REMBRANDT, HARMENS VAN RHYNE(Rembrandt, Harmenz van Rijn) (1606–1669) – der größte Künstler, Maler, Zeichner und Radierer, der im 17. Jahrhundert lebte. in Holland.

Am 15. Juli 1606 bekamen der wohlhabende Müller Harmen Gerrits und seine Frau Neeltge Willems van Zeitbroek in Leiden ihr sechstes Kind namens Rembrandt. Die Mühle befand sich unweit des Rheins, der die Stadt durchquerte, und so wurde Harmen Gerrits van Rijn genannt, und die ganze Familie erhielt diesen Zusatz zum Nachnamen.

Die Eltern, die Rembrandt eine gute Ausbildung ermöglichten, wollten, dass er Wissenschaftler oder Beamter wird. Er studierte an der Lateinschule und ab 1620 an der Universität Leiden, die er ohne Abschluss verließ. Die seit seiner Kindheit ausgeprägte Leidenschaft für das Zeichnen führte ihn in die Werkstatt des örtlichen Malers Jacob van Swanenburg, der Rembrandt die Grundlagen des Zeichnens und Malens beibrachte und ihn in die Kunstgeschichte einführte. Nachdem Rembrandt drei Jahre lang bei ihm studiert hatte, zog er 1623 nach Amsterdam und setzte seine Studien bei dem berühmten Maler Pieter Lastman (1583–1633) fort. Doch die Ausbildung dauerte nur sechs Monate. 1624 kehrte Rembrandt nach Leiden zurück und eröffnete dort zusammen mit seinem Freund Jan Lievens seine Malerwerkstatt.

Im 17. Jahrhundert In Holland wurde nach dem Sieg über Spanien der Katholizismus verboten; der Protestantismus erlaubt keine malerische Verzierung in Kirchen. Daher verliert die Kirche, die bisher der größte Kunde der Malerei war, diese Rolle und das Groß- und Mittelbürgertum, wohlhabende Bürger, rücken in den Vordergrund. Gemälde, die Bürgerhäuser schmücken sollen, müssen nun neue Ziele erfüllen. Die Größen ändern sich, neue Motive tauchen auf, es kommt zu einer Einteilung in die Genres der Malerei, das Interesse an den alltäglichen Genres Landschaft, Stillleben, Porträt intensiviert sich und es entwickelt sich eine Art Gruppenporträt. Rembrandt lernt von den Künstlern der Vergangenheit und seinen Zeitgenossen und beherrscht die Techniken der Malerei und Gravur. Er studiert die Kunst Italiens anhand von Abgüssen, Stichen und Kopien und erkennt den humanistischen Beginn der italienischen Kunst. Der im 17. Jahrhundert entstandene Barockstil hatte ebenfalls großen Einfluss auf sein Werk, doch die Raffinesse, der Prunk und die betonte Theatralik dieses Stils waren weit von Rembrandts Suche entfernt. Er war ein Fan des Werks von Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573–1510), dem Begründer der realistischen Bewegung in der europäischen Malerei des 17. Jahrhunderts.

Bereits in Rembrandts Porträts der Leidener Zeit ist das Interesse des Künstlers an der Innenwelt des Menschen sichtbar. Da er in erster Linie darauf achtet, den Geisteszustand der Dargestellten offenzulegen, lässt er sekundäre Details aus ( Porträt eines alten Kriegers, OK. 1630, St. Petersburg, Staatliche Eremitage). Er schuf die ersten narrativen Gemälde ( Vertreibung der Händler aus dem Tempel, 1626, Moskau, Puschkin-Museum im. A. S. Puschkin; Geändert, 1627, Berlin - Dahlem), Leinwände in deren Mitte Wissenschaftler sind ( Gespräche der Weisen, 1628, Melbourne, National Gallery; Wissenschaftler am Tisch, 1628, London, National Gallery; Porträt eines Wissenschaftlers, 1631, St. Petersburg, Staatliche Eremitage). Er studiert sorgfältig die Kunst des Gravierens und erstellt zahlreiche Zeichnungen, Gravuren und Radierungen.

Ende 1631 zog Rembrandt, ein berühmter Porträtmaler und Autor historischer Gemälde, nach Amsterdam, der größten Handelsstadt. Eines der ersten Gemälde, das Rembrandt in Amsterdam malte, das Bala-Gemälde Anatomie-Lektion von Dr. Tulpa(1632, Den Haag, Mauritshuis), steht in der Tradition der Gruppenporträts. Der Künstler vermittelt die Porträtähnlichkeit aller Charaktere, aber im Gegensatz zu den Traditionen eines Gruppenporträts, bei dem jedes der Porträts eine gleichberechtigte Position einnimmt, sind hier alle Charaktere der Tulpa emotional untergeordnet. Das Gemälde erregte großes Interesse und Rembrandt wurde zu einem der modischen jungen Porträtmaler Amsterdams.

Im Jahr 1634 heiratete Rembrandt die Tochter des ehemaligen Bürgermeisters von Leeuwarden, Saskia van Uylenburg, einer adligen und wohlhabenden Patrizierin. Nach der Heirat kauft er ein großes Haus. Der Künstler stattet das Haus mit luxuriösen Dingen aus und schafft eine reiche Sammlung, die Werke von Raffael, Giorgione, Dürer, Mantegna, van Eyck sowie Stiche nach Werken von Michelangelo und Tizian umfasst. Rembrandt sammelte persische Miniaturen, Vasen, Muscheln, authentische antike Büsten, chinesisches und japanisches Porzellan, venezianisches Glas, teure orientalische Stoffe, Kostüme verschiedener Nationen, Wandteppiche und Musikinstrumente.

In den 30er Jahren war Rembrandt ein wohlhabender, erfolgreicher und wohlhabender Künstler, was sich in seinen Werken widerspiegelt. In vielen Gemälden stellt er seine geliebte Frau Saskia dar ( Porträt einer lächelnden Saskia, 1633, Dresden, Kunsthalle; Flora, 1634, St. Petersburg, Staatliche Eremitage; Simsons Hochzeit, 1638, Dresden, Staatliche Kunsthalle). Besonders hervorzuheben ist das berühmte Selbstporträt mit Saskia Knie(1635, Dresden, Staatliche Kunsthalle). Er zeigt sich als fröhlicher Herr bei einem Glas Wein, der die halb gedrehte Saskia umarmt, die mit dem Rücken zum Betrachter auf seinem Schoß sitzt. Das Bild ist voller Vitalität, Energie und durchdrungen von Liebe zu seiner Frau. Berühmte Gemälde zu biblischen Themen stammen aus derselben Zeit ( Belsazars Fest,1634, London, National Gallery; Opfern Abraham, 1635, St. Petersburg, Staatliche Eremitage), Landschaften ( Landschaft mit Teich und Bogenbrücke, 1638, Berlin - Dahlem; Landschaft mit Sturm, 1639, Braunschweig, Landesmuseum Herzog Anton Ulrich), Prunkbildnisse, Radierungen. Zu dieser Zeit perfektionierte Rembrandt seine Mal- und Zeichentechniken und verlieh seinen Kreationen höchste Ausdruckskraft und Tiefe. Er studiert traditionelle Schreibmethoden und Herangehensweisen an die Offenlegung von Themen und entfernt sich in seiner Arbeit zunehmend von diesen Traditionen. Anstelle glatter, lasierender Pinselstriche, die in dünnen Schichten transparenter und lasierender Farbe auf eine dichte Farbschicht aufgetragen werden und eine einzige Bildfläche der Leinwand bilden, malt er Bilder mit scharfen, pastosen Strichen und verzichtet nach und nach auf detaillierte Details.

In den frühen 40er Jahren war Rembrandt ein beliebter und hochbezahlter Maler. In den 1930er Jahren malte er etwa 60 Auftragsporträts. Er hat etwa 15 Schüler. Eines von Rembrandts berühmtesten Gemälden aus dieser Zeit ist Danae(1636–1646, St. Petersburg, Staatliche Eremitage). Nachdem er die mythologische Heldin in einer luxuriösen Nische eines reichen holländischen Bürgerhauses platziert hat, beschreibt er meisterhaft den Samthimmel, die elegant bestickten Kissen, bewundert die Strahlen des goldenen Lichts und die sanften Wellen, die Danaes schönen nackten Körper durchfluten.

