Gambar artistik

gambar khas
Gambar-motif
topos
Pola dasar.

Gambar artistik. Konsep gambar artistik. Fungsi dan struktur gambar artistik.

Gambar artistik- salah satu kategori utama estetika, yang mencirikan cara menampilkan dan mengubah realitas yang hanya ada dalam seni. Sebuah gambar juga disebut fenomena apapun yang diciptakan secara kreatif oleh penulis dalam sebuah karya seni.
Citra artistik adalah salah satu sarana untuk mengetahui dan mengubah dunia, bentuk sintetis dari refleksi dan ekspresi perasaan, pikiran, aspirasi, emosi estetika seniman.
Fungsi utamanya adalah: kognitif, komunikatif, estetika, pendidikan. Hanya dalam totalitas mereka mengungkapkan fitur-fitur spesifik dari gambar, masing-masing secara individual mencirikan hanya satu sisinya; pertimbangan fungsi individu yang terisolasi tidak hanya memiskinkan gagasan tentang gambar, tetapi juga menyebabkan hilangnya kekhususannya sebagai bentuk khusus dari kesadaran sosial.
Dalam struktur gambar artistik, peran utama dimainkan oleh mekanisme identifikasi dan transfer.
Mekanisme identifikasi melakukan identifikasi subjek dan objek, di mana sifat, kualitas, tanda individualnya digabungkan menjadi satu kesatuan; apalagi, identifikasi hanya sebagian, sangat terbatas: hanya meminjam satu fitur atau sejumlah fitur dari orang yang objektif.
Dalam struktur gambar artistik, identifikasi muncul dalam kesatuan dengan mekanisme penting lainnya dari proses mental primer - transferensi.
Transferensi disebabkan oleh kecenderungan dorongan bawah sadar, dalam mencari cara kepuasan, untuk diarahkan secara asosiatif ke semua objek baru. Berkat transferensi, satu representasi digantikan oleh yang lain di sepanjang seri asosiatif dan objek transferensi bergabung, menciptakan apa yang disebut dalam mimpi dan neurosis. penebalan.

Konflik sebagai dasar dari plot sisi pekerjaan. Konsep "motif" dalam kritik sastra Rusia.

Fungsi paling penting dari plot adalah penemuan kontradiksi kehidupan, yaitu konflik (dalam terminologi Hegel - tabrakan).

Konflik- konfrontasi kontradiksi baik antara karakter, atau antara karakter dan keadaan, atau di dalam karakter, yang mendasari tindakan. Jika kita berurusan dengan bentuk epik kecil, maka aksi berkembang berdasarkan konflik tunggal. Dalam karya volume besar, jumlah konflik meningkat.

Konflik- inti di mana semuanya berputar. Plot paling tidak menyerupai garis yang solid dan berkelanjutan yang menghubungkan awal dan akhir dari rangkaian peristiwa.

Tahapan perkembangan konflik- elemen plot utama:

Genre lirik-epik dan kekhususannya.

Genre epik lirik mengungkapkan koneksi dalam sastra: dari lirik - tema, dari epik - plot.

Menggabungkan narasi epik dengan awal liris - ekspresi langsung dari pengalaman, pemikiran penulis

1. puisi. – konten genre dapat berupa epik atau liris. (Dalam hal ini, plot ditingkatkan atau dikurangi). Di zaman kuno, dan kemudian di era Abad Pertengahan, Renaisans dan Klasisisme, puisi itu, sebagai suatu peraturan, dianggap dan dibuat secara sinonim dengan genre epik. Dengan kata lain, ini adalah epos sastra atau puisi epik (pahlawan). Puisi itu tidak memiliki ketergantungan langsung pada metode, itu sama-sama diwakili dalam romantisme ("Mtsyri"), dalam realisme ("Penunggang Kuda Perunggu"), dalam simbolisme ("12")...

2. kidung. - (Perancis "lagu dansa") dan dalam pengertian ini adalah karya puitis naratif khusus romantis. Dalam arti kedua kata, balada adalah genre cerita rakyat; genre ini mencirikan budaya Anglo-Skotlandia pada abad 14-16.

3. fabel adalah salah satu genre tertua. Puisi fabel: 1) orientasi satir, 2) didaktisisme, 3) bentuk alegoris, 4) ciri bentuk genre yavl. Dimasukkannya dalam teks (di awal atau di akhir) bait pendek khusus - moralitas. Fabel berhubungan dengan perumpamaan, disamping itu fabel berhubungan secara genetis dengan dongeng, anekdot, dan kemudian cerita pendek. bakat dongeng jarang: Aesop, Lafontaine, I.A. Krylov.

4. siklus liris- ini adalah semacam fenomena genre yang terkait dengan bidang epik liris, yang masing-masing karya adalah dan tetap merupakan karya liris. Secara keseluruhan, karya liris ini menciptakan "lingkaran": prinsip pemersatu adalah yavl. tema dan pahlawan liris. Siklus dibuat sebagai "satu momen" dan mungkin ada siklus yang dibuat oleh penulis selama bertahun-tahun.

Konsep dasar bahasa puisi dan tempatnya dalam kurikulum sekolah dalam sastra.

BAHASA PUISI, pidato artistik, adalah bahasa karya sastra puitis (puitis) dan prosa, sistem sarana pemikiran artistik dan pengembangan estetika realitas.
Berbeda dengan bahasa (praktis) biasa, di mana fungsi komunikatif adalah yang utama (lihat Fungsi-fungsi bahasa), dalam P. I. fungsi estetis (puitis) lebih mendominasi, yang pelaksanaannya lebih menitikberatkan pada representasi linguistik itu sendiri (fonik, ritmik, struktural, figuratif-semantik, dll), sehingga menjadi sarana ekspresi yang berharga dalam dirinya. Kiasan umum dan orisinalitas artistik dari lampu. karya dirasakan melalui prisma P. I.
Perbedaan antara bahasa biasa (praktis) dan puitis, yaitu, fungsi komunikatif dan puitis yang sebenarnya dari bahasa tersebut, diusulkan pada dekade pertama abad ke-20. perwakilan OPOYAZ (lihat). P. Ya., menurut pendapat mereka, berbeda dari wujud konstruksinya yang biasa: ia menarik perhatian pada dirinya sendiri, dalam arti tertentu memperlambat membaca, menghancurkan otomatisme persepsi teks yang biasa; hal utama di dalamnya adalah "bertahan hidup melakukan sesuatu" (V. B. Shklovsky).
Menurut R. O. Yakobson yang dekat dengan OPOYAZ dalam pengertian P. Ya., puisi itu sendiri tidak lebih dari “pernyataan dengan sikap terhadap ungkapan (...). Puisi adalah bahasa dalam fungsi estetisnya.
P.i. berhubungan erat, di satu sisi, dengan bahasa sastra (lihat), yang merupakan dasar normatifnya, dan di sisi lain, dengan bahasa nasional, dari mana ia menarik berbagai sarana linguistik karakterologis, misalnya. dialektisme saat mentransmisikan ucapan karakter atau untuk menciptakan warna lokal dari yang digambarkan. Kata puitis tumbuh dari kata nyata dan di dalamnya, menjadi termotivasi dalam teks dan melakukan fungsi artistik tertentu. Oleh karena itu, tanda apa pun dari suatu bahasa pada prinsipnya dapat bersifat estetis.

