Bibliographische Beschreibung:

Nesterova I.A. Lehrmethoden für Bildende Kunst [Elektronische Ressource] // Bildungsenzyklopädie-Website

Sie laufen darauf hinaus, die Fähigkeit zu sehen, die Ausdruckskraft von Zeichnungen zu fühlen, zu modellieren. Dies ist eine der wichtigen Aufgaben, denen sich der Kunstlehrer gegenübersieht. Gleichzeitig sollte die Art der Fragen und Kommentare des Erwachsenen eine gewisse emotionale Reaktion in der Seele der Kinder hervorrufen. Betrachten Sie die verbalen Methoden des Kunstunterrichts.

Allgemeine Lehrmethoden für Bildende Kunst

Je nach Art des Unterrichts gelten allgemeine Methoden. Wenn Kindern zum Beispiel beim Plotten beigebracht wird, die Handlung zu vermitteln, ist es im Gespräch notwendig, den Kindern zu helfen, sich den Inhalt des Bildes, die Komposition, die Merkmale der Bewegungsübertragung und die Farbcharakteristik des Bildes vorzustellen. das heißt, über visuelle Mittel zur Vermittlung der Handlung nachzudenken. Der Lehrer verdeutlicht mit den Kindern einige technische Arbeitsmethoden, die Reihenfolge der Erstellung eines Bildes. Je nach Inhalt des Bildes: zu einem literarischen Werk, zu Themen aus der umgebenden Realität, zu einem freien Thema - die Gesprächstechnik hat ihre eigenen Besonderheiten.

Wenn man sich also auf das Thema eines literarischen Werks bezieht, ist es wichtig, sich an seine Hauptidee, Idee, zu erinnern; beleben Sie das Bild emotional, lesen Sie die Zeilen eines Gedichts, Märchens, charakterisieren Sie das Aussehen der Charaktere; sich an ihre Beziehung erinnern; Komposition, Techniken und Arbeitsablauf klären.

Das Zeichnen oder Modellieren der Themen der umgebenden Realität erfordert die Wiederbelebung einer Lebenssituation, die Wiedergabe des Inhalts von Ereignissen, der Situation, die Klärung von Ausdrucksmitteln; Kompositionen, Details, Bewegungsdarstellungen etc. Klärung von Technik und Bildfolge.

Beim Zeichnen an einem freien Thema ist eine Vorarbeit mit Kindern notwendig, um die Eindrücke der Studierenden wieder aufleben zu lassen. Dann bittet der Lehrer einige Kinder, ihre Absicht zu erklären: was sie zeichnen werden (blind), wie sie zeichnen werden, damit anderen klar ist, wo dieser oder jener Teil des Bildes platziert wird. Der Lehrer verdeutlicht einige der technischen Arbeitsmethoden am Beispiel von Kindergeschichten.

In Unterrichtsstunden, in denen der Inhalt des Bildes ein separates Thema ist, verbal Methoden des Kunstunterrichts begleiten oft den Prozess ihrer Prüfung. In diesem Fall ist es während des Gesprächs notwendig, eine aktive sinnvolle Wahrnehmung des Themas durch Kinder zu bewirken, ihnen zu helfen, die Merkmale seiner Strukturform zu verstehen, die Originalität der Farbe und die proportionalen Beziehungen zu bestimmen. Die Art und der Inhalt der Fragen des Lehrers sollten darauf abzielen, dass die Kinder Abhängigkeiten zwischen ihrem funktionalen Zweck oder den Merkmalen der Lebensbedingungen herstellen: Ernährung, Bewegung, Schutz. Die Erfüllung dieser Aufgaben ist kein Selbstzweck, sondern ein Mittel zur Bildung allgemeiner Ideen, die für die Entwicklung von Unabhängigkeit, Aktivität und Initiative von Kindern bei der Erstellung eines Bildes erforderlich sind. Der Grad der geistigen, sprachlichen Aktivität von Schulkindern in Gesprächen dieser Art ist umso höher, je reicher die Erfahrung der Kinder ist.

Spezielle Methoden des Kunstunterrichts

Am Ende der Lektion müssen Sie den Kindern helfen, die Ausdruckskraft der von ihnen erstellten Bilder zu spüren. Dafür speziell Methoden des Kunstunterrichts.

Eine Erklärung ist eine verbale Art, die Gedanken von Kindern zu beeinflussen und ihnen zu helfen, zu verstehen und zu lernen, was und wie sie während des Unterrichts tun sollten und was sie als Ergebnis erhalten sollten.

Die Erklärung erfolgt in einfacher, zugänglicher Form gleichzeitig der ganzen Klasse oder einzelnen Kindern. Erklärung wird oft mit Beobachtung kombiniert und zeigt Wege und Techniken der Arbeit auf.

Tipp - wird in Fällen verwendet, in denen das Kind Schwierigkeiten hat, ein Bild zu erstellen.

Aber eilen Sie nicht zu Ratschlägen. Kinder mit einem langsamen Arbeitstempo, die in der Lage sind, eine Lösung für dieses Problem zu finden, brauchen oft keinen Rat. In diesen Fällen trägt die Beratung nicht zum Wachstum der Selbständigkeit und Aktivität der Kinder bei.

Erinnerung in Form von Kurzanleitungen ist eine wichtige Unterrichtsmethode. Es wird normalerweise vor Beginn des Bildgebungsprozesses verwendet.

Meistens geht es um die Reihenfolge der Arbeit. Diese Technik hilft Kindern, rechtzeitig mit dem Zeichnen (Bildhauen) zu beginnen, Aktivitäten zu planen und zu organisieren.

Ermutigung ist eine methodische Technik, die in der Arbeit mit Kindern häufiger eingesetzt werden sollte. Diese Technik vermittelt den Kindern Selbstvertrauen, macht Lust auf gute Arbeit, ein Erfolgserlebnis.

Das Erfolgserlebnis fördert die Aktivität, hält Kinder aktiv. Je älter die Kinder sind, desto objektiver sollte das Erfolgserlebnis freilich auch sein.

Unabhängig davon lohnt es sich, eine solche Methode des Unterrichtens der bildenden Kunst als künstlerisches Wort hervorzuheben, das im Unterricht der bildenden Kunst weit verbreitet ist. Das künstlerische Wort weckt das Interesse am Thema, der Inhalt des Bildes hilft, die Aufmerksamkeit auf die Arbeit der Kinder zu lenken. Die unaufdringliche Verwendung eines literarischen Wortes während des Unterrichts schafft eine emotionale Stimmung und belebt das Bild.

Die Bedeutung der Lehrmethoden der bildenden Kunst

Lehrmethoden für bildende Kunst kombinieren Sie geistige und körperliche Aktivität. Um eine Zeichnung, Modellierung, Applikation zu erstellen, müssen Anstrengungen unternommen, Arbeitshandlungen durchgeführt, die Fähigkeiten des Bildhauens, Schnitzens, Zeichnens eines Objekts mit der einen oder anderen Form oder einer anderen Struktur sowie die Beherrschung der Fähigkeiten im Umgang mit einer Schere beherrscht werden , Bleistift und Pinsel, Ton und Plastilin. Der ordnungsgemäße Besitz dieser Materialien und Werkzeuge erfordert einen gewissen Aufwand an körperlicher Kraft und Arbeitsfähigkeit. Die Assimilation von Fähigkeiten und Fertigkeiten ist mit der Entwicklung solcher Willensqualitäten einer Person wie Aufmerksamkeit, Ausdauer, Ausdauer verbunden. Kindern wird die Fähigkeit beigebracht zu arbeiten, um das gewünschte Ergebnis zu erzielen.

Die Teilnahme von Kindern an der Vorbereitung auf den Unterricht und dem Putzen nach dem Unterricht trägt ebenfalls zur Bildung von Fleiß und Arbeitsfähigkeit bei. Die Methoden des Kunstunterrichts stehen nicht in direktem Zusammenhang mit dieser Tatsache, aber dennoch wird in der Arbeitspraxis oft die gesamte Vorbereitung auf den Unterricht den Betreuern übertragen. Das ist nicht wahr. In der Schule muss jedes Kind seinen eigenen Arbeitsplatz vorbereiten, und es ist wichtig, dass es daran gewöhnt wird. Bereits im Kindergarten ist es notwendig, Arbeitsfähigkeiten für alle zu entwickeln und ihnen beizubringen, erst dann mit der Arbeit zu beginnen, wenn alles fertig ist.

Die Hauptbedeutung der Methoden des Kunstunterrichts besteht darin, dass die bildende Kunst ein Mittel der ästhetischen Bildung ist. Im Prozess der visuellen Aktivität werden günstige Bedingungen für die Entwicklung ästhetischer Wahrnehmungen und Emotionen geschaffen, die sich allmählich in ästhetische Gefühle verwandeln, die zur Bildung einer ästhetischen Einstellung zur Realität beitragen. Die Isolierung der Eigenschaften von Objekten (Form, Struktur, Größe, Farbe, Lage im Raum) trägt zur Entwicklung eines Sinns für Form, Farbe und Rhythmus bei Kindern bei - den Komponenten eines ästhetischen Sinns.

Die ästhetische Wahrnehmung richtet sich in erster Linie auf das Objekt als Ganzes, auf seine ästhetische Erscheinung - die Harmonie der Form, die Schönheit der Farbe, die Proportionalität der Teile usw. Ästhetische Wahrnehmung hat auf unterschiedlichen Entwicklungsstufen des Kindes unterschiedliche Inhalte. Bei der Anwendung von Lehrmethoden im Unterricht der Bildenden Künste ist dieser Tatsache daher Rechnung zu tragen. Aber eine ganzheitliche ästhetische Wahrnehmung, die von einem ästhetischen Sinn für Schönheit durchdrungen ist, reicht noch nicht aus, um ein Bild zu schaffen. Die Bekanntschaft mit dem Gegenstand, der dann dargestellt wird, muss einen besonderen Charakter haben. Nach einer ganzheitlichen Wahrnehmung sollen Kinder dazu gebracht werden, einzelne Eigenschaften zu isolieren, die sich in der visuellen Aktivität widerspiegeln können. Es ist jedoch sehr wichtig, die Wahrnehmung mit einer ganzheitlichen Erfassung des Objekts in der Summe aller Haupteigenschaften zu vervollständigen und sein Aussehen, seine Ausdrucksqualitäten zu bewerten. Nachdem man zum Beispiel eine Birke sorgfältig untersucht hat, die Dicke des Stammes, die Richtung der Äste, die Farbe von beiden, sollte man erneut ihre Harmonie, die Dünnheit der Äste und ihre sanfte Biegung betonen. Gleichzeitig stellt sich wieder ein ästhetisches Gefühl ein.

Ovsyannikova Swetlana Iwanowna,

Kunstlehrer der höchsten Kategorie

MOU Lyzeum "Politek" Wolgodonsk, Gebiet Rostow.

Moderne Methoden des Kunstunterrichts.

In meiner Erfahrung in der Arbeit mit Schülern verwende ich viele Methoden und Technologien, aber in meinem Bericht möchte ich nur auf zwei eingehen, die für moderne Schulkinder interessant und relevant sind: Dies ist eine Methode des Arbeitens nach dem Prinzip einer kreativen Werkstatt und a Methode zum Unterrichten von Computergrafikfähigkeiten. Beide Methoden sind sowohl im Unterricht als auch außerhalb der Schulzeit – im Klassenzimmer – anwendbar. Ihre Verwendung auf einem Becher ist jedoch bevorzugter.

Ein kreativer Workshop für ein Kind ist eine unbegrenzte Gelegenheit für die Entwicklung kreativen kreativen Denkens und Handelns. Ein kreativer Workshop für einen Lehrer ist ein unbegrenztes Feld im Einsatz moderner pädagogischer Technologien, wie z persönlichkeitsorientiert, Unterstützung bei der Verwirklichung der natürlichen Fähigkeiten der Schüler für ihre Entwicklung und Anwendung in verschiedenen kreativen Aktivitäten; menschlich - persönlich, basierend auf allseitigem Respekt und Liebe für das Kind, Vertrauen in seine schöpferischen Kräfte; Kooperationstechnologie, es zu ermöglichen, gemeinsam mit den Schülern Ziele zu entwickeln, mit ihnen gemeinsam zu gestalten, ihr Freund zu sein, ausschließlich positive emotionale Begleitung zu schaffen, die darauf abzielt, nachhaltiges Interesse zu entwickeln; differenziertes Lernen nach dem Niveau der künstlerischen und kreativen Entwicklung und des Potenzials; problembasiertes Lernen Ermöglichen, eine Problemsituation zu schaffen und die unabhängige Aktivität der Schüler zu aktivieren, um sie zu lösen; Individualisierungstechnologie nach der Designmethode, mit der Sie die Individualität des Kindes, sein Potenzial und seine Fähigkeiten in Forschungs- und Wettbewerbsaktivitäten erkennen können.

