Imagine artistică

imagine tipică
Imagine-motiv
topos
Arhetip.

Imagine artistică. Conceptul de imagine artistică. Funcţiile şi structura imaginii artistice.

Imagine artistică- una dintre principalele categorii de estetică, care caracterizează modul de afișare și transformare a realității inerente doar artei. O imagine se mai numește și orice fenomen recreat creativ de autor într-o operă de artă.
Imaginea artistică este unul dintre mijloacele de cunoaștere și schimbare a lumii, o formă sintetică de reflecție și exprimare a sentimentelor, gândurilor, aspirațiilor, emoțiilor estetice ale artistului.
Principalele sale funcții sunt: ​​cognitive, comunicative, estetice, educative. Numai în totalitatea lor dezvăluie trăsăturile specifice ale imaginii, fiecare dintre ele caracterizează individual doar o latură a acesteia; o luare în considerare izolată a funcțiilor individuale nu numai că sărăcește ideea de imagine, dar duce și la pierderea specificității acesteia ca formă specială de conștiință socială.
În structura imaginii artistice, rolul principal îl joacă mecanismele de identificare și transfer.
Mecanismul de identificare realizează identificarea subiectului și a obiectului, în care proprietățile, calitățile, semnele lor individuale sunt combinate într-un singur întreg; mai mult, identificarea este doar parțială, extrem de limitată: ea împrumută doar o trăsătură sau un număr limitat de trăsături ale persoanei obiective.
În structura imaginii artistice, identificarea apare în unitate cu un alt mecanism important al proceselor mentale primare – transferul.
Transferul este cauzat de tendința pulsiunilor inconștiente, în căutarea căilor de satisfacție, de a fi direcționate în mod asociativ către toate obiectele noi. Datorită transferului, o reprezentare este înlocuită cu alta de-a lungul seriei asociative și obiectele transferului se contopesc, creând în vise și nevroze așa-numitele. îngroşare.

Conflictul ca bază a intrigii lucrării. Conceptul de „motiv” în critica literară rusă.

Funcția cea mai importantă a intrigii este descoperirea contradicțiilor vieții, adică a conflictelor (în terminologia lui Hegel - ciocniri).

Conflict- confruntarea unei contradicții fie între personaje, fie între personaje și împrejurări, fie în interiorul unui personaj, care stă la baza acțiunii. Dacă avem de-a face cu o mică formă epică, atunci acțiunea se dezvoltă pe baza unui singur conflict. În lucrările de volum mare, numărul conflictelor crește.

Conflict- nucleul în jurul căruia se învârte totul. Cel mai puțin intriga seamănă cu o linie continuă, solidă, care leagă începutul și sfârșitul seriei de evenimente.

Etapele dezvoltării conflictului- elementele principale ale parcelei:

Genurile liric-epice și specificul lor.

Genurile epice lirice dezvăluie conexiuni în cadrul literaturii: din versuri - o temă, din epic - o intriga.

Combinând o narațiune epică cu un început liric - o expresie directă a experiențelor, gândurilor autorului

1. poem. – conținutul genului poate fi epic sau liric. (În acest sens, intriga este fie îmbunătățită, fie redusă). În antichitate, și apoi în epoca Evului Mediu, Renaștere și Clasicism, poemul, de regulă, a fost perceput și creat sinonim cu genul epic. Cu alte cuvinte, acestea erau epopee literare sau poezii epice (eroice). Poezia nu are o dependență directă de metodă, este reprezentată în egală măsură în romantism („Mtsyri”), în realism („Călărețul de bronz”), în simbolism („12”)...

2. baladă. - („cântec de dans” francez) și în acest sens este o operă poetică narativă specific romantică. În al doilea sens al cuvântului, balada este un gen de folclor; acest gen caracterizează cultura anglo-scoțienă a secolelor XIV-XVI.

3. fabulă este unul dintre cele mai vechi genuri. Poetica fabulei: 1) orientare satirică, 2) didacticism, 3) formă alegorică, 4) o trăsătură a genului forma yavl. Includerea în text (la început sau la sfârșit) a unei strofe scurte deosebite – moralitatea. Fabula este legată de pildă, în plus, fabula este legată genetic de basmul, anecdota și mai târziu nuvela. talentele fabuloase sunt rare: Esop, Lafontaine, I.A.Krylov.

4. ciclu liric- acesta este un fel de fenomen de gen legat de domeniul epopeei lirice, fiecare operă din care a fost și rămâne o operă lirică. Toate împreună, aceste lucrări lirice creează un „cerc”: principiul unificator este yavl. temă și erou liric. Ciclurile sunt create ca „un moment” și pot exista cicluri pe care autorul le formează de-a lungul mai multor ani.

Concepte de bază ale limbajului poetic și locul lor în programa școlară în literatură.

LIMBAJUL POETIC, vorbirea artistică, este limbajul operelor literare poetice (poetice) și în proză, un sistem de mijloace de gândire artistică și de dezvoltare estetică a realității.
Spre deosebire de limbajul obișnuit (practic), în care funcția comunicativă este cea principală (vezi Funcțiile limbajului), în P. I. domină funcția estetică (poetică), a cărei implementare concentrează mai multă atenție asupra reprezentărilor lingvistice în sine (fonice, ritmice, structurale, figurativ-semantice etc.), astfel încât acestea să devină mijloace valoroase de exprimare în sine. Figurativitatea generală și originalitatea artistică a lit. lucrările sunt percepute prin prisma lui P. I.
Distincția dintre limbajele obișnuite (practice) și cele poetice, adică funcțiile comunicative și poetice propriu-zise ale limbii, a fost propusă în primele decenii ale secolului XX. reprezentanți ai OPOYAZ (vezi). P. Ya., în opinia lor, diferă de tangibilitatea obișnuită a construcției sale: atrage atenția asupra ei, într-un anumit sens încetinește lectura, distrugând automatismul obișnuit al percepției textului; principalul lucru în ea este „să supraviețuiești făcând lucruri” (V. B. Shklovsky).
Potrivit lui R. O. Yakobson, care este apropiat de OPOYAZ în înțelegerea lui P. Ya., poezia în sine nu este altceva decât „o declarație cu atitudine față de expresia (...). Poezia este limbaj în funcția sa estetică.
P. i. strâns legată, pe de o parte, de limba literară (vezi), care stă la baza ei normativă, iar pe de altă parte, de limba națională, de unde trage o varietate de mijloace lingvistice caracterologice, de exemplu. dialectisme la transmiterea vorbirii personajelor sau pentru a crea o culoare locală a celui înfățișat. Cuvântul poetic crește din cuvântul real și în el, devenind motivat în text și îndeplinind o anumită funcție artistică. Prin urmare, orice semn al unei limbi poate fi, în principiu, estetic.

