássico dispensa comentários ...

Contemporâneos, absortos nas tempestades cotidianas, eram incompreensíveis e selvagens as palavras de Vasiliy, escritas sobre a publicação da coletânea de poemas de Tyutchev, quase despercebidas pelos críticos: “Todas as coisas vivas consistem em opostos; o momento de sua união harmoniosa é indescritível, e o lirismo, essa cor e pináculo da vida, em sua essência, permanecerá para sempre um mistério. A atividade lírica também requer qualidades extremamente opostas, como loucura, coragem cega e a maior cautela (o melhor senso de proporção). Quem não consegue se jogar do sétimo andar de cabeça para baixo, com a crença inabalável de que vai voar pelos ares, não é letrista.

Alexandre
ARKHANGELSKY

Apresentando capítulos do novo livro escolar

letras russas da segunda metade do século 19

Poetas russos e a era da prosa "social". Poetas russos do início do século 19 - de Zhukovsky e Batyushkov a Pushkin e Lermontov - criaram uma nova linguagem poética na qual era possível expressar as experiências mais complexas, os pensamentos mais profundos sobre o universo. Eles introduziram na poesia russa a imagem de um herói lírico que se assemelha e não se assemelha ao próprio poeta. (Assim como Karamzin introduziu a imagem de um narrador na prosa russa, cuja voz não se confunde com as vozes dos personagens e do próprio autor.)

Os poetas da primeira metade do século XIX revisaram o sistema usual de gêneros. Preferiam uma elegia de amor, uma balada romântica, a odes "altas", solenes; reincutiu na literatura nativa o gosto pela cultura popular, pelas canções russas e pelos contos de fadas; incorporaram em seu trabalho a consciência contraditória e a experiência trágica de uma pessoa contemporânea, um europeu russo. Eles dominaram a experiência do romantismo mundial - e gradualmente o superaram de muitas maneiras.

Mas isso costuma acontecer na literatura: mal atingiu o auge artístico, a poesia russa começou a declinar acentuadamente. Aconteceu logo após a morte de Pushkin e depois Baratynsky e Lermontov. Ou seja, no início da década de 1840. Os poetas da geração mais velha de alguma forma se cansaram da turbulenta vida literária ao mesmo tempo, desligaram o processo ativo. Zhukovsky começou a traduzir volumosas obras épicas - você conhece sua tradução da Odisseia de Homero. Pyotr Vyazemsky se escondeu por muito tempo em uma sombra literária surda, afastou-se dos assuntos poéticos, e somente na velhice seu talento floresceu novamente, ele retornou aos limites de sua literatura nativa. Vladimir Benediktov experimentou popularidade instantânea em meados da década de 1830 - e com a mesma rapidez caiu fora de moda.

E muitos jovens poetas líricos da década de 1840, que permaneceram aos olhos do público, parecem ter esquecido como escrever. A maior habilidade, o domínio da técnica do verso, que no tempo de Pushkin era considerado a norma, algo dado como certo, foi perdido da noite para o dia pela maioria dos poetas.

E não há nada de surpreendente aqui.

No início do século 19, a literatura russa aprendeu a retratar o caráter humano em sua individualidade e originalidade. Nas décadas de 1820 e 1830, os escritores russos começaram a associar o destino de seus heróis a uma época histórica específica, àquelas circunstâncias financeiras cotidianas das quais o comportamento humano geralmente depende. E agora, na década de 1840, eles enfrentavam novas tarefas substantivas. Começaram a olhar a personalidade humana pelo prisma das relações sociais, para explicar as ações dos heróis pela influência do “ambiente”, tiraram-nas de razões econômicas e políticas.

Os leitores das décadas de 1840 e 1860 estavam esperando justamente por tais escritos sociais. E para resolver esses problemas, a prosa épica, narrativa, um ensaio fisiológico e um artigo jornalístico eram muito mais adequados. Portanto, as principais forças literárias da época concentravam-se na prosaica "cabeça de ponte". As letras parecem ter perdido seu conteúdo sério por um tempo. E essa falta de objetivo interior, a falta de conteúdo sangrou a forma poética. É assim que uma planta seca, que bloqueou o acesso aos sucos subterrâneos que dão vida.

• Por que a prosa empurrou a poesia para as margens do processo literário na década de 1840? Que tarefas substantivas a literatura russa resolve nesta década?

Pierre Jean Béranger

Como podemos falar sobre coisas dolorosas, sobre a vida cotidiana "insignificante" por meio de letras, como expressar novas idéias sociais? Na década de 1840, a poesia européia também decidiu as respostas a essas perguntas. Afinal, a transição da era do romantismo para a era do naturalismo ocorreu em todos os lugares! Mas lá, especialmente na França, uma tradição de letras sociais revolucionárias já havia se desenvolvido, uma linguagem poética especial havia se desenvolvido. Essa linguagem foi "adaptada" para uma conversa emocional - e ao mesmo tempo sincera - sobre os problemas e tristezas da sociedade moderna, sobre o trágico destino da "pequena" pessoa. Ou seja, a transição da poesia para uma nova qualidade social foi preparada com antecedência, correlacionada com a tradição cultural.

O mais significativo dos poetas "revolucionários" europeus, letristas sociais, é justamente considerado o francês Pierre Jean Beranger (1780-1857).

Criado por seu avô como alfaiate, ele testemunhou as convulsões da Revolução Francesa quando criança. O jovem Beranger acreditava em seus ideais e - o que não é menos importante para a literatura - lembrou para sempre o som das canções folclóricas revolucionárias que a multidão rebelde cantava. A mais popular dessas músicas também é bem conhecida por você - é "La Marseillaise"; seu conteúdo um tanto sanguinário - um apelo à violência - foi revestido de uma forma musical solene e leve. Nas canções da era revolucionária, não apenas eram usadas expressões folclóricas suculentas e piadas, que são inaceitáveis ​​em letras "altas", mas também as possibilidades da poesia épica - um enredo curto e dinâmico, um refrão constante (ou seja, um repetição do "refrão" ou algumas linhas-chave).

Desde então, o gênero do poema-canção, estilizado como canção folclórica, tem prevalecido na obra de Béranger. Seja frívola, ou satírica (muitas vezes dirigida contra os costumes do sacerdócio católico), ou política, pathos, essas canções eram apreciadas pelo leitor em geral. Desde o início, a imagem de um herói lírico surgiu e se estabeleceu neles - um poeta popular, um homem da multidão, um inimigo da riqueza. (É claro que, na vida real, o próprio Beranger não era tão alheio ao dinheiro, como pode parecer ao ler seus poemas.)

Poetas líricos russos começaram a traduzir Beranger em meados da década de 1830. Mas de sua vasta e variada obra, a princípio, foram escolhidas apenas "canções" líricas, tão semelhantes às experiências familiares de "canções folclóricas" estilizadas criadas por poetas do início do século e da geração Pushkin:

A hora chegará - seu maio ficará verde;
Chegará a hora - deixarei este mundo;
Seu cacho de noz ficará branco;
O brilho dos olhos de ágata desaparecerá.
(“Minha velha senhora.” Traduzido por Viktor Teplyakov, 1836)

É naturalmente; estamos sempre interessados ​​na experiência dos outros apenas na medida em que ajuda a lidar com nossos próprios problemas. E as tarefas enfrentadas pela literatura russa em meados da década de 1830 diferiam daquelas que ela resolveu na conturbada década de 1840. Não sem razão, afinal, Heinrich Heine, um poeta de elevado sentimento social, foi seletivamente traduzido por escritores russos da geração Lermontov, prestando atenção principalmente em suas letras filosóficas, em sua ironia romântica. E os poetas da década de 1840 já estavam prestando atenção ao outro lado do talento de Heine - seus poemas políticos, cívicos e satíricos.

E agora, quando a prosa russa falava tão aguda e amargamente sobre o lado sombrio da vida, a poesia russa também precisava dominar a nova experiência artística. Não havia tradição própria estabelecida, então os letristas da década de 1840 foram voluntariamente estudar com Beranger.

Mas assim como um estudante deve “amadurecer” para tópicos sérios que são estudados no ensino médio, os poetas gastam mais de um ano para “amadurecer” para uma tradução bem-sucedida. Afinal, um poema traduzido de uma língua estrangeira deve manter o sabor do "estrangeiro" - e ao mesmo tempo tornar-se "próprio", russo. Portanto, apenas em meados da década de 1850, Beranger "falou" em russo naturalmente e naturalmente. E o principal mérito disso pertence a Vasily Stepanovich Kurochkin (1831-1875), que em 1858 publicou a coleção "Songs of Beranger":

"Viva, veja!" - tio velho
Um século inteiro está pronto para me repetir.
Como eu rio, olhando para o meu tio!
Eu sou uma pessoa positiva.
eu gasto tudo
Não posso -
Já que eu não sou nada
Eu não tenho.
................................
Afinal, em um prato de um deli
A capital de seus ancestrais está sentada;
Conheço a empregada da taverna:
Cheio e bebido constantemente a crédito.
eu gasto tudo
Não posso -
Já que eu não sou nada
Eu não tenho.
("O Homem Positivo", 1858)

Claro, você notou que esses versos não são simplesmente traduzidos para o russo. Aqui, uma das regras de uma "boa" tradução é deliberadamente violada: o espírito francês desapareceu completamente de Berenger, o tradutor arrancou o poema de um solo cultural estrangeiro, transplantou-o completamente para o seu. Esses versos soam como se não fossem traduzidos do francês, mas escritos imediatamente em russo - e por um poeta russo. Eles são russificados, ou seja, usam expressões que são de uma vez por todas atribuídas ao cotidiano russo e são completamente inadequadas no contexto francês. Por exemplo: "Repita ... um século inteiro", "cheio e bêbado". Outra tradução de Kurochkin é ainda mais russificada - o poema "Mr. Iskariots" (1861):

Sr. Iskariotov -
Estranho bem-humorado:
Patriota dos patriotas
Bom companheiro, alegre companheiro,
Espalha-se como um gato
Inclinando-se como uma cobra...
Por que essas pessoas
Somos um pouco diferentes?
.............................................
Leitor atento de todas as revistas,
Ele é capaz e pronto
Os liberais mais zelosos
Assuste com um fluxo de palavras.
Ele gritará bem alto: "Glasnost! Glasnost!
Condutor de idéias sagradas!"
Mas quem sabe as pessoas
Sussurros, pressentindo o perigo:
Silêncio, silêncio, senhores!
Sr. Iskariotov,
Patriota dos patriotas
Vindo aqui!

