Die Poesie der 1970er und frühen 1990er Jahre ist ein Phänomen nach dem Tauwetter. Die Begeisterung für die Revolution und ihre Helden, die für die 1950er und 1960er Jahre charakteristisch war, verblasst darin, es gibt immer weniger Oden über die Vorzüge des Sowjetsystems usw. Die Ereignisse im Zusammenhang mit der angekündigten Perestroika, mit der die Demokratisierung begann Leben . Moralische (auch nationalpatriotische) Fragen treten in den Vordergrund. Der kritische Anfang vertieft sich. Politische Themen weichen Intonationen einer philosophisch fundierten Erfassung des Individuums. Die Aufmerksamkeit für diese Seite des Lebens führt die Poesie zu der Notwendigkeit, den Momenten der Seelenlosigkeit und Entmenschlichung, die sich im öffentlichen Leben manifestieren, auf neue Weise zu widerstehen.

Voreingenommene persönliche Motive in den Köpfen der Dichter führten zu allen Zeiten dazu, dass die Literatur das Thema Mutterland, seine historischen Schicksale und humanistischen Entwicklungsperspektiven erfasste. Nikolai Mikhailovich Rubtsov (1936-1971) hat dieses Thema um die Wende der 1960er - frühen 1970er Jahre brillant entwickelt.

Kreativität Rubtsov N.M.

Das Werk dieses großen Künstlers ist chronologisch den sechziger Jahren zuzuordnen: Das Leben des Dichters endete im Januar 1971. N. Rubtsov war damals erst 35 Jahre alt. Aber die Schöpfungen dieses Meisters sind in ihrem Geist eindeutig mit der Zeit nach dem Tauwetter verbunden, sie markieren eine neue Etappe in der Entwicklung des künstlerischen Wortes. Wenn die Literaturkritik die poetischen Schöpfungen der 1950er und 1960er Jahre als „laute“ oder „poppige“ Texte bezeichnete, dann ist N. Rubtsov der Schöpfer „leiser“ Texte. Sein „Schlüsselwerk“ war das Gedicht „My Quiet Homeland“ (1964). Dieser Titel selbst spiegelte sowohl die problem-thematischen als auch genre-stilistischen Merkmale der Poesie und von N. Rubtsov selbst sowie die Lyrik der 1970er - Anfang der 1990er Jahre im Allgemeinen wider. In „leiser“ Poesie hört man eine grundsätzliche Absage an Tribünengesten und romantische Bekundungen in Richtung „Lautheit“ aufrichtig, psychologisch.

Auf dem Grab von N. Rubtsov sind die Zeilen des Dichters selbst aus dem Gedicht "Vision on the Hill" (1964) eingraviert:

Russland, Russland! Rette dich, rette dich!

In diesen Worten wird das Hauptpathos der Poesie von N. Rubtsov aphoristisch ausgedrückt. Die Sorge um das Schicksal des Landes ist bereits der Hauptton sowohl der späteren als auch der modernen Dichtung.

Kreativität Chukhontseva O.G.

Oleg Grigoryevich Chukhontsev (geb. 1938) wird seit 1958 gedruckt. Seine Gedichte wurden auf den Seiten der Zeitschriften "Jugend", "Junge Garde", "Neue Welt", "Völkerfreundschaft" veröffentlicht. 1976 erschien seine Sammlung mit dem Titel „From Three Notebooks“. Diese Ausgabe enthält Gedichte aus verschiedenen Jahren.

Der lyrische Held von O. Chukhontsev ist auch ein Vertreter der "ruhigen" Lyrik. Seine Gedichte zeichnen sich nicht durch zwingende Hinweise auf genaue Zeit und Ort der Handlung aus. Das Gedicht "Osenins" (1968) enthält ein charakteristisches Bekenntnis:

Ich lebte. Und ich bin gegangen. Und ich bin nicht in Sicht.

Und mein Schatten gleitet unhörbar über die Ebene.

Ein Monolog, der im Namen einer verstorbenen Person gesprochen wird, ist keine neue Technik in der Poesie. Aber die Arbeit von "Osenina" beginnt mit Zeilen über das Leben!

Es atmet so leicht, es sieht so weit weg aus.

Es sieht so aus, als ob die Seite gerade geschrieben wird.

Offensichtlich: Der Dichter stellt nicht seinen Helden dar, sondern drückt seinen Gemütszustand aus. Es ist das Gefühl der emotionalen Erregung, das das Hauptthema der Poesie von O. Chukhontsev ist.

Kreativität Kuznetsova Yu.P.

Auch die Meister, die ihre Reise im Rahmen der „lauten“ Poesie begonnen haben, sind voller Sorge um das Schicksal der Welt, sprechen aber im Gegensatz zu den Vertretern der „leise“ Poesie in den 1970er und frühen 1990er Jahren weiterhin beängstigend, anklagend. Ihr Stil ist Schreiben, das nicht darauf angelegt ist, den inneren Zustand des Helden zu beschreiben, sondern auf wütende Denunziation.

Yuri Polikarpovich Kuznetsov (1941-2003) wurde dem Leser in den 1970er Jahren bekannt. Der Tonfall direkter Denunziation ist ihm nicht eigen. Aber auch die Zurückhaltung der „ruhigen“ Texte des Dichters passt nicht. Der Meister bedient sich der Errungenschaften beider Stilrichtungen: Er ist energisch in seiner Aussage und gleichzeitig darauf fokussiert, die innere Welt seines Zeitgenossen zu verstehen. Kein Wunder, dass seine Gedichte von Kritikern als „organische Texte“ bezeichnet werden. Ein charakteristisches Merkmal von Yu. Kuznetsovs poetischem Stil war die weit verbreitete Verwendung von Übertreibungen. So appelliert der lyrische Held in dem Gedicht „On the Edge“ (Sammlung „After the Eternal Battle“ (1989)) schmerzhaft an den Allmächtigen:

Mein Gott, du hast mich verlassen

Am Rande des Muttergrabes.

Den lyrischen Helden beschäftigt die Frage: Wer schützt die Seele der Mutter, wenn Gott seine Macht verloren hat? Die Intensität verbaler Farben, Tropen „arbeitet“ für Yu. Kuznetsov, um die Angst vor der Moderne und dem Platz des Individuums darin zu konzentrieren.

Kreativität Yevtushenko E.A.

Evgeny Alexandrovich Yevtushenko (geb. 1933) in den 1980er Jahren, der die Traditionen von V. Mayakovsky weiterentwickelt, prangert den Kaufmann der neuen Zeit offen an, beispielsweise in dem Gedicht „Domestic Koalas“.

1995 schrieb E. Yevtushenko das Gedicht "Thirteen", das in Titel und Inhalt an das Gedicht "The Twelve" von A. Blok erinnert. Der Dichter erzählt von Moskau im Oktober 1993, als bekanntlich die Machtkrise mit militärischer Gewalt gelöst wurde. Die Handlung der Arbeit ist schockierend... Ein Kinderwagen mit einem Baby geriet in eine Grube mit heißem Wasser, die infolge eines Unfalls im Sanitärsystem entstanden war. Die Tragödie geschah scheinbar zufällig: Beim Anblick der Hausschuhe vergaß die junge Mutter den Kinderwagen. Aber der Dichter interpretiert die tragische Geschichte als Vergeltung für die langen Jahre des ungerechten Weges des Landes.

E. Yevtushenko überwindet in den 1990er Jahren weitgehend sein Engagement für die "Tauwetter" -Mythen, ruft zur Umkehr auf, damit jeder versteht, dass er an allen historischen Ereignissen unserer Zeit beteiligt ist.

Eine ähnliche Entwicklung ist im Werk von Andrei Andreevich Voznesensky (1933-2010) erkennbar.

Kreativität Voznesensky A.A.

Die spirituelle Leere der Gesellschaft erschüttert ihn. 1986 erschien das Gedicht "The Ditch" von A. Voznesensky. Seine Handlung basiert auf einer schrecklichen Tatsache: Der Graben, in den die Nazis während des Krieges die erschossenen Zivilisten warfen, wurde später zum Gegenstand des Söldnerinteresses von Plünderern - schließlich hatten einige der Getöteten Goldkronen; im Graben findest du einen goldenen Ring ...

In dem Gedicht werden alle frischgebackenen „Goldgräber“ „neuköpfig“ genannt, und das Gefühl, das sie an den Ort des Leidens geführt hat, wird das Wort „gierig“ genannt.

A. Voznesensky schafft wie E. Yevtushenko ein künstlerisches und journalistisches Werk, das die Traditionen des Dichtertribunen V. Mayakovsky erbt.

Kreativität von Chichibabin B.A.

Das Motiv des aktiven Dienstes an der Gesellschaft durchdringt die Poesie von Boris Alekseevich Chichibabin (1923-1994). B. Chichibabin ging als Soldat eines Mörserzugs durch den Krieg. Nach dem Krieg besuchte er die Lager. Dort schrieb er seine ersten Gedichte. "Thaw" gab B. Chichibabin neue Möglichkeiten. Zwar passte er „nicht in den Mainstream der „lauten“ Poesie, denn er blieb immer er selbst, „behielt einen nicht-allgemeinen Gesichtsausdruck“. Citizenship, die Leidenschaft für den Klang seiner Gedichte ist wirklich atemberaubend. Viele Forscher nennen seine Poesie aus diesem Grund odisch. Ode ist, wie Sie wissen, eine „feierliche“, lobende oder trauernde Gattung. In den Oden von B. Chichibabin gibt es jedoch keine Festlichkeit, die diesem Genre mit positivem Inhalt innewohnt. Der Blick seines lyrischen Helden wird nur dann erleuchtet, wenn er mit seinem Herzen das Ewige berührt - die Natur oder die Liebe.

