Der Porträtmaler – Carl Spitzweg

Der Mensch war schon immer das Hauptthema der Kunst. Kunst kann nicht ohne einen positiven Helden, ein Vorbild existieren. In der Weltmalerei treffen wir ständig auf die Verkörperung von Ideen über die Haupttugenden des Individuums. Nur Kunst kann klar zeigen, was ein Mensch sein kann und soll. Es ist kein Zufall, dass weibliche Bilder seit der Antike vor allem körperliche Schönheit und männlichen Intellekt und Stärke betonten. Die Kunst, die das Niveau der materiellen, künstlerischen und spirituellen Kultur der Gesellschaft widerspiegelt, hat einen starken Einfluss auf die Entwicklung der Spiritualität und bildet die vorherrschende Vorstellung vom Ideal des Menschen. Lebendige, einprägsame Bilder der Helden ihrer Zeit hat uns die russische Malerei hinterlassen. Der Künstler blickt immer nach vorne und sieht weiter als seine Zeitgenossen. So projiziert Kunst die Zukunft in die Gegenwart.

Kunst im Allgemeinen und Porträtkunst im Besonderen spiegelt nicht nur die Entwicklung der Gesellschaft wider, sie hilft beim Hervortreten eines neuen Menschen und berücksichtigt aus seiner Sicht das Ideal dieser Zeit.

Das Porträt ist vielleicht eine der attraktivsten Gattungen der Malerei und gleichzeitig mehrdeutig. Es ist das Porträt, das die Möglichkeit bietet, über das Bild einer Person zu sprechen, es Ihnen ermöglicht, der Haltung des Einzelnen in verschiedenen Epochen nahe zu kommen.

Porträt(aus dem französischen Porträt) ist ein Genre der bildenden Kunst sowie Werke dieses Genres, die das Aussehen einer bestimmten Person zeigen. Das Porträt vermittelt individuelle Eigenschaften, Alleinstellungsmerkmale, die nur einem Modell eigen sind (ein Modell ist eine Person, die für einen Meister posiert, während sie an einem Kunstwerk arbeitet).

Es gibt viele Arten von Porträts. Das Porträtgenre umfasst: ein Brustbild, eine Büste (in Skulptur), ein Ganzkörperporträt, ein Gruppenporträt, ein Porträt in einem Innenraum, ein Porträt vor einer Landschaft. Aufgrund der Art des Bildes werden zwei Hauptgruppen unterschieden: Zeremonien- und Kammerporträts. Bei einem zeremoniellen Porträt handelt es sich in der Regel um eine Ganzkörperaufnahme einer Person (auf einem Pferd, stehend oder sitzend).

Je nach Anzahl der Bilder auf einer Leinwand gibt es neben den üblichen Einzelporträts auch Doppel- und Gruppenporträts. Als Paar bezeichnet man Porträts, die auf verschiedenen Leinwänden gemalt sind, wenn sie in Komposition, Format und Farbgebung miteinander übereinstimmen. Meistens sind dies Porträts von Ehepartnern. Nicht selten bilden Porträts ganze Ensembles - Porträtgalerien.

Porträts werden auch nach Größe unterschieden, zum Beispiel Miniatur. Sie können auch ein Selbstporträt hervorheben - ein Bild des Künstlers von sich selbst. Das Porträt vermittelt nicht nur die individuellen Züge der Porträtierten oder, wie die Künstler sagen, Modelle, sondern spiegelt auch die Epoche wider, in der die abgebildete Person lebte.

Die Kunst der Porträtmalerei reicht mehrere Jahrtausende zurück. Bereits im alten Ägypten schufen Bildhauer ein ziemlich genaues Abbild der äußeren Erscheinung eines Menschen. Die Statue erhielt eine Porträtähnlichkeit, damit nach dem Tod eines Menschen seine Seele darin einziehen und seinen Besitzer leicht finden konnte. Die malerischen Porträts von Faiyum, die im 1. bis 4. Jahrhundert in der Technik der Enkaustik (Wachsmalerei) angefertigt wurden, dienten demselben Zweck. Idealisierte Porträts von Dichtern, Philosophen und Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens waren in der Skulptur des antiken Griechenlands üblich. Wahrhaftigkeit und genaue psychologische Eigenschaften zeichneten antike römische skulpturale Porträtbüsten aus. Sie spiegelten den Charakter und die Persönlichkeit einer bestimmten Person wider.

Das Abbild des Gesichts einer Person in Skulptur oder Malerei hat Künstler schon immer angezogen. Die Porträtgattung blühte besonders in der Renaissance auf, als die humanistische, wirksame menschliche Persönlichkeit als Hauptwert erkannt wurde.Die Meister der Renaissance vertiefen den Inhalt der Porträtbilder, verleihen ihnen Intelligenz, geistige Harmonie und manchmal innere Dramatik.

Im 17. Jahrhundert tritt in der europäischen Malerei ein intimes Kammerporträt in den Vordergrund, im Gegensatz zu einem zeremoniellen, offiziellen, erhebenden Porträt. Die herausragenden Meister dieser Ära - Rembrandt, D. Velasquez - schufen eine Galerie wunderbarer Bilder einfacher, unbekannter Menschen, die in ihnen den größten Reichtum an Freundlichkeit und Menschlichkeit entdeckten.

In Russland begann sich das Porträtgenre seit Beginn des 18. Jahrhunderts aktiv zu entwickeln. F. Rokotov, D. Levitsky, V. Borovikovsky schufen eine Reihe großartiger Porträts von Adligen. Besonders schön und charmant, von Lyrik und Spiritualität durchdrungen, waren die von diesen Künstlern gemalten Frauenbilder. In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Der Protagonist der Porträtkunst wird zu einer verträumten und gleichzeitig zu heroischen Impulsen neigenden romantischen Persönlichkeit (in den Gemälden von O. Kiprensky, K. Bryullov). Die Herausbildung des Realismus in der Kunst der Wanderer spiegelte sich in der Porträtkunst wider. Die Künstler V. Perov, I. Kramskoy, I. Repin haben eine ganze Porträtgalerie herausragender Zeitgenossen geschaffen. Mit Hilfe charakteristischer Mimik, Körperhaltung, Gestik vermitteln Künstler individuelle und typische Züge der Porträtierten, ihre spirituellen Züge.

Der Mensch wurde in seiner ganzen psychologischen Komplexität dargestellt und seine Rolle in der Gesellschaft bewertet. Im XX Jahrhundert. Das Porträt kombiniert die widersprüchlichsten Trends - helle realistische individuelle Merkmale und abstrakte ausdrucksstarke Deformationen von Modellen

Porträts vermitteln uns nicht nur Bilder von Menschen aus verschiedenen Epochen, spiegeln einen Teil der Geschichte wider, sondern sprechen auch darüber, wie der Künstler die Welt gesehen hat, wie er mit seinem Modell umgegangen ist.

Der erste Versuch, ein Porträt darzustellen, ist laut Wissenschaftlern nicht weniger als 27.000 Jahre alt. Das in Frankreich in der Villonner-Höhle entdeckte „Portrait“ ist mit Kreide angefertigt, aber die Umrisse des Gesichts sind deutlich sichtbar: Augen, Nase, Mund.

