Künstlerisches Bild

typisches Bild
Bildmotiv
topos
Archetyp.

Künstlerisches Bild. Das Konzept des künstlerischen Bildes. Funktionen und Aufbau des künstlerischen Bildes.

Künstlerisches Bild- eine der Hauptkategorien der Ästhetik, die die nur der Kunst innewohnende Art der Darstellung und Transformation der Realität charakterisiert. Als Bild wird auch jedes Phänomen bezeichnet, das der Autor in einem Kunstwerk kreativ nachgebildet hat.
Das künstlerische Bild ist eines der Mittel, die Welt zu kennen und zu verändern, eine synthetische Form der Reflexion und des Ausdrucks von Gefühlen, Gedanken, Bestrebungen und ästhetischen Emotionen des Künstlers.
Seine Hauptfunktionen sind: kognitiv, kommunikativ, ästhetisch, erzieherisch. Erst in ihrer Gesamtheit offenbaren sie die spezifischen Züge des Bildes, jeder einzelne charakterisiert nur eine Seite davon; eine isolierte Betrachtung einzelner Funktionen verarmt nicht nur die Vorstellung des Bildes, sondern führt auch zum Verlust seiner Spezifität als besondere Form des gesellschaftlichen Bewusstseins.
In der Struktur des künstlerischen Bildes spielen Identifikations- und Transfermechanismen die Hauptrolle.
Der Identifizierungsmechanismus führt die Identifizierung des Subjekts und des Objekts durch, in dem ihre individuellen Eigenschaften, Qualitäten, Zeichen zu einem einzigen Ganzen kombiniert werden; außerdem ist die Identifikation nur partiell, stark eingeschränkt: Sie entlehnt nur ein Merkmal oder eine begrenzte Anzahl von Merkmalen der objektiven Person.
In der Struktur des künstlerischen Bildes erscheint die Identifikation in Einheit mit einem anderen wichtigen Mechanismus primärer mentaler Prozesse - der Übertragung.
Übertragung wird durch die Tendenz unbewusster Triebe verursacht, sich auf der Suche nach Wegen der Befriedigung assoziativ auf alle neuen Objekte zu richten. Dank der Übertragung wird entlang der assoziativen Reihe eine Repräsentation durch eine andere ersetzt, und die Übertragungsobjekte verschmelzen, wodurch in Träumen und Neurosen das sogenannte entsteht. Verdickung.

Konflikt als Grundlage der Handlungsseite der Arbeit. Der Begriff „Motiv“ in der russischen Literaturkritik.

Die wichtigste Funktion der Handlung ist das Aufdecken der Widersprüche des Lebens, d.h. Konflikte (in Hegels Terminologie - Kollisionen).

Konflikt- Konfrontation mit einem Widerspruch entweder zwischen Charakteren oder zwischen Charakteren und Umständen oder innerhalb eines Charakters, der der Handlung zugrunde liegt. Handelt es sich um eine kleine epische Form, dann entwickelt sich die Handlung auf der Grundlage eines einzigen Konflikts. Bei großvolumigen Werken nimmt die Anzahl der Konflikte zu.

Konflikt- der Kern, um den sich alles dreht. Die Handlung gleicht am wenigsten einer durchgezogenen, durchgehenden Linie, die Anfang und Ende der Ereignisreihe verbindet.

Stadien der Konfliktentwicklung- Haupthandlungselemente:

Lyrisch-epische Genres und ihre Besonderheiten.

Lyrische epische Genres offenbaren Verbindungen innerhalb der Literatur: von Lyrik - ein Thema, von Epos - eine Handlung.

Die Kombination einer epischen Erzählung mit einem lyrischen Anfang - ein direkter Ausdruck der Erfahrungen, Gedanken des Autors

1. Gedicht. – Genreinhalte können entweder episch oder lyrisch sein. (In dieser Hinsicht wird die Handlung entweder erweitert oder reduziert). In der Antike und dann in der Epoche des Mittelalters, der Renaissance und des Klassizismus wurde das Gedicht in der Regel synonym mit der epischen Gattung wahrgenommen und geschaffen. Mit anderen Worten, es handelte sich um literarische Epen oder epische (Helden-)Gedichte. Das Gedicht hat keine direkte Abhängigkeit von der Methode, es ist gleichermaßen in der Romantik ("Mtsyri"), im Realismus ("Der eherne Reiter"), in der Symbolik ("12") vertreten ...

2. Ballade. - (franz. „Tanzlied“) und in diesem Sinne ein spezifisch romantisch erzählendes poetisches Werk. In der zweiten Bedeutung des Wortes ist die Ballade ein Folklore-Genre; Dieses Genre charakterisiert die anglo-schottische Kultur des 14. bis 16. Jahrhunderts.

3. Fabel ist eines der ältesten Genres. Die Poetik der Fabel: 1) satirische Ausrichtung, 2) Didaktik, 3) allegorische Form, 4) ein Merkmal der Gattungsform yavl. Die Aufnahme einer speziellen kurzen Strophe in den Text (am Anfang oder am Ende) - Moral. Die Fabel ist mit dem Gleichnis verbunden, außerdem ist die Fabel genetisch mit dem Märchen, der Anekdote und später der Kurzgeschichte verbunden. Fabeltalente sind selten: Aesop, Lafontaine, I.A. Krylov.

4. Lyrischer Kreislauf- Dies ist eine Art Genrephänomen im Bereich des lyrischen Epos, von dem jedes Werk ein lyrisches Werk war und bleibt. Alle zusammen bilden diese lyrischen Werke einen "Kreis": das verbindende Prinzip ist Yavl. Thema und lyrischer Held. Zyklen werden als "ein Moment" erstellt und es kann Zyklen geben, die der Autor über viele Jahre hinweg bildet.

Grundbegriffe der poetischen Sprache und ihr Platz im literarischen Schulunterricht.

POETISCHE SPRACHE, künstlerische Sprache, ist die Sprache der poetischen (poetischen) und prosaischen literarischen Werke, ein System von Mitteln des künstlerischen Denkens und der ästhetischen Entwicklung der Realität.
Im Gegensatz zur üblichen (praktischen) Sprache, in der die kommunikative Funktion im Vordergrund steht (siehe Funktionen der Sprache), in P. I. die ästhetische (poetische) Funktion dominiert, deren Umsetzung die sprachlichen Repräsentationen selbst (phonisch, rhythmisch, strukturell, figurativ-semantisch etc.) stärker in den Fokus rückt, so dass sie selbst zu wertvollen Ausdrucksmitteln werden. Die allgemeine Bildhaftigkeit und künstlerische Originalität von lit. Werke werden durch das Prisma von P. I. wahrgenommen.
Die Unterscheidung zwischen gewöhnlichen (praktischen) und poetischen Sprachen, dh den eigentlichen kommunikativen und poetischen Funktionen der Sprache, wurde in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts vorgeschlagen. Vertreter von OPOYAZ (siehe). P. Ya. unterscheidet sich ihrer Meinung nach von der üblichen Greifbarkeit seiner Konstruktion: Es lenkt die Aufmerksamkeit auf sich, verlangsamt in gewissem Sinne das Lesen und zerstört den üblichen Automatismus der Textwahrnehmung; Die Hauptsache darin ist, „zu überleben, Dinge zu tun“ (V. B. Shklovsky).
Laut R. O. Yakobson, der OPOYAZ im Verständnis von P. Ya. nahe steht, ist die Poesie selbst nichts anderes als „eine Aussage mit einer Haltung zum Ausdruck (...). Poesie ist Sprache in ihrer ästhetischen Funktion.
P. ich. eng verbunden einerseits mit der Literatursprache (siehe), die ihre normative Grundlage darstellt, und andererseits mit der Nationalsprache, aus der sie beispielsweise verschiedene charakterologische Sprachmittel bezieht. Dialektismen bei der Übertragung der Sprache von Figuren oder zur Schaffung einer Lokalkolorit des Dargestellten. Das poetische Wort erwächst aus dem realen Wort und in ihm, wird im Text motiviert und erfüllt eine gewisse künstlerische Funktion. Daher kann im Prinzip jedes Zeichen einer Sprache ästhetisch sein.