Der lyrische Held der Poesie von B. Chichibabin ist ein Patriot. Aber seine Liebe zum Mutterland ist schmerzhaft, durchdrungen von Komplexität, dem Drama des Gefühls (das Gedicht „To You, my Russia ...“):

Für dich, mein Russland, nicht für Gott, nicht für das Tier.

Ich bete, aber ich glaube nicht.

Kreativität von Tarkovsky A.A.

Ein bedeutendes Phänomen in der Literatur der 1970er - frühen 1990er Jahre war die Entwicklung philosophischer Lyrik, in der die spirituelle Welt des Individuums meistens als autarke Realität agiert. Dafür gibt es eine Erklärung: Die Gesellschaft wird sich zunehmend der grundlegenden Rolle des Individuums in der Bewegung der Menschheit hin zu sozialer spiritueller Harmonie bewusst. Ein typisches Beispiel für eine solche Poesie ist das Werk von Arseny Aleksandrovich Tarkovsky (1907-1989). In der Literatur hinterließ dieser Meister bedeutende Spuren, wurde aber nicht oft veröffentlicht. Die Wortfindungen des Künstlers sind philosophisch gesättigt, voller subtextueller, intuitiver Inhalte:

Das Haus ohne Mieter ist eingeschlafen und sieht keine Träume.

Seine Seele ist sündlos und leer.

Das Bild eines „Hauses ohne Mieter“ im gleichnamigen Gedicht ist eine unbestrittene Metapher, die einen Geisteszustand bezeichnet. Der lyrische Held von A. Tarkovsky kann sogar eine leere Seele für sündlos erklären. In diesem Fall ist dies keine Auseinandersetzung mit der ethischen Tradition, sondern eine natürliche Vertiefung der Lebensanschauung, ihres Wesens. Die Leere der Seele kann als Synonym für das Warten auf die Begegnung mit einem neuen Leben stehen. Das Haus steht noch leer...

Kreativität von Samoilov D.S.

Viele Gedichte von David Samoilovich Samoilov (1920-1990), die in der Sammlung A Handful (1989) enthalten sind, sind voller philosophischer Tiefe. Einer seiner Abschnitte trägt den Titel "Beatrice". Der Dichter erklärt diesen Namen folgendermaßen: „Beatrice ist für mich ein Zeichen strenger, fordernder und unerfüllter Liebe.“

Die ängstliche Wahrnehmung der Seele eines Zeitgenossen als eine Art „Ergebnis“ unerfüllter Liebe ist charakteristisch für die Poesie von D. Samoilov („Wunsch und Gewissen sind zwei Schalen ...“):

Wie ein schrecklicher Schwarzwaldbrand.

Raucht das Innere eines Menschen.

Kreativität Achmadulina B.A.

Verzeihende Freundlichkeit ist charakteristisch für die lyrische Heldin von Bella Akhatovna Akhmadulina (1937 - 2010). In dem Gedicht „Here space is never playing …“ (1985) steht das bezaubernde Weiß der Vogelkirsche vor der Dunkelheit der Nacht. Die Heldin von B. Akhmadulina lebt genau „in der Umgebung der Vogelkirsche“, in der wunderbaren Welt der spirituellen Freiheit, der ästhetischen und ethischen Unabhängigkeit, der lyrischen Entfernung von den utilitaristisch verstandenen Problemen der Gesellschaft. Die aus dem "Tauwetter" geborene Dichterin kam mit ihrem einzigartigen, entfernt mysteriösen Eindringen in die Moderne heraus und verehrte zweifellos die edle Distanzierung von M. Tsvetaeva und A. Akhmatova.

Kreativität Kornilov V.N.

Die Komplexität und Widersprüchlichkeit der menschlichen Existenz lässt Dichter auf Phänomene blicken, deren Bedeutung der Menschheit anscheinend seit jeher bekannt ist.

Vladimir Nikolaevich Kornilov (1928-2002), ein Meister, der seine Karriere in der Literatur bereits in den 1950er Jahren begann, fragt:

Was ist Freiheit?

Ist es eine Fundgrube?

Oder ist es ein Anliegen

Über sich selbst?

Die Frage wird in einem Gedicht gestellt, das 1988 während der „Perestroika“ geschrieben wurde. Es stellt sich heraus, dass jedem sozialen Wiederaufbau die Annäherung eines jeden von uns an das Licht seiner eigenen Seele, an den Gipfel wahrer Freiheit vorausgehen muss. Nur Poesie kann wahre Freiheit von kleinlicher, falscher Freiheit unterscheiden.

Die für die damalige Literatur übliche Tendenz der Synthese der Künste in der Poesie fand sich in den ursprünglichen Gattungen Autorenlied, Rockpoesie, Video etc. Im Allgemeinen ist die Poesie der 1970er bis 1990er Jahre sowie die gesamte Fiktion dieser Zeit eine organische Verschmelzung realistischer und modernistischer Tendenzen. Es ist gleichermaßen in hellen poetischen Entdeckungen, neuen originellen Rhythmen, Metren, Reimen und dem Vertrauen auf bereits bekannte, traditionelle Bilder und Techniken inhärent. Als Beispiel kann die bereits im Zusammenhang mit der Prosa diskutierte Zentonalität dienen. Dichter gehen nicht nur von Lebenseindrücken aus, sondern auch von literarischen.

Die moderne Poesie ist in Bewegung, auf der Suche, in dem Bemühen, die Facetten des Talents des Dichters so vollständig wie möglich zu offenbaren, seine Individualität zu betonen. Und doch müssen wir zugeben, dass in der russischen Poesie der 1970-1990er Jahre trotz des Reichtums und der Neuheit der Genres die Anwesenheit intelligenter kreativer Individuen, die unbestrittene Bereicherung der poetischen Technik, die Vakanz des ersten russischen Dichters, die nach dem Tod geräumt wurde von A. Achmatowa, ist immer noch nicht beschäftigt. Das letzte Drittel des 20. Jahrhunderts wird zunehmend als „Bronzezeit“ der russischen Poesie bezeichnet. Natürlich wird die Zeit den "Grad an Brillanz" testen, aber schon jetzt sollte eines der wichtigsten Merkmale der Epoche als die außergewöhnliche Vielfalt, Vielfarbigkeit und "viele Menschen" der Poesie dieser Zeit erkannt werden.

Das poetische Wort kam dem Leser (Hörer) immer schneller als das prosaische. Die aktuelle Entwicklung der Kommunikationssysteme hat – ohne ideologische (und oft moralische) Zensur – den Veröffentlichungsprozess frei, unmittelbar und global gemacht (der deutlichste Beweis ist die dynamische Verbreitung von Gedichten im Internet). Von einem poetischen Aufschwung, ähnlich dem „Tauwetter“, muss jedoch nicht die Rede sein. Wir sollten eher von der allmählichen Rückkehr der poetischen (und überhaupt der literarischen) Entwicklung zu ihrem natürlichen Lauf sprechen. Es gibt mehr Veröffentlichungsgedichte, weniger Leser. Das bedeutet, dass die Formel von E. Yevtushenko "Ein Dichter in Russland ist mehr als ein Dichter" ihre zeitlose Bedeutung verliert und in einem konkreten historischen Rahmen lokalisiert wird. Ist es Zeit für eine andere von I. Brodsky vorgeschlagene Formel: Der Dichter ist „weniger als einer“? In diesem Zusammenhang stellt sich das „Problem des Verhaltens des Autors“ (S. Gandlevsky). Sobald die Idee des öffentlichen Dienstes eines Dichters der Idee weicht, neue ästhetische Werte zu schaffen, wird es für einen Dichter im wirklichen Leben und einen lyrischen Helden in einem Text immer schwieriger, sich im Gewohnten zu definieren , "klassische" Weise. Es ist heute schwer vorstellbar, das Gesicht des Dichters-"Propheten" - "mit einem Verb, das die Herzen der Menschen verbrennt" und "Asche ... auf den Kopf zu streuen" und mit der Mission "zu" zur Kreuzigung zu gehen die Sklaven der Erde an Christus erinnern" (Varianten des 19. Jahrhunderts). Aber sowohl der „Agitator, der Brüller, der Rädelsführer“, als auch der Einsiedler, der nicht weiß, „was … Jahrtausend im Hof ​​ist“ (Varianten des 20 . Wer fällt auf?

Wenn Sie nicht über Hierarchie sprechen, nicht den "König der Dichter" definieren, sondern nach den originellsten Versionen des neuen lyrischen Helden suchen, dann könnte der Held von Yu. Kuznetsov in den 1970er Jahren diese Rolle beanspruchen. Dies ist ein Dichter, "einsam in seinem Heimatjahrhundert" und "Zeit für Gesprächspartner"; dies ist der "große Tote", der immer wieder die mythologische "Schlange" "für immer schlägt" - eine Bedrohung für die Welt; es ist im wörtlichen Sinne ein Übermensch: über dem Menschen, im Raum angesiedelt und seiner Größe nach dem Kosmos angemessen. Nennen wir diese Option die Option, den lyrischen Helden zu vergrößern und zu distanzieren. Im Gegenteil, konzeptionelle Dichter (hauptsächlich D. Prigov und L. Rubinstein), die bereits in den 1980er Jahren weithin bekannt wurden und die Linie der Lianozovo-Schule und der konkreten Poesie fortsetzten, lösten ihre Stimme fast (oder vollständig) in Stimmen im Allgemeinen auf, in der Sprache als solcher. Sie setzen entweder eine Art typische Maske auf (Prigov in der Maske eines engstirnigen Laien) oder veranstalten einen ganzen "Karnevalsumzug" des polyphonen "Nicht-Ich" (Rubinshtein).