Aber Äußerliche Ähnlichkeit ist nicht die einzige und vielleicht nicht die wichtigste Eigenschaft eines Porträts . Ein echter Porträtmaler beschränkt sich nicht darauf, die äußeren Merkmale seines Modells zu reproduzieren, er strebt danach vermitteln die Eigenschaften ihres Charakters, offenbaren ihre innere, geistige Welt . Es ist auch sehr wichtig, den sozialen Status der Porträtierten zu zeigen, um ein typisches Bild eines Vertreters einer bestimmten Epoche zu schaffen.
Als Gattung tauchte das Porträt vor mehreren Jahrtausenden in der antiken Kunst auf. Unter den Fresken des berühmten Palastes von Knossos, die von Archäologen bei Ausgrabungen auf der Insel Kreta gefunden wurden, gibt es eine Reihe malerischer Frauenbilder aus dem 16. Jahrhundert vor Christus. Obwohl die Forscher diese Bilder "Hofdamen" nannten, wissen wir nicht, wen die kretischen Meister zu zeigen versuchten - Göttinnen, Priesterinnen oder edle Damen in eleganten Kleidern.
Das berühmteste war das Porträt einer jungen Frau, die von Wissenschaftlern "Pariserin" genannt wurde. Wir sehen vor uns ein Profilbild (nach den Traditionen der Kunst dieser Zeit) einer jungen Frau, sehr kokett und nicht vernachlässigend auf Make-up, wie ihre dunkelumrandeten Augen und bunt geschminkten Lippen beweisen.
Die Künstler, die Freskoporträts ihrer Zeitgenossen schufen, vertieften sich nicht in die Eigenschaften der Modelle, und die äußere Ähnlichkeit dieser Bilder ist sehr relativ.

Im antiken Griechenland und im antiken Rom gab es keine Staffeleimalerei, daher drückte sich die Kunst der Porträtmalerei hauptsächlich in der Skulptur aus. Alte Meister schufen plastische Bilder von Dichtern, Philosophen, Militärführern und Politikern. Diese Arbeiten sind von Idealisierung geprägt, gleichzeitig finden sich darunter auch Bilder, die in ihren psychologischen Eigenschaften sehr genau sind.

Von großem Interesse sind die malerischen Porträts, die im 1.-4. Jahrhundert n. Chr. in Ägypten entstanden sind. Nach dem Fundort (die Gräber von Khavara nördlich von Kairo und die Nekropole der Oase Fayum, die unter den Ptolemäern Arsinoe hieß) heißen sie Fayum. Diese Bilder erfüllten rituelle und magische Funktionen. Sie erschienen in der hellenistischen Ära, als das alte Ägypten von den Römern erobert wurde. Diese auf Holzbrettern oder auf Leinwand gefertigten Porträtbilder wurden zusammen mit der Mumie in das Grab des Verstorbenen gelegt.

In den Fayum-Porträts sehen wir Ägypter, Syrer, Nubier, Juden, Griechen und Römer, die im 1.-4. Jahrhundert n. Chr. in Ägypten lebten. Vom alten Rom bis nach Ägypten kam der Brauch, auf Holztafeln gemalte Porträts der Besitzer sowie skulpturale Masken verstorbener Verwandter im Haus aufzubewahren.

“Bildnis eines jungen Römers”, frühes 3. Jh. n. Chr

Fayum-Porträts wurden in der für frühere Bilder besonders charakteristischen Tempera- oder Enkaustik-Technik erstellt. Enkaustik ist das Malen mit Farben, wobei das Hauptglied Wachs war. Die Künstler verwendeten geschmolzene Wachsfarben (Spuren solcher Farben blieben auf vielen Tafeln mit Porträtbildern erhalten). Eine solche Technik erforderte spezielle Techniken. Im Bereich der Wangen, des Kinns und der Nase wurde die Farbe in dichten Schichten aufgetragen, der Rest des Gesichts und der Haare wurde mit flüssigerer Farbe bemalt. Meister verwendeten für Porträts dünne Bretter aus Bergahorn (Maulbeerfeigenbaum) und libanesischer Zeder.

Zu den bekanntesten Encaustic-Porträts zählen das „Bildnis eines Mannes“ (zweite Hälfte des 1. Jahrhunderts n. Chr.) und das „Bildnis eines älteren Mannes“ (Ende des 1. Jahrhunderts n. Chr.), die Lebensbilder sind. In diesen Arbeiten fallen die gekonnte Licht- und Schattenmodellierung und die Verwendung von Farbreflexen auf. Wahrscheinlich durchliefen die uns unbekannten Meister, die die Porträts malten, die hellenistische Malschule. Zwei weitere Gemälde wurden auf die gleiche Weise ausgeführt - „Porträt eines Nubiers“ und ein schönes Frauenbild, das sogenannte. "Dame Alina" (2. Jahrhundert n. Chr.). Das letzte Porträt wird mit Pinsel und flüssiger Tempera auf Leinwand gemalt.

"Porträt eines Mannes" (zweite Hälfte des 1. Jahrhunderts n. Chr.)

"Porträt eines älteren Mannes" (Ende 1. Jh. n. Chr.)

"Bildnis eines Nubiers"

"Dame Alina" (2. Jahrhundert n. Chr.)

Im Mittelalter, als die Kunst der Kirche untergeordnet war, entstanden in der Malerei vor allem religiöse Bilder. Aber auch zu dieser Zeit malten einige Künstler psychologisch korrekte Porträts. Weit verbreitet waren Bilder von Spendern (Spendern, Kunden), die am häufigsten im Profil mit Blick auf Gott, die Madonna oder einen Heiligen gezeigt wurden.

Die Bilder der Spender hatten zweifellos eine äußerliche Ähnlichkeit mit den Originalen, gingen jedoch nicht über die ikonografischen Kanone hinaus und spielten in der Komposition eine untergeordnete Rolle. Die von der Ikone ausgehenden Profilbilder behielten ihre dominierende Stellung, auch als das Porträt anfing, eigenständige Bedeutung zu erlangen.

G. Bellini. Spenderportrait. Fragment

Wir können mit Sicherheit sagen, dass das Genre der Porträts im Mittelalter zurückging. In dieser Zeit war alles der Kirche untergeordnet. Durch strenge religiöse Regeln eingeschränkt, wandten sich Künstler selten dem Porträt zu, und wenn, dann konnte von einer realistischen Darstellung keine Rede sein.

Bereits im X-XII Jahrhundert begann sich jedoch das Porträtgenre zu entwickeln. Sie können bereits realistische Züge in den Gesichtern von Heiligen erkennen, Klarheit und Gewissheit in ihren Augen usw. Ein eindrucksvolles Beispiel für solch ein realistisches Porträt ist Giottos Arbeit an den Wänden der Scrovegni-Kapelle in Padua.

Die Blütezeit des Porträtgenres begann in der Renaissance, als der Hauptwert der Welt eine aktive und zielstrebige Person war, die in der Lage war, diese Welt zu verändern und sich gegen alle Widrigkeiten zu stellen.

Der Mensch ist das Zentrum des Universums und fähig, diese Welt zu verändern. Diese neue Ideologie gab der ältesten Gattung Auftrieb und befreite sie von den Fesseln der Kirche. Es erschienen Ganzgesichtsporträts, die Technik der Ölmalerei entstand. Schon die Struktur des Porträts änderte sich: Der Künstler platzierte seinen Helden nun nicht wie im Mittelalter vor einem bedingten Hintergrund, sondern in einem realistischen Interieur oder einer Landschaft.

Botticelli, Raffael, Tizian, Leonardo da Vinci – die größten Meister der Hochrenaissance – schufen neue künstlerische Ausdrucksmittel, mit deren Hilfe Porträts psychologischer wurden. Das berühmteste männliche Porträt dieser Zeit ist also das Werk von Raffaels Baldassare Castiglione.

Im 15. Jahrhundert begannen Künstler, eigenständige Porträts zu schaffen, die Modelle vor dem Hintergrund majestätischer Panoramalandschaften zeigten. So ist das „Portrait of a Boy“ von B. Pinturicchio.

