Revolução e cultura. A revolução de 1917 dividiu a intelectualidade artística da Rússia em duas partes. Uma delas, embora não aceitasse tudo no Soviete de Deputados (como muitos então chamavam o país dos Sovietes), acreditava na renovação da Rússia e dedicou sua força ao serviço da causa revolucionária; o outro desprezava negativamente o governo bolchevique e apoiava seus oponentes de várias formas.
Em outubro de 1917, V. V. Mayakovsky, em sua autobiografia literária original “I Myself”, descreveu sua posição da seguinte forma: “Aceitar ou não aceitar? Não havia essa pergunta para mim (e para outros futuristas moscovitas). Minha revolução. Durante a Guerra Civil, o poeta trabalhou nas chamadas "Janelas de Sátira ROSTA" (ROSTA - Russian Telegraph Agency), onde foram criados cartazes satíricos, caricaturas, gravuras populares com pequenos textos poéticos. Eles ridicularizaram os inimigos do governo soviético - generais, latifundiários, capitalistas, invasores estrangeiros, falaram sobre as tarefas da construção econômica. Futuros escritores soviéticos serviram no Exército Vermelho: por exemplo, D. A. Furmanov era o comissário da divisão comandada por Chapaev; I. E. Babel foi um combatente do famoso 1º Exército de Cavalaria; A.P. Gaidar com a idade de dezesseis anos comandou um destacamento de jovens em Khakassia.
Futuros escritores emigrantes participaram do movimento branco: R. B. Gul lutou como parte do Exército Voluntário, que fez a famosa “Campanha do Gelo” do Don ao Kuban, G. I. Gazdanov, depois de se formar na 7ª série do ginásio, ofereceu-se para o Exército Wrangel. I. A. Bunin chamou seus diários do período da guerra civil de “Dias Malditos”. M. I. Tsvetaeva escreveu um ciclo de poemas sob o título significativo "Campo dos Cisnes" - uma lamentação cheia de imagens religiosas para a Rússia branca. O tema da perniciosa guerra civil pela natureza humana foi permeado pelas obras dos escritores emigrados M. A. Aldanov (“Suicídio”), M. A. Osorgin (“Testemunha da História”), I. S. Shmelev (“O Sol dos Mortos”).
Posteriormente, a cultura russa desenvolveu-se em duas vertentes: no país soviético e na emigração. Os escritores e poetas I. A. Bunin, que recebeu o Prêmio Nobel de Literatura em 1933, D. S. Merezhkovsky e Z. N. Gippius, os principais autores do livro do programa anti-soviético O Reino do Anticristo, trabalharam em uma terra estrangeira. Alguns escritores, como V. V. Nabokov, entraram na literatura já no exílio. Foi no exterior que os artistas V. Kandinsky, O. Zadkine, M. Chagall ganharam fama mundial.
Se as obras dos escritores emigrantes (M. Aldanov, I. Shmelev e outros) estavam impregnadas do tema da perniciosa revolução e da guerra civil, então as obras dos escritores soviéticos respiravam pathos revolucionário.
Do pluralismo artístico ao realismo socialista. Na primeira década pós-revolucionária, o desenvolvimento da cultura na Rússia foi caracterizado pela experimentação, pela busca de novas formas e meios artísticos - um espírito artístico revolucionário. A cultura desta década, por um lado, estava enraizada na Idade de Prata e, por outro, adotou da revolução uma tendência a renunciar aos cânones estéticos clássicos, à novidade temática e de enredo. Muitos escritores viram como seu dever servir aos ideais da revolução. Isso se manifestou na politização da obra poética de Mayakovsky, na criação do movimento “Outubro Teatral” por Meyerhold, na formação da Associação de Artistas da Rússia Revolucionária (AHRR), etc.
Os poetas S. A. Yesenin, A. A. Akhmatova, O. E. Mandelstam, B. L. Pasternak, que iniciaram sua trajetória poética no início do século, continuaram a criar. Uma nova palavra na literatura foi dita pela geração que chegou a ela já nos tempos soviéticos - M. A. Bulgakov, M. A. Sholokhov, V. P. Kataev, A. A. Fadeev, M. M. Zoshchenko.
Se nos anos 20 literatura e artes plásticas eram excepcionalmente diversas, então nos anos 30, sob as condições do ditame ideológico, o chamado realismo socialista foi imposto a escritores e artistas. De acordo com seus cânones, a reflexão da realidade em obras de literatura e arte deveria estar subordinada às tarefas da educação socialista. Gradualmente, em vez de realismo crítico e várias tendências de vanguarda na cultura artística, o pseudo-realismo foi estabelecido, ou seja, imagem idealizada da realidade soviética e do povo soviético.
