Unter den 37 von Shakespeare geschaffenen Stücken war die Tragödie Othello eines der herausragendsten. Die Handlung des Werkes ist, wie viele andere Stücke des englischen Dramatikers, entlehnt. Als Quelle dient die Kurzgeschichte „Der Mohr von Venedig“ des italienischen Prosaschriftstellers Giraldi Citio. Laut Forschern von Shakespeares Werken entlehnte der Dramatiker nur die Hauptmotive und den allgemeinen Umriss der Handlung, da Shakespeare nicht gut genug Italienisch konnte, um alle Nuancen der Geschichte perfekt zu verstehen, und das Werk nur ins Englische übersetzt wurde 18. Jahrhundert.

Der Konflikt im Stück basiert auf widersprüchlichen Gefühlen von Vertrauen, Liebe und Eifersucht. Jagos Gier und sein Wunsch, mit allen Mitteln die Karriereleiter zu erklimmen, sind stärker als Cassios Hingabe und die reine und wahre Liebe von Othello und Desdemona. Jago kennt Othellos starke Natur, seine militärisch klaren und strengen Ansichten und seine Unfähigkeit, die Welt um ihn herum in Halbtönen wahrzunehmen, und konzentriert seine Intrigen nur auf einen Zweifel, der in die Seele des Mauren gesät wurde. Ein Hinweis, den der „treue“ Leutnant vorsichtig fallen lässt, führt zu einem tragischen Ausgang.

Im Werk „Othello“ werden die Grundgesetze des Tragödiengenres deutlich beobachtet: der Zusammenbruch der Hoffnungen, die Unfähigkeit, die Realität zu ändern, der Tod der Hauptfiguren.

„Othello“: eine Zusammenfassung des Stücks

Die Handlung des dramatischen Werkes spielt im 16. Jahrhundert in Venedig und verlagert sich später nach Zypern. Von den ersten Zeilen an wird der Leser Zeuge eines Dialogs zwischen Jago, Othellos Leutnant, und dem örtlichen Adligen Rodrigo. Letzterer ist leidenschaftlich und hoffnungslos in die Tochter des Senators Brabantio Desdemona verliebt. Aber Jago erzählte seinem Freund, dass sie heimlich Othello geheiratet hatte, einen Mauren in venezianischen Diensten. Der Leutnant überzeugt Rodrigo von seinem Hass auf Othello, da der Maure anstelle von Jago einen gewissen Cassio auf die Position des Leutnants, also seines Stellvertreters, brachte. Um sich an dem Mauren zu rächen, überbringen sie die Nachricht von Desdemonas Flucht ihrem Vater, der sich rasend auf die Suche nach Othello macht.

Zu diesem Zeitpunkt kommt die Nachricht, dass sich die türkische Flotte Zypern nähert. Othello wird in den Senat berufen, weil er einer der besten Generäle ist. Brabantio kommt mit ihm auch zum venezianischen Dogen, dem Hauptherrscher. Er glaubt, dass seine Tochter nur unter dem Einfluss der Hexerei einen schwarzen Militär heiraten konnte. Othello erzählt dem Dogen, dass Desdemona sich wegen seines Mutes und seiner Tapferkeit in ihn verliebt habe, als er Geschichten über seine militärischen Heldentaten hörte, und dass er sich in sie wegen ihres Mitgefühls und ihrer Sympathie für ihn verliebte. Das Mädchen bestätigt seine Worte. Der Doge gibt den Jugendlichen trotz der Wut des Senators seinen Segen. Es wurde beschlossen, Othello nach Zypern zu schicken. Ihm folgen Cassio, Desdemona und Jago, der Roderigo davon überzeugt, dass noch nicht alles verloren ist, und ihn überredet, ihnen zu folgen.

Während eines Sturms ertranken türkische Galeeren und die jungen Leute freuten sich über ihr Glück. Jago setzt seine bösen Pläne fort. Er sieht Cassio als seinen Feind und versucht, ihn mithilfe von Rodrigo loszuwerden. Am Vorabend der Feierlichkeiten zur Hochzeit von Othello und Desdemona betrunken Jago Cassio, der durch das Trinken die Kontrolle verliert. Rodrigo verletzt den betrunkenen Cassio absichtlich. Es kommt zu einer Schlägerei, die allgemeine Verwirrung stiftet. Wegen unwürdigen Verhaltens exkommuniziert Othello Cassio aus dem Dienst. Der Leutnant bittet Desdemona um Hilfe. Sie weiß, dass Cassio Othello gegenüber ein ehrlicher und ergebener Mann ist, und versucht, ihren Mann zum Einlenken zu überreden. Zu diesem Zeitpunkt sät Jago Zweifel in Othellos Kopf, dass Desdemona ihren Mann mit Cassio betrügt. Ihre leidenschaftliche Überzeugungsarbeit zur Verteidigung des Leutnants schürt zunehmend die Eifersucht ihres Mannes. Er wird nicht er selbst und verlangt von Jago den Beweis des Verrats.

Der „treue“ Leutnant zwingt seine Frau Emilia, die Desdemona dient, ihr Taschentuch zu stehlen, das Othellos Mutter gehörte. Er schenkte es Desdemona zur Hochzeit mit der Bitte, sich niemals von dem Ding zu trennen, das ihm lieb war. Sie verliert versehentlich das Taschentuch und Emilia gibt es Jago, der es auf das Haus des Leutnants wirft und Othello erzählt, dass er das kleine Ding bei sich gesehen hat. Der Leutnant arrangiert ein Gespräch mit Cassio, in dem dieser seine leichtfertige und spöttische Haltung gegenüber seiner Geliebten Bianca demonstriert. Othello hört den Dialog mit und denkt, dass es um seine Frau geht, und ist von der Verbindung zwischen ihnen absolut überzeugt. Er beleidigt seine Frau und beschuldigt ihn des Verrats, ohne auf ihre Treueschwüre zu hören. Die Szene wird von Gästen aus Venedig beobachtet – Lodovico und Desdemonas Onkel Gratiano, der die Nachricht von Othellos Vorladung nach Venedig und der Ernennung von Cassio zum Gouverneur von Zypern überbrachte. Gratiano ist froh, dass sein Bruder Brabantio keine so niedrige Einstellung gegenüber seiner Tochter sehen wird, da er nach ihrer Hochzeit starb.

Der eifersüchtige Mann bittet Jago, Cassio zu töten. Rodrigo kommt zum Leutnant und ist wütend, dass Jago ihm bereits das ganze Geld abgenommen hat, aber es gibt kein Ergebnis. Jago überredet ihn, Cassio zu töten. Nachdem Rodrigo das Opfer am Abend aufgespürt hat, verwundet er Cassio und er selbst stirbt, getötet durch Jagos Klinge. Als Othello die Schreie hört, kommt er zu dem Schluss, dass der Verräter tot ist. Gratiano und Lodovico treffen rechtzeitig ein und retten Cassio.

Der Höhepunkt der Tragödie

Nachdem Othello Desdemona gebeten hat, ihre Sünden zu bereuen, erwürgt er sie und tötet sie mit einer Klinge. Emilia rennt herein und versichert dem Mauren, dass seine Frau das heiligste Geschöpf sei, unfähig zu Verrat und Gemeinheit. Gratiano, Jago und andere kommen zum Moor, um zu erzählen, was passiert ist, und finden ein Bild von der Ermordung Desdemonas.

Othello sagt, Jagos Argumente hätten ihm geholfen, den Verrat herauszufinden. Emilia sagt, dass sie es war, die ihrem Mann das Taschentuch gegeben hat. In der Verwirrung tötet Jago sie und entkommt. Cassio wird auf einer Trage und der verhaftete Jago eingeliefert. Der Leutnant ist entsetzt über das, was passiert ist, denn er gab nicht den geringsten Grund zur Eifersucht an. Jago wird zum Tode verurteilt und der Maure muss vom Senat vor Gericht gestellt werden. Doch Othello ersticht sich und fällt neben Desdemona und Emilia auf das Bett.

Die vom Autor geschaffenen Bilder sind lebendig und organisch. Jeder von ihnen hat sowohl positive als auch negative Eigenschaften, was die Tragödie so lebendig und immer aktuell macht. Othello ist ein brillanter Kommandant und Herrscher, ein mutiger, starker und mutiger Mann. Aber in der Liebe ist er unerfahren, etwas eingeschränkt und unhöflich. Er selbst kann kaum glauben, dass ein junger und schöner Mensch ihn lieben kann. Es war seine gewisse Unsicherheit, die es Jago ermöglichte, Othello so leicht zu verwirren. Der strenge und zugleich liebevolle Mohr wurde zur Geisel seiner eigenen starken Gefühle – verrückter Liebe und hektischer Eifersucht. Desdemona ist die Personifikation von Weiblichkeit und Reinheit. Ihr Verhalten gegenüber ihrem Vater ermöglichte es Jago jedoch, Othello zu beweisen, dass seine ideale Frau aus Liebe zu List und Täuschung fähig ist.

Der negativste Held ist auf den ersten Blick Jago. Er ist der Initiator aller Intrigen, die zu dem tragischen Ausgang führten. Aber er selbst tat nichts, außer Rodrigo zu töten. Die gesamte Verantwortung für das, was passiert ist, liegt auf Othellos Schultern. Er war es, der, ohne es zu verstehen, der Verleumdung und dem Klatsch erlag und seine ergebene Assistentin und geliebte Frau beschuldigte, wofür er ihr das Leben nahm und sein eigenes hingab, unfähig, der Reue und dem Schmerz der bitteren Wahrheit standzuhalten.

Die Hauptidee der Arbeit

Das dramatische Werk „Othello“ kann zu Recht als Tragödie der Gefühle bezeichnet werden. Das Problem der Konfrontation zwischen Vernunft und Gefühlen ist die Grundlage der Arbeit. Jeder Charakter wird mit dem Tod bestraft, weil er blind seinen Wünschen und Gefühlen folgt: Othello – Eifersucht, Desdemona – grenzenloser Glaube an die Liebe ihres Mannes, Rodrigo – Leidenschaft, Emilia – Leichtgläubigkeit und Unentschlossenheit, Jago – ein verzweifelter Wunsch nach Rache und Profit.

Das beste dramatische Werk von William Shakespeare und eines der bedeutendsten Meisterwerke der Weltklassiker ist die Tragödie – ein Symbol für tragische und unerfüllte Liebe.

Die Komödie basiert auf einer sehr lehrreichen Vorstellung über weibliche Charaktere als Grundlage wahren weiblichen Glücks.

Jagos Spiel war fast ein Erfolg, aber er konnte es aufgrund des Ausmaßes der Intrigen und der großen Anzahl seiner Teilnehmer nicht bis zum Ende kontrollieren. Das blinde Verfolgen von Gefühlen und Emotionen ohne die Stimme der Vernunft, so der Autor, werde unweigerlich in einer Tragödie enden.

