Os métodos de ensino do trabalho artístico têm características específicas, devido à atividade cognitiva dos alunos mais novos:

a natureza dos processos técnicos e operações trabalhistas;

desenvolvimento do pensamento politécnico, habilidades técnicas;

· formação de conhecimentos e competências politécnicos generalizadores.

A aula de trabalho artístico e artes plásticas caracteriza-se por uma classificação de métodos de acordo com os métodos de atividade do professor e dos alunos, uma vez que dois processos interligados saem mais claramente no ensino destas disciplinas: a atividade prática independente dos alunos e o protagonismo do professor.

Assim, os métodos são divididos em 2 grupos:

1) Métodos de trabalho independente dos alunos sob a orientação de um professor.

2) Métodos de ensino, aprendizagem.

Métodos de ensino que são determinados pela fonte do conhecimento adquirido inclui 3 tipos principais:

verbal;

visual;

prático.

A formação de competências e habilidades está associada às atividades práticas dos alunos. Decorre daí que é necessário colocar o tipo de atividade dos alunos como base para os métodos de formação de competências.

Por tipo de atividade do aluno(classificação de acordo com o tipo de atividade cognitiva por I.Ya. Lerner e M.N. Skatkin) os métodos são divididos em:

· reprodutiva;

busca parcial;

· problemático;

pesquisar;

explicativo e ilustrativo.

Todos os métodos acima referem-se aos métodos de organização da atividade educacional e cognitiva (classificação de Yu.K. Babansky).

Considerando o método de estimular a atividade educativa nas aulas de trabalho artístico e artes plásticas, é eficaz utilizar o método de formação do interesse cognitivo. Além disso, não se esqueça de usar o método de controle e autocontrole.

Métodos de organização e implementação de atividades educativas e cognitivas - um grupo de métodos de ensino destinados a organizar a atividade educacional e cognitiva dos alunos, identificados por Yu.K. Babansky e inclui todos os métodos de ensino existentes de acordo com outras classificações na forma de subgrupos.

1. Métodos de ensino verbal

Os métodos verbais permitem transmitir uma grande quantidade de informação no menor tempo possível, colocam um problema aos formandos e indicam formas de os resolver. Com a ajuda da palavra, o professor pode trazer à mente das crianças imagens vívidas do passado, presente e futuro da humanidade. A palavra ativa a imaginação, a memória, os sentimentos dos alunos.

Os métodos de ensino verbal incluem uma história, uma palestra, uma conversa, etc. No processo de sua aplicação, o professor expressa e explica o material educacional através da palavra, e os alunos aprendem ativamente através da escuta, memorização e compreensão.

História. O método de contação de histórias envolve uma apresentação narrativa oral do conteúdo do material educativo. Este método é aplicado em todas as fases da escolarização. Nas aulas de artes plásticas, é usado pelo professor principalmente para comunicar novas informações (informações interessantes da vida de artistas famosos), novos requisitos. A história deve atender aos seguintes requisitos didáticos: ser convincente, concisa, emocional, acessível à compreensão dos alunos do ensino fundamental.

Muito pouco tempo é destinado à história do professor nas aulas de trabalho artístico e artes plásticas, e, portanto, seu conteúdo deve ser limitado a um curto, correspondendo estritamente aos objetivos da aula e da tarefa prática do trabalho. Ao utilizar novos termos na história, o professor deve pronunciá-los de forma expressiva e escrevê-los no quadro.

Diversos tipos de história :

o história de introdução;

o história - apresentação;

o história-conclusão.

O objetivo do primeiro é preparar os alunos para a percepção de novos materiais didáticos, que podem ser realizados por outros métodos, como a conversação. Este tipo de história é caracterizado por relativa brevidade, brilho, entretenimento e apresentação emocional, o que possibilita despertar o interesse por um novo tema, desperta a necessidade de sua assimilação ativa. Durante tal história, as tarefas das atividades dos alunos na aula são relatadas.

Durante a apresentação da história, o professor revela o conteúdo do novo tópico, realiza a apresentação de acordo com um determinado plano de desenvolvimento lógico, em uma sequência clara, isolando o principal, com ilustrações e exemplos convincentes.

A conclusão da história geralmente é realizada no final da lição. O professor resume as principais ideias nele, tira conclusões e generalizações, dá uma tarefa para mais trabalhos independentes sobre este tópico.

Durante a aplicação do método de contar histórias, tais técnicas metodológicas como: apresentação de informações, ativação da atenção, métodos de aceleração da memorização, métodos lógicos de comparação, comparação, destacando o principal.

Condições para uso eficaz a história é um pensamento cuidadoso do plano, a escolha da sequência mais racional de divulgação do tema, a seleção bem-sucedida de exemplos e ilustrações, mantendo o tom emocional da apresentação.

Conversação. A conversação é um método de ensino dialógico em que o professor, ao propor um sistema de perguntas cuidadosamente pensado, leva os alunos a compreender um novo material ou verifica a sua assimilação do que já estudou.

A conversação é um dos métodos mais antigos de trabalho didático. Foi magistralmente utilizado por Sócrates, em cujo nome se originou o conceito de “conversação socrática”.

Nas aulas de trabalhos artísticos e artes plásticas, a história muitas vezes se transforma em conversa. A conversa visa obter novos conhecimentos e consolidá-los através de uma troca oral de pensamentos entre o professor e o aluno. A conversa contribui para a ativação do pensamento das crianças e é mais convincente quando combinada com uma demonstração de objetos naturais, com sua imagem.

Dependendo das tarefas específicas, o conteúdo do material educacional, o nível de atividade cognitiva criativa dos alunos, o lugar da conversa no processo didático, vários tipos de conversas .

Difundido no ensino das artes plásticas e do trabalho artístico é conversa heurística(da palavra "Eureka" - eu acho, aberto). No decorrer de uma conversa heurística, o professor, apoiando-se no conhecimento e na experiência prática dos alunos, leva-os a compreender e assimilar novos conhecimentos, formular regras e conclusões.

Usado para comunicar novos conhecimentos informando conversas. Se a conversa precede o estudo de um novo material, chama-se introdutório ou introdutório. O objetivo de tal conversa é despertar nos alunos um estado de prontidão para aprender coisas novas. A necessidade de uma conversação contínua pode surgir no decorrer do trabalho prático. Através da "pergunta - resposta" os alunos recebem informações adicionais. Fixação ou final as conversas são aplicadas depois de aprender um novo material. Seu objetivo é discutir e avaliar o trabalho dos alunos.

Durante a conversa, as perguntas podem ser dirigidas a um aluno ( conversa individual) ou alunos de toda a turma ( conversa frontal).

Requisitos da entrevista.

O sucesso das entrevistas depende em grande parte da exatidão das perguntas. As perguntas são feitas pelo professor a toda a turma para que todos os alunos se preparem para a resposta. As perguntas devem ser curtas, claras, significativas, formuladas de forma a despertar o pensamento do aluno. Você não deve colocar o dobro, induzindo perguntas ou levando a adivinhar a resposta. Você não deve formular perguntas alternativas que exijam respostas inequívocas, como "sim" ou "não".

Em geral, o método de conversação tem o seguinte Benefícios : ativa os alunos, desenvolve a memória e a fala, abre o conhecimento dos alunos, tem grande poder educativo, é uma boa ferramenta de diagnóstico.

Desvantagens do método de conversação : leva muito tempo, requer um estoque de conhecimento.

Explicação. A explicação é uma interpretação verbal de padrões, propriedades essenciais do objeto em estudo, conceitos individuais, fenômenos.

Nas aulas de artes plásticas e trabalhos artísticos, o método explicativo pode ser utilizado na parte introdutória da aula para familiarizar-se com a execução de várias costuras, juntamente com a demonstração do produto, ao se familiarizar com vários métodos de trabalho com uma escova, etc

Na preparação para o trabalho, o professor explica como organizar racionalmente o local de trabalho; ao planejar, explica como determinar a seqüência de operações.

No processo de explicação, o professor familiariza os alunos com as propriedades dos materiais e a finalidade das ferramentas, com ações, técnicas e operações racionais de trabalho, novos termos técnicos (nas aulas de trabalho artístico); com métodos de trabalho com pincel e a sequência de desenho, construção de objetos (nas aulas de desenho).

Requisitos para o método de explicação. A utilização do método de explicação requer uma formulação precisa e clara do problema, a essência do problema, a questão; divulgação consistente de relações de causa e efeito, argumentação e evidências; uso de comparação, comparação e analogia; atraindo exemplos vívidos; lógica de apresentação impecável.

Discussão. A discussão como método de ensino baseia-se na troca de pontos de vista sobre um determinado assunto, e esses pontos de vista refletem as próprias opiniões dos participantes ou são baseados nas opiniões de outros. Este método é aconselhável quando os alunos têm um grau significativo de maturidade e pensamento independente, são capazes de argumentar, provar e fundamentar seu ponto de vista. Também tem um grande valor educativo: ensina você a ver e compreender o problema mais profundamente, a defender sua posição de vida, a contar com as opiniões dos outros.

Este método é mais adequado para uso no ensino médio. Mas se os alunos do ensino fundamental têm os recursos acima (classes fortes), faz sentido começar a introduzir esse método (por exemplo, ao conhecer o trabalho dos artistas, ou seja, suas obras).

Resumo. Este método é entendido como uma explicação dos métodos das ações trabalhistas, sua exibição precisa e execução segura (trabalho artístico).

Tipos de instrução:

No momento do evento:

Introdutório - é realizado no início da lição, inclui a formulação de uma tarefa de trabalho específica, é fornecida uma descrição das operações, é realizada uma explicação dos métodos de trabalho.

Atual - realizado durante as atividades práticas, inclui uma explicação dos erros cometidos, descobrindo os motivos, deficiências no trabalho, corrigindo erros, explicando as técnicas corretas, realizando o autocontrole.

Final - inclui uma análise do trabalho, uma descrição dos erros cometidos no trabalho, classificação para o trabalho dos alunos.

· Por cobertura de alunos: individual, grupo, sala de aula.

· De acordo com a forma de apresentação: oral, escrita, gráfica, mista.

2. Métodos de ensino visual

Métodos de ensino visual são entendidos como aqueles métodos em que a assimilação do material educacional é significativamente dependente dos recursos visuais e dos meios técnicos utilizados no processo de aprendizagem.

Os métodos visuais são usados ​​em conjunto com métodos de ensino verbais e práticos.

Os métodos de ensino visual podem ser divididos condicionalmente em 2 grupos grandes :

· método de ilustração;

método de demonstração.

Demonstração(lat. demonstratio - mostrando) - um método expresso em mostrar a toda a classe na aula vários recursos visuais.

A demonstração consiste em um conhecimento visual-sensual dos alunos com fenômenos, processos, objetos em sua forma natural. Este método serve principalmente para revelar a dinâmica dos fenômenos em estudo, mas também é amplamente utilizado para conhecer a aparência de um objeto, sua estrutura interna ou localização em uma série de objetos homogêneos. Ao demonstrar objetos naturais, eles geralmente começam com sua aparência (tamanho, forma, cor, partes e suas relações) e depois passam para a estrutura interna ou propriedades individuais que são especialmente destacadas e enfatizadas (o funcionamento do dispositivo etc. ). Demonstração de obras de arte, amostras de roupas, etc. também começa com uma percepção holística. O show é frequentemente acompanhado por um esboço esquemático dos objetos considerados. A demonstração dos experimentos é acompanhada por desenhos no quadro ou pela apresentação de diagramas que facilitam a compreensão dos princípios subjacentes à experiência.

Este método é realmente eficaz apenas quando os próprios alunos estudam objetos, processos e fenômenos, realizam as medições necessárias, estabelecem dependências, devido às quais um processo cognitivo ativo é realizado - as coisas, os fenômenos são compreendidos, e não as ideias de outras pessoas sobre eles.

Os objetos da demonstração são : recursos visuais de demonstração, figuras, tabelas, diagramas, mapas, transparências, filmes, maquetes, layouts, diagramas, grandes objetos naturais e preparações, etc.;

A demonstração é usada pelo professor principalmente ao estudar material novo, bem como ao resumir e repetir o material já estudado.

Condições para a eficácia da demonstração são: explicações cuidadosamente pensadas; garantir uma boa visibilidade dos objetos demonstrados a todos os alunos; amplo envolvimento deste último na preparação e realização da manifestação.

Ilustração como método de ensino a interação é usada pelo professor para criar na mente dos alunos com a ajuda de recursos visuais uma imagem precisa, clara e clara do fenômeno que está sendo estudado.

Ilustração da função principal consiste em recriar figurativamente a forma, a essência do fenômeno, sua estrutura, conexões, interações para confirmar posições teóricas. Ajuda a trazer todos os analisadores e os processos mentais de sensação, percepção e representação associados a eles em um estado de atividade, como resultado do qual surge uma rica base empírica para a atividade mental generalizadora e analítica das crianças e do professor.

As ilustrações são usadas no processo de ensino de todas as disciplinas. Como ilustração, são utilizados objetos naturais e criados artificialmente: maquetes, maquetes, manequins; obras de arte, fragmentos de filmes, obras literárias, musicais, científicas; ajudas simbólicas como mapas, diagramas, gráficos, diagramas.

O resultado educacional do uso de ilustrações se manifesta na garantia da clareza da percepção inicial do assunto estudado pelos alunos, da qual dependem todo o trabalho posterior e a qualidade de assimilação do material estudado.

Essa divisão de recursos visuais em ilustrativos ou demonstrativos é condicional; não exclui a possibilidade de classificar os auxílios visuais individuais como ilustrativos e demonstrativos (por exemplo, mostrar ilustrações por meio de um epidiascópio ou escopo aéreo). A introdução de novos meios técnicos no processo educacional (gravadores de vídeo, computadores) amplia as possibilidades dos métodos de ensino visual.

Na aula de trabalho artístico, os alunos executam a parte principal dos produtos de acordo com imagens gráficas. Esses incluem:

Desenho artístico - uma imagem real de um objeto, é usado se o objeto em si não puder ser mostrado devido à sua ausência, tamanhos pequenos ou grandes; possibilita a identificação do material e da cor (utilizada nas aulas de trabalhos artísticos e artes plásticas);

Desenho técnico - uma imagem gráfica, que é feita arbitrariamente, à mão, usando ferramentas de desenho e medição; todos os elementos estruturais são transmitidos com preservação aproximada de dimensões e proporções (utilizados nas aulas de arte);

Esboço - uma reflexão condicional de um objeto, que é feita sem o uso de ferramentas de desenho e medição com preservação aproximada de dimensões e proporções (usadas nas aulas de trabalhos artísticos e artes plásticas);

Desenho - uma representação gráfica de um objeto com a ajuda de desenhar e medir objetos em uma determinada escala, com preservação precisa das dimensões, usando os métodos de proporções paralelas, contém dados sobre o tamanho e a forma do objeto (usado nas aulas de arte) ;

Uma ficha técnica é uma imagem que pode conter um desenho de um produto, ferramentas, materiais e utensílios podem ser indicados, mas sempre há uma sequência de operações e métodos de trabalho (usados ​​nas aulas de arte).

Requisitos para usar métodos visuais: a visualização utilizada deve ser adequada à idade dos alunos; a visibilidade deve ser usada com moderação e deve ser mostrada de forma gradual e somente no momento apropriado da aula; a observação deve ser organizada de tal forma que todos os alunos possam ver claramente o objeto que está sendo demonstrado; é necessário destacar claramente o principal, essencial ao mostrar ilustrações; reflita detalhadamente sobre as explicações dadas durante a demonstração dos fenômenos; a visualização demonstrada deve ser exatamente consistente com o conteúdo do material; envolver os próprios alunos na busca da informação desejada em um auxílio visual ou em um dispositivo de demonstração.

Uma característica dos métodos de ensino visual é que eles necessariamente envolvem, em um grau ou outro, sua combinação com métodos verbais. A estreita relação entre a palavra e a visualização decorre do fato de que "o caminho dialético da cognição da realidade objetiva envolve o uso da contemplação viva, do pensamento abstrato e da prática em unidade".

Existem várias formas de comunicação entre palavras e visualização. E dar preferência total a alguns deles seria um erro, pois dependendo das características dos objetivos de aprendizagem, do conteúdo do tópico, da natureza dos recursos visuais disponíveis, bem como do nível de preparação dos alunos, é necessário em cada caso para escolher sua combinação mais racional.

O uso de métodos de ensino visual em aulas de tecnologia é reduzido a um uso mínimo de métodos de ensino verbal.

3. Métodos práticos de ensino

Os métodos de ensino prático baseiam-se nas atividades práticas dos alunos. Esses métodos formam habilidades e habilidades práticas. Os métodos práticos incluem exercícios, trabalho prático.

Exercícios. Os exercícios são entendidos como a execução repetida (múltipla) de uma ação mental ou prática para dominá-la ou melhorar sua qualidade. Os exercícios são usados ​​no estudo de todas as disciplinas e em várias etapas do processo educacional. A natureza e a metodologia dos exercícios dependem das características da disciplina, do material específico, do tema em estudo e da idade dos alunos.

Exercícios subdivididos de acordo com sua natureza no:

· oral;

· escrito;

· educacional e trabalhista;

· gráfico.

Ao realizar cada uma delas, os alunos realizam trabalhos mentais e práticos.

De acordo com o grau de independência alunos durante o exercício distribuir :

· exercícios para reproduzir o conhecido para consolidar;

· reprodução de exercícios;

· exercícios para aplicar o conhecimento em novas condições-exercícios de treino.

Se, ao realizar ações, o aluno fala para si mesmo ou em voz alta, comenta as próximas operações, tais exercícios são chamados de comentados. Comentar as ações ajuda o professor a detectar erros típicos, fazer ajustes nas ações dos alunos.

Características do uso de exercícios.

exercícios orais contribuir para o desenvolvimento do raciocínio lógico, memória, fala e atenção dos alunos. Eles são dinâmicos, não requerem manutenção de registros demorada.

Exercícios escritos são usados ​​para consolidar conhecimentos e desenvolver habilidades em sua aplicação. Seu uso contribui para o desenvolvimento do pensamento lógico, a cultura da escrita, a independência no trabalho. Exercícios escritos podem ser combinados com orais e gráficos.

Para exercícios gráficos incluir o trabalho dos alunos na elaboração de diagramas, desenhos, gráficos, cartazes, stands, etc.

Os exercícios gráficos geralmente são realizados simultaneamente com os escritos.

Seu uso ajuda os alunos a perceber, compreender e memorizar melhor o material didático, contribui para o desenvolvimento da imaginação espacial. As obras gráficas, dependendo do grau de independência dos alunos na sua execução, podem ser de natureza reprodutora, formativa ou criativa.

Os exercícios só são eficazes se forem observadas várias regras.

Requisitos para o método de exercício: abordagem consciente dos alunos à sua implementação; observância da sequência didática na realização de exercícios - primeiro, exercícios para memorizar e memorizar material educacional, depois - para reprodução - para aplicação do aprendido anteriormente - para transferência independente do que foi aprendido para situações não padronizadas - para aplicação criativa , que garante a inclusão de novos materiais no sistema de conhecimentos, competências e habilidades já adquiridos. Também são extremamente necessários exercícios de busca de problemas, que formam a capacidade de adivinhação, intuição dos alunos.

Na aula de trabalho artístico, os alunos, juntamente com o conhecimento politécnico, dominam as habilidades gerais do trabalho politécnico: equipar um local, projetar um produto do trabalho, planejar um processo de trabalho e realizar operações tecnológicas.

Ao usar métodos práticos, habilidades e habilidades são formadas.

Açõestécnicashabilidades de operação.

Ações - são realizadas pelos alunos em um ritmo lento com consideração cuidadosa de cada elemento realizado.

Técnicas - requerem maior reflexão e aperfeiçoamento no processo de exercícios especiais.

As operações são técnicas combinadas.

Competências - conhecimento que é aplicado na prática, entendido como a realização consciente de ações especificadas pelos alunos com a escolha dos métodos corretos de trabalho, mas o conhecimento pode não ser levado ao nível das competências.

Habilidades - ações que são levadas até certo ponto ao automatismo e são executadas em situações padrão comuns.

As habilidades são desenvolvidas por exercícios reutilizáveis ​​do mesmo tipo sem alterar o tipo de atividade. Durante o trabalho, o professor se concentra na formação de habilidades laborais nas crianças. As habilidades são manifestadas pelas ações de uma pessoa em uma situação desconhecida. Para a formação de habilidades, são realizados vários exercícios que permitem transferir o método de ação para uma nova situação.

Os alunos da escola primária nas aulas de arte formam três grupos principais de habilidades:

1. Competências politécnicas - medição, informática, gráfica, tecnológica.

2. Competências gerais de trabalho - organizacional, design, diagnóstico, operador.

3. Habilidades especiais de trabalho - processamento de diferentes materiais de diferentes maneiras.

4. A formação de competências está sempre associada a atividades práticas.

Esta é uma breve descrição dos métodos de ensino, classificados por fontes de conhecimento. A principal desvantagem dessa classificação é que ela não reflete a natureza da atividade cognitiva dos alunos na aprendizagem, não reflete o grau de sua independência no trabalho educacional. No entanto, é essa classificação que é mais popular entre os professores praticantes, metodologistas e é usada em aulas de tecnologia e artes plásticas.

4. Métodos de aprendizagem reprodutiva

A natureza reprodutiva do pensamento envolve a percepção ativa e a memorização das informações fornecidas pelo professor ou outra fonte de informação educacional. A aplicação desses métodos é impossível sem o uso de métodos e técnicas de ensino verbal, visual e prático, que são, por assim dizer, a base material desses métodos. Esses métodos baseiam-se principalmente na transferência de informações usando palavras, a demonstração de objetos naturais, desenhos, pinturas, imagens gráficas.

Para atingir um nível superior de conhecimento, o professor organiza as atividades das crianças para reproduzir não apenas o conhecimento, mas também os métodos de ação.

Neste caso, muita atenção deve ser dada à instrução com uma demonstração (nas aulas de arte) e uma explicação da sequência e métodos de trabalho com um espetáculo (nas aulas de arte). Ao realizar tarefas práticas, reprodutivas, ou seja, a atividade reprodutiva das crianças é expressa na forma de exercícios. O número de reproduções e exercícios ao usar o método reprodutivo determina a complexidade do material educativo. Sabe-se que nas séries iniciais, as crianças não conseguem realizar os mesmos exercícios de treinamento. Portanto, elementos de novidade devem ser constantemente introduzidos nos exercícios.

Na construção reprodutiva da história, o professor formula fatos, evidências, definições de conceitos de forma pronta, concentra-se no principal que precisa ser aprendido com especial firmeza.

Uma conversa organizada de forma reprodutiva é conduzida de tal forma que o professor se baseia em fatos já conhecidos dos alunos, em conhecimentos previamente adquiridos, e não se propõe a discutir hipóteses ou suposições.

Os trabalhos práticos de natureza reprodutiva distinguem-se pelo facto de, no decurso do seu trabalho, os alunos aplicarem os conhecimentos previamente adquiridos ou recém-adquiridos de acordo com o modelo.

Ao mesmo tempo, no decorrer do trabalho prático, os alunos não aumentam seus conhecimentos de forma independente. Os exercícios reprodutivos contribuem especialmente eficazmente para o desenvolvimento de habilidades práticas, pois a transformação de habilidade em habilidade requer ações repetidas de acordo com o modelo.

Os métodos reprodutivos são usados ​​de forma especialmente eficaz nos casos em que o conteúdo do material educacional é predominantemente informativo, é uma descrição dos métodos de ações práticas, é muito complexo ou fundamentalmente novo para que os alunos possam realizar uma busca independente de conhecimento.

Em geral, os métodos reprodutivos de ensino não permitem desenvolver o pensamento dos escolares na medida adequada, e principalmente independência, flexibilidade de pensamento; desenvolver as habilidades dos alunos na atividade de pesquisa. Com uso excessivo, esses métodos contribuem para a formalização do processo de domínio do conhecimento e, às vezes, apenas cramming. É impossível desenvolver com sucesso qualidades pessoais como uma abordagem criativa aos negócios, independência apenas por métodos reprodutivos. Tudo isso não permite que sejam usados ​​ativamente nas aulas de tecnologia, mas exige o uso de métodos de ensino junto com eles que garantam a atividade de busca ativa dos escolares.

5. Métodos de ensino problemáticos.

O método de ensino de problemas prevê a formulação de certos problemas que são resolvidos como resultado da atividade criativa e mental dos alunos. Este método revela aos alunos a lógica do conhecimento científico; criando situações-problema, o professor estimula os alunos a construir hipóteses, raciocínios; realizando experimentos e observações, permite refutar ou confirmar as suposições apresentadas, para tirar conclusões razoáveis ​​de forma independente. Nesse caso, o professor usa explicações, conversas, demonstrações, observações e experimentos. Tudo isso cria uma situação-problema para os alunos, envolve as crianças em uma busca científica, ativa seu pensamento, força-as a prever e experimentar. Mas, ao mesmo tempo, é necessário levar em consideração as características da idade das crianças.

A apresentação do material didático pelo método da história-problema pressupõe que o professor, no decorrer da apresentação, reflita, comprove, generalize, analise os fatos e conduza o pensamento dos alunos, tornando-o mais ativo e criativo.

Um dos métodos de aprendizagem baseada em problemas é a conversação heurística e de busca de problemas. Ao longo dela, o professor coloca uma série de perguntas consistentes e inter-relacionadas aos alunos, respondendo às quais eles devem fazer quaisquer suposições e depois tentar provar de forma independente sua validade, fazendo assim algum progresso independente na assimilação de novos conhecimentos. Se durante uma conversa heurística tais suposições geralmente dizem respeito apenas a um dos principais elementos de um novo tópico, durante uma conversa de busca de problemas, os alunos resolvem toda uma série de situações-problema.

Auxílios visuais para métodos de ensino problemáticos não são mais usados ​​apenas para melhorar a memorização e para definir tarefas experimentais que criam situações problemáticas na sala de aula.

Os métodos problemáticos são usados ​​principalmente com o objetivo de desenvolver habilidades na atividade criativa educacional e cognitiva, contribuem para um domínio do conhecimento mais significativo e independente.

Este método revela aos alunos a lógica do conhecimento científico. Elementos da metodologia do problema podem ser introduzidos nas aulas de trabalho artístico do 3º ano.

Assim, ao modelar barcos, o professor demonstra experimentos que colocam certos problemas para os alunos. Um pedaço de papel alumínio é colocado em um copo cheio de água. As crianças observam o papel alumínio afundar.

Por que o papel alumínio afunda? As crianças apresentam a suposição de que o papel alumínio é um material pesado, então afunda. Em seguida, o professor faz uma caixa de papel alumínio e cuidadosamente a abaixa de cabeça para baixo no vidro. As crianças observam que, neste caso, a mesma folha é mantida na superfície da água. Assim, surge uma situação problemática. E a primeira suposição de que materiais pesados ​​sempre afundam não se confirma. Então, o ponto não está no próprio material (folha), mas em outra coisa. O professor se oferece para considerar cuidadosamente novamente um pedaço de papel alumínio e uma caixa de papel alumínio e estabelecer como eles diferem. Os alunos estabelecem que esses materiais diferem apenas na forma: um pedaço de papel alumínio tem uma forma plana e uma caixa de papel alumínio tem uma forma tridimensional oca. Do que são preenchidos os objetos vazios? (Pelo ar). E o ar tem pouco peso.

Ele é leve. Qual pode ser a conclusão? (Objetos ocos, mesmo de materiais pesados, como metal, cheios de (leve (ar, não afundam.) Por que grandes barcos marítimos feitos de metal não afundam? (Por serem ocos) perfurado com uma sovela? (Ela afunda.) Por quê? (Porque vai se encher de água.) O que acontecerá com o navio se seu casco fizer um buraco e se encher de água? (O navio afundará.)

Assim, o professor, criando situações-problema, incentiva os alunos a construir hipóteses, realizando experimentos e observações, permite que os alunos refutem ou confirmem as suposições apresentadas e tirem conclusões razoáveis ​​de forma independente. Nesse caso, o professor utiliza explicações, conversas, demonstrações de objetos, observações e experimentos.

Tudo isso cria situações-problema para os alunos, envolve as crianças em pesquisas científicas, ativa seu pensamento, força-as a prever e experimentar. Assim, a apresentação problemática do material didático aproxima o processo educativo em uma escola de ensino geral da pesquisa científica.