A cultura artística estava sob o controle do Partido Comunista. No início dos anos 30. Numerosas associações de trabalhadores da arte foram liquidadas. Em vez disso, foram criados sindicatos de escritores, artistas, cineastas, artistas e compositores soviéticos. Embora formalmente fossem organizações públicas independentes, a intelectualidade criativa tinha que estar completamente subordinada às autoridades. Ao mesmo tempo, os sindicatos, tendo à sua disposição fundos e casas de criatividade, criaram certas condições para o trabalho da intelectualidade artística. O Estado mantinha teatros, financiava a filmagem de filmes, oferecia estúdios aos artistas, etc. A única coisa exigida dos artistas era servir fielmente ao Partido Comunista. Esperava-se que escritores, artistas e músicos que se desviassem dos cânones impostos pelas autoridades fossem “elaborados” e reprimidos (O. E. Mandelstam, V. E. Meyerhold, B. A. Pilnyak e muitos outros morreram nas masmorras stalinistas).
Um lugar significativo na cultura artística soviética foi ocupado por temas históricos e revolucionários. A tragédia da revolução e da guerra civil foi refletida nos livros de M. A. Sholokhov (“Quiet Flows the Don”), A. N. Tolstoy (“Andando pelos tormentos”), I. E. Babel (coleção de histórias “Konarmiya”), pinturas de M . B. Grekova (“Tachanka”), A. A. Deineki (“Defesa de Petrogrado”). No cinema, os filmes dedicados à revolução e à guerra civil ocupavam um lugar de honra. Os mais famosos entre eles foram "Chapaev", uma trilogia de filmes sobre Maxim, "Somos de Kronstadt". O tema glorificado não saiu da capital e
de cenas de teatro provinciais. Um símbolo característico da arte soviética foi a escultura de V. I. Mukhina “trabalhadora e mulher da fazenda coletiva”, que adornou o pavilhão soviético na Exposição Mundial de Paris em 1937. Artistas famosos e pouco conhecidos criaram retratos de grupo pomposos com Lenin e Stalin. Ao mesmo tempo, M. V. Nesterov, P. D. Korin, P. P. Konchalovsky e outros artistas talentosos alcançaram um sucesso notável na pintura de retratos e paisagens.
Posições de destaque na arte mundial dos anos 20-30. ocupado pelo cinema soviético. Ele apresentava diretores como SM. Eisenstein (“The Battleship Potemkin”, “Alexander Nevsky”, etc.), o fundador da comédia musical excêntrica soviética G. V. Aleksandrov (“Merry Fellows”, “Volga-Volga”, etc.), o fundador do cinema ucraniano A .P. Dovzhenko (Arsenal, Shchors, etc.). As estrelas do cinema sonoro soviético brilharam no céu artístico: L. P. Orlova, V. V. Serova, N. K. Cherkasov, B. P. Chirkov e outros.
A Grande Guerra Patriótica e a intelectualidade artística. Nem uma semana havia se passado desde o dia do ataque nazista à URSS, quando “Windows TASS” (TASS – Agência Telegráfica da União Soviética) apareceu no centro de Moscou, continuando as tradições da propaganda e cartazes e caricaturas políticas “Windows ROSTA”. Durante a guerra, 130 artistas e 80 poetas participaram do trabalho de Okon TASS, que publicou mais de 1 milhão de cartazes e desenhos animados. Nos primeiros dias da guerra, os famosos cartazes "The Motherland Calls!" (I. M. Toidze), “Nossa causa é justa, a vitória será nossa” (V. A. Serov), “Guerreiro do Exército Vermelho, salve!” (V.B. Koretsky). Em Leningrado, a associação de artistas "Fighting Pencil" lançou a produção de cartazes-folhetos em formato pequeno.
Durante a Grande Guerra Patriótica, muitos escritores se voltaram para o gênero do jornalismo. Os jornais publicaram ensaios militares, artigos e poemas. O publicitário mais famoso foi I. G. Ehrenburg. Poema
A. T. Tvardovsky "Vasily Terkin", poemas de primeira linha de K. M. Simonov ("Espere por mim") encarnaram os sentimentos do povo. Um reflexo realista do destino das pessoas foi refletido na prosa militar de A. A. Bek (“estrada de Volokolamsk”), V. S. Grossman (“As pessoas são imortais”),
V. A. Nekrasov (“Nas trincheiras de Stalingrado”), K. M. Simonov (“Dias e Noites”). Performances sobre a vida na linha de frente apareceram no repertório dos teatros. É significativo que as peças de A. E. Korneichuk "The Front" e K. M. Simonov "Russian People" tenham sido publicadas em jornais juntamente com relatórios do Soviet Form Bureau sobre a situação nas frentes.
Concertos de primeira linha e encontros de artistas com feridos em hospitais tornaram-se a parte mais importante da vida artística dos anos de guerra. Canções folclóricas russas interpretadas por L. A. Ruslanova, canções pop interpretadas por K. I. Shulzhenko e L. O. Utesov eram muito populares. As canções líricas de K. Ya. Listov ("Na canoa"), N. V. Bogoslovsky ("Noite escura"), M. I. Blanter ("Na floresta perto da frente"), que apareceram durante os anos de guerra, foram amplamente utilizadas em na frente e na traseira. , V. P. Solovyov-Sedogo ("rouxinóis").
