Revolution und Kultur. Die Revolution von 1917 spaltete die künstlerische Intelligenz Russlands in zwei Teile. Eine von ihnen, obwohl sie im Abgeordnetenrat (wie viele damals das Land der Sowjets nannten) nicht alles akzeptierte, glaubte an die Erneuerung Russlands und widmete ihre Kraft dem Dienst an der revolutionären Sache; der andere verachtete die bolschewistische Regierung negativ und unterstützte ihre Gegner in verschiedenen Formen.
Im Oktober 1917 beschrieb V. V. Mayakovsky in seiner ursprünglichen literarischen Autobiografie „Ich selbst“ seine Position wie folgt: „Akzeptieren oder nicht akzeptieren? Für mich (und für andere Moskauer Futuristen) gab es keine solche Frage. Meine Revolution. Während des Bürgerkriegs arbeitete der Dichter in den sogenannten "Fenstern der Satire ROSTA" (ROSTA - Russian Telegraph Agency), wo satirische Plakate, Cartoons, populäre Drucke mit kurzen poetischen Texten entstanden. Sie verspotteten die Feinde der Sowjetregierung - Generäle, Gutsbesitzer, Kapitalisten, ausländische Interventionisten, sprachen über die Aufgaben des Wirtschaftsaufbaus. Zukünftige sowjetische Schriftsteller dienten in der Roten Armee: Zum Beispiel war D. A. Furmanov der Kommissar der von Chapaev kommandierten Division; I. E. Babel war ein Kämpfer der berühmten 1. Kavalleriearmee; A. P. Gaidar befehligte im Alter von sechzehn Jahren eine Jugendabteilung in Chakassien.
Zukünftige Emigrantenautoren nahmen an der weißen Bewegung teil: R. B. Gul kämpfte als Teil der Freiwilligenarmee, die die berühmte „Eiskampagne“ vom Don zum Kuban durchführte, G. I. Gazdanov, meldete sich nach dem Abschluss der 7. Klasse des Gymnasiums freiwillig für die Wrangel-Armee. I. A. Bunin nannte seine Tagebücher aus der Zeit des Bürgerkriegs „Verfluchte Tage“. M. I. Tsvetaeva schrieb einen Gedichtzyklus unter dem bedeutungsvollen Titel "Swan Camp" - eine Klage voller religiöser Bilder für Weißrussland. Das Thema der Schädlichkeit des Bürgerkriegs für die menschliche Natur wurde von den Werken der emigrierten Schriftsteller M. A. Aldanov („Selbstmord“), M. A. Osorgin („Zeuge der Geschichte“), I. S. Shmelev („Die Sonne der Toten“) durchdrungen.
Anschließend entwickelte sich die russische Kultur in zwei Richtungen: im Sowjetland und in der Emigration. Die Schriftsteller und Dichter I. A. Bunin, der 1933 mit dem Literaturnobelpreis ausgezeichnet wurde, D. S. Merezhkovsky und Z. N. Gippius, die führenden Autoren des antisowjetischen Programmbuchs „Das Königreich des Antichristen“, arbeiteten in einem fremden Land. Einige Schriftsteller, wie V. V. Nabokov, traten bereits im Exil in die Literatur ein. Im Ausland erlangten die Künstler V. Kandinsky, O. Zadkine, M. Chagall Weltruhm.
Während die Werke emigrierter Schriftsteller (M. Aldanov, I. Shmelev und andere) von der Thematik der Schädlichkeit der Revolution und des Bürgerkriegs durchdrungen waren, atmeten die Werke sowjetischer Schriftsteller revolutionäres Pathos.
Vom künstlerischen Pluralismus zum sozialistischen Realismus. Im ersten nachrevolutionären Jahrzehnt war die Entwicklung der Kultur in Russland geprägt von Experimenten, der Suche nach neuen künstlerischen Formen und Mitteln - einem revolutionären künstlerischen Geist. Die Kultur dieses Jahrzehnts wurzelte einerseits im Silbernen Zeitalter, andererseits übernahm sie von der Revolution eine Tendenz zur Abkehr von klassischen ästhetischen Kanons, hin zu thematischen und handlungsbezogenen Neuerungen. Viele Schriftsteller sahen es als ihre Pflicht an, den Idealen der Revolution zu dienen. Dies manifestierte sich in der Politisierung von Mayakovskys poetischem Werk, in der Schaffung der Bewegung „Theaterischer Oktober“ durch Meyerhold, in der Gründung der Association of Artists of Revolutionary Russia (AHRR) usw.
Die Dichter S. A. Yesenin, A. A. Akhmatova, O. E. Mandelstam, B. L. Pasternak, die ihren poetischen Weg zu Beginn des Jahrhunderts begannen, schufen weiter. Ein neues Wort in der Literatur wurde von der Generation gesagt, die bereits zu Sowjetzeiten dazu kam - M. A. Bulgakov, M. A. Sholokhov, V. P. Kataev, A. A. Fadeev, M. M. Zoshchenko.
Wenn in den 20er Jahren Literatur und bildende Kunst waren außergewöhnlich vielfältig, dann wurde in den 30er Jahren unter den Bedingungen des ideologischen Diktats den Schriftstellern und Künstlern der sogenannte sozialistische Realismus aufgezwungen. Die Widerspiegelung der Wirklichkeit in Werken der Literatur und Kunst war nach ihrem Kanon den Aufgaben der sozialistischen Erziehung unterzuordnen. Allmählich etablierte sich anstelle des kritischen Realismus und verschiedener avantgardistischer Strömungen in der Kunstkultur der Pseudorealismus, d.h. idealisiertes Bild der sowjetischen Realität und des sowjetischen Volkes.
