Portreticul - Carl Spitzweg

Omul a fost întotdeauna subiectul principal al artei. Arta nu poate exista fără un erou pozitiv, un model de urmat. În pictura lumii, ne întâlnim constant cu întruchiparea ideilor despre principalele virtuți ale individului. Numai arta poate arăta clar ce poate și ar trebui să fie o persoană. Nu întâmplător, încă din antichitate, imaginile feminine au subliniat, în primul rând, frumusețea fizică și intelectul și forța masculină. Reflectând nivelul culturii materiale, artistice și spirituale a societății, arta are o influență puternică asupra dezvoltării spiritualității, formează ideea dominantă a idealului omului. Imaginile vii, memorabile ale eroilor vremii lor ne-au fost lăsate de pictura rusă. Artistul privește mereu înainte și vede mai departe decât contemporanii săi. Așa proiectează arta viitorul în prezent.

Arta în general, și arta portretului în special, nu reflectă doar dezvoltarea societății, ci ajută la apariția unei noi persoane și ia în considerare punctul său de vedere asupra idealului acestei epoci.

Portretul este, poate, unul dintre cele mai atractive genuri de pictură și în același timp ambiguu. Este portretul care oferă o oportunitate de a vorbi despre imaginea unei persoane, vă permite să vă apropiați de atitudinea individului în diferite epoci.

Portret(din portretul francez) este un gen de artă plastică, precum și lucrări din acest gen care arată aspectul unei anumite persoane. Portretul transmite caracteristici individuale, trăsături unice inerente unui singur model (un model este o persoană care pozează pentru un maestru în timp ce lucrează la o operă de artă).

Există multe tipuri de portrete. Genul portretului include: un portret pe jumătate, un bust (în sculptură), un portret în lungime, un portret de grup, un portret într-un interior, un portret pe un peisaj. Prin natura imaginii, se disting două grupuri principale: portretele ceremoniale și cele de cameră. De regulă, un portret ceremonial implică o imagine în lungime completă a unei persoane (pe un cal, în picioare sau așezat).

După numărul de imagini pe o pânză, pe lângă cele obișnuite, individuale, există portrete duble și de grup. Împerecheate se numesc portrete pictate pe diferite pânze, dacă sunt în concordanță între ele ca compoziție, format și culoare. Cel mai adesea acestea sunt portrete ale soților. Destul de des portretele formează întregul ansamblu - galerii de portrete.

Portretele se disting și prin dimensiune, de exemplu, miniatură. De asemenea, puteți evidenția un autoportret - o imagine a artistului despre sine. Portretul transmite nu numai trăsăturile individuale ale persoanei portretizate sau, după cum spun artiștii, modele, ci reflectă și epoca în care a trăit persoana înfățișată.

Arta portretului datează de câteva milenii. Deja în Egiptul antic, sculptorii au creat o asemănare destul de exactă a aspectului exterior al unei persoane. Statuiei i s-a dat o asemănare portret, astfel încât, după moartea unei persoane, sufletul său să se poată muta în ea, să-și găsească cu ușurință proprietarul. Același scop au servit portretele pitorești Faiyum realizate în tehnica encausticei (pictura pe ceară) în secolele I-IV. Portretele idealizate ale poeților, filosofilor, personalităților publice erau comune în sculptura Greciei antice. Veridicitatea și caracteristicile psihologice exacte s-au remarcat prin busturile portretului sculptural roman antic. Ele reflectau caracterul și personalitatea unei anumite persoane.

Imaginea feței unei persoane în sculptură sau pictură a atras artiști în orice moment. Genul portretului a înflorit mai ales în Renaștere, când personalitatea umană, efectivă, umană a fost recunoscută ca valoare principală.Maeștrii Renașterii aprofundează conținutul imaginilor portret, le înzestrează cu inteligență, armonie spirituală și uneori drama interioară.

În secolul al XVII-lea, în pictura europeană iese în prim-plan un portret de cameră, intim, spre deosebire de un portret ceremonial, oficial, exaltator. Maeștrii de seamă ai acestei epoci - Rembrandt, D. Velasquez - au creat o galerie de imagini minunate cu oameni simpli, nefamiți, au descoperit în ei cea mai mare bogăție de bunătate și umanitate.

În Rusia, genul portretului a început să se dezvolte activ de la începutul secolului al XVIII-lea. F. Rokotov, D. Levitsky, V. Borovikovsky au creat o serie de portrete magnifice ale oamenilor nobili. Mai ales drăguțe și fermecătoare, impregnate de lirism și spiritualitate au fost imaginile feminine pictate de acești artiști. În prima jumătate a secolului al XIX-lea. protagonistul artei portretului devine o personalitate romantică visătoare și, în același timp, predispusă la impuls eroic (în picturile lui O. Kiprensky, K. Bryullov). Formarea realismului în arta Rătăcitorilor s-a reflectat în arta portretului. Artiștii V. Perov, I. Kramskoy, I. Repin au creat o întreagă galerie de portrete a contemporanilor de seamă. Artiștii transmit trăsături individuale și tipice ale portretului, trăsăturile lor spirituale cu ajutorul expresiilor faciale, posturilor, gesturilor caracteristice.

Persoana a fost înfățișată în toată complexitatea sa psihologică și a fost evaluat și rolul său în societate. În secolul XX. portretul combină cele mai contradictorii tendințe - caracteristici individuale realiste strălucitoare și deformări expresive abstracte ale modelelor

Portretele ne transmit nu numai imagini cu oameni din diferite epoci, reflectă o parte din istorie, ci vorbesc și despre modul în care artistul a văzut lumea, cum și-a tratat modelul.

Prima încercare de a descrie un portret are, potrivit oamenilor de știință, nu mai puțin de 27 de mii de ani. Descoperit în Franța, în peștera Villonner, „Portretul” este realizat în cretă, dar contururile feței sunt clar vizibile: ochi, nas, gură.