Crônicas de guerra foram exibidas em todos os cinemas. As filmagens foram realizadas por operadores em condições de linha de frente, com grande risco de vida. O primeiro documentário de longa-metragem foi dedicado à derrota das tropas nazistas perto de Moscou. Então os filmes "Leningrad on Fire", "Stalingrado", "Vingadores do Povo" e vários outros foram criados. Alguns desses filmes foram exibidos após a guerra nos julgamentos de Nuremberg como prova documental de crimes nazistas.
Cultura artística da segunda metade do século XX. Após a Grande Guerra Patriótica, novos nomes apareceram na arte soviética e na virada dos anos 50 e 60. novas direções temáticas começaram a se formar. Em conexão com a exposição do culto à personalidade de Stalin, ocorreu a superação da arte francamente "envernizada", que era especialmente característica dos anos 30 e 40.
Desde meados dos anos 50. A literatura e a arte começaram a desempenhar o mesmo papel educacional na sociedade soviética que desempenharam na Rússia no século 19 e início do século 20. A extrema rigidez ideológica (e censória) do pensamento social e político contribuiu para que a discussão de muitas questões de interesse da sociedade fosse transferida para a esfera da literatura e da crítica literária. O novo desenvolvimento mais significativo foi o reflexo crítico das realidades do tempo de Stalin. Publicações no início dos anos 60 se tornaram uma sensação. obras de A. I. Solzhenitsyn (“Um dia na vida de Ivan Denisovich”, histórias) e A. T. Tvardovsky (“Terkin no Outro Mundo”). Juntamente com Solzhenitsyn, o tema do campo entrou na literatura, e o poema de Tvardovsky (junto com os poemas do jovem E. A. Yevtushenko) marcou o início de um ataque artístico ao culto à personalidade de Stalin. Em meados dos anos 60. No século XVIII, foi publicado pela primeira vez o romance O Mestre e Margarita, de M. A. Bulgakov, escrito antes da guerra, com seu simbolismo religioso e místico, que não é característico da literatura soviética. No entanto, a intelectualidade artística ainda experimentou os ditames ideológicos do partido. Assim, B. Pasternak, que recebeu o Prêmio Nobel pelo romance Doutor Jivago declarado anti-soviético, foi forçado a recusá-lo.
A poesia sempre desempenhou um papel importante na vida cultural da sociedade soviética. Nos anos 60. poetas de uma nova geração - B. A. Akhmadulina,
A. A. Voznesensky, E. A. Yevtushenko, R. I. Rozhdestvensky - com sua cidadania e orientação jornalística, as letras se tornaram ídolos do público leitor. Noites de poesia no Museu Politécnico de Moscou, palácios esportivos e instituições de ensino superior foram um enorme sucesso.
Nos anos 60-70. prosa militar de um "novo modelo" apareceu - livros de V. P. Astafiev ("Starfall"), G. Ya. Baklanov ("Os mortos não têm vergonha"), Yu. V. Bondarev ("Hot Snow"), B. L. Vasilyeva ( “As Alvoradas Aqui São Silenciosas...”), K.D. Vorobyeva (“Morto perto de Moscou”), V.L. Kondratiev (“Sashka”). Eles reproduziram a experiência autobiográfica de escritores que passaram pelo crisol da Grande Guerra Patriótica, transmitiram a crueldade impiedosa da guerra que sentiram e analisaram suas lições morais. Ao mesmo tempo, a direção da chamada prosa da aldeia foi formada na literatura soviética. Foi representado pelas obras de F. A. Abramov (a trilogia "Pryasliny"), V. I. Belov ("histórias do carpinteiro"), B. A. Mozhaev ("Homens e mulheres"), V. G. Rasputin ("Viva e lembre-se", "Adeus a Matera" ), V. M. Shukshin (histórias "Aldeões"). Os livros desses escritores refletiam o ascetismo trabalhista nos anos difíceis da guerra e do pós-guerra, os processos de campesinato, a perda dos valores espirituais e morais tradicionais, a complexa adaptação do morador rural de ontem à vida urbana.
Em contraste com a literatura das décadas de 1930 e 1940, as melhores obras de prosa da segunda metade do século se distinguiam por um padrão psicológico complexo, o desejo dos escritores de penetrar nas profundezas da alma humana. Tais, por exemplo, são as histórias de "Moscou" de Yu. V. Trifonov ("Troca", "Outra Vida", "Casa no Aterro").
Desde os anos 60. performances baseadas em peças cheias de ação de dramaturgos soviéticos (A. M. Volodin, A. I. Gelman, M. F. Shatrov) apareceram nos palcos do teatro, e o repertório clássico na interpretação de diretores inovadores adquiriu um som real. Tais foram, por exemplo, as produções dos novos teatros Sovremennik (dirigido por O. N. Efremov, então G. B. Volchek), o Teatro de Comédia e Drama Taganka (Yu. P. Lyubimov).