19. Conceptul metodei artistice. Istoria literaturii mondiale ca istorie a metodelor artistice în schimbare.

Metoda artistică (creativă) este un set de principii cele mai generale ale asimilării estetice a realității, care se repetă constant în opera unui anumit grup de scriitori care formează o direcție, o tendință sau o școală.

O.I. Fedotov observă că „conceptul de „metodă creativă” nu este foarte diferit de conceptul de „metodă artistică” care a dat naștere acestuia, deși au încercat să-l adapteze pentru a exprima un sens mai larg - ca mod de a studia viața socială sau ca principiile (stilurile) de bază ale unor tendințe întregi.

Conceptul de metodă artistică apare în anii 1920, când criticii Asociației Ruse a Scriitorilor Proletari (RAPP) împrumută această categorie din filosofie, căutând astfel să fundamenteze teoretic dezvoltarea mișcării lor literare și profunzimea gândirii creative a „proletarului” scriitori.

Metoda artistică are o natură estetică, reprezintă formele generale condiționate istoric ale gândirii figurative colorate emoțional.

Obiectele de artă sunt calitățile estetice ale realității, adică „semnificația socială largă a fenomenelor realității, atrase în practica socială și purtând pecetea forțelor esențiale” (Yu. Borev). Subiectul artei este înțeles ca un fenomen schimbător din punct de vedere istoric, iar schimbările vor depinde de natura practicii sociale și de dezvoltarea realității în sine. Metoda artistică este analogă cu obiectul de artă. Astfel, schimbările istorice în metoda artistică, precum și apariția unei noi metode artistice, pot fi explicate nu numai prin schimbările istorice ale obiectului de artă, ci și prin schimbarea istorică a calităților estetice ale realității. Subiectul de artă conține sângele metodei artistice. Metoda artistică este rezultatul unei reflectări creative a unui obiect de artă, care este percepută prin prisma viziunii generale filozofice și politice a artistului. „Metoda apare întotdeauna în fața noastră doar în întruchiparea ei artistică concretă – în materia vie a imaginii. Această chestiune a imaginii apare ca urmare a interacțiunii personale, cele mai intime a artistului cu lumea concretă din jurul său, care determină întregul proces artistic și de gândire necesar creării unei opere de artă” (L.I. Timofeev)

Metoda creativă nu este altceva decât o proiecție a imaginilor într-un anumit cadru istoric concret. Numai în ea percepția figurativă a vieții își primește realizarea concretă, adică. se transformă într-un anumit sistem de personaje, conflicte, povești, apărut organic.

Metoda artistică nu este un principiu abstract de selecție și generalizare a fenomenelor realității, ci o înțelegere condiționată istoric a acesteia în lumina principalelor întrebări pe care viața le pune artei în fiecare nouă etapă a dezvoltării ei.

Diversitatea metodelor artistice din aceeași epocă se explică prin rolul viziunii asupra lumii, care acționează ca un factor esențial în formarea metodei artistice. În fiecare perioadă a dezvoltării artei, apare o apariție simultană a diferitelor metode artistice în funcție de situația socială, deoarece epoca va fi considerată și percepută de artiști în moduri diferite. Apropierea pozițiilor estetice determină unitatea metodei unui număr de scriitori, care este asociată cu comunitatea idealurilor estetice, rudenia personajelor, omogenitatea conflictelor și a intrigilor și modul de scriere. Deci, de exemplu, K. Balmont, V. Bryusov, A. Blok sunt asociate cu simbolismul.

Metoda artistului se simte prin prisma stil lucrările sale, adică prin manifestarea individuală a metodei. Întrucât metoda este un mod de gândire artistică, metoda este latura subiectivă a stilului, deoarece. acest mod de gândire figurativă dă naștere unor trăsături ideologice și artistice ale artei. Conceptul de metodă și stilul individual al scriitorului se corelează unul cu celălalt ca și conceptul de gen și specie.

Interacţiune metoda si stilul:

§ Varietate de stiluri într-o singură metodă creativă. Acest lucru este confirmat de faptul că reprezentanții acestei sau acelei metode nu se alătură niciunui stil;

§ unitatea stilistică este posibilă numai în cadrul aceleiaşi metode, întrucât nici măcar asemănarea exterioară a operelor autorilor care aderă la aceeaşi metodă nu dă temei de a le clasifica ca un singur stil;

§ Influența inversă a stilului asupra metodei.

Folosirea deplină a tehnicilor de stil ale artiștilor care sunt adiacente unei metode este incompatibilă cu respectarea consecventă a principiilor noii metode.

Alături de conceptul de metodă creativă, conceptul direcție sau tip de creativitate care, în cele mai diverse forme și proporții, se vor manifesta în orice metodă care ia naștere în procesul de dezvoltare a istoriei literaturii, întrucât exprimă proprietățile generale ale reflectării figurative a vieții. În totalitatea lor, metodele formează curente literare (sau tendințe: romantism, realism, simbolism etc.).

Metoda determină doar direcția activității creative a artistului, și nu proprietățile sale individuale. Metoda artistică interacționează cu individualitatea creativă a scriitorului

Conceptul de „stil” nu este identic cu conceptul „individualitatea creativă a scriitorului”. Conceptul de „individualitate creativă” este mai larg decât ceea ce este exprimat prin conceptul restrâns de „stil”. În stilul scriitorilor, se manifestă o serie de proprietăți, care în totalitatea lor caracterizează individualitatea creativă a scriitorilor. Rezultatul concret și real al acestor proprietăți în literatură este stilul. Scriitorul își dezvoltă propriul stil individual pe baza uneia sau aceleia metode artistice. Putem spune că individualitatea creativă a scriitorului este o condiție necesară pentru dezvoltarea ulterioară a fiecărei metode artistice. Putem vorbi despre o nouă metodă artistică atunci când fenomene individuale noi create de individualitățile creative ale scriitorilor devin generale și reprezintă o nouă calitate în totalitatea lor.