19. Der Begriff der künstlerischen Methode. Die Geschichte der Weltliteratur als Geschichte des Wandels künstlerischer Methoden.

Die künstlerische Methode (kreative Methode) ist eine Reihe der allgemeinsten Prinzipien der ästhetischen Assimilation der Realität, die sich in der Arbeit einer bestimmten Gruppe von Schriftstellern, die eine Richtung, einen Trend oder eine Schule bilden, konsequent wiederholt.

O.I. Fedotov stellt fest, dass sich „das Konzept der „kreativen Methode“ nicht wesentlich von dem Konzept der „künstlerischen Methode“ unterscheidet, aus dem es hervorgegangen ist, obwohl sie versucht haben, es anzupassen, um eine größere Bedeutung auszudrücken – als eine Möglichkeit, das soziale Leben zu studieren oder als die Grundprinzipien (Stile) ganzer Trends.

Der Begriff der künstlerischen Methode taucht in den 1920er Jahren auf, als Kritiker des Russischen Verbandes proletarischer Schriftsteller (RAPP) diese Kategorie aus der Philosophie entlehnten und damit die Entwicklung ihrer literarischen Bewegung und die Tiefe des kreativen Denkens „proletarischer“ Schriftsteller.

Die künstlerische Methode ist ästhetischer Natur, sie repräsentiert die historisch bedingten allgemeinen Formen emotional gefärbten figurativen Denkens.

Kunstobjekte sind die ästhetischen Qualitäten der Realität, d.h. „die breite soziale Bedeutung der Phänomene der Realität, die in die soziale Praxis hineingezogen und von wesentlichen Kräften geprägt sind“ (Yu. Borev). Das Thema Kunst wird als historisch veränderliches Phänomen verstanden, und Veränderungen werden von der Art der gesellschaftlichen Praxis und der Entwicklung der Realität selbst abhängen. Die künstlerische Methode ist analog zum Kunstgegenstand. So lassen sich die historischen Veränderungen der künstlerischen Methode sowie die Entstehung einer neuen künstlerischen Methode nicht nur durch die historischen Veränderungen des Kunstgegenstandes, sondern auch durch die historische Veränderung der ästhetischen Qualitäten der Wirklichkeit erklären. Das Fach Kunst enthält das Lebenselixier der künstlerischen Methode. Die künstlerische Methode ist das Ergebnis einer kreativen Reflexion eines Kunstobjekts, das durch das Prisma der allgemeinen philosophischen und politischen Weltanschauung des Künstlers wahrgenommen wird. „Die Methode erscheint uns immer nur in ihrer konkreten künstlerischen Verkörperung – ​​in der lebendigen Materie des Bildes. Diese Angelegenheit des Bildes entsteht als Ergebnis der persönlichen, engsten Interaktion des Künstlers mit der konkreten Welt um ihn herum, die den gesamten künstlerischen und gedanklichen Prozess bestimmt, der zur Schaffung eines Kunstwerks erforderlich ist“ (L. I. Timofeev)

Die kreative Methode ist nichts anderes als eine Projektion von Bildern in einen bestimmten konkreten historischen Rahmen. Erst in ihr erhält die bildliche Wahrnehmung des Lebens ihre konkrete Verwirklichung, d.h. verwandelt sich in ein bestimmtes, organisch entstandenes System von Charakteren, Konflikten, Handlungssträngen.

Die künstlerische Methode ist kein abstraktes Auswahl- und Verallgemeinerungsprinzip der Wirklichkeitsphänomene, sondern ein historisch bedingtes Verständnis derselben im Lichte der Hauptfragen, die das Leben der Kunst auf jeder neuen Stufe ihrer Entwicklung stellt.

Die Vielfalt der künstlerischen Methoden in derselben Epoche erklärt sich aus der Rolle der Weltanschauung, die als wesentlicher Faktor bei der Bildung der künstlerischen Methode fungiert. In jeder Periode der Kunstentwicklung tauchen je nach gesellschaftlicher Situation verschiedene künstlerische Methoden gleichzeitig auf, da die Epoche von Künstlern unterschiedlich betrachtet und wahrgenommen wird. Die Nähe ästhetischer Positionen bestimmt die Einheit der Methode einer Reihe von Schriftstellern, die mit der Gemeinsamkeit ästhetischer Ideale, der Verwandtschaft der Charaktere, der Homogenität von Konflikten und Handlungen und der Art des Schreibens verbunden ist. So sind zum Beispiel K. Balmont, V. Bryusov, A. Blok mit Symbolik verbunden.

Die Methode des Künstlers wird durchfühlt Stil seine Werke, d.h. durch die individuelle Manifestation der Methode. Da die Methode eine künstlerische Denkweise ist, ist die Methode die subjektive Seite des Stils, weil. Diese Art des figurativen Denkens führt zu bestimmten ideologischen und künstlerischen Merkmalen der Kunst. Methodenbegriff und individueller Stil des Schriftstellers korrelieren als Gattungs- und Artbegriff.

Interaktion Methode und Stil:

§ Stilvielfalt innerhalb einer Kreativmethode. Dies wird durch die Tatsache bestätigt, dass Vertreter dieser oder jener Methode nicht an einen Stil angrenzen;

§ stilistische Einheit ist nur innerhalb derselben Methode möglich, da auch die äußerliche Ähnlichkeit der Werke von Autoren derselben Methode keinen Anlass gibt, sie als einen einzigen Stil zu klassifizieren;

§ Umgekehrter Einfluss des Stils auf die Methode.

Die volle Nutzung der Stiltechniken von Künstlern, die einer Methode benachbart sind, ist mit der konsequenten Beachtung der Prinzipien der neuen Methode unvereinbar.

Zusammen mit dem Konzept der kreativen Methode, dem Konzept Richtung oder Art der Kreativität, die sich in den unterschiedlichsten Formen und Zusammenhängen in jeder im literaturgeschichtlichen Entwicklungsprozess entstehenden Methode manifestieren werden, da sie die allgemeinen Eigenschaften der figurativen Widerspiegelung des Lebens zum Ausdruck bringen. In ihrer Gesamtheit bilden die Methoden literarische Strömungen (bzw. Strömungen: Romantik, Realismus, Symbolismus etc.).