Ein völlig anderer Stil des Autorenverhaltens in der Umgebung, die von der wiederauflebenden spirituellen Poesie geschaffen wurde. In den 1980er und 1990er Jahren haben Z. Mirkina, L. Miller, S. Averintsev, V. Blazhennykh, Fr. Roman und andere Sie eint ein traditionell religiöses, kanonisches Verständnis des Platzes einer Person in der Welt, und der Dichter in ihren Gedichten gibt nicht vor, eine besondere Auszeichnung zu sein. "Poesie ist kein stolzer Abflug, | sondern nur eine ungeschickte Anstrengung, | immer eine ungenaue Übersetzung | dieser bodenlosen Stille" (Z. Mirkina). Die „peinliche Anstrengung“ in diesen Versen vermittelt sehr treffend die christliche Selbstbestimmung des Dichters.

Es gibt viele Bilder des lyrischen Helden und Varianten des Verhaltens des Autors im modernen poetischen Prozess, und dies ist ein objektiver Beweis nicht nur für das "Problem" des Themas, sondern auch für die Vielfalt der künstlerischen Welt der Poesie. Es gibt aber noch „eigentlich formale“ Varianten: lexikalisch, syntaktisch, rhythmisch, strophisch etc., was schon von der Reichhaltigkeit des künstlerischen Textes spricht. Im formalen Bereich hat es immer mehr Experimente gegeben als im inhaltlichen, aber was in den letzten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts geschah, hat keine Entsprechungen. Zwar haben diese Experimente meistens historische Wurzeln, und es ist möglich, ihre Genese zu verfolgen.

So ist die in unserem Land (wie auch in der ganzen Welt) weit verbreitete visuelle Poesie sowohl dem russischen Barock des 17. Jahrhunderts als auch der russischen Avantgarde des frühen 20. Jahrhunderts vertraut. (Weitere Einzelheiten finden Sie im Kapitel "Visuelle Poesie".) Nicht weniger populär sind jetzt die freien Verse (vers libre) in ihren verschiedenen Versionen, die entweder mit der russischen mittelalterlichen Tradition spiritueller Liedtexte oder mit alten japanischen poetischen Formen korrelieren. Lassen Sie uns, nachdem wir die visuelle Poesie erwähnt haben, noch einmal über die Entstehung von Varianten des Liedgenres sprechen - das Lied des Autors und die Rockpoesie. (Siehe das Kapitel „Liedtexte“ für weitere Einzelheiten.) Eine solch offensichtliche Entwicklung hin zu einer Vielfalt von Genres in modernen Liedtexten spricht einen Literaturkritiker, einen Kritiker und sogar einen Lehrer an: Es gibt keine „einheitlichen Standards“ der Analyse! Diese These ist besonders relevant in Bezug auf die Schule, die anscheinend von einem Extrem (thematischer Ansatz) zum anderen (formaler Vers) eilt. "Toolbox" wird natürlich benötigt, aber es besteht keine Notwendigkeit, sie jedes Mal vollständig zu verwenden. Jedes Gedicht sollte als Phänomen betrachtet werden, zu dessen Verständnis es jedes Mal einer neuen Kombination literarischer Bemühungen, Mittel und Methoden bedarf. In seiner allgemeinsten Form kann dieser Algorithmus so aussehen:

1) die Quelle und Art der Bilderfahrung identifizieren (verbale Zeichnung, Erzählung, Urteil, Ton im weiteren Sinne);

2) eine Analyse "auf dem Weg des Autors" durchführen, d.h. Versuchen Sie festzustellen, wie sich das ursprüngliche Bild in den endgültigen Text entfaltet hat. Es ist darauf zu achten, dass Sinn- und Formanalyse nicht voneinander getrennt werden, damit weder die künstlerische Welt, noch der künstlerische Text, noch (gegebenenfalls) der literarische und nicht-literarische Kontext des Werkes unberücksichtigt bleiben. Ein bemerkenswertes Beispiel für eine solche Analyse ist die Arbeit von I. Brodsky "On a Poem" (1981), die der Betrachtung von "New Year's" von M. Tsvetaeva gewidmet ist.

Es ist eine Sünde, nicht über Boris Ryzhy zu sagen, er starb 2001, wenn ja.

Trotz der bunten Vielfalt individueller Poetiken wird die junge Poesie der 1990er Jahre von zwei Strömungen bestimmt, die sich ständig überschneiden, miteinander verflochten und gegenseitig erklärbar sind:

1. Eine besondere Darstellung des poetischen „Ich“, das sich vor allem durch Schwäche, Verletzlichkeit, „totale Unsicherheit“ auszeichnet.

2. Metaposition zum Ich-Schreiber (nicht nur zu meinen eigenen Texten, sondern auch zu mir selbst als Dichter). „Ein Mann, der Gedichte schreibt“ entpuppt sich als Gegenstand von Reflexion und Bild.

Diese beiden Trends bestimmen die Originalität der Poetik der Texte der jüngeren Generation, der Dichter, die sich in den 1990er Jahren gebildet haben - Dmitry Vodennikov, Kirill Medvedev, Stanislav Lvovsky, Maria Stepanova, Evgenia Lavut, Shisha Bryansky und teilweise Vera Pavlova, die Eigenschaften zu dem die Suche nach tatsächlicher Poesie zur Selbstidentifikation im Raum „nach der Postmoderne“ (oder „nach dem Konzeptualismus“) führt17.

Traditionell wird dieses poetische Paradigma (egal wie man es nennt – Neomodernismus, Neosentimentalismus, Postkonzeptualismus oder anders) in der Kritik in erster Linie durch Ernsthaftigkeit („Verantwortung“), Nicht-Ironie, Nicht-Verspieltheit charakterisiert poetische Aussage, die Wiederbelebung des "lyrischen Subjekts" ("Konfessionalismus"). ), "Erotik" (Körperlichkeit) des poetischen Textes. Es scheint, dass die Transitivität der neuen realen russischen Poesie, ihr Wunsch, die Poetik der Postmoderne aufzugeben, sich von ihr zu entfernen, uns erlaubt, einige ihrer bereits identifizierten und teilweise beschriebenen Merkmale als Grundlage eines bestimmten einheitlichen poetischen Systems zu interpretieren und zu erklären .

Das Thema des Bildes in den Texten der neunziger Jahre ist "eine Person, die Gedichte schreibt"; und oft (zum Beispiel bei Dmitry Vodennikov) gibt es auch den Prozess des Schreibens, es „an die Öffentlichkeit zu bringen“ und mit dem Dichter und dem Publikum zu interagieren. In einem Gedicht gibt es nicht nur ein „poetisches „Ich“, sondern auch einen „Dichter“, der ihn von oben betrachtet, beobachtet und bewertet (im Gegensatz zum Konzeptualismus, wo der Autor/Dichter grundsätzlich fehlte). So werden Metapositionen, Bewusstheit poetischer Arbeit buchstäblich verwirklicht. Nach der Postmoderne ist es nicht mehr möglich, so zu tun, als würde man „nur Gedichte schreiben“, obwohl die meisten Autoren der „jungen Generation“ genau das anstreben – dem „literarischen“ Charakter der eigenen Texte irgendwie zu entkommen, um auf die sogenannte „direkte Aussage“ zurückzukommen

Dichter der 90er zeichnet sich durch ein sehr hohes Maß an Reflexion und Bewusstsein dafür aus, was und wie man schreibt:

„Trotzdem ist es für mich sehr wichtig, wer mich beeinflusst und was mich inspiriert hat, ich möchte mein eigenes, authentisches Weltbild so weit wie möglich von dem literarischen, oberflächlichen trennen. Das ist sehr schwer. Wenn ich schreibe, sehe ich mich irgendwie durch (…)“ (Kirill Medvedev19).

Zum einen ist dies die wiederholte Verdopplung und Vervielfachung des poetischen „Ich“: etwa in den Texten von Dmitry Vodennikov oder Maria Stepanova. Die Metaposition bewirkt die Bifurkation des Schriftstellers: ein ständiger Wechsel der Standpunkte, ein Dialog mit sich selbst, der eine „totale Unsicherheit des lyrischen Subjekts“ provoziert, seine Bifurkation, „Zwillingshaftigkeit“:

Wo bist du, ich? Werde ich irgendwo aufwachen?

Was wird eine Wolke oder drei sagen

Wie halb angezogen hier

Und schau es dir nicht an20 (Maria Stepanova).

... und das Gegenteil von mir, wie eine Stange -

Werde nicht ich. Wechsle die Schüssel.

(...) und sehe dich selbst auf dem Rasen (Maria Stepanova).

Ich komme nach Hause wie ein Soldat ...

Es geht um: Wer bin ich hier und wer ist er hier (Elena Fanailova).

Der Dialog innerhalb des Textes zwischen dem „I“ von D. Vodennikov ist oft in Kursivschrift (Großbuchstaben) durch die Inschrift von „Repliken“ eines der „I“ gekennzeichnet:

So verraucht hier

und unerträgliches Licht

dass selbst ihre Hände nicht zu unterscheiden sind -

Wer will leben, um geliebt zu werden?