19. Konsep metode artistik. Sejarah sastra dunia sebagai sejarah perubahan metode artistik.

Metode artistik (kreatif) adalah seperangkat prinsip paling umum dari asimilasi estetika realitas, yang diulang secara konsisten dalam karya sekelompok penulis tertentu yang membentuk arah, tren, atau aliran.

O.I. Fedotov mencatat bahwa "konsep "metode kreatif" tidak jauh berbeda dengan konsep "metode artistik" yang memunculkannya, meskipun mereka mencoba mengadaptasinya untuk mengungkapkan makna yang lebih besar - sebagai cara mempelajari kehidupan sosial atau sebagai prinsip-prinsip dasar (gaya) dari seluruh tren.

Konsep metode artistik muncul pada 1920-an, ketika para kritikus dari Asosiasi Penulis Proletar Rusia (RAPP) meminjam kategori ini dari filsafat, dengan demikian berusaha untuk secara teoritis mendukung perkembangan gerakan sastra mereka dan kedalaman pemikiran kreatif "proletar". penulis.

Metode artistik memiliki sifat estetis, itu mewakili bentuk-bentuk umum yang dikondisikan secara historis dari pemikiran figuratif yang diwarnai secara emosional.

Objek seni adalah kualitas estetika realitas, yaitu "makna sosial yang luas dari fenomena realitas, ditarik ke dalam praktik sosial dan dicap kekuatan esensial" (Yu. Borev). Subjek seni dipahami sebagai fenomena yang dapat berubah secara historis, dan perubahan akan tergantung pada sifat praktik sosial dan perkembangan realitas itu sendiri. Metode artistik dianalogikan dengan objek seni. Dengan demikian, perubahan historis dalam metode artistik, serta munculnya metode artistik baru, dapat dijelaskan tidak hanya melalui perubahan historis pada objek seni, tetapi juga melalui perubahan historis dalam kualitas estetika realitas. Subjek seni mengandung sumber kehidupan metode artistik. Metode artistik adalah hasil refleksi kreatif dari suatu objek seni, yang dirasakan melalui prisma pandangan dunia filosofis dan politik seniman secara umum. “Metode selalu muncul di hadapan kita hanya dalam perwujudan artistik konkretnya – dalam materi hidup gambar. Masalah gambar ini muncul sebagai hasil dari interaksi pribadi seniman yang paling intim dengan dunia konkret di sekitarnya, yang menentukan seluruh proses artistik dan pemikiran yang diperlukan untuk menciptakan sebuah karya seni” (L.I. Timofeev)

Metode kreatif tidak lebih dari proyeksi citra ke dalam setting sejarah konkret tertentu. Hanya di dalamnya persepsi kiasan kehidupan menerima realisasi konkretnya, yaitu. ditransformasikan menjadi sistem karakter, konflik, alur cerita tertentu yang muncul secara organik.

Metode artistik bukanlah prinsip abstrak seleksi dan generalisasi fenomena realitas, tetapi pemahaman yang dikondisikan secara historis dalam terang pertanyaan utama yang diajukan kehidupan pada seni pada setiap tahap baru perkembangannya.

Keragaman metode artistik di era yang sama dijelaskan oleh peran pandangan dunia, yang bertindak sebagai faktor penting dalam pembentukan metode artistik. Dalam setiap periode perkembangan seni rupa, muncul simultan berbagai metode seni tergantung pada situasi sosial, karena zaman akan dipertimbangkan dan dirasakan oleh seniman dengan cara yang berbeda. Kedekatan posisi estetis menentukan kesatuan metode sejumlah pengarang, yang terkait dengan kesamaan cita-cita estetis, kekerabatan tokoh, homogenitas konflik dan plot, serta cara penulisan. Jadi, misalnya, K. Balmont, V. Bryusov, A. Blok dikaitkan dengan simbolisme.

Metode artis dirasakan melalui gaya karya-karyanya, yaitu melalui manifestasi individu dari metode tersebut. Karena metode adalah cara berpikir artistik, metode adalah sisi subjektif dari gaya, karena. cara berpikir figuratif ini memunculkan ciri-ciri ideologis dan artistik tertentu dari seni. Konsep metode dan gaya individu penulis saling berkorelasi sebagai konsep genus dan spesies.

Interaksi metode dan gaya:

Berbagai gaya dalam satu metode kreatif. Ini ditegaskan oleh fakta bahwa perwakilan dari metode ini atau itu tidak menggabungkan satu gaya apa pun;

kesatuan gaya hanya dimungkinkan dalam metode yang sama, karena bahkan kesamaan eksternal dari karya-karya penulis yang mengikuti metode yang sama tidak memberikan alasan untuk mengklasifikasikannya sebagai satu gaya;

Membalikkan pengaruh gaya pada metode.

Penggunaan penuh teknik gaya seniman yang berdekatan dengan satu metode tidak sesuai dengan ketaatan yang konsisten dari prinsip-prinsip metode baru.

Seiring dengan konsep metode kreatif, konsep arah atau jenis kreativitas yang, dalam bentuk dan proporsi yang paling beragam, akan dimanifestasikan dalam metode apa pun yang muncul dalam proses pengembangan sejarah sastra, karena mereka mengekspresikan sifat-sifat umum dari refleksi figuratif kehidupan. Secara totalitas, metode-metode tersebut membentuk arus sastra (atau tren: romantisme, realisme, simbolisme, dll.).

Metode hanya menentukan arah karya kreatif seniman, dan bukan properti individualnya. Metode artistik berinteraksi dengan individualitas kreatif penulis

Konsep "gaya" tidak identik dengan konsep "individualitas kreatif penulis". Konsep "individualitas kreatif" lebih luas daripada apa yang diungkapkan oleh konsep sempit "gaya". Dalam gaya penulis, sejumlah properti dimanifestasikan, yang dalam totalitasnya mencirikan individualitas kreatif penulis. Hasil konkret dan nyata dari sifat-sifat ini dalam sastra adalah gaya. Penulis mengembangkan gaya individualnya sendiri berdasarkan metode artistik ini atau itu. Kita dapat mengatakan bahwa individualitas kreatif penulis adalah kondisi yang diperlukan untuk pengembangan lebih lanjut dari setiap metode artistik. Kita dapat berbicara tentang metode artistik baru ketika fenomena individu baru yang diciptakan oleh individualitas kreatif penulis menjadi umum dan mewakili kualitas baru dalam totalitasnya.

