Zusammenfassung zum Thema:
Wladimir Majakowski
(1893 - 1930)
Die Figur ist in der Weltliteratur mehrdeutig. Der Dichter begann seine Reise mit einer Rebellion gegen die alte Welt.
Vladimir Vladimirovich Mayakovsky wurde am 19. Juli 1893 im georgischen Dorf Bagdad in der Familie eines Försters geboren. Mutter war von den Bauern von Cherson. Dies veranlasste den Dichter später, über seine Herkunft zu schreiben:
ich
vom Großvater-Urgroßvater - Kosake,
auf der anderen Seite - sechevik,
und in Georgien
Leben
gestartet.
(Übersetzung M. Wünschenswert)
Ab 1902 studierte er am örtlichen Gymnasium und dann in Moskau, wohin die Familie nach dem Tod seines Vaters zog. Mit 15 Jahren verließ er die Schule und begann revolutionäre Aktivitäten, für die er dreimal hinter Gittern landete. 1911 Rückkehr zum Studium - an der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur. Gleichzeitig schloss er sich den Futuristen an.
Avantgardisten, darunter V. Mayakovsky, betrachteten ihre Arbeit als ästhetische Revolution - eine Analogie zur sozialen Revolution. Daher ist das Vermächtnis des Dichters von aktiver Innovation auf dem Gebiet der poetischen Sprache, des Verssystems und der Genres geprägt. Er nannte seine Gedichte oft "Schritte in die Zukunft".
Der Dichter ergab sich mit Freude den zerstörerischen revolutionären Elementen. Während des Bürgerkriegs (seit Oktober 1919) arbeitete er an den Fenstern der Satire ROSTA (Russische Telegrafenagentur), zeichnete nachts Weinen und schrieb kurze Gedichte darauf, damit die Leute morgens in den Schaufenstern der Geschäfte lasen:
Die Werke der ersten Jahre der Revolution (das Gedicht „150.000.000“, das Theaterstück „Mystery – Buff“, die Gedichte „Linker Marsch“, „Ode an die Revolution“, „Unser Marsch“) sind vom Glauben an den Sieg durchdrungen der Ideen einer neuen Gesellschaft, die nach den Gesetzen der Brüderlichkeit und Gerechtigkeit aufgebaut ist:
Angriff mit Lava!
Kämpfe mit dem Himmel um das Glück der Erde!
Wer tritt da hin?
Links!
Links!
Links!
(Übersetzung Ja. Drobyazko)
V. Mayakovsky betrachtete sich als "Agitator, lautstarken Anführer", der sich nicht gegen die Menge stellt, sondern ein Teil von ihr ist, ein Arbeiter, seine Stimme. Die Menge, die die Idee hatte, eine neue Gesellschaft aufzubauen, wurde zu einem Volk.
Eine neue Welle des Patriotismus überschwemmte den Dichter, nachdem er in die Länder des Westens gereist war. Ab 1922 überquerte er neunmal die Grenze der UdSSR. Deutschland, Frankreich, Mexiko, Amerika erweckten im Dichter antagonistische Gefühle: Er verurteilte Profit, Ausbeutung, Rassismus. Technische Ausstattung, die Wunder der amerikanischen Architektur betonten nur die Widersprüche der bürgerlichen Welt, die sich in den Gedichten "Hlarochos in the cut", "Broadway", "Black and White" manifestierten.
Das erste Werk "Night" (1912) wurde in der Sammlung "Neglect of Public Tastes" veröffentlicht - ein poetisches Manifest russischer Futuristen, die sich selbst zu den Schöpfern der Kunst der Zukunft erklärten und alles leugneten, was in der Vergangenheit geschaffen wurde. Eine neue Kultur hinter den Manifesten der "Budetlyans" (wie sie sich selbst nannten) entstand auf den Ruinen der alten Kultur, alten Moral, alten Gesellschaft. Rebellion gegen alles Akzeptierte entsprach dem Charakter des jungen V. Mayakovsky, eine kraftvolle Natur suchte nach neuen Ideen und ungewöhnlichen künstlerischen Formen. Dies ist das erste Werk von V. Mayakovsky, das sich von seinem weiteren Werk insbesondere in der Versifikation unterscheidet und auf ideologischer Ebene eine Manifestation der Sympathien und Antipathien des Dichters, seiner Weltanschauung, darstellt. Der Autor porträtierte die nächtliche Stadt als Kampf zwischen Dunkelheit und Licht. Menschen und der Dichter sind in diesen Kampf verwickelt. Der Dichter und die Menge sind ein alter Gegensatz in der poetischen Welt, aber in V. Mayakovsky ist der Dichter der Antipode und gleichzeitig die Stimme und das Herz der Bewohner der Straßen und Plätze.
Der lyrische Held des Gedichts ist ein Kind der nächtlichen Stadt, er folgt den Farbwechseln, die übrigens sehr ausdrucksstark sind (rot, weiß, blau, gelb), der Bewegung von Menschen, die sich hinter der Tür verstecken die Nacht und schenkt ihnen ein "Lächeln in den Augen". Doch als Antwort hört er nur das Gelächter einer Bude und bleibt allein.
Rot und Weiß verworfen, Summen
Handvoll Dukaten wurden ins Grüne geworfen,
und zu den schwarzen Tälern der zusammengesetzten Fenster
brennende gelbe Karten verteilt.
Boulevards und Plätze waren keine Überraschung
sehen Sie blaue Togen an den Gebäuden.
Und die, die wie gelbe Wunden liefen
Sie legen Armbänder an ihre Füße.
(Übersetzt von A. Ngkolenko)
Das Gedicht kann als eine erweiterte Metapher der Nachtstadt betrachtet werden. Die Fenster leuchten, der Dichter vergleicht mit Palmen, denen brennende gelbe Karten gegeben wurden: „Dieser Vergleich baut auf Assoziationen auf, die das Leben einer nächtlichen Stadt hervorruft. V. Mayakovsky hasste als Futurist Philistertum, Sattheit, Zeitverschwendung.