A utilização de métodos problemáticos nas aulas de trabalhos artísticos e artes plásticas é mais eficaz para intensificar as atividades de resolução de situações-problema, atividades educativas e cognitivas dos alunos.

6. Método de ensino de pesquisa parcial

A busca parcial, ou método heurístico, recebeu esse nome, pois nem sempre os alunos conseguem resolver um problema complexo e, portanto, parte do conhecimento é comunicado pelo professor, e parte eles obtêm por conta própria.

Sob a orientação de um professor, os alunos raciocinam, resolvem situações cognitivas emergentes, analisam, comparam. Como resultado, eles desenvolvem conhecimento consciente.

Para desenvolver a independência e a iniciativa criativa, o professor utiliza várias técnicas.

Nas aulas de trabalho na primeira etapa, as crianças realizam tarefas de acordo com mapas tecnológicos com uma descrição detalhada das operações e métodos de trabalho. Em seguida, são feitos fluxogramas com dados ou etapas parcialmente ausentes. Isso força as crianças a resolver de forma independente algumas tarefas que são viáveis ​​para elas.

Assim, no processo de atividade de busca parcial, os alunos primeiro têm uma ideia sobre o produto, depois planejam a sequência do trabalho e realizam operações tecnológicas para implementar projetos em um produto acabado.

Nas aulas de artes plásticas, como exemplo de utilização do método de ensino busca parcial, você pode planejar o trabalho de tal forma que o primeiro passo seja ter uma ideia sobre o assunto em si, depois traçar uma sequência de desenho dele. (coloque as etapas representadas no quadro na sequência correta, preencha as lacunas nas etapas da sequência e etc.).

7. Método de ensino de pesquisa

O método de pesquisa deve ser considerado como o estágio mais alto da atividade criativa dos alunos, no decorrer da qual eles encontram soluções para novos problemas para eles. O método de pesquisa forma conhecimentos e habilidades dos alunos que têm alto grau de transferência e podem ser aplicados em novas situações de trabalho.

A utilização deste método aproxima o processo de aprendizagem da pesquisa científica, onde os alunos se familiarizam não só com as novas verdades científicas, mas também com a metodologia da pesquisa científica.

Naturalmente, o conteúdo do método de pesquisa em ciência difere do método de pesquisa no ensino. No primeiro caso, o pesquisador revela à sociedade fenômenos e processos novos e até então desconhecidos; na segunda, o aluno descobre fenômenos e processos apenas por si mesmo, o que não é novidade para a sociedade. Ou seja, no primeiro caso, as descobertas são feitas no plano social e, no segundo, no plano psicológico.

O professor, colocando diante dos alunos um problema para pesquisa independente, conhece tanto o resultado quanto as formas de resolução e atividades que levam o aluno à solução correta do problema. Assim, o método de pesquisa na escola não visa fazer novas descobertas. É introduzido pelo professor para incutir nos alunos os traços de caráter necessários para uma atividade criativa posterior.

Considere os elementos do método de pesquisa usando um exemplo específico.

Na aula de arte, o professor define a tarefa para as crianças - escolher o papel para fazer um barco, que deve ter as seguintes características: deve ser bem pintado, ser denso, durável, grosso. À disposição de cada aluno há amostras de papel escrito, papel de jornal, desenho, papel doméstico (consumo) e papel vegetal, pincéis, jarros de água. No processo de pesquisa simples, dentre os tipos de papel disponíveis, o aluno escolhe para a fabricação do casco de um modelo de barco tal papel que possua todas as características listadas. Digamos que o primeiro aluno comece a verificar o sinal de coloração. Passando um pincel com tinta sobre amostras de escrita, papel de jornal, desenho, papel de consumo e papel vegetal, o aluno estabelece que escrita, desenho, papel de consumo e papel vegetal são papéis grossos, papel jornal é solto. O aluno conclui que o papel de jornal não é adequado para o casco de um barco. Ao rasgar amostras de papel existentes, o aluno estabelece que o papel de escrita e de consumo é frágil. Isso significa que essas espécies não são adequadas para a fabricação de um casco de barco.

Em seguida, o aluno examina cuidadosamente os restantes tipos de papel - papel de desenho e papel vegetal - e estabelece que o papel de desenho é mais espesso do que o papel vegetal. Portanto, para a fabricação do casco do barco, é necessário o uso de papel de desenho. Este papel tem todas as características necessárias: é bem colorido, denso, durável, espesso. A verificação dos tipos de papel deve começar com um sinal de força. Após essa verificação, apenas dois tipos de papel permaneceriam à disposição do aluno: papel vegetal e papel de desenho. A verificação do sinal de espessura permitiu ao aluno escolher imediatamente o papel de desenho necessário para o barco dos dois tipos restantes. Ao usar o método de pesquisa, como mostra o exemplo considerado de escolha de papel, o aluno não recebe uma solução pronta para o problema. No processo de observações, ensaios, experimentos, pesquisas simples, o aluno independentemente chega a generalizações e conclusões. O método de pesquisa desenvolve ativamente as habilidades criativas dos alunos, apresenta aos alunos os elementos da pesquisa científica.

O método de pesquisa desenvolve ativamente as habilidades criativas dos alunos, apresenta-os aos elementos da pesquisa científica.

8. Método de ensino explicativo e ilustrativo

Métodos explicativos-ilustrativos ou informativos-receptivos incluem contação de histórias, explicação, trabalho com livros didáticos, demonstração de imagens (verbal, visual, prática).

O professor comunica a informação acabada por vários meios, e os alunos a percebem e a fixam na memória.

No entanto, ao usar esse método, as habilidades e habilidades para usar o conhecimento adquirido não são formadas. O conhecimento é apresentado de forma acabada.

Este método de ensino de belas artes e trabalho artístico será eficaz se este método não for usado em sua única forma. Quando este método é combinado com outros, por exemplo, pesquisa parcial, pesquisa, reprodução, problemática, prática, os alunos trabalharão ativamente, desenvolverão o pensamento, a atenção e a memória.

9. Métodos de trabalho independente

Os métodos de trabalho autónomo e de trabalho sob a orientação de um professor distinguem-se com base numa avaliação do grau de independência dos alunos no desempenho das atividades educativas, bem como no grau de controlo desta atividade por parte do professor.

Quando um aluno realiza suas atividades sem orientação direta do professor, eles dizem que o método de trabalho independente é utilizado no processo educacional. Quando os métodos são aplicados com o controle ativo das ações dos alunos pelo professor, classificam-se como métodos de trabalho educativo sob a orientação de um professor.

O trabalho independente é realizado tanto por instruções do professor com gerenciamento medíocre quanto por iniciativa própria do aluno, sem instruções e instruções do professor.

Ao usar vários tipos de trabalho independente, os alunos precisam desenvolver: alguns dos métodos mais gerais de sua organização racional, a capacidade de planejar racionalmente esse trabalho, definir claramente um sistema de tarefas para o próximo trabalho, destacar os principais entre eles , habilmente escolher maneiras de resolver as tarefas definidas de forma mais rápida e econômica, autocontrole hábil e operacional sobre o desempenho da tarefa, a capacidade de fazer ajustes rapidamente no trabalho independente, a capacidade de analisar os resultados gerais do trabalho, comparar esses resultados com os planejados no início do mesmo, identificar as causas dos desvios e traçar formas de eliminá-los em trabalhos futuros.

Nas aulas de artes plásticas e obras de arte, para aumentar a eficácia do processo de aprendizagem, bem como para atingir todos os objetivos, esses métodos são usados ​​quase constantemente em combinação com outros métodos listados acima. A escolha dos métodos depende do conteúdo do material educacional, da idade e das características individuais dos alunos, etc.

10. Métodos para estimular a atividade educativa de escolares no processo de aprendizagem. Métodos de formação de interesse cognitivo

O interesse em todas as suas formas e em todos os estágios de desenvolvimento é caracterizado por:

· emoções positivas em relação à atividade;

a presença do lado cognitivo dessas emoções;

A presença de um motivo direto proveniente da própria atividade.

No processo de aprendizagem, é importante garantir o surgimento de emoções positivas em relação às atividades de aprendizagem, ao seu conteúdo, formas e métodos de implementação. O estado emocional está sempre associado à experiência de excitação emocional: resposta, simpatia, alegria, raiva, surpresa. É por isso que os processos de atenção, memorização, compreensão neste estado estão ligados às profundas experiências internas do indivíduo, que fazem com que esses processos prossigam de forma intensa e, portanto, mais eficazes em termos de objetivos alcançados.

Um dos métodos incluídos no método de estimulação emocional da aprendizagem é o método de criar situações divertidas na lição - introduzindo exemplos divertidos, experimentos, fatos paradoxais no processo educacional.

As analogias divertidas também atuam como uma técnica que faz parte dos métodos de formação de interesses na aprendizagem, por exemplo, ao considerar uma asa de avião, são traçadas analogias com o formato das asas de um pássaro, libélula.

As experiências emocionais são evocadas pela aplicação da técnica da surpresa.

A natureza incomum dos fatos apresentados, a natureza paradoxal da experiência demonstrada na aula, a grandiosidade das figuras - tudo isso invariavelmente evoca experiências emocionais profundas nos alunos.

Um dos métodos de estimulação é a comparação de interpretações científicas e mundanas de fenômenos naturais individuais.

Para criar situações emocionais durante as aulas, a arte, o brilho e a emotividade da fala do professor são de grande importância. Isso mais uma vez revela a diferença entre os métodos de organização da atividade cognitiva e os métodos de estimulá-la.

Jogos educativos . O jogo tem sido usado há muito tempo como meio de despertar o interesse pela aprendizagem.

No período educacional e educacional da idade, o ensino e a educação devem ser o principal interesse da vida de uma pessoa, mas para isso o aluno deve estar cercado por uma esfera favorável. Se, no entanto, tudo o que cerca o aluno o afasta do ensino em uma direção completamente oposta, todos os esforços do mentor serão em vão para inspirá-lo a respeitar o ensino.

É por isso que a educação é tão raramente bem sucedida naqueles lares ricos, da alta sociedade, onde o menino, fugindo de uma sala de aula chata, se apressa em se preparar para um baile infantil ou para uma apresentação em casa, onde interesses muito mais vívidos o aguardam, que prematuramente tomou posse de seu jovem coração.

Como podemos ver, o grande professor russo Konstantin Dmitrievich Ushinsky, falando sobre o fato de que apenas crianças pequenas podem aprender brincando, mas, no entanto, quer interessar as crianças mais velhas em aprender. Mas como incutir o amor pela aprendizagem se não um jogo.

Os professores têm dificuldade: afinal, você não pode forçar um aluno a fazer algo que não é interessante para ele. E a criança não poderá repetir o mesmo exercício dezenas de vezes por causa de um objetivo distante e não totalmente claro. Mas jogue o dia todo - por favor! O jogo é uma forma natural de sua existência. Portanto, é preciso ensinar de tal forma que as aulas encantem, cativem e divirtam as crianças.

O ensino das artes plásticas e do trabalho artístico é impossível sem o uso de vários tipos de situações de jogo na aula, com a ajuda das quais o professor forma habilidades e habilidades específicas em crianças em idade escolar. A tarefa de aprendizagem claramente limitada da tarefa permite que o professor avalie com precisão e objetividade a qualidade da assimilação do material pelos alunos.

Para manter a capacidade produtiva de trabalho das crianças ao longo da aula, várias situações cognitivas, jogos, atividades devem ser introduzidas em suas atividades, pois a assimilação do assunto é facilitada se diferentes analisadores estiverem envolvidos.

A alternância de todos os tipos de atividades durante a aula possibilita o uso mais racional do tempo de estudo, aumenta a intensidade do trabalho dos escolares, garante a assimilação contínua do novo e a consolidação do material abordado.

Os exercícios didáticos e os momentos lúdicos incluídos no sistema de situações pedagógicas despertam nas crianças um interesse especial em aprender sobre o mundo que as rodeia, o que repercute positivamente na sua atividade visual produtiva e na atitude em relação às aulas.

É aconselhável usar exercícios didáticos e situações de jogo naquelas aulas onde a compreensão do material é difícil. Estudos mostraram que durante situações de brincadeira, a acuidade visual em uma criança aumenta significativamente.

Jogos, momentos de jogo, elementos de fabulosidade servem como estimuladores psicológicos da atividade neuropsicológica, habilidades potenciais de percepção. L.S. Vygotsky observou muito sutilmente que “na brincadeira, a criança está sempre acima de seu comportamento habitual; ele está no jogo, por assim dizer, cabeça e ombros acima de si mesmo.

Os jogos contribuem para a compreensão das características de design da forma dos objetos, formam a capacidade de comparar, encontrar soluções ideais, desenvolver o pensamento, a atenção e a imaginação.

Por exemplo:

1. Componha imagens de objetos individuais a partir de formas geométricas.

Utilizando as figuras geométricas representadas no quadro, os alunos desenham objetos em álbuns (como variante deste exercício, tarefas individuais para cada aluno).

2. Faça composições a partir de silhuetas prontas "De quem é a melhor composição?".

Das silhuetas acabadas, faça uma natureza morta. O jogo pode ser disputado como uma competição entre duas (três) equipes. O trabalho é realizado em uma placa magnética. O jogo desenvolve o pensamento composicional, a capacidade de encontrar soluções ótimas.

A inclusão de momentos de jogo nas aulas permite corrigir o estado psicológico dos alunos. As crianças percebem os momentos psicoterapêuticos como um jogo, e o professor tem a oportunidade de alterar o conteúdo e a natureza das tarefas em tempo hábil, dependendo da situação.

Discussões educativas. Os métodos para estimular e motivar a aprendizagem incluem a criação de uma situação de disputa cognitiva. A disputa provoca aumento do interesse pelo tema. Alguns professores habilmente usam esse método de ativar o ensino. Eles, em primeiro lugar, usam os fatos históricos da luta de diferentes pontos de vista científicos sobre um determinado problema. A inclusão de alunos em situações de disputas científicas não só aprofunda seus conhecimentos sobre questões relevantes, como também atrai involuntariamente sua atenção para o tema, e com base nisso provoca um novo surto de interesse pela aprendizagem.

Os professores também criam discussões educacionais no momento de estudar questões educacionais comuns em qualquer aula. Para isso, os alunos são especificamente convidados a expressar as suas opiniões sobre as causas de um determinado fenómeno, para fundamentar um ou outro ponto de vista.

Criando situações de sucesso na aprendizagem. Um dos métodos eficazes para estimular o interesse pela aprendizagem é criar situações de sucesso no processo educativo para escolares que vivenciam certas dificuldades de aprendizagem. Sabe-se que sem experimentar a alegria do sucesso é impossível realmente contar com mais sucesso na superação das dificuldades educacionais. As situações de sucesso também são criadas pela diferenciação da assistência aos alunos na realização de tarefas educativas da mesma complexidade. Situações de sucesso também são organizadas pelo professor incentivando ações intermediárias dos escolares, ou seja, incentivando-os especialmente a realizar novos esforços.

Um papel importante na criação de uma situação de sucesso é desempenhado pela garantia de uma atmosfera moral e psicológica favorável durante a realização de certas tarefas educacionais. Um microclima favorável durante o estudo reduz a sensação de insegurança, medo. O estado de ansiedade é substituído por um estado de confiança.

Aqui está outra coisa que é importante para levar os alunos a bons resultados em seus estudos.

Se queremos que o trabalho do aluno seja bem-sucedido, para que ele possa lidar com as dificuldades e no futuro adquira cada vez mais traços positivos em seu trabalho, então para isso precisamos imaginar o que contribui para o sucesso do trabalho e o que causa falha. Um grande papel no sucesso é desempenhado por esse humor, esse estado geral de ânimo alegre entre os alunos, essa eficiência e calma, por assim dizer, vivacidade, que formam a base pedagógica de qualquer trabalho bem-sucedido da escola. Tudo o que cria uma atmosfera chata - desânimo, desesperança - tudo isso é um fator negativo no trabalho bem-sucedido dos alunos. Em segundo lugar, o próprio método de ensinar o professor é de grande importância: geralmente a nossa forma de ensinar em sala de aula, de tal forma que quando os alunos trabalham com o mesmo método e sobre o mesmo tema, muitas vezes leva ao fato de a turma ser estratificada: uma certa O número de alunos, para o qual o método proposto pelo professor é adequado, é bem-sucedido, enquanto a outra parte, para a qual é necessária uma abordagem um pouco diferente, fica para trás. Alguns alunos têm um ritmo de trabalho acelerado, enquanto outros são lentos; alguns alunos entendem a aparência das formas de trabalho, enquanto outros devem entender tudo completamente antes de começarem a trabalhar.

Se os alunos entendem que todos os esforços do professor são para ajudá-los, então podem aparecer entre eles casos de ajuda mútua que são muito valiosos para o trabalho em classe, casos de alunos que recorrem ao professor em busca de ajuda serão intensificados, o professor vai aconselhar mais do que dar diretrizes e fazer uma demanda e, no final, o próprio professor aprenderá a realmente ajudar tanto a turma toda quanto cada aluno individualmente.

Quando observamos o trabalho de um aluno, quando o abordamos com nossas instruções, demandas ou conselhos, devemos saber que papel tremendo que desperta o interesse pelo trabalho do aluno desempenha, e é a contabilidade que deve estimular o trabalho do aluno. o aluno, ou seja, A contabilidade do trabalho do aluno deve despertar seu interesse pelo trabalho.

A quem, se não ao seu camarada mais velho, o professor, o aluno irá pedir ajuda? E devemos ajudá-los a entender muitas coisas - em várias situações da vida, em si mesmos, em todos os tipos de conflitos. Mas se tornar um amigo assim não é fácil. Para ganhar autoridade e respeito de seus alunos, você precisa entender bem seus filhos, para ver neles não apenas futuros mestres a quem você passa sua experiência, mas, antes de tudo, em todos - uma Pessoa, uma Personalidade. Se você conseguir ganhar respeito, autoridade entre seus alunos, isso é uma grande felicidade para o professor.

As principais fontes de interesse em atividades educacionais incluem a criação de uma situação de novidade, relevância, aproximando o conteúdo das descobertas mais importantes da ciência, da tecnologia, das conquistas da cultura, arte e literatura modernas. Para tal, os professores selecionam técnicas especiais, factos, ilustrações, que neste momento são de particular interesse para todo o público do país. Nesse caso, os alunos têm uma consciência muito mais clara e profunda da importância e do significado dos assuntos estudados e, portanto, os tratam com grande interesse, o que permite que sejam usados ​​para aumentar a ativação do processo cognitivo nas aulas de tecnologia.

11. Métodos de controle e autocontrole no treinamento

Métodos de controle oral. O controle oral é realizado por questionamento individual e frontal. Em uma pesquisa individual, o professor faz várias perguntas ao aluno, respondendo às quais ele mostra o nível de assimilação do material didático. Com um levantamento frontal, o professor seleciona uma série de perguntas logicamente interligadas e as coloca na frente de toda a turma, pedindo uma resposta curta de um ou outro aluno.

Métodos de autocontrole. Uma característica essencial do atual estágio de melhoria do controle na escola é o desenvolvimento abrangente das habilidades de autocontrole dos alunos sobre o grau de assimilação do material educacional, a capacidade de encontrar independentemente erros, imprecisões e delinear maneiras de eliminar lacunas detectadas, que é especialmente usado em aulas de tecnologia.

Conclusões. Todos os principais métodos de ensino de artes plásticas foram listados acima. A eficácia de seu uso só será alcançada com o uso integrado desses métodos.

O professor primário deve dar prioridade a métodos que tornem o trabalho ativo e interessante, introduza elementos lúdicos e lúdicos, problemáticos e criativos.

As possibilidades comparativas de métodos de ensino permitem idade adequada, força mental e física, experiência existente de trabalho educacional, aptidão educacional dos alunos, habilidades e habilidades educacionais formadas, desenvolvimento de processos de pensamento e tipos de pensamento, etc. usá-los em diferentes níveis e estágios de aprendizagem.

É sempre importante lembrar e levar em consideração as características relacionadas à idade do desenvolvimento psicológico e mental das crianças.

1. Arte primitiva. O surgimento e desenvolvimento das artes plásticas na sociedade primitiva. Métodos de ensino de desenho no antigo Egito

A conversão dos povos primitivos a um novo tipo de atividade para eles - a arte - é um dos maiores acontecimentos da história da humanidade. A arte primitiva refletia as primeiras idéias do homem sobre o mundo ao seu redor, graças a ele o conhecimento e as habilidades foram preservados e transferidos, as pessoas se comunicaram entre si. As primeiras obras de arte primitiva foram criadas há cerca de 30 mil anos. As esculturas mais antigas são Vênus paleolíticas - figuras femininas primitivas. Além das mulheres, os animais eram retratados em pedra ou osso. As pessoas da Idade da Pedra deram uma aparência artística aos itens do cotidiano - ferramentas de pedra e vasos de barro. Mais tarde, os mestres primitivos começaram a prestar mais atenção aos detalhes: retratavam a lã com traços, aprenderam a usar cores adicionais) No XII milênio aC. e. a arte rupestre atingiu seu auge. A pintura da época transmitia volume, perspectiva, proporções de florescimento de figuras, movimento. Ao mesmo tempo, enormes pitorescos telas que cobriam as abóbadas de cavernas profundas. O momento exato da criação das pinturas rupestres ainda não foi estabelecido. Dezenas de grandes animais são retratados nas paredes das cavernas: mamutes e ursos das cavernas. Corantes minerais misturados com água, gordura animal e seiva vegetal tornaram a cor das pinturas rupestres especialmente brilhantes. (Caverna de Altamira, Caverna de Lascaux)

Arte Mesolítica. Na era mesolítica, ou Idade da Pedra Média (XII-VIII milênios aC), (regiões montanhosas costeiras do leste da Espanha, entre as cidades de Barcelona e Valência), figuras de pessoas retratadas em movimento rápido, composições multifiguradas e cenas de caça com clara de ovo, sangue, mel.

Arte Neolítica (5000-3000 a.C.) São, por exemplo, pinturas rupestres de veados, ursos, baleias e focas encontradas na Noruega, chegando a oito metros de comprimento. Além do esquematismo, eles se distinguem pela execução descuidada. Junto com desenhos estilizados de pessoas e animais, há várias formas geométricas (círculos, retângulos, losangos e espirais, etc.), imagens de armas e veículos (barcos e navios). As primeiras esculturas rupestres foram descobertas em 1847-1850. no norte da África e no deserto do Saara (Tassilin-Ajer, Tibesti, Fezzana, etc.)

bronze (recebeu o nome da então difundida liga de metais - bronze). A Idade do Bronze começou na Europa Ocidental há cerca de quatro mil anos. na Idade do Bronze, faziam-se todos os tipos de utensílios domésticos, ricamente decorados com ornamentos e de alto valor artístico. Em III-II milênios aC. e. surgiram estruturas peculiares e enormes feitas de blocos de pedra, menires - pedras verticais com mais de dois metros de altura. (Península da Bretanha na França) dólmens - várias pedras cavadas no solo, cobertas com uma laje de pedra, originalmente usada para enterros. Numerosos menires e dólmens foram localizados em locais considerados sagrados. Especialmente famosas são as ruínas na Inglaterra perto da cidade de Salisbury - as chamadas. Stonehenge (II milênio aC). Stonehenge é construído a partir de cento e vinte pedregulhos pesando até sete toneladas cada e trinta metros de diâmetro.

Em outro Egito, uma escola especial de arte surgiu e se fortaleceu, o treinamento foi sistemático. O método e o sistema de educação para todos os professores eram os mesmos, porque os cânones aprovados prescreviam a mais estrita observância das normas estabelecidas. Eles foram os primeiros na história da cultura humana a lançar as bases para a fundamentação teórica do desenho. O ensino do desenho baseava-se na memorização das regras e cânones desenvolvidos. Embora os cânones facilitassem o estudo das técnicas de desenho, eles agrilhoaram o artista, não lhe permitiram retratar o mundo como ele o vê. Desenho no Dr. O Egito era um assunto de educação geral, estava intimamente relacionado ao ensino da escrita. A principal escola do antigo reino era a Escola de Arquitetos e Escultores da Corte de Memphis, ela yavl. Artístico Do centro, outras escolas foram formadas em torno dele. Havia até um instituto onde os jovens estudavam. Os professores usaram tabelas metódicas especiais. Os princípios e métodos foram baseados na frontalidade, todos os desenhos são lineares, não há tridimensionalidade, perspectiva, claro-escuro, havia proporções de pé, sentado e outras figuras. Muito material valioso e interessante para estudar os métodos de ensino das belas artes é fornecido pelos monumentos da cultura egípcia: pinturas nas paredes de túmulos, palácios, templos, utensílios domésticos; desenhos para relevos e, por fim, desenhos sobre papiros. A principal atenção dos artistas egípcios foi dada à imagem da figura humana. A tarefa do artista do Egito Antigo não incluía uma representação real da vida. A vida para eles era como um fenômeno temporário, a existência principal começou após a morte. O artista combina em uma imagem diferentes pontos de vista sobre o assunto: algumas partes da figura são retratadas de perfil (cabeça, pernas), outras - na frente (olho, ombros). As características da pintura egípcia antiga eram, em essência, colorir e por vários séculos foram reduzidas a preencher a silhueta com uma cor, sem introduzir tons adicionais e sombras coloridas.

2. Métodos de ensino de artes plásticas na Grécia Antiga (Ephesus, Sicyon, escolas de Tebas)

Tendo estudado métodos de ensino no Dr. No Egito, os gregos abordaram o problema da educação e da educação de uma nova maneira. Eles exigiam um estudo cuidadoso da vida terrena, e não da vida após a morte. Em 432 BC e. em Sicyon, o escultor Polikleitos escreveu um ensaio sobre as leis proporcionais do corpo humano, estudou sua mobilidade interna. A estátua "Dorifor" serviu de auxílio visual.

Polygnot clamava pela realidade da imagem, possuía os meios do desenho linear, procurava transmitir a textura, não conhecendo o claro-escuro, o desenho em tamanho real, a pintura policromada. A linha desempenhou um papel primordial, observou-se a clareza e a clareza da imagem.

Apolodoro de Atenas e seu aluno Zeus incluíram a mistura de cores, gradação e introduziram o claro-escuro na técnica de pintura. Parrasius traiu a simetria da pintura, foi o primeiro a transmitir expressões faciais e alcançou a primazia nos contornos.

Por volta do século 4 aC e. A arte grega atinge um alto estágio de desenvolvimento na Grécia, havia vários conhecidos. escolas de desenho: Sicyon, Ephesian e Theban.

tebano sh. - cujo fundador foi Aristide, ou Nicômaco, atribuiu grande importância aos "efeitos de claro-escuro, a transmissão de sensações e ilusões da vida". A escola de Éfeso, considerada a fundadora de Efranor de Corinto, e segundo outras fontes - Zeuxis, baseava-se na "percepção sensual da natureza e da beleza externa". Esta escola lutava pela ilusão, mas não era perfeita no desenho.

Sikyonskaya sh. -aguarde. dados científicos das ciências naturais e as leis da natureza, procurou aproximar e ensinar o aluno a respeitar as leis da estrutura da natureza. fundada por Eupomp, baseava-se nos dados científicos das ciências naturais e seguia rigorosamente as leis da natureza. Esta escola exigia "a maior precisão e rigor do desenho". Ela teve uma grande influência na metodologia de ensino do desenho e no desenvolvimento da arte. arte.

Os artistas aprenderam a transmitir no plano não apenas o volume (tridimensionalidade) dos objetos, mas também os fenômenos da perspectiva.Aprendendo a desenhar da natureza, os artistas gregos também estudaram anatomia.

Os artistas-educadores gregos estabeleceram o método correto de ensinar o desenho, baseado no desenho da natureza. (Policlet. Doryphorus. Mármore. Século V aC. Museu Napolitano.)

As belas artes do mundo antigo, em comparação com as egípcias, foram enriquecidas com novos princípios e métodos para construir uma imagem e, ao mesmo tempo, com novos métodos de ensino. Pela primeira vez na história do desenvolvimento do desenho educacional, os artistas gregos introduziram o claro-escuro e deram exemplos de construção em perspectiva de uma imagem em um plano, lançando as bases para o desenho realista da natureza.

