Revoluție și cultură. Revoluția din 1917 a împărțit inteligența artistică a Rusiei în două părți. Una dintre ele, deși nu a acceptat totul în Consiliul Deputaților (cum mulți numeau atunci țara sovieticilor), a crezut în reînnoirea Rusiei și și-a dedicat puterea slujirii cauzei revoluționare; celălalt era disprețuitor negativ față de guvernul bolșevic și și-a susținut oponenții sub diferite forme.
În octombrie 1917, V. V. Mayakovsky, în autobiografia sa literară originală „Eu însumi”, a descris poziția sa astfel: „A accepta sau a nu accepta? Nu a existat o astfel de întrebare pentru mine (și pentru alți moscoviți-futuriști). Revoluția mea. În timpul Războiului Civil, poetul a lucrat în așa-numitele „Ferestrele Satirei ROSTA” (ROSTA – Agenția Telegrafică Rusă), unde au fost create afișe satirice, desene animate, tipărituri populare cu scurte texte poetice. Ei i-au ridiculizat pe dușmanii guvernului sovietic - generali, moșieri, capitaliști, intervenționiști străini, au vorbit despre sarcinile construcției economice. Viitorii scriitori sovietici au servit în Armata Roșie: de exemplu, D. A. Furmanov era comisarul diviziei comandate de Chapaev; I. E. Babel a fost un luptător al celebrei Armate 1 Cavalerie; A.P. Gaidar la vârsta de șaisprezece ani a comandat un detașament de tineri în Khakassia.
Viitorii scriitori emigranți au participat la mișcarea albă: R. B. Gul a luptat ca parte a Armatei Voluntarilor, care a făcut celebra „Campanie de gheață” de la Don la Kuban, G. I. Gazdanov, după absolvirea clasei a VII-a a gimnaziului, s-a oferit voluntar pentru Armata Wrangel. I. A. Bunin și-a numit jurnalele din perioada războiului civil „Zile blestemate”. M. I. Tsvetaeva a scris un ciclu de poezii sub titlul semnificativ „Tabăra lebedelor” - o plângere plină de imagini religioase pentru Rusia albă. Tema perniciozității războiului civil pentru natura umană a fost pătrunsă de lucrările scriitorilor emigrați M. A. Aldanov („Sinucidere”), M. A. Osorgin („Martorul istoriei”), I. S. Shmelev („Soarele morților”).
Ulterior, cultura rusă s-a dezvoltat în două fluxuri: în țara sovietică și în emigrație. Scriitorii și poeții I. A. Bunin, distins cu Premiul Nobel pentru Literatură în 1933, D. S. Merezhkovsky și Z. N. Gippius, autorii de seamă ai cărții de program antisovietic „Regația lui Antihrist”, au lucrat într-o țară străină. Unii scriitori, precum V. V. Nabokov, au intrat în literatură deja în exil. În străinătate, artiștii V. Kandinsky, O. Zadkine, M. Chagall au câștigat faima mondială.
Dacă lucrările scriitorilor emigrați (M. Aldanov, I. Shmelev și alții) au fost pătrunse de tema perniciozității revoluției și a războiului civil, lucrările scriitorilor sovietici au respirat patos revoluționar.
De la pluralismul artistic la realismul socialist.În primul deceniu post-revoluționar, dezvoltarea culturii în Rusia s-a caracterizat prin experimentare, căutarea de noi forme și mijloace artistice - un spirit artistic revoluționar. Cultura acestui deceniu, pe de o parte, își are rădăcinile în Epoca de Argint, iar pe de altă parte, a adoptat de la revoluție o tendință de renunțare la canoanele estetice clasice, la noutatea tematică și intriga. Mulți scriitori au văzut că este datoria lor să servească idealurile revoluției. Acest lucru s-a manifestat în politizarea operei poetice a lui Mayakovsky, în crearea mișcării „Octombrie Teatrală” de către Meyerhold, în formarea Asociației Artiștilor din Rusia Revoluționară (AHRR) etc.
Poeții S. A. Yesenin, A. A. Akhmatova, O. E. Mandelstam, B. L. Pasternak, care și-au început drumul poetic la începutul secolului, au continuat să creeze. Un cuvânt nou în literatură a fost spus de generația care a venit la el deja în vremurile sovietice - M. A. Bulgakov, M. A. Sholokhov, V. P. Kataev, A. A. Fadeev, M. M. Zoshchenko.
Dacă în anii 20 literatura și artele plastice erau excepțional de diverse, apoi în anii 30, în condițiile dictatului ideologic, scriitorilor și artiștilor s-a impus așa-zisul realism socialist. Conform canoanelor sale, reflectarea realității în operele de literatură și artă trebuia să fie subordonată sarcinilor educației socialiste. Treptat, în locul realismului critic și a diverselor tendințe de avangardă în cultura artistică, s-a instituit pseudorealismul, adică. imagine idealizată a realității sovietice și a poporului sovietic.