Das Metrum, in dem der Vers geschrieben ist, ist Amphibrach, klassisches Metrum, später gab der Dichter das klassische Metrum auf und wechselte zur Tonika-Versifikation.
Der Dichter nahm die futuristische Philosophie der Einwände und des Kampfes zum Programm seines eigenen Lebens und Schaffens. In einen gelben Pullover oder eine orangefarbene Jacke gekleidet, las er seine Gedichte.
In Versen aus der Zeit 1912-1916. ("Nate!", "Auf dich", "Hör zu!", Die Gedichte "Eine Wolke in Hosen", "Krieg und Frieden") klangen eine Herausforderung an die alte Welt, der Dichter beschuldigte die Menge des Mangels an Spiritualität, Passivität Seine Gleichgültigkeit rief zum Kampf auf. Unter dem Einfluss revolutionärer Ideen nahm die gesichtslose Masse als Symbol des philisterhaften alten Lebens die Züge eines Klassenfeindes an – des Ausbeuters der arbeitenden Massen, kurz – des Bourgeois. Am Vorabend der Oktoberereignisse von 1917 schrieb Mayakovsky Zeilen, die zu einem Volkssatz wurden:
Ananas essen, Auerhahn kauen,
Dein letzter Tag kommt, Bourgeois!
Majakowski betrachtete sein Werk als ästhetische Revolution – eine Analogie zur sozialen Revolution.
Er nannte seine Gedichte oft "Schritte in die Zukunft".
Der Dichter ergab sich mit Freude den zerstörerischen revolutionären Elementen.
Während des Bürgerkriegs arbeitete er bei den "Fenstern der Satire ROSTA (Russische Telegrafenagentur)", zeichnete nachts Weinen und schrieb kurze Gedichte darauf, damit die Leute morgens in den Schaufenstern der Geschäfte lasen:
Kultur - Kommune! Wir sind Baumeister!
Werke der ersten Jahre der rev. (das Gedicht "15.000.000"), das Stück "Mystery - Buff", die Gedichte "Left March") sind vom Glauben an den Sieg der Ideen einer neuen Gesellschaft durchdrungen, die nach den Gesetzen der Brüderlichkeit und Gerechtigkeit aufgebaut ist.
Angriff mit links! Majakowski sah sich als Agitator, der sich nicht gegen die Menge stellte, sondern Teil von ihr war, ein Arbeiter, seine Stimme.
Eine neue Welle des Patriotismus überschwemmte den Dichter, nachdem er in die Länder des Westens gereist war. Seit 1922 überquerte er neunmal die Grenze. Deutschland, Frankreich, Mexiko, Amerika erweckten im Dichter antagonistische Gefühle: Er verurteilte Profit, Ausbeutung, Rassismus. Technische Ausstattung, die Wunder der amerikanischen Architektur betonten nur die Widersprüche der bürgerlichen Welt, die sich in den Gedichten "Skyscraper in Section", "Broadway", "Black and White" manifestierten.
V. Mayakovsky erlangte immense Popularität.
Kürzlich wurde bekannt, dass V. Mayakovsky in den letzten Jahren seines Lebens begann, die erzwungene, künstliche Natur seiner Werke zu erkennen. In den Entwürfen fand sich ein bitteres Geständnis, dass er "seinem eigenen Liedgut auf der Kehle steht". Als Antwort auf sein Gedicht "Gut!" Ich wollte einen neuen schreiben - "Bad!".
Die Übertreibung der Weltanschauung des Dichters half ihm bei seiner Arbeit, störte aber sein Leben. Er strebte nach großem Glauben, universeller Anerkennung, kosmischer Liebe. In der Geschichte wird Lilia Brik neben seinem Namen erwähnt. Es war ihr poetischer Name, auf den sich V. Mayakovsky reimte, ihr widmete er die meisten seiner Werke, es waren ihre Initialen, wie absichtlich für V. Mayakovskys subtiles poetisches Ohr, die das Wort LIEBE bildeten. Sie trafen sich im Sommer 1915. Zu dieser Zeit war L. Brik verheiratet, was ihre Beziehung erschwerte. V. Mayakovsky und Briki fanden einen ungewöhnlichen Ausweg aus der pikanten Situation: Sie einigten sich auf ein "Liebesdreieck" und gründeten eine neue Familie. Osip Brik, der seine Frau sehr liebte, wählte die Rolle eines Freundes und Beraters. Übrigens war er es, der zuerst begann, die Verse des Dichters zu studieren, ihm half.
Die sowjetische Kritik schwieg über das Familienleben von V. Mayakovsky und glaubte, dass es den Dichter kompromittiert. Aber jetzt ist dies ein Versuch, die Frage zu beantworten: "Was steckt mehr in der Familienunion von V. Mayakovsky und Brikiv - ein echtes Gefühl oder eine futuristische Erklärung?"
Anscheinend nicht ohne Grund, laut L. Brik, Chernyshevskys Buch "Was tun?"
Viele Fakten zeugen von der wahren Zärtlichkeit und dem Vertrauen in ihrer Beziehung. Lile Brik, nannte der Dichter seine einzige Frau; Trotz der Tatsache, dass andere Hobbys in seinem Leben auftauchten - Ellie Jones, Tatyana Yakovleva, Veronika Polyanskaya - kehrte Mayakovsky immer zu Lily zurück. In seinem Abschiedsbrief an die Regierung erkannte der Dichter Brikiv als seine Familie an.