Metoda artistică și individualitatea creativă a scriitorului se manifestă în literatură prin crearea de imagini literare, construcția de motive.

scoala mitologica

Apariția școlii mitologice la începutul secolelor XVIII-XIX. Influența „mitologiei germane” de către frații Grimm asupra formării școlii mitologice.

Şcoala mitologică în critica literară rusă: A.N. Afanasiev, F.I. Buslaev.

Tradițiile școlii mitologice în lucrările lui K.Nasyri, Sh.Marjani, V.V.Radlov și alții.

metoda biografică

Fundamentele teoretice și metodologice ale metodei biografice. Viața și opera lui Sh.O. Saint-Bev. Metoda biografică în critica literară rusă a secolului al XIX-lea. (activitatea științifică a lui N.A. Kotlyarevsky).

Transformarea metodei biografice în a doua jumătate a secolului XX: critica impresionistă, eseism.

Abordare biografică a studiului moștenirii artiștilor majori ai cuvântului (G. Tukay, S. Ramieva, Sh. Babich și alții) în lucrările oamenilor de știință tătari din secolul XX. Utilizarea unei abordări biografice în studiul lucrărilor lui M. Jalil, H. Tufan ș.a. Scrierea de eseuri la începutul secolelor XX-XXI.

Direcția psihologică

Scoala spiritual-istorica in Germania (W.Dilthey, W.Wundt), scoala psihologica in Franta (G.Tard, E.Enneken). Cauze și condiții pentru apariția unei direcții psihologice în critica literară rusă. Conceptele lui A.A. Potebnya, D.N. Ovsyaniko-Kulikovskiy.

Abordarea psihologică în critica literară tătară de la începutul secolului XX. Opiniile lui M.Marjani, J.Validi, G.Ibragimov, G.Gubaydullin, A.Mukhetdiniya și alții. Lucrarea lui G.Battala „Teoria literaturii”.

Conceptul de analiză psihologică a unei opere literare în anii 1920-1930. (L.S. Vygotsky). Cercetări de K. Leonhard, Müller-Freinfels și alții.

Psihanaliză

Fundamentele teoretice ale criticii psihanalitice. Viața și opera lui Z. Freud. Scrieri psihanalitice ale lui Freud. Psihanaliza lui C.G. Jung. Inconștientul individual și colectiv. Teoria arhetipurilor. Psihanaliza umanistă a lui Erich Fromm. Conceptul de inconștient social. Cercetările lui J. Lacan.

Teoriile psihanalitice în Rusia în anii 1920. Secolului 20 (I.D. Ermakov). Psihanaliza în critica literară modernă.

Sociologism

Apariția sociologiei. Diferența dintre metodele sociologice și cele cultural-istorice. Caracteristici ale aplicării metodei sociologice în critica literară rusă și tătară. Vederi ale lui P.N. Sakulin. Proceedings of G. Nigmati, F. Burnash.

Sociologismul vulgar: geneză și esență (V.M. Friche, lucrări ulterioare ale lui V.F. Pereverzev). FG Galimullin despre sociologismul vulgar în critica literară tătară.

Sociologismul ca element în conceptele literare din a doua jumătate a secolului al XX-lea (V.N. Voloshinov, G.A. Gukovsky).

Apariția de noi concepte, direcții care au reușit să depășească reducționismul abordării sociologice. Viața și opera lui M.M. Bakhtin, conceptul de dialog. O încercare de extindere a posibilităților metodei sociologice în lucrările lui M. Gainullin, G. Khalit, I. Nurullin.

Sociologismul la scară globală: în Germania (B. Brecht, G. Lukacs), în Italia (G. Wolpe), în Franța, străduindu-se sinteza sociologismului și structuralismului (L. Goldman), sociologismului și semasiologiei.

școală formală.

Metodologia științifică a școlii formale. Proceedings of V. Shklovsky, B. Eichenbaum, B. Tomashevsky. Conceptele de „recepție/material”, „motivare”, „înstrăinare”, etc. Școala formală și metodologiile literare ale secolului XX.

Influența școlii formale asupra opiniilor criticilor literari tătari. Articole de H.Taktash, H.Tufan despre versificare. Proceedings of H. Vali. T.N.Galiullin despre formalism în literatura tătară și critica literară.

Structuralism

Rolul cercului lingvistic de la Praga și al școlii lingvistice de la Geneva în formarea structuralismului. Conceptele de structură, funcție, element, nivel, opoziție etc. Opiniile lui Ya. Mukarzhovsky: dominantă structurală și normă.

Activitățile parizianului semioticășcoli (R. Barthes timpurii, K. Levy-Strauss, A. J. Greimas, K. Bremont, J. Genette, W. Todorov), școala belgiană de sociologie a literaturii (L. Goldman și alții).

Structuralismul în Rusia. Încercările de aplicare a metodei structurale în studiul folclorului tătar (lucrări de M.S. Magdeev, M.Kh. Bakirov, A.G. Yakhin), în analiza școlară (A.G. Yakhin), în studiul istoriei literaturii tătare (D.F. Zagidullina și alții). ).

aparitie naratologie - teoria textelor narative în cadrul structuralismului: P. Lubbock, N. Friedman, A.–J. Greimas, J. Genette, W. Schmid. Aparatul terminologic al naratologiei.

B.S.Meilakh despre metoda complexaîn critica literară. Grupul de bază din Kazan Yu.G. Nigmatullina. Probleme de prognoză a dezvoltării literaturii și artei. Proceedings of Yu.G. Nigmatullina.

O metodă integrată în studiile criticilor literari tătari T.N. Galiullina, A.G. Akhmadullina, R.K. Ganieva și alții.

hermeneutica

Primele informații despre problema interpretării în Grecia Antică și Orient. Vizualizări ale reprezentanților școlii „spiritual-istorice” germane (F. Schleiermacher, W. Dilthey). Conceptul lui H. G. Gadamer. Conceptul de „cerc hermeneutic”. Teoria hermeneutică în critica literară rusă modernă (Yu. Borev, G.I. Bogin).

Imagine artistică. Conceptul de imagine artistică. Clasificarea imaginilor artistice după natura generalizării.