Die Arbeit nach der Kreativwerkstatt-Methode verfolgt folgende Ziele und Zielsetzungen:

Verbesserung der Kenntnisse, Fertigkeiten und Fähigkeiten, die das Kind im Lern- und Lebensprozess erworben hat;

Entwicklung der Unabhängigkeit in der suchkreativen Tätigkeit;

Entwicklung des Interesses an der Vielfalt der Kunstarten und -gattungen, der Wunsch, sich an der Beherrschung einer Vielzahl von Materialien und Techniken zu versuchen;

Entwicklung von Fähigkeiten und Wünschen, das erworbene Wissen in der Praxis, im Alltag, bei der Transformation von Person und Umwelt anzuwenden;

Erziehung zur ästhetischen Bildung, Wahrnehmung des menschlichen Lebens im Einklang mit Natur, Kunst, Lebensraum;

Erziehung zur Liebe zur einheimischen und Weltkultur, Erziehung zur Toleranz;

Stärkung des Vertrauens in die eigene Notwendigkeit, Bedeutung und Relevanz für eine Gesellschaft, die Produkte kreativer Arbeit braucht;

Die Methodik des Kreativworkshops basiert auf den gemeinsamen Aktivitäten von Lehrer und Schüler, wobei die Wahl der Aktivität vom Schüler getroffen wird und der Lehrer den Verlauf seiner Arbeit nur berät und korrigiert. Der Student hat das Recht zu wählen, in welcher Form und in welchem ​​Genre der bildenden Kunst er mit der Arbeit beginnen möchte, plant seine Aktivitäten mit Hilfe eines Lehrers: Er fertigt eine Skizze an, wählt Material aus, bereitet einen Desktop vor und fährt dann mit der Ausführung fort planen. Jeder Student in der Kreativwerkstatt ist ein Künstler, der sich darauf vorbereitet, seine Arbeit dem Publikum zu präsentieren. Jede Arbeit, die nach der Methode eines Kreativworkshops durchgeführt wird, ist tatsächlich ein Projekt, und das fertige Produkt ist ein Produkt, das ein Kind bei Wettbewerben, Olympiaden oder Ausstellungen präsentiert. In einem Studienjahr kann ein Student je nach Fähigkeiten, Fertigkeiten und Dynamik vier bis zwanzig kreative Werke in verschiedenen Arten und Genres der bildenden Kunst schaffen oder schaffen. Und eine Gruppe von Kindern, 15-20 Personen, bereitet eine vollwertige grandiose Ausstellung vor, die Werke aus den unterschiedlichsten Materialien und in verschiedenen Techniken präsentiert.

Die Arbeit nach der Methode einer Kreativwerkstatt ermöglicht es Ihnen, eine Vielzahl von Techniken und Materialien gleichzeitig abzudecken, was im traditionellen Bildungsprozess grundsätzlich unmöglich ist. So führt beispielsweise eine Gruppe von Leuten aus 20 Personen, die nach Interessen aufgeteilt sind, gleichzeitig völlig unterschiedliche Arbeitstechnologien aus: Jemand macht Kratzen, jemand Glasmalerei, jemand beschäftigt sich mit Malerei, jemand ist Grafik, einige Studenten stellen Tafeln aus Abfallmaterial her, und einige beschäftigen sich mit Floristik usw. Für einen Lehrer ist die Tätigkeit nach der Workshop-Methode eine harte, aber interessante Arbeit, die ihn keine Minute von den Kindern ablenken lässt, sondern kreative Befriedigung aus den erzielten Ergebnissen bringt. Die Arbeit fesselt nicht nur Schüler, sondern auch Eltern, die kommen, um ihre Arbeit zu sehen und bereit sind, jede moralische Unterstützung zu leisten.

Nicht weniger wichtig ist der psychologische Aspekt der Methodik der Arbeit nach dem Prinzip einer Kreativwerkstatt. Es ist kein Geheimnis, dass Kinder, die anfangen, sich mit bildender Kunst zu beschäftigen, manchmal eine Reihe von Komplexen haben, wie z. , „niemand wird es mögen“, „Ich kann im Allgemeinen nichts tun“ und andere. Allmählich verschwinden diese Komplexe, da die vom Kind im Workshop ausgeführten Aufgaben keine konstante Punktzahl haben (nur das zur Perfektion gebrachte Endergebnis wird bewertet), es gibt keine zeitliche Begrenzung. Letztendlich wird jedes Kind erfolgreich, es entscheidet, wie und wo seine fertige Arbeit verwendet werden kann: an einer Ausstellung teilnehmen, zu einem Wettbewerb geschickt oder seiner Mutter präsentiert werden.

Im Zeitalter der Informationstechnologie ist das Arbeiten nach der Methode einer Kreativwerkstatt ohne die Fähigkeit, mit einem Computer zu arbeiten, nicht mehr möglich, und zwar aus folgenden Gründen:

Eine hochwertige, interessante, fertige Arbeit kann von einem Kind zur Teilnahme an verschiedenen Wettbewerben, Olympiaden, Konferenzen und Ausstellungen verwendet werden.

Eine solche Teilnahme setzt oft das Vorhandensein eines vollwertigen theoretischen Materials voraus, das gemäß den modernen Anforderungen an wissenschaftliches Arbeiten gestaltet ist und Grafiken, Tabellen oder Fotos enthält.

Die Bestimmungen vieler Internetwettbewerbe legen die Qualität und Größe des eingereichten Bildes, die Anzahl der Pixel pro Zoll usw. fest.

Persönliche Ausstellungsmaterialien können vom Kind in elektronischer Form in Form von Präsentationen gestaltet werden.

Kinder können ihre eigene Website erstellen, um ihre Kreativität Verwandten, Freunden usw. zu präsentieren.

All dies setzt die Fähigkeit des Schülers voraus, mit einem Computer zu arbeiten. Aber ich werde mich nur darauf konzentrieren, was meiner Meinung nach ein Kunstlehrer in dieser Richtung tun sollte.

In der gegenwärtigen Entwicklungsstufe der Gesellschaft wird die Computergrafik zu einer anderen Art von bildender Kunst. Daher muss ein Schullehrer für Bildende Kunst über die Fähigkeiten verfügen, in Grafikeditoren zu arbeiten, und dies seinen Schülern beibringen. Meiner Meinung nach ist es nicht ratsam, Klassenräume, in denen Kunstunterricht stattfindet, mit Computern für jeden Tisch auszustatten, da sonst kein Ort zum Lernen mit anderen Materialien vorhanden ist. Primäre Form ist nach wie vor die klassische Unterrichtsform der Bildenden Kunst, also das Arbeiten mit künstlerischem Material. Der erste Ausweg ist der Besuch eines Computerkurses. Diese Option sollte im Voraus in den Stundenplan aufgenommen werden, da die meisten Schulen nur eine Computerklasse haben. Der zweite, zugänglichere Ausweg sind zusätzliche außerschulische Aktivitäten, dh ein Kreis.

In der Praxis meiner Arbeit sind zwei kreative Assoziationen entstanden: „Magic Tassel“ und „Semitsvetik“. Die Verbände befinden sich in verschiedenen Schulen, und daher sind die Bedingungen für die Anwendung der Methodik für den Computergrafikunterricht unterschiedlich. Im Kreativverein „Zauberpinsel“ werden Kinder nach dem Prinzip eines individuellen Projekts engagiert, wenn die Lehrkraft den Redakteuren die wichtigsten Punkte der Arbeit erklärt, und dann den Kindern während des Besuchs einer Computerklasse oder zu Hause bei einem Personal Computer, selbstständig eigene grafische Arbeiten erstellen oder Fotoarbeiten bearbeiten, die zu Wettbewerben im Internet geschickt werden sollen. So folgt ein Kind, das daran interessiert ist, seine Arbeit der Öffentlichkeit zu präsentieren und an verschiedenen Online-Wettbewerben teilzunehmen, dem folgenden Weg:

Schaffen einer Arbeit in einer Kreativwerkstatt mit Kunst-, Natur- und anderen Materialien;

ihn fotografieren;

Bearbeitung in Grafikeditoren;

Erstellen von Bildern in Grafikeditoren nach Art von Kunstwerken mittels Computergrafik;

Ansammlung von Bildern auf einem persönlichen Flash-Laufwerk;

Versenden einer elektronischen Version an Wettbewerbe;

Erstellung einer persönlichen Seite oder Website zur Präsentation ihrer Arbeit;

Diese Methode ist für Kinder über 10 Jahre geeignet, wenn die Hilfe des Lehrers nur beratend ist. Der Kreativverein Semitsvetik umfasst das Mausatelier für Kinder im Alter von 8-10 Jahren, in dem 1 Stunde pro Woche für die Arbeit mit Grafikeditoren vorgesehen ist. Kinder engagieren sich in einer Gruppe und beherrschen verschiedene Grafikeditoren und ihre Fähigkeiten. Das Endergebnis ist dasselbe: Zugang zu Internetwettbewerben, Teilnahme an Ausstellungen, Präsentation ihrer Arbeit im Internet.

Lassen Sie uns im Detail auf den Algorithmus eingehen, um Kindern beizubringen, wie man mit Grafikeditoren arbeitet. Ich bin der Meinung, dass die Schüler nach Möglichkeit an eine große Anzahl von Grafikeditoren herangeführt werden sollten, da eine ganzheitliche Wahrnehmung ihrer Fähigkeiten dem Kind die Freiheit gibt, Handlungen und Kreativität zu wählen.

Schritt eins: Mit dem Malprogramm können Sie trotz seiner scheinbaren Einfachheit Werke von erstaunlicher Tiefe und Komplexität erstellen, wenn das Kind alle im klassischen Zeichnen erworbenen Fähigkeiten anwendet. Der Lehrer muss lediglich die Symbolleiste vorstellen und zeigen, wo und wie jedes Werkzeug verwendet werden kann.

Abb. 1 Egorova Ksenia 11 Jahre „Zimmer“ Abb. 2 Kovaleva Daria 14 Jahre „Winter“

Abb. 3 Babaniyazova Elena 14 Jahre „Weihnachten“ Abb. 4 Gaevskaya Irina 13 Jahre „City“

Schritt zwei: das Paint-Programm. Netz. Dieses Programm hat viele weitere Funktionen, mit denen Sie jedes Bild verarbeiten und simulieren können. Machen wir uns mit der Symbolleiste, den Effekten, der Korrektur usw. vertraut. Wir zeigen, wie man das Bild kopiert, ausschneidet, einfügt, verändert und verbessert. Zu beachten ist, dass jeder Grafikeditor von Kindern sehr schnell beherrscht wird, wenn sie sich bereits mit Paint auskennen.

Schritt drei: Adobe Photoshop. Ich stelle dieses Programm Kindern vor, nachdem sie Paint gemeistert haben. Net, da Adobe Photoshop komplexer und reichhaltiger ist. Wir beherrschen die Symbolleiste, analysieren die Effekte im Detail, lernen, wie man mit Ebenen arbeitet, dann anpassen, glätten, ausrichten, in der Größe ändern usw.

Abb. 7 Balymova Elena, 13 Jahre Abb. 8 Milanina Tatyana, 11 Jahre „Postkarte“

"Reflexion des Frühlings"

Grundschulkinder sollten nur unter Anleitung eines Lehrers mit einem Grafikeditor arbeiten, weil sie sich manchmal so hinreißen lassen, dass sie das Bild mit unnötigen Details überladen. Es ist wichtig, eine harmonische Wahrnehmung und Augenmaß zu entwickeln.

Schritt vier: Corel Photo Paint Pro und mehr. Ich muss sagen, dass die Grafikeditoren am interessantesten sind, die über eine Vielzahl von Funktionen verfügen, sowie diejenigen, die von Amateurprogrammierern erstellt wurden. Es gibt viele interessante Ergebnisse in diesen Programmen. Wir arbeiten seit dem zweiten Jahr mit Corel Photo Paint Pro, es ist sehr reichhaltig und die Schüler finden ständig etwas Neues darin.

Abb. 11 Kozlov Danil 9 Jahre „Segel“ Abb. 12 Minina Olga 9 Jahre „Blumenwiese“

Abb. 13 Leshchenko Kristina 9 Jahre „Herbst“ Abb. 14 Shperle Ekaterina 10 Jahre „Insel“

Im Corel Photo Paint Pro-Programm ist es für Kinder am interessantesten, Collagen zu erstellen und Bilder nach ihren Vorstellungen zu modellieren. Jedes Kind hat seinen eigenen Stick und speichert die Zeichnung am Ende der Arbeit dort ab.

Leider liegt das Unterrichten von Computergrafik heute nicht in der Verantwortung eines Kunstlehrers und wird in Bildungsprogrammen für bildende Kunst nicht ausdrücklich erwähnt. Das machen ganz nebenbei Informatiklehrer, die von den bildenden Künsten eine sehr entfernte Ahnung haben. Ich glaube, nur wer die Grundlagen von Malerei, Grafik, Kunsthandwerk, Design und Fotografie kennt, kann Kindern die Arbeit in Grafikeditoren kompetent und richtig beibringen. Aber dazu muss er selbst in ihnen wirken können.

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... zeitgenössisch Nationalkultur (9; S.126). Die Praxis zeigt das in jeder Phase des Unterrichts bildhaft Kunst... - M., 1984. - S.101, 103. 4. Kuzin V.S.. Methodik Lehren bildhaft Kunst in den Klassen 1-3: Lehrerleitfaden. - 2. Auflage ...

Die Methode des Beobachtens liegt dem gesamten System der Kunstvermittlung zugrunde. Der Erfolg der Entwicklung ihrer kreativen Fähigkeiten hängt davon ab, wie Kinder die Fähigkeit entwickeln, die Umwelt zu beobachten, Verbindungen zwischen den Phänomenen der Realität herzustellen, zwischen dem Allgemeinen und dem Individuellen zu unterscheiden. Einen großen Beitrag zu seiner Entwicklung leistete E.A. Flerina, N.P. Sakulina, LA Raev. (37, 45)

Aber Beobachtungen allein vor dem Unterricht werden die Darstellungsmöglichkeit des Gesehenen nicht vollständig gewährleisten. Es ist notwendig, dem Kind spezielle Bildtechniken beizubringen, Möglichkeiten, verschiedene visuelle Materialien zu verwenden. Erst im Prozess der systematischen Schulung im Unterricht werden die Fähigkeiten der Kinder voll ausgebildet.

Im Kindergarten, im Klassenzimmer für visuelle Aktivitäten, werden verschiedene Methoden und Techniken verwendet, die bedingt in visuell und verbal unterteilt werden können. Eine besondere Gruppe von Techniken, die für den Kindergarten spezifisch sind, bilden die Spieltechniken. Sie kombinieren die Verwendung von Visualisierung und die Verwendung des Wortes.

