O pintor de retratos - Carl Spitzweg

O homem sempre foi o objeto principal da arte. A arte não pode existir sem um herói positivo, um modelo. Na pintura do mundo, encontramos constantemente a incorporação de ideias sobre as principais virtudes do indivíduo. Somente a arte pode mostrar claramente o que uma pessoa pode e deve ser. Não é por acaso que, desde a antiguidade, as imagens femininas enfatizavam, antes de tudo, a beleza física, o intelecto e a força masculinos. Refletindo o nível da cultura material, artística e espiritual da sociedade, a arte tem uma poderosa influência no desenvolvimento da espiritualidade, forma a ideia dominante do ideal do homem. Imagens vívidas e memoráveis ​​dos heróis de seu tempo nos foram deixadas pela pintura russa. O artista sempre olha para frente e vê mais longe do que seus contemporâneos. É assim que a arte projeta o futuro no presente.

A arte em geral, e a arte do retrato em particular, não apenas reflete o desenvolvimento da sociedade, mas também ajuda o surgimento de uma nova pessoa e considera seu ponto de vista do ideal desta época.

O retrato é, talvez, um dos gêneros da pintura mais atraentes e ao mesmo tempo ambíguos. É o retrato que oferece uma oportunidade de falar sobre a imagem de uma pessoa, permite aproximar-se da atitude do indivíduo em diferentes épocas.

Retrato(do retrato francês) é um gênero de belas artes, bem como obras desse gênero que mostram a aparência de uma pessoa em particular. O retrato transmite características individuais, características únicas inerentes a apenas um modelo (um modelo é uma pessoa que posa para um mestre enquanto trabalha em uma obra de arte).

Existem muitos tipos de retratos. O gênero retrato inclui: um retrato de meio corpo, um busto (em escultura), um retrato de corpo inteiro, um retrato de grupo, um retrato em um interior, um retrato contra uma paisagem. Pela natureza da imagem, distinguem-se dois grupos principais: retratos cerimoniais e de câmara. Como regra, um retrato cerimonial envolve uma imagem de corpo inteiro de uma pessoa (em um cavalo, em pé ou sentado).

De acordo com o número de imagens em uma tela, além do habitual, individual, existem retratos duplos e de grupo. Emparelhados são chamados de retratos pintados em telas diferentes, se forem consistentes entre si em composição, formato e cor. Na maioria das vezes, são retratos de cônjuges. Muitas vezes os retratos formam todo o conjunto - galerias de retratos.

Os retratos também se distinguem pelo tamanho, por exemplo, miniatura. Você também pode destacar um auto-retrato - uma imagem do próprio artista. O retrato transmite não apenas as características individuais da pessoa retratada ou, como dizem os artistas, modelos, mas também reflete a época em que a pessoa retratada viveu.

A arte do retrato remonta a vários milênios. Já no antigo Egito, os escultores criaram uma semelhança bastante precisa da aparência externa de uma pessoa. A estátua recebeu uma semelhança de retrato para que, após a morte de uma pessoa, sua alma pudesse se mover para ela, encontrar facilmente seu dono. Os retratos pitorescos de Faiyum feitos na técnica de encáustica (pintura de cera) nos séculos I e IV serviram ao mesmo propósito. Retratos idealizados de poetas, filósofos, figuras públicas eram comuns na escultura da Grécia antiga. A veracidade e as características psicológicas precisas foram distinguidas pelos antigos bustos escultóricos romanos. Eles refletiam o caráter e a personalidade de uma pessoa em particular.

A imagem do rosto de uma pessoa em escultura ou pintura sempre atraiu artistas. O gênero retrato floresceu especialmente no Renascimento, quando a personalidade humana humanista e efetiva foi reconhecida como o principal valor.Os mestres do Renascimento aprofundam o conteúdo das imagens do retrato, dotam-nas de inteligência, harmonia espiritual e, às vezes, drama interior.

No século XVII, na pintura europeia, ganha destaque um retrato de câmara, íntimo, em oposição a um retrato cerimonial, oficial, exaltante. Os grandes mestres desta época - Rembrandt, D. Velasquez - criaram uma galeria de imagens maravilhosas de pessoas simples e infames, descobrindo nelas a maior riqueza de bondade e humanidade.

Na Rússia, o gênero retrato começou a se desenvolver ativamente a partir do início do século XVIII. F. Rokotov, D. Levitsky, V. Borovikovsky criou uma série de retratos magníficos de pessoas nobres. Especialmente encantadoras e encantadoras, imbuídas de lirismo e espiritualidade, eram as imagens femininas pintadas por esses artistas. Na primeira metade do século XIX. o protagonista da arte do retrato torna-se uma personalidade romântica sonhadora e ao mesmo tempo propensa ao impulso heróico (nas pinturas de O. Kiprensky, K. Bryullov). A formação do realismo na arte dos Andarilhos se refletiu na arte do retrato. Os artistas V. Perov, I. Kramskoy, I. Repin criaram toda uma galeria de retratos de contemporâneos notáveis. Os artistas transmitem traços individuais e típicos dos retratados, seus traços espirituais com a ajuda de expressões faciais, posturas, gestos característicos.

A pessoa foi retratada em toda sua complexidade psicológica, e também foi avaliado seu papel na sociedade. No século XX. o retrato combina as tendências mais contraditórias - características individuais realistas brilhantes e deformações expressivas abstratas de modelos

Os retratos nos transmitem não apenas imagens de pessoas de diferentes épocas, refletem parte da história, mas também falam sobre como o artista via o mundo, como tratava seu modelo.

A primeira tentativa de retratar um retrato tem, segundo os cientistas, nada menos que 27 mil anos. Descoberto na França, na caverna de Villonner, o "Retrato" é feito em giz, mas os contornos do rosto são bem visíveis: olhos, nariz, boca.