Laut der offiziellen Version, die viele Zweifel aufkommen lässt, erschoss sich der Dichter am 14. April 1930, als Brikiv nicht in Moskau war, und ließ Mayakovsky wiederholen: „Wenn es Lilya gegeben hätte, wäre dies nicht passiert ...“. Kugel, die sein Leben beendete - immer noch ein Rätsel. Warum tat der Dichter, der den Selbstmord von S. Yesenin (übrigens äußerst vage) verurteilte, angeblich dasselbe? Es gibt viele Versionen, aber eines ist klar: Er verlor allmählich das Vertrauen in seine Ideale (die Arbeit der letzten Jahre ist überwiegend satirisch); Darüber hinaus war Selbstmord eines der Hauptmotive in Majakowskis Leben. Laut L. Brik war es wie eine chronische Krankheit, er versuchte mehrmals zu sterben... und eines Tages endete es tragisch.
Nach dem Tod des Namens V. Mayakovsky wurde er erneut zum Gegenstand eines politischen Spiels. 5 Jahre nach dem tragischen Schuss erklärte Steel V. Mayakovsky zum „besten Dichter der Ära“. Der große Rebell war in Bronze gekleidet, hatte scharfe Ecken geebnet, und seine Arbeit wurde in Zitate zerrissen, die, wie sie heraushoben, den für die Behörden notwendigen Eindruck machten.
Die Werke von V. Mayakovsky sind zeitlos. Hinter dem Dröhnen und den Explosionen der Rhythmen kann man sowohl seine Ära als auch die Seele des Dichters erkennen.
Kurze Beschreibung der einzelnen Werke. Majakowski
"Könnten Sie?" (1913)
Es gibt zwei Arten von Vokabeln in diesem Vers:
1) Wörter, die die Welt des Alltags darstellen, ohne jeden Zweck (Farbe, Glas, Zinnfisch, Alltag);
2) Wörter, die die Existenz einer anderen Welt symbolisieren - schön und spirituell (Nocturne, Flöte, Ozean, Cliquen).
Daher ist die Hauptsache in der Arbeit der Konflikt zweier Welten - der ungeistlichen und der geistigen, die in die psychologische Sphäre übertragen werden.
Der lyrische Held erlebt die Unvollkommenheit der Wirklichkeit als sein persönliches Drama und als Antrieb zum Handeln. Er ist unzufrieden mit der spießbürgerlichen Routine, deshalb versucht er alles durch die Kraft seines Willens, seiner Kreativität und seiner Fantasie zu ändern.
"Ich habe sofort die Landkarte des Alltags durchgestrichen ..."
Das Hauptmotiv des Gedichts ist der Wunsch, die Welt zu verändern, die Suche nach einem spirituellen Ideal im Leben. Aber es genügt dem Helden nicht, dass er selbst gegen das Überholte und Unvollkommene rebelliert, er braucht die ganze Menschheit, um einen Kampf gegen Geisteslosigkeit, Philistertum und Vulgarität aufzunehmen.
Die Frage ist, was sein Dichter in Titel und Finale des Werkes steckt.
("Könnten Sie ein Nocturne auf einer Pfeifenflöte spielen?")
erfordert keine Antwort - es ist rhetorisch, erfordert aber Taten. Diese Frage teilt die Menschen in wohlgenährte, gleichgültige und diejenigen, die den Alltag neu, hell und unerwartet gestalten können.
Die Haupttropen sind Metaphern und Epitheta (er hat die Landkarte des Alltags beschmiert, Wangenknochen des Ozeans, fordert neue Lippen). Die Pronomen "ich" und "du" werden oft verwendet, nach dem Kontrastprinzip miteinander verbunden und symbolisieren die für die frühe Poesie von V. Mayakovsky traditionelle Antithese "Dichter - Menge".
"Hör mal zu!" (1914)
V. Mayakovsky befasst sich mit dem Thema des Zwecks eines Menschen, der Bedeutung seiner irdischen und stellaren Existenz und argumentiert, dass ein Mensch nicht ohne Schönheit leben kann, die von exzentrischen Dichtern geschaffen wird.
Hör mal zu!
Wenn jemand schon die Sterne angezündet hat -
Gibt es also einen großen Bedarf dafür?
Also - jemand will, dass die Sterne leuchten?
Also - wer nennt diese Spucke Perlen?
Der lyrische Held des Gedichts ist ein solcher Dichter, für den es keine zeitlichen und räumlichen Grenzen gibt, er bricht in Gott hinein, er ist beteiligt am Leuchten der Sterne. Gleichzeitig spürt man seine Einsamkeit, Wehrlosigkeit, „sternenlose Qual“, ein Missverständnis, ein akutes Bedürfnis nach Träumen, Schönheit, Sternen.
V. Mayakovskys Versexperimente trugen zur Schaffung eines originellen Systems bei, das nur ihm eigen ist. Dies ist eine neue grafische Aufzeichnung von Gedichten - eine "Leiter", die Aufmerksamkeit auf einzelne Wörter und ungewöhnliche Reime lenkt.
Der Dichter erkannte keine vollständigen Reime, wenn Wörter, Wortarten zusammenfallen, keine traditionellen Reime verwendeten. Er reimte verschiedene Wortarten, bildete Reime in der Mitte einer Zeile, phonetische Reime (wenn nicht alle Laute zusammenpassen). In seinen Gedichten konnten Zeilenanfang und -ende und sogar Wörter, die zu verschiedenen Strophen gehören, reimt werden.
Sein Vers baute nicht auf der ständigen Pflicht betonter und unbetonter Silben auf, sondern auf der Anzahl der Betonungen.
Solche Verse werden Tonika genannt und in der mündlichen Volkskunst verwendet, aber Mayakovsky hat sie verbessert. Die Anzahl der Spannungen in den Leitungen war nicht gleich. Der innovative Dichter kennt nicht die traditionelle Einteilung von Gedichten in Strophen von 4 oder 6 Zeilen, seine Strophen haben beliebig viele Zeilen.