Dar asemănarea externă nu este singura și, poate, nu cea mai importantă proprietate inerentă unui portret . Un adevărat portretist nu se limitează la reproducerea trăsăturilor exterioare ale modelului său, el se străduiește transmite proprietățile caracterului ei, dezvăluie lumea interioară, spirituală . De asemenea, este foarte important să arăți statutul social al persoanei care este portretizată, pentru a crea o imagine tipică a unui reprezentant al unei anumite epoci.
Ca gen, portretul a apărut în urmă cu câteva milenii în arta antică. Printre frescele celebrului Palat Knossos, găsite de arheologi în timpul săpăturilor de pe insula Creta, există o serie de imagini feminine pitorești datând din secolul al XVI-lea î.Hr. Deși cercetătorii au numit aceste imagini „doamne de curte”, nu știm pe cine au încercat să arate maeștrii cretani – zeițe, preotese sau doamne nobile îmbrăcate în rochii elegante.
Cel mai faimos a fost portretul unei tinere, numită de oamenii de știință „pariziană”. Vedem în fața noastră o imagine de profil (conform tradițiilor artei de atunci) a unei tinere, foarte cochetă și care nu neglijează machiajul, dovadă fiind ochii ei cu rame întunecate și buzele viu vopsite.
Artiștii care au creat portrete în frescă ale contemporanilor lor nu s-au adâncit în caracteristicile modelelor, iar asemănarea exterioară în aceste imagini este foarte relativă.

În Grecia Antică și Roma Antică, pictura de șevalet nu exista, așa că arta portretului era exprimată în principal în sculptură. Maeștrii antici au creat imagini plastice ale poeților, filosofilor, liderilor militari și politicienilor. Aceste lucrări se caracterizează prin idealizare și, în același timp, printre ele se găsesc și imagini foarte precise în caracteristicile lor psihologice.

De mare interes sunt portretele pitorești create în Egipt în secolele I-IV d.Hr. După locul descoperirii (mormintele lui Khavara la nord de Cairo și necropola oazei Fayum, care a fost numită Arsinoe sub Ptolemei), ele sunt numite Fayum. Aceste imagini îndeplineau funcții rituale și magice. Au apărut în epoca elenistică, când Egiptul Antic a fost capturat de romani. Aceste imagini portret, realizate pe scânduri de lemn sau pe pânză, au fost așezate împreună cu mumia în mormântul defunctului.

În portretele Fayum, vedem egipteni, sirieni, nubieni, evrei, greci și romani care au trăit în Egipt în secolele I-IV d.Hr. Din Roma Antică și până în Egipt, a venit obiceiul de a păstra în casă portrete ale proprietarilor pictate pe scânduri de lemn, precum și măști sculpturale ale rudelor decedate.

„Portretul unui tânăr roman”, începutul secolului al III-lea d.Hr

Portretele Fayum au fost create folosind tempera sau tehnica encaustică, care este caracteristică în special imaginilor anterioare. Encaustic este pictura cu vopsele, unde principala legătură era ceara. Artiștii au folosit vopsele din ceară topită (pe multe plăci cu imagini portret au fost păstrate urme de picurare ale unor astfel de vopsele). O astfel de tehnică necesita tehnici speciale. Pe zonele obrajilor, bărbiei și nasului, vopseaua a fost aplicată în straturi dense, iar restul feței și părului au fost vopsite cu o vopsea mai lichidă. Maeștrii au folosit scânduri subțiri de sicomore (smochin dud) și cedru libanez pentru portrete.

Printre cele mai cunoscute portrete encaustice se numără „Portretul unui bărbat” (a doua jumătate a secolului I d.Hr.) și „Portretul unui bărbat în vârstă” (sfârșitul secolului I d.Hr.), care sunt imagini de viață. În aceste lucrări, modelarea pricepută a luminii și umbrelor și utilizarea reflexului de culoare sunt izbitoare. Probabil, maeștrii care au pictat portretele, necunoscute nouă, au trecut prin școala elenistică de pictură. Alte două picturi au fost executate în același mod - „Portretul unui nubian” și o frumoasă imagine feminină, așa-numita. „Doamna Alina” (sec. II d.Hr.). Ultimul portret este realizat pe panza cu pensula si tempera lichida.

„Portretul unui om” (a doua jumătate a secolului I d.Hr.)

„Portretul unui bărbat în vârstă” (sfârșitul secolului I d.Hr.)

„Portretul unui nubian”

„Doamna Alina” (secolul al II-lea d.Hr.)

În Evul Mediu, când arta era subordonată bisericii, în pictură erau create mai ales imagini religioase. Dar chiar și în acest moment, unii artiști au pictat portrete precise din punct de vedere psihologic. Imaginile donatorilor (donatori, clienți), care erau arătați cel mai adesea din profil, cu fața la Dumnezeu, la Madona sau la un sfânt, au fost folosite pe scară largă.

Imaginile donatorilor aveau o asemănare exterioară fără îndoială cu originalele, dar nu depășeau canoanele iconografice, jucând un rol secundar în compoziție. Imaginile de profil provenite de la icoană și-au păstrat pozițiile dominante chiar și atunci când portretul a început să capete o semnificație independentă.

G. Bellini. Portretul donatorului. Fragment

Putem spune cu siguranță că a fost în Evul Mediu când genul portretului a declinat. În această epocă, totul era subordonat bisericii. Limitați de canoane religioase stricte, artiștii s-au orientat rar la portret și, dacă o făceau, atunci nu ar putea fi vorba de vreo reprezentare realistă.

Cu toate acestea, deja în secolele X-XII, genul portretului a început să se dezvolte. Puteți observa deja trăsături realiste în chipurile sfinților, claritate și certitudine în ochii lor etc. Un exemplu izbitor al unui astfel de portret realist este lucrarea lui Giotto pe pereții Capelei Scrovegni din Padova.

Perioada de glorie a genului portret a început în Renaștere, când principala valoare a lumii a fost o persoană activă și intenționată, capabilă să schimbe această lume și să meargă împotriva șanselor.

Omul este centrul universului, capabil să schimbe această lume. Această nouă ideologie a dat impuls celui mai vechi gen, eliberându-l de lanțurile Bisericii. Au apărut portretele pe față, a apărut tehnica picturii în ulei. Însăși structura portretului s-a schimbat: acum artistul și-a plasat eroul nu într-un fundal condiționat, cum era cazul în Evul Mediu, ci într-un interior sau peisaj realist.

Botticelli, Rafael, Titian, Leonardo da Vinci - cei mai mari maeștri ai Înaltei Renașteri - au creat noi mijloace de exprimare artistică, cu ajutorul cărora portretele au devenit mai psihologice. Deci, cel mai faimos portret masculin al acelei vremuri este opera lui Baldassare Castiglione al lui Rafael.

În secolul al XV-lea, artiștii au început să creeze portrete independente, care au arătat modele pe fundalul unor peisaje panoramice maiestuoase. Așa este „Portretul unui băiat” de B. Pinturicchio.

„Portret de băiat” de B. Pinturicchio

Cu toate acestea, prezența unor fragmente de natură în portrete nu creează integritate, unitate a unei persoane și a lumii din jurul său, persoana portretizată pare să întunece peisajul natural. Doar în portretele secolului al XVI-lea apare armonia, un fel de microcosmos.