Er begann mit der Arbeit an dem Gemälde in einer Zeit des Familienglücks, auf dem Höhepunkt seines Ruhmes. Doch in den folgenden Jahren änderte sich viel: Rembrandts drei Kinder starben, wenige Monate nach der Geburt seines letzten Sohnes Titus starb seine geliebte Frau Saskia (1642) und er verlor bald seine Mutter und seine Schwestern. Eines der letzten Porträts seiner Frau war Zuletzt Porträt von Saskia(1643, Berlin – Dahlem).

Anfang der 40er Jahre erhielt Rembrandt vom Hauptmann der Schützenabteilung, Frans Banning-Kok, den Auftrag, ein großes Gruppenporträt der Abteilung für die Haupthalle des neuen Gebäudes der Amsterdamer Schützengilde anzufertigen. Famous entsteht Die Nachtwache(1642, Amsterdam, Rijksmuseum) (3,87–5,02 m). Die 18-köpfige Einheit ist eine einzelne, zusammenhängende Gruppe, umgeben von Stadtbewohnern. Unter einer wehenden Fahne tauchen die marschierenden Pfeile aus dem Bogen des Gebäudes auf den beleuchteten Platz auf. Das Gruppenporträt nimmt den Charakter eines einzigartigen Historiengemäldes an, in dem Rembrandt seine Vorstellung von bürgerlichen Idealen verkörpert. Die Meinungen der Zeitgenossen über das Gemälde waren geteilt: Einige sahen das Meisterwerk sofort, andere, darunter auch die Kunden, waren der Meinung, dass das Gemälde nicht den Traditionen eines Gruppenporträts entsprach. Deshalb hängten sie es an einer anderen, kleineren Stelle auf, die nicht dafür vorgesehen war, und schnitten dabei die Leinwand an allen Seiten ab, was die Komposition des Gemäldes störte. Dennoch ist sie ein unübertroffenes Beispiel für ein Gruppenporträt, bei dem jeder Figur eine ausgeprägte psychologische Charakteristik verliehen wird.

Die 50er und 60er Jahre waren geprägt von der Entstehung herausragender Meisterwerke und der Verschärfung des Konflikts des Künstlers mit den Behörden. Die Behörden waren unzufrieden mit der Tatsache, dass Hendrikje Stoffels, eine ehemalige Dienerin in Rembrandts Haus, seine Ehefrau nach dem Common Law wurde. Der Künstler konnte sie nicht offiziell heiraten, weil... Nach Saskias Testament würde Rembrandt bei einer neuen Ehe das Recht entzogen, der Hüter des Erbes seines Sohnes Titus zu sein. Die Kirche verfolgte Hendrikje wegen ihrer Beziehung, die durch die Ehe nicht geheiligt wurde.

Rembrandt stellt Hendrickje immer wieder dar, sie wird sein Vorbild ( Porträt von Hendrikje in prächtiger Kleidung, 1654, Paris, Louvre; Porträt von Hendrikje Stoffels, 1657–1658, Berlin – Dahlem; das Marienbild im Gemälde Heilige Familie, 1645, St. Petersburg, Staatliche Eremitage, ebenfalls inspiriert von ihren Gesichtszügen).

Rembrandt wird fast vollständig der Befehle beraubt. Zu dieser Zeit malte er Gemälde zu biblischen und mythologischen Themen: Joseph, angeklagt von der Frau von Pentephry(1655, Washington, National Gallery), Christus in Emmaus(1648, Paris, Louvre). Im Zentrum von Rembrandts Werk steht der Mensch, seine innere Welt, Erfahrungen und Freuden. Er legt großen Wert auf Porträts und konzentriert sich darauf, die spirituelle Welt seiner Modelle zu offenbaren: Porträt alte Damen(1654, Moskau, Staatliches Puschkin-Museum der Schönen Künste), Porträt eines alten Mannes in Rot(1654, St. Petersburg, Staatliche Eremitage), Titus-Lesung(um 1657, Wien, Kunsthistorisches Museum), Porträt Jan Syksa(1654, Amsterdam, Six Collection). Zu diesem Porträttyp gehören auch die späteren Selbstporträts des Künstlers, die durch ihre vielfältigen psychologischen Eigenschaften auffallen: Selbstporträt(um 1652, Wien, Kunsthistorisches Museum), Selbstporträt(1660, Paris, Louvre). Rembrandt erhielt damals so seltene Malaufträge: Aristoteles meditiert Büste von Homer(1653, New York, Metropolitan Museum of Art).

Nachdem Rembrandt in den Jahren des finanziellen Wohlstands ein luxuriöses Haus gekauft hatte, zahlte er nur die Hälfte des Betrags. Die Restschulden, insbesondere nach Saskias Tod, führten die Künstlerin nach und nach in den Bankrott. Gläubiger reichen formelle Klagen ein und beantragen eine gerichtliche Anordnung, sie inhaftieren zu lassen. In die Verfolgungskampagne des Künstlers sind auch Saskias Verwandte einbezogen, mit denen Rembrandt zu Saskias Lebzeiten einen Konflikt hatte, denn Sie behaupteten, der Künstler verschwendete das Vermögen seiner Frau. Obwohl Rembrandt zu dieser Zeit durch seine Arbeit ein Vermögen machte, das das seiner Frau übertraf, sammelte er eine großartige Sammlung künstlerischer Werte. Erneut verurteilt die Kirche sein Zusammenleben mit Hendrickje, die gemeinsame Tochter Cornelia wird für unehelich erklärt. Im Jahr 1656 erklärte das Amsterdamer Rathaus Rembrandt per Gerichtsbeschluss zum zahlungsunfähigen Schuldner, es wurde eine Bestandsaufnahme des Anwesens durchgeführt und 1656–1658 wurde es verkauft. Der tatsächliche Wert des Eigentums des Künstlers war um ein Vielfaches höher als die Höhe seiner Schulden: Die Sammlung wurde auf 17.000 Gulden geschätzt. Es wurde jedoch nur für 5.000 verkauft, das Haus wurde mit der Hälfte seines ursprünglichen Wertes bewertet. Doch nicht alle Gläubiger waren zufrieden. Und das Gericht entschied, dass alle Gemälde, die der Künstler schaffen würde, verkauft werden müssten, um Schulden zu begleichen; das Gericht entzog Rembrandt außerdem das Recht, Eigentum zu besitzen, mit Ausnahme von Wearables und Malutensilien, was ein erbärmliches Dasein bedeutete. Rembrandts Familie zieht in das ärmste Viertel von Amsterdam. Nach dem Ruin seines Vaters verfasst Titus ein Testament, in dem er sein gesamtes Vermögen seiner Schwester Cornelia überlässt und Rembrandt zum Vormund mit dem Recht ernennt, über das Geld zu verfügen, um dessen Besitz den Gläubigern Rembrandts völlig unzugänglich zu machen .

Trotz der schwierigen Situation malt Rembrandt weiter. Dabei handelt es sich hauptsächlich um Selbstporträts, Porträts von Verwandten ( Porträt von Titus, 1660, Baltimore, Jacobs Collection), wendet sich wieder dem Bild des biblischen David zu ( David vor Saul, 1657, Den Haag, Mauritshuis).

