परीक्षा सार

विषय:"कला में एक प्रवृत्ति के रूप में रोमांटिकवाद"।

प्रदर्शन किया छात्र 11 "बी" कक्षा माध्यमिक विद्यालय नंबर 3

बोईप्रव अन्ना

विश्व कला शिक्षक

संस्कृति बुत्सु टी.एन.

ब्रेस्ट, 2002

1. परिचय

2. स्वच्छंदतावाद के कारण

3. रूमानियत की मुख्य विशेषताएं

4. रोमांटिक हीरो

5. रूस में स्वच्छंदतावाद

क) साहित्य

बी) पेंटिंग

ग) संगीत

6. पश्चिमी यूरोपीय रूमानियत

एक पेंटिंग

बी) संगीत

सात निष्कर्ष

8. सन्दर्भ

1। परिचय

यदि आप रूसी भाषा के व्याख्यात्मक शब्दकोश में देखते हैं, तो आप "रोमांटिकवाद" शब्द के कई अर्थ पा सकते हैं: 1. 1 9वीं शताब्दी की पहली तिमाही के साहित्य और कला में एक प्रवृत्ति, अतीत के आदर्शीकरण द्वारा विशेषता, अलगाव वास्तविकता से, व्यक्तित्व और मनुष्य का पंथ। 2. साहित्य और कला में एक दिशा, आशावाद से प्रभावित और ज्वलंत छवियों में मनुष्य के उच्च उद्देश्य को दिखाने की इच्छा। 3. वास्तविकता के आदर्शीकरण, स्वप्निल चिंतन से प्रभावित मन की स्थिति।

जैसा कि परिभाषा से देखा जा सकता है, रूमानियत एक ऐसी घटना है जो न केवल कला में, बल्कि व्यवहार, कपड़ों, जीवन शैली, लोगों के मनोविज्ञान में भी प्रकट होती है और जीवन में महत्वपूर्ण क्षणों में होती है, इसलिए रोमांटिकतावाद का विषय आज भी प्रासंगिक है। हम सदी के मोड़ पर रहते हैं, हम एक संक्रमणकालीन अवस्था में हैं। इस संबंध में, समाज में भविष्य में अविश्वास है, आदर्शों में अविश्वास है, अपने स्वयं के अनुभवों की दुनिया में आसपास की वास्तविकता से बचने और साथ ही इसे समझने की इच्छा है। यह ऐसी विशेषताएं हैं जो रोमांटिक कला की विशेषता हैं। इसलिए मैंने शोध के लिए "कला में एक प्रवृत्ति के रूप में रोमांटिकवाद" विषय को चुना।

स्वच्छंदतावाद विभिन्न प्रकार की कलाओं की एक बहुत बड़ी परत है। मेरे काम का उद्देश्य विभिन्न देशों में रूमानियत के उद्भव और उद्भव के कारणों का पता लगाना है, साहित्य, चित्रकला और संगीत जैसे कला रूपों में रोमांटिकतावाद के विकास की जांच करना और उनकी तुलना करना है। मेरे लिए मुख्य कार्य रोमांटिकतावाद की मुख्य विशेषताओं को उजागर करना था, सभी प्रकार की कलाओं की विशेषता, यह निर्धारित करना कि कला में अन्य प्रवृत्तियों के विकास पर रोमांटिकतावाद का क्या प्रभाव था।

विषय को विकसित करते समय, मैंने कला पर पाठ्यपुस्तकों का उपयोग किया, जैसे कि फिलिमोनोवा, वोरोटनिकोव, और अन्य, विश्वकोश प्रकाशन, रोमांटिकतावाद के युग के विभिन्न लेखकों को समर्पित मोनोग्राफ, अमिन्स्काया, अत्सर्किना, नेक्रासोवा और अन्य जैसे लेखकों की जीवनी सामग्री।

2. रोमांटिकवाद की उत्पत्ति के कारण

हम आधुनिकता के जितने करीब होते हैं, एक या दूसरी शैली के प्रभुत्व का समय उतना ही कम होता जाता है। 19वीं शताब्दी के 18वीं-18वीं तिहाई के अंत की समयावधि। रोमांटिकतावाद का युग माना जाता है (फ्रांसीसी रोमांटिक से; कुछ रहस्यमय, अजीब, असत्य)

एक नई शैली के उद्भव को किसने प्रभावित किया?

ये तीन मुख्य घटनाएं हैं: महान फ्रांसीसी क्रांति, नेपोलियन युद्ध, यूरोप में राष्ट्रीय मुक्ति आंदोलन का उदय।

पेरिस की गड़गड़ाहट पूरे यूरोप में गूँज उठी। "स्वतंत्रता, समानता, बंधुत्व!" का नारा सभी यूरोपीय लोगों के लिए एक जबरदस्त आकर्षण था। बुर्जुआ समाजों के गठन के साथ, मजदूर वर्ग ने सामंती व्यवस्था के खिलाफ एक स्वतंत्र शक्ति के रूप में कार्य करना शुरू कर दिया। तीन वर्गों के विरोधी संघर्ष - कुलीन वर्ग, पूंजीपति वर्ग और सर्वहारा वर्ग - ने 19वीं शताब्दी के ऐतिहासिक विकास का आधार बनाया।

नेपोलियन के भाग्य और 2 दशकों, 1796-1815 के यूरोपीय इतिहास में उनकी भूमिका ने समकालीनों के दिमाग पर कब्जा कर लिया। "विचारों का शासक" - ए.एस. ने उसके बारे में बात की। पुश्किन।

फ्रांस के लिए, ये महानता और गौरव के वर्ष थे, हालांकि हजारों फ्रांसीसी लोगों के जीवन की कीमत पर। इटली ने नेपोलियन को अपने मुक्तिदाता के रूप में देखा। डंडे को उससे बहुत उम्मीदें थीं।

नेपोलियन ने फ्रांसीसी पूंजीपति वर्ग के हितों में अभिनय करने वाले एक विजेता के रूप में काम किया। यूरोपीय सम्राटों के लिए, वह न केवल एक सैन्य विरोधी था, बल्कि पूंजीपति वर्ग की विदेशी दुनिया का प्रतिनिधि भी था। वे उससे नफरत करते थे। नेपोलियन युद्धों की शुरुआत में, उनकी "महान सेना" में क्रांति में कई प्रत्यक्ष भागीदार थे।

स्वयं नेपोलियन का व्यक्तित्व भी अद्भुत था। युवक लेर्मोंटोव ने नेपोलियन की मृत्यु की 10 वीं वर्षगांठ पर प्रतिक्रिया दी:

वह दुनिया के लिए अजनबी है। उसके बारे में सब कुछ एक रहस्य था।

उत्कर्ष का दिन - और घंटे का पतन!

इस रहस्य ने विशेष रूप से रोमांटिक लोगों का ध्यान आकर्षित किया।

नेपोलियन के युद्धों और राष्ट्रीय आत्म-चेतना की परिपक्वता के संबंध में, इस अवधि को राष्ट्रीय मुक्ति आंदोलन के उदय की विशेषता है। जर्मनी, ऑस्ट्रिया, स्पेन ने नेपोलियन के कब्जे के खिलाफ लड़ाई लड़ी, इटली - ऑस्ट्रियाई जुए के खिलाफ, ग्रीस - तुर्की के खिलाफ, पोलैंड में वे रूसी ज़ारवाद के खिलाफ लड़े, आयरलैंड - अंग्रेजों के खिलाफ।

एक पीढ़ी की आंखों के सामने आश्चर्यजनक परिवर्तन हुए।

फ्रांस ने सबसे अधिक देखा: फ्रांसीसी क्रांति की अशांत पांचवीं वर्षगांठ, रोबेस्पिएरे का उत्थान और पतन, नेपोलियन अभियान, नेपोलियन का पहला त्याग, एल्बा द्वीप ("सौ दिन") से उसकी वापसी और अंतिम

वाटरलू में हार, बहाली शासन की उदास 15 वीं वर्षगांठ, 1860 की जुलाई क्रांति, पेरिस में 1848 की फरवरी क्रांति, जिसने अन्य देशों में क्रांतिकारी लहर पैदा की।

इंग्लैंड में, XIX सदी के उत्तरार्ध में औद्योगिक क्रांति के परिणामस्वरूप। मशीन उत्पादन और पूंजीवादी संबंध स्थापित हुए। 1832 के संसदीय सुधार ने पूंजीपति वर्ग के लिए राज्य सत्ता में आने का रास्ता साफ कर दिया।

जर्मनी और ऑस्ट्रिया की भूमि में, सामंती शासकों ने सत्ता बरकरार रखी। नेपोलियन के पतन के बाद, उन्होंने विपक्ष के साथ कठोर व्यवहार किया। लेकिन जर्मन धरती पर भी, 1831 में इंग्लैंड से लाया गया भाप इंजन, बुर्जुआ प्रगति का कारक बन गया।

औद्योगिक क्रांतियों, राजनीतिक क्रांतियों ने यूरोप का चेहरा बदल दिया। जर्मन वैज्ञानिक मार्क्स और एंगेल्स ने 1848 में लिखा था, "बुर्जुआ वर्ग ने अपने वर्ग प्रभुत्व के सौ वर्षों से भी कम समय में पिछली सभी पीढ़ियों की तुलना में अधिक असंख्य और भव्य उत्पादक शक्तियों का निर्माण किया।"

इसलिए, महान फ्रांसीसी क्रांति (1789-1794) ने एक विशेष मील का पत्थर चिह्नित किया जो नए युग को प्रबुद्धता के युग से अलग करता है। न केवल राज्य के रूप, समाज की सामाजिक संरचना, वर्गों का संरेखण बदल गया। सदियों से प्रकाशित विचारों की पूरी व्यवस्था हिल गई थी। प्रबुद्धजनों ने वैचारिक रूप से क्रांति को तैयार किया। लेकिन वे इसके सभी परिणामों का पूर्वाभास नहीं कर सके। "कारण का राज्य" नहीं हुआ। क्रांति, जिसने व्यक्ति की स्वतंत्रता की घोषणा की, ने बुर्जुआ व्यवस्था, अधिग्रहण और स्वार्थ की भावना को जन्म दिया। कलात्मक संस्कृति के विकास का ऐसा ऐतिहासिक आधार था, जिसने एक नई दिशा - रूमानियत को आगे बढ़ाया।

3. रोमांटिकवाद की मुख्य विशेषताएं

कलात्मक संस्कृति में एक विधि और दिशा के रूप में स्वच्छंदतावाद एक जटिल और विवादास्पद घटना थी। हर देश में उनकी एक उज्ज्वल राष्ट्रीय अभिव्यक्ति थी। साहित्य, संगीत, चित्रकला और रंगमंच में ऐसी विशेषताओं को खोजना आसान नहीं है जो चेटौब्रिआंड और डेलाक्रोइक्स, मिकीविक्ज़ और चोपिन, लेर्मोंटोव और किप्रेंस्की को एकजुट करती हैं।

रोमानी लोगों ने समाज में विभिन्न सामाजिक और राजनीतिक पदों पर कब्जा कर लिया। उन सभी ने बुर्जुआ क्रांति के परिणामों के खिलाफ विद्रोह किया, लेकिन उन्होंने अलग-अलग तरीकों से विद्रोह किया, क्योंकि प्रत्येक का अपना आदर्श था। लेकिन कई चेहरों और विविधता के साथ, रोमांटिकतावाद में स्थिर विशेषताएं हैं।

आधुनिक समय में निराशा ने एक विशेष को जन्म दिया अतीत में रुचि: पूर्व-बुर्जुआ सामाजिक संरचनाओं के लिए, पितृसत्तात्मक पुरातनता के लिए। कई रोमांटिक लोगों को इस विचार की विशेषता थी कि दक्षिण और पूर्व के देशों - इटली, स्पेन, ग्रीस, तुर्की के सुरम्य विदेशीवाद - उबाऊ बुर्जुआ रोजमर्रा की जिंदगी के लिए एक काव्यात्मक विपरीत है। इन देशों में, तब भी सभ्यता से बहुत कम प्रभावित थे, रोमांटिक लोग उज्ज्वल, मजबूत पात्रों, एक मूल, रंगीन जीवन शैली की तलाश में थे। राष्ट्रीय अतीत में रुचि ने कई ऐतिहासिक कार्यों को जन्म दिया।

किसी तरह होने के गद्य से ऊपर उठने के प्रयास में, व्यक्ति की विविध क्षमताओं को मुक्त करने के लिए, रचनात्मकता में खुद को अधिकतम रूप से महसूस करने के लिए, रोमांटिक लोगों ने कला की औपचारिकता और इसके लिए सीधे तौर पर विवेकपूर्ण दृष्टिकोण का विरोध किया, जो कि क्लासिकवाद की विशेषता है। वे सभी . से आए हैं प्रबुद्धता का खंडन और क्लासिकवाद के तर्कवादी सिद्धांत,जिसने कलाकार की रचनात्मक पहल को बांध दिया। और अगर क्लासिकवाद सब कुछ एक सीधी रेखा में, अच्छे और बुरे में, काले और सफेद में विभाजित करता है, तो रोमांटिकवाद एक सीधी रेखा में कुछ भी नहीं विभाजित करता है। शास्त्रीयतावाद एक प्रणाली है, लेकिन रूमानियत नहीं है। स्वच्छंदतावाद ने आधुनिक समय की उन्नति को शास्त्रीयता से भावुकता की ओर अग्रसर किया, जो एक व्यक्ति के आंतरिक जीवन को विशाल दुनिया के साथ सामंजस्य में दर्शाता है। और रूमानियतवाद आंतरिक दुनिया में सामंजस्य का विरोध करता है। रूमानियत के साथ ही वास्तविक मनोविज्ञान प्रकट होने लगता है।

रूमानियत का मुख्य कार्य था आंतरिक दुनिया की छविआध्यात्मिक जीवन, और यह कहानियों, रहस्यवाद, आदि की सामग्री पर किया जा सकता है। इस आंतरिक जीवन के विरोधाभास, इसकी अतार्किकता को दिखाना आवश्यक था।

अपनी कल्पना में, रोमांटिक लोगों ने अनाकर्षक वास्तविकता को बदल दिया या अपने अनुभवों की दुनिया में चले गए। स्वप्न और वास्तविकता के बीच की खाई, वस्तुनिष्ठ वास्तविकता के लिए सुंदर कल्पना का विरोध, पूरे रोमांटिक आंदोलन के केंद्र में था।

स्वच्छंदतावाद ने पहली बार कला की भाषा की समस्या प्रस्तुत की है। “कला प्रकृति से बहुत भिन्न प्रकार की भाषा है; लेकिन इसमें वही चमत्कारी शक्ति भी शामिल है जो मानव आत्मा को गुप्त रूप से और अतुलनीय रूप से प्रभावित करती है ”(वेकेनरोडर और टाईक)। एक कलाकार प्रकृति की भाषा का दुभाषिया होता है, जो आत्मा और लोगों की दुनिया के बीच मध्यस्थ होता है। "कलाकारों के लिए धन्यवाद, मानवता एक संपूर्ण व्यक्तित्व के रूप में उभरती है। आधुनिकता के माध्यम से कलाकार अतीत की दुनिया को भविष्य की दुनिया से जोड़ते हैं। वे सर्वोच्च आध्यात्मिक अंग हैं जिसमें उनकी बाहरी मानवता की महत्वपूर्ण शक्तियां एक दूसरे से मिलती हैं, और जहां आंतरिक मानवता सबसे पहले प्रकट होती है" (एफ। श्लेगल)।

XIX सदी की शुरुआत - रूस में सांस्कृतिक और आध्यात्मिक उत्थान का समय. यदि आर्थिक और सामाजिक-राजनीतिक विकास में रूस उन्नत यूरोपीय राज्यों से पिछड़ गया, तो सांस्कृतिक उपलब्धियों में यह न केवल उनके साथ तालमेल रखता था, बल्कि अक्सर उनसे आगे निकल जाता था। 19वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में रूसी संस्कृति का विकास पिछली बार के परिवर्तनों पर आधारित था। अर्थव्यवस्था में पूंजीवादी संबंधों के तत्वों के प्रवेश ने साक्षर और शिक्षित लोगों की आवश्यकता को बढ़ा दिया। शहर मुख्य सांस्कृतिक केंद्र बन गए।

सामाजिक प्रक्रियाओं में नए सामाजिक स्तर खींचे गए। संस्कृति रूसी लोगों की लगातार बढ़ती राष्ट्रीय आत्म-चेतना की पृष्ठभूमि के खिलाफ विकसित हुई और इस संबंध में, एक स्पष्ट राष्ट्रीय चरित्र था। साहित्य, रंगमंच, संगीत, दृश्य कला पर महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा 1812 का देशभक्ति युद्धजिसने अभूतपूर्व हद तक रूसी लोगों की राष्ट्रीय आत्म-चेतना के विकास, इसके समेकन को गति दी। रूस के अन्य लोगों के रूसी लोगों के साथ संबंध थे।

19वीं शताब्दी की शुरुआत को रूसी चित्रकला का स्वर्ण युग कहा जाता है। यह तब था जब रूसी कलाकार कौशल के स्तर पर पहुंच गए थे जिन्होंने अपने काम को यूरोपीय कला के सर्वोत्तम उदाहरणों के बराबर रखा था।

19वीं सदी की रूसी पेंटिंग के तीन नाम खुलते हैं - किप्रेंस्की , ट्रोपिनिन , वेनेत्सियानोव. हर किसी का एक अलग मूल होता है: एक नाजायज जमींदार, एक सर्फ़ और एक व्यापारी का वंशज। हर किसी की अपनी रचनात्मक आकांक्षा होती है - एक रोमांटिक, एक यथार्थवादी और एक "ग्राम गीतकार"।

ऐतिहासिक पेंटिंग के अपने शुरुआती जुनून के बावजूद, किप्रेंस्की को मुख्य रूप से एक उत्कृष्ट चित्रकार के रूप में जाना जाता है। हम कह सकते हैं कि XIX सदी की शुरुआत में। वह पहले रूसी चित्रकार बने। पुराने स्वामी, जो 18 वीं शताब्दी में प्रसिद्ध हो गए, अब उनका मुकाबला नहीं कर सकते थे: रोकोतोव की मृत्यु 1808 में हुई, लेवित्स्की, जो उन्हें 14 साल तक जीवित रहे, अब आंखों की बीमारी के कारण चित्रित नहीं किया गया, और बोरोविकोवस्की, जो कुछ जीवित नहीं थे डीसमब्रिस्टों के विद्रोह के महीनों पहले, बहुत कम काम किया।

किप्रेंस्की अपने समय के कलात्मक इतिहासकार बनने के लिए काफी भाग्यशाली थे। "चेहरे में इतिहास" को उनके चित्र माना जा सकता है, जो उन ऐतिहासिक घटनाओं में कई प्रतिभागियों को चित्रित करते हैं, जिनमें से वह एक समकालीन थे: 1812 के युद्ध के नायक, डिसमब्रिस्ट आंदोलन के प्रतिनिधि। पेंसिल ड्राइंग की तकनीक काम आई, जिसके प्रशिक्षण पर कला अकादमी में गंभीरता से ध्यान दिया गया। किप्रेंस्की ने, संक्षेप में, एक नई शैली बनाई - एक सचित्र चित्र।

किप्रेंस्की ने रूसी संस्कृति के आंकड़ों के कई चित्र बनाए, और निश्चित रूप से, उनमें से सबसे प्रसिद्ध पुश्किन है। इसे कमीशन किया गया था डेलविगा, कवि के एक गीतकार मित्र, 1827 में। समकालीनों ने मूल के साथ चित्र की अद्भुत समानता का उल्लेख किया। कवि की छवि को कलाकार ने रोजमर्रा की विशेषताओं से मुक्त किया है जो उसी वर्ष में चित्रित ट्रोपिनिन द्वारा पुश्किन के चित्र में निहित हैं। प्रेरणा के क्षण में कलाकार द्वारा अलेक्जेंडर सर्गेइविच को पकड़ लिया गया था, जब उन्हें एक काव्य संग्रह द्वारा दौरा किया गया था।

इटली की अपनी दूसरी यात्रा के दौरान मृत्यु ने कलाकार को पछाड़ दिया। हाल के वर्षों में, प्रसिद्ध चित्रकार के साथ बहुत कुछ ठीक नहीं हुआ है। रचनात्मक मंदी शुरू हुई। उनकी मृत्यु से कुछ समय पहले, उनका जीवन एक दुखद घटना से प्रभावित था: समकालीनों के अनुसार, कलाकार पर हत्या का झूठा आरोप लगाया गया था और वह घर छोड़ने से डरता था। यहां तक ​​कि अपने इतालवी शिष्य से शादी करने से भी उनके अंतिम दिन नहीं चमके।

कुछ ने रूसी चित्रकार का शोक मनाया जो एक विदेशी भूमि में मर गया। उन कुछ लोगों में जो वास्तव में समझ गए थे कि राष्ट्रीय संस्कृति ने किस तरह का गुरु खो दिया था, वह कलाकार अलेक्जेंडर इवानोव थे, जो उस समय इटली में थे। उन दुखद दिनों में, उन्होंने लिखा: किप्रेंस्की "यूरोप में रूसी नाम को ज्ञात करने वाले पहले व्यक्ति थे।"

ट्रोपिनिन ने एक उत्कृष्ट चित्रकार के रूप में रूसी कला के इतिहास में प्रवेश किया। उन्होंने कहा: "एक व्यक्ति का चित्र उसके करीबी लोगों की स्मृति के लिए चित्रित किया जाता है, जो उससे प्यार करते हैं।" समकालीनों के अनुसार, ट्रोपिनिन ने लगभग 3,000 चित्रों को चित्रित किया। क्या ऐसा है, कहना मुश्किल है। कलाकार के बारे में पुस्तकों में से एक में 212 सटीक रूप से पहचाने गए चेहरों की सूची है जिन्हें ट्रोपिनिन ने चित्रित किया था। उनके पास "पोर्ट्रेट ऑफ़ ए अननोन (अज्ञात)" नामक कई रचनाएँ भी हैं। ट्रोपिनिन को राज्य के गणमान्य व्यक्तियों, रईसों, योद्धाओं, व्यापारियों, छोटे अधिकारियों, सर्फ़ों, बुद्धिजीवियों और रूसी संस्कृति के आंकड़ों द्वारा पेश किया गया था। उनमें से: इतिहासकार करमज़िन, लेखक ज़ागोस्किन, कला समीक्षक ओडोएव्स्की, चित्रकार ब्रायलोव और ऐवाज़ोव्स्की, मूर्तिकार विटाली, वास्तुकार गिलार्डी, संगीतकार एल्याबयेव, अभिनेता शचेपकिन और मो-चालोव, नाटककार सुखोवो-कोबिलिन।

बेहतरीन कामों में से एक ट्रोपिनिना- बेटे का चित्र. मुझे कहना होगा कि XIX सदी की रूसी कला की "खोजों" में से एक। एक बच्चे का चित्र था। मध्य युग में, बच्चे को एक छोटे वयस्क के रूप में देखा जाता था जो अभी तक बड़ा नहीं हुआ था। बच्चों को ऐसे कपड़े भी पहनाए जाते थे जो वयस्कों से अलग नहीं थे: 18 वीं शताब्दी के मध्य में। लड़कियों ने फिजमा के साथ टाइट कोर्सेट और चौड़ी स्कर्ट पहनी थी। केवल XIX सदी की शुरुआत में। उन्होंने एक बच्चे में एक बच्चा देखा। ऐसा करने वाले पहले कलाकार थे। ट्रोपिनिन के चित्र में बहुत सरलता और स्वाभाविकता है। लड़का पोज नहीं दे रहा है। किसी चीज में दिलचस्पी थी, वह एक पल के लिए मुड़ा: उसका मुंह टूट गया था, उसकी आँखें चमक रही थीं। बच्चे का रूप आश्चर्यजनक रूप से आकर्षक और काव्यात्मक है। सुनहरे गुदगुदे बाल, खुला, बचकाना मोटा चेहरा, बुद्धिमान आँखों का जीवंत रूप। कोई भी महसूस कर सकता है कि कलाकार ने अपने बेटे के चित्र को किस प्रेम से चित्रित किया है।

ट्रोपिनिन ने दो बार सेल्फ-पोर्ट्रेट लिखे। बाद में, दिनांक 1846 में, कलाकार 70 वर्ष का है। उन्होंने अपने हाथों में एक पैलेट और ब्रश के साथ खुद को चित्रित किया, एक मस्तबेल पर झुका हुआ - चित्रकारों द्वारा इस्तेमाल की जाने वाली एक विशेष छड़ी। उसके पीछे क्रेमलिन का राजसी चित्रमाला है। अपने छोटे वर्षों में, ट्रोपिनिन के पास वीर शक्ति और अच्छी आत्माएं थीं। सेल्फ-पोर्ट्रेट को देखते हुए उन्होंने बुढ़ापे में भी अपने शरीर की ताकत को बरकरार रखा। चश्मे के साथ गोल चेहरा अच्छे स्वभाव को दर्शाता है। कलाकार की मृत्यु 10 साल बाद हुई, लेकिन उसकी छवि उसके वंशजों की याद में बनी रही - एक महान, दयालु व्यक्ति जिसने अपनी प्रतिभा से रूसी कला को समृद्ध किया।

वेनेत्सियानोव ने रूसी चित्रकला में किसान विषय की खोज की। वह अपने कैनवस पर अपनी मूल प्रकृति की सुंदरता दिखाने वाले रूसी कलाकारों में पहले व्यक्ति थे। कला अकादमी में परिदृश्य शैली को पसंद नहीं किया गया था। उन्होंने और भी अधिक घृणित - प्रतिदिन को पीछे छोड़ते हुए, महत्वपूर्ण स्थान पर कब्जा कर लिया। केवल कुछ ही उस्तादों ने प्रकृति को चित्रित किया, इतालवी या काल्पनिक परिदृश्यों को प्राथमिकता दी।

वेनेत्सियानोव के कई कार्यों में, प्रकृति और मनुष्य अविभाज्य हैं। वे एक किसान के रूप में भूमि, उसके उपहारों के साथ निकटता से जुड़े हुए हैं। उनकी सबसे प्रसिद्ध रचनाएँ - "हेमेकिंग", "कृषि योग्य भूमि पर। वसंत", "फसल पर। ग्रीष्मकाल" - कलाकार 20 के दशक में बनाता है। यह उनकी रचनात्मकता का शिखर था। रूसी कला में कोई भी किसान जीवन और किसानों के काम को इतने प्यार से और इतनी काव्यात्मक रूप से वेनेत्सियानोव के रूप में नहीं दिखा सका है। पेंटिंग "कृषि योग्य भूमि पर। वसंत" में एक महिला एक खेत को परेशान कर रही है। यह कठिन, थका देने वाला काम वेनेत्सियानोव के कैनवास पर उदात्त दिखता है: एक सुंदर सुंड्रेस और कोकेशनिक में एक किसान महिला। सुंदर चेहरे और लचीले शरीर के साथ, वह एक प्राचीन देवी की तरह दिखती हैं। एक हैरो से बंधे दो आज्ञाकारी घोड़ों की लगाम से आगे बढ़ते हुए, वह नहीं चलती, लेकिन ऐसा लगता है कि वह मैदान पर मंडरा रही है। चारों ओर का जीवन शांति से, मापा, शांति से बहता है। दुर्लभ पेड़ हरे हो जाते हैं, सफेद बादल आकाश में तैरते हैं, यह मैदान अंतहीन लगता है, जिसके किनारे पर एक बच्चा अपनी माँ की प्रतीक्षा में बैठा है।

पेंटिंग "इन द हार्वेस्ट। समर" पिछले एक को जारी रखती प्रतीत होती है। फसल पक चुकी है, खेत सुनहरी ठूंठ के कान हैं - यह फसल का समय है। अग्रभूमि में दरांती को अलग रखकर एक किसान महिला बच्चे को दूध पिला रही है। कलाकार के लिए आकाश, मैदान, उस पर काम करने वाले लोग अविभाज्य हैं। लेकिन फिर भी, उनके ध्यान का मुख्य विषय हमेशा एक व्यक्ति होता है।

वेनेत्सियानोवकिसानों के चित्रों की एक पूरी गैलरी बनाई। यह रूसी चित्रकला के लिए नया था। XVIII सदी में। लोगों के लोग, और इससे भी अधिक सर्फ़, कलाकारों के लिए बहुत कम रुचि रखते थे। कला इतिहासकारों के अनुसार, वेनेत्सियानोव रूसी चित्रकला के इतिहास में "रूसी लोक प्रकार को पकड़ने और फिर से बनाने" वाले पहले व्यक्ति थे। "रीपर्स", "गर्ल विद कॉर्नफ्लॉवर", "गर्ल विद ए बछड़ा", "स्लीपिंग शेफर्ड" वेनेत्सियानोव द्वारा अमर किए गए किसानों की अद्भुत छवियां हैं। कलाकार के काम में एक विशेष स्थान पर किसान बच्चों के चित्रों का कब्जा था। "ज़खरका" कितना अच्छा है - कंधे पर कुल्हाड़ी लिए एक बड़ी आंखों वाला, ठिठकने वाला, बड़े होंठ वाला लड़का! ज़खरका बचपन से ही काम करने के आदी एक ऊर्जावान किसान स्वभाव की पहचान करते हैं।

एलेक्सी गवरिलोविच ने न केवल एक कलाकार के रूप में, बल्कि एक उत्कृष्ट शिक्षक के रूप में भी अपनी अच्छी याददाश्त छोड़ी। सेंट पीटर्सबर्ग की अपनी एक यात्रा के दौरान, उन्होंने एक नौसिखिया कलाकार को एक छात्र के रूप में लिया, फिर दूसरा, एक तिहाई ... इस प्रकार, एक संपूर्ण कला विद्यालय उत्पन्न हुआ, जिसने वेनिस के नाम से कला के इतिहास में प्रवेश किया। एक चौथाई सदी से करीब 70 प्रतिभाशाली युवक इससे गुजरे हैं। वेनेत्सियानोव ने सर्फ़ कलाकारों को कैद से छुड़ाने की कोशिश की और अगर यह काम नहीं किया तो बहुत चिंतित थे। उनके छात्रों में सबसे प्रतिभाशाली - ग्रिगोरी सोरोका - को अपने जमींदार से कभी स्वतंत्रता नहीं मिली। वह दासता के उन्मूलन को देखने के लिए जीवित रहा, लेकिन, पूर्व मालिक की सर्वशक्तिमानता से निराशा से प्रेरित होकर, आत्महत्या कर ली।

वेनेत्सियानोव के कई छात्र उनके घर में पूरे वेतन पर रहते थे। उन्होंने विनीशियन पेंटिंग के रहस्यों को समझा: परिप्रेक्ष्य के नियमों का दृढ़ता से पालन, प्रकृति पर पूरा ध्यान। उनके विद्यार्थियों में कई प्रतिभाशाली स्वामी थे जिन्होंने रूसी कला में एक उल्लेखनीय छाप छोड़ी: ग्रिगोरी सोरोका, एलेक्सी टायरानोव, अलेक्जेंडर अलेक्सेव, निकिफोर क्रायलोव। "वेनेटियन" - प्यार से अपने पालतू जानवरों को बुलाते हैं।

इस प्रकार, यह तर्क दिया जा सकता है कि 19 वीं शताब्दी के पहले तीसरे में रूस के सांस्कृतिक विकास में तेजी से वृद्धि हुई और इस समय को रूसी चित्रकला का स्वर्ण युग कहा जाता है।

रूसी कलाकार कौशल के उस स्तर तक पहुँच गए हैं जो उनके कार्यों को यूरोपीय कला के सर्वोत्तम उदाहरणों के बराबर रखता है।

लोगों के पराक्रम का महिमामंडन, उनके आध्यात्मिक जागरण का विचार, सामंती रूस की विपत्तियों का निरूपण - ये 19 वीं शताब्दी की ललित कलाओं के मुख्य विषय हैं।

चित्रांकन में, रूमानियत की विशेषताएं - मानव व्यक्तित्व की स्वतंत्रता, उसका व्यक्तित्व, भावनाओं को व्यक्त करने की स्वतंत्रता - विशेष रूप से विशिष्ट हैं।

रूसी संस्कृति के आंकड़ों के कई चित्र, बच्चों के चित्र बनाए गए हैं। किसान विषय, परिदृश्य, जो देशी प्रकृति की सुंदरता को दर्शाता है, फैशन में आता है।

परीक्षा सार

विषय: "कला में एक प्रवृत्ति के रूप में रोमांटिकवाद"।

प्रदर्शन किया छात्र 11 "बी" कक्षा माध्यमिक विद्यालय नंबर 3

बोईप्रव अन्ना

विश्व कला शिक्षक

संस्कृति बुत्सु टी.एन.