Ich möchte leben, damit ich geliebt werden kann!

Nun, da Sie - es lohnt sich überhaupt nicht - zu leben. ("Wie man lebt - geliebt zu werden")

Die Texte von Kirill Medvedev verzeichnen auch eine gewisse Distanzierung vom „poetischen“ Ich“, etwas anders als die von Vodennikov und Stepanova, aber immer noch deutlich manifestiert. Die einleitenden Sätze, die seine Texte zusammenhalten, sind tautologisch und unnötig. Sie sind präsent, um sich vom poetischen „Ich“ zu distanzieren (und beharren gleichsam auf der Existenz des poetischen „Ich“, sie erinnern ständig daran: „Hier geht es um mich, ich erlebe all dies“), sie führen dieses „Ich“ als Reflexions-/Beschreibungsobjekt ein, signalisieren, dass die Aussage noch nicht ganz „direkt“ – sondern „pseudo-direkt“ ist:

Ich habe es satt zu übersetzen...

Ich glaube, ich fühlte mich ...

Ich war schon immer sehr interessiert

eine Art Dichter...

überrascht mich immer wieder...

gefällt mir nicht sehr...

Ich liebe es, wenn...

Ich war entsetzt...

Mir wurde kürzlich klar...

Die Zerstörung der poetischen Form bei Kirill Medvedev ist auf einen Blick von oben auf das „poetische Ich“ zurückzuführen. Die Loslösung vom „Ich“ zerstört, bindet aber auch den Text, entpuppt sich als Kern des scheinbar unpoetischen Textes. Die Metaposition (Reflexion) steht in direktem Zusammenhang mit der Schwäche des „poetischen Selbst“:

stellte ich mit Entsetzen fest

dass ich niemanden trösten kann.21

Zweitens wird die Schwäche, Verletzlichkeit und Unnatürlichkeit („Schamhaftigkeit“) der Position des Dichters selbst wieder erkannt. Zum Beispiel bezeichnet Medwedew das Leben eines professionellen Schriftstellers als „ein unnatürliches Leben“22.

In Vodennikovs Buch „Man Can Also Simulate Orgasm“ erscheint Literatur als Nachahmung, als Lüge („von einer mit Lügen geschlagenen Zunge“). Korreliert den Titel des Textes „Männer können auch einen Orgasmus imitieren“ und die Zeilen von dort „Ich werde Männern beibringen, über das Leben zu sprechen // Sinnlos, schamlos, offen“ (mit einem klaren Bezug zu Achmatovs „Ich habe Frauen das Sprechen beigebracht“) ), kann man wohl versuchen, diesen schockierenden und auf den ersten Blick ungerechtfertigten Namen zu interpretieren: Direktheit und Schamlosigkeit, Offenheit und Offenheit der Poesie – das ist ihre scheinbare Direktheit und Ehrlichkeit, scheinbar und hinterlistig – denn das alles ist Literatur, eine Nachahmung von Authentizität .

Die Metaposition, die Identifizierung von sich selbst, des eigenen „Ich“ als poetisch, oder besser gesagt, seine Unvermeidlichkeit, offenbart die literarische Natur des Geschriebenen, seine Einbettung in den allgemeinen literarischen Kontext und – damit – die Schwäche des Schreibers davor des eigenen Textes und des Textes im Allgemeinen - mit der absolut erklärten Absicht der "direkten Aussage", ehrlich (die gleiche paradoxe Tragödie von Achmatovs "Requiem" - es erscheint hier nicht zufällig als Vortext: die Trauer des Lyrischen Heldin, aber auch die Loslösung davon, die Möglichkeit, sie profan zu beschreiben, reduzieren diese „Trauer“ selbst).

Die Dichter der 90er Jahre neigen zu einer "verächtlichen", selbstironischen Haltung gegenüber ihren Texten: "Reime" von Stanislav Lvovsky; Vodennikovs „Gedichte“ (diese Kürzung wird in Vodennikovs Texten immer wieder wiederholt, obwohl sie meist sehr gleichmäßig sind – im Gegensatz zu Stepanowas Texten, wo eine solche Kürzung meist an betonter Stelle, am Ende eines Textes oder am Ende eines Textes steht eine Linie, wird zum Mittel, zum Erkennungszeichen ihrer Poetik).

das sind Gedichte und nichts weiter (Lvovsky)

Hier ist mein Gedicht

meine Schande, meine Sünde,

meine Asche (Vodennikov).

Vodennikovs „Scham“ ist die Scham von Körperlichkeit und Textualität (zusammenhängend), der Wunsch nach „ultimativer Einfachheit“ (Dichter = Stripperin):

Schließlich bin ich selbst noch – ich will mich sehen

ohne Bücher und ohne Gedichte (es ist unmöglich, darin zu leben!) (Vodennikov).

Dieselbe „Scham“ ist bei Stanislav Lvovsky vorhanden:

Ich schreibe viel, aber selten und trotzdem

Ich kann die Schuld nicht loswerden

dafür, dass ich stattdessen meine Zeit verschwende

Geschäfte zu machen.

Vodennikovs Poesie ist ein ständiges Streben nach draußen, eine Flucht vor der Literatur; aber der Dichter kehrt dennoch in die Literatur zurück („ich falle in die Arme ...“; Gedicht = Umarmungen). Metaposition, Intraliterarität ist mit einigen Schwierigkeiten beim Sprechen/Existenz verbunden:

Also - nach und nach -

herausklettern - aus den Trümmern -

hartnäckig, mürrisch - ich wiederhole:

Kunst gehört den Menschen...

Diese unfreiwillige und unvermeidliche (volens nolens) Positionierung der eigenen Person in der Literatur, des Selbstbewusstseins in ihrem Rahmen wird ständig von der Darstellung einiger körperlicher („poetischer Selbst“) Qualen im Text begleitet, oft (da Körperlichkeit und Textualität in direktem Zusammenhang stehen eigentliche Poesie) wird auch zur körperlichen Zerstörung des Körpers.

Überhaupt zeichnet sich die Lyrik der 90er Jahre durch die außergewöhnliche Körperlichkeit des poetischen „Ich“ (wieder im Gegensatz zur konzeptuellen Poesie) aus: bei Vodennikov, bei Vera Pavlova, bei Shish Bryansky. Vodennikovs Körper ist ständig Demütigungen / Bloßstellungen ausgesetzt; bei Shisha - physische Zerstörung; Lust, Koitus bei Pavlova ist typologisch ähnlich: Alle drei Arten von körperlichen Transformationen führen zur Generierung eines Textes.

... dass keine Strophe - der Wunsch zu treffen,

welcher Absatz auch immer - dann bitte schießen (Vodennikov, "The Fourth Wind")

... ein Gedicht - endet wie ein Ausfallschritt

(nicht du - es, es - kaut dich) (Vodennikov).

Shish Bryansky, dessen Poetik (zumindest die Idee des Wesens und Ursprungs der poetischen Gabe) fast vollständig aus Puschkins "Prophet" erwächst, lässt seinen Heldendichter endlos leiden (basierend auf der traditionellen mythologischen Vorstellung von a sterbender / wiederauferstandener Dichter):

Und du hast mich separat geschlagen

Mit einer leuchtenden Keule in der Stirn,

Damit es klingelte, als wäre die Glocke der King23.

Ich werde in den widerhallenden Glimmer einfrieren,

Ich werde in Anemonen zerfallen

Heilige Läuse werden gehen

Und in einer lebensspendenden Hölle

Ich werde süße Glocken hören.24

Schwäche, Krankheit, Demütigung sind ständige Begleiter des poetischen „Ich“. Dementsprechend schlägt die Körperlichkeit des Textes in physische Zerstörung, Schwäche von Körper und Text um:

Der Körper wird von Schluckauf geschüttelt ...

Dieser durchsichtige Nagel ist bis zur Wurzel abgenagt ...

... und in meinem eigenen Schaden wandeln ...

Ich werde nicht aufstehen! Ich habe Angst, dass ich zerbreche

Wacklige Architektur (Maria Stepanova)

Ich werde krank, ich werde krank, aber ich sage gesund (Stanislav Lvovsky)

Chill umarmt die Taille (Maria Stepanova)

julia borisovna lieber arzt

Ihrem Patienten geht es nicht gut (Alexey Denisov)

Ich werde alt, kahl, krank (Alexey Denisov)

mein ganzes Leben

erleuchtet von Krankheit (Kirill Medvedev).

Die Verwundbarkeit des „poetischen Selbst“, Reflexion und Loslösung von ihm und die Fragmentierung des Textes kreuzen sich ständig. Um als Vers, als Text zu erscheinen, muss er fehlerhaft, "lahm", kopflos sein25:

Unter welchem ​​Bett ich sein werde

Als der Scheck ins Zelt gebracht wird,

Enthaupte jeden Buchstaben

Von in den falschen Ohren (Maria Stepanova)

Heute werden wir in der Lektion über die Poesie der 1960er und 70er Jahre sprechen; sich mit den Konzepten der Bardenpoesie und des Autorenliedes vertraut machen; Erfahren Sie mehr über das Leben und Werk von Galich.

Sie waren genau die Sänger, die nach den Vorstellungen der Griechen ihre Gedichte singen sollten. Einige Genres sind nach den Musikinstrumenten benannt, die ihre Darbietung begleiten. Zum Beispiel ist eine Elegie etwas, das zur Flöte gesungen wird.

