Selbstgenügsames amerikanisches Genie. Wahrscheinlich war zum ersten Mal in der Geschichte dieses religiösen Treffens der Präsident der Russischen Föderation ausnahmslos anwesend, was gewissermaßen die erhöhten Sicherheitsmaßnahmen während der kirchlichen Veranstaltung erklärt.

Echo von Moskau 09.12.2011

Seit einem Jahr spielt das Stück „The Killer“ als Premiere auf der Bühne des Moskauer Theaters für junge Zuschauer, das zu Recht zu einem Ereignis der letzten Theatersaison geworden ist, etwas, das man gesehen haben muss, weil man es sonst tut eine bahnbrechende Übung zum Jugendthema verpassen.

Der Mörder ist die vierte Aufführung, die im MTYUZ im Rahmen einer Bekanntschaft mit der Arbeit junger Theaterregisseure gezeigt wird. In den vergangenen Jahren erschien jeden Herbst eine neue Aufführung aus einer Art Zyklus von Regiedebüts. Sie alle erwiesen sich als äußerst erfolgreich. Aber der „Killer“ bei MTYUZ ist ein ungewöhnliches und besonderes Phänomen in dieser ziemlich repräsentativen Reihe erfolgreicher Premieren.

Gespielt wird ein Theaterstück für vier Figuren (fünf Darsteller) im „White Room“, wo ab und zu Aufführungen stattfinden, die besondere Konzentration des Zuschauers erfordern, experimentell, inszeniert von jungen Regisseuren.

Bei MTYuZ wurden die Auftritte junger Regisseure nicht nur mehrfach gezeigt, wie in Sovremennik, sondern ins Repertoire aufgenommen, da sie sich als erfolgreiches Theaterergebnis herausstellten.

Aber selbst auf einem ziemlich hohen Niveau der Arbeit mit einem dramatischen Text ist die von Dmitry Egorov inszenierte Aufführung nach dem Stück von A. Molchanov in ihrer Einfachheit und Klarheit perfekt.

Dass wenige Monate nach der Premiere von „The Killer“ Ende letzten Jahres die Aufführung laut Jury des „Triumph“-Preises in der Jugendnominierung als beste gekürt wurde, versteht sich von selbst. Erstens, weil die Vorzüge der Aufführung von den ersten Sätzen des Monologs des Protagonisten bis zu den abschließenden Monologen und Dialogen offensichtlich sind.

Nachdem er eine große Summe an einen lokalen Betrüger verloren hat, ist der junge Mann gezwungen, in eine andere Stadt zu gehen, um Geld von einem anderen Schuldner desselben Spielers zu nehmen und es als Entschädigung für seine Schulden zu bringen. Oder im Extremfall den verschuldeten Provinzial zu töten. Um ihm zu folgen, und aus einem anderen Grund, wird ein Mädchen mit ihm geschickt, eine lokale Nymphe auf dem Gebiet der Liebe. Unterwegs schauen junge Leute bei der Mutter des Schuldners vorbei, treffen sich mit derjenigen, von der er Geld nehmen oder in ihrer Abwesenheit töten muss. Das heißt, die Handlung ist leider gewöhnlich und ziemlich real.

In einem kleinen Raum mit weißen Wänden erscheinen abwechselnd vier Charaktere einzeln oder zusammen: ein Spieler, sein junger Schuldner, ein Mädchen und die Mutter des Schuldners. Von der Kulisse nur die Skelette von Metallbetten (Künstler Themistokles Atmadzas). Banale Metallstrukturen im Handlungsablauf sind entweder ein bescheidenes Interieur eines Schlafsaals oder ein fast familiäres Bett im Haus der Mutter des Schuldners oder etwas anderes, bis hin zu einer Andeutung einer Gefängniszelle.

Der junge Mann ist Student. Er will eindeutig nirgendwohin gehen und jemanden töten (ein Hinweis auf den Helden von Dostojewskis berühmtem Roman). Er versucht Kraft und Erlösung im Glauben zu finden (ein Hinweis auf die Suche nach Gott von Leo Tolstoi). Aber ein Sharpie, wie das Schicksal in einer antiken griechischen Tragödie, ist grausam und unerbittlich.

Und deshalb erfährt der Held fast hamletisches Leiden – Sein oder Nichtsein? Dabei nicht im philosophischen, sondern im alltäglichsten, unmittelbarsten Sinne des Wortes. Allmählich rollen seine Gedanken von hoch nach unten – sein oder nicht sein? - verwandeln in - töten oder nicht töten? Der potenzielle Mörder überlegt im Laufe der Handlung, ob er einen anderen töten könnte, was es heißt, einen anderen zu töten, wie man tötet und wie man damit lebt und wie viel er für den Mord bekommt, wenn man ihn erwischt . Und dass er auf jeden Fall gefasst und verurteilt wird, daran zweifelt er überhaupt nicht.

Irgendwo in den Tiefen seiner Seele, seines Bewusstseins wächst der Widerstand gegen die Notwendigkeit, einen anderen zu töten, und weil es offensichtlich ist, dass er selbst in einer anderen Stadt, unter Menschen, die er nicht kennt, leicht getötet werden kann. Was wäre passiert, wenn es nicht eine unerwartete Wendung der Ereignisse und einen Verhaltenstrick gegeben hätte, der auf einer kleinen, aber hartnäckigen weltlichen Erfahrung eines jungen Mannes und der Rücksichtslosigkeit eines Mädchens beruht, das mit ihm, wie sich herausstellte, zum Glück geschickt wurde und Erlösung.

Es stellt sich heraus, dass es nicht nur eine Reisegeschichte gibt – sowohl real als auch mental. Und auch die Geschichte von der Geburt der Liebe.

Das Mädchen, das mit dem Schüler ging, war nett zu ihm, gehorchte aber dem Betrüger, und hier waren die Umstände so, dass sie sich als Braut und Bräutigam (mit der Mutter des Schülers) ausgeben mussten und im Unglück Gefährten wurden, da die sich schnell ändernde Einführung zwang sie, entschlossen und schnell zu handeln.

Tatsächlich ist jede ihrer Figuren in diesem Stück ein Mörder, sodass ihr Name nicht nur mit einem Schüler, sondern auch mit seiner Mutter, sowie einem Mädchen und einem Filzstift in Verbindung gebracht werden kann.

Dies ist auch ein romantischer Spieler, der ständig Risiken eingeht und sich selbst zur Geisel des Spiels macht. Das ist die Mutter der Studentin, eine Verkäuferin in ihrem Heimatdorf, die Geld spart und weder im Beruf noch im Leben Ruhe sieht. Auch das ist ein Mädchen, das von echten Gefühlen träumt, sich bisher aber als öffentlich herausstellt und daher fast keine Person mehr ist, sondern so etwas wie ein Ding, ein Möbelstück. Und natürlich ist der Mörder der Student selbst, der gegen die Neunen verlor, obwohl er verstand, mit wem er spielte. Aber wie Hermann aus Puschkins Pique Dame (eine weitere Anspielung auf den Schullehrplan in der Literatur) fing er nicht an, die Geheimnisse des Kartenspiels zu ergründen, sondern stieg als Anfänger ein und hörte erschrocken auf, als die Schuldenhöhe kritisch wurde für ihn unerträglich groß (Eigentlich ist es nach heutigen Maßstäben nicht so toll, aber für einen Typen aus der Provinz, der in einem Hostel lebt und sich nur auf sich verlassen kann, stellt es sich als unerschwinglich heraus).