Verdi spielte eine führende Rolle bei der Erstellung des Librettos für Othello. Nach seinen Anweisungen änderte Boito den Plan mehrmals und schrieb ganze Szenen neu. Shakespeares Handlung hat erhebliche Veränderungen erfahren. Der Komponist konzentrierte die Handlung auf den Hauptkonflikt – den Zusammenstoß zwischen Othello und Jago –, verlieh ihr einen universellen Klang und befreite die Intrige von kleinen Alltagsdetails.

Nachdem das Werk im November 1886 fertiggestellt war, beteiligte sich Verdi direkt an seiner Produktion. Die Uraufführung fand am 5. Februar 1887 in Mailand statt und war ein wahrer Triumph der italienischen Nationalkunst. Bald wurde diese Oper weltweit als Verdis beste und vollkommenste Schöpfung anerkannt.

Musik

„Othello“ ist eine musikalische Tragödie, die durch ihre Wahrhaftigkeit und Tiefe der Verkörperung menschlicher Charaktere verblüfft. Die musikalischen Porträts von Othello – einem Helden und Krieger, einem leidenschaftlich liebenden Ehepartner, einem vertrauensvollen und zugleich wütenden Mann, der sanftmütigen und reinen Desdemona, dem verräterischen Jago, der alle moralischen Gesetze mit Füßen tritt – zeichnen sich durch außergewöhnliche Erleichterung aus und dramatische Kraft. Chorepisoden ergänzen die Bilder der Hauptfiguren und drücken die Haltung der Menschen ihnen gegenüber aus. Eine wichtige Rolle in der Oper spielt das Orchester, das die emotionale Atmosphäre des Geschehens und den außergewöhnlichen Reichtum an psychologischen Nuancen vermittelt.

Der erste Akt beginnt mit einem grandiosen vokal-symphonischen Bild eines Sturms, das Sie sofort mitten in heftige Kämpfe und scharfe Auseinandersetzungen einführt. Der Höhepunkt dieser dynamischen Szene ist der Auftritt von Othello, begleitet von einem freudigen Refrain. In der Festszene scheint der skurrile Chor „Joy of the Flame“ mit seiner Melodie und der malerischen Orchesterbegleitung die lodernden Feuer festlicher Freudenfeuer darzustellen. Jagos Trinklied ist von bissigem Sarkasmus durchdrungen. Das Duett von Othello und Desdemona „The Dark Night Has Come“, dem der gefühlvolle Klang von Solocelli vorangeht, ist voller melodischer Melodien. Am Ende des Duetts erklingt im Orchester eine leidenschaftliche, ekstatische Liebesmelodie.

Im zweiten Akt stehen die Charakterzüge von Jago und Othello im Mittelpunkt. Das Bild von Jago – einer starken, unerschütterlichen, aber geistig am Boden zerstörten Person – wird im großen Monolog „Ich glaube an einen grausamen Schöpfer“ festgehalten; In den festen, entscheidenden musikalischen Phrasen steckt ein versteckter Spott, der durch die Orchesterbegleitung verstärkt wird (am Ende bricht ätzendes Gelächter aus). Einen ausdrucksstarken Kontrast bildet der zypriotische Chor „You look – everything will sparkle“, der die Reinheit und Reinheit von Desdemona betont; Der aufgeklärte Charakter der Musik entsteht durch den Klang von Kinderstimmen, die transparente Begleitung von Mandolinen und Gitarren. Im Quartett (Desdemona, Emilia, Othello und Jago) kontrastieren Desdemonas breite Melodien voller ruhiger Vornehmheit mit Othellos aufgeregten, traurigen Phrasen. Othellos Arioso „Ich verabschiede mich für immer, Erinnerungen“, begleitet von kriegerischen Fanfaren, einem Heldenmarsch nahe; Dies ist ein kurzes musikalisches Porträt eines mutigen Kommandanten. Im Gegensatz dazu steht Jagos Geschichte über Cassio, „That Was the Night“; Seine einschmeichelnde, bezaubernde Melodie und das wiegende Begleitmuster ähneln einem Schlaflied. Das Duett von Othello und Jago (Racheschwur) erinnert aufgrund der Art der Musik an das Arioso von Othello.

Der dritte Akt basiert auf einem scharfen Kontrast zwischen der Feierlichkeit der Massenszenen, in denen die Menschen Othello begrüßen, und seiner tiefen geistigen Verwirrung. Das Duett von Othello und Desdemona beginnt mit der sanften Melodie „Hallo, mein lieber Mann“. Allmählich werden Othellos Sätze immer ängstlicher und aufgeregter; Am Ende des Duetts klingt die anfängliche lyrische Melodie ironisch und endet mit einem wütenden Ausruf. Die zerrissenen, düsteren, scheinbar eingefrorenen Phrasen von Othellos Monolog „Gott, du hättest mir Schande geben können“ drücken Depression und Taubheit aus: Die wohlklingende Melodie des zweiten Teils des Monologs ist von verhaltener Trauer durchdrungen. Ein wunderbares Septett mit Chor ist der Höhepunkt der Dramatik: Die Hauptrolle gehört hier Desdemona, ihre gefühlvollen Melodien sind voller trauriger Vorahnungen.

Im vierten Akt steht das Bild Desdemonas im Vordergrund. Eine traurige Orchestereinleitung mit einem Solo-Englischhorn schafft eine tragische Atmosphäre des Untergangs und kündigt eine bevorstehende Auflösung an. Diese Stimmung wird in Desdemonas schlichtem Volkslied durch wiederholte melancholische Ausrufe wie „Willow!“ noch verstärkt. Weide! Weide!". Ein kurzes Orchesterintermezzo (der Auftritt von Othello), das mit einer leidenschaftlichen Liebesmelodie endet, zeichnet sich durch eine große Bandbreite an Gefühlen aus. Der auf kurzen, nervösen Bemerkungen aufgebaute Dialog zwischen Othello und Desdemona wird von einem alarmierenden Pulsieren des Orchesters begleitet. Das letzte Merkmal von Othello ist ein kurzer Monolog „Ich bin nicht schrecklich, obwohl bewaffnet“; Kurze Sätze vermitteln einen fieberhaften Gedankenwandel. Am Ende der Oper erklingt erneut die Melodie der Liebe im Orchester, um den dramatischen Ausgang zu unterstreichen.

M. Druskin

„Othello“ ist Verdis größte realistische Leistung, eines der besten Werke der Opernklassiker der Welt.

Mit den Mitteln seiner Kunst gelang es dem Komponisten, den wahren Geist von Shakespeares Tragödie zu vermitteln, obwohl nach den Gesetzen der Besonderheiten der musikalischen Dramaturgie in der Oper eine Reihe von Nebenmomenten und Szenen freigesetzt wurden, die Wendung der Ereignisse wurde prägnanter und schneller wiedergegeben, die Kontraste der Charaktere und dramatischen Situationen wurden schärfer herausgestellt.

Gleichzeitig wurden eine Reihe zusätzlicher Episoden eingeführt, die es ermöglichten, die spirituelle Welt der Charaktere und ihre Eigenschaften in der Musik umfassender zu offenbaren. Dazu gehören das Duett von Othello und Desdemona am Ende des ersten Akts und der „zypriotische Chor“ im zweiten Akt, der Desdemona indirekt charakterisiert und den Adel und die Keuschheit ihres moralischen Charakters lobt.

Akt I ist in drei große Szenen unterteilt; Nennen wir sie „Sturm“, „Taverne“, „Nacht“. Jeder von ihnen hat seine eigenen musikalischen und dramatischen Zentren, die die Entwicklung von Handlung und Charakteren verankern. Die Oper beginnt ohne Ouvertüre, ersetzt durch eine große dynamische Chorszene; es ist zugleich ein indirektes Merkmal von Othello – dem Liebling und Anführer des Volkes. In der zweiten Szene entfaltet sich die Intrige und die erste Darstellung des Bildes von Jago mit seinem wunderbaren Trinklied erfolgt. Die dritte Szene ist ein Liebesduett, in dem der poetische Auftritt Desdemonas und die lyrischen Aspekte von Othellos Charakter dargelegt werden (zu den beiden Hauptthemen des Duetts siehe Beispiele 167). a, b). Das Ende des Aktes – der höchste Lichtblick der Tragödie – wird in einem Liebesthema von erstaunlicher Schönheit festgehalten:

Im zweiten Akt tritt der heimtückische und böse Jago in den Vordergrund. Um ein stark negatives Bild zu zeigen, bedient sich Verdi wie üblich nicht satirischer, sondern dramatischer Ausdrucksmittel. Dies ist Jagos Monolog – neben den Priesterbildern in Aida das beste Beispiel für diese Art von Verdi. Eckige, scheinbar knirschende Akkordfolgen, hektische Passagenexplosionen, Tremolos, durchdringende Triller – all dies zeichnet das Bild eines unmenschlichen, grausamen Feindes:

Weitere Kernpunkte des zweiten Akts werden im „zypriotischen Chor“, im Quartett und im abschließenden „Racheeid“ – dem Duett von Jago und Othello – präsentiert, das dämonischer Natur ist.

Die Entwicklung des dritten Aktes ist von großer Absicht geprägt. Die erste Hälfte zeigt das Anwachsen von Othellos eifersüchtigen Gefühlen (das Duett von Desdemona und Othello; das Trio von Jago, Cassio und Othello), was zum Höhepunkt der Oper führt – einem Septett mit Chor, in dem die Widersprüche zwischen den beiden polar sind Bilder der Tragödie: Desdemona und Jago werden mit großer Kraft ausgedrückt. Die Intonation der lyrischen Themen, die im Liebesduett des ersten Akts erklangen, diente als Grundlage für zwei Desdemona-Themen im Septett.

Der erste Abschnitt (Es-dur, Chorkommentare – As-dur) ist der Darstellung dieser Themen gewidmet und hat eine geschlossene Form, die vom ersten der vorgegebenen Themen umrahmt wird.

Im zweiten Abschnitt wird Jago aktiver, die Bemerkungen des Chors werden immer beunruhigender, klingen aber vorsichtig und flüsternd. Dies ist die Ruhe vor dem erbitterten Kampf, der im dritten Abschnitt ausbrechen wird (die Hauptphasen des Kampfes sind As-dur, F-dur). Auch hier werden beide Desdemona-Themen verwendet, was diesem Abschnitt einen Repressaliencharakter verleiht. Doch das Kräfteverhältnis hat sich verändert: Auf den Gesang des zweiten lyrischen Themas im Bass antwortet Jagos bedrohliche Phrase. So schreitet die Handlung in diesem meisterhaft geschriebenen Septett unaufhaltsam auf einen tragischen Ausgang zu.