„Porträt eines Jungen“ von B. Pinturicchio

Das Vorhandensein von Naturfragmenten in den Porträts schafft jedoch keine Integrität, Einheit einer Person und der Welt um sie herum, die Person, die porträtiert wird, scheint die natürliche Landschaft zu verdecken. Nur in Porträts des 16. Jahrhunderts taucht Harmonie auf, eine Art Mikrokosmos.

Ab Mitte des 15. Jahrhunderts. Nicht nur die Ehefrauen von Herrschern und ihren Verwandten, sondern auch die Ehefrauen von Kaufleuten und wohlhabenden Handwerkern werden zu Vorbildern florentinischer Porträtmaler. Hohe Kunst geht über die Paläste hinaus.

Renaissanceporträts unterscheiden sich von heutigen Porträts vor allem dadurch, dass ihnen der psychologische Aspekt fehlt, der für die moderne Porträtmalerei so charakteristisch ist. Das Renaissance-Porträt repräsentiert verschiedene Vorstellungen von der Persönlichkeit des Modells. Für Frauen ist dies in erster Linie der soziale Status und die Familienrolle von Ehefrau und Mutter.

Wenn man sich diese Porträts ansieht, kann man schließen, dass alle Florentinerinnen dieser Zeit lange Hälse, goldenes Haar, perlweiße Haut, strahlend blaue Augen und rosige Lippen und Wangen hatten. Diese Ähnlichkeit spiegelt den Kanon weiblicher Schönheit wider, der aus der Literatur hervorgegangen ist, insbesondere aus Petrarcas Sonette zu Ehren seiner geliebten Laura. Mit realer oder eingebildeter Schönheit ihrer Modelle zelebrieren Künstler ihre Tugenden – Bescheidenheit, Frömmigkeit, Keuschheit, die Haupteigenschaften einer Frau in einer patriarchalischen Gesellschaft. Tugend und Schönheit sind untrennbar miteinander verbunden.

Die auf dem Gemälde dargestellte junge Frau trägt ein exquisites Brokatkleid. Auf den ersten Blick handelt es sich um ein Brustbild, doch die Haltung der Frau lässt erahnen, dass sie an einer marmornen Fensterlaibung oder auf einem Balkon sitzt. Der strahlend blaue Himmel füllt fast den gesamten Hintergrund aus und kontrastiert mit den blassen Hauttönen, was zusätzliche Farbharmonie ins Portrait bringt.

Das Profil einer Frau wird mit einem Minimum an Details skizziert, gleichzeitig erreicht die Künstlerin eine unglaubliche Präsenzwirkung. Die Textur aus schwerem Stoff mit Goldstickerei betont den medaillonartigen Charakter des Gesamtbildes. Die entschiedene Verwendung gerader Linien und die Klarheit kontrastierender Farben gelten seit jeher als charakteristische Merkmale des Florentiner Stils.

Ende des 15. Jahrhunderts war die Werkstatt der Brüder Antonio und Piero Pollaiolo in Florenz sehr bekannt. Meister beschäftigten sich mit der Schaffung von Skulpturen, Schmuck und Malerei. Den grafischen Arbeiten wurde große Aufmerksamkeit geschenkt. Um 1450 war Antonio bereits ein bekannter Goldschmied, und auch seine feinen Bronzeskulpturen sind bekannt. Laut den damaligen Dokumenten half Pierrot seinem Bruder bei der Erstellung einiger Gemälde. Gegenstand des Forscherstreits ist die Urheberschaft der von den Brüdern geschaffenen Frauenporträts.

Eine technische und stilistische Analyse der Werke führte zu dem Schluss, dass die Porträts in Berlin und Mailand Antonio zugeschrieben werden können, während der Urheber der in Florenz und New York aufbewahrten Werke Piero war. Antonios Porträts gehören zu den bedeutendsten Werken des Quattrocento in der Porträtgattung. Das gezeigte Bild ist eines der letzten weiblichen Profile, bald werden die Künstler damit beginnen, das Gesicht in einer Dreivierteldrehung darzustellen, was bereits charakteristisch für männliche Porträts geworden ist. Aber im Profil von Antonios Arbeit erfreut jede Nuance der Form, die die zarten Gesichtszüge einer jungen Frau modelliert, den Betrachter. Es gibt Experten, die glauben, dass dies das Werk von Domenico Veneziano ist. Ungeachtet dieser Ungewissheit ist dies eines der schönsten Porträts des späten Quattrocento.

In Nordeuropa dominierten bei Porträts sitzender Menschen Dreiviertelgesichter. Diese Anordnung des Modells, die sowohl für die psychologische Forschung als auch für die Kommunikation mit dem Betrachter vorteilhafter ist, wurde 1470 in Florenz in die Werke von Leonardo da Vinci übernommen.

Ginevra wird am Vorabend ihrer Hochzeit dargestellt und sieht viel älter als ihre sechzehn Jahre aus. Die Entstehungszeit des Porträts fällt mit dem Ende von Leonardos Lehrzeit bei Verrocchio zusammen. Es ist nicht verwunderlich, dass die Leinwand wie das Arbeitszimmer eines fleißigen Studenten aussieht.

Viele berühmte Meister der Renaissance wandten sich der Porträtmalerei zu, darunter Botticelli, Raffael und Leonardo da Vinci. Das größte Werk der Weltkunst war Leonardos berühmtes Meisterwerk – das Porträt „Mona Lisa“ („La Gioconda“, um 1503), in dem viele Porträtmaler nachfolgender Generationen ein Vorbild sahen.

Leonardo da Vinci „Mona Lisa“ („La Gioconda“, um 1503)

Während der Renaissance wandten sich viele Künstler, die Altar- und mythologische Kompositionen schufen, dem Porträtgenre zu. Die psychologischen Porträts des niederländischen Malers Jan van Eyck (Timotheus, 1432; Der Mann mit dem roten Turban, 1433) zeichnen sich durch ein tiefes Eindringen in die Innenwelt des Modells aus.

Jan van Eyck „Timotheus“, 1432

Jan van Eyck, Mann mit rotem Turban, 1433

Der anerkannte Meister der Porträtgattung war der deutsche Künstler Albrecht Dürer, dessen Selbstporträts noch heute das Publikum begeistern und Künstlern als Vorbild dienen.

Während der Renaissance tauchten in der europäischen Malerei verschiedene Formen der Porträtmalerei auf. Das Büstenporträt war damals sehr beliebt, obwohl auch Halbfiguren, Generationenbilder und Ganzkörperporträts auftauchten. Adelige Ehepaare bestellten Paarporträts, bei denen die Modelle auf verschiedenen Leinwänden dargestellt wurden, aber beide Kompositionen durch ein gemeinsames Konzept, eine gemeinsame Farbe und einen Landschaftshintergrund vereint waren.

Ein anschauliches Beispiel für gepaarte Porträts sind die Bilder des Herzogs und der Herzogin von Urbino (Federigo da Montefeltro und Battista Sforza, 1465), die vom italienischen Maler Piero della Francesca geschaffen wurden.

Piero della Francesca Federigo da Montefeltro und Battista Sforza, 1465

Auch Gruppenporträts waren weit verbreitet, wenn der Künstler mehrere Modelle auf einer Leinwand zeigte. Ein Beispiel für ein solches Werk ist „Portrait of Pope Paul III with Alessandro and Ottavio Farnese“ (1545-1546) von Tizian.

"Porträt von Papst Paul III. mit Alessandro und Ottavio Farnese" (1545-1546) von Tizian.

Eine große Rolle bei der Entwicklung des europäischen Porträtgenres spielte Tizian, der eine ganze Bildergalerie seiner Zeitgenossen schuf: Dichter, Wissenschaftler, Geistliche, Herrscher. In diesen Werken fungierte der große italienische Meister als subtiler Psychologe und ausgezeichneter Kenner der menschlichen Seele.