Die Schauspieler in The Killer sprechen ihre Zeilen wie Monologe, hier werden interne Monologe, die nicht für andere bestimmt sind, Teil der Dialoge. Alles beruht auf einem präzise gefundenen Wort, auf der unglaublichen Lockerheit des Spiels der Schauspieler und auf dem Schmuck im Detail und der Ausrichtung der gesamten Regie.

Vor uns liegt nicht nur eine dramatische Darbietung im wörtlichen Sinne des Wortes, sondern auch eine Art Oratorium über moderne Themen mit nervösen, schroffen Rhythmen, mit der Vorahnung eines schrecklichen Endes und der Erwartung von Harmonie, mit Schrecken und Hoffnung zugleich Zeit.

Tickets für Vorstellungen im „White Room“ werden für weniger als fünfzig Plätze verkauft, und in der letzten Reihe neben mir sitzen auch zwei Tontechniker. Gerade weil es sich um einen kleinen Raum handelt, eine Halle mit zwei hohen Fenstern, die direkt auf eine ruhige Moskauer Gasse blicken, entsteht eine erstaunliche Atmosphäre der Anteilnahme an dem, was vor den Zuschauerreihen zu sehen ist. Sie, diese Atmosphäre, ist so aufregend, dass es undenkbar ist, ein Wort zu verpassen, keine Intonation, keine Geste. Es ist notwendig, die Handlung so zu verfolgen, wie sie hier und jetzt gezeigt wird - in einem harmonischen Chor von Rollenparteien, die in tragischer Unisono erklingen. Was in diesem Fall besonders wichtig ist, da die Nachbildung jedes der Charaktere nicht nur eine direkte Bedeutung hat, sondern auch einen Subtext mit Nuancen und Obertönen. Jede Bemerkung ist immer mit Zweifel, mit einer Frage verbunden, auch wenn etwas in einem Monolog oder im Dialog mit einem anderen bejaht wird.

Und die Essenz dessen, was gezeigt wird, dreht sich nicht nur um Geld, wie jeder der Charaktere in The Killer herausfand, was für jeden der Charaktere auf seine eigene Weise zu einem Wendepunkt im Leben wurde. Während optimistisch durch Zufall und Glück gelöst. Aber nur für jetzt. An dem Tag, als ich es zufällig schaffte, The Killer zu sehen (die Aufführung ist nicht so oft, und der Saal kann eine Schulklasse oder Organisation vollständig kaufen), saßen Gymnasiasten mit ihrem Lehrer unten vor mir. Unter ihnen war nur ein junger Mann, und neben ihm sechs oder acht Mädchen.

Die Lehrerin saß während der ganzen Aufführung mit geradem Rücken da und blickte angespannt von ihrer obersten Reihe hinunter, wo sich eine scheinbar banale Geschichte abspielte – Tragödie und Mysterium zugleich. Wahrscheinlich dachte sie beim Betrachten der Künstler ständig darüber nach, was und wie sie ihren Schülern nach dem Ende der Aufführung sagen sollte. Und als die Aufführung endete, erhob sie sich abrupt, wie aufs Stichwort, von ihrem Platz und begann zu laut zu applaudieren. Das gesamte Publikum unterstützte sie und der wohlverdiente Applaus an diesem Tag ertönte lange Zeit im „Weißen Raum“ des Moskauer Jugendtheaters.

Die Gymnasiasten verhielten sich unauffällig und recht brav. Und erst als ganz einfach, ohne Schnörkel, aber mit Fingerspitzengefühl, die Studentin und das Mädchen anfingen zu diskutieren, wie sie Sex haben sollten, wurden die Mädchen in der untersten Reihe irgendwie auf besondere Weise still, quetschten sich in ihre Sitze und kicherten ein wenig , was deutlich macht, dass sie nicht gruselig, nicht neu, alles vor ihnen gezeigt, sondern nur neugierig.

Nach dem Ende der Aufführung diskutierten der Lehrer und die Schüler sozusagen in rasender Verfolgungsjagd über das Gesehene. Sie sprach meistens, die Mädchen stimmten höflich zu, und der junge Mann, anscheinend aus einem anderen Kreis als die Helden des Stücks, schwieg mit einem nachdenklichen Gesichtsausdruck.

Wie dem auch sei, der „Killer“ bei MTYuZ macht einen starken und ganzheitlichen Eindruck. Dass die Aufführung jeden Monat von gezählten Zuschauern gesehen wird, ist aufrichtig bedauerlich. Offensichtlich ist es bei einer großen psychologischen Belastung schwierig und schwierig, einen solchen Text zu spielen. Mit einer häufigeren Aufführung von The Killer kann es daher dieses Flüchtige und Organische verlassen, was es zu einem Phänomen macht, einem Phänomen des Theaterlebens der Hauptstadt.

Zweifellos ist es wichtig, dass möglichst viele Zuschauer diese theatralische, tragische Farce über Leben und Tod sehen. Mit seiner Authentizität und Lebendigkeit wird er jeden zutiefst berühren. Auf seine eigene Art natürlich, aber es wird dich definitiv süchtig machen, denn hier ist alles wie im Leben. Aber trotzdem - etwas optimistischer.

Es ist unmöglich, es auf der Hauptbühne zu spielen oder es durch Schulversammlungssäle zu tragen, da die sehr Kompaktheit des Weißen Saals hier nicht nur ein Hintergrund oder eine Entourage ist, sondern eine Spielbedingung, der akzeptabelste und authentischste Schauplatz der Handlung. Wenn sich Leidenschaften und Erlebnisse in unmittelbarer Nähe des Zuschauers entfalten und der Effekt einer unglaublichen Komplizenschaft mit dem Gespielten entsteht. Und das ist unbezahlbar in Bezug auf die Stärke der Wirkung auf den Betrachter.

Wahrscheinlich gibt es nur einen Ausweg. Den „Killer“ aus der Mitte der obersten Reihe vor der Kamera aufzunehmen und nicht nur auf dem Fernsehsender Kultura zu zeigen, was an sich schon nett wäre, sondern auch auf großen Stadtbildschirmen wie dem Country Duty-Programm unter Beteiligung von Zhvanetsky und Maksimov im Fernsehsender „Russland 1“.

Oder als gewöhnlicher Film, der wahrscheinlich ein kommerzieller Erfolg hätte werden können. Denn alles hier ist die absolute Wahrheit. Und weil diese Geschichte mit eigenen Augen gesehen werden muss – fast jeder.

Über den Autor | Abel Ilya Viktorovich - Philologe, Absolvent der Moskauer Staatlichen Universität. MV Lomonosov, veröffentlicht in den Zeitschriften "Literary Review", "Friendship of Peoples", "Theater", "Children's Literature", der Zeitung "Culture", dem Almanach "Parallels", in "Academic Notebooks". Lebt in Moskau.

Zufällig war eines der letzten Gedichte, die Joseph Brodsky zur Veröffentlichung vorbereitete, dieses: „Clowns zerstören den Zirkus. Elefanten flohen nach Indien…“. Als Teil der Sammlung „Screams of Dublin Seagulls! Das Ende der Grammatik“ war vom Autor für die „Neue Welt“ bestimmt und, wie aus dem redaktionellen Kommentar hervorgeht, wenige Tage vor dem Tod des Dichters überliefert. Und das alles wurde vier Monate später, im Geburtsmonat des Dichters, veröffentlicht – als verbales Denkmal für sein Leben und sein Werk.