De la mijlocul secolului al XV-lea. nu numai soțiile conducătorilor și rudele acestora, ci și soțiile negustorilor și meșteșugarilor bogați devin modele de portretişti florentini. Arta înaltă trece dincolo de palate.

Portretele renascentiste diferă de portretele de astăzi în primul rând prin faptul că le lipsește aspectul psihologic atât de caracteristic portretului modern. Portretul renascentist reprezintă diverse concepții asupra personalității modelului. Pentru femei, acesta este, în primul rând, statutul social și rolul familial al soției și mamei.

Privind aceste portrete, se poate concluziona că toate femeile florentine din acea vreme aveau gât lung, păr auriu, piele albă sidefată, ochi albaștri strălucitori și buze și obraji trandafirii. Această asemănare reflectă canonul frumuseții feminine care a apărut din literatură, în special din sonetele lui Petrarh în onoarea iubitei sale Laure. Cu frumusețea reală sau imaginară a modelelor lor, artiștii își celebrează virtuțile - modestia, evlavia, castitatea, principalele calități ale unei femei într-o societate patriarhală. Virtutea și frumusețea sunt indisolubil legate.

Tânăra înfățișată în tablou poartă o rochie rafinată din brocart. La prima vedere, acesta este un portret pe jumătate, dar poza femeii sugerează că ea stă la ambrasura de marmură a unei ferestre sau pe un balcon. Cerul albastru strălucitor umple aproape întregul fundal și contrastează cu tonurile palide ale pielii, ceea ce aduce portretului o armonie suplimentară a culorilor.

Profilul unei femei este conturat cu un minim de detalii, dar in acelasi timp artista realizeaza un efect incredibil de prezenta. Textura țesăturii grele cu broderie aurie subliniază caracterul de medalion al imaginii de ansamblu. Utilizarea decisivă a liniilor drepte și claritatea culorilor contrastante au fost întotdeauna privite ca trăsături caracteristice stilului florentin.

La sfârșitul secolului al XV-lea, atelierul fraților Antonio și Piero Pollaiolo era binecunoscut la Florența. Maeștrii au fost implicați în crearea de sculpturi, bijuterii și pictură. O atenție considerabilă a fost acordată lucrărilor grafice. Până în 1450, Antonio era deja un aurar binecunoscut și sunt cunoscute și sculpturile sale fine din bronz. Pierrot, conform documentelor de atunci, și-a ajutat fratele la realizarea unor tablouri. Subiectul disputei cercetătorilor îl reprezintă paternitatea portretelor feminine create de frați.

O analiză tehnică și stilistică a lucrărilor a condus la concluzia că portretele din Berlin și Milano pot fi atribuite lui Antonio, în timp ce autorul lucrărilor depozitate la Florența și New York a fost Piero. Portretele lui Antonio sunt printre cele mai importante lucrări ale perioadei Quattrocento în genul portretului. Poza prezentată este unul dintre ultimele profiluri feminine, în curând artiștii vor începe să înfățișeze chipul în trei sferturi de rând, ceea ce a devenit deja caracteristic portretelor masculine. Dar în profilul operei lui Antonio, fiecare nuanță a formei, care modelează trăsăturile delicate ale feței unei tinere, încântă privitorul. Există experți care cred că aceasta este opera lui Domenico Veneziano. Indiferent de această incertitudine, acesta este unul dintre cele mai frumoase portrete ale perioadei sfârşite de Quattrocento.

În nordul Europei, în portretele oamenilor așezați, predominau fețele de trei sferturi. Această aranjare a modelului este mai avantajoasă, atât pentru cercetarea psihologică, cât și pentru comunicarea cu privitorul, a fost adoptată la Florența în 1470 în lucrările lui Leonardo da Vinci.

Ginevra este înfățișată în ajunul căsătoriei ei și pare mult mai în vârstă decât cei șaisprezece ani. Momentul scrierii portretului coincide cu sfârșitul uceniciei lui Leonardo cu Verrocchio. Nu este de mirare că pânza arată ca un studiu sârguincios al unui student.

Mulți maeștri celebri ai Renașterii s-au orientat către portrete, printre care Botticelli, Rafael, Leonardo da Vinci. Cea mai mare operă de artă mondială a fost celebra capodopera a lui Leonardo - portretul „Mona Lisa” („La Gioconda”, c. 1503), în care mulți portretiști din generațiile ulterioare au văzut un model de urmat.

Leonardo da Vinci "Mona Lisa" ("La Gioconda", c. 1503)

În timpul Renașterii, mulți artiști care au creat altar și compoziții mitologice s-au orientat către genul portretului. Portretele psihologice ale pictorului olandez Jan van Eyck (Timothy, 1432; Omul cu turban roșu, 1433) se remarcă printr-o pătrundere profundă în lumea interioară a modelului.

Jan van Eyck „Timothy”, 1432

Jan van Eyck, Omul cu turban roșu, 1433

Maestrul recunoscut al genului portretului a fost artistul german Albrecht Dürer, ale cărui autoportrete încă încântă publicul și servesc drept exemplu pentru artiști.

În timpul Renașterii, în pictura europeană au apărut diverse forme de portretizare. Portretul cu bust era foarte popular la acea vreme, deși au apărut și imagini pe jumătate, de generație și portrete în lungime. Cuplurile căsătorite nobile au comandat portrete pereche, în care modelele erau înfățișate pe diferite pânze, dar ambele compoziții erau unite printr-un concept comun, culoare și fundal peisaj.

Un exemplu viu de portrete pereche sunt imaginile ducelui și ducesei de Urbino (Federigo da Montefeltro și Battista Sforza, 1465), create de pictorul italian Piero della Francesca.

Piero della Francesca Federigo da Montefeltro și Battista Sforza, 1465

Pe scară largă au fost și portretele de grup, când artistul a arătat mai multe modele pe o pânză. Un exemplu de astfel de lucrare este „Portretul Papei Paul al III-lea cu Alessandro și Ottavio Farnese” (1545-1546) de Titian.

„Portretul Papei Paul al III-lea cu Alessandro și Ottavio Farnese” (1545-1546) de Titian.

Un rol uriaș în dezvoltarea genului portretului european l-a jucat Titian, care a creat o întreagă galerie de imagini ale contemporanilor săi: poeți, oameni de știință, clerici, conducători. În aceste lucrări, marele maestru italian a acționat ca un psiholog subtil și un excelent cunoscător al sufletului uman.