Akt IV ist der Höhepunkt der Tragödie. Mit ungewöhnlich zurückhaltenden, geizigen Mitteln vermittelt Verdi das Gefühl intensiver Vorfreude auf eine schreckliche Katastrophe und deren Erfüllung, und – was wunderbar ist! - Die Musik wird von gedämpften Tönen und Schattierungen dominiert rrr(sogar ppppp!). Umso deutlicher treten unerwartete Ausbrüche heftiger Äußerungen von Verzweiflung oder Wut hervor. So lautet zum Beispiel der folgende Satz aus Desdemonas Abschied von Emilia:

Die Atmosphäre der vorsichtigen Stille wird in der Orchestereinleitung hervorragend vermittelt. Die melancholische Melodie des Englischhorns wird vom traurigen Seufzer der Flöten begleitet; Später klingt die einführende „leere“ Quinte der Klarinetten wie ein unaufhaltsamer Satz:

Das thematische Thema der Einleitung durchzieht die gesamte erste Szene des Aktes mit dem Lied vom Weidenbaum und Desdemonas Gebet – diesen herausragenden Beispielen für Verdis Volksliedtexte. Echos dieses thematischen Themas dringen auch in die Intonationen von Othello ein, der nach Desdemonas Tod sein Augenlicht wiedererlangte. Im Moment seines Todes erklingt aus dem Duett des ersten Aktes eine wunderbare Liebesmelodie (siehe Beispiel 165): So festigt der Komponist mit den Mitteln der Musik im Gedächtnis der Zuhörer das edle und mutige, zutiefst menschliche Bild des unglücklichen Mauren.

Die musikalische Dramaturgie von Othello entwickelt sich schnell und intensiv. Verdi bricht endgültig mit den Prinzipien der Zahlenstruktur: Die Handlung zerfällt in Szenen, die Übergänge zwischen ihnen werden jedoch geglättet. Erstaunlich ist die erstaunliche Fähigkeit, mit der Verdi eine durchgängige Entwicklung mit der inneren Vollständigkeit der zentralen dramatischen Momente verbindet. Jagos Trinklied, Liebesduett im ersten Akt, Jagos „Credo“, „Zypriotischer Chor“, „Eid der Rache“ – im zweiten Akt, Othellos Arie, Septett – im dritten, Lied über die Weide und Desdemonas Gebet, Othellos sterbender Monolog im vierten Akt – das alles sind mehr oder weniger abgeschlossene, in sich abgeschlossene Nummern, die jedoch im Prozess der durchgängigen Entwicklung der Musik entstehen.

In dieser Kohärenz der Entwicklung spielen sowohl stimmliche als auch instrumentale Faktoren eine große Rolle.

Verdi fand im Othello die ideale Balance zwischen den rezitativ-deklamatorischen und lied-ariatischen Anfängen. Deshalb sind die Übergänge von Rezitativformen zu Arien in der Oper so organisch. Darüber hinaus versiegte Verdis melodische Großzügigkeit nicht, und er entfernte sich nicht von den Volksliedursprüngen, die die Musik seiner Schöpfungen durchdrangen. Gleichzeitig wurde ihre harmonische Struktur kräftiger und heller und ihre Tonbewegung flexibler und vielfältiger. All dies trug dazu bei, die emotionalen Nuancen und den Reichtum der spirituellen Welt der Charaktere zu vermitteln.

Auch Verdis Orchester wurde bunter und vielfältiger, ohne jedoch seine individuellen Qualitäten zu verlieren – den reichen und mutigen Klang „reiner“ Klangfarben, helle Nebeneinanderstellungen kontrastierender Gruppen, helle und transparente Farbgebung, kraftvolle Dynamik. Und vor allem erlangte das Orchester die Bedeutung eines gleichberechtigten Teilnehmers am Geschehen und war im gleichen Maße von Gesanglichkeit durchdrungen, wie der Gesangspart von Deklamation durchdrungen war (Verdi sagte: „Eine gute Instrumentierung besteht nicht in der Vielfalt und Ungewöhnlichkeit der Effekte – sie ist gut, wenn sie etwas ausdrückt.“ Rimski-Korsakow schrieb begeistert über das „dramatische Orchester“ von Verdi.).

So erschienen alle musikalischen Ressourcen der Oper in organischer Einheit, was ein charakteristisches Merkmal der besten realistischen Werke des Weltmusiktheaters ist.

„Othello“ als „Tragödie des verratenen Vertrauens“

„Othello“ ist eine Tragödie von W. Shakespeare. Es wurde erstmals am 6. Oktober 1604 auf der Bühne des Londoner Globe Theatre zu Ehren von König James I. aufgeführt, der der Theatertruppe kurz zuvor das Recht verlieh, „Diener seiner Majestät“ genannt zu werden. Die Tragödie wurde vermutlich im selben Jahr geschrieben. Es wurde erstmals 1622 vom Londoner Verleger T. Walkley veröffentlicht. Als Quelle der Handlung diente die Kurzgeschichte „Der Mohr von Venedig“ von D. Cintio aus der Sammlung „Einhundert Geschichten“ von 1566, in der die Geschichte als „die Geschichte der Frau des Fähnrichs“ dargestellt wird. Diese Geschichte wurde erst im 18. Jahrhundert ins Englische übersetzt, daher bleibt die Vermutung, dass entweder Shakespeare mit dem italienischen oder französischen Text vertraut war oder die ausführliche Nacherzählung eines anderen hörte. Unter Beibehaltung der allgemeinen Handlungslinie hat Shakespeare in Schlüsselmomenten bei der Schaffung der psychologisch komplexen Charaktere der Helden das Ausgangsmaterial erheblich überarbeitet: Er modifizierte das Rachemotiv des Schurken Fähnrich in der Geschichte, der in Desdemona verliebt und von ihr abgelehnt wurde Sie verleiht der Liebe von Desdemona und Othello, in den sie sich „wegen ihrer Tapferkeit“ verliebte, einen erhabenen Charakter. Auch das Motiv für Othellos Eifersucht wurde deutlich verändert: Bei Shakespeare wird es nicht von einem verletzten Ehrgefühl oder dem beleidigten Stolz des Ehemanns und Besitzers diktiert, sondern ist die Erfüllung der wahren Pflicht eines Helden, der das Böse in der Welt zerstören will . Othello ist kein melodramatischer Bösewicht, der aus Eifersucht tötet; unter solchen Bedingungen konnte der Dichter uns nicht für sein Schicksal interessieren, geschweige denn einen rührenden und erhaben tragischen Eindruck in uns hinterlassen. Das Drama verliert hier seine eng persönliche Liebesbedeutung und steigert sich zum höchsten tragischen Motiv – zur Kollision des Individuums mit der Umwelt.

In allen reifen Shakespeare-Tragödien werden die auf der Bühne dargestellten Ereignisse vom Betrachter weg in die Tiefen der Jahrhunderte verschoben – in die Antike oder ins sagenumwobene Mittelalter. Eine solche chronologische Distanz war für den Dichter notwendig, damit er in verallgemeinerter Form die größten und drängendsten Probleme der Moderne lösen konnte. Und nur „Othello“ bildet in dieser Hinsicht eine Ausnahme. Das historische Ereignis, das Shakespeare in sein Stück einführt – der versuchte türkische Angriff auf Zypern – ereignete sich im Jahr 1570, nur 30 Jahre vor der Uraufführung von Othello. Wenn wir bedenken, dass die Engländer der Shakespeare-Ära trotz aller Feindseligkeit gegenüber ihren Hauptfeinden – den Spaniern – weiterhin den Sieg der spanischen Flotte über die Türken bei Lepanto im Jahr 1571 bewunderten, dann wird deutlich, dass das Publikum des Globe dies getan hatte auf die Tragödie des venezianischen Mauren zu reagieren wie ein Theaterstück über die Moderne.

In Othello konzentriert sich die Handlungsentwicklung des Stücks im Vergleich zu allen reifen Tragödien Shakespeares größtenteils auf persönliche Ereignisse. Es gibt weder den Trojanischen Krieg noch den Zusammenstoß zwischen Ägypten und dem Römischen Reich. Selbst der aufflammende militärische Konflikt zwischen Venedig und den Türken erweist sich bereits in der ersten Szene des zweiten Akts als erschöpft: Der Sturm, der die Schiffe von Othello und Desdemona verschonte, schickte das türkische Geschwader auf den Grund.

Eine solche Konstruktion des Stücks kann leicht zu einer Analyse von Othello als einer Tragödie rein persönlicher Natur führen. Allerdings führt jede Übertreibung des intim-persönlichen Prinzips im Othello zu Lasten anderer Aspekte dieses Werkes letztlich zwangsläufig zu einem Versuch, Shakespeares Tragödie auf den engen Rahmen des Eifersuchtsdramas zu beschränken. Zwar ist der Name Othello im Volksmund auf der ganzen Welt längst zum Synonym für eine eifersüchtige Person geworden. Aber das Thema der Eifersucht in Shakespeares Tragödie erscheint, wenn nicht als sekundäres Element, so doch als Ableitung komplexerer Probleme, die die ideologische Tiefe des Stücks bestimmen.

Die Bildergalerie, die verschiedene Produkte der venezianischen Zivilisation darstellt, wird durch das Bild ihres schrecklichsten Vertreters – Jago – gekrönt.

Der Text des Stücks ermöglicht es uns, Jagos Biografie einigermaßen vollständig zu rekonstruieren. In diesem Fall muss man sich jedoch hauptsächlich auf seine eigenen Aussagen verlassen; und die Eigenschaften von Jagos Seele sind so, dass viele seiner Aussagen mit Vorsicht zu genießen sind.

Jago ist jung – er ist erst 28 Jahre alt, aber er ist kein Neuling mehr in der venezianischen Armee; Offenbar ist sein gesamtes Erwachsenenleben mit dem Militärdienst verbunden. Dies wird besonders deutlich durch Jagos aufrichtige Empörung darüber, dass nicht er, sondern Cassio als Nachfolger von Othellos Stellvertreter ernannt wurde; Jago sieht in Cassios Beförderung eine Herausforderung für die normale Armeeordnung, bei der sich zuerst derjenige um eine Beförderung bewerben kann, der einen höheren Rang hat und mehr Dienstjahre vorweisen kann.

Es ist klar, dass er nach Meinung von Jago über genügend Dienstjahre verfügt.

In derselben Szene erwähnt Jago seine Teilnahme an Schlachten auf Zypern und Rhodos, in christlichen und heidnischen Ländern; Auch in Zukunft erinnert er sich immer wieder an Episoden seines Kampflebens.

Auf die eine oder andere Weise ist Jagos Erfolgsbilanz recht reichhaltig. Kommentatoren haben der lexikalischen Färbung von Jagos Bemerkungen seit langem Aufmerksamkeit geschenkt und dabei eine große Anzahl von Marinemetaphern festgestellt, die den Charakter charakterisieren und somit eine sehr wichtige Funktion erfüllen. Zu Shakespeares Zeiten war das Bild eines Seemanns nicht nur mit der Romantik von Entdeckungen in Übersee und Piratenüberfällen verbunden. In den Augen der damaligen Zuschauer war der Seemann „stinkend, unabhängig, betrunken, großmäulig und kämpferisch“, mit anderen Worten: Der Seemann zu Shakespeares Zeiten war ein typischer Vertreter der untersten Schichten einer demokratischen Gesellschaft. Daher diente die Fülle an nautischen Begriffen und Metaphern in Jagos Rede als genau berechnetes Mittel, um Jagos Unhöflichkeit und mangelnde Bildung hervorzuheben.