Mas semelhança externa não é a única e, talvez, não a mais importante propriedade inerente a um retrato . Um verdadeiro retratista não se limita a reproduzir as características externas de seu modelo, ele se esforça transmitir as propriedades de seu caráter, revelar seu mundo interior, espiritual . Também é muito importante mostrar o status social da pessoa retratada, para criar uma imagem típica de um representante de uma determinada época.
Como gênero, o retrato apareceu há vários milênios na arte antiga. Entre os afrescos do famoso Palácio de Knossos, encontrado por arqueólogos durante as escavações na ilha de Creta, há uma série de imagens femininas pitorescas que datam do século XVI aC. Embora os pesquisadores tenham chamado essas imagens de "damas da corte", não sabemos quem os mestres cretenses tentaram mostrar - deusas, sacerdotisas ou damas nobres vestidas com vestidos elegantes.
O mais famoso foi o retrato de uma jovem, chamada pelos cientistas de "parisiense". Vemos à nossa frente uma imagem de perfil (de acordo com as tradições da arte da época) de uma jovem, muito coquete e não descuidada da maquiagem, como evidenciado por seus olhos escuros e lábios bem pintados.
Os artistas que criaram retratos a fresco de seus contemporâneos não se aprofundaram nas características dos modelos, e a semelhança externa nessas imagens é muito relativa.

Na Grécia Antiga e na Roma Antiga, a pintura de cavalete não existia, então a arte do retrato se expressava principalmente na escultura. Os antigos mestres criaram imagens plásticas de poetas, filósofos, líderes militares e políticos. Essas obras são caracterizadas pela idealização e, ao mesmo tempo, imagens muito precisas em suas características psicológicas também são encontradas entre elas.

De grande interesse são os retratos pitorescos criados no Egito nos séculos I e IV dC. De acordo com o local da descoberta (os túmulos de Khavara ao norte do Cairo e a necrópole do oásis de Fayum, que foi chamado Arsinoe sob os Ptolomeus), eles são chamados de Fayum. Essas imagens desempenhavam funções rituais e mágicas. Eles apareceram na era helenística, quando o Egito Antigo foi capturado pelos romanos. Essas imagens de retratos, feitas em tábuas de madeira ou em tela, eram colocadas junto com a múmia no túmulo do falecido.

Nos retratos de Fayum, vemos egípcios, sírios, núbios, judeus, gregos e romanos que viveram no Egito nos séculos I e IV dC. Da Roma Antiga ao Egito, veio o costume de manter na casa retratos dos proprietários pintados em tábuas de madeira, além de máscaras escultóricas de parentes falecidos.

“Retrato de um jovem romano”, início do século III d.C.

Os retratos de Fayum foram criados usando a técnica de têmpera ou encáustica, que é especialmente característica das imagens anteriores. Encáustica é pintar com tintas, onde o elo principal era a cera. Os artistas usaram tintas de cera derretida (traços de gotejamento de tais tintas foram preservados em muitas placas com imagens de retratos). Tal técnica exigia técnicas especiais. Nas áreas das bochechas, queixo e nariz, a tinta foi aplicada em camadas densas, e o restante do rosto e cabelo foram pintados com uma tinta mais líquida. Os mestres usavam tábuas finas de sicômoro (figueira amoreira) e cedro libanês para retratos.

Entre os retratos encáusticos mais famosos estão o “Retrato de um Homem” (segunda metade do século I d.C.) e o “Retrato de um homem idoso” (final do século I d.C.), que são imagens para toda a vida. Nesses trabalhos, a habilidosa modelagem de luz e sombra e o uso do reflexo de cor são marcantes. Provavelmente, os mestres que pintaram os retratos, desconhecidos para nós, passaram pela escola helenística de pintura. Duas outras pinturas foram executadas da mesma forma - “Retrato de um Núbio” e uma bela imagem feminina, a chamada. "Lady Alina" (século 2 dC). O último retrato é feito em tela com pincel e têmpera líquida.

"Retrato de um Homem" (segunda metade do século I dC)

"Retrato de um homem idoso" (final do século 1 dC)

"Retrato de um Núbio"

"Lady Alina" (século 2 dC)

Durante a Idade Média, quando a arte estava subordinada à igreja, principalmente as imagens religiosas eram criadas na pintura. Mas mesmo nessa época, alguns artistas pintavam retratos psicologicamente precisos. Imagens de doadores (doadores, clientes), que apareciam com mais frequência de perfil, voltados para Deus, a Madona ou um santo, eram amplamente utilizadas.

As imagens dos doadores tinham uma semelhança externa indiscutível com os originais, mas não iam além dos cânones iconográficos, desempenhando um papel secundário na composição. As imagens de perfil provenientes do ícone mantiveram suas posições dominantes mesmo quando o retrato começou a adquirir significado independente.

G. Bellini. Retrato do doador. Fragmento

Podemos dizer com segurança que foi na Idade Média que o gênero retrato declinou. Nesta época, tudo estava subordinado à igreja. Limitados por cânones religiosos estritos, os artistas raramente se voltavam para o retrato e, se o fizessem, não poderia haver nenhuma representação realista.

No entanto, já nos séculos X-XII, o gênero retrato começou a se desenvolver. Você já pode notar características realistas nos rostos dos santos, clareza e certeza em seus olhos, etc. Um exemplo marcante de um retrato tão realista é o trabalho de Giotto nas paredes da Capela Scrovegni em Pádua.

O auge do gênero retrato começou no Renascimento, quando o principal valor do mundo era uma pessoa ativa e proposital, capaz de mudar esse mundo e ir contra as probabilidades.

O homem é o centro do universo, capaz de mudar este mundo. Essa nova ideologia deu impulso ao gênero mais antigo, libertando-o dos grilhões da Igreja. Surgiram retratos de rosto inteiro, surgiu a técnica da pintura a óleo. A própria estrutura do retrato mudou: agora o artista colocou seu herói não em um fundo condicional, como era o caso da Idade Média, mas em um interior ou paisagem realista.

Botticelli, Rafael, Ticiano, Leonardo da Vinci - os maiores mestres do Alto Renascimento - criaram novos meios de expressão artística, com a ajuda dos quais os retratos se tornaram mais psicológicos. Assim, o retrato masculino mais famoso da época é o trabalho de Baldassare Castiglione, de Rafael.

No século 15, os artistas começaram a criar retratos independentes, que mostravam modelos contra o pano de fundo de paisagens panorâmicas majestosas. Assim é o “Retrato de um Menino” de B. Pinturicchio.

"Retrato de um menino" de B. Pinturicchio

No entanto, a presença de fragmentos da natureza nos retratos não cria integridade, unidade de uma pessoa e do mundo ao seu redor, a pessoa retratada parece obscurecer a paisagem natural. Só nos retratos do século XVI aparece a harmonia, uma espécie de microcosmo.