Ähnliches geschah im 20. Jahrhundert: Erst kam der Song des Autors, dann der Rock. So wurden die Dichter wieder zu Sängern. Die in den 1950er und 60er Jahren entstandene sowjetische Tradition wurde durch Namen wie Galich, Okudzhava, Vizbor, Kim, Gorodnitsky, Vysotsky und andere repräsentiert (Abb. 3).

Reis. 3. B. Okudzhava, Yu. Vizbor, V. Vysotsky ()

die Zeitgenossen der großen französischen Chansonniers waren: Brassens, Brel, Gainsbourg (Abb. 4).

Reis. 4. J. Brel, J. Brassens, L. Ferre ()

Gleichzeitig war die sowjetische Tradition besonders und sogar einzigartig. Dichter begannen Ende der 1950er Jahre zu singen, während der sogenannten. „Tauwetter“, als der stalinistische Terror aufhörte und die Menschen freier wurden, begannen sich in großen Gruppen zu versammeln, um zu scherzen. Das Hauptattribut solcher Treffen war die Gitarre.

Die Gitarre ist das Hauptinstrument des 20. Jahrhunderts. Es ist sehr demokratisch und bequem, es kann mitgenommen und von Hand zu Hand weitergegeben werden. Das heißt, es gibt keine unüberwindbare Distanz zwischen dem Interpreten und dem Zuhörer. Nicht umsonst wurde die Gitarre zu einem Instrument, auf dem Dichter begleiteten: Sie sangen ihre Gedichte (Abb. 5).

Ein weiterer Umstand trug zur Verbreitung dieses Genres und seiner unglaublichen Popularität bei - das Erscheinen eines Tonbandgeräts (Abb. 6), auf dem Informationen wie ein Lied schnell aufgezeichnet werden konnten.

Reis. 6. Tonbandgerät ()

Wenn also jemand in einem engen Freundeskreis Lieder singen, auf Tonband aufnehmen und an andere weitergeben konnte, ohne von irgendwelchen Behörden bemerkt zu werden, ohne Zensur, dann wurden ganz neue Möglichkeiten geschaffen. Das heißt, das Lied des Autors, die singenden Dichter befanden sich außerhalb der Zone der totalen sowjetischen Kontrolle. Sie waren nicht so abhängig vom Fernsehen, Buchverlag, Radio usw. wie ihre Brüder, die nicht die Möglichkeit hatten, auf einem Tonbandgerät aufzunehmen. Und eine solche Gelegenheit war die Mode der Zeit.

Einer dieser singenden Dichter war Alexander Galich (Abb. 7), heute wenig bekannt, aber in den 1960er und 70er Jahren besonders und erstaunlich.

In manchen Kreisen wurde nachgedacht, geredet, Zeilen aus seinen Werken ausgetauscht. Als er sein Debüt als Lyriker und singender Dichter gab, war er etwa 40 Jahre alt. Zu diesem Zeitpunkt war er bereits ein versierter Literaturprofi, ein Autor, der nach sowjetischen Verhältnissen nicht schlecht zu leben war. Er war ein wohlhabender Mann, mit verschiedenen Preisen ausgezeichnet und gehörte zur sowjetischen Kulturelite. Alexander Galich wurde vor allem als Drehbuchautor und Dramatiker berühmt. Seine Theaterstücke wurden inszeniert, Filme nach seinen Drehbüchern (meist Komödien: „Wahre Freunde“, „Gib mir ein klagendes Buch“ (Abb. 8)) waren bekannt.

Reis. 8. Plakat zum Film „Give a Complaint Book“ ()

Aber in den späten 1950er Jahren begann Galich, erstaunliche Songs zu schreiben, die die Zuhörer schockierten und sehr bald zu einem heftigen Konflikt mit den Behörden führten. Die Folge dieses Konflikts war, dass Galich aus allen kreativen Gewerkschaften ausgeschlossen, schikaniert und nach einem dritten Herzinfarkt behindert wurde, in Armut lebte und schließlich 1974 das Land verlassen musste. Zuerst ging er nach Norwegen, dann nach Deutschland und dann nach Frankreich, wo er 1977 an einem Stromschlag starb (Abb. 9).

Reis. 9. Das Grab von A. Galich in Frankreich ()

Was war in den Gedichten und Liedern von Galich so, dass es Verbitterung und Hass auf die sowjetischen Behörden hervorrief? Erstens berührte er verbotene schmerzhafte und blutige Themen, schrieb über die Katastrophen des 20. Jahrhunderts: über den Krieg von der inoffiziellen Seite, über den Holocaust (die Vernichtung der Juden durch die Nazis während des Zweiten Weltkriegs (Abb. 10)), über sowjetischen Terror usw.

Reis. 10. Holocaust ()

Außerdem schrieb er Lieder im Auftrag eines kleinen sowjetischen Mannes, mundtot gemacht, bespuckt, gedemütigt, beleidigt, eine solche Person, die tatsächlich in der Sowjetunion existierte, deren Existenz jedoch auf offizieller Kulturebene nicht wahrgenommen wurde. Zeitungen schrieben nicht über diesen Mann, das Fernsehen sprach nicht, offizielle sowjetische Dichter und Schriftsteller erinnerten sich nicht. Galich sprach über das Kranke, Hässliche, Schmutzige, über das, was nicht in den Bereich der Kultur fiel. Und er sprach in einer erstaunlichen, einzigartigen, nur seiner eigenen Sprache. Und wenn Sie zuhören und sehen, wie Galich seine Lieder sang, dann konnten Sie einerseits ein ganzes Theater sehen, weil der Dichter sehr künstlerisch war und Erfahrung im Schauspielen hatte. Andererseits zeichnete sich Galich durch eine ganz besondere, unaufdringliche Art aus. Galichs Verhalten zeigte, dass all diese Leute - Barden, Vertreter des Autorenliedes - und Galich selbst keine Sänger und Sänger waren. Galich singt nicht nur, sondern spricht seine Gedichte zu Gitarrenakkorden aus. Und bei allem, worüber er singt, spürt man eine Art ständigen Schmerz und Angst. Dies ist besonders überraschend bei einer Person, die es im Leben gut gemacht hat. Es ist überraschend und nicht ganz klar, warum es bei dieser Person, der es gut ging, zu solchen Veränderungen kam. Hier ist, was sein Beichtvater Alexander Men (Abb. 11), der Priester, der ihn taufte, über ihn sagte: „Er hätte verknöchert werden können, aber er machte eine Wendung und wurde ein literarischer und spiritueller Partisan, und es war ein Willensakt auf der Suche nach der Wahrheit.“

Galich hätte wie Joseph Brodsky sagen können: "Nur mit Trauer fühle ich mich solidarisch." Und noch ein wichtiges Merkmal seiner Poesie: ein Appell an die Menschen, keine Angst zu haben, denn das sowjetische Volk war furchtbar eingeschüchtert. Und Galich war einer der ersten Sowjets, der sagte: "Leute, habt vor nichts Angst!" Einer seiner beliebtesten und kultigsten Songs „Don’t be fear, people!“ Darum geht es: Angst überwinden. In diesem Lied geht es darum, nicht vom menschlichen Bewusstsein manipuliert zu werden, darum, den Anführern und Führern nicht zu folgen, darum, dass jeder Mensch seinen eigenen Platz im Leben bestimmen und kritisch bewerten muss, wo er berufen ist und warum. Denn diese süß klingenden Sirenen, die Galich erwähnt, sind zuallererst die ideologischen Diktatoren des 20. Jahrhunderts wie Hitler, Lenin, Stalin, die die Menschen auf den Weg brachten, wo sie Berge von Gold versprachen, aber sie stattdessen zum Scheitern verurteilten zu Leiden und Tod (Abb. 12).

Reis. 12. I. Stalin, A. Hitler ()

Der Ausdruck von Eisen und Blut, mit dem dieser gewisse Verführer auf Erden wandeln wird, ist eine Anspielung auf das bekannte Sprichwort „mit Eisen und Blut Geschichte schreiben“. Tatsächlich war die Geschichte des zwanzigsten Jahrhunderts weitgehend so. Bemerkenswert ist, welches Bild Galich verwendet, um diese Geschichte metaphorisch zu personalisieren: „Salome mit dem Kopf des Johannes“ (Abb. 13).

Reis. 13. Salome mit dem Kopf des Johannes ()

Dies ist eine Figur aus dem Neuen Testament. Eine grausame Frau, die Schwester von König Herodes, die als Belohnung für das Tanzen bei einem Fest den Kopf eines rechtschaffenen Mannes verlangte. Das ist das Gefühl der Geschichte des zwanzigsten Jahrhunderts, das Alexander Galich hatte und das er seinen Zuhörern vermittelte.

Alexander Galich ging widerwillig, er musste gehen, und das Thema Heimweh, Nostalgie ist auch in seinen Liedern und Gedichten präsent, auch in denen aus der Zeit der Emigration. Das Thema des Exils, das Thema des Flüchtlings war auch für den Autor sehr wichtig, denn all das war auch vieles in der blutigen Geschichte Russlands im zwanzigsten Jahrhundert, das er als sein persönliches Ereignis, als sein persönliches Drama erlebte. Und als er selbst zum Verbannten wurde, erhielt sein inneres Gefühl gewisse äußere Bestätigungen. Alexander Galich argumentierte, dass alle Menschen das Recht haben, Weltbürger zu sein, und niemand sie dazu zwingen kann, Sklaven des Staates zu sein. Das ist für ihn ein sehr wichtiger Gedanke, über den er immer wieder und herzlich gesprochen hat.