Metode artistik dan individualitas kreatif penulis dimanifestasikan dalam karya sastra melalui penciptaan gambar sastra, konstruksi motif.

sekolah mitologi

Munculnya aliran mitologi pada pergantian abad ke-18–19. Pengaruh "Mitologi Jerman" oleh Grimm Bersaudara pada Pembentukan Sekolah Mitologi.

Sekolah mitologi dalam kritik sastra Rusia: A.N. Afanasiev, F.I. Buslaev.

Tradisi sekolah mitologis dalam karya K.Nasyri, Sh.Marjani, V.V.Radlov, dan lainnya.

metode biografi

Landasan teoretis dan metodologis dari metode biografi. Kehidupan dan karya Sh.O. Saint-Bev. Metode biografi dalam kritik sastra Rusia abad ke-19. (kegiatan ilmiah N.A. Kotlyarevsky).

Transformasi Metode Biografi di Paruh Kedua Abad ke-20: Kritik Impresionis, Esai.

Pendekatan biografis untuk mempelajari warisan seniman utama kata (G. Tukay, S. Ramieva, Sh. Babich, dan lainnya) dalam karya-karya ilmuwan Tatar abad ke-20. Penggunaan pendekatan biografis dalam kajian karya-karya M. Jalil, H. Tufan dan lain-lain.Penulisan esai pada pergantian abad 20-21.

Arah psikologis

Sekolah spiritual-historis di Jerman (W.Dilthey, W.Wundt), sekolah psikologi di Prancis (G.Tard, E.Enneken). Penyebab dan kondisi munculnya arah psikologis dalam kritik sastra Rusia. Konsep A.A. Potebnya, D.N. Ovsyaniko-Kulikovskiy.

Pendekatan psikologis dalam kritik sastra Tatar awal abad kedua puluh. Pandangan M.Marjani, J.Validi, G.Ibragimov, G.Gubaydullin, A.Mukhetdiniya dan lain-lain.Karya G.Battala "Teori Sastra".

Konsep analisis psikologis sebuah karya sastra pada 1920-an–30-an. (L.S. Vygotsky). Penelitian oleh K. Leonhard, Müller-Freinfels dan lainnya.

Psikoanalisa

Landasan Teoritik Kritik Psikoanalitik. Kehidupan dan karya Z. Freud. Tulisan-tulisan psikoanalitik Freud. Psikoanalisis C.G. Jung. Ketidaksadaran individu dan kolektif. Teori arketipe. Psikoanalisis humanistik Erich Fromm. Konsep ketidaksadaran sosial. Penelitian J. Lacan.

Teori psikoanalitik di Rusia pada 1920-an. abad ke-20 (I.D. Ermakov). Psikoanalisis dalam kritik sastra modern.

sosiologi

Munculnya sosiologi. Perbedaan antara metode sosiologis dan budaya-historis. Fitur penerapan metode sosiologis dalam kritik sastra Rusia dan Tatar. Pemandangan P.N. Sakulin. Prosiding G. Nigmati, F. Burnash.

Sosiologisme vulgar: genesis dan esensi (V.M. Friche, kemudian karya V.F. Pereverzev). FG Galimullin tentang sosiologi vulgar dalam kritik sastra Tatar.

Sosiologi sebagai elemen dalam konsep sastra paruh kedua abad ke-20 (V.N. Voloshinov, G.A. Gukovsky).

Munculnya konsep-konsep baru, arah yang berhasil mengatasi reduksionisme dari pendekatan sosiologis. Kehidupan dan karya M.M. Bakhtin, konsep dialog. Upaya memperluas kemungkinan metode sosiologis dalam karya M. Gainullin, G. Khalit, I. Nurullin.

Sosiologi dalam skala global: di Jerman (B. Brecht, G. Lukacs), di Italia (G. Wolpe), di Prancis, berjuang untuk sintesis sosiologi dan strukturalisme (L. Goldman), sosiologi dan semasiologi.

sekolah formal.

Metodologi ilmiah sekolah formal. Prosiding V. Shklovsky, B. Eichenbaum, B. Tomashevsky. Konsep "penerimaan / materi", "motivasi", "keterasingan", dll. Sekolah formal dan metodologi sastra abad XX.

Pengaruh sekolah formal pada pandangan kritikus sastra Tatar. Artikel oleh H.Taktash, H.Tufan tentang versi. Prosiding H. Vali. T.N.Galiullin tentang formalisme dalam sastra Tatar dan kritik sastra.

Strukturalisme

Peran lingkaran linguistik Praha dan sekolah linguistik Jenewa dalam pembentukan strukturalisme. Konsep struktur, fungsi, unsur, tingkatan, oposisi, dll. Pandangan Ya Mukarzhovsky: struktural dominan dan norma.

Kegiatan Parisian semiotik sekolah (awal R. Barthes, K. Levy-Strauss, A. J. Greimas, K. Bremont, J. Genette, W. Todorov), sekolah sosiologi sastra Belgia (L. Goldman dan lainnya).

Strukturalisme di Rusia. Upaya untuk menerapkan metode struktural dalam studi cerita rakyat Tatar (karya M.S. Magdeev, M.Kh. Bakirov, A.G. Yakhin), dalam analisis sekolah (A.G. Yakhin), dalam studi sejarah sastra Tatar (D.F. Zagidullina dan lainnya ).

munculnya naratologi - teori teks naratif dalam kerangka strukturalisme: P. Lubbock, N. Friedman, A.–J. Greimas, J. Genette, W. Schmid. Aparat terminologi naratologi.

B.S.Meilakh tentang metode kompleks dalam kritik sastra. Grup basis Kazan Yu.G. Nigmatullina. Masalah peramalan perkembangan sastra dan seni. Prosiding Yu.G. Nigmatullina.

Metode terintegrasi dalam studi kritikus sastra Tatar T.N. Galiullina, A.G. Akhmadullina, R.K. Ganieva dan lainnya.

hermeneutika

Informasi pertama tentang masalah interpretasi di Yunani Kuno dan Timur Pandangan perwakilan dari sekolah "spiritual-historis" Jerman (F. Schleiermacher, W. Dilthey). Konsep H.G. Gadamer. Konsep "lingkaran hermeneutik". Teori hermeneutik dalam kritik sastra Rusia modern (Yu. Borev, G.I. Bogin).

Gambar artistik. Konsep gambar artistik. Klasifikasi gambar artistik menurut sifat generalisasi.

