Im Zentrum des alten Moskau, im Stadtgut des XVII-XDC Jahrhunderts. Es gibt ein Museum von A.S. Puschkin. Und obwohl es keine Informationen darüber gab, dass der Dichter hier gewesen war, kannte er diese Ecke der Hauptstadt gut. Hier lebten seine Freunde und Bekannten, die er besuchte und in seinen Gedichten an andere richtete. Auch die Gebäude aus dieser Zeit sind erhalten geblieben... Das Museum hat eine mehr als 40-jährige Geschichte, die Gegenstand einer eigenen Veröffentlichung sein könnte. Aber wir haben uns entschieden, den Leser mit seiner Gegenwart bekannt zu machen, zumal das Museum nach dem Umbau und der Restaurierung des Gebäudes sozusagen eine zweite Geburt erlebt.

Die Türen des Herrenhauses in der Prechistenka-Straße 12 wurden wieder geöffnet.Am Vorabend des 200. Jahrestages des großen Dichters haben wir eine neue Ausstellung „Puschkin und seine Ära“ geschaffen.

Am Vorabend der Überholung, Restaurierung und Rekonstruktion des Gebäudekomplexes des Gutshofes war es notwendig, das Wesen und den Zweck der Museumseinrichtung, ihre Aufgaben, Entwicklungsperspektiven neu zu verstehen. Letztendlich war die nächste "Entwicklung" des Raums dieses Hauses darauf ausgerichtet, die reichsten Möglichkeiten des Museums zu maximieren - des Eigentümers nationaler Kulturgüter, einer Art Forschungs- und Kultur- und Bildungseinrichtung. Es sei darauf hingewiesen, dass die Multifunktionalität unseres Museums dank der gesammelten einzigartigen Sammlungen, der etablierten und sich ständig weiterentwickelnden verschiedenen Formen seiner Tätigkeit seinen eigenen individuellen Ausdruck erhält. Das Thema "A. S. Puschkin" wurde ursprünglich in breiten historischen, literarischen und kulturellen Verbindungen zur Zeit vor Puschkin und Puschkin mit der Gegenwart gesehen. Und so wie das Werk des Dichters von Bewegung, offenen Strukturen, dialogischen Verbindungen, „weltweiter Responsivität“ geprägt ist, ist das Museum von A.S. Puschkin zeichnet sich durch eine Suche aus, den Wunsch, den Umfang seiner Aktivitäten zu erweitern und in einen Dialog mit der Welt zu treten.

Die erste Ausstellung – „Das Leben und Werk von A. S. Puschkin“ – wurde 1961 eröffnet. Dann wurden die Ausstellungen „Der Weltruhm von A. S. Puschkin“, „A. S. Puschkin und unsere Zeit“ geschaffen. Sie spielten eine bedeutende Rolle für das wissenschaftliche Verständnis des Museums für die Biographie und das kreative Erbe des Schriftstellers, für das Verständnis seiner Verbindung zur Moderne. Die Ausstellungsmaterialien wurden in großem Umfang in der wissenschaftlichen und pädagogischen Arbeit, bei der Popularisierung von Puschkins Werken verwendet, waren viele Jahre lang die Basis für Praktika für Museumsmitarbeiter im Land und wurden Teil des "Puschkin-Hauses" - des wissenschaftlichen und kulturellen Zentrums von Moskau. Und doch muss man bei Anerkennung ihrer unbestrittenen Verdienste zugeben, dass sie inzwischen ersetzt werden mussten. Dies ist aus vielen Gründen notwendig. Das Museumsgebäude und seine Säle bedurften größerer Reparaturen und Restaurierungen. In der vergangenen Zeit wurden die Fonds erheblich erweitert und belaufen sich jetzt auf etwa 200.000 Speichereinheiten. Dadurch konnten die meisten Kopien der Materialien aufgegeben werden. Es gab die Gelegenheit, dem Besucher bisher unbekannte wunderbare Werke der bildenden und dekorativen Kunst, seltene Bücher, Manuskripte, Dokumente des 18. - ersten Drittels des 19. Jahrhunderts, Gemälde und Aquarelle von V. Tropinin, P. Sokolov, V Gau, A. Molinari, S. Tonchi, andere Meister Natürlich wurden die Ergebnisse der Arbeit der letzten Jahrzehnte zum Studium von Puschkin, zahlreiche Veröffentlichungen, die unser Verständnis des Dichters und seiner Zeit erheblich ergänzten und vertieften, übernommen berücksichtigen. Gesucht wurde nach neuen Formen der Museumsgestaltung. Und noch ein Grund, der die Aufgabe gestellt hat, eine neue Ausstellung für das Museumspersonal zu erstellen:

In den letzten Jahren hat sich das Verständnis des Museums verändert, das nun nicht mehr als Kultur- und Bildungsinstitution verstanden wird, sondern als eine Institution, die einen besonderen Platz im System der modernen Kultur einnimmt: als Aufbewahrungsort nationaler kultureller Werte, Durch die Wahrnehmung von Forschungs- und Bildungsfunktionen festigt sie heute mit Hilfe der wissenschaftlichen Erkenntnisse der Ausstellungskunst, die einen unabhängigen Wert haben, das kulturelle Gedächtnis der Gesellschaft, führt die Kontinuität kultureller Traditionen durch.

Die Hauptausstellung „Puschkin und seine Ära“ befindet sich in 15 Sälen. Es soll, um den Reichtum unserer Sammlung zu demonstrieren, ein bildliches Verständnis jener kulturellen Werte vermitteln, die er aus Puschkins Zeit im 20. Jahrhundert geerbt hat. und die das 21. Jahrhundert erben werden, enthüllen die Welt des Dichters, die Welt seines Schaffens.

Auf dem Treppenabsatz der Haupttreppe wird der Besucher von einer antiken Skulptur begrüßt - der Muse der Lyrik Euterpe. "In meiner Kindheit liebte sie mich", schrieb Puschkin über den Beginn seiner Reise in die Poesie. „Auf Gottes Befehl, oh Muse, sei gehorsam“ – mit diesen Worten beendete er seine Reise. In den Hallen des Museums gibt es andere Musen, die vom Dichter gesungen werden: Clio, Terpsichore, Polyhymnia... So wird eines der Hauptthemen der Ausstellung erklärt - der Dialog der russischen und der Weltkulturen, der in Puschkins Werken verkörpert ist.

Einer der vielversprechendsten Bereiche der modernen Wissenschaft über Puschkin ist das Studium seines Werks im Kontext der Geschichte, Literatur, Kultur und des Lebens seiner Zeit. Und wir haben biografische und kreative Themen in einem breiten historischen Kontext. Der erste Saal - "Prolog" - ist dem 18. Jahrhundert gewidmet, an dessen Ende der Dichter geboren wurde, der zweite - der Puschkin-Ära in ihren historischen und gewöhnlichen, großen und kleinen, tragischen und lustigen. Kampfszenen und Modebilder, Regierungsmanifeste und Briefe von Privatpersonen, das "Gesetzbuch des Russischen Reiches" und Kinderbücher. Hier wurden zum ersten Mal Chroniken für jedes Lebensjahr Puschkins in die Ausstellung aufgenommen: Honore de Balzac und Adam Mickiewicz, Karl Bryullov und Avdotya Istomina wurden in seinem Geburtsjahr geboren. 1799 war es verboten, Walzer zu tanzen und Schnurrhaare zu tragen. 1799 A.V. Suworow errang Siege in den italienischen und schweizerischen Feldzügen. In den Chroniken machen sich „seltsame Annäherungen“ bemerkbar, die den Dichter immer interessierten: Nicht zufällig machte er darauf aufmerksam, dass er am 14. Dezember 1825 in Michailowski das spielerische Gedicht „Graf Nulin“ schrieb, ohne zu wissen, was geschah in St. Dekabristenaufstand. So beginnt das Museum eine Reise in die Puschkin-Ära, eine Geschichte über das Leben und Wirken von Puschkin.

Die Innenräume der Räume im Zwischengeschoss stellen Bilder eines Büros, eines Kinderzimmers, eines Wohnzimmers dar - sie könnten sich im bis heute nicht erhaltenen Moskauer Puschkin-Haus befinden, in dem der große Dichter seine Kindheit verbrachte (neuere Studien, in insbesondere die Arbeit von V. D. Berestov, erlauben uns, den Mythos seiner trostlosen Kindheit eines von seinen Eltern ungeliebten Kindes aufzugeben). Im Museum wurde versucht, die Atmosphäre des gastfreundlichen Puschkins-Hauses nachzubilden, über familiäre Beziehungen, über die literarischen Interessen von Sergej Lwowitsch und Wassili Lwowitsch Puschkin, über ihre freundschaftlichen und literarischen Beziehungen zu N.M. Karamzin, V.A. Schukowsky, K.N. Batyushkov, I.I. Dmitriev, über die Welt der einfachen Leute, die der Junge kennengelernt hat, als er den Geschichten seiner Großmutter und seines Kindermädchens zuhörte und mit dem leibeigenen Onkel Nikita Kozlov durch Moskau spazierte.

Auf einem Tisch aus karelischer Birke neben den Werken von Homer und Plutarch ein Kerzenhalter mit einer geschwollenen Kerze - eine Miniatur eines unbekannten Künstlers (nach der Hypothese eines Forschers des Museums, Kandidat der Kunstkritik E. V. Pavlova - möglicherweise Xavier de Maistre): ein blauäugiger Junge von zwei oder drei Jahren. Dieses Porträt hat, wie viele Museumsstücke, sein eigenes interessantes Schicksal. Präsentiert wurde es vom Volkskünstler B.C. Yakut, der die Rolle von Puschkin auf der Bühne des Moskauer Theaters spielte. M.N. Yermolova, zugeschrieben dem stellvertretenden Direktor des Museums für wissenschaftliche Arbeit N.V. Baranskaja. Es gibt noch andere Porträts von Puschkin im Museum, die zu seinen Lebzeiten entstanden sind - das ist ein besonderer Stolz unserer Sammlung. Bücher, Kinderzeitschriften, Hefte, geteilte Alphabete, Spielzeuge – sie sind fast zwei Jahrhunderte alt – lassen Sie in die Welt der Kindheit des Dichters blicken.

Die Ausstellung „Puschkin und seine Ära“ basiert auf einer Kombination aus chronologischen und thematischen Prinzipien. Separate Säle sind dem Roman "Eugen Onegin", dem Gedicht "Der eherne Reiter", der Geschichte "Die Pique Dame", dem Roman "Die Tochter des Kapitäns" gewidmet.