Die Unterrichtsmethode ist nach der in der Pädagogik angenommenen Definition durch einen einheitlichen Ansatz zur Lösung der Aufgabe gekennzeichnet, der die Art aller Aktivitäten sowohl des Kindes als auch des Lehrers in dieser Lektion bestimmt.

Die Lernmethode ist ein eher privates Hilfsinstrument, das nicht die gesamten Besonderheiten der Unterrichtsaktivität bestimmt, die nur einen engen pädagogischen Wert hat.

Manchmal können einzelne Methoden nur als Technik dienen und bestimmen nicht die Richtung der Arbeit im Unterricht als Ganzes. Wenn zum Beispiel das Lesen eines Gedichts (einer Geschichte) zu Beginn des Unterrichts nur das Ziel hatte, das Interesse an der Aufgabe zu wecken und die Aufmerksamkeit der Kinder zu erregen, dann diente das Lesen in diesem Fall als eine Technik, die dem Erzieher bei der Lösung einer Aufgabe half schmale Aufgabe - Organisation des Unterrichtsbeginns.

Visuelle Methoden und Lehrmethoden.

Zu den visuellen Lehrmethoden und -techniken gehören die Verwendung der Natur, Reproduktionen von Gemälden, Mustern und anderen visuellen Hilfsmitteln; Untersuchung einzelner Objekte; zeigt den Erzieher von Bildtechniken; zeigen die Arbeiten der Kinder am Ende des Unterrichts, wenn sie bewertet werden.

Die Nutzung der Natur. Natur in der bildenden Kunst bezieht sich auf ein Objekt oder Phänomen, das durch direkte Beobachtung dargestellt wird. Bei der Arbeit nach der Natur handelt es sich um die Abbildung eines Objekts aus einem bestimmten Blickwinkel, in der Position, in der es sich in Bezug auf das Auge des Malers befindet. Dieses Merkmal des Naturbildes bestimmt auch die Originalität der Wahrnehmung im Unterrichtsprozess. Die Hauptsache wird hier die visuelle Wahrnehmung sein, und wenn es auf einer Ebene dargestellt wird (Zeichnung, Anwendung), wird das Objekt nur von einer Seite wahrgenommen; Beim Bildhauen und Konstruieren sollen Kinder die Natur drehen, die dreidimensionale Form in verschiedenen Wendungen analysieren können.

Die Fähigkeit, einen Gegenstand in der Gesamtheit seiner Eigenschaften wahrzunehmen, ist bereits für ein Kind im Grundschulalter charakteristisch. Die Notwendigkeit, ein Objekt aus der Natur darzustellen, erfordert jedoch die Fähigkeit, das Verhältnis von Teilen und ihre Position im Raum zu analysieren. Psychologen glauben, dass ein Kind im Vorschulalter nur unter der Bedingung einer richtigen pädagogischen Anleitung zu einer solchen analytisch-synthetischen Wahrnehmung fähig ist.

Die Natur erleichtert vor allem die Erinnerungsarbeit, da der Prozess des Bildes mit der Wahrnehmung verbunden ist; hilft dem Kind, die Form und Struktur des Objekts, seine Farbe, richtig zu verstehen und zu vermitteln. Trotz der Fähigkeit von Kindern im Alter von 4-5 Jahren, eine einfache Analyse von Bildobjekten durchzuführen, weist die Arbeit an der Natur in diesem Alter ihre eigenen Unterschiede zur Nutzung der Natur durch Schulkinder und Künstler auf.

Wenn das Kind ein Objekt wahrnimmt, muss es sein Volumen zeigen (ein zweidimensionales Bild einer dreidimensionalen Natur auf einer Ebene geben), was mit der Verwendung von Hell-Dunkel, der Übertragung von perspektivischen Änderungen im Objekt und der Anzeige von verbunden ist komplexe Winkel. Diese Bildtechniken stehen Vorschulkindern nicht zur Verfügung. Daher werden für sie Objekte einfacher Form mit klaren Umrissen und Unterteilungen von Teilen als Natur ausgewählt.

Die Natur wird so platziert, dass alle Kinder sie von der charakteristischsten Seite wahrnehmen. Der Erzieher sollte mit den Kindern die Natur eingehend untersuchen und den Prozess der Analyse mit Wort und Geste lenken und erleichtern. Dieser Prozess erfordert eine bestimmte Bildungskultur und ein entwickeltes analytisches Denken. Solche Fähigkeiten beginnen sich bei Kindern im Alter von 5-6 Jahren zu entwickeln. In diesem Alter lernen sie beim Abbilden ihre Arbeit naturgemäß zu vergleichen und zu korrigieren. In der älteren Gruppe vermitteln Kinder beispielsweise bei der Darstellung eines Fichtenzweigs aus der Natur die Lage des Zweigs im Raum (schräg oder vertikal), die Anzahl und Größe der Zweige links und rechts und zeichnen dicke Nadeln eines Dunkels oder heller Ton.

Als Natur können Blätter, Zweige, Blumen, Früchte sowie Spielzeuge mit Personen, Tieren und Fahrzeugen verwendet werden.

Der Naturunterricht als Lehrmethode umfasst somit den gesamten Prozess des Bildes: die anfängliche Auseinandersetzung mit dem Thema, Vergleich des Bildes mit der Natur in Form, Lage, Farbe, Bewertung der Arbeitsergebnisse durch Vergleich der Zeichnung und Natur.

Manchmal kann die Natur als private Technik verwendet werden und hat keinen Einfluss auf die Natur des Unterrichts als Ganzes. Beispielsweise bittet ein Kind beim Zeichnen nach einem Plan um Hilfe bei der Darstellung eines Objekts. Der Lehrer legt dem Kind das notwendige Spielzeug vor, das als Natur verwendet wird. Generell wird die Arbeit am Bild vom Inhalt der Idee bestimmt. Die Natur wird nur helfen, es besser auszuführen.

Untersuchung von Gegenständen zu Beginn des Unterrichts. In den jüngeren und mittleren Gruppen zeigen sie oft einzelne Items zu Beginn des Unterrichts. Kinder untersuchen einen Ball, Bänder, Spachtel usw. werden durchgeführt, um die Aufmerksamkeit der Kinder auf die Aufgabe zu lenken und ihre Ideen wiederzubeleben. Während des restlichen Unterrichts zeichnen die Kinder nach der Idee und kehren nicht zur Wahrnehmung von Objekten zurück.

In der älteren Gruppe ist es auch notwendig, einige Punkte zur Überlegung mitzubringen. Bevor der Lehrer beispielsweise zum Thema des Märchens „Drei Bären“ zeichnet oder bildhauert, lädt der Lehrer die Kinder ein, einen Spielzeugbären zu betrachten, die Merkmale der Form und Proportionen einzelner Teile hervorzuheben und die Veränderung ihrer Position je nach zu verfolgen auf die Drehung des Objekts. Jedes Kind stellt einen Bären in der Position dar, die der für das Bild ausgewählten Episode entspricht.

Beispielanwendung. Eine Probe kann wie die Natur als Methode und als separate Unterrichtstechnik fungieren.

Bei jenen Arten von visuellen Aktivitäten, bei denen das Hauptziel nicht darin besteht, Eindrücke aus der Wahrnehmung der Umgebung zu festigen, sondern bestimmte Aspekte dieser Aktivität zu entwickeln (häufiger bei dekorativen und konstruktiven Arbeiten), wird das Modell als Lehrmethode verwendet.

Das Hauptziel des Unterrichts in dekorativem Zeichnen und Applizieren besteht also darin, zu lehren, wie man ein Muster erstellt und einen künstlerischen Geschmack entwickelt. Kinder betrachten schöne Gegenstände: Teppiche, Vasen, Stickereien usw., was die ästhetische Gesamtkultur erhöht. In den dekorativen Zeichenkursen reflektieren Kinder nicht nur ihre Eindrücke von diesen Objekten und wiederholen die darauf zu sehenden Muster, sondern lernen auch, ein Muster selbst zu erstellen, schöne Kombinationen von Formen und Farben herzustellen. Daher ist es in der Anfangsphase des Trainings möglich, die Elemente eines Musters aus einem Muster zu kopieren und dabei die Prinzipien der Anordnung von Elementen und Farbkombinationen zu übernehmen.

Manchmal stehen mehrere Beispiele zur Auswahl, wenn die Kinder bereits einige Fähigkeiten beherrschen.

Die Verwendung von Beispielen wird durch die Ziele dieser Lektion bestimmt. So kann eine Probe ohne besondere Anweisungen des Lehrers angeboten werden, die Kinder erledigen die Arbeit nach Prüfung selbst. In diesem Fall trägt die Verwendung der Probe zur Entwicklung des analytisch-synthetischen Denkens des Kindes bei.

Manchmal dient das Sample als Lerntechnik. Beispielsweise wird beim Fachzeichnen oder Modellieren ein Muster nicht zum Zwecke des Kopierens verwendet, sondern um die Vorstellungen der Kinder über das abgebildete Objekt zu verdeutlichen.

Die Verwendung von Mustern mit vereinfachten, schematischen Bildern wirkt sich negativ auf die Entwicklung der kreativen Fähigkeiten von Kindern aus. Die Vereinfachung des Bildes zu einem Diagramm schafft nur eine scheinbare Erleichterung der Aufgabe, die den Kindern zukommt. Das Schema entspricht nicht der spezifischen Vorstellung des Kindes über das Thema, da ihm die charakteristischen Details fehlen, an denen der Vorschulkind das Thema erkennt.

Man sollte die auf der Grundlage einer bestimmten Wahrnehmung gebildete Darstellung nicht durch ein flächiges schematisches Bild ohne individuelle Merkmale ersetzen. Ein solches Schema hilft dem Kind nicht, die Hauptsache im Fach hervorzuheben, sondern ersetzt einfach das Bild eines bestimmten Fachs.

Mit solchen Mustern vergisst der Erzieher eine solche erzieherische Aufgabe der visuellen Aktivität wie die Festigung der Vorstellungen von Kindern über die umgebende Realität.

Das Lernen mit der ständigen Verwendung von vorgefertigten schematischen Mustern läuft letztendlich auf eine enge Aufgabe hinaus - die Entwicklung der Fähigkeit, einfache Formen zu erstellen. Das Training der Hand, um eine solche Form zu schaffen, ist von der Arbeit des Bewusstseins isoliert. Infolgedessen erscheinen in den Kinderzeichnungen Muster: ein Haus mit dreieckigem Dach, Vögel in Form von Häkchen usw. Das verarmt die kindliche Zeichnung, die ein für alle Mal angenommene schematische Form erübrigt weitere Beobachtungen, die malerische Tätigkeit löst sich von der Realität. Ein unbewusst beherrschtes schematisches Bild verliert oft seine Ähnlichkeit mit einem realen Objekt, da das Kind die erlernten Formen ohne zu zögern wiederholt. Zum Beispiel dreht ein Vogel - eine "Zecke", wenn er abgebildet ist, seine Flügel nach unten oder zur Seite.

Verwendung von Bildern. Bilder werden hauptsächlich verwendet, um die Vorstellungen von Kindern über die umgebende Realität zu verdeutlichen und die Mittel und Methoden der Darstellung zu erklären.

Das Bild als künstlerisches Bild vermittelt das Bild anschaulich, emotional.

Die künstlerischen Ausdrucksmittel, mit deren Hilfe der Künstler ein Kunstwerk schafft, geben ein visuell wahrgenommenes Bild wieder. Studien von Psychologen und Pädagogen haben gezeigt, dass bereits zweijährige Kinder ein Bild als Abbild eines Gegenstandes verstehen können. Die Verbindung zwischen den Figuren im Bild, d.h. Das Verständnis der Handlung wird etwas später, im Alter von 4-5 Jahren, realisiert.

Beobachtungen der umgebenden Realität sind oft kurzfristig (z. B. Beobachtungen von Tieren in einer Stadt). Daher ermöglicht die Verwendung des Bildes nicht nur die Wiederholung der Wahrnehmung, sondern auch die Hervorhebung der Hauptsache, die für das nachfolgende Bild charakteristisch ist.

Die Untersuchung von Gemälden kann in Fällen empfohlen werden, in denen kein notwendiges Objekt vorhanden ist, und kann auch dazu dienen, Kinder mit einigen Methoden der Darstellung auf einem Flugzeug vertraut zu machen. Zum Beispiel zeigt der Lehrer ein Bild, um das Bild von entfernten Objekten zu erklären, die das Kind im Leben als auf ebenem Boden wahrgenommen hat. Dazu kann das Bild in der Arbeit mit Kindern ab sechs Jahren eingesetzt werden, sie haben bereits ein Verständnis für diese Art der Darstellung. Beim Betrachten des Bildes sieht das Kind, dass die Erde nicht mit einer Linie, sondern mit einem breiten Streifen dargestellt ist und sich entfernte Objekte oben und nahe Objekte unten am Rand des Blattes befinden.

Damit das Kind die vom Künstler verwendete Technik verstehen kann, muss es erklärt werden, da das Kind auf dem Bild nur das Endergebnis wahrnimmt. Es ist zweckmäßiger, eine solche Untersuchung und Analyse des Bildes vor dem Unterricht oder zu Beginn desselben durchzuführen.

Das Bild, das während der gesamten Sitzung vor den Kindern gelassen wird, kann zu einem mechanischen Kopieren führen. Das Kopieren in diesem Alter bringt großen Schaden – es behindert die Entwicklung visueller Fähigkeiten. Es ist für einen Vorschulkind unmöglich, alle Techniken und visuellen Mittel zu verstehen, die der Künstler verwendet, also wird er zeichnen, ohne zu verstehen, warum es so und nicht anders gezeichnet ist.