ब्रेस्ट, 2002

1. परिचय

2. स्वच्छंदतावाद के कारण

3. रूमानियत की मुख्य विशेषताएं

4. रोमांटिक हीरो

5. रूस में स्वच्छंदतावाद

क) साहित्य

बी) पेंटिंग

ग) संगीत

6. पश्चिमी यूरोपीय रूमानियत

एक पेंटिंग

बी) संगीत

सात निष्कर्ष

8. सन्दर्भ

1। परिचय

यदि आप रूसी भाषा के व्याख्यात्मक शब्दकोश में देखते हैं, तो आप "रोमांटिकवाद" शब्द के कई अर्थ पा सकते हैं: 1. 1 9वीं शताब्दी की पहली तिमाही के साहित्य और कला में एक प्रवृत्ति, अतीत के आदर्शीकरण द्वारा विशेषता, अलगाव वास्तविकता से, व्यक्तित्व और मनुष्य का पंथ। 2. साहित्य और कला में एक दिशा, आशावाद से प्रभावित और ज्वलंत छवियों में मनुष्य के उच्च उद्देश्य को दिखाने की इच्छा। 3. वास्तविकता के आदर्शीकरण, स्वप्निल चिंतन से प्रभावित मन की स्थिति।

जैसा कि परिभाषा से देखा जा सकता है, रूमानियत एक ऐसी घटना है जो न केवल कला में, बल्कि व्यवहार, कपड़ों, जीवन शैली, लोगों के मनोविज्ञान में भी प्रकट होती है और जीवन में महत्वपूर्ण क्षणों में होती है, इसलिए रोमांटिकतावाद का विषय आज भी प्रासंगिक है। हम सदी के मोड़ पर रहते हैं, हम एक संक्रमणकालीन अवस्था में हैं। इस संबंध में, समाज में भविष्य में अविश्वास है, आदर्शों में अविश्वास है, अपने स्वयं के अनुभवों की दुनिया में आसपास की वास्तविकता से बचने और साथ ही इसे समझने की इच्छा है। यह ऐसी विशेषताएं हैं जो रोमांटिक कला की विशेषता हैं। इसलिए मैंने शोध के लिए "कला में एक प्रवृत्ति के रूप में रोमांटिकवाद" विषय को चुना।

स्वच्छंदतावाद विभिन्न प्रकार की कलाओं की एक बहुत बड़ी परत है। मेरे काम का उद्देश्य विभिन्न देशों में रूमानियत के उद्भव और उद्भव के कारणों का पता लगाना है, साहित्य, चित्रकला और संगीत जैसे कला रूपों में रोमांटिकतावाद के विकास की जांच करना और उनकी तुलना करना है। मेरे लिए मुख्य कार्य रोमांटिकतावाद की मुख्य विशेषताओं को उजागर करना था, सभी प्रकार की कलाओं की विशेषता, यह निर्धारित करना कि कला में अन्य प्रवृत्तियों के विकास पर रोमांटिकतावाद का क्या प्रभाव था।

विषय को विकसित करते समय, मैंने कला पर पाठ्यपुस्तकों का उपयोग किया, जैसे कि फिलिमोनोवा, वोरोटनिकोव, और अन्य, विश्वकोश प्रकाशन, रोमांटिकतावाद के युग के विभिन्न लेखकों को समर्पित मोनोग्राफ, अमिन्स्काया, अत्सर्किना, नेक्रासोवा और अन्य जैसे लेखकों की जीवनी सामग्री।

2. रोमांटिकवाद की उत्पत्ति के कारण

हम आधुनिकता के जितने करीब होते हैं, एक या दूसरी शैली के प्रभुत्व का समय उतना ही कम होता जाता है। 19वीं शताब्दी के 18वीं-18वीं तिहाई के अंत की समयावधि। रोमांटिकतावाद का युग माना जाता है (फ्रांसीसी रोमांटिक से; कुछ रहस्यमय, अजीब, असत्य)

एक नई शैली के उद्भव को किसने प्रभावित किया?

ये तीन मुख्य घटनाएं हैं: महान फ्रांसीसी क्रांति, नेपोलियन युद्ध, यूरोप में राष्ट्रीय मुक्ति आंदोलन का उदय।

पेरिस की गड़गड़ाहट पूरे यूरोप में गूँज उठी। "स्वतंत्रता, समानता, बंधुत्व!" का नारा सभी यूरोपीय लोगों के लिए एक जबरदस्त आकर्षण था। बुर्जुआ समाजों के गठन के साथ, मजदूर वर्ग ने सामंती व्यवस्था के खिलाफ एक स्वतंत्र शक्ति के रूप में कार्य करना शुरू कर दिया। तीन वर्गों के विरोधी संघर्ष - कुलीन वर्ग, पूंजीपति वर्ग और सर्वहारा वर्ग - ने 19वीं शताब्दी के ऐतिहासिक विकास का आधार बनाया।

नेपोलियन के भाग्य और 2 दशकों, 1796-1815 के यूरोपीय इतिहास में उनकी भूमिका ने समकालीनों के दिमाग पर कब्जा कर लिया। "विचारों का शासक" - ए.एस. ने उसके बारे में बात की। पुश्किन।

फ्रांस के लिए, ये महानता और गौरव के वर्ष थे, हालांकि हजारों फ्रांसीसी लोगों के जीवन की कीमत पर। इटली ने नेपोलियन को अपने मुक्तिदाता के रूप में देखा। डंडे को उससे बहुत उम्मीदें थीं।

नेपोलियन ने फ्रांसीसी पूंजीपति वर्ग के हितों में अभिनय करने वाले एक विजेता के रूप में काम किया। यूरोपीय सम्राटों के लिए, वह न केवल एक सैन्य विरोधी था, बल्कि पूंजीपति वर्ग की विदेशी दुनिया का प्रतिनिधि भी था। वे उससे नफरत करते थे। नेपोलियन युद्धों की शुरुआत में, उनकी "महान सेना" में क्रांति में कई प्रत्यक्ष भागीदार थे।

स्वयं नेपोलियन का व्यक्तित्व भी अद्भुत था। युवक लेर्मोंटोव ने नेपोलियन की मृत्यु की 10 वीं वर्षगांठ पर प्रतिक्रिया दी:

वह दुनिया के लिए अजनबी है। उसके बारे में सब कुछ एक रहस्य था।

उत्कर्ष का दिन - और घंटे का पतन!

इस रहस्य ने विशेष रूप से रोमांटिक लोगों का ध्यान आकर्षित किया।

नेपोलियन के युद्धों और राष्ट्रीय आत्म-चेतना की परिपक्वता के संबंध में, इस अवधि को राष्ट्रीय मुक्ति आंदोलन के उदय की विशेषता है। जर्मनी, ऑस्ट्रिया, स्पेन ने नेपोलियन के कब्जे के खिलाफ लड़ाई लड़ी, इटली - ऑस्ट्रियाई जुए के खिलाफ, ग्रीस - तुर्की के खिलाफ, पोलैंड में वे रूसी ज़ारवाद के खिलाफ लड़े, आयरलैंड - अंग्रेजों के खिलाफ।

एक पीढ़ी की आंखों के सामने आश्चर्यजनक परिवर्तन हुए।

फ्रांस ने सबसे अधिक देखा: फ्रांसीसी क्रांति की अशांत पांचवीं वर्षगांठ, रोबेस्पिएरे का उत्थान और पतन, नेपोलियन अभियान, नेपोलियन का पहला त्याग, एल्बा द्वीप ("सौ दिन") से उसकी वापसी और अंतिम

वाटरलू में हार, बहाली शासन की उदास 15 वीं वर्षगांठ, 1860 की जुलाई क्रांति, पेरिस में 1848 की फरवरी क्रांति, जिसने अन्य देशों में क्रांतिकारी लहर पैदा की।

इंग्लैंड में, XIX सदी के उत्तरार्ध में औद्योगिक क्रांति के परिणामस्वरूप। मशीन उत्पादन और पूंजीवादी संबंध स्थापित हुए। 1832 के संसदीय सुधार ने पूंजीपति वर्ग के लिए राज्य सत्ता में आने का रास्ता साफ कर दिया।

जर्मनी और ऑस्ट्रिया की भूमि में, सामंती शासकों ने सत्ता बरकरार रखी। नेपोलियन के पतन के बाद, उन्होंने विपक्ष के साथ कठोर व्यवहार किया। लेकिन जर्मन धरती पर भी, 1831 में इंग्लैंड से लाया गया भाप इंजन, बुर्जुआ प्रगति का कारक बन गया।

औद्योगिक क्रांतियों, राजनीतिक क्रांतियों ने यूरोप का चेहरा बदल दिया। जर्मन वैज्ञानिक मार्क्स और एंगेल्स ने 1848 में लिखा था, "बुर्जुआ वर्ग ने अपने वर्ग प्रभुत्व के सौ वर्षों से भी कम समय में पिछली सभी पीढ़ियों की तुलना में अधिक असंख्य और भव्य उत्पादक शक्तियों का निर्माण किया।"

इसलिए, महान फ्रांसीसी क्रांति (1789-1794) ने एक विशेष मील का पत्थर चिह्नित किया जो नए युग को प्रबुद्धता के युग से अलग करता है। न केवल राज्य के रूप, समाज की सामाजिक संरचना, वर्गों का संरेखण बदल गया। सदियों से प्रकाशित विचारों की पूरी व्यवस्था हिल गई थी। प्रबुद्धजनों ने वैचारिक रूप से क्रांति को तैयार किया। लेकिन वे इसके सभी परिणामों का पूर्वाभास नहीं कर सके। "कारण का राज्य" नहीं हुआ। क्रांति, जिसने व्यक्ति की स्वतंत्रता की घोषणा की, ने बुर्जुआ व्यवस्था, अधिग्रहण और स्वार्थ की भावना को जन्म दिया। कलात्मक संस्कृति के विकास का ऐसा ऐतिहासिक आधार था, जिसने एक नई दिशा - रूमानियत को आगे बढ़ाया।

3. रोमांटिकवाद की मुख्य विशेषताएं

कलात्मक संस्कृति में एक विधि और दिशा के रूप में स्वच्छंदतावाद एक जटिल और विवादास्पद घटना थी। हर देश में उनकी एक उज्ज्वल राष्ट्रीय अभिव्यक्ति थी। साहित्य, संगीत, चित्रकला और रंगमंच में ऐसी विशेषताओं को खोजना आसान नहीं है जो चेटौब्रिआंड और डेलाक्रोइक्स, मिकीविक्ज़ और चोपिन, लेर्मोंटोव और किप्रेंस्की को एकजुट करती हैं।

रोमानी लोगों ने समाज में विभिन्न सामाजिक और राजनीतिक पदों पर कब्जा कर लिया। उन सभी ने बुर्जुआ क्रांति के परिणामों के खिलाफ विद्रोह किया, लेकिन उन्होंने अलग-अलग तरीकों से विद्रोह किया, क्योंकि प्रत्येक का अपना आदर्श था। लेकिन कई चेहरों और विविधता के साथ, रोमांटिकतावाद में स्थिर विशेषताएं हैं।

आधुनिक समय में निराशा ने एक विशेष को जन्म दिया अतीत में रुचि: पूर्व-बुर्जुआ सामाजिक संरचनाओं के लिए, पितृसत्तात्मक पुरातनता के लिए। कई रोमांटिक लोगों को इस विचार की विशेषता थी कि दक्षिण और पूर्व के देशों - इटली, स्पेन, ग्रीस, तुर्की के सुरम्य विदेशीवाद - उबाऊ बुर्जुआ रोजमर्रा की जिंदगी के लिए एक काव्यात्मक विपरीत है। इन देशों में, तब भी सभ्यता से बहुत कम प्रभावित थे, रोमांटिक लोग उज्ज्वल, मजबूत पात्रों, एक मूल, रंगीन जीवन शैली की तलाश में थे। राष्ट्रीय अतीत में रुचि ने कई ऐतिहासिक कार्यों को जन्म दिया।

किसी तरह होने के गद्य से ऊपर उठने के प्रयास में, व्यक्ति की विविध क्षमताओं को मुक्त करने के लिए, रचनात्मकता में खुद को अधिकतम रूप से महसूस करने के लिए, रोमांटिक लोगों ने कला की औपचारिकता और इसके लिए सीधे तौर पर विवेकपूर्ण दृष्टिकोण का विरोध किया, जो कि क्लासिकवाद की विशेषता है। वे सभी . से आए हैं प्रबुद्धता का खंडन और क्लासिकवाद के तर्कवादी सिद्धांत,जिसने कलाकार की रचनात्मक पहल को बांध दिया। और अगर क्लासिकवाद सब कुछ एक सीधी रेखा में, अच्छे और बुरे में, काले और सफेद में विभाजित करता है, तो रोमांटिकवाद एक सीधी रेखा में कुछ भी नहीं विभाजित करता है। शास्त्रीयतावाद एक प्रणाली है, लेकिन रूमानियत नहीं है। स्वच्छंदतावाद ने आधुनिक समय की उन्नति को शास्त्रीयता से भावुकता की ओर अग्रसर किया, जो एक व्यक्ति के आंतरिक जीवन को विशाल दुनिया के साथ सामंजस्य में दर्शाता है। और रूमानियतवाद आंतरिक दुनिया में सामंजस्य का विरोध करता है। रूमानियत के साथ ही वास्तविक मनोविज्ञान प्रकट होने लगता है।

रूमानियत का मुख्य कार्य था आंतरिक दुनिया की छविआध्यात्मिक जीवन, और यह कहानियों, रहस्यवाद, आदि की सामग्री पर किया जा सकता है। इस आंतरिक जीवन के विरोधाभास, इसकी अतार्किकता को दिखाना आवश्यक था।

अपनी कल्पना में, रोमांटिक लोगों ने अनाकर्षक वास्तविकता को बदल दिया या अपने अनुभवों की दुनिया में चले गए। स्वप्न और वास्तविकता के बीच की खाई, वस्तुनिष्ठ वास्तविकता के लिए सुंदर कल्पना का विरोध, पूरे रोमांटिक आंदोलन के केंद्र में था।

स्वच्छंदतावाद ने पहली बार कला की भाषा की समस्या प्रस्तुत की है। “कला प्रकृति से बहुत भिन्न प्रकार की भाषा है; लेकिन इसमें वही चमत्कारी शक्ति भी शामिल है जो मानव आत्मा को गुप्त रूप से और अतुलनीय रूप से प्रभावित करती है ”(वेकेनरोडर और टाईक)। एक कलाकार प्रकृति की भाषा का दुभाषिया होता है, जो आत्मा और लोगों की दुनिया के बीच मध्यस्थ होता है। "कलाकारों के लिए धन्यवाद, मानवता एक संपूर्ण व्यक्तित्व के रूप में उभरती है। आधुनिकता के माध्यम से कलाकार अतीत की दुनिया को भविष्य की दुनिया से जोड़ते हैं। वे सर्वोच्च आध्यात्मिक अंग हैं जिसमें उनकी बाहरी मानवता की महत्वपूर्ण शक्तियां एक दूसरे से मिलती हैं, और जहां आंतरिक मानवता सबसे पहले प्रकट होती है" (एफ। श्लेगल)।

हालाँकि, रूमानियत एक सजातीय प्रवृत्ति नहीं थी: इसका वैचारिक विकास अलग-अलग दिशाओं में चला गया। रोमांटिक लोगों में प्रतिक्रियावादी लेखक, पुराने शासन के अनुयायी थे, जिन्होंने सामंती राजशाही और ईसाई धर्म का गायन किया था। दूसरी ओर, एक प्रगतिशील दृष्टिकोण के साथ रोमांटिक लोगों ने सामंती और सभी प्रकार के उत्पीड़न के खिलाफ लोकतांत्रिक विरोध व्यक्त किया, बेहतर भविष्य के लिए लोगों के क्रांतिकारी आवेग को मूर्त रूप दिया।

स्वच्छंदतावाद ने विश्व कलात्मक संस्कृति में एक पूरे युग को छोड़ दिया, इसके प्रतिनिधि थे: साहित्य में वी। स्कॉट, जे। बायरन, शेली, वी। ह्यूगो, ए। मिकीविक्ज़, और अन्य; ई। डेलाक्रोइक्स, टी। गेरिकॉल्ट, एफ। रनगे, जे। कॉन्स्टेबल, डब्ल्यू। टर्नर, ओ। किप्रेन्स्की और अन्य की ललित कलाओं में; एफ। शुबर्ट, आर। वैगनर, जी। बर्लियोज़, एन। पगनिनी, एफ। लिस्ट्ट, एफ। चोपिन और अन्य के संगीत में। उन्होंने नई शैलियों की खोज की और विकसित की, मानव व्यक्तित्व के भाग्य पर पूरा ध्यान दिया, खुलासा किया अच्छाई और बुराई की द्वंद्वात्मकता, कुशलता से मानवीय जुनूनों को प्रकट करती है, आदि।

कला अपने महत्व में कमोबेश बराबरी करती है और कला की शानदार कृतियों का निर्माण करती है, हालांकि रोमांटिक लोगों ने कला की सीढ़ी में संगीत को प्राथमिकता दी।

4. रोमांटिक हीरो

रोमांटिक हीरो कौन है और वह कैसा है?

यह एक व्यक्तिवादी है। एक सुपरमैन जो दो चरणों से गुजरा है: वास्तविकता के साथ टकराव से पहले, वह एक 'गुलाबी' अवस्था में रहता है, उसके पास उपलब्धि, दुनिया के परिवर्तन की इच्छा होती है; वास्तविकता के साथ टकराव के बाद, वह इस दुनिया को अश्लील और उबाऊ दोनों मानता है, लेकिन वह एक संशयवादी, निराशावादी नहीं बनता है। एक स्पष्ट समझ के साथ कि कुछ भी नहीं बदला जा सकता है, एक उपलब्धि की इच्छा खतरे की इच्छा में बदल जाती है।

रोमांटिक हर छोटी चीज को, हर ठोस तथ्य को, हर एक चीज को शाश्वत, स्थायी मूल्य दे सकते हैं। जोसेफ डी मैस्त्रे ने इसे "प्रोविडेंस के पथ", जर्मेन डी स्टेल - "अमर ब्रह्मांड की फलदायी छाती" कहा है। इतिहास को समर्पित एक पुस्तक में "ईसाई धर्म की प्रतिभा" में चेटौब्रिएंड, ऐतिहासिक समय की शुरुआत के रूप में सीधे भगवान को इंगित करता है। समाज एक अटूट बंधन के रूप में प्रकट होता है, "जीवन का वह धागा जो हमें हमारे पूर्वजों से जोड़ता है और जिसे हमें अपने वंशजों तक विस्तारित करना चाहिए।" प्रकृति की सुंदरता के माध्यम से, गहरी भावनाओं के माध्यम से, केवल एक व्यक्ति का दिल, न कि उसका दिमाग, निर्माता की आवाज को समझ और सुन सकता है। प्रकृति दिव्य है, यह सद्भाव और रचनात्मक शक्तियों का स्रोत है, इसके रूपकों को अक्सर रोमांटिक लोगों द्वारा राजनीतिक शब्दकोष में स्थानांतरित कर दिया जाता है। रोमांटिक लोगों के लिए, पेड़ परिवार, सहज विकास, जन्मभूमि के रस की धारणा, राष्ट्रीय एकता का प्रतीक बन जाता है। इंसान का स्वभाव जितना मासूम और संवेदनशील होता है, वह उतनी ही आसानी से भगवान की आवाज सुनता है। एक बच्चा, एक महिला, एक कुलीन युवा दूसरों की तुलना में अधिक बार आत्मा की अमरता और अनन्त जीवन के मूल्य को देखते हैं। रोमांटिक लोगों की आनंद की प्यास मृत्यु के बाद ईश्वर के राज्य की आदर्शवादी इच्छा तक सीमित नहीं है।

ईश्वर के लिए रहस्यमय प्रेम के अलावा, एक व्यक्ति को वास्तविक, सांसारिक प्रेम की आवश्यकता होती है। अपने जुनून की वस्तु को प्राप्त करने में असमर्थ, रोमांटिक नायक एक शाश्वत शहीद बन गया, जो उसके बाद के जीवन में अपने प्रिय के साथ बैठक की प्रतीक्षा करने के लिए बर्बाद हो गया, "महान प्रेम अमरता के योग्य है जब यह एक व्यक्ति के जीवन की कीमत चुकाता है।"

रोमांटिक लोगों के काम में एक विशेष स्थान व्यक्ति के विकास और शिक्षा की समस्या पर कब्जा कर लेता है। बचपन कानूनों से रहित है, इसके क्षणिक आवेग सार्वजनिक नैतिकता का उल्लंघन करते हैं, बचकाने खेल के अपने नियमों का पालन करते हैं। एक वयस्क में, इसी तरह की प्रतिक्रियाएं मृत्यु की ओर ले जाती हैं, आत्मा की निंदा के लिए। स्वर्गीय राज्य की तलाश में, एक व्यक्ति को कर्तव्य और नैतिकता के नियमों को समझना चाहिए, तभी वह अनन्त जीवन की आशा कर सकता है। चूंकि रोमांटिक लोगों को शाश्वत जीवन प्राप्त करने की उनकी इच्छा से कर्तव्य निर्धारित किया जाता है, इसलिए कर्तव्य की पूर्ति अपने गहन और सबसे शक्तिशाली अभिव्यक्ति में व्यक्तिगत खुशी देती है। नैतिक कर्तव्य में गहरी भावनाओं और उदात्त हितों का कर्तव्य जोड़ा जाता है। विभिन्न लिंगों के गुणों को मिलाए बिना, रोमांटिक लोग पुरुषों और महिलाओं के आध्यात्मिक विकास की समानता की वकालत करते हैं। उसी तरह, ईश्वर और उसकी संस्थाओं के लिए प्रेम नागरिक कर्तव्य निर्धारित करता है। व्यक्तिगत प्रयास अपनी पूर्णता को सामान्य उद्देश्य में, पूरे राष्ट्र के प्रयास में, सभी मानव जाति के, पूरे विश्व के प्रयास में पाता है।

प्रत्येक संस्कृति का अपना रोमांटिक नायक होता है, लेकिन बायरन ने अपने काम चारल्ड हेरोल्ड में रोमांटिक नायक का एक विशिष्ट प्रतिनिधित्व दिया। उन्होंने अपने नायक का मुखौटा लगाया (वे कहते हैं कि नायक और लेखक के बीच कोई दूरी नहीं है) और रोमांटिक सिद्धांत का पालन करने में कामयाब रहे।

सभी रोमांटिक कार्यों में विशिष्ट विशेषताएं हैं:

सबसे पहले, हर रोमांटिक काम में नायक और लेखक के बीच कोई दूरी नहीं होती है।

दूसरे, नायक का लेखक न्याय नहीं करता है, लेकिन अगर उसके बारे में कुछ भी बुरा कहा जाता है, तो कथानक इस तरह से बनाया गया है कि नायक को दोष नहीं देना है। रोमांटिक काम में कथानक आमतौर पर रोमांटिक होता है। रोमांटिक लोग प्रकृति के साथ एक विशेष संबंध भी बनाते हैं, उन्हें तूफान, गरज, प्रलय पसंद है।

5. रूस में रोमांटिकवाद।

रूस में स्वच्छंदतावाद एक अलग ऐतिहासिक सेटिंग और एक अलग सांस्कृतिक परंपरा के पक्ष में पश्चिमी यूरोपीय से भिन्न था। फ्रांसीसी क्रांति को इसकी घटना के कारणों में से एक के रूप में नहीं गिना जा सकता है; लोगों के एक बहुत ही संकीर्ण दायरे को अपने पाठ्यक्रम में परिवर्तन की कोई उम्मीद थी। और क्रांति के परिणाम पूरी तरह से निराशाजनक थे। 19वीं सदी की शुरुआत में रूस में पूंजीवाद का सवाल। खड़ा नहीं हुआ। इसलिए ऐसा कोई कारण नहीं था। वास्तविक कारण 1812 का देशभक्तिपूर्ण युद्ध था, जिसमें लोगों की पहल की सारी शक्ति प्रकट हुई थी। लेकिन युद्ध के बाद लोगों को वसीयत नहीं मिली। सबसे अच्छे कुलीन, वास्तविकता से असंतुष्ट, दिसंबर 1825 में सीनेट स्क्वायर गए। इस अधिनियम ने रचनात्मक बुद्धिजीवियों पर भी अपनी छाप छोड़ी। युद्ध के बाद के अशांत वर्ष वह वातावरण बन गए जिसमें रूसी रूमानियत का गठन हुआ।

स्वच्छंदतावाद, और, इसके अलावा, हमारा, रूसी, हमारे मूल रूपों में विकसित और ढाला गया, रोमांटिकतावाद एक साधारण साहित्यिक नहीं था, बल्कि एक जीवन घटना थी, नैतिक विकास का एक पूरा युग, एक युग जिसका अपना विशेष रंग था, एक विशेष किया जीवन में दृष्टिकोण ... रोमांटिक प्रवृत्ति को बाहर से आने दें, पश्चिमी जीवन और पश्चिमी साहित्य से, यह रूसी प्रकृति में अपनी धारणा के लिए तैयार मिट्टी को मिला, और इसलिए कवि और आलोचक अपोलोन ग्रिगोरिएव के रूप में पूरी तरह से मूल घटनाओं में परिलक्षित हुआ। मूल्यांकन किया गया - यह एक अनूठी सांस्कृतिक घटना है, और इसकी विशेषता रोमांटिकतावाद की आवश्यक जटिलता को दर्शाती है, जिसकी आंतों से युवा गोगोल बाहर आए और जिनके साथ वह न केवल अपने लेखन करियर की शुरुआत में, बल्कि जीवन भर जुड़े रहे।

अपोलोन ग्रिगोरिएव ने उस समय के गद्य सहित साहित्य और जीवन पर रोमांटिक स्कूल के प्रभाव की प्रकृति को भी सटीक रूप से निर्धारित किया: एक साधारण प्रभाव या उधार नहीं, बल्कि एक विशेषता और शक्तिशाली जीवन और साहित्यिक प्रवृत्ति जिसने युवा रूसी साहित्य में पूरी तरह से मूल घटना दी। .

क) साहित्य

रूसी रूमानियत को आमतौर पर कई अवधियों में विभाजित किया जाता है: प्रारंभिक (1801-1815), परिपक्व (1815-1825) और डीसमब्रिस्ट के बाद के विकास की अवधि। हालाँकि, प्रारंभिक अवधि के संबंध में, इस योजना की पारंपरिकता हड़ताली है। रूसी रोमांटिकतावाद की शुरुआत के लिए ज़ुकोवस्की और बट्युशकोव के नाम जुड़े हुए हैं, ऐसे कवि जिनके काम और विश्वदृष्टि को एक साथ रखना और उसी अवधि के भीतर तुलना करना मुश्किल है, उनके लक्ष्य, आकांक्षाएं और स्वभाव इतने अलग हैं। दोनों कवियों की कविताओं में, अतीत का प्रभाव, भावुकता का युग, अभी भी महसूस किया जाता है, लेकिन अगर ज़ुकोवस्की अभी भी इसमें गहराई से निहित है, तो बट्युशकोव नए रुझानों के बहुत करीब है।

बेलिंस्की ने ठीक ही कहा है कि ज़ुकोवस्की के काम की विशेषता है "अपूर्ण आशाओं के बारे में शिकायतें जिनका कोई नाम नहीं था, खोई हुई खुशी के लिए उदासी, जिसे भगवान जानता है कि इसमें क्या शामिल है।" वास्तव में, ज़ुकोवस्की के व्यक्ति में, रोमांटिकतावाद अभी भी अपना पहला डरपोक कदम उठा रहा था, भावुक और उदासीन लालसा को श्रद्धांजलि दे रहा था, एक अस्पष्ट, मुश्किल से बोधगम्य दिल की लालसा, एक शब्द में, भावनाओं के उस जटिल सेट के लिए जो रूसी आलोचना में था "मध्य युग का रोमांटिकवाद" कहा जाता है।

बट्युशकोव की कविता में एक पूरी तरह से अलग माहौल राज करता है: होने का आनंद, स्पष्ट कामुकता, आनंद के लिए एक भजन।

ज़ुकोवस्की को रूसी सौंदर्यवादी मानवतावाद का एक प्रमुख प्रतिनिधि माना जाता है। मजबूत जुनून के लिए विदेशी, शालीन और नम्र ज़ुकोवस्की रूसो और जर्मन रोमांटिक के विचारों के ध्यान देने योग्य प्रभाव में था। उनका अनुसरण करते हुए, उन्होंने धर्म, नैतिकता और सामाजिक संबंधों में सौंदर्य पक्ष को बहुत महत्व दिया। कला ने ज़ुकोवस्की से एक धार्मिक अर्थ प्राप्त किया, उन्होंने कला में उच्च सत्य के "रहस्योद्घाटन" को देखने की मांग की, यह उनके लिए "पवित्र" था। जर्मन रोमांटिक लोगों के लिए कविता और धर्म की पहचान करना विशिष्ट है। हम ज़ुकोवस्की में वही पाते हैं, जिन्होंने लिखा था: "कविता पृथ्वी के पवित्र सपनों में ईश्वर है।" जर्मन रोमांटिकवाद में, वह विशेष रूप से "आत्मा की रात की ओर", प्रकृति और मनुष्य में "अव्यक्त" से परे हर चीज के आकर्षण के करीब था। ज़ुकोवस्की की कविता में प्रकृति रहस्य से घिरी हुई है, उनके परिदृश्य भूतिया और लगभग असत्य हैं, जैसे पानी में प्रतिबिंब:

पौधों की शीतलता में कितनी धूप विलीन हो जाती है!

छींटाकशी करने वाले जेट के किनारे पर सन्नाटा कितना प्यारा है!

पानी पर मार्शमॉलो की हवा कितनी शांत है

और लचीला विलो स्पंदन!

ज़ुकोवस्की की संवेदनशील, कोमल और स्वप्निल आत्मा "इस रहस्यमय प्रकाश" की दहलीज पर मधुरता से जमने लगती है। कवि, बेलिंस्की की उपयुक्त अभिव्यक्ति में, "अपने दुख को प्यार करता है और कबूतर करता है", लेकिन यह पीड़ा उसके दिल को क्रूर घावों से नहीं छुरा घोंपती है, क्योंकि पीड़ा और उदासी में भी उसका आंतरिक जीवन शांत और शांत होता है। इसलिए, जब बट्युशकोव को एक संदेश में, "आनंद और मस्ती का पुत्र," वह एपिकुरियन कवि को "संग्रहालय के सापेक्ष" कहता है, तो इस रिश्ते पर विश्वास करना मुश्किल है। बल्कि, हम पुण्य ज़ुकोवस्की पर विश्वास करते हैं, जो सांसारिक सुखों के गायक को मित्रवत सलाह देते हैं: "स्वैच्छिकता को अस्वीकार करें, सपने घातक हैं!"

बट्युशकोव ज़ुकोवस्की के विपरीत हर चीज में एक आकृति है। वह मजबूत जुनून का आदमी था, और उसका रचनात्मक जीवन उसके भौतिक अस्तित्व की तुलना में 35 साल पहले छोटा हो गया था: एक बहुत ही युवा व्यक्ति के रूप में, वह पागलपन की खाई में गिर गया था। उन्होंने खुशी और दुख दोनों के लिए समान शक्ति और जुनून के साथ खुद को समर्पित किया: जीवन में, साथ ही साथ अपनी काव्य समझ में, वह - ज़ुकोवस्की के विपरीत - "सुनहरे मतलब" के लिए विदेशी थे। यद्यपि उनकी कविता को शुद्ध मित्रता की प्रशंसा, "विनम्र कोने" की खुशी की विशेषता है, लेकिन उनकी मूर्ति किसी भी तरह से मामूली और शांत नहीं है, क्योंकि बटियशकोव जीवन के साथ भावुक सुखों और नशे के सुस्त आनंद के बिना इसकी कल्पना नहीं कर सकते। कभी-कभी कवि इन्द्रिय सुखों में इस कदर डूब जाता है कि वह विज्ञान के दमनकारी ज्ञान को लापरवाही से अस्वीकार करने के लिए तैयार हो जाता है:

क्या यह दुख की सच्चाई में है

उदास मूर्ख और उबाऊ संत,

अंतिम संस्कार की पोशाक में बैठे,

मलबे और ताबूतों के बीच

क्या हमें अपने जीवन की मिठास मिलेगी?

उनमें से, मुझे खुशी दिखाई देती है

यह कंटीली झाड़ियों से तितली की तरह उड़ता है।

उनके लिए प्रकृति के आकर्षण में कोई आकर्षण नहीं है,

युवतियां उन्हें नहीं गातीं, गोल नृत्यों में आपस में जुड़ती हैं;

उनके लिए, अंधे के लिए के रूप में,

खुशी के बिना वसंत और फूलों के बिना गर्मी।

उनकी कविताओं में वास्तविक त्रासदी शायद ही कभी सुनाई देती है। केवल अपने रचनात्मक जीवन के अंत में, जब उन्होंने मानसिक बीमारी के लक्षण दिखाना शुरू किया, श्रुतलेख के तहत दर्ज उनकी अंतिम कविताओं में से एक थी, जिसमें सांसारिक अस्तित्व की निरर्थकता के रूप स्पष्ट रूप से ध्वनि करते हैं:

क्या आपको याद है कि आपने क्या कहा था

जीवन को अलविदा कह रहे हैं, भूरे बालों वाले मलिकिसिदक?