Genau genommen wird der Inhalt des genannten Gedichts durch seine erste Zeile angegeben. Ja, es beschreibt ganz konkret und äußerlich schnörkellos, wie das Gebäude des Zirkus zerstört wird, und der Zirkus als eine Art Unterhaltungsrealität, als Erinnerung an die Kindheit, über etwas schon Berührendes und Fernes, zudem altersbedingt Unwiederbringliches und wegen der Schwere der mit der Erfahrung verbundenen menschlichen Erfahrung. Aber in der Poesie ist der Inhalt in der Regel ziemlich bedeutsam als das, was gesagt wurde, besonders wenn wir einen Dichter von solchem Ausmaß meinen, wie es Brodsky im zwanzigsten Jahrhundert war.

Wir werden später auf die Zeilen von Brodskys letztem Gedicht zurückkommen, aber jetzt sagen wir ein paar Worte zu dem, was ihm vorausgegangen ist, mit anderen Worten, wir machen einen kurzen Exkurs zu den „Zirkusbemerkungen“ im Schicksal von Brodsky.

Es ist bekannt, dass die brillante Anna Achmatowa, als er verurteilt wurde (und der Prozess gegen seine Schuld selbst wie eine maßgeschneiderte Farce aussah, wie eine Zirkusaufführung mit klar definierten Rollen und von jemandem einstudierten Bemerkungen), so etwas wie ein sagte erstaunliches Schicksal, eine außergewöhnliche Biografie, die die Behörden dem jungen Mann antun. Und sie nannte ihn nicht beim Namen, sondern bei einem charakteristischen Zeichen - rot. Und hier können und sollten wir nicht nur über alltägliche Zeichen sprechen - Haarfarbe (die aus Brodskys Selbstporträt gelernt werden kann), sondern über ein so bedeutendes Detail, das nur eine aufmerksame, sensible Person bemerken könnte. Die Frage ist nicht, ob Anna Achmatowa liebte oder nicht, ob Anna Achmatowa den russischen Zirkus kannte oder nicht, aber es ist ziemlich offensichtlich, dass sie, da sie in Russland lebt, einfach nichts über die Masken der weißen und roten Clowns wissen konnte, die in Diesen Fall hatte sie im Sinn. In Z. Gurevichs Buch „Über die Genres des sowjetischen Zirkus“ (M., Art, 1984) gibt es interessante Überlegungen des Autors zu diesem Thema im Kapitel über Clownerie. Aber auch ohne die professionellen Aspekte des oben genannten Clown-Duetts zu ahnen, ist es nicht schwer, sich an Kindheitseindrücke zu erinnern, um zu verstehen, dass das, was Brodsky passiert ist – die Verurteilung eines talentierten Dichters wegen Parasitismus für fünf Jahre – sehr ähnlich war eine Clown-Reprise, bei der er in gewisser Weise (ohne seinen Mut und das, was er über drei Jahrzehnte danach getan hatte, herabzusetzen) in einer Maske in der Rolle eines Zirkus-Roten agierte, während die Anklage in der Maske des Weißen lag Clown, jedoch mit einem Hinweis auf die sowjetische Ideologie und die politischen Untertöne des Prozesses. Joseph Brodsky war ironisch, wenn er manchmal über seine Arbeit sprach. Zweifellos hatte er eine ausreichende Reserve an Optimismus, nachdem er in einem Leben so viele Prüfungen und Verrat aller Art erlebt hatte. Er hatte zwangsläufig auch einen guten Sinn für Humor, sodass sein Vergleich mit Ginger in diesem Fall weder forciert noch anstößig wirken sollte. Bei der Verhandlung bewies er aufrichtig und ehrlich seinen Fall, aber sie hörten ihm nicht zu, wollten ihn nicht hören. Der Öffentlichkeit erschien er als Störenfried, als jemand, der alles anders macht als üblich, wie gelehrt, wie es soll, um nicht lächerlich und fremd zu wirken. Es ist offensichtlich, dass der Dichter während des Prozesses und danach, vor seiner Freilassung, eindeutig nicht lachte, sondern sich an diese Ereignisse seines tragischen und glücklichen Lebens erinnerte und mit einem Lächeln darüber sprach, als über etwas, das nie wieder passieren könnte.

Man kann nicht sagen, dass Brodsky ein Kenner und Liebhaber des Zirkus war, obwohl es offensichtlich ist, dass er einmal mindestens einmal bei der Aufführung des Leningrader Zirkus sein musste, der seit Beginn des neunzehnten Jahrhunderts eine legendäre Geschichte hatte Brodsky konnte nicht anders, als es zu wissen, da er von Geburt und Beruf ein Petersburger war. Und als Erwachsener, der nach seiner Vertreibung aus der UdSSR entweder in Europa oder in Amerika lebte, besuchte er kaum jemals eine lokale Zirkusvorstellung. Es ist kein Zufall, dass das Zirkusthema so selbstverständlich und authentisch in den hohen Ton seiner Poesie eintritt.

An seinem vierzigsten Geburtstag, dem 24. Mai 1980, schreibt er eines seiner berühmtesten Gedichte, das mit der ersten Zeile „Ich bin in den Käfig gegangen statt eines wilden Tieres“ heißt. Es enthält eine kurze Biografie einer Person, die ziemlich schwierigen Prüfungen ausgesetzt war. Aber andererseits – der Käfig, der ganz am Anfang des Gedichts erwähnt wird – ist wohl nicht nur eine Anspielung auf einen Zaun im Gerichtssaal, eine psychiatrische Klinik und ein Gefängnis, sondern auch eine Erinnerung an den Film „Circus“, der wurde vier Jahre vor Brodskys Geburt auf die Leinwand gebracht, aber er konnte zweifellos sehen, was Kunst und was Propaganda ist. In diesem Film gibt es auf den ersten Blick eine unglaublich lustige Episode: Ein unglücklicher Liebhaber, der zu einem Date in den Zirkus kam, findet sich in einem Käfig wieder, als ein Tiger die Zirkusarena betreten will. Und dieser Mann aus der Menge wehrt den Tiger mit einem einfachen Blumenstrauß ab, was zu Tränen gerührt ist - beängstigend, weil ein Idealist Blumen gegen Tiermacht stellen kann, wie es in dreißig Jahren, in den sechziger Jahren, Hippies tun werden, um dagegen zu protestieren Krieg und alle Arten von Gewalt mit Blumen.

In gewisser Weise ähnelte der Dichter diesem unglücklichen Helden der musikalischen Komödie Grigory Alexandrov. Und bei Don Quijote waren sowohl der Käfig als auch die Raubtiere nicht fiktiv, sondern natürlich. Und es brauchte genug Mut, ihrem Druck nicht nachzugeben, auch im Käfig ein anständiger und ungebrochener Mensch zu bleiben.

Mit 47 Jahren erhielt der Dichter den Nobelpreis für literarische Leistungen. Er ging auf die Bühne, um seinen Preis entgegenzunehmen, nicht zur sowjetischen Hymne, was ihm fremd wäre, nicht zur amerikanischen Hymne, obwohl er US-Bürger war, sondern zu Haydns Lieblingsmusik, die in gewisser Weise der musikalischen Exzentrik ähnelt, denn so etwas gab es anscheinend vorher nicht - normalerweise werden bei solchen Anlässen Nationalhymnen gespielt, keine klassische Musik.