Die künstlerische Kultur stand unter der Kontrolle der Kommunistischen Partei. In den frühen 30er Jahren. Zahlreiche Vereinigungen von Kunstschaffenden wurden liquidiert. Stattdessen wurden vereinte Gewerkschaften sowjetischer Schriftsteller, Künstler, Kameraleute, Künstler und Komponisten gegründet. Obwohl es sich formal um unabhängige öffentliche Organisationen handelte, musste sich die kreative Intelligenz vollständig den Behörden unterordnen. Gleichzeitig schufen die Gewerkschaften, die über Fonds und Kreativitätshäuser verfügten, bestimmte Bedingungen für die Arbeit der künstlerischen Intelligenz. Der Staat unterhielt Theater, finanzierte Filmaufnahmen, stellte Künstlern Ateliers zur Verfügung usw. Das einzige, was von Künstlern verlangt wurde, war, der Kommunistischen Partei treu zu dienen. Von Schriftstellern, Künstlern und Musikern, die von den von den Behörden auferlegten Regeln abwichen, wurde erwartet, dass sie „ausgearbeitet“ und unterdrückt würden (O. E. Mandelstam, V. E. Meyerhold, B. A. Pilnyak und viele andere starben in Stalins Kerkern).
Einen bedeutenden Platz in der sowjetischen Kunstkultur nahmen historische und revolutionäre Themen ein. Die Tragödie der Revolution und des Bürgerkriegs spiegelte sich in den Büchern von M. A. Sholokhov („Quiet Flows the Don“), A. N. Tolstoi („Walking through the Quals“), I. E. Babel (Sammlung von Geschichten „Konarmiya“), Gemälden von M B. Grekova („Tachanka“), A. A. Deineki („Verteidigung von Petrograd“). Im Kino nahmen Filme, die der Revolution und dem Bürgerkrieg gewidmet waren, einen ehrenvollen Platz ein. Die bekanntesten unter ihnen waren "Chapaev", eine Filmtrilogie über Maxim, "We are from Kronstadt". Das verherrlichte Thema verließ die Hauptstadt nicht und
aus den Theaterszenen der Provinz. Ein charakteristisches Symbol der sowjetischen bildenden Kunst war die Skulptur „Arbeiterin und Kollektivbäuerin“ von V. I. Muchina, die 1937 den sowjetischen Pavillon auf der Weltausstellung in Paris schmückte. Berühmte und wenig bekannte Künstler schufen pompöse Gruppenporträts mit Lenin und Stalin. Gleichzeitig erzielten M. V. Nesterov, P. D. Korin, P. P. Konchalovsky und andere talentierte Künstler herausragende Erfolge in der Porträt- und Landschaftsmalerei.
Prominente Positionen in der Weltkunst der 20-30er Jahre. vom sowjetischen Kino besetzt. Darin waren Regisseure wie SM zu sehen. Eisenstein („Das Panzerkreuzer Potemkin“, „Alexander Newski“ usw.), der Gründer der sowjetischen musikalisch-exzentrischen Komödie G. V. Aleksandrov („Merry Fellows“, „Wolga-Wolga“ usw.), der Gründer des ukrainischen Kinos A P. Dovzhenko (Arsenal, Shchors usw.). Am künstlerischen Himmel strahlten die Sterne des sowjetischen Tonkinos: L. P. Orlova, V. V. Serova, N. K. Cherkasov, B. P. Chirkov und andere.
Der Große Vaterländische Krieg und die künstlerische Intelligenz. Seit dem Tag des Naziangriffs auf die UdSSR war nicht einmal eine Woche vergangen, als „Windows TASS“ (TASS - Telegraph Agency of the Soviet Union) im Zentrum von Moskau erschien und die Traditionen der Propaganda und der politischen Plakate und Karikaturen fortsetzte „Windows-ROSTA“. Während des Krieges beteiligten sich 130 Künstler und 80 Dichter an der Arbeit von Okon TASS, die über 1 Million Plakate und Karikaturen veröffentlichte. In den ersten Kriegstagen wurden die berühmten Plakate "Das Vaterland ruft!" (I. M. Toidze), „Unsere Sache ist gerecht, der Sieg wird unser sein“ (V. A. Serov), „Krieger der Roten Armee, rette!“ (V. B. Koretsky). In Leningrad startete der Künstlerverband "Fighting Pencil" die Produktion von Poster-Flugblättern in kleinem Format.
Während des Großen Vaterländischen Krieges wandten sich viele Schriftsteller dem Genre des Journalismus zu. Zeitungen veröffentlichten Militäraufsätze, Artikel und Gedichte. Der bekannteste Publizist war I. G. Ehrenburg. Gedicht
A. T. Tvardovsky "Vasily Terkin", Gedichte an vorderster Front von K. M. Simonov ("Warte auf mich") verkörperten die Gefühle der Menschen. Eine realistische Reflexion des Schicksals der Menschen spiegelte sich in der Militärprosa von A. A. Bek („Wolokolamsk-Autobahn“), V. S. Grossman („Das Volk ist unsterblich“) wider.
V. A. Nekrasov („In den Schützengräben von Stalingrad“), K. M. Simonov („Tage und Nächte“). Aufführungen über das Leben an der Front erschienen im Repertoire der Theater. Es ist bezeichnend, dass die Stücke von A. E. Korneichuk „Die Front“ und K. M. Simonov „Das russische Volk“ zusammen mit den Berichten des sowjetischen Formularbüros über die Lage an den Fronten in Zeitungen veröffentlicht wurden.
Frontkonzerte und Treffen von Künstlern mit Verwundeten in Krankenhäusern wurden zum wichtigsten Bestandteil des künstlerischen Lebens der Kriegsjahre. Russische Volkslieder, aufgeführt von L. A. Ruslanova, Popsongs, aufgeführt von K. I. Shulzhenko und L. O. Utesov, waren sehr beliebt. Die lyrischen Lieder von K. Ya. Listov ("Im Unterstand"), N. V. Bogoslovsky ("Dark Night"), M. I. Blanter ("Im Wald nahe der Front"), die während der Kriegsjahre erschienen, waren weit verbreitet bei vorne und hinten. , V. P. Solovyov-Sedogo ("Nachtigallen").