Tizian Vecellio "Selbstbildnis"

Tizian Vecellio „Bildnis eines Mannes (Ariosto)“

Entsprechend der Art des Bildes wurden Porträts in zeremonielle und intime unterteilt. Die ersten wurden mit dem Ziel geschaffen, die auf ihnen dargestellten Menschen zu erheben und zu verherrlichen. Zeremonielle Porträts wurden von den regierenden Personen und ihren Familienangehörigen, Höflingen und Geistlichen, die die oberen Sprossen der hierarchischen Leiter besetzten, bei berühmten Künstlern bestellt.
Die Maler schufen zeremonielle Porträts und porträtierten Männer in reichen, mit Gold bestickten Uniformen. Die Damen, die für den Künstler posierten, trugen die luxuriösesten Kleider und schmückten sich mit Juwelen. Der Hintergrund spielte bei solchen Porträts eine besondere Rolle. Die Meister malten ihre Modelle vor dem Hintergrund der Landschaft, architektonischen Elementen (Bögen, Säulen) und üppigen Vorhängen.
Der größte Meister des zeremoniellen Porträts war der Fleming P.P. Rubens, der an den Königshöfen vieler Staaten arbeitete. Seine edlen und wohlhabenden Zeitgenossen träumten davon, dass der Maler sie auf seinen Leinwänden festhalten würde. Rubens' maßgefertigte Porträts, die durch ihren Farbenreichtum und ihre zeichnerische Virtuosität auffallen, sind etwas idealisiert und kalt. Die Bilder von Verwandten und Freunden, die der Künstler für sich selbst geschaffen hat, sind voller warmer und aufrichtiger Gefühle, sie haben nicht den Wunsch, dem Modell zu schmeicheln, wie bei formellen Porträts für wohlhabende Kunden.

Rubens Schüler und Nachfolger war der talentierte flämische Maler A. van Dyck, der eine Galerie mit Porträtbildern seiner Zeitgenossen schuf: Wissenschaftler, Anwälte, Ärzte, Künstler, Kaufleute, Militärführer, Geistliche, Höflinge. Diese realistischen Bilder vermitteln auf subtile Weise die individuelle Einzigartigkeit der Modelle.

Van Dyck, Anthony - Familienporträt

Die Porträts van Dycks aus der Spätzeit, als der Künstler am Hofe des englischen Königs Charles arbeitete, sind künstlerisch weniger perfekt, weil Der Meister, der viele Aufträge erhielt, konnte sie nicht bewältigen und vertraute die Abbildung einiger Details seinen Assistenten an. Aber auch zu dieser Zeit malte van Dyck eine Reihe recht erfolgreicher Gemälde (Louvre-Porträt Karls I., um 1635; Drei Kinder Karls I., 1635).

A. van Dyck. Die drei Kinder Karls I., 1635, Königliche Sammlung, Schloss Windsor

Im 17. Jahrhundert nahm ein intimes (Kammer-)Porträt einen wichtigen Platz in der europäischen Malerei ein, dessen Zweck es war, den Geisteszustand einer Person, ihre Gefühle und Emotionen zu zeigen. Intime Porträts waren nicht so "kalt" wie Frontporträts. Der anerkannte Meister dieser Art von Porträts war der niederländische Künstler Rembrandt, der viele herzliche Bilder malte. Seine Vorbilder sind einfache Menschen, die weder Reichtum noch edle Gönner haben. Der Künstler versuchte, die wahren Qualitäten eines Menschen zu vermitteln - seine innere Essenz.

Rembrandt van Rijn - junger Mann

Rembrandt van Rijn "Porträt von Johannes Watenbogart."

„Bildnis einer alten Frau“ (1654), „Bildnis des Sohnes des lesenden Titus“ (1657), „Hendrikje Stoffels am Fenster“ (Bildnis der zweiten Frau des Künstlers, um 1659) sind von aufrichtiger Empfindung durchdrungen. Diese Werke präsentieren dem Betrachter gewöhnliche Menschen, die weder adelige Vorfahren noch Reichtum haben. Aber für Rembrandt, der eine neue Seite in der Geschichte des Porträtgenres aufgeschlagen hat, war es wichtig, die Freundlichkeit seines Modells, ihre wahrhaft menschlichen Qualitäten, zu vermitteln.

Frauenporträts in der italienischen Renaissancemalerei.

Portrait (franz. Porträt, von dem veralteten portraire - abbilden), ein Bild oder eine Beschreibung (z. B. in der Literatur) einer Person oder Personengruppe, die in der Realität existiert oder existiert hat.

In der bildenden Kunst gehört das Porträt zu den Hauptgattungen der Malerei, Skulptur, Grafik und Fotografie. Im Mittelpunkt des Porträtgenres steht ein Gedenkbeginn, der das Erscheinen einer bestimmten Person verewigt. Das wichtigste Kriterium bei der Porträtmalerei ist die Ähnlichkeit des Bildes mit der darzustellenden Person (Modell, Original). Die Ähnlichkeit im Porträt ergibt sich nicht nur aus der korrekten Übertragung der äußeren Erscheinung des Porträtierten, sondern auch aus der wahrheitsgetreuen Offenbarung seines seelischen Wesens in der Einheit individuell einzigartiger und typischer Merkmale, die ihm als Repräsentant einer Person innewohnen bestimmte historische Epoche, Nationalität, soziales Umfeld; Aufgrund der praktischen Unmöglichkeit eines Betrachters, ein Bild mit einem Porträtmodell zu vergleichen, wird jedoch häufig jedes individualisierte Bild einer Person genannt, wenn es das einzige oder zumindest das Hauptthema eines Kunstwerks ist.

Typischerweise zeigt ein Porträt das Gesicht eines zeitgenössischen Künstlers und wird direkt aus der Natur geschaffen. Gleichzeitig wurde eine Art Porträt gebildet, das eine Figur der Vergangenheit darstellt (historisches Porträt) und nach den Erinnerungen oder der Vorstellung des Meisters auf der Grundlage von Hilfsmaterial (literarisches, künstlerisches, dokumentarisches usw.) erstellt wurde. Sowohl im Portrait eines Zeitgenossen als auch im historischen Portrait geht mit einer objektiven Darstellung der Realität eine gewisse Beziehung zwischen Meister und Modell einher, die die eigene Weltanschauung, ästhetische Überzeugung usw. widerspiegelt. All dies, vermittelt in einer spezifischen individuellen künstlerischen Weise, bringt eine subjektive Autorenkolorierung in das Porträtbild ein. Historisch hat sich eine breite und facettenreiche Typologie des Porträts herausgebildet. В зависимости от назначения, специфики формы, характера исполнения различают портреты станковые (картины, бюсты, графические листы) и монументальные (скульптурные монументы, фрески, мозаики), парадные и интимные, погрудные, в полный рост, en face (анфас), в профиль usw. In verschiedenen Epochen verbreiteten sich Porträts auf Medaillen und Münzen (Medaillonkunst), auf Edelsteinen (Glyptik) und Porträtminiaturen. Entsprechend der Anzahl der Zeichen werden Porträts in einzelne, gepaarte (doppelte) und Gruppen unterteilt. Eine besondere Art des Porträts ist das Selbstporträt. Die Grenzen des Porträtgenres sind sehr variabel, und oft kann das Porträt selbst in einem Werk mit Elementen anderer Genres kombiniert werden. Dies sind das Porträtbild, in dem der Porträtierte in semantischem und inhaltlichem Zusammenhang mit der ihn umgebenden Dingwelt, der Natur, architektonischen Motiven und anderen Menschen (letzteres ist ein Gruppenporträtbild) dargestellt wird, und das Porträtbild. typ ist ein kollektives bild, ein strukturähnliches porträt, bei alltäglichen oder historischen genres interagiert das model (abgebildete konkrete person) oft mit fiktiven figuren. Ein Porträt kann die hohen spirituellen und moralischen Qualitäten einer Person offenbaren. Gleichzeitig steht ein Porträt für eine wahrheitsgemäße, manchmal gnadenlose Identifizierung der negativen Eigenschaften des Modells zur Verfügung (letzteres ist insbesondere mit einer Porträtkarikatur-Karikatur, einem satirischen Porträt, verbunden). Überhaupt vermag das Porträt neben der Übertragung der charakteristischen individuellen Merkmale eines Individuums die wichtigsten gesellschaftlichen Phänomene in der komplexen Verflechtung ihrer Widersprüche tief zu reflektieren.