Und nun zurück zu dem Gedicht, das in jeder Hinsicht zum Schluss im Werk von Joseph Brodsky geworden ist. Höchstwahrscheinlich findet seine Aktion in einem großen Zirkus statt, da es schwierig ist, einen stationären Zirkus selbst mit Vorschlaghämmern zu zerstören. Und genau hier brechen sie zu Boden, was in gewisser Weise eine Paraphrase der „Internationale“ ist, der Parteihymne des Landes, das ihn aus seinen Grenzen vertrieben hat. Aber hier sprechen wir darüber, dass der Zirkus nur zerstört wird und nichts an seiner Stelle erscheint, da dies genau das Ende der Komödie ist. Und auch hier gibt es wieder einen filmischen Zufall. Gemeint ist „Orchestra Rehearsal“ – ein genialer Film von Fellini, der erzählt, wie das Gebäude von innen zerstört wird – im Verhältnis der Musiker untereinander und des Orchesters zum Dirigenten. Richtig, es gibt keine Vorschlaghämmer mehr, sondern eine riesige Kugel, die an einem Kranausleger befestigt ist. Seine monotonen Schläge gegen die Wand brechen sie schließlich, was zu einer Tragödie führt, zu einer Verletzung der Harmonie. Brodskys Arbeit ist noch harscher, obwohl sie äußerlich fast reportagehaft ist. Clowns, die die Seele des Zirkus sind, diejenigen, ohne die die traditionelle Zirkusvorstellung unverzichtbar ist, brechen, was ihr Schicksal ist, ihr Leben, prosaisch gesprochen, den Arbeitsplatz, das, was Zeit und Mühe gegeben hat, wofür es Opfer gegeben hat und Unordnung. Das bedeutet, dass etwas Systembildendes verletzt wurde, etwas aus dem Gedächtnis gelöscht wurde, teuer und notwendig blieb. Die zielgerichteten Bemühungen der Clowns sind ein ungeplantes, etwas logisches Finale der Aufführung, was die Paradegasse imitiert und zu einer Beerdigung geworden ist.

Die vierzehn Zeilen dieses Meisterwerks zeigen, dass Brodsky eine Vorstellung davon hatte, was ein Zirkus ist und was seine wichtigsten Genres sind. Es geht um Clownerie, Training – Tiger, Elefanten, Pferde, einen Hund, eine Illusionsnummer. All dies verschwindet einfach in Vergessenheit, wie das Zirkusgebäude selbst. Was ist der kursiv gesetzte Satz vom enttäuschten Illusionisten, von dem der Frack am Trapez unter der Kuppel baumelt, eine Metapher, ein Teil statt eines Ganzen, wie das Lächeln der Grinsekatze in den Abenteuern des Mädchens Alice, übrig bleibt. Aber auf wen bezieht sich der Dichter? Vielleicht Igor Keogh oder David Copperfield, die er zu verschiedenen Zeiten sehen konnte, und vielleicht er selbst, da Poesie als Form der Kreativität und als Art, das Leben zu verstehen, enttäuschend ist. Immerhin heißt es im Titelgedicht der Sammlung (Noviy Mir, Nr. 5, 1996), dass man irgendwann „seinen Monolog neu beginnen muss – von einer rein unmenschlichen Note“. Und hier geht es nicht um eine Krise der Kreativität, sondern um eine Vorahnung des Ergebnisses, dass die Prophezeiung wahr werden sollte, denn der Dichter schrieb, dass ein Jahrhundert später enden würde, als er starb. Und wie andere Prophezeiungen war auch diese dazu bestimmt, sich so traurig zu erfüllen.

Zu den letzten Zeilen dieses traurigen und zugleich optimistischen Gedichts seien noch ein paar Worte gesagt, denn es geht nicht nur um den Tod, sondern darum, dass darin noch etwas bleibt, und sei es eine Zirkusruine Fall ein Analogon eines Imperiums, Rom oder etwas Ähnliches, dem der Dichter nicht gleichgültig war, da er in Russland lebte, sich aber als Bürger des Römischen Reiches mit seinen Leidenschaften und dem Triumph der Stärke und der Klassiker fühlte. So endet diese erstaunliche und lehrreiche Geschichte:

Nur gut ausgebildeter Schoßhund

kontinuierliches Kläffen, das Gefühl, dass es sich nähert

zu Zucker: was gleich passieren wird

eintausendneunhundertfünfundneunzig.

Wenn man bedenkt, dass dieses Gedicht auf dasselbe Jahr datiert ist und es das letzte volle Jahr im Leben von Joseph Brodsky war, dann können wir leider sagen, dass sich der Zirkushund nicht geirrt hat. Es ist klar, dass, obwohl sie nichts von der Chronologie versteht und ihr einfach beigebracht wurde, genau diese Zahlen zu öffnen und zu zeigen, wir es nicht nur mit einem Zufall zu tun haben, sondern mit einer Abschiedsgeste. (Übrigens ist auch das Bild eines Zirkushundes interessant: In verschiedenen Jahren führt Brodsky als Zeichen Hunde und Hunde in seine Gedichte ein, die durch ihre Anwesenheit in den von ihm beschriebenen Ereignissen seiner Poesie ein gewisses Etwas verleihen Authentizität und Konkretheit Zu sich selbst sprach der Dichter scherzhaft manchmal wie ein Hund, der sich an einige Tricks erinnert, und sogar, um seinen eigenen lustigen Vergleich zu bestätigen, machte er einmal ein Foto mit ausgestreckten Händen, wie die Pfoten eines Hundes, als es taucht in einer Haltung auf.) Natürlich ist dies auch keine wörtliche Lesart, und es ist nicht so tragisch, eine traurige Situation zu zeigen, wie es sein könnte. In einem Gedicht, das seiner Tochter gewidmet ist, vergleicht sich der Dichter beispielsweise mit einem Schrank in ihrem Zimmer, was sowohl eine Anspielung auf Tschechow mit seinem "Kirschgarten" und die Rede über den Schrank als auch einen Versuch ist, über seine Abwesenheit zu sprechen - später - im Leben eines lieben und begehrten Menschen mit Mut und damit - mit einem Lächeln. Auch Leonid Yengibarov, der letztes Jahr siebzig geworden wäre, verließ die Arena ins Leere, ist ebenfalls ein Zeitgenosse Brodskys, ein einzigartiger Clown, ein Dichter aus Berufung und der Fähigkeit, er selbst zu sein. So gestaltete Brodsky den Abschied in diesem Gedicht zirkusmäßig: alltäglich, einfach, ohne unnötige Emotionen und Tränen, denn der Zirkus ist kein Melodram, sondern harte Zermürbungsarbeit, bei der Erfahrung keine Rolle spielt, sondern nur das Seinkönnen gefragt oder in Rente gehen müssen. Und so ein echter Künstler, ein echter Dichter kann kaum überleben. Darüber und Brodskys Gedicht „Clowns zerstören den Zirkus. Elefanten flohen nach Indien…“, denn in der Veranstaltung selbst, mit all ihrer Dramatik, liegt etwas wirklich Zirkushaftes, die Möglichkeit, auch in einer traurigen Situation zu spielen, die Möglichkeit, schön und spektakulär zu gehen, ohne jemanden zu beschuldigen und andere nicht als verpflichtet zu betrachten selbst etwas für dich tun. Brodsky hat einmal geschrieben, dass ein wirklich starker Mensch in seinem Versagen nur seine eigenen Fehlkalkulationen sieht und er selbst nach einem Ausweg aus der Sackgasse sucht. Joseph Brodsky war sowohl in seiner Poesie als auch im Leben ein starker Mann. Und er hat sich schön, zart und berührend verabschiedet, weil er in seinem Können viel erreicht und gemerkt hat, dass er sich bald ganz verabschieden muss – von der Kreativität und vom Leben. So entstand höchstwahrscheinlich dieses erstaunliche Gedicht über den Zirkus, darüber, sich von allem zu trennen, was teuer ist, darüber, was niemals endet.