"Lilichko! Anstelle eines Briefes" (1916)
Das Gedicht ist Lily Brik gewidmet, die V. Mayakovsky sehr liebte und zu der er in verschiedenen Phasen seines Lebens zurückkehrte. Aber das Werk geht über die Biographie des Dichters hinaus und erhält eine verallgemeinernde Bedeutung, da es das ewige Thema - die Liebe - verletzt.
Der lyrische Held des Gedichts ist eine starke Persönlichkeit. Der Autor vergleicht ihn mit einem Stier, einem Elefanten, aber dieses starke "wilde Tier" gehorcht einem einzigen Blick und einer Berührung der Hand des Geliebten. Er verbeugt sich vor ihr, denn außer ihrer Liebe zu ihm „gibt es keine Sonne“ und „es gibt kein Meer“, und nur ein Klang bereitet ihm Freude – „die Glocke seines geliebten Namens“.
"Ich werde nicht aus der Raserei fallen ..."
Ohne einen geliebten Menschen wird die Welt für ihn zur Hölle, das Leben verliert seinen Sinn. Aber die Gefühle des lyrischen Helden sind von besonderem Adel geprägt. Er erkennt die Unausweichlichkeit der „Trennung, nicht zu wissen, wo sie ist und mit wem“, und bleibt seiner Liebe für immer treu.
"Morgen wirst du vergessen, wie du gekrönt wurdest..."
Der Vers ist in der kreativen Weise geschrieben, die für die frühe Zeit von V. Mayakovsky traditionell ist. Das tonische System hilft, einen aufgeregten Monolog des lyrischen Helden zu schaffen, um die kleinsten Bewegungen seiner Seele zu zeigen. Das Gefühl des großen Liebesglücks und das Drama der Trennung werden durch zahlreiche Epitheta, Metaphern und Vergleiche vermittelt.
Das Hauptleitmotiv des Werks ist der Satz "Außer deiner Liebe ...", der mehrmals wiederholt wird und die Stärke des großen Gefühls des Dichters betont. Der Vers enthält viele Appelle: "Lіlіchko!", "Straße", "gut".
Die Arbeit ist jedoch nicht nur ein Appell an die Geliebte, sondern auch an sich selbst. Der Vers hat einen Untertitel: „Anstelle eines Buchstabens“. Er verstand, dass er seine Geliebte nicht zurückgeben konnte, aber er gab sein Gefühl nicht auf, das stärker war als die Verzweiflung.
Verweise
1. Ukrainische und ausländische Literatur. Leser. -K., 2000.
2. Mikuljak V.I. Wladimir Majakowski in den Augen seiner Zeitgenossen. - Charkow, 1993.
3. Literarische Enzyklopädie. - K, 1983.
Nimmt einen Ehrenplatz ein. Er gilt nicht nur als Vorgänger, sondern auch als Lehrer von Puschkin, dessen Name mit der Blütezeit der russischen Literatur verbunden ist. Batyushkovs Poesie zeichnete sich durch eine besondere Plastizität, Originalität des poetischen Stils und seltene Musikalität aus. Der Dichter schuf seine zahlreichen Werke an der Wende zweier historischer Epochen. Merkmale dieser schwierigen Zeit prägten seine Texte.
Batyushkovs Beitrag zur Geschichte der russischen Literatur ist schwer zu überschätzen. Kritiker sehen sein Hauptverdienst in der Verarbeitung der poetischen Sprache, die zu Beginn des 19. Jahrhunderts existierte. In den lyrischen Werken dieses Dichters erlangte die poetische Sprache Harmonie und unbeschreibliche Flexibilität. Batyushkov beherrschte das poetische Wort meisterhaft und erreichte erfolgreich die Reinheit der Sprache und des Reichtums.
Der bekannte Literaturkritiker V. G. Belinsky wandte sich mehr als einmal Batyushkovs Werk zu. Er wies darauf hin, dass es die Werke dieses Dichters waren, die jenen literarischen Durchbruch in russischer Sprache vorbereiteten, der wenig später Puschkin gelang. Der große Dichter lernte von seinem bedeutenden Vorgänger, seine eigenen so zu vollenden, dass sie formal und inhaltlich einwandfrei sind.
Exzellenz in der Poesie kam nicht einfach. Batyushkov arbeitete beharrlich an jeder Zeile seiner Werke und suchte mühsam nach geeigneten Bildern und Vergleichen. Erhalten sind seine Notizen, in denen er sich seine übermäßige Leidenschaft für Korrekturen und Verbesserungen vorwirft. Natürlich wird heute niemand eine solche Akribie als Laster betrachten. Es war der Wunsch, jedes kleine Detail der poetischen Form auszuarbeiten, der es Batyushkov ermöglichte, den Klang der poetischen Sprache zu perfektionieren.