"Eugen Onegin", Puschkins Lieblingskreation, die dazu bestimmt war, eines der Hauptwerke der russischen Kultur zu werden, erhielt ein großes Wohnzimmer - die zentrale Halle der vorderen Suite. Die Autoren der Ausstellung versuchten, "durch den magischen Kristall" seiner Poesie die Realitäten dieser Zeit zu sehen. Im Saal wird eine Art musealer Kommentar zum Roman in Versen gegeben. Und der Punkt ist nicht nur, dass hier die Ansichten von St. Petersburg, Moskau, den Provinzen präsentiert werden; Porträts unbekannter Jugendlicher und Damen; verschiedene Gegenstände des vergangenen Lebens - und die im Roman erwähnte doppelte Lorgnette und das Siegel für Briefe und "Bernstein auf der Pfeife von Tsaregrad" und "das Album der jungen Dame des Landkreises". Wichtiger ist etwas anderes - in der Ausstellung wird "Eugen Onegin" nicht nur als Enzyklopädie des russischen Lebens verstanden, sondern auch als universeller Kulturroman, der dem Niveau moderner Werkstudien entspricht. So wird der in Puschkins Text anklingende Dialog zwischen den Kulturen Russlands und der Welt durch Porträts und Bücher jener Dichter vermittelt, deren Namen im Roman erwähnt werden, deren Gedichte mit Zitaten oder Erinnerungen in den Text aufgenommen werden - das sind Homer, Ovid, Tasso , Petrarca, Byron, Guys, Delvig, Sprachen , Baratynsky, Mitskevich.

Ausstellungskomplexe: Frisierkommode eines Dandys, darauf "Porzellan und Bronze"; ein modisches Bild und ein Buch mit Ovids Gedicht „Die Wissenschaft der Liebe“ (denn Onegin gelang die „Wissenschaft der zärtlichen Leidenschaft“); das Büro des Dichters Lensky, wo Bücher von Schiller und Goethe aufbewahrt werden; ein Kamin, auf dem eine von Puschkin beschriebene Sammlung von Onegins Büchern und "Lord Byrons Porträt" und "eine Säule mit einer gusseisernen Puppe" (ein kleines skulpturales Bild von Napoleon) die Welt von Puschkins Helden, das Spirituelle, enthüllen Suche der Zeitgenossen des Dichters, während sie mit dem Text des Romans korrespondieren. Bezeichnenderweise versucht die Exposition, die Poetik des „freien Romans“ zu interpretieren, in dem lyrische Exkurse das kompositorische Prinzip sind. In vertikalen Vitrinen - die wichtigste Erstausgabe von "Eugene Onegin"; im Mittelpunkt jeder Vitrine steht eine Reproduktion von Puschkins Autograph mit dem einen oder anderen Exkurs. Hier erklingt die Stimme des Autors, der über das Leben und seine Werte, über Poesie, über die Unsterblichkeit des Dichters nachdenkt. Das so präsentierte Wort ist mit einem Ding, einem Objekt verbunden, das wiederum von der in Puschkins Wort verkörperten Realität erzählt.

Auch die Gestaltung des der „Tochter des Kapitäns“ gewidmeten Saals basiert auf einer modernen Interpretation von Puschkins Prosa. Das Pathos dieses letzten vollendeten Romans von Puschkin zeigt sich nicht in der Billigung des Volksaufstands und seines Anführers Pugachev, sondern in der Freundlichkeit und Vornehmheit, die Masha Mironova und Grinev im schrecklichen Sturm der blutigen Rebellion gerettet haben und, so der Autor, kann Russland vor einem Bruderkrieg retten.

Die vordere Suite endet mit einem feierlichen Saal, der den letzten Lebensjahren Puschkins gewidmet ist. Die hier gesammelten Porträts, Bücher, Manuskripte und Dokumente erzählen von seinem mutigen Widerstand gegen die Umstände, vom Triumph seines mächtigen Geistes, von der Ewigkeit der von ihm geschaffenen Kunst.

Die Ausstellung „Puschkin und seine Ära“ ist im Wesentlichen eine neue Sammelmonographie zum genannten Thema. Es bringt viele unbekannte Materialien in Umlauf, die vom Museumspersonal untersucht wurden - Porträts, Bücher, Dokumente, Manuskripte. Darunter lebenslange Porträts von Puschkin und seinen Zeitgenossen, ein Autogramm des großen Dichters, Autogramme anderer Schriftsteller, seltene Bücher und Dokumente. Darüber hinaus ermöglicht das Studium der vom Museum gesammelten Sammlung nicht nur, das Leben und Werk des Dichters im breiten Kontext seiner Epoche zu verstehen, sondern auch die Puschkin-Tradition in der Kulturgeschichte des 19.-20. Jahrhunderts zu verfolgen. Die Ausstellung wird durch Säle fortgesetzt, die über Puschkin in der Bewegung der Epochen erzählen, Räume, in denen einzelne Sammlungen präsentiert werden - die einzigartige Bibliothek russischer Poesie von I.N. Rosanowa; Sammlung zur Geschichte russischer Adelsfamilien Yu.B. Schmarowa; Sammlung von Porträts in Stichen und Lithographien von Ya.G. Zach; die seltensten Materialien von P.V. Gubara - Bücher des 18.-19. Jahrhunderts, die Ikonographie von St. Petersburg aus der Zeit vor Puschkin und Puschkin.

Das Museum hat große Pläne, in denen die Ausstellungsarbeit als einer der vorrangigen Tätigkeitsbereiche angegeben wird. "Es gibt Wunder ..." - so heißt die Ausstellung, die den Märchen von Puschkin gewidmet ist und sich an Kinder richtet. Die Geschichte des Moskauer Puschkin-Museums, sein Beitrag zur nationalen Kultur, wird ebenfalls eine Ausstellungslösung erhalten. Es gibt auch eine teilweise Neuausstellung in Puschkins Gedenkwohnung am Arbat ... Es gibt Pläne, ein Gedenkhaus auf Basmannaya für Wassili Lwowitsch Puschkin zu errichten - den Onkel des großen Dichters, ein bekannter Dichter zu Beginn des Jahres des letzten Jahrhunderts, Anführer des Arzamas-Literaturzirkels, Theaterbesucher und Bibliophiler, ein Moskauer, der zu einer Art Wahrzeichen der Hauptstadt geworden ist ...

30. November 1998 im Staatlichen Museum der Bildenden Künste. ALS. Das Puschkin-Museum (Das Puschkin-Museum) eröffnete die Ausstellung "Eugen Onegin", "... Die Distanz des freien Romans" (erstellt von unserem Museum zusammen mit dem Puschkin-Museum unter Beteiligung von 14 anderen Museen in Moskau, St. Petersburg, Kl.). Andere Projekte sind konzipiert: "Puschkin in den Moskauer Archiven", "Puschkin und die Weltkultur" ... An der Schwelle des 21. Jahrhunderts. Das Museum setzt seine kreative Suche fort.

Doktor der Philologie, ordentliches Mitglied der Russischen Akademie für Bildung N.I. MIKHAILOVA, stellvertretende Direktorin für Forschung des Staatlichen Museums von A.S. Puschkin

Wie oben erwähnt, war die Poesie im ersten Jahrzehnt des Jahrhunderts das führende Genre in der russischen Literatur. In den Gedichten der dekabristischen Dichter - Ryleev, Odoevsky, Kuchelbeker - das Pathos hoher Bürgerschaft erklingt, die Themen Mutterland und Dienst an der Gesellschaft werden angesprochen. Nach der Niederlage der Dekabristen (1825) verstärkte sich die pessimistische Stimmung in der Literatur, aber es gab keinen Rückgang der Kreativität. Es sei daran erinnert, dass Puschkin der Schöpfer der russischen Literatursprache war. Es ist berechtigt zu sagen, dass es vor Puschkin keine Literatur in Russland gab, die in Bezug auf Tiefe und Vielfalt der europäischen Aufmerksamkeit würdig wäre und den Errungenschaften der europäischen Kreativität gleichkäme. Der Dichter hinterließ seinen Nachkommen: „Es ist nicht nur möglich, sondern auch notwendig, auf den Ruhm Ihrer Vorfahren stolz zu sein ... Respekt vor der Vergangenheit ist das Merkmal, das Bildung von Wildheit unterscheidet ...“.

Auch zu Lebzeiten von A.S. Puschkin wurde weithin bekannt NV Gogol . Gogols Bekanntschaft mit Puschkin fand 1831 statt, und zur gleichen Zeit erschien in St. Petersburg in zwei Teilen Abende auf einem Bauernhof bei Dikanka, die Puschkin begeisterten. Das erste gedruckte Formular des Inspector General erschien 1836. In den Werken des Schriftstellers wurde die Rekonstruktion der Wahrheit und Farbe des Lebens von witziger Satire und der Entlarvung der autokratischen Ordnung begleitet. Er übernahm den kreativen literarischen Staffelstab vom Genie Puschkin Michail Jurjewitsch Lermontow . Der Tod von Puschkin im Duell mit Dantes offenbarte der russischen Öffentlichkeit Lermontov in der ganzen Stärke seines poetischen Talents. Das in Manuskripten verbreitete Gedicht "Der Tod eines Dichters" und andere poetische Werke des Dichters erregten von Seiten der "auf dem Thron stehenden Menge" Hass gegen ihren Autor, der seinen frühen Tod in einem Duell teilweise vorherbestimmte mit Nikolai Martynov - der große Dichter lebte keine zehn Jahre vor Puschkins Alter.
Es sollte daran erinnert werden, dass die Arbeit von M.Yu. Lermontov floss während der Regierungszeit des Kaisers Nikolaus I (1825-1855), die berücksichtigt werden „Der Höhepunkt der Autokratie“. Eine der Prioritäten des innenpolitischen Kurses von Nikolaus I. war die Stärkung des polizeilich-bürokratischen Regierungsapparates und die Stärkung der persönlichen Macht des Autokraten. Wie wir jedoch am Beispiel von M.Yu. Lermontov sowie eine ganze Galaxie patriotischer Schriftsteller - Tyutchev, Schukowski, Batyushkov, und manifestierte sich nur zu Beginn seiner Karriere als Schriftsteller Turgenjew, Dostojewski, Tolstoi, Saltykow-Schtschedrin - dieses Jahrhundert wurde auch zum Höhepunkt der russischen klassischen Literatur. Historische Fakten belegen, dass bereits Mitte des 19. Jahrhunderts die wachsende Weltbedeutung der russischen Kultur immer deutlicher wurde.

"Silbernes Zeitalter" der russischen Kultur

(spätes 19. bis frühes 20. Jahrhundert)

Das "goldene Zeitalter" der russischen Kultur wurde durch ersetzt
"Silbernes Zeitalter" . Das "Silberne Zeitalter" wird in der Geschichte der russischen Kultur gewöhnlich als Ende des 19. - Anfang des 20. Jahrhunderts bezeichnet. Um die Jahrhundertwende entstand das „Silberne Zeitalter“. Diese Periode dauerte nicht lange, nur etwa zwanzig Jahre, aber sie gab der Welt wunderbare Beispiele philosophischen Denkens, demonstrierte das Leben und die Melodie der Poesie, ließ die alte russische Ikone wieder auferstehen, gab Impulse für neue Trends in Malerei, Musik, Theaterkunst, wurde die Zeit der Bildung
Russische Avantgarde . Das Gefühl des Mangels an Anspruch, Mangel an Erfüllung, das Avantgarde-Künstler oft begleitet, verstärkt ihre charakteristische Dramatik, Disharmonie mit der Welt, die sie in sich tragen und in der Intonation von Einsamkeit und Tragik alles Geschehens zum Ausdruck bringen.