Titian Vecellio „Autoportret”

Titian Vecellio „Portretul unui bărbat (Ariosto)”

După natura imaginii, portretele au început să fie împărțite în ceremoniale și intime. Primele au fost create cu scopul de a înălța și glorifica oamenii reprezentați pe ei. Portretele de ceremonie au fost comandate de la artiști celebri de către domnii și membrii familiilor acestora, curteni, duhovnici, care ocupau treptele superioare ale scării ierarhice.
Creând portrete ceremoniale, pictorii au portretizat bărbați în uniforme bogate brodate cu aur. Doamnele care au pozat pentru artistă au purtat cele mai luxoase rochii și s-au împodobit cu bijuterii. Fundalul a jucat un rol deosebit în astfel de portrete. Maeștrii și-au pictat modelele pe fundalul peisajului, elementelor arhitecturale (arce, coloane) și draperii luxuriante.
Cel mai mare maestru al portretului ceremonial a fost Fleming P.P. Rubens, care a lucrat la curțile regale din multe state. Contemporanii săi nobili și bogați au visat că pictorul le va surprinde pe pânzele sale. Portretele personalizate ale lui Rubens, izbitoare prin bogăția lor de culori și virtuozitatea desenului, sunt oarecum idealizate și reci. Imaginile rudelor și prietenilor pe care artistul și le-a creat pentru el însuși sunt pline de sentimente calde și sincere, nu au dorința de a măguli modelul, ca în portretele formale pentru clienți bogați.

Elevul și adeptul lui Rubens a fost talentatul pictor flamand A. van Dyck, care a creat o galerie de imagini portrete ale contemporanilor săi: oameni de știință, avocați, medici, artiști, comercianți, lideri militari, clerici, curteni. Aceste imagini realiste transmit subtil unicitatea individuală a modelelor.

Van Dyck, Anthony - Portret de familie

Portretele realizate de van Dyck în perioada târzie, când artistul lucra la curtea regelui englez Charles, sunt mai puțin perfecte din punct de vedere artistic, deoarece maestrul, care a primit multe comenzi, nu le-a putut face față și a încredințat asistenților săi imaginea unor detalii. Dar chiar și în acest moment, van Dyck a pictat o serie de picturi destul de reușite (Portretul Luvru al lui Carol I, c. 1635; Trei copii ai lui Carol I, 1635).

A. van Dyck. Cei trei copii ai lui Carol I, 1635, Colecția Regală, Castelul Windsor

În secolul al XVII-lea, un loc important în pictura europeană îl ocupa un portret intim (de cameră), al cărui scop era să arate starea de spirit a unei persoane, sentimentele și emoțiile sale. Portretele intime nu erau la fel de „reci” ca cele din față. Maestrul recunoscut al acestui tip de portret a fost artistul olandez Rembrandt, care a pictat multe imagini sincere. Modelele lui sunt oameni obișnuiți care nu au nici bogăție, nici patroni nobili. Artistul a căutat să transmită adevăratele calități ale unei persoane - esența sa interioară.

Rembrandt van Rijn - tânăr

Rembrandt van Rijn „Portretul lui Johannes Watenbogart”.

„Portretul unei bătrâne” (1654), „Portretul fiului lui Titus Reading” (1657), „Hendrikje Stoffels la fereastră” (portretul celei de-a doua soții a artistului, c. 1659) sunt impregnate de sentimente sincere. Aceste lucrări prezintă privitorului oameni obișnuiți care nu au nici strămoși nobili și nici avere. Dar pentru Rembrandt, care a deschis o nouă pagină în istoria genului portretului, a fost important să transmită bunătatea modelului său, calitățile ei cu adevărat umane.

Portrete de femei în pictura renascentist italiană.

Portret (portret francez, din portraire învechit - a descrie), o imagine sau descriere (de exemplu, în literatură) a unei persoane sau a unui grup de oameni care există sau au existat în realitate.

În artele vizuale, portretul este unul dintre principalele genuri de pictură, sculptură, grafică și fotografie. În centrul genului portret este un început memorial, perpetuând aspectul unei anumite persoane. Cel mai important criteriu pentru portretizare este asemănarea imaginii cu persoana portretizată (model, original). Asemănarea în portret este rezultatul nu numai al transferului corect al aspectului exterior al persoanei înfățișate, ci și al dezvăluirii veridice a esenței sale spirituale în unitatea trăsăturilor individual unice și tipice inerente lui ca reprezentant al unei persoane. anumită epocă istorică, naționalitate, mediu social; Cu toate acestea, din cauza imposibilității practice a unui spectator de a compara o imagine cu un model de portret, orice imagine individualizată a unei persoane este adesea numită dacă este singura sau cel puțin tema principală a unei opere de artă.

De obicei, un portret înfățișează fața unui artist contemporan și este creat direct din natură. Odată cu acesta s-a format un tip de portret, înfățișând vreo figură din trecut (portret istoric) și realizat după amintirile sau imaginația maestrului, pe baza unui material auxiliar (literar, artistic, documentar etc.). Atât în ​​portretul unui contemporan, cât și într-un portret istoric, o reprezentare obiectivă a realității este însoțită de o anumită relație între maestru și model, reflectând propria sa viziune asupra lumii, crez estetic etc. Toate acestea, transmise într-o manieră artistică individuală specifică, introduc în imaginea portretului o colorare subiectivă a autorului. Din punct de vedere istoric, a evoluat o tipologie largă și multifațetă a portretului. În funcție de scop, de specificul formei, de natura execuției, portrete de șevalet (tablouri, busturi, foi grafice) și monumentale (monumente sculpturale, fresce, mozaicuri), ceremoniale și intime, bust, în lungime, în față. (fața integrală), în profil se disting etc. În diferite epoci s-au răspândit portretele pe medalii și monede (arta medaliilor), pe pietre prețioase (gliptice) și portretele în miniatură. În funcție de numărul de caractere, portretele sunt împărțite în individuale, pereche (duble) și de grup. Un tip specific de portret este autoportretul. Limitele genului portretului sunt foarte flexibile și adesea portretul în sine poate fi combinat într-o singură lucrare cu elemente ale altor genuri. Astfel sunt portretul-poza, în care persoana portretizată este prezentată într-o relație semantică și intrigală cu lumea lucrurilor care îl înconjoară, natura, motivele arhitecturale și alți oameni (cel din urmă este un portret-poză de grup), iar portretul- tipul este o imagine colectivă, un portret similar din punct de vedere structural.cu genul cotidian sau istoric, modelul (persoană specifică reprezentată) interacționează adesea cu personaje fictive. Un portret poate dezvălui calitățile spirituale și morale înalte ale unei persoane. În același timp, un portret este disponibil pentru o identificare veridică, uneori fără milă, a proprietăților negative ale modelului (cel din urmă, în special, este asociat cu o caricatură-caricatură portret, un portret satiric). În general, portretul, împreună cu transferul caracteristicilor individuale caracteristice ale unui individ, este capabil să reflecte profund cele mai importante fenomene sociale în împletirea complexă a contradicțiilor lor.