Batyushkov zeichnete sich auch durch den Wunsch aus, alles zu vermeiden, was unnatürlich und weit hergeholt erscheint. Der Dichter betrachtete Aufrichtigkeit als eines der Zeichen einer guten Arbeit. Er versuchte, nach eigenen Worten, nicht mit dem Verstand, sondern mit der Seele zu komponieren. Die Zeitgenossen des Dichters bemerkten die besondere Gefühlskraft, die sie in ihm fanden. Diese Macht war größer als
Eigenständige Anwendungen Ausgesprochene Intonation und Interpunktion Mitglieder eines Satzes als Anwendung. In einigen Fällen haben isolierte Anwendungen nur eine attributive Bedeutung, in anderen sind verschiedene adverbiale Bedeutungsnuancen damit verbunden, die mit dem lexikalischen Volumen der isolierten Konstruktion, dem Platz, den sie in Bezug auf das definierende Wort einnimmt, und dem verbunden ist morphologische Natur der letzteren. Getrennt: 1) eine gemeinsame Anwendung, die durch ein gemeinsames Substantiv mit abhängigen Wörtern ausgedrückt wird und sich auf ein gemeinsames Substantiv bezieht; Solche Anwendungen sind normalerweise postpositiv, selten treten sie in der präpositiven Position auf. Ihr Mann, ein Putilow-Arbeiter, verbrachte vor dem Krieg zwei lange Haftzeiten.(A. N. Tolstoi). Jahrhunderte vergangene Riesen, Legenden über den Ruhm des Wächters, Kosakenhügel stehen(Surkow); 2) eine ungewöhnliche Anwendung, die sich auf ein gebräuchliches Substantiv bezieht, wenn letzteres erklärende Wörter enthält. Er hielt sein Pferd an, hob den Kopf und sah seinen Korrespondenten, den Diakon(Turgenew). Ein Mädchen hat sich um mich gekümmert, Polin(Bitter). Selten wird eine ungewöhnliche Anwendung mit einem einzelnen definierbaren Substantiv isoliert. Und die Feinde, Dummköpfe, denken, dass wir Angst vor dem Tod haben(Fadejew). Normalerweise neigt eine einzelne Anwendung dazu, sich nicht von dem zu definierenden Substantiv zu lösen, sondern mit ihm zu verschmelzen: ein ausgezeichneter Student, eine Heldenstadt, eine riesige Fabrik, patriotische Kämpfer, ein Ingenieur-Ökonom, Selbstgartentabak, Schädlinge usw .; 3) eine Anwendung, die durch ein Substantiv ausgedrückt wird und sich auf einen Eigennamen bezieht, wenn es sich um eine Postposition handelt; eine präpositive Anwendung wird isoliert, wenn sie einen zusätzlichen adverbialen Wert hat. Heute Nachmittag sprach der Zeitnehmer Kuliga über französische Elektroingenieure.(Bitter). Als bekannter Pfadfinder blieb Travkin derselbe ruhige und bescheidene junge Mann, der er war, als sie sich zum ersten Mal trafen.(Kasakewitsch); 4) eine durch den eigenen Namen ausgedrückte Anwendung, wenn sie der Erläuterung oder Verdeutlichung eines Gattungsnamens dient (die Wörter „nämlich“ können einer solchen Anwendung ohne Bedeutungsänderung vorangestellt werden). Ihre ehemalige Mitbewohnerin Nikulin hielt es für klüger, sich von uns zu trennen(Korolenko). Der ältere Bruder von Vanya Zemnukhov, Alexander, war von Beruf typografischer Arbeiter.(Fadeev); 5) eine Anwendung, die sich auf ein Personalpronomen bezieht. Für mich, einen Menschen, der in einer schwierigen, dunklen Zeit zu leben begann, ist es eine große Freude zu wissen, dass so vernünftige, gute Menschen daran arbeiten, uns, die Alten, zu ersetzen.(Bitter). Ein fröhlicher Südländer, der im schwierigsten Moment alle zum Lachen bringen konnte: Er erzählte Marseille-Witze, sprang, spielte Streiche(Ehrenburg); 6) eine Bewerbung, die dem Wort beigefügt ist, das von der Gewerkschaft definiert wird als (mit kausaler Bedeutung), Wörter mit Namen, Nachnamen, Spitznamen, Familie usw. Als Dichter der Neuzeit konnte Batyushkov nicht umhin, der Romantik Tribut zu zollen.(Belinsky). Ein kleiner dunkelhaariger Leutnant namens Zhuk führte das Bataillon in die Hinterhöfe jener Straße, deren Fassaden heute Nacht die Frontlinie darstellten.(Simonow). In der Küche ist der liebe Koch Ivan Ivanovich, Spitzname der kleine Bär, zuständig(Bitter).
Wörterbuch-Nachschlagewerk sprachlicher Begriffe. Ed. 2. - M.: Aufklärung. Rosenthal D. E., Telelenkova M. A.. 1976 .
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Eigenständige Anwendungen
Eigenständige Anwendungen- 1. Eine gebräuchliche Anwendung ist isoliert, wird durch einen Gattungsnamen mit abhängigen Wörtern ausgedrückt und ist mit einem Gattungsnamen verwandt (normalerweise kommt eine solche Anwendung nach dem zu definierenden Wort, seltener davor) ... Ein Leitfaden für Rechtschreibung und Stil
eigenständige Anwendungen
eigenständige Anwendungen- Isoliert in der Zusammensetzung des Satzes in den semantischen und rhythmischen Intonationsaspekten der Anwendung, was eine produktive Technik zur Komplikation eines einfachen Satzes ist. In Übereinstimmung mit den allgemeinen Bedingungen werden unterschieden: 1) gemeinsames Post-Positiv ... ...
Siehe Standalone-Anwendungen... Wörterbuch der sprachlichen Begriffe
Separate Definitionen Ein Leitfaden für Rechtschreibung und Stil
Separate Definitionen- 1. Übliche Definitionen werden in der Regel durch ein Partizip oder ein Adjektiv mit davon abhängigen Wörtern (durch ein Komma getrennt und in der Satzmitte auf beiden Seiten durch Kommas getrennt) ausgedrückt und hinter dem definierten stehen. .. ... Ein Leitfaden für Rechtschreibung und Stil
getrennte Mitglieder Wörterbuch der sprachlichen Begriffe T.V. Fohlen
getrennte Mitglieder- Wörter oder Wortgruppen, die als Teil eines Satzes in einem rhythmisch intonatorischen oder semantischen Aspekt isoliert sind, eine geschwächte syntaktische Verbindung mit anderen Mitgliedern haben und eine zusätzliche Botschaft über eines der Wörter oder den gesamten Satz ausdrücken. ... ... Syntax: Wörterbuch
INHALTSVERZEICHNIS- RECHTSCHREIBUNG I. Schreibweise der Vokale im Stamm § 1. Geprüfte unbetonte Vokale § 2. Ungeprüfte unbetonte Vokale § 3. Wechselnde Vokale § 4. Vokale nach Zischen § 5. Vokale nach q § 6. Buchstaben e e § 7. Buchstabe y II . Konsonanten buchstabieren ... ... Ein Leitfaden für Rechtschreibung und Stil
Am 14. September 1321 starb Dante Alighieri in Ravenna – laut F. Engels „... der letzte Dichter des Mittelalters und zugleich der erste Dichter der Neuzeit“. Kurz vor seinem Tod vollendete er das Hauptwerk – das Gedicht „Komödie“, das vierzig Jahre später ein anderer großer Italiener – Giovanni Boccaccio – „Göttlich“ nannte. Seit sechseinhalb Jahrhunderten begeistert die Göttliche Komödie ihre Leser, und jede neue Generation entdeckt darin etwas ganz Eigenes – ganz nah dran.