Manchmal ist es während des Unterrichts notwendig, einigen Kindern ein Bild zu zeigen, um Details zu verdeutlichen. Dann wird das Bild entfernt, da seine weitere Wahrnehmung zum Kopieren führt. Diese Technik sollte mit Vorsicht verwendet werden.

Demonstration von Arbeitsmethoden durch den Erzieher. Das Kindergartenprogramm legt den Umfang der visuellen Fähigkeiten fest, die Kinder im Lernprozess beherrschen müssen. Die Beherrschung einer relativ kleinen Bandbreite an Fähigkeiten wird es dem Kind ermöglichen, eine Vielzahl von Objekten darzustellen. Um beispielsweise ein Haus zu zeichnen, müssen Sie wissen, wie man eine rechteckige Form zeichnet, d.h. Linien rechtwinklig verbinden können. Dieselben Techniken sind erforderlich, um ein Auto, einen Zug und jedes andere Objekt mit rechteckigem Umriss darzustellen.

Die Erzieherdemonstration von Bildmethoden ist eine visuell-effektive Technik, die Kindern beibringt, die gewünschte Form aufgrund ihrer spezifischen Erfahrung bewusst zu erstellen. Die Anzeige kann von zweierlei Art sein: Zeigen mit einer Geste und Zeigen von Bildtechniken. In allen Fällen wird die Anzeige von verbalen Erläuterungen begleitet.

Die Geste erklärt die Position des Objekts auf dem Blatt. Die Bewegung einer Hand oder eines Bleistiftstifts über ein Blatt Papier reicht bereits für Kinder im Alter von 3-4 Jahren aus, um die Aufgaben des Bildes zu verstehen. Mit einer Geste kann die Hauptform eines Objekts, wenn es einfach ist, oder seine Einzelteile im Gedächtnis des Kindes wiederhergestellt werden.

Es ist effektiv, die Bewegung zu wiederholen, mit der der Erzieher seine Erklärung während der Wahrnehmung begleitet hat. Eine solche Wiederholung erleichtert die Reproduktion der im Geist gebildeten Verbindungen. Wenn Kinder beispielsweise den Bau eines Hauses beobachten, zeigt der Lehrer mit Gesten die Umrisse der im Bau befindlichen Gebäude und betont deren Aufwärtsrichtung. Dieselbe Bewegung wiederholt er zu Beginn der Stunde, in der Kinder ein Hochhaus zeichnen.

Eine Geste, die die Form eines Objekts reproduziert, hilft beim Gedächtnis und ermöglicht es Ihnen, die Bewegung der zeichnenden Hand im Bild zu zeigen. Je kleiner das Kind ist, desto wichtiger ist beim Lernen die Darstellung der Handbewegung.

Der Vorschulkind hat seine Bewegungen noch nicht vollständig unter Kontrolle und weiß daher nicht, welche Bewegung erforderlich ist, um die eine oder andere Form darzustellen.

Eine solche Technik ist auch bekannt, wenn der Lehrer in der jüngeren Gruppe ein Bild mit dem Kind macht und seine Hand führt.

Mit einer Geste können Sie das gesamte Objekt skizzieren, wenn seine Form einfach ist (Kugel, Buch, Apfel), oder die Details der Form (die Position der Zweige einer Fichte, die Biegung des Vogelhalses). Feinere Details demonstriert der Lehrer in einer Zeichnung oder Modellierung.

Die Art der Anzeige hängt von den Aufgaben ab, die der Lehrer in dieser Lektion stellt.

Das Zeigen des Bildes des gesamten Objekts ist gegeben, wenn die Aufgabe darin besteht, zu lehren, wie die Hauptform des Objekts korrekt dargestellt wird. Normalerweise wird diese Technik in der jüngeren Gruppe verwendet. Um Kindern beispielsweise beizubringen, runde Formen zu zeichnen, zeichnet der Lehrer einen Ball oder einen Apfel und erklärt seine Handlungen.

Wenn es bei der Darstellung eines Objekts erforderlich ist, die Reihenfolge der Zeichnung des einen oder anderen Details genau wiederzugeben, kann auch eine ganzheitliche Darstellung des gesamten Objekts gegeben sein. Bei einer solchen Darstellung ist es wünschenswert, dass die Erzieherin die Kinder mit der Frage: „Was soll ich jetzt malen?“ in die Auseinandersetzung mit dem Thema einbezieht.

Beim Unterrichten von Kindern älterer Gruppen wird häufiger eine Teilanzeige verwendet - ein Bild dieses Details oder ein separates Element, das Vorschulkinder noch nicht darstellen können. Zum Beispiel zeichnen Kinder im Alter von 4 bis 5 Jahren einen Baumstamm in Form eines Dreiecks mit breiter Basis. Dieser Fehler wird manchmal durch die Erklärung der Erzieherin verursacht: „Der Stamm des Baumes ist oben schmal und unten breit“, und die Kinder befolgen diese Anweisung buchstäblich. Der Erzieher sollte zusammen mit einer mündlichen Anweisung ein Bild eines Baumstamms zeigen.

In einer Vorbereitungsgruppe für die Schule zeigt die Lehrerin beim Malen zum Thema „Schönes Haus“ an der Tafel, wie unterschiedliche Fenster und Türen geformt werden können. Eine solche Anzeige schränkt die Fähigkeit des Kindes, die gesamte Zeichnung zu erstellen, nicht ein.

Mit wiederholten Übungen zur Festigung und anschließenden selbstständigen Anwendung der Fähigkeiten erfolgt die Demonstration nur individuell für Kinder, die eine bestimmte Fähigkeit nicht beherrschen.

Das ständige Zeigen von Methoden zum Erfüllen einer Aufgabe wird Kinder in allen Fällen lehren, auf Anweisungen und Hilfe des Erziehers zu warten, was zu Passivität und Hemmung von Denkprozessen führt. Das Zeigen des Erziehers ist immer notwendig, wenn neue Techniken erklärt werden.

Analyse der Kinderarbeit. Die Entwicklung des analytischen Denkens, die zu einer kritischen Haltung gegenüber dem Wahrgenommenen führt, ermöglicht es Kindern, die Arbeit ihrer Kameraden und ihre eigene Arbeit objektiv zu bewerten. Aber ein Kind erreicht diese Entwicklungsstufe im Alter von fünf Jahren.

In einem jüngeren Alter kann das Kind seine Handlungen und deren Ergebnisse nicht vollständig kontrollieren und bewerten. Wenn ihm der Arbeitsprozess Freude bereitet hat, wird er mit dem Ergebnis zufrieden sein und die Zustimmung des Erziehers erwarten.

In der jüngeren Gruppe zeigt der Lehrer am Ende der Stunde einige gut gemachte Arbeiten, ohne sie zu analysieren. Der Zweck der Show ist es, die Aufmerksamkeit der Kinder auf die Ergebnisse ihrer Aktivitäten zu lenken. Außerdem genehmigt der Lehrer die Arbeit anderer Kinder. Eine positive Bewertung dieser Faktoren trägt dazu bei, das Interesse an visueller Aktivität zu erhalten.

In den mittleren und älteren Gruppen verwendet der Lehrer die Darstellung und Analyse der Arbeit der Kinder als Technik, um den Kindern zu helfen, die Leistungen und Fehler im Bild zu verstehen. Die Fähigkeit zu sehen, wie ein Objekt richtig dargestellt wird, hilft, eine bewusste Einstellung zur Wahl von Mitteln und Arbeitsmethoden zu entwickeln, um alle kreativen Aktivitäten zu intensivieren.

Nach Erledigung der Aufgabe zeigt der Lehrer eines der Werke und notiert seine positiven Aspekte: „Wie gut, das Haus ist sauber gestrichen“, „Wie schön die Farben im Muster gewählt sind - dunkel und hell nebeneinander können sie sein gut gesehen“, „Wie interessant der Skifahrer gestaltet ist“ usw. d. Wenn es in allen Arbeiten ähnliche Fehler gibt, sollten Sie darauf achten und fragen, wie Sie sie beheben können.

Es ist nicht notwendig, einen Fehler in der Arbeit eines Kindes mit allen Kindern in Betracht zu ziehen, da die Erkenntnis nur für dieses Kind von Bedeutung ist. Die Ursachen des Fehlers und Wege zur Beseitigung lassen sich am besten in einem individuellen Gespräch analysieren.

In der älteren Gruppe sollten alle Kinder in die Analyse einbezogen werden. Manchmal gibt der Lehrer jedoch selbst eine Bewertung ab. Will man zum Beispiel ein Kind, das schlecht malt, ermutigen und erwartet Kritik an seiner Arbeit durch andere Kinder, ist der Erzieher der erste, der auf die positiven Aspekte des Zeichnens hinweist.

Die Analyse der Kinderarbeit kann in verschiedenen Plänen durchgeführt werden. Meistens nimmt der Lehrer, um Zeit zu sparen, selektiv mehrere Werke zur Analyse. Es sollte vermieden werden, in jeder Klasse die Arbeiten des gleichen Kindes zu zeigen, auch wenn sie sich wirklich von den anderen abheben. Durch ständiges Lob kann es ein ungerechtfertigtes Selbstvertrauen entwickeln, ein Gefühl der Überlegenheit gegenüber anderen Kindern. Mit hochbegabten Kindern sollte unter Berücksichtigung ihrer Fähigkeiten und Sehfähigkeiten individuell gearbeitet werden.

Manchmal weist der Lehrer die Kinder an, eine Arbeit für die Analyse auszuwählen. In diesen Fällen werden alle Werke auf einem Tisch ausgelegt (oder am Ständer befestigt) und die Kinder werden aufgefordert, diejenigen auszuwählen, die ihnen am besten gefallen. Anschließend analysiert die Lehrkraft die ausgewählten Arbeiten mit den Kindern im Detail.

Besprechung der Arbeit jedes Kindes ist in der Vorbereitungsgruppe möglich, die Kinder interessieren sich bereits für die Ergebnisse der Arbeit ihrer Kameraden. Aber eine solche Analyse sollte in Ihrer Freizeit durchgeführt werden, da 2-3 Minuten am Ende der Unterrichtsstunde nicht ausreichen.

Kinder im Alter von sechs Jahren können eingeladen werden, ihre Arbeit zu analysieren und sie mit der Natur, einem Modell, zu vergleichen. Dies vermittelt den Kindern eine kritische Haltung nicht nur gegenüber der Arbeit ihrer Kameraden, sondern auch gegenüber ihrer eigenen.

Verbale Methoden und Unterrichtstechniken.

Zu den mündlichen Unterrichtsmethoden und -techniken gehören Gespräche, Anweisungen des Erziehers zu Beginn und während des Unterrichts sowie die Verwendung eines künstlerischen Bildes.

Gespräch zu Beginn des Unterrichts. Der Unterricht im Bereich Bildende Kunst beginnt in der Regel mit einem Gespräch zwischen dem Lehrer und den Kindern. Ziel des Gesprächs ist es, zuvor wahrgenommene Bilder in der Erinnerung der Kinder hervorzurufen und das Interesse am Unterricht zu wecken. Die Rolle der Konversation ist besonders groß in jenen Klassen, in denen Kinder Arbeiten auf der Grundlage einer Präsentation (nach eigenem Entwurf oder zu einem von der Erzieherin vorgegebenen Thema) ohne Verwendung von visuellen Hilfsmitteln durchführen.

Das Gespräch sollte kurz, aber aussagekräftig und emotional sein. Der Lehrer macht vor allem darauf aufmerksam, was für die weitere Arbeit wichtig sein wird, d.h. auf eine konstruktive farbliche und kompositorische Lösung einer Zeichnung, Modellierung etc.

Wenn die Eindrücke der Kinder reichhaltig waren und sie die nötigen Fähigkeiten besitzen, diese zu vermitteln, reicht ein solches Gespräch aus, um die Aufgabe ohne zusätzliche Tricks zu erledigen.

Um die Vorstellungen der Kinder zum Thema zu verdeutlichen oder sie mit neuen Bildtechniken vertraut zu machen, zeigt der Lehrer während des Gesprächs oder danach das gewünschte Objekt oder Bild, und bevor die Aufgabe beginnt, demonstrieren die Kinder die Arbeitsweise.

Konversation als Lehrmethode wird hauptsächlich in der Arbeit mit Kindern im Alter von 4-7 Jahren eingesetzt. In jüngeren Gruppen wird Konversation verwendet, wenn es notwendig ist, Kinder an das Thema zu erinnern, das sie darstellen werden, oder um neue Arbeitsmethoden zu erklären. In diesen Fällen wird Konversation als Technik verwendet, um Kindern zu helfen, den Zweck und Zweck des Bildes besser zu verstehen.

Das Gespräch, sowohl als Methode als auch als Empfang, sollte kurz sein und nicht länger als 3-5 Minuten dauern, damit die Ideen und Emotionen der Kinder lebendig werden und die kreative Stimmung nicht verblasst.

Somit trägt ein gut organisiertes Gespräch zu einer besseren Bewältigung der Aufgabe durch Kinder bei.

Die Verwendung von Bildern der Fiktion. Das im Wort verkörperte künstlerische Bild (Gedicht, Geschichte, Rätsel usw.) hat eine Art Sichtbarkeit. Sie enthält das Charakteristische, Typische, das für dieses Phänomen charakteristisch ist und es von anderen unterscheidet.

Das ausdrucksstarke Lesen von Kunstwerken trägt zur Schaffung einer kreativen Stimmung, der aktiven Gedankenarbeit und der Vorstellungskraft bei. Dabei kann das künstlerische Wort nicht nur im Unterricht zur Veranschaulichung literarischer Werke verwendet werden, sondern auch bei der Darstellung von Gegenständen nach ihrer Wahrnehmung.