Imagine artistică- un mod de stăpânire și transformare a realității, inerent doar artei. O imagine este orice fenomen care este recreat creativ într-o operă de artă, de exemplu, imaginea unui războinic, imaginea unui popor.).
După natura generalizării, imaginile artistice pot fi împărțite în individuale, caracteristice, tipice, imagini-motive, topoi și arhetipuri (mitologie).
Imaginile individuale se caracterizează prin originalitate, originalitate. Ele sunt de obicei produsul imaginației scriitorului. Imaginile individuale se găsesc cel mai adesea printre romantici și scriitorii de science fiction. Așa sunt, de exemplu, Quasimodo din Catedrala Notre Dame a lui V. Hugo, Demonul din poemul omonim al lui M. Lermontov, Woland din Maestrul și Margarita de A. Bulgakov.
O imagine caracteristică se generalizează. Conține trăsături comune ale personajelor și moravurilor inerente multor oameni dintr-o anumită epocă și sferelor sale sociale (personaje din „Frații Karamazov” de F. Dostoievski, piese de teatru de A. Ostrovsky).
imagine tipică reprezintă cel mai înalt nivel al imaginii caracteristice. Tipic este exemplar, indică o anumită epocă. Reprezentarea imaginilor tipice a fost una dintre realizările literaturii realiste din secolul al XIX-lea. Este suficient să ne amintim de tatăl lui Goriot și Gobsek Balzac, Anna Uneori, în imaginea artistică pot fi surprinse atât semnele socio-istorice ale epocii, cât și trăsăturile universale de caracter ale unui anumit erou.
Imagine-motiv- aceasta este o temă care se repetă constant în opera unui scriitor, exprimată în diverse aspecte prin variarea elementelor sale cele mai semnificative („satul Rusia” de S. Yesenin, „Frumoasa Doamnă” de A. Blok).
topos(topos grecesc - loc, zonă) denotă imagini generale și tipice create în literatura unei întregi epoci, a unei națiuni, și nu în opera unui autor individual. Un exemplu este imaginea „omului mic” din opera scriitorilor ruși - de la Pușkin și Gogol la M. Zoșcenko și A. Platonov.
Arhetip. Pentru prima dată acest termen se găsește printre romanticii germani la începutul secolului al XIX-lea, însă, opera psihologului elvețian C. Jung (1875–1961) i-a oferit o viață adevărată în diverse domenii ale cunoașterii. Jung a înțeles „arhetipul” ca pe o imagine universală, transmisă inconștient din generație în generație. Cel mai adesea, arhetipurile sunt imagini mitologice. Acesta din urmă, potrivit lui Jung, a „umplut” literalmente întreaga umanitate, iar arhetipurile se cuibăresc în subconștientul unei persoane, indiferent de naționalitatea, educația sau gusturile sale.

Imagine artistică

Imagine artistică este o expresie generalizată a realității, o proprietate esențială a artei. Este rezultatul înțelegerii de către artist a unui fenomen sau proces. În același timp, imaginea artistică nu numai că reflectă, dar, mai ales, generalizează realitatea, dezvăluie eternul în individ, trecător. O imagine artistică este inseparabilă de prototipul său material existent în mod obiectiv. Cu toate acestea, trebuie amintit că o imagine artistică este, în primul rând, o imagine, o imagine a vieții și nu viața însăși. Artistul se străduiește să selecteze astfel de fenomene și să le înfățișeze în așa fel încât să-și exprime ideea despre viață, înțelegerea tendințelor și tiparelor acesteia.
Deci, „o imagine artistică este o imagine concretă și în același timp generalizată a vieții umane, creată cu ajutorul ficțiunii și având valoare estetică” (L. I. Timofeev).
O imagine este adesea înțeleasă ca un element sau parte a unui întreg artistic, de regulă, un astfel de fragment care pare să aibă o viață și un conținut independent (de exemplu, un personaj din literatură, imagini simbolice, cum ar fi o „vela” sau „ nori" de M. Yu. Lermontov):

Vela albă singură În ceața albastră a mării!.. Ce caută într-o țară îndepărtată? Ce a aruncat în țara natală?.. sau

Nori cerești, rătăcitori veșnici! Azur de stepă, lanț de perle Vă grăbiți ca și mine, exilați De la nordul dulce la sud.

O imagine artistică devine artistică nu pentru că este scoasă din natură și arată ca un obiect sau un fenomen real, ci pentru că transformă realitatea cu ajutorul imaginației autorului. Imaginea artistică nu copiază atât realitatea, cât caută să transmită cele mai importante și esențiale. Astfel, unul dintre eroii romanului lui Dostoievski „Adolescentul” a spus că fotografiile pot da foarte rar o idee corectă a unei persoane, deoarece chipul uman nu exprimă întotdeauna trăsăturile principale ale caracterului. Prin urmare, de exemplu, Napoleon, fotografiat la un moment dat, ar putea părea prost. Artistul, în schimb, trebuie să găsească în chip principalul, caracteristica. În romanul lui Lev Tolstoi „Anna Karenina”, amatorul Vronski și artistul Mihailov au pictat un portret al Annei. Se pare că Vronsky o cunoaște mai bine pe Anna, o înțelege din ce în ce mai profund. Dar portretul lui Mihailov se distingea nu numai prin asemănare, ci și prin acea frumusețe deosebită pe care numai Mihailov o putea detecta și pe care Vronski nu a observat-o. „Trebuia să o cunoști și să o iubești, așa cum am iubit-o eu, pentru a găsi această expresie cea mai dulce a sufletului ei”, se gândea Vronski, deși nu recunoștea decât din acest portret „aceasta este expresia ei spirituală cea mai dulce”.

În diferite etape ale dezvoltării umane, imaginea artistică îmbracă diverse forme.