O poema francês sobre o golpista "Monsieur Iscariotes" (Iscariotes se chamava Judas, que denunciou Cristo) não foi sem razão transformado em uma sátira russa ao informante "Sr. Iscariotov". Vasily Kurochkin deliberadamente arrancou a poesia de Béranger de suas raízes francesas e a transformou em um fato da cultura russa. Com a ajuda de Beranger, ele criou a linguagem da poesia social russa, dominou novas possibilidades artísticas. E ele conseguiu.

Mas o fato é que a sorte no caminho escolhido teve que esperar muito; poetas domésticos da segunda metade da década de 1850 já podiam prescindir de Beranger, contar com a experiência artística de Nikolai Alekseevich Nekrasov. (Um capítulo separado é dedicado à biografia de Nekrasov e ao mundo artístico no livro.) Foi Nekrasov quem, pela primeira vez, dentro da estrutura da tradição cultural russa, conseguiu combinar o incompatível - "socialidade" rude e lirismo profundo , foi ele quem criou uma nova linguagem poética, propôs novos ritmos à sua poesia nativa que se adequassem a novos temas e novas ideias. A fama real veio a ele imediatamente após o poema "Estou dirigindo por uma rua escura à noite ..." foi publicado na revista Sovremennik em 1847:

Você se lembra dos sons tristes das trombetas,
Respingos de chuva, meia luz, meia escuridão?
Seu filho chorou, e mãos frias
Você o aqueceu com seu hálito...

Todos leram estes versos pungentes - e entenderam: aqui está, uma palavra nova na poesia, finalmente encontrou a única forma verdadeira para uma história sobre experiências emocionais associadas à pobreza, desordem, vida ...

E ninguém ajudou os poetas da década de 1840 a resolver os problemas artísticos e significativos que os confrontavam.

• Por que as traduções dos poemas do poeta francês Béranger foram russificadas por Kurochkin? Leia a citação do poema "Mr. Iscariotes" novamente. Encontre nele exemplos de expressões tão ligadas à vida cotidiana da fala russa que arrancam o texto de Béranger da tradição francesa.

Letra de Alexei Pleshcheev

No entanto, mesmo na década de 1840, alguns poetas russos tentaram falar sobre os mesmos graves problemas sociais que a prosa social abordava na linguagem familiar de Pushkin-Lermontov. Na maioria das vezes, isso não foi muito bem sucedido. Mesmo o mais talentoso deles.

Assim, Alexei Nikolaevich Pleshcheev (1825-1893) frequentemente escreveu poemas cívicos e políticos nesta década; aqui está um dos mais famosos e populares:

Avançar! sem medo e dúvida
Em uma façanha valente, amigos!
Alvorecer da redenção sagrada
Eu já vi no céu!

... Não vamos criar um ídolo para nós mesmos
Nem na terra nem no céu;
Por todos os dons e bênçãos do mundo
Não cairemos no pó diante dele! ..

... Ouçam bem, irmãos, a palavra de um irmão,
Enquanto estamos cheios de força juvenil:
Para a frente, para a frente e sem retorno
Não importa o que o destino nos promete à distância!
(“Avante! sem medo e dúvida...”, 1846)

Pleshcheev não leu suas ideias rebeldes dos livros. Ele participou seriamente do círculo revolucionário dos "petrachevistas" (mais sobre eles será discutido no capítulo do livro dedicado a Fiódor Mikhailovich Dostoiévski). Em 1849, o poeta foi preso e, juntamente com outros "petrashevitas" ativos, foi condenado à morte por "tiro". Depois de uma espera terrível na praça onde seria a execução, foi informado de que a sentença havia sido comutada e que a execução havia sido substituída pelo serviço militar. Pleshcheev, que sobreviveu a um choque terrível, foi exilado nos Urais e somente em 1859 foi autorizado a retornar à Rússia central. (Primeiro para Moscou, depois para Petersburgo.)

Assim, os pensamentos expressos no poema, Pleshcheev sofreu, suportou e pagou com a própria vida. Mas uma biografia real é uma coisa, e a criatividade é um pouco diferente. Em seus poemas cívicos da década de 1840, Pleshcheev ainda usava o familiar iâmbico de quatro pés, apagado do uso frequente, e imagens poéticas gerais.

Retorne à citação do poema “Forward! sem medo e dúvida...”, releia.

O poeta combina as idéias que vieram da Bíblia ("Não façamos um ídolo para nós... Proclamando os ensinamentos do amor..."), com idéias da moda sobre o progresso e o triunfo da ciência ("... sob a bandeira da ciência // Nossa União se fortalece e cresce...”). Mas ele não consegue encontrar outros modelos, exceto a ode "Liberty", de Pushkin, escrita quase trinta anos antes. Talvez a letra política dos dezembristas - mas afinal, é um tempo completamente diferente no terreiro, a própria vida fala uma língua diferente!

Pleshcheev literalmente se força a rimar slogans revolucionários, o material artístico resiste a isso - e na estrofe final Pleshcheev "conduz" o pensamento a uma forma indisciplinada, aleija o som do verso. Preste atenção na multidão de sons nas duas últimas linhas! "Avante, avante e sem volta, // O que quer que a rocha ao longe nos prometa!" "VPRJ ... VPRJ ... BZVZVRT ... CHTBRKVD ..." Uma série contínua de colisões sonoras, completamente injustificadas pelo plano.

E o ponto aqui não é o talento individual de Alexei Pleshcheev. Ele era apenas um poeta muito talentoso, e muitos de seus poemas foram incluídos no fundo dourado dos clássicos russos. Mas tal - contraditória, desigual - era a situação literária da década de 1840 como um todo. O estado de coisas, como já dissemos, só mudará nas décadas de 1850 e 1860, depois que Nekrássov estiver no centro do processo literário. E então Pleshcheev gradualmente se afastará da "progressividade" deliberada (embora ocasionalmente ele se lembre de seus motivos políticos favoritos), retornará aos temas poéticos tradicionais: vida rural, natureza.

São essas linhas de Pleshcheev despretensiosas e muito simples que serão incluídas em livros escolares e antologias e serão familiares a todos os russos. Basta pronunciar a primeira linha - e o resto virá à mente por si só: "A grama é verde, // O sol está brilhando, // Uma andorinha com primavera // Voa para nós no dossel" ("País Song", 1858, traduzido do polonês). Ou: "Uma foto chata! // Nuvens sem fim, // A chuva continua caindo, // Poças na varanda..." (1860).

Tal foi o destino literário daqueles poetas russos que então tentaram revestir a experiência social acumulada pela prosa na sutil questão do verso. E os versos de outros letristas, que permaneceram fiéis à harmonia de Pushkin, a elegância do "acabamento", às vezes adquiriam algum tipo de museu, caráter memorial.

• Por que o talentoso poeta Aleksey Pleshcheev raramente conseguiu criar poemas "cívicos" na década de 1840?

Em 1842, foi publicada a primeira coletânea de poemas do jovem poeta, filho do Acadêmico de Pintura Apollon Nikolaevich Maikov (1821-1897). Desde o início ele se declarou um poeta clássico "tradicional"; quanto às letras, longe da vida cotidiana, dos detalhes momentâneos de uma vida fugaz. O gênero favorito de Maykov são as letras antológicas. (Lembre-se novamente: na Grécia Antiga, as coleções dos melhores e exemplares poemas eram chamadas de antologia; a mais famosa das antologias antigas foi compilada pelo poeta Meleagro no século I aC.) Ou seja, Maikov criou poemas que estilizaram o plástico mundo da antiga proporcionalidade, plasticidade, harmonia:

Harmonias dos mistérios divinos do verso
Não pense em desvendar dos livros dos sábios:
À beira de águas sonolentas, vagando sozinho, por acaso,
Ouça com sua alma o sussurro dos juncos,
Eu falo carvalhos; o som deles é extraordinário
Sinta e entenda... Em harmonia com a poesia
Involuntariamente de seus lábios oitavas dimensionais
Eles vão derramar, sonoros, como a música das florestas de carvalhos.
("Oitavas", 1841)

Este poema foi escrito por um jovem autor, mas imediatamente se sente: ele já é um verdadeiro mestre. O ritmo estendido é claramente sustentado, o som do verso é subordinado à estrutura musical. Se em um verso podemos distinguir facilmente a onomatopéia do farfalhar dos juncos ("Ouça com sua alma o sussurro dos juncos"), no próximo ouviremos o murmúrio da floresta ("Falam os carvalhos"). E no final, sons suaves e duros se reconciliarão, se unirão em uma harmonia suave: "SIZED OCTAVS // Derramar-se-ão, sonoros, como a Música dos carvalhos"...

E, no entanto, se relembrarmos os poemas antológicos de Pushkin - e compararmos os versos que acabamos de ler com eles, uma certa amorfologia, letargia das letras de Mike será imediatamente revelada. Aqui está como Pushkin descreveu a estátua de Tsarskoye Selo em 1830:

Tendo derrubado a urna com água, a donzela a quebrou no penhasco.
A donzela senta-se tristemente, ociosa segurando um caco.
Milagre! a água não secará, jorrando de uma urna quebrada;
A Virgem, acima da corrente eterna, senta-se eternamente triste.

Aqui uma imagem do imparável - e ao mesmo tempo parado! - movimentos. Aqui a escala de som é idealmente combinada: o som "u" zumbe tristemente ("Urna com água ... sobre o penhasco ... MILAGRE ... da urna ... com um jato ..."), o explosivo o som "Ch" está conectado com o "N" estendido e ele mesmo começa a soar mais viscoso: "infelizmente... eterno... eternamente". E no primeiro verso, uma forte colisão de consoantes transmite a sensação de um golpe: "Ob UTeS her Virgo a derrotou".

Mas isso não é suficiente para Pushkin. Ele comunica ao leitor um profundo sentimento de tristeza oculta; eternidade e tristeza, a perfeição escultórica das formas e a essência sombria da vida estão inextricavelmente ligadas a ele. Por causa disso, ele parece fazer o verso balançar, repetir: "... a donzela quebrou ... a donzela se senta ... a donzela ... senta-se tristemente". Repetições criam o efeito de um movimento circular e sem esperança.

E Pushkin só precisa de uma palavra inesperada entre expressões esculturalmente suaves para machucar o leitor, arranhá-lo, espetá-lo um pouco. Essa palavra é "ocioso". Encontramos a expressão "um caco vazio" - e imediatamente imaginamos a confusão, a tristeza da "virgem": só que a urna estava intacta, era possível derramar vinho, água nela - e em um segundo ela ficou "ociosa ", desnecessário, e isso já é para sempre e sempre...