Das Buch von Kenneth Slavenski (Kenneth Slavenski. J.D. SALINGER: A LIFE RAISED HICH), einem gewissenhaften Erforscher des Werks von Jerome David Salinger in der Originalfassung, erschien 2010. In russischer Sprache wurde der Text in einer ausgezeichneten Übersetzung einige Jahre später von Kenneth Slavensky veröffentlicht. J. D. Salinger. Mann, der durch Roggen geht. Übers. aus dem Englischen. A. Doroschewitsch, D. Karelsky. - St. Petersburg: Azbuka, Azbuka-Atticus, 2014. (ABC-Klassiker, Sachbuch).

Fünfhundert Seiten in unglaublich kleiner Schrift werden mit ständigem Interesse gelesen, weil das Buch informativ, faszinierend und zuverlässig ist.

Offensichtlich ist dies nicht die erste und wohl auch nicht die letzte Biographie des Klassikers der amerikanischen Weltliteratur.

Allerdings weist sie, wie bereits aus der Einleitung des Autors hervorgeht, darauf hin, dass sich der Ansatz von Kenneth Slavensky offensichtlich von dem unterscheidet, was Biographen, Interviewer und Reporter von Zeitungen und Zeitschriften in der Neuen Welt, wie auch in der Alten Welt, schrieb am häufigsten über Salinger. .

Zweitens ist das Buch eine Sammlung verifizierter, dokumentierter (von Salinger, Redakteuren, Anwälten, die jahrzehntelang mit ihm zusammengearbeitet haben – Korrespondenz mit dem Schriftsteller, Zeugenaussagen über ihn ohne Skandal und billige Effekthascherei.)

Drittens schrieb Slavensky nicht nur eine Biographie, sondern eine literarische Biographie, die zeigt, wie sich die realen Umstände des Lebens eines Schriftstellers namens Salinger in seinen Erzählungen, Novellen und seinem Roman Der Fänger im Roggen fortsetzten, entwickelten und manifestierten.

Das heißt, vor uns liegt ein ehrlich und sorgfältig ausgeführtes Werk über Jerome Salinger, geschrieben mit Ehrfurcht, Verantwortungsbewusstsein und Freundlichkeit. Anzumerken ist, dass es in dem Buch keine Idealisierung der Persönlichkeit des Autors, keine unkritische, rein bewundernde Wahrnehmung seiner Werke gibt.

Dies ist im Wesentlichen ein ehrliches und kluges Buch - ein rein amerikanisches, bei dem die Hauptsache äußerlich nur auf Fakten und Fakten besteht, aber im Untertext der Respekt vor der Persönlichkeit und den Büchern von Salinger offensichtlich ist.

Kenneth Slavensky beschreibt ruhig, fast episch, im Ausmaß des Umfangs seiner Biografie, den Autor von Büchern, die das Schicksal verschiedener Menschen beeinflusst haben, beschreibt die Wechselfälle seines nicht allzu glücklichen Lebens, abgesehen von literarischen Beschäftigungen. In der ganzen Beschreibung gibt es so, Maß, es gibt keine Extreme in der Geschichte einer Exzentrizität, wenn man sie von der Seite im Verhalten des legendären Autors betrachtet.

Das Buch ist eine wunderbare, würdige Geschichte darüber, wie er von der Geburt bis zum Tod war – ein Genie, das mit dem Wort verschmolz, bevor es sich darin auflöste und sich dem Wort spurlos unterordnete.

Als Anfang 2010 Informationen über Salingers Tod im Jahr 1991 herauskamen, überraschte es mich, dass er die ganze Zeit noch bei uns war. Es schien, dass der Schriftsteller lange Zeit nicht mehr unter den Lebenden war, was auch auf seine bewusste Abgeschiedenheit zurückzuführen war, die Tatsache, dass er jahrzehntelang keine neuen Werke veröffentlichte, praktisch seine Kommunikation mit der Welt beendete und allein in seiner Freude fand Eigenes Haus in Cornish, im amerikanischen Outback .

Sein Vater, ein gebürtiger Russe, machte in Amerika eine finanziell brillante Karriere, indem er nicht-koschere Produkte verkaufte - Schinken. Er versuchte, sich vom Glauben und den Traditionen seiner Eltern zu lösen, daher ist es in den ersten Jahrzehnten seines Lebens ziemlich schwierig, über die Religion von Salinger, dem Sohn, zu sprechen. Anders als in der zweiten Hälfte seines irdischen Lebens, als er ein eifriger Neophyt des Zen-Buddhismus wurde, der seinen Alltag, sein Schaffen unwiderruflich beeinflusste.

Autor Ilja Abel

Slavensky schildert die nicht allzu bemerkenswerten Studienjahre des Schriftstellers an einer Militärschule, eine Dienstreise nach Europa zu Schlachthöfen, ein Treffen mit einer jüdischen Familie, bei der er dann einquartiert wurde (Salinger ging nach Kriegsende eigens nach Wien diese Familie zu finden, konnte es aber nicht - alle ihre Mitglieder starben, wie andere Juden in der Stadt, auf dem Land, in Europa, in einem Konzentrationslager.) Das jüdische Thema, auf die eine oder andere Weise, in einem frühen Stadium seine schriftstellerische Laufbahn spiegelte sich in den Erzählungen von Salinger wider, der in den Jahren seines Studiums manches Unbehagen durch eine unvoreingenommene Haltung gegenüber seiner Herkunft empfand, was für ihn, einen sensiblen, zurückhaltenden und etwas autistischen Menschen, zusätzlich und offensichtlich war unangenehme Prüfung.

Es geht auch darum, wie er während seiner Studienzeit in der Schauspiel- und Schreibwerkstatt angefangen hat, für das Magazin zu schreiben. Die Beziehung zu Professor Burnett hielt in der einen oder anderen Form über die Jahre an und durchlief Phasen der Akzeptanz und Abneigung. Wie dem auch sei, es war Burnett, der Salingers Talent wirklich entdeckte und seine ersten Werke veröffentlichte. Daraus folgt nicht, dass er alles gedruckt hat, was ihm ein junger und arroganter Schriftsteller von Natur aus geschickt hat. Oft kamen die Geschichten zurück oder wurden einfach gar nicht gedruckt. Aber schon damals, als Salinger weltberühmt wurde, schlug Burnett mehr als einmal vor, etwas zur Veröffentlichung zu schicken. Aber je weiter, desto deutlicher reagierte der Schriftsteller auf solche Appelle mit einer Absage.