A partir de meados do século XV. não apenas as esposas de governantes e seus parentes, mas também as esposas de comerciantes e artesãos ricos tornam-se modelos de pintores de retratos florentinos. A alta arte vai além dos palácios.

Os retratos renascentistas diferem dos retratos de hoje principalmente por não terem o aspecto psicológico tão característico do retrato moderno. O retrato renascentista representa várias concepções da personalidade do modelo. Para as mulheres, trata-se, antes de tudo, do status social e do papel familiar de esposa e mãe.

Olhando para esses retratos, pode-se concluir que todas as mulheres florentinas da época tinham pescoços compridos, cabelos dourados, pele branca perolada, olhos azuis brilhantes e lábios e bochechas rosadas. Essa semelhança reflete o cânone da beleza feminina que emergiu da literatura, especialmente dos sonetos de Petrarca em homenagem à sua amada Laura. Com a beleza real ou imaginada de seus modelos, os artistas celebram suas virtudes - modéstia, piedade, castidade, as principais qualidades de uma mulher em uma sociedade patriarcal. A virtude e a beleza estão inextricavelmente ligadas.

A jovem retratada na pintura usa um requintado vestido de brocado. À primeira vista, este é um retrato de meio comprimento, mas a pose da mulher sugere que ela está sentada no vão de mármore de uma janela ou em uma varanda. O céu azul brilhante preenche quase todo o fundo e contrasta com os tons de pele claros, o que traz harmonia adicional de cores ao retrato.

O perfil de uma mulher é delineado com um mínimo de detalhes, mas ao mesmo tempo o artista consegue um incrível efeito de presença. A textura do tecido pesado com bordados dourados enfatiza o caráter medalhão da imagem geral. O uso decisivo de linhas retas e a clareza de cores contrastantes sempre foram considerados traços característicos do estilo florentino.

No final do século XV, a oficina dos irmãos Antonio e Piero Pollaiolo era bem conhecida em Florença. Os mestres estavam envolvidos na criação de esculturas, joias e pinturas. Considerável atenção foi dada aos trabalhos gráficos. Em 1450, Antonio já era um ourives conhecido, e suas belas esculturas de bronze também são conhecidas. Pierrot, segundo os documentos da época, ajudou o irmão na criação de algumas pinturas. O tema da disputa dos pesquisadores é a autoria dos retratos femininos criados pelos irmãos.

Uma análise técnica e estilística das obras levou à conclusão de que os retratos em Berlim e Milão podem ser atribuídos a Antonio, enquanto o autor das obras guardadas em Florença e Nova York foi Piero. Os retratos de Antonio estão entre as obras mais importantes do período Quattrocento no gênero retrato. A foto apresentada é um dos últimos perfis femininos, em breve os artistas começarão a retratar o rosto em três quartos de volta, o que já se tornou característico dos retratos masculinos. Mas no perfil da obra de Antonio, cada nuance da forma, que modela os traços delicados do rosto de uma jovem, encanta o espectador. Há especialistas que acreditam que este é o trabalho de Domenico Veneziano. Independentemente desta incerteza, este é um dos mais belos retratos do final do período Quattrocento.

No norte da Europa, em retratos de pessoas sentadas, predominavam rostos de três quartos. Essa disposição do modelo mais vantajosa, tanto para a pesquisa psicológica quanto para a comunicação com o espectador, foi adotada em Florença em 1470 nas obras de Leonardo da Vinci.

Ginevra é retratada na véspera de seu casamento e parece muito mais velha do que seus dezesseis anos. O momento de escrever o retrato coincide com o fim do aprendizado de Leonardo com Verrocchio. Não é de surpreender que a tela pareça o estudo de um estudante diligente.

Muitos mestres famosos do Renascimento se voltaram para o retrato, incluindo Botticelli, Rafael, Leonardo da Vinci. A maior obra de arte do mundo foi a famosa obra-prima de Leonardo - o retrato "Mona Lisa" ("La Gioconda", c. 1503), no qual muitos retratistas das gerações subsequentes viram um modelo.

Leonardo da Vinci "Mona Lisa" ("La Gioconda", c. 1503)

Durante o Renascimento, muitos artistas que criaram composições de altar e mitológicas se voltaram para o gênero retrato. Os retratos psicológicos do pintor holandês Jan van Eyck (Timothy, 1432; The Man in the Red Turban, 1433) distinguem-se por uma profunda penetração no mundo interior do modelo.

Jan van Eyck "Timothy", 1432

Jan van Eyck, Homem de turbante vermelho, 1433

O mestre reconhecido do gênero retrato foi o artista alemão Albrecht Dürer, cujos autorretratos ainda encantam o público e servem de exemplo para os artistas.

Durante o Renascimento, várias formas de retrato apareceram na pintura européia. O retrato do busto era muito popular na época, embora também aparecessem imagens de meio comprimento, geracionais e retratos de corpo inteiro. Casais nobres encomendavam retratos pareados, nos quais os modelos eram retratados em telas diferentes, mas ambas as composições eram unidas por um conceito, cor e fundo de paisagem comuns.

Um exemplo vívido de retratos emparelhados são as imagens do duque e da duquesa de Urbino (Federigo da Montefeltro e Battista Sforza, 1465), criadas pelo pintor italiano Piero della Francesca.

Piero della Francesca Federigo da Montefeltro e Battista Sforza, 1465

Os retratos de grupo também eram muito utilizados, quando o artista mostrava vários modelos em uma tela. Um exemplo de tal obra é "Retrato do Papa Paulo III com Alessandro e Ottavio Farnese" (1545-1546) de Ticiano.

"Retrato do Papa Paulo III com Alessandro e Ottavio Farnese" (1545-1546) de Ticiano.

Um grande papel no desenvolvimento do gênero retrato europeu foi desempenhado por Ticiano, que criou toda uma galeria de imagens de seus contemporâneos: poetas, cientistas, clérigos, governantes. Nessas obras, o grande mestre italiano atuou como um sutil psicólogo e um excelente conhecedor da alma humana.