Jagos Unhöflichkeit ist auffällig. Desdemona nennt die Witze, die Jago in ihrer Gegenwart macht, zu Recht Unterhaltung, die eines Kneipenstammgastes würdig ist:

Flache Wirtshauswitze zur Belustigung alter Narren.

Aber Jago versucht nicht, seine Unhöflichkeit zu verbergen; im Gegenteil, er stellt es zur Schau und zieht aus dieser Unhöflichkeit einen beispiellosen Nutzen für sich selbst: Die Gestalt eines einfachen, unkomplizierten Soldaten, die Jago mit solchem ​​Erfolg trägt, lässt die übrigen Charaktere an seine Ehrlichkeit und Offenheit glauben.

Jagos wichtigste, mächtige und wirksame Waffe ist sein nüchterner, praktischer Geist. Jago ist ein Mensch mit bemerkenswerter Beobachtungsgabe, die ihm hilft, sich ein unverwechselbares Bild von den Menschen um ihn herum zu machen. Sehr oft erzählt Jago, der heimtückisch seine geheimen Ziele verfolgt, bewusste Lügen über andere Charaktere im Stück. Aber in den Momenten, in denen er, allein auf der Bühne gelassen, offen über die Menschen spricht, denen er begegnet, sind seine Einschätzungen in ihrer Einsicht verblüffend; Sie drücken prägnant, aber klar und objektiv das innerste Wesen der Charaktere aus.

So erfährt der Zuschauer selbst aus Rezensionen von Cassio, über den Jago nicht ohne Irritation sprechen kann, dass der Leutnant gutaussehend und gebildet ist, es ihm an praktischer Erfahrung mangelt, er zu frivolen Beziehungen neigt und sich schnell betrinkt. Und all diese Elemente von Cassios Charakterisierung werden durch sein Verhalten auf der Bühne sofort bestätigt.

Jago nennt seinen Komplizen Rodrigo wiederholt einen Narren; und tatsächlich erweist sich die Dummheit dieser Figur als das Hauptmerkmal, das letztlich über sein Schicksal entscheidet.

Die sozialen Merkmale von Rodrigo sind sehr klar. Er ist ein reicher Erbe, ein gesellschaftlicher Schurke, der die Ländereien verprasst, die er von seinen Vorfahren geerbt hat. Rodrigo gehört der vornehmen Gesellschaft an; er wirbt sogar um die Tochter eines angesehenen venezianischen Senators, einer der einflussreichsten Personen der Stadt.

Rodrigo ist lächerlich: Er ist dumm und feige, er ist willensschwach bis zum Weinen. Die komische Seite erschöpft jedoch nicht den gesamten Inhalt von Rodrigos Bild. Dieser Vertreter der goldenen venezianischen Jugend verfügt nicht über die Fähigkeit, selbstständig zu denken oder zu handeln. Daher ist es nicht verwunderlich, dass es Jago gelang, Rodrigo zu einem gehorsamen Vollstrecker seiner Pläne zu machen. Aber Jago ist ein kluger Mann; Er konnte sich keinen Gehilfen für seine Gräueltaten aussuchen, der nur das Publikum amüsieren konnte. Warum hat er sich für Rodrigo entschieden?

Es ist sehr bezeichnend, dass Jago Rodrigo nicht über den Kern seines Plans informiert. Indem Jago seine eigenen Ziele verfolgt, stärkt er gleichzeitig Roderigos schwachen Willen und eröffnet ihm einen gewissen Spielraum, den er zur Erfüllung seiner Wünsche benötigt. Und im Namen dieser Wünsche erweist sich Rodrigo, angespornt von Jago, zu jedem Verbrechen fähig, sogar zum Mord um die Ecke, wie sein nächtlicher Angriff auf Cassio beweist.

Dies geschieht, weil Rodrigoli keinerlei moralische Prinzipien hat. Brabantio verweigerte ihm das Haus, Desdemona heiratete einen Mauren. Doch die Lust, die Rodrigo antreibt, lässt ihn hoffen, dass er mit Hilfe eines Zuhälters dennoch in Desdemonas Schlafzimmer gelangen kann. Das ist der ganze Kreis seiner Wünsche.

Und in den Augen von Rodrigo fungiert Jago als Zuhälter. Die Bemerkung, die die Tragödie eröffnet, bezeugt dies mehr als überzeugend:

Sag nichts mehr, das ist Gemeinheit, Jago.

Sie haben das Geld genommen und diesen Vorfall verheimlicht.

Offenbar zahlte Rodrigo Geld an Jago, der dem jungen Dandy versprach, ein Liebesdate zu vereinbaren. Rodrigo glaubt nicht weniger als Jago an die Macht des Goldes, das Shakespeare durch den Mund von Timon von Athen als die universelle Hure der Menschheit brandmarkte. Aber wenn der Zuhälter sagt, dass Gold allein nicht ausreicht, um zu gewinnen, dass es auch notwendig ist, denjenigen, den der Zuhälter als Rivalen bezeichnet, heimlich zu töten, ist Rodrigo bereit zu töten.

Am Ende des Stücks unternimmt Rodrigo den Versuch, mit Jago zu brechen, doch diese Entscheidung wird keineswegs von hohen moralischen Erwägungen bestimmt. Roderigo ist nur empört, weil Jago ihn ausgeraubt hat; er will sich an Desdemona wenden und sie um den Schmuck bitten, den Iago ihr angeblich gegeben hat. Eine großartige Geste, die die Kleinlichkeit und den geschäftigen Charakter von Rodrigo völlig offenlegt! Die Meinungsverschiedenheit zwischen Jago und Roderigo macht Roderigos willensschwache Gemeinheit noch deutlicher: Wie sich später herausstellt, willigt er ein, Cassio zu töten, während er gleichzeitig einen Brief in der Tasche hat, in dem er sich, wenn auch in unklarer Form, distanziert selbst aus Jago.

Jagos Kommentare über Frauen sind meist voller erbitterter Zynismus; und doch macht er für Desdemona eine Ausnahme und spricht von ihrer Tugend und Freundlichkeit.

Schließlich ist es Jago, der die spirituelle Essenz seines Hauptgegners Othello am genauesten definiert.

Wenn wir zu allem oben Gesagten hinzufügen, dass Jago in Momenten der Offenheit eine absolut korrekte Einschätzung seiner selbst abgibt, dann wird deutlich, wie tief Jago die Menschen versteht. Darüber hinaus stimmen Jagos Rezensionen aller Charaktere im Wesentlichen vollständig mit dem überein, was Shakespeare selbst über sie denkt.

Die Fähigkeit, die wahre Natur der Menschen um ihn herum zu verstehen, hilft Jago, die Situation schnell zu meistern. Unter Berücksichtigung der von ihm selbst geschaffenen oder gegen seinen Willen entstehenden Besonderheiten der psychologischen Beschaffenheit der an einer bestimmten Situation beteiligten Charaktere kann Jago deren weiteren Verlauf vorhersagen und für seine eigenen Zwecke nutzen. Ein brillantes Beispiel dafür ist die Szene, in der Jago in Anwesenheit des verborgenen Othello Cassio nach Bianca befragt. Jago ist überzeugt, dass die Eifersucht bereits von der Seele des naiven Othello Besitz ergriffen hat; Andererseits weiß er, dass Cassio nur mit einem leichtfertigen Lachen über Bianca sprechen kann. Durch den Vergleich dieser Daten entwickelt Jago einen Plan, um Othello zu beeinflussen.

Othellos Reaktion bestätigt, dass Jagos Plan mit äußerster Präzision kalkuliert wurde.

Jagos Geist erinnert ein wenig an den Geist eines Schachspielers. Wenn sich ein Schachspieler ans Brett setzt, hat er das Hauptziel vor sich: zu gewinnen; Er weiß jedoch noch nicht, auf welche Weise dieser Gewinn konkret erreicht werden kann. Ein erfahrener Spieler, der jedoch beobachtet, wie die Reaktionen eines unzureichend vorbereiteten Gegners die Schwächen seiner Position aufdecken, erstellt sehr bald einen taktischen Angriffsplan und beginnt vorherzusagen, welche Konsequenzen seine Bewegungen haben werden und wie die Kombination dieser Bewegungen es ermöglichen wird ihm, den Sieg zu erringen. Also erklärt Jago Othello den Krieg, ohne noch einen konkreten Angriffsplan zu haben.

Jago nutzt die besten Eigenschaften von Othello und Desdemona, um sie zu zerstören.

Zusätzlich zu seinem aufschlussreichen Verstand verfügt Jago über eine Eigenschaft, die es ihm ermöglicht, seine dunklen Pläne auszuführen. Dies ist seine großartige Fähigkeit, sein Wesen unter dem Deckmantel der Direktheit und Einfachheit eines Soldaten zu verbergen.

Jagos Fähigkeit, eine Maske zu tragen und seine künstlerische Fähigkeit, sich zu verwandeln, sucht ihresgleichen unter allen Schurken Shakespeares. Bei seinem ersten Auftritt vor dem Publikum spricht Jago einen Aphorismus aus, in dem er das Wesen seines Charakters am treffendsten definiert: „Ich bin nicht das, was ich scheine.“ Doch bis zum Finale kann keiner der Charaktere im Stück Jagos Doppelzüngigkeit bemerken; Jeder hält ihn weiterhin für ehrlich und mutig.

Im weiteren Verlauf der Handlung stellt Jago nicht nur seine brillanten schauspielerischen Fähigkeiten unter Beweis, er fungiert auch als Regisseur des von ihm konzipierten Kriminalstücks. Intelligenz und die Fähigkeit, seine Pläne zu verschleiern, ermöglichen es Jago, die Charaktereigenschaften anderer Charaktere für die von ihm benötigten Zwecke zu nutzen und sie zu Instrumenten seiner Politik zu machen.

Jago verhält sich wie ein Raubtier, geleitet von egoistischen Bestrebungen. Fast alle seine Gedanken und Handlungen sind einer Idee untergeordnet – dem persönlichen Erfolg für sich selbst, in welcher Form auch immer – Förderung, Bereicherung usw. - Dieser Erfolg wurde nicht zum Ausdruck gebracht. Die einzige Ausnahme von dieser Regel ist Jagos Wunsch, Othello zu zerstören. Das Stück enthält keinen Hinweis darauf, dass Jago auf die Position von Moor zählen könnte, nachdem es ihm gelungen ist, Othello zu stürzen.

Dieser räuberische Egoismus Jagos erscheint in der Tragödie nicht nur als subjektiver Charakterzug; Jagos Eigeninteresse ist die praktische Anwendung des sehr harmonischen Systems von Ansichten, das er über Mensch und Gesellschaft entwickelt hat.

Jago formuliert bereits in der ersten Szene die Ausgangsprämisse seiner Sozialphilosophie. Demnach besteht die Gesellschaft aus unverbundenen Individuen. Unter ihnen gibt es Menschen, die bestimmten moralischen Grundsätzen folgen und Beziehungen zu anderen Menschen eingehen, ohne selbstsüchtige Ziele zu verfolgen; aber das sind Narren und Esel. Kluge Menschen dienen sich selbst: Sie erreichen Erfolg, indem sie sich auf sich selbst verlassen, und erreichen ihre Ziele auf Kosten anderer. In diesem Kampf um Erfolg ist Täuschung das wichtigste Mittel, die Fähigkeit, Ihre wahren Absichten zu verbergen.