Os artistas-educadores gregos estabeleceram o método correto de ensinar o desenho, baseado no desenho da natureza. Pela primeira vez entre os gregos, o desenho como disciplina acadêmica recebe a direção certa. A este respeito, a escola de desenho Sikyon merece atenção especial e seu atual chefe - Pamphilus, graças ao qual o desenho começou a ser considerado uma disciplina educacional geral e foi introduzido em todas as escolas de educação geral na Grécia. O mérito de Pânfilo é que ele foi o primeiro a entender que a tarefa de ensinar desenho inclui não apenas copiar objetos da realidade, mas também o conhecimento das leis da natureza. Ele foi o primeiro a entender que o desenho desenvolve o pensamento espacial e a representação figurativa, necessários para pessoas de todas as profissões. Depois de Pânfilo, todos os pensadores progressistas da Grécia começaram a entender isso; eles perceberam que aprender as artes contribui para o desenvolvimento integral de uma pessoa.

A era da Grécia antiga foi a era mais brilhante na história do desenvolvimento das belas artes do mundo antigo. O valor da arte grega é extremamente grande. Aqui foi estabelecido o método de compreensão científica da arte. Os artistas-educadores gregos exortavam seus alunos e seguidores a estudar diretamente a natureza, observar sua beleza e indicar o que ela é. Para eles, a beleza consistia na correta proporção proporcional das partes, cujo exemplo perfeito é a figura humana. Disseram que a regularidade proporcional do corpo humano em sua unidade cria a harmonia da beleza. O principal princípio dos sofistas era: "O homem é a medida de todas as coisas". Esta posição formou a base de toda a arte da Grécia Antiga.

. Métodos de ensino de belas artes na Roma antiga

Métodos de ensino de desenho na Roma antiga

Os romanos gostavam muito de iso. arte, especialmente as obras de artistas gregos. A arte do retrato é amplamente distribuída, mas os romanos não introduziram nada de novo na metodologia e no sistema de ensino, continuando a usar as realizações dos artistas gregos. Além disso, eles perderam muitas provisões valiosas do desenho, deixando de salvá-los. Os artistas de Roma copiaram principalmente as obras dos artistas da Grécia. O cenário de ensino era diferente do que nas escolas gregas:

Em Roma, o professor estava mais interessado no lado artesanal e técnico da questão, do que em preparar um artista-artesão (mais artesãos para decorar suas casas).

Ao ensinar desenho, cópia de amostras, prevaleceu a repetição mecânica dos métodos de trabalho, o que por sua vez obrigou os artistas-professores romanos a se afastar cada vez mais dos métodos de ensino usados ​​pelos artistas-professores da Grécia.

Nas técnicas de desenho, os romanos começaram a usar o sanguine (uma bela tonalidade marrom-avermelhada) como material de desenho - é maleável no trabalho, melhor fixado em uma superfície lisa do que o carvão.

O papel da cultura antiga no desenvolvimento da arte realista, na formação e desenvolvimento do sistema acadêmico de ensino de desenho é especialmente grande. Ainda hoje nos inspira a buscar métodos mais eficazes de ensino de artes plásticas, ao desenvolvimento científico de métodos de ensino de desenho.

A sociedade romana exigia um grande número de artesãos para decorar instalações, edifícios públicos, o período de treinamento era curto. o método de ensino do desenho não é científico. o desenho tornou-se condicional e esquemático.

A era do domínio romano, à primeira vista, cria todas as condições para o desenvolvimento de métodos para o ensino do desenho realista. Os romanos gostavam muito de belas artes. Eles apreciavam especialmente as obras de artistas gregos. Pessoas ricas acumularam coleções de pinturas e imperadores construíram pinakotheks (galerias) públicas. A arte do retrato é amplamente utilizada. Imagens de pessoas daquela época são retratadas sem qualquer embelezamento. Com surpreendente verdade vital, eles transmitem os traços de caráter individual de pessoas das mais diversas idades, como, por exemplo, um retrato pitoresco de Pakvius Proculus e sua esposa, um menino; retratos escultóricos - Vitellinus, jovem Augusto, Júlio César, etc.

Muitos nobres nobres e patrícios estavam envolvidos em desenho e pintura (por exemplo, Fabius Pictor, Pedius, Júlio César, Nero, etc.).

Parece que tudo foi criado para o desenvolvimento das artes plásticas e seu ensino. No entanto, na realidade, os romanos não trouxeram nada de novo à metodologia e ao sistema de ensino do desenho. Eles usaram apenas as realizações de artistas gregos; além disso, eles não conseguiram preservar muitas disposições valiosas do método de ensino do desenho. Como evidenciam as pinturas sobreviventes de Pompéia e os relatos de historiadores, os artistas de Roma basicamente copiaram as criações dos notáveis ​​artistas da Grécia. Algumas pinturas são feitas com muita habilidade, como "Casamento Aldobrandino". No entanto, eles não conseguiram alcançar a alta habilidade profissional que os famosos artistas da Grécia Antiga possuíam.

Algumas palavras sobre a técnica de desenho. Os romanos começaram a usar sangue como material de desenho. Nas catacumbas, foram preservados vestígios da obra de artistas romanos, onde usaram sangue para delinear os afrescos. Talvez, em maior medida do que os gregos, tenham adotado a técnica dos artistas egípcios, especialmente na pintura (uso de têmpera, trabalho em tela, papiro). Os métodos de ensino e a natureza do treinamento dos artistas tinham sua própria diferença em relação às escolas gregas. Os artistas-professores gregos tentavam resolver os grandes problemas da arte, convidavam seus alunos a dominar a arte com a ajuda da ciência, a lutar pelas alturas da arte e condenavam os artistas que abordavam a arte de maneira artesanal. Na época do Império Romano, o artista-professor pensava menos nos altos problemas da criatividade artística, interessava-se principalmente pelo lado artesanal e técnico da questão.

A sociedade romana exigia um grande número de artesãos para decorar instalações residenciais e edifícios públicos, para que o período de treinamento não pudesse ser adiado. Portanto, ao ensinar desenho, cópia de amostras, prevaleceu a repetição mecânica de métodos de trabalho, o que por sua vez obrigou os artistas romanos a se afastar cada vez mais daqueles métodos de ensino profundamente pensados ​​​​que eram usados ​​​​pelos destacados artistas-professores da Grécia.

4. Desenho na Idade Média. Arte e religião

Na era da Idade Média e do cristianismo, as conquistas da arte realista foram esquecidas. Os artistas não conheciam nenhum dos princípios de construção de uma imagem em um plano, que foram usados ​​na obra do Dr. Grécia. Preciosos manuscritos pereceram - as obras teóricas de grandes artistas, bem como muitas obras famosas que poderiam servir de modelo. A idolatria foi submetida à maior perseguição, todas as estátuas e quadros foram quebrados e destruídos. Juntamente com as estátuas e pinturas, pergaminhos e registros, desenhos e regras, o método de ensino do desenho não era científico. A base do treinamento é a cópia mecânica de amostras e não o desenho da natureza.

Os pintores dos primeiros séculos do cristianismo ainda usavam as formas artísticas da pintura antiga. Em pouco tempo, as tradições da arte realista foram esquecidas e perdidas, o desenho tornou-se condicional e esquemático.

O conhecimento científico do mundo foi condenado e qualquer tentativa de fundamentar as observações da natureza foi suprimida. O estudo da natureza e da natureza no sentido acadêmico não era praticado.

qua a arte pictórica antiquíssima rejeitava as tendências realistas, pois a natureza realista evocava um sentimento “terrestre”, tudo era aprovado ou rejeitado pela igreja. qua artistas centenários não trabalhavam na natureza, mas segundo amostras costuradas em cadernos, eram esboços de contornos de composições de vários enredos de igrejas, figuras individuais, motivos de cortinas, etc. etc. j. As relações industriais nessa época contribuíram para o desenvolvimento do trabalho artesanal e para a criação de corporações. O desenho era ensinado por um mestre que não seguia um sistema rígido ou métodos de ensino claros. A maioria dos alunos estudava por conta própria, observando atentamente o trabalho do mestre.

Os grandes mestres da Grécia lutaram por uma representação real da natureza, os artistas da Idade Média, obedecendo aos dogmas da igreja, afastaram-se do mundo real para a criatividade abstrata e mística. Em vez da encantadora nudez do corpo humano, que inspirou e ensinou os artistas gregos, surgiram cortinas pesadas, rígidas e angulares, distraindo os artistas do estudo da anatomia. Negligenciando a vida terrena e se preocupando apenas com a vida após a morte, os clérigos consideravam o desejo de conhecimento a fonte do pecado. Eles condenaram o conhecimento científico do mundo e impediram qualquer tentativa de fundamentar as observações da natureza.

Os ideólogos das belas artes medievais rejeitavam as tendências realistas não porque fossem contra a interpretação real das imagens, mas porque uma natureza reproduzida de forma realista evocava um sentimento “terrestre” no espectador. Uma representação crível da forma do mundo real inspirava alegria na alma do espectador, e isso ia contra a filosofia religiosa. Quando a interpretação real da forma, às vezes chegando ao ilusório naturalista, correspondeu à trama religiosa, foi aceita favoravelmente pela igreja. Conhecemos muitas obras da Idade Média que se distinguem por características realistas. Eles se assemelham às imagens das pessoas daquela época.

. Desenho no Renascimento. Artistas renascentistas e sua contribuição para o método de ensino do desenho (Cennino Cennini, Alberti, Leonardo da Vinci, A. Dürer, Michelangelo. Método Crop. Método Véu)

O Renascimento abre uma nova era não apenas na história do desenvolvimento da arte, mas também no campo dos métodos de ensino do desenho. Neste momento, o desejo de arte realista, de transmissão verdadeira da realidade, está sendo revivido. Os mestres do Renascimento estão embarcando ativamente no caminho de uma visão de mundo realista, esforçando-se para revelar as leis da natureza e estabelecer uma conexão entre ciência e arte. Em suas pesquisas, eles contam com as conquistas da ótica, matemática e anatomia. Ensinamentos sobre proporções, perspectiva e anatomia plástica estão no centro das atenções de teóricos e praticantes da arte.

Durante o Renascimento foi restaurado um alto respeito pelo desenho. O desenho deveria ter sido estudado por todos que se dedicavam à arte.

O primeiro trabalho científico - "Tratado de Pintura" - pertence a Cennino Cennini. a base do treinamento deve ser extraída da vida. ele acredita, com razão, que o trabalho diário é exigido do aluno para dominar a arte. ao mesmo tempo, dá muita atenção à cópia dos desenhos dos mestres.

O próximo trabalho de desenho é "Três livros de pintura", criado pelo maior arquiteto florentino Leon Battista Alberti. Esta é a obra mais notável de todas as que foram escritas sobre a teoria do desenho no Renascimento. Um tratado sobre desenho e as regras básicas para construir uma imagem em um plano. Alberti considera o desenho uma disciplina científica séria que possui leis e regras tão precisas e acessíveis para estudo quanto a matemática.

A obra de Alberti é de particular valor do ponto de vista pedagógico: em seu tratado, ele fornece uma série de disposições metodológicas e diretrizes para o ensino do desenho. Ele escreve que a eficácia do ensino de arte reside, antes de tudo, na justificação científica. Alberti presta grande atenção ao estudo da anatomia. Alberti sugere construir todo o processo de aprendizagem no desenho da vida.

Foi o primeiro a falar abertamente sobre o significado profundo da arte, percebeu a necessidade de enriquecer a arte com a experiência da ciência, de aproximar a ciência das tarefas práticas da arte. Alberti é ótimo como cientista e como artista humanista.

O próximo trabalho mais recente no campo da teoria do desenho é O Livro da Pintura de Leonardo da Vinci. Este livro contém uma variedade de informações: sobre a estrutura do Universo, sobre a origem e propriedades das nuvens, sobre escultura, sobre poesia, sobre perspectiva aérea e linear. Há também instruções sobre as regras de desenho. Leonardo da Vinci não propõe novos métodos e princípios, basicamente repete disposições já conhecidas.

Leonardo da Vinci, como Alberti, acredita que a base do método de ensino do desenho deve ser o desenho da natureza. A natureza faz com que o aluno observe atentamente, estude as características estruturais do sujeito da imagem, pense e reflita, o que por sua vez aumenta a eficácia do aprendizado e desperta o interesse pelo conhecimento da vida.

Leonardo da Vinci atribui grande importância à educação científica. O próprio Leonardo estava envolvido em pesquisas científicas sérias. Assim, estudando a estrutura anatômica do corpo humano, ele realizou inúmeras autópsias de cadáveres e foi muito mais longe nesse assunto do que seus contemporâneos.

Leonardo da Vinci também dá orientações metodológicas justas para desenhar um objeto da natureza. Ele ressalta que o desenho deve começar pelo todo, e não pelas partes. Leonardo dá atenção especial ao desenho da figura humana. De interesse é o método de consolidação do material coberto pelo desenho de memória

Entre os artistas renascentistas que lidaram com os problemas da aprendizagem, o artista alemão Albrecht Dürer ocupa um lugar de destaque. Seus trabalhos teóricos são de grande valor, tanto no campo dos métodos de ensino quanto no campo dos problemas da arte. Os escritos de Dürer contribuíram muito para o desenvolvimento da metodologia de ensino do desenho. Dürer acreditava que na arte não se pode confiar apenas nos sentimentos e na percepção visual, mas basicamente é necessário confiar no conhecimento exato; ele também estava preocupado com questões gerais de pedagogia, questões de ensino e criação de filhos. Entre os artistas renascentistas, poucos pensaram nisso.

Ao ensinar desenho e as leis de construção de uma imagem realista de objetos em um plano, Durer apresentou a perspectiva em primeiro lugar. O próprio artista passou muito tempo estudando perspectiva. A segunda e mais significativa obra de Dürer - "A Doutrina das Proporções do Homem" - é fruto do trabalho de quase toda a sua vida. Durer resumiu todos os dados conhecidos sobre esta questão e deu-lhes um desenvolvimento científico, anexando um grande número de desenhos, diagramas e desenhos. O artista procurou encontrar as regras para a construção da figura humana por meio de provas geométricas e cálculos matemáticos.

Particularmente valioso para a pedagogia da arte é o método de generalização da forma desenvolvido por Dürer (mais tarde chamado de trimming).O método de trimming é o seguinte. Representar, de acordo com todas as regras da perspectiva linear, a forma de um corpo geométrico simples, como um cubo, mesmo para um desenhista iniciante não é particularmente difícil. É muito difícil dar uma imagem em perspectiva correta de uma figura complexa, por exemplo, uma cabeça, uma mão, uma figura humana. Mas se você generalizar a forma complexa ao extremo para formas geométricas de linha reta, poderá lidar facilmente com a tarefa. O método de poda ajuda o desenhista iniciante a resolver corretamente as tarefas tonais do desenho. O método de análise e construção de imagens proposto por Dürer teve um efeito marcante no ensino e foi utilizado e desenvolvido ainda mais na prática pedagógica dos artistas-professores.

Seu trabalho no campo da perspectiva ajudou os artistas a lidar com o problema mais difícil de construir uma forma tridimensional de objetos em um plano. Afinal, antes deles não havia artistas que pudessem construir uma imagem em perspectiva de objetos tridimensionais. Os artistas renascentistas, de fato, foram os criadores de uma nova ciência. Eles provaram a correção e validade de suas posições tanto teórica quanto praticamente. Os pintores renascentistas também prestaram muita atenção ao estudo da anatomia plástica. Quase todos os desenhistas estavam interessados ​​nas leis da proporção proporcional das partes do corpo humano. Em cada tratado, as proporções do rosto humano, assim como de outras partes do corpo, foram cuidadosamente analisadas. Os mestres da Renascença usaram habilmente os dados de suas observações na prática das belas artes. Suas obras surpreendem o espectador com um profundo conhecimento de anatomia, perspectiva e as leis da ótica. Tendo colocado os dados da ciência como base da arte, os artistas do Renascimento prestaram atenção especial ao desenho. O desenho, eles disseram, contém todas as coisas mais importantes que são necessárias para um trabalho criativo bem-sucedido.

O método de desenhar da natureza com a ajuda de uma cortina é baseado no princípio da estrita observância das leis da perspectiva. Para que o artista possa observar estritamente um nível de visão constante e em um desenho - um ponto de fuga constante, Alberti sugeriu o uso de um dispositivo especial - uma cortina.

. O Sistema Acadêmico de Educação Artística nos Séculos XVI-XII (Ideias Pedagógicas de J. A. Comenius, D. Locke, J. J. Rousseau, Goethe)

No final do século XVI, surgiram novos rumos no campo da educação artística e da educação estética, novos princípios e atitudes pedagógicas. A metodologia de ensino do desenho começou a ser construída de forma diferente, um século na história dos métodos de ensino do desenho deve ser considerado como um período da formação do desenho como disciplina acadêmica e do desenvolvimento de um novo sistema pedagógico de ensino - o acadêmico. A característica mais característica desse período é a criação de instituições de ensino especial - academias de artes e escolas de arte, onde o ensino do desenho foi seriamente estabelecido.

A mais famosa foi a Academia de Artes de Bolonha, fundada pelos irmãos Carracci. Os alunos da Academia estudam minuciosamente a anatomia - não de livros, mas dissecando cadáveres. Carracci desenvolveu uma metodologia de ensino detalhada, considerando desenhar as bases da arte. Em suas orientações metodológicas, eles apontaram que o artista deve confiar nos dados da ciência, na mente, porque a mente enriquece o sentimento. as academias têm como objetivo dar formação séria no campo das artes plásticas. Eles educaram os jovens sobre os exemplos da alta arte da antiguidade e do Renascimento. A tradição tornou-se uma característica de todas as academias subsequentes. Estudando o patrimônio e percebendo a cultura artística de seus antecessores, as academias levaram tudo isso para a próxima geração de artistas, preservando rigorosamente o grande e inabalável fundamento sobre o qual essa tradição foi criada.

Ao lado das academias estaduais, continuaram existindo as escolas particulares, onde os alunos recebiam uma formação profissional bastante sólida. A oficina do maior artista flamengo Peter Paul Rubens (1577-1640) era a maior e mais ricamente equipada com material didático. No século XVII era a melhor escola de desenho entre as oficinas privadas. Os alunos de Rubens eram artistas famosos e excelentes desenhistas. Ao ensinar desenho, Rubens deu particular importância à comprovação científica das leis da perspectiva, claro-escuro e anatomia plástica.

Pela primeira vez depois de Pamphilus, a ideia dos benefícios do desenho como disciplina educacional geral foi expressa pelo grande professor tcheco Jan Amos Comenius (1592-1670) em sua Grande Didática. É verdade que Comenius ainda não se atreveu a incluir o desenho no currículo escolar como disciplina obrigatória. No entanto, o valor desses pensamentos residia no fato de estarem intimamente relacionados a questões de pedagogia. O capítulo 21 da Grande Didática, intitulado "Método das Artes", afirma que três requisitos devem ser observados para o ensino da arte: uso correto; direção sensata; exercício frequente.

Comenius, considerando o desenho como uma disciplina educacional geral, não faz diferenças acentuadas nos métodos e sistemas de ensino da arte na educação geral e nas escolas especiais. Apoia-se no sistema já estabelecido de ensino do desenho nas academias de artes, em métodos de ensino que se justificam.

Quase simultaneamente com Comenius, o valor educacional geral do desenho começou a ser defendido pelo professor e filósofo inglês John Locke (1632-1704). Em seu livro Thoughts on Education, ele escreve: “Se um menino adquiriu uma caligrafia bonita e rápida, então ele deve não apenas sustentá-la com uma prática cuidadosa na escrita, mas também melhorar sua arte desenhando. Ao viajar, o desenho servirá ao jovem; muitas vezes, com alguns recursos, ele será capaz de retratar prédios, carros, roupas e outras coisas que não podem ser explicadas por nenhuma descrição detalhada. Mas não quero que ele se torne um pintor; levaria mais tempo do que ele deixou de outras atividades importantes. No entanto, J. Locke não dá instruções metodológicas sobre o ensino do desenho, limitando-se apenas a discussões gerais sobre os benefícios do ensino do desenho.

O filósofo enciclopedista francês Jean Jacques Rousseau (1712-1778) falou mais detalhadamente sobre o desenho como disciplina educacional geral. Em seu livro Emílio, Rousseau escreve que para o conhecimento da realidade circundante, os órgãos dos sentidos são de grande importância, que podem ser desenvolvidos na criança ensinando-a a desenhar da vida. Rousseau aponta com razão que as aulas de desenho devem ser realizadas em meio à natureza, pois na natureza o aluno pode ver claramente os fenômenos da perspectiva e compreender suas leis. Além disso, observando a natureza, o aluno cultiva seu próprio gosto, aprende a amar a natureza, começa a entender sua beleza. Rousseau acredita que aprender a desenhar deve ocorrer exclusivamente pela natureza. A este respeito, Rousseau olha para o método de ensino do desenho mais a sério do que seus antecessores. As ideias pedagógicas de Comenius, Locke, Rousseau enriqueceram significativamente a teoria e a prática da arte. Seus trabalhos teóricos serviram como um impulso para o desenvolvimento da pedagogia artística.

Nesse período, a autoridade da academia foi fortalecida não apenas como instituição educacional, mas também como formadora de tendências nos gostos artísticos. Reconhecendo a arte antiga como o maior exemplo e apoiando-se nas tradições do Alto Renascimento, quase todas as academias europeias começam a criar uma escola ideal de belas artes no sentido mais amplo da palavra. O desenho no sistema de educação artística ainda é considerado a base dos fundamentos. Mas aprender a desenhar da natureza começa com o estudo de amostras clássicas da antiguidade. Somente um estudo sério das esculturas gregas antigas ajudará um iniciante a aprender as leis da natureza e da arte, apenas amostras clássicas revelarão ao artista as idéias de beleza e as leis da beleza, argumentaram as academias.

A posição sobre os benefícios do desenho como disciplina educacional geral foi expressa pelo grande professor tcheco ^ Ya A. Komensky em sua "Grande Didática". É verdade que Comenius ainda não se atreveu a incluir o desenho no currículo escolar como disciplina obrigatória. Mas o valor de seus pensamentos sobre o desenho era que eles estavam intimamente relacionados a questões de pedagogia. De particular valor para nós são os pensamentos de Comenius sobre a necessidade de estudar os métodos de ensino. Quase simultaneamente com Comenius, o valor educacional geral do desenho começou a ser defendido pelo professor e filósofo inglês John Locke. No entanto, não sendo um especialista, J. Locke não podia dar instruções metodológicas no ensino do desenho. Ele se limitou a discussões gerais sobre os benefícios da educação.O filósofo-enciclopedista francês ^ Jacques-Jean Rousseau falou mais detalhadamente sobre o desenho como uma disciplina educacional geral. Ele acreditava que o desenho deveria ser ensinado exclusivamente a partir da natureza e que uma criança não deveria ter outro professor além da própria natureza. Johann Wolfgang Goethe expressou muitos pensamentos valiosos sobre o método de ensino do desenho. Para dominar a arte do desenho é preciso conhecimento, conhecimento e conhecimento, disse. As ideias pedagógicas de Comenius, Locke, Rousseau, Goethe enriqueceram a teoria e a prática do ensino do desenho. Seus trabalhos teóricos serviram de impulso para o desenvolvimento do pensamento pedagógico em geral e no campo dos métodos de ensino do desenho em particular.

. O papel de I. G. Pestalozzi no desenvolvimento do desenho como disciplina educacional geral. Alunos e seguidores de J. G. Pestalozzi (I. Schmidt, P. Schmidt, irmãos Dupuis)

No século 18 - a primeira metade do século 19, o desenho começou a ganhar firmemente seu lugar nas escolas secundárias. Isso foi iniciado pelo professor suíço Johann Heinrich Pestalozzi (1746-1827), que não foi acidentalmente chamado de pai da metodologia escolar pelos professores de arte. Pestalozzi considera o desenho na escola como uma disciplina educacional geral. Todo conhecimento, em sua opinião, vem do número, da forma e da palavra. O primeiro passo para o conhecimento é a contemplação. Para poder pensar corretamente, é necessário considerar corretamente a natureza circundante. O desenho é a maneira mais perfeita de adquirir essa habilidade. Um papel especial, segundo Pestalozzi, deveria caber ao desenho na escola primária. Em seu diário, que trata da formação do filho, o desenho ocupa o lugar principal. As aulas diárias começam com o desenho. O desenho, argumenta Pestalozzi, deve preceder a escrita, não só porque facilita o processo de domínio da inscrição das letras, mas também porque é mais fácil de digerir.

O próprio Pestalozzi, segundo os contemporâneos, não sabia desenhar, por isso não dá regras claras e definidas para o ensino do desenho, limitando-se a observações pedagógicas gerais. Mas suas instruções didáticas e ideias pedagógicas foram tão importantes e vitais que serviram de base para o desenvolvimento posterior das técnicas de desenho nas escolas secundárias.

Pestalozzi atribui grande importância aos métodos de ensino. O sucesso de aprender a desenhar depende de um sistema bem construído, diz Pestalozzi. Os artistas pensam pouco sobre os métodos de ensino, seguem caminhos indiretos, então sua arte está disponível apenas para a elite (especialmente talentosa). No entanto, todos podem aprender o básico do desenho, e o desenho, que é de grande importância educacional geral, deve ocupar seu lugar na escola junto com outras disciplinas acadêmicas.

Pestalozzi delineou completamente seus pontos de vista sobre o método de desenho no livro Como Gertrude Ensina Seus Filhos. O mérito de Pestalozzi também está no fato de considerar necessário se orientar pelas características etárias dos alunos ao desenvolver um sistema de treinamento.

De acordo com Pestalozzi, trazer o material didático para um sistema coerente, estabelecendo uma estreita conexão entre conhecimento e habilidades no desenho, definitivamente desenvolverá nos alunos as habilidades de sua aplicação consciente no trabalho independente.

Pestalozzi acredita que aprender a desenhar deve acontecer a partir da natureza, pois a natureza é acessível à observação, toque e medição. De acordo com essa atitude, ele define o próprio termo "desenho" como o estabelecimento da forma por meio de linhas; o tamanho da forma, ele aponta, pode ser estabelecido por medição precisa. É o desenho da natureza, segundo Pestalozzi, que desenvolve a criança: basta ensiná-la a desenhar da natureza modelos retirados da vida real e da natureza ao seu redor; mesmo que esses primeiros contornos sejam imperfeitos, seu significado para o desenvolvimento é muito maior do que desenhar a partir de imitações, isto é, de desenhos prontos. Pestalozzi atribui grande importância aos métodos de desenvolvimento do olho no desenho. A capacidade de medir é o ABC da observação

suas observações gerais são de grande valor. O mérito de Pestalozzi reside no fato de que ele foi o primeiro a combinar a ciência do ensino escolar com a arte, levantou a questão da necessidade de desenvolvimento metodológico de cada posição do desenho. Ele acreditava que para o desenvolvimento do olho deveria haver um método, para compreender as formas - outro, para a tecnologia - um terceiro. Este trabalho foi realizado por seus alunos e seguidores.

Depois de Pestalozzi, o desenho como disciplina da educação geral começou a ser introduzido em todas as escolas primárias. As ideias pedagógicas de Pestalozzi são desenvolvidas. O primeiro desses trabalhos é o livro "Elementos do Desenho Segundo as Ideias de Pestalozzi", escrito por seu aluno Joseph Schmidt. Ao ensinar desenho, I. Schmidt sugere a realização de exercícios especiais: desenvolver a mão e prepará-la para o desenho; exercícios de criação e descoberta de belas formas; exercícios para desenvolver a imaginação; exercícios de desenho geométrico de objetos; em perspectiva.

Para facilitar o trabalho dos alunos, I. Schmidt sugere colocar uma folha de papelão atrás da natureza, na qual está representada uma grade de quadrados. Desenhando um modelo da vida, o aluno sempre podia verificar a inclinação e a natureza do contorno (silhueta) do objeto em relação às linhas verticais e horizontais, e as células ajudavam a encontrar as proporções corretamente. Após o curso inicial de desenho, Schmidt aconselha passar para o desenho artístico, onde o aluno começa a desenhar uma pessoa, primeiro a partir de um modelo de gesso e depois a partir de um modelo vivo. O curso termina com desenho de vida de árvores e paisagens.