Ticiano Vecellio "Auto-retrato"

Ticiano Vecellio "Retrato de um Homem (Ariosto)"

De acordo com a natureza da imagem, os retratos começaram a ser divididos em cerimoniais e íntimos. Os primeiros foram criados com o objetivo de exaltar e glorificar o povo neles representado. Retratos cerimoniais foram encomendados a artistas famosos pelas pessoas reinantes e membros de suas famílias, cortesãos, clérigos, que ocupavam os degraus superiores da escada hierárquica.
Criando retratos cerimoniais, os pintores retratavam homens em ricos uniformes bordados a ouro. As damas que posaram para o artista usavam os vestidos mais luxuosos e se enfeitavam com joias. O fundo desempenhou um papel especial em tais retratos. Os mestres pintaram seus modelos contra o fundo da paisagem, elementos arquitetônicos (arcos, colunas) e cortinas exuberantes.
O maior mestre do retrato cerimonial foi o Fleming P.P. Rubens, que trabalhou nas cortes reais de muitos estados. Seus nobres e ricos contemporâneos sonhavam que o pintor os capturaria em suas telas. Os retratos personalizados de Rubens, marcantes pela riqueza de cores e virtuosismo do desenho, são um tanto idealizados e frios. As imagens de parentes e amigos que o artista criou para si são cheias de sentimentos calorosos e sinceros, não têm o desejo de bajular o modelo, como em retratos formais para clientes ricos.

Aluno e seguidor de Rubens foi o talentoso pintor flamengo A. van Dyck, que criou uma galeria de retratos de seus contemporâneos: cientistas, advogados, médicos, artistas, comerciantes, líderes militares, clérigos, cortesãos. Essas imagens realistas transmitem sutilmente a singularidade individual dos modelos.

Van Dyck, Anthony - retrato de família

Os retratos feitos por van Dyck no período tardio, quando o artista trabalhava na corte do rei inglês Charles, são menos artisticamente perfeitos, porque o mestre, que recebia muitas encomendas, não aguentou e confiou a imagem de alguns detalhes a seus assistentes. Mas mesmo nessa época, van Dyck pintou uma série de pinturas bastante bem-sucedidas (Retrato do Louvre de Carlos I, c. 1635; Três filhos de Carlos I, 1635).

A. van Dyck. Os Três Filhos de Carlos I, 1635, Coleção Real, Castelo de Windsor

No século XVII, um lugar importante na pintura europeia foi ocupado por um retrato íntimo (câmara), cujo objetivo era mostrar o estado de espírito de uma pessoa, seus sentimentos e emoções. Os retratos íntimos não eram tão "frios" quanto os frontais. O mestre reconhecido desse tipo de retrato foi o artista holandês Rembrandt, que pintou muitas imagens sinceras. Seus modelos são pessoas comuns que não têm riqueza nem patronos nobres. O artista procurou transmitir as verdadeiras qualidades de uma pessoa - sua essência interior.

Rembrandt van Rijn - jovem

Rembrandt van Rijn "Retrato de Johannes Watenbogart".

“Retrato de uma velha” (1654), “Retrato do filho de Tito Reading” (1657), “Hendrikje Stoffels na janela” (retrato da segunda esposa do artista, c. 1659) estão imbuídos de sentimentos sinceros. Essas obras apresentam ao espectador pessoas comuns que não têm ancestrais nobres nem riquezas. Mas para Rembrandt, que abriu uma nova página na história do gênero retrato, era importante transmitir a gentileza de sua modelo, suas qualidades verdadeiramente humanas.

Retratos de mulheres na pintura renascentista italiana.

Retrato (retrato francês, do obsoleto portraire - retratar), uma imagem ou descrição (por exemplo, na literatura) de uma pessoa ou grupo de pessoas que existem ou existiram na realidade.

Nas artes visuais, o retrato é um dos principais gêneros de pintura, escultura, gráficos e fotografia. No coração do gênero retrato está um começo memorial, perpetuando a aparência de uma pessoa em particular. O critério mais importante para o retrato é a semelhança da imagem com a pessoa retratada (modelo, original). A semelhança no retrato é o resultado não só da correta transferência da aparência externa da pessoa retratada, mas também da revelação verídica de sua essência espiritual na unidade de traços individualmente únicos e típicos inerentes a ele como representante de um certa época histórica, nacionalidade, ambiente social; No entanto, devido à impossibilidade prática de um espectador comparar uma imagem com um modelo de retrato, qualquer imagem individualizada de uma pessoa é frequentemente chamada se for o único ou pelo menos o tema principal de uma obra de arte.

Normalmente, um retrato retrata o rosto de um artista contemporâneo e é criado diretamente da natureza. Junto com isso, formou-se uma espécie de retrato, retratando alguma figura do passado (retrato histórico) e criado de acordo com as memórias ou imaginação do mestre, com base em material auxiliar (literário, artístico, documental etc.). Tanto no retrato de um contemporâneo quanto no retrato histórico, uma representação objetiva da realidade é acompanhada por uma certa relação entre o mestre e o modelo, refletindo sua própria visão de mundo, credo estético etc. Tudo isso, transmitido de uma maneira artística individual específica, introduz na imagem do retrato uma coloração subjetiva de autor. Historicamente, uma tipologia ampla e multifacetada do retrato evoluiu. Dependendo da finalidade, as especificidades da forma, a natureza da execução, retratos de cavalete (pinturas, bustos, folhas gráficas) e monumentais (monumentos escultóricos, afrescos, mosaicos), cerimoniais e íntimos, busto, corpo inteiro, en face (face cheia), de perfil distinguem-se etc. Em diferentes épocas, retratos em medalhas e moedas (arte da medalha), em gemas (glípticas) e miniaturas de retratos se espalharam. De acordo com o número de personagens, os retratos são divididos em individual, pareado (duplo) e em grupo. Um tipo específico de retrato é o autorretrato. Os limites do gênero retrato são muito flexíveis e, muitas vezes, o próprio retrato pode ser combinado em um trabalho com elementos de outros gêneros. Tal é o retrato-quadro, onde o retratado é apresentado em uma relação semântica e de enredo com o mundo das coisas que o cercam, a natureza, os motivos arquitetônicos e outras pessoas (este último é um retrato-retrato de grupo), e o retrato-quadro. o tipo é uma imagem coletiva, um retrato estruturalmente semelhante. Com gênero cotidiano ou histórico, o modelo (pessoa específica retratada) muitas vezes interage com personagens fictícios. Um retrato pode revelar as altas qualidades espirituais e morais de uma pessoa. Ao mesmo tempo, um retrato está disponível para uma identificação verdadeira, às vezes impiedosa, das propriedades negativas do modelo (este último, em particular, está associado a um retrato caricatura-caricatura, um retrato satírico). Em geral, o retrato, juntamente com a transferência das características individuais características de um indivíduo, é capaz de refletir profundamente os fenômenos sociais mais importantes no complexo entrelaçamento de suas contradições.