Gambar artistik- cara menguasai dan mengubah realitas, yang hanya melekat dalam seni. Citra adalah setiap fenomena yang diciptakan kembali secara kreatif dalam sebuah karya seni, misalnya citra seorang pejuang, citra suatu bangsa.).
Menurut sifat generalisasi, gambar artistik dapat dibagi menjadi individu, karakteristik, tipikal, gambar-motif, topoi dan arketipe (mitologem).
Gambar individu dicirikan oleh orisinalitas, orisinalitas. Mereka biasanya produk dari imajinasi penulis. Gambar individu paling sering ditemukan di antara penulis roman dan fiksi ilmiah. Seperti, misalnya, adalah Quasimodo di Katedral Notre Dame V. Hugo, Setan dalam puisi M. Lermontov dengan nama yang sama, Woland dalam The Master and Margarita karya A. Bulgakov.
Sebuah citra karakteristik adalah generalisasi. Ini berisi ciri-ciri umum karakter dan moral yang melekat pada banyak orang di era tertentu dan lingkungan sosialnya (karakter The Brothers Karamazov oleh F. Dostoevsky, drama oleh A. Ostrovsky).
gambar khas mewakili level tertinggi dari karakteristik citra. Khas adalah keteladanan, indikasi zaman tertentu. Penggambaran gambar khas adalah salah satu pencapaian sastra realistis abad ke-19. Cukuplah untuk mengingat ayah dari Goriot dan Gobsek Balzac, Anna Terkadang dalam gambar artistik dapat ditangkap baik tanda-tanda sosio-historis zaman itu, dan ciri-ciri karakter universal pahlawan tertentu.
Gambar-motif- ini adalah tema yang secara konsisten diulang dalam karya seorang penulis, diekspresikan dalam berbagai aspek dengan memvariasikan unsur-unsurnya yang paling signifikan ("desa Rusia" oleh S. Yesenin, "Wanita Cantik" oleh A. Blok).
topos(Yunani topos - tempat, area) menunjukkan gambar umum dan khas yang dibuat dalam literatur seluruh era, bangsa, dan bukan dalam karya penulis individu. Contohnya adalah gambar "pria kecil" dalam karya penulis Rusia - dari Pushkin dan Gogol hingga M. Zoshchenko dan A. Platonov.
Pola dasar. Untuk pertama kalinya istilah ini ditemukan di kalangan romantika Jerman pada awal abad ke-19, namun, karya psikolog Swiss C. Jung (1875–1961) memberinya kehidupan sejati di berbagai bidang pengetahuan. Jung memahami "arketipe" sebagai citra universal, secara tidak sadar ditransmisikan dari generasi ke generasi. Paling sering, arketipe adalah gambar mitologis. Yang terakhir, menurut Jung, secara harfiah "mengisi" semua umat manusia, dan arketipe bersarang di alam bawah sadar seseorang, terlepas dari kebangsaan, pendidikan, atau seleranya.

Gambar artistik

Gambar artistik adalah ekspresi umum dari realitas, properti penting dari seni. Ini adalah hasil pemahaman seniman tentang suatu fenomena atau proses. Pada saat yang sama, gambar artistik tidak hanya mencerminkan, tetapi, di atas segalanya, menggeneralisasikan realitas, mengungkapkan yang abadi dalam diri individu, sementara. Gambar artistik tidak dapat dipisahkan dari prototipe material yang ada secara objektif. Namun, harus diingat bahwa gambar artistik, pertama-tama, adalah gambar, gambar kehidupan, dan bukan kehidupan itu sendiri. Seniman berusaha untuk memilih fenomena seperti itu dan menggambarkannya sedemikian rupa untuk mengekspresikan idenya tentang kehidupan, pemahamannya tentang kecenderungan dan polanya.
Jadi, "gambar artistik adalah gambar konkret dan sekaligus gambaran umum kehidupan manusia, dibuat dengan bantuan fiksi dan memiliki nilai estetika" (L. I. Timofeev).
Gambar sering dipahami sebagai elemen atau bagian dari keseluruhan artistik, sebagai suatu peraturan, fragmen seperti itu, yang tampaknya memiliki kehidupan dan konten yang independen (misalnya, karakter dalam sastra, gambar simbolis, seperti "layar" atau " awan” oleh M. Yu. Lermontov):

Layar putih sepi Di kabut biru laut!.. Apa yang dia cari di negara yang jauh? Apa yang dia lempar di tanah kelahirannya??.. atau

Awan surgawi, pengembara abadi! Stepa biru, rantai mutiara Anda terburu-buru seolah-olah seperti saya, orang buangan Dari utara yang manis ke selatan.

Sebuah gambar artistik menjadi artistik bukan karena dihapus dari alam dan terlihat seperti objek atau fenomena nyata, tetapi karena mengubah kenyataan dengan bantuan imajinasi penulis. Gambar artistik tidak begitu banyak meniru realitas karena berusaha menyampaikan yang paling penting dan esensial. Jadi, salah satu pahlawan novel Dostoevsky "The Teenager" mengatakan bahwa foto sangat jarang dapat memberikan gambaran yang benar tentang seseorang, karena wajah manusia tidak selalu mengekspresikan ciri-ciri karakter utama. Karena itu, misalnya, Napoleon, yang difoto pada saat tertentu, mungkin tampak bodoh. Seniman, di sisi lain, harus menemukan di wajah hal utama, karakteristik. Dalam novel Leo Tolstoy "Anna Karenina", Vronsky amatir dan seniman Mikhailov melukis potret Anna. Tampaknya Vronskii mengenal Anna lebih baik, memahaminya lebih dalam dan lebih dalam. Tetapi potret Mikhailov dibedakan tidak hanya oleh kesamaan, tetapi juga oleh keindahan khusus yang hanya dapat dideteksi oleh Mikhailov dan yang tidak diperhatikan Vronskii. "Kamu seharusnya mengenal dan mencintainya, seperti aku mencintainya, untuk menemukan ekspresi jiwanya yang paling manis," pikir Vronskii, meskipun dia hanya mengenali dari potret ini "ini adalah ekspresi spiritualnya yang paling manis."

Pada berbagai tahap perkembangan manusia, citra artistik mengambil berbagai bentuk.