Outro aluno de Pestalozzi Ramsauer publicou um trabalho chamado "Teaching Drawing", que primeiro delineou a ideia de desenhar em um quadro-negro. O novo método era o seguinte: todos os tipos de linhas eram representados em um grande quadro-negro na forma de exercícios preliminares, eram oferecidos exercícios para desenvolver o olho - desenhando linhas para certos pontos, dividindo linhas em partes, desenhando linhas em um determinado ângulo ( declive). A etapa seguinte foi o desenho de figuras geométricas e as formas características da natureza e da arte. O professor deve retratar tudo isso na lousa, e os alunos devem acompanhar o surgimento e desenvolvimento de cada forma. O curso terminou com o desenho da natureza, primeiro utensílios domésticos, depois cabeças de gesso e, finalmente, uma cabeça viva.

As obras do professor de arte berlinense Peter Schmid tiveram grande influência no desenvolvimento da metodologia escolar. Ele foi o primeiro a introduzir nas escolas de educação geral e desenvolveu em detalhes o método de desenho da vida, usando vários modelos geométricos para isso. Schmid iniciou o desenvolvimento do chamado método geométrico. O mérito de Schmid foi desenvolver uma metodologia para o ensino do desenho, baseada em disposições pedagógicas gerais. Segundo Schmid, o desenho não é apenas um exercício mecânico da mão, é também uma ginástica da mente, e a observação, o senso geral da forma e as fantasias também são exercitados. A sequência do ensino do desenho, segundo Schmid, deve ser a seguinte: primeiro, a imagem da forma mais simples - um paralelepípedo, depois a imagem das formas curvilíneas dos objetos - e assim, aos poucos, o aluno é levado a desenhar com cabeças de gesso e bustos. Cada tarefa condiciona a seguinte, e a próxima pressupõe a anterior e se baseia nela.

Schmid considerou que copiar fotos não só não trazia nenhum benefício para o aluno, mas até prejudicial. Ele disse que copiar ajuda apenas a aquisição de habilidades mecânicas e não contribui em nada para o desenvolvimento mental das crianças.

na primeira metade do século XIX, o método dos irmãos Dupuis tornou-se difundido nas escolas secundárias. O método de ensino de desenho de Dupuy foi construído da seguinte forma: primeiro, os alunos estudam e retratam os modelos mais simples (fios) sem fenômenos de perspectiva - frontalmente, depois - modelos de fios com contrações de perspectiva. Isto é seguido pelo desenho de figuras planas, após as quais - tridimensionais. A sequência metódica no desenho de cada grupo de modelos foi a mesma: primeiro - a imagem frontal do modelo, depois - perspectiva.

O método de ensino de desenho dos irmãos Dupuis tinha mais uma característica - no início, os alunos desenhavam em lousas pretas com giz e, quando adquiriam alguma habilidade no desenho, passavam a trabalhar no papel. Para desenvolver um senso de forma, Dupuis introduziu aulas de modelagem em argila.

O método de ensino do desenho pelos irmãos Dupuis não perdeu seu significado na atualidade. Modelos separados desenvolvidos por ele são usados ​​por artistas-educadores. Assim, professores da faculdade de arte e gráficos do Instituto Pedagógico do Estado de Moscou. V. I. Lenin, ao ensinar desenho de acordo com o método de D. N. Kardovsky, são usados ​​modelos de Dupuis.

. Desenho na Rússia do século 18. (Preisler, G. A. Gippius)

Até o século XVIII, o principal método de ensino do desenho era o método da cópia. Como disciplina de ensino geral, o desenho naquela época ainda não havia recebido grande desenvolvimento; começou a ser introduzido nas instituições de ensino apenas no início do século XVIII.

Fortalecendo o poder da Rússia, as reformas de Pedro 1 causaram um aumento geral da cultura no país. Havia uma grande necessidade de pessoas que pudessem fazer mapas, fazer desenhos e ilustrações para livros.

Em 1711, na gráfica de São Petersburgo, Pedro I organizou uma escola secular de desenho, onde os alunos não apenas copiavam os originais, mas também desenhavam da vida.

São convidados professores-artistas do exterior, com quem são celebrados contratos.

O desenho está começando a ser amplamente introduzido nas instituições de ensino geral. Para a correta organização da metodologia de ensino do desenho nessas instituições de ensino, foi publicado o livro de I. D. Preisler "Basic Rules, or a Brief Guide to Drawing Art". Foi o primeiro método sério manual sobre desenho na Rússia. De particular interesse para nós é o livro de Preisler do ponto de vista metodológico. O manual descreve um certo sistema para ensinar desenho. O livro dava instruções não só aos artistas iniciantes, mas também aos que ensinavam desenho.

O treinamento de acordo com o sistema Preisler começa com uma explicação da finalidade das linhas retas e curvas no desenho, depois as formas e corpos geométricos e, por fim, as regras para seu uso na prática. O autor, com uma sequência metódica, mostra ao aluno como, passando do simples ao complexo, dominar a arte do desenho.

Qualquer que seja o objeto que Preisler sugira para o desenho, ele primeiro tenta ajudar o aluno a lidar com as dificuldades de analisar a forma de um objeto e construí-lo em um plano. Mostra claramente como construir sistematicamente uma imagem.).

Como a maioria dos artistas-professores da época, Preisler coloca a geometria como base para o ensino do desenho. A geometria ajuda o desenhista a ver e entender a forma de um objeto e, quando representada em um plano, facilita o processo de construção. No entanto, adverte Preisler, o uso de figuras geométricas deve ser combinado com o conhecimento das regras e leis da perspectiva e da anatomia plástica.

Preisler atribui grande importância à capacidade de dominar o desenho linear.

O manual de Preisler foi muito apreciado por seus contemporâneos, foi reimpresso várias vezes no exterior e na Rússia. Não havia desenvolvimento metodológico mais completo e claro no desenho educacional naquela época, então o trabalho de Preisler na Rússia foi usado por muito tempo não apenas em instituições educacionais gerais, mas também em escolas especiais de arte.

Tal avaliação do método de Preisler não pode ser considerada correta do ponto de vista histórico. Não é por acaso que seu trabalho foi um sucesso tão grande por um século inteiro, embora durante esse tempo muitos manuais e manuais de desenho diferentes tenham sido publicados na Rússia e no exterior. Claro, hoje você pode encontrar falhas no livro de Preisler, mas por uma questão de verdade histórica, deve-se ressaltar que para a época era o melhor guia. O conhecimento que o aluno recebeu com base no curso de Preisler o ajudou a desenhar da vida no futuro, bem como da memória e da imaginação, o que é tão importante para o artista.

Assim, no final do século XVIII, o desenho como disciplina educacional geral começou a se difundir. Neste momento, a Rússia se torna uma potência poderosa. Em conexão com o desenvolvimento da vida econômica e social do país, a necessidade de pessoas alfabetizadas em artes plásticas, que possam desenhar e desenhar aumentou acentuadamente.

Aparecem vários trabalhos teóricos, onde se comprova a necessidade de dominar as habilidades gráficas, enfatiza-se a importância do desenho como disciplina educacional geral.

Em 1844, G. A. Gippius publicou a obra “Ensaios sobre a teoria do desenho como disciplina educacional geral”, dedicada ao desenho como disciplina educacional geral. Este foi o primeiro grande trabalho sobre este tema, abrangeu tanto questões teóricas gerais de pedagogia e artes plásticas, como questões de métodos de ensino de desenho.

Muito foi feito durante este período no campo da publicação de vários manuais, manuais e tutoriais sobre desenho.

O livro é dividido em duas partes - teórica e prática. A parte teórica descreve as principais disposições da pedagogia e das artes plásticas. Na parte prática, revela-se a metodologia de ensino.

Gippius se esforça para fundamentar científica e teoricamente cada posição do método de ensino do desenho. De uma maneira nova, ele considera o próprio processo de ensino. Os métodos de ensino, diz Gippius, não devem seguir um determinado padrão; métodos de ensino diferentes podem trazer bons resultados. Nesse sentido, Gippius antecipa a compreensão moderna da metodologia de ensino como a arte de ensinar. Para aprender a desenhar corretamente, você precisa aprender a raciocinar e pensar, diz Gippius, e isso é necessário para todas as pessoas, e isso deve ser desenvolvido desde a infância. Gippius dá muitos conselhos e recomendações metodológicas valiosas na segunda parte de seu livro. A metodologia de ensino, segundo Gippius, deve basear-se não apenas nos dados do trabalho prático, mas também nos dados da ciência e, sobretudo, da psicologia. Gippius exige muito do professor. O professor não deve apenas saber e ser capaz de fazer muito, mas também falar com os alunos como um ator. O trabalho de cada aluno deve estar no campo de visão do professor.

Gippius relaciona de perto a oferta de aulas com equipamentos e materiais com questões de metodologia.

A obra de G. A. Gippius foi uma contribuição significativa para a teoria e a prática do ensino do desenho como disciplina educacional geral, pois enriqueceu muito a metodologia de ensino.

Não encontramos um estudo tão sério e aprofundado sobre as questões da metodologia de ensino naquele período em nenhum, mesmo no mais destacado representante do pensamento pedagógico. Todos eles se limitaram a uma apresentação das disposições teóricas gerais da pedagogia, sobre as quais a metodologia deveria ser construída; artistas-professores focados nas regras do desenho. Enquanto isso, a maioria dos professores precisava revelar a própria metodologia de ensino e, nesse sentido, Gippius fez um trabalho de grande importância. Muitos pesquisadores da história dos métodos de ensino do desenho omitiram esses pontos importantes em seus escritos.

9. A educação artística no século XIX. Escolas de desenho. "Curso de desenho" e recursos visuais de A. P. Sapozhnikov

Uma característica da vida artística da Rússia no século XIX é a busca ativa de formas e métodos de educação artística e educação dos membros da sociedade. Neste sentido, a abertura de escolas de arte em várias cidades, a publicação de associações e organizações de arte, a promoção das artes através de atividades de exposição e publicação.

Em 1804 A Carta Escolar introduz o desenho em todas as escolas e ginásios distritais.

1706-97 havia uma escola de desenho criada por Peter<#"justify">O método revelou de forma clara e simples as disposições mais complexas relacionadas à construção de uma imagem tridimensional em um plano e revolucionou o trabalho educacional. Como a melhor maneira de ajudar o aluno a construir corretamente uma imagem da forma de um objeto é simplificá-la no início do desenho - para determinar o geômetra. a base da forma do objeto e, em seguida, passar para o refinamento. O método de Sapozhnikov tinha muito em comum com o método Dupuis, mas foi publicado anteriormente (Sapozhnikov - em 1834 e Dupuis - em 1842). Quase todos os métodos modernos incluem o sistema de A. Sapozhnikov como base.

10. Perspectivas pedagógicas de P.P. Chistyakova

Características da escola de arte de desenho P. P. Chistyakov.

P. P. Chistyakov acreditava que a Academia de Artes da época de seu ensino (1872-1892) precisava de reforma e novos métodos de trabalho com os alunos, era necessário melhorar os métodos de ensino de desenho, pintura e composição.

Desde 1871, Chistyakov participou ativamente da produção de desenho nas escolas secundárias.

O sistema de ensino de Chistyakov cobria vários aspectos do processo artístico: a relação entre natureza e arte, artista e realidade, psicologia da criatividade e percepção, etc. O método de Chistyakov criou não apenas um artista-mestre, mas um artista-criador. Chistyakov atribuiu importância decisiva em seu sistema ao desenho, instado a penetrar na própria essência das formas visíveis, a recriar seu modelo construtivo convincente no espaço condicional da folha. A vantagem do sistema de ensino de Chistyakov era a integridade, a unidade no nível metodológico de todos os seus elementos, o seguimento lógico de um estágio para outro: do desenho ao claro-escuro, depois à cor, à composição (composição).

Atribuiu grande importância à cor, vendo na cor o meio mais importante de expressão figurativa, revelando o conteúdo da obra.

A composição do quadro é resultado do treinamento do artista, quando já era capaz de compreender os fenômenos da vida ao seu redor, resumir suas impressões e conhecimentos em imagens convincentes “De acordo com o enredo e a técnica” era a expressão favorita de Chistyakov.

Os métodos de ensino de desenho de Chistyakov são comparáveis ​​aos das famosas escolas de arte de Munique.

Ao longo dos longos anos de ensino, Chistyakov desenvolveu um "sistema de desenho" especial. Ele ensinou a ver a natureza como ela existe e como ela parece, combinar (mas não misturar) os princípios lineares e pictóricos, conhecer e sentir o assunto, independentemente do que precisa ser retratado, seja uma folha de papel amassada, um gesso ou uma trama histórica complexa. Em outras palavras, as principais disposições do "sistema" eram a fórmula de uma "relação viva com a natureza", e o desenho era uma forma de conhecê-la.

Os métodos de Chistyakov, bastante comparáveis ​​aos métodos das famosas escolas de arte de Munique, sua capacidade de adivinhar a linguagem especial de cada talento, atitude cuidadosa em relação a qualquer talento, deram resultados surpreendentes. A variedade de personalidades criativas dos alunos do mestrado fala por si - eles são V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. D. Polenov, I. E. Repin, A. P. Ryabushkin, V. A. Serov, V. I. Surikov e outros.

Analisando a atividade pedagógica de P. P. Chistyakov, pode-se identificar os principais componentes do sistema de seu trabalho, graças aos quais foi alcançado um alto nível de qualidade no ensino de desenho. Consistia na interação dos seguintes componentes: as metas e objetivos do ensino como ponto de partida para o funcionamento do sistema pedagógico; conteúdo cientificamente fundamentado do material educativo; a utilização de vários tipos e formas de condução das aulas, graças às quais se organizaram as atividades dos alunos na assimilação da literacia artística no desenho; várias formas de controle, com as quais foram evitados possíveis desvios das tarefas definidas ao realizar o desenho; o auto-aperfeiçoamento contínuo do próprio P. P. Chistyakov, que visava principalmente melhorar o impacto positivo nos estagiários. Além disso, parte integrante do sistema de trabalho de Pavel Petrovich Chistyakov foi construído o relacionamento com os alunos, que tinha uma orientação humanística da atividade, voltada para a comunicação com as alas, o diálogo e o respeito ao indivíduo. P. P. Chistyakov (1832-1919) é conhecido não apenas como um artista, mas também como um excelente professor, cujos muitos anos de trabalho na Academia de Artes determinaram em grande parte o destino da escola realista de pintura na Rússia no final do século XIX e início do século XIX. Século 20. As obras de Chistyakov já eram reconhecidas nos tempos soviéticos e foram resumidas em várias obras de crítica de arte. Apesar da existência de uma série de obras dedicadas às atividades de Chistyakov, seu sistema pedagógico é tão revolucionário por natureza e não encontra analogias na teoria e na prática de outras escolas nacionais de arte. Encontrado por Chistyakov, uma solução ousada e consistente para os problemas prementes da arte contemporânea baseou-se não na rejeição, mas no uso abrangente das tradições existentes, o que lhe permitiu criar uma escola. fundamentalmente novo, que trouxe os maiores mestres da pintura russa do final do passado - o início deste século. O sistema de Chistyakov não foi um experimento simples, embora talentoso, de um professor notável. Com todos os seus aspectos, foi construído na perspectiva da arte que expressava e servia. E essa dinamite interna contida nele no desenvolvimento posterior da pintura nacional determinou que (suas disposições individuais mantiveram seu significado em nosso tempo! O sistema de Chistyakov é científico e artístico no sentido mais amplo e profundo desses conceitos. Este sistema baseava-se numa revisão completa dos métodos de ensino pré-existentes e ao mesmo tempo servia para sistematizá-los e repensá-los com base em novas premissas ideológicas. O papel principal no sistema de ensino de Chistyakov foi desempenhado pelo plano da imagem, que era um intermediário entre o natural e o desenho e ajudava a comparar a imagem com a natureza. É por isso que Chistyakov chamou seu sistema de desenho como um todo "o sistema de verificação do desenho". Considerar o desenho como uma disciplina acadêmica séria; Chistyakov destacou que a metodologia de seu ensino deve ser baseada nas leis da ciência e da arte. O professor não tem o direito de enganar o aluno com seu raciocínio subjetivo, ele é obrigado a fornecer conhecimentos confiáveis.As idéias de Chistyakov sobre a relação entre o professor e os alunos são de grande valor para nós. “Um verdadeiro, desenvolvido, bom professor com uma vara de aluno não é um dueto, em caso de erro, falha, etc., ele tenta explicar cuidadosamente a essência de fazê-lo com destreza. Conduz o aluno no verdadeiro caminho. ” Ao ensinar os alunos a desenhar, deve-se esforçar para intensificar sua atividade cognitiva. O professor deve dar direção, prestar atenção ao principal, e o aluno deve resolver esses problemas sozinho. Para resolver corretamente esses problemas, o professor precisa ensinar o aluno não apenas a prestar atenção ao assunto, mas também a ver seus lados característicos. No desenho educacional, as questões de observação e conhecimento da natureza desempenham um papel primordial. Como ensinar desenho, Chistyakov divide a ciência da pintura em várias etapas. A primeira etapa é o domínio da natureza figurativa da cor, o desenvolvimento da capacidade do jovem artista de ser preciso na determinação da tonalidade da cor e em encontrar sua posição espacial correta. A segunda etapa deve ensinar o aluno a entender o movimento da cor na forma como o principal meio de transmissão da natureza, a terceira - ensinar como resolver certos problemas de plotagem com a ajuda da cor Chistyakov foi um verdadeiro inovador que transformou a pedagogia em alta criatividade. Levando em conta as exigências modernas da arte, ele não apenas revisou pontos individuais na educação, mas também revolucionou completamente esta última, começando com a questão da relação da arte com a realidade e terminando com habilidades profissionais e habilidades. Seu sistema de ensino educou o artista no verdadeiro sentido da palavra. A maestria veio como maturidade do pintor, e não como base artesanal de seu trabalho.O sistema se baseava em uma reflexão profundamente realista e objetiva do mundo através dos sentimentos do artista e sua compreensão da vida. Chistyakov foi um dos primeiros a provar que a imagem artística não é uma sistematização do pintor do que vê, mas uma expressão de sua própria experiência.

. Desenho na educação geral e instituições educacionais especiais da Rússia nos séculos 18 e 19. Metodologia para o ensino de desenho na Academia Imperial de Artes

A ideia da importância da educação artística em instituições de ensino fundamental, médio e superior de várias especializações não artísticas e o ensino sistemático de alunos em artes plásticas, juntamente com outras disciplinas de educação geral - leitura, escrita, contagem - na pedagogia russa foi formulado no século XVIII.

Educação artística profissional na Rússia no século 18. poderia ser obtido em oficinas particulares (I. Argunova, P. Rokotova), na Escola de Desenho, organizada por Pedro I em 1711 na casa de impressão de São Petersburgo. Desde 1758, a Academia das Três Mais Nobres Artes tornou-se o centro científico e metodológico da educação artística.

a metodologia para o ensino do "desenho" foi modelada na Academia de Artes: a assimilação de habilidades técnicas no processo de cópia de amostras. Como originais para cópia pelos alunos nas escolas, foram usadas as Regras Fundamentais, ou um Breve Guia de Desenho Artístico de I. D. Preisler, o “Curso de Desenho” de A. P. Sapozhnikov

Assim, no final do século XVIII. desenho como um assunto educacional geral tornou-se difundido. Em conexão com o rápido desenvolvimento da indústria e do planejamento urbano, um aumento no número de empresas industriais, aumentou a necessidade de pessoas alfabetizadas em artes plásticas, capazes de desenhar e desenhar, o que afetou a inclusão do assunto "Desenho" nos currículos.

A Academia de Artes é uma instituição de ensino superior especializada, seu papel na vida da Rússia estava levando. Inicialmente, as academias de artes eram estúdios privados e comunidades criativas de mestres de arte, seu objetivo era preservar e desenvolver as mais altas tradições da arte, orientar a formação de visões estéticas, critérios e normas de criatividade artística e criar com base nisso uma escola de arte, Educação profissional.

Na Rússia, a primeira Academia de Artes foi formada em 1757 em São Petersburgo como a "Academia das Três Mais Nobres Artes" - pintura, escultura e arquitetura. Em 1764, a Academia Imperial de Artes foi criada com uma Escola Educacional anexada a ela. Ao longo de sua história, a Academia de São Petersburgo tem sido o principal centro russo de educação artística. Os maiores arquitetos, escultores, pintores e gravadores russos passaram por um treinamento rigoroso e exigente na Academia.

Desde o início, a Academia das Artes não era apenas uma instituição educacional e educacional, mas também um centro de educação artística, pois organizava regularmente exposições. Sob ela, foram fundados museus e uma biblioteca científica, que ainda fazem parte da estrutura da academia.

Uma importante área de atividade da Academia de Artes no século XX. foi o treinamento de críticos de arte e professores de história da arte para museus e instituições educacionais da Rússia. Em 1944, o Instituto de Pintura, Escultura e Arquitetura, criado com base na Academia Russa de Artes, recebeu o nome do grande pintor russo I. E. Repin.

No instituto, as relações foram mantidas, desenvolvidas e desenvolvidas com base na continuidade da tradição da escola de São Petersburgo. Os alunos da academia criaram novos alunos talentosos e também levaram tradições educacionais para as cidades da Rússia. O papel da Academia de Artes no desenvolvimento da educação artística russa na vida da Rússia estava liderando.

. Estudos das belas artes das crianças no final do século 19 - início do século 20 (conceito biogenético das belas artes das crianças e a teoria da educação gratuita. K. Ricci, Lamprecht, G. Kershensteiner)

A educação artística é considerada como parte da cultura artística. O desenho infantil faz parte da magreza. cultura, sendo a criança protagonista do processo cultural Consideração do desenho infantil em um aspecto histórico, como fenômeno da arte. cultura. sugere: 1ª análise em termos de conteúdo e métodos de emagrecimento. Educação; 2º lugar da criança e sua criatividade na fina. cultura; 3-características psicológicas do desenvolvimento relacionado à idade 4 a influência da individualidade pedagógica - a interação do aluno e seu mentor na arte. O livro de Georg Kershensteiner "O Desenvolvimento da Criatividade Artística da Criança", publicado na Rússia em 1914, tornou-se o primeiro estudo fundamental dos desenhos de crianças em idade escolar de 6 a 13 anos. diferentes idades das crianças. O objetivo do estudo foi estudar o desenvolvimento da habilidade de desenho, além de influências externas sistemáticas.

Cientistas alemães estabeleceram: diferenciação dos sexos no sentido de talento artístico; atitudes diferentes das crianças da cidade e do campo; conexão do desenvolvimento intelectual com a capacidade de uma imagem gráfica.

A Rússia no final do século 19 e início do século 20 caracterizou-se por um crescente interesse nos métodos de ensino do desenho, tanto em instituições educacionais especiais quanto em geral.

Começou a estudar psicologia infantil. Corrado Ricci 1911 Ele chamou a atenção para o fato de as crianças escolherem uma pessoa como um dos objetos centrais da imagem. . Ricci comparou a criatividade infantil com a arte das eras pré-históricas e primitivas, que serviu de base para a aplicação da teoria biogenética para explicar o desenvolvimento das artes plásticas infantis. A comparação da criatividade infantil com a história da arte levou à identificação de estágios de desenvolvimento comuns a todas as crianças, desenvolvidos nos estudos de Kershensteiner 1914, que mais tarde foram interpretados por Lamprecht 1909 como a descoberta das formas do desenho infantil: 1º estágio - esquemas - rabiscos disformes e primitivos. O senso de forma e linha do estágio 2 é uma mistura de formal e esquemático, o estágio 3 é uma imagem crível - o estágio de silhuetas e contornos. imagem de plástico de 4 estágios. Kershensteiner avaliou desenhos infantis em bases sociais - urbanas ou rurais. . argumentou que o desenvolvimento da imagem deve passar por todas as 4 etapas. Independentemente da idade, ele deve superar cada etapa anterior. A negação do início da aprendizagem levou à ausência de construção da imagem. Ele era contra o método geométrico. A teoria da educação gratuita.

Explorando os métodos de ensino do desenho na virada do século, deve-se levar em conta que naquela época o desenho incluía - desenho da vida, decorativo, temático e de conversação. Este período seria muito difícil e controverso. A clareza e a gravidade da imagem são visivelmente reduzidas. Vários trabalhos de pesquisa aparecem, a psique da criança está sendo estudada. Kershensteiner. Durante este período, tudo é misturado. Educação gratuita, desacordo entre os partidários do método geométrico e natural e os formalistas. representantes do geométrico defendem a direção acadêmica, representantes do método natural aderem à teoria da educação gratuita. As aulas de desenho na escola começaram a ser consideradas muito restritas. Alguns teóricos dizem que não há nada para estudar na escola de belas artes - eles dizem que essa é a tarefa de uma escola de arte. Ao introduzir as crianças nas artes visuais, é necessário proporcionar-lhes mais oportunidades para a criatividade independente. nesse sentido, na atividade visual, não vemos a diferença de idade. Todas as obras são igualmente ingênuas e impotentes na arte, todas estão unidas pelo termo geral desenho infantil. Em muitas escolas, o sistema de ensino rígido está quebrado, o desenho como disciplina do ensino geral está perdendo seu conhecimento. Picasso escreveu: que temos a garantia de que as crianças devem ter liberdade, mas na verdade elas são obrigadas a fazer desenhos infantis. Eles ensinam isso. A arte burguesa formalista teve sua influência nos métodos de ensino nas escolas secundárias. Todo o sistema e metodologia de ensino deste período visava desenvolver a individualidade de cada aluno e a inviolabilidade de sua personalidade artística. A escola não é necessária - na escola, o artista perde suas qualidades naturais. . muitos em um desenho estritamente realista viram os grilhões que limitavam as possibilidades criativas do artista. Os adeptos da educação gratuita eram contra o estudo acadêmico da natureza, contra a escola em geral. Todos, dos impressionistas aos abstracionistas, seguem o slogan - abaixo a escola, liberdade de criatividade. As correntes formalistas tiveram um efeito prejudicial na escola de arte e nos métodos de ensino do desenho. Separar a forma do conteúdo, negar o significado cognitivo da arte, levou a arte ao absurdo. Mas havia escolas e artistas individuais que continuaram a defender os princípios da arte realista.

A partir da segunda metade do século XIX, a metodologia escolar começou a ser desenvolvida de forma mais profunda e séria. É verdade que durante este período houve muitas disputas entre os metodistas sobre a vantagem de um método sobre o outro. A estética da arte sempre influenciou o método de ensino do desenho na escola. Às vezes essa influência também foi negativa, como, por exemplo, a influência da arte formalista. Negligenciar os fundamentos do desenho realista, evitar o mundo real, rejeitar a escola - essas são as principais disposições da arte formalista que causaram sérios danos ao desenvolvimento de métodos de ensino de desenho em uma escola de educação geral. O desenho como disciplina educacional geral está perdendo seu significado. O interesse pelo desenho infantil limita-se apenas ao estudo da criatividade infantil. Os críticos de arte começam a cantar sobre isso, os artistas imitam as crianças. Fala-se da preservação do imediatismo infantil, ingênuo da percepção do mundo, do fato de que a educação em geral tem um efeito nocivo no desenvolvimento da criança.

Por volta dos 30 século 20 dentro. principais teóricos da arte. parentalidade torna-se: na Alemanha-G. Kershensteiner, na América - J. Dewey, em nosso país - A. V. Bakushinsky. Apesar da diferente abordagem do problema a ser resolvido e da sua diferente interpretação, todas elas são inspiradas na ideia geral de “educação gratuita”, a afirmação da personalidade da criança com o direito de expressar os seus sentimentos e pensamentos, e a eliminação de o professor da liderança. Dominar a alfabetização gráfica, principalmente na fase inicial da educação, segundo eles, não é necessário para as crianças. Tirar da vida como um dos meios de compreender o mundo que nos rodeia, desenhar como base da arte está perdendo seu significado a cada ano. Alguns teóricos da criatividade infantil estão começando a afirmar que em uma escola de educação geral, as crianças não devem ser ensinadas gráficas, alfabetização gráfica, esta é uma tarefa ruim. escolas, mas sim para promover o desenvolvimento estético global da criança. Nos anos 50. século 20 Em muitas escolas de países estrangeiros, o rígido sistema de ensino está quebrado, o desenho como disciplina de educação geral está perdendo seu significado. O desenho como tal desapareceu completamente e, portanto, a metodologia para o ensino do desenho nas escolas de ensino geral desapareceu. O tema principal de todos os simpósios internacionais é a educação estética, o problema do desenvolvimento integral de uma pessoa.