A origem do retrato remonta aos tempos antigos. Os primeiros exemplos significativos de retratos são encontrados em esculturas orientais antigas, principalmente egípcias antigas. Aqui, o propósito do retrato foi em grande parte devido a tarefas de culto, religiosas e mágicas. A necessidade de "duplicação" do modelo (um retrato como sua contraparte na vida após a morte) levou à projeção sobre o tipo de imagem canônica impessoal (incorporando algo imutável) das características individualmente únicas de uma determinada pessoa. Com o tempo, o conteúdo do antigo retrato egípcio se aprofunda (especialmente nas imagens espiritualizadas humanas da era do Novo Reino do período de El-Amarna, século XIV aC). Na Grécia antiga, durante a era dos clássicos, foram criados retratos escultóricos generalizados e idealizados de poetas, filósofos e figuras públicas. A partir do final do séc. BC e. o retrato grego antigo é cada vez mais individualizado (o trabalho de Demetrius de Alopeka, Lysippus), gravitando durante o período helenístico (final dos séculos IV-I aC) para a dramatização da imagem. O alto florescimento da escultura antiga, o retrato atinge na arte da Roma antiga. O desenvolvimento do retrato romano antigo estava ligado ao aumento do interesse por uma determinada pessoa, com a expansão do círculo dos retratados. A base da estrutura artística de muitos retratos romanos antigos é uma transmissão clara, às vezes escrupulosa, das características únicas do modelo, mantendo uma certa unidade de princípios individuais e típicos. Durante o período do império, mestres individuais se voltaram para um retrato idealizador, muitas vezes mitificado. Em seus melhores exemplos, o retrato romano antigo é marcado pela vitalidade, expressividade psicológica das características. Na era do helenismo e na Roma Antiga, juntamente com bustos e estátuas, retratos em moedas, camafeus, etc., retratos parcialmente pictóricos, eram amplamente utilizados. Os primeiros exemplos sobreviventes de retratos de cavalete são retratos de Fayum (Egito, séculos I a IV). Em grande parte associados às tradições do antigo retrato oriental, com idéias religiosas e mágicas, os retratos de Fayum foram criados sob a influência da arte antiga, diretamente da vida, carregavam uma pronunciada semelhança com uma pessoa específica e em amostras posteriores - uma espiritualidade específica .

Cheia de fortes contradições, a multifacetada cultura medieval europeia com sua inerente luta constante de tendências espiritualistas e materialistas espontâneas deixou uma marca especial no desenvolvimento do retrato. O artista medieval, limitado por estritos cânones eclesiásticos, relativamente raramente se voltava para o retrato, o princípio pessoal, em seu entendimento, se dissolvia na catolicidade religiosa. O retrato medieval em muitos casos é parte integrante do conjunto arquitetônico e artístico da igreja; seus modelos são principalmente pessoas nobres - governantes, membros de suas famílias, associados próximos, doadores. O retrato medieval em muitas de suas amostras é impessoal, ao mesmo tempo, algumas esculturas góticas, afrescos e mosaicos das igrejas bizantinas, russas e outras da Europa Ocidental e Oriental têm uma característica espiritual, uma clara certeza fisionômica. O artista medieval muitas vezes dota imagens de santos com características de pessoas específicas. Os retratos medievais chineses (especialmente do período Song, séculos X-XIII) distinguem-se pela grande concretude. Apesar de estarem sujeitos a um rigoroso cânone tipológico, os mestres chineses medievais criaram muitos retratos seculares brilhantemente individualizados, muitas vezes revelando características de intelectualismo em modelos. Alguns retratos de pintores e escultores japoneses medievais são psicologicamente aguçados. Altas amostras de retratos em miniatura foram criadas na era do feudalismo por mestres da Ásia Central, Azerbaijão, Afeganistão (Kemaleddin Behzad), Irã (Reza Abbasi), Índia.