Die Methode bestimmt nur die Richtung der kreativen Arbeit des Künstlers, nicht seine individuellen Eigenschaften. Die künstlerische Methode interagiert mit der kreativen Individualität des Autors

Der Begriff „Stil“ ist nicht identisch mit dem Begriff "schöpferische Individualität des Schriftstellers". Der Begriff „gestalterische Individualität“ ist weiter gefasst als der enge Begriff „Stil“. Im Stil von Schriftstellern manifestieren sich eine Reihe von Eigenschaften, die in ihrer Gesamtheit die schöpferische Individualität von Schriftstellern charakterisieren. Das konkrete und wirkliche Ergebnis dieser Eigenschaften in der Literatur ist der Stil. Der Schriftsteller entwickelt auf der Grundlage dieser oder jener künstlerischen Methode seinen eigenen individuellen Stil. Wir können sagen, dass die schöpferische Individualität des Schriftstellers eine notwendige Bedingung für die Weiterentwicklung jeder künstlerischen Methode ist. Von einer neuen künstlerischen Methode können wir sprechen, wenn neue Einzelphänomene, die von den schöpferischen Individualitäten der Schriftsteller geschaffen wurden, allgemein werden und in ihrer Gesamtheit eine neue Qualität darstellen.

Die künstlerische Methode und kreative Individualität des Schriftstellers manifestiert sich in der Literatur durch die Schaffung literarischer Bilder, die Konstruktion von Motiven.

mythologische Schule

Die Entstehung der mythologischen Schule an der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert. Der Einfluss der „Deutschen Mythologie“ der Brüder Grimm auf die Entstehung der Mythologischen Schule.

Mythologische Schule in der russischen Literaturkritik: A. N. Afanasiev, F. I. Buslaev.

Traditionen der mythologischen Schule in den Werken von K.Nasyri, Sh.Marjani, V.V.Radlov und anderen.

Biographische Methode

Theoretische und methodische Grundlagen der biographischen Methode. Leben und Werk von Sh.O. Saint-Bev. Biographische Methode in der russischen Literaturkritik des 19. Jahrhunderts. (wissenschaftliche Tätigkeit von N.A. Kotlyarevsky).

Wandel der biographischen Methode in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts: Impressionistische Kritik, Essayismus.

Biographischer Ansatz zur Erforschung des Erbes bedeutender Künstler der Welt (G. Tukay, S. Ramieva, Sh. Babich und andere) in den Werken tatarischer Wissenschaftler des 20. Jahrhunderts. Die Verwendung eines biografischen Ansatzes beim Studium der Werke von M. Jalil, H. Tufan und anderen Essaywriting an der Wende vom 20. zum 21. Jahrhundert.

Psychologische Richtung

Geistesgeschichtliche Schule in Deutschland (W.Dilthey, W.Wundt), psychologische Schule in Frankreich (G.Tard, E.Enneken). Ursachen und Bedingungen für die Entstehung einer psychologischen Richtung in der russischen Literaturkritik. Konzepte von A. A. Potebnya, D. N. Ovsyaniko-Kulikovskiy.

Psychologische Ansätze in der tatarischen Literaturkritik des frühen 20. Jahrhunderts. Ansichten von M.Marjani, J.Validi, G.Ibragimov, G.Gubaydullin, A.Mukhetdiniya ua Die Arbeit von G.Battala "Theorie der Literatur".

Das Konzept der psychologischen Analyse eines literarischen Werks in den 1920er–30er Jahren. (L. S. Vygotsky). Forschungen von K. Leonhard, Müller-Freinfels und anderen.

Psychoanalyse

Theoretische Grundlagen der psychoanalytischen Kritik. Leben und Werk von Z. Freud. Psychoanalytische Schriften Freuds. Psychoanalyse von C. G. Jung. Individuelles und kollektives Unbewusstes. Theorie der Archetypen. Humanistische Psychoanalyse von Erich Fromm. Der Begriff des sozialen Unbewussten. J. Lacans Forschung.

Psychoanalytische Theorien im Russland der 1920er Jahre. 20. Jahrhundert (ID Ermakow). Psychoanalyse in der modernen Literaturkritik.

Soziologe

Die Entstehung der Soziologie. Der Unterschied zwischen soziologischen und kulturgeschichtlichen Methoden. Merkmale der Anwendung der soziologischen Methode in der russischen und tatarischen Literaturkritik. Ansichten von PN Sakulin. Verfahren von G. Nigmati, F. Burnash.

Vulgärer Soziologe: Genese und Essenz (V. M. Friche, spätere Werke von V. F. Pereverzev). FG Galimullin über den Vulgärsoziologismus in der tatarischen Literaturkritik.

Soziologismus als Element literarischer Konzepte der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts (V.N. Voloshinov, G.A. Gukovsky).

Die Entstehung neuer Konzepte, Richtungen, die es geschafft haben, den Reduktionismus des soziologischen Ansatzes zu überwinden. Das Leben und Werk von M. M. Bachtin, das Konzept des Dialogs. Ein Versuch, die Möglichkeiten der soziologischen Methode in den Werken von M. Gainullin, G. Khalit, I. Nurullin zu erweitern.

Soziologismus im globalen Maßstab: in Deutschland (B. Brecht, G. Lukacs), in Italien (G. Wolpe), in Frankreich das Streben nach der Synthese von Soziologismus und Strukturalismus (L. Goldman), Soziologismus und Semasiologie.

formelle Schule.

Wissenschaftliche Methodik der formalen Schule. Verfahren von V. Shklovsky, B. Eichenbaum, B. Tomashevsky. Die Konzepte "Rezeption / Material", "Motivation", "Entfremdung" usw. Formale schulische und literarische Methoden des 20. Jahrhunderts.

Einfluss der formalen Schule auf die Ansichten tatarischer Literaturkritiker. Artikel von H.Taktash, H.Tufan zur Versifikation. Verfahren von H. Vali. T.N.Galiullin über Formalismus in der tatarischen Literatur und Literaturkritik.

Strukturalismus

Die Rolle des Prager Sprachzirkels und der Genfer Sprachschule bei der Herausbildung des Strukturalismus. Die Konzepte von Struktur, Funktion, Element, Ebene, Opposition usw. Ya. Mukarzhovskys Ansichten: strukturelle Dominanz und Norm.

Aktivitäten der Pariser semiotisch Schulen (früher R. Barthes, K. Levy-Strauss, A. J. Greimas, K. Bremont, J. Genette, W. Todorov), die belgische Schule der Literatursoziologie (L. Goldman und andere).

Strukturalismus in Russland. Versuche, die Strukturmethode beim Studium der tatarischen Folklore (Werke von M.S. Magdeev, M.Kh. Bakirov, A.G. Yakhin), in der Schulanalyse (A.G. Yakhin), beim Studium der Geschichte der tatarischen Literatur (D.F. Zagidullina und andere ).

Entstehung Narratologie - Theorie narrativer Texte im Rahmen des Strukturalismus: P. Lubbock, N. Friedman, A.–J. Greimas, J. Genette, W. Schmid. Terminologischer Apparat der Narratologie.

B.S.Meilakh über komplexe Methode in der Literaturkritik. Kasaner Basisgruppe Yu. G. Nigmatullina. Probleme der Prognose der Entwicklung von Literatur und Kunst. Verfahren von Yu. G. Nigmatullina.