In der akzeptierten Chronologie der Anfang Russische Avantgarde Wissenschaftler den Jahren 1900-1910 zugeschrieben. Der Haupttrend, der für die Wende des 19. und 20. Jahrhunderts charakteristisch war, war Synthese aller Künste . In der Literatur, die weiterhin eine außerordentlich wichtige Rolle im kulturellen Leben des Landes spielte, drückte sich diese Tendenz im Übergang aus Realismus zur Symbolik . verkündete Dmitri Mereschkowski drei Hauptelemente der neuen Kunst: mystische Inhalte, Symbole und Erweiterung der künstlerischen Beeindruckbarkeit.
„Im Leben eines Symbolisten ist alles ein Symbol. Keine Symbole - nein “, schrieb Marina Zwetajewa. 1900 haben die jüngeren Symbolisten - AA Blok, A. Bely, Vyacheslav Ivanov und andere begannen, Heilung von den Übeln der Dekadenz in spirituellen, religiösen, moralischen, ästhetischen und universellen Idealen zu suchen, indem sie versuchten, öffentliche Interessen mit persönlichen zu verbinden. In ihrem Werk erfährt die künstlerische Methode der Symbolisten eine sachlich-idealistische Deutung. Die materielle Welt ist nur eine Maske, durch die eine andere Welt des Geistes scheint. Bilder einer Maske, einer Maskerade blitzen ständig in der Poesie und Prosa der Symbolisten auf. Die materielle Welt wird als etwas Chaotisches, Illusionäres, als eine untergeordnete Realität im Vergleich zur Welt der Ideen und Entitäten dargestellt. Die russische Symbolik übernahm eine Reihe von ästhetischen und philosophischen Einstellungen aus dem Westen und brach sie durch die Lehren von
Wladimir Solowjow über die Seele der Welt. Russische Dichter erlebten mit schmerzlicher Spannung das Problem von Persönlichkeit und Geschichte in ihrer "geheimnisvollen Verbindung" mit der Ewigkeit, mit dem Wesen des universellen "Weltprozesses". Die innere Welt des Individuums ist für sie ein Indikator für den allgemeinen tragischen Zustand der Welt, einschließlich der zum Tode verurteilten „schrecklichen Welt“ der russischen Realität, ein Resonator naturhistorischer Elemente, ein Gefäß für prophetische Vorahnungen einer bevorstehenden Erneuerung.

Russische Fiktion des ersten Jahrzehnts ist gekennzeichnet durch nicht nur Symbolik. In den Jahren der ersten russischen Revolution urbane Poesie . Das ist Massenpoesie, nahe der urbanen „Unterschicht“: Die Autoren sind oft ihre eigenen, Arbeiter. Die Verse sind klar und spezifisch. Dies ist eine Art Reaktion auf reale Ereignisse. Die proletarische Poesie ist von revolutionären Appellen durchdrungen, was auch dem Geist des russischen Proletariats entspricht. Gedichte wurden in vielen Zeitschriften veröffentlicht, insbesondere in der Zeitschrift für legalen Marxismus "Life", die massiv wurde und dreizehntausend Exemplare erreichte. Das Sreda Commonwealth und die Literaturabteilung von Zhizn bereiteten die Schaffung einer breiten Vereinigung von Schriftstellern rund um den Verlag der Partnerschaft vor "Wissen" angeführt von Maxim Gorki . Seit 1904 erschienen Sammlungen der Partnerschaft in riesigen Auflagen von damals bis zu 80.000 Exemplaren. Unter den Massenlesern bildete sich ein literarischer Geschmack, und die Kultur dieser Zeit enthielt ein erhebliches Bildungspotential, ein ganzes System der Selbsterziehung entwickelte und entwickelte sich.

Die Jahre der postrevolutionären Reaktion waren im russischen künstlerischen Bewusstsein von pessimistischen Stimmungen der sogenannten "Ablehnung". Am schwierigsten war der kreative Weg Leonida Andreeva der einer der anerkannten Führer wurde Dekadenz , aber den Geist des Protests gegen kapitalistische Verhältnisse bewahren, die eine Person entpersönlichen.

Die russische Literatur fand einen Ausweg in der Entstehung eines "neorealistischen" Stils, der keine klaren äußeren Zeichen hatte. Neben dem wiedererstarkenden Realismus entstanden neue Formen Romantik. Dies zeigte sich besonders in der Poesie. Ein neuer kreativer Aufschwung war charakteristisch für I. Bunina , wurde zu einem wahren Meisterwerk "Granatarmband"
A.Kuprina . Die Suche nach neuen Ausdrucksformen der inneren Welt einer Person wurde in zwei neuen symbolischen Strömungen verkörpert: Akmeismus und Futurismus .

Akmeismus (griechisch - die höchste Stufe von etwas, blühende Kraft), erhielt in den Artikeln eine gewisse theoretische Begründung N. Gumiljowa "Das Erbe der Symbolik ist der Akmeismus", S. Gorodezki "Einige Strömungen in der modernen russischen Poesie", O. Mandelstam "Morgen des Akmeismus “, A. Achmatowa,
M. Zenkevich, G. Ivanov E. Kuzmina-Karavaeva. In der Gruppe „Poets' Workshop“ zusammengeschlossen, schlossen sie sich der Zeitschrift „Apollo“ an, setzten den „Elementen der Natur“ den mystischen Streben der Symbolik nach dem „Unerkennbaren“ entgegen, erklärten eine konkret-sinnliche Wahrnehmung der „materiellen Welt“ , eine Rückkehr zum Wort in seiner grundlegenden, ursprünglichen Bedeutung. Bereits im ersten Jahrzehnt des zwanzigsten Jahrhunderts gab es in Russland so viele Dichter wie im neunzehnten Jahrhundert. im Vergleich zum 20. Jahrhundert mag es „verlassen“ erscheinen.
Zu Beginn des zweiten Jahrzehnts des zwanzigsten Jahrhunderts begannen neue große russische und zukünftige sowjetische Dichter und Prosaautoren, in die Literatur einzutreten:
VV Majakowski, Boris Pasternak, A.A. Achmatowa, M. V. Tsvetaeva,
A. Tolstoi und andere. Der Symbolismus wurde in dieser Zeit durch andere literarische Bewegungen ersetzt. Die Merkmale der Symbolik manifestierten sich in so unterschiedlichen, konkurrierenden Richtungen wie den oben erwähnten. Futurismus, Akmeismus sowie neue Bauernpoesie, deren bester Vertreter der erstaunliche Dichter war Sergej Alexandrowitsch Jesenin . Eine besondere Art von Weltanschauung Renaissance-Mann Das zwanzigste Jahrhundert manifestierte sich nicht nur in der Literatur, sondern auch in Bildende Kunst. Die Künstler des Kreises erwiesen sich als besonders eng mit der Symbolik verbunden. „Welt der Kunst“. Im Bereich der dekorativen und angewandten Forschung zeigte die Welt der Kunst zwei Trends: Einer davon kam aus dem Nachlass Abramtsevo Savva Mamontow , wo in den 80er Jahren viele Künstler an der Wiederbelebung der russischen Ikone, der russischen Antike, arbeiteten. Ähnliche Arbeiten wurden auf dem Anwesen der Prinzessin durchgeführt M. Tenisheva , in der Provinz Smolensk. Ein weiterer Trend war die Suche nach modernem Stil - Jugendstil . Innerhalb dieses Stils entstand Konstruktivismus.

1906 versammelte sich der Kreis "World of Art" im Namen des Hauptziels - die russische Kunst im Westen zu verherrlichen. Berühmte Kulturfigur dieser Zeit Sergej Djagilew findet Verwendung für sein Organisationstalent - er arrangiert eine Ausstellung in Paris "Zwei Jahrhunderte russischer Malerei und Skulptur" . In dieser Ausstellung waren neben den Künstlern des 18. Jahrhunderts auch die bedeutendsten Meister des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts breit vertreten. So begann die Eroberung von Paris – dem Herzen des kulturellen Lebens Europas – durch die russische Kunst. 1907 lernen die Pariser die russische Musik kennen. Der Erfolg des Programms von fünf Konzerten zeitgenössischer russischer Musik wird maßgeblich durch die Teilnahme der Komponisten selbst ermöglicht: Sergej Rachmaninow , Nikolai Rimski-Korsakow und andere.
Das kann man argumentieren "Djagilev Jahreszeiten" 1909-1911 werden zu herausragenden Ereignissen im weltweiten künstlerischen Leben. Russische Kunst hat Einfluss auf die Herausbildung einer neuen künstlerischen Kultur. Im zweiten Jahrzehnt des zwanzigsten Jahrhunderts entstanden viele künstlerische Gruppierungen. 1910 wurde in Moskau in den Räumlichkeiten des literarischen und künstlerischen Kreises auf Bolshaya Dmitrovka eine Ausstellung eröffnet "Der Karobube" an denen teilgenommen hat

P. Konchalovsky, M. Larionov , N. Gontscharowa , A. Lentulow, R. Falk - "linke" Vertreter der bildenden Kunst. Sie schlossen sich an Futuristen und Kubisten. M.F. Larionov organisierte Sonderausstellungen - "Donkey's Tail", "Target". 1913 gab er die Zeitung Luchismus heraus, ein Manifest für abstrakte Kunst. In den gleichen Jahren arbeiteten die ersten wahren Pioniere des Abstraktionismus: V. Kandinsky, K. Malevich, V. Tatlin. Sie schufen Trends, die sich in der Geschichte der ausländischen Kunst der 20-30er Jahre des 20. Jahrhunderts verbreiteten: Abstraktionismus (Kandinsky), Suprematismus (Malewitsch), Konstruktivismus (Tatlin).
Ende des 19. bis Anfang des 20. Jahrhunderts tauchten neue Baustile auf: moderner, neuer russischer Stil, Neoklassizismus. Die architektonische Wahrheit sahen die Architekten in der organischen Verbindung von „Baustoff, Struktur und Form“. Auch hier gibt es einen Trend
zum Gesamtkunstwerk: Elemente der Malerei werden in die Architektur eingeführt,
Skulpturen. Demonstrieren Sie ihre herausragende Innovationsfähigkeit
V.M. Vasnetsov, M.A. Vrubel, A.N. Benois, I.E. Grabar, S. V. Miljutin, A.S. Golubkina und andere Künstler.