Acest lucru se întâmplă din două motive:

subiectul imaginii se schimbă - o persoană,
se schimbă şi formele reflectării sale în artă.
Există unele particularități în reflectarea lumii (și, prin urmare, în crearea imaginilor artistice) de către artiștii realiști, sentimentaliști, romantici, moderniști etc. Pe măsură ce arta se dezvoltă, raportul dintre realitate și ficțiune, realitate și ideal, general și individual. , rațional și emoțional etc.
În imaginile literaturii clasice, de exemplu, există foarte puțină individualitate. Eroii sunt tipificați, șablon. Nu se schimbă pe parcursul lucrării. De regulă, eroul clasicismului este purtătorul unei virtuți și al unui viciu. De regulă, toate imaginile eroilor unei opere a clasicismului pot fi împărțite în pozitive și negative (Romeo și Julieta, Hamletul lui Shakespeare, Mitrofanushka și doamna Prostakova la Fonvizin). Și artiștii romantici, dimpotrivă, acordă atenție individului dintr-o persoană, înfățișează un erou rebel, un singuratic care a respins societatea sau a fost respins de aceasta. Imaginea eroului unei opere romantice este întotdeauna cu două fețe, suntem chinuiți de contradicții care apar datorită diferenței dintre lumea reală în care trăim cu toții și lumea ideală, așa cum ar trebui să fie lumea (Quasimodo și Esmeralda Hugo, Don Quijote din Cervantes, Mtsyri și parțial Pechorin Lermontov). Realiștii s-au străduit pentru o cunoaștere rațională a lumii, identificarea relațiilor cauzale dintre obiecte și fenomene. Imaginile lor sunt cele mai realiste, au foarte puțină ficțiune artistică (Cichikov de Gogol, Raskolnikov de Dostoievski). Iar moderniștii au anunțat că se poate cunoaște lumea și omul doar cu ajutorul mijloacelor iraționale (intuiție, perspicacitate, inspirație etc.). În centrul lucrărilor realiste se află o persoană și relația sa cu lumea exterioară, în timp ce romanticii, apoi moderniștii, sunt interesați în primul rând de lumea interioară a eroilor lor.
Deși creatorii de imagini artistice sunt artiști (poeți, scriitori, pictori, sculptori, arhitecți etc.), într-un fel, cei care percep aceste imagini, adică cititorii, privitorii, ascultătorii etc., se dovedesc a fi și ei. co-creatorii lor.Așadar, cititorul ideal nu numai că percepe pasiv imaginea artistică, ci și-o umple cu propriile gânduri, sentimente și emoții. Oameni diferiți și epoci diferite dezvăluie părți diferite ale acesteia. În acest sens, imaginea artistică este inepuizabilă și multifațetă, ca viața însăși.

Arta poetică este gândirea în imagini. Imaginea este elementul cel mai important și direct perceput al unei opere literare. Imaginea este punctul central al conținutului ideologic și estetic și al formei verbale a întruchipării sale.

Termenul „imagine artistică” este de origine relativ recentă. A fost folosit pentru prima dată de J. W. Goethe. Cu toate acestea, problema imaginii în sine este una dintre cele antice. Începutul teoriei imaginii artistice se regăsește în doctrina lui Aristotel despre „mimesis”. Termenul „imagine” a fost utilizat pe scară largă în critica literară după publicarea lucrărilor lui G. W. F. Hegel. Filosoful scria: „Putem desemna o reprezentare poetică ca fiind figurativă, deoarece ea ne pune în fața ochilor, în loc de o esență abstractă, realitatea ei concretă”.

G. V. F. Hegel, reflectând asupra relației artei cu idealul, a decis problema impactului transformator al creativității artistice asupra vieții societății. „Prelegerile de estetică” conţin o teorie detaliată a imaginii artistice: realitate estetică, măsură artistică, conţinut ideologic, originalitate, unicitate, valabilitate generală, dialectica conţinutului şi formei.

În critica literară modernă, imaginea artistică este înțeleasă ca reproducerea fenomenelor vieții într-o formă concretă, individuală. Scopul și scopul imaginii este de a transmite generalul prin individ, nu imitând realitatea, ci reproducând-o.

Cuvântul este principalul mijloc de creare a unei imagini poetice în literatură. Imaginea artistică dezvăluie vizibilitatea unui obiect sau fenomen.

Imaginea are următorii parametri: obiectivitate, generalizare semantică, structură. Imaginile obiectelor sunt statice și descriptive. Acestea includ imagini cu detalii, circumstanțe. Imaginile semantice sunt împărțite în două grupe: individuale - create de talentul și imaginația autorului, reflectă tiparele de viață într-o anumită epocă și într-un anumit mediu; și imagini care depășesc granițele erei lor și capătă o semnificație umană universală.

Imaginile care depășesc domeniul de aplicare al lucrării și adesea dincolo de limitele lucrării unui scriitor includ imagini care sunt repetate într-un număr de lucrări ale unuia sau mai multor autori. Imaginile caracteristice unei întregi epoci sau națiuni, precum și imaginile-arhetipuri, conțin cele mai stabile „formule” ale imaginației umane și autocunoașterii.

Imaginea artistică este legată de problema conștiinței artistice. Atunci când se analizează o imagine artistică, trebuie avut în vedere faptul că literatura este una dintre formele conștiinței sociale și un fel de activitate umană practic-spirituală.

Imaginea artistică nu este ceva static, se remarcă printr-un caracter procedural. În diferite epoci, imaginea este supusă anumitor cerințe specifice și de gen care dezvoltă tradiții artistice. În același timp, imaginea este un semn al unei individualități creative unice.

O imagine artistică este o generalizare a elementelor realității, obiectivate în forme percepute senzual, care sunt create după legile tipului și genului acestei arte, într-o anumită manieră creativă individuală.

Subiectiv, individual și obiectiv sunt prezente în imagine într-o unitate inseparabilă. Realitatea este materialul care trebuie cunoscut, sursa faptelor și senzațiilor, explorând pe care persoana creatoare se studiază pe sine și lumea, întruchipează ideile sale ideologice, morale despre real și propriul în operă.

Imaginea artistică, reflectând tendințele vieții, este în același timp o descoperire originală și crearea de noi sensuri care nu existau înainte. Imaginea literară se corelează cu fenomenele vieții, iar generalizarea conținută în ea devine un fel de model pentru înțelegerea de către cititor a propriilor probleme și conflicte ale realității.

O imagine artistică holistică determină și originalitatea lucrării. Personajele, evenimentele, acțiunile, metaforele sunt subordonate în conformitate cu intenția originală a autorului, iar în complot, compoziția, conflictele principale, tema, ideea operei exprimă natura atitudinii estetice a artistului față de realitate.

Procesul de creare a unei imagini artistice, în primul rând, este o selecție strictă a materialului: artistul preia cele mai caracteristice trăsături ale descrisului, aruncă totul la întâmplare, dând dezvoltare, mărind și ascuțind anumite caracteristici pentru o claritate completă.