Das Leitmotiv der gesamten Biographie, geschrieben von einem wahren Kenner und Kenner seiner Arbeit als Schriftsteller, ist das Thema von Salingers erstaunlicher Beziehung zu seiner Mutter. Sie liebte ihren Sohn, das zweite Kind in der Familie nach ihrer Tochter Doris, bedingungslos, glaubte an seinen Erfolg, an sein Talent, unterstützte ihr Haustier immer bei seiner Suche nach sich selbst, verteidigte die Position ihres Sohnes vor ihrem Mann, der nicht akzeptierte den Unterricht ihres Sohnes, verstand sie aus verschiedenen Gründen nicht.

Das Privatleben des Schriftstellers entwickelte sich ebenfalls nicht. Je weiter, desto mehr.

Nach Una O'Neill, der Tochter eines berühmten Dramatikers, ging er nach Hollywood und träumte davon, seine finanzielle Situation zu verbessern, um die Bedürfnisse eines Mädchens zu befriedigen, das an einen anderen Lebensstandard gewöhnt war, als Salinger es kannte. Obwohl das Geschäft seines Vaters immer besser lief, lebte die Familie in einem teuren Apartment in einem Eliteviertel von New York, was dem Schriftsteller immer noch kein völliges Freiheitsgefühl vermittelte, da es ihm wichtiger war, sich zu verlassen auf sich selbst, indem er seinen Verwandten und sich selbst beweist, dass seine literarischen Bestrebungen keine Laune, sondern ein Geständnis sind. (Dann begann er sie bereits als Dienst am Allmächtigen wahrzunehmen, als Verschmelzung mit dem Höchsten bis hin zur Prophezeiung und Selbstverleugnung.)

In zweierlei Hinsicht war seine Zusammenarbeit mit Hollywood ein verheerender Fehlschlag. Laut einer seiner Geschichten, die sie mit zuckersüßen Dialogen ergänzten und die Intrige vereinfachten, drehten sie einen Film, der Salinger Kummer bereitete. Nachdem sein Roman "Der Fänger im Roggen" sowohl in den USA als auch in Europa volle und breite Anerkennung gefunden hatte, boten die Produzenten an, einen Film auf der Grundlage des Buches zu machen, was erneut abgelehnt wurde. Den Vorschlag des großen Laurence Olivier, ein Hörspiel auf der Grundlage seiner Prosa zu machen, nahm der Schriftsteller nicht an, weil er keinen Ruhm mehr wollte, also das, was sich um Bücher drehte. Ihn interessierten nur die Texte selbst. Und er hat Redakteure und Verlage buchstäblich belästigt, indem er den Druck seines Fotos auf Buchumschläge strikt verboten hat, bis zum Bruch der Beziehungen und des Rechtsstreits hat er dafür gesorgt, dass die Ausgaben seiner Werke in Komposition, in Präsentation - bis hin zur Farbe und Schriftart auf dem Cover - entsprach dem, was er richtig zu sein scheint. Aber das war später, als er Hollywood besuchte, erlebte Salinger auch ein persönliches Drama, das seine Seele für lange Zeit, vielleicht für immer, geprägt hat.

Diejenige, die er aufrichtig und stark liebte, Una O'Neill, wurde unerwartet für ihn, wie für viele, von Charlie Chaplin mitgerissen, heiratete ihn, gebar Kinder in der Ehe mit ihm, nachdem sie jahrzehntelang in Liebe und Harmonie gelebt hatte.

Nach der Trennung von Una hatte Salinger lockere Treffen mit Mädchen, drei Nachkriegsehen – eine kurze erste, eine lange zweite mit der Geburt eines Sohnes und einer Tochter und das letzte Drittel, unerwartet für Außenstehende, aber so verständlich für diejenigen, die es waren akzeptierte den Schriftsteller so, wie er war - ein introvertierter, einsamer, in gewisser Weise exzentrischer und nicht von dieser Welt stammender Mensch, ein klassischer, verletzlicher, etwas naiver und direkter Mensch.

Er war dazu bestimmt, nach Monaten erbitterter Kämpfe in Frankreich und Deutschland bei der Eröffnung der Zweiten Front am Ende des Zweiten Weltkriegs zu überleben. Natürlich hat auch die Teilnahme an Kampfhandlungen Spuren in seinem Gedächtnis hinterlassen, was sich nicht nur darin ausdrückte, dass später seine Erzählungen aus dem Kriegsalltag unpatriotisch, ohne propagandistische Hetze, hart und wahrhaftig erschienen, wie die Erinnerung von denen, mit denen er diente und die vor seinen Augen starben, die unter unglaublichen Bedingungen mit den Nazis kämpften, sowohl wetterbedingt als auch rein taktisch.

Nach dem Krieg kehrte er nicht mehr zur literarischen Arbeit zurück, denn selbst in einem Zelt zwischen den Feindseligkeiten tippte er Geschichten auf seiner Lieblingsschreibmaschine, um sie später nach Amerika zu schicken. Salinger setzte fort, was er vor dem Krieg getan hatte. Aber es war kein Junge mehr, der um seiner selbst willen von Ruhm und Reichtum träumte. Er behandelte das Schreiben zunehmend als Dienstleistung, wie der Roman Der Fänger im Roggen belegt.

Kenneth Slavensky beschreibt, wie nach dem Tod des Autors Videos von Lesern des Romans im Internet auftauchten, deren Charaktere davon sprachen, wie viel Holden Caulfield ihnen bedeutete. Und dies enthüllte die reine Wahrheit der Interaktion von Literatur mit Lesern, ihrer Reaktion auf das, was sie lesen.

Dann konzipierte Salinger eine Saga über die Familie Glass. Und auf seine Weise beendete er es mit "Hapworth's Sixteenth Day 1924", wonach er bis zu den letzten Tagen seines irdischen Daseins verstummte.

Er kümmerte sich um alles, was mit seinen Werken zu tun hatte. Als dann Bücher und Artikel auftauchten, in denen seine Briefe zitiert wurden, forderte der Schriftsteller die Vertrauten auf, diese zu vernichten, was auch geschah. Er hütete sorgfältig das Privatleben der Familie, mied jede Öffentlichkeit und hielt dies für eine unnötige Verschwendung von Zeit und Mühe. Er näherte sich der Einsamkeit, unabhängiger Entfernung von allem außer dem Bunker, einem Anbau im Haus, wo er sich ausschließlich mit literarischen Angelegenheiten beschäftigte.

Je deutlicher Salinger die Kommunikation mit der Außenwelt vermied, desto beharrlicher, trotziger, zynischer und frech Journalisten versuchten, für Veröffentlichungen in Zeitungen und Zeitschriften wenigstens etwas über ihn herauszufinden, was dem Schriftsteller irreparable psychische Schäden zufügte.

Es gab sogar ein Buch, das seinen großen Roman sozusagen fortsetzte. Er musste vor Gericht beweisen, dass das Bild des Protagonisten von „Der Fänger im Roggen“ urheberrechtlich geschützt ist und daher nicht ohne Zustimmung des Autors von jemand anderem verwendet werden darf. Es ist klar, dass niemand eine solche Erlaubnis erhalten hat, außer dem New Yorker Magazin, mit dem Salinger eine Vereinbarung zur ersten Präsentation seiner Schriften hatte, und mehreren Verlagen in den USA und Großbritannien. Und trotzdem geriet er mit den Zeitschriften und Verlagen oft in Konflikt, wenn es ihm schien, dass seine Prosa nicht so veröffentlicht wurde, wie es ihm am akzeptabelsten schien (man muss sagen, dass mit dem Wachstum Wegen Salingers Popularität erschienen Veröffentlichungen seiner Erzählungen und Romane oft nicht in der von ihm gewünschten Form , sondern gerade die Ehrfurcht vor dem geschriebenen Wort, wie es in Büchern und Zeitschriftenpublikationen wiedergegeben werden soll).