In allen Altersgruppen können Sie die Lektion mit einem Rätsel beginnen, das ein lebhaftes Bild des Themas in den Köpfen der Kinder hervorruft, zum Beispiel: „Ein Schwanz mit Mustern, Stiefel mit Sporen ...“ Einige Details der Form sind im Rätsel vermerkt - ein wunderschöner Schwanz, Sporen und die Gewohnheiten eines Hahns, die ihn von anderen Vögeln abheben.

Um zuvor wahrgenommene Bilder von Objekten im Gedächtnis von Kindern wiederzubeleben, können kurze Gedichte und Ausschnitte aus Kunstwerken verwendet werden.

In einigen Fällen begleitet ein verbales Bild die Darstellung von Natur oder Bildtechniken.

Beim Zeichnen oder Bildhauen zu Themen literarischer Werke ist die Verwendung anderer Unterrichtsmethoden zu Beginn des Unterrichts unangemessen, da sie die Arbeit der Vorstellungskraft beeinträchtigen können. Ein Bild oder eine Natur wird das Kind an eine bestimmte Bildform binden, das sprachliche Bild wird verblassen.

Der Erzieher sollte die Auswahl von Kunstwerken und Ausschnitten daraus zur Veranschaulichung ernst nehmen. Das verbale Bild sollte einen visuellen Moment beinhalten, die Merkmale des Objekts zeigen, die mit seiner visuellen Wahrnehmung verbunden sind (Farbe, Form, Position). Bei der Illustration eines Gedichts von N.A. Nekrasovs "Großvater Mazai und Hasen" fast alle Jungs haben gute Arbeit geleistet, da der Autor in dieser Arbeit das Aussehen der Tiere und ihre Körperhaltung anschaulich beschrieb. Solche sichtbaren Bilder helfen dem Kind, sie konkret zu vermitteln. Ein künstlerisches literarisches Bild erinnert nicht nur an die Arbeit eines reproduzierenden Bildes, sondern auch an ein kreatives.

Auch wenn das verbale Bild sehr konkret und anschaulich ist, muss das Kind vieles durchdenken und sich vorstellen: die Situation, den Ort, Details und vieles mehr.

Anweisungen und Erklärungen des Erziehers während des Unterrichts. Die Anleitung des Erziehers begleitet zwangsläufig alle visuellen Techniken, kann aber auch als eigenständige Unterrichtstechnik eingesetzt werden. Es hängt vom Alter der Kinder und von den Zielen dieser Lektion ab.

In der Regel erteilt der Erzieher Anweisungen im Zusammenhang mit der Klärung der gestellten Erziehungsaufgaben.

Beim Unterrichten von Kindern im jüngeren Vorschulalter werden nur selten rein verbale Anweisungen verwendet. Kinder haben noch zu wenig Erfahrung und unzureichende visuelle Fähigkeiten, um die Erklärung des Erziehers ohne die Beteiligung von Sensorikanalysatoren zu verstehen. Nur wenn die Kinder über fundierte Fähigkeiten verfügen, darf der Lehrer die visuelle Demonstration nicht mit Aktionen begleiten.

In den Köpfen von Kindern im Alter von 5 bis 6 Jahren ruft das Wort eine Erinnerung an die notwendige Technik hervor und daran, welche Aktionen bei der Verwendung durchgeführt werden sollten.

Die Anweisungen des Erziehers können sowohl an die ganze Gruppe als auch an einzelne Kinder gerichtet werden.

Für alle Kinder werden normalerweise zu Beginn der Sitzung Anweisungen gegeben. Ihr Ziel ist es, das Thema der Arbeit und die Methoden ihrer Umsetzung zu erläutern. Solche Anweisungen sollten sehr kurz, klar und prägnant sein. Um zu überprüfen, wie die Jungs die Erklärung verstanden haben, kann der Lehrer in der mittleren und älteren Gruppe einen von ihnen nach der Reihenfolge und den Methoden der Arbeit fragen. Eine solche verbale Wiederholung der Aufgabe trägt dazu bei, dass die Kinder ihr Handeln besser verstehen. In der jüngeren Gruppe sollte der Lehrer nach dem Erklären und Zeigen daran erinnert werden, wo er mit der Arbeit beginnen soll.

Nachdem alle Kinder mit der Arbeit begonnen haben, sollte der Lehrer nicht mit individuellen Anweisungen und Hilfestellungen überstürzen. Es muss festgestellt werden, wer die Arbeit nicht oder falsch begonnen hat. Mit diesen Kindern findet der Lehrer die Gründe für das Missverständnis der Aufgabe heraus und wiederholt seine Erklärung, zeigt einige Arbeitsmethoden.

Nicht alle Kinder brauchen individuelle Förderung. Einige denken selbst nach, skizzieren das Bild mit einem Bleistift auf einem Blatt, damit sie keine zusätzlichen Erklärungen benötigen. Für unentschlossene, schüchterne Kinder, die sich ihrer Fähigkeiten nicht sicher sind, ist eine Anleitung zu Beginn des Unterrichts notwendig. Sie müssen davon überzeugt sein, dass die Arbeit mit Sicherheit klappen wird.

Allerdings sollte man die Schwierigkeiten, mit denen Kinder konfrontiert sind, nicht immer verhindern. Einigen von ihnen können zusätzliche Erklärungen verweigert werden, wenn der Lehrer sicher ist, dass sie das Problem alleine lösen können, es fehlt ihnen einfach an Geduld und Ausdauer. Um kreative Aktivitäten zu fördern, ist es außerdem wichtig, dass das Kind sich Schwierigkeiten stellt und lernt, sie zu überwinden.

Die Form der Anweisungen ist möglicherweise nicht für alle Kinder gleich. Sie brauchen einen aufmunternden Ton, der Interesse an der Arbeit und Selbstvertrauen weckt. Selbstbewusste Kinder sollten anspruchsvoller sein.

Die Anweisungen des Lehrers sollten kein direktes Diktat für die Kinder sein, wie ein Objekt in einem bestimmten Fall dargestellt werden soll. Sie müssen das Kind zum Nachdenken bringen, zum Nachdenken. Wenn Sie auf einen Fehler hinweisen, sollte die Aufmerksamkeit des Kindes auf die Verletzung der Bedeutung gelenkt werden, Logik im Bild: „Das Kleid des Mädchens scheint zerrissen zu sein“ (schlecht schattiert), „Bäume fallen“ (ungeschickt lokalisiert), „Der Mann ist so groß, dass er das Haus nicht betreten kann. Gleichzeitig sollte man nicht erklären, wie man den Fehler korrigiert, sondern das Kind selbst darüber nachdenken lassen.

Bemerkungen sollten in einem freundlichen Ton gemacht werden, damit die Kinder das Interesse des Lehrers an ihrer Arbeit spüren.

Individuelle Anweisungen sollten nicht die Aufmerksamkeit aller Kinder auf sich ziehen, daher sollten sie mit leiser Stimme gegeben werden. Wenn sich viele irren, werden Anweisungen an alle Kinder während des Unterrichts gegeben. Dann fordert der Lehrer alle auf, die Arbeit zu unterbrechen und sich seine Erklärung anzuhören. Solche Pausen sollten nur verwendet werden, wenn es unbedingt notwendig ist, da sie den kreativen Prozess stören.

Methoden des Spielunterrichts.

Die Verwendung der Momente des Spiels in der visuellen Aktivität bezieht sich auf visuelle und effektive Lehrmethoden. Je kleiner das Kind, desto größer sollte der Platz in seiner Erziehung und Erziehung sein. Spielunterrichtsmethoden werden dazu beitragen, die Aufmerksamkeit der Kinder auf die Aufgabe zu lenken und die Arbeit des Denkens und der Vorstellungskraft zu erleichtern.

Spieltechniken für den Unterricht im Vorschulalter werden von G.G. Grigorjew. (zehn)

Das Zeichnenlernen in jungen Jahren beginnt mit Spielübungen. Ihr Ziel ist es, sowohl den Prozess, Kindern beizubringen, wie man die einfachsten linearen Formen schafft, als auch die Entwicklung von Handbewegungen effizienter zu gestalten. Der Lehrerin folgend zeichnen die Kinder zuerst mit den Händen, dann mit den Fingern auf Papier verschiedene Linien in die Luft und ergänzen die Bewegungen mit Erklärungen: „Das ist ein Junge, der den Weg entlang läuft“, „Also die Großmutter dreht den Ball“ , etc. Die Kombination von Bild und Bewegung in einer Spielsituation beschleunigt die Beherrschung der Fähigkeiten zur Darstellung von Linien und einfachen Formen erheblich.

Die Einbeziehung von Spielmomenten in die visuelle Aktivität in der jüngeren Gruppe setzt sich bei der Darstellung von Objekten fort. Zum Beispiel kommt eine neue Puppe zu Besuch bei den Kindern, und sie formen Leckereien für sie: Pfannkuchen, Kuchen, Kekse. Im Verlauf dieser Arbeit beherrschen die Kinder die Fähigkeit, den Ball platt zu machen.

In der mittleren Gruppe malen Kinder einen Teddybären aus der Natur. Und dieser Moment kann erfolgreich geschlagen werden. Der Bär klopft an die Tür, begrüßt die Kinder, bittet sie, ihn zu zeichnen. Am Ende des Unterrichts nimmt er an der Sichtung von Kinderarbeiten teil, wählt auf Anraten der Kinder das beste Porträt aus und hängt es in die Spielecke.

Auch bei Kindern ab sechs Jahren ist der Einsatz von Spieltechniken natürlich in geringerem Umfang möglich als bei der jüngeren Gruppe. Während eines Spaziergangs betrachten Kinder beispielsweise eine Landschaft, einen Baum, Tiere durch selbstgebaute Kameras, „fotografieren“ und, nachdem sie in den Kindergarten gekommen sind, „entwickeln und drucken“ und stellen dar, was sie auf dem Bild wahrnehmen.

Bei der Verwendung von Spielmomenten sollte der Lehrer nicht den gesamten Lernprozess in ein Spiel verwandeln, da dies Kinder von der Bewältigung der Lernaufgabe ablenken und das System beim Erwerb von Wissen, Fähigkeiten und Fertigkeiten stören kann.

Daher hängt die Wahl bestimmter Methoden und Techniken ab von:

Ab dem Alter der Kinder und ihrer Entwicklung;

Von der Art des Bildmaterials, mit dem Kinder agieren.

Im Unterricht, wo der Schwerpunkt auf der Aufgabe liegt, Vorstellungen über die Umwelt zu festigen, werden hauptsächlich verbale Methoden verwendet: Gespräche, Fragen an Kinder, die dem Kind helfen, das Gesehene in seinem Gedächtnis wiederherzustellen.

Bei verschiedenen Arten visueller Aktivität sind die Lehrmethoden spezifisch, da das Bild auf unterschiedliche Weise erzeugt wird. Zum Beispiel erfordert die Aufgabe, Komposition in Handlungsthemen zu lehren, eine Erklärung des Bildes in der Zeichnung, die in der Zeichnung zeigt, wie entfernte Objekte oben und nahe Objekte unten gezeichnet werden. Beim Modellieren löst man dieses Problem, indem man die Figuren ihrer Wirkung nach anordnet: nebeneinander oder getrennt voneinander, hintereinander usw. Es bedarf keiner besonderen Erklärung oder Vorführung der Arbeit.

Keine einzige Technik kann ohne sorgfältige Berücksichtigung der Aufgaben, des Unterrichtsmaterials und der Entwicklungsmerkmale der Kinder dieser Gruppe verwendet werden.

Getrennte Methoden und Techniken – visuell und verbal – werden kombiniert und begleiten sich gegenseitig in einem einzigen Lernprozess im Unterricht.

Visualisierung erneuert die materielle und sensorische Grundlage der visuellen Aktivität von Kindern, das Wort hilft, eine korrekte Darstellung, Analyse und Verallgemeinerung des Wahrgenommenen und Dargestellten zu schaffen.

METHODIK DES UNTERRICHTS DER BILDENDEN KÜNSTE

Kurze Vorlesungsreihe

Kemerowo 2015

Diese Publikation ist ein Lehrmittel zur Vorbereitung auf das fächerübergreifende Staatsexamen im Berufsmodul „Pädagogische Tätigkeit“ und beinhaltet ein kurzes Vorlesungsverzeichnis zur Methodengeschichte des Kunstunterrichts, Theorie und Methodik zur Gestaltung eines modernen Kunstunterrichts

Es richtet sich an Studierende der Fachrichtung Ausbildungsfachkräfte der Fachrichtungen 54.02.05 „Malerei: Staffeleimalerei“, 54.02.01 „Design in Kultur und Kunst“, 54.02.02 „DPI und Volkshandwerk: Kunstkeramik“

Zusammengestellt von: A. M. Osipov, künstlerischer Leiter,

Lehrer GOU SPO "KOHK",

E. O. Shcherbakova, Methodologin der staatlichen Bildungseinrichtung SPO "KOHK".

Stellvertretender Direktor für F&E TV Semenets

Regionale Kunsthochschule Kemerowo, 2015

Thema 1. Ziele und Zielsetzungen der künstlerischen und pädagogischen Ausbildung……………………...……....4

Thema 2. Lehrmethoden für Bildende Kunst als Studienfach ……………6

Thema 3. Methoden des Zeichenunterrichts in Antike und Mittelalter……………..…………..8

Thema 4. Der Wert der methodischen Bestimmungen der Kunst der Renaissance………………..……11

Thema 5. Modelle der Kunsterziehung der Neuen Zeit in Westeuropa………….14

Thema 6. Entstehung der nationalen Schule für Kunstpädagogik im XVIII-XIX Jahrhundert….…18

Thema 7. Akademisches System der Kunsterziehung in Russland. ………………………22

Thema 8. Methoden des Zeichenunterrichts in der sowjetischen Schule…………………………………………………25

Thema 9. Analyse des Programms von B. M. Nemensky „Bildende Kunst

und künstlerische Arbeit“………………………………………..……………………………………………….28

Thema 10. Lehrpläne und Programme………………………………………….…………………………31

Thema 11

Thema 12. Unterricht als Hauptorganisationsform des Bildungsprozesses……………..……………….36

Thema 13. Methodische Formen des Abschlusses der Lektion. …………………………………………………..39

Thema 14. Die wichtigsten methodischen Bestimmungen für die Durchführung visueller Aktivitäten mit Vorschulkindern 42

Thema 15

Thema 16

Thema 17

Thema 18

Thema 19. Unterrichtsgespräche über die Geschichte der bildenden Kunst und die Methodik für ihr Verhalten ...