Im Jahr 1660 eröffneten Titus und Hendrickje ein Antiquitätengeschäft, in dem Rembrandt als Experte eingestellt wurde. Und obwohl die von Rembrandt neu gemalten Gemälde laut Gerichtsbeschluss in die Verfügung der Gläubiger übergehen sollten, bot der Arbeitsvertrag dem Künstler die Möglichkeit, seine Werke in ein Antiquitätengeschäft zu überführen. Dadurch konnte die Familie ihr Einkommen erhöhen und ein Haus kaufen. Erneut wendet sich der Künstler Selbstporträts und Gemälden zu einem biblischen Thema zu ( Artaxerxes, Haman und Esther, 1660, Moskau, Puschkin-Museum im. A. S. Puschkin). Unter anderem erhält er den Auftrag, das Amsterdamer Rathaus zu schmücken ( Verschwörung von Julius Civillis oder Eid der Botavs, 1661, Stockholm, Nationalmuseum). Das Gemälde (ca. 30 Quadratmeter groß) wird „zur Korrektur“ an den Künstler zurückgegeben. Doch Rembrandt weigerte sich, Änderungen vorzunehmen, und der Auftrag wurde einem anderen Künstler übertragen. Auf einem Teil dieser Leinwand führte Rembrandt einen weiteren Auftrag aus – das berühmte Gruppenporträt Syndiks(1662, Amsterdam, Rijksmuseum). Die Syndikus, Vorarbeiter und Korporationen der Textilwerkstatt sitzen in formellen schwarzen Anzügen am Tisch. Die Klarheit und Ausgewogenheit der Komposition, die Sparsamkeit und Präzision der Auswahl der Details, die Schaffung eines vollständigen Bildes einer Gruppe von Menschen, der ungewöhnliche Blickwinkel, der den monumentalen Charakter des Bildes betont, die Feierlichkeit des Geschehens – all das stuft das Bild als großes Meisterwerk der Malerei ein.

1663 stirbt Hendrikje und hinterlässt in ihrem Testament Titus ein Antiquitätengeschäft und Rembrandt eine kleine Erbschaft. Rembrandt wird der Vormund seiner Tochter Cornelia. Nach einer zweijährigen Schaffenspause malte er eine Reihe berühmter Gemälde: David und Uria(1665, St. Petersburg, Staatliche Eremitage), Jüdische Braut(1665, Amsterdam, Rijksmuseum), Familienporträt(1668–1669, Breungschweig, Herzog Anton Ulrich Landesmuseum). Aber die wahre Apotheose von Rembrandts gesamtem Werk war das Gemälde Rückkehr des Verlorenen Sohn(1668–1669, St. Petersburg, Staatliche Eremitage). Der Künstler beschäftigte sich immer wieder mit diesem Thema (Skizzen und Skizzen finden sich bereits in den 30er Jahren). Auf einer riesigen Leinwand (260 × 205 cm) ist von hinten die kniende Gestalt eines Sohnes zu sehen, der zum Dach seines Vaters zurückkehrt. Seine Figur verkörpert die Reue eines Mannes, der den tragischen Weg der Lebenserkenntnis gegangen ist. Das weise und spirituelle Gesicht eines alten Vaters, geheiligt durch große Güte, eines akzeptierenden und verzeihenden Sohnes, ist ein Meisterwerk von Rembrandt, einem Meister, der es versteht, in die Seele seiner Figuren einzudringen und all ihre Erfahrungen auf Leinwand darzustellen. Dies ist ein Bild über Leid und große Liebe.

Im Februar 1668 heiratete Titus Magdalena van Loo, starb jedoch bald darauf. Dies versetzte Rembrandt einen schweren Schlag und am 8. Oktober 1669 starb er in den Armen seiner Tochter Cornelia.

Rembrandts kreatives Erbe ist enorm: etwa 600 Gemälde, fast 300 Radierungen und 1.400 Zeichnungen. Es beeinflusste die Arbeit seiner Schüler, von denen Gerrit Dou, Govart Flink, Samuel van Hoogstraten, Karel Fabricius und Nicholas Mas die berühmtesten sind. Es beeinflusste auch die Entwicklung der Weltkunst insgesamt, obwohl es erst viele Jahre später geschätzt wurde. Ein breites thematisches Spektrum, Humanismus, die Suche nach ausdrucksstarken künstlerischen Mitteln und größtes Können ermöglichten es dem Künstler, die fortschrittlichen Ideen der Zeit zum Leben zu erwecken. Die Emotionalität seiner Werke ist groß, hervorgerufen durch die Farbigkeit der Gemälde, die auf einer Kombination aus warmen, kräftigen Tönen und feinsten Farbnuancen aufbaut. Rembrandt hinterließ ein riesiges künstlerisches Erbe, indem er Gemälde zu biblischen, historischen, mythologischen und alltäglichen Themen, Porträts und Landschaften schuf und ein großer Meister der Gravur und Radierung war. In seinem Werk legte er den Schwerpunkt auf den Menschen, seine innere Welt, seine Erfahrungen und die Offenbarung seines spirituellen Reichtums. Die kreative Figur Rembrandts steht seit Jahrhunderten neben den größten Vertretern der Weltkunst.

Nina Bayor

Rembrandt Harmens van Rijn ist einer der berühmtesten Künstler der Welt. Wie viele talentierte Künstler des Goldenen Zeitalters weisen die Werke religiöse Motive auf. Dies ist ein einzigartiger Meister der biblischen, mythologischen Themen, Porträts und der Darstellung von Hell-Dunkel. Rembrandt Van Rijns Werke fangen mehr als nur Gesichter ein. Ganze Geschichten werden hier vorgestellt.

Das Leben eines großen Künstlers

Rembrandts Biografie beginnt mit der Geburt. Dies geschah am 15. Juli 1606 (in der niederländischen Stadt Leiden). Der Vater des Jungen ist ein reicher Müller, seine Mutter ist die Tochter eines Bäckers. Van Rhein bedeutet „Vom Rhein“ (Fluss). Von zehn Kindern ist Van Rijn das jüngste. Als die Brüder und Schwestern erwachsen waren, begannen sie, die gleichen Dinge zu tun wie ihre Eltern. Rembrandt entschied sich für eine Kunstausbildung (Lateinschule). Nach der Schule besuchte er kurzzeitig die Universität Leiden. Aufgrund meiner Leidenschaft für die Malerei besteht keine Lust, weiter zu studieren. Unter Wissenschaftlern gibt es die Meinung, dass Van Rijn sein Universitätsstudium abgeschlossen hat, um einen Aufschub vom Militärdienst zu erhalten.

Der Schöpfer begann im Alter von 13 Jahren das Zeichnen zu lernen. Der erste Lehrer ist Jacob Van Swanenburch. Nach dreijährigem Studium bevorzugte der Meister Amsterdam, wo Peter Lastman Lehrer wurde. 1626 – der Künstler kehrte nach Hause zurück. Nach langem Überlegen entschied er sich für eine Karriere als Künstler in der Hauptstadt und besuchte erneut Amsterdam.

Dies ist die Zeit seiner künstlerischen Ausbildung. Dann fühlte ich mich zum Werk von Caravaggio hingezogen. Zahlreiche Porträts von Rembrandt erschienen. Er stellte Familienmitglieder dar und malte Selbstporträts. Besonderes Augenmerk wird auf die Beleuchtung und die Vermittlung spiritueller Erlebnisse gelegt. Der junge Künstler zog es vor, Models einzukleiden: unterschiedliche Outfits, schöne Stoffe, die Texturen und Farben vermitteln.

Amsterdam ist günstig: Der junge Mann wird schnell berühmt und erhält Aufträge. Es gibt keinen Grund, die Verbesserung Ihrer Fähigkeiten abzulehnen. Die 30er Jahre waren eine Zeit höchsten Ruhms; den Weg dafür ebnete das bedeutende Auftragswerk „Anatomie-Lektion“. Posen und Handlungen sind natürlich, es gibt keinen unnötigen Naturalismus.

1634 - heiratet Saskia. Zum Zeitpunkt ihrer Heirat hatten die jungen Leute Glück (Rembrandt hatte Anspruch auf Tantiemen für Gemälde, Saskia erhielt eine Erbschaft von ihren Eltern). Es herrschte wirklich Liebe, von Berechnung war keine Rede. Der Künstler wurde in Patrizierkreisen anerkannt. Eine glückliche Zeit des Lebens beginnt: gegenseitige, leidenschaftliche Liebe, materielles Wohlergehen, ständige Befehle. Der Maler stellt oft seine junge Frau dar.

1635–1640 – Rembrandts Frau gebar drei Kinder, die alle als Neugeborene starben. 1641 - Sohn Titus erscheint. Das Kind überlebte, aber ein Jahr später (Saskias Alter betrug 29 Jahre) starb ihre Mutter. Van Rijns Leben ist eine Situation vom Luxus bis zum Niedergang. Der Anfang ist eine glückliche Kindheit, Reichtum, Anerkennung. Die Situation veränderte sich: Kunden gingen weg, Altersarmut. Die Stimmung des Meisters wird durch die Leinwände veranschaulicht.