V. G. Belinsky scria în articolul „Literatura rusă în 1842”: „Acum „idealul” este înțeles nu ca o exagerare, nu o minciună, nu o fantezie copilărească, ci un fapt al realității, așa cum este; ci un fapt nedescărcat din realitate, ci purtat prin fantezia poetului, luminat de lumina unui sens general (și nu excepțional, particular și accidental), ridicat într-o perlă a conștiinței și, prin urmare, mai asemănătoare cu sine, mai fidelă. în sine decât cea mai servilă copie cu fidelitate originalului său. Deci, într-un portret realizat de un mare pictor, o persoană seamănă mai mult cu ea însăși decât chiar și reflectarea sa într-un dagherotip, pentru că marele pictor cu trăsături ascuțite a scos în evidență tot ceea ce pândește în interiorul unei astfel de persoane și care, poate, este un secret pentru această persoană însuși.”

Persuasivitatea unei opere literare nu se reduce și nu se limitează la fidelitatea reproducerii realității și a așa-numitului „adevăr al vieții”. Este determinată de originalitatea interpretării creative, de modelarea lumii în forme, a cărei percepție creează iluzia înțelegerii fenomenului omului.

Imaginile artistice create de D. Joyce și I. Kafka nu sunt identice cu experiența de viață a cititorului, este greu de citit ca o coincidență deplină cu fenomenele realității. Această „nonidentitate” nu înseamnă o lipsă de corespondență între conținutul și structura operelor scriitorilor și ne permite să spunem că imaginea artistică nu este un original viu al realității, ci este un model filozofic și estetic al lumii. si omul.

În caracterizarea elementelor imaginii, posibilitățile lor expresive și picturale sunt esențiale. Prin „expresivitate” ar trebui să se înțeleagă orientarea ideologică și emoțională a imaginii, iar prin „pictorialitate” - ființa sa senzuală, care transformă starea subiectivă și evaluarea artistului în realitate artistică. Expresivitatea imaginii artistice este ireductibilă la transferul experiențelor subiective ale artistului sau eroului. Exprimă semnificația anumitor stări sau relații psihologice. Figurativitatea imaginii artistice vă permite să recreați obiecte sau evenimente în claritate vizuală. Expresivitatea și figurativitatea unei imagini artistice sunt inseparabile în toate etapele existenței sale - de la ideea inițială până la percepția lucrării finalizate. Unitatea organică a figurativității și expresivității este pe deplin legată de sistemul-image integral; elementele-imagini separate nu sunt întotdeauna purtători ai unei astfel de unități.

Trebuie remarcate abordările socio-genetice și epistemologice ale studiului imaginii. Primul stabilește nevoi sociale și cauze care dau naștere unui anumit conținut și funcții ale imaginii, iar al doilea analizează corespondența imaginii cu realitatea și este asociat cu criteriile de adevăr și veridicitate.

Într-un text literar, conceptul de „autor” este exprimat în trei aspecte principale: un autor biografic, despre care cititorul îl cunoaște ca scriitor și persoană; autorul „ca întruchipare a esenței operei”; imaginea autorului, asemănătoare cu alte imagini-personaje ale operei, este subiect de generalizare personală pentru fiecare cititor.

Definiția funcției artistice a imaginii autorului a fost dată de V. V. Vinogradov: „Imaginea autorului nu este doar un subiect de vorbire, de cele mai multe ori nici nu este numită în structura operei. Aceasta este o întruchipare concentrată a esenței operei, unind întregul sistem de structuri de vorbire ale personajelor în relația lor cu naratorul, naratorul sau naratorii și prin ele fiind focarul ideologic și stilistic, focusul întregului.

Este necesar să se facă distincția între imaginea autorului și a naratorului. Naratorul este o imagine artistică deosebită inventată de autor, ca toți ceilalți. Are același grad de convenționalitate artistică, motiv pentru care identificarea naratorului cu autorul este inacceptabilă. Într-o lucrare pot fi mai mulți naratori, iar acest lucru dovedește încă o dată că autorul este liber să se ascundă „sub masca” unuia sau altuia narator (de exemplu, mai mulți naratori din „Poveștile lui Belkin”, în „Un erou al timpului nostru”. "). Imaginea naratorului din romanul lui F. M. Dostoievski „Demonii” este complexă și cu mai multe fațete.

Stilul narativ și specificul genului determină imaginea autorului în operă. După cum scrie Yu. V. Mann, „fiecare autor apare în razele genului său”. În clasicism, autorul unei ode satirice este un acuzator, iar într-o elegie, un cântăreț trist, în viața unui sfânt, un hagiograf. Când așa-numita perioadă a „poeticii genului” se încheie, imaginea autorului capătă trăsături realiste, capătă un sens emoțional și semantic extins. „În loc de una, două, mai multe culori, există multicolorul lor pestriț și iridescent”, spune Yu. Mann. Apar digresiuni autoriale – astfel se exprimă comunicarea directă a creatorului operei cu cititorul.

Formarea genului romanului a contribuit la dezvoltarea naratorului-imagine. În romanul baroc, naratorul acționează anonim și nu caută contactul cu cititorul; în romanul realist, autorul-naratorul este un erou cu drepturi depline al operei. În multe feluri, personajele principale ale operelor exprimă conceptul autorului despre lume, întruchipează experiențele scriitorului. M. Cervantes, de exemplu, scria: „Cititor inactiv! Poți să crezi fără jurământ, așa cum aș vrea ca această carte, rodul înțelegerii mele, să fie culmea frumuseții, grației și chibzuirii. Dar nu stă în puterea mea să anulez legea naturii, potrivit căreia fiecare ființă vie dă naștere unui soi propriu.

Și totuși, chiar și atunci când eroii operei sunt personificarea ideilor autorului, ei nu sunt identici cu autorul. Chiar și în genurile de confesiune, jurnal, note, nu ar trebui să se caute adecvarea autorului și a eroului. Condamnarea lui J.-J. Rousseau că autobiografia, o formă ideală de introspecție și explorare a lumii, a fost pusă sub semnul întrebării de literatura secolului al XIX-lea.