आदमी पैदा हुआ था गुलाम

कब्र में गुलाम के रूप में लेट जाएगा,

और मौत शायद ही उसे बताए

वह चमत्कारिक आँसुओं की घाटी से क्यों गुजरा,

सहा, रोया, सहा,

रूस में, रोमांटिकतावाद एक साहित्यिक प्रवृत्ति के रूप में उन्नीसवीं शताब्दी के बिसवां दशा में विकसित हुआ। इसके मूल कवि, गद्य लेखक, लेखक थे, और उन्होंने रूसी रूमानियत का निर्माण किया, जो अपने राष्ट्रीय, मूल चरित्र में "पश्चिमी यूरोपीय" से भिन्न था। उन्नीसवीं शताब्दी के पूर्वार्ध के कवियों द्वारा रूसी रूमानियत का विकास किया गया था, और प्रत्येक कवि कुछ नया लेकर आया था। रूसी रूमानियत व्यापक रूप से विकसित हुई, विशिष्ट विशेषताओं का अधिग्रहण किया, और साहित्य में एक स्वतंत्र प्रवृत्ति बन गई। "रुस्लान और ल्यूडमिला" में ए.एस. पुश्किन की पंक्तियाँ हैं: "एक रूसी भावना है, वहाँ रूस की खुशबू आ रही है।" रूसी रोमांटिकतावाद के बारे में भी यही कहा जा सकता है। रोमांटिक कार्यों के नायक "उच्च" और सुंदर के लिए प्रयास करने वाली काव्य आत्माएं हैं। लेकिन एक शत्रुतापूर्ण दुनिया है जो आपको स्वतंत्रता का अनुभव करने की अनुमति नहीं देती है, जो इन आत्माओं को समझ से बाहर है। यह संसार उबड़-खाबड़ है, इसलिए काव्य आत्मा दूसरे की ओर भाग जाती है, जहां एक आदर्श होता है, वह "सनातन" के लिए प्रयास करता है। स्वच्छंदतावाद इसी संघर्ष पर आधारित है। लेकिन कवियों ने इस स्थिति पर अलग तरह से प्रतिक्रिया व्यक्त की। ज़ुकोवस्की, पुश्किन, लेर्मोंटोव, एक बात के आधार पर, अपने नायकों और उनके आसपास की दुनिया के संबंध को अलग-अलग तरीकों से बनाते हैं, इसलिए उनके नायकों के आदर्श के लिए अलग-अलग रास्ते थे।

वास्तविकता भयानक, असभ्य, दिलेर और स्वार्थी है, इसमें कवि, उसके नायकों की भावनाओं, सपनों और इच्छाओं के लिए कोई जगह नहीं है। "सत्य" और शाश्वत - दूसरी दुनिया में। इसलिए दो दुनियाओं की अवधारणा, कवि एक आदर्श की तलाश में इनमें से एक दुनिया के लिए प्रयास करता है।

ज़ुकोवस्की की स्थिति उस व्यक्ति की स्थिति नहीं थी जिसने बाहरी दुनिया के साथ संघर्ष में प्रवेश किया, जिसने उसे चुनौती दी। यह प्रकृति के साथ एकता का मार्ग था, प्रकृति के साथ सामंजस्य का मार्ग, एक शाश्वत और सुंदर दुनिया में। ज़ुकोवस्की, कई शोधकर्ताओं (यू.वी. मान सहित) की राय में, द इनएक्सप्रेसिबल में एकता की इस प्रक्रिया के बारे में अपनी समझ व्यक्त करता है। एकता आत्मा की उड़ान है। जो सुंदरता आपको घेरती है वह आपकी आत्मा को भर देती है, यह आप में है, और आप इसमें हैं, आत्मा उड़ती है, न समय और न ही स्थान मौजूद है, लेकिन आप प्रकृति में मौजूद हैं, और इस समय आप रहते हैं, आप इस सुंदरता के बारे में गाना चाहते हैं , लेकिन अपनी स्थिति को व्यक्त करने के लिए शब्द नहीं हैं, केवल सद्भाव की भावना है। आप अपने आस-पास के लोगों से परेशान नहीं हैं, अभियोगी आत्माएं, आपके लिए और अधिक खुला है, आप स्वतंत्र हैं।

पुश्किन और लेर्मोंटोव ने रोमांटिकतावाद की इस समस्या को अलग तरह से देखा। इसमें कोई संदेह नहीं है कि पुश्किन पर ज़ुकोवस्की द्वारा डाला गया प्रभाव बाद के कार्यों में परिलक्षित नहीं हो सकता था। पुश्किन के शुरुआती काम को "नागरिक" रोमांटिकतावाद की विशेषता है। "द सिंगर इन द कैंप ऑफ रशियन वॉरियर्स" ज़ुकोवस्की और ग्रिबॉयडोव के कार्यों के प्रभाव में, पुश्किन "लिबर्टी", "टू चादेव" के लिए एक ओड लिखते हैं। बाद में, वह कहता है:

"मेरे दोस्त! आइए हम अपनी आत्मा को अद्भुत आवेगों के साथ पितृभूमि को समर्पित करें ..."। आदर्श के लिए यह वही इच्छा है जो ज़ुकोवस्की की थी, केवल पुश्किन ही आदर्श को अपने तरीके से समझते हैं, इसलिए कवि के लिए आदर्श का मार्ग अलग है। वह अकेले आदर्श के लिए प्रयास नहीं कर सकता और नहीं चाहता, कवि उसे बुलाता है। पुश्किन ने वास्तविकता और आदर्श को अलग तरह से देखा। आप इसे विद्रोह नहीं कह सकते, यह विद्रोही तत्वों का प्रतिबिंब है। यह ode "सी" में परिलक्षित होता था। यही है समुद्र की ताकत और ताकत, समुद्र मुक्त है, अपने आदर्श पर पहुंच गया है। मनुष्य को भी मुक्त होना चाहिए, उसकी आत्मा मुक्त होनी चाहिए।

आदर्श की खोज रूमानियत की मुख्य विशेषता है। यह ज़ुकोवस्की, और पुश्किन और लेर्मोंटोव के काम में प्रकट हुआ। तीनों कवि स्वतंत्रता की तलाश में थे, लेकिन उन्होंने इसे अलग-अलग तरीकों से खोजा, उन्होंने इसे अलग तरह से समझा। ज़ुकोवस्की "निर्माता" द्वारा भेजी गई स्वतंत्रता की तलाश में था। समरसता पाकर व्यक्ति मुक्त हो जाता है। पुश्किन के लिए, आत्मा की स्वतंत्रता महत्वपूर्ण थी, जिसे एक व्यक्ति में प्रकट होना चाहिए। लेर्मोंटोव के लिए, केवल विद्रोही नायक स्वतंत्र है। आजादी के लिए बगावत, इससे ज्यादा खूबसूरत और क्या हो सकता है? आदर्श के प्रति यह रवैया कवियों के प्रेम गीतों में संरक्षित था। मेरी राय में, यह रिश्ता समय के कारण है। यद्यपि वे सभी लगभग एक ही अवधि में काम करते थे, उनके काम का समय अलग था, असाधारण गति के साथ घटनाएं विकसित हुईं। कवियों के चरित्रों ने भी उनके संबंधों को बहुत प्रभावित किया। शांत ज़ुकोवस्की और विद्रोही लेर्मोंटोव पूरी तरह से विपरीत हैं। लेकिन रूसी रूमानियत ठीक विकसित हुई क्योंकि इन कवियों के स्वभाव अलग थे। उन्होंने नई अवधारणाएं, नए चरित्र, नए आदर्श पेश किए, स्वतंत्रता क्या है, वास्तविक जीवन क्या है, इसकी पूरी तस्वीर दी। उनमें से प्रत्येक आदर्श के लिए अपने स्वयं के मार्ग का प्रतिनिधित्व करता है, यह प्रत्येक व्यक्ति के लिए पसंद का अधिकार है।

रूमानियत का उदय बहुत ही परेशान करने वाला था। मानव व्यक्तित्व अब पूरी दुनिया के केंद्र में खड़ा था। मानव "मैं" की व्याख्या सभी अस्तित्व के आधार और अर्थ के रूप में की जाने लगी। मानव जीवन को कला, कला का काम माना जाने लगा। 19वीं सदी में स्वच्छंदतावाद बहुत व्यापक था। लेकिन सभी कवि जो खुद को रोमांटिक कहते थे, उन्होंने इस प्रवृत्ति का सार नहीं बताया।

अब, 20वीं शताब्दी के अंत में, हम पिछली शताब्दी के रोमांटिक लोगों को इस आधार पर दो समूहों में वर्गीकृत कर सकते हैं। एक और शायद सबसे व्यापक समूह वह है जो "औपचारिक" रोमांटिक को एकजुट करता है। उन पर जिद पर संदेह करना मुश्किल है, इसके विपरीत, वे अपनी भावनाओं को बहुत सटीक रूप से व्यक्त करते हैं। इनमें दिमित्री वेनेविटिनोव (1805-1827) और अलेक्जेंडर पोलेज़हेव (1804-1838) शामिल हैं। इन कवियों ने अपने कलात्मक लक्ष्य को प्राप्त करने के लिए इसे सबसे उपयुक्त मानते हुए रोमांटिक रूप का इस्तेमाल किया। तो, डी। वेनेविटिनोव लिखते हैं:

मुझे लगता है कि यह मुझ में जल रहा है

प्रेरणा की पवित्र लौ

लेकिन आत्मा अंधेरे लक्ष्य की ओर बढ़ती है...

क्या मुझे एक विश्वसनीय चट्टान मिलेगी,

मैं अपने दृढ़ पैर को कहाँ आराम कर सकता हूँ?

यह एक विशिष्ट रोमांटिक कविता है। यह पारंपरिक रोमांटिक शब्दावली का उपयोग करता है - यह "प्रेरणा की लौ" और "उभरती हुई भावना" दोनों है। इस प्रकार कवि अपनी भावनाओं का वर्णन करता है। लेकिन और नहीं। कवि रूमानियत के ढांचे, उसके "मौखिक रूप" से बंधा हुआ है। कुछ टिकटों के लिए सब कुछ सरल है।

19 वीं शताब्दी के रोमांटिक लोगों के एक अन्य समूह के प्रतिनिधि, निश्चित रूप से ए.एस. पुश्किन और एम। लेर्मोंटोव थे। इन कवियों ने, इसके विपरीत, रोमांटिक रूप को अपनी सामग्री से भर दिया। ए। पुश्किन के जीवन में रोमांटिक अवधि कम थी, इसलिए उनके पास कुछ रोमांटिक काम हैं। "काकेशस का कैदी" (1820-1821) ए.एस. पुश्किन। हमारे सामने एक रोमांटिक काम का एक क्लासिक संस्करण है। लेखक हमें अपने नायक का चित्र नहीं देता है, हम उसका नाम भी नहीं जानते हैं। और यह आश्चर्य की बात नहीं है - सभी रोमांटिक नायक एक दूसरे के समान हैं। वे युवा हैं, सुंदर हैं... और दुखी हैं। काम का कथानक भी शास्त्रीय रूप से रोमांटिक है। सर्कसियों के साथ एक रूसी कैदी, एक युवा सर्कसियन महिला उसके साथ प्यार में पड़ जाती है और उसे भागने में मदद करती है। लेकिन वह निराशाजनक रूप से दूसरे से प्यार करता है ... कविता दुखद रूप से समाप्त होती है - सेरासियन महिला खुद को पानी में फेंक देती है और मर जाती है, और रूसी, "शारीरिक" कैद से मुक्त होकर, एक और अधिक दर्दनाक कैद - आत्मा की कैद में गिर जाती है। हम नायक के अतीत के बारे में क्या जानते हैं?

रूस की ओर एक लंबा सफर तय...

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जहां उन्होंने भयानक पीड़ा को गले लगाया,

जहां व्यस्त जीवन बर्बाद हो गया

आशा, आनंद और इच्छा।

वह स्वतंत्रता की तलाश में स्टेपी पर आया, उसने अपने पिछले जीवन से बचने की कोशिश की। और अब, जब खुशी इतनी करीब लग रही थी, उसे फिर से भागना पड़ा। पर कहा? वापस उस दुनिया में जहां उसने "भयानक पीड़ा को गले लगाया।"

प्रकाश का पाखण्डी, प्रकृति का मित्र,

उन्होंने अपनी जन्मभूमि छोड़ दी

और दूर देश के लिए उड़ान भरी

स्वतंत्रता के हंसमुख भूत के साथ।

लेकिन "आजादी का भूत" सिर्फ एक भूत बनकर रह गया। वह हमेशा के लिए रोमांटिक हीरो को परेशान करेगा। एक और रोमांटिक कविता "जिप्सी" है। इसमें, लेखक फिर से पाठक को नायक का चित्र नहीं देता है, हम केवल उसका नाम जानते हैं - अलेको। वे शिविर में सच्चे सुख, सच्ची स्वतंत्रता को जानने आए थे। उसकी खातिर, उसने वह सब कुछ छोड़ दिया जो उसे घेरता था। क्या वह स्वतंत्र और खुश था? ऐसा लगता है कि अलेको प्यार करता है, लेकिन इस भावना के साथ केवल दुर्भाग्य और अवमानना ​​ही उसके पास आती है। अलेको, जो स्वतंत्रता के लिए इतना तरस रहा था, किसी अन्य व्यक्ति में इच्छा को नहीं पहचान सका। इस कविता में, रोमांटिक नायक की विश्वदृष्टि की एक और अत्यंत विशिष्ट विशेषता प्रकट हुई - स्वार्थ और बाहरी दुनिया के साथ पूर्ण असंगति। अलेको को मौत की सजा नहीं है, बल्कि इससे भी बदतर - अकेलेपन और बहस से। वह उस दुनिया में अकेला था जिससे वह भाग गया था, लेकिन दूसरे में, इतना वांछनीय, वह फिर से अकेला रह गया।

काकेशस के कैदी को लिखने से पहले, पुश्किन ने एक बार कहा था: "मैं रोमांटिक कविता का नायक बनने के लायक नहीं हूं"; हालाँकि, उसी समय, 1820 में, पुश्किन ने अपनी कविता "दिन की रोशनी चली गई ..." लिखी। इसमें आप रूमानियत में निहित सभी शब्दावली पा सकते हैं। यह "दूर का किनारा", और "उदास महासागर", और "उत्साह और लालसा" है, जो लेखक को पीड़ा देता है। पूरी कविता में परहेज चलता है:

मेरे नीचे लहर, उदास सागर।

यह न केवल प्रकृति के वर्णन में, बल्कि नायक की भावनाओं के वर्णन में भी मौजूद है।

... लेकिन पुराने दिल के घाव,

प्यार के गहरे घाव, कुछ नहीं भरा...

शोर, शोर, आज्ञाकारी पाल,

मेरे नीचे चिंता करो, उदास सागर ...

यानी प्रकृति एक और चरित्र बन जाती है, कविता का एक और गीतात्मक नायक। बाद में, 1824 में, पुश्किन ने "टू द सी" कविता लिखी। इसमें रोमांटिक हीरो, जैसे "दिन की रोशनी निकल गई ...", फिर से खुद लेखक बन गए। यहां पुश्किन ने समुद्र को स्वतंत्रता के पारंपरिक प्रतीक के रूप में संदर्भित किया है। समुद्र एक तत्व है, जिसका अर्थ है स्वतंत्रता और खुशी। हालाँकि, पुश्किन ने अप्रत्याशित रूप से इस कविता का निर्माण किया:

तुमने इंतजार किया, तुमने फोन किया... मैं जंजीर में जकड़ा हुआ था;

यहाँ मेरी आत्मा फटी हुई थी:

पराक्रमी जोश से मुग्ध,

मैं तट पर रहा...

हम कह सकते हैं कि यह कविता पुश्किन के जीवन के रोमांटिक दौर को पूरा करती है। यह एक ऐसे व्यक्ति द्वारा लिखा गया है जो जानता है कि तथाकथित "शारीरिक" स्वतंत्रता प्राप्त करने के बाद, रोमांटिक नायक खुश नहीं होता है।

जंगलों में, रेगिस्तान में खामोश हैं

मैं स्थानांतरित कर दूंगा, आप से भरा हुआ,

आपकी चट्टानें, आपकी खाड़ी ...

इस समय, पुश्किन इस निष्कर्ष पर पहुंचे कि सच्ची स्वतंत्रता केवल एक व्यक्ति के भीतर ही मौजूद हो सकती है और केवल वही उसे वास्तव में खुश कर सकती है।

बायरन के रोमांटिकतावाद का संस्करण उनके काम में पहले रूसी संस्कृति पुश्किन, फिर लेर्मोंटोव में रहता था और महसूस करता था। पुश्किन के पास लोगों पर ध्यान देने के लिए एक उपहार था, और फिर भी महान कवि और गद्य लेखक के काम में रोमांटिक कविताओं में सबसे रोमांटिक निस्संदेह बख्चिसराय का फव्वारा है।

"द फाउंटेन ऑफ बखचिसराय" कविता अभी भी केवल एक रोमांटिक कविता की शैली में पुश्किन की खोज जारी रखती है। और यह निश्चित है कि इसे महान रूसी लेखक की मृत्यु से रोका गया था।

पुश्किन के काम में रोमांटिक विषय को दो अलग-अलग विकल्प मिले: एक वीर रोमांटिक नायक ("बंदी", "डाकू", "भगोड़ा") है, जो एक मजबूत इच्छाशक्ति से प्रतिष्ठित है, जो हिंसक जुनून की क्रूर परीक्षा से गुजरा है, और वहाँ है एक पीड़ित नायक जिसमें सूक्ष्म भावनात्मक अनुभव बाहरी दुनिया की क्रूरता ("निर्वासन", "कैदी") के साथ असंगत हैं। एक रोमांटिक चरित्र में निष्क्रिय शुरुआत ने अब पुश्किन में एक स्त्री रूप धारण कर लिया। बखचिसराय का फव्वारा रोमांटिक नायक के इस पहलू को ठीक से विकसित करता है।

"काकेशस के कैदी" में सारा ध्यान "बंदी" पर दिया गया था और "सेरासियन" पर बहुत कम ध्यान दिया गया था, अब इसके विपरीत - खान गिरी एक नाटकीय व्यक्ति से ज्यादा कुछ नहीं है, और वास्तव में मुख्य चरित्र एक महिला है, दो भी - ज़रेमा और मारिया। पिछली कविताओं (जंजीर भाइयों की छवि के माध्यम से) में पाए जाने वाले नायक के द्वंद्व का समाधान भी यहां पुश्किन द्वारा उपयोग किया जाता है: निष्क्रिय शुरुआत को दो पात्रों के चेहरे में दर्शाया गया है - ईर्ष्या, जुनून से प्यार में ज़रेमा और उदास , खोई हुई आशा और प्रेम मरियम। ये दोनों एक रोमांटिक प्रकृति के दो परस्पर विरोधी जुनून हैं: निराशा, निराशा, निराशा और एक ही समय में आध्यात्मिक उत्साह, भावनाओं की तीव्रता; कविता में विरोधाभास को दुखद रूप से हल किया गया है - मैरी की मृत्यु ने ज़रेमा को भी खुशी नहीं दी, क्योंकि वे रहस्यमय संबंधों से जुड़े हुए हैं। तो द रॉबर ब्रदर्स में, एक भाई की मौत ने दूसरे के जीवन पर हमेशा के लिए छाया कर दी।

हालाँकि, बी.वी. टोमाशेव्स्की ने ठीक ही कहा, "कविता के गीतात्मक अलगाव ने सामग्री की कुछ कमी को भी निर्धारित किया ... ज़रेमा पर नैतिक जीत से आगे निष्कर्ष और प्रतिबिंब नहीं बनते ... "काकेशस के कैदी" में एक स्पष्ट निरंतरता है पुश्किन का काम: अलेको और यूजीन वनगिन दोनों अनुमति देते हैं ... पहली दक्षिणी कविता में पूछे गए प्रश्न। "बख्चिसराय का फव्वारा" ऐसी कोई निरंतरता नहीं है ... "

पुश्किन ने किसी व्यक्ति की रोमांटिक स्थिति में सबसे कमजोर जगह की तलाश की और उसकी पहचान की: वह केवल अपने लिए सब कुछ चाहता है।

लेर्मोंटोव की कविता "मत्स्यरी" भी रोमांटिकतावाद की विशिष्ट विशेषताओं को पूरी तरह से प्रतिबिंबित नहीं करती है।

इस कविता में दो रोमांटिक नायक हैं, इसलिए, यदि यह एक रोमांटिक कविता है, तो यह बहुत ही अजीब है: पहला, दूसरा नायक लेखक द्वारा एक एपिग्राफ के माध्यम से व्यक्त किया जाता है; दूसरी बात, लेखक मत्स्यरी से नहीं जुड़ता है, नायक अपने तरीके से आत्म-इच्छा की समस्या को हल करता है, और लेर्मोंटोव पूरी कविता में केवल इस समस्या को हल करने के बारे में सोचता है। वह अपने नायक का न्याय नहीं करता है, लेकिन वह इसे उचित नहीं ठहराता है, लेकिन वह एक निश्चित स्थिति लेता है - समझ। यह पता चला है कि रूसी संस्कृति में रोमांटिकतावाद प्रतिबिंब में बदल गया है। यह यथार्थवाद के संदर्भ में रूमानियत को दर्शाता है।

यह कहा जा सकता है कि पुश्किन और लेर्मोंटोव रोमांटिक बनने का प्रबंधन नहीं करते थे (हालांकि लेर्मोंटोव एक बार रोमांटिक कानूनों का पालन करने में कामयाब रहे - नाटक 'मास्करेड' में)। अपने प्रयोगों से, कवियों ने दिखाया कि इंग्लैंड में एक व्यक्तिवादी की स्थिति फलदायी हो सकती है, लेकिन रूस में नहीं। यद्यपि पुश्किन और लेर्मोंटोव रोमांटिक बनने में विफल रहे, उन्होंने यथार्थवाद के विकास का मार्ग प्रशस्त किया। 1825 में, पहला यथार्थवादी काम प्रकाशित हुआ: "बोरिस गोडुनोव", फिर "द कैप्टन की बेटी", "यूजीन वनगिन", "ए हीरो ऑफ अवर टाइम" और कई अन्य।

बी) पेंटिंग

दृश्य कलाओं में, रूमानियतवाद चित्रकला और ग्राफिक्स में सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट हुआ, मूर्तिकला और वास्तुकला में कम स्पष्ट रूप से। रूसी रोमांटिक चित्रकार दृश्य कला में रूमानियत के प्रमुख प्रतिनिधि थे। अपने कैनवस में उन्होंने स्वतंत्रता के प्यार की भावना, सक्रिय कार्रवाई, जुनून और स्वभाव से मानवतावाद की अभिव्यक्ति की अपील की। रूसी चित्रकारों के रोजमर्रा के कैनवस प्रासंगिकता और मनोविज्ञान, अभूतपूर्व अभिव्यक्ति से प्रतिष्ठित हैं। आध्यात्मिक, उदासीन परिदृश्य फिर से मानव दुनिया में घुसने के लिए रोमांटिक लोगों का एक ही प्रयास है, यह दिखाने के लिए कि एक व्यक्ति कैसे रहता है और सबल्यूनर दुनिया में सपने देखता है। रूसी रोमांटिक पेंटिंग विदेशी से अलग थी। यह ऐतिहासिक स्थिति और परंपरा द्वारा निर्धारित किया गया था।

रूसी रोमांटिक पेंटिंग की विशेषताएं:

प्रबुद्धता की विचारधारा कमजोर हुई, लेकिन यूरोप की तरह ढह नहीं गई। इसलिए, रोमांटिकवाद का उच्चारण नहीं किया गया था।

स्वच्छंदतावाद क्लासिकवाद के समानांतर विकसित हुआ, जो अक्सर इसके साथ जुड़ता है।

रूस में अकादमिक पेंटिंग अभी तक समाप्त नहीं हुई है।

रूस में स्वच्छंदतावाद एक स्थिर घटना नहीं थी, रोमांटिकतावाद को अकादमिकता के लिए आकर्षित किया गया था। XIX सदी के मध्य तक। रोमांटिक परंपरा लगभग समाप्त हो गई है।

1790 के दशक में रूस में पहले से ही रोमांटिकतावाद से संबंधित कार्य दिखाई देने लगे (फियोडोसी यानेंको "ट्रैवलर्स कॉट इन ए स्टॉर्म" (1796), "सेल्फ-पोर्ट्रेट इन ए हेल्मेट" (1792) के काम। उनमें प्रोटोटाइप स्पष्ट है - साल्वेटर रोजा, 18वीं और 19वीं शताब्दी के मोड़ पर बहुत लोकप्रिय। बाद में, इस प्रोटो-रोमांटिक कलाकार का प्रभाव अलेक्जेंडर ओरलोव्स्की के काम में ध्यान देने योग्य होगा। लुटेरे, कैम्प फायर के दृश्य, लड़ाई उनके पूरे करियर के साथ। अन्य देशों की तरह , रूसी रूमानियत से संबंधित कलाकारों ने चित्र, परिदृश्य और शैली के दृश्यों को एक पूरी तरह से नया भावनात्मक मूड पेश किया।

रूस में, रूमानियतवाद ने सबसे पहले खुद को प्रकट करना शुरू किया पोर्ट्रेट पेंटिंग. उन्नीसवीं सदी के पहले तीसरे भाग में, अधिकांश भाग के लिए, उनका उच्च-रैंकिंग अभिजात वर्ग से संपर्क टूट गया। कवियों, कलाकारों, कला संरक्षकों, सामान्य किसानों की छवि के चित्रों द्वारा एक महत्वपूर्ण स्थान पर कब्जा करना शुरू कर दिया। ओए के काम में यह प्रवृत्ति विशेष रूप से स्पष्ट थी। किप्रेंस्की (1782 - 1836) और वी.ए. ट्रोपिनिन (1776 - 1857)।

वासिली एंड्रीविच ट्रोपिनिन ने अपने चित्र के माध्यम से व्यक्त एक व्यक्ति के जीवंत, शांतचित्त चरित्र चित्रण के लिए प्रयास किया। एक बेटे का चित्र (1818), "ए.एस. पुश्किन का चित्र" (1827), "सेल्फ-पोर्ट्रेट" (1846) मूल के समान चित्र के साथ नहीं, बल्कि किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया में असामान्य रूप से सूक्ष्म पैठ के साथ विस्मित करता है।

एक बेटे का पोर्ट्रेट- आर्सेनिया ट्रोपिनिना मास्टर के काम में सर्वश्रेष्ठ में से एक है। उत्तम, मुलायम सुनहरे रंग XVIII सदी की वैलेरी पेंटिंग की याद दिलाते हैं। हालांकि, XVIII सदी के रूमानियत में एक विशिष्ट बच्चों के चित्र की तुलना में। यहाँ निष्पक्ष डिजाइन हड़ताली है - यह बच्चा बहुत कम हद तक पोज देता है। आर्सेनी की टकटकी दर्शक को पीछे छोड़ देती है, उसे लापरवाही से कपड़े पहनाए जाते हैं, गेट ऐसा लगता है जैसे गलती से खुल गया हो। रचना के असाधारण विखंडन में प्रतिनिधित्व की कमी है: सिर कैनवास की लगभग पूरी सतह को भर देता है, छवि बहुत कॉलरबोन तक कट जाती है, और इस प्रकार लड़के का चेहरा स्वतः ही दर्शक की ओर बढ़ जाता है।

सृष्टि का असाधारण रोचक इतिहास "पुश्किन का पोर्ट्रेट"।हमेशा की तरह, पुश्किन के साथ पहले परिचित के लिए, ट्रोपिनिन कुत्ते के खेल के मैदान में सोबोलेव्स्की के घर आया, जहाँ कवि तब रहता था। कलाकार ने उसे अपने कार्यालय में पिल्लों के साथ खिलवाड़ करते हुए पाया। उसी समय, जाहिरा तौर पर, यह पहली छाप के अनुसार लिखा गया था, जिसे ट्रोपिनिन ने बहुत सराहा, एक छोटा सा अध्ययन। काफी देर तक वह अपने पीछा करने वालों की नजरों से ओझल रहा। लगभग सौ साल बाद, 1914 तक, इसे पी.एम. द्वारा प्रकाशित किया गया था। शचेकोटोव, जिन्होंने लिखा था कि अलेक्जेंडर सर्गेइविच के सभी चित्रों में से, वह "सबसे अधिक अपनी विशेषताओं को व्यक्त करता है ... कवि की नीली आँखें यहाँ एक विशेष प्रतिभा से भरी हुई हैं, सिर की बारी तेज है, और चेहरे की विशेषताएं अभिव्यंजक और मोबाइल हैं . निस्संदेह, यहां पुश्किन के चेहरे की वास्तविक विशेषताओं पर कब्जा कर लिया गया है, जो हम व्यक्तिगत रूप से एक या दूसरे चित्रों में मिलते हैं जो हमारे पास आए हैं। यह हैरान होना बाकी है, "शेकोटोव कहते हैं," इस आकर्षक स्केच को कवि के प्रकाशकों और पारखी से उचित ध्यान क्यों नहीं मिला। यह छोटे स्केच के बहुत गुणों द्वारा समझाया गया है: इसमें न तो रंगों की चमक थी, न ही ब्रशस्ट्रोक की सुंदरता, और न ही इसमें "गोल चक्कर" लिखा था। और यहां पुश्किन एक लोकप्रिय "विटिया" नहीं है, "प्रतिभा" नहीं है, बल्कि, सबसे बढ़कर, एक आदमी है। और यह विश्लेषण करने के लिए शायद ही उत्तरदायी है कि इतनी बड़ी मानवीय सामग्री मोनोक्रोमैटिक ग्रेश-ग्रीन, जैतून के पैमाने में जल्दबाजी में क्यों निहित है, जैसे कि लगभग गैर-वर्णन-दिखने वाले एट्यूड के ब्रश के यादृच्छिक स्ट्रोक। पुष्किन के पूरे जीवनकाल और बाद के चित्रों को याद करते हुए, यह अध्ययन, मानवता की ताकत के संदर्भ में, केवल सोवियत मूर्तिकार ए। मतवेव द्वारा गढ़ी गई पुश्किन की आकृति के बगल में रखा जा सकता है। लेकिन यह वह कार्य नहीं था जो ट्रोपिनिन ने खुद को निर्धारित किया था, यह उस तरह का पुश्किन नहीं था जिसे उसका दोस्त देखना चाहता था, हालाँकि उसने कवि को एक सरल, घरेलू रूप में चित्रित करने का आदेश दिया था।

कलाकार के मूल्यांकन में, पुश्किन "ज़ार-कवि" थे। लेकिन वे लोककवि भी थे, उनके अपने और सबके करीब थे। पोलेवॉय ने इसके अंत में लिखा, "मूल के साथ चित्र की समानता हड़ताली है," हालांकि उन्होंने "दृष्टि की तेजता" और "चेहरे की जीवंत अभिव्यक्ति" की कमी पर ध्यान दिया, जो हर नए के साथ पुश्किन को बदलता और पुनर्जीवित करता है। प्रभाव जमाना।

चित्र में, सब कुछ सोचा जाता है और सबसे छोटे विवरण के लिए सत्यापित किया जाता है, और साथ ही कलाकार द्वारा कुछ भी जानबूझकर, कुछ भी पेश नहीं किया जाता है। यहां तक ​​​​कि कवि की उंगलियों को सुशोभित करने वाले छल्लों को इस हद तक उजागर किया जाता है कि खुद पुश्किन ने उन्हें जीवन में महत्व दिया। ट्रोपिनिन के सुरम्य खुलासे के बीच, पुश्किन का चित्र अपनी सीमा की सोनोरिटी के साथ टकराता है।

ट्रोपिनिन के रूमानियत ने स्पष्ट रूप से भावुकतावादी मूल को व्यक्त किया है। यह ट्रोपिनिन था जो शैली के संस्थापक थे, लोगों से एक आदमी का कुछ आदर्श चित्र ("द लेसमेकर" (1823))। "दोनों पारखी और पारखी नहीं," सविनिन के बारे में लिखते हैं "लेसमेकर" --इस तस्वीर को देखकर प्रशंसा की जाती है, जो वास्तव में सचित्र कला की सभी सुंदरियों को जोड़ती है: ब्रश की सुखदता, सही, खुश प्रकाश, रंग स्पष्ट, प्राकृतिक, इसके अलावा, यह चित्र एक सौंदर्य की आत्मा को प्रकट करता है और वह जिज्ञासा की धूर्तता कि वह उस क्षण में प्रवेश करने वाले किसी व्यक्ति पर फेंकता है। उसकी बाहें, कोहनी पर टिकी हुई, उसकी टकटकी के साथ रुक गई, काम बंद हो गया, उसके कुंवारी स्तन से एक आह उड़ गई, मलमल के दुपट्टे से ढँकी हुई - और यह सब इतनी सच्चाई और सरलता के साथ चित्रित किया गया है कि यह तस्वीर बहुत आसानी से गलत हो सकती है गौरवशाली स्वप्न के सबसे सफल कार्य के लिए। माध्यमिक सामान, जैसे कि फीता तकिया और एक तौलिया, को महान कला के साथ व्यवस्थित किया जाता है और अंतिम रूप से काम किया जाता है ... "