Ini terjadi karena dua alasan:

subjek gambar berubah - seseorang,
bentuk refleksinya dalam seni juga berubah.
Ada keanehan dalam refleksi dunia (dan karenanya dalam penciptaan gambar artistik) oleh seniman realis, sentimentalis, romantis, modernis, dll. Seiring perkembangan seni, rasio realitas dan fiksi, realitas dan ideal, umum dan individu, rasional dan emosional, dll.
Dalam gambar-gambar sastra klasik, misalnya, sangat sedikit individualitas. Pahlawan ditandai, templat. Itu tidak berubah sepanjang pekerjaan. Sebagai aturan, pahlawan klasisisme adalah pembawa satu kebajikan dan satu sifat buruk. Sebagai aturan, semua gambar pahlawan karya klasisisme dapat dibagi menjadi positif dan negatif (Romeo dan Juliet, Dusun Shakespeare, Mitrofanushka dan Nyonya Prostakova di Fonvizin). Dan seniman romantis, sebaliknya, memperhatikan individu dalam diri seseorang, menggambarkan pahlawan pemberontak, penyendiri yang menolak masyarakat atau ditolak olehnya. Citra pahlawan sebuah karya romantis selalu bermuka dua, kita tersiksa oleh kontradiksi yang terjadi karena perbedaan antara dunia nyata tempat kita semua hidup dan dunia ideal, cara dunia seharusnya (Quasimodo dan Esmeralda Hugo, Don Quixote dari Cervantes, Mtsyri dan sebagian Pechorin Lermontov) . Realis berjuang untuk pengetahuan rasional tentang dunia, identifikasi hubungan sebab akibat antara objek dan fenomena. Gambar mereka adalah yang paling realistis, mereka hanya memiliki sedikit fiksi artistik (Chichikov karya Gogol, Raskolnikov karya Dostoyevsky). Dan kaum modernis mengumumkan bahwa adalah mungkin untuk mengetahui dunia dan manusia hanya dengan bantuan cara-cara irasional (intuisi, wawasan, inspirasi, dll.). Di tengah karya-karya realistis adalah seseorang dan hubungannya dengan dunia luar, sementara kaum romantis, dan kemudian modernis, terutama tertarik pada dunia batin para pahlawan mereka.
Meskipun pencipta gambar artistik adalah seniman (penyair, penulis, pelukis, pematung, arsitek, dll.), dalam arti, mereka yang melihat gambar-gambar ini, yaitu pembaca, pemirsa, pendengar, dll., ternyata juga menjadi rekan pencipta mereka Jadi, pembaca yang ideal tidak hanya secara pasif memahami gambar artistik, tetapi juga mengisinya dengan pikiran, perasaan, dan emosinya sendiri. Orang yang berbeda dan era yang berbeda mengungkapkan sisi yang berbeda darinya. Dalam pengertian ini, gambar artistik tidak ada habisnya dan beragam, seperti kehidupan itu sendiri.

Seni puitis berpikir dalam gambar. Citra merupakan unsur yang paling penting dan langsung dirasakan dari sebuah karya sastra. Citra merupakan fokus muatan ideologis dan estetis serta bentuk verbal perwujudannya.

Istilah "gambar artistik" berasal dari yang relatif baru. Ini pertama kali digunakan oleh J. W. Goethe. Namun, masalah gambar itu sendiri adalah salah satu yang kuno. Awal mula teori gambar artistik ditemukan dalam doktrin "mimesis" Aristoteles. Istilah “citra” banyak digunakan dalam kritik sastra setelah terbitnya karya-karya G. W. F. Hegel. Filsuf itu menulis: "Kita dapat menetapkan representasi puitis sebagai kiasan, karena ia menempatkan di depan mata kita, alih-alih esensi abstrak, realitas konkretnya."

G. V. F. Hegel, dengan merenungkan hubungan seni dengan cita-cita, memutuskan pertanyaan tentang dampak transformatif kreativitas seni pada kehidupan masyarakat. "Kuliah tentang Estetika" berisi teori rinci tentang gambar artistik: realitas estetika, ukuran artistik, konten ideologis, orisinalitas, keunikan, validitas umum, dialektika konten dan bentuk.

Dalam kritik sastra modern, citra artistik dipahami sebagai reproduksi fenomena kehidupan dalam bentuk individu yang konkret. Maksud dan tujuan gambar adalah untuk menyampaikan yang umum melalui individu, bukan meniru realitas, tetapi mereproduksinya.

Kata adalah sarana utama untuk menciptakan citra puitis dalam karya sastra. Citra artistik mengungkapkan visibilitas suatu objek atau fenomena.

Gambar memiliki parameter berikut: objektivitas, generalisasi semantik, struktur. Gambar objek bersifat statis dan deskriptif. Ini termasuk gambar detail, keadaan. Gambar semantik dibagi menjadi dua kelompok: individu - diciptakan oleh bakat dan imajinasi penulis, mencerminkan pola kehidupan di era tertentu dan di lingkungan tertentu; dan gambar-gambar yang melampaui batas-batas zaman mereka dan memperoleh makna kemanusiaan universal.

Gambar yang melampaui ruang lingkup karya dan seringkali di luar batas karya satu penulis termasuk gambar yang diulang dalam sejumlah karya oleh satu atau lebih penulis. Citra yang menjadi ciri seluruh era atau bangsa, dan citra-arketipe, mengandung "formula" imajinasi dan pengetahuan diri manusia yang paling stabil.

Citra artistik terkait dengan masalah kesadaran artistik. Ketika menganalisis sebuah gambar artistik, perlu diperhitungkan bahwa sastra adalah salah satu bentuk kesadaran sosial dan semacam aktivitas praktis-spiritual manusia.

Citra artistik bukanlah sesuatu yang statis, ia dibedakan oleh karakter prosedural. Di era yang berbeda, gambar tunduk pada persyaratan spesifik dan genre tertentu yang mengembangkan tradisi artistik. Pada saat yang sama, gambar adalah tanda individualitas kreatif yang unik.

Gambar artistik adalah generalisasi dari elemen-elemen realitas, yang diobjektifkan dalam bentuk yang dirasakan secara sensual, yang dibuat sesuai dengan hukum jenis dan genre seni ini, dengan cara kreatif individu tertentu.

Subyektif, individual dan objektif hadir dalam citra dalam satu kesatuan yang tidak dapat dipisahkan. Realitas adalah bahan untuk diketahui, sumber fakta dan sensasi, mengeksplorasi yang dipelajari orang kreatif tentang dirinya sendiri dan dunia, mewujudkan ide-ide ideologis, moralnya tentang yang nyata dan yang tepat dalam karya.

Citra artistik, yang mencerminkan tren kehidupan, sekaligus merupakan penemuan orisinal dan penciptaan makna baru yang tidak ada sebelumnya. Citra sastra berkorelasi dengan fenomena kehidupan, dan generalisasi yang terkandung di dalamnya menjadi semacam model bagi pemahaman pembaca tentang masalah dan konflik realitasnya sendiri.

Citra artistik yang holistik juga menentukan orisinalitas karya. Karakter, peristiwa, tindakan, metafora disubordinasikan sesuai dengan maksud asli penulis dan dalam plot, komposisi, konflik utama, tema, ide karya, mengungkapkan sifat sikap estetika seniman terhadap kenyataan.

Proses menciptakan gambar artistik, pertama-tama, adalah pemilihan bahan yang ketat: seniman mengambil fitur paling khas dari yang digambarkan, membuang semuanya secara acak, memberikan pengembangan, pembesaran dan penajaman fitur tertentu untuk kejelasan lengkap.