Der Ursprung des Porträts reicht bis in die Antike zurück. Die ersten bedeutenden Beispiele für Porträts finden sich in der altorientalischen, hauptsächlich altägyptischen Skulptur. Dabei war der Zweck des Porträts vor allem kultischen, religiösen und magischen Aufgaben zuzuschreiben. Die Notwendigkeit der „Vervielfältigung“ des Modells (Porträt als Gegenstück im Jenseits) führte zur Projektion der individuellen Alleinstellungsmerkmale einer bestimmten Person auf den unpersönlichen kanonischen Bildtypus (der etwas Unveränderliches verkörpert). Im Laufe der Zeit vertieft sich der Inhalt des altägyptischen Porträts (insbesondere in menschlich vergeistigten Bildern der Ära des Neuen Reiches der Zeit von El-Amarna, 14. Jahrhundert v. Chr.). Im antiken Griechenland wurden während der Ära der Klassiker verallgemeinerte, idealisierte skulpturale Porträts von Dichtern, Philosophen und Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens geschaffen. Ab Ende des 5. Jh. BC e. Das antike griechische Porträt wird zunehmend individualisiert (das Werk des Demetrius von Alopeka, Lysippus) und tendiert während der hellenistischen Zeit (Ende des 4.-1. Jahrhunderts v. Chr.) Zur Dramatisierung des Bildes. Die hohe Blüte der antiken Bildhauerei erreicht das Porträt in der Kunst des antiken Roms. Die Entwicklung des antiken römischen Porträts war verbunden mit dem gesteigerten Interesse an einer bestimmten Person, mit der Erweiterung des Kreises der Porträtierten. Die Grundlage der künstlerischen Struktur vieler antiker römischer Porträts ist eine klare, manchmal gewissenhafte Übertragung der einzigartigen Merkmale des Modells bei gleichzeitiger Wahrung einer gewissen Einheit individueller und typischer Prinzipien. Während der Kaiserzeit wandten sich einzelne Meister einem idealisierenden, oft mythologisierten Porträt zu. In seinen besten Beispielen zeichnet sich das antike römische Porträt durch Vitalität und psychologische Ausdruckskraft der Merkmale aus. In der Zeit des Hellenismus und im antiken Rom waren neben Porträtbüsten und Statuen auch Porträts auf Münzen, Kameen etc., teilweise bildliche Porträts, weit verbreitet. Die frühesten erhaltenen Beispiele für Staffeleiporträts sind Fayum-Porträts (Ägypten, 1.-4. Jahrhundert). Weitgehend verbunden mit den Traditionen des alten orientalischen Porträts, mit religiösen und magischen Ideen, wurden die Fayum-Porträts unter dem Einfluss der antiken Kunst direkt aus dem Leben geschaffen, trugen eine ausgeprägte Ähnlichkeit mit einer bestimmten Person und in späteren Mustern eine spezifische Spiritualität .

Voller scharfer Widersprüche hat die vielseitige europäische mittelalterliche Kultur mit ihrem ihr innewohnenden ständigen Kampf zwischen spiritualistischen und spontan materialistischen Tendenzen einen besonderen Eindruck in der Entwicklung des Porträts hinterlassen. Der durch strenge Kirchenkanone eingeschränkte mittelalterliche Künstler wandte sich relativ selten dem Porträt zu, das persönliche Prinzip löste sich in seinem Verständnis in der religiösen Katholizität auf. Mittelalterliche Porträts sind in vielen Fällen ein integraler Bestandteil des architektonischen und künstlerischen Ensembles der Kirche; seine Vorbilder sind hauptsächlich Adelige - Herrscher, Familienmitglieder, enge Mitarbeiter, Spender. Das mittelalterliche Porträt in vielen seiner Muster ist unpersönlich, gleichzeitig haben einige gotische Skulpturen, Fresken und Mosaike der byzantinischen, russischen und anderen Kirchen West- und Osteuropas einen spirituellen Charakter, eine klare physiognomische Gewissheit. Der mittelalterliche Künstler stattet Heiligenbilder oft mit Merkmalen bestimmter Personen aus. Mittelalterliche chinesische Porträts (insbesondere aus der Song-Zeit, 10.-13. Jahrhundert) zeichnen sich durch große Konkretheit aus. Obwohl sie einem strengen typologischen Kanon unterworfen waren, schufen mittelalterliche chinesische Meister viele strahlend individualisierte weltliche Porträts, die oft Merkmale des Intellektualismus in Modellen enthüllen. Einige Porträts mittelalterlicher japanischer Maler und Bildhauer sind psychologisch geschärft. Hohe Muster von Porträtminiaturen wurden in der Ära des Feudalismus von Meistern aus Zentralasien, Aserbaidschan, Afghanistan (Kemaleddin Behzad), Iran (Reza Abbasi) und Indien geschaffen.