Thema 20. Die Rolle visueller Materialien im Unterrichtsprozess der bildenden Kunst 55

Liste der verwendeten Literatur ……………………………………………………………………………….58

Der Lehrer für bildende Kunst muss selbst über visuelle Bildung verfügen, deren Grundlagen er vermittelt, muss den Prozess der Darstellung eines Objekts, eine bestimmte Technik, die Regeln für die Arbeit mit Bleistift oder Pinsel methodisch richtig erklären und anschaulich zeigen können . Die Praxis zeigt, dass, wenn der Lehrer selbst sich in bildender Kunst schlecht auskennt, schlecht zeichnet, nicht weiß, wie er die Muster der Perspektive, der Farbwissenschaft und der Komposition mit der Zeichenpraxis verbinden soll, seine Schüler diese Kenntnisse und Fähigkeiten nicht haben.

Der systematische Besuch des Lehrers bei Kunstausstellungen und Werkstätten von Künstlern, Museen, die Kommunikation mit der künstlerischen Intelligenz, das regelmäßige Lesen von Büchern und Zeitschriften über bildende Kunst, kreative Arbeit ist eine notwendige Voraussetzung für die Verbesserung des wissenschaftlichen, theoretischen und beruflichen Niveaus des Lehrers.

Die Methode der Kunstvermittlung als Wissenschaft verallgemeinert praktische Erfahrungen theoretisch, formuliert die Gesetze und Regeln des Unterrichts, beleuchtet die Technik der effektivsten Methoden und bietet sie zur Umsetzung an. Die Methodik basiert auf den wissenschaftlichen Daten der Pädagogik, Psychologie, Ästhetik und Kunstgeschichte.

Natürlich entwickelt jeder Lehrer im lebendigen Prozess des Unterrichtens seine eigene Arbeitsmethodik, die jedoch in Übereinstimmung mit den allgemeinen Zielen und Zielen des modernen Kunstunterrichts aufgebaut werden muss, die nicht unmittelbar vor der Methodik entwickelt wurden durchlief einen schwierigen Entwicklungsweg.

Die Methodik der Vermittlung von bildender Kunst als Wissenschaft fasst praktische Erfahrungen zusammen, bietet solche Lehrmethoden an, die sich bereits bewährt haben und die besten Ergebnisse liefern.

Die Methode des Kunstunterrichts ist eine lebendige, sich entwickelnde Wissenschaft, die alle Innovationen aufnimmt. Doch um neue Technologien erfolgreich in die Praxis umsetzen zu können, ist es notwendig, die historischen Erfahrungen und Richtungen für die Entwicklung der Bildenden Kunst zu kennen.

ABSCHNITT 2. PÄDAGOGISCHE GRUNDSÄTZE IN VERSCHIEDENEN SCHULEN

Die Ära des antiken Griechenlands war die brillanteste Ära in der Geschichte der Entwicklung der schönen Künste der Antike. Der Wert der griechischen Kunst ist außerordentlich groß. Hier wurde die Methode des wissenschaftlichen Verständnisses der Kunst gelegt. Griechische Künstler-Pädagogen forderten ihre Schüler und Anhänger auf, die Natur direkt zu studieren, ihre Schönheit zu beobachten und anzugeben, was sie ist. Schönheit bestand ihrer Meinung nach in der richtigen proportionalen Proportion von Teilen, deren perfektes Beispiel die menschliche Figur ist. Sie sagten, dass die proportionale Regelmäßigkeit des menschlichen Körpers in seiner Einheit die Harmonie der Schönheit schafft. Der Leitsatz der Sophisten lautete: „Der Mensch ist das Maß aller Dinge“. Diese Position bildete die Grundlage der gesamten Kunst des antiken Griechenlands.

Methoden des Zeichenunterrichts im alten Rom. Die Römer liebten die bildende Kunst sehr, insbesondere die Werke griechischer Künstler. Die Porträtkunst verbreitet sich immer mehr, aber die Römer führten nichts Neues in die Methodik und das Lehrsystem ein und nutzten weiterhin die Errungenschaften griechischer Künstler. Außerdem verloren sie viele wertvolle Bestimmungen der Zeichnung und konnten sie nicht retten. Die Künstler Roms kopierten hauptsächlich die Werke der Künstler Griechenlands. Das Unterrichtsumfeld war anders als in den griechischen Schulen.

Die römische Gesellschaft benötigte eine große Anzahl von Handwerkern, um Räumlichkeiten und öffentliche Gebäude zu dekorieren, die Ausbildungszeit war kurz. Daher war die Methode des Zeichenunterrichts unwissenschaftlich, das Zeichnen wurde bedingt und schematisch. Im Zeichenunterricht herrschte das Kopieren nach Mustern, die mechanische Wiederholung von Arbeitsmethoden vor, was wiederum die römischen Künstlerlehrer dazu zwang, sich immer mehr von den Lehrmethoden der griechischen Künstlerlehrer zu entfernen. Viele Adelige und Patrizier beschäftigten sich selbst mit Zeichnen und Malen (z. B. Fabius Pictor, Pedius, Julius Caesar, Nero usw.). In der Zeichentechnik begannen die Römer zunächst, Rötel als Zeichenmaterial zu verwenden.

Die Rolle der antiken Kultur bei der Entwicklung der realistischen Kunst, bei der Bildung und Entwicklung des akademischen Systems des Zeichenunterrichts ist groß. Es inspiriert uns noch heute, nach effektiveren Methoden des Kunstunterrichts zu suchen, Methoden für den Zeichenunterricht wissenschaftlich zu entwickeln.

Zeichnen im Mittelalter. Im Mittelalter gerieten die Errungenschaften der realistischen Kunst in Vergessenheit. Künstler kannten die Prinzipien der Konstruktion eines Bildes auf einem Flugzeug nicht, die im antiken Griechenland verwendet wurden. Die Grundlage des Trainings ist das mechanische Kopieren von Mustern und nicht das Zeichnen nach der Natur.

Die Maler der ersten Jahrhunderte des Christentums bedienten sich noch der künstlerischen Formen der antiken Malerei. In kurzer Zeit gerieten die Traditionen der realistischen Kunst in Vergessenheit und gingen verloren, die Zeichnung wurde bedingt und schematisch. Manuskripte gingen zugrunde - die theoretischen Werke großer Künstler sowie viele berühmte Werke, die als Vorbilder dienen könnten. Das Studium der Natur und der Natur im akademischen Sinne wurde nicht praktiziert, da die realistische Natur ein „irdisches“ Gefühl hervorrief, das in dieser Zeit durch spirituelle Suche ersetzt wurde. Mittelalterliche Künstler arbeiteten nicht nach der Natur, sondern nach Mustern, die in Notizbücher gestickt wurden, es waren Konturskizzen von Kompositionen verschiedener Kirchenthemen, einzelner Figuren, Vorhangmotive usw. Sie ließen sich sowohl von Wandmalereien als auch von Staffeleimalereien leiten. Das Zeichnen wurde von einem Meister gelehrt, der keinem strengen System oder klaren Lehrmethoden folgte. Die meisten Studenten studierten selbstständig und schauten sich die Arbeit des Meisters genau an.

Preisler stellt die Geometrie zur Grundlage des Zeichenunterrichts. Geometrie hilft dem Zeichner, die Form eines Objekts zu sehen und zu verstehen, und wenn sie auf einer Ebene dargestellt wird, erleichtert sie den Konstruktionsprozess. Preisler warnt jedoch, dass die Verwendung geometrischer Figuren mit der Kenntnis der Regeln und Gesetzmäßigkeiten der Perspektive und der plastischen Anatomie kombiniert werden muss.

Preislers Handbuch wurde von seinen Zeitgenossen sehr geschätzt, es wurde mehrmals im Ausland und in Russland nachgedruckt. Zu dieser Zeit gab es keine gründlichere und klarere methodische Entwicklung zum pädagogischen Zeichnen, so dass Preislers Arbeit in Russland lange Zeit nicht nur in allgemeinen Bildungseinrichtungen, sondern auch in speziellen Kunstschulen verwendet wurde.

Natürlich kann man heute in Preislers Buch Fehler finden, aber um der historischen Wahrheit willen muss darauf hingewiesen werden, dass es für seine Zeit der beste Leitfaden war. Das Wissen, das der Student auf der Grundlage des Studiums von Preisler erhielt, half ihm, in Zukunft sowohl aus der Natur als auch aus der Erinnerung und aus der Vorstellung zu schöpfen, was für den Künstler so wichtig ist.

1834 die erste Lehrbuch von A. P. Sapozhnikov - eine schicksalhafte Publikation für die russische Kunst. Der Zeichenkurs von A. P. Sapozhnikov beginnt mit einer Bekanntschaft mit verschiedenen Linien, dann führt er Sie in Winkel ein, wonach er verschiedene geometrische Formen beherrscht. Bevor man mit dem Zeichnen dreidimensionaler Objekte beginnt, schlägt Sapozhnikov vor, den Schülern das Gesetz der Perspektive anhand spezieller Modelle zu demonstrieren, wiederum beginnend mit Linien, dann weiter zu verschiedenen Oberflächen und schließlich zu geometrischen Körpern. Als nächstes kommt eine Bekanntschaft mit den Gesetzen des Hell-Dunkels, auch mit Hilfe von Modellen. Wenn das Zeichnen einfacher geometrischer Körper gut beherrscht wird, schlägt Sapozhnikov vor, mit dem Zeichnen komplexer Körper fortzufahren: Zuerst werden Gruppen geometrischer Körper vorgegeben, dann nehmen die Aufgaben allmählich an Komplexität bis zum Zeichnen von Gipsköpfen zu. Um den Bau eines menschlichen Kopfes zu zeigen, schlägt der Autor vor, ein eigens von ihm hergestelltes Drahtmodell zu verwenden, das sich in ähnlicher Drehung und Position immer in der Nähe des Gipskopfes befinden sollte.

Der Wert der Methode von Sapozhnikov liegt in der Tatsache, dass sie auf dem Zeichnen nach der Natur basiert, und dies ist nicht nur eine Kopie der Natur, sondern eine Analyse der Form. Sapozhnikov hat sich zum Ziel gesetzt, diejenigen, die aus dem Leben zeichnen, zu lehren, zu denken, zu analysieren und zu argumentieren.

Die positiven Aspekte der Lehrmethoden von A. P. Sapozhnikov haben ihre Bedeutung in unserer Zeit nicht verloren, sie werden von einheimischen Methodologen verwendet. Auf militärische Weise prägnant und einfach, bildete das System die Grundlage der Methoden der sowjetischen Schule und wurde zum staatlichen.

Wenn Sie die Geschichte der Zeichentechniken studieren, müssen Sie sich damit vertraut machen die Arbeit von G. A. Gippius . 1844 veröffentlichte er das Werk „Aufsätze zur Theorie des Zeichnens als allgemeines Fach“. Es war die erste größere Arbeit über die Methodik des Zeichenunterrichts an einer weiterführenden Schule. Alle fortschrittlichen Ideen der damaligen Pädagogik waren hier konzentriert. Das Buch ist in zwei Teile gegliedert - theoretisch und praktisch. Der theoretische Teil umreißt die wichtigsten Bestimmungen der Pädagogik und der bildenden Kunst. Im praktischen Teil wird die Lehrmethodik aufgezeigt.

Gippius ist bestrebt, jede Position der Methode der Zeichenvermittlung wissenschaftlich und theoretisch zu untermauern. Auf eine neue Art und Weise betrachtet er den Prozess des Unterrichtens an sich. Lehrmethoden, sagt Gippius, sollten keinem bestimmten Muster folgen, unterschiedliche Lehrmethoden können gute Ergebnisse erzielen. Um richtig zeichnen zu lernen, muss man vernünftig und denken lernen, sagt Gippius, und das ist für alle Menschen notwendig und muss von Kindheit an entwickelt werden. Gippius gibt im zweiten Teil seines Buches viele wertvolle methodische Ratschläge und Empfehlungen. Die Unterrichtsmethodik sollte sich laut Gippius nicht nur auf die Daten der praktischen Arbeit, sondern auch auf die Daten der Wissenschaft und vor allem der Psychologie stützen. Gippius stellt sehr hohe Anforderungen an den Lehrer. Der Lehrer soll nicht nur viel wissen und können, sondern auch wie ein Schauspieler zu den Schülern sprechen. Die Arbeit jedes Schülers sollte im Blickfeld des Lehrers sein. Gippius verbindet die Bereitstellung von Unterricht mit Geräten und Materialien eng mit Fragen der Methodik.

Das Werk von G. A. Gippius war ein bedeutender Beitrag zur Theorie und Praxis des Zeichnens als allgemeinbildendes Fach, es hat die Unterrichtsmethodik sehr bereichert. Eine so ernsthafte und gründliche Auseinandersetzung mit Fragen der Unterrichtsmethodik dieser Zeit finden wir bei keinem, auch nicht dem prominentesten Vertreter des pädagogischen Denkens.