19वीं शताब्दी की शुरुआत में, तेवर रूस का एक महत्वपूर्ण सांस्कृतिक केंद्र था। मॉस्को के सभी प्रमुख लोग यहां साहित्यिक संध्याओं के लिए आए हैं। यहां, युवा ओरेस्ट किप्रेंस्की ने ए.एस. पुश्किन से मुलाकात की, जिसका चित्र, बाद में चित्रित, विश्व चित्र कला का मोती बन गया, और ए.एस. पुश्किन उन्हें कविताएँ समर्पित करेंगे, जहाँ वह उन्हें "हल्के पंखों वाले फैशन का पसंदीदा" कहेंगे। पुश्किन का पोर्ट्रेटओ। किप्रेंस्की के ब्रश एक काव्य प्रतिभा के जीवित व्यक्तित्व हैं। सिर के दृढ़ मोड़ में, छाती पर जोर से पार की गई बाहों में, कवि की पूरी उपस्थिति स्वतंत्रता और स्वतंत्रता की भावना को प्रकट करती है। यह उनके बारे में था कि पुश्किन ने कहा: "मैं खुद को एक दर्पण के रूप में देखता हूं, लेकिन यह दर्पण मुझे चापलूसी करता है।" पुश्किन के चित्र पर काम में, ट्रोपिनिन और किप्रेंस्की आखिरी बार मिलते हैं, हालांकि यह बैठक पहली बार नहीं होती है, लेकिन कई साल बाद कला के इतिहास में, जहां, एक नियम के रूप में, सबसे महान रूसी कवि के दो चित्र तुलना की जाती है, एक साथ बनाई जाती है, लेकिन अलग-अलग जगहों पर - एक मास्को में। सेंट पीटर्सबर्ग में एक और। अब यह रूसी कला के लिए उनके महत्व में समान रूप से महान स्वामी की बैठक है। यद्यपि किप्रेंस्की के प्रशंसकों का दावा है कि कलात्मक लाभ उनके रोमांटिक चित्र के पक्ष में हैं, जहां कवि को अपने विचारों में डूबे हुए प्रस्तुत किया जाता है, अकेले संग्रह के साथ, छवि की राष्ट्रीयता और लोकतंत्र निश्चित रूप से ट्रोपिनिन्स्की के पुश्किन के पक्ष में हैं।

इस प्रकार, दो चित्र रूसी कला के दो क्षेत्रों को दर्शाते हैं, जो दो राजधानियों में केंद्रित हैं। और बाद में आलोचक लिखेंगे कि ट्रोपिनिन मास्को के लिए था जो कि किप्रेंस्की सेंट पीटर्सबर्ग के लिए था।

किप्रेंस्की के चित्रों की एक विशिष्ट विशेषता यह है कि वे किसी व्यक्ति के आध्यात्मिक आकर्षण और आंतरिक बड़प्पन को दर्शाते हैं। एक बहादुर और दृढ़ता से महसूस करने वाले नायक का चित्र, एक उन्नत रूसी व्यक्ति के स्वतंत्रता-प्रेमी और देशभक्ति के मूड के मार्ग को मूर्त रूप देने वाला था।

सामने "ईवी डेविडोव का पोर्ट्रेट"(1809) एक अधिकारी की आकृति को दर्शाता है, जिसने एक मजबूत और बहादुर व्यक्तित्व के उस पंथ की अभिव्यक्ति को प्रत्यक्ष रूप से प्रकट किया, जो उन वर्षों के रूमानियत के लिए इतना विशिष्ट था। खंडित रूप से दिखाया गया परिदृश्य, जहां प्रकाश की एक किरण अंधेरे से संघर्ष करती है, नायक की आध्यात्मिक चिंताओं का संकेत देती है, लेकिन उसके चेहरे पर स्वप्निल संवेदनशीलता का प्रतिबिंब है। किप्रेंस्की एक व्यक्ति में "मानव" की तलाश कर रहे थे, और आदर्श ने उनसे मॉडल के चरित्र के व्यक्तिगत लक्षणों को अस्पष्ट नहीं किया।

किप्रेंस्की के चित्र, यदि आप उन्हें अपने मन की नज़र से देखते हैं, तो किसी व्यक्ति की आध्यात्मिक और प्राकृतिक संपदा, उसकी बौद्धिक शक्ति को दर्शाते हैं। हां, उनके पास एक सामंजस्यपूर्ण व्यक्तित्व का आदर्श था, जैसा कि उनके समकालीनों ने कहा था, लेकिन किप्रेंस्की ने इस आदर्श को एक कलात्मक छवि पर शाब्दिक रूप से पेश करने की कोशिश नहीं की। एक कलात्मक छवि बनाने में, वह प्रकृति से चला गया, जैसे कि यह मापना कि वह इस तरह के आदर्श से कितना दूर या करीब है। वास्तव में, उनके द्वारा चित्रित उनमें से कई आदर्श की पूर्व संध्या पर निर्देशित हैं, जबकि आदर्श स्वयं, रोमांटिक सौंदर्यशास्त्र के विचारों के अनुसार, शायद ही प्राप्त करने योग्य है, और सभी रोमांटिक कला केवल इसके लिए एक मार्ग है।

अपने नायकों की आत्मा में विरोधाभासों को देखते हुए, उन्हें जीवन के चिंताजनक क्षणों में दिखाते हुए, जब भाग्य बदलता है, पुराने विचार टूटते हैं, युवा छोड़ देते हैं, आदि, ऐसा लगता है कि किप्रेंस्की अपने मॉडलों के साथ अनुभव कर रहे हैं। इसलिए कलात्मक चित्रों की व्याख्या में चित्रकार की विशेष भागीदारी, जो चित्र को एक अंतरंग स्पर्श देती है।

किप्रेंस्की में रचनात्मकता के शुरुआती दौर में आप संदेह से संक्रमित चेहरे नहीं देखेंगे, विश्लेषण जो आत्मा को खराब करता है। यह बाद में आएगा, जब रोमांटिक समय अपनी शरद ऋतु से बचेगा, अन्य मनोदशाओं और भावनाओं को रास्ता देगा, जब एक सामंजस्यपूर्ण व्यक्तित्व के आदर्श की विजय की आशा टूट जाएगी। 1800 के सभी चित्रों और टवर में निष्पादित चित्रों में, किप्रेंस्की एक बोल्ड ब्रश दिखाता है, आसानी से और स्वतंत्र रूप से एक रूप का निर्माण करता है। तकनीकों की जटिलता, आकृति की प्रकृति काम से काम में बदल गई।

उल्लेखनीय है कि उनके वीरों के चेहरों पर वीरता का उत्साह आपको नहीं दिखेगा, इसके विपरीत अधिकांश चेहरों पर उदासी छाई रहती है, वे प्रतिबिंबों में लिप्त रहते हैं। ऐसा लगता है कि ये लोग रूस के भाग्य के बारे में चिंतित हैं, वे वर्तमान से अधिक भविष्य के बारे में सोचते हैं। महत्वपूर्ण घटनाओं में प्रतिभागियों की पत्नियों, बहनों का प्रतिनिधित्व करने वाली महिला छवियों में, किप्रेंस्की ने भी जानबूझकर वीरतापूर्ण उत्साह के लिए प्रयास नहीं किया। सहजता, स्वाभाविकता की भावना प्रबल होती है। साथ ही, सभी चित्रों में आत्मा की कितनी सच्ची बड़प्पन है। महिलाओं की छवियां उनकी विनम्र गरिमा, प्रकृति की अखंडता से आकर्षित होती हैं; पुरुषों के चेहरों पर कोई जिज्ञासु विचार, तपस्या के लिए तत्परता का अनुमान लगा सकता है। ये छवियां डिसमब्रिस्टों के परिपक्व नैतिक और सौंदर्यवादी विचारों के साथ मेल खाती हैं। उनके विचारों और आकांक्षाओं को तब कई लोगों द्वारा साझा किया गया था (कुछ सामाजिक और राजनीतिक कार्यक्रमों के साथ गुप्त समाजों का निर्माण 1816-1821 की अवधि में होता है), कलाकार उनके बारे में जानता था, और इसलिए हम कह सकते हैं कि घटनाओं में प्रतिभागियों के उनके चित्र 1812-1814, उसी वर्षों में बनाई गई किसानों की छवियां - डिसमब्रिज्म की उभरती अवधारणाओं के समानांतर एक तरह की कलात्मकता।

रोमांटिक आदर्श की उज्ज्वल मुहर चिह्नित है "वी.ए. ज़ुकोवस्की का पोर्ट्रेट"(1816)। उवरोव द्वारा कमीशन किए गए चित्र का निर्माण करने वाले कलाकार ने अपने समकालीनों को न केवल कवि की छवि दिखाने का फैसला किया, जो साहित्यिक हलकों में अच्छी तरह से जाना जाता था, बल्कि रोमांटिक कवि के व्यक्तित्व की एक निश्चित समझ का प्रदर्शन करने के लिए भी था। हमारे सामने एक प्रकार के कवि हैं जिन्होंने रूसी रूमानियत की दार्शनिक और स्वप्निल प्रवृत्ति को व्यक्त किया। किप्रेंस्की ने रचनात्मक प्रेरणा के क्षण में ज़ुकोवस्की का परिचय दिया। हवा ने कवि के बालों को झकझोर कर रख दिया है, पेड़ रात में अपनी शाखाओं को झकझोर रहे हैं, प्राचीन इमारतों के खंडहर मुश्किल से दिखाई दे रहे हैं। रोमांटिक गाथागीतों के निर्माता को इस तरह दिखना चाहिए। गहरे रंग रहस्यमयी माहौल को बढ़ा देते हैं। उवरोव की सलाह पर, किप्रेंस्की चित्र के अलग-अलग टुकड़ों को चित्रित करना समाप्त नहीं करता है, ताकि "अत्यधिक पूर्णता" आत्मा, स्वभाव और भावुकता को बुझा न सके।

टवर में किप्रेंस्की द्वारा कई चित्रों को चित्रित किया गया था। इसके अलावा, जब उन्होंने इवान पेट्रोविच वुल्फ, टवर के एक ज़मींदार को चित्रित किया, तो उन्होंने अपने सामने खड़ी लड़की, उनकी पोती, भविष्य की अन्ना पेत्रोव्ना केर्न को भावना के साथ देखा, जिसे सबसे मनोरम गीतात्मक कार्यों में से एक समर्पित किया गया था - ए.एस. पुश्किन का कविता "मुझे अद्भुत क्षण याद है ... कवियों, कलाकारों, संगीतकारों के ऐसे संघ कला में एक नई प्रवृत्ति - रूमानियत की अभिव्यक्ति बन गए।

किप्रेंस्की द्वारा "यंग गार्डनर" (1817), ब्रायलोव द्वारा "इटालियन नून" (1827), वेनेत्सियानोव द्वारा "रीपर्स" या "रीपर" (1820) एक ही टाइपोलॉजिकल श्रृंखला के काम हैं। वे प्रकृति पर केंद्रित हैं और स्पष्ट रूप से उपयोग करके लिखे गए थे यह। हालांकि, प्रत्येक कलाकार का कार्य - सरल प्रकृति की सौंदर्य पूर्णता को मूर्त रूप देना - एक छवि-रूपक बनाने के लिए दिखावे, कपड़े, स्थितियों के एक निश्चित आदर्शीकरण का कारण बना। जीवन, प्रकृति को देखते हुए, कलाकार ने इस पर पुनर्विचार किया , दृश्यमान काव्यीकरण। प्राचीन और पुनर्जागरण के स्वामी के अनुभव के साथ प्रकृति और कल्पना के इस गुणात्मक रूप से नए संयोजन में, उन छवियों को जन्म देना जो पहले कला के लिए ज्ञात नहीं थे, और 19 वीं की पहली छमाही में रोमांटिकतावाद की विशेषताओं में से एक है। सदी। आम तौर पर वेनेत्सियानोव और ब्रायलोव द्वारा इन कार्यों की विशेषता, रूपक प्रकृति, रोमांटिक की सबसे महत्वपूर्ण विशेषताओं में से एक थी जब रूसी कलाकार अभी भी पश्चिमी यूरोपीय रोमांटिक चित्र से अच्छी तरह से परिचित नहीं थे। "एक पिता का पोर्ट्रेट (ए. के. श्वाल्बे)"(1804) कला के ओरेस्ट किप्रेंस्की और विशेष रूप से चित्र शैली द्वारा लिखा गया था।

रूसी रूमानियत की सबसे महत्वपूर्ण उपलब्धियाँ चित्र शैली में काम करती हैं। स्वच्छंदतावाद के सबसे चमकीले और बेहतरीन उदाहरण प्रारंभिक काल के हैं। इटली की अपनी यात्रा से बहुत पहले, 1816 में, किप्रेंस्की, एक रोमांटिक अवतार के लिए आंतरिक रूप से तैयार, ने पुराने स्वामी के चित्रों को नई आँखों से देखा। गहरे रंग, प्रकाश द्वारा हाइलाइट किए गए आंकड़े, जलते हुए रंग, तीव्र नाटकीयता का उन पर गहरा प्रभाव पड़ा। "एक पिता का चित्र" निस्संदेह रेम्ब्रांट की छाप के तहत बनाया गया है। लेकिन रूसी कलाकार ने महान डचमैन से केवल बाहरी तकनीकें लीं। "एक पिता का चित्र" एक बिल्कुल स्वतंत्र कार्य है, जिसमें अपनी आंतरिक ऊर्जा और कलात्मक अभिव्यक्ति की शक्ति है। लैंडस्केप पोर्ट्रेट की एक विशिष्ट विशेषता उनके प्रदर्शन की जीवंतता है। यहां कोई सुरम्यता नहीं है - जो उसने कागज पर देखा उसका तात्कालिक स्थानांतरण ग्राफिक अभिव्यक्ति की एक अनूठी ताजगी पैदा करता है। इसलिए, चित्र में दर्शाए गए लोग हमें करीब और समझने योग्य लगते हैं।

विदेशियों ने किप्रेंस्की को रूसी वैन डाइक कहा, उनके चित्र दुनिया भर के कई संग्रहालयों में हैं। लेवित्स्की और बोरोविकोवस्की के काम के उत्तराधिकारी, एल। इवानोव और के। ब्रायलोव के पूर्ववर्ती, किप्रेंस्की ने अपने काम से रूसी कला विद्यालय को यूरोपीय प्रसिद्धि दी। अलेक्जेंडर इवानोव के शब्दों में, "वह यूरोप में रूसी नाम लाने वाले पहले व्यक्ति थे ..."।

एक व्यक्ति के व्यक्तित्व में बढ़ती रुचि, रूमानियत की विशेषता, ने 19 वीं शताब्दी के पूर्वार्ध में चित्र शैली के फूल को पूर्वनिर्धारित किया, जहां आत्म-चित्र प्रमुख विशेषता बन गया। एक नियम के रूप में, स्व-चित्र का निर्माण एक यादृच्छिक प्रकरण नहीं था। कलाकारों ने बार-बार लिखा और खुद को आकर्षित किया, और ये काम एक तरह की डायरी बन गए, जो मन की विभिन्न अवस्थाओं और जीवन के चरणों को दर्शाती है, और साथ ही वे समकालीनों को संबोधित एक घोषणापत्र थे। आत्म चित्रएक कस्टम शैली नहीं थी, कलाकार ने अपने लिए लिखा था, और यहाँ, जैसा कि पहले कभी नहीं था, वह आत्म-अभिव्यक्ति में स्वतंत्र हो गया। 18 वीं शताब्दी में, रूसी कलाकारों ने शायद ही कभी मूल छवियों को चित्रित किया, केवल रोमांटिकवाद, व्यक्ति के अपने पंथ के साथ, असाधारण, ने इस शैली के उदय में योगदान दिया। स्व-चित्र के प्रकारों की विविधता एक समृद्ध और बहुमुखी व्यक्तित्व के रूप में कलाकारों की स्वयं की धारणा को दर्शाती है। वे या तो निर्माता की सामान्य और स्वाभाविक भूमिका में दिखाई देते हैं ("वेलवेट बेरेट में सेल्फ़-पोर्ट्रेट" ए. जी. वर्नेक, 1810 के दशक में), फिर वे अतीत में डुबकी लगाते हैं, जैसे कि खुद पर कोशिश कर रहे हों ("हेलमेट में सेल्फ़-पोर्ट्रेट" और कवच" एफ। आई। यानेंको द्वारा , 1792), या, सबसे अधिक बार, बिना किसी पेशेवर विशेषताओं के प्रकट होता है, प्रत्येक व्यक्ति के महत्व और आत्म-मूल्य पर जोर देते हुए, मुक्त और दुनिया के लिए खुला, तलाश और भागता है, उदाहरण के लिए, एफ। ए। 1810 के दशक के स्व-चित्रों में ब्रूनी और ओ.ए. ओरलोवस्की। संवाद और खुलेपन के लिए तत्परता, 1810-1820 के कार्यों के आलंकारिक समाधान की विशेषता, धीरे-धीरे थकान और निराशा, विसर्जन, स्वयं में वापसी (एम। आई। तेरेबेनेव द्वारा "सेल्फ-पोर्ट्रेट") द्वारा प्रतिस्थापित की जाती है। यह प्रवृत्ति समग्र रूप से चित्र शैली के विकास में परिलक्षित हुई।

किप्रेंस्की के स्व-चित्र दिखाई दिए, जो ध्यान देने योग्य है, जीवन के महत्वपूर्ण क्षणों में उन्होंने मानसिक शक्ति के उत्थान या पतन की गवाही दी। कलाकार ने अपनी कला के माध्यम से खुद को देखा। हालांकि, उन्होंने अधिकांश चित्रकारों की तरह दर्पण का उपयोग नहीं किया; उन्होंने मुख्य रूप से अपने विचार के अनुसार खुद को चित्रित किया, वे अपनी आत्मा को व्यक्त करना चाहते थे, लेकिन अपनी उपस्थिति को नहीं।

"कान के पीछे ब्रश के साथ स्व-चित्र"छवि के बाहरी महिमामंडन, इसकी शास्त्रीय आदर्शता और आदर्श निर्माण में एक इनकार, और एक स्पष्ट रूप से प्रदर्शनकारी एक पर बनाया गया। चेहरे की विशेषताओं को लगभग सामान्य रूप से रेखांकित किया गया है। साइड लाइट चेहरे पर पड़ती है, केवल साइड फीचर्स को हाइलाइट करती है। प्रकाश के अलग-अलग प्रतिबिंब कलाकार की आकृति पर पड़ते हैं, जो चित्र की पृष्ठभूमि का प्रतिनिधित्व करते हुए, बमुश्किल दिखाई देने वाली चिलमन पर बुझते हैं। यहां सब कुछ जीवन, भावनाओं, मनोदशाओं की अभिव्यक्ति के अधीन है। यह स्व-चित्रण की कला के माध्यम से रोमांटिक कला पर एक नज़र है। रचनात्मकता के रहस्यों में कलाकार की भागीदारी रहस्यमय रोमांटिक "19 वीं शताब्दी के sfumato" में व्यक्त की गई है। एक अजीबोगरीब हरा-भरा स्वर कलात्मक दुनिया का एक विशेष वातावरण बनाता है, जिसके केंद्र में स्वयं कलाकार होता है।

लगभग एक साथ इस स्व-चित्र के साथ, और लिखा "गुलाबी गले में स्व-चित्र", जहां एक और छवि सन्निहित है। एक चित्रकार के पेशे के प्रत्यक्ष संकेत के बिना। स्वाभाविक रूप से, स्वतंत्र रूप से सहज महसूस करते हुए, एक युवक की छवि को फिर से बनाया गया है। कैनवास की सचित्र सतह को बारीकी से बनाया गया है। कलाकार का ब्रश आत्मविश्वास से पेंट लगाता है। बड़े और छोटे स्ट्रोक छोड़कर। रंग शानदार ढंग से विकसित होता है, रंग उज्ज्वल नहीं होते हैं, वे सामंजस्यपूर्ण रूप से एक-दूसरे के साथ जुड़ते हैं, प्रकाश शांत होता है: प्रकाश धीरे से युवक के चेहरे पर पड़ता है, उसकी विशेषताओं को रेखांकित करता है, बिना अनावश्यक अभिव्यक्ति और विरूपण के।

एक और उत्कृष्ट चित्रकार वेनेत्सियानोव था। 1811 में, उन्हें "सेल्फ-पोर्ट्रेट" और "के.आई. गोलोवाचेवस्की के पोर्ट्रेट ऑफ आर्ट्स अकादमी के तीन विद्यार्थियों के साथ" अकादमी से शिक्षाविद की उपाधि मिली। ये असाधारण कार्य हैं।

वेनेत्सियानोव ने खुद को एक सच्ची महारत घोषित किया "आत्म चित्र" 1811. यह उस समय के अन्य कलाकारों की तुलना में अलग तरह से लिखा गया था - ए। ओरलोवस्की, ओ। किप्रेंस्की, ई। वर्नेक और यहां तक ​​​​कि सर्फ वी। ट्रोपिनिन। उन सभी के लिए एक रोमांटिक प्रभामंडल में खुद की कल्पना करना आम बात थी, उनके आत्म-चित्र पर्यावरण के संबंध में एक तरह का काव्यात्मक टकराव थे। कलात्मक प्रकृति की विशिष्टता मुद्रा, इशारों में, विशेष रूप से कल्पना की गई पोशाक की असाधारणता में प्रकट हुई थी। वेनेत्सियानोव के "सेल्फ-पोर्ट्रेट" में, शोधकर्ताओं ने ध्यान दिया, सबसे पहले, एक व्यस्त व्यक्ति की सख्त और तीव्र अभिव्यक्ति ... सही दक्षता, जो उस आडंबरपूर्ण "कलात्मक लापरवाही" से भिन्न होती है, जो ड्रेसिंग गाउन द्वारा इंगित की जाती है या सहवास से स्थानांतरित होती है अन्य कलाकारों की टोपी। वेनित्सियानोव खुद को संयम से देखता है। उनके लिए कला एक प्रेरित आवेग नहीं है, बल्कि एक ऐसा मामला है जिसमें एकाग्रता और ध्यान की आवश्यकता होती है। आकार में छोटा, जैतून के स्वरों के रंग में लगभग मोनोक्रोम, बेहद सटीक लिखा गया, यह एक ही समय में सरल और जटिल है। पेंटिंग के बाहरी हिस्से से आकर्षित न होकर वह अपनी निगाहों से रुक जाता है। चश्मे के पतले सोने के फ्रेम के आदर्श रूप से पतले रिम छिपते नहीं हैं, बल्कि आंखों के तेज तीखेपन पर जोर देते हैं, प्रकृति पर इतना ध्यान केंद्रित नहीं करते हैं (कलाकार ने खुद को पैलेट और हाथों में ब्रश के साथ चित्रित किया है), लेकिन अंदर अपने ही विचारों की गहराई। एक बड़ा चौड़ा माथा, चेहरे का दाहिना भाग, सीधी रोशनी से रोशन, और एक सफेद शर्ट-सामने एक हल्का त्रिकोण बनाता है, जो सबसे पहले दर्शकों की नज़र को आकर्षित करता है, जो अगले पल में, दाईं ओर की गति का अनुसरण करता है हाथ एक पतला ब्रश पकड़े हुए, पैलेट पर नीचे की ओर स्लाइड करता है। बालों की लहराती किस्में, चमकदार फ्रेम, कॉलर पर एक ढीली टाई, कंधे की एक नरम रेखा और अंत में, पैलेट का एक विस्तृत अर्धवृत्त चिकनी, बहने वाली रेखाओं की एक चलती प्रणाली बनाता है, जिसके अंदर तीन मुख्य बिंदु होते हैं : पुतलियों की छोटी चकाचौंध, और शर्ट के सामने का नुकीला सिरा, पैलेट और ब्रश के साथ लगभग बंद होना। चित्र की रचना के निर्माण में इस तरह की लगभग गणितीय गणना छवि को आंशिक आंतरिक रचना देती है और यह मानने का कारण देती है कि लेखक के पास एक विश्लेषणात्मक दिमाग है, जो वैज्ञानिक सोच से ग्रस्त है। "सेल्फ-पोर्ट्रेट" में किसी भी रूमानियत का कोई निशान नहीं है, जो तब खुद कलाकारों के चित्रण में अक्सर होता था। यह एक कलाकार-शोधकर्ता, एक कलाकार-विचारक और एक मेहनती कार्यकर्ता का स्व-चित्र है।

अन्य काम - गोलोवाचेव्स्की का चित्र- एक तरह की कथानक रचना के रूप में कल्पना की गई: पुराने निरीक्षक के व्यक्ति में अकादमी के स्वामी की पुरानी पीढ़ी बढ़ती प्रतिभाओं को निर्देश देती है: चित्रकार (चित्रों के एक फ़ोल्डर के साथ। वास्तुकार और मूर्तिकार। लेकिन वेनेत्सियानोव ने नहीं किया इस तस्वीर में किसी भी कृत्रिमता या व्यवहारवाद की छाया की भी अनुमति दें: अच्छा बूढ़ा गोलोवाचेवस्की एक किताब में पढ़े गए कुछ पृष्ठ किशोरों के लिए अनुकूल व्याख्या करता है। अभिव्यक्ति की ईमानदारी चित्र की सचित्र संरचना में समर्थन पाती है: इसकी कमजोर, सूक्ष्मता और खूबसूरती से सामंजस्यपूर्ण रंगीन स्वर शांति और गंभीरता की छाप पैदा करते हैं। चेहरों को खूबसूरती से चित्रित किया जाता है, आंतरिक महत्व से भरा होता है। चित्र रूसी चित्रकला की सर्वोच्च उपलब्धियों में से एक था।

और 1800 के दशक के ओरलोवस्की के काम में, चित्र के काम ज्यादातर चित्र के रूप में दिखाई देते हैं। 1809 तक, भावनात्मक रूप से समृद्ध पोर्ट्रेट शीट जैसे "आत्म चित्र". संगीन और चारकोल (चाक हाइलाइटिंग के साथ) के रसदार मुक्त स्ट्रोक के साथ निष्पादित, ओरलोवस्की का "सेल्फ-पोर्ट्रेट" अपनी कलात्मक अखंडता, छवि के लक्षण वर्णन और प्रदर्शन की कलात्मकता के साथ आकर्षित करता है। साथ ही, यह ओरलोवस्की की कला के कुछ अजीबोगरीब पहलुओं को समझने की अनुमति देता है। "सेल्फ-पोर्ट्रेट" ओरलोवस्की, निश्चित रूप से, उन वर्षों के कलाकार की विशिष्ट उपस्थिति को सटीक रूप से पुन: पेश करने का लक्ष्य नहीं रखता है। हमारे सामने - कई मायनों में जानबूझकर। एक "कलाकार" की अतिरंजित उपस्थिति जो अपने स्वयं के "मैं" को आसपास की वास्तविकता का विरोध करती है, वह अपनी उपस्थिति की "सभ्यता" के बारे में चिंतित नहीं है: कंघी और ब्रश उसके रसीले बालों को नहीं छूते थे, उसके कंधे पर उसके किनारे का किनारा है एक खुले कॉलर के साथ एक होम शर्ट के ठीक ऊपर एक चेकर रेनकोट। स्थानांतरित भौंहों के नीचे से "उदास" रूप के साथ सिर का एक तेज मोड़, चित्र का एक करीबी कट, जिसमें चेहरे को करीब से दर्शाया गया है, प्रकाश के विपरीत - यह सब विरोध के मुख्य प्रभाव को प्राप्त करने के उद्देश्य से है पर्यावरण के लिए चित्रित व्यक्ति (और इस प्रकार दर्शक के लिए)।

व्यक्तित्व पर जोर देने का मार्ग - उस समय की कला में सबसे प्रगतिशील विशेषताओं में से एक - चित्र का मुख्य वैचारिक और भावनात्मक स्वर बनाता है, लेकिन एक अजीबोगरीब पहलू में प्रकट होता है जो उस अवधि की रूसी कला में लगभग कभी नहीं पाया जाता है। व्यक्तित्व की पुष्टि उसके आंतरिक संसार की समृद्धि को प्रकट करने से नहीं, बल्कि उसके आस-पास की हर चीज को अस्वीकार करने के एक बाहरी तरीके से होती है। एक ही समय में छवि, निश्चित रूप से, समाप्त, सीमित दिखती है।

इस तरह के समाधान उस समय की रूसी चित्र कला में खोजना मुश्किल है, जहां पहले से ही 18 वीं शताब्दी के मध्य में नागरिक और मानवतावादी उद्देश्यों ने जोर से आवाज उठाई और व्यक्ति के व्यक्तित्व ने पर्यावरण के साथ मजबूत संबंध कभी नहीं तोड़ा। एक बेहतर, लोकतांत्रिक सामाजिक व्यवस्था का सपना देखते हुए, उस युग के रूस के सबसे अच्छे लोग किसी भी तरह से वास्तविकता से अलग नहीं थे, उन्होंने जानबूझकर "व्यक्तिगत स्वतंत्रता" के व्यक्तिवादी पंथ को खारिज कर दिया, जो बुर्जुआ क्रांति से मुक्त पश्चिमी यूरोप की धरती पर पनपा था। . यह स्पष्ट रूप से रूसी चित्र कला में वास्तविक कारकों के प्रतिबिंब के रूप में प्रकट हुआ था। किसी को केवल ओरलोवस्की के "सेल्फ-पोर्ट्रेट" की एक साथ तुलना करने की आवश्यकता है "आत्म चित्र"किप्रेंस्की (उदाहरण के लिए, 1809), ताकि दो चित्रकारों के बीच गंभीर आंतरिक अंतर तुरंत आंख को पकड़ ले।

किप्रेंस्की भी एक व्यक्ति के व्यक्तित्व को "वीरता" देता है, लेकिन वह इसके वास्तविक आंतरिक मूल्यों को दिखाता है। कलाकार के चेहरे में, दर्शक एक मजबूत दिमाग, चरित्र, नैतिक शुद्धता की विशेषताओं को अलग करता है।

किप्रेंस्की की पूरी उपस्थिति अद्भुत बड़प्पन और मानवता से आच्छादित है। वह आसपास की दुनिया में "अच्छे" और "बुरे" के बीच अंतर करने में सक्षम है और दूसरे को अस्वीकार करते हुए, पहले को प्यार करता है और उसकी सराहना करता है, समान विचारधारा वाले लोगों से प्यार करता है और उनकी सराहना करता है। साथ ही, हमारे सामने निस्संदेह एक मजबूत व्यक्तित्व है, जो अपने व्यक्तिगत गुणों के मूल्य की चेतना पर गर्व करता है। चित्र छवि की ठीक यही अवधारणा किप्रेंस्की द्वारा डी। डेविडोव के प्रसिद्ध वीर चित्र को रेखांकित करती है।

ओरलोव्स्की, किप्रेंस्की की तुलना में, साथ ही उस समय के कुछ अन्य रूसी चित्रकारों के साथ, अधिक सीमित, अधिक सीधे और बाहरी रूप से एक "मजबूत व्यक्तित्व" की छवि को हल करता है, जबकि स्पष्ट रूप से बुर्जुआ फ्रांस की कला पर ध्यान केंद्रित करता है। जब आप उनके "सेल्फ-पोर्ट्रेट" को देखते हैं, तो ए. ग्रो, गेरिकॉल्ट के चित्र अनायास ही दिमाग में आ जाते हैं। 1810 के ओरलोवस्की की प्रोफ़ाइल "सेल्फ-पोर्ट्रेट", व्यक्तिवादी "आंतरिक शक्ति" के अपने पंथ के साथ, हालांकि, पहले से ही 1809 के "सेल्फ-पोर्ट्रेट" के तेज "स्केच" रूप से रहित है या "ड्यूपोर्ट का पोर्ट्रेट"।उत्तरार्द्ध में, ओरलोवस्की, सेल्फ-पोर्ट्रेट की तरह, सिर और कंधों के तेज, लगभग क्रॉस-क्रॉस आंदोलन के साथ एक शानदार, "वीर" मुद्रा का उपयोग करता है। वह ड्यूपोर्ट के चेहरे की अनियमित संरचना, उसके उलझे हुए बालों पर जोर देता है, एक चित्र छवि बनाने के उद्देश्य से जो अपने अद्वितीय, यादृच्छिक चरित्र में आत्मनिर्भर है।

"परिदृश्य एक चित्र होना चाहिए," के.एन. बट्युशकोव ने लिखा। शैली की ओर रुख करने वाले अधिकांश कलाकारों ने अपने काम में इस सेटिंग का पालन किया। परिदृश्य।स्पष्ट अपवादों में, शानदार परिदृश्य की ओर बढ़ते हुए, ए.ओ. ओरलोवस्की ("सी व्यू", 1809) थे; ए. जी. वर्नेक ("रोम के वातावरण में देखें", 1809); पी.वी. बेसिन ("द स्काई एट सनसेट इन द आउटस्कर्ट ऑफ रोम", "इवनिंग लैंडस्केप", दोनों - 1820)। विशिष्ट प्रकारों का निर्माण करते हुए, उन्होंने संवेदना, भावनात्मक समृद्धि, रचनात्मक तकनीकों के साथ स्मारकीय ध्वनि प्राप्त करने की तात्कालिकता को बनाए रखा।

यंग ओर्लरोव्स्की ने प्रकृति में केवल टाइटैनिक बलों को देखा, जो मनुष्य की इच्छा के अधीन नहीं थे, जो तबाही, आपदा पैदा करने में सक्षम थे। एक उग्र समुद्री तत्व वाले व्यक्ति का संघर्ष उसके "विद्रोही" रोमांटिक काल के कलाकार के पसंदीदा विषयों में से एक है। यह 1809-1810 के उनके चित्र, जल रंग और तेल चित्रों की सामग्री बन गया। दुखद दृश्य तस्वीर में दिखाया गया है "जहाज़ की तबाही"(1809 (?)). जमीन पर गिरे अंधेरे में, प्रचंड लहरों के बीच, डूबते हुए मछुआरे उन तटीय चट्टानों पर चढ़ जाते हैं जिन पर उनका जहाज दुर्घटनाग्रस्त हो गया था। गंभीर लाल स्वर में बने, रंग चिंता की भावना को बढ़ाता है। भयानक लहरों की छापेमारी, एक तूफान का पूर्वाभास, और दूसरी तस्वीर में - "समुद्री रास्ते से"(1809)। यह तूफानी आकाश में भी एक बड़ी भावनात्मक भूमिका निभाता है, जो अधिकांश रचना पर कब्जा कर लेता है। यद्यपि ओरलोवस्की ने हवाई परिप्रेक्ष्य की कला में महारत हासिल नहीं की, लेकिन योजनाओं के क्रमिक संक्रमणों को यहां अधिक सामंजस्यपूर्ण और धीरे से हल किया गया है। रंग हल्का हो गया है। लाल-भूरे रंग की पृष्ठभूमि पर खूबसूरती से खेलते हैं, मछुआरों के कपड़े के लाल धब्बे। जल रंग में बेचैन और चिंतित समुद्री तत्व "सेलबोट"(सी.1812)। और यहां तक ​​कि जब हवा पाल को नहीं हिलाती और पानी की सतह को नहीं हिलाती, जैसा कि पानी के रंग में होता है "जहाजों के साथ सीस्केप"(सी। 1810), दर्शक इस पूर्वाभास को नहीं छोड़ते हैं कि एक तूफान शांति के बाद आएगा।