E com Maikov, com toda a perfeição de seu poema inicial, tudo é tão uniforme que o olho não tem nada para pegar. Os segredos do verso são “divinos” (e o que mais poderiam ser?), as águas são “sonolentas”, o som das florestas de carvalhos é “extraordinário” ... E só anos depois, novas imagens aparecerão na letra de Mike , chamando a atenção do leitor com frescor, imprevisibilidade:

Primavera! o primeiro quadro é exposto -
E o barulho invadiu a sala,
E a bênção do templo próximo,
E a conversa do povo, e o barulho da roda...
("Primavera! O primeiro quadro é exibido...", 1854).

Poemas de paisagem do falecido Maykov, desprovidos de conotações sociais, lançarão uma espécie de desafio ao tom geral da época, os gostos poéticos dominantes:

Meu jardim murcha todos os dias;
Está amassado, quebrado e vazio,
Mesmo que floresça luxuriante
Nasturtium nele é um arbusto de fogo ...

Estou triste! Me irrita
E o sol de outono brilha
E a folha que cai da bétula
E os gafanhotos tardios racham...
("Andorinhas", 1856)

O tom geral do poema é abafado, as cores são desprovidas de "gritos", tons agudos; mas nas profundezas do poema amadurecem imagens muito ousadas. A metáfora da magnífica murcha da natureza outonal remonta ao "Outono" de Pushkin, mas quão inesperada é a imagem de uma chagas escarlate em chamas, quão contraditórios são os sentimentos do herói lírico, que não está nada satisfeito com esse esplendor, mas incomodado com as "pequenas coisas" do cotidiano do outono...

• A tarefa de maior complexidade. Leia os poemas de Yakov Polonsky, outro letrista russo que começou sua carreira na literatura na década de 1840, mas só revelou seu talento na década seguinte. Prepare um relatório sobre seu mundo artístico, usando os conselhos do professor e literatura adicional.

Kozma Prutkov

Quando a poesia "original" está em crise, procurando dolorosamente novas ideias e novas formas de auto-expressão, o gênero da paródia geralmente floresce. Ou seja, uma reprodução cômica das peculiaridades da maneira de um determinado escritor, poeta.

No final da década de 1840, Alexei Konstantinovich Tolstoy (1817-1875) e seus primos Alexei Mikhailovich (1821-1908) e Vladimir Mikhailovich (1830-1884) Zhemchuzhnikovs inventaram... um poeta. (Às vezes, o terceiro irmão, Alexander Mikhailovich, juntou-se ao trabalho conjunto de paródia.) Eles começaram a escrever poesia em nome do grafomaníaco inexistente Kozma Prutkov e, nesses poemas, parodiaram a burocracia em todas as suas manifestações. Seja refinada demais, com o dedo mindinho firme, poesia antológica ou letras cívicas muito pretensiosas.

Porque Prutkov surgiu com uma biografia "estatal", transformou-o em um funcionário, diretor da Câmara de Ensaio. O quarto dos irmãos Zhemchuzhnikov, Lev Mikhailovich, pintou um retrato de Prutkov, combinando nele as características martinetas de um burocrata e a máscara de um poeta romântico. Tal é o disfarce literário de Kozma Prutkov, falso romântico e burocrático ao mesmo tempo:

Quando você encontra alguém na multidão
Quem está nu;
[Opção: Em qual casaco. - Observação. K. Prutkova]
Cuja testa é mais escura que o nevoento Kazbek,
Passo irregular;
Cujo cabelo está eriçado em desordem;
Quem, grita,
Sempre tremendo em um ataque nervoso, -
Saiba: sou eu!
("Meu retrato")

Sob o disfarce de Kozma Prutkov, o incompatível foi unido - a imagem romântica tardia de um poeta "estranho", selvagem, "que está nu" e um oficial, "cujo fraque está vestido". Da mesma forma, ele não se importa com o que e de que maneira escrever poesia - seja para repetir as entonações bravura de Vladimir Benediktov, ou compor em um espírito antigo, como Maikov ou outros poetas "antológicos" da década de 1840:

Te amo donzela quando dourada
E ensolarada você segura um limão,
E os jovens veem um queixo fofo
Entre folhas de acanto e colunas brancas...
("Grego Plástico Antigo")

Prutkov apreende rapidamente o estilo de numerosos imitadores de Heine, os criadores da poesia "social":

À beira-mar, no posto avançado,
Eu vi um grande jardim.
Crescem espargos altos;
O repolho cresce modestamente lá.

Há sempre um jardineiro lá de manhã
Preguiçosamente passa entre os cumes;
Ele usa um avental desarrumado;
Sombrio seu olhar nublado.
............................................
No outro dia ele dirige até ele
O oficial da troika é arrojado.
Ele está em galochas quentes e altas,
No pescoço é um lorgnette de ouro.

"Onde está sua filha?" - pergunta
Um oficial, apertando os olhos em um lorgnette,
Mas, olhando descontroladamente, o jardineiro
Ele acenou com a mão em resposta.

E o trio pulou para trás,
Varrendo o orvalho do repolho...
O jardineiro fica triste
E cava no nariz com o dedo.
("À beira-mar")

Mas se a "criatividade" de Kozma Prutkov fosse apenas uma paródia e nada mais, teria morrido junto com sua época. Mas permaneceu na vida cotidiana do leitor, as obras de Prutkov foram reimpressas por um século e meio. Então eles ultrapassaram os limites do gênero! Não é à toa que os criadores dessa imagem coletiva colocaram na boca de seu personagem uma repreensão ao folhetim do jornal Saint Petersburg News: t elogie...

Você está dizendo que eu escrevo paródias? De jeito nenhum!.. Eu não escrevo paródias! Eu nunca escrevi paródias! De onde você tirou a ideia de que eu escrevo paródias?! Acabei de analisar mentalmente a maioria dos poetas de sucesso; essa análise me levou a uma síntese; pois os talentos, espalhados entre outros poetas separadamente, acabaram por ser combinados todos em mim como um só! .. "

Na "criatividade" de Prutkov, os motivos da moda da poesia russa das décadas de 1840 e 1850 são de fato resumidos, derretidos, uma imagem engraçada e à sua maneira integral de um romântico burocrático, um grafomaníaco inspirado, um pregador pomposo da banalidade, o autor do projeto "Sobre a introdução da unanimidade na Rússia" é criado. Mas, ao mesmo tempo, Prutkov às vezes, como por acaso, fala com a verdade; alguns de seus aforismos entraram em nossa fala cotidiana, tendo perdido o sentido zombeteiro: "Se você quer ser feliz, seja feliz", "O especialista é como um fluxo: sua plenitude é unilateral". Há algo muito vivo na personalidade literária de Prutkov. E, portanto, não as paródias de "Prutkov" de poetas individuais (na maioria das vezes - justamente esquecidos), mas precisamente sua própria imagem entrou para sempre na história da literatura russa.

• O que é uma paródia? É possível considerar que os poemas escritos em nome de Kozma Prutkov são apenas paródias? Por que a criatividade paródica floresce nos momentos em que a literatura está em crise?

É claro que nas décadas de 1850 e 1860, mais favoráveis ​​à poesia, os destinos literários se desenvolveram de forma diferente; muitos poetas russos, de cuja fama nos orgulhamos até hoje, não encontraram reconhecimento do leitor. Assim, dois poemas do notável crítico literário e teatral Apollon Alexandrovich Grigoriev (1822-1864) - "Ah, fale comigo pelo menos ..." e "Cigano Húngaro" - atraíram a atenção geral apenas porque adquiriram um segundo - musical - vida, tornaram-se romances populares. Ambos são dedicados ao violão, paixão cigana, colapso fatal, obsessão amorosa:

Oh, fale comigo pelo menos
Amigo de sete cordas!
Meu coração está cheio de tanta tristeza
E a noite é tão enluarada!
("Oh, fale...", 1857)

Duas guitarras tocando
lamentavelmente choramingou...
Desde a infância, uma melodia memorável,
Meu velho amigo, você é?
.........................................
É você, farra arrojada,
Você, mal mesclado de tristeza
Com a voluptuosidade de um bayadère -
Você, o motivo do húngaro!

Chibiryak, chibiryak, chibiryashechka,
Com olhos azuis você, minha querida!
.........
Deixe doer mais e mais
sons de uivo,
Para acelerar o coração
Explodindo de dor!
("Cigano Húngaro", 1857)

Apollon Grigoriev sabia em primeira mão o que significava uma "farra arrojada"; ele cresceu no Zamoskvorechie patriarcal, em uma família de nobres que saíram da classe dos servos (o avô de Grigoriev era um camponês) e em russo, sem restrições, ele tratou de tudo - trabalho e diversão. Ele abandonou uma carreira lucrativa, estava em necessidade o tempo todo, bebeu muito, duas vezes sentou-se em um buraco de dívida - e realmente morreu durante a prisão por dívida ...

Sendo uma pessoa educada na Europa, Grigoriev defendeu as ideias de identidade nacional em artigos críticos. Ele chamou os princípios de sua crítica de orgânicos, isto é, co-naturais com a arte, em contraste com a crítica "histórica" ​​de Belinsky ou a crítica "real" de Dobrolyubov. Os contemporâneos leram e discutiram ativamente os artigos de Grigoriev; no entanto, durante a vida do poeta, seus maravilhosos poemas foram publicados em edição separada apenas uma vez - e em uma pequena edição, apenas cinquenta exemplares ...

• Leia "Cigano Húngaro" de Apollon Grigoriev. Revelar as características do romance na construção do poema, mostrar como o início “musical” está contido em sua própria estrutura.

Alexey Tolstoi

Em vez disso, a biografia literária de Alexei Konstantinovich Tolstoy (1817-1875), um dos principais "criadores" de Kozma Prutkov, desenvolveu-se com muito mais sucesso. (Você já leu nas séries primárias seu maravilhoso poema "Meus sinos, flores da estepe...", que, como muitos dos poemas de Tolstoi, se tornou um romance popular.)