As principais tendências no desenvolvimento da cultura pós-soviética. Uma das características do desenvolvimento da cultura russa na virada dos séculos XX-XXI. é sua desideologização e pluralismo da busca criativa. Na ficção de elite e nas belas artes da Rússia pós-soviética, as obras da tendência de vanguarda vieram à tona. Estes incluem, por exemplo, livros de V. Pelevin, T. Tolstoy, L. Ulitskaya e outros autores. O vanguardismo é a tendência predominante na pintura também. No teatro doméstico moderno, as produções do diretor R. G. Viktyuk estão imbuídas do simbolismo do princípio irracional em uma pessoa.
Desde o período da "perestroika" começou a superar o isolamento da cultura russa da vida cultural de países estrangeiros. Os moradores da URSS, e mais tarde da Federação Russa, podiam ler livros, ver filmes que antes eram inacessíveis a eles por razões ideológicas. Muitos escritores que haviam sido privados de cidadania pelas autoridades soviéticas retornaram à sua terra natal. Surgiu um único espaço de cultura russa, unindo escritores, artistas, músicos, diretores e atores, independentemente de seu local de residência. Assim, por exemplo, os escultores E. I. Neizvestny (um monumento ao túmulo de N. S. Khrushchev, um monumento às vítimas da repressão stalinista em Vorkuta) e M. M. Shemyakin (um monumento a Pedro I em São Petersburgo) vivem nos EUA. E as esculturas de V. A. Sidur, que morava em Moscou (“Para aqueles que morreram de violência”, etc.), foram instaladas nas cidades da Alemanha. Os diretores N. S. Mikhalkov e A. S. Konchalovsky fazem filmes em casa e no exterior.
A ruptura radical do sistema político e econômico levou não apenas à libertação da cultura dos grilhões ideológicos, mas também tornou necessária a adaptação à redução, e às vezes até à eliminação completa do financiamento estatal. A comercialização da literatura e da arte levou à proliferação de obras que não possuem alto mérito artístico. Por outro lado, nas novas condições, os melhores representantes da cultura voltam-se para a análise dos problemas sociais mais agudos, procurando formas de aperfeiçoamento espiritual do homem. Tais obras incluem, em particular, as obras dos diretores de cinema V. Yu. Abdrashitov (“Tempo do Dançarino”), N. S. Mikhalkov (“Queimado pelo Sol”, “O Barbeiro da Sibéria”), V. P. Todorovsky (“País dos Surdos ") , S. A. Solovieva ("Idade de Concurso").
Arte musical. Representantes da Rússia fizeram uma grande contribuição para a cultura musical mundial do século XX. Os maiores compositores, cujas obras foram repetidamente executadas em salas de concerto e casas de ópera em muitos países do mundo, foram S. S. Prokofiev (obras sinfônicas, a ópera Guerra e Paz, os balés Cinderela, Romeu e Julieta), D. D. Shostakovich (6ª sinfonia , ópera "Lady Macbeth do Distrito de Mtsensk"), A. G. Schnittke (3ª sinfonia, Requiem). As apresentações de ópera e balé do Teatro Bolshoi em Moscou eram mundialmente famosas. Em seu palco, havia obras do repertório clássico e obras de compositores do período soviético - T. N. Khrennikov, R. K. Shchedrin, A. Ya. Eshpay.
Toda uma constelação de músicos talentosos e cantores de ópera que ganharam fama mundial trabalhou no país (pianistas E. G. Gilels, S. T. Richter, violinista D. F. Oistrakh, cantores S. Ya. Lemeshev, E. V. Obraztsova) . Alguns deles não conseguiram aceitar a dura pressão ideológica e foram forçados a deixar sua terra natal (cantor G. P. Vishnevskaya, violoncelista M. L. Rostropovich).
Os músicos que tocavam jazz também sofriam pressão constante - eram criticados como seguidores da cultura "burguesa". No entanto, orquestras de jazz lideradas pelo cantor L. O. Utyosov, o maestro O. L. Lundstrem e o brilhante trompetista improvisador E. I. Rozner ganharam imensa popularidade na União Soviética.
O gênero musical mais difundido foi a canção pop. As obras dos autores mais talentosos, que conseguiram superar o oportunismo momentâneo em seu trabalho, acabaram se tornando parte integrante da cultura do povo. Estes incluem, em particular, “Katyusha” de M. I. Blanter, “The Volga Flows” de M. G. Fradkin, “Hope” de A. N. Pakhmutova e muitas outras canções.
Nos anos 60. a música do autor entrou na vida cultural da sociedade soviética, na qual o profissional e o amador começaram a fechar. O trabalho dos bardos, que atuavam, via de regra, em um ambiente informal, não era controlado pelas instituições culturais. Nas canções executadas com a guitarra por B. Sh. Okudzhava, A. A. Galich, Yu. O trabalho criativo de V. S. Vysotsky, que combinou os talentos de um poeta, ator e cantor, foi preenchido com um poderoso pathos cívico e uma ampla variedade de gêneros.
Ele recebeu conteúdo social ainda mais profundo nos anos 70-80. Música rock soviética. Seus representantes - A. V. Makarevich (grupo "Time Machine"), K. N. Nikolsky, A. D. Romanov ("Ressurreição"), B. B. Grebenshchikov ("Aquário") - conseguiram passar da imitação de músicos ocidentais para obras independentes, que, juntamente com as músicas dos bardos, eram o folclore da era urbana.
Arquitetura. Nos anos 20-30. as mentes dos arquitetos estavam ocupadas com a ideia da transformação socialista das cidades. Assim, o primeiro plano desse tipo - "Nova Moscou" - foi desenvolvido no início da década de 1920. A. V. Shchusev e V. V. Zholtovsky. Foram criados projetos para novos tipos de habitação - casas comunais com serviços de consumo socializados, edifícios públicos - clubes operários e palácios de cultura. O estilo arquitetônico dominante era o construtivismo, que previa a conveniência funcional do planejamento, uma combinação de várias formas e detalhes claramente definidos geometricamente, simplicidade externa e ausência de decorações. As buscas criativas do arquiteto soviético K. S. Melnikov (clube com o nome de I. V. Rusakov, sua própria casa em Moscou) ganharam fama mundial.
Em meados dos anos 30. Na década de 1990, foi adotado o Plano Geral para a Reconstrução de Moscou (redesenvolvimento da parte central da cidade, colocação de rodovias, construção do metrô), planos semelhantes foram desenvolvidos para outras grandes cidades. Ao mesmo tempo, a liberdade de criatividade dos arquitetos era limitada pelas instruções do “líder dos povos”. A construção de estruturas pomposas começou, refletindo, em sua opinião, a ideia do poder da URSS. A aparência dos edifícios mudou - o construtivismo foi gradualmente substituído pelo neoclassicismo "stalinista". Elementos da arquitetura classicista são vistos claramente, por exemplo, na aparência do Teatro Central do Exército Vermelho, nas estações de metrô de Moscou.
A construção grandiosa se desenrolou nos anos do pós-guerra. Novas áreas residenciais surgiram em cidades antigas. A imagem de Moscou foi atualizada devido aos "arranha-céus" construídos na área do Garden Ring, bem como o novo prédio da Universidade nas colinas de Lenin (Pardal). Desde meados dos anos 50. A principal direção da construção residencial tornou-se a construção de painéis em massa. Novos edifícios urbanos, tendo se livrado dos "excessos arquitetônicos", adquiriram uma aparência monótona e monótona. Nos anos 60-70. novos prédios administrativos surgiram nos centros republicanos e regionais, entre os quais se destacaram com sua grandiosidade os comitês regionais do PCUS. No território do Kremlin de Moscou, foi construído o Palácio dos Congressos, cujos motivos arquitetônicos soam dissonantes no contexto do desenvolvimento histórico.
Grandes oportunidades para o trabalho criativo dos arquitetos se abriram na última década do século XX. O capital privado, junto com o Estado, passou a atuar como cliente durante a construção. Desenvolvendo projetos para edifícios de hotéis, bancos, shopping centers, instalações esportivas, os arquitetos russos interpretam criativamente o legado do classicismo, modernidade e construtivismo. A construção de casarões e chalés voltou a ser praticada, muitas das quais construídas de acordo com projetos individuais.