1804 führte eine Schulordnung das Zeichnen in allen Bezirksschulen und Gymnasien ein. Aufgrund des Lehrermangels wurde 1825 in Moskau auf Initiative von Graf S. G. Stroganov die Schule für technisches Zeichnen gegründet, wo es eine Abteilung gab, die Zeichenlehrer für eine allgemeinbildende Schule ausbildete. 1843 gab das Ministerium für öffentliche Bildung einen Rundschreibenvorschlag heraus, um Lehrer für Zeichnen, Zeichnen und Handschrift, die keine spezielle Kunstausbildung an Kreisschulen hatten, durch Schüler der Stroganov-Schule zu ersetzen. Bis 1879 war diese Schule die einzige Bildungseinrichtung, die speziell Zeichenlehrer ausbildete.

Seit der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts begannen nicht nur hervorragende Künstler-Lehrer, sondern auch gewöhnliche Schullehrer, den Unterrichtsmethoden besondere Aufmerksamkeit zu widmen. Sie verstanden, dass es ohne eine spezielle methodische Ausbildung unmöglich ist, pädagogische Arbeit erfolgreich durchzuführen.

1864 wurde das Zeichnen von der Zahl der Pflichtfächer durch die Charta der höheren Bildungseinrichtungen ausgenommen. 1872 wurde das Zeichnen wieder in das Fächerangebot der Real- und Stadtschulen aufgenommen. Im selben Jahr, 1872, wurden „Freie sonntägliche Zeichenkurse für das Volk“ eingerichtet. Der Unterricht in diesen Klassen wurde zunächst unter der Aufsicht des Professors für Malerei V. P. Vereshchagin und des Akademikers für Architektur A. M. Gornostaev durchgeführt. Um Methoden für den Zeichenunterricht an allgemeinbildenden Schulen zu entwickeln, wurde an der Akademie der Künste eine eigene Kommission eingerichtet. Dieser Auftrag umfasste herausragende Künstler: N.N. Ge, I. N. Kramskoy, P.P. Tschistjakow. Die Kommission war auch an der Ausarbeitung eines Programms für weiterführende Schulen beteiligt.

Merkmale der Kunstschule des Zeichnens P. P. Chistyakov. Der russische Künstler und Professor der Akademie der Künste P. P. Chistyakov glaubte, dass die Akademie der Künste zur Zeit seiner Lehre (1872-1892) eine Reform und neue Methoden der Arbeit mit Studenten benötigte, es sei notwendig, die Lehrmethoden des Zeichnens und Malens zu verbessern , und Zusammensetzung.

Chistyakovs Lehrsystem umfasste verschiedene Aspekte des künstlerischen Prozesses: die Beziehung zwischen Natur und Kunst, Künstler und Realität, die Psychologie von Kreativität und Wahrnehmung usw. Chistyakovs Methode brachte nicht nur einen Künstler-Meister, sondern einen Künstler-Schöpfer hervor. Chistyakov maß der Zeichnung in seinem System eine entscheidende Bedeutung bei, die dazu drängte, in das Wesen der sichtbaren Formen einzudringen, ihr überzeugendes konstruktives Modell auf dem bedingten Raum des Blattes nachzubilden. .

Der Vorteil von Chistyakovs Lehrsystem war Integrität, Einheit auf methodologischer Ebene aller seiner Elemente, logisches Folgen von einer Stufe zur anderen: von der Zeichnung zum Helldunkel, dann zur Farbe, zur Komposition (Komposition).

Er legte großen Wert auf die Farbe, sah in der Farbe das wichtigste figurative Ausdrucksmittel und enthüllte den Inhalt des Werkes.

Die Komposition des Bildes ist das Ergebnis der Ausbildung des Künstlers, als er bereits in der Lage war, die Phänomene des Lebens um ihn herum zu erfassen, seine Eindrücke und sein Wissen in überzeugenden Bildern zusammenzufassen. „Der Handlung und der Technik entsprechend“ war Chistyakovs Lieblingsausdruck.

Wenn man die pädagogische Tätigkeit von P. P. Chistyakov analysiert, kann man die Hauptkomponenten des Systems seiner Arbeit identifizieren, dank derer ein hohes Maß an Qualität im Zeichenunterricht erreicht wurde. Es bestand aus dem Zusammenspiel folgender Komponenten:

· Ziele des Unterrichts als Ausgangspunkt des pädagogischen Systems;

wissenschaftlich fundierter Inhalt des Unterrichtsmaterials;

Die Verwendung verschiedener Arten und Formen des Dirigierunterrichts, dank derer die Aktivitäten der Schüler in der Assimilation der künstlerischen Kompetenz im Zeichnen organisiert wurden;

verschiedene Formen der Kontrolle, mit deren Hilfe mögliche Abweichungen von den gestellten Aufgaben bei der Ausführung der Zeichnung verhindert wurden;

· die ständige Selbstverbesserung von P. P. Chistyakov selbst, die in erster Linie darauf abzielte, die positive Wirkung auf die Auszubildenden zu verbessern.

Ein wesentlicher Bestandteil des Arbeitssystems von Pavel Petrovich Chistyakov waren auch die Beziehungen zu den Schülern, die auf die Kommunikation mit den Schutzzaubern, den Dialog und den Respekt für den Einzelnen abzielten. "Ein echter, entwickelter, guter Lehrer bläst dem Schüler nicht den Stock, im Falle eines Fehlers, Misserfolgs usw. versucht er, das Wesentliche der Sache sorgfältig zu erklären und den Schüler geschickt auf den wahren Weg zu führen." Wenn man Schülern das Zeichnen beibringt, sollte man danach streben, ihre kognitive Aktivität zu aktivieren. Der Lehrer muss Anweisungen geben, auf die Hauptsache achten, und der Schüler muss diese Probleme selbst lösen. Um diese Probleme richtig zu lösen, muss der Lehrer dem Schüler beibringen, nicht nur auf das Thema zu achten, sondern auch seine charakteristischen Seiten zu sehen. Chistyakovs Methoden, seine Fähigkeit, die spezielle Sprache jedes Talents zu erraten, seine sorgfältige Einstellung zu jedem Talent führten zu erstaunlichen Ergebnissen. Sein Lehrsystem erzog den Künstler im wahrsten Sinne des Wortes. Die Vielfalt der kreativen Persönlichkeiten der Masterstudenten spricht für sich - sie sind V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. D. Polenov, I. E. Repin, A. P. Ryabushkin, V. A. Serov, V. I. Surikov und andere.

Die pädagogischen Ansichten von P. P. Chistyakov wurden bereits zu Sowjetzeiten anerkannt. Sein pädagogisches System, revolutionärer Natur, hat keine Analogien in Theorie und Praxis anderer nationaler Kunstschulen.

Wie der Zeichenunterricht unterteilt Chistyakov die Wissenschaft der Malerei in mehrere Stufen.

Erste Stufe- das ist die Beherrschung der figurativen Natur der Farbe, die Entwicklung eines jungen Künstlers, die Fähigkeit, den Farbton genau zu bestimmen und seine richtige räumliche Position zu finden. Zweite Phase soll den Schüler lehren, die Bewegung der Farbe in der Form als Hauptmittel der Naturvermittlung zu verstehen, der dritte- zu lehren, diese schlammigen anderen handlungsplastischen Aufgaben mit Hilfe von Farbe zu lösen. Chistyakov war ein wahrer Innovator, der Pädagogik in hohe Kreativität verwandelte.

Thema 7. Akademisches System der Kunsterziehung in Russland

· Kaiserliche Akademie der Künste in Russland XVIII - in der ersten Hälfte des XIX Jahrhunderts. und Pädagogische Schule.

A. P. Losenko, A. E. Egorov, V. K. Shebuev.

Seit 1758 ist die "Akademie der drei edelsten Künste" das wissenschaftliche und methodologische Zentrum der Kunsterziehung, und die St. Petersburger Akademie war im Laufe ihrer Geschichte das wichtigste russische Zentrum der Kunsterziehung. Die größten russischen Architekten, Bildhauer, Maler und Graveure wurden an der Akademie streng und anspruchsvoll ausgebildet.

Von Anfang an war die Akademie der Künste nicht nur eine Bildungs- und Bildungseinrichtung, sondern auch ein Zentrum der Kunstvermittlung, da sie regelmäßig Ausstellungen veranstaltete. Unter ihr wurden Museen und eine wissenschaftliche Bibliothek gegründet. Um bei den Schülern einen guten künstlerischen Geschmack zu entwickeln und das Interesse an den Künsten zu wecken, beschloss der Gründer und erste Chefdirektor I. I. Shuvalov, die Schüler mit brillanten Werken zu umgeben. Er schenkt der Akademie seine Sammlung von Gemälden und Zeichnungen sowie seine persönliche Bibliothek. Nach Shuvalov behielt die Akademie diese Tradition viele Jahre bei, und sie brachte der Sache großen Erfolg, indem sie den Studenten einen tiefen Respekt vor der Kunst und der Akademie einflößte. Die Akademie stellte den Studenten alle notwendigen Arbeitsmaterialien zur Verfügung: Papier aller Qualitäten, Farben, Bleistifte, Leinwand, Keilrahmen, Pinsel und Lacke.

Das Hauptfach an der Akademie war Zeichnen. Für die besten pädagogischen Zeichnungen verlieh der Rat der Akademie den Autoren Auszeichnungen - kleine und große Silbermedaillen. Auf Initiative des Bildhauers Gillet wurde 1760 eine umfassende Klasse an der Akademie organisiert, in der dem Studium der anatomischen Struktur des menschlichen Körpers große Aufmerksamkeit geschenkt wurde. Hier werden das Skelett und die „zerlumpte Figur“, wie das anatomische Modell damals hieß, genau studiert.

Der Zeichenunterricht war wie folgt strukturiert: „Der Unterricht war morgens von 9 bis 11 Uhr und abends von 5 bis 7 Stunden unterteilt. Während des Vormittagsunterrichts beschäftigte sich jeder mit seinem Fachgebiet und abends jeder, egal welcher Klasse Sie wurden mit einem französischen Bleistift gezeichnet. Nach einem Monat wurden die Zeichnungen in den Klassenzimmern zur Prüfung durch die Professoren ausgestellt; es war wie eine Prüfung. Außerdem wurden jede Woche Figuren ausgestellt, Gipsköpfe, bei denen es erforderlich war, die Konturen von ihnen so getreu wie möglich zu machen, obwohl die Schattierung nicht abgeschlossen war. Bei Monatsprüfungen bzw. Examen wurden diese Wochenarbeiten zwar nicht von Studierenden vorgelegt, da der Professor sie unter der Woche geprüft hat, aber einige ausschließlich für die Monatsprüfung angefertigte Arbeiten waren zum festgesetzten Termin bereits ausgestellt.

Die Schüler der Akademie wurden nach Alter in Gruppen eingeteilt:

1. Gruppe - von 6 bis 9 Jahren,

2. - von 9 bis 12,

3. - von 12 bis 15 Jahren,

4. - von 15 bis 18 Jahren.

1. Gruppe: In der ersten Gruppe wurde neben allgemeinbildenden Fächern das Zeichnen nach Originalen, Gipsen und nach der Natur geübt. Das Zeichnen begann mit einer Bekanntschaft mit Technik und Technologie. Der Bleistift musste weiter vom abgezogenen Ende entfernt gehalten werden, was der Hand mehr Freiheit und Beweglichkeit verlieh. Als Vorlagen dienten im Originalunterricht Stiche nach den Zeichnungen herausragender Meister, Zeichnungen von Lehrern der Akademie, sowie Zeichnungen besonders ausgezeichneter Schüler. Besonders beliebt waren Grez' Zeichnungen bei Lehrern und Schülern. Die Ausdruckskraft der Linien in seinen Zeichnungen half den Schülern, die Plastizität von Formen visuell zu sehen und zu verstehen.

2. Gruppe: Die zweite Gruppe schöpfte aus Originalen, Gipsen und aus der Natur. Bis Ende des Jahres begannen die Schüler, von den Originalen Zeichnungen von Köpfen, Körperteilen und nackten menschlichen Figuren (Akademien) zu kopieren, zuerst Gips und dann lebend. Ornamente und Gipsköpfe wurden der Natur nachempfunden.

3. Gruppe: Die dritte Gruppe studierte Perspektive, Zeichnen nach Originalen, Gips und aus dem Leben, Malerei, Bildhauerei, Architektur, Kupferstichkunst. Gipsfiguren von Antinoos, Apollo, Germanicus, Herkules, Herkules, Venus Medicea wurden nach der Natur gemalt. Hier malte der Student nach Gipsabgüssen, bis er die nötigen beruflichen Fähigkeiten hatte. Danach konnte er in einem Naturkundeunterricht zum Zeichnen der lebendigen Natur übergehen.

Um sich die Figur gründlich einzuprägen, musste der Schüler dieselbe Umgebung mehrmals zeichnen. Um sich die Figur gründlich einzuprägen, musste der Schüler dieselbe Umgebung mehrmals zeichnen. Es ist bekannt, dass K. P. Bryullov vierzig Zeichnungen aus der Laokoon-Gruppe angefertigt hat. Die Fähigkeit war so groß, dass einige Akademiker von überall aus mit dem Zeichnen beginnen konnten.

Beim Unterrichten des Zeichnens wurde großer Wert auf das persönliche Vorführen gelegt. Die damaligen Anweisungen besagten, dass die Lehrer der Akademie die gleiche Natur zeichnen sollten wie die Schüler – damit die Schüler sehen würden, wie der Prozess der Konstruktion einer Zeichnung ablaufen und welche Qualität erreicht werden sollte.