. Período soviético de educação artística. Educação artística na primeira década do poder soviético. O estado do ensino de desenho e artes plásticas na escola soviética dos anos 20 a 30 (direções formais e realistas da vida artística. Academia Russa de Ciências. Formação do sistema de ensino gráfico superior. Sistema pedagógico de D. N. Kardovsky)

Primeiras experiências A sociedade soviética no final dos anos 1920 e início dos anos 1930 sentiu deficiências no sistema de educação artística. Enfraquecimento dos laços com as tradições da escola acadêmica de belas artes. No início da década de 1920, em muitas escolas, as crianças não aprendiam desenhos corretos e realistas. A direção abstrato-esquemática da educação não apenas negou o significado da metodologia, mas também distorceu as metas e objetivos do ensino de desenho em uma escola de educação geral. O desenho não só não deu nada para o desenvolvimento mental das crianças, mas interferiu essencialmente em sua educação estética. Na década de 1920, métodos de desenho estavam sendo desenvolvidos nas escolas em diversas áreas, mas dois deles eram amplamente utilizados: o método de desenvolvimento da "criatividade livre" e o método "complexo" de ensino.

Todas as condições estão criadas no nosso país para o desenvolvimento das artes plásticas e da educação artística. A abolição dos estamentos, a democratização da escola, a separação da escola da igreja levaram à reestruturação de toda a educação escolar. Aos trabalhadores da educação pública foi confiada a tarefa de reestruturar os conteúdos, as formas e os métodos de ensino. Um representante proeminente da "educação livre" e da teoria biogenética subjacente foi A. V. Bakushinsky. No final da década de 1920 e início da década de 1930, os métodos formalistas começaram a ser submetidos a críticas justas. A revisão do conteúdo dos programas e currículos levou a uma reestruturação dos métodos de ensino do desenho na escola. O programa de 1931 foi baseado no desenho da natureza. Junto com ele, o programa atribuiu um lugar ao desenho sobre temas, de acordo com a ideia, ao desenho decorativo. Grande importância foi dada às conversas sobre arte. A escola de arte ficou no caminho da arte realista. A questão da criação de uma nova academia de artes foi levantada. Uma linha firme na construção de uma nova escola, um novo sistema de ensino exigia que se prestasse muita atenção à formação do corpo docente. Em 1937, o Instituto de Pintura, Escultura e Arquitetura de Leningrado e o Instituto de Belas Artes de Moscou foram abertos. Nessas instituições de ensino, o desenho acadêmico assumiu um lugar de destaque. A maioria dos artistas-professores chega à conclusão de que o desenho da natureza deve ser a base de qualquer método de ensino, o que garante uma elevada formação profissional dos artistas.

Kardovsky D. N. - deu uma grande contribuição à metodologia, incentivou os alunos a construir uma forma tridimensional em um plano e analisá-la. No início do desenho, você precisa se esforçar para quebrar a figura inteira em um plano, cortar a forma, até que uma forma grande surja, você não precisa desenhar detalhes. Particularmente importante é a conexão construtiva entre as partes das formas dos objetos. Kardovsky se opunha ao desenho irracional do claro-escuro. Kardovsky defendeu corajosamente as posições da arte realista e protegeu a juventude da influência do formalismo. Graças às suas firmes convicções, um sistema de ensino de desenho claro e metodicamente desenvolvido, Kardovsky teve um grande número de alunos e seguidores fervorosos.

. Formação do sistema de ensino superior artístico e gráfico. O estado do ensino de desenho e artes plásticas na escola soviética dos anos 40 aos 60 do século XX (Trabalho de pesquisa no campo da atividade visual de crianças - N. N. Volkov, L. S. Vygotsky, E. I. Ignatiev, V. I. Kirienko, V. S. Kuzin)

Após a Grande Guerra Patriótica, a educação artística foi reformada em nosso país. Em 5 de agosto de 1947, foi adotada uma resolução do Conselho de Ministros da URSS "Sobre a transformação da Academia de Artes de Toda a Rússia na Academia de Artes da URSS". O governo confiou à Academia de Artes o desenvolvimento constante das belas artes soviéticas em todas as suas formas, com base na "implementação consistente dos princípios do realismo socialista e no desenvolvimento das melhores tradições artísticas progressistas dos povos da URSS e, em particular, a escola realista russa." Isso atesta a maturidade da pedagogia da arte soviética, que tinha todos os dados para melhorar ainda mais os métodos de ensino das artes plásticas. Nesse período, o desenho começou a ser reconhecido como a base das artes plásticas. Seu treinamento deve começar o mais cedo possível. Em regra, o seu início deve anteceder o estudo da pintura e da escultura. O sistema de ensino do desenho deve necessariamente incluir o “desenho regular de um nu posando em ambiente especialmente criado para isso, não perseguindo outros objetivos além de adquirir o domínio do desenho”, ou seja, especificamente o desenho “acadêmico”. Para agilizar o trabalho metodológico nas escolas na década de 1950, surgiu a ideia de criar livros didáticos especiais sobre desenho. Anteriormente, livros didáticos de desenho para escolas secundárias não eram publicados na Rússia ou no exterior. Desde 1959, uma rede de faculdades de artes e gráficos foi criada em institutos pedagógicos.

N. Yu. Vergiles, N. N. Volkov, V. S. Kuzin, V. P. Zinchenko, E. I. Ignatiev e outros dedicaram seus trabalhos ao estudo dos problemas de percepção no processo de atividade visual. Nesses trabalhos, a percepção é definida como a capacidade criativa de isolar um objeto de seu ambiente, compreender os detalhes mais significativos, características do objeto, bem como a detecção de relações estruturais que levem à criação de uma imagem nítida.

. A escola russa e a pedagogia da arte da década de 1960 até o presente (E. I. Shorokhov, T. Ya. Shpikalova, V. S. Shcherbakov, B. M. Nemensky, M. N. Sokolnikova, Yu. A Poluyanov, B. P. Yusov)

A Rússia no final do século 19 e início do século 20 caracterizou-se por um crescente interesse nos métodos de ensino do desenho, tanto em instituições educacionais especiais quanto em geral. Preisler - "Regras básicas ou um breve guia para desenhar arte" Foi publicado em dois idiomas, alemão e russo. Ele descreve um certo sistema de ensino de desenho. O livro orientava artistas e professores. Começa explicando o propósito de desenhar linhas retas e curvas, depois o geom. figuras e corpos, as regras para seu uso na prática. A geometria é a base para o ensino do desenho. No entanto, o uso de figuras geométricas deve ser combinado com a aplicação das regras e leis da perspectiva da anatomia plástica. Em seu livro ele fornece muitas ajudas visuais. Atribui grande importância ao padrão linear. Em 1834, A.P. Sapozhnikov publicou o "Curso de Desenho" - o primeiro livro didático para instituições educacionais, compilado por um artista russo. O curso de desenho começou com uma introdução a várias linhas, ângulos e depois formas geométricas. O valor do método de Sapozhnikov estava no fato de que se baseava em extrair da vida e analisar sua forma. O novo método proposto por Sapozhnikov encontrou ampla aplicação, até a publicação de seu livro, reinava a cópia do original. Usei o método de simplificar a forma na fase inicial do desenho. O professor deve explicar verbalmente os erros do aluno. G. A. Gippius publica o livro “Ensaios sobre a Teoria do Desenho como Assunto Geral”, nele se concentram todas as ideias avançadas da pedagogia. O livro é dividido em duas partes - teórica e prática. No livro, ele fundamenta teoricamente cada posicionamento da metodologia de ensino. A metodologia não deve ser modelo, deve ser baseada em dados práticos e científicos. Chistyakov teve uma grande influência no desenvolvimento dos métodos de ensino e suas ideias sobre a relação entre o professor e os alunos, que consistia em conhecer o aluno, seu caráter e preparação, encontrar uma abordagem para o aluno e ensiná-lo a olhar a natureza corretamente .

Vladimir Sergeevich Kuzin - Membro Correspondente da Academia Russa de Educação, Dr. Ped. ciências, professor. Em seu programa, o lugar principal é dado ao desenho da vida, ou seja, ensinar a ver objetos e fenômenos como eles existem. Ele é o chefe do grupo de autores do programa estadual de artes plásticas.

Boris Mikhailovich Nemensky - artista, professor, laureado, prêmio estadual, membro correspondente da Academia de Ciências Pedagógicas. Sua metodologia é baseada no mundo interior da criança, em seus sentimentos, emoções, percepções. o mundo ao redor através da alma da criança. No momento, algumas escolas estão engajadas em seu programa denominado Belas Artes e Trabalho Artístico. Métodos de ensino de artes plásticas em instituições de ensino em atualmente desenvolvendo muito intensamente. Muitos desenvolvimentos interessantes em tais autores como E. I. Kubyshkina, V. S. Kuzin, T. S. Komarova, B. M. Nemensky, E. E. Rozhkova, N. N. Rostovtsev, N. M. Sokolnikova, E. V. Shorokhov, A. S. Khvorostov, T. Ya. artes folclóricas e decorativas. Livros didáticos publicados pela primeira vez em anos em artes visuais para escolas primárias e secundárias.

. Perspectivas para a educação artística e a educação estética de crianças

Natalya Mikhailovna Sokolnikova é uma professora-metodológica moderna que combinou em suas obras tudo o que há de melhor nos métodos de ensino de belas artes que surgiram nos últimos anos. Igualmente presta atenção ao desenho da vida e DPI, e ao desenvolvimento emocional dos alunos. A educação artística de crianças em idade escolar é o processo de dominar pelas crianças um corpo de conhecimentos, habilidades e a formação de atitudes de visão de mundo no campo da arte e da criatividade artística. A educação artística dos escolares é o processo de desenvolver nas crianças a capacidade de sentir, compreender, avaliar, amar a arte e desfrutá-la; A educação artística e a educação são inseparáveis ​​do incentivo às crianças para a atividade artística e criativa, para a criação de valores estéticos, inclusive artísticos. A educação estética em uma escola secundária é um processo proposital de formar uma personalidade criativamente ativa, capaz de perceber e avaliar o belo, perfeito, harmonioso e outros fenômenos estéticos da vida, da natureza, da arte, do ponto de vista de uma compreensão do ideal que é acessível a ela, viver e criar “segundo as leis da beleza”. O sistema de educação artística e estética em uma escola de ensino geral é um processo vivo, proposital e organizado de educação artística e estética, desenvolvimento e educação das crianças, levando em consideração a idade dos alunos, com base em uma combinação de princípios metodológicos modernos. O sistema de educação estética dos alunos do ensino fundamental é construído levando em consideração as características psicológicas e pedagógicas relacionadas à idade das crianças. Quer se trate dos requisitos para um ideal moral e estético, gosto, julgamentos estéticos que devem ser característicos de um jovem estudante, adolescente, jovem, ou sobre a natureza, gêneros, critérios de avaliação da atividade criativa (incluindo artística e criativa), cada vez, o requisito ótimo e a solução do problema devem ser correlacionados com as capacidades da idade da criança. A educação estética harmoniza e desenvolve todas as habilidades espirituais de uma pessoa, necessárias em várias áreas da criatividade. Está intimamente ligada à educação moral, pois a beleza atua como uma espécie de reguladora das relações humanas. Graças à beleza, uma pessoa muitas vezes busca intuitivamente o bem.

A educação estética, introduzindo as pessoas ao tesouro da cultura e da arte do mundo - tudo isso é apenas uma condição necessária para alcançar o objetivo principal da educação estética - a formação de uma personalidade holística, uma individualidade desenvolvida criativamente, agindo de acordo com as leis da beleza.

A educação estética é realizada em todas as fases do desenvolvimento etário do indivíduo. Quanto mais cedo uma pessoa entra na esfera de influência estética intencional, mais motivos para esperar por sua eficácia. . A experiência adquirida através da comunicação e da atividade forma em crianças pré-escolares uma atitude estética elementar em relação à realidade e à arte.

O sistema de educação estética é chamado a ensinar a ver a beleza ao seu redor, na realidade circundante. Para que esse sistema influencie a criança com mais eficácia e alcance seu objetivo, B. M. Nemensky destacou sua seguinte característica: “O sistema de educação estética deve ser, antes de tudo, unificado, unindo todas as disciplinas, todas as atividades extracurriculares, toda a vida do aluno, onde cada disciplina, cada tipo de ocupação tem uma tarefa clara na formação da cultura estética e da personalidade do aluno. Mas todo sistema tem um núcleo, uma base sobre a qual se baseia. Podemos considerar a arte como tal base no sistema de educação estética: música, arquitetura, escultura, pintura, dança, cinema, teatro e outros tipos de criatividade artística. A razão para isso nos foi dada por Platão e Hegel. Com base em seus pontos de vista, tornou-se um axioma que a arte é o principal conteúdo da estética como ciência, e que a beleza é o principal fenômeno estético. A arte contém um grande potencial para o desenvolvimento pessoal.

A beleza dá prazer e prazer, estimula a atividade laboral, torna agradável conhecer pessoas. O feio repele. O trágico ensina a compaixão. A história em quadrinhos ajuda a combater as deficiências.

Uma das verdadeiras necessidades humanas é a necessidade de beleza como um desejo humano natural de harmonia, integridade, equilíbrio e ordem. O fato de que essa é justamente a necessidade vital de uma pessoa é evidenciado pelos resultados de pesquisas de antropólogos, que constataram que, em determinado estágio do desenvolvimento do cérebro humano, ele simplesmente precisava de impressões e experiências estéticas que contribuíssem para a formação de uma percepção holística em uma pessoa, tanto do mundo quanto de si mesmo. Conhecendo o efeito educacional, educacional e de desenvolvimento das impressões estéticas, os sábios dos tempos antigos aconselhavam cercar o crescimento de uma criança com beleza e bondade, o crescimento de um jovem - com beleza e desenvolvimento físico, o crescimento da juventude - com beleza e ensino. A beleza deve estar presente em todas as fases da formação de uma pessoa, contribuindo para o seu desenvolvimento e aperfeiçoamento harmonioso. De fato, a beleza, juntamente com a verdade e a bondade, invariavelmente atua como parte da tríade original de valores, representando os fundamentos fundamentais do ser.

A mesma inicial e verdadeira é a necessidade humana de criatividade, autoexpressão, afirmação de si mesmo no mundo, introduzindo nele um novo criado por ele. É a posição criativa que proporciona a uma pessoa a estabilidade de sua existência, porque permite responder de forma adequada e oportuna a todas as novas situações no mundo em constante mudança. A criatividade é uma atividade livre à qual uma pessoa não pode ser forçada: ela só pode criar por causa de uma necessidade interna de criatividade, uma motivação interna, que atua como um fator mais eficaz, a quem qualquer pressão ou coerção externa.

Aqui verifica-se que muitas das verdadeiras necessidades humanas são de natureza estética ou incluem um componente estético necessário. De fato, em termos de devolver uma pessoa à sua verdadeira natureza, ao verdadeiro ser, à consciência de suas reais necessidades, não o último lugar pertence à cultura estética e à educação estética que a ela conduz (embora não necessariamente a forneça) e à educação estética. Uma atitude estética em relação ao mundo sempre existiu como um comportamento abrangente, universal e puramente humano, e uma avaliação estética é a mais holística, como se completasse a percepção de um objeto na plenitude de sua doação e conexão com o meio ambiente. .

O papel da educação estética na formação de uma posição criativa é não só contribuir para o desenvolvimento dos sentimentos, a formação da sensibilidade humana e seu enriquecimento, mas também iluminar, fundamentar - racional e emocionalmente - a necessidade de uma atitude criativa para o mundo. É a educação estética que mostra o papel dos sentimentos estéticos na formação da imagem do mundo e desenvolve esses sentimentos.

. Metodologia como ciência. Métodos e técnicas para o ensino de artes plásticas em uma escola secundária

A metodologia é tanto uma combinação de experiência acumulada, novas abordagens e busca de meios de desenvolvimento espiritual e emocional dos alunos, quanto do próprio professor. E então os métodos de ensino são provavelmente um sistema de atividade unificada do professor e dos alunos no domínio de uma certa parte do conteúdo do programa. Realiza-se por meio de técnicas, ações específicas do professor e do aluno, diversas formas de sua comunicação.

Por método de ensino, entendemos a maneira como o professor trabalha com os alunos, com a ajuda da qual se consegue uma melhor assimilação do material didático e um aumento do desempenho acadêmico. A escolha dos métodos de ensino depende dos objetivos de aprendizagem, bem como da idade dos alunos.Método de ensino (do outro - modo grego) é o processo de interação entre professores e alunos, que resulta na transferência e assimilação do conhecimento, competências e capacidades previstas pelo conteúdo da formação. Acolhimento da formação (acolhimento docente) - interação de curta duração entre o professor e os alunos, visando a transferência e assimilação de conhecimentos, competências, competências específicas. De acordo com a tradição estabelecida na pedagogia doméstica, os métodos de ensino são divididos em três grupos: - Métodos para organizar e implementar atividades educativas e cognitivas: 1. Verbal, visual, prática (De acordo com a fonte de apresentação do material didático). 2. Reprodutivo explicativo e ilustrativo, pesquisa, pesquisa, problema, etc. (de acordo com a natureza da atividade educativa e cognitiva). 3. Indutivo e dedutivo (segundo a lógica de apresentação e perceção do material educativo) - Métodos de monitorização da eficácia da atividade educativa e cognitiva: Verificações orais, escritas e autotestes da eficácia do domínio de conhecimentos, competências e capacidades; - Métodos para estimular a atividade educacional e cognitiva: Certos incentivos na formação da motivação, senso de responsabilidade, obrigações, interesses em dominar conhecimentos, habilidades e habilidades. Na prática de ensino, existem outras abordagens para a definição de métodos de ensino, que se baseiam no grau de consciência da percepção do material educativo: passivo, ativo, interativo, heurístico e outros. Essas definições carecem de maiores esclarecimentos, pois o processo de aprendizagem não pode ser passivo e nem sempre é uma descoberta (eureka) para os alunos. O método passivo é uma forma de interação entre os alunos e o professor, em que o professor é o principal ator e gestor da aula, e os alunos atuam como ouvintes passivos, sujeitos às diretrizes do professor. A comunicação entre o professor e os alunos nas aulas passivas é realizada por meio de pesquisas, trabalhos independentes, de controle, testes, etc. Do ponto de vista das tecnologias pedagógicas modernas e da eficácia da assimilação do material didático pelos alunos, o método passivo é considerado o mais ineficaz, mas, apesar disso, também tem alguns prós. Esta é uma preparação relativamente fácil para a aula por parte do professor e a oportunidade de apresentar uma quantidade relativamente grande de material educacional no período de tempo limitado da aula. Dadas essas vantagens, muitos professores preferem o método passivo a outros métodos. Deve-se dizer que em alguns casos essa abordagem funciona com sucesso nas mãos de um professor experiente, especialmente se os alunos tiverem objetivos claros voltados para um estudo aprofundado do assunto. A aula expositiva é o tipo mais comum de aula passiva. Esse tipo de aula é muito difundido nas universidades, onde estudam adultos, pessoas plenamente formadas com objetivos claros para estudar profundamente o assunto. O método ativo é uma forma de interação entre os alunos e o professor, em que o professor e os alunos interagem entre si durante a aula, e os alunos aqui não são ouvintes passivos, mas participantes ativos da aula. Se em uma aula passiva o professor era o principal ator e gestor da aula, então aqui o professor e os alunos estão em pé de igualdade. Se os métodos passivos implicavam um estilo autoritário de interação, os métodos ativos sugerem mais um estilo democrático. Muitos entre métodos ativos e interativos colocam sinal de igual, porém, apesar da generalidade, eles possuem diferenças. Os métodos interativos podem ser considerados como a forma mais moderna de métodos ativos Método interativo (Interativo (“Inter” é mútuo, “agir” é agir)) - significa interagir, estar em uma conversa, dialogar com alguém. métodos ativos, os interativos estão focados em uma interação mais ampla dos alunos não apenas com o professor, mas também entre si e no domínio da atividade dos alunos no processo de aprendizagem. direção das atividades dos alunos para atingir os objetivos da aula. O professor também desenvolve um plano de aula (geralmente, são exercícios interativos e tarefas durante as quais o aluno aprende o material. Portanto, os principais componentes das aulas interativas são exercícios e tarefas interativas que são realizados pelos alunos. Uma diferença importante entre os exercícios interativos e as tarefas comuns é que, ao realizá-los, os alunos não apenas reforçam o material já estudado, quantos aprendem um novo.

. Metas e objetivos do ensino de artes plásticas em uma escola secundária

O desenvolvimento de uma pessoa criativa, suas habilidades artísticas estão diretamente relacionadas ao propósito e objetivos do ensino da disciplina de arte.

Seu principal OBJETIVO é familiarizar-se com a cultura espiritual como forma de transferência de valores humanos universais de geração em geração, cuja percepção e reprodução, em sua atividade, ocorre o autodesenvolvimento criativo e moral de uma pessoa, a integridade de seu mundo interior é preservado. Assim, juntando-se à cultura espiritual, uma pessoa une simultaneamente sua essência natural, desenvolvendo suas habilidades básicas - universais: ao pensamento holístico e imaginativo; à empatia com o mundo exterior; à atividade criativa.

A realização desse objetivo é realizada pela educação estética de uma pessoa por meio da arte e da pedagogia artística. Eles são baseados na educação artística e na atividade artística. Somente em sua totalidade podemos imaginar a realização dos objetivos da educação estética. Essas são duas maneiras diferentes de desenvolver a consciência humana, não substituindo, mas complementando uma à outra.

Os critérios para avaliar o desenvolvimento criativo de uma pessoa no campo da educação estética são revelados de acordo com as tarefas de formar uma pessoa harmoniosamente desenvolvida. Três direções inter-relacionadas nele: A) a preservação da integridade moral do indivíduo; B) o desenvolvimento de seu potencial criativo; C) assegurar a correlação harmoniosa das características sociais e únicas nele.

Tudo isso se realiza naturalmente na atividade artística do homem.

A criança em sua atividade cognitiva e criativa assimila, antes de tudo, seu significado, associado a uma atitude emocional e avaliativa diante da vida. A arte é um meio de acumulação, concentração dessa experiência de vida da humanidade, que está ligada às tarefas de desenvolver o potencial moral e criativo das pessoas. Portanto, um dos principais objetivos da arte é, com base nas forças universais do homem, desenvolver seu ideal moral, atitudes criativas, emoções estéticas e sentimentos.

O programa de arte da escola prevê 4 tipos principais de trabalho - desenho da natureza, desenho temático, desenho decorativo, conversas sobre arte, que estão intimamente relacionados e se complementam na resolução das tarefas estabelecidas pelo programa.

As tarefas das aulas de arte incluem: Desenvolver a percepção visual dos alunos. Desenvolver a capacidade de observar, estabelecer semelhanças e diferenças, classificar objetos de acordo com a forma e a textura. Cultivar habilidades estéticas e artísticas, ensinar a desenhar da natureza, sobre temas, realizar ilustrações e desenhos decorativos, desenvolver habilidades gráficas e pictóricas. Desenvolver o pensamento mental e abstrato.

O tipo principal de desenho é a fig. da natureza um gato. leva ao desenvolvimento geral de uma pessoa - desenvolve imaginação, pensamento mental, espacial e abstrato, olho, memória.

Curso Escolar de Arte. arte visa:

Preparar membros bem formados e educados da sociedade,

Educar esteticamente as crianças, desenvolver seu gosto artístico.

Ajude as crianças a aprender sobre o mundo ao seu redor. observação, acostumar-se a pensar logicamente, perceber o que foi visto.

Ensinar a usar o desenho em atividades laborais e sociais

Para dar aos alunos os conhecimentos básicos de desenho realista. Incutir habilidades e habilidades em artes plásticas, familiarizar-se com os métodos técnicos básicos de trabalho.

Desenvolver as capacidades criativas e estéticas dos alunos, desenvolver o pensamento espacial, a representação figurativa e a imaginação.

Familiarizar os alunos com excelentes obras de arte russa e mundial. Para incutir interesse e amor pela arte. Atividades.

O tema dos métodos de ensino das artes plásticas está intimamente relacionado com as disciplinas especiais e psicológicas e pedagógicas. A metodologia como objeto de estudo considera as características do trabalho do professor com os alunos. A metodologia é entendida como um conjunto de métodos racionais de treinamento e educação. Este é um departamento especial de pedagogia, que estuda as regras e leis de construção do processo educacional. A metodologia pode ser geral, considera métodos de ensino inerentes a todas as disciplinas e particulares - métodos e técnicas utilizados no ensino de qualquer disciplina.

A metodologia do ensino das artes plásticas como ciência generaliza teoricamente a experiência prática, oferece métodos de ensino que já se justificam e dão os melhores resultados. O objetivo do curso é formar as bases e a consciência profissional e pedagógica de um professor de artes plásticas. O objetivo do curso é o conhecimento da história, teoria, métodos de pesquisa científica no campo do ensino das artes plásticas, a aquisição de habilidades intelectuais e práticas para resolver os problemas do ensino das artes plásticas, criando as bases para a formação posterior de um abordagem criativa para as atividades de um professor de artes plásticas, a formação de um interesse sustentável na profissão de professor de artes plásticas. O método de ensino é entendido como a forma como o professor trabalha com os alunos, em que se consegue a melhor assimilação do material didático e o rendimento acadêmico aumenta.

O método de ensino consiste em métodos de ensino separados: - de acordo com a fonte de aquisição do conhecimento (visual, prático, verbal, jogo) - de acordo com o método de obtenção de conhecimento (reprodutivo, informacional-receptivo, pesquisa, heurístico) - de acordo com a natureza da atividade (método de organização e implementação de atividades educativas e cognitivas, método de controle e autocontrole, método de estimular e motivar a aprendizagem) - por tipo de ocupação

Aulas de artes plásticas do 1º ao 9º ano. A tarefa das aulas é ensinar a desenhar da natureza, sobre temas, realizar ilustrações e desenhos decorativos, desenvolver habilidades e habilidades gráficas e pictóricas. O principal tipo de desenho nas artes plásticas é o desenho da vida - desenvolve o pensamento mental e abstrato, é um método de educação visual, ensina a pensar, realiza observações propositalmente, desperta o interesse pela análise da natureza, preparando o aluno para estudos adicionais trabalhar.

O desenho temático - a imagem dos fenômenos do mundo circundante e a ilustração de obras literárias desempenham um grande papel no desenvolvimento da imaginação criativa. A maioria dos desenhos sobre o tema é acompanhada de esboços e esboços da vida. Desenvolve o pensamento imaginativo, imaginação, independência no trabalho, perseverança.

DPI está intimamente relacionado ao desenho da natureza. Nas aulas do DPI, as crianças se familiarizam com os fundamentos do design artístico, estudam a criatividade ornamental dos povos. O desenho decorativo desenvolve o gosto estético e artístico, desenvolve habilidades criativas. Uma característica específica do DPI é o processamento decorativo de formas retratadas da vida. O design decorativo é realizado com base em certas regras e leis, conformidade, simetria, combinações de cores.

Conversa sobre arte Nessas aulas, as crianças se familiarizam com a vida e a obra de mestres excepcionais, desenvolvem percepção estética, gosto artístico, recebem conhecimentos básicos de arte estrangeira e russa

) BM Nemensky "Belas artes e trabalhos artísticos" (1º ao 9º ano) Objetivo: a formação da cultura artística entre os alunos, como parte integrante da cultura espiritual, criada por muitas gerações.

Conteúdos e Quas: uma introdução à pior cultura, incluindo o estudo dos principais tipos de arte. artes: (pintura, grafismo, escultura), DPI (arte popular, artesanato popular, arte decorativa moderna). as tarefas do jogo são introduzidas no tópico, conexão com música, história, trabalho. Para experimentar a comunicação criativa, tarefas coletivas são introduzidas no programa. A prática implica um alto nível de formação teórica do professor. Nemensky B. M. “Belas artes e trabalhos artísticos graus 1-9. » as tarefas definidas por ele visam o desenvolvimento estético dos alunos, aumentando o interesse pelas artes plásticas, desenvolvendo a imaginação e a observação, realizando as habilidades criativas dos alunos, visando o estudo da cultura tradicional russa. É um curso integrado holístico que inclui todos os principais tipos: pintura, grafismo, escultura, arte decorativa popular, arquitetura, design, entretenimento e artes de tela. Inclui três tipos de fino. atividades: construtivas (arquitetura, design), visuais (pintura, grafismo, escultura), decorativas aplicadas. O núcleo semântico do programa é o papel da arte na vida da sociedade. Há uma conexão com música, literatura, história, trabalho. Para efeito de experiência. A comunicação é fornecida para aulas coletivas. Grau 1 “Você retrata, decora, constrói” uma forma lúdica e figurativa de comunhão. Grau 2 - "Você e Arte" Grau 3 "A arte ao nosso redor" familiarização com a cultura do seu povo. Grau 4 - "Cada nação é um artista." A concepção do programa: A primeira etapa é a escola primária, o pedestal de todo o conhecimento, a segunda etapa é a conexão da vida com os tipos e gêneros de arte. A terceira etapa é a arte mundial.