V. G. Belinsky menulis dalam artikel "Sastra Rusia pada tahun 1842": "Sekarang "ideal" dipahami bukan sebagai berlebihan, bukan kebohongan, bukan fantasi kekanak-kanakan, tetapi fakta kenyataan, seperti apa adanya; tetapi fakta tidak dihapuskan dari kenyataan, tetapi dibawa melalui fantasi penyair, diterangi oleh cahaya makna umum (dan tidak luar biasa, khusus dan kebetulan), didirikan menjadi mutiara kesadaran dan karena itu lebih mirip dengan dirinya sendiri, lebih benar sendiri dari salinan paling budak dengan benar ke aslinya. Jadi, dalam potret yang dibuat oleh seorang pelukis hebat, seseorang lebih mirip dirinya daripada bayangannya di daguerreotype, karena pelukis hebat dengan fitur tajam mengeluarkan segala sesuatu yang bersembunyi di dalam orang seperti itu dan yang, mungkin, adalah rahasia untuknya. orang ini sendiri".

Daya persuasif sebuah karya sastra tidak berkurang dan tidak terbatas pada kesetiaan reproduksi realitas dan apa yang disebut "kebenaran hidup". Itu ditentukan oleh orisinalitas interpretasi kreatif, pemodelan dunia dalam bentuk, persepsi yang menciptakan ilusi pemahaman fenomena manusia.

Gambar-gambar artistik yang diciptakan oleh D. Joyce dan I. Kafka tidak identik dengan pengalaman hidup pembaca, mereka sulit dibaca sebagai kebetulan yang lengkap dengan fenomena realitas. "Non-identitas" ini tidak berarti kurangnya kesesuaian antara isi dan struktur karya penulis dan memungkinkan kita untuk mengatakan bahwa gambar artistik bukanlah realitas asli yang hidup, tetapi merupakan model filosofis dan estetika dunia. dan laki-laki.

Dalam karakterisasi elemen gambar, kemungkinan ekspresif dan gambarnya sangat penting. Yang dimaksud dengan "ekspresifitas" adalah orientasi ideologis dan emosional gambar, dan dengan "piktorialitas" - makhluk sensualnya, yang mengubah keadaan subjektif dan penilaian seniman menjadi realitas artistik. Ekspresifitas gambar artistik tidak dapat direduksi menjadi transfer pengalaman subjektif seniman atau pahlawan. Ini mengungkapkan makna keadaan atau hubungan psikologis tertentu. Figuratif dari gambar artistik memungkinkan Anda untuk membuat ulang objek atau peristiwa dalam kejelasan visual. Ekspresi dan figuratif dari gambar artistik tidak dapat dipisahkan pada semua tahap keberadaannya - dari ide awal hingga persepsi karya yang telah selesai. Kesatuan organik figuratif dan ekspresif sepenuhnya terkait dengan sistem citra integral; gambar-elemen terpisah tidak selalu pembawa kesatuan tersebut.

Perlu dicatat pendekatan sosio-genetik dan epistemologis untuk mempelajari gambar. Yang pertama menetapkan kebutuhan dan alasan sosial yang memunculkan konten dan fungsi tertentu dari gambar, dan yang kedua menganalisis korespondensi gambar dengan kenyataan dan dikaitkan dengan kriteria kebenaran dan kebenaran.

Dalam teks sastra, konsep "penulis" diekspresikan dalam tiga aspek utama: penulis biografi, yang dikenal pembaca sebagai penulis dan pribadi; penulis "sebagai perwujudan dari esensi karya"; citra pengarang, mirip dengan citra-karakter lain dari karya tersebut, merupakan subyek generalisasi pribadi bagi setiap pembaca.

Definisi fungsi artistik gambar penulis diberikan oleh V. V. Vinogradov: “Gambar penulis bukan hanya subjek pembicaraan, paling sering bahkan tidak disebutkan dalam struktur karya. Ini adalah perwujudan terkonsentrasi dari esensi karya, menyatukan seluruh sistem struktur pidato karakter dalam hubungannya dengan narator, narator atau narator dan melalui mereka menjadi fokus ideologis dan gaya, fokus keseluruhan.

Hal ini diperlukan untuk membedakan antara citra penulis dan narator. Narator adalah gambar artistik khusus yang diciptakan oleh penulis, seperti orang lain. Ini memiliki tingkat konvensionalitas artistik yang sama, itulah sebabnya identifikasi narator dengan penulis tidak dapat diterima. Mungkin ada beberapa narator dalam sebuah karya, dan ini sekali lagi membuktikan bahwa penulis bebas untuk menyembunyikan "di bawah topeng" dari satu atau lain narator (misalnya, beberapa narator dalam "Belkin's Tales", dalam "A Hero of Our Time" "). Citra narator dalam novel karya F. M. Dostoevsky "Setan" itu kompleks dan beragam.

Gaya naratif dan kekhususan genre menentukan citra pengarang dalam karyanya. Seperti yang ditulis Yu. V. Mann, "setiap penulis muncul dalam sinar genrenya." Dalam klasisisme, penulis ode satir adalah penuduh, dan dalam elegi, penyanyi sedih, dalam kehidupan orang suci, seorang hagiografer. Ketika periode yang disebut "puisi genre" berakhir, citra penulis memperoleh fitur realistis, memperoleh makna emosional dan semantik yang diperluas. “Alih-alih satu, dua, beberapa warna, ada mereka yang beraneka warna, dan warna-warni,” kata Yu Mann. Penyimpangan resmi muncul - ini adalah bagaimana komunikasi langsung pencipta karya dengan pembaca diungkapkan.

Pembentukan genre novel berkontribusi pada perkembangan citra-narator. Dalam novel barok, narator bertindak secara anonim dan tidak mencari kontak dengan pembaca; dalam novel realistis, penulis-narator adalah pahlawan penuh dari karya tersebut. Dalam banyak hal, karakter utama karya mengungkapkan konsep penulis tentang dunia, mewujudkan pengalaman penulis. M. Cervantes, misalnya, menulis: “Pembaca yang tidak aktif! Anda dapat percaya tanpa sumpah, karena saya ingin buku ini, buah dari pemahaman saya, menjadi puncak keindahan, keanggunan dan perhatian. Tetapi bukan wewenang saya untuk membatalkan hukum alam, yang menurutnya setiap makhluk hidup melahirkan jenisnya sendiri.

Namun, bahkan ketika para pahlawan karya itu adalah personifikasi dari ide-ide penulis, mereka tidak identik dengan penulis. Bahkan dalam genre pengakuan, buku harian, catatan, orang tidak boleh mencari kecukupan penulis dan pahlawannya. Keyakinan J.-J. Rousseau bahwa otobiografi, suatu bentuk ideal introspeksi dan eksplorasi dunia, dipertanyakan oleh literatur abad ke-19.

Sudah M. Yu. Lermontov meragukan ketulusan pengakuan yang diungkapkan dalam pengakuan. Dalam kata pengantar Pechorin's Journal, Lermontov menulis: "Pengakuan Rousseau sudah merugikan karena dia membacanya kepada teman-temannya." Tanpa ragu, setiap seniman berusaha untuk membuat gambar itu hidup, dan plot yang menawan, oleh karena itu, mengejar "keinginan yang sia-sia untuk membangkitkan partisipasi dan kejutan."