Eine integrierte Methode in den Studien der tatarischen Literaturkritiker T. N. Galiullina, A. G. Akhmadullina, R. K. Ganieva und anderer.

Hermeneutik

Erste Informationen über die Deutungsproblematik im antiken Griechenland und im Orient, Ansichten von Vertretern der deutschen „geistesgeschichtlichen“ Schule (F. Schleiermacher, W. Dilthey). Das Konzept von H. G. Gadamer. Das Konzept des „hermeneutischen Zirkels“. Hermeneutische Theorie in der modernen russischen Literaturkritik (Yu. Borev, G.I. Bogin).

Künstlerisches Bild. Das Konzept des künstlerischen Bildes. Klassifizierung künstlerischer Bilder nach der Art der Verallgemeinerung.

Künstlerisches Bild- eine Art der Bewältigung und Transformation der Realität, die nur der Kunst innewohnt. Ein Bild ist jedes Phänomen, das in einem Kunstwerk kreativ nachgebildet wird, zum Beispiel das Bild eines Kriegers, das Bild eines Volkes.).
Künstlerische Bilder lassen sich je nach Art der Verallgemeinerung in individuelle, charakteristische, typische Bildmotive, Topoi und Archetypen (Mythologeme) einteilen.
Einzelne Bilder zeichnen sich durch Originalität, Originalität aus. Sie sind normalerweise das Produkt der Vorstellungskraft des Autors. Einzelne Bilder finden sich am häufigsten bei Romantikern und Science-Fiction-Autoren. Solche sind zum Beispiel Quasimodo in V. Hugos Kathedrale Notre Dame, der Dämon in M. Lermontovs gleichnamigem Gedicht, Woland in A. Bulgakovs Der Meister und Margarita.
Ein charakteristisches Bild ist die Verallgemeinerung. Es enthält gemeinsame Charakter- und Moralmerkmale, die vielen Menschen einer bestimmten Epoche und ihrer sozialen Sphären innewohnen (Figuren der Brüder Karamasow von F. Dostojewski, Theaterstücke von A. Ostrowski).
typisches Bild stellt die höchste Stufe des charakteristischen Bildes dar. Typisch ist beispielhaft, bezeichnend für eine bestimmte Epoche. Die Darstellung typischer Bilder war eine der Errungenschaften der realistischen Literatur des 19. Jahrhunderts. Es genügt, an den Vater von Goriot und Gobsek Balzac, Anna, zu erinnern. Manchmal können im künstlerischen Bild sowohl die soziohistorischen Zeichen der Epoche als auch die universellen Charakterzüge eines bestimmten Helden eingefangen werden.
Bildmotiv- Dies ist ein Thema, das sich in der Arbeit eines Schriftstellers ständig wiederholt und in verschiedenen Aspekten durch Variation seiner wichtigsten Elemente zum Ausdruck kommt („Dorf Russland“ von S. Yesenin, „Schöne Dame“ von A. Blok).
topos(griechisch topos – Ort, Gebiet) bezeichnet allgemeine und typische Bilder, die in der Literatur einer ganzen Epoche, einer Nation und nicht im Werk eines einzelnen Autors entstanden sind. Ein Beispiel ist das Bild des "kleinen Mannes" in der Arbeit russischer Schriftsteller - von Puschkin und Gogol bis M. Zoshchenko und A. Platonov.
Archetyp. Erstmals taucht dieser Begriff bei deutschen Romantikern zu Beginn des 19. Jahrhunderts auf, doch die Arbeit des Schweizer Psychologen C. Jung (1875–1961) bescherte ihm ein wahres Leben auf verschiedenen Wissensgebieten. Jung verstand den „Archetyp“ als universelles Bild, das unbewusst von Generation zu Generation weitergegeben wird. Meistens sind Archetypen mythologische Bilder. Letztere, so Jung, „füllten“ buchstäblich die gesamte Menschheit aus, und die Archetypen nisten sich im Unterbewusstsein einer Person ein, unabhängig von ihrer Nationalität, Bildung oder ihrem Geschmack.

Künstlerisches Bild

Künstlerisches Bild ist ein verallgemeinerter Ausdruck der Wirklichkeit, eine wesentliche Eigenschaft der Kunst. Es ist das Ergebnis des Verständnisses des Künstlers für ein Phänomen oder einen Prozess. Gleichzeitig spiegelt das künstlerische Bild die Realität nicht nur wider, sondern verallgemeinert sie, offenbart das Ewige im Individuellen, Vergänglichen. Ein künstlerisches Bild ist untrennbar mit seinem objektiv existierenden materiellen Vorbild verbunden. Es muss jedoch daran erinnert werden, dass ein künstlerisches Bild zuallererst ein Bild, ein Bild des Lebens und nicht das Leben selbst ist. Der Künstler ist bestrebt, solche Phänomene auszuwählen und so darzustellen, dass er seine Vorstellung vom Leben, sein Verständnis seiner Tendenzen und Muster zum Ausdruck bringt.
„Ein künstlerisches Bild ist also ein konkretes und gleichzeitig verallgemeinertes Bild des menschlichen Lebens, das mit Hilfe der Fiktion geschaffen wurde und einen ästhetischen Wert hat“ (L. I. Timofeev).
Ein Bild wird oft als Element oder Teil eines künstlerischen Ganzen verstanden, in der Regel ein solches Fragment, das ein unabhängiges Leben und einen unabhängigen Inhalt zu haben scheint (z. B. eine Figur in der Literatur, symbolische Bilder, wie ein „Segel“ oder „ Wolken“ von M. Yu. Lermontov):

Weißes Segel einsam Im blauen Nebel des Meeres!.. Was sucht er in einem fernen Land? Was hat er in seiner Heimat geworfen?.. oder

Himmlische Wolken, ewige Wanderer! Steppenblau, Perlenkette Ihr eilt wie ich, Verbannte Vom süßen Norden in den Süden.

Ein künstlerisches Bild wird künstlerisch, nicht weil es von der Natur abgeschrieben ist und wie ein reales Objekt oder Phänomen aussieht, sondern weil es die Realität mit Hilfe der Vorstellungskraft des Autors transformiert. Das künstlerische Bild kopiert nicht so sehr die Realität, sondern versucht, das Wichtigste und Wesentlichste zu vermitteln. So sagte einer der Helden von Dostojewskis Roman „Der Teenager“, dass Fotografien sehr selten eine korrekte Vorstellung von einer Person vermitteln können, da das menschliche Gesicht nicht immer die Hauptcharakterzüge ausdrückt. Daher könnte zum Beispiel Napoleon, fotografiert in einem bestimmten Moment, dumm erscheinen. Der Künstler dagegen muss im Gesicht das Wesentliche, das Charakteristische finden. In Leo Tolstois Roman „Anna Karenina“ haben der Amateur Vronsky und der Künstler Mikhailov ein Porträt von Anna gemalt. Es scheint, dass Wronski Anna besser kennt, sie immer tiefer versteht. Aber Mikhailovs Porträt zeichnete sich nicht nur durch Ähnlichkeit aus, sondern auch durch diese besondere Schönheit, die nur Mikhailov erkennen konnte und die Vronsky nicht bemerkte. "Du hättest sie kennen und lieben sollen, wie ich geliebt habe, um diesen süßesten Ausdruck ihrer Seele zu finden", dachte Wronski, obwohl er nur von diesem Porträt "diesen süßesten Ausdruck ihrer Seele" erkannte.