Das Gedicht ist uns in zahlreichen Listen überliefert – zu Lebzeiten Dantes kannte Europa noch keinen Druck. Die Göttliche Komödie wurde erstmals 1472 von Gutenbergs Schüler Johann Numeister in der italienischen Kleinstadt Foligno gedruckt. Numeister war ein seltsamer, rastloser Mann. In keiner Stadt, in keinem Land hielt er sich lange auf. Er begann seine Druckkarriere in Italien und zog bald nach Mainz, wo er 1479 die uns bereits bekannten Meditationen des Kardinals Turrekremat druckte. Ein Jahr später treffen wir ihn im französischen Albi, dann in Lyon...
So verbreitete sich der Buchdruck durch die Arbeit der Wanderdrucker.
Eine neue Ausgabe der Göttlichen Komödie erscheint bald. Sie werden von Federico do Comitibus in der italienischen Stadt Jesi und Georg und Paul Germanen in Mantua gedruckt. Wendelin aus Speyer veröffentlicht 1477 in Venedig das berühmte Gedicht von Dante mit Ausführlichem und Kommentar von Jacopo della Lana aus Bologna. Ein weiterer berühmter Kommentator der Göttlichen Komödie war Christopher Laudino. Seine Interpretation erblickte erstmals das Licht auf den Seiten der Göttlichen Komödie, die am 30. August 1481 in Florenz veröffentlicht wurde.
Ein gut erhaltenes Exemplar des Buches befindet sich in der Lenin-Staatsbibliothek der UdSSR. Wir sind daran interessiert, ihn kennenzulernen. Dies ist die erste illustrierte Ausgabe des großen Gedichts. Auf dem Anfangsstreifen sehen wir nach dem Vorwort eine große Initiale, deren senkrechte Stiele als Rahmen für eine Dante-Miniatur dienen. Sowohl die Initiale als auch das Porträt sind an einer im gedruckten Text eigens belassenen Stelle von Hand gemalt. Aber die rechteckige, horizontal verlängerte Illustration, die den unteren Rand der Seite einnimmt, wird gedruckt. Aber keineswegs so, wie es früher in den Inkunabeln gemacht wurde.
Überraschend dünner und klarer Strich, zarte Halbtöne, gedämpftes Licht deuten darauf hin, dass wir es nicht mit einem Holzschnitt, sondern mit einem Stich auf Kupfer zu tun haben.
Drucker des 15. Jahrhunderts bevorzugte Holzschnitte, da sie zusammen mit dem Text auf einer herkömmlichen Maschine gedruckt werden können. Die Metallgravur erfordert eine spezielle Maschine. Der Engländer William Caxton, der The History of Troy 1475 im niederländischen Brügge veröffentlichte, gravierte das Titelblatt auf Metall und klebte es auf die erste Seite des Buches. Ein Jahr später erschien im selben Brügge ein Buch mit 10 auf Kupfer gravierten und dann auf die Seiten geklebten Illustrationen.
Theodosius Isograph tat später dasselbe.
1477 veröffentlichte der Florentiner Drucker Niccolò di Lorenzo den Heiligen Berg des Bischofs Antonio Bettini, illustriert mit drei ganzseitigen Kupferstichen. Und 1481 veröffentlichte er auch Dantes Göttliche Komödie. Auf den Seiten dieses Buches begegnen wir zum ersten Mal dem von einer Setzform gedruckten Text und auf Kupfer gravierten Illustrationen. Di Lorenzo druckte Text auf einer konventionellen Druckmaschine. Und dann übertrug er dasselbe Blatt auf eine andere Maschine und druckte eine Illustration.
Die Illustrationen stammen von dem berühmten italienischen Maler und Grafiker Sandro Botticelli (ca. 1445-1510). Vaccio Valdinn (ca. 1436 nach 1480) brüllte sie in die Sprache der Gravur. Aber er schaffte es nur 19 Bretter zu machen.
Ein vollständiger Satz von Zeichnungen Botticellis wird in Berlin und in der Vatikanischen Bibliothek aufbewahrt. 1960 erschien im Berliner Verlag „Rütten und Löning“ die „Göttliche Komödie“ mit diesen wunderbaren Illustrationen.
Niccolo di Lorenzo beabsichtigte, jedem der Lieder von Dantes unsterblichem Werk einen Stich zu geben. Druckschwierigkeiten zwangen ihn, diese Absicht aufzugeben. In den meisten erhaltenen Exemplaren sind nur 2-3 Stiche reproduziert. Das Exemplar mit den meisten Abdrucken (23 einige Stiche sind wiederholt) befindet sich in der Riccardi-Bibliothek in Florenz. Es gibt 3 Stiche in der Moskauer Kopie. Die Perle der Kopie sind handgezeichnete Initialen. Einer von ihnen – mit einem Porträt von Dante – wurde oben besprochen. Die erste Eröffnung von "Purgatory" zeigt Dante und Virgil, die auf dem Boot der Styx den Fluss der Unterwelt überqueren. Die dritte Initiale enthält ein Porträt von Beatrice, der früh verstorbenen Geliebten Dantes.