In einem der Archivdokumente lesen wir: "Professoren und Dozenten von Adjunkten vorzuschreiben, dass alle Adjunkten zu ihren festgesetzten Stunden zum Zeichnen der Natur erscheinen, auch um zu sehen, wie Fontebasse arbeitet." Wir lesen dasselbe in den Anweisungen von A. I. Musin-Puschkin: Künstler, von denen der eine die Natur in Szene setzen und Schülerarbeiten korrigieren und der andere gleichzeitig selbst mit ihnen zeichnen oder bildhauen soll.

Leider geriet diese fortschrittliche Methode der Ausbildung angehender Künstler später in der pädagogischen Praxis in Vergessenheit. Wenn in modernen Bildungseinrichtungen ein Schüler verpflichtet ist, das Kursprogramm unabhängig vom Erfolg im Laufe des Jahres zu absolvieren, konnte der Schüler in der Akademie des 18. Jahrhunderts sowie in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts aus einer Klasse wechseln zum anderen, zum Beispiel von der Gipsfigur zum Original, nur mit gewissem Erfolg. .

4. Gruppe: Schüler der vierten Gruppe zeichneten nackte lebendige Natur und studierten Anatomie. Dann kam die Schaufensterpuppen- und Kompositionsklasse sowie das Kopieren von Gemälden in der Eremitage.

Einen großen Beitrag zur Methodik des Zeichenunterrichts leisteten Künstler und Lehrer der Akademie der Künste A. P. Losenko und V. K. Shebuev.

A. P. Losenko begann 1769 an der Akademie zu unterrichten. Ein ausgezeichneter Zeichner und ein wunderbarer Lehrer, der nicht nur der Praxis, sondern auch der Theorie des Zeichnens viel Aufmerksamkeit schenkte. Seine helle pädagogische Tätigkeit fand sehr bald allgemeine Anerkennung. Beginnend mit Losenko erhielt die russische akademische Zeichenschule eine eigene besondere Richtung.

Losenko machte es sich zur Aufgabe, jede Bestimmung des akademischen Zeichnens und vor allem des Zeichnens der menschlichen Figur wissenschaftlich und theoretisch zu untermauern. Zu diesem Zweck begann er, die plastische Anatomie gründlich zu studieren, nach Regeln und Gesetzen für die proportionale Aufteilung einer Figur in Teile zu suchen, Diagramme und Tabellen zur visuellen Demonstration für seine Schüler zu zeichnen. Seit dieser Zeit basiert die Methode des Zeichenunterrichts auf einem ernsthaften Studium der Anatomie, der Proportionen der menschlichen Figur und der Perspektive. All diese wissenschaftlichen Kenntnisse, die für einen Künstler notwendig sind, konnte Losenko mit großer Überzeugungskraft und hellem pädagogischem Talent auf seine Schüler übertragen. Losenko verstand die Komplexität und Schwierigkeit, zwei verschiedene Dinge zu kombinieren – unabhängiges kreatives Arbeiten und Unterrichten – und scheute weder Zeit noch Mühe für die Sache, der er diente. A. N. Andreev bemerkte dieses Merkmal von Losenko als Künstler und Lehrer und schrieb: „Er verbrachte ganze Tage und Nächte mit ihnen (Studenten), unterrichtete sie in Wort und Tat, er selbst zeichnete akademische Studien und anatomische Zeichnungen für sie, die für die Führung veröffentlicht wurden der Akademie die Anatomie und die Proportionen des menschlichen Körpers, die von allen nachfolgenden Schulen verwendet wurden und immer noch verwendet werden; begann mit dem vollen Unterricht, er selbst schrieb mit seinen Schülern an der gleichen Bank, und seine Werke trugen noch mehr dazu bei, den Geschmack der Studenten der Akademie zu verbessern.

Losenkos Verdienst liegt nicht nur darin, dass er an der Akademie der Künste als Zeichenlehrer gute Arbeit geleistet hat, sondern auch darin, dass er sich um deren Weiterentwicklung gekümmert hat. Dabei dürften seine theoretischen Arbeiten und Lehrmittel eine Rolle gespielt haben.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts begann sich das Zeichnen als allgemeinbildendes Unterrichtsfach zu verbreiten. In dieser Zeit wurde viel auf dem Gebiet der Veröffentlichung verschiedener Handbücher, Handbücher und Tutorials zum Thema Zeichnen getan.

Hauptaktivitäten

Das Bild in der Ebene und im Volumen (aus der Natur, aus der Erinnerung und aus der Repräsentation); dekorative und konstruktive Arbeiten;

Anwendung;

· Volumen-räumliche Modellierung;

gestalterische und konstruktive Tätigkeit;

künstlerisches Fotografieren und Videofilmen; Wahrnehmung der Phänomene der Realität und Kunstwerke;

Diskussion über die Arbeit der Kameraden, die Ergebnisse der kollektiven Kreativität und der individuellen Arbeit im Klassenzimmer;

Studium des künstlerischen Erbes;

Musik und Literatur hören

Pädagogische und methodische Unterstützung - methodische Kits für das Programm, darunter Lehrbücher, Arbeitsbücher für Schüler und Unterrichtshilfen für Lehrer. Alle Publikationen werden von B. M. Nemensky herausgegeben.

Stufe I - Grundschule.

Note 1 - Grundlage - Vertrautheit mit Arbeitsweisen, verschiedenen künstlerischen Materialien, Entwicklung von Wachsamkeit und Beherrschung des Materials. "Du zeichnest, dekorierst und baust."

Klasse 2 – „Du und die Kunst“ – Einführung in die Welt der Kunst, emotional verbunden mit der Welt der persönlichen Beobachtungen, Erfahrungen, Gedanken. Ideenbildung über Inhalt und Rolle der Kunst

Klasse 3 – „Kunst um dich herum“ – führt Kinder in die Welt der sie umgebenden Schönheit ein.

Klasse 4 - "Jede Nation ist ein Künstler" - die Bildung einer Vorstellung von der Vielfalt und Faszination der Kunst. Kreativität in allen Ecken

Land und jede Nation.

II Stufe - Gymnasium. Grundlagen künstlerischen Denkens und Wissens. Eine vertiefte Auseinandersetzung mit verschiedenen Kunstgattungen und -gattungen im Kontext historischer Entwicklung, interdisziplinäre Verbindungen zum Geschichtsunterricht werden gestärkt.

Klasse 5 - Verbindungen der dekorativen Kunstgruppe mit dem Leben. Sich im Einklang mit dem Material fühlen

Klasse 6 - 7 - Verbindungen der bildenden Kunstgruppe mit dem Leben. Beherrschung der künstlerischen und figurativen Muster der Kunst und ihrer Systematisierung. Kreativität von Künstlern.

Klasse 8 - "Verbindungen der konstruktiven Gruppe der Künste mit dem Leben." Architektur ist eine Synthese aller Kunstformen.

Note 9 - eine Verallgemeinerung des Bestandenen. "Synthese der räumlichen und zeitlichen Künste".

III. Stadium. Grundlagen des künstlerischen Bewusstseins. Aufteilung der praktischen und theoretischen Arbeit in Parallelkurse.

10-11 Klassen - Historische Verbindungen der Künste.

ABSCHNITT 3. ORGANISATION UND PLANUNG

Vorführungen durchführen.

Foreskets sind kompositorische Skizzen einer zukünftigen Zeichnung, die der Arbeit am Hauptblatt vorausgehen. Dazu können Sie den Sucher verwenden - ein Stück Pappe oder Papier, in das ein kleines rechteckiges Loch geschnitten wird. Der Student, der durch den Sucher schaut, sollte sozusagen den Rahmen des zukünftigen Bildes sehen. Die Größe des Rahmens wird in Abhängigkeit von der Größe des Hauptpapierblatts eingestellt. Nachdem der Schüler mit Hilfe des Suchers mehrere Kompositionsskizzen angefertigt hat, wählt er diejenige aus, die die Aufgabe am besten erfüllt, und beginnt mit der Arbeit am Hauptblatt.

3. Phasen der Arbeit am Format.

Erste Stufe beginnt mit der kompositorischen Platzierung des Bildes auf einem Blatt Papier. Dann werden die Hauptproportionen festgelegt und das Gesamtbild der Natur skizziert. Die plastische Eigenschaft der Hauptmassen wird ermittelt. Damit die Details die Aufmerksamkeit des Anfängers nicht von der Hauptfigur der Form ablenken, wird vorgeschlagen, die Augen zusammenzukneifen, damit die Form wie eine Silhouette aussieht, wie ein gemeinsamer Fleck, und die Details verschwinden. Das Bild beginnt mit leichten Strichen. Es ist notwendig, eine vorzeitige Belastung des Bogens mit unnötigen Punkten und Linien zu vermeiden. Das Formular ist sehr allgemein und schematisch gezeichnet. Die Hauptfigur der großen Form wird enthüllt. Handelt es sich um eine ganze Gruppe von Objekten (Stillleben), muss der Schüler in der Lage sein, sie einer einzigen Figur gleichzusetzen (einzuschreiben), dh zu verallgemeinern.

Zweite Phase- konstruktive Bestimmung der Form von Objekten mit Hilfe von Linien. Die unterschiedliche Dicke der Kontrastlinie offenbart die Leichtigkeit der Perspektive, der Konstruktion. Objekte sollten transparent und glasig aussehen.

Dritter Abschnitt- Plastische Modellierung der Form in Ton und detailliertes Studium der Zeichnung.

Auch die Ausarbeitung von Details erfordert ein bestimmtes Muster – jedes Detail muss in Verbindung mit anderen gezeichnet werden. Wenn Sie ein Detail zeichnen, müssen Sie das Ganze sehen.

Die Phasen der Ausarbeitung der Details der aktiven Analyse von Formen, die Identifizierung der Materialität der Natur und der Beziehung von Objekten im Raum ist eine entscheidende Phase. Unter Verwendung der Gesetze der Perspektive (sowohl linear als auch aus der Luft) ist es notwendig, Bilder basierend auf einer genauen Analyse der Beziehungen zwischen allen Elementen der Form zu erstellen. In diesem Arbeitsschritt findet eine detaillierte Charakterisierung der Natur statt: Die Textur des Modells wird freigelegt, die Materialität von Objekten (Gips, Stoff) wird übertragen, die Zeichnung wird sorgfältig in tonalen Beziehungen ausgearbeitet. Wenn alle Details gezeichnet und die Zeichnung sorgfältig im Ton modelliert ist, beginnt der Verallgemeinerungsprozess.

Vierte Stufe- zusammenfassend. Dies ist die letzte und wichtigste Phase der Arbeit an der Zeichnung. In dieser Phase fasst der Student die geleistete Arbeit zusammen: überprüft den allgemeinen Zustand der Zeichnung, ordnet die Details dem Ganzen unter, verfeinert die Zeichnung im Ton (ordnet Licht und Schatten, Glanzlichter, Reflexionen und Halbtöne dem allgemeinen Ton unter). In der letzten Phase der Arbeit ist es ratsam, zu frisch zurückzukehren

anfängliche Wahrnehmung.

Konsequente Lackierarbeiten

Wenn Sie mit dem Malen beginnen, müssen Sie zunächst in die Natur blicken und die wichtigsten Ton- und Farbbeziehungen bestimmen.

vorläufige Skizze

Suche nach einer Komposition (Farbe, coloristische Organisation) -

Suche nach einer Lösung für Form, Proportionen, strukturelle Struktur

Suche nach großen Ton-Farb-Beziehungen (warme und kalte, gesättigte und schwach gesättigte, helle und dunkle Farben)

endgültige Festlegung des Formats und Umfangs der zukünftigen Studie

Es ist notwendig, mindestens drei voneinander verschiedene Skizzen zu erstellen, um die beste Option auszuwählen, auf deren Grundlage die Arbeit ausgeführt wird. Die Skizze ist bis zum Abschluss der Arbeiten an der Hauptstudie aufzubewahren.

2. Vorzeichnung zum Malen

Übertragen der Skizzenkomposition auf die Hauptleinwand. Das Zeichnen zum Malen sollte präzise und bestimmt sein, aber es sollte nicht detailliert sein

Arbeiten an den Details

Der Übergang von allgemeinen Farbverhältnissen zur Gestaltung der Form mit Farbe. Die Registrierung der Form muss gleichmäßig über die gesamte Bildebene erfolgen.

Verallgemeinerung

Das Stadium der gleichzeitigen Verallgemeinerung und Betonung der charakteristischen Momente für die Gesamtfarbeinheit

Das Ergebnis jedes der beiden Halbjahre soll mindestens eine fertige Komposition in Farbe oder Grafik sein, evtl. eine Serie von Farb- oder Grafikblättern. Die Ausführungstechnik und das Arbeitsformat werden mit der Lehrkraft besprochen.

Eigenständige Kompositionsarbeiten werden wöchentlich von der Lehrkraft begutachtet. Eigenständige (außerschulische) Arbeit kann für das Erledigen von Hausaufgaben durch Kinder, den Besuch kultureller Einrichtungen (Ausstellungen, Galerien, Museen usw.), die Teilnahme von Kindern an kreativen Veranstaltungen, Wettbewerben und kulturellen und pädagogischen Aktivitäten einer Bildungseinrichtung genutzt werden. Die Bewertung markiert alle Arbeitsschritte: Materialsammlung, Skizze, Karton, Abschlussarbeit. Es ist notwendig, dem Schüler zu ermöglichen, tiefer in das Thema des Bildes einzudringen und Bedingungen für die Manifestation seiner kreativen Individualität zu schaffen.

Unterrichtsarten.

Die gebräuchlichste und in der Praxis verwendete Klassifikation wurde von B. P. Esipov eingeführt und identifizierte die folgenden Arten von Unterricht:

1 Typ: Neues Material lernen.

Unterrichtstyp.