Cultura artistică era sub controlul Partidului Comunist. La începutul anilor 30. Au fost lichidate numeroase asociații de muncitori de artă. În schimb, au fost create uniuni unite de scriitori, artiști, cineaști, artiști și compozitori sovietici. Deși formal erau organizații publice independente, inteligența creativă trebuia să fie complet subordonată autorităților. În același timp, sindicatele, având la dispoziție fonduri și case de creativitate, au creat anumite condiții pentru munca intelectualității artistice. Statul a întreținut teatrele, a finanțat filmările, a asigurat artiștilor studiouri etc. Singurul lucru care se cerea de la artiști era să servească cu fidelitate partidul comunist. Scriitorii, artiștii și muzicienii care s-au abătut de la canoanele impuse de autorități erau de așteptat să fie „elaborați” și reprimați (O. E. Mandelstam, V. E. Meyerhold, B. A. Pilnyak și mulți alții au murit în temnițele staliniste).
Un loc semnificativ în cultura artistică sovietică a fost ocupat de teme istorice și revoluționare. Tragedia revoluției și a războiului civil a fost reflectată în cărțile lui M. A. Sholokhov („Quiet Flows the Don”), A. N. Tolstoi („Walking through the chins”), I. E. Babel (colecția de povești „Konarmiya”), picturi de M. B. Grekova („Tachanka”), A. A. Deineki („Apărarea Petrogradului”). În cinema, filmele dedicate revoluției și războiului civil au ocupat un loc onorabil. Cele mai faimoase dintre ele au fost „Chapaev”, o trilogie de film despre Maxim, „Suntem din Kronstadt”. Tema glorificată nu a părăsit capitala și
din scenele de teatru provincial. Un simbol caracteristic al artei plastice sovietice a fost sculptura lui V. I. Mukhina „Femeia muncitoare și fermă colectivă”, care a împodobit pavilionul sovietic la Expoziția Mondială de la Paris în 1937. Artiști celebri și puțin cunoscuți au creat portrete de grup pompoase cu Lenin și Stalin. În același timp, M. V. Nesterov, P. D. Korin, P. P. Konchalovsky și alți artiști talentați au obținut un succes remarcabil în pictura portretului și peisajului.
Poziții proeminente în arta mondială a anilor 20-30. ocupat de cinematograful sovietic. A prezentat regizori precum SM. Eisenstein („Cuirasatul Potemkin”, „Alexander Nevsky”, etc.), fondatorul comediei muzicale excentrice sovietice G. V. Aleksandrov („Felicii vesele”, „Volga-Volga”, etc.), fondatorul cinematografiei ucrainene A P. Dovzhenko (Arsenal, Shhors etc.). Stelele cinematografiei sonore sovietice au strălucit pe cerul artistic: L. P. Orlova, V. V. Serova, N. K. Cherkasov, B. P. Chirkov și alții.
Marele Război Patriotic și inteligența artistică. Nici măcar o săptămână nu trecuse din ziua atacului nazist asupra URSS, când în centrul Moscovei a apărut „Windows TASS” (TASS - Agenția Telegrafică a Uniunii Sovietice), continuând tradițiile propagandei și a afișelor și desenelor politice. „Windows ROSTA”. În timpul războiului, 130 de artiști și 80 de poeți au luat parte la lucrarea Okon TASS, care a publicat peste 1 milion de postere și desene animate. În primele zile ale războiului, celebrele afișe „Patria cheamă!” (I. M. Toidze), „Cauza noastră este dreaptă, victoria va fi a noastră” (V. A. Serov), „Războinicul Armatei Roșii, salvați!” (V. B. Koretsky). La Leningrad, asociația artiștilor „Fighting Pencil” a lansat producția de postere-pliante într-un format mic.
În timpul Marelui Război Patriotic, mulți scriitori s-au orientat către genul jurnalismului. Ziarele au publicat eseuri militare, articole și poezii. Cel mai cunoscut publicist a fost I. G. Ehrenburg. Poem
A. T. Tvardovsky „Vasili Terkin”, poemele de primă linie de K. M. Simonov („Așteaptă-mă”) au întruchipat sentimentele oamenilor. O reflectare realistă a destinului oamenilor a fost reflectată în proza ​​militară a lui A. A. Bek („Autostrada Volokolamsk”), V. S. Grossman („Oamenii sunt nemuritori”),
V. A. Nekrasov („În tranșeele Stalingradului”), K. M. Simonov („Zile și nopți”). În repertoriul teatrelor au apărut spectacole despre viața de primă linie. Este semnificativ faptul că piesele lui A. E. Korneichuk „Frontul” și K. M. Simonov „Poporul rus” au fost publicate în ziare împreună cu rapoartele Biroului de Formă sovietic despre situația de pe fronturi.
Concertele din prima linie și întâlnirile artiștilor cu răniții din spitale au devenit cea mai importantă parte a vieții artistice a anilor de război. Cântecele populare rusești interpretate de L. A. Ruslanova, melodiile pop interpretate de K. I. Shulzhenko și L. O. Utesov au fost foarte populare. Cântecele lirice ale lui K. Ya. Listov („În pirogă”), N. V. Bogoslovsky („Noapte întunecată”), M. I. Blanter („În pădurea de lângă front”), care au apărut în anii războiului, au fost utilizate pe scară largă la în față și în spate. , V. P. Solovyov-Sedogo („Nightingales”).