In verschiedenen Stadien der menschlichen Entwicklung nimmt das künstlerische Bild verschiedene Formen an.

Dies geschieht aus zwei Gründen:

das Motiv des Bildes ändert sich - eine Person,
auch die Formen ihrer Reflexion in der Kunst ändern sich.
Es gibt Besonderheiten in der Reflexion der Welt (und damit in der künstlerischen Bilderzeugung) von realistischen Künstlern, Sentimentalisten, Romantikern, Modernisten usw. Mit der Entwicklung der Kunst wird das Verhältnis von Realität und Fiktion, Realität und Ideal, Allgemeinem und Individuellem, rational und emotional usw.
In den Bildern der klassischen Literatur zum Beispiel gibt es sehr wenig Individualität. Helden sind typisiert, Vorlage. Es ändert sich während der gesamten Arbeit nicht. Der Held des Klassizismus ist in der Regel Träger einer Tugend und eines Lasters. In der Regel können alle Bilder der Helden eines Werkes des Klassizismus in positive und negative unterteilt werden (Romeo und Julia, Shakespeares Hamlet, Mitrofanushka und Frau Prostakova bei Fonvizin). Und romantische Künstler achten im Gegenteil auf das Individuum im Menschen, stellen einen rebellischen Helden dar, einen Einzelgänger, der die Gesellschaft ablehnte oder von ihr abgelehnt wurde. Das Bild des Helden eines romantischen Werkes ist immer doppelzüngig, wir werden von Widersprüchen gequält, die aufgrund des Unterschieds zwischen der realen Welt, in der wir alle leben, und der idealen Welt, wie die Welt sein sollte, entstehen (Quasimodo und Esmeralda Hugo, Don Quixote von Cervantes, Mtsyri und teilweise Pechorin Lermontov). Realisten strebten nach einer rationalen Erkenntnis der Welt, der Identifizierung kausaler Zusammenhänge zwischen Objekten und Phänomenen. Ihre Bilder sind am realistischsten, sie haben sehr wenig künstlerische Fiktion (Gogols Chichikov, Dostojewskis Raskolnikov). Und die Modernisten verkündeten, dass es möglich sei, die Welt und den Menschen nur mit Hilfe irrationaler Mittel (Intuition, Einsicht, Inspiration usw.) zu erkennen. Im Mittelpunkt realistischer Arbeiten steht der Mensch und seine Beziehung zur Außenwelt, während sich Romantiker und dann Modernisten vor allem für die Innenwelt ihrer Helden interessieren.
Obwohl die Schöpfer künstlerischer Bilder Künstler sind (Dichter, Schriftsteller, Maler, Bildhauer, Architekten usw.), erweisen sich in gewisser Weise auch diejenigen, die diese Bilder wahrnehmen, dh Leser, Betrachter, Zuhörer usw., als solche Der ideale Leser nimmt also das künstlerische Bild nicht nur passiv wahr, sondern füllt es auch mit seinen eigenen Gedanken, Gefühlen und Emotionen. Unterschiedliche Menschen und unterschiedliche Epochen offenbaren unterschiedliche Seiten davon. In diesem Sinne ist das künstlerische Bild unerschöpflich und facettenreich wie das Leben selbst.

Poetische Kunst ist Denken in Bildern. Das Bild ist das wichtigste und unmittelbar wahrgenommene Element eines literarischen Werkes. Das Bild steht im Mittelpunkt des ideologischen und ästhetischen Inhalts und der verbalen Form seiner Verkörperung.

Der Begriff „künstlerisches Bild“ ist relativ jungen Ursprungs. Es wurde zuerst von J. W. Goethe verwendet. Das Problem des Bildes selbst ist jedoch eines der alten. Der Anfang der Theorie des künstlerischen Bildes findet sich in Aristoteles' Lehre von der „Mimesis“. Der Begriff „Bild“ wurde in der Literaturkritik nach der Veröffentlichung der Werke von G. W. F. Hegel weit verbreitet. Der Philosoph schrieb: „Wir können eine poetische Darstellung als figurativ bezeichnen, da sie uns statt einer abstrakten Essenz ihre konkrete Realität vor Augen stellt.“

G. V. F. Hegel, der über das Verhältnis der Kunst zum Ideal nachdachte, entschied die Frage nach der transformativen Wirkung des künstlerischen Schaffens auf das Leben der Gesellschaft. Die „Vorlesungen zur Ästhetik“ enthalten eine ausführliche Theorie des künstlerischen Bildes: Ästhetische Wirklichkeit, künstlerisches Maß, ideologischer Gehalt, Originalität, Einzigartigkeit, Allgemeingültigkeit, Dialektik von Inhalt und Form.

In der modernen Literaturkritik wird das künstlerische Bild als Wiedergabe der Phänomene des Lebens in konkreter, individueller Form verstanden. Sinn und Zweck des Bildes ist es, das Allgemeine durch das Individuelle zu vermitteln, die Realität nicht nachzuahmen, sondern zu reproduzieren.

Das Wort ist das Hauptmittel, um in der Literatur ein poetisches Bild zu schaffen. Das künstlerische Bild offenbart die Sichtbarkeit eines Objekts oder Phänomens.

Das Bild hat folgende Parameter: Objektivität, semantische Verallgemeinerung, Struktur. Objektbilder sind statisch und beschreibend. Dazu gehören Bilder von Details, Umständen. Semantische Bilder werden in zwei Gruppen eingeteilt: individuell - geschaffen durch das Talent und die Vorstellungskraft des Autors, spiegeln die Lebensmuster in einer bestimmten Zeit und in einer bestimmten Umgebung wider; und Bilder, die über die Grenzen ihrer Epoche hinauswachsen und universelle menschliche Bedeutung erlangen.

Bilder, die den Rahmen des Werkes sprengen und oft die Grenzen des Werkes eines Autors überschreiten, umfassen Bilder, die in einer Reihe von Werken eines oder mehrerer Autoren wiederholt werden. Bilder, die für eine ganze Epoche oder Nation charakteristisch sind, und Bilder-Archetypen, enthalten die stabilsten "Formeln" menschlicher Vorstellungskraft und Selbsterkenntnis.

Das künstlerische Bild ist mit dem Problem des künstlerischen Bewusstseins verbunden. Bei der Analyse eines künstlerischen Bildes sollte berücksichtigt werden, dass Literatur eine der Formen des sozialen Bewusstseins und eine Art praktisch-spiritueller menschlicher Aktivität ist.

Das künstlerische Bild ist nichts Statisches, es zeichnet sich durch einen prozessualen Charakter aus. In verschiedenen Epochen unterliegt das Bild bestimmten spezifischen und genrespezifischen Anforderungen, die künstlerische Traditionen entwickeln. Gleichzeitig ist das Bild ein Zeichen einer einzigartigen gestalterischen Individualität.