Trotz der Tatsache, dass die russische Avantgarde, wie die westliche, zur Asozialität hingezogen ist, zur Verabsolutierung des kreativen „Ich“, beeinflusste der russische soziokulturelle Boden des Silbernen Zeitalters die Arbeit der Avantgarde-Künstler. Das ist die Tragödie der „Stummheit“ („Schwarzes Quadrat“ von K. Malewitsch) und der metaphysischen Suche nach einem neuen religiösen Bewusstsein. Die Aufgabe der Avantgarde ist es auszudrücken "spirituelle Absolutheiten" in Formen, die den Tiefen der Psyche eines sich verändernden Menschen entsprechen - eines Individuums, das am Rande einer vertrauten, etwas veralteten Welt steht. Daher vielleicht der Wunsch nach einem Gesamtkunstwerk der Künste der Zukunft, nach ihrem neuen Nebeneinander. Dieser Idee diente das gesamte Zeichensystem der künstlerischen Kultur des Silbernen Zeitalters.
Die russische Kulturgeschichte dieser Zeit ist das Ergebnis einer komplexen und langen Reise. In der Entwicklung des gesellschaftlichen Bewusstseins, der Kunst und der Literatur dieser Zeit entstanden und existierten viele Richtungen, Strömungen, Kreise, von denen sich die meisten als sehr instabil erwiesen. Dies bestätigte insbesondere die Idee vom Zusammenbruch der Kultur, ihrem Ende.
Das Gefühl der Notwendigkeit einer grundlegend neuen wissenschaftlichen und künstlerischen Interpretation der Wirklichkeit ist in der öffentlichen Meinung allgegenwärtig geworden. Hier sind religiöse und philosophische Suchen und eine neue Art von Person, der Beginn der Philosophie der Gewaltlosigkeit und der Schöpfung eine neue Art von Kultur .

Die Zeit der "Übergangskulturen" ist immer dramatisch, immer komplex und widersprüchlich. Ein charakteristisches Merkmal dieser Ära ist Kosmologismus . Die Kosmologie der russischen Kultur formiert sich als dringendes Bedürfnis der Zeit, als Ausdruck einer allgemeinen ängstlichen Stimmung.
In der Philosophie dieser Zeit nimmt der Kosmologismus theoretisch Gestalt an: er ist inhärent V. Solovyov, N. Fedorov, V. Rozanov, N. Lossky . Die kosmische Orientierung legte die Grundlage für die Suche nach russischer Poesie (V. Brjusov,
A. Bely, A. Blok) , neue Trends in der russischen Malerei ( M. Vrubel ) und russische Musik ( A. Skrjabin ). Eine neue Art von Kultur wird auf der Grundlage von gebildet Kritik: Spirituelle Kultur baut auf der Grundlage neu gedachter Erfahrungen aus fernen und sehr nahen Jahren auf.

An der Schnittstelle der Kulturen findet ein charakteristisches Merkmal der russischen Psychologie seinen endgültigen Ausdruck - Religiosität , auch gleichzeitig durch Worte
A.P. Krasavina und militanter Atheismus. Die Hauptsache bei der Bildung einer neuen Art von Kultur ist Glaube, nicht Vernunft . Deshalb suchen sie in Russland nicht nur nach neuen Werten, neuen Idealen - sie suchen Ewigkeitswerte, "absolute Güte", "ewige und unvergängliche Schönheit", ahistorische Weisheit.
Der unübertroffene, brillante Intellektualismus der Verallgemeinerungen der Philosophie der neuen Renaissance wurde weder von Landsleuten noch von der breiten westlichen Öffentlichkeit dieser Zeit angemessen gewürdigt, obwohl er der Kultur, Philosophie und Ethik Russlands und des Westens eine neue Richtung gab. Vorwegnahme des Existentialismus, der Geschichtsphilosophie und der neuesten Theologie.

Sagen wir auch, dass sich viele russische Schriftsteller zu Beginn des Jahrhunderts daran wandten Dramaturgie . Das ist natürlich: Das Theater zieht ein riesiges Publikum an, es ist in der Blüte des Lebens und der Möglichkeiten.
Auf der Bühne der Jugend Kunsttheater Theaterstücke werden aufgeführt L. Tolstoi , A. Tschechow, M. Gorki . "Kinder von Vanyushin" sind erfolgreich
S. Naydenova , Theater L. Andreeva , S. Juschkewitsch . Der Beginn des revolutionären Aufschwungs war geprägt von dem Wunsch, die Einheit der realistischen Schriftsteller zu institutionalisieren. 1899 in Moskau gegründet N. Teleschow Literarische Gemeinschaft "Mittwoch" wurde zu einem der Zentren solcher Kundgebungen. Mitglieder des Commonwealth waren Bunin, Serafimovich, Veresaev, Gorki, Andreev. Sreda Sitzungen besucht Tschechow, Korolenko, Mamin-Sibiryak, Chaliapin, Levitan, Vasnetsov .

Russische Moderne- ein natürliches Phänomen, verursacht durch die tiefen Prozesse der russischen Kultur. Es reiften Fragen der Weiterentwicklung der russischen Literatur, die sich im Wesentlichen auf drei Probleme konzentrierten: Einstellung zu den Traditionen der russischen Literatur, Bestimmung der inhaltlichen und formalen Neuheit, Definition einer allgemeinen ästhetischen Weltanschauung. In Worten, es bildete sich ein Bedürfnis Valeria Brjusova , "Finde einen Leitstern im Nebel."

Vertreter der schöpferischen Intelligenz suchten, die bestehenden künstlerischen Prinzipien einer kritischen Reflexion unterziehend, nach anderen Wegen der Weltbeherrschung. Manche glaubten, einen direkten, unkomplizierten Blick auf die Natur gewinnen zu können. Sie vernachlässigten die Analyse sozialer Beziehungen, entdeckten sie „stille Poesie des Alltags“. Andere konzentrierten im künstlerischen Bild die Intensität der Gefühle und Leidenschaften der Menschen des neuen Jahrhunderts. Für viele war die Vorahnung in Symbolen verkörpert, die komplexe Assoziationen hervorriefen. All dies waren verschiedene Arten, die Welt zu begreifen, die künstlerische Wahrheit darin zu enthüllen, die Essenz hinter dem Phänomen zu erkennen, das Universelle hinter dem Kleinen zu sehen.

Das „Silberne Zeitalter“ wird zu Recht als die Zeit der „großen Synthese“ bezeichnet, als die Kunst als Ganzes verstanden wurde. Die Kombination verschiedener künstlerischer Sprachen ermöglichte es, den figurativen Gehalt eines synthetischen Werkes von verschiedenen Seiten und aus unterschiedlichen Blickwinkeln wahrzunehmen. Der Künstler des universellen Typs wird zum Ideal der Zeit, und das Theater wird zum Ideal der Verschmelzung der Kunst. Im Theater gelang es, nach den Vorstellungen verschiedener Kulturschaffender, die lang ersehnte Einheit, die Synthese der Kunst, zu erreichen. Die Theatralisierung durchdringt das gesamte Schaffen der Künstler dieser Zeit. Spiel, Fantasie - all das kommt dem Werk vieler Künstler dieser Zeit so nahe. Leidenschaft für theatralische "Harlekinade", Maske - ein typisches Phänomen in Musik, Literatur, Theater, Malerei. Bilder - Masken, Marionetten, Marionetten - durch Charaktere in Kreativität I. Strawinsky, A. Blok, K. Somov .

Fassen wir kurz zusammen: Die künstlerische Kultur des „Silbernen Zeitalters“ ist widersprüchlich und facettenreich. Die historische Realität zwischen den beiden Revolutionen (1905-1917) hat das Wesen und die Mehrdimensionalität der poetischen Suche und der künstlerischen Kultur insgesamt maßgeblich beeinflusst. In allen Arten und Genres der Kultur ist die Ablehnung der umgebenden Realität, der bürgerlichen Kultur und Zivilisation, eine radikale Ablehnung der Ordnungen der modernen Welt und intuitive Vorahnung der Ankunft einer neuen Zeit. Das Zeitgefühl durchzieht in verschiedenen Fassungen die gesamte künstlerische Kultur dieser Zeit.
Man kann ohne Übertreibung sagen, dass die Errungenschaften der russischen Kunst das „Silberne Zeitalter“ haben globale Bedeutung. Literatur, Malerei, Bildhauerei, Theater und Musik wurden zu einer Art Prolog der Kunst des 20. Jahrhunderts, die wie in einem Spiegel die Widersprüche und Vielschichtigkeiten der Kultur der neuen Zeit widerspiegelte.

Bereits in der vorangegangenen Regierungszeit entwickelte sich die Literatur dank der Verbreitung der Aufklärung erheblich, aber unter Nikolaus dem Ersten tauchten unter uns Schriftsteller auf, die in ihrer Bedeutung und ihrem Talent den besten europäischen Schriftstellern ebenbürtig wurden. Die russische Literatur wird in Westeuropa berühmt und nimmt einen Ehrenplatz ein. An der Spitze der Schriftsteller dieser Ära steht der brillante Wortkünstler Puschkin, der in ganz Russland bekannt ist. Sein Vater stammte aus einer alten Adelsfamilie; seine Vorfahren wurden wiederholt von den Moskauer Herrschern wegen ihrer Dienste beklagt; die Mutter des Dichters war die Enkelin von Peter dem Großen Hannibal, einem schwarzen Mann.

Puschkin wurde am 26. Mai 1799 in Moskau geboren; seine Kindheit verging teils in der Hauptstadt, teils auf den Gütern der Puschkins bei Moskau. Er wuchs, wie viele adlige Kinder jener Zeit, unter der Anleitung ausländischer Lehrer auf.

Einen großen Einfluss auf die Entwicklung der Liebe zu allem Russischen und des Verständnisses für das Volksleben in ihm hatte sein Kindermädchen, eine einfache russische Bäuerin Arina Rodionovna, die sich in ihre Schülerin verliebte. Sie erzählte ihm Volksmärchen und überlieferte Volkslieder und Legenden.

So konnte der Dichter schon in früher Kindheit die Volkskunst kennenlernen, was ihm übrigens half, der erste wirklich russische Volksdichter zu werden. Neben dem Kindermädchen hatte seine Großmutter großen Einfluss auf Puschkin; Abends hörte er oft Geschichten aus der Vergangenheit: von Peter dem Großen und Kaiserin Katharina. Die Geschichten der Großmutter weckten in dem sensiblen Jungen die Liebe zur Vergangenheit, zur Geschichte seiner Heimat.

Als Puschkin 12 Jahre alt war, brachten ihn seine Eltern nach Zarskoje Selo zum neu eröffneten Lyzeum. Der Dichter verbrachte sieben Jahre in dieser Bildungseinrichtung. Schon damals begann sich sein Genie zu manifestieren: Im Alter von 15 Jahren las er seine Gedichte bei der Prüfung vor dem berühmten Dichter aus Katharinas Zeit, dem älteren Derzhavin, und der alte Mann hörte ihm mit Tränen in den Augen und zu sieht in ihm den zukünftigen Ruhm Russlands.

Am Ende des Studiums am Lyzeum lebt Puschkin mehrere Jahre in St. Petersburg und führt hier ein zerstreutes Leben. Der scharfe Verstand des Dichters bemerkte leicht die Mängel und Schwächen seiner Umgebung, und Puschkin zögerte oft nicht, sie mit einem spöttischen Wort zu stigmatisieren, unabhängig von der hohen Position der Personen, die davon betroffen waren; solche Rezensionen erreichten diese Personen, manchmal in verzerrter Form. Puschkin war in großen Schwierigkeiten. Aber der Dichter Schukowski und Karamzin setzten sich für ihn ein, und er wurde nur versetzt, um im Süden dem Generalgouverneur von Noworossijsk zu dienen, der ihn äußerst liebevoll empfing und sich wie ein Vater um den Dichter kümmerte. Mit seiner Erlaubnis besuchte Puschkin den Kaukasus und die Krim. Die majestätische Natur des Kaukasus und die wunderbaren Bilder der Krim hinterließen einen unauslöschlichen Eindruck auf den Dichter und dienten ihm als Vorwand für die Schaffung mehrerer Kunstwerke.