In der Renaissance findet eine weite Blüte der malerischen, skulpturalen und grafischen Porträtmalerei statt, die sich mit besonders großer Fülle in der Kunst Italiens manifestiert. Der humanistische Individualismus des Renaissancemenschen, der die Fesseln der Religion lockerte, fest an die Kraft der schöpferischen Persönlichkeit glaubte und sich selbst als „Maß aller Dinge“ betrachtete, erforderte eine völlig neue Struktur des Porträts. Die künstlerische Vision des Renaissance-Porträtisten idealisierte in vielen Fällen das Modell, aber es folgte sicherlich aus der Notwendigkeit, sein Wesen zu verstehen. Der Künstler stellte seinen Helden in einer bestimmten irdischen Umgebung dar und platzierte das Modell frei im Raum. Und das Modell tritt immer häufiger nicht vor einem bedingten, surrealen Hintergrund auf, wie es in der Kunst des Mittelalters der Fall war, sondern in Einheit mit einem realistisch interpretierten Interieur oder einer Landschaft, oft in direkter Live-Kommunikation mit fiktiven (mythologischen und evangelischen) Figuren. In monumentalen Gemälden stellt sich der Künstler unter anderem oft selbst dar. Alle diese Merkmale des Renaissance-Porträts wurden teilweise schon in den Porträts des Trecento (Giotto, Simone Martini) skizziert und im 15. Jahrhundert fest etabliert. (Monumental- und Staffeleimalerei von Masaccio, Andrea del Castagno, Domenico Veneziano, Domenico Ghirlandaio, Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Pinturicchio, Mantegna, Antonello da Messina, Gentile und Giovanni Bellini, Statuen von Donatello und Verrocchio, Staffeleiskulptur von Antonio Rossellino, Desiderio da Settignano, Mino da Fiesole, Benedetto da Maiano, A. Pisanello Medaillen). Der Renaissance-Anthropozentrismus kommt besonders hell in der Porträtarbeit der Meister der Hochrenaissance zum Ausdruck. Leonardo da Vinci, Raphael, Giorgione, Tizian, Tintoretto vertiefen den Inhalt von Porträtbildern weiter, verleihen ihnen die Kraft des Intellekts, ein Gefühl persönlicher Freiheit und spiritueller Harmonie, aktualisieren die künstlerischen Ausdrucksmittel erheblich (die Luftperspektive von Leonardo da Vinci, die koloristischen Entdeckungen von Tizian). Die höchsten Errungenschaften in Renaissance-Porträts sind mit der Arbeit der Niederländer verbunden (J. van Eyck, Robert Campin - der sogenannte flämische Meister, Rogier van der Weyden, H. van der Goes, Gertgen tot Sint-Jans, Luke of Leiden , K. Masseys, A. Mor) und deutsche (A. Dürer, L. Cranach der Ältere, H. Holbein der Jüngere) Meister des 15.-16. Jahrhunderts. Mit einer bekannten stilistischen Gemeinsamkeit mit den Porträts der italienischen Renaissance zeichnen sich ihre Werke durch eine größere spirituelle Schärfe der Merkmale und eine subjektive Genauigkeit des Bildes aus. Scheinen die Porträtmaler der italienischen Renaissance ihren Helden oft über die Welt zu erheben, so wird hier der Porträtierte oft als integraler Bestandteil des Universums dargestellt, organisch eingebunden in dessen unendlich komplexes System. Der Renaissance-Humanismus ist durchdrungen von subtiler Charakterisierung, eleganter Ausführung, malerischen, grafischen und skulpturalen Porträts der französischen Meister der Renaissance (J. Fuchs, J. und F. Clouet, Cornsle de Lyon, P. Bontand, J. Pilon). . In dieser Zeit entstanden in verschiedenen Ländern neue Formen der Gruppenmalerei: Hieratisch erstarrte Porträtgruppen des Mittelalters werden abgelöst von mehrfigurigen Kompositionen voll lebendiger, wirkungsvoller Verflechtung der Figuren. Die ersten bedeutenden Beispiele für Gruppen- und Paarporträts in Staffeleimalerei entstehen. Der Typus des historischen Porträts entwickelt sich in verschiedenen Formen: In der Kunst des Manierismus (16. Jahrhundert) verliert die Malerei die Klarheit der Renaissancebilder. Es offenbart Züge, die eine dramatisch verstörende Wahrnehmung der Widersprüche der Ära widerspiegeln. Die kompositorische Struktur des Porträts verändert sich. Sie zeichnen sich durch eine unterstrichene Schärfe und Reichhaltigkeit des spirituellen Ausdrucks aus. Dies ist in unterschiedlichem Maße charakteristisch für die Porträts der italienischen Meister Pontormo, Bronzino und des spanischen Malers El Greco.

Radikale soziale, ideologische und wissenschaftliche Veränderungen im Leben der westeuropäischen Länder im späten 16. und frühen 17. Jahrhundert. beeinflusste die Hinzufügung neuer Formen der Porträtmalerei. Seine Spezifität wird nun durch das veränderte Weltbild bestimmt, das mit dem von der Antike geerbten Anthropozentrismus der Renaissance brach. Die Krise harmonisch klarer Sichtweisen auf die Wirklichkeit geht einher mit einer Verkomplizierung der inneren Welt eines Menschen, seiner Wechselbeziehungen mit der Außenwelt und gleichzeitig einem unwiderstehlichen Verlangen nach einer tieferen, flexibleren und facettenreicheren Selbsterkenntnis, nach a breites Verständnis der Realität. All dies trägt dazu bei, im Porträt nach einer größeren Angemessenheit für das wahre Erscheinungsbild des Modells zu suchen und seine komplexe Natur zu enthüllen. Schlüsselpositionen im Porträt vom Anfang des 17. Jahrhunderts. ungeteilt zur Staffeleimalerei übergehen. Seine Höhepunkte werden bestimmt durch die Schaffenskraft der größten Meister des 17. Jahrhunderts, deren Bedeutung weit über die Grenzen der Epoche hinausreicht. Die große Eroberung des Porträts des 17. Jahrhunderts. ist seine tiefgreifende Demokratisierung, die am deutlichsten in Holland zum Ausdruck kommt. In vielen lebensnahen Porträts Rembrandts tauchen Menschenbilder unterschiedlichster sozialer Schichten, nationaler Altersgruppen auf, geprägt von größter Liebe zu einem Menschen, Verständnis für die innersten Tiefen seines Seelenlebens und moralischer Schönheit realistisches Porträt von F. Hals, das die wandelbare Beweglichkeit der Seele des Modells deutlich macht. Die für niederländische Porträtmaler charakteristische ungewöhnlich breite Anziehungskraft auf das Gruppenporträt ist mit der Stärkung bürgerlich-demokratischer Prinzipien im Leben des Landes verbunden. In den Porträtarbeiten des Spaniers D. Velasquez erscheinen verschiedene Facetten des menschlichen Charakters in der realistisch tiefen, verkörpernden Realität in ihrer Vielseitigkeit und Widersprüchlichkeit. Hals und Velazquez schaffen Porträts von Menschen aus Menschen, die die innere Würde, den Reichtum und die Komplexität ihrer spirituellen Welt offenbaren. Porträts des Hof- und Kirchenadels in den Werken von Velasquez und dem italienischen Bildhauer L. Bernini sind von großer Wahrhaftigkeit durchdrungen. Helle, vollblütige Naturen ziehen den größten flämischen Maler des 17. Jahrhunderts an. Porträts von P. Rubens, der auch die Komposition des eindringlich lyrischen Intimporträts beeinflusste Feine Ausdruckskraft der Charakteristiken kennzeichnete das virtuose Werk von P. Fleming A. van Dyck. Aufgewachsen im 17. Jahrhundert Das Streben der Künstler nach Selbstverwirklichung, die Behauptung einer schöpferischen Persönlichkeit tragen zur breiten und facettenreichen Entwicklung der Staffeleiformen des Selbstporträts bei (Rembrandt, der auf diesem Gebiet besondere Höhen erreichte, sein Landsmann K. Fabricius, van Dyck, französischer Maler N. Poussin). Realistische Tendenzen in der Kunst des 17. Jahrhunderts. erschien auch in der Porträtarbeit von V. Ghislandi in Italien, F. Zurbaran in Spanien, S. Cooper und J. Riley in England, F. de Champigne, M. Lenain und R. Nanteul in Frankreich. Eine bedeutende Aktualisierung der ideologischen und inhaltlichen Struktur des Porträts im 17. Jahrhundert. ging einher mit der Entwicklung seiner Ausdrucksmittel (eine überzeugende Übertragung der Licht-Luft-Umgebung durch Licht-Schatten-Kontraste, neue Schreibweisen mit dichten kurzen, manchmal getrennten Strichen), die dem Bild eine bis dahin unbekannte Lebendigkeit verleihen, u Mobilität zum Anfassen. Bewegung steht im Mittelpunkt der Komposition vieler Porträts des 17. Jahrhunderts; während der Ausdruckskraft der Gestik des Modells eine große Rolle zukommt. Der Handlungszusammenhang der Helden des Gruppenbildnisses wird entscheidend aktiviert, seine Tendenz zur Entwicklung zum Gruppenbildnis ist deutlich angedeutet. In einem Porträt aus dem 17. Jahrhundert Auch negative Tendenzen in der Kunst dieser Zeit spiegelten sich wider. In vielen zeremoniellen Porträts der Meister dieser Epoche durchbricht das realistische Figurenprinzip nur schwer die bekannte Konventionalität der Formen, die der Kunst des Barock innewohnt. Einige Porträts tragen eine offene Idealisierung eines hochrangigen Kunden (Werke des französischen Malers P. Mignard und des Bildhauers A. Coisevox sowie des englischen Malers P. Lely).