Nach dem Tod seiner Geliebten litt der Maler, das Zeichnen tröstete ihn. Moralische Depression, Verschwendung (Leidenschaft – Sammeln) verwandelten den reichen Mann nach und nach in einen Bettler. Eine wesentliche Rolle bei der Verschlechterung der Finanzlage spielte die Veränderung des Geschmacks der Öffentlichkeit. Sorgfältig detaillierte Lichtbilder wurden gefragt. Der Schöpfer, der eine andere Technik anwendete (Kontraste von Licht und Schatten), weigerte sich, seine Prinzipien zu gefährden. Es gab weniger Bestellungen. Im Jahr von Saskias Tod vollendete der Meister das Meisterwerk „Nachtwache“.

Der einjährige Titus ist ein Papaproblem. Ein Kindermädchen erschien – Gertje Dirks. Das Mädchen wurde die Geliebte des Künstlers. Ein paar Jahre später wurde eine weitere Nanny eingestellt – Hendrikje Stoffels. Sie und Titus eröffneten eine Firma, die Kunst und Antiquitäten verkaufte, um dem Künstler zu helfen. Die Idee scheiterte und die finanzielle Situation verschlechterte sich. Der Künstler verkaufte einen Teil der Sammlung, aber das half nicht viel. Der Meister wurde fast hinter Gitter geworfen. Das Gericht entschied, dass der Fall akzeptabel sei. Immobilien wurden verkauft, Schulden abbezahlt. Der Schöpfer lebte einige Zeit in einem Haus, das ihm nicht mehr gehörte.

Hendrikje Stoffels brachte zwei Kinder zur Welt. Das erste Kind, ein Junge, starb als Kleinkind. Tochter Carnelia überlebte ihren Vater. Geertje Dirks wollte den Künstler verurteilen: Der Meister habe gegen den Ehevertrag verstoßen. Der Streit ging verloren, Dirks wartete auf eine Justizvollzugsanstalt. Sie blieb dort fünf Jahre lang, wurde freigelassen und starb ein Jahr später.

Bis zu seinem Lebensende hat der Künstler den Menschen viel zu verdanken, doch Rembrandts Werk ist ein Verbot, den Ruf des Malers zu schädigen. Der Meister blieb eine würdige Person für die Massen von Menschen, die die Arbeit eines Genies schätzten.

Nur wenige wissen: Es gibt eine einzigartige Sammlung, die Werke italienischer Künstler, Stiche, Büsten und Waffen umfasst. Sie werden vom Rembrandt Museum (Amsterdam) vertreten.

1663 – Hendrickje starb. Einige Zeit später (1668) begrub der Meister Titus‘ Sohn und seine Braut. Die Pest tötete sie. Das traurige Ereignis verschlechterte den Gemütszustand des Meisters erheblich. 4. Oktober 1669 – er selbst verließ die Welt und blieb für immer von seinen Lieben geliebt. Die Grabstätte ist die niederländische Kirche Westerkerk (Amsterdam).

Berühmte Gemälde von Rembrandt mit Titeln

Selbstporträt Rembrandt Kategorie

Was hat Rembrandt Harmens van Rijn berühmt gemacht? Sein Name sollte jedem gebildeten Menschen bekannt sein. Dies ist ein begabter niederländischer Künstler, Kupferstecher, unübertroffener Meister des Hell-Dunkels, einer der größten Vertreter des Goldenen Zeitalters – einer herausragenden Ära der niederländischen Malerei, die im 17. Jahrhundert stattfand. Der Artikel wird über das Leben und Werk dieser begabten Person berichten.

Der Anfang des Weges

Rembrandt van Rijn kam im Juli 1606 auf die Welt. Er wurde in die Familie eines wohlhabenden Müllers hineingeboren. Er war das neunte Kind, das jüngste in der Familie. Seine Eltern waren aufgeklärte Menschen. Sie bemerkten schon früh, dass der Junge von Natur aus über Intelligenz und Talent verfügte, und beschlossen, ihn statt handwerklicher Arbeit „in die Wissenschaft“ zu schicken. So landete Rembrandt in einer Lateinschule, wo er Schreiben, Lesen und die Bibel studierte. Im Alter von 14 Jahren schloss er die Schule erfolgreich ab und wurde Student an der damals europaweit bekannten Universität Leiden. Der junge Mann war der Beste im Malen, und seine Eltern zeigten erneut Weisheit und Weitsicht. Sie holten ihren Sohn von der Universität und machten ihn bei dem Künstler Jacob Isaac Svanenbuerch in die Lehre. Drei Jahre später war Rembrandt van Rijn im Zeichnen und Malen so erfolgreich, dass Peter Lastman selbst, der Leiter der Amsterdamer Malerschule, begann, sein Talent zu entwickeln.

Einfluss der Behörden

Das Frühwerk von Rembrandt van Rijn entstand unter dem Einfluss von Autoritäten wie dem niederländischen Meister der Malerei Pieter Lastman, dem deutschen Künstler Adam Elsheimer und dem niederländischen Künstler Jan Lievens.

Lastmans Vielfalt, Farbe und Liebe zum Detail sind in Werken von Rembrandt wie „Die Steinigung des heiligen Stephanus“, „Die Taufe eines Eunuchen“, „Eine Szene aus der alten Geschichte“, „David vor Saul“ und „Allegorie“ deutlich sichtbar Der Musik".

Jan Lievens, ein Freund Rembrandts, arbeitete von 1626 bis 1631 Seite an Seite mit ihm in einem gemeinsamen Atelier. Ihre Werke überschneiden sich in vielerlei Hinsicht und ihre Stile sind so ähnlich, dass selbst erfahrene Kunstkritiker oft die Hände der Meister verwechseln.

Der Held unseres Artikels wurde von Adam Elsheimer geleitet, der die Bedeutung von Hell-Dunkel für die Vermittlung von Stimmungen und Emotionen auf Leinwand verstand. Der Einfluss des deutschen Malers ist in den Werken „Das Gleichnis vom törichten reichen Mann“, „Christus in Emmaus“ und „Simeon und Anna im Tempel“ deutlich zu erkennen.

Manifestation der Individualität. Erfolg

Als Harmen van Rijn 1630 starb, wurde sein Besitz unter Rembrandts älteren Brüdern aufgeteilt. Der junge Künstler arbeitete einige Zeit in der Werkstatt im Haus seines Vaters, verließ das Haus jedoch 1631, um in Amsterdam sein Glück zu suchen.

In der Hauptstadt des Königreichs organisierte er eine Werkstatt und begann sich auf Porträtkunst zu spezialisieren. Der geschickte Einsatz von Hell-Dunkel, der charakteristische Gesichtsausdruck, die Originalität jedes einzelnen Modells – all dies prägte die Entstehung des besonderen Stils des Künstlers. Rembrandt van Rijn erhielt zahlreiche Aufträge und erzielte kommerziellen Erfolg.

1632 erhielt er den Auftrag für ein Gruppenbildnis. Als Ergebnis erblickte die Kreation „The Anatomy Lesson of Dr. Tulp“ das Licht der Welt. Das brillante Werk, für das Rembrandt ein hohes Honorar erhielt, verherrlichte ihn nicht nur, sondern bestätigte endgültig auch die schöpferische Reife des Künstlers.

Muse

Bei einem geselligen Besuch lernt der modebewusste junge Künstler die Tochter des Bürgermeisters der Stadt, Saskia, kennen. Es waren nicht so sehr die äußeren Merkmale des Mädchens (sie galt nicht als Schönheit, obwohl sie hübsch und fröhlich war), sondern vielmehr ihre beträchtliche Mitgift, die Rembrandt anzog, und sechs Monate nach ihrem Kennenlernen verlobten sich die jungen Leute, und ein Jahr später später wurden sie rechtmäßig verheiratet. Die Heirat ermöglichte es dem Helden unseres Artikels, in die höchsten Kreise der Gesellschaft vorzudringen.