Cronici de război au fost prezentate în toate cinematografele. Filmările au fost efectuate de operatori în condiții de primă linie, cu mare pericol pentru viață. Primul film documentar de lungă durată a fost dedicat înfrângerii trupelor naziste de lângă Moscova. Apoi au fost create filmele „Leningrad on Fire”, „Stalingrad”, „People’s Avengers” și o serie de altele. Unele dintre aceste filme au fost prezentate după război la procesele de la Nürnberg ca dovezi documentare ale crimelor naziste.
Cultura artistică din a doua jumătate a secolului XX. După Marele Război Patriotic, în arta sovietică au apărut nume noi și de la începutul anilor 50-60. au început să se formeze noi direcţii tematice. În legătură cu expunerea cultului personalității lui Stalin, a avut loc depășirea artei sincer „lacuirii”, care era deosebit de caracteristică anilor 30 și 40.
De la mijlocul anilor 50. Literatura și arta au început să joace același rol educațional în societatea sovietică pe care l-au jucat în Rusia în secolul al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. Strângerea ideologică (și cenzură) extremă a gândirii sociale și politice a contribuit la faptul că discutarea multor probleme de interes pentru societate a fost transferată în sfera literaturii și a criticii literare. Cea mai semnificativă dezvoltare nouă a fost reflectarea critică a realităților din vremea lui Stalin. Publicațiile de la începutul anilor ’60 au devenit o senzație. lucrări de A. I. Soljenițîn („O zi din viața lui Ivan Denisovich”, povestiri) și A. T. Tvardovsky („Terkin în lumea cealaltă”). Împreună cu Soljenițîn, tema taberei a intrat în literatură, iar poemul lui Tvardovsky (împreună cu poeziile tânărului E. A. Yevtushenko) a marcat începutul unui atac artistic asupra cultului personalității lui Stalin. La mijlocul anilor 60. În secolul al XVIII-lea, a fost publicat pentru prima dată romanul lui M. A. Bulgakov Maestrul și Margareta, scris înainte de război, cu simbolismul său religios și mistic, care nu este caracteristic literaturii sovietice. Cu toate acestea, inteligența artistică a experimentat încă dictatele ideologice ale partidului. Așadar, B. Pasternak, care a primit Premiul Nobel pentru romanul Doctor Jivago declarat antisovietic, a fost forțat să-l refuze.
Poezia a jucat întotdeauna un rol important în viața culturală a societății sovietice. În anii 60. poeții unei noi generații - B. A. Akhmadulina,
A. A. Voznesensky, E. A. Yevtushenko, R. I. Rozhdestvensky - cu cetățenia și orientarea lor jurnalistică, versurile au devenit idoli ai publicului cititor. Serile poetice la Muzeul Politehnic din Moscova, palatele sportului și instituțiile de învățământ superior au fost un succes uriaș.
În anii 60-70. A apărut proza ​​militară a unui „nou model” - cărți de V. P. Astafiev („Starfall”), G. Ya. Baklanov („Morții nu au rușine”), Yu. V. Bondarev („Zăpada fierbinte”), B. L. Vasilyeva ( „Zoriile aici sunt liniștite...”), K.D. Vorobyeva („Ucis lângă Moscova”), V.L. Kondratiev („Sashka”). Ei au reprodus experiența autobiografică a scriitorilor care au trecut prin creuzetul Marelui Război Patriotic, au transmis cruzimea nemiloasă a războiului pe care l-au simțit și i-au analizat lecțiile morale. În același timp, în literatura sovietică s-a format direcția așa-zisei proze sătești. A fost reprezentată de lucrările lui F. A. Abramov (trilogia „Pryasliny”), V. I. Belov („Poveștile lui Carpenter”), B. A. Mozhaev („Bărbați și femei”), V. G. Rasputin („Trăiește și amintește-ți”, „Adio Matera” ), V. M. Shukshin (povestiri „Săteni”). Cărțile acestor scriitori reflectau asceza muncii în anii grei de război și postbelici, procesele de țărănizare, pierderea valorilor spirituale și morale tradiționale, adaptarea complexă a ruralului de ieri la viața urbană.
Spre deosebire de literatura din anii 1930 și 1940, cele mai bune lucrări de proză din a doua jumătate a secolului s-au distins printr-un model psihologic complex, dorința scriitorilor de a pătrunde în adâncurile sufletului uman. Așa sunt, de exemplu, poveștile „Moscova” ale lui Yu. V. Trifonov („Schimb”, „O altă viață”, „Casa de pe terasament”).
Din anii 60. Pe scenele teatrului au apărut spectacole bazate pe piese pline de acțiune ale dramaturgilor sovietici (A. M. Volodin, A. I. Gelman, M. F. Shatrov), iar repertoriul clasic în interpretarea regizorilor inovatori a căpătat un sunet real. Așa au fost, de exemplu, producțiile noilor teatre Sovremennik (regia O. N. Efremov, apoi G. B. Volchek), Teatrul de Dramă și Comedie Taganka (Yu. P. Lyubimov).