Ein künstlerisches Bild ist eine Verallgemeinerung der in sinnlich wahrgenommenen Formen objektivierten Elemente der Wirklichkeit, die nach den Gesetzen der Art und Gattung dieser Kunst in einer bestimmten individuellen schöpferischen Weise geschaffen werden.

Subjektives, Individuelles und Objektives sind im Bild in einer untrennbaren Einheit präsent. Die Realität ist das zu erkennende Material, die Quelle von Tatsachen und Empfindungen, die der kreative Mensch erforscht, der sich selbst und die Welt studiert, seine ideologischen, moralischen Vorstellungen über das Wirkliche und das Angemessene in der Arbeit verkörpert.

Das künstlerische Bild, das Lebenstrends widerspiegelt, ist gleichzeitig eine originelle Entdeckung und die Schaffung neuer Bedeutungen, die vorher nicht existierten. Das literarische Bild korreliert mit Lebensphänomenen, und die darin enthaltene Verallgemeinerung wird zu einer Art Modell für das Verständnis des Lesers für seine eigenen Probleme und Konflikte der Realität.

Ein ganzheitliches künstlerisches Bild bestimmt auch die Originalität der Arbeit. Charaktere, Ereignisse, Handlungen, Metaphern werden in Übereinstimmung mit der ursprünglichen Absicht des Autors untergeordnet und in Handlung, Komposition, Hauptkonflikten, Thema und Idee des Werks wird die Art der ästhetischen Einstellung des Künstlers zur Realität ausgedrückt.

Der Prozess der Erstellung eines künstlerischen Bildes ist zunächst eine strenge Auswahl des Materials: Der Künstler nimmt die charakteristischsten Merkmale des Dargestellten, verwirft alles Zufällige, entwickelt, vergrößert und schärft bestimmte Merkmale, um sie vollständig klar zu machen.

V. G. Belinsky schrieb in dem Artikel „Russische Literatur im Jahr 1842“: „Jetzt wird das „Ideal“ nicht als Übertreibung, nicht als Lüge, nicht als kindliche Fantasie verstanden, sondern als Tatsache der Realität, wie sie ist; aber eine Tatsache, die nicht von der Realität abgeschrieben, sondern durch die Fantasie des Dichters getragen wird, erleuchtet vom Licht einer allgemeinen (und nicht außergewöhnlichen, besonderen und zufälligen) Bedeutung, zu einer Perle des Bewusstseins errichtet und daher sich selbst ähnlicher, sich selbst treuer als die sklavischste und originalgetreueste Kopie. In einem Porträt eines großen Malers ist eine Person also mehr wie er selbst als sogar sein Spiegelbild in einer Daguerreotypie, weil der große Maler mit scharfen Gesichtszügen alles zum Vorschein brachte, was in einer solchen Person lauert und wofür vielleicht ein Geheimnis ist diese Person selbst. ".

Die Überzeugungskraft eines literarischen Werkes wird nicht reduziert und beschränkt sich nicht auf die Treue der Wiedergabe der Realität und der sogenannten „Wahrheit des Lebens“. Sie ist bestimmt von der Originalität der schöpferischen Interpretation, der Modellierung der Welt in Formen, deren Wahrnehmung die Illusion erzeugt, das Phänomen Mensch zu verstehen.

Die von D. Joyce und I. Kafka geschaffenen künstlerischen Bilder sind nicht identisch mit der Lebenserfahrung des Lesers, es ist schwierig, sie als völlige Übereinstimmung mit den Phänomenen der Realität zu lesen. Diese "Nicht-Identität" bedeutet nicht fehlende Übereinstimmung zwischen Inhalt und Struktur der Werke der Schriftsteller und lässt uns sagen, dass das künstlerische Bild kein lebendiges Original der Realität ist, sondern ein philosophisches und ästhetisches Modell der Welt und Mann.

Bei der Charakterisierung der Bildelemente sind ihre Ausdrucks- und Bildmöglichkeiten wesentlich. Unter „Ausdruckskraft“ ist die ideologische und emotionale Ausrichtung des Bildes zu verstehen, unter „Bildhaftigkeit“ dessen sinnliches Wesen, das die subjektive Befindlichkeit und Einschätzung des Künstlers in künstlerische Realität umsetzt. Die Ausdruckskraft des künstlerischen Bildes lässt sich nicht auf die Übertragung der subjektiven Erfahrungen des Künstlers oder des Helden reduzieren. Es drückt die Bedeutung bestimmter psychischer Zustände oder Beziehungen aus. Die Figuralität des künstlerischen Bildes ermöglicht es Ihnen, Objekte oder Ereignisse in visueller Klarheit nachzubilden. Die Ausdruckskraft und Bildlichkeit eines künstlerischen Bildes sind in allen Phasen seiner Existenz untrennbar miteinander verbunden – von der ersten Idee bis zur Wahrnehmung des fertigen Werks. Die organische Einheit von Bildlichkeit und Ausdruckskraft ist vollständig auf das integrale Bildsystem bezogen; getrennte Bildelemente sind nicht immer Träger einer solchen Einheit.

Zu beachten sind sozio-genetische und erkenntnistheoretische Ansätze zur Untersuchung des Bildes. Die erste stellt soziale Bedürfnisse und Gründe fest, die zu bestimmten Inhalten und Funktionen des Bildes führen, und die zweite analysiert die Übereinstimmung des Bildes mit der Realität und wird mit den Kriterien der Wahrheit und Wahrhaftigkeit in Verbindung gebracht.

In einem literarischen Text drückt sich der Begriff „Autor“ in drei Hauptaspekten aus: ein biografischer Autor, den der Leser als Autor und Person kennt; der Autor „als Verkörperung des Wesens des Werkes“; Das Bild des Autors, ähnlich wie andere Bild-Charaktere des Werkes, ist Gegenstand der persönlichen Verallgemeinerung für jeden Leser.

Die Definition der künstlerischen Funktion des Bildes des Autors wurde von V. V. Vinogradov gegeben: „Das Bild des Autors ist nicht nur ein Thema der Rede, meistens wird es nicht einmal in der Struktur des Werks genannt. Dies ist eine konzentrierte Verkörperung des Wesens des Werkes, das das gesamte System der Sprachstrukturen von Charakteren in ihrer Beziehung zum Erzähler, Erzähler oder den Erzählern vereint und durch sie der ideologische und stilistische Mittelpunkt, der Mittelpunkt des Ganzen ist.

Es ist notwendig, zwischen dem Bild des Autors und des Erzählers zu unterscheiden. Der Erzähler ist ein besonderes künstlerisches Bild, das der Autor wie alle anderen erfunden hat. Es hat den gleichen Grad an künstlerischer Konventionalität, weshalb die Identifizierung des Erzählers mit dem Autor nicht akzeptabel ist. Es können mehrere Erzähler in einem Werk vorkommen, und dies beweist einmal mehr, dass es dem Autor freisteht, sich „unter der Maske“ des einen oder anderen Erzählers zu verstecken (zum Beispiel mehrere Erzähler in „Belkin’s Tales“, in „A Hero of Our Time "). Das Bild des Erzählers im Roman von F. M. Dostojewski „Dämonen“ ist komplex und facettenreich.