Puschkin lebte später in Chisinau und kam mit seinen neuen Chefs nicht zurecht, und ihm wurde befohlen, auf seinem Anwesen Mikhailovskoye (Provinz Pskow, Bezirk Opochetsky) zu leben. Ein zweijähriger Aufenthalt in ländlicher Einsamkeit hatte wohltuende Folgen für den Dichter: Hier studierte er fleißig, las viel und schrieb eine Reihe wunderbarer Kompositionen.

Im Frühjahr 1826, während der Krönung, wurde der Dichter von Kaiser Nikolaus nach Moskau gerufen, und hier fand ein wunderbares Gespräch zwischen ihnen statt. Auf die Frage des Kaisers, ob er am 14. Dezember auf dem Senatsplatz gewesen wäre, wenn er damals in St. Petersburg gewesen wäre, bejahte Puschkin, fügte aber hinzu, dass er jetzt die Torheit einer solchen Tat voll und ganz verstehe. Der Kaiser war mit dem Gespräch mit dem Dichter zufrieden und sagte am Abend desselben Tages seinen Nahestehenden, dass er heute das Vergnügen habe, mit der intelligentesten Person Russlands zu sprechen.

Puschkin durfte überall leben und erhielt völlige Freiheit, seine Werke zu drucken.

Puschkin war dem Souverän von Herzen dankbar, was er in bekannten Gedichten zum Ausdruck brachte:

Nein, ich bin kein Schmeichler, wenn ich den Zaren umsonst lobe, spreche ich mit der Sprache meines Herzens ...

Zu diesem Zeitpunkt war Puschkins Genie voll ausgereift. Er schreibt seine besten Werke, in denen er mit erstaunlichem Talent alle großen Strömungen des russischen Lebens widerspiegelt; in hellen, lebhaften Bildern gab er ein Bild des russischen Volkes. Das besondere Verdienst von Puschkins Gedichten liegt darin, dass sie von einem tiefen Verständnis des einheimischen Lebens und der Liebe zu allem Russischen durchdrungen sind. Puschkin fand einen festen Weg, ein großartiges Ergebnis für uns Russen, und wies darauf hin. Dieser Exodus ist Nationalität, Bewunderung für die Wahrheit unseres Volkes. Puschkins Einschätzung ist wirklich richtig, dass er ein großes und außergewöhnliches Phänomen darstellt. In seinen großen, unvergleichlichen Werken strömte das ganze russische Herz aus, das ganze Weltbild des Volkes offenbarte sich, das sich bis heute in seinen Liedern, Epen, Legenden bewahrt hat, alles, was das Volk liebt und ehrt, kam zum Ausdruck, seine Ideale von Helden, Königen, Volksverteidigern und Trauernden wurden Bilder von Mut, Demut, Liebe und Selbstlosigkeit zum Ausdruck gebracht.

Als Sprecher russischer Prinzipien in seinen Werken reagierte unser großer Dichter lebhaft auf verschiedene soziale und staatliche Probleme: Er war immer ein Gegner der Leibeigenschaft und schrieb schon in seiner Jugend ein Gedicht, in dem er sagte:

Werde ich ein Volk sehen, das nicht unterdrückt wird und die Sklaverei auf Geheiß des Zaren gefallen ist ...

Puschkin war auch ein großer patriotischer Dichter. Die Ehre und der Ruhm des Mutterlandes waren ihm am liebsten. Als der polnische Aufstand begann und die westeuropäischen Feinde Russlands über eine Einmischung in seine Angelegenheiten zu sprechen begannen, erteilte Puschkin den „Verleumdern Russlands“ einen heftigen Vorwurf. In diesem Gedicht sagt der Dichter, dass der Kampf zwischen Russen und Polen ein innerer Streit ist, der vom Schicksal bereits zugunsten Russlands entschieden wurde. Wenn die Westeuropäer innerhalb der Grenzen Russlands auftreten wollen, dann gibt es für sie einen Platz auf den Feldern Russlands unter Särgen, die ihnen nicht fremd sind.

Zum größten Leidwesen des Mutterlandes wurde Puschkins kreative Tätigkeit sehr früh unterbrochen - im 38. Lebensjahr, als das Genie des großen Schriftstellers in voller Blüte stand. Puschkin ist tot. Seine Feinde arrangierten es so, dass der Dichter, gereizt durch verleumderische Gerüchte über seine Frau, einen gewissen Ausländer Dantes zum Duell herausforderte. Bei diesem Kampf wurde der große Dichter tödlich verwundet und starb am 29. Januar 1837, nachdem er zwei Tage lang gelitten hatte. Die letzten Stunden des Sterbenden waren mit der rührenden Fürsorge des Souveräns um ihn verbracht. Der Kaiser bat Puschkin, sich keine Sorgen um die Witwe und die Kinder zu machen: „Sie gehören mir“, schrieb er ihm.

Die Tätigkeit des großen Dichters gab der russischen Literatur Auftrieb. Puschkins jüngerer Zeitgenosse war der Dichter Lermontov. Er lebte nur 27 Jahre, und natürlich konnte sein Talent nicht voll zum Ausdruck kommen, aber er hinterließ uns eine Reihe von Werken, die in Bezug auf Stärke und Gefühlstiefe bemerkenswert waren. Gogol, ein Freund von Puschkin, schrieb eine Reihe unsterblicher Werke: die Komödie „Der Generalinspektor“, das Gedicht „Tote Seelen“ und die Erzählung „Taras Bulba“. Das Schicksal des Generalinspekteurs war bemerkenswert. Darin schilderte Gogol die Mängel der damaligen Provinzbürokratie. Die Theaterbehörden ließen die Aufführung dieser Komödie nicht zu. Es kam auf den Kaiser selbst an. Der Kaiser, der dieses wunderbare Werk sorgfältig gelesen hatte, ließ es nicht nur aufführen, sondern war sogar selbst bei der Uraufführung des Generalinspekteurs dabei. Gogol war ursprünglich ein Kleinrusse (aus der Provinz Poltawa). In seinen Werken gab er viele schöne Bilder von der Natur von Little Russia und dem Leben von Little Russia. Aber da er sein Heimatland Kleinrussland liebte, wollte und war Gogol ein rein russischer Schriftsteller. Er schrieb für alle Russen, die die russische Natur, die russische Geschichte und das russische Leben aller Orte und Zeiten gleichermaßen lieben.

In der Regierungszeit von Kaiser Nikolaus begannen viele andere Schriftsteller ihre literarische Tätigkeit, die bereits in der Regierungszeit seines Sohnes berühmt wurden. Das sind Turgenjew, Dostojewski, Tolstoi, Goncharov und viele andere. Turgenjew, selbst ein wohlhabender Landbesitzer, beschloss, die Leibeigenschaft durch Literatur zu bekämpfen. In seinen Aufzeichnungen eines Jägers erzählte er eine Reihe von Geschichten, in denen er Menschen aus dem bäuerlichen Umfeld mit attraktiven Gesichtszügen porträtierte und versuchte, in der Gesellschaft Sympathie für das bäuerliche Los zu wecken.

Neben der Literatur blühten im Zeitalter von Nikolaus I. auch andere Künste auf: Der Kaiser selbst war ein großer Kenner und Kenner der Malerei sowie ein Liebhaber majestätischer Gebäude. Während seiner Regierungszeit lebten und arbeiteten die berühmten russischen Künstler Bryullov und Ivanov. Der Kaiser selbst sammelte seltene Gemälde und Statuen russischer und ausländischer Künstler und baute neben dem von ihm errichteten Winterpalast auch das schöne Gebäude der kaiserlichen Eremitage. In diesem Gebäude sind die bemerkenswertesten Werke der russischen und europäischen Kunst untergebracht; es ist offen für die Betrachtung durch alle Ankömmlinge. Von den anderen Gebäuden des Kaisers muss man auf die St. Isaaks-Kathedrale in St. Petersburg hinweisen, die allen für ihre enorme Größe, Schönheit und ihren Reichtum bekannt ist und an der Stelle einer alten Kirche errichtet wurde, die von Peter dem Großen erbaut wurde.

Neben berühmten Gemälden und Prachtbauten war die Zeit Nikolaus I. auch durch das Erscheinen bemerkenswerter Werke auf dem Gebiet des Gesangs und der Musik geprägt. Der Komponist Lvov schrieb inspirierte Musik für die Nationalhymne „God Save the Tsar“. Die Worte dieser Hymne wurden vom Dichter Zhukovsky geschrieben. Ein anderer berühmter Komponist, Glinka, der für die russische Musik das war, was Puschkin für die russische Poesie war, schrieb die Opern Ruslan und Ljudmila und Ein Leben für den Zaren. Die letzte Oper wird von den Russen besonders geliebt: Neben wunderbarer Musik ist sie auch durch ihren Inhalt bemerkenswert. „Leben für den Zaren“ zeigt die Rettung des Zaren Michail Fjodorowitsch durch den Bauern Susanin auf Kosten seines eigenen Lebens vor den Polen.

Alles, was über die Regierungszeit von Kaiser Nikolai Pawlowitsch gesagt wurde, bezeugt, dass ein gerechter Monarch mit starkem Charakter und eisernem Willen, mit einem Herzen, das auf alles Schöne reagiert, ohne große Veränderungen vorzunehmen, viel getan hat, um das Leben seiner Untertanen zu verbessern ; Grundlegende Veränderungen in den russischen Lebensbedingungen sollten von seinem Sohn, Kaiser Alexander II., durchgeführt werden.

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Es gibt Kleinigkeiten des Alltags, ohne die vieles in den Werken von Puschkin, Lermontov, Leo Tolstoi nicht zu verstehen ist. Das ist Kulturgeschichte - und darin gibt es keine Kleinigkeiten. Warum riskiert Tatyana Larina, die einen Brief an Onegin geschrieben hat, ihre Ehre? Warum hat Onegin, der Lensky nicht im Zweikampf töten wollte, zuerst geschossen? ...

Wenn die höchste Manifestation der Kultur die Kunst ist, dann ist die "Kultur des Alltags" ihre Grundlage. Ein Mensch beginnt von Kindheit an, die Kunst des Verhaltens in der Gesellschaft wie eine Muttersprache zu lernen, und merkt normalerweise nicht, wie viele Fähigkeiten - "Wörter" dieser Kultursprache - er beherrscht. Das ist der natürliche Weg der Entwicklung. Aber es gibt Fälle, in denen sich eine Person besonders verhalten muss: zum Beispiel in einer Kirche, bei einem Diplomatenempfang oder in einem Palast. Dies ist rituelles Verhalten, und eine Person lernt die Regeln eines solchen Verhaltens wie eine Fremdsprache - es ist unmöglich, sogar gefährlich, die "Grammatik" dieses Verhaltens zu verletzen.