Principalele tendințe în dezvoltarea culturii post-sovietice. Una dintre caracteristicile dezvoltării culturii ruse la începutul secolelor XX-XXI. este de-ideologizarea și pluralismul căutării creative. În ficțiunea de elită și artele plastice din Rusia post-sovietică, lucrările de avangardă au ieșit în prim-plan. Acestea includ, de exemplu, cărți de V. Pelevin, T. Tolstoi, L. Ulitskaya și alți autori. Avangardismul este tendința predominantă și în pictură. În teatrul casnic modern, producțiile regizorului R. G. Viktyuk sunt impregnate de simbolismul principiului irațional într-o persoană.
De când perioada „perestroika” a început să depășească izolarea culturii ruse de viața culturală a țărilor străine. Locuitorii URSS, și mai târziu ai Federației Ruse, au putut să citească cărți, să vadă filme care anterior le erau inaccesibile din motive ideologice. Mulți scriitori care fuseseră lipsiți de cetățenia de către autoritățile sovietice s-au întors în patria lor. A apărut un singur spațiu al culturii ruse, care unește scriitori, artiști, muzicieni, regizori și actori, indiferent de locul lor de reședință. Deci, de exemplu, sculptorii E. I. Neizvestny (un monument funerar al lui N. S. Hrușciov, un monument al victimelor represiunilor staliniste din Vorkuta) și M. M. Shemyakin (un monument al lui Petru I la Sankt Petersburg) locuiesc în SUA. Și sculpturile lui V. A. Sidur, care a locuit la Moscova („Către cei care au murit din cauza violenței”, etc.), au fost instalate în orașele Germaniei. Regizorii N. S. Mikhalkov și A. S. Konchalovsky realizează filme atât în ​​țară, cât și în străinătate.
Prăbușirea radicală a sistemului politic și economic a dus nu numai la eliberarea culturii de obstacole ideologice, ci și a făcut necesară adaptarea la reducerea și, uneori, chiar și la eliminarea completă a finanțării de stat. Comercializarea literaturii și artei a dus la proliferarea operelor care nu au un mare merit artistic. Pe de altă parte, chiar și în noile condiții, cei mai buni reprezentanți ai culturii se îndreaptă către analiza celor mai acute probleme sociale, căutând căi de îmbunătățire spirituală a omului. Astfel de lucrări includ, în special, lucrările regizorilor de film V. Yu. Abdrashitov („Timpul dansatorului”), N. S. Mikhalkov („Ars de soare”, „Bărbierul Siberiei”), V. P. Todorovsky („Țara surzilor”) ”), S. A. Solovieva („Tender Age”).
Artă muzicală. Reprezentanții Rusiei au adus o contribuție majoră la cultura muzicală mondială a secolului al XX-lea. Cei mai mari compozitori, ale căror lucrări au fost interpretate în mod repetat în săli de concerte și săli de operă din multe țări ale lumii, au fost S. S. Prokofiev (lucrări simfonice, opera Război și pace, baletele Cenușăreasa, Romeo și Julieta), D. D. Șostakovici (simfonia a VI-a). , opera „Lady Macbeth of the Mtsensk District”), A. G. Schnittke (simfonia a III-a, Requiem). Spectacolele de operă și balet ale Teatrului Bolșoi din Moscova au fost celebre în întreaga lume. Pe scena sa au fost atât lucrări din repertoriul clasic, cât și lucrări ale compozitorilor din perioada sovietică - T. N. Khrennikov, R. K. Shchedrin, A. Ya. Eshpay.
O întreagă constelație de muzicieni talentați și cântăreți de operă care au câștigat faima mondială a lucrat în țară (pianisti E. G. Gilels, S. T. Richter, violonistul D. F. Oistrakh, cântăreții S. Ya. Lemeshev, E. V. Obraztsova) . Unii dintre ei nu au putut să se împace cu presiunea ideologică dură și au fost forțați să-și părăsească patria (cântărețul G. P. Vishnevskaya, violoncelistul M. L. Rostropovich).
Muzicienii care cântau muzică de jazz au experimentat și ei o presiune constantă - au fost criticați ca adepți ai culturii „burgheze”. Cu toate acestea, orchestrele de jazz conduse de cântărețul L. O. Utyosov, dirijorul O. L. Lundstrem și genialul improvizator- trompetist E. I. Rozner au câștigat o popularitate imensă în Uniunea Sovietică.
Cel mai răspândit gen muzical a fost cântecul pop. Lucrările celor mai talentați autori, care au reușit să depășească oportunismul de moment în opera lor, au devenit în cele din urmă o parte integrantă a culturii poporului. Acestea includ, în special, „Katyusha” de M. I. Blanter, „The Volga Flows” de M. G. Fradkin, „Hope” de A. N. Pakhmutova și multe alte cântece.
În anii 60. În viața culturală a societății sovietice a intrat cântecul autorului, în care s-au închis începuturile profesionale și amatorii. Munca barzilor, care se desfășurau, de regulă, într-un cadru informal, nu era controlată de instituțiile culturale. În melodiile interpretate cu chitara de B. Sh. Okudzhava, A. A. Galich, Yu. Opera creativă a lui V. S. Vysotsky, care a combinat talentele unui poet, actor și cântăreț, a fost plină de patos civic puternic și o mare varietate de genuri.
A primit conținut social și mai profund în anii 70-80. Muzică rock sovietică. Reprezentanții săi - A. V. Makarevich (grupul „Mașina timpului”), K. N. Nikolsky, A. D. Romanov („Învierea”), B. B. Grebenshchikov („Acvariul”) - au reușit să treacă de la imitarea muzicienilor occidentali la lucrări independente, care, împreună cu cântecele lui barzii, erau folclorul epocii urbane.
Arhitectură. În anii 20-30. mințile arhitecților erau ocupate cu ideea transformării socialiste a orașelor. Deci, primul plan de acest fel - „Noua Moscova” - a fost dezvoltat la începutul anilor 1920. A. V. Shchusev și V. V. Zholtovsky. Au fost create proiecte pentru noi tipuri de locuințe - case comunale cu servicii de consum socializate, clădiri publice - cluburi ale muncitorilor și palate ale culturii. Stilul arhitectural dominant a fost constructivismul, care prevedea oportunitatea funcțională a planificării, o combinație de forme și detalii diferite, clar definite geometric, simplitatea exterioară și absența decorațiunilor. Căutările creative ale arhitectului sovietic K. S. Melnikov (clubul numit după I. V. Rusakov, propria sa casă din Moscova) au câștigat faima mondială.
La mijlocul anilor 30. În anii 1990, a fost adoptat Planul General pentru Reconstrucția Moscovei (reamenajare a părții centrale a orașului, amenajarea autostrăzilor, construcția metroului), planuri similare au fost elaborate pentru alte orașe mari. În același timp, libertatea de creativitate a arhitecților a fost limitată de instrucțiunile „liderului popoarelor”. A început construcția de structuri pompoase, reflectând, în opinia sa, ideea puterii URSS. Aspectul clădirilor s-a schimbat - constructivismul a fost înlocuit treptat de neoclasicismul „stalinist”. Elementele arhitecturii clasicismului se văd clar, de exemplu, în aspectul Teatrului Central al Armatei Roșii, stațiile de metrou din Moscova.
Construcție grandioasă s-a desfășurat în anii postbelici. Au apărut noi zone rezidențiale în orașele vechi. Imaginea Moscovei a fost actualizată datorită „zgârie-norilor” construite în zona Inelului Grădinii, precum și noii clădiri a Universității de pe Dealurile Lenin (Vrabiilor). De la mijlocul anilor 50. Direcția principală a construcției rezidențiale a devenit construcția de locuințe cu panouri în masă. Clădirile urbane noi, după ce au scăpat de „excesele arhitecturale”, au căpătat un aspect monoton. În anii 60-70. au apărut noi clădiri administrative în centrele republicane și regionale, printre care comitetele regionale ale PCUS s-au remarcat prin grandiozitatea lor. Pe teritoriul Kremlinului din Moscova a fost construit Palatul Congreselor, ale cărui motive arhitecturale sună disonante pe fundalul dezvoltării istorice.
Mari oportunități pentru munca creativă a arhitecților s-au deschis în ultimul deceniu al secolului XX. Capitalul privat, împreună cu statul, au început să acționeze ca un client în timpul construcției. Dezvoltând proiecte pentru clădiri de hoteluri, bănci, centre comerciale, facilități sportive, arhitecții ruși interpretează în mod creativ moștenirea clasicismului, modernității și constructivismului. Construcția de conace și cabane a intrat din nou în practică, multe dintre ele fiind construite conform proiectelor individuale.