Originea portretului datează din cele mai vechi timpuri. Primele exemple semnificative de portrete se găsesc în sculptura orientală antică, în principal egipteană antică. Aici, scopul portretului s-a datorat în mare măsură sarcinilor de cult, religioase și magice. Nevoia de „duplicare” a modelului (un portret ca omologul său în viața de apoi) a condus la proiecția pe tipul canonic impersonal de imagine (întruchipând ceva neschimbător) a trăsăturilor unice individual ale unei anumite persoane. De-a lungul timpului, conținutul portretului egiptean antic se adâncește (mai ales în imaginile spiritualizate umane ale epocii Regatului Nou din perioada El-Amarna, secolul al XIV-lea î.Hr.). În Grecia antică, în epoca clasicilor, au fost create portrete sculpturale generalizate, idealizate ale poeților, filosofilor și personalităților publice. De la sfârșitul secolului al V-lea. î.Hr e. portretul antic grecesc este din ce în ce mai individualizat (opera lui Dimitrie din Alopeka, Lisip), gravitând în perioada elenistică (sfârșitul secolelor IV-I î.Hr.) spre dramatizarea imaginii. Înflorirea înaltă a sculpturii antice, portretul ajunge în arta Romei antice. Dezvoltarea portretului roman antic a fost legată de interesul crescut pentru o anumită persoană, de extinderea cercului celor portretizați. Baza structurii artistice a multor portrete romane antice este o transmitere clară, uneori scrupuloasă a trăsăturilor unice ale modelului, păstrând în același timp o anumită unitate a principiilor individuale și tipice. În perioada imperiului, maeștrii individuali s-au orientat către un portret idealizant, adesea mitologizat. În cele mai bune exemple ale sale, portretul roman antic este marcat de vitalitate, expresivitate psihologică a caracteristicilor. În epoca elenismului și în Roma Antică, alături de busturile și statuile portretelor, au fost utilizate pe scară largă portretele pe monede, camee etc., parțial portrete picturale. Cele mai vechi exemple supraviețuitoare de portrete de șevalet sunt portretele Fayum (Egipt, secolele I-IV). În mare parte asociate cu tradițiile portretului antic oriental, cu idei religioase și magice, portretele Fayum au fost create sub influența artei antice, direct din viață, au avut o asemănare pronunțată cu o anumită persoană, iar în mostrele ulterioare - o spiritualitate specifică .

Plină de contradicții ascuțite, cultura medievală europeană cu mai multe fețe, cu lupta ei constantă inerentă a tendințelor spiritualiste și materialiste spontane, a lăsat o amprentă specială asupra dezvoltării portretului. Artistul medieval, limitat de canoane stricte ale bisericii, s-a orientat relativ rar către portret, principiul personal, în înțelegerea sa, a fost dizolvat în catolicitatea religioasă. Portretul medieval este în multe cazuri o parte integrantă a ansamblului arhitectural și artistic al bisericii; modelele sale sunt în principal persoane nobile - conducători, membri ai familiilor lor, apropiați, donatori. Portretul medieval în multe dintre mostrele sale este impersonal, în același timp, unele sculpturi gotice, fresce și mozaicuri ale bisericilor bizantine, ruse și ale altor biserici din vestul și estul Europei au o caracteristică spirituală, o clară certitudine fizionomică. Artistul medieval înzestrează adesea imaginile sfinților cu trăsături ale unor oameni anumiți. Portretele medievale chinezești (în special din perioada Song, secolele X-XIII) se remarcă printr-o mare concretețe. În ciuda faptului că au fost supuși unui canon tipologic strict, maeștrii chinezi medievali au creat multe portrete laice individualizate, dezvăluind adesea trăsături ale intelectualismului în modele. Unele portrete ale pictorilor și sculptorilor japonezi medievali sunt ascuțite din punct de vedere psihologic. Mostre mari de miniatură portret au fost create în epoca feudalismului de către maeștri din Asia Centrală, Azerbaidjan, Afganistan (Kemaleddin Behzad), Iran (Reza Abbasi), India.

O amplă înflorire a portretului pictural, sculptural și grafic are loc în Renaștere, manifestându-se cu deosebit de mare plenitudine în arta Italiei. Individualismul umanist al omului renascentist, care a slăbit lanțurile religiei, a crezut ferm în puterea personalității creatoare și se considera „măsura tuturor lucrurilor”, a necesitat o structură complet nouă a portretului. Viziunea artistică a portretistului renascentist a idealizat în multe cazuri modelul, dar cu siguranță a rezultat din nevoia de a-i înțelege esența. Reprezentându-și eroul într-un anumit mediu pământesc, artistul a plasat liber modelul în spațiu. Și modelul a jucat din ce în ce mai des nu pe un fundal condiționat, suprarealist, așa cum a fost în arta Evului Mediu, ci în unitate cu un interior sau peisaj interpretat în mod realist, adesea în comunicare directă în direct cu ficțiune (mitologică și evanghelică) personaje. În picturile monumentale, printre alte personaje, artistul se înfățișează adesea pe sine. Toate aceste trăsături ale portretului renascentist au fost parțial conturate deja în portretele din trecento (Giotto, Simone Martini) și au fost ferm stabilite în secolul al XV-lea. (pictură monumentală și de șevalet de Masaccio, Andrea del Castagno, Domenico Veneziano, Domenico Ghirlandaio, Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Pinturicchio, Mantegna, Antonello da Messina, Gentile și Giovanni Bellini, statui de Donatello și Verrocchio, sculptură de șevalet de Antonio Rossellino, medalii Desiderio da Settignano , Mino da Fiesole, Benedetto da Maiano, A. Pisanello). Antropocentrismul renascentist apare în mod deosebit în portretele maeștrilor Înaltei Renașteri. Leonardo da Vinci, Raphael, Giorgione, Titian, Tintoretto aprofundează și mai mult conținutul imaginilor portret, le înzestrează cu puterea intelectului, un sentiment de libertate personală și armonie spirituală, actualizează semnificativ mijloacele de exprimare artistică (perspectiva aeriană a lui Leonardo da Vinci). Vinci, descoperirile coloristice ale lui Tizian). Cele mai înalte realizări în portretele renascentiste sunt asociate cu opera olandezilor (J. van Eyck, Robert Campin - așa-numitul maestru Flemal, Rogier van der Weyden, H. van der Goes, Gertgen tot Sint-Jans, Luke of Leiden). , K. Masseys, A. Mor) și germani (A. Durer, L. Cranach cel Bătrân, H. Holbein cel Tânăr) maeștri ai secolelor XV-XVI. Cu o comunitate stilistică binecunoscută cu portretele Renașterii italiene, lucrările lor se disting printr-o mai mare claritate spirituală a caracteristicilor, acuratețe subiectivă a imaginii. Dacă portretiștii Renașterii italiene păreau adesea să-și ridice eroul deasupra lumii, atunci aici persoana portretizată este adesea prezentată ca o parte integrantă a universului, inclusă organic în sistemul său infinit de complex. Umanismul renascentist este impregnat de subtil în caracterizare, elegant în execuție, portrete picturale, grafice și sculpturale ale maeștrilor francezi ai Renașterii (J. Fuchs, J. și F. Clouet, Cornsle de Lyon, P. Bontand, J. Pilon) . În această epocă, în diferite țări au apărut noi forme de pictură de grup.Grupurile de portrete înghețate hieratic ale Evului Mediu sunt înlocuite cu compoziții cu mai multe figuri pline de interconexiuni vii și eficiente de personaje. Sunt create primele exemple semnificative de portrete de grup și pereche în pictura de șevalet. Tipul portretului istoric se dezvoltă sub diverse forme.În arta manierismului (secolul al XVI-lea), pictura pierde din claritatea imaginilor renascentiste. Dezvăluie trăsături care reflectă o percepție dramatic tulburătoare a contradicțiilor epocii. Structura compozițională a portretului se schimbă. Ele se caracterizează printr-o claritate subliniată și o bogăție a expresiei spirituale. În diferite grade, aceasta este caracteristică portretelor maeștrilor italieni Pontormo, Bronzino și pictorului spaniol El Greco.