Den Frischvermählten ging es gut. Rembrandt van Rijn malte viele Porträts seiner Frau, unter anderem posierte sie für ihn, als er das Meisterwerk „Danae“ schuf. Sein Einkommen war damals enorm. Er kaufte ein Herrenhaus in der prestigeträchtigsten Gegend von Amsterdam, richtete es mit luxuriösen Möbeln ein und schuf eine beeindruckende Sammlung von Kunstwerken.

Aus der Ehe gingen vier Kinder hervor, von denen jedoch nur der jüngste Sohn, Titus, geboren 1641, überlebte. 1642 starb Saskia an einer Krankheit. Sie hat offenbar das Glück des Meisters mitgenommen.

Verblassender Ruhm. Die Probleme des Lebens

Seit 1642 wird der Künstler vom bösen Schicksal heimgesucht. Rembrandt van Rijn erreicht den Höhepunkt seines Talents. Seine Leinwände erfreuen sich jedoch zunehmender Beliebtheit und er verliert nach und nach Kunden und Schüler. Biographen erklären dies teilweise mit der Eigensinnigkeit des Meisters: Er weigert sich kategorisch, dem Beispiel seiner Kunden zu folgen und schafft, was sein Herz ihm sagt. Der zweite Grund für den schwindenden Ruhm des großen Malers ist seltsamerweise sein Können und seine Virtuosität, die der Normalbürger nicht verstehen und schätzen konnte.

Rembrandts Leben verändert sich: Er wird allmählich arm und zieht von einem luxuriösen Herrenhaus in ein bescheidenes Haus am Rande der Stadt. Doch er gibt weiterhin riesige Summen für Kunstwerke aus, was zu seinem völligen Bankrott führt. Der erwachsene Sohn Titus und Hendrikje, Rembrandts Geliebte, aus deren Beziehung er eine Tochter, Cornelia, hatte, nehmen die finanziellen Angelegenheiten selbst in die Hand.

„Die Kompanie des Kapitäns Frans Baning Cocq“ – eine 4-Meter-Leinwand, das größte Gemälde des Meisters, „Badende Frau“, „Flora“, „Titus im roten Barett“, „Anbetung der Hirten“ – das sind die Werke von der Meister, geschrieben von ihm in einer schwierigen Zeit seines Lebens.

Spätere Kreationen

In den letzten Jahren seines Lebens erreichte Rembrandt van Rijn, dessen Biografie in dem Artikel vorgestellt wird, den Höhepunkt seiner Kreativität. Er war seinen Zeitgenossen zwei Jahrhunderte voraus und prognostizierte die Entwicklungslinien der Kunst des 19. Jahrhunderts im Zeitalter des Realismus und Impressionismus. Ein charakteristisches Merkmal seiner späteren Werke ist der Monumentalismus, die großformatigen Kompositionen und die Klarheit der Bilder. Besonders charakteristisch sind in dieser Hinsicht die Gemälde „Aristoteles mit Homer-Büste“ und „Die Verschwörung des Julius Civilis“. Die Gemälde „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“, „Artaxerxes, Haman und Esther“ und „Die jüdische Braut“ sind von tiefer Dramatik durchdrungen. Der Meister malte in den letzten Jahren seines Lebens viele Selbstporträts.

Rembrandt van Rijn, dessen Gemälde wahre Meisterwerke der Kunst sind, starb 1969 in Armut. Er wurde still in der Westerkerk-Kirche in Amsterdam beigesetzt. Erst einige Jahrhunderte später wurde es geschätzt.

Rembrandt Harmens van Rijn: Gemälde eines Genies

Während seiner kurzen Reise auf der Erde malte Rembrandt etwa 600 Gemälde, schuf etwa 300 Radierungen (Gravuren auf Metall) und fast 1.500 Zeichnungen. Die meisten seiner Werke werden im Rijksmuseum – Amsterdamer Kunstmuseum aufbewahrt. Seine berühmtesten Gemälde:

• „Anatomie-Lektion“ (1632).
• „Selbstbildnis mit Saskia“ (1635).
• „Danae“ (1636).
• „Nachtwache“ (1642).
• „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes (166(7?)).

Rembrandt ist einer der größten Künstler der Geschichte. Bisher ist es niemandem gelungen, seinen charakteristischen Stil zu reproduzieren. Der begabte und talentierte Sohn eines Müllers hinterließ ein unschätzbares Erbe – Meisterwerke der Weltkunst.

Rembrant Harmens van Rijn (1606–1669), niederländischer Maler.

Nachdem Rembrandt 1620 die Universität Leiden betreten hatte, verließ er sie bald und begann, Malerei zu studieren. 1625-1631 er arbeitete in seiner Heimatstadt. Die Hauptwerke seiner frühen Schaffensperiode waren Gemälde mit religiösen Themen sowie Porträts.

Das Jahr 1632 war für Rembrandt ein glückliches Jahr. Er zog nach Amsterdam und heiratete eine wohlhabende Stadtbewohnerin, Saskia van Uylenburg, und das Gemälde „Die Anatomiestunde des Doktor Tulp“ verschaffte dem jungen Maler weltweite Anerkennung.

Für den Meister begann das wohlhabendste Jahrzehnt seines Lebens. Er hatte viele Schüler (Rembrandts Schule). In dieser Zeit schrieb er Meisterwerke wie „Selbstbildnis mit Saskia“ (1635) und „Danae“ (1636).

Die äußerst fröhliche Kunst von Rembrandt aus den 1930er Jahren. vereint die Erfahrung von Meistern der Renaissance und des Barock mit einer innovativen Herangehensweise an klassische Themen.

Die Erfolgsperiode endete 1642 plötzlich: Das großartige Werk „Nachtwache“ – ein Gruppenporträt von Mitgliedern der Amsterdamer Schützengilde – wurde von Kunden abgelehnt, die die Innovationen des Künstlers nicht schätzten und ihn scharfer Kritik aussetzten.

Rembrandt nahm praktisch keine Befehle mehr an; fast alle seine Schüler verließen ihn. Saskia starb im selben Jahr.

Seit den 40er Jahren Rembrandt verzichtete in seinem Werk auf theatralische Effekte, das mystische, kontemplative Prinzip verstärkte sich in seiner Malerei. Der Künstler wandte sich oft dem Bild seiner zweiten Frau, Hendrikje Stoffels, zu.

Das Gemälde „Die Heilige Familie“ (1645), eine Reihe von Selbstporträts und die besten Landschaften zeichnen sich durch Tiefe, Ruhe und emotionalen Reichtum aus. Doch das Scheitern verfolgte Rembrandt weiterhin: 1656 wurde er zum zahlungsunfähigen Schuldner erklärt, sein Besitz wurde versteigert und die Familie zog in ein bescheidenes Haus im jüdischen Viertel von Amsterdam.

Das vom Rathaus in Auftrag gegebene Gemälde „Die Verschwörung des Julius Civilis“ (1661) teilte das Schicksal der „Nachtwache“. 1663 begrub der Künstler seine Frau und seinen Sohn.

Trotz seiner sich verschlechternden Sehkraft malte Rembrandt weiter. Ein einzigartiges Ergebnis seiner Arbeit war das Gemälde „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“ (1668-1669).

Rembrandt Harmens van Rijn ist der größte niederländische Künstler und Grafiker. Er ist ein Vertreter der „großen Holländer“: niederländische Künstler, die ihre Bilder auf großformatigen Leinwänden malten.

Rembrandt Harmens van Rijn wurde am 15. Juli 1606 in der niederländischen Stadt Leiden geboren. Sein Vater Harmen van Rijn war ein wohlhabender Müller und seine Mutter Neltje Willems van Zeitburg war die Tochter eines Bäckers. Rembrandt war das sechste Kind einer großen Familie.

In Leiden studierte Rembrandt an einer Lateinschule und trat im Alter von 13 Jahren in die Universität Leiden ein, blieb dort aber nicht. Der Junge interessierte sich mehr für die Malerei und Rembrandts Vater, der das Talent seines Sohnes erkannte, half ihm. Im Alter von 16 Jahren begann Rembrandt bei seinem ersten Lehrer, bildende Kunst zu studieren. Jacob van Swanenburch - Leidener Historienmaler, Sohn von Isaac Claes Swanenburch – dem bedeutendsten Künstler der Stadt am Ende des 16. Jahrhunderts. Darüber hinaus Rembrandt war ein entfernter Verwandter Jacob van Swanenburch.