În cultura sovietică s-au observat două tendințe opuse: arta politizată, lăcuind realitatea, și arta, formal socialistă, dar, în esență, reflectând critic realitatea (datorită poziției conștiente a artistului sau talentului, depășirea obstacolelor de cenzură). Aceasta din urmă direcție (împreună cu cele mai bune lucrări create în exil) a oferit mostre care au fost incluse în fondul de aur al culturii mondiale.

O.V. Volobuev „Rusia și lumea”.

Creativitatea este o activitate care generează ceva nou calitativ și se distinge prin originalitate, originalitate și unicitate socio-istorice. Creativitatea este specifică unei persoane, deoarece implică întotdeauna un creator - subiectul activității creative. Activitatea creativă este o caracteristică unică a rasei umane. Ea este multifațetă și se manifestă în toate sferele culturii materiale și spirituale, fiecare dobândind specificul său, dar păstrând, totuși, o versiune general semnificativă. Sensul activității creative este tocmai în formarea unei persoane ca subiect activ al activității sociale. În acest aspect, creativitatea acționează ca un atribut necesar al culturii.

Esența umană generică este un ansamblu de astfel de proprietăți umane care, manifestându-se în fiecare personalitate individuală, sunt păstrate de reprezentanții rasei umane de-a lungul existenței sale. Aceasta este concentrarea celor mai stabile relații în care intră personalitatea umană. Interacționând cu natura, o persoană manifestă prima proprietate a esenței generice, corporalitatea sau obiectivitatea sa naturală. Primul obiect pe care o persoană îl stăpânește în cursul vieții este corpul său. În procesul de interacțiune intenționată cu natura - muncă, o persoană folosește anumite instrumente pentru a-și atinge scopul. Rezultatul obiectiv al muncii umane este yavl. Atât îmbunătățirea persoanei în sine, cât și obiectele create prin munca umană. A doua manifestare a esenței umane generice se formează ca urmare a unei nevoi umane naturale într-o societate de oameni și se manifestă în socialitatea umană, public și sufletul care ia naștere ca urmare a manifestării lor. Fiind de la naștere într-o anumită societate, o persoană nu se poate lipsi de o societate de oameni de-a lungul vieții. În cele din urmă, a treia manifestare este spiritualitatea unei persoane după umanizarea sa (aceasta se manifestă pe deplin după apariția experiențelor la o persoană). Spiritualitatea umană reală este definită ca o relație de valoare, a cărei principală modalitate de existență este yavl. experiență de sens. Valoarea este semnificația unui obiect, a unei persoane sau a unui fenomen revelată în procesul de experimentare pentru persoana care experimentează. Creativitatea ar trebui interpretată ca o sursă a ceva etern, durabil în cultură.

Creare. Concept și esență. Tipuri de creativitate.

Creativitatea este o activitate care generează ceva nou calitativ și se distinge prin originalitate, originalitate și unicitate socio-istorice. Creativitatea este specifică unei persoane, deoarece presupune întotdeauna un creator - subiectul activității creative.