A. S. Pushkin umumnya menyangkal perlunya pengakuan dalam bentuk prosa. Dalam sepucuk surat kepada P. A. Vyazemsky tentang catatan Byron yang hilang, penyair itu menulis: “Dia (Byron) mengaku dalam puisinya, tanpa sadar, terbawa oleh kegembiraan puisi. Dalam prosa berdarah dingin, dia akan berbohong dan licik, sekarang berusaha menunjukkan ketulusan, sekarang memfitnah musuh-musuhnya. Dia akan ditangkap, seperti Rousseau, dan di sana kebencian dan fitnah akan menang lagi... Anda tidak begitu mencintai siapa pun, Anda tidak mengenal siapa pun sebaik diri Anda sendiri. Subjek tidak ada habisnya. Tapi itu sulit. Adalah mungkin untuk tidak berbohong, tetapi menjadi tulus adalah ketidakmungkinan fisik.”

Pengantar Studi Sastra (N.L. Vershinina, E.V. Volkova, A.A. Ilyushin, dan lainnya) / Ed. L.M. Krupchanov. - M, 2005

Dilihat dari struktur sebuah karya sastra, citra artistik merupakan komponen terpenting dari bentuknya. Citra adalah pola pada “tubuh” objek estetis; peralatan "transmisi" utama dari mekanisme artistik, yang tanpanya pengembangan tindakan, pemahaman makna tidak mungkin dilakukan. Jika sebuah karya seni merupakan unit dasar sastra, maka citra artistik adalah unit dasar penciptaan sastra. Dengan bantuan gambar artistik, objek refleksi dimodelkan. Objek lanskap dan interior, peristiwa dan tindakan karakter diekspresikan dalam sebuah gambar. Niat penulis muncul dalam gambar; ide umum utama diwujudkan.

Jadi, dalam ekstravaganza A. Green "Scarlet Sails", tema utama cinta dalam karya tersebut tercermin dalam gambar artistik sentral - layar merah, yang berarti perasaan romantis yang agung. Gambar artistik adalah laut, di mana Assol mengintip, menunggu kapal putih; penginapan Menners yang terabaikan dan tidak nyaman; serangga hijau merayap di sepanjang baris dengan kata "lihat". Sebagai gambar artistik (gambar pertunangan) adalah pertemuan pertama dengan Gray Assol, ketika kapten muda itu meletakkan cincin tunangannya di jarinya; melengkapi kapal Gray dengan layar merah; minum anggur yang tidak boleh diminum siapa pun, dll.

Gambar artistik yang telah kami pilih: laut, kapal, layar merah, kedai minuman, kumbang, anggur adalah detail terpenting dari bentuk ekstravaganza. Berkat detail ini, karya A. Green mulai "hidup". Ini menerima karakter utama (Assol dan Gray), tempat pertemuan mereka (laut), serta kondisinya (kapal dengan layar merah), sarana (melihat dengan bantuan serangga), hasilnya ( pertunangan, pernikahan).

Dengan bantuan gambar, penulis menegaskan satu kebenaran sederhana. Ini adalah "melakukan apa yang disebut mukjizat dengan tangan Anda sendiri."

Dalam aspek sastra sebagai bentuk seni, citra artistik merupakan kategori sentral (sekaligus simbol) dari kreativitas sastra. Ini bertindak sebagai bentuk universal dari penguasaan kehidupan dan pada saat yang sama metode pemahamannya. Gambar artistik mencakup aktivitas sosial, bencana sejarah tertentu, perasaan dan karakter manusia, aspirasi spiritual. Dalam aspek ini, citra artistik tidak sekadar menggantikan fenomena yang ditunjukkan atau digeneralisasikan ciri-cirinya. Dia menceritakan tentang fakta kehidupan yang sebenarnya; mengenali mereka dalam semua keragaman mereka; mengungkapkan esensi mereka. Model kehidupan digambar dengan cara artistik, intuisi dan wawasan bawah sadar diungkapkan secara verbal. Ia menjadi epistemologis; membuka jalan menuju kebenaran, prototipe (dalam pengertian ini, kita berbicara tentang citra sesuatu: dunia, matahari, jiwa, Tuhan).

Pada tingkat asal, dua kelompok besar gambar artistik dibedakan: pengarang dan tradisional.

gambar penulis, seperti yang terlihat dari namanya sendiri, lahir di laboratorium kreatif penulis "untuk kebutuhan hari ini", "di sini dan sekarang". Mereka tumbuh dari visi subjektif dunia seniman, dari penilaian pribadinya terhadap peristiwa, fenomena atau fakta yang digambarkan. Citra penulis bersifat konkret, emosional, dan individual. Mereka dekat dengan pembaca dengan sifat manusia yang nyata. Siapa pun dapat mengatakan: "Ya, saya melihat (mengalami, "merasa") sesuatu yang serupa." Pada saat yang sama, gambar penulis bersifat ontologis (yaitu, mereka terkait erat dengan keberadaan, tumbuh darinya), khas dan karena itu selalu relevan. Di satu sisi, gambar-gambar ini mewujudkan sejarah negara dan masyarakat, memahami bencana sosial-politik (seperti, misalnya, petrel Gorky, yang meramalkan dan pada saat yang sama menyerukan revolusi). Di sisi lain, mereka menciptakan galeri jenis artistik yang tak ada bandingannya yang tetap dalam ingatan umat manusia sebagai model keberadaan yang nyata.

Jadi, misalnya, citra Pangeran Igor dari "Firman" mencontoh jalan spiritual seorang pejuang yang dibebaskan dari sifat buruk dan nafsu dasar. Gambar Eugene Onegin dari Pushkin mengungkapkan "gagasan" bangsawan yang kecewa dalam hidup. Tetapi gambar Ostap Bender dari karya-karya I. Ilf dan E. Petrov melambangkan jalan seseorang yang terobsesi dengan kehausan mendasar akan kekayaan materi.

Gambar tradisional dipinjam dari perbendaharaan budaya dunia. Mereka mencerminkan kebenaran abadi dari pengalaman kolektif orang-orang di berbagai bidang kehidupan (religius, filosofis, sosial). Citra tradisional bersifat statis, hermetis, dan karenanya universal. Mereka digunakan oleh penulis untuk "terobosan" artistik dan estetika ke dalam transendental dan transsubjektif. Tujuan utama dari gambar tradisional adalah restrukturisasi spiritual dan moral mendasar dari kesadaran pembaca menurut model "surgawi". Ini dilayani oleh banyak pola dasar dan simbol.