Die illustrierte Erstausgabe der Göttlichen Komödie lässt Bücherliebhaberherzen höher schlagen. 1927 wurde ein Exemplar mit 3 Stichen für 6.000 Mark und mit 19 Stichen für 3.950 £ versteigert.
Die Schwierigkeiten bei Reproduktion und Druck zwangen Niccolo di Lorenzo und andere Drucker, Versuche aufzugeben, Bücher mit Kupferstichen zu illustrieren. Und das 15. Jahrhundert. 5 weitere illustrierte Ausgaben der Göttlichen Komödie wurden veröffentlicht - vier davon in Venedig. Die Zeichnungen sind in Holzschnitttechnik reproduziert.
Der Kupferstich bleibt vorübergehend im Schatten. Es bedurfte der Arbeit mehrerer Generationen wunderbarer Graphen, um die dieser Methode innewohnenden Möglichkeiten zu verfeinern und aufzudecken. Nur ein Jahrhundert wird vergehen, und eine Tiefengravur wird Holzschnitte aus dem Buch ersetzen. Letzteres wird sich jedoch in leicht abgewandelter Form im 19. Jahrhundert rächen. Einer ihrer Triumphe wird wieder mit der Göttlichen Komödie von Dante Alighieri verbunden sein. Die Rede ist von den wunderbaren Illustrationen des französischen Künstlers Gustave Dore, die natürlich gesondert und ausführlich erzählt werden müssen.
Der vereinfachten platonischen Tradition deutscher Vorbilder folgend präsentierten die französischen Romantiker den Dichter als missverstandenen Seher, als Priester im Heiligtum der Kunst. Die Dichter bildeten eine Partei gegen das bürgerliche Publikum und lösten sich dann in feindliche Gruppen auf. Madame de Staels Formel von 1801, wonach die Literatur ein Abbild der Gesellschaft sei, hat ihre Bedeutung verloren. Die Literatur wiederholte den Protest der Revolution gegen die herrschende Gesellschaft, wurde zur Oppositionsliteratur, zur Literatur der „Zukunft“ und schließlich zur Literatur der Singles, die immer stolzer auf ihre Isolation wurden. Rousseaus Schema der Exklusivität auf der Grundlage von Abnormalitäten wurde natürlich zum Schema dieser Generation – und der nächsten.
Zweifellos hat die Hingabe des Dichters, eine echte oder vorgetäuschte Erfahrung von Leid, Angst, Weltverachtung, die Energie freigesetzt, die die Texte aufwühlte. Nach einer glänzenden Ära vor drei Jahrhunderten blühte die französische Lyrik in der Romantik wieder auf. Vieles ist hoch, wenn auch nicht von europäischem Rang. Sie wurde von der populären, in Frankreich weit verbreiteten Vorstellung begünstigt, dass die Poesie die Ursprache der Menschheit ist, die Gesamtsprache des Gesamtthemas, für die es keine Grenzen zwischen Themen gibt, aber auch keine Grenzen zwischen religiös und poetisch Begeisterung. Die romantische Poesie Frankreichs zeichnete sich durch die Breite und Nuance innerer Erfahrung, kreative Sensibilität für orientalisch-exotische Farben und Atmosphären aus, sie brachte erstaunliche Landschafts- und Liebesgedichte und virtuose Verse hervor. Feurig, tobend, reich an dramatischen Gesten bei Victor Hugo, dem gleichermaßen anzüglich intime Bekenntnisse und prophetische Beschwörungen gelingen; traurig, schmerzhaft bis zum Zynismus bei Musset; zarte, auffallende Tonreinheit in Lamartine - weich, wie Samt, in seinen eigenen Worten.
Hier begann eine sehr fruchtbare Suche nach der neuen Poesie des im Wort verborgenen inneren Impulses. Victor Hugo hat mit der Erfahrung vieler Vorgänger bewusst und erfolgreich eine solche Suche geführt. In der berühmten Passage „Contemplations“ kann man folgendes lesen: Das Wort ist ein lebendiges Wesen, mächtiger als der, der es gebraucht; unerwartet in der Dunkelheit aufblitzend, schafft es eine Bedeutung, die ihm gefällt; es ist viel mysteriöser und tiefer als Denken, Sehen, Fühlen erwarten; das Wort ist Farbe, Nacht, Freude, Schlaf, Leiden, Ozean, Unendlichkeit; das Wort ist der göttliche Logos. Diese Stelle muss man sich ebenso wie die vorsichtigen Aussagen von Diderot und die entscheidenden Gedanken von Novalis merken, wenn man Mallarmés Ideen über die initiatorische Energie der Sprache verstehen will: Natürlich ist die Strenge dieser Ideen weit entfernt von Victor Hugos enthusiastischem Rausch.
Die Theorie des Grotesken und des Fragments
Die Theorie des Grotesken erwies sich als sehr einflussreich. Diderot skizzierte es in Rameaus Neffe, Victor Hugo entwickelte es im Vorwort zu Cromwell (1827) als Teil einer allgemeinen Theorie des Dramas. Dies ist das Interessanteste, was die Franzosen in der allgemeinen romantischen Ideologie entwickelt haben. Die Wurzeln dieser Theorie sind wohl in den Überlegungen Friedrich Schlegels zu Ironie und Witz zu erkennen, wo folgende Begriffe vorkommen: Chaos, ewige Mobilität, Fragmentierung, transzendentale Possenreißer. Viele Details rein origineller Natur können jedoch nur durch die Intuition des fünfundzwanzigjährigen Hugo erklärt werden, der einer vorläufigen und detaillierten Betrachtung des Problems kaum verdächtigt werden kann. Diese Details entpuppten sich als Symptome einer neuen Ästhetik.