Verallgemeinerungen, wie sie Jagos Philosophie zugrunde liegen, konnten die Menschen zu Shakespeares Zeiten irritieren und eine empörte Reaktion bei ihnen hervorrufen, aber diese Verallgemeinerungen waren nicht mehr etwas Isoliertes und Außergewöhnliches. Sie spiegelten am deutlichsten den Zerfall alter feudaler Bindungen unter den Schlägen neuer bürgerlicher Beziehungen wider, die auf einem Krieg aller gegen alle beruhten.

Die Betrachtung der Gesellschaft als einer Ansammlung von Menschen, in der ein ständiger Krieg aller gegen alle herrscht, bestimmt auch die Beurteilung der individuellen menschlichen Individualität. In diesem Krieg ist Täuschung eines der wirksamsten Verteidigungs- und Angriffsmittel. Das Aussehen eines Menschen kann nicht nur, sondern muss auch seinem unter der Maske der Tugend verborgenen Wesen entsprechen.

Jagos alles durchdringender Egoismus, der auf der Überzeugung beruht, dass der Mensch für den Menschen ein Wolf ist, schließt die Möglichkeit aus, dass in Jagos Seele Platz für die Liebe zu jemand anderem als ihm selbst wäre. Das gesamte System von Jagos Beziehungen zu anderen Charakteren ist in strikter Übereinstimmung damit aufgebaut.

Der ganze Hass Jagos konzentriert sich auf Othello. Es ist so großartig, es übernimmt Jagos Seele so vollständig, dass es sogar über den Rahmen jenes egoistischen Eigennutzes hinausgeht, der dem Bösewicht in anderen Fällen des Lebens als verlässlicher Kompass dient.

Jago erzählt Rodrigo von seinem Hass auf den Mauren und verweist auf bestimmte – berechtigte oder unbegründete – Gründe („Ich habe es dir oft gesagt und ich wiederhole: Ich hasse den Mauren“). Die wahre Quelle des Hasses liegt jedoch in der Seele von Jago selbst, der von Natur aus nicht in der Lage ist, edle Menschen anders zu behandeln

Aber so wie alle subjektiven Qualitäten, die Jago innewohnt, letztendlich von der Sozialphilosophie dieser Figur bestimmt werden, so hat Jagos Hass auf Othello eine soziale Grundlage. Othello und Desdemona sind für Jago einfach edle Leute; Allein durch ihre Existenz widerlegen sie Jagos Sicht auf das Wesen des Menschen – eine Sicht, die er als ein Gesetz darstellen möchte, das keine Ausnahmen duldet.

Polare Gegensätze wie Othello und Jago können nicht in derselben Gesellschaft koexistieren. Wo Platz für Jago ist, ist kein Platz für Othello. Darüber hinaus stellen Othellos Ehrlichkeit und sein Adel eine potenzielle Bedrohung für Jagos Wohlergehen dar. Deshalb konzentriert sich die ganze Macht des Menschenhasses, die dem überzeugten Egoisten Jago innewohnt, auf Othello.

Jagos Hass wird dadurch verzehnfacht, dass sein Gegenspieler ein Maure ist. Schuld daran sind nicht nur rassistische Vorurteile, sondern auch die Nichtberücksichtigung der Tatsache, dass Othellos Hautfarbe Jagos Hass auf ihn verstärkt, käme einem Verschließen der Augen vor Othellos afrikanischer Herkunft gleich.

In der ersten Szene äußert Jago einige sehr bemerkenswerte Worte: Wenn er ein Maure wäre, wäre er nicht Jago. Der Maure hat alles, was Jago fehlt – eine reine Seele, Mut und das Talent eines Kommandanten, was ihm allgemeinen Respekt verschaffte. Und der Venezianer Jago, der sich von Geburt an zur höchsten, weißen Rasse des Volkes zählt, ist zur ewigen Unterwerfung unter den Mauren verurteilt, genau wie Jagos Frau zur Dienerin der Frau des Mauren. Dies allein kann nur „edle“ Empörung in seiner Seele hervorrufen.

Diese Haltung gegenüber dem Mauren ist nicht nur für die Interpretation der individuellen Merkmale Jagos wichtig. Es macht deutlich, dass Jagos Hass auf Othello nicht nur ein rein persönliches Gefühl ist.

Othello scheint der allgemein anerkannte Retter Venedigs zu sein, der Unterstützer seiner Freiheit, ein verehrter General mit königlichen Vorfahren im Rücken. Aber moralisch ist er allein und der Republik nicht nur fremd, sondern von ihren Herrschern sogar verachtet. Im gesamten venezianischen Rat gibt es außer dem Dogen niemanden, der an die Natürlichkeit von Desdemonas Liebe zum Mauren glauben könnte, und alle fragen sich ganz ernsthaft, ob er zu „verbotenen, gewalttätigen Mitteln“ gegriffen habe, um die Jugend zu unterwerfen und zu vergiften Gefühle des Mädchens?“ Othello versteht seine Rolle instinktiv, mit Schmerz im Herzen gibt er zu, dass er nicht die geringste Hoffnung hatte, Desdemona, die erste Schönheit der stolzen Adelswelt, zu fesseln, und selbst jetzt kann er den Senatoren nicht erklären, wie das passiert ist. Und seine einzige Erklärung, die überhaupt nicht von Selbstvertrauen zeugt: „Sie hat sich wegen meiner Qual in mich verliebt.“ Das sagt Othello, der offensichtlich nicht wagt, Desdemonas Gefühle auf seine Verdienste zurückzuführen. Er nimmt ihre Liebe als unverdientes Geschenk an, als Glück, in dem ihm nur noch der Tod bleibt.

Als der Gedanke, dass er Desdemona verlieren könnte, sich zum ersten Mal in Othellos Seele einschleicht, erinnert sich der venezianische Kommandant mit einem Gefühl des Untergangs daran, dass er schwarz ist.

Warum und zu welchem ​​Zweck hat Shakespeare seinen Helden schwarz gemacht?

Viel wichtiger für die Beantwortung dieser Frage sind Beobachtungen des Kontrastsystems, mit deren Hilfe der Dramatiker immer wieder die Möglichkeit einer Diskrepanz zwischen den Elementen der äußeren Merkmale eines Menschen und seinem wahren Wesen aufzeigte.

Niemand zweifelt daran, dass die Schwärze von Othello das wichtigste Mittel ist, um die Exklusivität des Protagonisten der Tragödie zu zeigen. Doch nicht nur durch die Farbe seiner Haut entsteht der Eindruck von Othellos Exklusivität.

Black Othello stammt aus einer königlichen Familie; in der Kindheit oder in einem bewussten Alter konvertierte er zum Christentum. Er stand zufällig am Sterbebett seiner Mutter, die ihm einen Schal mit wundersamen Eigenschaften schenkte. Wie der epische Held lernte er ab seinem siebten Lebensjahr Militärarbeit und kämpfte lange Zeit zusammen mit seinem Bruder, der vor seinen Augen starb. Während seiner Wanderungen besuchte er ferne, geheimnisvolle Länder, in denen Kannibalen lebten; wurde gefangen genommen, in die Sklaverei verkauft und erlangte die Freiheit zurück. Während der letzten langen Zeit diente er treu in der venezianischen Signoria. Er erlebte ein seltsames Abenteuer in Syrien, als er in Aleppo, einer Stadt, die Teil des Osmanischen Reiches war, dafür einen Türken erstochen hatte. dass er den Venezianer geschlagen und die Republik beleidigt habe. Als Kommandant von Venedig kämpfte er in christlichen und heidnischen Ländern, auf Rhodos und Zypern, wo er eine Zeit lang auch einige administrative oder militärisch-administrative Funktionen ausübte und die Liebe der Zyprioten gewann. Nur neun Monate unmittelbar vor den in der Tragödie dargestellten Ereignissen verbrachte Othello untätig in der Hauptstadt der Republik Venedig.

Der einzige Kontaktbereich zwischen Othello und dem venezianischen Staat sind militärische Angelegenheiten. Man braucht keine große Vorstellungskraft, um sich vorzustellen, dass ein Maure als erster in belagerte feindliche Festungen einbricht oder an der Spitze venezianischer Truppen in feindliche Schanzen galoppiert. In unzähligen Feldzügen entwickelte und verstärkte sich eine weitere Eigenschaft Othellos, die ihn vom Venezianer unterschied: Er wurde ein Ritter im höchsten Sinne des Wortes.

Eine Reihe von Elementen in der Charakterisierung von Othello zeigen seinen inneren Widerstand gegen die venezianische Gesellschaft. Der Maure kann Venedig in fast jeder Position dienen, bis hin zum Posten des Kommandeurs großer Militärformationen. Aber er kann nicht organisch in diese Gesellschaft eintreten und mit ihr verschmelzen. Und die Schwärze von Othello dient als Bühneninstrument von außergewöhnlicher Ausdruckskraft, gebracht zur Intensität des Symbols, das den Betrachter ständig an die Essenz der Beziehung zwischen Othello und der venezianischen Zivilisation erinnert.

„Othello ist von Natur aus nicht eifersüchtig – im Gegenteil: Er ist vertrauensvoll.“ Diese oberflächliche Bemerkung von Puschkin ermöglicht es uns, die tiefsten Ursprünge des tragischen Schicksals des venezianischen Mauren zu verstehen.

Im Angesicht des Todes sagt Othello, dass Eifersucht nicht die Leidenschaft war, die zunächst sein Verhalten bestimmte; aber diese Leidenschaft erfasste ihn, als er dem Einfluss Jagos auf ihn nicht widerstehen konnte. Und Othello wurde diese Fähigkeit zum Widerstand durch genau die Seite seiner Natur genommen, die Puschkin die wichtigste nennt – seine Leichtgläubigkeit.

Der Hauptgrund für Othellos Leichtgläubigkeit liegt jedoch nicht in seinen individuellen Qualitäten. Das Schicksal warf ihn in eine für ihn fremde und unverständliche Republik, in der die Macht eines knapp gefüllten Geldbeutels triumphierte und sich stärkte – geheime und offensichtliche Macht, die Menschen zu eigennützigen Raubtieren macht. Aber der Mohr ist ruhig und selbstbewusst. Beziehungen zwischen einzelnen Mitgliedern der venezianischen Gesellschaft interessieren ihn praktisch nicht: Er ist nicht mit Einzelpersonen verbunden, sondern mit der Signoria, der er als Heerführer dient; und als Kommandant ist Othello tadellos und für die Republik äußerst notwendig. Die Tragödie beginnt genau mit einer Bemerkung, die das oben Gesagte über die Art von Othellos Verbindungen zur venezianischen Gesellschaft bestätigt: Jago ist empört darüber, dass der Maure nicht auf die Stimme von drei venezianischen Adligen gehört hat, die seine Ernennung zum Leutnant beantragt haben.