Galich kehrte nicht lebend nach Russland zurück, er ist in Paris begraben. Auf seinem Grab steht ein Zitat aus dem Neuen Testament: „Selig sind, die um der Gerechtigkeit willen verfolgt werden.“ Aber Galich kehrte mit Büchern, Liedern und Gedichten nach Russland zurück. Trotz alledem war Galich sowohl im Leben als auch in seinen Werken ein fröhlicher und fröhlicher Mensch. Eine andere Sache ist, dass es fast immer Lachen unter Tränen ist, was auch in der Tradition der russischen Literatur steht. Galich ist Autor vieler komischer Werke, in der Regel auch über die Dummheiten, Absurditäten und bösen Dinge des sowjetischen Lebens. Zum Beispiel mehrere Geschichten über den Helden der sozialistischen Arbeit, Vorarbeiter Kolomiytsev, der in seiner Fabrik Stacheldraht herstellt, aber Anführer und Eigentümer der Herausforderung Red Banner sein möchte (Abb. 14). Er tut sein Bestes, aber die Behörden lehnen ihn aufgrund seiner politischen Überzeugung ab. Aus diesem Grund geht Kolomiytsev in einen Trinkrausch.

Reis. 14. Rotes Banner passieren ()

Die vorbeiziehenden Roten Fahnen waren eine der Formen, die Sieger sozialistischer Wettbewerbe zu belohnen.

Referenzliste

1. Chalmaev V.A., Zinin S.A. Russische Literatur des zwanzigsten Jahrhunderts: Lehrbuch für die 11. Klasse: Um 2 Uhr - 5. Aufl. - M .: OOO 2TID "Russisches Wort - RS", 2008.

2. Agenosov V.V. Russische Literatur des zwanzigsten Jahrhunderts. Werkzeugkasten. - M.: Trappe, 2002

3. Russische Literatur des zwanzigsten Jahrhunderts. Lehrbuch für Studienanfänger. - M. uch.-natur. Zentrum "Moskauer Lyzeum", 1995.

4. E.S. Rogover. "Russische Literatur des 20. Jahrhunderts"

1. Internetportal "Kursoteka" ()

3. Internetportal „Festival Pädagogischer Ideen“ ()

Hausaufgaben

1. Erzählen Sie von der Bardenpoesie der 1960er und 70er Jahre.

2. Machen Sie sich mit der Arbeit von Galich vertraut.

3. Analysieren Sie die Poesie von Galich.

Entwicklung und Überdenken der Themen sowie künstlerische und stilistische Suche nach „Tauwetter“-Texten in der Lyrik der sowjetischen und postsowjetischen Zeit. Thematische und stilistische Gemeinsamkeiten der Lyrik der 70er–90er Jahre. und die Durchlässigkeit ihrer Grenzen; Vielfalt kreativer Köpfe in den Songtexten der Zeit nach dem Tauwetter:

Dichter der Frontgeneration und Dichter - "Studenten des Silbernen Zeitalters" (B. Slutsky, A. Tarkovsky, D. Samoilov, S. Lipkin, M. Petrovykh, L. Martynov ...): weitere Individualisierung des Kreativen Schreibstile, Subjektivität und Umfang lyrischer Verallgemeinerungen.

Dichter „lauter Texte“ in den Jahren nach dem Tauwetter (E. Yevtushenko, A. Voznesensky, R. Rozhdestvensky…): die Schwächung des journalistischen Klangs der poetischen Sprache, die Suche nach einem neuen Repräsentationsgegenstand, einem neuen Status von Poesie.

„Quiet Lyrics“ (N. Rubtsov, A. Zhigulin…): lyrische Meditation über die Traditionen und das moderne Bild des russischen Dorfes als Möglichkeit für den lyrischen Helden, die Gesetze des Universums zu verstehen.

Bardendichtung: die Bedeutung der individuellen Vortragsweise für die Bestimmung des Phänomens Barden(autoren)gesang; der konfessionelle Charakter der Texte; Transparenz der poetischen Sprache; lyrische, gesellschaftskritische und romantische Anfänge als emotionale und semantische Hauptmomente der Liedtexte des Barden.

Rockpoesie: Synthese musikalischer und literarischer Traditionen im Phänomen der Rockkultur, die Kategorie des Protests als grundlegende Kategorie der Rockpoesie; die Situation der Mischung der Genres Rocksongs und Bardenlieder im modernen Kulturraum.

Spirituelle Lyrik (Z. Mirkina, S. Averintsev, Yu. Kublanovskiy): Poesie als endloses Verständnis des Phänomens der göttlichen Existenz.

Neoacmeism 20 in den Texten der 70er–90er Jahre. (B. Akhmadulina, A. Kushner, O. Chukhontsev, E. Rein, L. Losev, I. Lisnyanskaya, I. Brodsky…). Phänomen universelle persönliche Verbindung 21 (Mensch und Geschichte, Mensch und Kultur, Mensch und Sphären des Seins) als Hauptgegenstand des Verständnisses der Poesie des Neoakmeismus. Ähnlich in den ästhetischen Prinzipien neo-akmeistischer Lyriker. Die Originalität der Intonationen einzelner Autoren. Die Nachfrage nach der Poetik des Neoakmeismus in der Ära der 70er–90er Jahre, die Anziehungskraft von Textern verschiedener Generationen, thematischer und stilistischer Gemeinschaften.

Avantgarde in den Texten der Sowjet- und Perestroika-Zeit; die Nachfrage und die Vielfalt der Möglichkeiten für die poetische Avantgarde in der Lyrik der 70er–90er Jahre; Literarische Gemeinschaften und kreative Personen innerhalb literarischer Gemeinschaften in der poetischen Avantgarde: Konzeptualismus (D. Prigov, L. Rubinshtein, T. Kibirov), Neobarock (I. Zhdanov, E. Schwartz, A. Parshchikov, O. Sedakova) , Neofuturismus (V. Sosnora, G. Aigi, V. Kazakov), ironische Poesie (I. Irteniev, Vl. Vishnevsky) usw.

Thema 3.3. Dramaturgie 70–90er Jahre

Theater im gesellschaftlichen und kulturellen Leben der Nachtauzeit; die Dualität des gesellschaftlichen Status des Theaters in den 70er–90er Jahren, die Heterogenität der darin stattfindenden kulturellen Prozesse.

Gesamtüberblick über die Dramaturgie der 60er Jahre: Leitthemen, Genres:

70–90er als "Zeit der Dramatisierung": die Popularität von Theaterproduktionen von Prosawerken der "Post-Thaw" -Zeit (Prosa von Y. Trifonov, Ch. Aitmatov, F. Abramov, V. Shukshin, V. Bykov. V. Rasputin , E. Ginzburg, A. Solzhenitsyn, V. Shalamova und andere).

Erneuerung des Genres des Industriedramas im Theater der 70-90er Jahre: soziale und moralisch-psychologische Probleme von Stücken von A. Gelman und anderen.

Politisches und psychologisches Drama der 70er bis 90er Jahre: ein Versuch, die Natur und die Motive der Handlungen einer Machtperson zu erklären (Dramen von M. Shatrov, V. Korkia, I. Druta); Bühnenversion des Konflikts zwischen dem Individuum und einer totalitären Gesellschaft (A. Kazantsevs Stück "Großer Buddha, hilf ihnen!").

Sozialpsychologisches / philosophisch-psychologisches Drama der 70er–90er Jahre. als Reflexion über das Wesen und die Aspekte der menschlichen Persönlichkeit, Optionen für Lebenspositionen; die Mehrdeutigkeit der künstlerischen Einschätzung des Helden des psychologischen Dramas, des Phänomens Frage des Autors 22 als charakteristisches Merkmal der Ästhetik des psychologischen Dramas der 70er–90er Jahre.

Die Nachfrage nach psychologischem Drama in der „Post-Tauwetter“-Ära; Varianten und Spezifika künstlerischer Methoden des sozialpsychologischen / philosophisch-psychologischen Dramas der 70er–90er Jahre:

Klassisches psychologisches (Alltags-)Drama mit Elementen einer intellektualisierten Darstellung des Stoffes (A. Vampilov, A. Volodin, L. Zorin, A. Kazantsev, L. Razumovskaya, V. Arro usw.);

Bühnenparabel (A. Volodin, E. Radzinsky, G. Gorin, Yu. Edlis usw.);

Naturalistisches Drama (A. Galin, N. Kolyada, L. Petrushevskaya);

Spielt mit Elementen der avantgardistischen (absurdistischen) Ästhetik (Ehrw. Erofeev, N. Sadur, A. Shipenko);

Spielt mit Elementen der avantgardistischen (impressionistischen) Ästhetik (M. Ugarov, E. Gremina, O. Mukhina, O. Mikhailova).

Zweck: Verallgemeinerung und Systematisierung des Wissens über moderne Poesie.

Ausrüstung:

• Porträts von E. Evtushenko, R. Rozhdestvensky, A. Voznesensky, B. Akhmadulina, N. Rubtsov, V. Sokolov, Vsev. Nekrasov, D.Prigov, I.Guberman, B.Okudzhava, Yu.Vizbor, V.Vysotsky und andere;
• eine Auswahl an Gedichten: N. Rubtsov „Bouquet“, E. Yevtushenko „Panzer bewegen sich durch Prag“, V. Vysotsky „The Ballad of Love“, N. Rubtsov „My Quiet Homeland“;
• Audioaufnahme der Musik für das Lied "Wishes to Friends" von B. Okudzhava.