Um amplo florescimento de retratos pictóricos, esculturais e gráficos ocorre no Renascimento, manifestando-se com uma plenitude especialmente grande na arte da Itália. O individualismo humanista do homem renascentista, que afrouxou os grilhões da religião, acreditava firmemente no poder da personalidade criativa e se considerava a "medida de todas as coisas", exigia uma estrutura completamente nova do retrato. A visão artística do retratista renascentista em muitos casos idealizou o modelo, mas certamente decorreu da necessidade de compreender sua essência. Representando seu herói em um determinado ambiente terrestre, o artista colocou livremente o modelo no espaço. E o modelo cada vez mais realizado não contra um fundo condicional e surreal, como era na arte da Idade Média, mas em unidade com um interior ou paisagem realisticamente interpretado, muitas vezes em comunicação direta ao vivo com fictícios (mitológicos e gospel) personagens. Em pinturas monumentais, entre outros personagens, o artista costuma se retratar. Todas essas características do retrato renascentista foram parcialmente delineadas já nos retratos do trecento (Giotto, Simone Martini) e foram firmemente estabelecidas no século XV. (pintura monumental e de cavalete de Masaccio, Andrea del Castagno, Domenico Veneziano, Domenico Ghirlandaio, Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Pinturicchio, Mantegna, Antonello da Messina, Gentile e Giovanni Bellini, estátuas de Donatello e Verrocchio, escultura de cavalete de Antonio Rossellino, Desiderio da Settignano, Mino da Fiesole, Benedetto da Maiano, medalhas A. Pisanello). O antropocentrismo renascentista aparece especialmente brilhantemente no trabalho de retratos dos mestres da Alta Renascença. Leonardo da Vinci, Rafael, Giorgione, Ticiano, Tintoretto aprofundam ainda mais o conteúdo das imagens do retrato, dotam-lhes o poder do intelecto, um senso de liberdade pessoal e harmonia espiritual, atualizam significativamente os meios de expressão artística (a perspectiva aérea de Leonardo da Vinci Vinci, as descobertas colorísticas de Ticiano). As maiores realizações em retratos renascentistas estão associadas ao trabalho dos holandeses (J. van Eyck, Robert Campin - o chamado mestre flamengo, Rogier van der Weyden, H. van der Goes, Gertgen tot Sint-Jans, Luke of Leiden , K. Masseys, A. Mor) e mestres alemães (A. Durer, L. Cranach, o Velho, H. Holbein, o Jovem) dos séculos XV-XVI. Com uma semelhança estilística bem conhecida com os retratos do Renascimento italiano, suas obras se distinguem por uma maior nitidez espiritual das características, precisão subjetiva da imagem. Se os retratistas do Renascimento italiano muitas vezes pareciam elevar seu herói acima do mundo, então aqui a pessoa retratada é frequentemente apresentada como parte integrante do universo, incluída organicamente em seu sistema infinitamente complexo. O humanismo renascentista está imbuído de sutil na caracterização, elegante na execução, retratos pictóricos, gráficos e esculturais dos mestres franceses do Renascimento (J. Fuchs, J. e F. Clouet, Cornsle de Lyon, P. Bontand, J. Pilon) . Nesta época, novas formas de pintura de grupo surgiram em diferentes países. Grupos de retratos hieraticamente congelados da Idade Média são substituídos por composições multifiguradas cheias de interconexão viva e eficaz de personagens. Os primeiros exemplos significativos de retratos de grupos e pares na pintura de cavalete estão sendo criados. O tipo de retrato histórico desenvolve-se em várias formas: na arte do Maneirismo (século XVI), a pintura perde a clareza das imagens renascentistas. Revela características que refletem uma percepção dramaticamente perturbadora das contradições da época. A estrutura composicional do retrato está mudando. Eles são caracterizados por uma nitidez sublinhada e riqueza de expressão espiritual. Em graus variados, isso é característico dos retratos dos mestres italianos Pontormo, Bronzino e do pintor espanhol El Greco.

Mudanças sociais, ideológicas e científicas radicais na vida dos países da Europa Ocidental no final do século XVI e início do século XVII. influenciou a adição de novas formas de retrato. Sua especificidade passa a ser determinada pela mudança de visão de mundo, que rompeu com o antropocentrismo herdado do Renascimento desde a antiguidade. A crise de visões harmoniosamente claras sobre a realidade é acompanhada por uma complicação do mundo interior de uma pessoa, suas inter-relações com o mundo exterior e, ao mesmo tempo, um desejo irresistível de um autoconhecimento mais profundo, flexível e multifacetado, de um ampla compreensão da realidade. Tudo isso contribui para a busca no retrato de maior adequação à verdadeira aparência do modelo, revelando sua natureza complexa. Posições-chave no retrato do início do século XVII. passar indivisivelmente à pintura de cavalete. Seus cumes são determinados pela criatividade dos maiores mestres do século XVII, cujo significado ultrapassa em muito os limites da época. A enorme conquista do retrato do século XVII. é a sua profunda democratização, mais plenamente expressa na Holanda. Imagens de pessoas que representam as mais diversas camadas sociais da sociedade, faixas etárias nacionais aparecem em muitos retratos reais de Rembrandt, marcados pelo maior amor por uma pessoa, compreensão das profundezas de sua vida espiritual e beleza moral, de forma aguda retrato realista de F. Hals, revelando claramente a mobilidade variável da alma do modelo. O inusitadamente amplo apelo ao retrato de grupo, característico dos retratistas holandeses, está associado ao fortalecimento dos princípios democrático-burgueses na vida do país. Várias facetas do caráter humano aparecem no realismo profundo, encarnando a realidade em sua versatilidade e inconsistência nos trabalhos de retrato do espanhol D. Velasquez. Hals e Velazquez criam retratos de pessoas do povo, revelando a dignidade interior, a riqueza e a complexidade de seu mundo espiritual. Os retratos da nobreza da corte e da igreja nas obras de Velasquez e do escultor italiano L. Bernini são imbuídos de grande veracidade. Naturezas brilhantes e puras atraem o maior pintor flamengo do século XVII. retratos de P. Rubens, que também influenciou a composição do retrato íntimo penetrantemente lírico.A expressividade fina de características marcou o trabalho virtuoso de P. Fleming A. van Dyck. Criado no século XVII ânsia de autorrealização dos artistas, a afirmação de uma personalidade criativa contribui para o desenvolvimento amplo e multifacetado de formas de cavalete de autorretrato (Rembrandt, que alcançou alturas especiais nessa área, seu compatriota K. Fabricius, van Dyck, pintor francês N. Poussin). Tendências realistas na arte do século XVII. também apareceu no trabalho de retrato de V. Ghislandi na Itália, F. Zurbaran na Espanha, S. Cooper e J. Riley na Inglaterra, F. de Champigne, M. Lenain e R. Nanteul na França. Uma atualização significativa da estrutura ideológica e de conteúdo do retrato no século XVII. foi acompanhada pela evolução dos seus meios expressivos (uma transmissão convincente do ambiente luz-ar através de contrastes de luz e sombra, novos métodos de escrita com traços densos curtos, por vezes separados), o que confere à imagem uma vitalidade até então desconhecida, uma mobilidade realmente tangível. O movimento está no centro da composição de muitos retratos do século XVII; enquanto um grande papel é dado à expressividade do gesto da modelo. A inter-relação de enredo dos heróis do retrato de grupo é decisivamente ativada, indicando claramente sua tendência a se desenvolver em um retrato-imagem de grupo. Em um retrato do século XVII tendências negativas na arte daquela época também foram refletidas. Em muitos retratos cerimoniais dos mestres desta época, o princípio figurativo realista rompe com dificuldade a conhecida convencionalidade das formas inerentes à arte do barroco. Vários retratos carregam uma idealização franca de um cliente de alto nível (obras do pintor francês P. Mignard e do escultor A. Coisevox, e do pintor inglês P. Lely).