) V. S. Kuzin "Belas artes" (graus 1-9)

Objetivo: desenvolvimento da arte em crianças. habilidades, mau gosto, imaginação criativa, pensamento espacial, sentimentos estéticos.

Conteúdo e meio: desenhando da vida, da memória e da imaginação de objetos e fenômenos do mundo ao redor, criando composições gráficas sobre temas, falando sobre arte. arte. O lugar principal é o desenho da natureza. Kuzin e Kubyshkina - desenvolveram um livro didático sobre artes plásticas, revisado de acordo com os padrões educacionais gerais modernos e o programa de artes plásticas para uma escola primária de quatro anos. A primeira parte do livro chama-se "Aprender a desenhar" - é dedicada ao lado prático do ensino de crianças em idade escolar, noções básicas de artes plásticas, alfabetização, desenho da vida, desenho temático, pintura, composição, modelagem, trabalho decorativo, aplique . A segunda parte do "Mundo Mágico" - a partir dele, as crianças em idade escolar aprenderão sobre os tipos e gêneros de belas artes, sobre artistas russos de destaque. Os livros didáticos são acompanhados por cadernos de exercícios para as séries 1-4, bem como um guia para o professor, que fornece breves recomendações sobre como conduzir uma aula.

A implementação está disponível para especialistas de vários níveis prof. preparação.

) T. Ya. Shpikalova: "Belas artes e mau trabalho" (notas 1-6)

Objetivo: desenvolvimento pessoal baseado em uma cultura estética holística.

Conteúdo e mídia: o programa é integrado com base no art. arte e o pior trabalho. O conteúdo é construído com base em conceitos de valor: pessoa, família, lar, pessoas, história, cultura, arte. É uma abordagem abrangente para o desenvolvimento da informação artística com base no conhecimento dos alunos no campo das ciências humanas e naturais. Destina-se a dominar os fundamentos da imagem artística da arte popular e das artes plásticas, bem como atividades artísticas e de design. Para implementar este programa, é desejável ter uma especialização em direção aplicada decorativa. Shpikalova T. Ya. - o principal objetivo do programa é promover a educação de uma personalidade estudantil altamente artística, a formação das bases de uma cultura estética holística através do desenvolvimento da memória histórica, as habilidades criativas das inclinações da criança . A equipa de autores do programa alia as artes plásticas e o trabalho artístico, a arte das palavras e as canções, com base na arte popular, num curso integrado. A estrutura do programa não é usual, o conteúdo é revelado de acordo com os tipos de arte popular. O primeiro bloco é dedicado às artes e ofícios populares, o segundo - à arte popular oral. Folk DPI inclui as seguintes seções do curso de formação: os fundamentos da imagem artística; ornamento na arte dos povos do mundo, estrutura e tipos; ornamento popular da Rússia, estudo criativo no processo de imagem; trabalho artístico com base no conhecimento do folk e do DPI. A arte popular oral inclui as seguintes seções: material educativo para ouvir; material educativo para leitura independente; feriados folclóricos. Todas as seções do programa incluem uma lista aproximada de jogos artísticos e didáticos, exercícios e trabalhos criativos. O professor tem grandes oportunidades de criatividade pedagógica e artística na preparação e condução de formas de trabalho de aula como aulas de tipo generalizante, aulas - férias, como formas de trabalho em equipe, aulas de criação e experimentação de formas. O jogo é considerado como uma das principais técnicas metodológicas na organização do trabalho criativo dos alunos mais novos em sala de aula. SOKOLNIKOVA O conteúdo do programa de Belas Artes corresponde aos seguintes objetivos: - introduzir os alunos no mundo das artes plásticas, desenvolvendo a sua criatividade e cultura espiritual; - dominar os conhecimentos primários sobre o mundo das artes plásticas: artes plásticas, artes decorativas e aplicadas, arquitetura, design; sobre as formas de sua existência no ambiente cotidiano da criança - educação da responsividade emocional e cultura de percepção de obras de arte profissional e popular; sentimentos morais e estéticos: amor pela natureza nativa, seu povo, a Pátria, respeito por suas tradições, passado heróico, cultura multinacional.

Os principais princípios didáticos da metodologia do ensino de belas artes na escola (Revelar a essência dos princípios da atividade e da consciência, o princípio da acessibilidade e força, os princípios da educação estimulante, o princípio do caráter científico, o princípio da sistematicidade e consistência no ensino de belas artes)

Metodologia - um conjunto de métodos de treinamento e educação. Ensinar técnicas-momentos, desde o gato. o método de ensino é formado. A partir de um conjunto de técnicas e métodos de ensino unidos por uma direção comum, forma-se um sistema de formação. Devidamente organizado, uso metodicamente competente de princípios didáticos e métodos de ensino nas aulas de arte. a arte contribui para o aumento. eficácia do ensino e da educação. processo: Aumenta a atividade, interesse, Desenvolvimento do amor pela arte, Desenvolve a reprodução. , atenção, imaginação, pensamento, memória, fala, etc. Aprendido. conhecimento, superação. em habilidades e habilidades. Forma a capacidade de aplicar o conhecimento na prática.

Princípios didáticos importantes em conexão com a metodologia do professor. noções básicas de iso. artes na escola

o princípio do caráter científico: a conexão entre a ciência e o sujeito

princípio da visibilidade: apoiado pela percepção visual.

O princípio da consciência e atividade dos alunos

O princípio da conexão entre teoria e prática

O princípio da força da assimilação do conhecimento

O princípio da sistemática e consistente

O princípio da educação nutritiva

Forma uma personalidade moral, legal, estética, física. cultura e vida, comunicação. Educa o desenvolvimento do intelecto e, do indivíduo. Capacidades cognitivas, tendo em conta os interesses dos formandos. O princípio do sistema E siga. aprendizagem: a continuidade e conexão de novos materiais com o passado, a expansão e aprofundamento do conhecimento. Nova conta. o material relembra o que foi percebido anteriormente, esclarece e complementa, exige uma regra estrita de não passar para um novo material educativo até que o anterior tenha sido dominado e consolidado

A essência do princípio da consciência e da atividade é o uso habilidoso de uma variedade de técnicas que contribuem para despertar a necessidade e o interesse em dominar o conhecimento, conferindo ao processo educativo um caráter problemático. Para o domínio consciente e ativo do conhecimento é necessário: acostumar os alunos a fazer perguntas, tanto para o professor, quanto para respostas e resoluções independentes; desenvolver nos alunos uma abordagem independente do material estudado, refletir profundamente sobre as conclusões teóricas e conceitos, ideias ideológicas e morais e estéticas que estão no seu conteúdo. É impossível resolver este problema se o professor não conseguir estimular e manter a atividade cognitiva e a consciência dos alunos no processo de aprendizagem.

A essência do princípio da sistematicidade e consistência é garantir a assimilação consistente pelos alunos de um determinado sistema de conhecimento em diferentes campos da ciência, a passagem sistemática da escolarização. Garantir a aprendizagem sistemática e consistente exige que os alunos compreendam profundamente a lógica e o sistema no conteúdo do conhecimento adquirido, bem como um trabalho sistemático de repetição e generalização do material estudado. Uma das razões comuns para o fracasso do aluno é a falta de um sistema em seu trabalho acadêmico, sua incapacidade de ser persistente e diligente no aprendizado.

O princípio da força reflete a peculiaridade da aprendizagem, segundo a qual o domínio de conhecimentos, habilidades, visão de mundo e ideias morais e estéticas só é alcançado quando, por um lado, são completamente compreendidos e, por outro, são bem aprendida e guardada na memória por muito tempo. A força da aprendizagem é alcançada, em primeiro lugar, quando os alunos realizam um ciclo completo de ações educativas e cognitivas no processo de aprendizagem: a percepção e compreensão inicial do material em estudo, sua posterior compreensão mais profunda, fez algum trabalho de memorização, aplicar os conhecimentos adquiridos na prática, bem como na sua repetição e sistematização. Para uma assimilação sólida do conhecimento, a testagem e avaliação sistemática do conhecimento dos alunos é de grande importância.

A essência do princípio científico é que o conteúdo da educação na escola deve ser científico e ter uma orientação ideológica. Para implementá-lo, o professor precisa: revelar de forma profunda e conclusiva cada posição científica do material em estudo, evitando erros, imprecisões e memorização mecânica por parte dos alunos de conclusões teóricas e generalizações; mostrar a importância do material estudado para a compreensão dos acontecimentos sócio-políticos contemporâneos e sua correspondência com os interesses e aspirações do povo.

A essência do princípio da acessibilidade está na necessidade de levar em consideração a idade e as características individuais dos alunos no processo educacional e a inadmissibilidade de sua excessiva complexidade e sobrecarga, em que o domínio do material estudado pode ser avassalador.

Tornar a aprendizagem acessível significa: corretamente, levando em conta as capacidades cognitivas da idade dos alunos, determinar seu conteúdo, a quantidade de conhecimento, habilidades práticas e habilidades que os alunos de cada turma precisam dominar em cada disciplina acadêmica. Determinar corretamente o grau de complexidade teórica e profundidade de estudo do material do programa. Determinar corretamente o tempo de estudo destinado ao estudo de cada disciplina académica, tendo em conta a sua importância e complexidade, e garantindo a sua assimilação profunda e duradoura. Currículos e livros precisam ser melhorados. O professor deve usar material factual brilhante no processo de aprendizagem, apresentá-lo de forma compacta e inteligível, conectá-lo com a vida e habilmente levar os alunos a conclusões teóricas e generalizações. Leve em consideração as características individuais da atividade mental e memória dos alunos, bem como o nível de sua preparação e desenvolvimento.

O princípio da articulação entre teoria e prática prevê que o processo de aprendizagem estimule os alunos a utilizarem os conhecimentos adquiridos na resolução de problemas, analisarem e transformarem a realidade envolvente, desenvolvendo as suas próprias visões. Para isso, é utilizada uma análise de exemplos e situações da vida real. Uma das direções para a implementação deste princípio é o envolvimento ativo dos alunos em atividades socialmente úteis na escola e fora dela.

. O princípio da visualização no ensino das artes plásticas. Auxílios visuais para aulas de arte. Tipos de recursos visuais. Requisitos para recursos visuais

A essência do princípio da visibilidade se deve a uma série de fatores: a visibilidade da aprendizagem decorre do fato de que ela atua para os alunos como um meio de conhecer o mundo ao seu redor e, portanto, esse processo é mais bem-sucedido se for baseado em observação direta e estudo de objetos, fenômenos ou eventos.

O processo cognitivo requer a inclusão de vários órgãos de percepção na aquisição do conhecimento. Segundo Ushinsky, a aprendizagem visual aumenta a atenção dos alunos, contribui para uma assimilação mais profunda do conhecimento.

A visibilidade da aprendizagem se baseia nas peculiaridades do pensamento infantil, que se desenvolve do concreto ao abstrato. a visualização aumenta o interesse dos alunos pelo conhecimento e facilita o processo de aprendizagem. Muitas proposições teóricas complexas, com o uso hábil da visualização, tornam-se acessíveis e compreensíveis para os alunos. Os auxílios visuais incluem: objetos e fenômenos reais em sua forma natural, modelos de máquinas, manequins, auxílios ilustrativos (pinturas, desenhos, fotografias), auxílios gráficos (diagramas, gráficos, diagramas, tabelas), vários meios técnicos (filmes educativos, educação programada, computadores).

Funções de visualização: ajuda a recriar a forma, essência do fenômeno, sua estrutura, conexões, interações para confirmar posições teóricas;

ajuda a colocar em estado de atividade todos os analisadores e os processos mentais de sensação, percepção e representação associados a eles, como resultado do qual surge uma rica base empírica para a atividade mental generalizadora e analítica das crianças e do professor;

forma a cultura visual e auditiva dos alunos;

dá feedback ao professor: sobre as perguntas feitas, os alunos podem julgar a assimilação do material, o movimento do pensamento dos alunos em direção à compreensão da essência do fenômeno.

Tipos de visualização educacional

Modelos de materiais naturais (objetos reais, bonecos, corpos geométricos, modelos de objetos, fotografias, etc.)

Imagens gráficas condicionais (desenhos, esboços, diagramas, gráficos, mapas, planos, diagramas, etc.)

Modelos de sinais, fórmulas e equações matemáticas, químicas e outros modelos interpretados

Modelos visuais dinâmicos (filmes e telefilmes, transparências, desenhos animados, etc.)

22. A aula como principal forma de organização do processo educativo em artes plásticas na escola. Tipos de lição. A estrutura da aula de belas artes. Tarefas didáticas e educativas da lição. Requisitos modernos para a preparação e realização de aulas de artes plásticas

Cla ?ssno-uro ?sistema ?um estudo ? niya - o que prevalece na educação moderna e a organização ubíqua do processo de aprendizagem, em que, para realizar sessões de treinamento, os alunos da mesma idade são agrupados em pequenas equipes (turmas) que mantêm sua composição por um determinado período de tempo ( geralmente um ano letivo), e todos os alunos trabalham para dominar o mesmo material. A principal forma de educação é a lição. Uma aula é uma aula conduzida por um professor com uma composição constante de alunos do mesmo nível de formação, unidos em um subgrupo ou equipe de classe. As aulas são alternadas, de acordo com um horário fixo, e incluem trabalho frontal, de brigada e individual de alunos em diferentes métodos de ensino. A duração da aula nas oficinas é de duas horas académicas (45 minutos cada) ensino, baseado no currículo e no plano de organização do ensino "uma aula - um ano", originado no início do século XVI na Europa. Por exemplo, a escola municipal do reformador Johann Agricola (currículo Eisleben) (1527), desenvolvida pelo humanista e educador Philipp Melanchthon, o sistema de organização das escolas e universidades alemãs (Carta Saxônica) (1528), o ginásio de Strasbourg de Johann Sturm (1537) , currículo de Württemberg do reformador suábio John Brenz (1559), etc. O professor tcheco Jan Amos Comenius, resumindo a experiência de escolas, faculdades e universidades progressistas na Europa, desenvolveu um sistema de aula-aula-assunto contido em sua teoria da educação universal universal e educação. O sistema de aula-aula é atualmente parte da educação tradicional. Tendo cumprido sua missão histórica, esse sistema começa a perder eficácia nas condições socioculturais e econômicas modernas. As principais desvantagens do sistema aula-aula-matéria devem ser reconhecidas: a incapacidade de levar em conta os muitos fatores sociais que afetam a criança, a impossibilidade de autodesenvolvimento criativo da criança, a incapacidade de absorver informações e inovações tecnológicas, a incapacidade acompanhar o ritmo das mudanças na sociedade, e outros. A modernização mais drástica do sistema de sala de aula (Brown, Trump, Parkhurst e outros) foi baseada em uma seleção diferente de conteúdo. A rejeição mais radical do sistema sujeito, levada a cabo pelos reformadores (Kilpatrick, Linke, Decrol, etc. ), foi reduzido a uma diferenciação diferente de conteúdo. Assim, eles não resolveram o problema em sua essência e, na melhor das hipóteses, melhoraram o sistema classe-aula-matéria em certas condições sociopolíticas e econômicas. Tipos e estrutura de aulas. A estrutura da aula é um conjunto de elementos da aula que garante sua integridade e a preservação das principais características da aula em várias opções. Elementos estruturais da aula. I. Organização do início da aula (2 minutos). Para interessar as crianças, chame a atenção delas para a lição, informe o tema e o propósito da lição. II. Verificando a lição de casa (3 minutos). o nível de material aprendido do tópico anterior e a preparação para a percepção de novas informações. III. Parte principal. Aprender novo material (20 minutos). Apresentação científica, emocionante e acessível de novo material com o envolvimento dos alunos. 4. Consolidação primária do conhecimento (5 minutos). Você pode usar tarefas especiais depois de explicar o novo material. Conduza uma conversa para desenvolver habilidades e aplicar conhecimentos. V. Resumindo a lição (2 minutos). Descubra o que as crianças aprenderam na aula, o que aprenderam de novo e discuta a avaliação do conhecimento dos alunos. VI. Informações sobre o dever de casa (3 minutos). Relatando a lição de casa e explicando como completá-la. Tipos. A classificação mais comum e usada na prática foi introduzida por B. P. Esipov e identificou os seguintes tipos de aulas: 1. Aprendendo novos materiais. 2. Uma aula de consolidação de conhecimentos e desenvolvimento de competências e habilidades. 3. Aula de generalização e sistematização do conhecimento. 4. Aula de controle e correção de conhecimentos, competências e habilidades dos alunos. 5. Aula combinada ou mista. Tipo 1: Aprendendo novo material. Tipo de aula: - aula, - aula com elementos de conversação, - aula com elementos de apresentação, aula, conferência, excursão, trabalho de pesquisa. O objetivo da lição: o estudo de novos conhecimentos e sua consolidação primária. Tipo 2: Lição para consolidar conhecimentos e desenvolver competências e habilidades. Tipo de aula: - workshop, - excursão - trabalho de laboratório - jogo de negócios, - aula de discussão. O objetivo da lição: Consolidação secundária dos conhecimentos adquiridos, desenvolvimento de habilidades e habilidades para sua aplicação. Tipo 3: Lição de generalização e sistematização do conhecimento. Tipo de aula: - seminários, conferência, aula generalizada, aula de entrevista, aula de discussão, disputa. O objetivo da aula: Generalização do conhecimento dos alunos no sistema. Verificar e avaliar o conhecimento dos alunos. Este tipo de lição é usado ao repetir grandes seções do material estudado. Tipo 4: Aula de controle e correção de conhecimentos, habilidades e habilidades dos alunos. Tipo de aula: exame - teste, Objetivo da aula: Determinar o nível de conhecimento, habilidades e habilidades dos alunos e identificar a qualidade do conhecimento dos alunos, reflexo de suas próprias atividades. Tipo 5: Aula combinada ou mista. Tipo de aula: - prática - conferência - seminário - palestra de controle - palestra, Objetivo da aula: Desenvolvimento de habilidades para aplicação independente de conhecimentos em um complexo e transferindo-os para novas condições. Estrutura da lição. I. Organizando o início da aula (2). Para interessar, chame a atenção para a lição, comunique o tópico e o propósito da lição. II. Verifique até h (3). Um certo nível de material aprendido do tópico anterior e preparando os alunos para a percepção de novas informações (dependendo da forma de ensino, pode não estar presente). III. Parte principal. Aprender novo material (20). Apresentação científica, emocionante e acessível de novo material com o envolvimento dos alunos. 4. Consolidação primária do conhecimento (5). Você pode usar tarefas especiais depois de explicar o novo material. Conduza uma conversa para desenvolver habilidades e aplicar conhecimentos. V. Resumindo a lição (2 minutos). Descubra o que as crianças aprenderam na aula, o que aprenderam de novo e discuta a avaliação do conhecimento dos alunos. VI. Informações sobre o dever de casa (3 minutos). Relatando a lição de casa e explicando como completá-la.

. Tipos de atividade visual e seu significado no desenvolvimento mental, moral, estético e físico de escolares. (Desenho, modelagem, aplicação, design)

Atividades principais:

Imagem no plano e no volume (da natureza, da memória e da representação);

trabalhos decorativos e construtivos;

inscrição;

modelagem volume-espacial;

projeto e atividade construtiva;

fotografia artística e filmagem de vídeo;

percepção dos fenômenos da realidade e das obras de arte;

discussão do trabalho dos companheiros, dos resultados da criatividade coletiva e do trabalho individual em sala de aula;

estudo do património artístico;

seleção de material ilustrativo para os temas estudados;

ouvir obras musicais e literárias (folclóricas, clássicas, modernas).

A educação mental está focada no desenvolvimento das habilidades intelectuais de uma pessoa, interesse em conhecer o mundo ao seu redor e a si mesmo.

Ele assume:

desenvolvimento da força de vontade, memória e pensamento como as principais condições para os processos cognitivos e educacionais;

formação de uma cultura de trabalho educativo e intelectual;

estimular o interesse em trabalhar com livros e novas tecnologias da informação;

bem como o desenvolvimento de qualidades pessoais - independência, amplitude de visão, capacidade de ser criativo.

As tarefas da educação mental são resolvidas por meio de treinamento e educação, treinamentos e exercícios psicológicos especiais, conversas sobre cientistas, estadistas de diferentes países, questionários e competições, envolvimento no processo de busca criativa, pesquisa e experimento.

A ética é a base teórica da educação moral.

As principais tarefas da educação ética são:

acúmulo de experiência moral e conhecimento sobre as regras de comportamento social (na família, na rua, na escola e em outros lugares públicos);

o uso razoável do tempo livre e o desenvolvimento das qualidades morais do indivíduo, como uma atitude atenta e cuidadosa em relação às pessoas; honestidade, tolerância, modéstia e delicadeza; organização, disciplina e responsabilidade, sentido de dever e honra, respeito pela dignidade humana, diligência e cultura de trabalho, respeito pelo património nacional.

No processo de educação moral, métodos como persuasão e exemplo pessoal, conselhos, desejos e feedback de aprovação, uma avaliação positiva de ações e feitos, reconhecimento público das realizações e méritos de uma pessoa são amplamente utilizados. Também é aconselhável realizar conversas e debates éticos sobre exemplos de obras de arte e situações práticas. Ao mesmo tempo, o espectro da educação moral implica tanto a censura pública quanto a possibilidade de punições disciplinares e diferidas.

O objetivo da educação estética é o desenvolvimento de uma atitude estética em relação à realidade. A atitude estética implica a capacidade de percepção emocional da beleza. Ela pode se manifestar não apenas em relação à natureza ou a uma obra de arte. Por exemplo, I. Kant acreditava que contemplando uma obra de arte criada pela mão de um gênio humano, nos unimos ao "belo". No entanto, apenas um oceano furioso ou uma erupção vulcânica percebemos como "sublime", que o homem não pode criar. (Kant I. Crítica da capacidade de julgamento. M. 1994.) Graças à capacidade de perceber o belo, uma pessoa é obrigada a trazer a estética para sua vida pessoal e a vida dos outros, na vida cotidiana, nas atividades profissionais e a paisagem social. Ao mesmo tempo, a educação estética deve nos proteger de entrar no "esteticismo puro". No processo de educação estética, são utilizadas obras artísticas e literárias: música, arte, cinema, teatro, folclore. Este processo envolve a participação na criatividade artística, musical, literária, organização de palestras, conversas, encontros e noites de concertos com artistas e músicos, visitas a museus e exposições de arte, estudo da arquitetura da cidade. A organização estética do trabalho, o design atraente das salas de aula, auditórios e instituições de ensino, gosto artístico, manifestado no estilo de indumentária de alunos, alunos e professores, é de importância educacional. Isso também se aplica à paisagem social da vida cotidiana. A limpeza das entradas, o paisagismo das ruas, o desenho original das lojas e escritórios podem servir como exemplos.

As principais tarefas da educação física são: o desenvolvimento físico adequado, o treinamento das habilidades motoras e do aparelho vestibular, vários procedimentos para o endurecimento do corpo, bem como a educação da força de vontade e do caráter, visando aumentar a capacidade de trabalho da pessoa. A organização da educação física é realizada por meio de exercícios físicos em casa, na escola, na universidade, nas seções esportivas. Assume a presença de controlo sobre o regime de estudos, trabalho e descanso (ginástica e jogos ao ar livre, caminhadas e competições desportivas) e prevenção médica e médica das doenças da geração mais jovem. Para a educação de uma pessoa fisicamente saudável, é extremamente importante observar os elementos da rotina diária: sono longo, nutrição de alto teor calórico, uma combinação ponderada de várias atividades.

. Padrões de manifestação das habilidades criativas de escolares nas aulas de artes plásticas. Fundamentos do trabalho de pesquisa no campo da atividade visual de crianças.

A criatividade dos alunos é entendida como uma solução independente das novas tarefas que lhes são atribuídas. Nas aulas de desenho, todos os pré-requisitos para o desenvolvimento da criatividade são estabelecidos. A sua manifestação pode estar associada não só à solução de um problema de imagem complexo, como numa composição temática, mas também à tarefa monossilábica mais simples, resolvida num esboço da natureza, da memória e da representação. Levar a criança à independência de resolver um novo problema, às descobertas é o meu trabalho.

O trabalho sistemático nas artes visuais desenvolve qualidades pessoais como o pensamento espacial, um senso de cor aguçado, vigilância do olho, forma as qualidades do intelecto de uma pessoa, que são importantes, em última análise, não apenas para criar um desenho, esboço ou modelo de um objeto, mas também para qualquer especialidade que o aluno venha a escolher posteriormente. Essas qualidades incluem, em primeiro lugar, a representação figurativa e o pensamento lógico, são a condição para a criatividade em qualquer atividade humana. Essas qualidades já se manifestam em crianças em idade escolar primária em suas artes visuais, que se tornam uma necessidade para uma personalidade em desenvolvimento. Em maior medida, essas aulas contribuem para a manifestação da individualidade do aluno, o que cria condições especialmente favoráveis ​​para o desenvolvimento de habilidades criativas.

Ao supervisionar a atividade visual, preciso lembrar que esta não é uma sessão de treinamento comum, na qual eles apenas aprendem algo, aprendem algo, mas uma atividade artística e criativa que exige das crianças uma atitude emocional positiva, o desejo de criar uma imagem, uma foto, aplicando esse esforço mental e físico. Sem isso, o sucesso é impossível.

Atribuo grande importância na educação e educação das crianças à comunicação com a natureza. É a natureza em toda a sua beleza que inspira as pessoas a criar: retratar, decorar, construir.

A natureza dotou as crianças da capacidade de empatia viva e emocional com o novo, de perceber o mundo de forma holística. Ao contrário dos adultos, as crianças não têm as ferramentas para expressar o que sentem. Esse complexo conteúdo ideológico e emocional do objeto vive a princípio apenas na alma da criança, é “invisível”, não tem uma aparência acabada. Ela deve ser imaginada, ou seja, deve receber uma imagem e uma forma apropriadas na qual a ideia se torne visível, tangível, acessível a outras pessoas. Para isso, preciso enriquecer o arsenal de formas das crianças se expressarem, preciso dar à criança a oportunidade de aprender sobre o mundo e manipulá-lo.

Às vezes se depara com a opinião de que uma criança trabalha criativamente quando o professor lhe dá total liberdade para desenhar sobre temas: escolher um tema, momento, forma de imagem. Quanto mais ampla essa escolha, mais condições favoráveis ​​são criadas para a manifestação de sua iniciativa. Por exemplo, ao trabalhar em uma ilustração, é indicado um conto de fadas do qual ele pode escolher a qualquer momento. Ou ainda mais amplamente: ele pode escolher qualquer conto de fadas. No entanto, nestes casos não existe uma tarefa específica que deva estimular a criança a procurar ativamente meios visuais na resolução da resposta à tarefa visual que lhe foi atribuída. Em outras palavras, a tarefa que lhe foi confiada é tão ampla e ambígua que qualquer imagem pode significar que a tarefa está concluída. A experiência mostra que nestes casos as crianças escolhem o caminho de menor resistência. Eles retratam o que viram nos desenhos de seus companheiros, em ilustrações de livros, ou o que o professor lhes conta com um desenho na lousa. Mas tal desempenho do desenho não requer grande atividade, força de vontade, tensão de memória e outros componentes de uma busca genuína.

Isso significa que nem todas as formas de ensino desenvolvem habilidades criativas nas crianças. A unidade de estimulação educacional e criativa deve ser realizada por meio de tarefas que introduzam os alunos a conceitos e ideias elementares sobre a realidade e características da imagem no plano, desenvolvendo várias habilidades para dominar os fundamentos de uma imagem realista. Essas tarefas incluem uma variedade de exercícios elementares. Eles podem ser causados ​​por diferentes tarefas educacionais no trabalho da natureza, da memória e da imaginação, no trabalho decorativo. Juntamente com exercícios-estudos simples e de curta duração, também incluo tarefas mais complexas e complexas, onde várias tarefas são resolvidas simultaneamente. Por outro lado, é necessário o estreitamento e concretização de tarefas temáticas, ou seja, estabeleço tarefas visuais específicas para as crianças, que elas devem resolver sozinhas. Nestas condições, ambas as linhas (formação da literacia e desenvolvimento da criatividade) estão a ser implementadas com sucesso. A iniciativa da criança, sua busca criativa deve ocorrer em todas as tarefas.