सभी नाटक और भावनाओं की भावनाओं के साथ, ओरलोवस्की के समुद्री दृश्य वायुमंडलीय घटनाओं की उनकी टिप्पणियों का इतना फल नहीं हैं, बल्कि कला के क्लासिक्स की प्रत्यक्ष नकल का परिणाम हैं। विशेष रूप से, जे वर्नेट।

S. F. Shchedrin के परिदृश्य का एक अलग चरित्र था। वे मनुष्य और प्रकृति के सह-अस्तित्व के सामंजस्य से भरे हुए हैं ("समुद्र के किनारे पर छत। सोरेंटो के पास कैप्पुकिनी", 1827)। नेपल्स और उनके ब्रश के वातावरण के कई दृश्यों को असाधारण सफलता और लोकप्रियता मिली।

रूसी चित्रकला में सेंट पीटर्सबर्ग की एक रोमांटिक छवि का निर्माण एम। एन। वोरोब्योव के काम से जुड़ा है। उनके कैनवस पर, शहर रहस्यमय सेंट पीटर्सबर्ग कोहरे, सफेद रातों की एक नरम धुंध और समुद्र की नमी से संतृप्त वातावरण में डूबा हुआ दिखाई दिया, जहां इमारतों की आकृति मिट जाती है, और चांदनी संस्कार को पूरा करती है। वही गीतात्मक शुरुआत उनके द्वारा किए गए सेंट पीटर्सबर्ग परिवेश के विचारों को अलग करती है ("सेंट पीटर्सबर्ग के बाहरी इलाके में सूर्यास्त", 1832)। लेकिन उत्तरी राजधानी को भी कलाकारों ने एक अलग, नाटकीय तरीके से देखा, प्राकृतिक तत्वों के टकराव और संघर्ष के लिए एक क्षेत्र के रूप में (वी। ई। राव, अलेक्जेंडर कॉलम एक थंडरस्टॉर्म के दौरान, 1834)।

आई.के. ऐवाज़ोव्स्की के शानदार चित्रों ने नशे के रोमांटिक आदर्शों को संघर्ष और प्राकृतिक शक्तियों की शक्ति, मानव आत्मा की सहनशक्ति और अंत तक लड़ने की क्षमता के साथ स्पष्ट रूप से मूर्त रूप दिया। फिर भी, मास्टर की विरासत में एक बड़ा स्थान रात के समुद्री दृश्यों द्वारा कब्जा कर लिया गया है जो विशिष्ट स्थानों को समर्पित है जहां तूफान रात के जादू को रास्ता देता है, एक समय जो रोमांटिक लोगों के विचारों के अनुसार, एक रहस्यमय आंतरिक जीवन से भरा होता है, और जहां कलाकार की सचित्र खोज असाधारण प्रकाश प्रभाव ("चांदनी रात में ओडेसा का दृश्य", "चांदनी में कॉन्स्टेंटिनोपल का दृश्य", दोनों - 1846) निकालने की दिशा में निर्देशित है।

प्राकृतिक तत्वों का विषय और आश्चर्य से लिया गया व्यक्ति, रोमांटिक कला का एक पसंदीदा विषय, 1800-1850 के कलाकारों द्वारा अलग तरह से व्याख्या किया गया था। कार्य वास्तविक घटनाओं पर आधारित थे, लेकिन छवियों का अर्थ उनके उद्देश्य को फिर से बेचना नहीं है। एक विशिष्ट उदाहरण प्योत्र बेसिन की पेंटिंग है "रोम के पास रोक्का डि पापा में भूकंप"(1830)। यह किसी विशिष्ट घटना के वर्णन के लिए इतना समर्पित नहीं है जितना कि तत्वों की अभिव्यक्ति का सामना करने वाले व्यक्ति के भय और आतंक के चित्रण के लिए।

इस युग की रूसी चित्रकला के प्रकाशक केपी ब्रायलोव (1799-1852) और ए.ए. इवानोव (1806 - 1858)। रूसी चित्रकार और ड्राफ्ट्समैन के.पी. ब्रायलोव, जबकि अभी भी कला अकादमी के छात्र थे, ने ड्राइंग के अतुलनीय कौशल में महारत हासिल की। ब्रायलोव के काम को आमतौर पर "द लास्ट डे ऑफ पोम्पेई" से पहले और बाद में विभाजित किया जाता है। पहले क्या बनाया था....?!

"इटालियन मॉर्निंग" (1823), "एर्मिलिया विद द शेफर्ड्स" (1824) टोरक्वेटो टैसो की कविता "द लिबरेशन ऑफ जेरूसलम", "इटालियन नून" ("इटालियन वुमन हार्वेस्टिंग ग्रेप्स", 1827), "हॉर्सवुमन" (1830) पर आधारित है। , "बतशेबा" (1832) - ये सभी पेंटिंग जीवन के उज्ज्वल, निर्विवाद आनंद से ओत-प्रोत हैं। इस तरह की रचनाएँ पुश्किन, बट्युशकोव, व्यज़ेम्स्की, डेलविग की प्रारंभिक महाकाव्य कविताओं के अनुरूप थीं। महान आचार्यों की नकल पर आधारित पुरानी शैली ने ब्रायलोव को संतुष्ट नहीं किया, और उन्होंने खुली हवा में "इतालवी सुबह", "इतालवी दोपहर", "बाथशेबा" लिखा।

चित्र पर काम करते हुए, ब्रायलोव ने प्रकृति से केवल सिर को चित्रित किया। बाकी सब कुछ अक्सर उसकी कल्पना से तय होता था। ऐसे मुक्त रचनात्मक आशुरचना का फल है "राइडर"।चित्र में मुख्य बात सूजी हुई नाक और जगमगाती आँखों के साथ एक गर्म, उड़ने वाले जानवर के विपरीत है और एक सुंदर घुड़सवार शांति से घोड़े की उन्मादी ऊर्जा को नियंत्रित करता है (जानवरों को बांधना शास्त्रीय मूर्तिकारों का पसंदीदा विषय है, ब्रायलोव ने इसे पेंटिंग में हल किया) .

पर "बतशेबा"कलाकार बाइबिल की कहानी को खुली हवा में नग्न शरीर दिखाने और गोरी त्वचा पर प्रकाश और सजगता के खेल को व्यक्त करने के बहाने के रूप में उपयोग करता है। "बतशेबा" में उन्होंने एक युवा महिला की छवि बनाई, जो खुशी और खुशी से भरी हुई थी। जैतून का साग, चेरी के कपड़े, एक पारदर्शी जलाशय से घिरा नग्न शरीर चमकता और चमकता है। शरीर के नरम लोचदार रूपों को सफेद कपड़े और बतशेबा की सेवा करने वाली अरब महिला के चॉकलेट रंग के साथ खूबसूरती से जोड़ा जाता है। निकायों की बहने वाली रेखाएं, तालाब और कपड़े चित्र की संरचना को एक चिकनी लय देते हैं।

पेंटिंग में पेंटिंग एक नया शब्द बन गया है "पोम्पेई का आखिरी दिन"(1827-1833)। उन्होंने अपने जीवनकाल में कलाकार का नाम अमर और बहुत प्रसिद्ध किया।

इसका कथानक, जाहिरा तौर पर, उसके भाई अलेक्जेंडर के प्रभाव में चुना गया था, जिसने पोम्पियन खंडहरों का गहन अध्ययन किया था। लेकिन तस्वीर लिखने के कारण गहरे हैं। गोगोल ने इस पर ध्यान दिया, और हर्ज़ेन ने सीधे कहा कि द लास्ट डे ऑफ़ पोम्पेई में उन्होंने अपना स्थान पाया, शायद, रूस में डिसमब्रिस्ट विद्रोह की हार के कारण कलाकार के विचारों और भावनाओं का एक अचेतन प्रतिबिंब। बिना कारण नहीं, मरने वाले पोम्पेई में उग्र तत्वों के पीड़ितों के बीच, ब्रायलोव ने अपना आत्म-चित्र रखा और चित्र में अन्य पात्रों को अपने रूसी परिचितों की विशेषताएं दीं।

ब्रायलोव के इतालवी दल ने भी एक भूमिका निभाई, जो उन्हें पिछले वर्षों में इटली में आए क्रांतिकारी तूफानों के बारे में बता सकता है, प्रतिक्रिया के वर्षों के दौरान कार्बोनारी के दुखद भाग्य के बारे में।

पोम्पेई की मृत्यु की भव्य तस्वीर ऐतिहासिकता की भावना से ओत-प्रोत है, यह एक ऐतिहासिक युग के दूसरे युग में परिवर्तन, प्राचीन बुतपरस्ती के दमन और एक नए ईसाई धर्म की शुरुआत को दर्शाती है।

कलाकार इतिहास के पाठ्यक्रम को नाटकीय रूप से, युगों के परिवर्तन को मानव जाति के लिए एक झटके के रूप में मानता है। रचना के केंद्र में, एक महिला जो रथ से गिर गई और मौत के घाट उतार दी गई, जाहिर है, प्राचीन दुनिया की मौत। लेकिन मां के शव के पास कलाकार ने एक जिंदा बच्चे को रख दिया। बच्चों और माता-पिता, एक जवान आदमी और एक बूढ़ी मां, बेटों और एक पुराने पिता को चित्रित करते हुए, कलाकार ने पुरानी पीढ़ियों को इतिहास में लुप्त हो जाना और नई पीढ़ी को उनकी जगह लेने के लिए दिखाया। एक पुरानी, ​​ढहती दुनिया के खंडहरों पर एक नए युग का जन्म ब्रायलोव की पेंटिंग का असली विषय है। इतिहास जो भी परिवर्तन लाता है, मानव जाति का अस्तित्व नहीं रुकता, और जीवन की उसकी प्यास मिटती नहीं है। पोम्पेई के अंतिम दिन के पीछे यही मुख्य विचार है। यह तस्वीर मानवता की सुंदरता का एक भजन है, जो इतिहास के सभी चक्रों में अमर है।

कैनवास को 1833 में मिलान कला प्रदर्शनी में प्रदर्शित किया गया था, इसने उत्साही प्रतिक्रियाओं की झड़ी लगा दी। अनुभवी इटली को जीत लिया गया था। ब्रायलोव के छात्र जी. जी. गगारिन ने गवाही दी: “इस महान कार्य ने इटली में असीम उत्साह जगाया। जिन शहरों में पेंटिंग का प्रदर्शन किया गया था, उन्होंने कलाकार के लिए गंभीर स्वागत की व्यवस्था की, कविताएँ उन्हें समर्पित की गईं, उन्हें संगीत, फूलों और मशालों के साथ सड़कों पर ले जाया गया ... हर जगह उन्हें एक प्रसिद्ध, विजयी प्रतिभा के रूप में सम्मान के साथ प्राप्त किया गया, समझ में आता है और सभी के द्वारा सराहना की जाती है।

अंग्रेजी लेखक वाल्टर स्कॉट (रोमांटिक साहित्य के प्रतिनिधि, अपने ऐतिहासिक उपन्यासों के लिए प्रसिद्ध) ने ब्रायलोव के स्टूडियो में एक घंटा बिताया, जिसके बारे में उन्होंने कहा कि यह एक तस्वीर नहीं थी, बल्कि एक पूरी कविता थी। मिलान, फ्लोरेंस, बोलोग्ना और पर्मा की कला अकादमियों ने रूसी चित्रकार को अपना मानद सदस्य चुना।

ब्रायलोव के कैनवास ने पुश्किन और गोगोल से उत्साही प्रतिक्रियाएँ प्राप्त कीं।

Vesuvius zev खुला - एक क्लब-लौ में धुंआ निकला

युद्ध के बैनर की तरह व्यापक रूप से विकसित।

पृथ्वी चिंतित है - चौंका देने वाले स्तंभों से

मूर्तियाँ गिर रही हैं!..

पुश्किन ने पेंटिंग की छाप के तहत लिखा।

ब्रायलोव के साथ शुरू, इतिहास में महत्वपूर्ण मोड़ रूसी ऐतिहासिक चित्रकला का मुख्य विषय बन गया, जिसमें भव्य लोक दृश्यों का चित्रण किया गया, जहां प्रत्येक व्यक्ति ऐतिहासिक नाटक में भागीदार होता है, जहां कोई मुख्य और माध्यमिक नहीं होता है।

"पोम्पेई" सामान्य रूप से, क्लासिकवाद से संबंधित है। कलाकार ने कुशलता से कैनवास पर मानव शरीर की प्लास्टिसिटी का खुलासा किया। लोगों के सभी आध्यात्मिक आंदोलनों को ब्रायलोव द्वारा प्रसारित किया गया था, मुख्य रूप से प्लास्टिसिटी की भाषा में। एक तूफानी आंदोलन में दिए गए अलग-अलग आंकड़े संतुलित, जमे हुए समूहों में एकत्र किए जाते हैं। प्रकाश की चमक निकायों के आकार पर जोर देती है और मजबूत चित्रमय प्रभाव पैदा नहीं करती है। हालांकि, पोम्पेई के जीवन में एक असाधारण घटना को दर्शाने वाली तस्वीर की रचना, जिसमें गहराई में केंद्र में एक मजबूत सफलता है, रोमांटिकतावाद से प्रेरित थी।

एक विश्वदृष्टि के रूप में रूस में स्वच्छंदतावाद 18वीं शताब्दी के अंत से 1850 के दशक तक अपनी पहली लहर में मौजूद था। रूसी कला में रोमांटिक की रेखा 1850 के दशक में नहीं रुकी। कला के लिए रोमान्टिक्स द्वारा खोजी जाने वाली अवस्था का विषय, बाद में ब्लू रोज़ के कलाकारों द्वारा विकसित किया गया था। रोमांटिक लोगों के प्रत्यक्ष उत्तराधिकारी निस्संदेह प्रतीकवादी थे। रोमांटिक विषयों, रूपांकनों, अभिव्यंजक उपकरणों ने विभिन्न शैलियों, दिशाओं, रचनात्मक संघों की कला में प्रवेश किया। रोमांटिक विश्वदृष्टि या विश्वदृष्टि सबसे जीवंत, दृढ़, फलदायी में से एक बन गई।

एक सामान्य दृष्टिकोण के रूप में स्वच्छंदतावाद, मुख्य रूप से युवा लोगों की विशेषता, एक आदर्श और रचनात्मक स्वतंत्रता की इच्छा के रूप में, अभी भी विश्व कला में लगातार रह रहे हैं।

ग) संगीत

अपने शुद्धतम रूप में स्वच्छंदतावाद पश्चिमी यूरोपीय कला की एक घटना है। 19 वीं शताब्दी का रूसी संगीत। ग्लिंका से त्चिकोवस्की तक, क्लासिकवाद की विशेषताओं को रोमांटिकतावाद की विशेषताओं के साथ जोड़ा गया था, प्रमुख तत्व एक उज्ज्वल, मूल राष्ट्रीय सिद्धांत था। रूस में स्वच्छंदतावाद ने एक अप्रत्याशित वृद्धि दी जब यह प्रवृत्ति अतीत की बात लगती थी। 20वीं शताब्दी के दो संगीतकारों, स्क्रिपाइन और राचमानिनोव ने रोमांटिकतावाद की ऐसी विशेषताओं को फिर से जीवित किया, जैसे कि कल्पना की बेलगाम उड़ान और गीतों की आत्मीयता। इसलिए 19वीं सदी शास्त्रीय संगीत का युग कहा जाता है।

समय (1812, डिसमब्रिस्ट विद्रोह, उसके बाद की प्रतिक्रिया) ने संगीत पर अपनी छाप छोड़ी। हम जो भी शैली लेते हैं - रोमांस, ओपेरा, बैले, चैम्बर संगीत - हर जगह रूसी संगीतकारों ने अपना नया शब्द कहा है।

रूस का संगीत, अपने सभी सैलून लालित्य और पेशेवर वाद्य लेखन की परंपराओं के सख्त पालन के साथ, सोनाटा-सिम्फोनिक लेखन सहित, रूसी लोककथाओं के अद्वितीय मोडल रंग और लयबद्ध संरचना पर आधारित है। कुछ लोग रोज़मर्रा के गीतों पर बहुत अधिक भरोसा करते हैं, अन्य संगीत-निर्माण के मूल रूपों पर, और अभी भी अन्य प्राचीन रूसी किसान मोड की प्राचीन पद्धति पर भरोसा करते हैं।

19वीं सदी की शुरुआत - ये रोमांस शैली के पहले और उज्ज्वल फूलों के वर्ष हैं। मामूली ईमानदार गीत अभी भी श्रोताओं को प्रसन्न और प्रसन्न करते हैं। अलेक्जेंडर अलेक्जेंड्रोविच एलियाबयेव (1787-1851)।उन्होंने कई कवियों के छंदों पर रोमांस लिखा, लेकिन अमर हैं "बुलबुल"डेलविग के छंदों के लिए, "विंटर रोड", "आई लव यू"पुश्किन की कविताओं पर।

अलेक्जेंडर एगोरोविच वरलामोव (1801-1848)नाटकीय प्रदर्शन के लिए संगीत लिखा, लेकिन हम उन्हें प्रसिद्ध रोमांस से अधिक जानते हैं "लाल सुंड्रेस", "मुझे भोर में मत जगाओ", "एक अकेला पाल सफेद हो जाता है"।

अलेक्जेंडर लवोविच गुरिलेव (1803-1858)- संगीतकार, पियानोवादक, वायलिन वादक और शिक्षक, वह इस तरह के रोमांस के मालिक हैं: "घंटी नीरस रूप से बजती है", "एक धूमिल युवा की भोर में"और आदि।

यहां सबसे प्रमुख स्थान पर ग्लिंका के रोमांस का कब्जा है। पुश्किन, ज़ुकोवस्की की कविता के साथ संगीत का ऐसा प्राकृतिक संलयन अभी तक किसी और ने हासिल नहीं किया था।

मिखाइल इवानोविच ग्लिंका (1804-1857)- पुश्किन के समकालीन (अलेक्जेंडर सर्गेइविच से 5 वर्ष छोटे), रूसी साहित्य के एक क्लासिक, संगीत क्लासिक्स के संस्थापक बने। उनका काम रूसी और विश्व संगीत संस्कृति के शिखर में से एक है। यह सामंजस्यपूर्ण रूप से लोक संगीत की समृद्धि और संगीतकार के कौशल की उच्चतम उपलब्धियों को जोड़ती है। ग्लिंका के गहरे लोक यथार्थवादी कार्य ने 19 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में रूसी संस्कृति के शक्तिशाली उत्कर्ष को दर्शाया, जो 1812 के देशभक्तिपूर्ण युद्ध और डीसमब्रिस्ट आंदोलन से जुड़ा था। ग्लिंका के संगीत के सबसे मूल्यवान गुण प्रकाश, जीवनदायिनी चरित्र, रूपों का सामंजस्य, अभिव्यंजक और मधुर धुनों की सुंदरता, विविधता, प्रतिभा और सामंजस्य की सूक्ष्मता हैं। प्रसिद्ध ओपेरा में "इवान सुसैनिन"(1836) लोकप्रिय देशभक्ति के विचार की एक शानदार अभिव्यक्ति प्राप्त की; रूसी लोगों की नैतिक महानता को परी कथा ओपेरा में भी महिमामंडित किया गया है ” रुस्लान और लुडमिला". ग्लिंका द्वारा आर्केस्ट्रा कार्य: "काल्पनिक वाल्ट्ज", "मैड्रिड में रात"और विशेष रूप से "कमरिंस्काया",रूसी शास्त्रीय सिम्फनीवाद का आधार बनाते हैं। नाटकीय अभिव्यक्ति की शक्ति और त्रासदी के लिए संगीत की विशेषताओं की चमक के मामले में उल्लेखनीय "प्रिंस Kholmsky"।ग्लिंका के मुखर गीत (रोमांस .) "मुझे एक अद्भुत क्षण याद है", "संदेह") संगीत में रूसी कविता का एक नायाब अवतार है।

6. पश्चिमी यूरोपीय रोमांटिकवाद

एक पेंटिंग

यदि फ्रांस क्लासिकवाद का पूर्वज था, तो "रोमांटिक स्कूल की जड़ों को खोजने के लिए," उनके समकालीनों में से एक ने लिखा, "हमें जर्मनी जाना चाहिए। वह वहाँ पैदा हुई थी, और वहाँ आधुनिक इतालवी और फ्रांसीसी रोमांटिक लोगों ने अपना स्वाद बनाया।

खंडित जर्मनीक्रांतिकारी उभार को नहीं जानते थे। जर्मन रोमांटिक लोगों में से कई उन्नत सामाजिक विचारों के पथ से अलग थे। उन्होंने मध्य युग को आदर्श बनाया। उन्होंने बेहिसाब आध्यात्मिक आवेगों के सामने आत्मसमर्पण कर दिया, मानव जीवन के परित्याग की बात की। उनमें से कई की कला निष्क्रिय और चिंतनशील थी। उन्होंने पोर्ट्रेट और लैंडस्केप पेंटिंग के क्षेत्र में अपना सर्वश्रेष्ठ काम किया।

एक उत्कृष्ट चित्रकार ओटो रनगे (1777-1810) था। इस गुरु के चित्र, बाहरी शांति के साथ, एक गहन और गहन आंतरिक जीवन से विस्मित करते हैं।

रूंग इन . द्वारा रोमांटिक कवि की छवि देखी जाती है "आत्म चित्र"।वह ध्यान से खुद की जांच करता है और एक काले बालों वाला, काले आंखों वाला, गंभीर, ऊर्जा से भरा, विचारशील, आत्मनिरीक्षण और मजबूत इरादों वाला युवक देखता है। रोमांटिक कलाकार खुद को जानना चाहता है। चित्र के निष्पादन का तरीका तेज और व्यापक है, जैसे कि रचनाकार की आध्यात्मिक ऊर्जा को पहले से ही काम की बनावट में व्यक्त किया जाना चाहिए; एक गहरे रंगीन रेंज में, प्रकाश और अंधेरे के विपरीत दिखाई देते हैं। कंट्रास्ट रोमांटिक मास्टर्स की एक विशिष्ट सचित्र तकनीक है।

किसी व्यक्ति की मनोदशा के परिवर्तनशील नाटक को पकड़ने के लिए, उसकी आत्मा को देखने के लिए, रोमांटिक गोदाम का एक कलाकार हमेशा कोशिश करेगा। और इस संबंध में, बच्चों के चित्र उसके लिए उपजाऊ सामग्री के रूप में काम करेंगे। पर हुल्सेनबेक बच्चों का चित्र(1805) रनगे न केवल एक बच्चे के चरित्र की जीवंतता और सहजता को व्यक्त करता है, बल्कि एक उज्ज्वल मूड के लिए एक विशेष स्वागत भी पाता है जो दूसरी मंजिल के प्लीइन एयर ओपनिंग को प्रसन्न करता है। 19 वीं सदी चित्र में पृष्ठभूमि एक परिदृश्य है, जो न केवल कलाकार के रंगीन उपहार, प्रकृति के प्रति प्रशंसनीय रवैये की गवाही देता है, बल्कि स्थानिक संबंधों के उत्कृष्ट प्रजनन में नई समस्याओं के उद्भव के लिए, खुली हवा में वस्तुओं के हल्के रंगों की भी गवाही देता है। एक रोमांटिक मास्टर, अपने "मैं" को ब्रह्मांड के विस्तार के साथ मिलाना चाहता है, प्रकृति के कामुक रूप से मूर्त रूप को पकड़ने का प्रयास करता है। लेकिन छवि की इस कामुकता के साथ, वह बड़ी दुनिया के प्रतीक "कलाकार के विचार" को देखना पसंद करते हैं।

रंज, पहले रोमांटिक कलाकारों में से एक, ने खुद को कला के संश्लेषण का कार्य निर्धारित किया: पेंटिंग, मूर्तिकला, वास्तुकला, संगीत। कला की सामूहिक ध्वनि दुनिया की दैवीय शक्तियों की एकता को व्यक्त करने वाली थी, जिसका प्रत्येक कण समग्र रूप से ब्रह्मांड का प्रतीक है। कलाकार पहली मंजिल के प्रसिद्ध जर्मन विचारक के विचारों के साथ अपनी दार्शनिक अवधारणा को मजबूत करते हुए कल्पना करता है। सत्रवहीं शताब्दी जैकब बोहेम। संसार एक प्रकार का रहस्यमय संपूर्ण है, जिसका प्रत्येक कण संपूर्ण को व्यक्त करता है। यह विचार पूरे यूरोपीय महाद्वीप के रोमांटिक लोगों से संबंधित है। काव्यात्मक रूप में, अंग्रेजी कवि और चित्रकार विलियम ब्लेक ने इसे इस प्रकार रखा है:

एक पल में देखें अनंत काल

एक विशाल दुनिया - रेत के आईने में,

एक मुट्ठी में - अनंत

और आकाश एक फूल के प्याले में है।

रनगे चक्र, या, जैसा कि उन्होंने इसे कहा, "शानदार संगीत कविता" "दिन की प्रार्थनाएं"- सुबह, दोपहर, रात - इस अवधारणा की अभिव्यक्ति। उन्होंने कविता और गद्य में दुनिया के अपने वैचारिक मॉडल की व्याख्या छोड़ दी। एक व्यक्ति की छवि, परिदृश्य, प्रकाश और रंग प्राकृतिक और मानव जीवन के निरंतर बदलते चक्र के प्रतीक हैं।

एक और उत्कृष्ट जर्मन रोमांटिक चित्रकार, कैस्पर डेविड फ्रेडरिक (1774-1840) ने अन्य सभी शैलियों के लिए परिदृश्य को प्राथमिकता दी और अपने सत्तर साल के जीवन के दौरान केवल प्रकृति के चित्रों को चित्रित किया। फ्रेडरिक के कार्य का मुख्य उद्देश्य मनुष्य और प्रकृति की एकता का विचार है।

"प्रकृति की आवाज़ को सुनें जो हमारे भीतर बोलती है," कलाकार अपने छात्रों को निर्देश देता है। एक व्यक्ति की आंतरिक दुनिया ब्रह्मांड की अनंतता को व्यक्त करती है, इसलिए, खुद को सुनकर, एक व्यक्ति दुनिया की आध्यात्मिक गहराई को समझने में सक्षम होता है।

सुनने की स्थिति प्रकृति और उसकी छवि वाले व्यक्ति के "संचार" के मुख्य रूप को निर्धारित करती है। यह प्रकृति की महानता, रहस्य या ज्ञानोदय और प्रेक्षक की चेतन अवस्था है। सच है, बहुत बार फ्रेडरिक अपने चित्रों के परिदृश्य स्थान को "प्रवेश" करने की अनुमति नहीं देता है, लेकिन विशाल विस्तार की आलंकारिक संरचना की सूक्ष्म पैठ में, एक भावना की उपस्थिति, एक व्यक्ति के अनुभव को महसूस किया जाता है। परिदृश्य के चित्रण में विषयवाद केवल रोमांटिक के काम के साथ कला में आता है, दूसरी मंजिल के स्वामी द्वारा प्रकृति के गीतात्मक रहस्योद्घाटन का पूर्वाभास। 19 वीं सदी शोधकर्ता फ्रेडरिक के कार्यों में "प्रदर्शनों की सूची का विस्तार" परिदृश्य रूपांकनों पर ध्यान देते हैं। लेखक की साल और दिन के अलग-अलग समय पर समुद्र, पहाड़ों, जंगलों और प्रकृति के विभिन्न रंगों में रुचि है।

1811-1812 पहाड़ों की कलाकार की यात्रा के परिणामस्वरूप पर्वतीय परिदृश्यों की एक श्रृंखला के निर्माण द्वारा चिह्नित। "पहाड़ों में सुबह"सुरम्य रूप से एक नई प्राकृतिक वास्तविकता का प्रतिनिधित्व करता है, जो उगते सूरज की किरणों में पैदा होती है। गुलाबी-बैंगनी स्वर ढँकते हैं और उन्हें मात्रा और भौतिक गुरुत्वाकर्षण से वंचित करते हैं। नेपोलियन (1812-1813) के साथ युद्ध के वर्षों ने फ्रेडरिक को देशभक्ति के विषयों में बदल दिया। क्लेस्ट के नाटक से प्रेरित होकर, वे लिखते हैं "आर्मिनियस का मकबरा"- प्राचीन जर्मनिक नायकों की कब्रों के साथ एक परिदृश्य।

फ्रेडरिक समुद्र के दृश्यों का एक सूक्ष्म स्वामी था: "युग", "चंद्रमा पर समुद्र", "बर्फ में" नादेज़्दा की मृत्यु "।

कलाकार की अंतिम कृतियाँ - "रेस्ट ऑन द फील्ड", "बिग स्वैम्प" और "रिमेम्बरिंग द जाइंट माउंटेन", "विशालकाय पहाड़" - अग्रभूमि में पर्वत श्रृंखलाओं और पत्थरों की एक श्रृंखला गहरा गई। यह, जाहिरा तौर पर, एक व्यक्ति की खुद पर जीत की अनुभवी भावना की वापसी है, "दुनिया के शीर्ष" पर चढ़ने की खुशी, उज्ज्वल अजेय ऊंचाइयों की इच्छा। कलाकार की भावनाओं ने एक विशेष तरीके से इन पर्वतीय जनों की रचना की, और फिर से पहले कदमों के अंधेरे से भविष्य के प्रकाश की ओर जाने वाले आंदोलन को पढ़ा जाता है। पृष्ठभूमि में पर्वत शिखर को गुरु की आध्यात्मिक आकांक्षाओं के केंद्र के रूप में उजागर किया गया है। चित्र रोमांटिक के किसी भी काम की तरह बहुत ही सहयोगी है, और इसमें पढ़ने और व्याख्या के विभिन्न स्तरों को शामिल किया गया है।

फ्रेडरिक ड्राइंग में बहुत सटीक है, अपने चित्रों के लयबद्ध निर्माण में संगीतमय रूप से सामंजस्यपूर्ण है, जिसमें वह रंग और प्रकाश प्रभावों की भावनाओं के माध्यम से बोलने की कोशिश करता है। "कई को थोड़ा दिया जाता है, कुछ को बहुत कुछ दिया जाता है। हर कोई प्रकृति की आत्मा को अलग तरह से खोलता है। इसलिए, कोई भी एक बाध्यकारी बिना शर्त कानून के रूप में अपने अनुभव और अपने नियमों को दूसरे में स्थानांतरित करने की हिम्मत नहीं करता है। कोई भी सबका मापक नहीं है। हर कोई अपने भीतर केवल अपने लिए और कमोबेश अपने प्रति दयालु प्रकृति के लिए एक उपाय रखता है, ”गुरु का यह प्रतिबिंब उनके आंतरिक जीवन और रचनात्मकता की अद्भुत अखंडता को साबित करता है। कलाकार की विशिष्टता उसके काम की स्वतंत्रता में ही स्पष्ट है - रोमांटिक फ्रेडरिक इस पर खड़ा है।

जर्मनी में रोमांटिक पेंटिंग की एक और शाखा के क्लासिकिज़्म के प्रतिनिधियों - "क्लासिक्स" - कलाकारों से अधिक औपचारिक रूप से विघटन प्रतीत होता है - नाज़रीन। वियना में स्थापित और रोम (1809-1810) में बसे, "सेंट ल्यूक के संघ" ने धार्मिक मुद्दों की स्मारकीय कला को पुनर्जीवित करने के विचार के साथ स्वामी को एकजुट किया। मध्य युग रोमांटिक लोगों के लिए इतिहास का एक पसंदीदा काल था। लेकिन अपनी कलात्मक खोज में, नाज़रीन ने इटली और जर्मनी में प्रारंभिक पुनर्जागरण चित्रकला की परंपराओं की ओर रुख किया। ओवरबेक और गेफोर एक नए गठबंधन के आरंभकर्ता थे, जो बाद में कॉर्नेलियस, जे। श्नॉफ वॉन कारोल्सफेल्ड, वीट फ्यूरिक द्वारा शामिल हो गए।

नाज़रीन का यह आंदोलन फ्रांस, इटली और इंग्लैंड में क्लासिकिस्ट शिक्षाविदों के विरोध के अपने रूपों के अनुरूप था। उदाहरण के लिए, फ्रांस में, तथाकथित "आदिम" कलाकार डेविड की कार्यशाला से उभरे, और इंग्लैंड में, प्री-राफेलाइट्स। रोमांटिक परंपरा की भावना में, वे कला को "समय की अभिव्यक्ति", "लोगों की भावना" मानते थे, लेकिन उनकी विषयगत या औपचारिक प्राथमिकताएं, जो पहले एकीकरण के नारे की तरह लगती थीं, थोड़ी देर बाद बदल गईं अकादमी के सिद्धांतों के समान सिद्धांतों में, जिनका उन्होंने खंडन किया।