Vindo de uma família antiga, tendo passado a infância na propriedade Little Russian de sua mãe na região de Chernihiv, Alexei Konstantinovich, dez anos, foi apresentado ao grande Goethe. E este não foi o primeiro "conhecido literário" do jovem Alexei. Seu tio, Alexey Perovsky (pseudônimo - Anthony Pogorelsky), foi um maravilhoso escritor romântico, autor do conto de fadas "The Black Hen", que muitos de vocês leram. Ele coletou em sua casa em São Petersburgo toda a cor da literatura russa - Pushkin, Zhukovsky, Krylov, Gogol; o sobrinho foi admitido a esta reunião de "imortais" - e pelo resto de sua vida ele se lembrou de suas conversas, comentários, comentários.

Não é de estranhar que aos seis anos já tivesse começado a compor; O próprio Zhukovsky aprovou seus primeiros poemas. E mais tarde Tolstoi também escreveu prosa; em seu romance histórico O Príncipe de Prata (concluído em 1861), os nobres agirão e as paixões genuínas reinarão; Além disso, Alexei Konstantinovich não se envergonhava pelo fato de que os princípios românticos de Walter Scott, que ele seguia invariavelmente, eram considerados por muitos como ultrapassados. A verdade não pode ficar ultrapassada, e estava abaixo de sua dignidade contar com a moda literária.

Em 1834, Alexei Konstantinovich entrou ao serviço do soberano no arquivo de Moscou do Ministério das Relações Exteriores, estudou antigos manuscritos russos; depois serviu na missão russa em Frankfurt am Main; finalmente, ele foi matriculado no próprio escritório de Sua Majestade - e tornou-se um verdadeiro cortesão. Foi na corte que ele conheceu sua futura esposa, Sofya Andreevna Miller (nascida Bakhmetyeva), eles se conheceram em um baile no inverno de 1850/51.

A carreira burocrática de Tolstoi desenvolveu-se com sucesso; sabia manter a independência interior, seguir seus próprios princípios. Foi Tolstoi quem ajudou a libertar Taras Shevchenko, o grande poeta ucraniano, autor do brilhante poema “The Wide Dnieper Roars and Geans” do exílio na Ásia Central e do serviço militar; fez tudo para que Ivan Sergeevich Turgenev fosse libertado do exílio em Spasskoye-Lutovinovo para um obituário em memória de Gogol; quando Alexandre II uma vez perguntou a Alexei Konstantinovich: "O que está sendo feito na literatura russa?", ele respondeu: "A literatura russa pôs luto pela condenação injusta de Chernyshevsky".

No entanto, em meados da década de 1850, tendo conseguido participar da Guerra da Criméia, que foi extremamente malsucedida para a Rússia, Tolstoi decidiu se aposentar, para se livrar do serviço que há muito pesava sobre ele. Mas apenas em 1861, Alexandre II concedeu sua renúncia - e Alexei Konstantinovich conseguiu se concentrar totalmente no trabalho literário.

A essa altura, seu mundo artístico já estava totalmente desenvolvido. Assim como o próprio Tolstói se distinguia pela integridade interior, rara saúde mental, seu herói lírico é alheio às dúvidas insolúveis, à melancolia; o ideal russo de abertura, a pureza de sentimento é extremamente próxima dele:

Se você ama, então sem razão,
Se você ameaçar, não é uma piada,
Se você repreende, tão precipitadamente,
Se você cortar, é tão desleixado!

Se você argumentar, é tão ousado
Kohl para punir, então pela causa,
Se você perdoar, então com todo o seu coração,
Se há uma festa, então uma festa é uma montanha!

Nessas oito linhas, escritas em 1850 ou 1851, não há um único epíteto: o herói lírico não precisa de sombras, ele busca a certeza, o brilho dos tons principais. Pela mesma razão, Tolstoi evita variedade na própria estrutura do poema; o princípio da unanimidade (anáfora) é usado de forma consistente, passa de linha em linha: "Kol ... então." Como se o poeta batesse vigorosamente a mão na mesa, batendo um ritmo claro...

Tolstoi nunca se juntou a nenhum dos campos em guerra - ocidentais e eslavófilos; ele era um homem de cultura mundial - e ao mesmo tempo portador de uma tradição profundamente russa. Seu ideal político era a República de Novgorod, com sua estrutura democrática; ele acreditava que as autoridades domésticas seguiram princípios morais, mas no mundo moderno eles os perderam, os trocaram por interesses políticos e reduziram diferentes grupos a uma luta mesquinha. Isso significa que o poeta não pode ser contíguo a nenhuma "plataforma" ideológica. Assim como seu herói lírico - "Dois campos não são um lutador, mas apenas um convidado acidental"; ele está livre de qualquer tipo de obrigações "partidárias".

Não é à toa que muitos dos poemas de Tolstoi - como aqueles poemas de Grigoriev de que falamos - foram musicados, tornaram-se romances "reais" e ainda são cantados até hoje:

No meio de uma bola barulhenta, por acaso,
Na turbulência do mundo,
Eu vi você, mas o mistério
Suas feições veladas;

Apenas olhos tristes olharam
E a voz soou tão maravilhosa,
Como o som de uma flauta distante,
Como as ondas do mar.
...............................................
E infelizmente eu adormeço assim
E nos sonhos do desconhecido eu durmo...
Eu te amo - eu não sei
Mas acho que adoro!
(“No meio de uma bola barulhenta, por acaso...”, 1851)

Preservando os motivos românticos tradicionais, Tolstoi os "endireitou" imperceptivelmente, simplificou-os deliberadamente. Mas não porque tivesse medo de se aproximar do abismo, de enfrentar problemas insolúveis, mas porque sua natureza saudável detestava qualquer ambiguidade, incerteza. Pela mesma razão, suas letras carecem de ironia romântica, com sua tragédia interior, angústia; seu lugar é ocupado pelo humor - o riso livre de uma pessoa alegre sobre a imperfeição da vida, sobre a impraticabilidade de um sonho.

O poema humorístico mais famoso de Tolstoy - "A História do Estado Russo de Gostomysl a Timashev" tem uma designação de gênero: "sátira". Mas vamos ler estes versos, que zombam dos principais eventos da história russa:

Ouça pessoal
O que seu avô vai lhe dizer?
Nossa terra é rica
Simplesmente não há ordem nisso.
.......................................
E todos eles se tornaram sob a bandeira
E eles dizem: "Como podemos ser?
Vamos enviar para os varangianos:
Que venham para governar."

Qual é a principal coisa nessas linhas engraçadas? Uma denúncia satírica, raivosa e cáustica das deficiências tradicionais russas, ou um profundo desprezo de um russo por si mesmo, por sua amada história, pela imutabilidade dos vícios domésticos? Claro, o segundo; Não é à toa que o autor coloca a máscara de um velho brincalhão e compara os leitores a carinhas! Na verdade, Alexey Tolstoy não cria uma sátira assassina, mas uma paródia triste e engraçada. Ele parodia a forma da crônica, a imagem do cronista ("Compilado de folhas de grama // Esta história imprudente // Thin humilde monge // Servo de Deus Alexei"). Mas o assunto principal de sua paródia é diferente e qual - diremos mais tarde.

Há 83 estrofes no poema e, em um volume tão curto, Tolstoi consegue encaixar uma história de paródia sobre todos os principais eventos simbólicos da história russa, desde o chamado dos varangianos e o batismo da Rússia até 1868, quando os poemas foram escrito:

Quando Vladimir entrou
Para o trono de seu pai
......................................
Ele mandou chamar padres
Para Atenas e Tsargrad,
Os sacerdotes vieram em massa
Batizado e censurado

Cante docemente para si mesmos
E encha sua bolsa;
A terra, como é, é abundante,
Simplesmente não há ordem.

Claro, isso é seguido por uma série de conflitos principescos - “Os tártaros descobriram. // Bem, eles pensam, não tenha medo! // Coloque calções, // Chegamos na Rússia ... // Eles grite: “Vamos prestar homenagem!” // (Embora traga os santos para fora.) // Há muito lixo aqui // Chegou à Rússia". Mas ainda não há ordem. Nem os recém-chegados ocidentais, nem os "sacerdotes" bizantinos, nem os tártaros-mongóis - ninguém o trouxe com eles, ninguém lidou com a invariável desordem russa. E aqui, das profundezas da história nacional, vem seu próprio "ordenador":

Ivan Vasilievich, o Terrível
Ele tinha um nome
Por ser sério
Pessoa sólida.

As recepções não são doces,
Mas a mente não é manca;
Tal ordem trazida
O que rolar uma bola!

Assim, a própria – e muito séria – visão de Tolstói sobre a essência da história russa emerge através da paródia. Suas faltas são a continuação de suas virtudes; essa "desordem" a destrói - e, infelizmente, permite que a Rússia preserve sua originalidade. Não há nada de bom nisso, mas o que pode ser feito ... Apenas dois governantes conseguiram impor "ordem" a ela: Ivan, o Terrível, e Pedro I. Mas a que custo!

O czar Pedro amava a ordem,
Quase como o czar Ivan
E também não era doce.
Às vezes ele estava bêbado.

Ele disse: "Sinto muito por você,
Você perecerá completamente;
Mas eu tenho um bastão
E eu sou seu pai!"

Tolstoi não condena Pedro ("... não culpo Pedro: // Dá enjoo // Bom para ruibarbo"), mas não aceita sua rigidez excessiva. Cada vez mais conteúdos profundos estão imersos na leve concha da paródia, a tristeza emerge através do humor. Sim, a Rússia está doente, mas o tratamento pode ser ainda pior, e o resultado da "cura" ainda é de curta duração: "... Embora ele seja muito forte // Houve, talvez, uma recepção, // Mas ainda bem forte // A ordem se tornou // Mas o sono apoderou-se do túmulo // ​​Pedro no auge da vida, // Você olha, a terra é abundante, // Não há ordem novamente.

O gênero da sátira deu lugar ao gênero da paródia, e a paródia se transformou imperceptivelmente em um poema filosófico, ainda que escrito de forma lúdica. Mas se uma paródia pode prescindir de um conteúdo positivo, sem um ideal, então um poema filosófico nunca pode. Então, em algum lugar deve estar escondida a resposta do próprio Tolstoi à pergunta: o que ainda pode curar a história russa de uma doença secular? Nem os varangianos, nem Bizâncio, nem uma "vara" - e então? Talvez a resposta oculta para a pergunta óbvia esteja contida nestas estrofes:

Qual é a razão para isto
E onde está a raiz do mal,
A própria Catarina
Não consegui.

"Madame, com você é incrível
A ordem vai florescer
Escreveu para ela educadamente
Voltaire e Diderot

Só o povo precisa
de quem você é a mãe,
Em vez de dar liberdade
Vamos te dar liberdade."