Es gibt Zeiten in der Geschichte, in denen sich die gesamte Struktur der Gesellschaft dramatisch verändert, und dann muss sogar das alltägliche Verhalten als Ritual erlernt werden. In Russland ist eine solche scharfe Wendung mit dem Namen Peter I. verbunden. In seinem Wunsch, das Land in Richtung Europa zu führen, führte der Reformzar mit eiserner Faust fremde Bräuche ein. Dann verbot Paul I. das Tragen runder Hüte – diese Moden kamen aus Frankreich, das seinen König hinrichtete, und wurden in Russland als revolutionär empfunden. Und Nicholas I verfolgte Spitzbart als inakzeptable Manifestation des freien Denkens.

Im 18. Jahrhundert verstand jeder die Sprache der Taftfliegen im Gesicht. Mit ihrer Hilfe konnten Koketten der High Society ihre Liebe erklären oder ihre Strenge zeigen. Und die „Sprache der Blumen“ ​​wurde Ende des 19. Jahrhunderts in Alben kopiert ... All diese Merkmale des Lebens, die zwei Jahrhunderte von uns getrennt sind, sind eine Fremdsprache, die entschlüsselt werden muss.

Über die Liebe [Hrsg. ]

Briefe sind ein bemerkenswertes Denkmal der Epoche. Um einen Menschen zu verstehen, lesen Sie seine Briefe. Dieselbe Person schreibt verschiedenen Personen unterschiedlich. Wir machen uns nicht nur ein Bild von dem, der den Brief schreibt, sondern auch von dem, an den er adressiert ist.

Lermontov schreibt eines seiner bedeutendsten Gedichte, „Valerik“, und beginnt es mit Worten aus Tatianas Brief. Das ist keine Kleinigkeit, sondern eines der wichtigsten kulturellen Phänomene. Wir beobachten einen der komplexesten universellen Mechanismen der Kultur - die Schaffung des Kontextes einer Epoche, wir sehen, wie ein separates Werk in ein Mosaik von Texten eingebettet ist.

Tatjana schrieb ihren Brief auf Französisch: Puschkin erklärte, dass "sie schlecht Russisch kannte". Französisch war im 19. Jahrhundert die Sprache der herzlichen Beichte. Tatjana suchte in französischen Romanen nach Mustern von Bekennerschreiben ihrer Lieblingsschriftsteller. Tagebücher, Alben, Briefe lassen uns die Menschen der Puschkin-Zeit mit großer Gewissheit vorstellen. Also schrieb Puschkin Briefe an Frauen immer auf Französisch.

Zeit verging. Die enthusiastische Romantik des frühen 19. Jahrhunderts wurde von einer Faszination für Byron und seine skeptischen Helden abgelöst. Onegin lachte schon über den verträumten Lensky. Die jungen Leute der 1820er Jahre waren nicht wie ihre älteren Zeitgenossen.

Also ich heirate... [Hrsg. ]

Die meisten Menschen sahen die Hochzeit als geliehene Tücher, eine neue Kutsche und einen rosa Morgenmantel. Andere - Mitgift und ruhiges Leben. Wieder andere haben geheiratet, weil alle heiraten, und sie sind schon 30 Jahre alt.

Die Eheschließung ist ein wichtiger Schritt im Leben eines jungen Menschen. Eine Hochzeit ist ein Sakrament, und eine Scheidung war damals praktisch unmöglich. Das Mädchen galt im Alter von vierzehn oder fünfzehn Jahren als Braut. In diesem Alter tanzte sie bereits wie eine Erwachsene auf Kinderbällen, zu denen junge Leute kamen, um Bräute zu suchen. So war es beim Adel üblich; und Kaufleute und Beamte auf altmodische Weise lebten, wurde die Braut angewiesen, einen Heiratsvermittler zu finden und auf jeden Fall herauszufinden, wie hoch ihre Mitgift war.

Eine besondere Geschichte sind die Hochzeiten von Königen und Kaisern. Als es an der Zeit war, die Großherzöge und Prinzessinnen zu heiraten oder zu verheiraten, durchsuchten sie alle einflussreichen Familien des Auslands, wo geeignete Bräutigame oder Bräute sein könnten, und, in Übereinstimmung mit der Notwendigkeit einer staatlichen Vereinigung, stärkten sie die Beziehungen jemanden geschickt, um sich über die Stimmung an diesem Gericht zu informieren. Hier ist die Ehe eine Staatssache.

Romantiker betrachteten Gefühle als die wichtigste Voraussetzung für eine glückliche Ehe. Die Norm „romantischen“ Verhaltens zu Beginn des 19. Jahrhunderts war die „Entführung“ der Braut zum gegenseitigen Vergnügen. Wenn alles so lief, wie es sollte, folgte nach dem „Händeschlagen“ eine Vereinbarung, ein Abendessen mit Verwandten und engen Freunden, bei dem die Verlobung bekannt gegeben wurde. In der verbleibenden Zeit zwischen der Vereinbarung und der Hochzeit, am Vorabend der kirchlichen Zeremonie, verabschiedete sich der Bräutigam von seinem Single-Dasein und arrangierte einen „Junggesellenabschied“, und die Braut feierte eine „Mädchenparty“.

Nach der Hochzeit begann das Familienleben. Leider nicht immer erfolgreich. Früher war es sehr schwierig, sich scheiden zu lassen, und deshalb lebten Ehepartner, die eine völlige Unähnlichkeit der Charaktere entdeckt hatten, einfach, wie sie damals sagten, auf der Straße.

Bei der Eheschließung war ein angestellter Adliger verpflichtet, um die höchste Erlaubnis zu bitten. Die Leibeigenen mussten von ihrer Herrin die Erlaubnis zur Heirat einholen.

Duelle [Hrsg. ]

Bis zum Ende des 17. Jahrhunderts kannte Russland nichts dergleichen. Zu Zeiten Peters des Großen traten Duelle in die russische Realität ein. Im „Militärartikel“ von Peter I. erschien ein Kapitel „Patent auf Kämpfe und Einleitung von Streitigkeiten“. Der russische Kaiser verbot Duelle: Nur der Zar konnte das Leben seiner Untertanen verwalten und über sie urteilen.

Die Dekrete von Peter wurden weder während der Zeit von Alexander I. noch unter Nikolaus I. aufgehoben, aber sie wurden nie ausgeführt. Der Duellant wurde zum Tode verurteilt, und dann wurde die Hinrichtung durch die Herabstufung zu den Soldaten und das Exil ersetzt - meistens in den Kaukasus, "unter den Kugeln der Hochländer". In den Augen der Gesellschaft sah eine Person mit einer solchen Geschichte jedoch wie ein Held aus, und die jungen Damen verliebten sich in junge Leidende, die laut Pechorin von Lermontov "ein leidenschaftliches und edles Herz haben, das unter einem dicken Mantel schlägt. "

Ein Duell ist kein Kampf oder Mord. Das Ehrenduell basierte auf der Einhaltung der strengen Regeln des Duellkodex. Das Verhalten einer Person während eines Duells sowie auf dem Schlachtfeld schuf den Ruf eines tapferen Mannes oder eines Feiglings.

Zu verschiedenen Zeiten änderte sich die Einstellung zum Duell. Das Duell ist ein Protest gegen die niedergeschlagene Position der menschlichen Person, ein Beweis dafür, dass es Werte gibt, die teurer sind als das Leben selbst und sich der Kontrolle des Staates entziehen - Ehre, Menschenwürde.

Parade [Hrsg. ]

Wachparade - tägliche Wachablösung. Zu Katharinas Zeit war dies eine Unteroffizierssache, aber Paul I. selbst war täglich bei der Zeremonie anwesend und beobachtete die Gründlichkeit der Haltung, die Harmonie der Reihen und die Klarheit der Befehlsausführung. Die Beamten, die täglich zur morgendlichen Scheidung gingen, verabschiedeten sich von ihren Lieben und steckten eine Brieftasche mit Geld in ihre Brust, damit sie im Falle eines unerwarteten Exils nicht ohne einen Cent zurückblieben.

Das ganze Staatsleben stand unter der wachsamen Kontrolle des Kaisers. Auch zu Hause, im Privatleben, fühlten sich die Bürger unter einem Glaskrug. Mit dem Ende der Ära von Paul I. hörten die Uhrenparaden nicht sofort auf.

Die Parade erweckte den Geist des Gehorsams in einer Person, zerstörte die Persönlichkeit. Die Armee, die für die Parade aufgezogen wurde, war nicht kriegstauglich. Die Geschichte hat mit aller Grausamkeit bewiesen, dass das Leben anders ist als eine Parade, und doch versuchten die Herrscher mindestens drei Regierungszeiten lang - Paulus, Alexander und Nikolaus -, Russland "vorne" aufzubauen, um die Verwaltung eines riesigen Imperiums zu erleichtern . Sogar militärische Siedlungen wurden erfunden, als ganze Dörfer Soldaten gegeben wurden und die Bauern selbst die Armee unterstützen und zusammen mit der ganzen Familie auf dem Feld arbeiten mussten ...

Und der Ball erstrahlt in seiner ganzen Pracht[Hrsg. ]

Der Ball ist ein besonderes Ereignis im Leben eines Menschen des 19. Jahrhunderts. Für ein junges Mädchen, das gerade erst in die Welt hinausgetragen wird, ist das ein Grund zur Aufregung: Dort wird sie in einem wunderschönen Ballkleid zu sehen sein, und es wird viel Licht geben, und sie wird tanzen, und dann Jeder wird wissen, wie leicht und anmutig sie ist ... Natasha Rostovas erster Ball wird in Erinnerung bleiben .

Ball ist eine magische Zeit. Trotz der strengen Ordnung erlaubte der Ball viele Optionen, unerwartete Wendungen, und je länger er dauerte, desto mehr Freiheit, desto mehr Spaß machten die Tänze.

Die Ballsaison begann im Spätherbst und flammte im Winter auf, als die Adligen der Hauptstadt von ihren Gütern zurückkehrten und die örtlichen Adligen nach Beendigung der Feldarbeit von ganzen Konvois mit ihren erwachsenen Töchtern zur „Brautmesse“ nach Moskau geschleppt wurden. .

Der Ball wurde immer vom Großherzog mit der Großherzogin mit einem Menuett eröffnet, wonach Höflinge tanzten, Wachoffiziere nicht niedriger als ein Oberst. Der zweite Tanz auf dem Ball war oft eine Quadrille, die manchmal die erste feierliche Polonaise ersetzte. Nach Polonaise und Quadrille war der Walzer an der Reihe. Der Haupttanz des Balls war die Mazurka. Der Ball endete mit einem Cotillion - einer Art Quadrille, die zur Melodie eines Walzers getanzt wurde, ein Tanzspiel, das am lässigsten und verspieltesten war.

Maskerade [Hrsg. ]

1830 wurden in Russland erstmals öffentliche Bälle und Maskeraden eröffnet. Es war nicht schwer, sie zu besteigen, man musste nur ein Ticket kaufen und sich schick anziehen.