स्वच्छंदतावाद की कला फ्रांस मेंविशिष्ट तरीकों से विकसित किया गया है। पहली चीज जिसने इसे अन्य देशों में समान आंदोलनों से अलग किया, वह थी इसका सक्रिय आक्रामक ("क्रांतिकारी") चरित्र। कवियों, लेखकों, संगीतकारों, कलाकारों ने न केवल नए कार्यों का निर्माण करके, बल्कि पत्रिका और समाचार पत्रों के विवाद में भाग लेकर भी अपनी स्थिति का बचाव किया, जिसे शोधकर्ताओं ने "रोमांटिक लड़ाई" के रूप में वर्णित किया है। प्रसिद्ध वी। ह्यूगो, स्टेंडल, जॉर्ज सैंड, बर्लियोज़ और कई अन्य फ्रांसीसी लेखकों, संगीतकारों और पत्रकारों ने रोमांटिक विवाद में "अपने पंखों का सम्मान" किया।

फ्रांस में रोमांटिक पेंटिंग डेविड के क्लासिकिस्ट स्कूल, अकादमिक कला के विरोध के रूप में उभरती है, जिसे सामान्य रूप से "स्कूल" कहा जाता है। लेकिन इसे व्यापक अर्थों में समझा जाना चाहिए: यह प्रतिक्रियावादी युग की आधिकारिक विचारधारा का विरोध था, इसकी निम्न-बुर्जुआ सीमाओं का विरोध था। इसलिए रोमांटिक कार्यों की दयनीय प्रकृति, उनकी घबराहट उत्तेजना, विदेशी रूपांकनों के प्रति आकर्षण, ऐतिहासिक और साहित्यिक भूखंडों के लिए, हर चीज के लिए जो "मंद रोजमर्रा की जिंदगी" से दूर हो सकती है, इसलिए कल्पना का यह नाटक, और कभी-कभी, इसके विपरीत, स्वप्नदोष और गतिविधि का पूर्ण अभाव।

"स्कूल" के प्रतिनिधियों, शिक्षाविदों ने मुख्य रूप से रोमांटिक लोगों की भाषा के खिलाफ विद्रोह किया: उनके उत्साहित गर्म रंग, उनके रूप का मॉडलिंग, "क्लासिक्स", मूर्ति-प्लास्टिक से परिचित नहीं, बल्कि मजबूत विरोधाभासों पर बनाया गया रंग के धब्बे; उनकी अभिव्यंजक डिजाइन, जानबूझकर सटीक और क्लासिकवाद से इनकार करते हुए; उनकी बोल्ड, कभी-कभी अराजक रचना, महिमा से रहित और अडिग शांत। अपने जीवन के अंत तक, रोमांटिक लोगों के अडिग दुश्मन इंग्रेस ने कहा कि डेलाक्रोइक्स "एक पागल झाड़ू के साथ लिखता है", और डेलाक्रोइक्स ने इंग्रेस और "स्कूल" के सभी कलाकारों पर शीतलता, तर्कसंगतता, आंदोलन की कमी का आरोप लगाया, कि वे न लिखें, बल्कि उनके चित्रों को "पेंट" करें। लेकिन यह दो उज्ज्वल, पूरी तरह से अलग व्यक्तित्वों का एक साधारण संघर्ष नहीं था, यह दो अलग-अलग कलात्मक विश्वदृष्टि के बीच का संघर्ष था।

यह संघर्ष लगभग आधी सदी तक चला, कला में रूमानियत आसानी से नहीं जीती और न ही तुरंत, और इस प्रवृत्ति के पहले कलाकार थियोडोर गेरिकॉल्ट (1791-1824) थे - वीर स्मारकीय रूपों के एक मास्टर, जिन्होंने अपने काम में दोनों को जोड़ा। रूमानियत की विशेषताएं और विशेषताएं, और अंत में, एक शक्तिशाली यथार्थवादी शुरुआत, जिसका 19 वीं शताब्दी के मध्य में यथार्थवाद की कला पर बहुत प्रभाव पड़ा। लेकिन अपने जीवनकाल में उन्हें कुछ करीबी दोस्तों ने ही सराहा था।

थियोडोर झारिको का नाम रूमानियत की पहली शानदार सफलताओं से जुड़ा है। पहले से ही उनके शुरुआती चित्रों (सेना के चित्र, घोड़ों की छवियां) में, प्राचीन आदर्श जीवन की प्रत्यक्ष धारणा से पहले घट गए थे।

1812 में सैलून में गेरिकॉल्ट एक तस्वीर दिखाता है "हमले के दौरान शाही हॉर्स रेंजर्स के अधिकारी।"यह नेपोलियन की महिमा और फ्रांस की सैन्य शक्ति के अपभू का वर्ष था।

चित्र की रचना सवार को "अचानक" क्षण के एक असामान्य परिप्रेक्ष्य में प्रस्तुत करती है जब घोड़ा ऊपर उठा, और सवार, घोड़े की लगभग ऊर्ध्वाधर स्थिति को पकड़े हुए, दर्शक की ओर मुड़ गया। अस्थिरता के ऐसे क्षण की छवि, मुद्रा की असंभवता आंदोलन के प्रभाव को बढ़ाती है। घोड़े के पास समर्थन का एक बिंदु है, उसे जमीन पर गिरना चाहिए, उस लड़ाई में पंगा लेना चाहिए जिसने उसे ऐसी स्थिति में लाया। इस काम में बहुत कुछ मिला: गेरिकॉल्ट का अपनी शक्तियों के मालिक होने की संभावना में बिना शर्त विश्वास, घोड़ों को चित्रित करने के लिए एक भावुक प्रेम और एक नौसिखिए मास्टर का साहस यह दिखाने में कि केवल संगीत या कविता की भाषा पहले क्या व्यक्त कर सकती थी - का उत्साह एक लड़ाई, एक हमले की शुरुआत, एक जीवित प्राणी का अंतिम तनाव। युवा लेखक ने अपनी छवि को आंदोलन की गतिशीलता के प्रसारण पर बनाया, और उसके लिए यह महत्वपूर्ण था कि वह दर्शक को "सोच", "आंतरिक दृष्टि" के साथ चित्रित करने और वह जो चित्रित करना चाहता था उसकी भावना के लिए तैयार करे।

फ्रांस में रोमांस के चित्रात्मक आख्यान की ऐसी गतिशीलता की परंपराएं व्यावहारिक रूप से मौजूद नहीं थीं, सिवाय शायद गॉथिक मंदिरों की राहतों में, क्योंकि जब गेरिकॉल्ट पहली बार इटली आया था, तो वह माइकल एंजेलो की रचनाओं की छिपी शक्ति से दंग रह गया था। "मैं कांप गया," वे लिखते हैं, "मैंने खुद पर संदेह किया और लंबे समय तक इस अनुभव से उबर नहीं पाया।" लेकिन स्टेंडल ने माइकल एंजेलो को कला में एक नई शैलीगत प्रवृत्ति के अग्रदूत के रूप में अपने विवादास्पद लेखों में पहले भी इंगित किया था।

गेरिकॉल्ट की पेंटिंग ने न केवल एक नई कलात्मक प्रतिभा के जन्म की घोषणा की, बल्कि नेपोलियन के विचारों के साथ लेखक के जुनून और निराशा को भी श्रद्धांजलि दी। इस विषय से संबंधित कई अन्य कार्य हैं: Carabinieri अधिकारी", "हमले से पहले Cuirassier अधिकारी", "Carabinieri का चित्र", "घायल कुइरासियर"।

"फ्रांस में पेंटिंग की स्थिति पर प्रतिबिंब" ग्रंथ में, वह लिखते हैं कि "लक्जरी और कला बन गए हैं ... एक आवश्यकता और, जैसा कि यह था, कल्पना के लिए भोजन, जो एक सभ्य व्यक्ति का दूसरा जीवन है। .. प्रमुख आवश्यकता की बात नहीं है, कलाएँ तभी प्रकट होती हैं जब आवश्यक आवश्यकताएँ पूरी होती हैं और जब बहुतायत आती है। एक आदमी, रोजमर्रा की चिंताओं से मुक्त होकर, ऊब से छुटकारा पाने के लिए सुखों की तलाश करने लगा, जो अनिवार्य रूप से संतोष के बीच में उसे पछाड़ देगा।

1818 में इटली से लौटने के बाद गेरिकॉल्ट द्वारा कला की शैक्षिक और मानवतावादी भूमिका की इस तरह की समझ का प्रदर्शन किया गया था - उन्होंने नेपोलियन की हार सहित विभिन्न विषयों की नकल करते हुए लिथोग्राफी में संलग्न होना शुरू किया ( "रूस से वापसी").

उसी समय, कलाकार अफ्रीका के तट पर मेडुज़ा फ्रिगेट के डूबने के चित्रण की ओर मुड़ता है, जिसने उस समय के समाज को उत्साहित किया। संरक्षण के तहत पद पर नियुक्त एक अनुभवहीन कप्तान की गलती के कारण आपदा हुई। जहाज के बचे हुए यात्रियों, सर्जन सविग्नी और इंजीनियर कोरियर ने दुर्घटना के बारे में विस्तार से बताया।

मरने वाला जहाज बेड़ा फेंकने में कामयाब रहा, जिस पर मुट्ठी भर बचाए गए लोग सवार हो गए। बारह दिनों के लिए उन्हें उग्र समुद्र के किनारे ले जाया गया जब तक कि वे मोक्ष से नहीं मिले - जहाज "आर्गस"।

गेरिकॉल्ट मानव आध्यात्मिक और शारीरिक शक्ति के अंतिम तनाव की स्थिति में रुचि रखते थे। पेंटिंग में 15 जीवित यात्रियों को एक बेड़ा पर दर्शाया गया है जब उन्होंने क्षितिज पर आर्गस को देखा। "मेडुसा की बेड़ा"कलाकार के लंबे प्रारंभिक कार्य का परिणाम था। उन्होंने उग्र समुद्र के कई रेखाचित्र बनाए, अस्पताल में बचाए गए लोगों के चित्र बनाए। सबसे पहले, गेरिकॉल्ट एक दूसरे के साथ बेड़ा पर लोगों के संघर्ष को दिखाना चाहता था, लेकिन फिर वह समुद्री तत्व के विजेताओं के वीर व्यवहार और राज्य की लापरवाही पर बस गया। लोगों ने साहसपूर्वक दुर्भाग्य को सहन किया, और मोक्ष की आशा ने उन्हें नहीं छोड़ा: बेड़ा पर प्रत्येक समूह की अपनी विशेषताएं हैं। रचना के निर्माण में, गेरिकॉल्ट ऊपर से एक दृष्टिकोण चुनता है, जिसने उसे अंतरिक्ष के मनोरम कवरेज (समुद्र की दूरियां दिखाई दे रही हैं) को संयोजित करने और चित्रित करने की अनुमति दी, जिससे बेड़ा के सभी निवासियों को अग्रभूमि के बहुत करीब लाया गया। आंदोलन अग्रभूमि में असहाय रूप से पड़े हुए आंकड़ों और गुजरने वाले जहाज को संकेत देने वाले समूह में तेजी के विपरीत बनाया गया है। समूह से समूह में गतिशीलता के विकास की लय की स्पष्टता, नग्न शरीर की सुंदरता, चित्र का गहरा रंग छवि की पारंपरिकता का एक निश्चित नोट सेट करता है। लेकिन यह देखने वाले दर्शक के लिए बात नहीं है, जिसके लिए भाषा की पारंपरिकता भी मुख्य बात को समझने और महसूस करने में मदद करती है: किसी व्यक्ति की लड़ने और जीतने की क्षमता। सागर दहाड़ता है। पाल कराह रहा है। रस्सियाँ बज रही हैं। बेड़ा चटकता है। हवा लहरों को चलाती है और काले बादलों को चीर कर चूर-चूर कर देती है।

क्या यह इतिहास के तूफान से प्रेरित फ्रांस ही नहीं है? पेंटिंग के पास खड़े यूजीन डेलाक्रोइक्स ने सोचा। "मेडुसा के बेड़ा ने डेलाक्रोइक्स को झकझोर दिया, वह रोया और एक पागल की तरह, गेरिकॉल्ट की कार्यशाला से बाहर कूद गया, जिसे वह अक्सर देखता था।

ऐसे जुनून डेविड की कला को नहीं जानते थे।

लेकिन गेरिकॉल्ट का जीवन दुखद रूप से जल्दी समाप्त हो गया (घोड़े से गिरने के बाद वह गंभीर रूप से बीमार हो गया था), और उसकी कई योजनाएँ अधूरी रह गईं।

गेरिकॉल्ट के नवाचार ने उस आंदोलन को व्यक्त करने के लिए नए अवसर खोले जो रोमांटिकता, एक व्यक्ति की अंतर्निहित भावनाओं, चित्र की रंगीन बनावट अभिव्यक्ति को चिंतित करते थे।

उसकी खोज में गेरिकॉल्ट का उत्तराधिकारी यूजीन डेलाक्रोइक्स था। सच है, डेलाक्रोइक्स को अपने जीवन काल से दोगुना समय दिया गया था, और वह न केवल रोमांटिकतावाद की शुद्धता को साबित करने में कामयाब रहे, बल्कि दूसरी मंजिल की पेंटिंग में नई दिशा को आशीर्वाद देने में भी कामयाब रहे। 19 वीं सदी - प्रभाववाद।

अपने दम पर लिखना शुरू करने से पहले, यूजीन ने लेरेन स्कूल में अध्ययन किया: उन्होंने जीवन से चित्रित किया, लौवर में महान रूबेन्स, रेम्ब्रांट, वेरोनीज़, टिटियन की नकल की ... युवा कलाकार ने दिन में 10-12 घंटे काम किया। उन्होंने महान माइकल एंजेलो के शब्दों को याद किया: "पेंटिंग एक ईर्ष्यालु मालकिन है, यह पूरे व्यक्ति की मांग करती है ..."

डेलाक्रोइक्स, गेरिकॉल्ट द्वारा प्रदर्शन प्रदर्शन के बाद, अच्छी तरह से जानता था कि कला में मजबूत भावनात्मक उथल-पुथल का समय आ गया है। सबसे पहले, वह प्रसिद्ध साहित्यिक भूखंडों के माध्यम से उनके लिए एक नए युग को समझने की कोशिश करता है। उनकी पेंटिंग "दांते और वर्जिल", 1822 के सैलून में प्रस्तुत, दो कवियों की ऐतिहासिक साहचर्य छवियों के माध्यम से एक प्रयास है: पुरातनता - वर्जिल और पुनर्जागरण - दांते - एक उबलती हुई कड़ाही, आधुनिक युग के "नरक" को देखने के लिए। एक बार अपनी "डिवाइन कॉमेडी" में दांते ने वर्जिल की भूमि को सभी क्षेत्रों (स्वर्ग, नरक, शोधन) में एक अनुरक्षण के रूप में लिया। दांते के काम में, मध्य युग में पुरातनता की स्मृति का अनुभव करके एक नए पुनर्जागरण की दुनिया का उदय हुआ। पुरातनता के संश्लेषण के रूप में रोमांटिक का प्रतीक, पुनर्जागरण और मध्य युग दांते और वर्जिल के दर्शन के "डरावनी" में उत्पन्न हुआ। लेकिन जटिल दार्शनिक रूपक पूर्व-पुनर्जागरण युग और एक अमर साहित्यिक कृति का एक अच्छा भावनात्मक चित्रण निकला।

डेलाक्रोइक्स अपने समकालीन लोगों के दिलों में अपने दिल के दर्द के माध्यम से सीधी प्रतिक्रिया खोजने की कोशिश करेगा। उस समय के युवा, उत्पीड़कों के लिए स्वतंत्रता और घृणा से जलते हुए, ग्रीस के मुक्ति संग्राम के प्रति सहानुभूति रखते हैं। इंग्लैंड का रोमांटिक बार्ड बायरन वहां लड़ने जा रहा है। डेलाक्रोइक्स एक अधिक विशिष्ट ऐतिहासिक घटना के चित्रण में नए युग का अर्थ देखता है - स्वतंत्रता-प्रेमी ग्रीस का संघर्ष और पीड़ा। वह तुर्कों द्वारा कब्जा किए गए ग्रीक द्वीप चियोस की आबादी की मौत की साजिश पर रहता है। 1824 के सैलून में, डेलाक्रोइक्स एक पेंटिंग दिखाता है "चियोस द्वीप पर नरसंहार"।पहाड़ी इलाके के अंतहीन विस्तार की पृष्ठभूमि के खिलाफ। जो अभी भी आग के धुएं और निरंतर लड़ाई से चिल्लाती है, कलाकार घायल, थके हुए महिलाओं और बच्चों के कई समूहों को दिखाता है। दुश्मनों के आने से पहले उनके पास आजादी के आखिरी मिनट थे। दायीं ओर एक घोड़े पर सवार तुर्क पूरे अग्रभूमि और वहां मौजूद पीड़ितों की भीड़ पर लटकता हुआ प्रतीत होता है। सुंदर शरीर, मोहित लोगों के चेहरे। वैसे, डेलाक्रोइक्स बाद में लिखेंगे कि ग्रीक मूर्तिकला को कलाकारों द्वारा चित्रलिपि में बदल दिया गया था जो चेहरे और आकृति की वास्तविक ग्रीक सुंदरता को छिपाते थे। लेकिन, पराजित यूनानियों के चेहरों में "आत्मा की सुंदरता" को प्रकट करते हुए, चित्रकार घटनाओं को इतना नाटकीय बनाता है कि तनाव की एकल गतिशील गति को बनाए रखने के लिए, वह आकृति के कोणों के विरूपण में चला जाता है। गेरिकॉल्ट के काम से इन "गलतियों" को पहले ही "हल" कर दिया गया था, लेकिन डेलाक्रोइक्स एक बार फिर रोमांटिक पंथ को प्रदर्शित करता है कि पेंटिंग "एक स्थिति की सच्चाई नहीं है, बल्कि एक भावना की सच्चाई है।"

1824 में, डेलाक्रोइक्स ने अपने मित्र और शिक्षक गेरिकॉल्ट को खो दिया। और वह नई पेंटिंग के नेता बन गए।

इतने वर्ष बीत गए। एक के बाद एक, तस्वीरें सामने आईं: "मिसलुंगा के खंडहर पर ग्रीस", "सरदानपालस की मृत्यु"और अन्य। कलाकार पेंटिंग के आधिकारिक हलकों में एक बहिष्कृत बन गया। लेकिन 1830 की जुलाई क्रांति ने स्थिति बदल दी। वह कलाकार को जीत और उपलब्धियों के रोमांस से प्रज्वलित करती है। वह एक चित्र पेंट करता है "बैरिकेड्स पर स्वतंत्रता"।

1831 में, पेरिस सैलून में, फ्रांसीसी ने पहली बार यूजीन डेलाक्रोइक्स की पेंटिंग "फ्रीडम ऑन द बैरिकेड्स" देखी, जो 1830 की जुलाई क्रांति के "तीन गौरवशाली दिनों" को समर्पित थी। कैनवास ने कलात्मक निर्णय की शक्ति, लोकतंत्र और साहस के साथ समकालीनों पर एक आश्चर्यजनक छाप छोड़ी। किंवदंती के अनुसार, एक सम्मानित बुर्जुआ ने कहा: "आप कहते हैं - स्कूल का मुखिया? मुझे बेहतर बताओ - विद्रोह का मुखिया! सैलून के बंद होने के बाद, तस्वीर से निकलने वाली खतरनाक और प्रेरक अपील से भयभीत सरकार ने इसे लेखक को वापस करने की जल्दबाजी की। 1848 की क्रांति के दौरान, इसे फिर से लक्ज़मबर्ग पैलेस में सार्वजनिक प्रदर्शन के लिए रखा गया था। और फिर से कलाकार के पास लौट आया। 1855 में पेरिस में विश्व प्रदर्शनी में कैनवास प्रदर्शित होने के बाद ही यह लौवर में समाप्त हुआ। फ्रांसीसी रूमानियत की सर्वश्रेष्ठ कृतियों में से एक आज तक यहां रखी गई है - एक प्रेरित प्रत्यक्षदर्शी खाता और लोगों की स्वतंत्रता के लिए संघर्ष के लिए एक शाश्वत स्मारक।

युवा फ्रांसीसी रोमांटिक ने इन दो विपरीत सिद्धांतों को मिलाने के लिए कौन सी कलात्मक भाषा खोजी - एक व्यापक, सर्वव्यापी सामान्यीकरण और एक ठोस वास्तविकता इसकी नग्नता में क्रूर?

प्रसिद्ध जुलाई 1830 के पेरिस। ग्रे धुएं और धूल से संतृप्त हवा। पाउडर की धुंध में गायब एक खूबसूरत और राजसी शहर। दूरी में, शायद ही ध्यान देने योग्य है, लेकिन गर्व से नॉट्रे डेम कैथेड्रल के टॉवर - इतिहास, संस्कृति और फ्रांसीसी लोगों की भावना का प्रतीक है। वहां से धुएँ के रंग के शहर से, बैरिकेड्स के खंडहरों के ऊपर, मृत साथियों के शवों के ऊपर, विद्रोही हठ और दृढ़ संकल्प के साथ आगे आते हैं। उनमें से प्रत्येक मर सकता है, लेकिन विद्रोहियों का कदम अडिग है - वे जीतने की इच्छा से, स्वतंत्रता के लिए प्रेरित हैं।

यह प्रेरक शक्ति एक खूबसूरत युवती की छवि में सन्निहित है, जो उसे बुला रही है। अटूट ऊर्जा, स्वतंत्र और युवा गति के साथ, वह एक ग्रीक देवी की तरह है

निक जीतता है। उसका मजबूत फिगर एक चिटोन ड्रेस में तैयार है, उसका चेहरा एकदम सही विशेषताओं के साथ, जलती आँखों के साथ, विद्रोहियों की ओर मुड़ गया है। एक हाथ में वह फ्रांस का तिरंगा झंडा पकड़े हुए है, दूसरे हाथ में - एक बंदूक। सिर पर एक फ्रिजियन टोपी है - गुलामी से मुक्ति का एक प्राचीन प्रतीक। उसका कदम तेज और हल्का है - इस तरह देवी कदम रखती हैं। वहीं, एक महिला की छवि वास्तविक है - वह फ्रांसीसी लोगों की बेटी है। वह बैरिकेड्स पर समूह की आवाजाही के पीछे मार्गदर्शक शक्ति है। इससे, जैसे कि ऊर्जा के केंद्र में प्रकाश के स्रोत से, किरणें निकलती हैं, प्यास से चार्ज होती हैं और जीतने की इच्छा होती है। जो लोग इसके करीब हैं, वे अपने-अपने तरीके से इस प्रेरक और प्रेरक आह्वान में अपनी भागीदारी व्यक्त करते हैं।

दाईं ओर एक लड़का है, एक पेरिस का जुआरी, पिस्तौल लहराते हुए। वह स्वतंत्रता के सबसे करीब है और, जैसा कि वह था, उसके उत्साह और मुक्त आवेग के आनंद से प्रज्वलित था। एक तेज, बचकाना अधीर आंदोलन में, वह अपने प्रेरक से थोड़ा आगे है। यह पौराणिक गावरोचे का पूर्ववर्ती है, जिसे बीस साल बाद विक्टर ह्यूगो ने उपन्यास लेस मिजरेबल्स में चित्रित किया था: “प्रेरणा से भरपूर, दीप्तिमान गेवरोचे ने पूरी चीज को गति में स्थापित करने का कार्य अपने ऊपर ले लिया। वह आगे-पीछे चिल्लाया, वह ऊपर गया, वह नीचे चला गया

नीचे, फिर से गुलाब, सरसराहट, खुशी से चमक उठी। ऐसा लगता है कि वह यहां सभी को खुश करने के लिए आया है। क्या इसके पीछे उसका कोई मकसद था? हाँ, बिल्कुल, उसकी गरीबी। क्या उसके पास पंख थे? हाँ, बिल्कुल, उसकी प्रसन्नता। यह एक तरह का बवंडर था। एक ही समय में हर जगह मौजूद होने के कारण, यह हवा को अपने आप से भरता हुआ लग रहा था ... विशाल बैरिकेड्स ने इसे अपनी रीढ़ पर महसूस किया।

डेलाक्रोइक्स की पेंटिंग में गैवरोच युवाओं का व्यक्तित्व है, एक "सुंदर आवेग", स्वतंत्रता के उज्ज्वल विचार की एक हर्षित स्वीकृति। दो चित्र - गेवरोचे और लिबर्टी - एक दूसरे के पूरक प्रतीत होते हैं: एक आग है, दूसरी उससे जली हुई मशाल है। हेनरिक हाइन ने बताया कि पेरिसवासियों के बीच गैवरोचे के चित्र पर कितनी जीवंत प्रतिक्रिया हुई। "नरक! एक किराना दुकानदार बोला। "वे लड़के दैत्यों की तरह लड़े!"

बाईं ओर बंदूक वाला एक छात्र है। पहले, इसे कलाकार के स्व-चित्र के रूप में देखा जाता था। यह विद्रोही गैवरोचे की तरह तेज नहीं है। उसकी गति अधिक संयमित, अधिक एकाग्र, अर्थपूर्ण होती है। हाथ आत्मविश्वास से बंदूक की बैरल को निचोड़ते हैं, चेहरा अंत तक खड़े होने के लिए साहस, दृढ़ संकल्प व्यक्त करता है। यह एक गहरी दुखद छवि है। छात्र विद्रोहियों को होने वाले नुकसान की अनिवार्यता से अवगत है, लेकिन पीड़ित उसे डराते नहीं हैं - स्वतंत्रता की इच्छा मजबूत होती है। उसके पीछे एक कृपाण के साथ एक समान रूप से बहादुर और दृढ़ कार्यकर्ता खड़ा है। स्वतंत्रता के चरणों में घायल हो गए। वह कठिनाई से एक बार फिर स्वतंत्रता की ओर देखने के लिए उठता है, पूरे मन से उस सुंदरता को देखने और महसूस करने के लिए जिसके लिए वह मर रहा है। यह आंकड़ा डेलाक्रोइक्स के कैनवास की ध्वनि के लिए एक तीव्र नाटकीय शुरुआत लाता है। यदि गेवरोचे, लिबर्टी, छात्र, कार्यकर्ता - लगभग प्रतीक, स्वतंत्रता सेनानियों की कठोर इच्छा का अवतार - दर्शकों को प्रेरित और बुलाते हैं, तो घायल व्यक्ति करुणा की मांग करता है। इंसान आज़ादी को अलविदा कहता है, ज़िंदगी को अलविदा कहता है। वह अभी भी एक आवेग है, एक गति है, लेकिन पहले से ही एक लुप्त होती आवेग है।

उनका आंकड़ा संक्रमणकालीन है। दर्शकों की निगाहें, अभी भी विद्रोहियों के क्रांतिकारी दृढ़ संकल्प से मोहित और मोहित होकर, गौरवशाली मृत सैनिकों के शरीर से ढके आड़ के पैर तक उतरती हैं। कलाकार द्वारा मृत्यु को सभी नग्नता और तथ्य के प्रमाण में प्रस्तुत किया जाता है। हम मरे हुओं के नीले चेहरे, उनके नग्न शरीर देखते हैं: संघर्ष निर्दयी है, और मृत्यु उतनी ही अपरिहार्य है जितनी सुंदर प्रेरक स्वतंत्रता।

लेकिन बिल्कुल वही नहीं! चित्र के निचले किनारे पर भयानक दृष्टि से, हम फिर से अपनी आँखें उठाते हैं और एक सुंदर युवा आकृति देखते हैं - नहीं! जीवन जीत गया! इतनी स्पष्ट और मूर्त रूप में सन्निहित स्वतंत्रता का विचार भविष्य पर इतना केंद्रित है कि इसके नाम पर मृत्यु भयानक नहीं है।

कलाकार जीवित और मृत विद्रोहियों के केवल एक छोटे समूह को दर्शाता है। लेकिन आड़ के रक्षक असामान्य रूप से असंख्य लगते हैं। रचना इस तरह से बनाई गई है कि सेनानियों का समूह सीमित नहीं है, अपने आप में बंद नहीं है। वह लोगों के अंतहीन हिमस्खलन का एक हिस्सा है। कलाकार देता है, जैसा कि वह था, समूह का एक टुकड़ा: चित्र का फ्रेम बाएं, दाएं और नीचे के आंकड़ों को काट देता है।

आमतौर पर डेलाक्रोइक्स के कार्यों में रंग एक भावनात्मक ध्वनि प्राप्त करता है, एक नाटकीय प्रभाव पैदा करने में प्रमुख भूमिका निभाता है। रंग, कभी उग्र, कभी फीके, दबे हुए, तनावपूर्ण माहौल बनाते हैं। बैरिकेड्स में लिबर्टी में, डेलाक्रोइक्स इस सिद्धांत से विदा हो जाता है। बहुत सटीक रूप से, अनजाने में पेंट चुनना, इसे व्यापक स्ट्रोक के साथ लागू करना, कलाकार युद्ध के माहौल को बताता है।

लेकिन रंगों की सीमा संयमित है। Delacroix प्रपत्र के राहत मॉडलिंग पर केंद्रित है। यह चित्र के आलंकारिक समाधान के लिए आवश्यक था। आखिरकार, कल की एक विशिष्ट घटना का चित्रण करते हुए, कलाकार ने इस घटना के लिए एक स्मारक भी बनाया। इसलिए, आंकड़े लगभग मूर्तिकला हैं। इसलिए, प्रत्येक चरित्र, पूरे चित्र का हिस्सा होने के नाते, अपने आप में कुछ बंद भी बनाता है, एक पूर्ण रूप में डाले गए प्रतीक का प्रतिनिधित्व करता है। इसलिए, रंग न केवल भावनात्मक रूप से दर्शक की भावनाओं को प्रभावित करता है, बल्कि एक प्रतीकात्मक भार भी वहन करता है। यहां और वहां, भूरे-भूरे रंग के अंतरिक्ष में लाल, नीले, सफेद चमक का एक गंभीर त्रय - 1789 की फ्रांसीसी क्रांति के बैनर के रंग। इन रंगों की बार-बार पुनरावृत्ति बैरिकेड्स पर उड़ने वाले तिरंगे झंडे के शक्तिशाली राग का समर्थन करती है।

डेलाक्रोइक्स की पेंटिंग "फ्रीडम ऑन द बैरिकेड्स" अपने दायरे में एक जटिल, भव्य काम है। यहां प्रत्यक्ष रूप से देखे गए तथ्य की प्रामाणिकता और छवियों के प्रतीकवाद संयुक्त हैं; यथार्थवाद, क्रूर प्रकृतिवाद तक पहुँचना, और आदर्श सौंदर्य; कठोर, भयानक और उदात्त, शुद्ध।

पेंटिंग "लिबर्टी एट द बैरिकेड्स" ने फ्रांसीसी चित्रकला में रूमानियत की जीत को समेकित किया। 30 के दशक में, दो और ऐतिहासिक पेंटिंग: "पोइटियर्स की लड़ाई"और "बिशप ऑफ लीज की हत्या"।

1822 में कलाकार ने उत्तरी अफ्रीका, मोरक्को, अल्जीरिया का दौरा किया। यात्रा ने उन पर एक अमिट छाप छोड़ी। 50 के दशक में, इस यात्रा की यादों से प्रेरित पेंटिंग उनके काम में दिखाई दीं: "शेरों का शिकार", "मोरक्कन एक घोड़े को पाल रहा है"और अन्य। उज्ज्वल विपरीत रंग इन चित्रों के लिए एक रोमांटिक ध्वनि बनाता है। उनमें एक विस्तृत स्ट्रोक की तकनीक दिखाई देती है।

डेलाक्रोइक्स ने एक रोमांटिक के रूप में अपनी आत्मा की स्थिति को न केवल चित्रमय छवियों की भाषा में, बल्कि अपने विचारों के साहित्यिक रूप में भी दर्ज किया। उन्होंने रोमांटिक कलाकार के रचनात्मक कार्यों की प्रक्रिया, रंग में उनके प्रयोग, संगीत और कला के अन्य रूपों के बीच संबंधों पर प्रतिबिंबों का अच्छी तरह से वर्णन किया। उनकी डायरी बाद की पीढ़ियों के कलाकारों के लिए पसंदीदा पठन बन गई।

फ्रांसीसी रोमांटिक स्कूल ने मूर्तिकला (रुड और उनकी मार्सिलेज़ राहत), लैंडस्केप पेंटिंग (फ्रांस की प्रकृति की अपनी हल्की-हवा की छवियों के साथ केमिली कोरोट) के क्षेत्र में महत्वपूर्ण प्रगति की।

रोमांटिकतावाद के लिए धन्यवाद, कलाकार की व्यक्तिगत व्यक्तिपरक दृष्टि एक कानून का रूप लेती है। प्रभाववाद कला को एक छाप घोषित करते हुए कलाकार और प्रकृति के बीच की बाधा को पूरी तरह से नष्ट कर देगा। रोमान्टिक्स कलाकार की कल्पना, "उसकी भावनाओं की आवाज" की बात करते हैं, जो उसे काम को रोकने की अनुमति देता है जब मास्टर इसे आवश्यक समझता है, न कि पूर्णता के शैक्षणिक मानकों के अनुसार।

यदि गेरिकॉल्ट की कल्पनाओं ने आंदोलन के संचरण पर ध्यान केंद्रित किया, डेलाक्रोइक्स ने रंग की जादुई शक्ति पर, और जर्मनों ने इसमें एक निश्चित "पेंटिंग की भावना" को जोड़ा, तो स्पैनिशफ्रांसिस्को गोया (1746-1828) के व्यक्तित्व में रोमांटिकता ने शैली की लोककथाओं की उत्पत्ति, इसके फैंटमसागोरिक और विचित्र चरित्र को दिखाया। गोया खुद और उनका काम किसी भी शैलीगत ढांचे से बहुत दूर दिखता है, खासकर जब से कलाकार को अक्सर प्रदर्शन सामग्री के नियमों का पालन करना पड़ता था (जब, उदाहरण के लिए, उन्होंने बुने हुए जालीदार कालीनों के लिए पेंटिंग बनाई थी) या ग्राहक की आवश्यकताओं।

नक़्क़ाशी श्रृंखला में उनका फैंटमसागोरिया प्रकाश में आया "कैप्रिचोस" (1797-1799),"युद्ध की आपदाएँ" (1810-1820),"विसंगतियों ("फोलीज़")(1815-1820), "हाउस ऑफ द डेफ" के भित्ति चित्र और मैड्रिड में सैन एंटोनियो डे ला फ्लोरिडा का चर्च (1798)। 1792 में गंभीर बीमारी। कलाकार के पूर्ण बहरेपन का कारण बना। शारीरिक और आध्यात्मिक आघात सहने के बाद गुरु की कला अधिक केंद्रित, विचारशील, आंतरिक रूप से गतिशील हो जाती है। बहरेपन के कारण बंद बाहरी दुनिया ने गोया के आंतरिक आध्यात्मिक जीवन को सक्रिय कर दिया।

नक़्क़ाशी में "कैप्रिचोस"गोया तात्कालिक प्रतिक्रियाओं, तेज भावनाओं के हस्तांतरण में असाधारण शक्ति प्राप्त करता है। श्वेत-श्याम प्रदर्शन, बड़े धब्बों के बोल्ड संयोजन के लिए धन्यवाद, ग्राफिक्स की रैखिकता विशेषता की अनुपस्थिति, एक पेंटिंग के सभी गुणों को प्राप्त करती है।

मैड्रिड गोया में चर्च ऑफ सेंट एंथोनी के भित्ति चित्र, ऐसा लगता है, एक सांस में बनाता है। स्ट्रोक का स्वभाव, रचना की संक्षिप्तता, पात्रों की विशेषताओं की अभिव्यक्ति, जिसका प्रकार गोया ने सीधे भीड़ से लिया है, अद्भुत हैं। कलाकार फ्लोरिडा के एंथोनी के चमत्कार को दर्शाता है, जिसने हत्यारे को फिर से जीवित किया और बोला, जिसने हत्यारे का नाम लिया और इस तरह निर्दोष रूप से निंदा करने वाले को फांसी से बचाया। चमकदार प्रतिक्रिया करने वाली भीड़ की गतिशीलता को गोया ने इशारों में और चित्रित चेहरों के चेहरे के भावों में व्यक्त किया है। चर्च के अंतरिक्ष में चित्रों के वितरण की रचनात्मक योजना में, चित्रकार टाईपोलो का अनुसरण करता है, लेकिन वह जो प्रतिक्रिया दर्शकों में पैदा करता है वह बारोक नहीं है, बल्कि विशुद्ध रूप से रोमांटिक है, प्रत्येक दर्शक की भावना को प्रभावित करता है, उसे मुड़ने के लिए कहता है वह स्वयं।

सबसे बढ़कर, यह लक्ष्य कोंटो डेल सोर्डो ("हाउस ऑफ द डेफ") की पेंटिंग में हासिल किया गया है, जिसमें गोया 1819 से रहते थे। कमरों की दीवारें एक शानदार और अलंकारिक प्रकृति की पंद्रह रचनाओं से ढकी हैं। उन्हें समझने के लिए गहरी सहानुभूति की आवश्यकता होती है। शहरों, महिलाओं, पुरुषों, आदि के किसी प्रकार के दर्शन के रूप में छवियां उत्पन्न होती हैं। रंग, चमकता, एक आकृति को खींचता है, फिर दूसरा। पेंटिंग समग्र रूप से अंधेरा है, इसमें सफेद, पीले, गुलाबी-लाल धब्बे, अशांत भावनाओं की चमक का प्रभुत्व है। श्रृंखला की नक़्क़ाशी "विसंगतियों" .