Uma condição importante para o desenvolvimento da imaginação criativa das crianças é o uso de diversos materiais e técnicas, bem como a mudança nos tipos de atividade visual.

A construção mais eficaz do conteúdo da educação é variável, pois permite a utilização de uma abordagem diferenciada aos alunos, possibilita que os alunos percebam suas habilidades de acordo com suas habilidades individuais.

Dominar o maior número possível de técnicas diferentes permite enriquecer e desenvolver o mundo interior da criança, mostrar imaginação criativa - a capacidade de criar uma imagem sensual que revela o conteúdo interior.

É necessário despertar na criança um interesse pessoal pela arte. Nisso sou ajudado por tarefas que exigem a expressão de meu próprio senso de atitude, humor e intenção.

As tarefas criativas são de natureza aberta, não possuem a resposta correta. Há tantas respostas quanto há crianças. Meu papel não é apenas entender e tomar decisões diversas, mas também mostrar às crianças a legitimidade dessas diferenças.

A utilização da tecnologia informática permite desenvolver o interesse pelas artes plásticas numa nova qualidade. Para alcançar os melhores resultados na aprendizagem e no desenvolvimento de habilidades criativas, as tecnologias computacionais são indispensáveis, pois possuem mais capacidades, permitem obter o máximo resultado a um custo mínimo.

A utilização do computador nas aulas de arte permite desenvolver ativamente as capacidades criativas e cognitivas de cada aluno; cria um clima emocional, que, por sua vez, tem um efeito positivo no desenvolvimento da criatividade artística.

Todas as descobertas interessantes sobre o desenvolvimento da imaginação infantil são sistematizadas para a organização de exposições coletivas e pessoais subsequentes de obras infantis.

. O professor como organizador e líder do processo educativo em artes plásticas.

Professor de artes. desenvolve o gosto estético, o conhecimento e as habilidades artísticas, cultiva o desejo de conhecimento com perfeição para tornar tudo ao seu redor melhor e mais bonito. O professor estabelece tarefas educacionais para o aluno, organiza suas observações no processo de construção de uma imagem de acordo com um determinado sistema, ensina a análise da natureza no processo de construção de uma imagem, indica o caminho para a assimilação mais rápida do material educacional, ensina para analisar, direciona a atenção para as características mais importantes da estrutura, monitora cuidadosamente o trabalho do pensamento do aluno, orientando-o constantemente, apoiando-o. sem perder de vista seu trabalho. Desde a primeira série, ele estabelece as bases do conhecimento e das habilidades de uma imagem realista para os alunos, afastando-os do desenho ingênuo e primitivo.

Após a explicação, a professora circula pela turma e observa o trabalho das crianças. Tendo notado um erro, chama a atenção de um aluno ou de vários alunos e explica a causa do erro.

Ao apresentar o material didático, é necessário que todos os alunos compreendam o tema, mantenham a atenção dos alunos, apresentando habilmente o tema da aula, complicando as tarefas ao longo do tempo. Ao ensinar desenho da natureza, o professor presta atenção às questões de observação, percepção e análise da natureza, ilustra as explicações com desenhos no quadro-negro ou material didático. O desenho pedagógico ativa o trabalho, aumenta o interesse: pela arte. Você pode usar o método: preparação preliminar do quadro-negro para a aula, delineando as dimensões e proporções da imagem futura com pontos e, já durante a aula, reproduza rapidamente o desenho usando essas diretrizes.

O planejamento claro do trabalho nas aulas garante a distribuição de material educacional em tecnologia. conta total. ano, a intensidade das aulas é determinada pela quantidade de material didático. Esse sistema permite usar efetivamente o tempo de estudo, planejar claramente o trabalho no programa para todo o ano. Durante a aula, o professor dá os conceitos necessários, revela a sequência de apresentações do material didático, os métodos de uso de recursos visuais, no resumo da aula é necessário declarar a metodologia de trabalho com a turma com o máximo de detalhes que possível.

. Planeamento e organização do trabalho docente e educativo nas artes plásticas para o ano letivo e trimestre. Plano temático de calendário ilustrado de aulas de artes plásticas

As principais funções de um professor de artes plásticas na escola: educacional, educacional e organizacional.

O sucesso de qualquer negócio depende de sua organização. A organização do processo educacional significa o planejamento de todo o material da disciplina desde uma aula até um ano e todos os anos de estudo. Para alcançar conhecimentos, habilidades e habilidades sistemáticas, consistentes e aceitáveis, você precisa planejar o trabalho com as crianças ao longo dos anos. Para isso, fazem um plano temático para o ano (outro nome é plano temático-calendário).

Formas de plano temático:

a folha de ponto é uma tabela com seções: classe, trimestre, número da lição, tópico da lição, tarefa prática, materiais de conclusão da tarefa, nota;

a forma ilustrada é um mosaico de desenhos localizados em um sistema lógico (ver Figura 1), graças a ilustrações que revelam o tópico da aula, materiais de imagem, o nível de dificuldade da tarefa, deixa claro o plano temático;

o formulário combinado é um sistema de cartões (ver Figura 2), que contém não apenas informações gerais sobre a aula planejada, que é necessária para o planejamento temático, mas parte das informações do planejamento da aula (equipamento de aula, plano de aula, métodos de ensino e educação e técnicas).

Requisito para um plano temático de artes plásticas:

Orientação moral do conteúdo das aulas.

Conformidade do material planejado com o programa.

Disponibilidade do material planejado para a idade das crianças.

Aumento consistente na complexidade das tarefas de aprendizagem, a aceitabilidade do material das aulas.

A presença de conexões interdisciplinares e interaulas (princípio de planejamento bloco-temático).

Cumprimento do calendário natural e social.

Ao elaborar um plano temático, considere o seguinte:

) número de aulas por ano - 35;

) o número de aulas nos trimestres: nos trimestres I e II - 8 aulas cada, no trimestre III - 12 aulas, no trimestre IV - 7 aulas.

) prazos dos trimestres letivos: I trimestre: 1 de setembro a 5 de novembro; II trimestre: 10 de novembro a 30 de dezembro; III trimestre: 12 de janeiro a 22 de março; IV trimestre: 1º de abril a 30 de maio.

A criatividade do professor encontra expressão, antes de mais nada, na lógica de construir blocos de aulas a partir dos tópicos de aulas propostos pelos programas.

Por exemplo: O bloco de artes plásticas sobre o tema "Férias do povo" pode incluir aulas com os seguintes temas:

"Paisagem da terra natal" (desenho temático).

"Características da decoração da habitação nacional e costumes dos povos que habitam o território da região" (uma conversa com esboços de elementos da decoração da casa e do traje).

"Natureza morta decorativa", composta por utensílios domésticos (desenho da natureza).

"Esboços da figura humana em movimento da natureza".

"Festas populares" ("Feiras") (trabalho individual, grupal ou coletivo em painel temático) As exigências modernas para a gestão de uma instituição de ensino exigem abordagens competentes para a organização do processo educativo por parte do corpo administrativo e pedagógico. O currículo é um documento normativo que determina: 1) o conteúdo de conhecimentos e habilidades básicas em cada disciplina acadêmica; 2) a lógica e a sequência dos tópicos de estudo; 3) a quantidade total de tempo para estudar determinados tópicos. Os currículos são divididos em vários tipos principais: 1) programas padrão; 2) programas de trabalho; 3) programas de direitos autorais. Ao nível de uma instituição de ensino, foram desenvolvidas abordagens unificadas para o desenvolvimento e concepção de programas de trabalho para professores. Programa de trabalho de cursos e disciplinas de treinamento. O programa de trabalho é um documento normativo e gerencial de uma instituição de ensino que caracteriza o sistema de organização das atividades educativas de um professor. Os principais documentos que determinam os requisitos para o nível de treinamento dos alunos e o conteúdo mínimo da educação são: o padrão educacional estadual (componentes federais e nacionais-regionais); o currículo básico das escolas da Federação Russa, incluindo a distribuição do conteúdo da educação por áreas educacionais, disciplinas acadêmicas, programas para cada disciplina acadêmica do currículo básico. A peculiaridade do programa de trabalho está no fato de ser criado para uma instituição de ensino específica (específica), e a individualidade está no fato de ser desenvolvido por um professor para sua atividade. Assim, o programa de trabalho do professor deve mostrar como, levando em conta as condições específicas, as necessidades educacionais e as características do desenvolvimento dos alunos, o professor cria um modelo pedagógico individual de educação baseado nos padrões estaduais. O programa de trabalho de uma disciplina é uma ferramenta individual do professor que fornece o conteúdo, as formas, os métodos e as técnicas mais otimizados e eficazes para organizar o processo educacional para uma determinada turma, a fim de obter um resultado que atenda aos requisitos do padrão. Plano temático Para o professor, o planejamento temático é o principal documento da atividade. É compilado por um determinado período de tempo, mas na maioria das vezes por um ano. O principal objetivo deste documento é planejar a atividade de aula do professor. O planejamento geralmente é apresentado na forma de uma tabela que possui vários itens obrigatórios: número da aula, tópico da aula, metas e objetivos da aula, conteúdo da aula, material adicional, lição de casa. No plano temático deverá indicar ainda: - Controlo, laboratório, trabalho prático (número), lista de excursões - Requisitos para o nível de preparação dos alunos para cada tópico (conhecimentos, competências), etc. Requisitos gerais para o planeamento: cumprimento do conteúdo dos programas;

cumprimento do volume de horas incluído no programa, currículo;

alternância de tipos de ocupações;

atendimento aos acontecimentos da vida da sociedade e dos alunos;

respeito aos princípios da didática. O plano geral deve refletir os seguintes pontos:

§ o lugar da lição no sistema de classes; tema da aula; a aula em que é ministrada; os objetivos da educação, desenvolvimento e educação; o tipo de aula; auxiliares de ensino (incluindo software); a estrutura da aula, indicando a sequência de suas etapas e a distribuição aproximada do tempo; o conteúdo do material didático, o sistema de exercícios e tarefas para organização das atividades dos alunos, métodos de ensino em cada etapa da aula, formas de organização das atividades educativas dos alunos; trabalho de casa.

Tópico da lição: Classe: Objetivos: educacional - Tipo de lição: Ferramentas de ensino:

educacional - dominar o conceito ..., desenvolver habilidades ..., desenvolver habilidades de aplicação ..., generalizar e sistematizar conhecimentos sobre ...

educacional - educação da moralidade, atividade, diligência, ...

desenvolvendo - o desenvolvimento de um estilo algorítmico de pensamento, combinatório ...

Tipos de aula:

uma aula de estudo e consolidação primária de novos conhecimentos uma aula de formação de habilidades

uma aula sobre a aplicação de conhecimentos, habilidades e habilidades uma aula sobre a generalização e sistematização do conhecimento

lição de controle e correção de conhecimento, lição combinada de habilidades

. Desenho pedagógico nas aulas de artes plásticas na escola. Tipos de desenho pedagógico. Requisitos para a implementação de desenhos pedagógicos

O principal no desenho pedagógico é a concisão da imagem, sua simplicidade e clareza. Os desenhos no quadro-negro devem transmitir o ponto principal do professor, omitindo tudo o que é incidental e secundário. Nas aulas de desenho, a visualização do aprendizado é primordial, sendo um dos principais meios de informação sobre o material que está sendo estudado. Com base na impressão visual recebida durante o exame, acompanhada de uma explicação do professor, os alunos obtêm uma visão completa do material que está sendo estudado, é mais fácil para eles entender, compreender e lembrar o principal do tópico da lição.

Métodos de ensino visual

O desenho no quadro-negro ajuda a entender o que é visto, afeta o desenvolvimento mental da criança, a correção de seus julgamentos.

Um esboço de um professor nas margens do desenho de um aluno é necessário se um erro no desenho for visto em um ou dois alunos e não adianta desviar a atenção de toda a turma.

Corrigir erros no desenho de um aluno pela mão do professor é de grande importância educacional. Observando o professor trabalhar em seu álbum, o aluno se lembra de todos os detalhes desse processo, e então tenta fazer o que o professor disse.

A demonstração de desenhos de artistas de destaque terá um grande papel no aprendizado, pois o aluno, olhando para um desenho feito pela mão de um grande mestre, vê que expressividade pode ser alcançada desenhando com um lápis comum. .

O princípio da visibilidade exige tal apresentação do material (educacional) em que os conceitos e ideias dos alunos se tornem mais claros e específicos. A atenção principal no ensino do desenho da natureza é direcionada para a imagem correta da natureza, para a transmissão correta de fenômenos de perspectiva, características de claro-escuro e desenhos de objetos. Para facilitar essas tarefas básicas, é desejável instalar modelos especiais (feitos de arame e papelão) próximos à natureza, para que o pintor possa ver e entender claramente este ou aquele fenômeno, entender o desenho da forma do objeto, sua feições características.

Os principais recursos visuais usados ​​para tirar lições da vida:

desenhos esquemáticos e tabelas;

moldes de esculturas clássicas, modelos de arame;

modelos e dispositivos especiais para demonstração de perspectiva e claro-escuro;

desenhos e tabelas da sequência metódica do trabalho sobre a imagem;

reproduções de pinturas e desenhos de mestres;

filmes que revelam a técnica de trabalhar com lápis e pincel;

dispositivos especiais - "Roda de cores" e "Círculo de tons" para o desenvolvimento do senso de cor e tom das crianças.

. A visibilidade como meio de ativação da atividade visual de escolares.

O princípio da visibilidade está na percepção visual de um objeto em qualquer tipo de aula de desenho: desenho da vida, desenho sobre tópicos, DPI, conversas sobre arte.

Desenhar da natureza é um método de aprendizagem visual. Consideramos a visualização no ensino do desenho da natureza como o principal meio de ensino.

O melhor meio de aprendizagem visual é o desenho do professor no quadro-negro, em um pedaço de papel ou nas margens do trabalho do aluno. Isso ajuda a entender o que ele viu, afeta a correção do trabalho. O principal é a concisão da imagem, simplicidade e clareza.

A visualização é mais eficaz do que a explicação verbal. Ya. A. Comenius proclamou o princípio da visualização a "regra de ouro da didática". As tabelas metódicas revelam claramente a sequência e as características da execução do desenho, as possibilidades da técnica de execução, por quais meios alcançar a expressividade emocional.

De grande importância educacional e formativa é a demonstração de ilustrações de pinturas de artistas destacados de manuais metodológicos, em cujos exemplos se pode mostrar claramente como analisar a natureza,

Ao extrair da natureza, a principal atenção é dada à sua transmissão correta. Para facilitar a tarefa, é desejável instalar modelos especiais próximos à natureza para entender o design da forma do objeto e suas características. Visualização: diagramas, desenhos, tabelas, maquetes de gesso, maquetes de arame, plexiglass e papelão ajudam o aluno a ver corretamente a forma, estrutura, cor e textura. A sequência acima da imagem deve ser considerada como a divulgação de tarefas de aprendizagem específicas.

. Aprendizagem de problemas. Métodos de aprendizagem de problemas. Tipos de aula

Dependendo da finalidade, da tarefa da escola, o ensino pode ser problemático e não problemático. .

As principais funções da aprendizagem baseada em problemas. Com base na tarefa da escola de ensino geral e com base nas conclusões da comparação do tipo tradicional de ensino com o ensino baseado em problemas, é possível formular as principais funções da aprendizagem baseada em problemas. Eles podem ser divididos em gerais e especiais. As seguintes funções gerais da aprendizagem baseada em problemas podem ser indicadas: a assimilação pelos alunos de um sistema de conhecimento e métodos de atividade mental e prática, o desenvolvimento do intelecto dos alunos, ou seja, sua independência cognitiva e habilidades criativas, a formação do pensamento dialético dos escolares, a formação de uma personalidade amplamente desenvolvida. Além disso, a aprendizagem baseada em problemas também tem as seguintes funções: o desenvolvimento de habilidades para a assimilação criativa do conhecimento (o uso de um sistema de técnicas lógicas ou métodos individuais de atividade criativa), o desenvolvimento de habilidades para a aplicação criativa do conhecimento (a aplicação do conhecimento adquirido em uma nova situação) e a capacidade de resolver problemas educacionais, a formação e acumulação de experiência atividade criativa (dominar os métodos de pesquisa científica, resolver problemas práticos e reflexão artística da realidade), a formação de motivos de aprendizagem , necessidades sociais, morais e cognitivas.

O método de apresentação do monólogo. O professor relata os fatos em uma determinada sequência, dá a explicação necessária, demonstra experimentos para confirmá-los. O uso de recursos visuais e auxiliares de ensino técnico é acompanhado de um texto explicativo. O professor revela apenas aquelas conexões entre fenômenos e conceitos que são necessários para compreender este material, introduzindo-os na ordem das informações. A alternância de fatos é construída em uma sequência lógica, porém, no decorrer da apresentação da atenção dos alunos à análise das relações de causa e efeito, ela não é especificada. Os fatos "a favor" e "contra" não são fornecidos, as conclusões finais corretas são imediatamente relatadas. Se forem criadas situações-problema, então apenas para atrair a atenção dos alunos, para interessá-los. Para criar uma situação-problema, o professor na maioria das vezes apenas altera a ordem dos fatos relatados, demonstrações, experimentos, mostrando recursos visuais e, como elementos adicionais de conteúdo, usa fatos interessantes da história do desenvolvimento do conceito em estudo ou fatos que falam sobre a aplicação prática dos conhecimentos adquiridos em ciência e tecnologia. O papel do aluno ao utilizar este método é bastante passivo, o nível de independência cognitiva necessário para trabalhar com este método é baixo.

Raciocínio método de ensino. Se o professor pretende mostrar um exemplo do estudo da formulação e solução de um problema holístico, então ele usa o método de raciocínio. Ao mesmo tempo, o material é dividido em partes, o professor para cada etapa fornece um sistema de perguntas retóricas de natureza problemática a fim de atrair os alunos para uma análise mental de situações-problema, expõe contradições objetivas do conteúdo, mas ele mesmo resolve sentenças de tipo narrativo e interrogativo, questões informativas (ou seja, tais questões, respondendo às quais é necessário reproduzir o conhecimento já conhecido, dar informações sobre o conhecimento conhecido) não são colocadas, a narração é conduzida na forma de uma palestra. O método de reestruturação do material para o trabalho por esse método difere principalmente pelo fato de um sistema de perguntas retóricas ser introduzido no conteúdo como um elemento estrutural adicional. A ordem dos fatos relatados é escolhida de tal forma que as contradições objetivas do conteúdo sejam apresentadas especialmente enfatizadas, convexas, despertem o interesse cognitivo dos alunos e o desejo de resolvê-las. . Tendo escolhido o método de ensino do raciocínio, o professor, no processo de organização do processo de assimilação, usa o método explicativo de ensino, cuja essência é que “inclui a comunicação do professor dos fatos dessa ciência, sua descrição e explicação , ou seja, revela a essência de novos conceitos com a ajuda de palavras, visualização e ação prática."

Método dialógico de apresentação. Se o professor se propõe a tarefa de atrair os alunos para a participação direta na implementação de um método de resolução de um problema para ativá-los, aumentar seu interesse cognitivo, chamar a atenção para o que já é conhecido no novo material, ele, usando o mesma construção de conteúdo, complementa sua estrutura com perguntas informativas, respostas dadas pelos alunos. A utilização do método dialógico de ensino proporciona um maior nível de atividade cognitiva dos alunos no processo de aprendizagem, uma vez que eles já estão diretamente envolvidos na resolução do problema sob o controle cruel do professor.

Método heurístico de apresentação. O método heurístico é usado onde o professor visa ensinar aos alunos os elementos individuais de resolução de problemas, organizar uma busca parcial de novos conhecimentos e formas de ação. Usando o método heurístico, o professor aplica a mesma construção de material educacional que no método dialógico, mas complementa de certa forma sua estrutura, definindo tarefas cognitivas e atribuições para os alunos em cada etapa individual da resolução de um problema educacional. Assim, a forma de implementação deste método é uma combinação de conversação heurística com a solução de tarefas e atribuições problemáticas. A essência do método heurístico é que a descoberta de uma nova lei, regra etc. não é feita pelo professor com a participação dos alunos, mas pelos próprios alunos sob a orientação e ajuda do professor.

método de pesquisa. O conceito de método de pesquisa foi mais amplamente divulgado por I. Ya. Lerner, que se referiu ao método de pesquisa como um método que organiza o processo de assimilação pela “solução de problemas e tarefas problemáticas. Sua essência é que o professor construa um sistema metodológico de problemas e tarefas problemáticas, adapte-o a uma situação específica do processo educacional, apresente-o aos alunos, gerenciando assim suas atividades de aprendizagem, e os alunos, resolvendo problemas, proporcionem uma mudança na estrutura e nível de atividade mental, dominando gradualmente o procedimento da criatividade e, ao mesmo tempo, assimilando criativamente os métodos de cognição. Ao conduzir uma aula usando o método de pesquisa, a mesma construção do material é novamente usada e os elementos da estrutura do método heurístico e a ordem das perguntas, instruções, tarefas são tomadas. Se no processo de implementação do método heurístico essas questões, instruções e tarefas são de natureza proativa, ou seja, são colocadas antes da resolução do subproblema que compõe o conteúdo desta etapa, ou no processo de resolvê-lo e desempenha uma função orientadora no processo de solução, então no caso de uso do método de pesquisa, as questões são colocadas no final da etapa, após a maioria dos alunos ter resolvido o subproblema.

Método de tarefas programadas. O método de tarefas programadas é a configuração pelo professor de um sistema de tarefas programadas. O nível de eficácia do exercício é determinado pela presença de situações-problema e pela possibilidade de formulação e solução independentes de problemas. A aplicação das tarefas programadas é a seguinte: cada tarefa consiste em elementos de estrutura individuais; um quadro contém parte do material estudado, formulado na forma de perguntas e respostas, ou na forma de apresentação de novas tarefas, ou na forma de exercícios. Como resultado do trabalho realizado, podemos concluir que nesta fase do desenvolvimento humano, a aprendizagem baseada em problemas é simplesmente necessária, uma vez que a aprendizagem baseada em problemas forma uma personalidade criativa harmoniosamente desenvolvida, capaz de pensar logicamente, encontrando soluções em várias situações-problema , capaz de sistematizar e acumular conhecimento, capaz de alta introspecção, autodesenvolvimento e autocorreção.

educação artística artes plásticas

30. Métodos de ensino de artes plásticas em diferentes níveis de escolaridade (Continuidade das instituições de ensino pré-escolar e ensino fundamental, ensino fundamental e médio, nível médio e superior do ensino médio)

A orientação intencional e coordenada da atividade visual da criança, levando em consideração tanto o desenvolvimento artístico anterior quanto o subsequente, é uma condição necessária para uma educação estética bem-sucedida.

A observância da continuidade no ensino das belas artes às crianças determina uma definição clara da quantidade de conhecimento, habilidades e habilidades que os alunos mais jovens devem dominar em aulas separadas, em tópicos separados, seções ao longo do ano letivo com base na quantidade de conhecimento, habilidades e habilidades que receberam durante todo o ano letivo, aulas de arte no jardim de infância ou na família. Deve ser dada especial atenção à definição de ligações específicas entre as principais formas de organização do ensino das artes plásticas às crianças na idade pré-escolar e primária.

Escolas e jardins de infância têm metas e objetivos comuns para ensinar às crianças os fundamentos da alfabetização visual. Continuidade do conteúdo das aulas de artes visuais em turmas de terceira idade do jardim de infância e do ensino fundamental:

O jardim de infância tem regularmente aulas de desenho, modelagem, apliques e design. A escola tem aulas de arte. Esculpir, aplicar e desenhar nas séries primárias são realizados nas aulas de treinamento de mão de obra. O programa de artes plásticas para as séries I-III observa a necessidade de harmonizar as tarefas e o conteúdo dessas aulas. 2. Os tipos de desenho nos grupos seniores do jardim de infância e nas séries primárias da escola são os mesmos. Existem apenas algumas diferenças em seus nomes.

Nos programas do jardim de infância e da escola primária, as habilidades e habilidades necessárias para a atividade visual da criança são coordenadas. 4. Uma análise das tarefas específicas dos programas dos grupos seniores do jardim de infância permite-nos concluir que uma criança que entra na escola a partir de um jardim de infância está totalmente preparada para a passagem bem-sucedida de material educativo, para posterior elaboração de composições criativas, ilustrações, padrões. Ele está preparado para a percepção e estudo mais aprofundado da forma, espaço, padrões da ciência da cor e composição. Assim, as tarefas previstas pelos programas, tarefas exemplares e o conteúdo de conhecimentos, competências e habilidades em artes plásticas no jardim de infância e nas séries primárias, o desenvolvimento global de uma criança de seis e sete anos permitem garantir a continuidade nas artes plásticas de pré-escolares e escolares mais jovens. No entanto, isso exige que as seguintes condições sejam atendidas:

Consideração obrigatória por parte do professor primário da formação em desenho que a criança recebe no jardim de infância, tendo em conta o nível de desenvolvimento das suas capacidades artísticas e criativas e suscetibilidade estética. 2. A orientação do professor primário para a consolidação e desenvolvimento das ideias e impressões das crianças por eles acumuladas em idade pré-escolar. 3. Orientação do professor para convergir os métodos de ensino de artes plásticas para crianças nas séries iniciais com os métodos de ensino de desenho infantil no jardim de infância. 4. Uso generalizado nas classes primárias de vários materiais visuais: lápis, aquarela, guache, giz de cera, sangue, pastéis, canetas hidrográficas, tinta, papel colorido colorido. O uso de todos esses meios permitirá desenvolver com mais sucesso o gosto estético, a compreensão da beleza, a independência criativa e a imaginação nas crianças, especialmente porque todos esses materiais são amplamente recomendados nos jardins de infância e são usados ​​​​pelas crianças com prazer.

Assim, a estrita observância das tarefas educativas previstas no programa de educação no jardim de infância e no programa de artes plásticas nas séries primárias garantirá a continuidade da atividade visual dos pré-escolares e dos jovens em idade escolar, condição necessária para o desenvolvimento mental das crianças, a formação de sua atitude emocional e estética em relação à realidade. O princípio da continuidade implica que as atividades educativas, especialmente na fase inicial, sejam realizadas sob a supervisão direta da administração. Resolvendo o problema da sucessão, o trabalho é realizado em três direções:

. trabalho metodológico conjunto de professores do ensino fundamental e professores de disciplinas do nível médio;

. trabalhar com alunos;

. trabalhar com os pais.

A continuidade entre o ensino fundamental e o 5º ano sugere as seguintes áreas:

. programas educacionais;

. organização do processo educativo;

. requisitos uniformes para estudantes;

. estrutura da aula.

Proponho um plano de trabalho para a continuidade entre o ensino primário e básico geral, que vem sendo utilizado com sucesso em nossa escola há vários anos. O plano de trabalho é complementado por anexos.

Tutoria

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Descrição bibliográfica:

Nesterova I.A. Métodos de ensino de artes plásticas [recurso eletrônico] // Site da enciclopédia educacional

Eles se resumem a aprender a capacidade de ver, sentir a expressividade dos desenhos, modelar. Esta é uma das tarefas importantes do professor de artes plásticas. Ao mesmo tempo, a natureza das perguntas e comentários do adulto deve fornecer uma certa resposta emocional na alma das crianças. Considere os métodos verbais de ensino de belas artes.

Métodos Gerais para o Ensino de Belas Artes

Métodos gerais se aplicam dependendo do tipo de aula. Por exemplo, no desenho da trama, quando as crianças são ensinadas a transmitir a trama, no processo de conversação é necessário ajudar as crianças a imaginar o conteúdo da imagem, composição, características da transferência de movimento, cor característica da imagem, isto é, pensar sobre meios visuais para transmitir o enredo. A professora esclarece com as crianças alguns métodos técnicos de trabalho, a sequência de criação de uma imagem. Dependendo do conteúdo da imagem: em uma obra literária, em temas da realidade circundante, em um tema livre - a técnica de conversação tem suas próprias especificidades.

Assim, ao se basear no tema de uma obra literária, é importante lembrar sua ideia principal, ideia; reviver emocionalmente a imagem, ler as linhas de um poema, conto de fadas, caracterizar a aparência dos personagens; recordar seu relacionamento; esclarecer a composição, as técnicas e a sequência do trabalho.