Duas tendências opostas foram observadas na cultura soviética: a arte politizada, envernizando a realidade, e a arte, formalmente socialista, mas, em essência, refletindo criticamente a realidade (pela posição consciente do artista ou talento, superando os obstáculos da censura). Foi esta última direção (juntamente com as melhores obras criadas no exílio) que deu amostras que foram incluídas no fundo dourado da cultura mundial.

O.V. Volobuev "Rússia e o mundo".

A criatividade é uma atividade que gera algo qualitativamente novo e se distingue pela originalidade, originalidade e singularidade sócio-histórica. A criatividade é específica de uma pessoa, pois sempre envolve um criador - o sujeito da atividade criativa. A atividade criativa é uma característica única da raça humana. É multifacetado e se manifesta em todas as esferas da cultura material e espiritual, cada uma adquirindo suas especificidades, mas mantendo, no entanto, uma versão geralmente significativa. O sentido da atividade criadora está justamente na formação de uma pessoa como sujeito ativo da atividade social. Nesse aspecto, a criatividade atua como um atributo necessário da cultura.

A essência humana genérica é um conjunto de tais propriedades humanas que, manifestando-se em cada personalidade individual, são preservadas pelos representantes da raça humana ao longo de sua existência. Esta é a concentração das relações mais estáveis ​​em que a personalidade humana entra. Interagindo com a natureza, uma pessoa manifesta a primeira propriedade da essência genérica, sua corporeidade natural ou objetividade. O primeiro objeto que uma pessoa domina ao longo de sua vida é seu corpo. No processo de interação intencional com a natureza - trabalho, uma pessoa usa certas ferramentas para atingir seu objetivo. O resultado objetivo do trabalho humano é yavl. Tanto o aperfeiçoamento da própria pessoa quanto os objetos criados pelo trabalho humano. A segunda manifestação da essência humana genérica é formada como resultado de uma necessidade humana natural em uma sociedade de pessoas, e se manifesta na sociabilidade humana, no público e na alma que surge como resultado de sua manifestação. Sendo desde o nascimento dentro de uma determinada sociedade, uma pessoa não pode prescindir de uma sociedade de pessoas ao longo de sua vida. Finalmente, a terceira manifestação é a espiritualidade de uma pessoa após sua humanização (isso se manifesta plenamente após o aparecimento de experiências em uma pessoa). A verdadeira espiritualidade humana é definida como uma relação de valor, cujo principal modo de existência é o yavl. experiência de sentido. Valor é o significado de um objeto, pessoa ou fenômeno revelado no processo de experiência para a pessoa que experimenta. A criatividade deve ser interpretada como fonte de algo eterno, duradouro na cultura.

Criação. Conceito e essência. Tipos de criatividade.