Im Jahr 1623 zog Rembrandt nach Amsterdam, wo er sechs Monate lang bei Pieter Lastman studierte, der für seine historischen, mythologischen und biblischen Themen berühmt wurde. Rembrandt kam als Teenager in seine Werkstatt und lernte viel von diesem damals sehr berühmten Künstler. In seiner Werkstatt erlernte Rembrandt die Kunst des Gravierens. Lastmans Vorliebe für Vielfältigkeit und übermäßige Details hatte zunächst großen Einfluss auf den jungen Rembrandt. Rembrandts frühe Gemälde: „Steinigung des Apostels Stephanus“ (1625. Lyon. Museum der Schönen Künste), „Palamedea vor Agamemnon“ (1626), „Taufe des Eunuchen“ (1626. Utrecht. Staatliches Museum des Katharinenklosters), „Konzert“ (Musikalische Lektion der üppigen Liebe) (1626. Amsterdamer Staatsmuseum. Rijksmuseum), „David mit dem Kopf von Goliath“ (1627. Basel. Offene Kunstsammlung), „Tobit betend“ (Tobit beschuldigt Anna, ein Kind gestohlen zu haben ) (1626. Amsterdamer Staatsmuseum, Rijksmuseum), „Balaam und der Esel“ (1627). Diese Gemälde sind sehr farbenfroh, detaillierte Details werden sorgfältig dargestellt und der eigentliche Schauplatz der biblischen Legende wird zuverlässig vermittelt. Doch bereits in diesen frühen Gemälden treten die Licht- und Schatteneffekte hervor, die den Autor so berühmt gemacht haben.

1627 kehrte Rembrandt nach Leiden zurück. Im Alter von zwanzig Jahren arbeitete er selbstständig an Gemälden und gravierte auch. Als Rembrandt durch die Straßen ging, fing er die Bilder, die ihm gefielen, mit einem Meißel auf einem lackierten Brett ein. Er erstellt auch eine Reihe von Drucken mit Darstellungen seiner Verwandten und Selbstporträts. In Leiden arbeitete Rembrandt mit seinem ebenso talentierten Freund Jan Lievens zusammen. Künstler beeinflussen sich gegenseitig in ihrer Arbeit und arbeiten teilweise in einer Art Co-Autorenschaft an demselben Thema. Aus diesem Grund ist es für Kunsthistoriker recht schwierig, eine Grenze zwischen den Gemälden von Rembrandt und Lievens aus den Jahren 1628–1632 zu ziehen. Einige Meisterwerke von Livens wurden Rembrandt zugeschrieben, während dessen weniger wertvolle Gemälde als Werke von Levins galten.

Bereits in den Leidener Jahren zeigte sich Rembrandts Originalität in seiner Art, Themen zu entwickeln. Wie andere Meister des Barock untersuchte Rembrandt die Bedeutung des Hell-Dunkels für die Vermittlung von Emotionen. Rembrandts Werk wurde von Künstlern wie Joris van Schooten, dem Schöpfer einer ganzen Reihe von Gruppengemälden, Luca Leiden, dessen Pinsel zum Gemälde des Jüngsten Gerichts gehört, und Peter Paul Rubens, der damals als der beste Künstler Europas galt, dem Deutschen, beeinflusst Künstler Adam Elsheimer sowie Gemälde der Caravaggisten. Seine Lehrer im Umgang mit Licht und Schatten. Die Gemälde von Rembrandt, die stilistisch den Caravaggisten am nächsten stehen, sind „Der Geldwechsler“ (Gleichnis vom törichten reichen Mann) (1627, Berlin), „Einführung in den Tempel“ (1628) und „Christus in Emmaus“ (1629). . Das Porträt, in dem sich der Künstler während der Arbeit an dem Gemälde im Atelier festhielt, ist das erste uns überlieferte Gemälde-Selbstporträt Rembrandts (1628).

Im Jahr 1629 wurde der Künstler vom Sekretär des Stadthalters Konstantin Heygens, einem Dichter und Philanthropen, bemerkt. In einem seiner Briefe beschreibt Hagens Lievens und Rembrandt als vielversprechende junge Künstler. Er vergleicht Rembrandts Leinwand „Judas gibt dreißig Silberstücke zurück“ (1629, Privatsammlung) mit den besten Werken Italiens, verurteilt jedoch die Vernachlässigung des Künstlers beim Zeichnen. Wahrscheinlich dank der Vermittlung von Hagens nahm Rembrandt Kontakt zu wohlhabenden Kunden auf und der Statthalter begann, Gemälde von Rembrandt und Lievens zu erwerben. Rembrandt malte mehrere Gemälde zu religiösen Themen für den Prinzen von Oranien. Allerdings war die Passion Christi kein großer Erfolg.

1631 zog Rembrandt erneut nach Amsterdam, das damals als das zweite Venedig galt. Rembrandt trifft viele Menschen unterschiedlicher Klassen. Zahlreiche Porträts weisen darauf hin, dass der Künstler zu den höchsten Schichten der Amsterdamer Gesellschaft zählte. Gewöhnliche Menschen posierten für ihn für biblische Szenen. Die ersten zehn Jahre nach Rembrandts Umzug nach Amsterdam waren geprägt von der Entstehung zahlreicher Werke von beeindruckender Größe und Thematik. In Studien männlicher und weiblicher Köpfe erforscht er den Gesichtsausdruck und die Einzigartigkeit jedes einzelnen Modells. Der Künstler malt oft Selbstporträts und zeigt sich selbst in fantastischen Kleidern und komplizierten Posen. Rembrandt druckt seine eigenen Stiche und jeder Druck unterscheidet sich vom vorherigen in mehreren Strichen oder Linien. Diese Drucke waren schnell ausverkauft. Seine Werke fanden Käufer im In- und Ausland.

Rembrandt wird ein begeisterter Sammler teurer und seltener Objekte. Er füllte seine Villa am Ufer eines kürzlich gegrabenen Kanals mit Kunstgegenständen, die er bei Antiquitätenhändlern kaufte. Dabei handelte es sich um Gemälde italienischer Meister und Stiche, mehrere Werke von Rubens sowie antike Büsten, Waffen, Musikinstrumente, indische Rüstungen und ausgefallene Gebrauchsgegenstände. Der Künstler studierte sorgfältig die Werke großer Vorgänger und Zeitgenossen, wie Tizian und sein „Ariosto“, das Porträt von Balthasar Castiglione von Raffael und Porträts von van Dyck.

Das Gruppenporträt „Die Anatomiestunde des Doktor Tulp“ (1632, Den Haag, Mauritshuis) verherrlichte Rembrandt und gilt als das erste große Werk des Künstlers. Im Jahr 1555 wurde in Holland ein Gesetz erlassen, das es Ärzten erlaubte, den menschlichen Körper zu untersuchen, und viele Ärzte hielten in speziellen anatomischen Theatern Vorträge über die anatomische Struktur des Menschen. In dem Gemälde „Dr. Tulps Anatomiestunde“ demonstriert Dr. Nicholas Tulp (richtiger Name Claes Pieterszoon), ein herausragender Amsterdamer Chirurg und Wissenschaftler, der die Abteilung für Anatomie leitete, Ärzten die Struktur der Muskeln des linken Unterarms. Das Bild besticht durch seinen Realismus und Naturalismus. Die Komposition ist recht originell; sie entspricht nicht dem üblichen Schema, bei dem die Figuren um einen Tisch herum platziert oder in parallelen Reihen aufgereiht wurden, sodass die Köpfe der Dargestellten für den Betrachter gleichermaßen sichtbar waren. Im Gegensatz zu dieser vorherrschenden formalen Tradition werden Chirurgen in natürlichen Posen dargestellt und durch eine Pyramidenkomposition von Menschen vereint, die sich für den Prozess begeistern. Rembrandt konnte durch Mimik und Gestik die Gedanken und Gefühle des Dozenten und seiner Studenten vermitteln. Rembrandt legt großen Wert auf die Beleuchtung, die das Bild ausfüllt und so eine besondere Spannung auf der Leinwand erzeugt. Das Gemälde „Dr. Tulps Anatomie-Lektion“ erregte die Aufmerksamkeit vieler Amsterdamer, die den Hörsaal einer medizinischen Einrichtung betreten wollten, nur um es anzusehen.