Während des Unterrichts

Epigraph.

Andere Zeiten sind gekommen.
Andere Namen sind aufgetaucht.

E. Jewtuschenko

(Leselehrerin)

Weißer Schnee fällt
wie auf einem Faden gleiten...
In der Welt zu leben und zu leben,
ja, wahrscheinlich nicht.

Jemandes Seele, ohne eine Spur
sich auflösen,
wie weißer Schnee
von der Erde in den Himmel kommen.

E. Jewtuschenko.

Ich werde den Traubenkern in der warmen Erde vergraben,
und den Weinstock küssen und die reifen Trauben pflücken
und ich werde meine Freunde anrufen, ich werde mein Herz auf die Liebe setzen ...

Versammeln Sie sich, meine Gäste, für meine Belohnung,
sag mir direkt ins Gesicht, wen ich vor dir sage,
der König des Himmels wird mir Vergebung dafür schicken
Sünden ...
Warum lebe ich sonst auf dieser ewigen Erde?

B. Okudschawa.

Du weckst mich im Morgengrauen
du wirst unbeschlagen ausgehen.
Du wirst mich nie vergessen.
Du wirst mich nie sehen.

Schützt Sie vor der Kälte
Ich denke: „Allmächtiger Gott!
Ich werde dich nie vergessen,
Ich werde dich nie sehen.“

A. Wosnesenski.

Leute, habt ihr Auszüge aus Gedichten gemocht? Ich lese die Lieblingszeilen von Dichtern der 50-90er Jahre des 20. Jahrhunderts. Wir werden heute über diese Poesie sprechen. Thema „Periodisierung der Poesie der 50-90er Jahre des 20. Jahrhunderts“. Heute werden wir in der Lektion versuchen, eine synchronistische Tabelle unserer russischen Poesie in dieser Zeit zusammenzustellen. Die Poesie des beginnenden 20. Jahrhunderts ist Ihnen bereits bekannt, man spricht üblicherweise von der Poesie des „Silbernen Zeitalters“. Können Sie einige Dichter nennen?

Mitte der 1920er Jahre wurde die Poesie des "Silberzeitalters" zunichte gemacht, und erst in den 40er Jahren, während des Großen Vaterländischen Krieges, gab es einen kleinen Aufschwung davon. Die Poesie gab in der Ära des Chruschtschow-Tauwetters einen neuen Aufschwung, es war eine romantische Zeit, eine Zeit der Hoffnung, des Verlangens, und sehr junge E. Yevtushenko, A. Voznesensky, B. Okudzhava, R. Rozhdestvensky, B. Akhmadulina kamen dazu Poesie. „Andere Zeiten sind gekommen, andere Namen sind auferstanden“ - diese Worte von E. Yevtushenko werden als Epigraph unserer Lektion dienen.

Wir müssen feststellen, welcher Richtung sie angehörten, in welcher Zeit diese oder jene Richtung existierte. Auf dieser Grundlage erstellen wir eine synchronistische Tabelle.

Bitte sagen Sie mir, wie viele Perioden von den 1950er bis 1990er Jahren identifiziert werden können, und womit werden diese Perioden in Verbindung gebracht, welche politischen Ereignisse?

Ende der 50er - Anfang der 60er Jahre, nämlich von 1958 bis 1965, war die sogenannte inoffizielle Literaturgruppe "Lianozovo" tätig, zu der Oscar Rabin, E. Kropivnitsky, V. Nekrasov, Igor Kholin, Genrikh Sapgir und Yan Satunovsky gehörten. "Lianozovo" ist eine Gruppe von Dichtern, die die Poesie des "Silbernen Zeitalters" mit moderner Poesie verbindet. Der radikalste Vertreter kann sein nennen Sie Vsevolod Nekrasov, der behauptete, dass ein Wort ein Gedicht werden kann:

Füllen Sie Ihre Kolumne aus und geben Sie das Blatt an unsere Gäste weiter, die ihre Meinung dazu schreiben, wie sie dieses Gedicht verstehen. Leute, findet ihr dieses Gedicht sinnvoll?

Heinrich Sapgir schrieb Sonette auf Hemden. (Ich schlage vor, ein Gedicht auf ein Hemd zu schreiben. Ein paar fest angestellte „Künstler“ arbeiten).

Das Wort ist die Haupteinheit des Textes. Gedichte können aus einer einfachen Aufzählung von Wörtern bestehen. Sie können hier auch eine spezielle Syntax hervorheben - ohne Vorzeichen.

Welche Strömungen in der Poesie der 50er und 60er Jahre kannst du nennen? (Es gab "Pop-Poesie").

Also, was für Dichter sind "Pop"?

Was ist charakteristisch für „Pop-Poesie“?

• (Installation auf dem Publikum - ein einzelnes „Wir“.
• Gesänge des wissenschaftlichen und technologischen Fortschritts.
• Streben nach Zukunft;
• Kampf gegen Philistertum, Geld und Privilegien
• Spiritualität ist das Wichtigste im Leben

Leute, in der Auswahl an Gedichten, die euch zur Verfügung gestellt werden, findet ihr ein Gedicht von mindestens einem der Pop-Dichter. (E Ewtuschenko)

Können Sie diese Pop-Poesie beweisen? (Zukunftsstreben: „... ich appelliere an einen Nachkommen. .“), Kampf gegen das Philistertum: „... du bist eine Mischung aus Nozdryov und einem Mann in einem Fall, ... du hast Gewissen und Ehre mit Füßen getreten , gepanzerte Unhöflichkeit“, die Hauptsache ist Spiritualität im Leben: "Gott - was für ein Sturz! Panzer nach Yana Gus Puschkin und Petofi ..., Panzer gehen auf Hoffnung ...")

Welche anderen Trends in der Poesie der 60er Jahre des 20. Jahrhunderts können Sie nennen? (Poesie, die "ruhige Texte" genannt wurde)

Welche Dichter gehören zu den „ruhigen Texten“?

Leute, warum denkst du, dieser Text heißt ruhig? (Im Zusammenhang mit dem Zweiten Weltkrieg: 28 Millionen Tote, Europa ist verwüstet, Verluste in jedem Haus, die Menschen haben Trauer, natürlich haben sie keine Zeit für Poesie; aber andererseits gibt es ein Interesse an einer einzelnen Person, In seinem spirituellen und spirituellen Zustand versuchen die Menschen, die kleinen Dinge zu bemerken, die zuvor nicht gewürdigt wurden.)

Im Allgemeinen hört man in dieser Zeit sehr oft das Wort „ruhig“:

Beruhige mein Zuhause!
Weiden, Flüsse, Nachtigallen...

N. Rubtsov.

Poesie sei laut oder leise
Sei niemals eine stille, betrügerische Person ...

E. Jewtuschenko.

Leute, was war typisch für diese Poesie?

(- individuelle Herangehensweise an den Leser;

• schau dir die Gegenwart und die Vergangenheit an. Wiederbelebung der Traditionen von Tyutchev und Fet;
• Themen Natur, ruhiges Mutterland;
• Es muss immer ein Geheimnis im Leben geben.)

Welche Verse können wir nennen?

Einer der hellsten Dichter „ruhiger Texte“ ist N. Rubtsov. Hören wir uns eines seiner Gedichte an. (Schüler liest)

Nikolai Rubtsov „Meine stille Heimat …“

Beruhige mein Zuhause!
Weiden, Flüsse, Nachtigallen...
Meine Mutter ist hier begraben
In meiner Kindheit.

Wo ist der Friedhof? Du hast nicht gesehen?
Ich kann mich nicht finden
Die Dorfbewohner antworteten leise:
Es ist auf der anderen Seite.

Schweigend antworteten die Bewohner,
Der Konvoi fuhr ruhig vorbei.
Kuppel der Kirche
Mit hellem Gras bewachsen.

Wo ich nach Fischen schwamm
Heu wird auf den Heuboden gerudert:
Zwischen Flussbiegungen
Die Leute gruben einen Kanal.

Tina ist jetzt ein Sumpf
Wo er am liebsten schwimmt...
Beruhige mein Zuhause
Ich habe nichts vergessen

Neuer Zaun vor der Schule
Die gleiche Grünfläche.
Wie eine glückliche Krähe
Ich sitze wieder auf dem Zaun!

Meine Holzschule!...
Die Zeit wird kommen, um zu gehen
Der Fluss hinter mir ist neblig
Wird laufen und laufen.

Mit jeder Hütte und Wolke,
Mit Donner bereit zu fallen
Ich fühle mich am brennendsten
Die tödlichste Verbindung.

(Eine Gruppe von Jungs bekommt die Aufgabe, einen Cluster „My Quiet Motherland“ mit „-“ und „-“, also mit
positive und negative Schlüsselbilder. Zwei bilden auf dem Brett. Die Lehreroption ist geschlossen).

Leute hat euch das gefallen Gedicht? Wie?