In allen Kinos wurden Kriegschroniken gezeigt. Die Dreharbeiten wurden von den Bedienern unter Frontbedingungen mit großer Lebensgefahr durchgeführt. Der erste abendfüllende Dokumentarfilm widmete sich der Niederlage der Nazi-Truppen bei Moskau. Dann entstanden die Filme "Leningrad on Fire", "Stalingrad", "People's Avengers" und einige andere. Einige dieser Filme wurden nach dem Krieg bei den Nürnberger Prozessen als dokumentarische Beweise für NS-Verbrechen gezeigt.
Künstlerische Kultur der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Nach dem Großen Vaterländischen Krieg tauchten in der sowjetischen Kunst und ab der Wende der 50er und 60er Jahre neue Namen auf. neue thematische Richtungen begannen sich zu bilden. Im Zusammenhang mit der Aufdeckung von Stalins Personenkult erfolgte die Überwindung der geradezu „lackierenden“ Kunst, die besonders für die 30er und 40er Jahre charakteristisch war.
Seit Mitte der 50er Jahre. Literatur und Kunst begannen in der sowjetischen Gesellschaft dieselbe erzieherische Rolle zu spielen, die sie im 19. und frühen 20. Jahrhundert in Russland spielten. Die extreme ideologische (und zensurische) Enge des gesellschaftlichen und politischen Denkens trug dazu bei, dass die Diskussion vieler gesellschaftlicher Fragen in die Sphäre der Literatur und Literaturkritik verlagert wurde. Die bedeutendste neue Entwicklung war die kritische Reflexion der Realitäten der Zeit Stalins. Veröffentlichungen Anfang der 60er Jahre wurden zur Sensation. Werke von A. I. Solzhenitsyn („Ein Tag im Leben von Ivan Denisovich“, Geschichten) und A. T. Tvardovsky („Terkin in der anderen Welt“). Zusammen mit Solschenizyn gelangte das Lagerthema in die Literatur, und Tvardovskys Gedicht markierte (zusammen mit den Gedichten des jungen E. A. Jewtuschenko) den Beginn eines künstlerischen Angriffs auf Stalins Personenkult. Mitte der 60er Jahre. Im 18. Jahrhundert erschien erstmals der vor dem Krieg geschriebene Roman „Der Meister und Margarita“ von M. A. Bulgakow mit seiner religiösen und mystischen Symbolik, die für die sowjetische Literatur nicht charakteristisch ist. Die künstlerische Intelligenz erlebte jedoch immer noch das ideologische Diktat der Partei. So musste B. Pasternak, der den Nobelpreis für den als antisowjetisch erklärten Roman Doktor Schiwago erhielt, ihn ablehnen.
Poesie hat im kulturellen Leben der sowjetischen Gesellschaft immer eine wichtige Rolle gespielt. In den 60er Jahren. Dichter einer neuen Generation - B. A. Achmadulina,
A. A. Voznesensky, E. A. Yevtushenko, R. I. Rozhdestvensky - mit ihrer Staatsbürgerschaft und journalistischen Ausrichtung wurden die Texte zu Idolen des lesenden Publikums. Poetische Abende im Moskauer Polytechnischen Museum, in Sportpalästen und höheren Bildungseinrichtungen waren ein großer Erfolg.
In den 60-70er Jahren. Militärprosa eines „neuen Modells“ erschien - Bücher von V. P. Astafiev („Starfall“), G. Ya. Baklanov („The Dead Have No Shame“), Yu. V. Bondarev („Hot Snow“), B. L. Vasilyeva ( „Die Morgenröte hier ist still …“), K. D. Vorobyeva („Bei Moskau getötet“), V. L. Kondratjew („Saschka“). Sie reproduzierten die autobiografische Erfahrung von Schriftstellern, die durch die Schmelztiegel des Großen Vaterländischen Krieges gegangen waren, vermittelten die erbarmungslose Grausamkeit des Krieges, die sie empfanden, und analysierten seine moralischen Lehren. Gleichzeitig wurde in der sowjetischen Literatur die Richtung der sogenannten Dorfprosa gebildet. Es wurde durch die Werke von F. A. Abramov (Trilogie "Pryasliny"), V. I. Belov ("Carpenter's Stories"), B. A. Mozhaev ("Männer und Frauen"), V. G. Rasputin ("Live and Remember", "Farewell to Matera") vertreten. , V. M. Shukshin (Geschichten "Dorfbewohner"). Die Bücher dieser Schriftsteller spiegelten die Askese der Arbeit in den schwierigen Kriegs- und Nachkriegsjahren wider, die Prozesse der Verbauerung, den Verlust traditioneller geistiger und moralischer Werte, die komplexe Anpassung des Landbewohners von gestern an das städtische Leben.
Im Gegensatz zur Literatur der 1930er und 1940er Jahre zeichneten sich die besten Prosawerke der zweiten Hälfte des Jahrhunderts durch ein komplexes psychologisches Muster aus, das Verlangen der Schriftsteller, in die innersten Tiefen der menschlichen Seele vorzudringen. Dies sind zum Beispiel die "Moskau" -Geschichten von Yu. V. Trifonov ("Exchange", "Another Life", "House on the Embankment").
Seit den 60er Jahren. Auf den Theaterbühnen erschienen Aufführungen, die auf actiongeladenen Stücken sowjetischer Dramatiker (A. M. Volodin, A. I. Gelman, M. F. Shatrov) basierten, und das klassische Repertoire in der Interpretation innovativer Regisseure erhielt einen aktuellen Sound. Dies waren zum Beispiel die Produktionen der neuen Sovremennik-Theater (unter der Regie von O. N. Efremov, dann G. B. Volchek), des Taganka Drama and Comedy Theatre (Yu. P. Lyubimov).