Schimbări sociale, ideologice și științifice radicale în viața țărilor vest-europene la sfârșitul secolului al XVI-lea și începutul secolului al XVII-lea. a influențat adăugarea de noi forme de portretizare. Specificul său este determinat acum de viziunea schimbată asupra lumii, care a rupt de antropocentrismul moștenit din Renaștere din antichitate. Criza vederilor armonios clare asupra realității este însoțită de o complicare a lumii interioare a unei persoane, a interrelațiilor sale cu lumea exterioară și, în același timp, o dorință irezistibilă pentru o autocunoaștere mai profundă, mai flexibilă și mai multifațetă, pentru o înțelegere largă a realității. Toate acestea contribuie la căutarea în portret a unei mai mari adecvari la adevăratul aspect al modelului, dezvăluind natura sa complexă. Poziții cheie în portretul de la începutul secolului al XVII-lea. trece nedivizat la pictura de șevalet. Culmile sale sunt determinate de creativitatea celor mai mari maeștri ai secolului al XVII-lea, a căror semnificație depășește cu mult limitele epocii. Uriașa cucerire a portretului secolului al XVII-lea. este democratizarea sa profundă, exprimată cel mai pe deplin în Olanda. Imagini cu oameni reprezentând cele mai diverse pături sociale ale societății, grupe naționale de vârstă apar în multe portrete adevărate ale vieții ale lui Rembrandt, marcate de cea mai mare dragoste pentru o persoană, de înțelegerea celei mai adânci profunzimi a vieții sale spirituale și de frumusețea morală, într-un mod acut. portret realist de F. Hals, dezvăluind clar mobilitatea schimbătoare a sufletului modelului. Atractia neobisnuit de larga pentru portretul de grup, caracteristica portretistilor olandezi, este asociata cu intarirea principiilor burghezo-democratice in viata tarii. Diverse fațete ale caracterului uman apar în profundul realist, întruchipând realitatea în versatilitatea și inconsecvența ei în lucrările portretistice ale spaniolului D. Velasquez. Hals și Velazquez creează portrete-tipuri de oameni din oameni, dezvăluind demnitatea interioară, bogăția și complexitatea lumii lor spirituale. Portretele curții și ale nobilimii bisericești din lucrările lui Velasquez și ale sculptorului italian L. Bernini sunt impregnate de o mare sinceritate. Naturile strălucitoare, pline de sânge îl atrag pe cel mai mare pictor flamand al secolului al XVII-lea. portretele lui P. Rubens, care a influenţat şi compoziţia portretului intim pătrunzător de liric.Expresivitatea fină a caracteristicilor a marcat opera virtuozică a lui P. Fleming A. van Dyck. Crescut în secolul al XVII-lea dorința artiștilor de realizare de sine, afirmarea unei personalități creative contribuie la dezvoltarea largă și multifațetă a formelor de autoportret de șevalet (Rembrandt, care a atins culmi deosebite în acest domeniu, compatriotul său K. Fabricius, van Dyck, pictor francez N. Poussin). Tendințele realiste în artă din secolul al XVII-lea. a apărut și în lucrarea de portrete a lui V. Ghislandi în Italia, F. Zurbaran în Spania, S. Cooper și J. Riley în Anglia, F. de Champigne, M. Lenain și R. Nanteul în Franța. O actualizare semnificativă a structurii ideologice și de conținut a portretului în secolul al XVII-lea. a fost însoțită de evoluția mijloacelor sale expresive (o transmitere convingătoare a mediului lumină-aer prin contraste de lumină și umbră, noi metode de scriere cu linii dense scurte, uneori separate), care conferă imaginii o vitalitate necunoscută până acum, o mobilitate cu adevărat tangibilă. Mișcarea se află în centrul compoziției multor portrete din secolul al XVII-lea; în timp ce un rol uriaş este acordat expresivităţii gestului modelului. În mod decisiv este activată interrelația intriga a eroilor portretului de grup, iar tendința sa de a se dezvolta într-un portret-poză de grup este clar indicată. Într-un portret din secolul al XVII-lea s-au reflectat și tendințe negative în arta acelei epoci. În multe portrete ceremoniale ale maeștrilor acestei epoci, principiul figurativ realist rupe cu greu de binecunoscuta convenționalitate a formelor inerente artei barocului. Un număr de portrete poartă o idealizare sinceră a unui client de rang înalt (lucrări ale pictorului francez P. Mignard și sculptorului A. Coisevox și pictorului englez P. Lely).