Já na segunda metade do século XVII. muitas realizações de um retrato realista são esquecidas. Não só o aristocrata, mas também o burguês, que se sente cada vez mais senhor da vida, exige do retrato uma lisonja incondicional. Nos retratos holandeses, a veracidade realista de Rembrandt é substituída por sentimentalismo açucarado, teatralidade fria e representatividade condicional. O retrato aristocrático da corte floresce especialmente na França. No século 18 a arte oficial mostra numerosos exemplos de retratos cerimoniais, falsamente idealizadores, muitas vezes "mitificados" (J. Nattier, F. G. Drouet), nos quais o papel principal é dado à elegância decorativa do modelo. Ao mesmo tempo na arte do século 18. surge e afirma-se um novo retrato realista, em muitos aspectos ligado aos ideais humanísticos do Iluminismo. Na França, é representado pelas imagens nitidamente analíticas do pintor M.C. Latour, pelos escultores J.A. Houdon e J.B. Pigalle, pelas obras tardias refinadas e intelectuais de A. Watteau e pelos retratos de “gênero” de J.B. S. Chardin, repletos de lirismo e pastéis calorosos de J. B. Perronneau, virtuoso na execução com retratos reais de O. Fragonard; no Reino Unido - trabalhos de retrato nitidamente sociais e democráticos de W. Hogarth. Novas tendências realistas manifestam-se especialmente plena e profundamente na pintura da segunda metade do século XVIII e início do século XIX, quando mestres brilhantes como J. Reynolds e T. Gainsborough na Grã-Bretanha e J. Stuart nos EUA atuaram. Os retratos íntimos e cerimoniais criados por estes pintores distinguem-se pela precisão das características sociais, pela subtileza da análise psicológica, pela revelação profunda do mundo interior e pela riqueza de sentimentos das pessoas retratadas.

Na Rússia, um interesse crescente pelo retrato se manifestou no século XVII. em conexão com o crescimento econômico, político e cultural do país. Parsuna é amplamente utilizado. No século 18 há um desenvolvimento intensivo do retrato russo secular (pinturas de I. N. Nikitin, A. M. Matveev, A. P. Antropov, I. P. Argunov, I. Ya. Vishnyakov), que no final do século se equiparou às mais altas realizações do mundo moderno retrato (pinturas de F. S. Rokotov, D. G. Levitsky, V. L. Borovikovsky, esculturas de F. I. Shubin, gravuras de E. P. Chemesov).

A Grande Revolução Francesa contribuiu muito para a solução de novas tarefas no gênero retrato. Seus eventos foram diretamente inspirados por uma série de histórias, pinturas de retratos de J. L. David, marcadas por traços do classicismo. Em criado por David na virada dos séculos 18-19. Uma extensa galeria de retratos de representantes de vários círculos da sociedade, apontados em termos de características sociais, revelava com clareza e veracidade muitos aspectos significativos da época. Idéias revolucionárias de libertação foram refletidas nos retratos extremamente realistas realizados pelo espanhol F. Goya e lançaram as bases para uma linha crítica no gênero de P. Retratos íntimos e auto-retratos de Goya são basicamente românticos. As tendências românticas se desenvolveram na primeira metade do século XIX. no trabalho de retratos dos pintores T. Géricault e E. Delacroix, o escultor F. Rude na França, os pintores O. A. Kiprensky, K. P. Bryullov e parcialmente V. A. Tropinin na Rússia, O. Runge na Alemanha. Junto com eles, desenvolvem-se as tradições retratistas do classicismo, repletas de novos conteúdos de vida (na França, o pintor J. O. D. Ingres). O nome do francês O. Daumier está associado ao surgimento no século XIX. os primeiros exemplos significativos de um retrato satírico em gráficos e esculturas.

O problema da caracterização social, a divulgação consistente dos méritos éticos de uma pessoa por meio de sua psicologia, é resolvido de maneira nova e diferente no retrato realista de meados e segunda metade do século XIX. A abrangência geográfica do retrato está se expandindo ainda mais, várias escolas nacionais aparecem, uma infinidade de tendências estilísticas representadas por vários indivíduos criativos (G. Courbet na França; A. Menzel, V. Leibl na Alemanha; A. Stephens em Grã-Bretanha; E. Werenschell na Noruega; J. Matejko na Polônia, M. Munkácsy na Hungria, K. Manes na Tchecoslováquia, T. Aikins nos EUA).

Grandes conquistas no campo do retrato foram notadas na segunda metade do século XIX. o trabalho dos mestres russos associados ao fortalecimento das tendências democráticas na vida do país. Andarilhos V.G. Perov, N. N. Ge, I. N. Kramskoy, N. A. Yaroshenko e especialmente I. E. Repin criam uma galeria de retratos de figuras proeminentes da cultura nacional. Os retratos de camponeses de Perov, Kramskoy e Repin refletem o profundo interesse dos artistas democráticos em representar as pessoas comuns como uma pessoa significativa, cheia de rica vida interior. Os pintores de retratos russos costumam recorrer ao tipo de retrato, cujos heróis são representantes anônimos do povo e da intelectualidade revolucionária, criam amostras de retratos enfaticamente acusatórios, introduzem amplamente o princípio do retrato em gêneros cotidianos e históricos (pinturas de V. I. Surikov).

Com o nascimento da fotografia, surge e desenvolve-se um retrato fotográfico sob forte influência do retrato, que, por sua vez, estimula a procura de novas formas de estruturação figurativa, tanto pictórica como escultórica e gráfica, inacessíveis à arte fotográfica.

No último terço do século XIX na França, as descobertas dos mestres do impressionismo e pintores próximos a eles E. Manet, O. Renoir, E. Degas, escultor O. Rodin levam a uma renovação significativa do conceito ideológico e artístico do retrato. No centro de seu trabalho de retratos estão imagens imbuídas de profundo humanismo, transmitindo a variabilidade da aparência e do comportamento do modelo em um ambiente igualmente mutável. Em graus variados, as características do impressionismo são inerentes aos retratos do trabalho do sueco A. Zorn, do alemão M. Lieberman, dos americanos J. M. Whistler e J. S. Sargent, do artista russo K. A. Korovin. Em termos de seus objetivos e estrutura figurativa, o retrato impressionista é oposto ao trabalho de retrato do maior mestre francês do último terço do século XIX. P. Cezanne, que procurou expressar certas propriedades estáveis ​​do modelo em uma imagem artística monumental e integral. Ao mesmo tempo, foram criados retratos dramáticos e nervosamente intensos do holandês W. van Gogh, refletindo profundamente os problemas candentes da vida moral e espiritual do homem moderno. Uma espécie de marca na linguagem artística do retrato no final do século XIX - início do século XX. impõe o estilo "moderno", conferindo-lhe uma nitidez lacônica, muitas vezes dando as características do modelo de feições grotescas (retratos criados por A. de Toulouse-Lautrec na França, E. Munch na Noruega e outros).