Bereits in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts. Viele Errungenschaften eines realistischen Porträts werden vergessen. Nicht nur der Aristokrat, auch der Bürger, der sich zunehmend als Herr des Lebens fühlt, fordert vom Porträt unbedingte Schmeichelei. In niederländischen Porträts wird Rembrandts lebensechte Wahrhaftigkeit durch zuckrige Sentimentalität, kalte Theatralik und bedingte Repräsentativität ersetzt. Das höfisch-aristokratische Porträt blüht besonders in Frankreich auf. Im 18. Jahrhundert Die offizielle Kunst zeigt zahlreiche Beispiele zeremonieller, fälschlicherweise idealisierender, oft "mythologisierter" Porträts (J. Nattier, F. G. Drouet), bei denen die dekorative Eleganz des Modells die Hauptrolle spielt. Gleichzeitig in der Kunst des 18. Jahrhunderts. ein neues realistisches Porträt entsteht und bejaht sich, in vielerlei Hinsicht verbunden mit den humanistischen Idealen der Aufklärung. In Frankreich ist es durch die scharf analytischen Bilder des Malers M. C. Latour, der Bildhauer J. A. Houdon und J. B. Pigalle, die raffinierten und intellektuellen Spätwerke von A. Watteau und die „Genre“-Porträts von J. B. S. Chardin voller Ausdruckskraft vertreten Lyrik und warme Pastelle von J. B. Perronneau, virtuos in der Ausführung mit lebensechten Porträts von O. Fragonard; in Großbritannien - scharf soziale, demokratische Porträtarbeiten von W. Hogarth. Frische realistische Tendenzen manifestieren sich in der Malerei in der zweiten Hälfte des 18. und frühen 19. Jahrhunderts besonders voll und tiefgehend, als so brillante Meister wie J. Reynolds und T. Gainsborough in Großbritannien und J. Stuart in den USA wirkten. Die von diesen Malern geschaffenen intimen und zeremoniellen Porträts zeichnen sich durch die Genauigkeit sozialer Merkmale, die Subtilität der psychologischen Analyse, die tiefe Offenlegung der inneren Welt und den Reichtum der Gefühle der dargestellten Personen aus.

In Russland zeigte sich im 17. Jahrhundert ein verstärktes Interesse am Porträt. im Zusammenhang mit dem wirtschaftlichen, politischen und kulturellen Wachstum des Landes. Parsuna ist weit verbreitet. Im 18. Jahrhundert Es gibt eine intensive Entwicklung des weltlichen russischen Porträts (Gemälde von I. N. Nikitin, A. M. Matveev, A. P. Antropov, I. P. Argunov, I. Ya. Vishnyakov), das am Ende des Jahrhunderts mit den höchsten Errungenschaften der modernen Welt gleichgesetzt wurde Porträt (Gemälde von F. S. Rokotov, D. G. Levitsky, V. L. Borovikovsky, Skulpturen von F. I. Shubin, Stiche von E. P. Chemesov).

Die Große Französische Revolution trug wesentlich zur Lösung neuer Aufgaben in der Gattung des Porträts bei. Seine Veranstaltungen wurden direkt von einer Reihe von Geschichten inspiriert, Porträtgemälden von J. L. David, die von Merkmalen des Klassizismus geprägt waren. Es wurde von David um die Jahrhundertwende vom 18. zum 19. Jahrhundert geschaffen. Eine umfangreiche Galerie mit Porträts von Vertretern verschiedener Gesellschaftsschichten, pointiert nach gesellschaftlichen Merkmalen, offenbarte viele bedeutende Aspekte der Zeit anschaulich und wahrheitsgetreu. Revolutionäre Befreiungsideen spiegelten sich in den äußerst realistischen Porträts des Spaniers F. Goya wider und legten den Grundstein für eine kritische Linie im Genre des P. Leidenschaftlich emotionale Intimporträts und Selbstporträts von Goya sind im Grunde romantisch. Romantische Tendenzen entwickelten sich in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. in der Porträtarbeit der Maler T. Gericault und E. Delacroix, des Bildhauers F. Rude in Frankreich, der Maler O. A. Kiprensky, K. P. Bryullov und teilweise V. A. Tropinin in Russland, O. Runge in Deutschland. Mit ihnen entwickeln sich die Porträttraditionen des Klassizismus, gefüllt mit neuen Lebensinhalten (in Frankreich der Maler J. O. D. Ingres). Mit der Entstehung im 19. Jahrhundert ist der Name des Franzosen O. Daumier verbunden. die ersten bedeutenden Beispiele eines satirischen Porträts in Grafik und Skulptur.

Das Problem der sozialen Charakterisierung, der konsequenten Offenlegung der ethischen Verdienste eines Menschen durch seine Psychologie, wird im realistischen Porträt der Mitte und zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts auf neue und andere Weise gelöst. Die geografische Reichweite des Porträts erweitert sich noch mehr, es erscheinen eine Reihe seiner nationalen Schulen, eine Vielzahl von Stilrichtungen, die von verschiedenen kreativen Personen vertreten werden (G. Courbet in Frankreich; A. Menzel, V. Leibl in Deutschland; A. Stephens in Großbritannien, E. Werenschell in Norwegen, J. Matejko in Polen, M. Munkácsy in Ungarn, K. Manes in der Tschechoslowakei, T. Aikins in den USA).

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts wurden große Erfolge auf dem Gebiet der Porträtmalerei verzeichnet. die Arbeit russischer Meister, die mit der Stärkung demokratischer Tendenzen im Leben des Landes verbunden sind. Wanderer V.G. Perov, N. N. Ge, I. N. Kramskoy, N. A. Yaroshenko und insbesondere I. E. Repin erstellen eine Galerie mit Porträts prominenter Persönlichkeiten der nationalen Kultur. Die Bauernporträts von Perov, Kramskoy und Repin spiegeln das tiefe Interesse demokratischer Künstler an dem Repräsentanten des einfachen Volkes als einer bedeutenden Person voller reichem Innenleben wider. Russische Porträtmaler wenden sich oft dem Porträttyp zu, dessen Helden namenlose Vertreter sowohl des Volkes als auch der revolutionären Intelligenz sind, erstellen Muster von nachdrücklich anklagenden Porträts und führen das Porträtprinzip weitgehend in alltägliche und historische Genres ein (Gemälde von V. I. Surikov).

Mit der Geburt der Fotografie entsteht und entwickelt sich ein fotografisches Porträt unter dem starken Einfluss der Porträtmalerei, was wiederum die Suche nach neuen Formen der figurativen Struktur anregt, sowohl bildliche als auch skulpturale und grafische Porträts, die der Fotokunst nicht zugänglich sind.

Im letzten Drittel des 19. Jahrhunderts In Frankreich führten die Entdeckungen der Meister des Impressionismus und der ihnen nahestehenden Maler E. Manet, O. Renoir, E. Degas und des Bildhauers O. Rodin zu einer bedeutenden Erneuerung des ideologischen und künstlerischen Konzepts des Porträts. Im Mittelpunkt ihrer Porträtarbeit stehen von tiefem Humanismus durchdrungene Bilder, die die Variabilität des Aussehens und Verhaltens des Modells in einer ebenso wandelbaren Umgebung vermitteln. In unterschiedlichem Maße sind die Merkmale des Impressionismus den Porträts der Arbeit des Schweden A. Zorn, des Deutschen M. Lieberman, der Amerikaner J. M. Whistler und J. S. Sargent, des russischen Künstlers K. A. Korovin, inhärent. Das impressionistische Porträt steht in seiner Zielsetzung und figurativen Struktur im Gegensatz zum Porträtwerk des größten französischen Meisters des letzten Drittels des 19. Jahrhunderts. P. Cezanne, der versuchte, bestimmte stabile Eigenschaften des Modells in einem monumentalen und ganzheitlichen künstlerischen Bild auszudrücken. Gleichzeitig entstanden dramatische, nervös intensive Porträtarbeiten des Niederländers W. van Gogh, die die brennenden Probleme des moralischen und spirituellen Lebens des modernen Menschen tief reflektieren. Eine Art Prägung der künstlerischen Sprache des Porträts im späten 19. - frühen 20. Jahrhundert. erzwingt den "modernen" Stil, verleiht ihm eine lakonische Schärfe und verleiht dem Modell oft groteske Merkmale (Porträts von A. de Toulouse-Lautrec in Frankreich, E. Munch in Norwegen und anderen).