Deja M. Yu. Lermontov se îndoia de sinceritatea mărturisirilor exprimate în confesiune. În prefața Jurnalului lui Pechorin, Lermontov scria: „Mărturisirea lui Rousseau are deja dezavantajul că a citit-o prietenilor săi”. Fără îndoială, fiecare artist se străduiește să facă imaginea vie, iar intriga captivantă, prin urmare, urmărește „o dorință zadarnică de a trezi participarea și surprinderea”.

A. S. Pușkin a negat în general necesitatea mărturisirii în proză. Într-o scrisoare către P. A. Vyazemsky cu privire la notele pierdute ale lui Byron, poetul a scris: „El (Byron) a mărturisit în poemele sale, involuntar, purtat de plăcerea poeziei. În proză cu sânge rece, el ar minți și viclean, acum încercând să-și arate sinceritatea, acum defăimindu-și dușmanii. S-ar fi prins, ca și Rousseau, și acolo vor triumfa iar răutatea și calomnia... Nu iubești pe nimeni atât de mult, nu cunoști pe nimeni la fel de bine ca tine. Subiectul este inepuizabil. Dar e greu. Este posibil să nu minți, dar să fii sincer este o imposibilitate fizică.”

Introducere în studiile literare (N.L. Vershinina, E.V. Volkova, A.A. Ilyushin și alții) / Ed. L.M. Krupchanov. - M, 2005

În ceea ce privește structura unei opere literare, imaginea artistică este cea mai importantă componentă a formei acesteia. O imagine este un model pe „corpul” unui obiect estetic; principalul angrenaj „transmițător” al mecanismului artistic, fără de care dezvoltarea acțiunii, înțelegerea sensului este imposibilă. Dacă o operă de artă este unitatea de bază a literaturii, atunci imaginea artistică este unitatea de bază a creației literare. Cu ajutorul imaginilor artistice se modelează obiectul de reflecție. Obiectele peisajului și interiorului, evenimentele și acțiunile personajelor sunt exprimate într-o imagine. Intenția autorului reiese din imagini; ideea generală principală este întruchipată.

Așadar, în extravaganța lui A. Green „Scarlet Sails”, tema principală a iubirii din lucrare se reflectă în imaginea artistică centrală – pânze stacojii, adică un sentiment romantic sublim. Imaginea artistică este marea, în care se uită Assol, aşteptând o corabie albă; hanul neglijat și inconfortabil din Menners; o insectă verde care se târă de-a lungul liniei cu cuvântul „uite”. Ca imagine artistică (imaginea logodnei) este prima întâlnire cu Gray Assol, când tânărul căpitan își pune pe deget inelul logodnei; echiparea navei lui Gray cu pânze stacojii; bea vin pe care nimeni nu ar fi trebuit să-l bea etc.

Imaginile artistice pe care le-am evidențiat: marea, corabia, pânzele stacojii, taverna, gândacul, vinul sunt cele mai importante detalii ale formei de extravaganță. Datorită acestor detalii, opera lui A. Green începe să „trăiască”. Primește personajele principale (Assol și Gray), locul întâlnirii lor (marea), precum și starea acesteia (o navă cu pânze stacojii), mijloacele (o privire cu ajutorul unui bug), rezultatul ( logodnă, nuntă).

Cu ajutorul imaginilor, scriitorul afirmă un adevăr simplu. Este „a face așa-zisele minuni cu propriile mâini”.

Sub aspectul literaturii ca formă de artă, imaginea artistică este categoria centrală (precum și un simbol) a creativității literare. Acționează ca o formă universală de stăpânire a vieții și, în același timp, o metodă de înțelegere a acesteia. Imaginile artistice cuprind activitatea socială, cataclismele istorice specifice, sentimentele și personajele umane, aspirațiile spirituale. Sub acest aspect, imaginea artistică nu înlocuiește pur și simplu fenomenul pe care îl denotă sau își generalizează trăsăturile caracteristice. El povestește despre faptele reale de a fi; le cunoaște în toată diversitatea lor; dezvăluie esenţa lor. Modelele de viață sunt desenate într-un mod artistic, intuițiile și intuițiile inconștiente sunt verbalizate. Ea devine epistemologică; deschide calea către adevăr, prototip (în acest sens, vorbim despre imaginea a ceva: lumea, soarele, sufletul, Dumnezeu).

La nivelul originii se disting două mari grupe de imagini artistice: auctoriale și tradiționale.

Imaginile autorului, după cum se vede din numele însuși, se nasc în laboratorul de creație al autorului „pentru nevoile zilei”, „aici și acum”. Ele cresc din viziunea subiectivă asupra lumii a artistului, din evaluarea personală a evenimentelor, fenomenelor sau faptelor descrise. Imaginile autorului sunt concrete, emoționale și individuale. Sunt aproape de cititor cu natura lor reală, umană. Oricine poate spune: „Da, am văzut (am experimentat, „am simțit”) ceva similar.” În același timp, imaginile autorului sunt ontologice (adică sunt strâns legate de ființă, cresc din ea), tipice și, prin urmare, întotdeauna relevante. Pe de o parte, aceste imagini întruchipează istoria statelor și popoarelor, cuprind cataclismele socio-politice (cum ar fi, de exemplu, petrelul Gorki, care prezice și în același timp cheamă la o revoluție). Pe de altă parte, ei creează o galerie de tipuri artistice inimitabile care rămân în memoria omenirii ca adevărate modele de ființă.

Deci, de exemplu, imaginea prințului Igor din „Cuvântul” modelează calea spirituală a unui războinic care este eliberat de vicii și pasiuni josnice. Imaginea lui Eugene Onegin al lui Pușkin dezvăluie „ideea” nobilimii dezamăgite de viață. Dar imaginea lui Ostap Bender din lucrările lui I. Ilf și E. Petrov personifică calea unei persoane obsedate de o sete elementară de bogăție materială.

Imagini tradiționaleîmprumutat din vistieria culturii mondiale. Ele reflectă adevărurile eterne ale experienței colective a oamenilor în diverse sfere ale vieții (religios, filozofic, social). Imaginile tradiționale sunt statice, ermetice și, prin urmare, universale. Ele sunt folosite de scriitori pentru „descoperire” artistică și estetică în transcendental și transsubiectiv. Scopul principal al imaginilor tradiționale este o restructurare spirituală și morală fundamentală a conștiinței cititorului după modelul „ceresc”. Acest lucru este servit de numeroase arhetipuri și simboluri.