Die wichtigsten Trends in der Entwicklung der postsowjetischen Kultur. Eines der Merkmale der Entwicklung der russischen Kultur um die Wende des XX-XXI Jahrhunderts. ist seine Entideologisierung und der Pluralismus der kreativen Suche. In der Eliteliteratur und bildenden Kunst des postsowjetischen Russland traten Werke des Avantgarde-Trends in den Vordergrund. Dazu gehören beispielsweise Bücher von V. Pelevin, T. Tolstoi, L. Ulitskaya und anderen Autoren. Avantgardismus ist auch in der Malerei der vorherrschende Trend. Im modernen heimischen Theater sind die Produktionen des Regisseurs R. G. Viktyuk von der Symbolik des irrationalen Prinzips einer Person durchdrungen.
Seit der Zeit der "Perestroika" begann die Isolation der russischen Kultur vom kulturellen Leben des Auslandes zu überwinden. Einwohner der UdSSR und später der Russischen Föderation konnten Bücher lesen und Filme sehen, die ihnen aus ideologischen Gründen zuvor nicht zugänglich waren. Viele Schriftsteller, denen die sowjetischen Behörden die Staatsbürgerschaft entzogen hatten, kehrten in ihre Heimat zurück. Es entstand ein einziger Raum russischer Kultur, der Schriftsteller, Künstler, Musiker, Regisseure und Schauspieler unabhängig von ihrem Wohnort vereinte. So leben zum Beispiel die Bildhauer E. I. Neizvestny (ein Grabdenkmal für N. S. Chruschtschow, ein Denkmal für die Opfer der stalinistischen Repressionen in Workuta) und M. M. Shemyakin (ein Denkmal für Peter I. in St. Petersburg) in den USA. Und die Skulpturen von V. A. Sidur, der in Moskau lebte („Für diejenigen, die an Gewalt starben“ usw.), wurden in den Städten Deutschlands installiert. Die Regisseure N. S. Mikhalkov und A. S. Konchalovsky machen Filme im In- und Ausland.
Der radikale Zusammenbruch des politischen und wirtschaftlichen Systems führte nicht nur zur Befreiung der Kultur von ideologischen Fesseln, sondern machte auch eine Anpassung an den Abbau, teilweise sogar den vollständigen Wegfall der staatlichen Förderung erforderlich. Die Kommerzialisierung von Literatur und Kunst hat zur Verbreitung von Werken geführt, die keinen hohen künstlerischen Wert haben. Andererseits wenden sich die besten Vertreter der Kultur auch unter den neuen Bedingungen der Analyse der akutesten sozialen Probleme zu und suchen nach Wegen zur spirituellen Verbesserung des Menschen. Zu diesen Werken gehören insbesondere die Werke der Filmregisseure V. Yu. Abdrashitov ("Dancer's Time"), N. S. Mikhalkov ("Burnt by the Sun", "The Barbier of Siberia"), V. P. Todorovsky ("Country of the Deaf “) , S. A. Solovieva („Zartes Alter“).
Musikalische Kunst. Vertreter Russlands leisteten einen wichtigen Beitrag zur weltweiten Musikkultur des 20. Jahrhunderts. Die größten Komponisten, deren Werke wiederholt in Konzertsälen und Opernhäusern in vielen Ländern der Welt aufgeführt wurden, waren S. S. Prokofjew (symphonische Werke, die Oper Krieg und Frieden, die Ballette Aschenputtel, Romeo und Julia), D. D. Schostakowitsch (6 , Oper „Lady Macbeth aus dem Distrikt Mzensk“), A. G. Schnittke (3. Symphonie, Requiem). Weltberühmt waren die Opern- und Ballettaufführungen des Bolschoi-Theaters in Moskau. Auf seiner Bühne standen sowohl Werke des klassischen Repertoires als auch Werke von Komponisten der Sowjetzeit - T. N. Khrennikov, R. K. Shchedrin, A. Ya. Eshpay.
Eine ganze Konstellation von talentierten Musikern und Opernsängern, die weltweite Berühmtheit erlangten, arbeitete im Land (Pianisten E. G. Gilels, S. T. Richter, Geiger D. F. Oistrach, Sänger S. Ya. Lemeshev, E. V. Obraztsova). Einige von ihnen konnten sich mit dem harten ideologischen Druck nicht abfinden und mussten ihre Heimat verlassen (Sängerin G. P. Vishnevskaya, Cellist M. L. Rostropovich).
Auch die Musiker, die Jazzmusik spielten, standen unter ständigem Druck – sie wurden als Anhänger der „bürgerlichen“ Kultur kritisiert. Trotzdem gewannen Jazzorchester unter der Leitung des Sängers L. O. Utyosov, des Dirigenten O. L. Lundstrem und des brillanten Improvisationstrompeters E. I. Rozner in der Sowjetunion immense Popularität.
Die am weitesten verbreitete Musikrichtung war der Schlager. Die Werke der talentiertesten Autoren, denen es gelang, den momentanen Opportunismus in ihrer Arbeit zu überwinden, wurden schließlich zu einem festen Bestandteil der Volkskultur. Dazu gehören insbesondere „Katyusha“ von M. I. Blanter, „The Volga Flows“ von M. G. Fradkin, „Hope“ von A. N. Pakhmutova und viele andere Lieder.
In den 60er Jahren. In das kulturelle Leben der sowjetischen Gesellschaft trat das Lied des Autors ein, in dem sich professionelle und Amateuranfänge schlossen. Die Arbeit von Barden, die in der Regel in einem informellen Rahmen auftraten, wurde nicht von kulturellen Institutionen kontrolliert. In den Liedern, die mit der Gitarre von B. Sh. Okudzhava, A. A. Galich, Yu. Die kreative Arbeit von V. S. Vysotsky, der die Talente eines Dichters, Schauspielers und Sängers vereinte, war erfüllt von starkem bürgerlichem Pathos und einer Vielzahl von Genres.
In den 70-80er Jahren erhielt es noch tiefere soziale Inhalte. Sowjetische Rockmusik. Seine Vertreter - A. V. Makarevich (die Gruppe "Time Machine"), K. N. Nikolsky, A. D. Romanov ("Resurrection"), B. B. Grebenshchikov ("Aquarium") - schafften es, von der Nachahmung westlicher Musiker zu unabhängigen Werken überzugehen, die zusammen mit den Liedern von Barden, waren die Folklore der urbanen Ära.
Die Architektur. In den 20-30er Jahren. die Köpfe der Architekten beschäftigten sich mit der Idee der sozialistischen Umgestaltung der Städte. So wurde Anfang der 1920er Jahre der erste Plan dieser Art - "Neues Moskau" - entwickelt. A. V. Shchusev und V. V. Zholtovsky. Es entstanden Projekte für neue Wohnungstypen - Gemeinschaftshäuser mit sozialisierter Verbraucherversorgung, öffentliche Gebäude - Arbeiterklubs und Kulturpaläste. Der vorherrschende Baustil war der Konstruktivismus, der die funktionale Zweckmäßigkeit der Planung, eine Kombination verschiedener, geometrisch klar definierter Formen und Details, äußere Einfachheit und das Fehlen von Dekorationen vorsah. Die kreative Suche des sowjetischen Architekten K. S. Melnikov (Klub benannt nach I. V. Rusakov, sein eigenes Haus in Moskau) erlangte weltweite Berühmtheit.
Mitte der 30er Jahre. In den 1990er Jahren wurde der Generalplan für den Wiederaufbau Moskaus verabschiedet (Sanierung des zentralen Teils der Stadt, Verlegung von Autobahnen, Bau der U-Bahn), ähnliche Pläne wurden für andere Großstädte entwickelt. Gleichzeitig wurde die Gestaltungsfreiheit der Architekten durch die Weisungen des „Führers der Völker“ eingeschränkt. Der Bau pompöser Bauwerke begann, die seiner Meinung nach die Idee der Macht der UdSSR widerspiegelten. Das Aussehen der Gebäude hat sich verändert - der Konstruktivismus wurde allmählich durch den "stalinistischen" Neoklassizismus ersetzt. Elemente der klassizistischen Architektur sind beispielsweise im Erscheinungsbild des Zentraltheaters der Roten Armee in den Moskauer U-Bahn-Stationen deutlich zu erkennen.
Grandiose Bauten entfalteten sich in den Nachkriegsjahren. In alten Städten entstanden neue Wohngebiete. Das Bild von Moskau wurde durch die im Bereich des Gartenrings errichteten „Wolkenkratzer“ sowie den Neubau der Universität auf den Lenin-(Sperlings-)Hügeln aktualisiert. Seit Mitte der 50er Jahre. Die Hauptrichtung des Wohnungsbaus hat sich zum Massenplattenbau entwickelt. Städtische Neubauten, die "architektonische Exzesse" losgeworden waren, erhielten ein langweiliges, eintöniges Aussehen. In den 60-70er Jahren. In den republikanischen und regionalen Zentren entstanden neue Verwaltungsgebäude, unter denen sich die regionalen Komitees der KPdSU durch ihre Großartigkeit auszeichneten. Auf dem Territorium des Moskauer Kreml wurde der Kongresspalast errichtet, dessen architektonische Motive vor dem Hintergrund der historischen Entwicklung dissonant klingen.
Im letzten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts eröffneten sich große Möglichkeiten für die kreative Arbeit von Architekten. Während des Baus trat neben dem Staat auch privates Kapital als Auftraggeber auf. Russische Architekten entwickeln Projekte für Gebäude von Hotels, Banken, Einkaufszentren, Sportanlagen und interpretieren auf kreative Weise das Erbe von Klassizismus, Moderne und Konstruktivismus. Der Bau von Villen und Landhäusern ist wieder in die Praxis umgesetzt worden, von denen viele nach individuellen Projekten gebaut werden.