A criatividade é uma atividade que gera algo qualitativamente novo e se distingue pela originalidade, originalidade e singularidade sócio-histórica. A criatividade é específica de uma pessoa, porque sempre pressupõe um criador - o sujeito da atividade criativa.

Costuma-se distinguir os tipos de atividade criativa de acordo com o tipo de pensamento subjacente a cada um deles. Com base no pensamento conceitual e lógico, a criatividade científica se desenvolve, com base em um design holístico-figurativo - artístico, com base em um projeto construtivo-figurativo, com base em um construtivo-lógico - técnico. Considere as características do processo criativo em ciência, tecnologia, arte e design. Lotman chama cultura e arte de duas formas de ver o mundo, ou "os olhos da cultura". Com a ajuda da ciência, a cultura compreende o existente e o natural, e a arte é a vivência do inexperiente, o estudo do nunca antes, a passagem por caminhos não percorridos pela cultura. O processo criativo na ciência é limitado pela lógica e pelos fatos, o resultado científico reflete o estado atual da imagem científica do mundo e o objetivo da criatividade científica é o desejo de alcançar a verdade objetiva. Na criação artística, o autor é limitado pelos limites de seu próprio talento e habilidade, responsabilidade moral e gosto estético. O processo de criação artística inclui momentos igualmente conscientes e inconscientes, uma obra de arte torna-se como um sistema inicialmente aberto, um texto que existe em um determinado contexto e tem um subtexto interno não dito. Como resultado da criatividade artística, uma obra de arte é a personificação do mundo interior do artista, recriado de uma forma geralmente significativa e auto-valorizada. A criatividade técnica está condicionada pelas necessidades atuais da civilização em alcançar o maior conforto e a máxima adaptação ao meio ambiente. O resultado da criatividade técnica é um dispositivo técnico, um mecanismo que melhor atende às necessidades de uma pessoa. A criatividade do design surge na intersecção da criatividade técnica e artística e visa criar uma coisa que não tenha apenas uma forma funcional e conveniente, mas também uma forma externa expressiva. O resultado da criatividade do design é a reconstrução do ambiente humano objeto-coisa. A arte do design revive a tese esquecida da cultura antiga: "O homem é a medida de todas as coisas". Os designers enfrentam a tarefa de criar coisas compatíveis com uma pessoa, criando um ambiente doméstico e industrial que contribua para a solução mais eficaz dos problemas de produção e permita a máxima realização das habilidades e intenções de uma pessoa. A criatividade é uma condição indispensável para o surgimento da cultura e a realização da essência humana genérica. Na criatividade, uma pessoa se expressa como uma individualidade livre e livre de quaisquer restrições externas, em primeiro lugar, relacionadas às capacidades físicas de uma pessoa: físicas, fisiológicas e mentais e, em segundo lugar, relacionadas à vida social de uma pessoa. A criatividade como um processo valioso é realizada quando, ocorrendo em certas condições socioculturais: sociais, econômicas, políticas, morais e religiosas, jurídicas e ideológicas, estabelecendo um certo nível cultural atual, estabelece metas anteriormente inéditas, é implementada de forma busca, de forma seletiva e recebe resultado, ampliando a medida de liberdade do criador. É a criatividade, quando uma pessoa se concentra em seu lado espiritual, que contribui para a libertação de uma pessoa das convenções interferentes do mundo circundante. A cultura e a criatividade libertam a pessoa da opressão de seus parâmetros de gênero e idade, da opressão da comunalidade e dos ditames do caráter e padronização de massa. É a criatividade como forma de ser cultura e auto-realização do indivíduo que se torna um mecanismo de preservação da individualidade humana única e da auto-estima do indivíduo. O Criador é HOMO FABER - um homem-criador que se elevou acima do ambiente natural, acima das necessidades cotidianas, acima da criação apenas praticamente necessária. Consequentemente, a primeira de todas as manifestações possíveis de criatividade é a formação de uma personalidade criativa.

Uma pessoa criativa, independentemente do campo de sua atividade, como regra, distingue-se pela alta inteligência, pensamento relaxado, facilidade de associação, jogo destemido com idéias e, ao mesmo tempo, a capacidade de construir esquemas lógicos e estabelecer interdependências, padrões. Uma pessoa criativa deve ter independência de opiniões e julgamentos, avaliações, capacidade de provar e defender correta e razoavelmente seu ponto de vista. Em primeiro lugar, a vigilância em busca de um problema e a capacidade de levantar questões são importantes para uma pessoa criativa. Uma pessoa criativa deve ter a capacidade de se concentrar e segurá-la por muito tempo em qualquer questão, tópico ou problema, para concentrar a atenção no processo de encontrar uma solução heurística. A inteligência criativa se distingue, via de regra, pela capacidade de operar com conceitos vagamente definidos, de superar inconsistências lógicas, de ter a capacidade de cercear operações mentais e aproximar conceitos distantes. Uma pessoa criativa deve ser exigente consigo mesma e com os outros e autocrítica. A dúvida nas verdades geralmente aceitas, a rebeldia e a rejeição da tradição devem ser combinadas com a disciplina interna e o rigor consigo mesmo. As pessoas criativas se distinguem pela inteligência, suscetibilidade ao engraçado e a capacidade de perceber e compreender comicamente a contradição. No entanto, os psicólogos observam que o entusiasmo por uma tarefa criativa, o desapego do mundo leva ao aparecimento de distrações cotidianas e à natureza secundária das relações entre as pessoas, um aumento do desejo de autoafirmação.