Doch dann ereignet sich in Othellos Leben ein Ereignis von großer Bedeutung: Er und Desdemona verlieben sich ineinander. Das Gefühl, das in Desdemonas Seele aufstieg, ist viel deutlicher als die Anerkennung der militärischen Verdienste Othellos durch den Senat und beweist die innere Integrität, Schönheit und Stärke des Mauren.

Othello ist nicht nur erfreut über Desdemonas Entscheidung; Er ist gewissermaßen überrascht von dem, was passiert ist. Desdemonas Liebe zu ihm ist eine Entdeckung, die es ihm ermöglicht, einen neuen Blick auf sich selbst zu werfen. Doch die Veranstaltung, die Othellos Seelenfrieden weiter stärken sollte, hatte auch eine Kehrseite. Der Mohr war durch seine eigene Stärke und seinen Mut gut geschützt, solange er nur ein Kommandant war. Als er nun der Ehemann einer Venezianerin wurde, mit anderen Worten, als er neue Formen der Verbindung mit der Gesellschaft hatte, wurde er verletzlich.

Und Jago ist perfekt auf seinen Angriff vorbereitet. Er ist bis an die Zähne bewaffnet mit der Kenntnis der in der venezianischen Gesellschaft vorherrschenden Moral, mit seiner gesamten zynischen Philosophie, in der Täuschung und Lüge einen so ehrenvollen Platz einnehmen.

Um Othello den tödlichen Schlag zu versetzen, nutzt Jago sowohl sein tiefes Verständnis für den Charakter des geradlinigen und vertrauensvollen Othello als auch sein Wissen über die moralischen Standards, die die Gesellschaft leiten. Jago ist davon überzeugt, dass das Aussehen eines Menschen ihm gegeben wird, um sein wahres Wesen zu verbergen. Jetzt muss er nur noch den Mauren davon überzeugen, dass diese Aussage auch auf Desdemona zutrifft.

Doch Desdemona verliebte sich in den Mauren und bewies mit ihrer Heirat, dass sie eine Ausnahme unter allen anderen Venezianern war. Das bedeutet, dass wir die hohe spirituelle Verbindung, die zwischen Othello und Desdemona entstanden ist, in Frage stellen müssen.

Und Jago schafft es für einige Zeit, einen Teilsieg zu erringen. Der Gedanke, dass Desdemona genauso betrügerisch ist wie die gesamte venezianische Gesellschaft, verdrängt in Othellos Gehirn den Gedanken an die hohe Reinheit der Gefühle, die ihn mit Desdemona verbinden.

Die vergleichsweise Leichtigkeit, mit der Jago diesen Sieg erringen konnte, erklärt sich nicht nur aus der Tatsache, dass Othello an Jagos Ehrlichkeit glaubt und ihn für einen Menschen hält, der die wahre Natur der gewöhnlichen Beziehungen zwischen den Venezianern vollkommen versteht. Jagos grundlegende Logik fasziniert Othello vor allem deshalb, weil andere Mitglieder der venezianischen Gesellschaft eine ähnliche Logik verwenden.

Für Venezianer wie Roderigo oder Jago ist die Vorstellung, dass eine Frau öffentlich zugänglich ist, längst zur Binsenweisheit geworden; Da auch Ehefrauen öffentlich zugänglich sind, bleibt dem beleidigten Ehemann nichts anderes übrig, als seinerseits den Täter zu betrügen. Aber Othello kann seine Ideale nicht aufgeben, kann Jagos moralische Maßstäbe nicht akzeptieren. Und so tötet er Desdemona.

Desdemonas wahre Schönheit liegt in ihrer Aufrichtigkeit und Wahrhaftigkeit, ohne die es für sie keine Liebe, kein Glück, kein Leben gibt.

Die Liebe zu Othello ist für Desdemona die größte Wahrheit. Im Namen dieser Wahrheit ist sie bereit, ihren eigenen Vater zu täuschen; Im Namen dieser Wahrheit unternimmt sie im Sterben einen letzten verzweifelten Versuch, ihren Geliebten zu retten. Und diese große Wahrheit der Liebe macht Desdemona zu einer der heroischsten Frauenfiguren im gesamten Drama Shakespeares.

Der Bruch mit der venezianischen Gesellschaft, den Desdemona fasst, ist eine heroische Entscheidung in ihrem Mut. Und doch erreicht das Thema Desdemonas Heldentum am Schauplatz ihres Todes seine größte Resonanz.

Diese letzten Worte Desdemonas sind die höchste Manifestation der Selbstlosigkeit in der Liebe. Desdemona verlässt dieses Leben durch Othellos Schuld, liebt ihren Mann jedoch weiterhin leidenschaftlich und versucht im letzten Moment, Othello vor der Strafe zu schützen, die für das von ihm begangene Verbrechen auf ihn zukommen sollte.

Es ist möglich, dass Desdemonas letzte Worte auch tiefe psychologische Implikationen haben: Im Wissen um ihre völlige Unschuld begreift Desdemona im Moment ihrer sterbenden Offenbarung, dass ihr Mann Opfer einer tragischen Wahnvorstellung war, und das versöhnt sie mit Othello.

Desdemonas Vertrauen in die Menschen macht sie zu einer leichten Beute für Jago, ihre Offenheit und Ehrlichkeit machen sie zu einem Gegenstand des Misstrauens in einer Welt, in der nur wenige Menschen das zu sein scheinen, was sie wirklich sind; Ihre Reinheit wird in einer Welt, in der fast jeder bedeutende Charakter das Zeichen der Korruption trägt, unweigerlich in Frage gestellt. Desdemona ist das komplette Gegenteil von Jago; Sie muss ihre Handlungen und Gedanken nicht verbergen. Und Othello glaubt Jago und verdächtigt Desdemona der Täuschung und Heuchelei. Der Mohr will Lügen aus der Welt vertreiben, doch stattdessen tötet er mit eigenen Händen einen Mann, für den die Wahrheit das höchste Gesetz ist.

Othellos Erkenntnis, dass in seiner Seele Chaos herrschte, bis diese Seele vom Licht der Liebe zu Desdemona erleuchtet wurde, kann in gewisser Weise als Schlüssel zum Verständnis der gesamten Geschichte der Beziehung zwischen den Hauptfiguren der Tragödie dienen.

Auf den ersten Blick kann man aufgrund der selbstbewussten, ruhigen und selbstbeherrschten Art, die Othellos Verhalten zu Beginn des Stücks kennzeichnet, nicht annehmen, dass in seiner tapferen Seele Raum für Zweifel und widersprüchliche Gefühle war. Bedenken wir jedoch, dass der Kontrast zwischen der äußeren Erscheinung eines Menschen und seinem inneren Wesen der gesamten Poetik von Shakespeares Tragödie zugrunde liegt. Als Kommandeur könnte Othello in der Tat ein Musterbeispiel an Selbstbeherrschung und Haltung sein – Eigenschaften, ohne die selbst der mutigste Soldat nicht von einem Marschallstab träumen kann. Aber wenn der Maure versuchen würde, sich an sein gesamtes Leben voller erbitterter Schlachten, glänzender Siege und bitterer Niederlagen zu erinnern, würde es ihm unweigerlich als chaotischer Haufen von Höhen und Tiefen erscheinen.

Und zusammen mit Desdemona trat eine bisher unbekannte Harmonie in das Leben des strengen Kriegers. Selbst die schlimmsten Gefahren und Widrigkeiten, die ihm widerfuhren, erschienen nun in einem anderen Licht vor ihm, denn für die Qual, die er einst ertragen musste, verliebte sich die schönste aller Frauen in ihn. In einem Meer des Bösen und der Gewalt entdeckte Othello die versprochene Insel – nicht nur eine Insel der Liebe, sondern eine Festung der Wahrheit, des Glaubens und der Aufrichtigkeit. Für Othello steht Desdemona im Mittelpunkt aller höchsten moralischen Werte, und daher übertrifft der Schlag, den Jago ausführt, in seinen Konsequenzen sogar die Erwartungen des Verleumders selbst. Nachdem er Desdemona diffamiert hatte, beraubte Jago Othello des Glaubens an die Menschen im Allgemeinen, und die Welt erschien erneut vor den Mauren in Form eines schrecklichen Chaos.

Je näher das Ende der Tragödie rückt, desto dichter wird die Dunkelheit, die fast körperlich spürbar ist. Auf den dunklen Straßen Zyperns kommt es um die Ecke zu Morden und Angriffen; und zu diesem Zeitpunkt schaltet Othello, der sich auf die Hinrichtung von Desdemona vorbereitet, das Licht in ihrem Schlafzimmer aus. Aber in Othellos Seele herrscht die schrecklichste Dunkelheit. Das verdunkelte Bewusstsein des Mauren malt ihm ein Bild der betrügerischen und verdorbenen Desdemona – ein Bild, das für Othello umso schrecklicher ist, als seine Liebe zu seiner Frau immer noch unermesslich ist. Was zuvor vor seinen Augen wie eine Festung der Güte und Reinheit erschien, stürzt in den Abgrund des Lasters, der das Chaos des Lebens beherrscht.

Das Thema Licht und Dunkelheit findet seine letzte und ausdrucksstärkste Verkörperung in Othellos Monolog, mit dem er das Zimmer betritt, in dem Desdemona schläft.

Eine Zeile vereint das Gewöhnlichste – schließlich machen die Menschen jeden Tag das Licht aus, pusten Kerzen aus – und etwas Übernatürliches, Schreckliches: die Idee, dass Othello einen unendlich geliebten Menschen töten muss, töten, in der Erkenntnis, dass er es mit dem Tod von Desdemona tun wird die einzige Quelle spirituellen Lichts verlieren, die die Dunkelheit der grausamen und heimtückischen Welt vertreiben konnte, die Othello seit seiner Kindheit umgab. Töte – und tauche in endlose Dunkelheit ein.

So entwickelt sich das Thema des Chaos organisch zum Thema von Othellos Selbstmord.

In Othello konzentriert seine leidenschaftliche Liebe zu Desdemona seinen ganzen Glauben an strahlende Ideale. Wenn Desdemona böse und bösartig ist, dann ist die Welt ein andauerndes, hoffnungsloses Königreich des Bösen. Wer wird auf dieser Welt bleiben, wenn Desdemona sie verlässt? Die Antwort gibt der wütende Othello selbst, der die Kontrolle über sich verloren hat, als er den ihn umgebenden Venezianern hasserfüllt ins Gesicht wirft: „Ziegen und Affen!“ Ist es vorstellbar, dass Othello nach Desdemonas Tod weiterhin in der Gesellschaft derer überleben würde, die er für Ziegen und Affen hält?

Das Gefühl, dass ein Leben ohne Desdemona unmöglich ist, entsteht in Othello schon viel früher als bei der Entscheidung, seine Frau hinzurichten. Zum ersten Mal denkt Othello, dass er Desdemona verlieren könnte, und ist bereit, sie wie einen ungezähmten Vogel freizulassen. Aber er weiß, dass er dazu die Fesseln brechen muss, die Desdemona festhalten.