In der sowjetischen Kultur wurden zwei entgegengesetzte Tendenzen beobachtet: politisierte Kunst, die die Realität verschönert, und Kunst, die formal sozialistisch ist, aber im Wesentlichen die Realität kritisch reflektiert (aufgrund der bewussten Position des Künstlers oder Talents, Überwindung von Zensurhindernissen). Es war die letztere Richtung (zusammen mit den besten im Exil geschaffenen Werken), die Proben lieferte, die in den goldenen Fundus der Weltkultur aufgenommen wurden.

O. V. Volobuev "Russland und die Welt".

Kreativität ist eine Tätigkeit, die etwas qualitativ Neues hervorbringt und sich durch Originalität, Originalität und gesellschaftsgeschichtliche Einzigartigkeit auszeichnet. Kreativität ist spezifisch für eine Person, da es sich immer um einen Schöpfer handelt - das Subjekt kreativer Aktivität. Kreative Aktivität ist ein einzigartiges Merkmal der menschlichen Rasse. Es ist facettenreich und manifestiert sich in allen Bereichen der materiellen und geistigen Kultur, wobei jedes seine eigenen Besonderheiten erhält, aber dennoch eine allgemein bedeutsame Version behält. Die Bedeutung kreativer Aktivität liegt gerade in der Bildung einer Person als aktivem Subjekt sozialer Aktivität. In diesem Aspekt fungiert Kreativität als notwendiges Attribut der Kultur.

Die generische menschliche Essenz ist eine Reihe solcher menschlicher Eigenschaften, die sich in jeder einzelnen Persönlichkeit manifestieren und von Vertretern der menschlichen Rasse während ihrer gesamten Existenz bewahrt werden. Dies ist die Konzentration der stabilsten Beziehungen, in die die menschliche Persönlichkeit eintritt. In Wechselwirkung mit der Natur manifestiert eine Person die erste Eigenschaft des generischen Wesens, ihre natürliche Körperlichkeit oder Objektivität. Das erste Objekt, das sich ein Mensch im Laufe seines Lebens aneignet, ist sein Körper. Im Prozess der zielgerichteten Interaktion mit der Natur - der Arbeit - verwendet eine Person bestimmte Werkzeuge, um ihr Ziel zu erreichen. Das objektive Ergebnis menschlicher Arbeit ist Yavl. Sowohl die Verbesserung der Person selbst als auch der durch menschliche Arbeit geschaffenen Objekte. Die zweite Manifestation des generischen menschlichen Wesens wird als Ergebnis eines natürlichen menschlichen Bedürfnisses in einer Gesellschaft von Menschen gebildet und manifestiert sich in der menschlichen Sozialität, der Öffentlichkeit und der Beseeltheit, die als Ergebnis ihrer Manifestation entsteht. Da der Mensch von Geburt an in einer bestimmten Gesellschaft lebt, kann er sein ganzes Leben lang nicht auf eine Gesellschaft von Menschen verzichten. Die dritte Manifestation schließlich ist die Spiritualität einer Person nach ihrer Humanisierung (diese manifestiert sich vollständig nach dem Auftreten von Erfahrungen in einer Person). Echte menschliche Spiritualität wird als Wertbeziehung definiert, deren Hauptexistenzform Yavl ist. Erfahrung von Bedeutung. Wert ist die Bedeutung eines Objekts, einer Person oder eines Phänomens, die sich im Prozess des Erlebens für die erfahrende Person offenbart. Kreativität sollte als Quelle von etwas Ewigem, Beständigem in der Kultur interpretiert werden.

Schaffung. Konzept und Essenz. Arten von Kreativität.

Kreativität ist eine Tätigkeit, die etwas qualitativ Neues hervorbringt und sich durch Originalität, Originalität und gesellschaftsgeschichtliche Einzigartigkeit auszeichnet. Kreativität ist personenspezifisch, weil sie immer einen Schöpfer voraussetzt – das Subjekt schöpferischer Tätigkeit.