Deja în a doua jumătate a secolului al XVII-lea. multe realizări ale unui portret realist sunt uitate. Nu numai aristocratul, ci și burghezii, care se simte din ce în ce mai mult stăpânul vieții, cer lingușire necondiționată din partea portretului. În portretele olandeze, veridicitatea reală a lui Rembrandt este înlocuită de sentimentalism dulce, teatralitate rece și reprezentativitate condiționată. Portretul curtean-aristocratic înflorește mai ales în Franța. În secolul al XVIII-lea arta oficială prezintă numeroase exemple de portrete ceremoniale, fals idealizante, adesea „mitologizate” (J. Nattier, F. G. Drouet), în care rolul primordial este dat eleganței decorative a modelului. În acelaşi timp în arta secolului al XVIII-lea. ia naștere și se afirmă un nou portret realist, legat în multe privințe de idealurile umaniste ale Iluminismului. În Franța, este reprezentată de imaginile analitice ascuțite ale pictorului M.C. Latour, sculptorilor J.A. Houdon și J.B. Pigalle, lucrările târzii rafinate și intelectuale ale lui A. Watteau și portretele „de gen” ale lui J.B.S. Chardin, pline de lirism și pasteluri călduroase de J. B. Perronneau, virtuoz în execuție cu portrete adevărate de viață de O. Fragonard; în Marea Britanie - lucrări de portrete puternic sociale, democratice ale lui W. Hogarth. Tendințele proaspete realiste se manifestă în mod deosebit pe deplin și profund în pictură în a doua jumătate a secolului al XVIII-lea și începutul secolului al XIX-lea, când au acționat asemenea maeștri geniali precum J. Reynolds și T. Gainsborough în Marea Britanie și J. Stuart în SUA. Portretele intime și ceremoniale create de acești pictori se disting prin acuratețea caracteristicilor sociale, subtilitatea analizei psihologice, dezvăluirea profundă a lumii interioare și bogăția sentimentelor oamenilor reprezentați.

În Rusia, un interes crescut pentru portret sa manifestat în secolul al XVII-lea. în legătură cu creşterea economică, politică şi culturală a ţării. Parsuna este utilizat pe scară largă. În secolul al XVIII-lea are loc o dezvoltare intensivă a portretului secular rusesc (picturi de I. N. Nikitin, A. M. Matveev, A. P. Antropov, I. P. Argunov, I. Ya. Vishnyakov), care la sfârșitul secolului a devenit la egalitate cu cele mai înalte realizări ale lumii moderne. portret (tablouri de F. S. Rokotov, D. G. Levitsky, V. L. Borovikovsky, sculpturi de F. I. Shubin, gravuri de E. P. Chemesov).

Marea Revoluție Franceză a contribuit foarte mult la rezolvarea unor noi sarcini în genul portretului. Evenimentele sale au fost direct inspirate de o serie de povești, picturi portrete de J. L. David, marcate de trăsături ale clasicismului. În creat de David la începutul secolelor 18-19. O galerie extinsă de portrete ale reprezentanților diferitelor cercuri ale societății, subliniate din punct de vedere al caracteristicilor sociale, a dezvăluit clar și veridic multe aspecte semnificative ale epocii. Ideile revoluționare de eliberare s-au reflectat în portretele extrem de realiste realizate de spaniolul F. Goya și au pus bazele unei linii critice în genul lui P. Portretele intime și autoportretele lui Goya pasional emoționale sunt în fond romantice. Tendințele romantice s-au dezvoltat în prima jumătate a secolului al XIX-lea. în lucrarea portretistică a pictorilor T. Gericault și E. Delacroix, a sculptorului F. Rude în Franța, a pictorilor O. A. Kiprensky, K. P. Bryullov și parțial V. A. Tropinin în Rusia, O. Runge în Germania. Odată cu ele se dezvoltă și tradițiile portretistice ale clasicismului, pline de conținut nou de viață (în Franța, pictorul J. O. D. Ingres). Numele francezului O. Daumier este asociat cu apariția în secolul al XIX-lea. primele exemple semnificative de portret satiric în grafică și sculptură.

Problema caracterizării sociale, dezvăluirea consecventă a meritelor etice ale unei persoane prin psihologia sa, este rezolvată într-un mod nou și diferit în portretul realist al mijlocului și al celei de-a doua jumătate a secolului al XIX-lea. Gama geografică a portretului se extinde și mai mult, apar o serie de școli naționale ale acestuia, o multitudine de tendințe stilistice reprezentate de diverși indivizi creativi (G. Courbet în Franța; A. Menzel, V. Leibl în Germania; A. Stephens în Marea Britanie; E. Werenschell în Norvegia; J. Matejko în Polonia, M. Munkácsy în Ungaria, K. Manes în Cehoslovacia, T. Aikins în SUA).

Mari realizări în domeniul portretului au fost remarcate în a doua jumătate a secolului al XIX-lea. opera maeștrilor ruși asociată cu întărirea tendințelor democratice în viața țării. Rătăcitori V.G. Perov, N. N. Ge, I. N. Kramskoy, N. A. Yaroshenko și mai ales I. E. Repin creează o galerie de portrete ale unor personaje marcante ale culturii naționale. Portretele țăranilor de Perov, Kramskoy și Repin reflectă interesul profund al artiștilor democrați față de reprezentantul oamenilor de rând ca o persoană semnificativă, plină de viață interioară bogată. Pictorii de portrete ruși apelează adesea la tipul portretului, ai căror eroi sunt reprezentanți fără nume atât ai poporului, cât și a inteligenției revoluționare, creează mostre de portrete acuzatoare, introduc pe scară largă principiul portretului în genurile cotidiene și istorice (picturi de V. I. Surikov).

Odată cu nașterea fotografiei, un portret fotografic ia naștere și se dezvoltă sub influența puternică a portretului, care, la rândul său, stimulează căutarea unor noi forme de structură figurativă, atât picturale, cât și portrete sculpturale și grafice, inaccesibile artei fotografice.

În ultima treime a secolului al XIX-lea în Franţa, descoperirile maeştrilor impresionismului şi ale pictorilor apropiaţi lor E. Manet, O. Renoir, E. Degas, sculptorul O. Rodin duc la o reînnoire semnificativă a conceptului ideologic şi artistic al portretului. În centrul lucrării lor portretistice se află imagini impregnate de umanism profund, care transmit variabilitatea aspectului și comportamentului modelului într-un mediu la fel de schimbător. În diferite grade, trăsăturile impresionismului sunt inerente portretelor operei suedezului A. Zorn, germanului M. Lieberman, americanilor J. M. Whistler și J. S. Sargent, artistului rus K. A. Korovin. În ceea ce privește obiectivele și structura figurativă, portretul impresionist este opus lucrării portretistice a celui mai mare maestru francez din ultima treime a secolului al XIX-lea. P. Cezanne, care a căutat să exprime anumite proprietăți stabile ale modelului într-o imagine artistică monumentală și integrală. În același timp, au fost create lucrări de portret dramatice, nervos intens, ale olandezului W. van Gogh, reflectând profund problemele arzătoare ale vieții morale și spirituale a omului modern. Un fel de amprentă asupra limbajului artistic al portretului la sfârșitul secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea. impune stilul „modern”, conferindu-i o claritate laconica, conferind adesea caracteristicile modelului trasaturi grotești (portrete realizate de A. de Toulouse-Lautrec in Franta, E. Munch in Norvegia si altii).