Desenhar ou modelar sobre os temas da realidade circundante requer o resgate de uma situação de vida, a reprodução do conteúdo dos acontecimentos, a situação, o esclarecimento de meios expressivos; composições, detalhes, formas de transmitir movimento, etc., esclarecimento de técnicas e sequência de imagens.

Ao se basear em um tema livre, é necessário um trabalho preliminar com as crianças para reviver as impressões dos alunos. Em seguida, a professora convida algumas crianças a explicar sua intenção: o que vão desenhar (cegos), como vão desenhar, para que fique claro para os outros onde esta ou aquela parte da imagem será colocada. A professora esclarece alguns dos métodos técnicos de trabalho no exemplo das histórias infantis.

Nas aulas em que o conteúdo da imagem é um assunto separado, metodos de ensino de artes plásticas muitas vezes acompanham o processo de seu exame. Nesse caso, durante a conversa, é necessário causar uma percepção significativa ativa do assunto pelas crianças, ajudá-las a entender as características de sua forma de estrutura, determinar a originalidade da cor, relações proporcionais. A natureza, o conteúdo das perguntas do professor devem visar as crianças a estabelecer dependências entre sua finalidade funcional ou as características das condições de vida: alimentação, movimento, proteção. O cumprimento dessas tarefas não é um fim em si mesmo, mas um meio de formar ideias generalizadas necessárias para o desenvolvimento da independência, atividade e iniciativa das crianças na criação de uma imagem. O grau de atividade mental e de fala de crianças em idade escolar em conversas desse tipo é quanto maior, mais rica a experiência das crianças.

Métodos especiais de ensino de artes plásticas

No final da lição, você precisa ajudar as crianças a sentir a expressividade das imagens que criaram. Para isso, especial metodos de ensino de artes plásticas.

Uma explicação é uma forma verbal de influenciar a mente das crianças, ajudando-as a compreender e aprender o que e como devem fazer durante a aula e o que devem obter como resultado.

A explicação é feita de forma simples e acessível ao mesmo tempo para toda a turma ou para crianças individualmente. A explicação é muitas vezes combinada com a observação, mostrando as formas e técnicas de fazer o trabalho.

Dica - usada nos casos em que a criança tem dificuldade em criar uma imagem.

Mas não se apresse em aconselhar. As crianças com um ritmo de trabalho lento e que conseguem encontrar uma solução nesta questão muitas vezes não precisam de aconselhamento. Nesses casos, o conselho não contribui para o crescimento da independência e atividade das crianças.

O lembrete na forma de instruções breves é um método de ensino importante. Geralmente é usado antes do início do processo de imagem.

Na maioria das vezes, é sobre a sequência do trabalho. Essa técnica ajuda as crianças a começarem a desenhar (esculpir) a tempo, planejar e organizar atividades.

O encorajamento é uma técnica metódica que deve ser usada com mais frequência no trabalho com crianças. Esta técnica infunde confiança nas crianças, faz com que elas desejem fazer um bom trabalho, uma sensação de sucesso.

A sensação de sucesso incentiva a atividade, mantém as crianças ativas. É claro que quanto mais velhas as crianças, mais objetivamente justificada deve ser a experiência do sucesso.

Separadamente, vale destacar esse método de ensino de artes plásticas como uma palavra artística, amplamente utilizada na sala de aula de artes plásticas. A palavra artística desperta o interesse pelo tema, o conteúdo da imagem, ajuda a chamar a atenção para o trabalho infantil. O uso discreto de uma palavra literária durante a aula cria um clima emocional, anima a imagem.

A Importância dos Métodos de Ensino de Artes Visuais

Métodos de Ensino de Artes Visuais combinar atividade mental e física. Para criar um desenho, modelagem, aplique, é necessário aplicar esforços, realizar ações trabalhistas, dominar as habilidades de esculpir, esculpir, desenhar um objeto de uma forma ou outra ou outra estrutura, além de dominar as habilidades de manuseio de tesouras , lápis e pincel, argila e plasticina. A posse adequada desses materiais e ferramentas requer um certo dispêndio de força física e habilidades de trabalho. A assimilação de habilidades e habilidades está associada ao desenvolvimento de qualidades volitivas de uma pessoa como atenção, perseverança, resistência. As crianças são ensinadas a capacidade de trabalhar, para alcançar o resultado desejado.

A participação das crianças na preparação das aulas e na limpeza depois delas também contribui para a formação de laboriosidade e habilidades laborais. Os métodos de ensino das artes plásticas não estão diretamente relacionados a esse fato, mas mesmo assim, na prática do trabalho, muitas vezes toda a preparação para a aula é atribuída aos atendentes. Isso não é verdade. Na escola, cada criança deve preparar seu próprio local de trabalho, e é importante que ela esteja acostumada a isso. Já no jardim de infância é necessário desenvolver habilidades de trabalho para todos, ensiná-los a começar a trabalhar somente quando tudo estiver pronto.

O principal significado dos métodos de ensino das artes plásticas é que as belas artes são um meio de educação estética. No processo da atividade visual, são criadas condições favoráveis ​​para o desenvolvimento da percepção estética e das emoções, que gradualmente se transformam em sentimentos estéticos que contribuem para a formação de uma atitude estética em relação à realidade. O isolamento das propriedades dos objetos (forma, estrutura, tamanho, cor, localização no espaço) contribui para o desenvolvimento nas crianças de um senso de forma, cor, ritmo - os componentes de um senso estético.

A percepção estética é direcionada principalmente ao objeto como um todo, à sua aparência estética - a harmonia da forma, a beleza da cor, a proporcionalidade das partes, etc. Em diferentes níveis de desenvolvimento infantil, a percepção estética tem um conteúdo diferente. Portanto, ao utilizar métodos de ensino nas aulas de artes plásticas, esse fato deve ser levado em consideração. Mas uma percepção estética holística, imbuída de um senso estético de beleza, ainda não é suficiente para criar uma imagem. O conhecimento do assunto, que será então retratado, deve ter um caráter especial. Após uma percepção holística, as crianças devem ser levadas a isolar propriedades individuais que podem ser refletidas na atividade visual. No entanto, é muito importante completar a percepção com uma cobertura holística do objeto no agregado de todas as propriedades principais e avaliar sua aparência, suas qualidades expressivas. Por exemplo, tendo examinado cuidadosamente uma bétula, a espessura do tronco, a direção dos galhos, a cor de ambos, deve-se enfatizar novamente sua harmonia, a finura dos galhos e sua curva suave. Ao mesmo tempo, surge novamente um sentimento estético.

Ovsyannikova Svetlana Ivanovna,

professor de artes plásticas da mais alta categoria

MOU liceu "Politek" Volgodonsk, região de Rostov.

Métodos modernos de ensino das artes plásticas.

Na minha experiência de trabalho com alunos, uso muitos métodos e tecnologias, mas no meu relatório quero me deter apenas em dois que são interessantes e relevantes para os alunos modernos: este é um método de trabalhar com o princípio de uma oficina criativa e um método de ensino de habilidades de computação gráfica. Ambos os métodos são aplicáveis ​​tanto na sala de aula como fora do horário escolar - na sala de aula. No entanto, seu uso em uma caneca é mais preferível.

Uma oficina criativa para uma criança é uma oportunidade ilimitada para o desenvolvimento do pensamento criativo criativo e da atividade. Uma oficina criativa para um professor é um campo ilimitado no uso de tecnologias pedagógicas modernas, como orientado para a personalidade, ajudando a perceber as habilidades naturais dos alunos para seu desenvolvimento e aplicação em várias atividades criativas; humano - pessoal, baseado no respeito e amor total pela criança, fé em seus poderes criativos; tecnologia de cooperação, permitir desenvolver objetivos em conjunto com os alunos, co-criar com eles, ser seu amigo, criar um acompanhamento emocional exclusivamente positivo visando o desenvolvimento de um interesse sustentável; aprendizado diferenciado pelo nível de desenvolvimento e potencial artístico e criativo; aprendizagem baseada em problemas permitindo criar uma situação-problema e ativar a atividade independente dos alunos para resolvê-la; tecnologia de individualização de acordo com o método de design, que permite perceber a individualidade da criança, seu potencial e habilidades em pesquisas e atividades competitivas.

O trabalho de acordo com o método de oficina criativa persegue as seguintes metas e objetivos:

Melhorar os conhecimentos, competências e habilidades adquiridas pela criança no processo de aprendizagem e vida;

Desenvolvimento da independência na atividade criativa de pesquisa;

Desenvolvimento do interesse pela variedade de tipos e gêneros de arte, o desejo de tentar dominar uma variedade de materiais e técnicas;

Desenvolvimento de competências e desejos para aplicar os conhecimentos adquiridos na prática, na vida quotidiana, na transformação das pessoas e do ambiente;

Educação da alfabetização estética, percepção da vida humana em harmonia com a natureza, arte, habitat;

Educação do amor pela cultura nativa e mundial, educação da tolerância;

Aumentar a confiança em sua necessidade, significado e relevância para uma sociedade que precisa de produtos de trabalho criativo;

A metodologia da oficina criativa é baseada na atividade conjunta do professor e do aluno, onde a escolha da atividade é feita pelo aluno, sendo que o professor apenas orienta e corrige o andamento de seu trabalho. O aluno tem o direito de escolher em que forma e gênero de arte quer começar a trabalhar, planeja suas atividades com a ajuda de um professor: faz um esboço, seleciona o material, prepara uma mesa e, em seguida, passa a realizar sua plano. Cada aluno da oficina criativa é um artista que se prepara para apresentar seu trabalho ao público. Cada trabalho realizado de acordo com o método de uma oficina criativa é, na verdade, um projeto, e o produto final é um produto que uma criança apresenta a concursos, olimpíadas ou exposições. Em um ano letivo, dependendo de habilidades, habilidades e dinâmicas, um aluno pode fazer ou realizar de quatro a vinte trabalhos criativos em diferentes tipos e gêneros de artes plásticas. E um grupo de crianças, de 15 a 20 pessoas, está preparando uma grandiosa exposição de pleno direito, que apresenta trabalhos feitos com uma grande variedade de materiais e em diversas técnicas.

Trabalhar de acordo com o método de uma oficina criativa permite cobrir simultaneamente um grande número de técnicas e materiais, o que é basicamente impossível no processo educacional tradicional. Assim, por exemplo, um grupo de caras de 20 pessoas, divididos por interesses, executa simultaneamente tecnologias de trabalho completamente diferentes: alguém faz rabiscos, alguém vitrais, alguém se dedica à pintura, alguém é gráfico, alguns alunos fazem painéis com resíduos, e alguns estão envolvidos na floricultura, etc. Para um professor, a atividade de acordo com o método de oficina é um trabalho árduo, mas interessante, que não permite que ele se distraia das crianças por um minuto, mas traz satisfação criativa com os resultados obtidos. A obra cativa não só os alunos, mas também os pais que vêm ver seus trabalhos e estão prontos para dar qualquer apoio moral.

Não menos importante é o aspecto psicológico da metodologia de trabalho com base no princípio de uma oficina criativa. Não é segredo que as crianças que começam a se envolver em artes plásticas às vezes têm vários complexos, como: dúvida, baixa autoestima, medo - “não vou conseguir”, “não vai ser bonito” , “ninguém vai gostar”, “geralmente não consigo fazer nada” e outros. Gradualmente, esses complexos desaparecem, pois as tarefas realizadas pela criança na oficina não têm uma pontuação constante (apenas o resultado final, levado à perfeição, é avaliado), não há limite de tempo. Em última análise, cada criança obtém sucesso, ela escolhe como e onde seu trabalho finalizado pode ser usado: participar de uma exposição, ser enviado a um concurso ou apresentado à mãe.

Na era da tecnologia da informação, o trabalho de acordo com o método de uma oficina criativa não é mais possível sem a capacidade de trabalhar com um computador, e aqui está o porquê:

Um trabalho de alta qualidade, interessante e acabado pode ser usado por uma criança para participar de várias competições, olimpíadas, conferências e exposições.

Essa participação muitas vezes implica a presença de um material teórico completo, elaborado de acordo com os requisitos modernos para o trabalho científico, contendo gráficos, tabelas ou fotografias.

As disposições de muitos concursos da Internet estipulam a qualidade e o tamanho da imagem enviada, o número de pixels por polegada, etc.

Os materiais de exposição pessoal podem ser elaborados pela criança em formato eletrônico na forma de apresentações.

As crianças podem criar seu próprio site para apresentar sua criatividade a parentes, amigos, etc.

Tudo isso pressupõe a capacidade do aluno de trabalhar com um computador. Mas vou me concentrar apenas no que, na minha opinião, um professor de artes plásticas deve fazer nesse sentido.

No atual estágio de desenvolvimento da sociedade, a computação gráfica está se tornando outro tipo de arte. Portanto, um professor de artes plásticas é obrigado a ter habilidades para trabalhar em editores gráficos, e deve ensinar isso aos seus alunos. Na minha opinião, não é aconselhável equipar as salas de aula de artes plásticas com computadores para cada mesa, caso contrário não haverá lugar para estudar com outros materiais. A forma primária ainda é a forma clássica de ensinar artes plásticas, ou seja, trabalhar com material artístico. A primeira saída é visitar uma aula de informática. Essa opção deve ser incluída na programação com antecedência, pois a maioria das escolas possui apenas uma aula de informática. A segunda saída, mais acessível, são as atividades extracurriculares adicionais, ou seja, uma roda.

Na prática do meu trabalho, duas associações criativas foram criadas: "Magic Tassel" e "Semitsvetik". As associações estão localizadas em diferentes escolas e, portanto, as condições de aplicação da metodologia para o ensino de computação gráfica são diferentes. Na associação criativa "Magic Brush" as crianças são engajadas no princípio de um projeto individual, quando o professor explica os principais pontos do trabalho com os editores, e depois as crianças, durante o tempo destinado a visitar uma aula de informática ou em casa em um computador pessoal, criar seus próprios trabalhos gráficos de forma independente ou processar trabalhos fotográficos que serão enviados a concursos na Internet. Assim, uma criança interessada em apresentar o seu trabalho ao público e participar em vários concursos online segue o seguinte caminho:

criação de um trabalho em oficina criativa com arte, materiais naturais e outros;

fotografando-o;

processamento em editores gráficos;

criação de imagens em editores gráficos por tipo de arte por meio de computação gráfica;

acúmulo de imagens em um pendrive pessoal;

envio de versão eletrônica para concursos;

criação de uma página pessoal ou website para apresentação do seu trabalho;

Este método é adequado para crianças com mais de 10 anos, quando a ajuda do professor é apenas consultiva. A associação criativa Semitsvetik inclui o estúdio Mouse para crianças de 8 a 10 anos, onde 1 hora por semana é alocada para trabalhar com editores gráficos. As crianças estão envolvidas em um grupo, dominando vários editores gráficos e suas capacidades. O resultado final é o mesmo: acesso a concursos na Internet, participação em exposições, apresentação do seu trabalho na Internet.

Vamos nos deter em detalhes sobre o algoritmo para ensinar as crianças a trabalhar com editores gráficos. Acredito que os alunos devem ser apresentados, se possível, a um grande número de editores gráficos, pois uma percepção holística de suas capacidades dará à criança liberdade de escolha de ações e criatividade.

Primeiro passo: O programa Paint, por toda a sua aparente simplicidade, permite criar trabalhos de incrível profundidade e complexidade se a criança aplicar todas as habilidades adquiridas no desenho clássico. Tudo o que o professor precisa fazer é apresentar a barra de ferramentas e mostrar onde e como cada ferramenta pode ser usada.

Fig. 1 Egorova Ksenia 11 anos "Quarto" Fig. 2 Kovaleva Daria 14 anos "Inverno"

Fig. 3 Babaniyazova Elena 14 anos "Natal" Fig. 4 Gaevskaya Irina 13 anos "Cidade"

Etapa dois: o programa Paint. Líquido. Este programa possui muitos outros recursos que permitem processar e simular qualquer imagem. Vamos nos familiarizar com a barra de ferramentas, efeitos, correção, etc. Mostramos como copiar, recortar, colar, alterar e melhorar a imagem. Deve-se notar que qualquer editor gráfico é dominado pelas crianças muito rapidamente se elas já estiverem familiarizadas com o Paint.

Terceiro passo: Adobe Photoshop. Eu apresento este programa às crianças depois que elas dominam o Paint. Net, pois o Adobe Photoshop é mais complexo e rico. Dominamos a barra de ferramentas, analisamos os efeitos em detalhes, aprendemos a trabalhar com camadas, depois ajustamos, suavizamos, alinhamos, redimensionamos, etc.

Fig. 7 Balymova Elena, 13 anos Fig. 8 Milanina Tatyana, 11 anos “Postcard”

"Reflexo da Primavera"

As crianças do ensino fundamental devem trabalhar com um editor gráfico apenas sob a orientação de um professor, pois às vezes ficam tão empolgados que sobrecarregam a imagem com detalhes desnecessários. É importante desenvolver uma percepção harmoniosa e senso de proporção.

Etapa quatro: Corel Photo Paint Pro e muito mais. Devo dizer que os mais interessantes são aqueles editores gráficos que possuem um grande número de recursos, bem como aqueles criados por programadores amadores. Há muitas descobertas interessantes nesses programas. Estamos trabalhando com o Corel Photo Paint Pro pelo segundo ano, é muito rico e os alunos encontram constantemente algo novo nele.

Fig. 11 Kozlov Danil 9 anos "Velas" Fig. 12 Minina Olga 9 anos "Flor Meadow"

Fig. 13 Leshchenko Kristina 9 anos "Outono" Fig. 14 Shperle Ekaterina 10 anos "Ilha"

No programa Corel Photo Paint Pro, o mais interessante é que as crianças façam colagens, modelem imagens de acordo com suas ideias. Cada criança tem seu próprio pendrive e salva o desenho lá no final do trabalho.

Infelizmente, o ensino de computação gráfica hoje não é responsabilidade de um professor de arte, e não é explicitado em programas educacionais em artes plásticas. Isso é feito casualmente por professores de ciência da computação que têm uma ideia muito remota das artes plásticas. Acredito que apenas uma pessoa que conhece o básico de pintura, gráficos, artes e ofícios, design e fotografia pode ensinar com competência e precisão as crianças a trabalhar em editores gráficos. Mas para isso ele mesmo deve ser capaz de trabalhar neles.

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"Faculdade Pedagógica Industrial Meshchovsky"

região de Kaluga

Teste

por disciplina"Belas Artes com Métodos de Ensino"

Tema:"Posição geral da metodologia do ensino das artes plásticas na escola primária"

050709 "Ensino no ensino fundamental"

Departamento: estudante externo

Curso 3

Zinovkina N.Yu.

Palestrante: Dotsenko E.V.

Avaliar __________________

Meshchovsk, 2011

Métodos básicos de ensino de artes plásticas e trabalho artístico 2

Métodos de estímulo à atividade educativa de escolares no processo de aprendizagem. Métodos de formação de interesse cognitivo 18

Métodos e princípios eficazes usados ​​no processo de ensino de artes plásticas e trabalhos artísticos para alunos mais jovens 22

Métodos de controle e autocontrole no treinamento 23

Resumo da lição sobre a arte 24

Tópico da lição: brinquedo Dymkovo 25

Referências 27

Métodos básicos de ensino de artes plásticas e trabalho artístico

Os métodos de ensino do trabalho artístico têm características específicas, devido à atividade cognitiva dos alunos mais novos:

a natureza dos processos técnicos e operações trabalhistas;

desenvolvimento do pensamento politécnico, habilidades técnicas;

a formação de conhecimentos e competências politécnicos generalizadores.

O professor primário deve dar prioridade a métodos que tornem o trabalho ativo e interessante, introduza elementos lúdicos e lúdicos, problemáticos e criativos.

A aula de trabalho artístico e artes plásticas caracteriza-se por uma classificação de métodos de acordo com os métodos de atividade do professor e dos alunos, uma vez que dois processos interligados saem mais claramente no ensino destas disciplinas: a atividade prática independente dos alunos e o protagonismo do professor.

Assim, os métodos são divididos em 2 grupos:

Métodos de trabalho independente dos alunos sob a orientação de um professor.

Métodos de ensino, aprendizagem.

Métodos de ensino que são determinados pela fonte do conhecimento adquirido inclui 3 tipos principais:

verbal;

visual;

prático.

A formação de competências e habilidades está associada às atividades práticas dos alunos. Decorre daí que é necessário colocar o tipo de atividade dos alunos como base para os métodos de formação de competências.

Por tipo de atividade do aluno(classificação de acordo com o tipo de atividade cognitiva por I.Ya. Lerner e M.N. Skatkin) os métodos são divididos em:

reprodutiva;

busca parcial;

problemático;

pesquisar;

explicativo e ilustrativo.

Todos os métodos acima referem-se aos métodos de organização da atividade educacional e cognitiva (classificação de Yu.K. Babansky).

Considerando o método de estimular a atividade educativa nas aulas de trabalho artístico e artes plásticas, é eficaz utilizar o método de formação do interesse cognitivo. Além disso, não se esqueça de usar o método de controle e autocontrole.

Métodos de organização e implementação de atividades educativas e cognitivas - um grupo de métodos de ensino destinados a organizar a atividade educacional e cognitiva dos alunos, identificados por Yu.K. Babansky e inclui todos os métodos de ensino existentes de acordo com outras classificações na forma de subgrupos.

1. Métodos de ensino verbal

Os métodos verbais permitem transmitir uma grande quantidade de informação no menor tempo possível, colocam um problema aos formandos e indicam formas de os resolver. Com a ajuda da palavra, o professor pode trazer à mente das crianças imagens vívidas do passado, presente e futuro da humanidade. A palavra ativa a imaginação, a memória, os sentimentos dos alunos.

Os métodos de ensino verbal incluem uma história, uma palestra, uma conversa, etc. No processo de sua aplicação, o professor expressa e explica o material educacional através da palavra, e os alunos aprendem ativamente através da escuta, memorização e compreensão.

História. O método de contação de histórias envolve uma apresentação narrativa oral do conteúdo do material educativo. Este método é aplicado em todas as fases da escolarização. Nas aulas de artes plásticas, é usado pelo professor principalmente para comunicar novas informações (informações interessantes da vida de artistas famosos), novos requisitos. A história deve atender aos seguintes requisitos didáticos: ser convincente, concisa, emocional, acessível à compreensão dos alunos do ensino fundamental.

Muito pouco tempo é destinado à história do professor nas aulas de trabalho artístico e artes plásticas, e, portanto, seu conteúdo deve ser limitado a um curto, correspondendo estritamente aos objetivos da aula e da tarefa prática do trabalho. Ao utilizar novos termos na história, o professor deve pronunciá-los de forma expressiva e escrevê-los no quadro.

Diversos tipos de história :

história de introdução;

história - apresentação;

conclusão da história.

O objetivo do primeiro é preparar os alunos para a percepção de novos materiais didáticos, que podem ser realizados por outros métodos, como a conversação. Este tipo de história é caracterizado por relativa brevidade, brilho, entretenimento e apresentação emocional, o que possibilita despertar o interesse por um novo tema, desperta a necessidade de sua assimilação ativa. Durante tal história, as tarefas das atividades dos alunos na aula são relatadas.

Durante a apresentação da história, o professor revela o conteúdo do novo tópico, realiza a apresentação de acordo com um determinado plano de desenvolvimento lógico, em uma sequência clara, isolando o principal, com ilustrações e exemplos convincentes.

A conclusão da história geralmente é realizada no final da lição. O professor resume as principais ideias nele, tira conclusões e generalizações, dá uma tarefa para mais trabalhos independentes sobre este tópico.

Durante a aplicação do método de contar histórias, tais técnicas metodológicas como: apresentação de informações, ativação da atenção, métodos de aceleração da memorização, métodos lógicos de comparação, comparação, destacando o principal.

Condições para uso eficaz a história é um pensamento cuidadoso do plano, a escolha da sequência mais racional de divulgação do tema, a seleção bem-sucedida de exemplos e ilustrações, mantendo o tom emocional da apresentação.

Conversação. A conversação é um método de ensino dialógico em que o professor, ao propor um sistema de perguntas cuidadosamente pensado, leva os alunos a compreender um novo material ou verifica a sua assimilação do que já estudou.

A conversação é um dos métodos mais antigos de trabalho didático. Foi magistralmente utilizado por Sócrates, em cujo nome se originou o conceito de “conversação socrática”.

Nas aulas de trabalhos artísticos e artes plásticas, a história muitas vezes se transforma em conversa. A conversa visa obter novos conhecimentos e consolidá-los através de uma troca oral de pensamentos entre o professor e o aluno. A conversa contribui para a ativação do pensamento das crianças e é mais convincente quando combinada com uma demonstração de objetos naturais, com sua imagem.

Dependendo das tarefas específicas, o conteúdo do material educacional, o nível de atividade cognitiva criativa dos alunos, o lugar da conversa no processo didático, vários tipos de conversas .

Difundido no ensino das artes plásticas e do trabalho artístico é conversa heurística(da palavra "Eureka" - encontrar, abrir). No decorrer de uma conversa heurística, o professor, apoiando-se no conhecimento e na experiência prática dos alunos, leva-os a compreender e assimilar novos conhecimentos, formular regras e conclusões.

Usado para comunicar novos conhecimentos informando conversas. Se a conversa precede o estudo de um novo material, chama-se introdutório ou introdutório. O objetivo de tal conversa é despertar nos alunos um estado de prontidão para aprender coisas novas. A necessidade de uma conversação contínua pode surgir no decorrer do trabalho prático. Por meio de perguntas e respostas, os alunos recebem informações adicionais. Fixação ou final as conversas são aplicadas depois de aprender um novo material. Seu objetivo é discutir e avaliar o trabalho dos alunos.

Durante a conversa, as perguntas podem ser dirigidas a um aluno ( conversa individual) ou alunos de toda a turma ( conversa frontal).

Requisitos da entrevista.

O sucesso das entrevistas depende em grande parte da exatidão das perguntas. As perguntas são feitas pelo professor a toda a turma para que todos os alunos se preparem para a resposta. As perguntas devem ser curtas, claras, significativas, formuladas de forma a despertar o pensamento do aluno. Você não deve colocar o dobro, induzindo perguntas ou levando a adivinhar a resposta. Você não deve formular perguntas alternativas que exijam respostas inequívocas, como "sim" ou "não".

Em geral, o método de conversação tem o seguinte Benefícios : ativa os alunos, desenvolve a memória e a fala, abre o conhecimento dos alunos, tem grande poder educativo, é uma boa ferramenta de diagnóstico.

Desvantagens do método de conversação : leva muito tempo, requer um estoque de conhecimento.

Explicação. Explicação - uma interpretação verbal de padrões, propriedades essenciais do objeto em estudo, conceitos individuais, fenômenos.

Nas aulas de artes plásticas e trabalhos artísticos, o método explicativo pode ser utilizado na parte introdutória da aula para familiarizar-se com a execução de várias costuras, juntamente com a demonstração do produto, ao se familiarizar com vários métodos de trabalho com uma escova, etc

Na preparação para o trabalho, o professor explica como organizar racionalmente o local de trabalho; ao planejar, explica como determinar a seqüência de operações.

No processo de explicação, o professor familiariza os alunos com as propriedades dos materiais e a finalidade das ferramentas, com ações, técnicas e operações racionais de trabalho, novos termos técnicos (nas aulas de trabalho artístico); com métodos de trabalho com pincel e a sequência de desenho, construção de objetos (nas aulas de desenho).

Requisitos para o método de explicação. A utilização do método de explicação requer uma formulação precisa e clara do problema, a essência do problema, a questão; divulgação consistente de relações de causa e efeito, argumentação e evidências; uso de comparação, comparação e analogia; atraindo exemplos vívidos; lógica de apresentação impecável.

Discussão. A discussão como método de ensino baseia-se na troca de pontos de vista sobre um determinado assunto, e esses pontos de vista refletem as próprias opiniões dos participantes ou são baseados nas opiniões de outros. Este método é aconselhável quando os alunos têm um grau significativo de maturidade e pensamento independente, são capazes de argumentar, provar e fundamentar seu ponto de vista. Também tem um grande valor educativo: ensina você a ver e compreender o problema mais profundamente, a defender sua posição de vida, a contar com as opiniões dos outros. ensino matemática no ensino médio escola. ...

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