A autoconsciência "eu" é sempre individualmente concreta. É único e individual no sentido de que não é mais divisível (de Lat. Individual, que significa literalmente "indivisível"). Mas de onde vem essa individualidade única, como ela é determinada? Ela é natural? Ela é corporal? Ela é espiritual? Ela é perfeita? Quem é o dono dela? Humano? Ou talvez o gênero que lhe dá corporalidade? Uma cultura que dá linguagem, normas, padrões de comportamento e pensamento? O que sou eu"? O que é um assunto?

Personalidade, na verdade, é uma “boneca matryoshka”, que contém muitas outras bonecas escondidas umas dentro das outras. Ou uma pérola. No centro da pérola está a autoconsciência, sobre a qual a madrepérola é colocada em camadas - as camadas subsequentes da personalidade: consciência, identidade, corporalidade, sistema de papéis, aparência, propriedade, família, trabalho, lazer, etc. Um homem, disse o filósofo espanhol X. Ortega y Gasset, é um homem e suas circunstâncias. Mas no centro há um prego no qual pende toda a integridade dessas características - a autoconsciência do "eu".

Do lado de fora, na percepção de outras pessoas, a integridade de nosso "eu" individualmente único é fixada pelo nosso nome próprio ou é dada com a ajuda de pronomes demonstrativos "aquele", "aquele", "estes". É sob nosso próprio nome que agimos como seres sociais, personagens de situações e acontecimentos. De dentro do nosso mundo interior, o próprio "eu" é percebido como uma certa unidade de experiências nessas situações e acontecimentos, expectativas, esperanças, alegrias. Nas experiências, na experiência espiritual, a vida aparece como criatividade e autodeterminação do indivíduo.

Até certo ponto, uma personalidade é semelhante a um artista que molda e estampa sua vida pessoal na forma de experiências a partir do material da realidade circundante. A questão não está no número de experiências, mas em sua profundidade, na capacidade do indivíduo de compreender as experiências, de encontrar sentido nelas. Experiências não são "batatas em um saco", mas consciência do não acaso e da conexão, significado do vivenciado, consciência do seu papel no vivenciado, da sua culpa e responsabilidade.

Dúvida e desobediência

A capacidade de realizar ações independentes, portanto, pressupõe pensamento independente e, portanto, em algum momento, dúvida. Dúvida, desobediência e desvio de normas e padrões são, em certo sentido, uma condição necessária para a formação e desenvolvimento de uma personalidade, sua autodeterminação e auto-organização.

Portanto, as decisões tomadas não automaticamente, mas como resultado de uma escolha consciente, são de particular importância. É uma escolha consciente que representa um valor moral, assume-se como uma etapa necessária na formação de uma personalidade, a encarnação de uma pessoa. Não admira que a "obediência pela desobediência" atraia tanta atenção na arte e na religião: quando uma pessoa realiza um ato não por ordem, não por hábito, mas por uma escolha consciente.

Pensamento e ação não tradicionais, "dissidência" e desvio dos estereótipos estabelecidos são uma condição necessária para qualquer atividade criativa. Nas origens de qualquer criatividade está a insatisfação do homem com a ordem existente das coisas. Portanto, pessoas talentosas geralmente têm um caráter chamado difícil. A própria essência humana implica a possibilidade de desobediência, desvio das normas, portanto a obediência de uma pessoa livre difere da obediência absoluta e incondicional.

Cultura e criatividade

A criatividade é o destino não apenas de cientistas, políticos ou artistas de destaque, mas também de cada indivíduo que cumpre sua missão única por sua própria participação na vida social. A vida, tanto no ambiente profissional quanto no doméstico, muitas vezes coloca uma pessoa em uma situação em que, por falta de um modelo social de comportamento, ela é forçada a encontrar soluções em si mesma, para completar de forma independente sua própria experiência.

Na consciência cotidiana, cultura e criatividade são frequentemente identificadas. Basta lembrar selos de jornal como "esfera da cultura e criatividade", "cultura e arte", etc. No entanto, a relação entre cultura e criatividade não é tão simples. De fato, a criatividade é uma atividade consciente ou inconsciente? É planejado e controlado ou espontâneo, espontâneo e involuntário? No primeiro caso, está claramente associada à implementação de normas culturais, no segundo - principalmente à sua violação, às vezes até contra a vontade do criador. E em geral, a criatividade é um momento obrigatório da cultura ou algo opcional?

Afinal, o que é cultura? Existem muitas definições deste conceito. Na consciência cotidiana, isso é algo “correto e bom”: alguém é considerado “cultural” e alguém “não é”. Neste caso, estamos realmente falando de valor"compreender a cultura como sistemas de valor(materiais e espirituais) ou a humanidade como um todo. De fato, nenhuma sociedade pode existir e se desenvolver sem o acúmulo de experiência efetiva das gerações anteriores, sem tradições, exemplos de “como viver corretamente”.