Mas Catherine tem medo da liberdade, que poderia permitir que as pessoas se curassem: "... E imediatamente prendeu // os ucranianos ao chão."

O poema termina com estrofes sobre o contemporâneo de Tolstoi, o Ministro do Interior Timashev, um estrito defensor da "ordem". A ordem na Rússia é estabelecida como antes - com uma vara; Não é difícil adivinhar o que está por vir para ela.

• Qual é a diferença entre sátira e humor? Por que o gênero de paródia era tão próximo de Alexei Konstantinovich Tolstoy? Por que você acha que ele escolhe uma forma paródica para um poema filosófico sobre o destino da história russa?

Poetas das décadas de 1870 e 1880

Você já sabe que toda a segunda metade do século 19, de meados da década de 1850 até o início da década de 1880, passou sob o signo de Nekrasov, que a época falava com a voz de Nekrasov. No próximo capítulo do livro, você se familiarizará em detalhes com o mundo artístico de Nekrasov, aprenderá a analisar seus poemas e poemas. Um pouco mais longe, à sua sombra pública, estavam dois outros grandes letristas, Fyodor Tyutchev e Afanasy Fet. Eles também têm capítulos separados no livro didático. Enquanto isso, vamos direto dos anos 1850 para os anos 1870-1880, vamos ver o que aconteceu com a poesia russa depois de Nekrasov.

E quase a mesma coisa aconteceu com ela como depois de Pushkin, depois de Lermontov, após a partida de qualquer escritor verdadeiramente em grande escala. A poesia russa estava novamente confusa, não sabia qual caminho seguir. Alguns letristas desenvolveram motivos sociais e cívicos. Por exemplo, Semyon Yakovlevich Nadson (1862-1887). Assim como Vladimir Benediktov levou ao extremo os princípios artísticos das letras românticas, Nadson condensou ao limite o pathos e o estilo das letras cívicas do modelo Nekrasov:

Meu amigo, meu irmão, irmão cansado e sofredor,
Seja você quem for, não desista.
Deixe a mentira e o mal reinarem supremos
Acima da terra lavada com lágrimas
Deixe o ideal sagrado ser quebrado e profanado
E sangue inocente flui,
Acredite: chegará a hora - e Baal perecerá,
E o amor voltará à terra! ..

Os poemas de Nadson gozaram de incrível popularidade na década de 1880 - quase como os poemas de Benediktov na década de 1830. Pleshcheev cuidou dele; A coleção de poemas de Nadson, publicada pela primeira vez em 1885, passou por cinco edições vitalícias, a Academia de Ciências concedeu-lhe o Prêmio Pushkin. Foi chamado de poeta do sofrimento, da angústia cívica. E quando, tendo vivido apenas vinte e cinco anos, Nadson morreu de tuberculose, uma multidão de estudantes acompanhou seu caixão até o cemitério...

Mas vários anos se passaram - e a glória de Nadson começou a desaparecer. De repente, de alguma forma, descobriu-se que ele era muito moralizador, muito direto, suas imagens carecem de volume e profundidade, e muitos de seus poemas são simplesmente imitativos.

Por que isso não foi percebido durante a vida do poeta?

Isso às vezes acontece na literatura: o escritor parece cair no ponto de dor de sua época, ele fala exatamente sobre o que seus contemporâneos estão pensando agora. E eles respondem de todo o coração à sua palavra poética e literária. Há um efeito de ressonância, o som da obra é amplificado muitas vezes. E a questão de quão artística é essa palavra, quão original ela é, desaparece em segundo plano. E quando algum tempo passa e outros problemas surgem diante da sociedade, então todas as deficiências artísticas ocultas, "imperfeições" criativas são reveladas.

Em parte, isso também se aplica a outro poeta popular dos anos 1870-1880 - Alexei Nikolayevich Apukhtin (1840-1893). Ao contrário de Nadson, ele não veio de uma família burocrática e raznochinny, mas de uma família nobre bem nascida. Sua infância transcorreu serenamente, na propriedade paterna; ele estudou na Escola de Direito de elite em São Petersburgo. E ele continuou não a tradição social e cívica de Nekrasov, mas a linha de desenvolvimento da poesia russa que Maykov delineou em seu tempo.

Apukhtin tratava a poesia como arte pura, desprovida de tendenciosidade, isenta de serviço público, como se fosse destilada. Ele se comportou de acordo - desafiadoramente evitou a participação no processo literário "profissional", poderia desaparecer do campo de visão das revistas por uma década e depois começar a imprimir novamente. Os leitores, e especialmente as leitoras, ainda apreciavam Apukhtin; sua entonação suave e quebrada, a relação íntima de sua poética com as leis de gênero do romance - tudo isso ressoou no coração do leitor:

Noites loucas, noites sem dormir
Fala incoerente, olhos cansados...
Noites iluminadas pelo último fogo,
Flores mortas de outono atrasadas!
Mesmo que o tempo seja uma mão impiedosa
Me mostrou o que era falso em você,
No entanto, eu voo para você com uma memória gananciosa,
Procurando o impossível no passado...

E então, depois de algum tempo, as letras de Apukhta começaram a soar cada vez mais abafadas, abafadas; seu sentimentalismo excessivo, sua falta de profundidade real, começaram a se revelar. O lugar de Nadson e Apukhtin foi ocupado por novos poetas "na moda" pertencentes à próxima geração literária - Konstantin Fofanov, Mirra Lokhvitskaya. Eles o ocuparam - para então, por sua vez, entregá-lo a outros "intérpretes" de um papel literário já feito.

Letra de Konstantin Sluchevsky

Mas nas décadas de 1880 e 1890, havia realmente grandes talentos na poesia russa, que não apenas ressoaram com a época, mas a superaram, trabalharam para o futuro. Um deles é o refinado letrista Konstantin Konstantinovich Sluchevsky (1837-1904).

Ele nasceu no ano da morte de Pushkin na família de um oficial importante (seu pai, um senador, morreu na epidemia de cólera de 1848, e sua mãe se tornou a chefe do Instituto de Meninas Alexander-Mariinsky de Varsóvia). Sluchevsky estudou no Primeiro Corpo de Cadetes e foi até listado no Livro Dourado dos Graduados; então ele serviu brilhantemente...

Aqueles ao seu redor sempre consideraram Sluchevsky uma pessoa completa; sua contenção aristocrática, educação estrita enganou aqueles ao seu redor. Porque em seus poemas foi revelado um mundo interior completamente diferente, quebrado-dramático, associado a um sentimento romântico da vida como um reino de dualidade:

Eu nunca vou a lugar nenhum sozinho
Nós dois vivemos entre pessoas:
O primeiro sou eu, o que me tornei na aparência,
E o outro - então eu sou meu sonho ...

Mas, por enquanto, quase ninguém da comitiva de Sluchevsky leu esses poemas, eles foram publicados em publicações de terceira categoria. Mas em 1860 Sovremennik abriu o ano com uma seleção de poemas líricos de Sluchevsky, e então seu ciclo poético apareceu em Otechestvennye Zapiski. O crítico e poeta entusiasta Apollon Grigoriev declarou o novo poeta um gênio, Ivan Turgenev (que mais tarde brigaria com Sluchevsky e o parodiou no romance “Smoke” sob o nome de Voroshilov) concordou: “Sim, pai, este é um futuro grande escritor."

O reconhecimento foi inspirador, mas Sluchevsky tornou-se refém da feroz luta literária daqueles anos. Aceito em um "campo", foi imediatamente rejeitado em outro. A ala radicalmente diversa dos editores da Sovremennik decidiu excomungar o poeta da revista, apesar da simpatia que o próprio Nekrasov sentia pelo jovem letrista. Das páginas de outras publicações democráticas revolucionárias caiu uma saraivada de ridículo sobre Sluchevsky, ele foi retratado como um retrógrado, um homem sem ideias.

O resultado superou as expectativas: pensando em categorias "desatualizadas" de nobre honra e dignidade, Sluchevsky considerou que um oficial e um aristocrata não deveria ser o herói dos folhetins. E - ele se aposentou para deixar a Rússia. Ele passou vários anos na Universidade de Paris - na Sorbonne, em Berlim, na Universidade de Leipzig, estudou ciências naturais, matemática. E em Heidelberg tornou-se doutor em filosofia.

No final, em 1866, ele retornou à Rússia e começou a fazer uma nova carreira - já em um caminho civil. Ele caiu no número de associados próximos da família real, tornou-se camareiro. Mas do choque infligido a ele no início de sua trajetória literária, ele nunca se recuperou. E, por isso, construiu sua biografia poética como enfaticamente não literária, amadora, desvinculada do ambiente profissional. (Nisso ele estava perto de Apukhtin.)

Entre os poemas escritos por Sluchevsky nas décadas de 1860 e 1870 e não publicados, dificilmente encontraremos poemas "programáticos", pregadores. Sua estrutura artística é enfaticamente desigual e seu estilo é obviamente heterogêneo. Sluchevsky foi um dos primeiros na poesia russa que começou a usar não apenas a fala cotidiana, mas também o trabalho clerical: "De acordo com a totalidade dos fenômenos radiantes ...", "A aurora brilhou de maneira adequada .. .". Ele desenvolveu uma poética especial de consonâncias inexatas, rimas sem par:

Eu vi meu enterro.
Velas altas queimaram
O diácono insone incensado,
E coristas roucos cantavam.
................................................
Irmãs e irmãos tristes
(Como a natureza é incompreensível para nós!)
Chorou em uma reunião alegre
Com um quarto da renda.
................................................
Lacaios estavam rezando do lado de fora da porta,
Dizendo adeus a um lugar perdido
E na cozinha, o cozinheiro comido demais
mexendo na massa crescida...

Nesses primeiros poemas, a influência das letras amargamente sociais de Heinrich Heine é claramente sentida; Como a maioria dos letristas russos da segunda metade do século 19, Sluchevsky caiu no poderoso campo de energia deste "último romântico". Mas algo mais já é perceptível aqui: Sluchevsky tem sua própria ideia transversal, cuja incorporação requer não uma forma poética harmoniosa e perfeita, mas um verso bruto, "inacabado", sem par, algum tipo de rima "tropeçando".

Essa é a ideia da fragmentação, da trágica desunião da vida humana, no espaço em que almas, pensamentos, corações ecoam tão fraca e surdamente quanto rimas sem par em versos.