Se obișnuiește să se distingă tipurile de activitate creativă în funcție de tipul de gândire care stă la baza fiecăruia dintre ele. Pe baza gândirii conceptuale și logice, creativitatea științifică se dezvoltă, pe baza unui holistic-figurativ - artistic, pe baza constructiv-figurativ - design, pe baza constructiv-logico-tehnic. Luați în considerare caracteristicile procesului creativ în știință, tehnologie, artă și design. Lotman numește cultura și arta două moduri de a vedea lumea sau „ochii culturii”. Cu ajutorul științei, cultura înțelege existentul și naturalul, iar arta este trăirea celui neexperimentat, studiul celor de până acum, trecerea drumurilor neparcurse de cultură. Procesul creativ în știință este limitat de logică și fapte, rezultatul științific reflectă starea actuală a imaginii științifice a lumii, iar scopul creativității științifice este dorința de a atinge adevărul obiectiv. În creația artistică, autorul este limitat de limitele propriului talent și pricepere, responsabilitatea morală și gustul estetic. Procesul de creație artistică include momente în egală măsură conștiente și inconștiente, o operă de artă devine ca un sistem inițial deschis, un text care există într-un anumit context și are un subtext intern nerostit. Ca rezultat al creativității artistice, o operă de artă este întruchiparea lumii interioare a artistului, recreată într-o formă în general semnificativă, valoroasă. Creativitatea tehnica este conditionata de nevoile actuale ale civilizatiei in realizarea celui mai mare confort si adaptare maxima la mediu. Rezultatul creativității tehnice este un dispozitiv tehnic, un mecanism care răspunde cel mai bine nevoilor unei persoane. Creativitatea de proiectare apare la intersecția creativității tehnice și artistice și are ca scop crearea unui lucru care are nu numai o formă exterioară funcțională și oportună, ci și expresivă. Rezultatul creativității designului este reconstrucția mediului uman obiect-lucru. Arta designului reînvie teza uitată a culturii antice: „Omul este măsura tuturor lucrurilor”. Designerii se confruntă cu sarcina de a crea lucruri pe măsura unei persoane, creând un astfel de mediu gospodăresc și industrial care ar contribui la soluția cea mai eficientă a problemelor de producție și ar permite realizarea la maximum a abilităților și intențiilor unei persoane. Creativitatea este o condiție indispensabilă pentru apariția culturii și realizarea esenței umane generice. În creativitate, o persoană se exprimă ca o individualitate liberă și este eliberată de orice restricții externe, în primul rând, legate de capacitățile fizice ale unei persoane: fizice, fiziologice și mentale și, în al doilea rând, legate de viața socială a unei persoane. Creativitatea ca proces valoros se desfășoară atunci când, desfășurându-se în anumite condiții socio-culturale: sociale, economice, politice, morale și religioase, juridice și ideologice, stabilind un anumit nivel cultural actual, stabilește obiective fără precedent, este implementată într-un caută, mod selectiv și primește rezultat, extinzând măsura libertății creatorului. Creativitatea, atunci când o persoană se concentrează pe latura sa spirituală, este cea care contribuie la eliberarea unei persoane de convențiile care interferează cu lumea înconjurătoare. Cultura și creativitatea fac o persoană liberă de opresiunea parametrilor de gen și vârstă, de opresiunea comunității și de dictatele caracterului de masă și standardizării. Este creativitatea ca mod de a fi cultură și auto-realizare a individului care devine un mecanism pentru păstrarea individualității umane unice și a valorii de sine a individului. Creatorul este HOMO FABER - un om-creator care s-a ridicat deasupra mediului natural, deasupra nevoilor cotidiene, deasupra creării doar a necesarului practic. În consecință, prima dintre toate manifestările posibile ale creativității este formarea unei personalități creative.

O persoană creativă, indiferent de domeniul său de activitate, de regulă, se distinge prin inteligență ridicată, gândire relaxată, ușurință în asociere, joc neînfricat cu ideile și, în același timp, capacitatea de a construi scheme logice și de a stabili interdependențe, tipare. O persoană creativă trebuie să aibă independență de opinii și judecăți, aprecieri, capacitatea de a-și demonstra și apăra corect și rezonabil punctul de vedere. În primul rând, vigilența în căutarea unei probleme și capacitatea de a ridica întrebări sunt importante pentru o persoană creativă. O persoană creativă trebuie să aibă capacitatea de a se concentra și de a o menține mult timp pe orice problemă, subiect sau problemă, de a concentra atenția în procesul de găsire a unei soluții euristice. Inteligența creativă se distinge, de regulă, prin capacitatea de a opera cu concepte vag definite, de a depăși inconsecvențele logice și de a avea capacitatea de a reduce operațiunile mentale și de a apropia conceptele îndepărtate. O persoană creativă trebuie să fie exigentă cu sine și cu ceilalți și autocritică. Îndoiala în adevărurile general acceptate, răzvrătirea și respingerea tradiției trebuie să fie combinate în ea cu disciplina internă și strictețe față de sine. Oamenii creativi se disting prin inteligență, susceptibilitate la amuzant și capacitatea de a observa și de a înțelege comic contradicția. Cu toate acestea, psihologii notează că entuziasmul pentru o sarcină creativă, detașarea de lume duce la apariția distragerii cotidiene și la natura secundară a relațiilor dintre oameni, o dorință crescută de autoafirmare.