Zusammenfassend können wir unmissverständlich sagen, dass sich Salinger literarisch zweifellos als glücklicher Mensch herausstellte, da er dazu bestimmt war, wohlverdienten Ruhm zu erfahren, seine Texte gedruckt und von den Lesern nachgefragt zu sehen.

Andererseits kann man nicht sagen, dass Salinger außerhalb seiner literarischen Aktivitäten und Schriften Glück hatte.

Am Ende wurde die Einsamkeit, zu der er sich aus freiem Willen verdammte, sowohl als Fremdheit als auch als Verhaltensanomalie wahrgenommen, was sie wahrscheinlich auch war.

Aber dem Tonfall von Kenneth Slavinskis biografischer Erzählung folgend, sollte man den anderen nicht nach den Gesetzen der Mehrheit beurteilen. Salinger lebte fast ein Jahrhundert lang, fast das zwanzigste Jahrhundert und den Beginn des einundzwanzigsten Jahrhunderts, im Einklang mit der inneren Einstellung, mit Hingabe an seine Berufung, mit einem Sinn für die ihm von oben anvertraute Sendung, die Verzicht erfordert das Eitle und Äußere, sei es Wohlbefinden und Finanzierbarkeit. Er gewann immer mehr Vertrauen in die Richtigkeit seiner gewählten Einstellung zur Literatur in ihrer persönlichen Verkörperung und entwickelte konsequent die Position der nichtkommerziellen Existenz von Büchern in der Gesellschaft (obwohl er sich nicht weigerte, die von ihm geschriebenen Werke erneut zu veröffentlichen, aber durchaus in um die Möglichkeit zu haben, sich nur dem Schreiben zu widmen und die Familie zu unterstützen, um menschenwürdige Lebensbedingungen für ihre Mitglieder zu schaffen.)

Es ist klar, dass der Kontakt mit der Biographie einer Person eines solchen Lagers wie Jerome David Salinger aufgrund der Unähnlichkeit seines Schicksals mit dem, was wir über amerikanische Schriftsteller mindestens des letzten Jahrhunderts wissen, außergewöhnlich erscheinen mag (gleichzeitig einige Punkte Kontakt mit dem Leben anderer Schriftsteller gibt es in der Biographie von Salinger, die zum Beispiel seine zweideutige freundschaftliche Bindung zu Hemingway wert sind). Salinger blieb jedoch unter allen Umständen, überall und immer nur er selbst, ein einsamer und selbstgenügsamer Berufener, der schrieb, was er für richtig hielt, und sonst nichts, ging um der Veröffentlichung seiner Werke willen, wenn überhaupt, nur schwer Kompromisse ein , lebte im Rahmen dessen, was er sich selbst errichtete, dem er Zeit, Kraft, Willen unterordnete, dem er Jahrzehnte einer würdigen literarischen Präsenz in der Kultur der USA und Europas widmete, zumindest was seine Freude war, Kreuz , Prüfung, Glaube und Verdienst.

Über all dies sprach der amerikanische Erforscher seiner Arbeit, Kenneth Slavinsky, bemerkenswerterweise ohne Ausschmückung und Übertreibung in einem in jeder Hinsicht großartigen Buch: „J. D. Salinger. Ein Mann, der durch den Roggen geht." Zweifellos kann es in Bezug auf seine Verdienste als Beispiel für eine literarische Biographie speziell von Salinger angesehen werden, ebenso wie Werke eines solchen Genres, das jetzt schon immer in anderen historischen Realitäten nachgefragt wurde, die Möglichkeiten von Material beschaffen und damit arbeiten.

Der erste Kanal, Rossiya, NTV, der bestimmte Grenzen des Akzeptablen einhält, die am häufigsten von den Moderatoren erklärt werden, arbeitet am Rande der Norm oder bereits darüber hinaus.

Das ist keine rhetorische Frage und kein Slogan, sondern ein Programm unseres Fernsehens, wenn wir sozusagen von Prime-Time-Sendungen im Talkshow-Genre sprechen, wie sie es verstehen. Keine politische Korrektheit, keine Korrektheit – sie verwandeln dreckige Unterwäsche fast wörtlich und spülen sie vor zig Millionen Zuschauern aus.

Dmitry Bykov, ein großer Liebhaber roter Worte, der sich selbst sehr liebt und sich wie eine Art Guru der Literatur und des Lebens fühlt, sprach vor einigen Monaten im russischen Fernsehen über Lügen. Um nicht wegen Beleidigung einer angesehenen Familie strafrechtlich verfolgt zu werden, nannte er nicht den Fernsehsender, den er im Sinn hatte und auf den er ganz transparent hinwies, dass dessen Mitarbeiter braune Anzüge tragen sollten. Nun, in dem Sinne, dass das, was sie senden, durch ihre Kleiderordnung ergänzt wird.

Mit Beginn der neuen Fernsehsaison des heimischen Fernsehens ist es jedoch nicht mehr so offensichtlich, dass ein solches Merkmal zu einem der föderalen Fernsehsender gehört, an den der Dichter und Publizist höchstwahrscheinlich gedacht hatte. Da bisher nur TVC im Rahmen des Anstands gehalten wird, arbeiten Channel One, Rossiya, NTV unter Einhaltung bestimmter Grenzen des Zulässigen, die meistens von den Gastgebern deklariert werden, am Rande der Norm oder bereits darüber hinaus.

Ein wenig Hintergrund. In der Originalversion hieß das Programm, das Andrey Malakhov populär machte, "The Big Wash". Und ihre visuelle Visitenkarte war ein Video mit einer Waschmaschine. Dann hieß es "Fünf Abende", na ja, und danach - "Lass sie reden." Aber selbst im endgültig gewählten Format behielt das Programm bis vor kurzem eine Vorstellung von einer Art ethischer Normen bei. Der Durchbruch war zuerst das Gerede über den Verrat berühmter und gewöhnlicher Ehemänner und dann die ständigen, fast laufenden DNA-Tests. Sie wurden als letzte Wahrheit akzeptiert, obwohl sie es nur durch eine Gerichtsentscheidung sein können. Und nicht anders. (Beachten Sie, dass die Programme des Zyklus „Vaterschaftstest“ zu den Programmen „Lasst uns scheiden“ auf dem Kanal „Domashny“ hinzugefügt wurden, wo zumindest im Fernsehformat die Idee der Legitimität der Anerkennung der Vaterschaft nur vorhanden war per Gerichtsbeschluss hinzugefügt.)

Die Neuerung kam den TV-Leuten auf den Hof. Und DNA-Tests wurden an derselben Stelle auf Kanal Eins in getrennten Programmen der männlichen / weiblichen Linie zu Argumenten.

Allerdings stellte sich bald heraus, dass die Tests nicht ausreichten. Wie in Vysotskys Lied über die Bürgerin Paramonova: "Und alle schreien aus dem Publikum - geben Sie mir die Details!"