Im Jahr 1634 heiratete Rembrandt Saskia van Uylenburgh, ein reiches Mädchen, das aus einer sehr adeligen Familie stammte. Dieses Ereignis steigerte ihr Vermögen und öffnete dem Künstler die Türen der Bürgervillen. Auf besonderen Auftrag fertigte Rembrandt Gruppenporträts an. Kunden ließen sich lieber mit ihrem Ehepartner zeichnen. Rembrandt malte Dutzende solcher Porträts, die meist Ehepartner auf zwei verschiedenen Leinwänden darstellten. Nur zweimal malt ein Maler ein Doppelporträt, weil es nicht einfach ist, zwei Personen überzeugend auf einer Leinwand zu platzieren.

„Der Schiffbauer und seine Frau“ (Porträt von Jan Rijksen und seiner Frau Griet Jans) (1633. London. Königliche Sammlung).
Der Künstler versetzt das Paar in einen privaten Rahmen. Die Episode, in der die Frau ihrem Mann, der in seinem Büro arbeitet, einen Brief überbringt, verwandelt das Bild in eine Genreszene. Die Farbgebung des Bildes ist zurückhaltend, Schwarz-Weiß dominiert. Die Hauptakzente setzt der Künstler auf Gesichtern und einigen Einrichtungsgegenständen. Dies ist das schönste niederländische Gruppenporträt dieser Zeit. Acht Jahre später malte Rembrandt ein weiteres Doppelporträt: „Der Sektymennonitenprediger Cornelis Claes Anslo und seine Frau Altier Gerrit Schouten“ (1641. Berlin. Staatliche Museen, Kunstgalerie). Die Komposition ist völlig unerwartet, die Figuren sind nach rechts verschoben und nehmen nur die Hälfte der Leinwand ein. Die Komposition wird durch Anslos Handbewegung und die auf dem Tisch liegenden Bücher ausgeglichen.

In Porträts von Frauen und Männern malt Rembrandt sorgfältig den nach vorne oder dreiviertel gedrehten Kopf und stellt die Hände ausdrucksstark dar. Seine Ganzkörperporträts gelten als weniger erfolgreich. Im 17. Jahrhundert war die Ähnlichkeit das Wichtigste, doch Rembrandts Porträts sind zutiefst psychologisch. Der Hintergrund wechselt allmählich von dunkel zu hell, wodurch die Figur aus dem Schatten hervorzutreten scheint. Manche Motive lassen sich lieber ohne Schmuck darstellen, oft in einem einfach geschnittenen Anzug, der nur mit Spitze am Kragen und an den Manschetten verziert ist. Porträts von Rembrandt zeichnen sich durch Vollständigkeit, Intimität und Intimität aus. Viele haben eine ovale Form. Rembrandt stellte hauptsächlich Kaufleute mit ihren Ehepartnern dar und bevorzugte ein männliches Porträt. „Marten Looten“ (1632. Los Angeles. District Museum of Art), „Mann repariert einen Stift“ (1632. Kassel. Kunstgalerie), „Frau mit einem Psalmenbuch“ (1632. Nivaa. Städtische Gemäldesammlung), „Ein Mann mit spitzem Bart“ (1632, New York, Metropolitan Museum of Art), „Albert Kuyper“ (1632, Paris, Louvre), „Jacob de Geyn der Dritte“ (1632, London, Dulwich Gallery) und Dutzende von andere Porträts entstanden in kurzer Zeit. Vielleicht haben die Schüler dem Künstler geholfen, die Hintergründe und Kleidung der Modelle zu malen. Es gab viele Aufträge und Rembrandt konnte es sich nicht leisten, die durchdringende Psychologie zu erreichen, die in seinen ersten Porträts präsent ist.

„Porträt eines Wissenschaftlers“ (1631. St. Petersburg. Eremitage). Das Gemälde zeigt einen Mann mit nachdenklichem Blick bei der Arbeit. Es ist heute sehr schwierig, den Beruf der von Rembrandt dargestellten Personen zuverlässig zu bestimmen. Es gibt keinen Formalismus im Porträt. Dieses Gemälde nimmt einen würdigen Platz in den Kammerporträts des Künstlers ein.

Die bedeutendsten Porträts dieser Jahre wurden von der Frau des Künstlers, Saskia, in verschiedenen Umgebungen gemalt: „Saskia“ (1633. Dresden. Gemäldegalerie), „Porträt von Saskia“ (Kassel-Porträt) (1635. Kassel. Kunstgalerie). Im Porträt „Flora“ (1634. St. Petersburg. Eremitage) stellt der Künstler Saskia im Kostüm der Flora dar und schafft so das Bild einer Göttin. Rembrandt malt sorgfältig das Gesicht, Details der Kleidung und den Blumenkranz auf Saskias Kopf. Im Wesentlichen handelt es sich bei dem Bild um eine Pastorale. „Selbstbildnis mit Saskia auf den Knien“ (Verlorener Sohn im Wirtshaus, Allegorie auf Liebe und Wein) (1638. Dresden. Gemäldegalerie) ist das einzige Selbstbildnis des Malers, in dem er nicht allein dargestellt ist. Der Künstler malte sich selbst in Hochstimmung mit Saskia, die auf seinem Schoß saß und ein Glas Wein in der Hand hielt. Der Pfau auf dem Tisch ist ein Symbol für Reichtum. Ihre Kleidung ist elegant und exotisch.

Rembrandt schafft eine Reihe von Gemälden zu mythologischen und historischen Themen. Der Künstler füllte diese Bilder mit emotionalem Inhalt, während die philosophische Bedeutung im Hintergrund blieb. „Die Vergewaltigung Europas“ (1632, Los Angeles, Paul Getty Museum) Die Handlung ist traditionell für die italienische Malerei. „Der Raub des Ganymed“ (1635. Dresden. Bildergalerie) Im Mythos entführte ein Adler den jungen Ganymed, um Zeus‘ Mundschenk zu werden. Und hier missachtete Rembrandt die Tradition und stellte statt eines Teenagers ein launisches, rundliches vierjähriges Kind dar. Sein Ganymed ähnelt eher dem Amor von Rubens. Die Entführung macht dem Kind Angst und es stößt mit vor Entsetzen verzerrtem Gesicht einen Bach aus.

„Danae“ (1636. St. Petersburg. Eremitage). Der Legende nach sperrte der argivische König Akrisius seine Tochter Danae in einem Raum ein, nachdem ihm ein Orakel mitgeteilt hatte, dass er durch die Hand seines zukünftigen Enkels sterben würde. Zeus besuchte das Mädchen in Form eines Goldregens und empfing Perseus. Rembrandt stellt keine goldenen Regenschauer dar. Es ist kein Zufall, dass Amor über Danaes Bett abgebildet ist. Danae ist kultiviert, sinnlich und feminin und wird oft als „Venus des Nordens“ bezeichnet. Das ganze Bild ist von Licht durchdrungen. Das Gemälde wurde vom Künstler Huygens geschenkt.

Rembrandt malte auch biblische Themen und wählte Themen, die bei anderen Künstlern nicht beliebt waren. „Der betende Tobit“ (Tobit beschuldigt Anna, ein Kind gestohlen zu haben) (1626. Amsterdam. Rijksmuseum), „David mit dem Kopf von Goliath“ (1627. Basel. Offene Kunstsammlung), „Die Beweinung Jeremias“ (1630. Landesmuseum). von Amsterdam. Rijksmuseum) wurden vom Künstler bereits in der Leidener Zeit gemalt. „Das Fest des Belsazar“ (Mene, Tekel, Fares) (1635, London, National Gallery) macht auf den Betrachter einen seltsamen Eindruck, da das Gemälde auf beiden Seiten ungleichmäßig beschnitten war. Belsazar dominiert die Gruppe, echtes Grauen steht den Charakteren ins Gesicht geschrieben, denn die Inschrift sagt eine Niederlage im Kampf mit dem persischen König Darius voraus. Der Eindruck der Angst wird durch die dramatische Beleuchtung der Bühne verstärkt.