गोया ने पिछले 4 साल फ्रांस में बिताए। यह संभावना नहीं है कि वह जानता था कि डेलाक्रोइक्स ने अपने "कैप्रिचोस" के साथ भाग नहीं लिया था। और वह यह नहीं देख सकता था कि ह्यूगो और बौडेलेयर को इन नक़्क़ाशी से कैसे दूर किया जाएगा, मानेट पर उनकी पेंटिंग का कितना बड़ा प्रभाव होगा, और XIX सदी के 80 के दशक में कैसे। वी। स्टासोव रूसी कलाकारों को अपने "युद्ध की आपदाओं" का अध्ययन करने के लिए आमंत्रित करेंगे

लेकिन हम, इसे देखते हुए, जानते हैं कि एक साहसी यथार्थवादी और प्रेरित रोमांटिक की इस "शैलीहीन" कला का 19वीं और 20वीं शताब्दी की कलात्मक संस्कृति पर कितना बड़ा प्रभाव पड़ा।

सपनों की शानदार दुनिया को अंग्रेजी रोमांटिक कलाकार विलियम ब्लेक (1757-1827) ने अपने कामों में भी महसूस किया है। इंगलैंडरोमांटिक साहित्य का एक उत्कृष्ट देश था। बायरन। शेली "धुंधला एल्बियन" से बहुत आगे इस आंदोलन का बैनर बन गया। फ्रांस में, "रोमांटिक लड़ाई" के समय की पत्रिका आलोचना में, रोमांटिक को "शेक्सपियरियन" कहा जाता था। अंग्रेजी चित्रकला की मुख्य विशेषता हमेशा मानव व्यक्तित्व में रुचि रही है, जिसने चित्र शैली को फलदायी रूप से विकसित करने की अनुमति दी। चित्रकला में स्वच्छंदतावाद का भावुकता से बहुत गहरा संबंध है। मध्य युग में रोमांटिक रुचि ने एक बड़े ऐतिहासिक साहित्य को जन्म दिया। जिसके मान्यता प्राप्त मास्टर वी. स्कॉट हैं। पेंटिंग में, मध्य युग के विषय ने तथाकथित पेराफेलाइट्स की उपस्थिति को निर्धारित किया।

विलियम ब्लेक अंग्रेजी सांस्कृतिक परिदृश्य पर एक अद्भुत प्रकार का रोमांटिक है। वह कविता लिखता है, अपनी और अन्य पुस्तकों का चित्रण करता है। उनकी प्रतिभा ने दुनिया को एक समग्र एकता में गले लगाने और व्यक्त करने की मांग की। उनकी सबसे प्रसिद्ध रचनाएँ बाइबिल की "बुक ऑफ़ जॉब", दांते की "द डिवाइन कॉमेडी", मिल्टन द्वारा "पैराडाइज़ लॉस्ट" के चित्र हैं। वह अपनी रचनाओं को नायकों के टाइटैनिक आंकड़ों से भर देता है, जो एक अवास्तविक प्रबुद्ध या फैंटमसागोरिक दुनिया के उनके परिवेश के अनुरूप हैं। विद्रोही अभिमान या सद्भाव की भावना, जो विसंगतियों से पैदा करना मुश्किल है, उनके दृष्टांतों पर हावी हो जाती है।

रोमन कवि वर्जिल के "पैस्टोरल्स" के लिए परिदृश्य नक्काशी कुछ अलग लगती है - वे अपने पिछले कार्यों की तुलना में अधिक सुखद रोमांटिक हैं।

ब्लेक का रूमानियतवाद अपने स्वयं के कलात्मक सूत्र और दुनिया के अस्तित्व के रूप को खोजने की कोशिश कर रहा है।

विलियम ब्लेक, अत्यधिक गरीबी और अस्पष्टता का जीवन जी रहे थे, उनकी मृत्यु के बाद उन्हें अंग्रेजी कला के क्लासिक्स के मेजबान में स्थान दिया गया था।

XIX सदी की शुरुआत के अंग्रेजी परिदृश्य चित्रकारों के काम में। रोमांटिक शौक प्रकृति के अधिक उद्देश्यपूर्ण और शांत दृष्टिकोण के साथ संयुक्त हैं।

रोमांटिक रूप से ऊंचे परिदृश्य विलियम टर्नर (1775-1851) द्वारा बनाए गए हैं। उन्हें गरज, बारिश, समुद्र में तूफान, उज्ज्वल, उग्र सूर्यास्त का चित्रण करना पसंद था। टर्नर ने अक्सर प्रकाश के प्रभावों को बढ़ा-चढ़ाकर पेश किया और प्रकृति की शांत अवस्था को चित्रित करते हुए भी रंग की ध्वनि को तेज किया। अधिक प्रभाव के लिए, उन्होंने पानी के रंग की तकनीक का इस्तेमाल किया और बहुत पतली परत में तेल पेंट लगाया और सीधे जमीन पर चित्रित किया, जिससे इंद्रधनुषी अतिप्रवाह प्राप्त हुआ। एक उदाहरण तस्वीर है "बारिश, भाप और गति"(1844)। लेकिन उस समय के जाने-माने आलोचक ठाकरे भी सही ढंग से समझ नहीं पाए, शायद, डिजाइन और निष्पादन दोनों में सबसे नवीन तस्वीर। उन्होंने लिखा, "गंदी पोटीन के दाग से बारिश का संकेत मिलता है," एक पैलेट चाकू के साथ कैनवास पर बिखरे हुए, एक सुस्त टिमटिमाना के साथ सूरज की रोशनी गंदे पीले क्रोम की बहुत मोटी गांठों से टूट जाती है। छाया को स्कार्लेट क्राप्लाक के ठंडे रंगों और म्यूट टोन के सिनाबार स्पॉट द्वारा व्यक्त किया जाता है। और यद्यपि लोकोमोटिव भट्टी में आग लाल लगती है, मैं यह दावा नहीं करता कि इसे कैबाल्ट या मटर के रंग से चित्रित नहीं किया गया है। टर्नर के रंग में "तले हुए अंडे और पालक" के रंग में एक और आलोचक पाया गया। स्वर्गीय टर्नर के रंग आम तौर पर समकालीनों के लिए पूरी तरह से अकल्पनीय और शानदार लगते थे। उनमें वास्तविक प्रेक्षणों के अंश को देखने में एक सदी से भी अधिक समय लगा। लेकिन अन्य मामलों की तरह, यह यहाँ था। एक प्रत्यक्षदर्शी, या बल्कि, "वर्षा, भाप और गति" के जन्म के साक्षी का एक जिज्ञासु खाता संरक्षित किया गया है। एक निश्चित श्रीमती सिमोन वेस्टर्न एक्सप्रेस के एक डिब्बे में सवार थीं और उनके सामने एक बुजुर्ग सज्जन बैठे थे। उसने खिड़की खोलने की अनुमति मांगी, बारिश में अपना सिर बाहर फेंक दिया और काफी देर तक उसी स्थिति में रहा। जब उसने आखिरकार खिड़की बंद कर दी। धाराओं में उससे पानी टपक रहा था, लेकिन उसने आनंद से अपनी आँखें बंद कर लीं और पीछे झुक गया, स्पष्ट रूप से जो उसने अभी देखा था उसका आनंद ले रहा था। एक जिज्ञासु युवती ने अपने लिए उसकी भावनाओं का अनुभव करने का फैसला किया - उसने भी अपना सिर खिड़की से बाहर निकाल दिया। भीग गया। लेकिन मुझे एक अविस्मरणीय छाप मिली। उसके आश्चर्य की कल्पना कीजिए, जब एक साल बाद, लंदन में एक प्रदर्शनी में, उसने बारिश, भाप और गति देखी। उसके पीछे किसी ने गंभीर रूप से टिप्पणी की, "टर्नर की बेहद विशिष्ट, ठीक है। बेतुकापन का ऐसा मिश्रण कभी किसी ने नहीं देखा।" और उसने खुद को संयमित करने में असमर्थ होकर कहा: "मैंने देखा।"

शायद पेंटिंग में किसी ट्रेन की यह पहली तस्वीर है। दृष्टिकोण को ऊपर कहीं से लिया गया है, जिससे व्यापक मनोरम कवरेज देना संभव हो गया है। वेस्टर्न एक्सप्रेस उस गति से पुल के ऊपर से उड़ती है जो उस समय के लिए बिल्कुल असाधारण थी (150 किमी प्रति घंटे से अधिक)। इसके अलावा, यह संभवत: बारिश के माध्यम से प्रकाश को चित्रित करने का पहला प्रयास है।

19 वीं शताब्दी के मध्य की अंग्रेजी कला। टर्नर की पेंटिंग की तुलना में पूरी तरह से अलग दिशा में विकसित हुआ। हालाँकि उनके कौशल को आम तौर पर पहचाना जाता था, लेकिन किसी भी युवा ने उनका अनुसरण नहीं किया।

टर्नर को लंबे समय से प्रभाववाद का अग्रदूत माना जाता है। ऐसा लगता है कि यह फ्रांसीसी कलाकार थे जिन्हें प्रकाश से रंग की अपनी खोज को और विकसित करना चाहिए था। लेकिन ऐसा बिल्कुल नहीं है। अनिवार्य रूप से, प्रभाववादियों पर टर्नर का प्रभाव 1899 में प्रकाशित पॉल साइनैक के फ्रॉम डेलाक्रोइक्स टू नियो-इंप्रेशनिज़्म पर वापस जाता है, जहां उन्होंने बताया कि कैसे "1871 में, लंदन में अपने लंबे प्रवास के दौरान, क्लाउड मैनेट और केमिली पिसारो ने टर्नर की खोज की। वे उसके रंगों के आत्मविश्वास और जादुई गुण से चकित थे, उन्होंने उसके काम का अध्ययन किया, उन्होंने उसकी तकनीक का विश्लेषण किया। पहले तो वे बर्फ और बर्फ के उसके चित्रण पर चकित थे, जिस तरह से वह बर्फ की सफेदी की भावना को व्यक्त करने में सक्षम था, जो वे खुद नहीं कर सकते थे, ब्रश के व्यापक स्ट्रोक के साथ सपाट सफेद चांदी के बड़े पैच के साथ . उन्होंने देखा कि यह छाप केवल सफेदी से हासिल नहीं हुई थी। और बहु-रंगीन स्ट्रोक का एक द्रव्यमान। एक के बाद एक प्रहार किया, जो इस छाप को उत्पन्न करता है, यदि आप उन्हें दूर से देखते हैं।

इन वर्षों के दौरान, साइनैक अपने बिंदुवाद के सिद्धांत की पुष्टि के लिए हर जगह देख रहा था। लेकिन टर्नर की कोई भी पेंटिंग जिसे फ्रांसीसी कलाकार 1871 में नेशनल गैलरी में नहीं देख सकते थे, साइनैक द्वारा वर्णित बिंदुवाद की एक तकनीक है, न ही कोई "सफेद रंग के व्यापक धब्बे" हैं। वास्तव में, फ्रेंच पर टर्नर का प्रभाव अधिक मजबूत नहीं था। 1870-ई में, और 1890 के दशक में।

पॉल साइनैक द्वारा टर्नर का सबसे अधिक ध्यान से अध्ययन किया गया था - न केवल प्रभाववाद के अग्रदूत के रूप में, जिसके बारे में उन्होंने अपनी पुस्तक में लिखा था, बल्कि एक महान अभिनव कलाकार के रूप में भी। टर्नर की दिवंगत पेंटिंग "रेन, स्टीम एंड स्पीड", "एक्साइल", "मॉर्निंग" और "इवनिंग ऑफ द फ्लड" के बारे में, साइनैक ने अपने दोस्त अंग्रैंड को लिखा: शब्द का सुंदर अर्थ।

साइनैक के उत्साही मूल्यांकन ने टर्नर की चित्रात्मक खोज की आधुनिक समझ की शुरुआत को चिह्नित किया। लेकिन हाल के वर्षों में, कभी-कभी ऐसा होता है कि वे उसकी खोज की दिशाओं के उप-पाठ और जटिलता को ध्यान में नहीं रखते हैं, टर्नर के वास्तव में अधूरे "अंडरपेंटिंग" से एकतरफा उदाहरणों का चयन करते हुए, उनमें प्रभाववाद के पूर्ववर्ती को खोजने की कोशिश कर रहे हैं।

नवीनतम कलाकारों में से, सब कुछ स्वाभाविक रूप से मोनेट के साथ तुलना करने का सुझाव देता है, जिसने खुद पर टर्नर के प्रभाव को पहचाना। यहां तक ​​​​कि एक भूखंड भी है जो दोनों में बिल्कुल समान है - अर्थात् रूएन कैथेड्रल का पश्चिमी पोर्टल। लेकिन अगर मोनेट हमें इमारत की सौर प्रकाश व्यवस्था का अध्ययन देता है, तो वह हमें गॉथिक नहीं देता है, लेकिन किसी तरह का नग्न मॉडल, टर्नर समझता है कि कलाकार, पूरी तरह से प्रकृति में लीन, इस विषय में क्यों दिलचस्पी लेता है - उसकी छवि में यह संपूर्ण और अनंत की विशाल भव्यता का सटीक संयोजन है जो विभिन्न विवरणों को प्रभावित करता है जो गोथिक कला की रचनाओं को प्रकृति के कार्यों के करीब लाता है।

अंग्रेजी संस्कृति और रोमांटिक कला की विशेष प्रकृति ने पहले प्लेन एयर कलाकार के उद्भव की संभावना को खोल दिया, जिन्होंने 19 वीं शताब्दी में जॉन कॉन्स्टेबल (1776-1837) में प्रकृति की प्रकाश-हवा की छवि की नींव रखी। अंग्रेज कांस्टेबल ने अपनी पेंटिंग की मुख्य शैली के रूप में परिदृश्य को चुना: “दुनिया महान है; कोई दो दिन एक जैसे नहीं होते, दो घंटे भी एक जैसे नहीं होते; दुनिया के निर्माण के बाद से, एक पेड़ पर दो समान पत्ते नहीं रहे हैं, और वास्तविक कला के सभी कार्य, प्रकृति की रचनाओं की तरह, एक दूसरे से भिन्न होते हैं, ”उन्होंने कहा।

कांस्टेबल ने प्रकृति की विभिन्न अवस्थाओं के सूक्ष्म अवलोकन के साथ खुली हवा में बड़े तेल के रेखाचित्रों को चित्रित किया उनमें, वह प्रकृति के आंतरिक जीवन और उसके रोजमर्रा के जीवन की जटिलता को व्यक्त करने में कामयाब रहे। ("हेम्पस्टेड हिल्स से हाईगेट का दृश्य", ठीक है। 1834; "घास की गाड़ी" 1821; "डेथम वैली", सीए 1828) ने लेखन तकनीकों की मदद से इसे हासिल किया। उन्होंने चलते-फिरते स्ट्रोक से पेंटिंग की, कभी मोटे और खुरदरे, कभी चिकने और अधिक पारदर्शी। प्रभाववादी इस पर सदी के अंत में ही आएंगे। कॉन्स्टेबल की अभिनव पेंटिंग ने डेलाक्रोइक्स के कार्यों के साथ-साथ फ्रांसीसी परिदृश्य के संपूर्ण विकास को प्रभावित किया।

कॉन्स्टेबल की कला, साथ ही गेरिकॉल्ट के काम के कई पहलुओं ने 19 वीं शताब्दी की यूरोपीय कला में एक यथार्थवादी प्रवृत्ति के उद्भव को चिह्नित किया, जो शुरू में रोमांटिकतावाद के समानांतर विकसित हुई। बाद में उनके रास्ते अलग हो गए।

रोमान्टिक्स मानव आत्मा की दुनिया को खोलते हैं, व्यक्तिगत, किसी और के विपरीत, लेकिन ईमानदार और इसलिए दुनिया की सभी कामुक दृष्टि के करीब। पेंटिंग में छवि की तात्कालिकता, जैसा कि गेलाक्रोइक्स ने कहा, और साहित्यिक प्रदर्शन में इसकी निरंतरता नहीं, कलाकारों का ध्यान आंदोलन के सबसे जटिल संचरण पर निर्धारित किया, जिसके लिए नए औपचारिक और रंगीन समाधान पाए गए। स्वच्छंदतावाद ने XIX सदी के उत्तरार्ध की विरासत छोड़ी। इन सभी समस्याओं और कलात्मक व्यक्तित्व को अकादमिकता के नियमों से मुक्त किया गया। प्रतीक, जो रोमांटिक लोगों के बीच 19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध की कला में विचार और जीवन के आवश्यक संयोजन को व्यक्त करने वाला था। विचारों की विविधता और आसपास की दुनिया को कैप्चर करते हुए, कलात्मक छवि की पॉलीफोनी में घुल जाता है।

बी) संगीत

कला संश्लेषण के विचार को रूमानियत की विचारधारा और व्यवहार में अभिव्यक्ति मिली। संगीत में स्वच्छंदतावाद 19वीं शताब्दी के 20 के दशक में रूमानियत के साहित्य के प्रभाव में आकार ले लिया और इसके साथ निकट संबंध में विकसित हुआ, सामान्य रूप से साहित्य के साथ (सिंथेटिक शैलियों की ओर मुड़ते हुए, मुख्य रूप से ओपेरा, गीत, वाद्य लघुचित्र और संगीत प्रोग्रामिंग)। एक व्यक्ति की आंतरिक दुनिया के लिए अपील, रोमांटिकतावाद की विशेषता, व्यक्तिपरक के पंथ में व्यक्त की गई थी, भावनात्मक रूप से तीव्र की लालसा, जिसने रोमांटिकतावाद में संगीत और गीत की प्रधानता निर्धारित की।

19वीं सदी के पहले भाग का संगीत। तेजी से विकसित हुआ। एक नई संगीत भाषा का उदय हुआ; वाद्य और कक्ष-मुखर संगीत में, लघु को एक विशेष स्थान प्राप्त हुआ; ऑर्केस्ट्रा रंगों के विविध स्पेक्ट्रम के साथ लग रहा था; पियानो और वायलिन की संभावनाओं को एक नए तरीके से प्रकट किया गया; रोमांटिक लोगों का संगीत बहुत गुणी था।

संगीतमय रूमानियतवाद विभिन्न राष्ट्रीय संस्कृतियों और विभिन्न सामाजिक आंदोलनों से जुड़ी कई अलग-अलग शाखाओं में प्रकट हुआ। इसलिए, उदाहरण के लिए, जर्मन रोमांटिक लोगों की अंतरंग, गेय शैली और फ्रांसीसी संगीतकारों के काम की विशेषता "वाक्पटु" नागरिक पथ, काफी भिन्न हैं। बदले में, एक व्यापक राष्ट्रीय मुक्ति आंदोलन (चोपिन, मोनियसज़को, ड्वोरक, स्मेटाना, ग्रिग) के आधार पर उत्पन्न हुए नए राष्ट्रीय स्कूलों के प्रतिनिधि, साथ ही साथ इतालवी ओपेरा स्कूल के प्रतिनिधि, रिसोर्गिमेंटो आंदोलन (वेर्डी) के साथ निकटता से जुड़े हुए हैं। बेलिनी), कई मायनों में जर्मनी, ऑस्ट्रिया या फ्रांस के समकालीनों से भिन्न हैं, विशेष रूप से, शास्त्रीय परंपराओं को संरक्षित करने की प्रवृत्ति।

फिर भी, उन सभी को कुछ सामान्य कलात्मक सिद्धांतों द्वारा चिह्नित किया गया है जो हमें विचार की एक रोमांटिक संरचना के बारे में बात करने की अनुमति देते हैं।

मानवीय अनुभवों की समृद्ध दुनिया को गहराई से और मर्मज्ञ रूप से प्रकट करने के लिए संगीत की विशेष क्षमता के लिए धन्यवाद, इसे रोमांटिक सौंदर्यशास्त्र द्वारा अन्य कलाओं में पहले स्थान पर रखा गया था। कई रोमांटिक लोगों ने संगीत की सहज शुरुआत पर जोर दिया, इसके लिए "अनजान" को व्यक्त करने की संपत्ति को जिम्मेदार ठहराया। उत्कृष्ट रोमांटिक संगीतकारों के काम का एक मजबूत यथार्थवादी आधार था। सामान्य लोगों के जीवन में रुचि, जीवन की परिपूर्णता और भावनाओं की सच्चाई, रोजमर्रा की जिंदगी के संगीत पर निर्भरता ने संगीतमय रूमानियत के सर्वश्रेष्ठ प्रतिनिधियों के काम के यथार्थवाद को निर्धारित किया। प्रतिक्रियावादी प्रवृत्तियाँ (रहस्यवाद, वास्तविकता से उड़ान) केवल अपेक्षाकृत कम संख्या में रोमांटिक कार्यों में निहित हैं। वे वेबर (1823) द्वारा ओपेरा यूरींता में, वैगनर के कुछ संगीत नाटकों में, लिज़ट द्वारा ओरेटोरियो क्राइस्ट (1862), आदि में दिखाई दिए।

उन्नीसवीं शताब्दी की शुरुआत तक, लोककथाओं, इतिहास, प्राचीन साहित्य के मौलिक अध्ययन सामने आए, मध्ययुगीन किंवदंतियों, गॉथिक कला और पुनर्जागरण की संस्कृति को भुला दिया गया था। यह इस समय था कि यूरोप के संगीतकार के काम में एक विशेष प्रकार के कई राष्ट्रीय स्कूल विकसित हुए, जो आम यूरोपीय संस्कृति की सीमाओं का विस्तार करने के लिए नियत थे। रूसी, जो जल्द ही ले लिया, यदि पहले नहीं, तो विश्व सांस्कृतिक रचनात्मकता में पहले स्थानों में से एक (ग्लिंका, डार्गोमीज़्स्की, "कुचकिस्ट", त्चिकोवस्की), पोलिश (चोपिन, मोनियसको), चेक (खट्टा क्रीम, ड्वोरक), हंगेरियन ( सूची), फिर नॉर्वेजियन (ग्रिग), स्पैनिश (पेड्रेल), फिनिश (सिबेलियस), अंग्रेजी (एल्गर) - उन सभी ने, यूरोपीय संगीतकार के काम की सामान्य मुख्यधारा में विलय करते हुए, किसी भी तरह से स्थापित प्राचीन परंपराओं का विरोध नहीं किया। राष्ट्रीय संस्कृति की अनूठी राष्ट्रीय विशेषताओं को व्यक्त करते हुए, छवियों का एक नया चक्र उभरा, जिससे संगीतकार संबंधित थे। काम की इंटोनेशन संरचना आपको किसी विशेष राष्ट्रीय विद्यालय से संबंधित कान से तुरंत पहचानने की अनुमति देती है।

संगीतकार आम यूरोपीय संगीत भाषा में अपने देशों के पुराने, मुख्य रूप से किसान लोककथाओं के स्वरों को शामिल करते हैं। उन्होंने, जैसा कि, वार्निश ओपेरा से रूसी लोक गीत को साफ किया, उन्होंने लोक शैलियों के 18 वीं शताब्दी के गीत मोड़ के महानगरीय स्वर प्रणाली में पेश किया। रूमानियत के संगीत में सबसे हड़ताली घटना, जिसे क्लासिकवाद के आलंकारिक क्षेत्र के साथ तुलना करने पर विशेष रूप से स्पष्ट रूप से माना जाता है, गेय-मनोवैज्ञानिक सिद्धांत का प्रभुत्व है। बेशक, सामान्य रूप से संगीत कला की एक विशिष्ट विशेषता भावनाओं के क्षेत्र के माध्यम से किसी भी घटना का अपवर्तन है। सभी युगों का संगीत इस पैटर्न के अधीन है। लेकिन रोमांटिक लोगों ने अपने सभी पूर्ववर्तियों को अपने संगीत में गीतात्मक शुरुआत के मूल्य में, एक व्यक्ति की आंतरिक दुनिया की गहराई, मनोदशा के सूक्ष्मतम रंगों को व्यक्त करने में ताकत और पूर्णता में पार कर लिया।

प्रेम का विषय इसमें एक प्रमुख स्थान रखता है, क्योंकि यह मन की स्थिति है जो मानव मानस की सभी गहराई और बारीकियों को सबसे व्यापक और पूरी तरह से दर्शाती है। लेकिन यह अत्यधिक विशेषता है कि यह विषय शब्द के सच्चे अर्थों में प्रेम के उद्देश्यों तक ही सीमित नहीं है, बल्कि घटनाओं की विस्तृत श्रृंखला के साथ पहचाना जाता है। पात्रों के विशुद्ध रूप से गेय अनुभव एक व्यापक ऐतिहासिक चित्रमाला की पृष्ठभूमि के खिलाफ प्रकट होते हैं। एक व्यक्ति का अपने घर के लिए, अपनी मातृभूमि के लिए, अपने लोगों के लिए प्यार सभी रोमांटिक संगीतकारों के काम के माध्यम से एक धागे की तरह चलता है।

प्रकृति की छवि को छोटे और बड़े रूपों के संगीत कार्यों में एक विशाल स्थान दिया गया है, गीतात्मक स्वीकारोक्ति के विषय के साथ घनिष्ठ और अटूट रूप से जुड़ा हुआ है। प्रेम की छवियों की तरह, प्रकृति की छवि नायक के मन की स्थिति को व्यक्त करती है, इसलिए अक्सर वास्तविकता के साथ असंगति की भावना से रंगा जाता है।

फंतासी का विषय अक्सर प्रकृति की छवियों के साथ प्रतिस्पर्धा करता है, जो शायद वास्तविक जीवन की कैद से बचने की इच्छा से उत्पन्न होता है। रोमांटिक लोगों के लिए विशिष्ट दुनिया के रंगों की समृद्धि के साथ एक अद्भुत, जगमगाती खोज थी, जो कि धूसर रोज़मर्रा की ज़िंदगी का विरोध करती थी। यह इन वर्षों के दौरान था कि साहित्य रूसी लेखकों की परियों की कहानियों, गाथागीतों से समृद्ध था। रोमांटिक स्कूल के रचनाकारों के बीच, शानदार, शानदार छवियां एक राष्ट्रीय अद्वितीय रंग प्राप्त करती हैं। गाथागीत रूसी लेखकों से प्रेरित हैं, और इसके लिए धन्यवाद, एक शानदार विचित्र योजना के कार्यों का निर्माण किया जाता है, प्रतीक के रूप में, विश्वास के गलत पक्ष, बुराई की ताकतों के डर के विचारों को उलटने का प्रयास करते हैं।

कई रोमांटिक संगीतकारों ने संगीत लेखकों और आलोचकों (वेबर, बर्लियोज़, वैगनर, लिस्ट्ट, आदि) के रूप में भी काम किया। प्रगतिशील रूमानियत के प्रतिनिधियों के सैद्धांतिक कार्य ने संगीत कला के सबसे महत्वपूर्ण मुद्दों के विकास में बहुत महत्वपूर्ण योगदान दिया। स्वच्छंदतावाद को प्रदर्शन कलाओं (वायलिन वादक पगनिनी, गायक ए. नुरी, और अन्य) में भी अभिव्यक्ति मिली।

इस अवधि में स्वच्छंदतावाद का प्रगतिशील अर्थ मुख्य रूप से गतिविधि में निहित है फ्रांज लिस्ट्तो. विरोधाभासी विश्वदृष्टि के बावजूद, लिस्ट्ट का काम मूल रूप से प्रगतिशील, यथार्थवादी था। हंगेरियन संगीत के संस्थापकों और क्लासिक्स में से एक, एक उत्कृष्ट राष्ट्रीय कलाकार।

लिस्ट्ट के कई कार्यों में हंगेरियन राष्ट्रीय विषय व्यापक रूप से परिलक्षित होते हैं। लिज़्ट की रोमांटिक, कलाप्रवीण व्यक्ति रचनाओं ने पियानो बजाने की तकनीकी और अभिव्यंजक संभावनाओं का विस्तार किया (कॉन्सर्टोस, सोनाटास)। रूसी संगीत के प्रतिनिधियों के साथ लिस्ट्ट के संबंध महत्वपूर्ण थे, जिनके कार्यों को उन्होंने सक्रिय रूप से बढ़ावा दिया।

उसी समय, लिस्ट्ट ने विश्व संगीत कला के विकास में एक बड़ी भूमिका निभाई। लिस्ट्ट के बाद, "पियानोफोर्ट के लिए सब कुछ संभव हो गया।" उनके संगीत की विशिष्ट विशेषताएं आशुरचना, भावनाओं का रोमांटिक उत्साह, अभिव्यंजक माधुर्य हैं। लिस्ट्ट को संगीतकार, कलाकार, संगीतमय व्यक्ति के रूप में महत्व दिया जाता है। संगीतकार की प्रमुख कृतियाँ: ओपेरा " डॉन सांचो या प्यार का महल”(1825), 13 सिम्फ़ोनिक कविताएँ" टैसो ”, ” प्रोमेथियस ”, “छोटा गांव"और अन्य, ऑर्केस्ट्रा के लिए काम करते हैं, पियानो और ऑर्केस्ट्रा के लिए 2 संगीत कार्यक्रम, 75 रोमांस, गाना बजानेवालों और अन्य समान रूप से प्रसिद्ध काम करते हैं।

संगीत में रूमानियत की पहली अभिव्यक्तियों में से एक रचनात्मकता थी फ्रांज शुबर्टा(1797-1828)। शुबर्ट ने संगीत के इतिहास में संगीत रोमांटिकतावाद के संस्थापकों में से सबसे बड़े और कई नई शैलियों के निर्माता के रूप में प्रवेश किया: रोमांटिक सिम्फनी, पियानो लघु, गीत-रोमांटिक गीत (रोमांस)। उनके काम में सबसे महत्वपूर्ण है गाना,जिसमें उन्होंने विशेष रूप से कई नवीन प्रवृत्तियों को दिखाया। शुबर्ट के गीतों में, किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया सबसे अधिक गहराई से प्रकट होती है, लोक संगीत के साथ उसका विशिष्ट संबंध सबसे अधिक ध्यान देने योग्य है, उसकी प्रतिभा की सबसे महत्वपूर्ण विशेषताओं में से एक सबसे अधिक प्रकट होती है - अद्भुत विविधता, सुंदरता, धुनों का आकर्षण। प्रारंभिक काल के सर्वश्रेष्ठ गीत हैं " चरखा पर मार्गरीटा ”(1814) , “वन राजा". दोनों गीत गोएथे के शब्दों में लिखे गए हैं। उनमें से पहले में, परित्यक्त लड़की अपने प्रिय को याद करती है। वह अकेली और गहरी पीड़ा में है, उसका गीत उदास है। एक सरल और ईमानदार राग केवल हवा के नीरस गुनगुनाहट से ही प्रतिध्वनित होता है। "द फॉरेस्ट किंग" एक जटिल काम है। यह एक गीत नहीं है, बल्कि एक नाटकीय दृश्य है जहां तीन पात्र हमारे सामने आते हैं: एक पिता जंगल के माध्यम से घोड़े की सवारी करता है, एक बीमार बच्चा जिसे वह अपने साथ ले जाता है, और एक दुर्जेय वन राजा जो बुखार से ग्रस्त एक लड़के को दिखाई देता है। उनमें से प्रत्येक की अपनी मधुर भाषा है। शूबर्ट के गाने "ट्राउट", "बारकारोल", "मॉर्निंग सेरेनेड" कम प्रसिद्ध और प्रिय नहीं हैं। बाद के वर्षों में लिखे गए, ये गीत आश्चर्यजनक रूप से सरल और अभिव्यंजक माधुर्य और ताज़ा रंगों के लिए उल्लेखनीय हैं।

शुबर्ट ने गीतों के दो चक्र भी लिखे - " सुंदर मिलर"(1823), और" सर्दियों का रास्ता”(1872) - जर्मन कवि विल्हेम मुलर के शब्दों में। उनमें से प्रत्येक में, गीत एक कथानक द्वारा एकजुट होते हैं। "द ब्यूटीफुल मिलर वुमन" चक्र के गीत एक युवा लड़के के बारे में बताते हैं। धारा के मार्ग के बाद, वह अपनी खुशी की तलाश में यात्रा पर निकल पड़ता है। इस चक्र के अधिकांश गीतों में एक हल्का चरित्र होता है। "विंटर वे" चक्र का मिजाज पूरी तरह से अलग है। एक गरीब युवक को एक अमीर दुल्हन ने खारिज कर दिया। हताशा में वह अपने पैतृक शहर को छोड़कर दुनिया घूमने चला जाता है। उसके साथी हैं हवा, एक बर्फ़ीला तूफ़ान, एक अशुभ कौवा।

यहां दिए गए कुछ उदाहरण हमें शुबर्ट के गीत लेखन की विशेषताओं के बारे में बात करने की अनुमति देते हैं।

शुबर्ट को लिखना पसंद था पियानो संगीत. इस उपकरण के लिए उन्होंने बड़ी संख्या में रचनाएँ लिखीं। गानों की तरह, उनके पियानो के काम रोजमर्रा के संगीत के करीब थे और उतने ही सरल और समझने योग्य थे। उनकी रचनाओं की पसंदीदा विधाएँ नृत्य, मार्च और उनके जीवन के अंतिम वर्षों में थीं - अचानक।

वाल्ट्ज और अन्य नृत्य आमतौर पर शूबर्ट की गेंदों पर, देश की सैर में दिखाई देते थे। वहाँ उसने उन्हें सुधारा, और उन्हें घर पर दर्ज किया।

यदि हम शूबर्ट के पियानो के टुकड़ों की तुलना उनके गीतों से करें, तो हम कई समानताएँ पा सकते हैं। सबसे पहले, यह एक महान मधुर अभिव्यंजना, अनुग्रह, प्रमुख और नाबालिग का रंगीन जुड़ाव है।

सबसे बड़े में से एक फ्रेंच 19वीं सदी के उत्तरार्ध के संगीतकार जॉर्जेस बिज़ेटा, संगीत थिएटर के लिए एक अमर रचना के निर्माता - ओपेरा “कारमेन"और अल्फोंस डौडेट द्वारा नाटक के लिए अद्भुत संगीत" अर्लेसियन ”.