• Lassen Sie uns darüber nachdenken, warum wir es als "leise Texte" klassifizieren?
• Zu welchem ​​Thema gehört es? (Heimatthema)
• Was verbindet den lyrischen Helden mit seinen Heimatorten? (Mutter ist begraben, wo er gerne geschwommen ist ...)
• Mal sehen, welches Wort in dem Gedicht wiederholt wird? (ruhig)
• Schreiben Sie die Synonymreihe des Wortes „leise“ aus dem Synonymwörterbuch (Arbeiten mit einem Synonymwörterbuch)

Warum wiederholt der Autor dieses Wort? Was verbirgt sich hinter diesem Wort? (Es hat zwei Bedeutungen: "Die Einwohner haben leise geantwortet" - warum haben sie leise geantwortet? Was hat der Held gefragt? Über den Friedhof. Es ist nicht üblich, über solche Dinge zu schreien. Hier gibt es auch eine Verbindung von Zeiten Ich-Bewohner- Friedhofsverwandten; dann sehen wir überall einen Zustand der Ruhe und Stille - und hier ist dieses Wort ein Synonym für "verlassen", "veraltet", wie mit Schlamm bedeckt, stagnierend, wie vielleicht sogar damals Zeit.)

Aber spürst du irgendwelche Veränderungen? (neuer Zaun, Kanal…)

Was ändert sich sonst noch in diesem Bild? (Der Fluss wird fließen…, der Fluss hier ist ein Symbol für schnell fließendes Leben, d.h. alles fließt, alles ändert sich, und diese Zeiten werden vergehen, und alles wird sich zum Besseren wenden.)

• Wie ist der innere Zustand des lyrischen Helden?
• Welche Gefühle empfindet der Held bei der Begegnung mit seiner Heimat, in welchen Linien zeigt sich dies?
• Was ist das Gefühl des Gedichts? (leichte Traurigkeit)
• Welche Techniken verwendet der Autor, um dieses Gefühl zu vermitteln? (Wiederholungen, Aufruf (meine stille Heimat), ein Dialogelement, es gibt einen Vergleich (wie eine Krähe); ein symbolisches Bild eines fließenden Flusses.)

Überprüfung des Clusters. Die Schüler sehen zu und fügen hinzu.

Leute, gibt es in der Auswahl an Gedichten, die ihr auf euren Tischen habt, Gedichte, die sich auf „leise Texte“ beziehen?

(Wir sehen uns die Arbeit des Ehepaars „Künstler“ an, was mit dem Hemd passiert ist. Das Mädchen liest ein Gedicht vor. Erzählt, wie die Arbeit gelaufen ist. Erklärt, warum diese Farbe des Markers gewählt wurde).

In den 50er Jahren wurde Poesie geboren, was gefällt Ihnen sicher? (Bardenpoesie: B. Okudzhava, Yu Vizbor usw.) Dies ist Studentenpoesie, die um Feuer gesungen wurde, sie wurde auch Minnesängerpoesie genannt, d.h. der Autor komponiert Worte, Musik und tritt mit der Gitarre selbst auf Was ist typisch für die Bardenpoesie? (- sprechen jeden an; - thematische Vielfalt der Lieder; - philosophische Natur der Lieder; - unverwechselbare Art der Darbietung; - Wichtigkeit des Textes, Text und Musik sind untrennbar, Musik ist eine Metapher).

Können Sie einige berühmte Zeilen nennen?

In den späten 60er Jahren erscheint V. Vysotsky. Die Stimme von V. Vysotsky klingt in den 70er Jahren am hellsten. Seine Gedichte wurden nicht veröffentlicht, aber seine Lieder erklangen durch offene Fenster auf Tonbandgeräten, es war eine unglaubliche Popularität. Was passiert in der Poesie 70er? (individuelle Kreativität).

Und was passiert mit der Poesie in den 80er Jahren? (In den 80er Jahren arbeiten alle aufgeführten Dichter weiter. Aber es ist auch etwas Neues aufgetaucht. Die Poesie von B. Okudzhava begann auf neue Weise zu klingen. Die Hauptthemen sind Freundschaft, Liebe, Respekt für eine Frau. In den 70er Jahren - 80er Jahre neue Namen von Bardendichtern erschienen (siehe Tabelle).

In den 80er Jahren begannen die Gedichte von A. Voznesensky lyrischer zu klingen. Er war ausgebildeter Architekt und versuchte, seine Sicht auf die Welt in seinem Werk in einem speziellen Genre zu reflektieren. Die Schreibweise der Worte, die Form des Gedichts werden bedeutungsvoll. (Ich demonstriere runde Werfer „Chrysanthemum“; „viduhi“ - Hieroglyphen des Klangs und der Bedeutung von „Yesenin“).

(Ich schlage vor, dass eine Gruppe von Kindern ein Krugomet oder Viduhu gemäß den Versen macht, die auf dem Tisch liegen.)

(Ein Schüler setzt sich an den Computer und führt einen kleinen Test zum behandelten Stoff durch.)

Die 80er Jahre sind die Zeit, in der zwei Trends in der Poesie hell werden - Konzeptualismus und Metarealismus. Sie wurden auch als „zweite Kultur“ bezeichnet – ein Phänomen der Sowjetzeit, das ist ein „kultureller Untergrund“, der keiner ideologischen Zensur unterliegt. „Literatur der zweiten Kultur“ fand ihren Leser nicht durch die offizielle Presse, sondern durch „Samizdat“. Diese beiden Richtungen erschienen als Gegengewicht zur traditionellen Literatur, es war eine kategorische Ablehnung des Sowjetregimes. Die Lyrik der 80er Jahre hat sich zum Ziel gesetzt, Klischees zu überwinden. Konzeptualismus ist genau die Überwindung des gewöhnlichen Bewusstseins und der Klischees, die bereits in der Poesie Gestalt angenommen haben. Die offizielle Poesie schuf das Bild eines idealen Volkes ohne Fehler, sowohl äußerlich als auch innerlich, der Konzeptualismus ironisiert und entlarvt diese „idyllische Selbstgefälligkeit“. Wen kannst du nennen? Vor Ihnen ist ein Porträt von D. Prigov. Ich lade Sie ein, sich einen Auszug aus dem Gedicht dieses Dichters anzuhören:

Die schöne Oka fließt
Unter der Schönheit von Kaluga
Die Leute haben schöne Beine und Arme
Unter der Sonne wärmt hier morgens.
Tagsüber geht er arbeiten
Zu der hübschen schwarzen Maschine
Und am Abend kommt wieder
Lebe auf der schönen Oka.

D.Prigov.

Wie stehst du zu diesem Gedicht? Wie empfinden Sie die Ironie in diesem Gedicht? Was können Sie über Metarealismus sagen? (Metarealismus ist das Gegenteil von Konzeptualismus. Metarealismus wird mit den metaphorischen Texten von „Pop-Poeten“ assoziiert. Hier wird die poetische Sprache bereits äußerst komplex. Der Text durchläuft ständig einen Prozess interner Übergänge und gegenseitiger Transformationen.

Wenn der Konzeptualismus das Bild bewusst auf das einfachste ideologische Schema reduziert, dann erhebt der Metarealismus das Bild zu überkünstlerischen Verallgemeinerungen. Und hier spricht man nicht mehr von Metaphern, d.h. Transformationen wird das Bild mit allen Sinnen erfahrbar)

Was ist der Unterschied zwischen diesen Strömungen?

Mal sehen, was wir mit Viduhas und Krugometami bekommen haben. (Kinder posten ihre Arbeit an der Tafel.)

Welche zeitgenössischen Dichter kennen Sie? Ist die heutige Zeit erfüllt vom Geist der Poesie? (Nein. Alles wird an Geld gemessen, es gibt heute keine Romantik, Spiritualität wurde aus unserem Leben verdrängt, es gibt keinen Platz für Poesie darin.)

Die 1990er Jahre verdrängten die Poesie aus der Literatur Es lassen sich ein oder zwei Namen nennen, die Poesie nicht vollständig repräsentieren können.

Sie haben also eine synchronistische Tabelle. Wie verstehen Sie dieses Wort - synchronistisch? (Man sieht die chronologische Entwicklung, d. h. vertikal, und die parallele Entwicklung bestimmter Phänomene (in diesem Fall moderne Poesie), d. h. horizontal)

(Eine Gruppe von Männern erhält die Aufgabe, ein Symbol der Poesie der 50-90er Jahre des 20. Jahrhunderts darzustellen und zu erklären.)

Und wir werden sehen, was mit Ihren Kameraden passiert ist, die an der Analyse mit der Methode des dreifachen Tagebuchs gearbeitet haben. (Sie erhalten Hausaufgaben, um das Tagebuch zu vervollständigen, indem sie ihren Eltern anbieten, die dritte Spalte auszufüllen.)

Welche Dichter magst du am liebsten? Welche Gedichte hört man am häufigsten im Kreis der Familie, unter Freunden?

Sagen Sie mir, welche Themen klingen in den Gedichten der von Ihnen aufgeführten Dichter?

Ja, in der Tat, das sind ewige Themen, die die Menschheit immer begeistern werden. ich Ich schlage vor, Sie beenden die Lektion mit einer Romanze von B. Okudzhava, die das ewige Thema berührt, das Thema der Liebe zu Ihrem Nächsten „Wünsche an Freunde“:

Lasst uns ausrufen, einander bewundern.
Hochtönende Worte sind nicht zu fürchten
Machen wir uns gegenseitig Komplimente
Schließlich sind dies alles glückliche Momente der Liebe

Lasst uns ehrlich trauern und weinen
mal zusammen, mal getrennt, mal abwechselnd.
Keine Notwendigkeit, der Verleumdung Bedeutung beizumessen -
weil Traurigkeit immer mit Liebe koexistiert.

Lass uns einander perfekt verstehen,
damit du, wenn du einmal einen Fehler gemacht hast, keinen Fehler mehr machst.
Lass uns leben, uns in allem verwöhnen,
Zumal das Leben so kurz ist.