Segundo outro - "tecnológica"– existe uma cultura para a abordagem modo de vida. Todas as pessoas dormem, comem, trabalham, amam, mas em todas as sociedades o fazem à sua maneira. São "a vida cotidiana e os costumes", ou as formas de realizar os atos vitais aceitos em uma determinada comunidade, que são entendidos aqui como expressão da cultura. No entendimento "tecnológico", a cultura também inclui fenômenos duvidosos do ponto de vista da abordagem valorativa, como, digamos, a "cultura do submundo", "a tecnologia da operação de meios de destruição em massa". "

Há também uma interpretação da cultura, quando nem todas, sem exceção, as formas de realização das atividades da vida são reconhecidas como culturais, mas apenas aquelas que contribuir para o desenvolvimento, aperfeiçoamento e exaltação do homem.

Resumindo essas abordagens, pode-se definir cultura como um sistema de geração, acumulação, armazenamento, transmissão (de pessoas para pessoas e de geração para geração) de experiência social.

A cultura é mantida pela criatividade, ela se alimenta dela: tanto na manutenção de velhas normas e valores, quanto na criação de novas. A cultura como um ídolo pagão exige "sacrifícios humanos", sangue fresco e vidas jovens. Quanto mais "cultural" a cultura, mais rígido é o ambiente de tradições que uma pessoa criativa tem que enfrentar. A criatividade é como o magma, rompendo camadas já congeladas com grande dificuldade e desperdício de energia, mas apenas para derramar e solidificar com uma nova camada. E será ainda mais difícil para os próximos criadores.

É bastante difícil distinguir a criatividade de sua contraparte espelhada - o desvio social negativo, mencionado anteriormente. Não é por acaso que os contemporâneos muitas vezes não traçam uma linha divisória entre o comportamento do criminoso e o do criador, considerando a atividade deste último como um crime contra a moral, a religião ou uma violação da lei. Sócrates, que fez perguntas "desnecessárias" a seus concidadãos, foi condenado à morte. Punição severa aguardava D. Bruno e G. Galileu, que duvidavam que o Sol girasse em torno da Terra. Nas primeiras exposições impressionistas, espectadores indignados exigiam a prisão de "hooligans". Aproximadamente a mesma coisa aconteceu nas primeiras exposições de Russian Wanderers. A teoria da relatividade e a mecânica quântica foram percebidas como vandalismo intelectual pelos contemporâneos. A história está repleta de exemplos de represálias de nobres, mas ingratos contemporâneos e companheiros de tribo sobre os criadores, que, com o tempo, são solenemente introduzidos no panteão dos santos.

A criatividade não é desejável em todas as culturas. Sim, e a maior parte da história humana é ocupada pelas chamadas culturas tradicionais, cuja vida foi inteiramente determinada pela fidelidade à tradição, replicada a cada nova geração. Qualquer desvio das normas e regras tradicionais em tais sociedades foi impiedosamente suprimido, e os "criadores" foram expulsos ou submetidos a severa repressão. Uma forte aceleração no desenvolvimento da civilização se deve à cultura que se desenvolveu de acordo com a tradição judaico-cristã com sua atenção especial ao indivíduo, sua liberdade e, portanto, criatividade. Precisamente, e talvez apenas nessa cultura, que ainda define a face da civilização moderna, voltada para a transformação do mundo circundante, a criatividade é vista como um valor. Além disso, as instituições estão se formando na civilização moderna, cuja própria existência visa especificamente a criatividade: sindicatos criativos, institutos científicos ou partidos políticos.

A tragédia da relação entre criatividade e cultura é que sua relação não é simétrica. A cultura moderna precisa de criatividade, mas a criatividade não pode contar com a cultura, mas deve superá-la, tornando-se uma nova cultura. A normatividade e a tipicidade são necessárias para a criatividade no sentido de que não podem ser contornadas. Na arte, são imagens típicas que expressam características étnicas, nacionais e etárias específicas. Na ciência, é um aparato matemático que permite reduzir um fenômeno a explicações abstratas semelhantes a leis. Mas a criatividade só pode tirar sua força da liberdade humana e do coração humano - não pode contar com a cultura. O que se faz com a cultura em mente não é criatividade, mas reprodução e, paradoxalmente, a cultura não precisa disso, é prejudicial a ela. Como um vampiro, ela precisa de sangue fresco e energia, as batidas intensas de um coração vivo, e não morto, formas gerais elaboradas.

A cultura programa a personalidade, esforça-se para tornar típico não apenas o comportamento da personalidade, mas também sua consciência, pensamento, sentimentos. Na criatividade, porém, o essencial não é tanto predeterminado, mas incomparável, anormal. Portanto, a criatividade é baseada em estruturas que fixam novas formas de experiência humana universal em novas circunstâncias históricas. A criatividade pressupõe sempre uma nova imagem, uma profecia sobre o futuro. A criatividade não é retrospectiva, nem reprodutiva, mas perspectiva e produtiva. A criatividade não é apenas uma combinação de unidades semânticas imutáveis ​​da cultura, mas também a criação de novas com base na tragédia individual da existência. A criatividade é destrutiva para o mundo familiar tradicional. Esquemas criativos, fórmulas e imagens orientadas para os significados finais da história da vida humana existem em qualquer cultura, mas seu papel e significado aumentam com o curso do desenvolvimento da civilização.