Talvez o mais característico - e ao mesmo tempo o mais expressivo - seja o poema de Sluchevsky "O raio caiu na corrente ...". Apenas fala da impossibilidade do encontro, da inevitabilidade do sofrimento, da impossibilidade do amor: "Um raio caiu no córrego. // A água não ficou quente. // E que o córrego foi furado até o fundo, / / Ele não ouve pelo farfalhar dos jatos...<...>Não havia outro jeito: / E eu perdoarei, e você perdoa. através de seus esboços sociais.O plano é místico.

Sluchevsky escreve constantemente sobre Mefistófeles, que penetrou no mundo, sobre o demônio do mal, cuja imagem dupla e vaga pisca aqui o tempo todo. Tal visão de mundo era característica então não apenas de Sluchevsky; seu herói lírico não sem razão se assemelha aos heróis "subterrâneos" de Dostoiévski. É que Sluchevsky foi um dos primeiros a captar e captar em seus poemas aquela atitude que iria determinar muito nas letras russas - e em geral na cultura russa - do final do século XIX. Essa atitude mais tarde será chamada de decadência, da palavra francesa que significa declínio, uma dolorosa crise de consciência. O poeta quer ser curado dessa decepção - e não encontra cura em nada: nem na vida social, nem nas reflexões sobre a vida eterna.

• A tarefa de maior complexidade. Leia o poema de Sluchevsky: "Estou cansado no campo, vou adormecer solidamente, // Uma vez na aldeia para comer. // Pela janela aberta posso ver // E nosso jardim, e um pedaço de brocado / / Noite maravilhosa... O ar está claro... // Que quieto e quieto! Vou adormecer, amando // Todo o mundo de Deus... Mas o laço gritou! // Ou eu renunciei a mim mesmo? " Explique por que o poeta em fila, separado por vírgulas, usa expressões comuns ("Vou adormecer solidamente", "à aldeia para comer comida") - e vocabulário poético geral, sublime ("... um pedaço de brocado / / Ter uma noite maravilhosa ...")? Você sabe de onde veio essa imagem no poema de Sluchevsky: "gritou um loop! // Ou eu renunciei a mim mesmo?"? Se não, tente ler os últimos capítulos de todos os quatro Evangelhos, que falam sobre a negação de Cristo pelo Apóstolo Pedro. Agora formule como você entende o pensamento do poeta expresso nas linhas finais.

Poesia russa do final do século e letristas franceses das décadas de 1860-1880

Carlos Baudelaire. Paulo Verlaine. Artur Rimbaud

Como já dissemos, a literatura russa do primeiro terço do século XIX foi uma estudiosa diligente da literatura ocidental. Ela rapidamente alcançou seu "mentor", estudou com românticos alemães e ingleses, depois com naturalistas franceses. E no final "apanhado" com o curso geral da cultura mundial, tornou-se um participante igual no processo cultural.

Isso não significa que os escritores russos tenham parado completamente de adotar a experiência de outras pessoas (só um tolo recusa lições úteis); mas isso significa que eles ganharam independência interna, aprenderam a se mover em paralelo, em uníssono com seus pares europeus. Portanto, muito do que aconteceu na poesia russa da segunda metade do século XIX parece rimar com o que acontecia ao mesmo tempo na poesia europeia, especialmente a francesa. Aqui estamos falando não tanto de influência quanto de similaridade não aleatória. Ou, como dizem historiadores e críticos literários, sobre tipologia.

Você sabe que depois de Nekrasov os melhores poetas líricos russos retornaram aos motivos românticos da duplicidade, langor do espírito, que notas de desespero soaram em seu trabalho, apareceu um clima de declínio. Os mesmos motivos são facilmente encontrados na poesia francesa das décadas de 1860-1880.

O destacado letrista Charles Baudelaire (1821-1867), esquerdista, rebelde que participou diretamente dos acontecimentos revolucionários de 1848, publicou em 1857 uma coletânea de poemas "Flores do Mal". (A coleção, sendo atualizada, foi reimpressa várias vezes.) Os poemas reunidos neste livro não desafiavam apenas a moralidade pequeno-burguesa (também conhecida como universal); o herói lírico de Baudelaire experimentou uma decepção extrema, quase mística, nos fundamentos da civilização cristã e revestiu seus sentimentos extremamente desarmônicos de uma forma clássica perfeita.

Diga-me de onde você vem, Beleza?
Seu olhar é o azul do céu ou o produto do inferno?
Você, como o vinho, intoxica os lábios grudentos,
Igualmente, você está feliz em semear alegrias e intrigas.
Amanhecer e pôr do sol desaparecendo em seus olhos,
Você exala o aroma, como se a noite estivesse tempestuosa;
O rapaz tornou-se um herói, o grande caiu em pó,
Tendo bebido seus lábios com uma urna encantadora.

Como seus antecessores românticos, Baudelaire quebra a estética e a moral, e desafiadoramente, desafiadoramente; ele exclama, voltando-se para Bela: "Com um sorriso orgulhoso você caminha sobre os cadáveres, / Diamantes de horror derramam seu brilho cruel..." Isso não o assusta; não é a Beleza auto-suficiente que é terrível, mas o mundo em que ela vem. E, portanto, ele aceita seu catastrofismo como uma terrível saída da desesperança terrena:

Você é Deus ou Satanás? Você é um anjo ou uma sereia?
Não é tudo igual: só você, Rainha Bela,
Você liberta o mundo de um cativeiro doloroso,
Você envia incenso e sons e cores!
("Hino à Beleza." Per. Ellis)

O amoralismo tornou-se um princípio artístico para Baudelaire. Mas se você ler atentamente seus poemas - brilhantes, perigosos, realmente semelhantes às flores do pântano, ficará claro: eles contêm não apenas veneno, mas também um antídoto; esse horror, do qual Baudelaire se tornou o cantor, é vivido pelo sofrimento do poeta, redimido pela dor do mundo, que ele leva para dentro de si. No entanto, "Flores do Mal" tornou-se objeto de consideração em uma corte parisiense; o poeta foi acusado de insultar a moralidade pública e condenado à "retirada" de alguns poemas do livro "Flores do Mal". Os juízes não eram obrigados a ouvir o som oculto das falas, tomavam sua decisão com base no sentido imediato, cotidiano, e não poético das palavras.

Baudelaire começou a ser traduzido na Rússia na década de 1870. E os pioneiros foram poetas populistas como Vasily Kurochkin e Dmitry Minaev. Seu próprio estilo, um pouco rústico, estava extremamente distante da poética de Baudelaire, seu complexo jogo metafórico e pathos, resplandecendo de proeminências. Como os juízes parisienses, eles atentavam para o exterior, para os temas rebeldes de Baudelaire - apenas com um sinal positivo. E só os letristas russos das gerações seguintes foram capazes de desvendar o mistério de Baudelaire, sentido em seus poemas um prenúncio de imagens em grande escala e trágicas do século XX: sua sobrancelha curvada” (“Baço”. Per. Vyach.I. Ivanova).

"On time" começou a traduzir outro poeta lírico francês, que pertencia à geração seguinte a Baudelaire - Paul Verlaine (1844-1896). Algo familiar parecia estar em seus poemas tristes, o pensamento da inevitável divisão da alma humana, da melancolia da decepção que permeia o mundo, o declínio da força do coração - tudo isso encontramos com você e Nadson, e Apukhtin, e Sluchevsky:

gemido de outono -
toque longo,
toque fúnebre -
Doente de coração
Parece uma corda
Sem descanso...
(“Canção de Outono”. Per. N. Minsky)

Mas todos esses motivos na poesia de Verlaine têm um tom simbólico e cintilante. Ele não apenas compartilha com o leitor seu "baço", blues; ele sente que todo o universo está "deprimido", que as forças criativas do universo estão secando, que um tempo de incerteza dolorosa e nervosa está chegando, que a humanidade está no limiar de uma nova era, atrás da qual está a incerteza completa. E esse subtexto também será desvendado apenas por tradutores do início do século XX.

Mas no final do século 19, Arthur Rimbaud (1854-1891), autor do brilhante poema trágico, catastrófico e majestoso The Drunken Ship (1871), foi o menos "afortunado" com as traduções russas. Foi neste poema que todas as principais "linhas de força" da poesia do século XX foram identificadas, os motivos e conflitos tradicionais das letras românticas foram transferidos para um registo fundamentalmente diferente, associado a pressentimentos históricos globais, com futuros convulsões:

Aqueles que me controlavam se meteram em confusão:
Sua pontaria indiana alvejada
Que às vezes, como eu, sem necessidade de velas,
Ele saiu, obedecendo a corrente do rio.

Depois que o silêncio me fez entender
Que a tripulação não existia mais,
Eu, um holandês, sob a carga de sedas e grãos
Foi jogado no oceano por rajadas de uma tempestade.

Com a velocidade de um planeta que mal surgiu,
Agora mergulhando até o fundo, depois subindo acima do abismo,
Voei ultrapassando as penínsulas
Em espirais de furacões em mudança.
............................................................
Se eu ainda entrar nas águas da Europa,
Afinal, eles me parecem uma simples poça, -
Eu sou um barco de papel - estou desafinado
Um menino cheio de tristeza, de cócoras.

Interceda, ó ondas! Para mim, em tantos mares
Visitei - eu, voando nas nuvens -
É apropriado navegar pelas bandeiras de iates amadores
Ou sob o olhar terrível das prisões flutuantes?
(Traduzido por D. Brodsky)

No entanto, Arthur Rimbaud começou a ser traduzido na Rússia muito mais tarde; que se tornou poeta na França no final do século 19, na Rússia ele se tornou um poeta do século 20. Mas isso não significa que os poetas líricos russos das décadas de 1880 e 1890 não pensaram nos mesmos problemas, não se moveram na direção estabelecida pela história.

• Lembre-se do poema de M.Yu. Lermontov "A vela solitária fica branca". Compare as imagens deste poema com as imagens de "The Drunken Ship" de A. Rimbaud. Qual é a semelhança, qual é a diferença fundamental?

A poesia de Vladimir Solovyov e o início de uma nova era nas letras russas

E Vladimir Sergeevich Soloviev (1853-1900) tornou-se um poeta, que previu amplamente as descobertas artísticas e as ideias filosóficas do século XX. Tendo se formado pela Faculdade de História e Filosofia da Universidade de Moscou e voluntário na Academia Teológica de Moscou, Solovyov mergulhou no estudo de antigos tratados místicos sobre Sofia. Ou seja, sobre a Alma do Mundo, sobre a Sabedoria de Deus, sobre a personificação da Eterna Feminilidade. Como muitos românticos, Solovyov acreditava que esse poder místico afeta diretamente sua vida e, portanto, procurou um misterioso encontro com Sophia.