G. Sienkiewicz menggunakan citra (simbol) tradisional dalam novel "Quo wadis" dengan cukup terbuka. Simbol ini adalah ikan, yang dalam agama Kristen berarti Tuhan, Yesus Kristus dan orang-orang Kristen itu sendiri. Ikan digambar di atas pasir oleh Lygia, seorang wanita Polandia yang cantik, yang dengannya karakter utama, Mark Vinicius, jatuh cinta. Ikan itu pertama-tama ditarik oleh seorang mata-mata, dan kemudian oleh seorang martir Chilon Chilonides, mencari orang-orang Kristen.

Simbol ikan Kristen kuno memberikan narasi penulis tidak hanya rasa sejarah khusus. Pembaca, mengikuti karakter, juga mulai merenungkan makna simbol ini dan secara misterius memahami teologi Kristen.

Dalam aspek tujuan fungsional dibedakan gambar pahlawan, gambar (gambar) alam, gambar-benda dan gambar-detail.

Terakhir, dalam aspek konstruksi (aturan alegori, transfer makna), gambar artistik-simbol dan kiasan dibedakan.

Informasi serupa.

Gambar artistik

Gambar artistik - fenomena apa pun yang diciptakan kembali secara kreatif oleh penulis dalam sebuah karya seni. Ini adalah hasil pemahaman seniman tentang suatu fenomena atau proses. Pada saat yang sama, gambar artistik tidak hanya mencerminkan, tetapi, di atas segalanya, menggeneralisasikan realitas, mengungkapkan yang abadi dalam diri individu, sementara. Kekhususan gambar artistik ditentukan tidak hanya oleh fakta bahwa ia memahami realitas, tetapi juga oleh fakta bahwa ia menciptakan dunia fiksi baru. Seniman berusaha untuk memilih fenomena seperti itu dan menggambarkannya sedemikian rupa untuk mengekspresikan idenya tentang kehidupan, pemahamannya tentang kecenderungan dan polanya.

Jadi, "gambar artistik adalah gambar konkret dan sekaligus gambaran umum kehidupan manusia, dibuat dengan bantuan fiksi dan memiliki nilai estetika" (L. I. Timofeev).

Sebuah gambar sering dipahami sebagai elemen atau bagian dari keseluruhan artistik, sebagai suatu peraturan, fragmen seperti itu, yang tampaknya memiliki kehidupan dan konten yang independen (misalnya, karakter dalam sastra, gambar simbolis, seperti "layar" M. Yu. Lermontov). ”).

Sebuah gambar artistik menjadi artistik bukan karena dihapus dari alam dan terlihat seperti objek atau fenomena nyata, tetapi karena mengubah kenyataan dengan bantuan imajinasi penulis. Citra artistik tidak hanya dan tidak begitu banyak meniru realitas, tetapi cenderung menyampaikan yang paling penting dan esensial. Jadi, salah satu pahlawan novel Dostoevsky "The Teenager" mengatakan bahwa foto sangat jarang dapat memberikan gambaran yang benar tentang seseorang, karena wajah manusia tidak selalu mengekspresikan ciri-ciri karakter utama. Karena itu, misalnya, Napoleon, yang difoto pada saat tertentu, mungkin tampak bodoh. Seniman, di sisi lain, harus menemukan di wajah hal utama, karakteristik. Dalam novel Leo Tolstoy "Anna Karenina", Vronsky amatir dan seniman Mikhailov melukis potret Anna. Tampaknya Vronskii mengenal Anna lebih baik, memahaminya lebih dalam dan lebih dalam. Tetapi potret Mikhailov dibedakan tidak hanya oleh kesamaan, tetapi juga oleh keindahan khusus yang hanya dapat dideteksi oleh Mikhailov dan yang tidak diperhatikan Vronskii. “Kamu seharusnya mengenal dan mencintainya, seperti aku mencintainya, untuk menemukan ekspresi jiwanya yang paling manis ini,” pikir Vronsky, meskipun dia hanya mengenali dari potret ini “ini adalah ekspresi spiritualnya yang paling manis.”

Pada berbagai tahap perkembangan manusia, citra artistik mengambil berbagai bentuk.

Ini terjadi karena dua alasan:

subjek gambar berubah - seseorang,

bentuk refleksinya dalam seni juga berubah.

Ada keanehan dalam refleksi dunia (dan karenanya dalam penciptaan gambar artistik) oleh seniman realis, sentimentalis, romantis, modernis, dll. Seiring perkembangan seni, rasio realitas dan fiksi, realitas dan ideal, umum dan individu, rasional dan emosional dll.

Dalam gambar-gambar sastra klasik, misalnya, perjuangan antara perasaan dan kewajiban muncul ke permukaan, dan karakter-karakter positif selalu memilih yang terakhir, mengorbankan kebahagiaan pribadi atas nama kepentingan negara. Dan seniman romantis, sebaliknya, meninggikan pahlawan-pemberontak, penyendiri yang menolak masyarakat atau ditolak olehnya. Realis berjuang untuk pengetahuan rasional tentang dunia, identifikasi hubungan sebab akibat antara objek dan fenomena. Dan kaum modernis mengumumkan bahwa adalah mungkin untuk mengetahui dunia dan manusia hanya dengan bantuan cara-cara irasional (intuisi, wawasan, inspirasi, dll.). Di tengah karya-karya realistis adalah seseorang dan hubungannya dengan dunia luar, sementara kaum romantis, dan kemudian modernis, terutama tertarik pada dunia batin para pahlawan mereka.

Meskipun pencipta gambar artistik adalah seniman (penyair, penulis, pelukis, pematung, arsitek, dll.), dalam arti, mereka yang melihat gambar-gambar ini, yaitu pembaca, pemirsa, pendengar, dll., ternyata juga menjadi rekan pencipta mereka Jadi, pembaca yang ideal tidak hanya secara pasif memahami gambar artistik, tetapi juga mengisinya dengan pikiran, perasaan, dan emosinya sendiri. Orang yang berbeda dan era yang berbeda mengungkapkan sisi yang berbeda darinya. Dalam pengertian ini, citra artistik tidak ada habisnya, seperti kehidupan itu sendiri.

Sarana artistik untuk membuat gambar

Karakteristik pidato pahlawan :

- dialog- percakapan antara dua orang, terkadang lebih banyak orang;

- monolog- pidato satu orang;

- monolog internal- pernyataan satu orang, berupa ucapan batin.

Subteks - tidak terucapkan secara langsung, tetapi dapat ditebak oleh sikap penulisnya terhadap makna yang tergambar, tersirat, dan tersembunyi.

Potret - citra penampilan pahlawan sebagai sarana untuk mencirikannya.

Rincian -detail ekspresif dalam pekerjaan, membawa beban semantik dan emosional yang signifikan.

Simbol - gambar yang mengungkapkan makna suatu fenomena dalam bentuk objektif .

pedalaman -lingkungan dalam ruangan, lingkungan manusia.