Conștiința de sine „eu” este întotdeauna individual concretă. Este unic și individual, în sensul că nu este mai departe divizibil (din lat. individual, care înseamnă literal „indivizibil”). Dar de unde vine această individualitate unică, cum este determinată? Este ea naturală? Este ea corporală? Este ea spirituală? Este ea perfectă? Cine este proprietarul ei? Uman? Sau poate genul care îi conferă corporalitate? O cultură care oferă limbaj, norme, modele de comportament și gândire? Ce este „eu”? Ce este un subiect?

Personalitatea, de fapt, este o „păpușă matrioșcă”, care conține multe alte păpuși cuibărătoare ascunse una în cealaltă. Sau o perlă. În centrul perlei se află conștiința de sine, pe care este stratificată sidef - straturile ulterioare ale personalității: conștiința, identitatea, corporalitatea, sistemul de roluri, aspectul, proprietatea, familia, munca, timpul liber etc. Un bărbat, spunea filozoful spaniol X. Ortega y Gasset, este un om și circumstanțele lui. Dar în centru există un cui de care atârnă întreaga integritate a acestor caracteristici - conștiința de sine a lui „Eu”.

Din exterior, în percepția celorlalți oameni, integritatea „eu”-ului nostru unic individual este fixată de numele nostru propriu sau este dată cu ajutorul pronumelor demonstrative „că”, „acea”, „aceștia”. Sub propriul nostru nume acționăm ca ființe sociale, personaje ale situațiilor și evenimentelor. Din interiorul lumii noastre interioare, propriul „eu” este perceput ca o anumită unitate de experiențe în aceste situații și evenimente, așteptări, speranțe, bucurii. În experiențe, în experiența spirituală, viața apare ca creativitate și autodeterminare a individului.

Într-o anumită măsură, o personalitate este asemănătoare unui artist care își modelează și ștampilă viața personală sub forma unor experiențe din materialul realității înconjurătoare. Ideea nu este în numărul de experiențe, ci în profunzimea lor, în capacitatea individului de a înțelege experiențele, de a găsi sens în ele. Experiențele nu sunt „cartofi într-un sac”, ci conștientizarea nu întâmplării și a conexiunii, semnificația celui experimentat, conștientizarea rolului cuiva în cei experimentați, vinovăția și responsabilitatea cuiva.

Îndoială și neascultare

Capacitatea de a efectua acțiuni independente presupune astfel o gândire independentă și, prin urmare, la un moment dat, îndoială. Îndoiala, neascultarea și abaterea de la norme și tipare sunt, într-un anumit sens, o condiție necesară pentru formarea și dezvoltarea unei personalități, autodeterminarea și autoorganizarea acesteia.

Prin urmare, deciziile luate nu automat, ci ca urmare a unei alegeri conștiente, sunt de o importanță deosebită. Este o alegere conștientă care reprezintă o valoare morală, este asumată ca o etapă necesară în formarea unei personalități, întruparea unei persoane. Nu e de mirare că „ascultarea prin neascultare” atrage o asemenea atenție în artă și religie: atunci când o persoană îndeplinește un act nu prin ordine, nu din obișnuință, ci făcând o alegere conștientă.

Gândirea și acțiunea netradițională, „dizidența” și abaterea de la stereotipurile stabilite sunt o condiție necesară pentru orice activitate creativă. În originile oricărei creativități stă nemulțumirea omului față de ordinea existentă a lucrurilor. Prin urmare, oamenii talentați au adesea un așa-zis caracter dificil. Esența umană în sine implică posibilitatea neascultării, abaterii de la norme, prin urmare supunerea unei persoane libere diferă de ascultarea absolută și necondiționată.

Cultură și creativitate

Creativitatea este destinul nu numai al oamenilor de știință, politicieni sau artiști remarcabili, ci și al fiecărui individ care își îndeplinește misiunea unică prin însăși participarea sa la viața socială. Viața, atât în ​​mediul profesional, cât și în cel casnic, pune de foarte multe ori o persoană într-o situație în care, din lipsa unui model social de comportament, este nevoită să găsească soluții în sine, să-și completeze în mod independent propria experiență.

În conștiința de zi cu zi, cultura și creativitatea sunt adesea identificate. Este suficient să amintim timbre de ziare precum „sfera culturii și creativității”, „cultură și artă”, etc. Cu toate acestea, relația dintre cultură și creativitate nu este atât de simplă. Într-adevăr, este creativitatea o activitate conștientă sau inconștientă? Este planificat și controlat sau spontan, spontan și involuntar? În primul caz, este în mod clar asociat cu punerea în aplicare a normelor culturale, în al doilea - în principal cu încălcarea acestora, uneori chiar împotriva voinței creatorului. Și, în general, este creativitatea un moment obligatoriu al culturii sau ceva opțional?

La urma urmei, ce este cultura? Există multe definiții ale acestui concept. În conștiința de zi cu zi, acesta este ceva „corect și bun”: cineva este considerat „cultural”, iar cineva „nu”. În acest caz, de fapt vorbim valoare„înțelegerea culturii ca sisteme de valori(materiale și spirituale) oameni sau umanitatea în ansamblu. Într-adevăr, nicio societate nu poate exista și dezvolta fără acumularea de experiență efectivă a generațiilor anterioare, fără tradiții, exemple de „cum să trăiești corect”.