Eine Maskerade ist eine Emanzipation, ein Spiel, in dem alles Unmögliche möglich wird. Das ist der Abriss aller Trennungen, Klassen und Besitztümer, das ist eine Erholung vom endlos normalisierten Leben. Die Maske machte alle gleich. Hier konnte eine weltliche Dame mit einem kleinen Beamten tanzen, der niemals in ihr Haus aufgenommen worden wäre, und ein bedeutender Dandy konnte mit einer Halbwelt flirten. Aufgrund der Promiskuität glaubte man, dass in einer Maskerade kein Platz für eine anständige Frau sei, aber die Versuchung war zu groß. Frauen wurden von riskanten Abenteuern angezogen.

Wie jedes Spiel hatte die Maskerade ihre eigenen Regeln und ihren sogenannten Spielraum und ihre Zeit. Maskeraden fanden von der Weihnachtszeit bis zur Fastenzeit statt (während der Fastenzeit wurden alle öffentlichen Unterhaltungen eingestellt, nur philharmonische Konzerte mit ernster Musik waren erlaubt); Ihr Raum waren die Ballsäle, die für diesen Anlass auf besondere Weise dekoriert wurden. Die Regeln erlaubten nur denjenigen, die in Masken und Kostümen erschienen, an der Feier teilzunehmen.

Der Brauch, das neue Jahr in einer öffentlichen Maskerade zu feiern, wurde im 18. Jahrhundert in Russland eingeführt, insbesondere während der Regierungszeit von Katharina II. Wie Bälle begannen Maskeraden um sechs Uhr und endeten nach Mitternacht. Im Urlaub wurde die Maske zum Persönlichkeitsersatz. Die Person wurde befreit, spielte die Rolle, die sie mochte. Daher war die Wahl der Maske besonders wichtig. Aber wie jedes Spiel endete die Maskerade, die müden Teilnehmer nahmen ihre Masken ab und kehrten zu ihren üblichen Aktivitäten zurück.

Auf Theaterstühlen[Hrsg. ]

In Russland ist das Theater in dem Sinne, wie wir es verstehen, ziemlich spät erschienen. Eine große Liebhaberin von Aufführungen war die Tochter von Peter I., Kaiserin Elizaveta Petrovna. Sie lud nicht nur die italienische Truppe ein, sondern verlangte auch, dass alle Höflinge das Theater besuchen, und die Beamten mussten alle Aufführungen im Abonnement besuchen. Zu Katharinas Zeiten besuchte das russische Publikum bereits gerne Aufführungen.

In der Zeit von Puschkin wurde das Theater leidenschaftlich geliebt. Es wurde eine Art Club, es wurden täglich Vorstellungen besucht. Junge Menschen wurden von der magischen Welt der Szenen, der Schönheit des Balletts, der majestätischen Schönheit der Tragödie angezogen. Rund um die jungen Schauspielerinnen und die Theaterschule entfaltete sich ein besonderes Festleben voller Erotik und mutiger Abenteuerlust.

Keine Blumensträuße, keine Kränze, keine Geschenke wurden den Künstlern gebracht, nur am nächsten Tag der Benefiz des Souveräns schickten sie ein Geschenk an das Haus: die ersten Künstler - einen Diamantring, die Künstler - Ohrringe oder eine Schließe (a Halskette aus Edelsteinen oder ein Verschluss für eine solche Halskette). Die Mode, Blumensträuße und Geschenke mitzubringen, wurde von ausländischen Tänzern eingeführt, die auf der Bühne von St. Petersburg auftraten.

Das Ballett blühte zu Puschkins Zeiten auf. Charles (Karl) Ludovic Didelot, „der Hohepriester der Choreografie“, wurde Ende des 18. Jahrhunderts auf die russische Bühne berufen und dominierte Ende der 1819er Jahre das Theater.

Das Theater prägte das Publikum. Die tragische Schauspielerin Ekaterina Semyonova schuf majestätische Bilder von Heldinnen, und Istomina ließ mit ihrem entzückenden Tanz junge Herzen höher schlagen. Yu I. Lotman schrieb, dass wir nur in den Spiegeln der Kunst das wahre Gesicht einer Person dieser Zeit finden.

Im alten Haus [Hrsg. ]

Die Person wohnt im Haus. Die Moden seiner Zeit, sein Lebensstil, seine gesellschaftliche Zugehörigkeit – alles spiegelt sich in seiner Kleidung, dem Aussehen seines Hauses wider. Für die Mitte des 19. Jahrhunderts sind Damasttapeten Zeichen der alten Zeit, und im 19. Jahrhundert waren sie die angesagtesten. Während der Zeit von Katharina drang chinesische Mode aus Europa nach Russland ein, und in Palästen tauchten „chinesische“ Räume und Pavillons auf.

Gewöhnliche Stadt- oder Dorfhäuser waren einheitlich. Eine niedrige Treppe wurde normalerweise in einem Nebengebäude errichtet, von dem eine ganze Hälfte weiter in zwei Teile geteilt wurde, um zwei Latrinen zu erhalten - die des Meisters und die des Lakaien. In der Ecke des Flurs stand ein Tisch, auf dem ein Unterhemd oder eine Unterwäsche ausgelegt war, die geschnitten, genäht oder geflickt wurde; in der anderen Ecke wurden Sohlen unter Stiefel gesäumt.

Es folgte eine Suite mit drei Räumen: Flure (auch bekannt als Esszimmer) mit vier Fenstern, ein Wohnzimmer mit drei und ein Sofazimmer mit zwei Fenstern. Schlaf-, Ankleide- und Mädchenzimmer gingen zum Hof, das Kinderzimmer war im Zwischengeschoss untergebracht. Das Büro war neben der Cafeteria.

Auch die Innenausstattung war fast überall gleich. Sparsamkeit zeigte sich bei der Konservierung von Möbeln - Polster, Chintz oder verblichenes Marokko, wurden durch Bezüge aus dickem Leinen geschützt.

Petersburger Häuser waren völlig anders. Das waren nicht einmal Häuser, sondern Paläste, die Reichsten hatten sie. Kleine Beamte ließen sich am Stadtrand von St. Petersburg nieder und mieteten Zimmer in kleinen einstöckigen Häusern irgendwo auf Okhta, in Kolomna oder auf Sands.

Edle Nester[Hrsg. ]

Die meisten russischen Schriftsteller wurden auf Landgütern geboren und verbrachten dort ihre Kindheit. Für uns ist der Name Lermontov für immer mit den Tarkhans, Leo Tolstoi mit Yasnaya Polyana und Turgenev mit Spassky-Lutovinov verbunden. Die Wurzeln dieses Phänomens müssen in der russischen Geschichte gesucht werden.

Peter I. zwang die Adligen zum Dienst, indem er ein spezielles Dekret darüber erließ. Die Hochgeborenen und die, die Karriere machen wollten, strebten nach St. Petersburg, an den Hof. Die Güter erwiesen sich als verlassen, nur die Alten blieben dort. Peter III. ließ die Adligen selbst entscheiden, ob sie auf den Gütern dienen oder bleiben wollten. Unter Catherine erregte ein nicht dienender Adliger Verdacht - es war Widerstand, eine offene Herausforderung. Daher wurden junge Leute in das Regiment aufgenommen - sie mussten mindestens einige Jahre dienen.

Einer von denen, die sich freiwillig zurückzogen, war Andrey Timofeevich Bolotov, später ein bekannter Gärtnermeister und Autor bemerkenswerter Memoiren.

Die Architektur der Herrenhäuser blieb lange die einfachste. Die Fenster der Diele und des Wohnzimmers blickten auf den Garten. Garten und Park waren unverzichtbare Bestandteile des Anwesens. Wenn sie nicht da waren, wenn das Gut keine Marmelade kochte und sie nicht mit eigenen Äpfeln behandelte, wurde dies als Abweichung von der Norm empfunden. Wohlhabende Familien verbrachten den Sommer auf dem Land und den Winter in der Stadt – oder in der Provinz oder in den Hauptstädten.

Das patriarchalische Leben trat unweigerlich in die Vergangenheit zurück. A. P. Tschechow taten die Kirschgärten leid, die in alten Landgütern abgeholzt wurden ...

In der Hütte [Hrsg. ]

Der Salon begann damit, dass sich an dem angekündigten Tag eine bestimmte Gruppe von Menschen ohne besondere Einladung zu Gesprächen, Meinungsaustausch und Musizieren versammelte. Weder Karten noch Feste noch Tänze waren für solche Treffen vorgesehen. Traditionell wurde der Salon um eine Frau herum gebildet – sie brachte jene Atmosphäre der intellektuellen Koketterie und Anmut, die eine unbeschreibliche Atmosphäre des Salons schuf.

In Moskau war das Haus von Prinzessin Volkonskaya ein eleganter Treffpunkt für alle bemerkenswerten Persönlichkeiten der modernen Gesellschaft. Vertreter der großen Welt, Würdenträger und Schönheiten, Jugend und reifes Alter, Menschen mit geistiger Arbeit - Professoren, Schriftsteller, Journalisten, Dichter, Künstler, waren hier verbunden.

Die Musikerin, Dichterin, Künstlerin Zinaida Wolkonskaja war umfassend begabt und gebildet. Sie beherrschte die schwierige Kunst der Gastgeberin des Salons - sie wusste, wie man ein entspanntes Gespräch organisiert, einen Abend so aufbaut, dass es allen so vorkam, als wäre es eine vollständige Improvisation. Hier koexistierte ernste Musik mit gespielten Scharaden, Poesie - mit Epigrammen und Witzen.

Jeder Salon zeichnete sich durch seine Besucherauswahl, seinen „Charakter“ aus. Wenn sie nach Prinzessin Volkonskaya kamen, um Musik und Poesie zu genießen, und sich bei Delvig eine Gesellschaft literarischer Freunde versammelte, dann in den St. Petersburger Häusern von Elizaveta Mikhailovna Khitrovo und ihrer Tochter, Gräfin Ficquelmont, der Frau eines Diplomaten, eine High Society politischen Salon gehen würde.

Im Salon von N. M. Karamzin war die französische Sprache von Anfang an verboten. Mit dem Tod von Nikolai Michailowitsch im Jahr 1826 hörte der Karamzin-Salon nicht auf. Die Gastgeberin des Salons war zusammen mit Ekaterina Andreevna, der Witwe des Schriftstellers, seine Tochter Sofya Nikolaevna. Anna Fedorovna Tyutcheva, Tochter des Dichters und Trauzeugin der Kaiserin, erinnerte daran, dass der Salon von E. A. Karamzina zwanzig Jahre lang oder länger einer der attraktivsten Orte im öffentlichen Leben von St. Petersburg war, eine wahre Oase der Literatur und Intellektuellen Interessen unter der brillanten und üppigen, aber wenig vergeistigten Sveta.

In den Jahren 1839-1849 verwandelten sich die Salons zunehmend in literarische Zirkel. Sie sind zum Zeichen der neuen Zeit geworden, der Zeit der dicken Zeitschriften und der demokratischen Zirkel.