Der Erzählstil und die Besonderheit des Genres bestimmen das Bild des Autors im Werk. Wie Yu. V. Mann schreibt: "Jeder Autor erscheint in den Strahlen seines Genres." Im Klassizismus ist der Autor einer satirischen Ode ein Ankläger und in einer Elegie ein trauriger Sänger, im Leben eines Heiligen ein Hagiograph. Wenn die sogenannte Periode der „Poetik des Genres“ endet, erhält das Bild des Autors realistische Züge und eine erweiterte emotionale und semantische Bedeutung. „Statt ein-, zwei-, mehrfarbig sind sie kunterbunt bunt und schillernd“, sagt Yu Mann. Autorische Abschweifungen treten auf - so drückt sich die direkte Kommunikation des Werkschöpfers mit dem Leser aus.

Die Bildung des Genres Roman trug zur Entwicklung des Bilderzählers bei. Im barocken Roman agiert der Erzähler anonym und sucht keinen Kontakt zum Leser, im realistischen Roman ist der Autor-Erzähler ein vollwertiger Held des Werkes. In vielerlei Hinsicht drücken die Hauptfiguren der Werke das Weltbild des Autors aus und verkörpern die Erfahrungen des Autors. M. Cervantes schrieb zum Beispiel: „Müßiger Leser! Sie können ohne Eid glauben, denn ich möchte, dass dieses Buch, die Frucht meines Verständnisses, der Gipfel der Schönheit, Anmut und Nachdenklichkeit ist. Aber es steht nicht in meiner Macht, das Naturgesetz aufzuheben, wonach jedes Lebewesen seinesgleichen gebiert.

Und doch, selbst wenn die Helden des Werkes die Personifizierung der Ideen des Autors sind, sind sie nicht identisch mit dem Autor. Auch in den Genres Beichte, Tagebuch, Notizen sollte man nicht nach der Angemessenheit des Autors und des Helden suchen. Die Verurteilung von J.-J. Rousseaus Autobiographie, eine ideale Form der Selbstbeobachtung und Welterkundung, wurde von der Literatur des 19. Jahrhunderts in Frage gestellt.

Bereits M. Yu. Lermontov bezweifelte die Aufrichtigkeit der im Geständnis ausgedrückten Geständnisse. Im Vorwort zu Pechorins Journal schrieb Lermontov: "Rousseaus Geständnis hat schon den Nachteil, dass er es seinen Freunden vorliest." Zweifellos ist jeder Künstler bestrebt, das Bild lebendig zu machen, und die fesselnde Handlung verfolgt daher "einen vergeblichen Wunsch, Beteiligung und Überraschung zu wecken".

A. S. Puschkin bestritt im Allgemeinen die Notwendigkeit eines Geständnisses in Prosa. In einem Brief an P. A. Vyazemsky über Byrons verlorene Notizen schrieb der Dichter: „Er (Byron) gestand in seinen Gedichten unfreiwillig, hingerissen von der Freude der Poesie. In kaltblütiger Prosa würde er lügen und schlau sein, mal versuchen, Aufrichtigkeit zu zeigen, mal seine Feinde verleumden. Er wäre erwischt worden, wie Rousseau es war, und dort würden Bosheit und Verleumdung wieder triumphieren ... Du liebst niemanden so sehr, du kennst niemanden so gut wie dich selbst. Das Thema ist unerschöpflich. Aber es ist schwierig. Es ist möglich, nicht zu lügen, aber aufrichtig zu sein, ist eine physische Unmöglichkeit.“

Einführung in die Literaturwissenschaft (N.L. Vershinina, E.V. Volkova, A.A. Ilyushin und andere) / Ed. L.M. Krupchanow. - M, 2005

Hinsichtlich der Struktur eines literarischen Werkes ist das künstlerische Bild der wichtigste Bestandteil seiner Form. Ein Bild ist ein Muster auf dem „Körper“ eines ästhetischen Objekts; das wichtigste "übertragende" Zahnrad des künstlerischen Mechanismus, ohne das die Entwicklung von Handlung, das Verständnis von Bedeutung unmöglich ist. Wenn ein Kunstwerk die Grundeinheit der Literatur ist, dann ist das künstlerische Bild die Grundeinheit des literarischen Schaffens. Mit Hilfe von künstlerischen Bildern wird das Reflexionsobjekt modelliert. Die Objekte der Landschaft und des Interieurs, Ereignisse und Handlungen der Charaktere werden in einem Bild ausgedrückt. Die Intention des Autors kommt in den Bildern zum Ausdruck; die allgemeine Hauptidee ist verkörpert.

So spiegelt sich in A. Greens Extravaganz „Scarlet Sails“ das Hauptthema der Liebe im Werk im zentralen künstlerischen Bild wider – scharlachrote Segel, was ein erhabenes romantisches Gefühl bedeutet. Das künstlerische Bild ist das Meer, in das Assol blickt und auf ein weißes Schiff wartet; das vernachlässigte, ungemütliche Gasthaus Menners; ein grüner Käfer, der entlang der Linie mit dem Wort „Schau“ krabbelt. Als künstlerisches Bild (das Bild der Verlobung) gilt die erste Begegnung mit Grey Assol, als der junge Kapitän den Ring seiner Verlobten an seinen Finger steckt; das Ausrüsten von Grays Schiff mit scharlachroten Segeln; Wein trinken, den niemand hätte trinken sollen usw.

Die künstlerischen Bilder, die wir herausgegriffen haben: das Meer, das Schiff, die scharlachroten Segel, die Taverne, der Käfer, der Wein sind die wichtigsten Details der extravaganten Form. Dank dieser Details beginnt die Arbeit von A. Green zu „leben“. Es erhält die Hauptfiguren (Assol und Gray), den Ort ihrer Begegnung (das Meer) sowie seinen Zustand (ein Schiff mit scharlachroten Segeln), die Mittel (ein Blick mit Hilfe eines Käfers), das Ergebnis ( Verlobung, Hochzeit).

Mit Hilfe von Bildern behauptet der Autor eine einfache Wahrheit. Es ist „sogenannte Wunder mit eigenen Händen zu tun“.

Aus Sicht der Literatur als Kunstform ist das künstlerische Bild die zentrale Kategorie (und Symbol) literarischen Schaffens. Sie fungiert als universelle Form der Lebensbewältigung und zugleich als Methode ihres Verständnisses. Künstlerische Bilder umfassen soziale Aktivitäten, spezifische historische Umwälzungen, menschliche Gefühle und Charaktere, spirituelle Bestrebungen. In dieser Hinsicht ersetzt das künstlerische Bild nicht einfach das Phänomen, das es bezeichnet, oder verallgemeinert seine charakteristischen Merkmale. Er erzählt von den wahren Tatsachen des Seins; erkennt sie in ihrer ganzen Vielfalt; enthüllt ihr Wesen. Auf künstlerische Weise werden Lebensmodelle gezeichnet, unbewusste Intuitionen und Einsichten verbalisiert. Es wird erkenntnistheoretisch; ebnet den Weg zur Wahrheit, zum Prototyp (in diesem Sinne sprechen wir vom Abbild von etwas: der Welt, der Sonne, der Seele, Gott).

Auf der Ebene des Ursprungs werden zwei große Gruppen künstlerischer Bilder unterschieden: auktorial und traditionell.