So entsteht im Stück das Thema von Othellos Selbstmord. Es klingt immer noch vage und gedämpft, aber es ist das ferne Grollen eines Gewitters, das sehr bald über dem Kopf des Mauren ausbrechen wird.

Von großer Bedeutung ist die Tatsache, dass Othello schon lange vor dem Ende des Stücks an Selbstmord dachte. Trotz all ihrer Schönheit und sogar ihres Heldentums bleibt Desdemona nur ein Mittel in Jagos Kampf gegen Othello. Wie die Kritik zu Recht festgestellt hat, interessiert sich Jago praktisch nicht für das Schicksal Desdemonas oder interessiert ihn nur insoweit, als er die Heldin nutzen kann, um dem Mauren einen tödlichen Schlag zu versetzen. Der größte Erfolg, den Jago erzielt, ist nicht der Tod von Desdemona, sondern der Selbstmord von Othello, denn das Hauptthema der Tragödie ist die Geschichte, dass es den Mächten des Bösen gelang, Othello zu zerstören.

Jagos Erfolg zeigt, wie mächtig das Böse war, das in den Tiefen der venezianischen Zivilisation lauerte. Und der Tod der Helden macht das Stück um Othello zu einer der schwierigsten Tragödien Shakespeares.

Und doch lässt uns dieses Werk nicht mit der pessimistischen Überzeugung zurück, dass das Gute im Zusammenstoß mit dem Bösen zunächst und unweigerlich zur Niederlage verurteilt ist.

Othellos sterbende Einsicht, seine Rückkehr zum Glauben an hohe Ideale, der Glaube an die Realität der Existenz von Ehrlichkeit, Hingabe, Reinheit, Selbstlosigkeit, Liebe – das ist weniger ein Sieg als vielmehr Othellos Erlösung.

Die wahre Triumphatorin in der Tragödie des venezianischen Mauren, die Siegerin von Jago und die Retterin von Othello ist Desdemona. Mit ihrem gesamten Bühnenleben widerlegt die junge Heldin Jagos abscheuliche Philosophie. Gerade im Bild von Desdemona liegt die wichtigste, tiefe Quelle des Optimismus, der das Ende der dunklen Tragödie beleuchtet.

Shakespeare zeigt, dass die Ideale von Wahrheit und Adel eine Realität sind; Aber die bloße Existenz von Idealen unter den Bedingungen der venezianischen Zivilisation ist tödlich bedroht. Und auf jeden Fall ist die Welt der egoistischen Egoisten stark genug, um mit bestimmten Trägern dieser hohen Ideale fertig zu werden.

Nachdem Shakespeare der Welt von dem tragischen Schicksal erzählt hatte, das den Helden seines Stücks widerfuhr, schien er seinem Publikum zu sagen: Ja, Ideale existieren, ihr Triumph ist möglich, aber nicht unter den Bedingungen dieser Zivilisation. So wächst das Problem des Optimismus organisch zum Problem der Utopie heran, in der der Träger der höchsten Werte ein schwarzer Krieger ist, der sowohl seiner Seelennatur als auch seiner Herkunft nach einer zivilisierten Gesellschaft fremd ist, dem Hauptprinzip von was in den Worten von Jago zum Ausdruck kommt: „Steck Geld in deine Brieftasche.“ Und es stellt sich heraus, dass die einzige wahre Verbündete des Mauren eine Frau ist, die mit der venezianischen Gesellschaft bricht. Das Glück dieser schönen Menschen, die Harmonie ihrer reinen und wahrhaftigen Beziehungen – Harmonie, ohne die sie nicht existieren können – ist möglich. Aber die Sphäre des Glücks, die Sphäre des Triumphs hoher Ideale ist nicht das zivilisierte Venedig, sondern das utopische Königreich des „natürlichen Menschen“.

Shakespeares Tragödie erfüllt die Herzen des Publikums mit Hass auf die Gesellschaft, die Othello und Desdemona zerstört – eine Gesellschaft, die wegen ihrer geschäftsmäßigen, selbstsüchtigen Verderbtheit schrecklich ist und in der sich Jago wie ein Fisch im Wasser fühlt. Aber es weckt auch den Stolz auf die Menschheit, die Menschen wie Othello und Desdemona hervorbringen kann.

Das ist die große Kraft von Shakespeares Tragödie, die ihr einen jahrhundertelangen Siegeszug über die Bühnen der ganzen Welt eröffnete.

Othello gilt als sein bestes Werk. Die Handlung ist klar strukturiert, die Ursache-Wirkungs-Zusammenhänge logisch und die Ereignisse konsistent. Dies ist eine realistische Tragödie des Autors, die das Vorhandensein eines magischen Elements ausschließt und die reale Welt beschreibt. Die Charaktere sind authentisch und repräsentieren Menschen ohne magische Eigenschaften.

William Shakespeare wurde zum Autor eines perfekten Werkes für die Zeit, in der er arbeitete. Die Innovation des Stücks von 1604 lag im Fehlen eines Bezugs zu antiken und mittelalterlichen Motiven. Der Schauplatz war Venedig, eine moderne und beliebte Stadt der beschriebenen Zeit.

Geschichte der Schöpfung

Der Autor verwendete historische Daten und stellte sie mit Fiktionen zusammen. Die Stücke basierten auf Sagen, Gleichnissen und Seemannsgeschichten. Othello ist ein klares Beispiel für diese Tatsache. Der venezianische Mohr, der zu einer Schlüsselfigur der Geschichte wurde, war in Wirklichkeit hellhäutig.

Der Prototyp der Figur war der italienische Soldat Maurizio Othello, der von 1505 bis 1508 die Truppen auf Zypern befehligte. Der Mann war verheiratet. Seine Frau, die ihn während des Krieges begleitete, kehrte nicht nach Hause zurück. Einwohner Zyperns zeigen noch immer Othellos Schloss in Famagusta, wo er der Legende nach erwürgt wurde.

Othellos Prototyp eines Schlosses in Famagusta, Zypern

Es gibt eine alternative Version des Schreibens der Tragödie. Demnach stützte sich Shakespeare auf die Handlung von Giambattista Cintios Kurzgeschichte mit dem Titel „Der Mohr von Venedig“. Im Jahr 1566 erregten Charaktere, die möglicherweise zu Prototypen der Charaktere in Shakespeares Werk geworden waren, die Aufmerksamkeit des Publikums. Die Handlung von Cintios Schöpfung ähnelt der Handlungsbeschreibung bei Shakespeare.

Einer der Unterschiede für den Autor, der diese Geschichte zum ersten Mal der Welt erzählte, war das Erscheinen eines Kindes im Stück, das Desdemonas Taschentuch stiehlt. Shakespeare schreibt, dass Desdemona selbst die Gabe verliert. Der „Pionier“ sprach auch über den Tod der Hauptfigur durch die Verwandten seiner Frau, und in Shakespeare begeht Othello Selbstmord.

Die Besonderheit von Shakespeares Werk liegt darin, dass das Hauptleitmotiv der Handlung soziale Beziehungen sind, die durch Herkunft und Vorurteile gegenüber ihr geschaffene Barrieren durchbrechen. Als Angehöriger einer anderen Rasse wird Othello zu einem Fremden in der Gesellschaft, ungeachtet seiner Leistungen und seines Dienstes für den Staat. Für eine Gesellschaft, die erst kürzlich von den Klassen befreit wurde, ist wahre Freiheit nicht möglich.

Bild und Handlung

Das Stück spielt in Venedig. Die Hauptfiguren sind der Heerführer Othello, seine Frau Desdemona und Sekretär Jago. Der Mohr lernt Brabantios Tochter Desdemona kennen und verliebt sich in sie. Ihre Verbindung ist für die Familie des Mädchens abscheulich, und die heimliche Hochzeit legt nahe, dass Othello Desdemona gewaltsam zur Frau nahm. Nachdem er einer abgelegenen Garnison zugeteilt wurde, verlässt der Held diese mit seiner Frau. Jagos Sekretärin und Roderigos Assistentin planen, Othello aus dem Amt zu stürzen. Die Männer verleumden Desdemona und versichern dem Chef, dass das Mädchen ihn mit ihrem Untergebenen Cassio betrügt.

Die kleinlichen Intrigen, die Jago schmiedet, beweisen dem Mauren, dass seine Frau ihm untreu ist. Der Beweis für den Verrat ist Desdemonas Taschentuch, das Jago Desdemonas „Geliebtem“ unterlegte. Er rät Othello, seine Frau zu erwürgen. Die Untergebenen Othello, Cassio und Rodrigo geraten in das Netz der listigen Sekretärin. Eine große Täuschung führt zum Tod von Militärangehörigen.

Im Ehebett versucht Othello, Desdemona zur Reue für ihre Sünden zu zwingen, doch das Mädchen bleibt hartnäckig und gibt nicht zu, was nicht geschehen ist. Der Mohr erwürgt seine Frau und ersticht sie anschließend. Bei der Ankunft der Wachen enthüllt Jagos Frau seine Pläne und stirbt durch die Hand ihres Mannes. Othello begeht Selbstmord.

Die Hauptfigur ist der maurische Kommandant – ein edler Mann, der zu reinen Gedanken, mutigen Taten und wahren Gefühlen fähig ist. Das Bild von Othello ist die Verkörperung des Renaissance-Ideals. Der Held strebt nach einem harmonischen Zusammenleben von Geist und Herz.

Nicht umsonst fühlt sich Othello in Venedig wie ein Fremder. Als Angehöriger einer anderen Rasse wird er trotz Desdemonas allumfassender Liebe von der Gesellschaft nicht akzeptiert. Der imaginäre Verrat seiner Frau in den Augen des Helden ist eine Bestätigung dafür, dass er nicht in die Welt passt, zu der er gehören möchte. Jago überzeugt den Chef davon, dass die Liebe zu einer schönen Frau von adliger Herkunft Othello nicht zu einem vollwertigen Mitglied der Gesellschaft macht. Seine Heldentaten bleiben unbeeindruckt und sein gefährdetes Leben bedeutet für seine Mitmenschen nichts.

Othellos Eifersucht ist nicht das Gefühl eines beleidigten Mannes, sondern ein tiefes mentales Trauma, das mit der sozialen Ordnung verbunden ist. In Desdemona sah der Held eine Kombination von Idealen, die durch den angeblichen Verrat verunglimpft und zerstört wurden. Glaube ist die Hauptkategorie für den Charakter. Nachdem er sich seiner Geliebten offenbart hatte, vertraute er ihr. Zum Zeitpunkt der Ermordung seiner Frau erlebt Othello einen starken intrapersonalen Konflikt. Die Liebe zu seiner Frau und der Gedanke an Täuschung kämpfen in ihm. Im Kampf zwischen Verstand und Herz gewinnt die Vernunft. Desdemonas Tod stellt das moralische Gleichgewicht in einer Welt wieder her, in der es Helden gibt.