Dreikönigsfröste knacken...[Hrsg. ]

Der bemerkenswerte russische Künstler Dobuzhinsky erinnerte an den Weihnachtsbaum in seinem Haus. Mit ihrem Vater bastelten sie im Vorfeld viele Weihnachtsdekorationen: Sie vergoldeten und versilberten Walnüsse, schnitten Körbe für Süßigkeiten aus farbigem Papier aus und klebten bunte Papierketten. Einige Bonbonnieren und Dekorationen wurden für das nächste Jahr aufbewahrt. Rote Äpfel, Minze und Vyazma-Lebkuchen wurden an Fäden aufgehängt. Der Weihnachtsbaum selbst stand immer bis zur Decke und erfüllte die Wohnung für lange Zeit mit einem Nadelduft.

Der Brauch, einen Weihnachtsbaum zu schmücken, kam uns aus der Antike. Geschenke für jedes Familienmitglied wurden unter den Weihnachtsbaum gelegt, und während des Weihnachtsessens sollte eine Kerze brennen. Sowohl Abendessen als auch Geschenke - all dies sollte der Familie ein erfolgreiches Jahr und ein wohlgenährtes Leben ermöglichen.

Mit dem Aufkommen von Weihnachten endete das Fasten und die lustige Zeit der Weihnachtszeit begann - Verkleiden, Maskeraden, weihnachtliches Wahrsagen. Die Zeit von Weihnachten bis Dreikönigstag war voll von bedeutenden Ereignissen. Eine Woche nach Weihnachten kam das neue Jahr - nach alter Manier. Peter I. erließ ein Dekret, in dem angeordnet wurde, dass der Tag nach dem 31. Dezember 7208 von der Erschaffung der Welt an als 1. Januar 1700 betrachtet wird. Allen Moskauern wurde befohlen, dieses Ereignis besonders feierlich zu feiern. Russland trat zusammen mit Europa in das neue Jahrhundert ein - das 18. Jahrhundert begann.

Abend am Vorabend des Dreikönigsfestes - Heiligabend. An diesem Abend grübelten die Mädchen über ihr Schicksal nach. Das Fest der Dreikönigsfeier oder Epiphany wurde in Russland sehr feierlich gefeiert. Die Taufe beendete den Zyklus der Weihnachtsfeiertage. Masleniza beendete sie. Ein lustiger Abschiedsritus vom Winter war die Verbrennung eines Bildnisses von Maslenitsa. Der Frühling kam - die vierzig Tage der Fastenzeit. Die letzten Tage der Karwoche wurden von Ostern und Osterkuchen geprägt.

In der Freimaurerloge[Hrsg. ]

Die Bruderschaft der Freimaurer, der Pierre Bezukhov, eine der Hauptfiguren in Leo Tolstois Epos Krieg und Frieden, beizutreten angeboten wurde, ist ein Freimaurerorden. Die Freimaurer waren eine weltweite geheime Bruderschaft, deren Ziel es war, die Menschheit zur Erlangung des Himmels auf Erden, des Königreichs Astrea, zu führen. Dieses Ziel konnte nicht durch Revolutionen erreicht werden, es gab nur einen Weg - die freiwillige Selbstverbesserung jedes Menschen. Der Aufnahmeritus zur Mitgliedschaft in der Freimaurerloge wird von Tolstoi ausführlich und genau beschrieben.

Freimaurer vertrauten ihre Ideen nicht dem Papier und benutzten weit verbreitete Symbole - geheime Zeichen, Ringe, Teppiche. Die Freimaurerei des 18.-19. Jahrhunderts ist ein sehr komplexes Phänomen. Viele Bücher wurden über ihn geschrieben, aber selbst die größten Experten der Freimaurerei gaben zu, dass es unmöglich sei, ihn zu kennen.

Für einen Mann aus Puschkins Zeit ist die Freimaurerei nicht nur ein Spiel. Freimaurer argumentierten, dass die Freimaurerei die Erziehung von Erwachsenen sei. Kein Wunder, dass Puschkin der Freimaurerloge von Chisinau beigetreten ist. Fast alle Dekabristen waren Freimaurer. Somit ist die Freimaurerei eine bedeutende Tatsache der Kultur der Puschkin-Zeit.

Buchhandlungen [Hrsg. ]

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts waren die meisten Buchhandlungen geöffnet, sie waren an den Apraksin-Markt in St. Petersburg angeschlossen, in der Nähe der Mauern von St. Basilius dem Seligen in Moskau. Katharina II. erlaubte die Gründung privater, sogenannter freier Druckereien – die Einstimmigkeit wurde zerstört, der Buchmarkt in Russland ausgebaut.

Nikolai Ivanovich Novikov, der in Moskau ankam, mietete die Druckerei der Moskauer Universität. In zwei Jahren hat er aus einer heruntergekommenen Institution mit veralteten Maschinen die beste in Russland gemacht. Als gebildeter Mann mit gutem Geschmack veröffentlichte Novikov pädagogische Literatur, übersetzte Romane, Wörterbücher und historische Schriften. Nikolai Mikhailovich Karamzin begann seine Karriere als Schriftsteller in der Novikov Printing Company (als Übersetzer).

Zu Puschkins Zeiten gab es in Russland keine öffentlichen Bibliotheken. Novikov war anscheinend der erste, der in Moskau eine Bibliothek zum Lesen gründete.

Puschkin kannte den Petersburger Buchhändler und Verleger Ilja Iwanowitsch Glasunow gut. Der Dichter besuchte fast jeden Tag sein Geschäft in Gostiny Dvor. Glasunow öffnete seine Bibliothek 1824 zum Lesen.

Zu Puschkins Zeiten waren Buchhändler nicht mehr nur Kaufleute und Kaufleute - sie wurden zu Vermittlern zwischen dem Schriftsteller und der Öffentlichkeit, zu Verteilern der Aufklärung. In den 1830er Jahren stieg der Buchhändler und Verleger Alexander Filippowitsch Smirdin in St. Petersburg auf. Smirdins Laden am Newski-Prospekt hat sich zu einem echten Schriftstellerclub entwickelt.

In der Weltliteratur gibt es eine sehr kleine Zahl von Werken, von denen man sagen kann: Sie beschreiben die Zeit unserer Zeit, sie beeinflussen sie gleichzeitig, sie schaffen Geschichte neu. Puschkins "Eugen Onegin" gehört zu Recht zu den wenigen "goldenen" Werken des menschlichen Denkens, die nicht nur zur detailliertesten "Enzyklopädie des russischen Lebens" geworden sind, sondern auch zu einer Art Manifest der ersten Vertreter des Erwachten öffentliches Bewusstsein.

Puschkin begann bereits 1823 in Chisinau mit der Arbeit an Eugen Onegin und beendete seine Arbeit 1831, wobei er insgesamt 7 Jahre, 4 Monate und 17 Tage seines Lebens damit verbrachte, den Roman zu schreiben. Eine so lange und mühevolle Arbeit an diesem Werk hat sich gerechtfertigt. "Eugen Onegin" wurde zur zentralen und vielleicht herausragendsten Schöpfung Puschkins.

Puschkin selbst, der dieses Werk konzipierte, träumte davon, eine Geschichte über das Schicksal des Helden zu schreiben, die das soziale Leben der russischen Gesellschaft widerspiegeln könnte. Dem Autor gelang es, seine Idee zum Leben zu erwecken, und "Eugen Onegin" wurde zu einem echten Panorama der russischen Realität des 19. Jahrhunderts.

Keine, auch die unauffälligste Seite des Lebens der russischen Gesellschaft entgeht der Aufmerksamkeit des Autors, er richtet seinen Blick auf buchstäblich alles, von der höchsten Petersburger Gesellschaft bis zu Leibeigenen. Daher können wir aus den neun Kapiteln des Romans leicht etwas über das damalige gesellschaftliche Leben (Theater, Bälle, literarische Gesellschaften) und über Volkstraditionen wie das Wahrsagen zu Weihnachten und sogar darüber erfahren, welche Ballerinas die berühmtesten waren in jenen Jahren. . Der Autor beschreibt detailliert die Natur der Orte, an denen die Handlung des Romans spielt, und achtet dabei auf den Wechsel der Jahreszeiten und die umliegenden Landschaften.

Eine solche enzyklopädische Erfassung der Realität wurde möglich dank Puschkins spezieller, neuer Technik in der Literatur - dem Vorhandensein des Bildes des Autors im Roman. Der Erzähler erscheint hier in verschiedenen Gesichtern: Er ist Onegins guter Freund und Förderer, und Tatjanas Beschützer, Dichter und Zeuge der Ereignisse, die sich im Roman abspielen. Sein Bild hilft, den Umfang der Arbeit von der Handlung auf die allgemeine Geschichte zu erweitern, um den Roman intensiver zu machen. Darüber hinaus kann das Bewusstsein des Helden nicht die ganze Vielseitigkeit des Lebens enthalten, daher spielen die Kommentare des Autors in lyrischen Exkursen eine besondere Rolle bei der Schaffung der berühmten "Enzyklopädie des russischen Lebens". Es ist der Autor, der über russische Schriftsteller nachdenkt, über Romantik, Sentimentalität und Klassizismus, sich an seine Vergangenheit erinnert, einige biografische Details seiner Zeitgenossen usw.

Lyrische Abschweifungen, detaillierte Schilderungen aus dem Leben der Menschen machen „Eugen Onegin“ zu einem echten historischen Roman. Nur statt der berühmten Persönlichkeiten von damals agieren dort ganz normale Durchschnittsmenschen, die es dennoch wert sind, das Gesicht ihrer Zeit zu werden. So können wir uns nun durch lyrische Abschweifungen und Bilder der Hauptfiguren die Puschkin-Ära und die Menschen, die damals lebten, in allen Einzelheiten vorstellen.

Am auffälligsten ist in dieser Hinsicht das Bild von Eugen Onegin. Schließlich zeigte Puschkin an seinem Beispiel "die charakteristischen Merkmale der Jugend des neunzehnten Jahrhunderts": "unfreiwillige Hingabe an Träume, unnachahmliche Fremdheit und einen scharfen, kühlen Verstand". Dieses Bild spiegelte auch das tragische Schicksal der besten Menschen dieser Zeit wider - der edlen Intelligenz, deren soziale Rolle nach dem Aufstand der Dekabristen zu verblassen begann. Das wichtigste Zeichen des Zeitgeistes zeigt sich in der Arbeit und der Stimmung des Helden - seiner Enttäuschung, Arbeitslosigkeit und Lebensaufgabe.

Ein solcher Zustand der menschlichen Seele war zu Puschkins Zeiten keine Seltenheit. Solche Menschen bestimmten in vielerlei Hinsicht den Geist dieser Ära und wurden zu ihrem Hauptmerkmal. Daraus lässt sich folgendes Fazit ziehen: Puschkin macht mit der Darstellung Onegins auf die für viele seiner Zeitgenossen charakteristische Regelmäßigkeit aufmerksam und zeigt seine gesamte Ära in einem einzigen Bild.

Die Ära Puschkin war eine interessante und kontroverse Zeit, die der Schriftsteller in seiner ganzen Komplexität und Vielseitigkeit in seinem Roman darstellen konnte. Nicht umsonst heißt es deshalb, dass man laut „Eugen Onegin“ das 19. Jahrhundert wie in einem Geschichtslehrbuch studieren könne.