Em 1875, Vladimir Sergeevich foi para Londres; o motivo formal era trabalhar na biblioteca do Museu Britânico, o verdadeiro motivo era a busca de um encontro com Sophia. Solovyov enche cadernos com escritas estranhas, onde entre os sinais que não podem ser decifrados, muitas vezes se encontra um nome familiar: Sofia, Sofia. E - de repente deixa Londres através de Paris para o Egito. Ele tinha uma certa "voz" que o chamava para o Cairo. Como ele escreve mais tarde no poema "Três datas": ""Be in Egypt!" - ouviu-se uma voz lá dentro, / Para Paris - e o vapor me leva para o sul. Essa construção puramente solovena da frase poética é característica: nem uma palavra é dita sobre o estado intermediário, sobre as dúvidas. A decisão é tomada instantaneamente. Essa era a natureza de Solovyov.

Pela mesma razão, ele estava tão inclinado a usar símbolos (a propósito, lembre-se da definição desse conceito literário, procure no dicionário). Afinal, um símbolo não depende de uma realidade mutável, de uma mudança no ângulo de visão. É sempre enigmático no significado, mas sempre definido na forma. Assim, no poema de Solovyov de 1875 "Na minha rainha ...", que acabou de ser conectado com uma viagem ao Egito, as cores da eternidade, as cores eternas prevalecem: "Minha rainha tem um palácio alto, / Cerca de sete pilares de ouro, / / Minha rainha tem uma coroa de sete lados, // Nela há incontáveis ​​pedras preciosas. // E no verde jardim de minha rainha // A beleza desabrochou de rosas e lírios, // E em uma onda transparente um riacho prateado / / Captura um reflexo de cachos e testa. ..".

O jardim da "rainha" está sempre verde, em qualquer época do ano, não se desvanece; as rosas são invariavelmente escarlates, os lírios são brancos, o riacho é prateado. E quanto mais inalteradas, mais "confiáveis" essas cores simbólicas, mais dramático o tema principal do poema soa. E este tema é a mutabilidade do coração do poeta, a mutabilidade do rosto de seu Bem-Amado Celestial.

No Egito, Solovyov teve um choque. Ele passou uma noite gelada no deserto, esperando o aparecimento de Sophia, como lhe foi dito por uma voz interior, mas nenhum encontro misterioso aconteceu, o jovem místico foi quase espancado por nômades locais. Outro poeta teria levado o incidente de forma trágica, enquanto em Solovyov, pelo contrário, tudo isso causou um ataque de riso. (Não sem razão, em uma de suas palestras, ele definiu o homem como um "animal risonho".) Em geral, ele, como seu letrista favorito Alexei Tolstoy, costumava escrever poemas humorísticos.

O riso era para Solovyov uma espécie de antídoto para o misticismo excessivo; ele brincava deliberadamente com a imagem de seu herói lírico, a imagem do Peregrino, o místico, colocava-o em situações cômicas. Até o auto-epitafio: "Vladimir Solovyov // Deitado neste lugar. // No começo ele era um filósofo, // E agora ele se tornou um esqueleto ..." (1892).

Mas com a mesma facilidade inexplicável, Solovyov voltou do ridículo, da decepção - para a entonação solene, para encantar de maneira mística. No melhor, talvez, dos poemas de Solovyov - "Ex oriente lux" (1890), a Rússia é duramente convidada a fazer uma escolha entre a militância do antigo rei persa Xerxes e o sacrifício de Cristo:

Oh Rus! em alta expectativa
Você está ocupado com um pensamento orgulhoso;
O que você quer ser o Oriente:
Oriente de Xerxes ou Cristo?

Na década de 1890, os olhos azuis da invisível Sophia novamente brilharam claramente em Solovyov. Desta vez a luz não veio do Leste, nem do Oeste, mas do Norte. No inverno de 1894, tendo saído para trabalhar na Finlândia, Solovyov inesperadamente sentiu a presença secreta de Sophia em tudo - nas rochas finlandesas, nos pinheiros, no lago ... sobre a terrível proximidade de uma catástrofe global, sobre o aparecimento do Anticristo. Um monte de suas tristes observações históricas foi o poema "Pan-mongolismo":

Pan-mongolismo! Embora a palavra seja selvagem
Mas acaricia meus ouvidos,
Como se fosse um prenúncio de um grande
O destino de Deus está completo.

...Os instrumentos do castigo de Deus
O estoque ainda não acabou.
Preparando novas batidas
Um enxame de tribos despertas.

O pan-mongolismo - no entendimento de Solovyov - é a unificação dos povos asiáticos por causa da inimizade com a "raça" européia; Vladimir Sergeevich estava convencido de que no século 20 os representantes militantes unidos da "raça amarela" se tornariam a principal força histórica: reuniram a escuridão de seus regimentos."

Esses motivos serão desenvolvidos em seu trabalho pelos herdeiros literários mais próximos de Solovyov, poetas da próxima geração que se chamarão simbolistas russos - você também conhecerá seu trabalho na próxima 11ª série.

• Que mentalidades são inerentes aos poetas russos do final do século 19? Qual é a sua semelhança com os românticos do início do século?

1. Bloco A. A. O destino de Apollon Grigoriev // Ele. Sob. cit.: Em 8 vols. M.-L., 1962.
2. Gippius V. V. De Pushkin a Blok. M., 1966.
3. Grigoriev A. A. Recordações. M., 1980.
4. Egorov B. F. Apolo Grigoriev. M., 2000 (Série "Vida de Pessoas Notáveis").
5. Korovin V.I. Coração nobre e voz pura do poeta // Pleshcheev A.N. Poemas. Prosa. M., 1988.
6. Nolman M. L. Carlos Baudelaire. Destino. Estética. Estilo. M., 1979.
7. Novikov Vl. Mundo artístico de Prutkov // Obras de Kozma Prutkov. M., 1986.
8. Fedorov A. V. Criatividade poética de K.K. Sluchevsky // Sluchevsky K.K. Poemas e poemas. M.-L., 1962.
9. Yampolsky I. G. Meados do século: Ensaios sobre a poesia russa 1840-1870. L., 1974.

Muitos dos talentosos letristas russos (F.I. Tyutchev, A.A. Fet, N.A. Nekrasov, A.K. Tolstoy, A.N. Maikov) começaram sua jornada no final da década de 1830 - início da década de 1840. Foi uma época muito desfavorável para letristas e para a poesia. Após a morte de Pushkin e Lermontov, A.I. Herzen, "a poesia russa tornou-se entorpecida". A mudez da poesia russa deveu-se a várias razões. A principal foi aquela sobre a qual V.G. Belinsky no artigo "Um olhar sobre a literatura russa de 1843": "Depois de Pushkin e Lermontov, é difícil ser não apenas notável, mas também algum tipo de poeta". Um papel importante foi desempenhado por outra circunstância: a prosa toma conta da mente dos leitores. Os leitores esperavam por histórias e romances, e os editores de revistas, respondendo ao "espírito" da época, voluntariamente forneceram páginas de prosa, quase não publicando poemas líricos.

Na década de 1850 poetas, ao que parece, superaram a indiferença dos leitores. Foi nesta década que a primeira coleção de F.I. Tyutchev, que atraiu a atenção de todos: os leitores finalmente reconheceram o brilhante poeta, que começou sua carreira na década de 1820. Dois anos depois, em 1856, uma coleção de poemas de Nekrasov foi publicada, quase instantaneamente esgotada. Mas o interesse pela palavra poética logo desaparece, e novos livros de A.K. Tolstoi, A. N. Maykova, Ya.P. Polonsky, F. I. Tyutcheva, A. A. Fet atraem a atenção de críticos e alguns amantes da poesia.

Enquanto isso, a poesia russa da segunda metade do século XIX viveu uma vida muito intensa. A originalidade das posições estéticas, uma compreensão especial do propósito do poeta e da poesia criam letristas russos em diferentes "campos" (de acordo com A.K. Tolstoy). Isso é “poesia civil”, cujo objetivo é “lembrar à multidão que o povo está na pobreza” (N.A. Nekrasov), e “poesia pura”, destinada a cantar o “lado ideal” da vida. F. Tyutchev, A. Fet, Ap. Maykova, A. K. Tolstoi, Ya. Polonsky, Ap. Grigoriev. A poesia cívica foi representada por Nekrasov. Discussões intermináveis ​​entre partidários dos dois “campos”, acusações mútuas de pseudo-poesia ou indiferença à vida da sociedade explicam muito na atmosfera da época. Mas, defendendo a correção apenas de suas ideias estéticas, poetas de diferentes “campos” muitas vezes se mostraram próximos em sua visão poética do mundo, próximos aos valores que cantavam. A obra de cada poeta talentoso serviu a um objetivo nobre - a afirmação do ideal de beleza, bondade e verdade. Todos eles, para usar a expressão de Nekrássov, "pregavam o amor", compreendendo-o de diferentes maneiras, mas vendo nele igualmente o propósito mais elevado do homem. Além disso, a obra de todo verdadeiro poeta, é claro, não poderia caber no leito de Procusto de esquemas simples. Absorver. Tolstoi, que declarou sua pertença aos poetas da arte "pura", em épicos, epigramas e poemas satíricos, conseguiu falar muito agudamente sobre os problemas da vida contemporânea. NO. Nekrasov - refletia profunda e sutilmente os "movimentos internos e misteriosos da alma", que os defensores da arte "pura" consideravam um dos principais assuntos da poesia.

Embora os poetas da segunda metade do século XIX não conseguissem superar a indiferença dos leitores pelas letras e fazê-los esperar ansiosamente por suas coleções de poesia (como, por exemplo, os novos romances de I. Turgenev, I. Goncharov, F. Dostoiévski, L. Tolstoi eram esperados), no entanto, eles os fizeram cantar seus poemas. Já na década de 1860. EU. Saltykov-Shchedrin disse que os romances de Vasiliy "são cantados por quase toda a Rússia". Mas a Rússia não cantou apenas Feta. A incrível musicalidade das obras de letristas russos atraiu a atenção de compositores de destaque: P.I. Tchaikovsky, N. A. Rimsky-Korsakov, M.P. Mussorgsky, S. I. Taneeva, S. V. Rachmaninov, que criou obras-primas musicais que o povo russo lembrava e amava. Entre os mais famosos e populares estão “Song of a Gypsy” (“Meu fogo na neblina brilha”), “The Recluse”, “Challenge” de Ya.P. Polonsky, “Ah, pelo menos você fala comigo”, “Duas guitarras, tocando...” A. Grigoriev, “No meio de uma bola barulhenta”, “Isso foi no início da primavera...” A.K. Tolstoi, "Pedlars" N.A. Nekrasov e muitos, muitos outros poemas de poetas russos da segunda metade do século XIX.