Und dann, in einer schmutzigen Welle, einem mächtigen Strom, verschwanden diese Details vom Bildschirm.

So bestätigten erst vor wenigen Tagen in "Lasst sie reden" buchstäblich die Gutachten, dass der Künstler des Theaters der Satire einen unehelichen Sohn hatte, der jetzt ebenfalls Künstler ist. Natürlich musste Karina Mishulina einen Mann, der die Vaterschaft eines berühmten Künstlers behauptet, nicht verklagen, verklagen und all dies der Öffentlichkeit zugänglich machen. Und da es sich bei dem Interview, auf das sie sich bezog, nicht um ein Dokument juristischer Natur, sondern um den Bericht eines Journalisten über ein Interview mit einem jungen Mann handelte, gibt es immer noch einen bewussten Unterschied zwischen dem, was tatsächlich gesagt wurde, und dem, was auf den Seiten veröffentlicht wurde des Magazins. Es wäre besser, es zu klären, ohne Ansprüche untereinander zu erheben. Und hier, im Kampf um die Ehre ihres Vaters, erfuhr seine legitime Tochter so viel Unangenehmes über ihn, dass sie sogar Mitleid mit ihr hatte, wie ihre Mutter, die Frau von Spartak Mishulin. Dasselbe erfuhren aber auch die Zuschauer, für die das Familiendrama zu einem schalen Leckerbissen wurde, ein Erwartungsereignis, das so weit wie möglich in die Länge gezogen und in einen Krimi verwandelt wurde. Auch - mit der Geschichte der Scheidung und des Testaments von Armen Dzhigarkhanyan und seiner bisher letzten Frau. Sie haben alles, was sie konnten, aus diesem privaten Grundstück herausgepresst, wie eine Zitrone, aber sie pressen es immer mehr heraus.

Sogar ihre eigenen Klapper und Nachrichtenmacher sind hier aufgetreten, die der Öffentlichkeit sagen, dass sie auf Nachrichten warten. Das ist zum Beispiel Mark Rudinshtein, heute Produzent des Kinotavr-Filmfestivals und einst Geschäftsmann mit einer unangenehmen Erfahrung mit einem Treffen mit einem sowjetischen Gericht und einer Gefängnisstrafe. Eine weitere schillernde Figur hier ist – laut Referenz – der Kunstkritiker, Akademiker und Künstler Sergei Zagraevsky (er war Volfovich, wie Zhirinovsky, und änderte wahrscheinlich deshalb seinen zweiten Vornamen in Wolfgangovich.) Sie gehen von Transfer zu Transfer, von einem Studio zu einem anderen und hatte Zeit, an der aktuellen Sendung auf Channel One und manchmal auch auf Rossiya teilzunehmen. (In jedem Fall kann dies mit Zuversicht über Rudinshtein gesagt werden, und Zagraevsky ist Channel One anscheinend treu.)

Sie haben immer etwas zu sagen, und die Tatsache, dass ein Wissenschaftler und ein Produzent auf der Leinwand nicht präsentierbar aussehen, obszöne Dinge der gleichen Art diskutieren - wer mit wem geschlafen und wen geboren hat -, kümmert sie wenig. Hauptsache Tatendrang, Mitmachen, nicht Sieg, immer zu hören. Etc.

Jetzt, in Talkshows, scheuen wir uns vor nichts. Es sei denn, bis sie schwören. Und wenn dies passiert, dann wird nach dem von der Staatsduma der Russischen Föderation verabschiedeten Gesetz obszöne Sprache gepiepst, allerdings so, dass das Publikum etwas hört und perfekt versteht, was gesagt wird.

Dmitry Borisov, der im Frühjahr das verantwortungsbewusste Programm „Vremya“ auf Channel One moderierte, bespricht jetzt alles, was mit einem bestimmten Thema zu tun hat, und behält dabei das Aussehen eines Metrosexuellen, eines intelligenten jungen Mannes, ohne Leidenschaft, aber ohne Malakhovs Pathos des Tadelns so detailliert, dass es offensichtlich ist, dass viel aus dem Finger gesaugt wird, damit es dann eine neue und neue Fortsetzung des gleichen Themas gibt.

Und niemand ist mehr schüchtern. Wie der Musiker und Produzent Stas Namin einmal sagte, als er nach der Premiere der Rockoper Hair nach den nackten Künstlern auf der Bühne in deren Finale gefragt wurde – Warum sich schämen? Das heißt, wer hat nicht schon nackte Frauen gesehen und was ist daran beschämend, wenn es im Original so war, als dieses Werk im Westen aufgeführt wurde.

Und in der Tat, warum sich schämen, wenn alles in Sicht ist und niemand Angst hat, die Dinge beim Namen zu nennen, wie im Leben. Eher, um Menschen, insbesondere Frauen, zu charakterisieren.

Hier könnte zum Beispiel eine Sendung mit dem Namen „Baby Rebellion“ einen Platz auf irgendeinem amerikanischen Fernsehsender finden, und Channel One brachte Ausgaben mit diesem Namen heraus. Und niemand kümmert sich um Belästigung oder ähnliches. Eine andere Sache ist, dass sich ein weiterer Versuch, eine weibliche Sicht auf die aktuellen Momente des russischen Lebens zu präsentieren, als langweilig herausstellte und wahrscheinlich nicht lange im Fernsehsender bleiben wird. Aber der Präzedenzfall ist wichtig. Hier – als Definition – eine Frau – erschien er. Und es wird zweifellos eine Fortsetzung geben.

Also, nicht dass es nichts zu schämen gäbe, aber es scheint niemanden mehr peinlich zu sein, denn man muss näher am Leben sein, näher am Betrachter, der sich für eine solche Bloßstellung zu interessieren scheint und eine Reaktion hervorruft.

Verzichten wir auf Rhetorik – der Zuschauer ist schuld. Ich bin für den Zuschauer - was sie auf Sendung geben, dann schaut er zu. Braune Anzüge sind also symbolisch - ein Wanderpreis oder eine akzeptable Kleiderordnung. Noch nicht ganz, noch nicht ganz. Wer hätte sich damals fast zu Sowjetzeiten vorstellen können, dass aus „Big Laundry“ „Dirty Laundry“ (sorry, in „Lasst sie reden“ und andere Hits im gleichen Geist, ganz spezifisch und fern von Kultur und Selbst- Respekt.). Aber hier ist die Metamorphose. Und es wurde zu einer Selbstverständlichkeit, egal welchen Kanal Sie sehen. Also gibt es nur das Internet, bis die Innovation von Sergey Brin und Mark Zuckerberg in der Spiegelantwort abgestellt wurde. Im schlimmsten Fall gibt es Bücher, Papier oder Audio. Und Theater, wo Nackt noch streng und klassisch puritanisch ist. Auch hier ändert sich modisch alles schnell, aber das Theater hält noch durch. Aber was bedeuten Hunderte von Zuschauern, wenn die Fernsehleute eine Millionenrechnung haben? Ein Tropfen auf den heißen Stein, ein statistischer Fehler, dem man im Prinzip keine Beachtung schenken sollte. Es scheint, dass dies die Wahl der russischen Fernsehleute ist - schärfer, heißer, skandalöser. Nun, und weiter in der gleichen Hinsicht, so lange wie möglich, und dafür werden sie nicht nach Gesetz und Gewissen bestraft.

Nur gut ausgebildeter Schoßhund

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