Das Wort „Groteske“ bedeutete einst ein Ornament in der Malerei, das im Geiste einer Allegorie oder eines Märchens gestaltet war. Im 17. Jahrhundert erweiterte sich das Verständnis, und alles Seltsame, Burleske, Verzerrte, Äußerst Spezifische wurde als „grotesk“ bezeichnet. Ungefähr so und ähnlich wie Schlegel versteht Victor Hugo das Groteske. In seiner Theorie des Grotesken wurde jedoch energisch versucht, das Schöne und das Hässliche ästhetisch auszubalancieren. Letzteres, disqualifiziert, nur in den niederen literarischen Gattungen zulässig, nur an der Peripherie der bildenden Kunst zulässig, hat sich zu metaphysischer Ausdruckskraft erhoben. Für Hugo ist die Welt grundsätzlich in Gegensätze gespalten, und nur durch diese Spaltung kann sie als höhere Einheit bestehen. Das wurde schon oft gesagt, es ist ein alter Gedanke. Aber Hugo betont die Rolle des Hässlichen auf eine neue Art und Weise. Sie ist fortan nicht mehr das Gegenteil von Schönheit, sondern ein eigenständiger Wert. In einem Kunstwerk erscheint das Hässliche als Groteske, als Skizze des Unvollkommenen und Verrückten. Aber Unvollkommenheit ist "ein legitimes Mittel, um Harmonie zu erreichen". Es ist zu sehen, wie in einer solchen "Harmonie" Disharmonie auftritt, nämlich die Disharmonie des Fragments. Das Groteske muss uns von Schönheit befreien und mit seiner "heiseren Stimme" seine Monotonie beseitigen. Es spiegelt die Dissonanz zwischen dem Tier und den höheren Ebenen des Menschen wider. Da jede Manifestation in Fragmente zerfällt, kommen wir zu dem Schluss, dass uns das „große Ganze“ im Allgemeinen als Teil oder Fragment gegeben wird – das „Ganze“ stimmt nicht mit einer Person überein und ist mit ihr nicht vereinbar. Was ist das Ganze? Bezeichnenderweise gibt es keine Antwort, bestenfalls völlig verwirrend. Vermutlich denkt Hugo christlich: Dann ist das Ganze eine sterile Transzendenz. Nur seine Fragmente, grotesk verzerrt, fühlen Hugo, aber diese Groteske verursacht kein Lachen. Das Lachen einer solchen Groteske mildert einen Krampf oder ein nervöses Zittern, verwandelt sich in eine Grimasse, provoziert Aufregung und Angst, die die moderne Seele mehr als Beschwichtigung sucht.
Ähnliche romantische Ansichten wurden später von Theophile Gautier entwickelt. Das sind die Stigmata, von denen Baudelaire sprach. Sie weisen den Weg zu den „Gedichten des Harlekins“ von Verlaine, zur konvulsiven Poesie von Rimbaud und Tristan Corbière, zum „schwarzen Humor“ von Lautréamont und seinen Anhängern, den Surrealisten, und schließlich zur Absurdität heutiger Schriftsteller. All dies hat den dunklen Zweck, in Dissonanzen und Passagen auf Transzendenz hinzuweisen, da niemand sonst ihre Harmonie und Einheit wahrnehmen kann.
Dichter der Neuen Zeit
Mit Baudelaire wurde die französische Lyrik zu einem europäischen Ereignis. Dies zeigt sich an seinem Einfluss auf Deutschland, England, Italien, Spanien. In Frankreich selbst ging ziemlich schnell von Baudelaire eine andere Art von Inspiration aus als von den Romantikern. Es betraf Rimbaud, Verlaine, Mallarmé. Letzterer gab zu, dass er dort anfing, wo Baudelaire endete. Am Ende seines Lebens sprach Paul Valéry von einer direkten Verbindungslinie, die von Baudelaire zu ihm selbst führte. Der Engländer T. S. Eliot nannte Baudelaire „das große Beispiel neuer Poesie in jeder Sprache“. 1945 schrieb Jean Cocteau: „Durch seine Grimassen erreicht uns sein Blick langsam, wie das Licht eines Sterns.“
Viele solcher Aussagen beziehen sich auf den Dichter der „Modernität“. Das ist ganz logisch, da Baudelaire selbst einen solchen Ausdruck initiiert hat. Er sprach 1859 über dieses Thema und begründete seine eigene Neuheit mit einem notwendigen Merkmal des modernen Künstlers - der Fähigkeit, in der Wüste einer Großstadt nicht nur den Untergang einer Person, sondern auch eine noch unentdeckte mysteriöse Schönheit zu sehen. Das ist das grundlegende Problem von Baudelaire: Wie kann Poesie in einer Zivilisation der Technologie und des Handels existieren? Seine Texte weisen den Weg, Prosa denkt ihn theoretisch zu Ende. Der Weg geht so weit wie möglich von der Banalität des Realen in die Zone des Mysteriösen, aber so, dass der dramatische Stoff der Zivilisation in diese Zone eingeschlossen wird und poetische Energie gewinnt. Das ist die ätzende und magische Substanz der neuen Texte.
Die Hauptvorteile von Baudelaire sind das bemerkenswerte spirituelle Potenzial und die Klarheit des künstlerischen Bewusstseins, die Kombination von poetischem Genie mit kritischem Intellekt. Seine Ansichten über den poetischen Prozess stehen seiner Poesie nicht nur qualitativ nicht nach, sondern übertreffen sie oft an Breite, wie im Fall von Novalis. Diese Ansichten erwiesen sich für zukünftige Generationen als noch wirksamer als seine poetischen Errungenschaften. Sie spiegeln sich in den Artikelsammlungen "Curiosités esthétiques" und "L'Art romantique" wider. Beide Bücher enthalten Skizzen und Programme, die nicht nur aus Beobachtungen des literarischen, sondern auch des künstlerischen und musikalischen Prozesses entwickelt wurden.