În Rusia prerevoluționară, realismul capătă o nouă calitate în portretele acut psihologice create de V. A. Serov, pline de profund patos social, în portretele lui M. A. Vrubel, S. V. Malyutin, A. Ya. Golovina, în portretele-tipuri expresive social. a muncitorilor de N. A. Kasatkin, opera sculptorului S. T. Konenkov, în portretele-picturi care glorifica integritatea naturii populare de A. E. Arkhipov, B. M. Kustodieva, F. A. Malyavin, portrete intime liric în opera lui V. E. Borisov-Musatov, K. Z. E. Serebryakova. Pe de altă parte, există o degradare accentuată a genului în numeroase exemple de portrete de salon, lucrări de portrete ale reprezentanților diferitelor grupuri „de stânga”.

În secolul al XX-lea tendințe deosebit de complexe și contradictorii în arta noii ere istorice, lupta din ce în ce mai mare dintre culturile democratice și cele burgheze, s-au manifestat în genul portretului. Pe baza modernismului, apar lucrări care sunt lipsite de însuși specificul unui portret, îndepărtându-se categoric de aspectul real al modelului, reducându-i imaginea la o schemă condiționată, abstractă. Spre deosebire de acestea, există o căutare intensă a unor noi mijloace realiste de afirmare în portretul forței spirituale și frumuseții omului. Tradițiile realiste ale portretului continuă în diferite moduri în grafica lui K. Kollwitz în Germania, în pictura lui W. Orpen și O. John în Marea Britanie, în sculptura lui A. Bourdelle, A. Maillol, Ch. Despiaux în Franța. În lucrarea de portrete a celor mai mari maeștri vest-europeni ai secolului al XX-lea. (P. Picasso, A. Matisse, A. Derain, J. Rouault, A. Modigliani în Franța, J. Gros, O. Dix, E. Barlach în Germania, O. Kokoschka în Austria) coexistă și uneori conflictuale ideologice și tendinte artistice.

Pe la mijlocul secolului al XX-lea dezvoltarea portretului devine din ce în ce mai complexă, caracterizată tot mai des de trăsături de criză. Pierderea unui principiu de afirmare a vieții de către un portret este însoțită de o deformare (deformare) deliberată a aspectului uman. În diverse curente ale modernismului, imaginea omului practic dispare. Totuși, maeștrii străini progresiste (pictorii R. Guttuso în Italia, H. Erni în Elveția, D. Rivera și D. Siqueiros în Mexic, E. Wyeth în SUA, Saison Maeda în Japonia; sculptorii K. Dunikovsky în Polonia, V. Aaltonen în Finlanda, J. Manzu în Italia, D. Davidson și J. Epstein în SUA) au dezvoltat creativ și continuă să dezvolte tradițiile portretului realist al lumii, le îmbogăți cu noi descoperiri artistice, creând imagini pline de adevărul vieții și umaniste. patos. Pozițiile de realism social activ, esențial democratic, sunt ocupate de artiștii țărilor socialiste: F. Kremer în RDG, K. Baba în România, J. Kisfaludi-Strobl în Ungaria, D. Uzunov în Bulgaria ș.a.

Portretul sovietic este o etapă calitativ nouă în istoria artei portretului mondial, unul dintre principalele genuri ale artei plastice sovietice, marcat de toate trăsăturile sale caracteristice. În portretul sovietic, a existat o tendință constantă spre dezvoltarea sa uniformă în toate tipurile majore de artă plastică. Imaginea portret este inclusă din ce în ce mai mult în tabloul intrării, sculptura monumentală, afiș, grafică satirică etc. Portretul sovietic este multinațional; a absorbit atât tradițiile portretului realist vest-european, cât și cele rusești, precum și realizările multor portretiști din secolele XIX și XX, reprezentând diferite popoare ale URSS. Conținutul principal al portretului sovietic este imaginea unui om nou, constructorul comunismului, purtătorul unor calități spirituale precum colectivismul, umanismul socialist, internaționalismul, intenția revoluționară. Personajul principal al portretului sovietic este reprezentantul poporului. Există portrete-tipuri și portrete-imagini care reflectă fenomene noi în viața socială și socială a țării (lucrări de I. D. Shadr, G. G. Ryazhsky, A. N. Samokhvalov, S. V. Gerasimov, S. A. Chuikov) . Alături de imaginile portret ale intelectualității sovietice, create de maeștri precum pictorii Malyutin, K. S. Petrov-Vodkin, M. V. Nesterov, P. D. Korin, I. E. Grabar, P. P. Konchalovsky, M. S. Saryan, S. M. Agadzhanyan, K. K. Magalashvili, L. T. T. Muuga, sculptorii Konenkov, V. I. Mukhina, S. D. Lebedeva. T. Zalkaln, L. Davydova-Medene, graficieni V. A. Favorsky, G. S. Vereisky, E. Einmann, apar portrete realiste ale muncitorilor, soldaților armatei sovietice (sculptură de E. V. Vuchetich, N. V. Tomsky, G. G. Chubaryan, pictură de A. A. Shovkunenko, V. P. Efanov, I. A. Serebryany, desen de F. Paulyuk) și fermieri colectivi (pictură de A. A. Plastov, A. Gudaitis, I. N. Klychev) . Pe o nouă bază ideologică și artistică, sunt create portrete de grup (lucrări de A. M. Gerasimov, Korin, D. D. Zhilinsky). Portrete istorice și, în special, istorico-revoluționare ale maeștrilor republicilor Uniunii („Leniniana” de N. A. Andreev, lucrări de I. I. Brodsky, Vl. A. Serov, V. I. Kasiyan, Ya. I. Nikoladze). Dezvoltându-se în conformitate cu metoda ideologică și artistică unificată a realismului socialist, portretul sovietic se remarcă prin diversitatea personalităților creative ale maeștrilor săi, bogăția manierelor artistice și a soluțiilor tematice și căutarea îndrăzneață a unor noi mijloace de exprimare.