Es ist üblich, Arten kreativer Aktivität in Übereinstimmung mit der Art des Denkens zu unterscheiden, die jeder von ihnen zugrunde liegt. Auf der Grundlage von konzeptionellem und logischem Denken entwickelt sich wissenschaftliche Kreativität, auf der Grundlage eines ganzheitlich-figurativen - künstlerischen, auf der Grundlage von konstruktiv-figurativer - Gestaltung, auf der Grundlage von konstruktiv-logischer - technischer. Betrachten Sie die Merkmale des kreativen Prozesses in Wissenschaft, Technologie, Kunst und Design. Lotman nennt Kultur und Kunst zwei Arten, die Welt zu sehen, oder „die Augen der Kultur“. Mit Hilfe der Wissenschaft begreift die Kultur das Bestehende und Natürliche, und die Kunst ist das Leben des Unerfahrenen, das Studium des Nie-Vorherigen, das Beschreiten von Wegen, die von der Kultur nicht beschritten wurden. Der kreative Prozess in der Wissenschaft ist durch Logik und Fakten begrenzt, das wissenschaftliche Ergebnis spiegelt den aktuellen Stand des wissenschaftlichen Weltbildes wider, und das Ziel wissenschaftlicher Kreativität ist das Streben nach objektiver Wahrheit. Beim künstlerischen Schaffen ist der Autor durch die Grenzen seines eigenen Talents und Könnens, seiner moralischen Verantwortung und seines ästhetischen Geschmacks begrenzt. Der Prozess des künstlerischen Schaffens umfasst gleichermaßen bewusste und unbewusste Momente, ein Kunstwerk wird wie ein zunächst offenes System, ein Text, der in einem bestimmten Kontext existiert und einen inneren unausgesprochenen Subtext hat. Als Ergebnis künstlerischen Schaffens ist ein Kunstwerk die Verkörperung der inneren Welt des Künstlers, neu erschaffen in einer allgemein bedeutsamen, selbstwertvollen Form. Die technische Kreativität wird durch die gegenwärtigen Bedürfnisse der Zivilisation bedingt, um den größten Komfort und die maximale Anpassung an die Umgebung zu erreichen. Das Ergebnis technischer Kreativität ist ein technisches Gerät, ein Mechanismus, der die Bedürfnisse eines Menschen am besten erfüllt. Designkreativität entsteht an der Schnittstelle von technischer und künstlerischer Kreativität und zielt darauf ab, eine Sache zu schaffen, die nicht nur eine funktionale und zweckmäßige, sondern auch eine ausdrucksstarke äußere Form hat. Das Ergebnis der gestalterischen Kreativität ist die Rekonstruktion des Objekts menschliche Umwelt. Designkunst lässt die vergessene These der antiken Kultur wieder aufleben: „Der Mensch ist das Maß aller Dinge.“ Designer stehen vor der Aufgabe, Dinge zu schaffen, die einer Person entsprechen, ein solches häusliches und industrielles Umfeld zu schaffen, das zur effektivsten Lösung von Produktionsproblemen beiträgt und die maximale Verwirklichung der Fähigkeiten und Absichten einer Person ermöglicht. Kreativität ist eine unabdingbare Voraussetzung für das Entstehen von Kultur und die Verwirklichung der generischen menschlichen Essenz. In der Kreativität drückt sich eine Person als freie Individualität aus und ist befreit von jeglichen äußeren Einschränkungen, die sich erstens auf die körperlichen Fähigkeiten einer Person beziehen: physisch, physiologisch und geistig, und zweitens auf das soziale Leben einer Person. Kreativität als wertvoller Prozess vollzieht sich, wenn sie unter bestimmten soziokulturellen Bedingungen stattfindet: gesellschaftlich, wirtschaftlich, politisch, moralisch und religiös, rechtlich und weltanschaulich, unter Vorgabe eines bestimmten aktuellen kulturellen Niveaus, sie setzt sich bisher nie dagewesene Ziele, wird in einem umgesetzt Suche, selektiver Weg und erhält Ergebnis, wodurch das Maß an Freiheit des Schöpfers erweitert wird. Es ist Kreativität, wenn sich ein Mensch auf seine spirituelle Seite konzentriert, die zur Befreiung eines Menschen von den störenden Konventionen der umgebenden Welt beiträgt. Kultur und Kreativität machen den Menschen frei von der Unterdrückung seiner Geschlechts- und Altersparameter, von der Unterdrückung der Gemeinschaftlichkeit und vom Diktat des Massencharakters und der Standardisierung. Kreativität als Seinskultur und Selbstverwirklichung des Individuums wird zu einem Mechanismus zur Bewahrung der einzigartigen menschlichen Individualität und des Selbstwertes des Individuums. Der Schöpfer ist HOMO FABER – ein menschlicher Schöpfer, der sich über die natürliche Umgebung erhoben hat, über die alltäglichen Bedürfnisse, über die Erschaffung von nur praktisch Notwendigem. Folglich ist die erste aller möglichen Manifestationen von Kreativität die Bildung einer kreativen Persönlichkeit.

Ein kreativer Mensch, unabhängig von seinem Tätigkeitsbereich, zeichnet sich in der Regel durch hohe Intelligenz, entspanntes Denken, einfache Assoziation, furchtloses Spiel mit Ideen und gleichzeitig die Fähigkeit aus, logische Schemata aufzubauen und Abhängigkeiten und Muster herzustellen. Ein kreativer Mensch muss unabhängig von Meinungen und Urteilen, Einschätzungen und der Fähigkeit sein, seinen Standpunkt richtig und angemessen zu beweisen und zu verteidigen. Zunächst einmal sind Wachsamkeit bei der Suche nach einem Problem und die Fähigkeit, Fragen zu stellen, für einen kreativen Menschen wichtig. Eine kreative Person muss in der Lage sein, sich auf jedes Thema, jedes Thema oder Problem zu konzentrieren und lange Zeit daran festzuhalten, um die Aufmerksamkeit auf den Prozess der Suche nach einer heuristischen Lösung zu konzentrieren. Kreative Intelligenz zeichnet sich in der Regel durch die Fähigkeit aus, mit vage definierten Konzepten zu operieren, logische Widersprüche zu überwinden und die Fähigkeit zu haben, mentale Operationen einzuschränken und entfernte Konzepte näher zu bringen. Ein kreativer Mensch muss sich selbst und anderen gegenüber anspruchsvoll und selbstkritisch sein. Zweifel an allgemein anerkannten Wahrheiten, Rebellion und Ablehnung der Tradition müssen darin mit innerer Disziplin und Strenge gegen sich selbst verbunden sein. Kreative Menschen zeichnen sich durch Witz, Anfälligkeit für Komisches und die Fähigkeit aus, den Widerspruch wahrzunehmen und komisch zu begreifen. Psychologen stellen jedoch fest, dass die Begeisterung für eine kreative Aufgabe, die Loslösung von der Welt, zum Auftreten alltäglicher Zerstreutheit und der Zweitigkeit der Beziehungen zwischen Menschen führt, zu einem erhöhten Verlangen nach Selbstbestätigung.