G. Sienkiewicz folosește imaginea (simbolul) tradițională din romanul „Quo wadis” destul de revelator. Acest simbol este un pește, care în creștinism înseamnă Dumnezeu, Iisus Hristos și creștinii înșiși. Peștele este desenat pe nisip de Lygia, o frumoasă poloneză, de care personajul principal, Mark Vinicius, se îndrăgostește. Peștele este atras mai întâi de un spion, iar apoi de martirul Chilon Chilonides, în căutarea creștinilor.

Simbolul creștin antic al peștelui conferă narațiunii scriitorului nu numai o aromă istorică deosebită. Cititorul, urmând personajele, începe și el să se gândească la semnificația acestui simbol și să înțeleagă în mod misterios teologia creștină.

Sub aspectul scopului funcțional, se disting imagini cu eroi, imagini (imagini) ale naturii, imagini-lucruri și imagini-detalii.

În fine, sub aspectul construcției (reguli alegoriei, transfer de semnificații), se disting imagini artistice-simboluri și tropi.

Informații similare.

Imagine artistică

Imagine artistică - orice fenomen recreat creativ de autor într-o operă de artă. Este rezultatul înțelegerii de către artist a unui fenomen sau proces. În același timp, imaginea artistică nu numai că reflectă, dar, mai ales, generalizează realitatea, dezvăluie eternul în individ, trecător. Specificul imaginii artistice este determinat nu numai de faptul că ea cuprinde realitatea, ci și de faptul că creează o lume nouă, fictivă. Artistul se străduiește să selecteze astfel de fenomene și să le înfățișeze în așa fel încât să-și exprime ideea despre viață, înțelegerea tendințelor și tiparelor acesteia.

Deci, „o imagine artistică este o imagine concretă și în același timp generalizată a vieții umane, creată cu ajutorul ficțiunii și având valoare estetică” (L. I. Timofeev).

O imagine este adesea înțeleasă ca un element sau parte a unui întreg artistic, de regulă, un fragment care pare să aibă o viață și un conținut independent (de exemplu, un personaj din literatură, imagini simbolice, precum „vela” lui M. Yu. Lermontov ”).

O imagine artistică devine artistică nu pentru că este scoasă din natură și arată ca un obiect sau un fenomen real, ci pentru că transformă realitatea cu ajutorul imaginației autorului. Imaginea artistică nu numai și nu atât de mult copiază realitatea, ci tinde să transmită cele mai importante și esențiale. Astfel, unul dintre eroii romanului lui Dostoievski „Adolescentul” a spus că foarte rar fotografiile pot da o idee corectă despre o persoană, deoarece chipul uman nu exprimă întotdeauna trăsăturile principale ale caracterului. Prin urmare, de exemplu, Napoleon, fotografiat la un moment dat, ar putea părea prost. Artistul, în schimb, trebuie să găsească în chip principalul, caracteristica. În romanul lui Lev Tolstoi „Anna Karenina”, amatorul Vronski și artistul Mihailov au pictat un portret al Annei. Se pare că Vronsky o cunoaște mai bine pe Anna, o înțelege din ce în ce mai profund. Dar portretul lui Mihailov se distingea nu numai prin asemănare, ci și prin acea frumusețe deosebită pe care numai Mihailov o putea detecta și pe care Vronski nu a observat-o. „Trebuia să o cunoști și să o iubești, așa cum am iubit-o eu, pentru a găsi această expresie cea mai dulce a sufletului ei”, a gândit Vronski, deși a recunoscut doar din acest portret „aceasta este expresia ei spirituală cea mai dulce”.

În diferite etape ale dezvoltării umane, imaginea artistică îmbracă diverse forme.

Acest lucru se întâmplă din două motive:

subiectul imaginii se schimbă - o persoană,

se schimbă şi formele reflectării sale în artă.

Există unele particularități în reflectarea lumii (și, prin urmare, în crearea imaginilor artistice) de către artiștii realiști, sentimentaliști, romantici, moderniști etc. Pe măsură ce arta se dezvoltă, raportul dintre realitate și ficțiune, realitate și ideal, general și individual. , schimbări raționale și emoționale etc.

În imaginile literaturii clasice, de exemplu, iese în prim plan lupta dintre sentiment și datorie, iar personajele pozitive fac invariabil o alegere în favoarea acesteia din urmă, sacrificând fericirea personală în numele intereselor statului. Iar artiștii romantici, dimpotrivă, exaltă eroul-rebel, un singuratic care a respins societatea sau a fost respins de ea. Realiștii s-au străduit pentru o cunoaștere rațională a lumii, identificarea relațiilor cauzale dintre obiecte și fenomene. Iar moderniștii au anunțat că se poate cunoaște lumea și omul doar cu ajutorul mijloacelor iraționale (intuiție, perspicacitate, inspirație etc.). În centrul lucrărilor realiste se află o persoană și relația sa cu lumea exterioară, în timp ce romanticii, apoi moderniștii, sunt interesați în primul rând de lumea interioară a eroilor lor.

Deși creatorii de imagini artistice sunt artiști (poeți, scriitori, pictori, sculptori, arhitecți etc.), într-un fel, cei care percep aceste imagini, adică cititorii, privitorii, ascultătorii etc., se dovedesc a fi și ei. co-creatorii lor.Așadar, cititorul ideal nu numai că percepe pasiv imaginea artistică, ci și-o umple cu propriile gânduri, sentimente și emoții. Oameni diferiți și epoci diferite dezvăluie părți diferite ale acesteia. În acest sens, imaginea artistică este inepuizabilă, ca și viața însăși.

Mijloace artistice de creare a imaginilor

Discursul caracteristic eroului :

- dialog- o conversație între două, uneori mai multe persoane;

- monolog- vorbirea unei persoane;

- monolog intern- declarații ale unei persoane, luând forma vorbirii interioare.

Subtext - nespus direct, dar ghicit de atitudinea autorului față de sensul descris, implicit, ascuns.

Portret - imaginea apariţiei eroului ca mijloc de a-l caracteriza.

Detaliu -detaliu expresiv în lucrare, purtând o încărcătură semantică și emoțională semnificativă.

Simbol - o imagine care exprimă sensul unui fenomen în formă obiectivă .

Interior -mediu interior, mediu uman.