Potrivit altuia - "tehnologic"– există o cultură în abordare mod de viață. Toți oamenii dorm, mănâncă, muncesc, iubesc, dar în fiecare societate o fac în felul lor. „Viața și obiceiurile de zi cu zi”, sau modalitățile de realizare a actelor vitale acceptate într-o comunitate dată, sunt înțelese aici ca o expresie a culturii. În înțelegerea „tehnologică”, cultura include și astfel de fenomene care sunt dubioase din punctul de vedere al abordării valorii, cum ar fi, să zicem, „cultura lumii interlope”, „tehnologia funcționării mijloacelor de distrugere în masă. "

Există și o interpretare a culturii, când nu toate, fără excepție, modurile de desfășurare a activităților vieții sunt recunoscute ca fiind culturale, ci doar cele care contribuie la dezvoltarea, perfecţionarea şi exaltarea omului.

Rezumând aceste abordări, se poate defini cultura ca un sistem de generare, acumulare, stocare, transmitere (de la oameni la oameni și de la generație la generație) a experienței sociale.

Cultura este ținută împreună de creativitate, se hrănește cu ea: atât în ​​menținerea vechilor norme și valori, cât și în crearea altora noi. Cultura ca idol păgân cere „jertfe umane”, sânge proaspăt și vieți tinere. Cu cât cultura este mai „culturală”, cu atât mai rigid este mediul tradițiilor cu care o persoană creativă trebuie să se confrunte. Creativitatea este ca magma, sparge straturi care s-au solidificat deja cu mare dificultate si risipa de energie, dar numai pentru a se revarsa si a se solidifica cu un nou strat. Și va fi și mai dificil pentru următorii creatori.

Este destul de dificil să distingem creativitatea de omologul său în oglindă - deviația socială negativă, care a fost menționată mai devreme. Nu întâmplător, contemporanii nu trag deseori o limită între comportamentul criminalului și al creatorului, considerând activitatea acestuia din urmă drept o infracțiune împotriva moralității, religiei sau o încălcare a legii. Socrate, care le-a pus concetăţenilor întrebări „inutile”, a fost condamnat la moarte. Pe D. Bruno și G. Galileo îi așteptau pedepse aspre, care se îndoiau că Soarele se învârte în jurul Pământului. La primele expoziții impresioniste, spectatorii indignați au cerut arestarea „huliganilor”. Aproximativ același lucru s-a întâmplat la primele expoziții ale rătăcitorilor ruși. Teoria relativității și mecanica cuantică au fost percepute ca huliganism intelectual de către contemporani. Istoria este plină de exemple de represalii ale contemporanilor nobili, dar nerecunoscători și ale colegilor de trib asupra creatorilor, care, de-a lungul timpului, sunt introduși solemn în panteonul sfinților.

Creativitatea nu este de dorit în orice cultură. Da, și cea mai mare parte a istoriei omenirii este ocupată de așa-numitele culturi tradiționale, a căror viață a fost în întregime determinată de loialitatea față de tradiție, replicată de fiecare nouă generație. Orice abatere de la normele și regulile tradiționale în astfel de societăți a fost suprimată fără milă, iar „creatorii” fie au fost expulzați, fie supuși unei represiuni severe. O accelerare bruscă a dezvoltării civilizației se datorează culturii care s-a dezvoltat în conformitate cu tradiția iudeo-creștină, cu o atenție deosebită acordată individului, libertății sale și, prin urmare, creativității. Tocmai, și poate doar în această cultură, care încă definește fața civilizației moderne, axată pe transformarea lumii înconjurătoare, creativitatea este privită ca o valoare. Mai mult, în civilizația modernă apar instituții, însăși existența cărora vizează tocmai creativitatea: uniuni creative, institute științifice sau partide politice.

Tragedia relației dintre creativitate și cultură este că relația lor nu este simetrică. Cultura modernă are nevoie de creativitate, dar creativitatea nu se poate baza pe cultură, ci trebuie să o depășească, devenind o nouă cultură. Normativitatea și tipicitatea sunt necesare pentru creativitate în sensul că nu pot fi ocolite. În artă, acestea sunt imagini tipice care exprimă caracteristici etnice, naționale și de vârstă specifice. În știință, este un aparat matematic care vă permite să reduceți un fenomen la explicații abstracte asemănătoare legii. Dar creativitatea își poate extrage puterea doar din libertatea umană și din inima omului - nu poate conta pe cultură. Ceea ce se face cu gândul la cultură nu este creativitate, ci reproducere și, paradoxal, cultura nu are nevoie de ea, îi este dăunătoare. Ca un vampir, are nevoie de sânge proaspăt și energie, bătăile intense ale unei inimi vii, și nu moarte, forme generale elaborate.

Cultura programează personalitatea, se străduiește să facă tipic nu numai comportamentul personalității, ci și conștiința, gândirea, sentimentele acesteia. În creativitate, însă, ceea ce este esențial nu este atât de mult predeterminat, ci mai degrabă de neegalat, anormal. Prin urmare, creativitatea se bazează pe structuri care fixează noi forme de experiență umană universală în circumstanțe istorice noi. Creativitatea presupune întotdeauna o nouă imagine, o profeție despre viitor. Creativitatea nu este retrospectivă, nu este reproductivă, ci perspectivă și productivă. Creativitatea nu este doar o combinație de unități semantice imuabile ale culturii, ci și crearea unora noi bazate pe tragedia individuală a existenței. Creativitatea este distructivă pentru lumea tradițională familiară. Scheme creative, formule și imagini orientate înainte spre semnificațiile finale ale istoriei vieții umane există în orice cultură, dar rolul și semnificația lor cresc odată cu cursul dezvoltării civilizației.