Selbstbewusstsein „Ich“ ist immer individuell konkret. Es ist einzigartig und individuell in dem Sinne, dass es nicht weiter teilbar ist (von lat. Individuell, was wörtlich "unteilbar" bedeutet). Doch woher kommt diese einzigartige Individualität, wie wird sie bestimmt? Ist sie natürlich? Ist sie körperlich? Ist sie spirituell? Ist sie perfekt? Wer ist ihr Besitzer? Mann? Oder vielleicht die Gattung, die ihm Körperlichkeit verleiht? Eine Kultur, die Sprache, Normen, Verhaltens- und Denkmuster vorgibt? Was ist „ich“? Was ist ein Thema?

Die Persönlichkeit ist in der Tat eine „Matroschka-Puppe“, die viele andere ineinander versteckte Nistpuppen enthält. Oder eine Perle. Im Zentrum der Perle steht das Selbstbewusstsein, auf das Perlmutt geschichtet wird – die nachfolgenden Persönlichkeitsschichten: Bewusstsein, Identität, Körperlichkeit, Rollensystem, Aussehen, Eigentum, Familie, Arbeit, Freizeit usw. Ein Mann, sagte der spanische Philosoph X. Ortega y Gasset, ist ein Mann und seine Umstände. Aber in der Mitte gibt es einen Nagel, an dem die ganze Integrität dieser Eigenschaften hängt – das Selbstbewusstsein des „Ich“.

Von außen, in der Wahrnehmung anderer Menschen, wird die Integrität unseres individuell einzigartigen „Ich“ durch unseren Eigennamen fixiert oder mit Hilfe von Demonstrativpronomen „das“, „das“, „diese“ gegeben. Unter unserem eigenen Namen handeln wir als soziale Wesen, Charaktere von Situationen und Ereignissen. Aus unserer inneren Welt heraus wird das eigene „Ich“ als eine gewisse Einheit von Erfahrungen in diesen Situationen und Ereignissen, Erwartungen, Hoffnungen, Freuden wahrgenommen. In Erfahrungen, in spiritueller Erfahrung, erscheint das Leben als Kreativität und Selbstbestimmung des Einzelnen.

Eine Persönlichkeit gleicht gewissermaßen einem Künstler, der sein persönliches Leben in Form von Erfahrungen aus dem Material der ihn umgebenden Realität formt und prägt. Der Punkt liegt nicht in der Anzahl der Erfahrungen, sondern in ihrer Tiefe, der Fähigkeit des Einzelnen, Erfahrungen zu verstehen, Sinn in ihnen zu finden. Erfahrungen sind keine „Kartoffeln im Sack“, sondern Bewusstsein von Nicht-Zufall und Zusammenhang, Sinnhaftigkeit des Erlebten, Bewusstsein der eigenen Rolle im Erlebten, der eigenen Schuld und Verantwortung.

Zweifel und Ungehorsam

Die Fähigkeit zu eigenständigem Handeln setzt also eigenständiges Denken und damit irgendwann auch Zweifel voraus. Zweifel, Ungehorsam und Abweichung von Normen und Mustern sind in gewissem Sinne eine notwendige Bedingung für die Formung und Entwicklung einer Persönlichkeit, ihre Selbstbestimmung und Selbstorganisation.

Daher sind Entscheidungen, die nicht automatisch, sondern als Ergebnis einer bewussten Entscheidung getroffen werden, von besonderer Bedeutung. Es ist eine bewusste Entscheidung, die einen moralischen Wert darstellt, sie wird als notwendiger Schritt in der Persönlichkeitsbildung, der Inkarnation einer Person angenommen. Kein Wunder, dass "Gehorsam durch Ungehorsam" in Kunst und Religion so viel Aufmerksamkeit erregt: wenn eine Person eine Handlung nicht auf Befehl, nicht aus Gewohnheit, sondern durch eine bewusste Entscheidung ausführt.

Nicht-traditionelles Denken und Handeln, „Dissens“ und Abweichung von etablierten Stereotypen sind eine notwendige Bedingung für jede kreative Tätigkeit. Am Ursprung jeder Kreativität liegt die Unzufriedenheit des Menschen mit der bestehenden Ordnung der Dinge. Talentierte Menschen haben daher oft einen sogenannten schwierigen Charakter. Das menschliche Wesen selbst impliziert die Möglichkeit des Ungehorsams, der Abweichung von den Normen, daher unterscheidet sich der Gehorsam einer freien Person vom absoluten und bedingungslosen Gehorsam.

Kultur und Kreativität

Kreativität ist nicht nur das Schicksal herausragender Wissenschaftler, Politiker oder Künstler, sondern jedes Einzelnen, der durch seine Teilnahme am gesellschaftlichen Leben seine einzigartige Mission erfüllt. Das Leben, sowohl im beruflichen als auch im häuslichen Umfeld, bringt einen Menschen sehr oft in eine Situation, in der er mangels sozialer Verhaltensmuster gezwungen ist, Lösungen in sich selbst zu finden, um seine eigenen Erfahrungen selbstständig zu vervollständigen.

Im Alltagsbewusstsein werden Kultur und Kreativität oft gleichgesetzt. Es genügt, an Zeitungsmarken wie „Kultur- und Schaffenssphäre“, „Kultur und Kunst“ usw. zu erinnern. Allerdings ist die Beziehung zwischen Kultur und Kreativität nicht so einfach. Ist Kreativität tatsächlich eine bewusste oder unbewusste Aktivität? Ist es geplant und kontrolliert oder spontan, spontan und unfreiwillig? Im ersten Fall ist es eindeutig mit der Umsetzung kultureller Normen verbunden, im zweiten - hauptsächlich mit deren Verletzung, manchmal sogar gegen den Willen des Schöpfers. Und im Allgemeinen, ist Kreativität ein obligatorisches Moment der Kultur oder etwas Optionales?

Denn was ist Kultur? Es gibt viele Definitionen dieses Begriffs. Im Alltagsbewusstsein ist das etwas „Richtiges und Gutes“: Jemand gilt als „kulturell“, und jemand als „nicht“. In diesem Fall sprechen wir tatsächlich über Wert„Kultur verstehen als Wertesysteme(materielle und geistige) Menschen oder die Menschheit als Ganzes. In der Tat kann keine Gesellschaft existieren und sich entwickeln ohne die Sammlung effektiver Erfahrungen früherer Generationen, ohne Traditionen, Beispiele dafür, „wie man richtig lebt“.