बिज़ेट के काम की विशेषता है सटीकता और विचार की स्पष्टता, नवीनता और अभिव्यंजक साधनों की ताजगी, पूर्णता और रूप की भव्यता। बिज़ेट को मानवीय भावनाओं और कार्यों को समझने में मनोवैज्ञानिक विश्लेषण की तीक्ष्णता की विशेषता है, जो संगीतकार के महान हमवतन - लेखक बाल्ज़ाक, फ्लेबर्ट, मौपासेंट के काम की विशेषता है। शैलियों में विविध, बिज़ेट के काम में केंद्रीय स्थान ओपेरा का है। संगीतकार की ऑपरेटिव कला राष्ट्रीय धरती पर उठी और फ्रांसीसी ओपेरा हाउस की परंपराओं द्वारा पोषित की गई। बिज़ेट ने फ्रेंच ओपेरा में मौजूद शैली प्रतिबंधों को दूर करने के लिए अपने काम में पहला काम माना, जो इसके विकास में बाधा डालता है। "बड़ा" ओपेरा उसे एक मृत शैली लगता है, गेय ओपेरा अपनी अशांति और क्षुद्र-बुर्जुआ संकीर्णता से परेशान करता है, हास्य दूसरों की तुलना में अधिक ध्यान देने योग्य है। बिज़ेट के ओपेरा में पहली बार रसदार और जीवंत घरेलू और सामूहिक दृश्य दिखाई देते हैं, जीवन और ज्वलंत दृश्यों का अनुमान लगाते हैं।

अल्फोंस डौडेट के नाटक के लिए बिज़ेट का संगीत "अर्लेसियन"” मुख्य रूप से दो कॉन्सर्ट सुइट्स के लिए जानी जाती हैं, जो उनके सर्वश्रेष्ठ नंबरों से बने हैं। बिज़ेट ने कुछ प्रामाणिक प्रोवेनकल धुनों का इस्तेमाल किया : "तीन राजाओं का मार्च"और "उज्ज्वल घोड़ों का नृत्य"।

बिज़ेट का ओपेरा कारमेन"एक संगीत नाटक है जो दर्शकों के सामने सत्यता और मनोरम कलात्मक शक्ति के साथ अपने नायकों के प्रेम और मृत्यु की कहानी को प्रकट करता है: सैनिक जोस और जिप्सी कारमेन। ओपेरा कारमेन को फ्रांसीसी संगीत थिएटर की परंपराओं के आधार पर बनाया गया था, लेकिन साथ ही इसने बहुत सी नई चीजों को भी पेश किया। राष्ट्रीय ओपेरा की सर्वोत्तम उपलब्धियों और इसके सबसे महत्वपूर्ण तत्वों में सुधार के आधार पर, बिज़ेट ने एक नई शैली बनाई - एक यथार्थवादी संगीत नाटक।

19 वीं शताब्दी के ओपेरा हाउस के इतिहास में, ओपेरा कारमेन पहले स्थान पर है। 1876 ​​​​से, उसका विजयी जुलूस वियना, ब्रुसेल्स और लंदन के ओपेरा हाउस के चरणों में शुरू हुआ।

पर्यावरण के साथ एक व्यक्तिगत संबंध की अभिव्यक्ति कवियों और संगीतकारों द्वारा व्यक्त की गई थी, सबसे पहले, तात्कालिकता में, भावनात्मक "खुलेपन" और अभिव्यक्ति के जुनून में, स्वर की निरंतर तीव्रता की मदद से श्रोता को समझाने के प्रयास में मान्यता या स्वीकारोक्ति।

कला में इन नई प्रवृत्तियों का उद्भव पर निर्णायक प्रभाव पड़ा गीत ओपेरा. यह "भव्य" और हास्य ओपेरा के विरोध के रूप में उभरा, लेकिन यह ऑपरेटिव नाटकीयता और संगीत अभिव्यक्ति के साधनों के क्षेत्र में उनकी विजय और उपलब्धियों से पारित नहीं हो सका।

नई ओपेरा शैली की एक विशिष्ट विशेषता किसी भी साहित्यिक कथानक की गीतात्मक व्याख्या थी - एक ऐतिहासिक, दार्शनिक या आधुनिक विषय पर। गेय ओपेरा के नायक सामान्य लोगों की विशेषताओं, विशिष्टता से रहित और कुछ अतिशयोक्तिपूर्ण, एक रोमांटिक ओपेरा की विशेषता से संपन्न हैं। गीत ओपेरा के क्षेत्र में सबसे महत्वपूर्ण कलाकार थे चार्ल्स गुनोद।

गुनोद की कई ऑपरेटिव विरासतों में, ओपेरा " फॉस्ट"एक विशेष और, कोई कह सकता है, असाधारण स्थान रखता है। उनकी दुनिया भर में प्रसिद्धि और लोकप्रियता गुनोद के अन्य ओपेरा से बेजोड़ हैं। ओपेरा फॉस्ट का ऐतिहासिक महत्व विशेष रूप से महान है क्योंकि यह न केवल सबसे अच्छा था, बल्कि संक्षेप में नई दिशा के ओपेरा में पहला था, जिसके बारे में त्चिकोवस्की ने लिखा था: "इस बात से इनकार करना असंभव है कि फॉस्ट लिखा गया था, यदि नहीं प्रतिभा, फिर असाधारण कौशल के साथ और महत्वपूर्ण पहचान के बिना। ” फॉस्ट की छवि में, उनकी चेतना की तेज असंगति और "विभाजन", दुनिया को जानने की इच्छा के कारण होने वाले शाश्वत असंतोष को सुचारू किया जाता है। गोनोद गोएथे के मेफिस्टोफिल्स की छवि की सभी बहुमुखी प्रतिभा और जटिलता को व्यक्त नहीं कर सके, जिन्होंने उस युग की उग्रवादी आलोचना की भावना को मूर्त रूप दिया।

"फॉस्ट" की लोकप्रियता के मुख्य कारणों में से एक यह था कि यह गीतात्मक ओपेरा की युवा शैली की सबसे अच्छी और मौलिक रूप से नई विशेषताओं को केंद्रित करता था: ओपेरा पात्रों की आंतरिक दुनिया का भावनात्मक रूप से प्रत्यक्ष और स्पष्ट रूप से व्यक्तिगत हस्तांतरण। गोएथ्स फॉस्ट का गहरा दार्शनिक अर्थ, जिसने मुख्य पात्रों के संघर्ष के उदाहरण पर सभी मानव जाति के ऐतिहासिक और सामाजिक भाग्य को प्रकट करने की मांग की, गुनोद द्वारा मार्गुराइट और फॉस्ट के मानवीय गीतात्मक नाटक के रूप में सन्निहित था।

फ्रांसीसी संगीतकार, कंडक्टर, संगीत समीक्षक हेक्टर बर्लियोज़संगीत के इतिहास में सबसे बड़े रोमांटिक संगीतकार के रूप में प्रवेश किया, कार्यक्रम सिम्फनी के निर्माता, संगीत रूप, सद्भाव और विशेष रूप से इंस्ट्रूमेंटेशन के क्षेत्र में प्रर्वतक। अपने काम में, उन्होंने क्रांतिकारी पथ और वीरता की विशेषताओं का एक विशद अवतार पाया। बर्लियोज़ एम. ग्लिंका से परिचित थे, जिनके संगीत की उन्होंने बहुत सराहना की। वह "माइटी हैंडफुल" के नेताओं के साथ मैत्रीपूर्ण शर्तों पर थे, जिन्होंने उत्साहपूर्वक उनके लेखन और रचनात्मक सिद्धांतों को स्वीकार किया।

उन्होंने ओपेरा सहित 5 संगीतमय मंच कार्यों का निर्माण किया " बेनेवेनुटो सिलिनी ”(1838), “ ट्रोजन्स ”,”बीट्राइस और बेनेडिक्ट(शेक्सपियर की कॉमेडी मच अडो अबाउट नथिंग, 1862 पर आधारित); 23 मुखर और सिम्फोनिक काम करता है, 31 रोमांस, गाना बजानेवालों, उन्होंने "आधुनिक इंस्ट्रुमेंटेशन और ऑर्केस्ट्रेशन पर महान ग्रंथ" (1844), "इवनिंग इन द ऑर्केस्ट्रा" (1853), "थ्रू सॉन्ग" (1862), "म्यूजिकल क्यूरियोसिटीज" किताबें लिखीं। (1859), "संस्मरण" (1870), लेख, समीक्षाएं।

deutsch संगीतकार, कंडक्टर, नाटककार, प्रचारक रिचर्ड वैगनरविश्व संगीत संस्कृति के इतिहास में सबसे महान संगीत रचनाकारों और ऑपरेटिव कला के प्रमुख सुधारकों में से एक के रूप में प्रवेश किया। उनके सुधारों का लक्ष्य नाटकीय रूप में एक स्मारकीय प्रोग्रामेटिक वोकल-सिम्फोनिक काम बनाना था, जिसे सभी प्रकार के ओपेरा और सिम्फोनिक संगीत को बदलने के लिए डिज़ाइन किया गया था। ऐसा काम एक संगीतमय नाटक था, जिसमें संगीत एक सतत धारा में बहता है, सभी नाटकीय कड़ियों को एक साथ मिलाता है। समाप्त गायन को अस्वीकार करते हुए, वैगनर ने उन्हें भावनात्मक रूप से समृद्ध पाठ के साथ बदल दिया। वैगनर के ओपेरा में एक बड़े स्थान पर स्वतंत्र आर्केस्ट्रा एपिसोड का कब्जा है, जो विश्व सिम्फोनिक संगीत में एक महत्वपूर्ण योगदान है।

वैगनर का हाथ 13 ओपेरा से संबंधित है:" द फ्लाइंग डचमैन"(1843),,"तन्हौसर"(1845),"ट्रिस्टन एंड इसोल्डे"(1865), "गोल्ड ऑफ द राइन"(1869)और आदि।; गाना बजानेवालों, पियानो के टुकड़े, रोमांस।

एक और उत्कृष्ट जर्मन संगीतकार, कंडक्टर, पियानोवादक, शिक्षक और संगीत व्यक्ति थे फेलिक्स मेंडेलसोहन-बार्थोल्डी. 9 साल की उम्र से उन्होंने एक पियानोवादक के रूप में प्रदर्शन करना शुरू किया, 17 साल की उम्र में उन्होंने एक उत्कृष्ट कृति बनाई - एक कॉमेडी के लिए एक ओवरचर " सी वह गर्मी की रात में है"शेक्सपियर. 1843 में उन्होंने लीपज़िग में जर्मनी में पहली कंज़र्वेटरी की स्थापना की। मेंडेलसोहन के काम में, "रोमांटिक के बीच एक क्लासिक", रोमांटिक विशेषताओं को शास्त्रीय सोच प्रणाली के साथ जोड़ा जाता है। उनके संगीत की विशेषता है उज्ज्वल माधुर्य, अभिव्यक्ति का लोकतंत्रवाद, भावनाओं का संयम, विचार की शांति, उज्ज्वल भावनाओं की प्रबलता, गीतात्मक मनोदशा, भावुकता के मामूली स्पर्श के बिना नहीं, त्रुटिहीन रूप, शानदार शिल्प कौशल। आर। शुमान ने उन्हें "19 वीं शताब्दी का मोजार्ट", जी। हेइन - "एक संगीत चमत्कार" कहा।

लैंडस्केप रोमांटिक सिम्फनीज़ ("स्कॉटिश", "इतालवी") के लेखक, प्रोग्राम कॉन्सर्ट ओवरचर्स, एक लोकप्रिय वायलिन कॉन्सर्टो, पियानोफोर्ट "सॉन्ग विदाउट वर्ड्स" के लिए टुकड़ों का चक्र; ओपेरा कैमाचो की शादी नाटकीय नाटक एंटीगोन (1841), सोफोकल्स द्वारा ओडिपस इन कोलन (1845), रैसीन द्वारा अटालिया (1845), शेक्सपियर के ए मिडसमर नाइट्स ड्रीम (1843) और अन्य के लिए संगीत लिखा; वक्ता "पॉल" (1836), "एलिजा" (1846); पियानो के लिए 2 संगीत कार्यक्रम और वायलिन के लिए 2 संगीत कार्यक्रम।

पर इतालवीसंगीत संस्कृति एक विशेष स्थान Giuseppe Verdi का है - एक उत्कृष्ट संगीतकार, कंडक्टर, ऑर्गनिस्ट। वर्डी के काम का मुख्य क्षेत्र ओपेरा है। उन्होंने मुख्य रूप से इतालवी लोगों की वीर-देशभक्ति की भावनाओं और राष्ट्रीय मुक्ति विचारों के प्रवक्ता के रूप में काम किया। बाद के वर्षों में, उन्होंने सामाजिक असमानता, हिंसा, उत्पीड़न से उत्पन्न नाटकीय संघर्षों पर ध्यान दिया और अपने ओपेरा में बुराई की निंदा की। वर्डी के काम की विशेषता विशेषताएं: लोक संगीत, नाटकीय स्वभाव, मधुर चमक, दृश्य के नियमों की समझ।

उन्होंने 26 ओपेरा लिखे: " नबूको", "मैकबेथ", "ट्रबडॉर", "ला ट्रैविटा", "ओथेलो", "आइडा"" और आदि . , 20 रोमांस, मुखर पहनावा .

युवा नार्वेजियन संगीतकार एडवर्ड ग्रिग (1843-1907)राष्ट्रीय संगीत के विकास के इच्छुक थे। यह न केवल उनके काम में, बल्कि नॉर्वेजियन संगीत के प्रचार में भी व्यक्त किया गया था।

कोपेनहेगन में अपने वर्षों के दौरान, ग्रिग ने बहुत सारा संगीत लिखा: " काव्य चित्र"और "ह्यूमोरस्क",पियानो के लिए सोनाटा और पहले वायलिन सोनाटा, गाने। प्रत्येक नए काम के साथ, नॉर्वेजियन संगीतकार के रूप में ग्रिग की छवि अधिक स्पष्ट रूप से उभरती है। सूक्ष्म गीतात्मक "पोएटिक पिक्चर्स" (1863) में, राष्ट्रीय विशेषताएं अभी भी डरपोक हैं। लयबद्ध आकृति अक्सर नॉर्वेजियन लोक संगीत में पाई जाती है; यह ग्रिग की कई धुनों की विशेषता बन गई।

ग्रिग का काम विशाल और बहुआयामी है। ग्रिग ने विभिन्न शैलियों की रचनाएँ लिखीं। पियानो कॉन्सर्टो और बैलेड्स, वायलिन और पियानो के लिए तीन सोनाटा और सेलो और पियानो के लिए एक सोनाटा, चौकड़ी बड़े रूप के लिए ग्रिग की निरंतर लालसा की गवाही देती है। उसी समय, वाद्य लघुचित्रों में संगीतकार की रुचि अपरिवर्तित रही। पियानोफोर्ट के समान ही, संगीतकार चैम्बर वोकल मिनिएचर - एक रोमांस, एक गीत से आकर्षित हुआ था। ग्रिग के साथ मुख्य मत बनो, सिम्फोनिक रचनात्मकता के क्षेत्र को इस तरह की उत्कृष्ट कृतियों द्वारा सूट के रूप में चिह्नित किया गया है " प्रति गुनोद ”, “होलबर्ग के दिनों से". ग्रिग के काम के विशिष्ट प्रकारों में से एक लोक गीतों और नृत्यों का प्रसंस्करण है: साधारण पियानो टुकड़ों के रूप में, पियानो चार हाथों के लिए एक सूट चक्र।

ग्रिग की संगीत भाषा बहुत ही मौलिक है। संगीतकार की शैली का व्यक्तित्व सबसे अधिक नॉर्वेजियन लोक संगीत के साथ उनके गहरे संबंध से निर्धारित होता है। ग्रिग व्यापक रूप से शैली की विशेषताओं, स्वर संरचना, लोक गीत के लयबद्ध सूत्रों और नृत्य की धुनों का उपयोग करता है।

एक राग के रूपांतर और भिन्न विकास की ग्रिग की उल्लेखनीय महारत लोक परंपराओं में निहित है कि इसके परिवर्तनों के साथ एक राग की बार-बार पुनरावृत्ति होती है। "मैंने अपने देश के लोक संगीत को रिकॉर्ड किया।" इन शब्दों के पीछे लोक कला के प्रति ग्रिग का सम्मानजनक रवैया और अपनी रचनात्मकता के लिए इसकी निर्णायक भूमिका की मान्यता है।

7. निष्कर्ष

उपरोक्त के आधार पर, निम्नलिखित निष्कर्ष निकाले जा सकते हैं:

रूमानियत का उदय तीन मुख्य घटनाओं से प्रभावित था: फ्रांसीसी क्रांति, नेपोलियन युद्ध, यूरोप में राष्ट्रीय मुक्ति आंदोलन का उदय।

कलात्मक संस्कृति में एक विधि और दिशा के रूप में स्वच्छंदतावाद एक जटिल और विवादास्पद घटना थी। हर देश में उनकी एक उज्ज्वल राष्ट्रीय अभिव्यक्ति थी। रोमानी लोगों ने समाज में विभिन्न सामाजिक और राजनीतिक पदों पर कब्जा कर लिया। उन सभी ने बुर्जुआ क्रांति के परिणामों के खिलाफ विद्रोह किया, लेकिन उन्होंने अलग-अलग तरीकों से विद्रोह किया, क्योंकि प्रत्येक का अपना आदर्श था। लेकिन कई चेहरों और विविधता के साथ, रोमांटिकतावाद में स्थिर विशेषताएं हैं:

वे सभी प्रबुद्धता के खंडन और क्लासिकवाद के तर्कवादी सिद्धांतों से आए, जिसने कलाकार की रचनात्मक पहल को जन्म दिया।

उन्होंने ऐतिहासिकता के सिद्धांत की खोज की (प्रबुद्धों ने अतीत को ऐतिहासिक रूप से उनके लिए "उचित" और "अनुचित" के रूप में आंका)। हमने अतीत में मानवीय चरित्रों को उनके समय के अनुसार आकार में देखा है। राष्ट्रीय अतीत में रुचि ने कई ऐतिहासिक कार्यों को जन्म दिया।

एक मजबूत व्यक्तित्व में रुचि जो अपने आसपास की पूरी दुनिया का विरोध करता है और केवल खुद पर निर्भर करता है।

मनुष्य की आंतरिक दुनिया पर ध्यान दें।

पश्चिमी यूरोप और रूस दोनों देशों में स्वच्छंदतावाद व्यापक रूप से विकसित हुआ था। हालाँकि, रूस में रूमानियत एक अलग ऐतिहासिक सेटिंग और एक अलग सांस्कृतिक परंपरा के पक्ष में पश्चिमी यूरोपीय से भिन्न थी। रूस में रूमानियत के उदय का वास्तविक कारण 1812 का देशभक्तिपूर्ण युद्ध था, जिसमें लोकप्रिय पहल की सारी शक्ति प्रकट हुई थी।

रूसी रूमानियत की विशेषताएं:

स्वच्छंदतावाद ने आत्मज्ञान का विरोध नहीं किया। प्रबुद्धता की विचारधारा कमजोर हुई, लेकिन यूरोप की तरह ढह नहीं गई। एक प्रबुद्ध सम्राट का आदर्श अपने आप समाप्त नहीं हुआ है।

स्वच्छंदतावाद क्लासिकवाद के समानांतर विकसित हुआ, जो अक्सर इसके साथ जुड़ता है।

रूस में स्वच्छंदतावाद विभिन्न प्रकार की कलाओं में अलग-अलग तरीकों से प्रकट हुआ। वास्तुकला में, इसे बिल्कुल नहीं पढ़ा गया था। पेंटिंग में, यह 19 वीं शताब्दी के मध्य तक सूख गया। उन्होंने केवल आंशिक रूप से संगीत में दिखाया। शायद साहित्य में ही रोमांटिकतावाद लगातार प्रकट हुआ।

दृश्य कलाओं में, रूमानियतवाद चित्रकला और ग्राफिक्स में सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट हुआ, मूर्तिकला और वास्तुकला में कम स्पष्ट रूप से।

रोमान्टिक्स मानव आत्मा की दुनिया को खोलते हैं, व्यक्तिगत, किसी और के विपरीत, लेकिन ईमानदार और इसलिए दुनिया की सभी कामुक दृष्टि के करीब। पेंटिंग में छवि की तात्कालिकता, जैसा कि डेलाक्रोइक्स ने कहा, और साहित्यिक प्रदर्शन में इसकी निरंतरता नहीं, कलाकारों का ध्यान आंदोलन के सबसे जटिल संचरण पर निर्धारित किया, जिसके लिए नए औपचारिक और रंगीन समाधान पाए गए। स्वच्छंदतावाद ने XIX सदी के उत्तरार्ध की विरासत छोड़ी। इन सभी समस्याओं और कलात्मक व्यक्तित्व को अकादमिकता के नियमों से मुक्त किया गया। प्रतीक, जो रोमांटिक लोगों के बीच 19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध की कला में विचार और जीवन के आवश्यक संयोजन को व्यक्त करने वाला था। विचारों की विविधता और आसपास की दुनिया को कैप्चर करते हुए, कलात्मक छवि की पॉलीफोनी में घुल जाता है। चित्रकला में स्वच्छंदतावाद का भावुकतावाद से गहरा संबंध है।

रोमांटिकतावाद के लिए धन्यवाद, कलाकार की व्यक्तिगत व्यक्तिपरक दृष्टि एक कानून का रूप लेती है। प्रभाववाद कला को एक छाप घोषित करते हुए कलाकार और प्रकृति के बीच की बाधा को पूरी तरह से नष्ट कर देगा। रोमान्टिक्स कलाकार की कल्पना, "उसकी भावनाओं की आवाज" की बात करते हैं, जो उसे काम को रोकने की अनुमति देता है जब मास्टर इसे आवश्यक समझता है, न कि पूर्णता के शैक्षणिक मानकों के अनुसार।

स्वच्छंदतावाद ने विश्व कलात्मक संस्कृति में एक पूरे युग को छोड़ दिया, इसके प्रतिनिधि थे: रूसी साहित्य में ज़ुकोवस्की, ए। पुश्किन, एम। लेर्मोंटोव और अन्य; ललित कला में ई। डेलाक्रोइक्स, टी। गेरिकॉल्ट, एफ। रनगे, जे। कॉन्स्टेबल, डब्ल्यू। टर्नर, ओ। किप्रेंस्की, ए। वेनेत्सियानोव, ए। ओर्लोर्स्की, वी। ट्रोपिनिन और अन्य; एफ। शुबर्ट, आर। वैगनर, जी। बर्लियोज़, एन। पगनिनी, एफ। लिस्ट्ट, एफ। चोपिन और अन्य के संगीत में। उन्होंने नई शैलियों की खोज की और विकसित की, मानव व्यक्तित्व के भाग्य पर पूरा ध्यान दिया, खुलासा किया अच्छाई और बुराई की द्वंद्वात्मकता, कुशलता से मानवीय जुनूनों को प्रकट करती है, आदि।

कला अपने महत्व में कमोबेश बराबरी करती है और कला की शानदार कृतियों का निर्माण करती है, हालांकि रोमांटिक लोगों ने कला की सीढ़ी में संगीत को प्राथमिकता दी।

एक विश्वदृष्टि के रूप में रूस में स्वच्छंदतावाद 18वीं शताब्दी के अंत से 1850 के दशक तक अपनी पहली लहर में मौजूद था। रूसी कला में रोमांटिक की रेखा 1850 के दशक में नहीं रुकी। कला के लिए रोमान्टिक्स द्वारा खोजी जाने वाली अवस्था का विषय, बाद में ब्लू रोज़ के कलाकारों द्वारा विकसित किया गया था। रोमांटिक लोगों के प्रत्यक्ष उत्तराधिकारी निस्संदेह प्रतीकवादी थे। रोमांटिक विषयों, रूपांकनों, अभिव्यंजक उपकरणों ने विभिन्न शैलियों, दिशाओं, रचनात्मक संघों की कला में प्रवेश किया। रोमांटिक विश्वदृष्टि या विश्वदृष्टि सबसे जीवंत, दृढ़, फलदायी में से एक बन गई।

एक सामान्य दृष्टिकोण के रूप में स्वच्छंदतावाद, मुख्य रूप से युवा लोगों की विशेषता, एक आदर्श और रचनात्मक स्वतंत्रता की इच्छा के रूप में, अभी भी विश्व कला में लगातार रह रहे हैं।

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एक व्यक्ति का आध्यात्मिक जीवन, मजबूत जुनून का चित्रण, प्रकृति का आध्यात्मिककरण, राष्ट्रीय अतीत में रुचि, कला के सिंथेटिक रूपों की इच्छा को विश्व दुख के उद्देश्यों के साथ जोड़ा जाता है, "छाया" का पता लगाने और फिर से बनाने की इच्छा। , मानव आत्मा का "रात" पक्ष, प्रसिद्ध "रोमांटिक विडंबना" के साथ, रोमांटिक लोगों को साहसपूर्वक उच्च और निम्न, दुखद और हास्य, वास्तविक और शानदार की तुलना करने और समान करने की अनुमति देता है। स्थानीय ऐतिहासिक परंपराओं और परिस्थितियों के कारण, कई देशों में विकसित, रोमांटिकवाद ने हर जगह एक उज्ज्वल राष्ट्रीय पहचान हासिल की। फ्रांस में विकसित सबसे सुसंगत रोमांटिक स्कूल, जहां कलाकारों ने अभिव्यंजक साधनों की प्रणाली में सुधार करते हुए, रचना को गतिशील बनाया, एक हिंसक आंदोलन के साथ संयुक्त रूपों का उपयोग किया, चमकीले संतृप्त रंग और लेखन की एक विस्तृत, सामान्यीकृत शैली (टी। गेरिकॉल्ट, ई द्वारा पेंटिंग) का उपयोग किया। Delacroix, O. Daumier, P.J. David d "Angers, A.L. Bari, F. Ryuda द्वारा प्लास्टिक। जर्मनी और ऑस्ट्रिया में, प्रारंभिक रोमांटिकवाद को हर चीज पर ध्यान से ध्यान देने की विशेषता है, जो आलंकारिक रूप से व्यक्तिगत, उदासीन-चिंतनशील tonality है। -भावनात्मक संरचना, रहस्यमय-पंथवादी मूड (चित्र और रूपक रचनाएं एफ.ओ. रनगे, के.डी. फ्रेडरिक और जेए कोच द्वारा परिदृश्य), 15 वीं शताब्दी की जर्मन और इतालवी पेंटिंग की धार्मिक भावना को पुनर्जीवित करने की इच्छा (नाज़रीन का काम); ए रूमानियत और "बर्गर यथार्थवाद" के सिद्धांतों का एक प्रकार का संलयन बिडेर्मियर (एल रिक्टर, के। स्पिट्जवेग, एम। वॉन श्विंड, एफ। जी। वाल्डमुलर का काम) की कला थी। ब्लै और आर। बोनिंगटन, शानदार छवियां और असामान्य अभिव्यंजक साधन - डब्ल्यू। टर्नर का काम, मध्य युग की संस्कृति से लगाव और प्रारंभिक पुनर्जागरण - दिवंगत रोमांटिक प्री-राफेलाइट आंदोलन के स्वामी का काम। रोसेटी, ई. बर्ने-जोन्स, डब्ल्यू. मॉरिस और अन्य)। यूरोप और अमेरिका के अन्य देशों में, रोमांटिक आंदोलन का प्रतिनिधित्व परिदृश्य (संयुक्त राज्य अमेरिका में जे। इनेस और एपी राइडर द्वारा पेंटिंग), लोक जीवन और इतिहास के विषयों पर रचनाएं (बेल्जियम में एल। गाले का काम, जे। चेक गणराज्य में माने, हंगरी में वी। मदरस, पोलैंड में पी। मिचलोव्स्की और जे। माटेजको, आदि)। रूमानियत का ऐतिहासिक भाग्य जटिल और अस्पष्ट था। एक या एक अन्य रोमांटिक प्रवृत्ति ने 19 वीं शताब्दी के प्रमुख यूरोपीय आचार्यों के काम को चिह्नित किया - बारबिजोन स्कूल के कलाकार, सी। कोरोट, जी। कोर्टबेट, जे.एफ. फ्रांस में बाजरा, ई। मैनेट, जर्मनी में ए। वॉन मेन्ज़ेल, आदि। एक ही समय में, जटिल रूपकवाद, रहस्यवाद और कल्पना के तत्व, कभी-कभी रोमांटिकवाद में निहित, प्रतीकात्मकता में निरंतरता पाई गई, आंशिक रूप से उत्तर-प्रभाववाद की कला में और आधुनिक शैली।