Im vorrevolutionären Russland erhält der Realismus eine neue Qualität in den akut psychologischen Porträts von V. A. Serov, die von tiefem sozialem Pathos erfüllt sind, in den Porträts von M. A. Vrubel, S. V. Malyutin, A. Ya. Golovina, in den sozial expressiven Porträttypen der Arbeiter von N. A. Kasatkin, das Werk des Bildhauers S. T. Konenkov, in den Porträts-Gemälden, die die Integrität der Volksnatur verherrlichen, von A. E. Arkhipov, B. M. Kustodieva, F. A. Malyavin, lyrisch intime Porträts im Werk von V. E. Borisov-Musatov, K. A. Somov, Z. E. Serebryakova. Andererseits findet sich in zahlreichen Beispielen von Salonporträts, Porträtarbeiten von Vertretern verschiedener "linker" Gruppierungen, eine scharfe Herabsetzung des Genres.

Im 20. Jahrhundert Besonders komplexe und widersprüchliche Tendenzen in der Kunst der neuen historischen Ära, der eskalierende Kampf zwischen demokratischen und bürgerlichen Kulturen, manifestierten sich im Genre des Porträts. Auf der Grundlage der Moderne entstehen Arbeiten, die sich der eigentlichen Spezifik eines Porträts entledigen, sich nachdrücklich von der realen Erscheinung des Modells entfernen und dessen Bild auf ein bedingtes, abstraktes Schema reduzieren. Im Gegensatz dazu wird im Porträt der geistigen Kraft und Schönheit des Menschen intensiv nach neuen realistischen Bestätigungsmitteln gesucht. Die realistischen Traditionen des Porträts setzen sich auf unterschiedliche Weise fort in der Grafik von K. Kollwitz in Deutschland, in der Malerei von W. Orpen und O. John in Großbritannien, in der Skulptur von A. Bourdelle, A. Maillol, Ch. Despiaux in Frankreich. Im Porträtwerk der größten westeuropäischen Meister des 20. Jahrhunderts. (P. Picasso, A. Matisse, A. Derain, J. Rouault, A. Modigliani in Frankreich, J. Gros, O. Dix, E. Barlach in Deutschland, O. Kokoschka in Österreich) koexistieren und manchmal widersprüchliche ideologische und künstlerische Tendenzen.

Bis Mitte des 20. Jahrhunderts die entwicklung des porträts wird immer komplexer, immer öfter von krisenmerkmalen geprägt. Der Verlust eines lebensbejahenden Prinzips durch ein Portrait geht mit einer bewussten Verzerrung (Deformation) der menschlichen Erscheinung einher. In verschiedenen Strömungen der Moderne verschwindet das Menschenbild praktisch. Fortschrittliche ausländische Meister (Maler R. Guttuso in Italien, H. Erni in der Schweiz, D. Rivera und D. Siqueiros in Mexiko, E. Wyeth in den USA, Saison Maeda in Japan; Bildhauer K. Dunikovsky in Polen, V. Aaltonen in Finnland, J. Manzu in Italien, D. Davidson und J. Epstein in den USA) haben die Traditionen der Welt des realistischen Porträts kreativ entwickelt und entwickeln sie weiter, bereichern sie mit neuen künstlerischen Entdeckungen und schaffen Bilder voller Lebenswahrheit und Humanismus Pathos. Die Positionen des gesellschaftlich tätigen, wesentlich demokratischen Realismus besetzen die Künstler der sozialistischen Länder: F. Kremer in der DDR, K. Baba in Rumänien, J. Kisfaludi-Strobl in Ungarn, D. Uzunov in Bulgarien und andere.

Das sowjetische Porträt ist eine qualitativ neue Etappe in der Geschichte der weltweiten Porträtkunst, einer der Hauptgattungen der sowjetischen bildenden Kunst, die durch all ihre charakteristischen Merkmale gekennzeichnet ist. Im sowjetischen Porträt gibt es einen stetigen Trend zu seiner gleichmäßigen Entwicklung in allen wichtigen Arten der bildenden Kunst. Das Porträtbild wird zunehmend in das Handlungsbild, die monumentale Skulptur, das Plakat, die satirische Grafik usw. einbezogen. Das sowjetische Porträt ist multinational; Er nahm sowohl die Traditionen der westeuropäischen und russischen realistischen Porträtmalerei als auch die Errungenschaften vieler Porträtmaler des 19. und 20. Jahrhunderts auf, die verschiedene Völker der UdSSR repräsentierten. Der Hauptinhalt des sowjetischen Porträts ist das Bild eines neuen Menschen, des Erbauers des Kommunismus, des Trägers solcher geistigen Qualitäten wie Kollektivismus, sozialistischer Humanismus, Internationalismus, revolutionäre Zielstrebigkeit. Die Hauptfigur des sowjetischen Porträts ist der Vertreter des Volkes. Es gibt Porträttypen und Porträtbilder, die neue Phänomene im Arbeits- und Gesellschaftsleben des Landes widerspiegeln (Werke von I. D. Shadr, G. G. Ryazhsky, A. N. Samokhvalov, S. V. Gerasimov, S. A. Chuikov) . Zusammen mit den Porträtbildern der sowjetischen Intelligenz, die von Meistern wie Malyutin, K. S. Petrov-Vodkin, M. V. Nesterov, P. D. Korin, I. E. Grabar, P. P. Konchalovsky, M. S. Saryan, S. M. Agadzhanyan, K. K. Magalashvili, T. T. Salakhov, L. Muuga, Bildhauer Konenkov, V. I. Mukhina, S. D. Lebedeva. T. Zalkaln, L. Davydova-Medene, Grafiker V. A. Favorsky, G. S. Vereisky, E. Einmann, lebensechte Porträts von Arbeitern, Soldaten der Sowjetarmee erscheinen (Skulptur von E. V. Vuchetich, N. V. Tomsky, G. G. Chubaryan, Gemälde von A. A. Shovkunenko, V. P. Efanov, I. A. Serebryany, Zeichnung von F. Paulyuk) und Kollektivbauern (Gemälde von A. A. Plastov, A. Gudaitis, I. N. Klychev) . Auf einer neuen ideologischen und künstlerischen Grundlage entstehen Gruppenporträts (Werke von A. M. Gerasimov, Korin, D. D. Zhilinsky). Historische und insbesondere historisch-revolutionäre Porträts der Herren der Unionsrepubliken ("Leniniana" von N. A. Andreev, Werke von I. I. Brodsky, Vl. A. Serov, V. I. Kasiyan, Ya. I. Nikoladze). Das sowjetische Porträt, das sich im Einklang mit der einheitlichen ideologischen und künstlerischen Methode des sozialistischen Realismus entwickelt, zeichnet sich durch die Vielfalt der kreativen Persönlichkeiten seiner Meister, den Reichtum an künstlerischen Methoden und Themenlösungen und die mutige Suche nach neuen Ausdrucksmitteln aus.