Laut einem anderen - "technologisch"– Der Ansatz hat eine Kultur Lebensstil. Alle Menschen schlafen, essen, arbeiten, lieben, aber in jeder Gesellschaft tun sie es auf ihre eigene Weise. Als Ausdruck von Kultur werden hier „Alltagsleben und Bräuche“ bzw. die in einer Gemeinschaft akzeptierten Formen lebenswichtiger Handlungen verstanden. Im „technologischen“ Verständnis umfasst Kultur auch solche Phänomene, die aus der Sicht des Werteansatzes bedenklich sind, wie etwa die „Kultur der Unterwelt“, „die Technik des Einsatzes von Massenvernichtungsmitteln“. "

Es gibt auch eine Interpretation von Kultur, wenn nicht ausnahmslos alle Arten der Durchführung von Lebensaktivitäten als kulturell anerkannt werden, sondern nur diejenigen, die es sind zur Entwicklung, Verbesserung und Erhöhung des Menschen beitragen.

Fasst man diese Ansätze zusammen, kann man Kultur definieren als ein System der Generierung, Akkumulation, Speicherung, Übertragung (von Mensch zu Mensch und von Generation zu Generation) sozialer Erfahrung.

Kultur wird durch Kreativität zusammengehalten, sie nährt sich von ihr: sowohl in der Aufrechterhaltung alter Normen und Werte als auch in der Schaffung neuer. Kultur als heidnisches Idol fordert „Menschenopfer“, frisches Blut und junges Leben. Je "kultureller" die Kultur ist, desto starrer ist das Umfeld von Traditionen, dem sich ein kreativer Mensch stellen muss. Kreativität ist wie Magma, bereits verfestigte Schichten mit großer Mühe und Energieverschwendung zu durchbrechen, aber nur, um sich mit einer neuen Schicht zu ergießen und zu verfestigen. Und für die nächsten Macher wird es noch schwieriger.

Es ist ziemlich schwierig, Kreativität von ihrem spiegelbildlichen Gegenstück zu unterscheiden – der negativen sozialen Abweichung, die bereits erwähnt wurde. Es ist kein Zufall, dass Zeitgenossen oft keine Grenze zwischen dem Verhalten des Täters und des Schöpfers ziehen und dessen Tätigkeit als Verbrechen gegen die Moral, die Religion oder einen Rechtsbruch betrachten. Sokrates, der Mitbürgern „unnötige“ Fragen stellte, wurde zum Tode verurteilt. Schwere Strafen erwarteten D. Bruno und G. Galileo, die bezweifelten, dass sich die Sonne um die Erde dreht. Auf den ersten Impressionisten-Ausstellungen forderten empörte Zuschauer die Verhaftung von „Hooligans“. Ungefähr dasselbe passierte bei den ersten Ausstellungen russischer Wanderer. Relativitätstheorie und Quantenmechanik wurden von Zeitgenossen als intellektuelles Rowdytum wahrgenommen. Die Geschichte ist voll von Beispielen für die Repressalien edler, aber undankbarer Zeitgenossen und Stammesgenossen gegenüber den Schöpfern, die im Laufe der Zeit feierlich in das Pantheon der Heiligen aufgenommen wurden.

Kreativität ist nicht in jeder Kultur wünschenswert. Ja, und der größte Teil der Menschheitsgeschichte ist von den sogenannten traditionellen Kulturen besetzt, deren Leben vollständig von der Treue zur Tradition bestimmt wurde, die von jeder neuen Generation repliziert wurde. Jegliche Abweichung von traditionellen Normen und Regeln wurde in solchen Gesellschaften gnadenlos unterdrückt, die „Schöpfer“ entweder vertrieben oder massiv unterdrückt. Eine starke Beschleunigung der zivilisatorischen Entwicklung ist der Kultur zu verdanken, die sich im Einklang mit der jüdisch-christlichen Tradition mit ihrer besonderen Aufmerksamkeit für das Individuum, seine Freiheit und damit Kreativität entwickelt hat. Gerade und vielleicht nur in dieser Kultur, die immer noch das Gesicht der modernen Zivilisation bestimmt, die auf die Transformation der Umwelt ausgerichtet ist, wird Kreativität als Wert angesehen. Darüber hinaus entstehen in der modernen Zivilisation Institutionen, deren Existenz gerade auf Kreativität abzielt: kreative Vereinigungen, wissenschaftliche Institute oder politische Parteien.

Die Tragödie der Beziehung zwischen Kreativität und Kultur besteht darin, dass ihre Beziehung nicht symmetrisch ist. Moderne Kultur braucht Kreativität, aber Kreativität kann nicht auf Kultur zählen, sondern muss sie überwinden und zu einer neuen Kultur werden. Normativität und Typizität sind für Kreativität in dem Sinne notwendig, dass sie nicht umgangen werden können. In der Kunst sind dies typische Bilder, die spezifische ethnische, nationale und Altersmerkmale ausdrücken. In der Wissenschaft ist es ein mathematischer Apparat, der es erlaubt, ein Phänomen auf abstrakte gesetzmäßige Erklärungen zu reduzieren. Aber Kreativität kann ihre Kraft nur aus der menschlichen Freiheit und dem menschlichen Herzen schöpfen – sie kann nicht auf Kultur zählen. Was Kultur im Sinn hat, ist nicht Kreativität, sondern Reproduktion, und paradoxerweise braucht Kultur sie nicht, sie schadet ihr. Wie ein Vampir braucht sie frisches Blut und Energie, das intensive Schlagen eines lebendigen Herzens und keine toten, ausgearbeiteten allgemeinen Formen.

Kultur programmiert die Persönlichkeit, strebt danach, nicht nur das Verhalten der Persönlichkeit, sondern auch ihr Bewusstsein, Denken, Fühlen typisch zu machen. In der Kreativität aber ist das Wesentliche nicht so sehr vorbestimmt, sondern beispiellos, anormal. Daher basiert Kreativität auf Strukturen, die neue Formen universeller menschlicher Erfahrung in neuen historischen Umständen fixieren. Kreativität setzt immer ein neues Bild voraus, eine Prophezeiung über die Zukunft. Kreativität ist nicht retrospektiv, nicht reproduktiv, sondern perspektivisch und produktiv. Kreativität ist nicht nur eine Kombination von unveränderlichen semantischen Einheiten der Kultur, sondern auch die Schaffung neuer, basierend auf der individuellen Tragödie des Daseins. Kreativität ist zerstörerisch für die traditionelle vertraute Welt. Schöpferische Schemata, Formeln und Bilder, die auf die endgültigen Bedeutungen der Geschichte des menschlichen Lebens ausgerichtet sind, gibt es in jeder Kultur, aber ihre Rolle und Bedeutung nimmt im Laufe der Entwicklung der Zivilisation zu.