„Das Opfer Abrahams“ (1635, St. Petersburg, Eremitage) ist in seiner Handlung dramatisch. Der Engel ergreift im letzten Moment Abrahams Hand und verhindert so eine Tragödie. Das in der Luft gefrorene Messer verleiht der Szene zusätzliche Spannung. „Samsons Hochzeit“ (Samson stellt den Gästen ein Rätsel) (1638. Dresden. Kunstgalerie). In diesem Gemälde löst Rembrandt ein schwieriges kompositorisches Problem: eine große Anzahl von Menschen an einen Tisch zu bringen. Vielleicht half dem Künstler eine Skizze aus Leonardo da Vincis Gemälde „Das letzte Abendmahl“. „Abschied Davids von Jonathan“ (1642. St. Petersburg. Eremitage). Die Bibel erzählt, wie David und Jonathan sich umarmten und zusammen weinten. Rembrandt konnte das innere Drama Jonathans vermitteln, indem er ihn von hinten darstellte. Das Hell-Dunkel in diesen Gemälden erreicht einen beispiellosen Reichtum an Schattierungen. In den warmen Farben dominieren schimmernde Rot- und Goldbrauntöne.

Das Gemälde „Die Nachtwache“ (1642. Amsterdam. Amsterdamer Staatsmuseum. Rijksmuseum) ist heute ein nationales Symbol der Niederlande. Im Jahr 1642 erhielt Rembrandt den Auftrag, eine der sechs zahlreichen Amsterdamer Musketiertrupps von Kapitän Frans Banning Cock für den Neubau des Schützenvereins darzustellen. Zwei weitere Aufträge zur Erstellung eines Porträts gingen an seine Schüler. „Die Nachtwache“ ist ein einzigartiges Gruppenporträt, das ein Ereignis darstellt und nicht nur posierende Musketiere. Darüber hinaus fällt die Größe der Leinwand in ihrem Maßstab auf. Rembrandt verließ den Kanon der niederländischen Porträtmalerei und nahm damit die künstlerischen Entdeckungen der realistischen Malerei des 19. Jahrhunderts vorweg.
Das Gemälde zeigt eine Firma, die sich auf einen Feldzug begibt, und mehrere unbekannte Passanten am Tor. Die Truppe wurde in Bewegung dargestellt und die Szene erwies sich als sehr realistisch. Aus der Distanz entsteht die Illusion, dass sich die Figuren auf den Betrachter zubewegen. Es ist schwierig, über die Komposition des Gemäldes zu sprechen, da es an drei Seiten abgeschnitten wurde, so dass es den Anschein hat, als wären die Figuren in der Leinwand eingeengt. Das Bild basiert auf dem Spiel beleuchteter und schattiger Bereiche. Rembrandt nutzt Licht, um zwei Figuren im Vordergrund hervorzuheben. Eine Figur in Schwarz – Kapitän Kok streckt seine Hand nach vorne aus. Sein Begleiter ist effektvoll beleuchtet, jedes Detail seiner Kleidung ist sorgfältig ausgearbeitet. Die Aufmerksamkeit des Betrachters wird auf die beleuchtete Figur des Mädchens im Hintergrund des Bildes gelenkt. Das Gemälde zeigt mehr als zwanzig Figuren. Den Kunden gefiel nicht, dass einige der Musketiere im Hintergrund standen oder von den davor stehenden Figuren fast vollständig überdeckt wurden. Darüber hinaus erinnerte das Bild an die jüngste niederländische Befreiungsrevolution. Die Kunden weigerten sich, dieses Gemälde anzunehmen. Das Gemälde „Die Nachtwache“ erwies sich als Wendepunkt in Rembrandts Karriere. Viele Studenten verlassen ihn und werden zu gefragten Künstlern. Saskia stirbt 1642, ein Jahr nach der Geburt ihres Sohnes Titus. Fröhliche, farbenfrohe Gemälde mit einer Fülle sorgfältig ausgeführter Details und Muster liegen im Trend. Rembrandt selbst erhielt erst 14 Jahre später eine neue öffentliche Ordnung.

Dokumentarische Informationen über Rembrandts Privatleben in den 1640er Jahren. Nur wenige haben überlebt. Das Kindermädchen seines Sohnes, Geertje Dirks, verklagte ihn, weil er sein Eheversprechen gebrochen hatte, sodass der Künstler für die Beilegung des Konflikts zahlen musste. In den späten 1640er Jahren ließ sich Rembrandt mit einer anderen seiner Dienstmädchen, Hendrikje Stoffels, ein. Nach der Geburt ihrer Tochter Cornelia im Jahr 1654 verurteilte der Gemeinderat Hendrickje wegen „sündhaftem Zusammenleben“. Die Dienstmädchen posierten für Rembrandt für die Gemälde: „Frau im Bett“ (Gertje Dirks?) (1647. Edinburgh. National Gallery of Scotland), „Hendrickje Stoffels“ (1650. Paris. Louvre) „Frau beim Baden im Fluss“ (Hendrickje Stoffels Baden im Fluss) (1654. London. Nationalgalerie), „Hendrickje Stoffels an der offenen Tür“ (Zeitraum 1650-1660. Berlin. Staatliche Museen. Kunstgalerie).

Rembrandt malte auch Porträts seines Sohnes: „Titus an seinem Schreibtisch“ (1655. Rotterdam. Boijmans-van-Beuningen-Museum), „Titus“ (1657. London. Wallace-Sammlung), „Titus im Gewand eines Mönchs (Titus im Form des Heiligen Franziskus)“ (1660. Amsterdamer Staatsmuseum. Rijksmuseum). 1653 übertrug der Künstler fast seinen gesamten Besitz an seinen Sohn Titus und meldete 1656 Konkurs an. Nach dem Verkauf 1657-58. Haus und Grundstück zog der Künstler an den Stadtrand von Amsterdam, ins jüdische Viertel. Der Tod von Titus im Jahr 1668 war einer der letzten Schicksalsschläge für den Künstler. Rembrandt stirbt ein Jahr später.

„Die Syndiken der Tuchmacherwerkstatt“ (1661. Amsterdam. Rijksmuseum) – ein strenges und zurückhaltendes Gruppenporträt. Die Männer, die am Tisch sitzen, sind voller Wichtigkeit. Der rote Teppich hebt sich von den schwarz gekleideten Händlern ab.

Die letzten zwei Jahrzehnte in Rembrandts Leben wurden zum Höhepunkt seiner Fähigkeiten als Porträtmaler. Freunde und unbekannte Soldaten, alte Männer und Frauen posieren für ihn. Ihre Gesichter werden von innerem Licht erleuchtet. „Jan Six“ (1654. Amsterdam. Six Foundation), der einen Handschuh an der Hand zieht, zeichnet sich durch die Harmonie der Farben und die Breite pastoser Striche aus. Rembrandt schafft dramatische und intensive Gemälde: „Artaxerxes, Haman und Esther“ (1660, Moskau, Puschkin-Staatliches Museum der Schönen Künste) und „Die Verleugnung des Apostels Petrus“ (1660, Staatliches Museum von Amsterdam, Rijksmuseum). „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“ (1666. St. Petersburg. Eremitage)
„Haman erfährt sein Schicksal“ (David und Uria) (1666. St. Petersburg. Eremitage). Sie haben viele Male versucht, das Bild zu interpretieren, aber es gibt keine einzige überzeugende Version. Es ähnelt eher Rembrandts Fantasie zum Thema biblische Geschichte. Das Bild ist durch die Gestik und den Gesichtsausdruck der Hauptfigur sehr berührend.

Insgesamt schuf Rembrandt im Laufe seines Lebens etwa 500 Gemälde (von denen etwa 300 erhalten sind), 600 Stiche und Radierungen sowie 1.400 Zeichnungen.
Unter allen Malern der westlichen Welt gilt Rembrandt als der psychologisch aufschlussreichste Porträtmaler. Rembrandt Harmens van Rijn ist der größte Vertreter der niederländischen Kunst.