Verfilmungen

Die Handlung von Shakespeares Stück bildete die Grundlage für viele Filme. Dank der vom Dichter beschriebenen komplizierten Kollisionen und Wendungen erhielten die Produzenten Stoff für Filminterpretationen. Der Film Othello wurde erstmals 1906 dem Publikum gezeigt. Die Schauspieler und Rollen waren für das Publikum neugierig und das Kino steckte damals noch in den Kinderschuhen.

In der Zeit von 1906 bis 1922 kamen fast jedes Jahr neue Verfilmungen des Stücks auf die Kinoleinwände. In den 1950er Jahren erschienen die ersten Videoaufzeichnungen von Fernsehproduktionen und Opernaufführungen zu dieser Handlung. Zu den berühmten Darstellern der Rolle des Othello zählen diejenigen, die die Rolle im gleichnamigen Film spielten, der 1955 bei Mosfilm gedreht wurde, und der 1965 in der Rolle des Mauren auftrat.

1976 porträtierte er den berühmten Kommandanten auf der Opernbühne. Er spielte diese Rolle häufiger als andere Opernkünstler. 1981 beschloss er, den Helden vor der Kamera zu verkörpern.

Die Verschwörung eines eifersüchtigen Mannes, der aufgrund seiner eigenen Zweifel seine geliebte Frau töten könnte, ist auch heute noch aktuell. Sie inspirieren Theaterschaffende und Kameraleute. Die Lieblingsaufführung des Moskauer Publikums ist „Othello“, in dem er die Hauptrolle spielt.

Das Stück Othello ist eines der am meisten visualisierten Werke Shakespeares. Im Repertoire eines jeden Schauspielhauses finden Sie eine Aufführung, die auf einer Tragödie basiert. Es ist in der Liste der am meisten untersuchten literarischen Werke enthalten; Experten weisen darauf hin, dass sich die Leser oft irren und einige Fakten der Geschichte falsch interpretieren. Viele sind sich zum Beispiel sicher, dass Othello Desdemona erdrosselt hat. Aber wenn man die Bemerkungen liest, wird klar, dass der Maure dies nicht schnell tun konnte und aus Mitleid mit seiner Frau sie mit einem Dolch erstach.

Maxim Averin im Stück „Othello“

Wer sich nicht an den Text des Stücks erinnert, ist sich sicher, dass der berühmte Satz „Der Mohr hat seine Arbeit getan, der Mohr kann gehen“ von Othello stammt. In Wirklichkeit handelt es sich dabei um einen Satz aus dem Werk „Die Verschwörung des Fiesco in Genua“ aus dem Jahr 1783.

William Shakespeare kannte das Rezept für ein erfolgreiches literarisches Werk. Er schrieb Othello im Jahr 1604, als die militärischen Ereignisse auf Zypern dem Publikum noch in frischer Erinnerung waren. Somit fügte der Autor einen Kontext hinzu, der sicherlich die Aufmerksamkeit des Publikums erregen würde.

Zitate

Shakespeare bestätigt mit ähnlichen Bemerkungen das positive Wesen der oft negativ wahrgenommenen Hauptfigur:

„Sie hat sich wegen meiner Qual in mich verliebt,
Und ich gebe ihr – für mein Mitgefühl für sie.“

Dem Mauren, der Vertrauen und Reaktionsfähigkeit schätzt, bleibt die Aufmerksamkeit nicht gleichgültig. Die majestätische Natur des Helden wird durch den Satz betont:

„Ehre ist etwas, das viele, die sich damit rühmen, nicht haben.“

Von schrecklichen Vermutungen geplagt, zweifelt Othello am Verrat seiner Frau. Seine zahlreichen Bemerkungen wie:

„Aber die Geister der Lüge, die unseren Tod vorbereiten, locken uns zunächst mit dem Schein der Wahrheit“, demonstriert der Autor die spirituelle Verwirrung des edlen Helden.

Nach und nach greifen innere Dämonen Othello an, und Jago nutzt die wackelige Harmonie in den familiären Beziehungen der Helden aus und schafft es, Othello gegen seine Frau aufzubringen. Der Autor stellt richtig fest:

„Zweifel flammen nicht plötzlich auf, sondern langsam, wie Schwefel unter der Erde.“

Dieser philosophische Gedanke ist auch heute noch aktuell.

Die Hauptdiskrepanz zwischen den Werken liegt im Konfliktgrund: In Cintio liebt der Fähnrich Disdemona und rächt sich aus Eifersucht sowohl an ihr als auch an Mavra; In Shakespeare hasst Jago Othello wegen seines verlorenen Offizierspostens und des Verdachts, dass Emilia ihn mit dem Mauren betrogen hat. Ein Schal mit einem charakteristischen arabischen Muster, den die Hauptfigur seiner Frau als Hochzeitsgeschenk schenkt, wird in beiden Geschichten zum Hauptbeweis für Desdemonas Verrat: Nur von Cintio wird er von der dreijährigen Tochter des Fähnrichs gestohlen. und in Shakespeare verliert die Venezianerin selbst das Ding, das Emilia dann als treue Ehefrau Jago stiehlt. Der Mord an Desdemona im italienischen Roman wird vom Fähnrich begangen. Er entwickelt auch seinen Plan: die unglückliche Frau mit einem mit Sand gefüllten Strumpf zu schlagen und dann die Decke über ihren Körper zu stürzen. Shakespeares Othello geht als edler Held, der seine verletzte Ehre rächt, selbstständig mit seiner Frau um, tötet sie zunächst und ersticht sie erst dann, damit sie nicht leidet. Der Tod des Mauren in Cintio erfolgt durch Disdemonas Verwandte; in Shakespeare nimmt sich der Held das Leben, weil er erkennt, dass er einen unverzeihlichen Fehler begangen und das Einzige zerstört hat, wofür es sich zu leben lohnt.

Künstlerisch Bilder von Helden Tragödien sind lebendig, hell und realistisch. In jedem von ihnen finden sich sowohl positive als auch negative Merkmale. Die reinste Heldin des Werkes - Desdemona und sie ist laut englischen Literaturwissenschaftlern nicht ohne eine Tendenz zur Täuschung: ihr Vater – in dem Moment, als sie das Haus ihres Vaters verlässt und in die Arme des Mauren Othello läuft – als sie nicht zugibt, dass sie sie verloren hat Taschentuch, Emilia, die überzeugt ist, dass sie selbst die Mörderin ist. Die erste Täuschung der Venezianerin ist auf Liebe zurückzuführen, die zweite auf Angst und Unwilligkeit, ihren geliebten Ehemann zu verärgern, und die dritte ist ein Versuch, Othello zu beschützen. In der Zwischenzeit greift Jago in seinem grausamen Spiel auf die erste Täuschung (des einst geliebten Vaters) zurück und überzeugt den Mauren davon, dass, wenn Desdemona ihre elterlichen Gefühle vernachlässigen könnte, sie nichts davon abhalten würde, dasselbe mit den Gefühlen ihres Mannes zu tun .

Charakter von Jago ist eine Kombination aus listiger Grausamkeit und unglaublicher Logik, die alle seine Handlungen begleitet. Der Leutnant berechnet jeden Schritt im Voraus und lässt sich bei seinen Machenschaften von der genauen Kenntnis der psychologischen Eigenschaften der Menschen leiten, mit denen er spielt. Er ertappt Rodrigo in seiner leidenschaftlichen Liebe zu Desdemona, Othello in der Angst, die Harmonie zu verlieren, die er in seiner Beziehung mit der Venezianerin gefunden hat, Cassio in Freundlichkeit und natürlicher Naivität, Emilia in Schwäche.

Jagos Unmoral stößt auf keine Hindernisse, da er mit Menschen kommuniziert, die moralisch rein sind und sich nicht vorstellen können, dass jemand (insbesondere ein enger Freund) zu Lügen, Verleumdung und Verrat herablassen könnte. Gleichzeitig versucht jeder der Helden regelmäßig, die Worte und Taten des Leutnants zu verstehen (Rodrigo verdächtigt ihn mehrmals, sein gegebenes Wort verraten zu haben, Othello widersetzt sich lange Zeit der Idee, Desdemona zu verraten, inspiriert von Jago, Emilia versucht herauszufinden, warum ihr Mann den Schal ihrer Herrin braucht, Cassio lehnt das Getränkeangebot des Leutnants ab), doch Jago vereitelt jeden Versuch, ihn ans Licht zu bringen, mit einem neuen Trick. Das Arsenal des Leutnants umfasst fiktive Geschichten (die Geschichte, wie Cassio im Schlaf mit Desdemona sprach), gestohlene Gegenstände (Othellos Taschentuch, das seiner Frau abgenommen wurde) und das Spielen mit den Leidenschaften anderer Menschen (Rodrigos Wunsch, Desdemona zu besitzen, Cassios Unfähigkeit, mit dem Trinken aufzuhören). , Aufbau eines Gesprächs durch Auslassungen und Auslassungen (um dem Gespräch ein Gefühl von Authentizität und Wahrhaftigkeit zu verleihen), Ausgabe einiger Fakten als andere (Jagos Gespräch mit Cassio über Bianca, das Othello auf Kosten von Desdemona führt), physische Eliminierung von Personen, die a darstellen Gefahr für seine Machenschaften (Tötungsversuch von Cassio durch Roderigo, Ermordung von Rodrigo, Angriff und anschließende Ermordung seiner Frau Emilia).

Jago reicht es nicht, sich allein an Othello zu rächen: Gleichzeitig will er auch Roderigo ausnutzen, Cassio aus dem Weg räumen und Desdemona vernichten, deren Existenz seine Vorstellungen vom weiblichen Wesen verabscheut. Letzteres kommt am deutlichsten im Gespräch der Venezianerin mit Emilia zum Ausdruck: Desdemona glaubt nicht, dass Frauen ihre Männer betrügen können, während Jagos Frau glaubt, dass Frauen genauso gebaut sind wie Männer und dementsprechend nichts sie daran hindert, sich zu benehmen ähnlich. Emilia sieht nichts Schlimmes im Verrat, wenn ein Mann seine Frau verlässt oder ihren Mann betrogen hat, wird einer Frau eine ganze Welt geboten, in der sie ihrer Tat jede gewünschte Farbe verleihen kann. Diese Schlussfolgerung (listig, subjektiv gefärbt) ähnelt in ihrer Natur den Positionen, die Jago im gesamten Stück zum Ausdruck bringt: Sie ist logisch wahr, aber im Wesentlichen falsch.

Othello begeht den Mord an Desdemona, aber die Verantwortung dafür liegt bei Jago. Der Mohr liebt seine Frau bis zuletzt und versucht, sogar, wenn er sie tötet, alles sorgfältig zu tun – ohne ihr zusätzlichen Schaden zuzufügen, ohne sie leiden zu lassen. Der Tod von Desdemona ist für Othello schrecklich, aber notwendig: Ein zusammengebrochenes Ideal, so der Mohr, kann in keiner Form auf der Welt existieren. Die Tragödie von Othello ist nicht die Eifersucht, die normalerweise im Zusammenhang mit diesem Stück von Shakespeare diskutiert wird. Othellos Tragödie liegt im Verlust der Harmonie und der Zerstörung des ihn umgebenden Lebensraums.