O tempo, apagando a agudeza das disputas sobre a nomeação do poeta e da poesia, descobriu que para as próximas gerações tanto os letristas "puros" quanto os poetas "civis" se tornam igualmente significativos. Lendo suas obras agora, entendemos: aquelas imagens que pareciam aos contemporâneos “audácia lírica” são um surgimento gradual, mas claro, de ideias poéticas que estão preparando o florescimento das letras russas da Idade de Prata. Uma dessas ideias é o sonho do amor “ascendente”, amor que transforma o homem e o mundo. Mas a tradição Nekrasov não se tornou menos significativa para os poetas da Idade de Prata - seu "grito", segundo K. Balmont, o grito de que "há prisões e hospitais, sótãos e porões", que "neste minuto, quando estamos com você respira, tem gente que está sufocando.” Consciência aguda da imperfeição do mundo, a "palavra hostil de negação" de Nekrasov combinada organicamente nas letras de V. Bryusov e F. Sologub, A. Blok e A. Bely com anseio pelo Indizível, pelo ideal, dando origem não ao desejo de fugir do mundo imperfeito, mas transformá-lo segundo o Ideal.

A literatura da 2ª metade do século XIX desempenhou um papel importante na vida pública do país. A maioria dos críticos e leitores modernos está convencida disso. Naquela época, ler não era entretenimento, mas formas de conhecer a realidade circundante. Para o escritor, a própria criatividade tornou-se um importante ato de serviço cívico à sociedade, pois ele tinha uma crença sincera no poder da palavra criativa, na probabilidade de um livro influenciar a mente e a alma de uma pessoa para que ela mudasse. para o melhor.

Oposição na literatura

Como observam os pesquisadores modernos, foi justamente por essa crença na literatura da 2ª metade do século XIX que nasceu o pathos cívico da luta por alguma ideia, que poderia desempenhar um papel importante na transformação do país, enviando toda a país por um caminho ou outro. O século XIX foi o século do máximo desenvolvimento do pensamento crítico doméstico. Portanto, os discursos na imprensa dos críticos da época entraram nos anais da cultura russa.

Um conhecido confronto que surgiu na história da literatura em meados do século XIX surgiu entre os ocidentalistas e os eslavófilos. Esses movimentos sociais surgiram na Rússia já nos anos 40 do século XIX. Os ocidentais defendiam que o verdadeiro desenvolvimento da Rússia começou com as reformas de Pedro I e, no futuro, é necessário seguir esse caminho histórico. Ao mesmo tempo, tratavam com desdém toda a Rússia pré-petrina, notando a ausência de uma cultura e história dignas de respeito. Os eslavófilos defendiam o desenvolvimento independente da Rússia, independentemente do Ocidente.

Justamente nessa época, um movimento muito radical se popularizou entre os ocidentais, que se baseava nos ensinamentos de utópicos de viés socialista, em particular, Fourier e Saint-Simon. A ala mais radical desse movimento via a revolução como a única maneira de mudar algo no Estado.

Os eslavófilos, por sua vez, insistiam que a história da Rússia não é menos rica que a do Ocidente. Na opinião deles, a civilização ocidental sofria de individualismo e descrença, desiludindo-se com os valores espirituais.

O confronto entre ocidentalistas e eslavófilos também foi observado na literatura russa da 2ª metade do século XIX, e especialmente na crítica a Gógol. Os ocidentais consideravam este escritor o fundador da tendência sociocrítica na literatura russa, enquanto os eslavófilos insistiam na plenitude épica do poema "Dead Souls" e seu pathos profético. Lembre-se de que os artigos críticos desempenharam um grande papel na literatura russa da segunda metade do século XIX.

"Naturalistas"

Na década de 1840, surgiu toda uma galáxia de escritores que se uniram ao crítico literário Belinsky. Esse grupo de escritores passou a ser chamado de representantes da "escola natural".

Na literatura da 2ª metade do século XIX, eram muito populares. Seu protagonista é um representante da classe desprivilegiada. São artesãos, zeladores, mendigos, camponeses. Os escritores procuraram dar-lhes a oportunidade de falar, mostrar seus costumes e modo de vida, refletindo através deles toda a Rússia de um ângulo especial.

O mais popular entre eles é o gênero, que descreve diferentes estratos da sociedade com rigor científico. Representantes de destaque da "escola natural" são Nekrasov, Grigorovich, Turgenev, Reshetnikov, Uspensky.

Democratas Revolucionários

Na década de 1860, o confronto entre os ocidentais e os eslavófilos não dava em nada. Mas as disputas entre os representantes da intelectualidade continuam. Cidades, indústria estão se desenvolvendo rapidamente, a história está mudando. Neste momento, pessoas de vários estratos sociais chegam à literatura da 2ª metade do século XIX. Se antes a escrita era o destino da nobreza, agora comerciantes, padres, filisteus, funcionários e até camponeses pegam a pena.

Na literatura e na crítica, as ideias estabelecidas por Belinsky são desenvolvidas, os autores colocam questões sociais agudas para os leitores.

Chernyshevsky lança as bases filosóficas em sua tese de mestrado.

"Crítica Estética"

Na 2ª metade do século XIX, a direção da “crítica estética” recebeu especial desenvolvimento na literatura. Botkin, Druzhinin, Annenkov não aceitam o didatismo, proclamando o valor inerente da criatividade, bem como seu distanciamento dos problemas sociais.

A "arte pura" deve resolver problemas exclusivamente estéticos, os representantes da "crítica orgânica" chegaram a tais conclusões. Em seus princípios, desenvolvidos por Strakhov e Grigoriev, a verdadeira arte tornou-se fruto não apenas da mente, mas também da alma do artista.

homens do solo

Os cultivadores de solo ganharam grande popularidade durante este período. Dostoiévski, Grigoriev, Danilevsky, Strakhov incluíram-se entre eles. Eles desenvolveram as ideias de forma eslavófila, alertando ao mesmo tempo para se deixar levar pelas ideias sociais, para romper com a tradição, a realidade, a história e o povo.

Eles tentaram penetrar na vida das pessoas comuns, derivando princípios gerais para o máximo desenvolvimento orgânico do Estado. Nas revistas Epoch e Vremya, eles criticavam o racionalismo de seus oponentes, que, em sua opinião, eram muito revolucionários.

Niilismo

Uma das características da literatura da 2ª metade do século XIX foi o niilismo. Nela, os cientistas do solo viram uma das principais ameaças à realidade real. O niilismo era muito popular entre diferentes setores da sociedade russa. Expressou-se na negação de normas aceitas de comportamento, valores culturais e líderes reconhecidos. Ao mesmo tempo, os princípios morais foram substituídos pelos conceitos de prazer e benefício próprio.

A obra mais marcante dessa tendência é o romance de Turgenev "Pais e Filhos", escrito em 1861. Seu protagonista Bazarov nega amor, arte e compaixão. Eles eram admirados por Pisarev, que foi um dos principais ideólogos do niilismo.

Gênero da novela

O romance desempenha um papel importante na literatura russa deste período. Foi na segunda metade do século XIX que o épico "Guerra e Paz" de Leo Tolstoi, o romance político de Chernyshevsky "O que fazer?", o romance psicológico de Dostoiévski "Crime e Castigo" e o romance social de Saltykov-Shchedrin "Lord Golovlev" " saiu.

O mais significativo foi o trabalho de Dostoiévski, refletindo a época.

Poesia

Na década de 1850, a poesia floresceu após um breve esquecimento que se seguiu à idade de ouro de Pushkin e Lermontov. Polonsky, Fet, Maikov vêm à tona.

Na poesia, os poetas prestam maior atenção à arte popular, à história e à vida cotidiana. Torna-se importante compreender a história russa nas obras de Alexei Konstantinovich Tolstoy, Maikov, maio. São épicos, lendas folclóricas e canções antigas que determinam o estilo dos autores.

Nas décadas de 1950 e 1960, o trabalho de poetas civis tornou-se popular. Os poemas de Minaev, Mikhailov, Kurochkin estão associados a ideias democráticas revolucionárias. A principal autoridade para os poetas dessa direção é Nikolai Nekrasov.

No final do século 19, os poetas camponeses tornaram-se populares. Entre eles estão Trefolev, Surikov, Drozhzhin. Ela continua as tradições de Nekrasov e Koltsov em seu trabalho.

Dramaturgia

A segunda metade do século XIX é a época do desenvolvimento da dramaturgia nacional e original. Os autores das peças usam ativamente o folclore, prestam atenção à vida camponesa e mercantil, à história nacional e à língua falada pelo povo. Muitas vezes você pode encontrar obras dedicadas a questões sociais e morais, nas quais o romantismo é combinado com o realismo. Esses dramaturgos incluem Alexei Nikolaevich Tolstoy, Ostrovsky, Sukhovo-Kobylin.

A diversidade de estilos e formas artísticas na dramaturgia levou ao surgimento, no final do século, de obras dramáticas vívidas de Chekhov e Leo Tolstoy.

Influência da literatura estrangeira

A literatura estrangeira da 2ª metade do século XIX tem uma influência notável nos escritores e poetas russos.

Nessa época, os romances realistas reinavam na literatura estrangeira. Em primeiro lugar, são as obras de Balzac ("Shagreen Skin", "Parma Convent", "Eugenia Grande"), Charlotte Bronte ("Jane Eyre"), Thackeray ("Newcomes", "Vanity Fair", "History of Henry Esmond"), Flaubert ("Madame Bovary", "Educação dos Sentidos", "Salambo", "Alma Simples").

Na Inglaterra da época, Charles Dickens era considerado o principal escritor, suas obras Oliver Twist, The Pickwick Papers, The Life and Adventures of Niklas Nickleby, A Christmas Carol, Dombey and Son também são lidas na Rússia.

Na poesia europeia, a coleção de poemas de Charles Baudelaire "Flores do Mal" torna-se uma verdadeira revelação. Estas são as obras do famoso simbolista europeu, que causou toda uma tempestade de descontentamento e indignação na Europa devido ao grande número de versos obscenos, o poeta chegou a ser multado por violar as normas da moral e da moral, tornando a coletânea de poemas uma dos mais populares da década.