Na Rússia pré-revolucionária, o realismo adquire uma nova qualidade nos retratos agudamente psicológicos criados por V. A. Serov, cheios de profundo pathos social, nos retratos de M. A. Vrubel, S. V. Malyutin, A. Ya. Golovina, nos retratos-tipos socialmente expressivos de trabalhadores de N. A. Kasatkin, a obra do escultor S. T. Konenkov, nos retratos-pinturas que glorificam a integridade da natureza popular de A. E. Arkhipov, B. M. Kustodieva, F. A. Malyavin, retratos liricamente íntimos na obra de V. E. Borisov-Musatov, K. A. Somov, Z. E. Serebryakova. Por outro lado, há uma acentuada degradação do gênero em inúmeros exemplos de retratos de salão, trabalhos de retratos de representantes de vários grupos de “esquerda”.

No século 20 tendências especialmente complexas e contraditórias na arte da nova era histórica, a crescente luta entre as culturas democrática e burguesa, manifestaram-se no gênero retrato. Com base no modernismo, surgem obras desprovidas da própria especificidade de um retrato, partindo enfaticamente da aparência real do modelo, reduzindo sua imagem a um esquema condicional e abstrato. Em contraste com eles, há uma busca intensa por novos meios realistas de afirmação no retrato da força espiritual e da beleza do homem. As tradições realistas do retrato continuam de diferentes maneiras nos gráficos de K. Kollwitz na Alemanha, na pintura de W. Orpen e O. John na Grã-Bretanha, na escultura de A. Bourdelle, A. Maillol, Ch. Despiaux na França. No trabalho de retrato dos maiores mestres da Europa Ocidental do século XX. (P. Picasso, A. Matisse, A. Derain, J. Rouault, A. Modigliani na França, J. Gros, O. Dix, E. Barlach na Alemanha, O. Kokoschka na Áustria) coexistem, e às vezes conflitantes tendências artísticas.

Em meados do século 20 o desenvolvimento do retrato torna-se cada vez mais complexo, cada vez mais caracterizado por características de crise. A perda de um princípio de afirmação da vida por um retrato é acompanhada por uma distorção deliberada (deformação) da aparência humana. Em várias correntes do modernismo, a imagem do homem praticamente desaparece. No entanto, mestres estrangeiros progressistas (pintores R. Guttuso na Itália, H. Erni na Suíça, D. Rivera e D. Siqueiros no México, E. Wyeth nos EUA, Saison Maeda no Japão; escultores K. Dunikovsky na Polônia, V. Aaltonen na Finlândia, J. Manzu na Itália, D. Davidson e J. Epstein nos EUA) desenvolveram criativamente e continuam a desenvolver as tradições do retrato realista mundial, enriquecendo-as com novas descobertas artísticas, criando imagens cheias de verdade da vida e humanísticas pathos. As posições do realismo socialmente ativo, essencialmente democrático, são ocupadas pelos artistas dos países socialistas: F. Kremer na RDA, K. Baba na Romênia, J. Kisfaludi-Strobl na Hungria, D. Uzunov na Bulgária e outros.

O retrato soviético é uma etapa qualitativamente nova na história da arte do retrato mundial, um dos principais gêneros da arte soviética, marcado por todas as suas características. No retrato soviético, houve uma tendência constante para seu desenvolvimento uniforme em todos os principais tipos de belas artes. A imagem do retrato é cada vez mais incluída na imagem do enredo, escultura monumental, cartaz, gráficos satíricos, etc. O retrato soviético é multinacional; ele absorveu as tradições do retrato realista da Europa Ocidental e da Rússia, bem como as realizações de muitos retratistas dos séculos XIX e XX, representando vários povos da URSS. O conteúdo principal do retrato soviético é a imagem de um novo homem, o construtor do comunismo, o portador de qualidades espirituais como coletivismo, humanismo socialista, internacionalismo, propósito revolucionário. O personagem principal do retrato soviético é o representante do povo. Existem retratos-tipos e retratos-imagens que refletem novos fenômenos na vida profissional e social do país (obras de I. D. Shadr, G. G. Ryazhsky, A. N. Samokhvalov, S. V. Gerasimov, S. A. Chuikov) . Juntamente com as imagens de retratos da intelligentsia soviética, criadas por mestres como os pintores Malyutin, K. S. Petrov-Vodkin, M. V. Nesterov, P. D. Korin, I. E. Grabar, P. P. Konchalovsky, M. S. Saryan, S. M. Agadzhanyan, K. K. Magalashvili, T. T. Salakhov, L. Muuga, escultores Konenkov, V. I. Mukhina, S. D. Lebedeva. T. Zalkaln, L. Davydova-Medene, artistas gráficos V. A. Favorsky, G. S. Vereisky, E. Einmann, retratos realistas de trabalhadores, soldados do exército soviético aparecem (escultura de E. V. Vuchetich, N. V. Tomsky, G. G. Chubaryan, pintura de A. A. Shovkunenko, V. P. Efanov, I. A. Serebryany, desenho de F. Paulyuk) e agricultores coletivos (pintura de A. A. Plastov, A. Gudaitis, I. N. Klychev). Em uma nova base ideológica e artística, são criados retratos de grupo (obras de A. M. Gerasimov, Korin, D. D. Zhilinsky). Retratos históricos e, em particular, histórico-revolucionários dos mestres das repúblicas da União ("Leniniana" de N. A. Andreev, obras de I. I. Brodsky, Vl. A. Serov, V. I. Kasiyan, Ya. I. Nikoladze). Desenvolvendo-se de acordo com o método ideológico e artístico unificado do realismo socialista, o retrato soviético se distingue pela diversidade de personalidades criativas de seus mestres, pela riqueza de maneiras artísticas e soluções temáticas e pela busca ousada de novos meios de expressão.