Bilder des Autors, wie der Name schon sagt, entstehen im Kreativlabor des Autors „für die Bedürfnisse des Tages“, „hier und jetzt“. Sie erwachsen aus der subjektiven Sicht des Künstlers auf die Welt, aus seiner persönlichen Einschätzung der dargestellten Ereignisse, Phänomene oder Sachverhalte. Die Bilder des Autors sind konkret, emotional und individuell. Sie sind dem Leser mit ihrer wahren, menschlichen Natur nah. Jeder kann sagen: „Ja, ich habe etwas Ähnliches gesehen (erlebt, „gefühlt“).“ Gleichzeitig sind die Bilder des Autors ontologisch (dh sie sind eng mit dem Sein verbunden, wachsen aus ihm heraus), typisch und daher immer aktuell. Diese Bilder verkörpern einerseits die Geschichte von Staaten und Völkern, begreifen gesellschaftspolitische Umwälzungen (wie etwa der Gorki-Sturmvogel, der eine Revolution vorhersagt und zugleich fordert). Andererseits schaffen sie eine Galerie unnachahmlicher künstlerischer Typen, die als reale Seinsmodelle im Gedächtnis der Menschheit bleiben.

So modelliert zum Beispiel das Bild von Prinz Igor aus dem „Wort“ den spirituellen Weg eines Kriegers, der von niederen Lastern und Leidenschaften befreit ist. Das Bild von Puschkins Eugen Onegin offenbart die "Idee" des vom Leben enttäuschten Adels. Aber das Bild von Ostap Bender aus den Werken von I. Ilf und E. Petrov verkörpert den Weg einer Person, die von einem elementaren Durst nach materiellem Reichtum besessen ist.

Traditionelle Bilder Aus der Schatzkammer der Weltkultur entlehnt. Sie spiegeln die ewigen Wahrheiten der kollektiven Erfahrung von Menschen in verschiedenen Lebensbereichen (religiös, philosophisch, sozial) wider. Traditionelle Bilder sind statisch, hermetisch und damit universell. Sie werden von Schriftstellern zum künstlerischen und ästhetischen „Durchbruch“ ins Transzendente und Transsubjektive eingesetzt. Das Hauptziel traditioneller Bilder ist eine grundlegende spirituelle und moralische Umstrukturierung des Bewusstseins des Lesers nach dem "himmlischen" Modell. Dazu dienen zahlreiche Archetypen und Symbole.

G. Sienkiewicz verwendet das traditionelle Bild (Symbol) im Roman "Quo wadis" recht aufschlussreich. Dieses Symbol ist ein Fisch, der im Christentum Gott, Jesus Christus und die Christen selbst bedeutet. Der Fisch wird von Lygia, einer schönen Polin, in die sich die Hauptfigur Mark Vinicius verliebt, in den Sand gezeichnet. Der Fisch wird zuerst von einem Spion und dann von dem Märtyrer Chilon Chilonides gezogen, der nach Christen sucht.

Das altchristliche Symbol des Fisches verleiht der Erzählung des Schriftstellers nicht nur eine besondere historische Note. Der Leser, der den Figuren folgt, beginnt auch, über die Bedeutung dieses Symbols nachzudenken und die christliche Theologie auf mysteriöse Weise zu begreifen.

Unter dem Aspekt des funktionalen Zwecks werden Heldenbilder, Bilder (Bilder) der Natur, Bilder-Dinge und Bilder-Details unterschieden.

Schließlich werden im Aspekt der Konstruktion (Allegorieregeln, Bedeutungsübertragung) künstlerische Bildsymbole und Tropen unterschieden.

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Künstlerisches Bild

Künstlerisches Bild - jedes Phänomen, das vom Autor in einem Kunstwerk kreativ nachgebildet wurde. Es ist das Ergebnis des Verständnisses des Künstlers für ein Phänomen oder einen Prozess. Gleichzeitig spiegelt das künstlerische Bild die Realität nicht nur wider, sondern verallgemeinert sie, offenbart das Ewige im Individuellen, Vergänglichen. Die Besonderheit des künstlerischen Bildes wird nicht nur dadurch bestimmt, dass es die Realität erfasst, sondern auch dadurch, dass es eine neue, fiktive Welt schafft. Der Künstler ist bestrebt, solche Phänomene auszuwählen und so darzustellen, dass er seine Vorstellung vom Leben, sein Verständnis seiner Tendenzen und Muster zum Ausdruck bringt.

„Ein künstlerisches Bild ist also ein konkretes und gleichzeitig verallgemeinertes Bild des menschlichen Lebens, das mit Hilfe der Fiktion geschaffen wurde und einen ästhetischen Wert hat“ (L. I. Timofeev).

Ein Bild wird oft als Element oder Teil eines künstlerischen Ganzen verstanden, in der Regel ein solches Fragment, das ein unabhängiges Leben und einen unabhängigen Inhalt zu haben scheint (z. B. Charakter in der Literatur, symbolische Bilder, wie M. Yu. Lermontovs „Segel “).

Ein künstlerisches Bild wird künstlerisch, nicht weil es von der Natur abgeschrieben ist und wie ein reales Objekt oder Phänomen aussieht, sondern weil es die Realität mit Hilfe der Vorstellungskraft des Autors transformiert. Das künstlerische Bild kopiert nicht nur und weniger die Realität, sondern vermittelt eher das Wichtigste und Wesentlichste. So sagte einer der Helden von Dostojewskis Roman "Der Teenager", dass Fotografien sehr selten eine korrekte Vorstellung von einer Person vermitteln können, da das menschliche Gesicht nicht immer die Hauptcharakterzüge ausdrückt. Daher könnte zum Beispiel Napoleon, fotografiert in einem bestimmten Moment, dumm erscheinen. Der Künstler dagegen muss im Gesicht das Wesentliche, das Charakteristische finden. In Leo Tolstois Roman „Anna Karenina“ haben der Amateur Vronsky und der Künstler Mikhailov ein Porträt von Anna gemalt. Es scheint, dass Wronski Anna besser kennt, sie immer tiefer versteht. Aber Mikhailovs Porträt zeichnete sich nicht nur durch Ähnlichkeit aus, sondern auch durch diese besondere Schönheit, die nur Mikhailov erkennen konnte und die Vronsky nicht bemerkte. „Du hättest sie kennen und lieben sollen, wie ich es geliebt habe, um diesen süßesten Ausdruck ihrer Seele zu finden“, dachte Wronski, obwohl er an diesem Porträt nur erkannte, „dass dies ihr süßester spiritueller Ausdruck ist“.

In verschiedenen Stadien der menschlichen Entwicklung nimmt das künstlerische Bild verschiedene Formen an.

Dies geschieht aus zwei Gründen:

das Motiv des Bildes ändert sich - eine Person,

auch die Formen ihrer Reflexion in der Kunst ändern sich.

Есть свои особенности в отражении мира (а значит и в создании художественных образов) художниками-реалистами, сентименталистами, романтиками, модернистами и т. д. По мере развития искусства меняется соотношение действительности и вымысла, реальности и идеала, общего и индивидуального, рационального и эмоционального usw.

In den Bildern der klassischen Literatur zum Beispiel tritt der Kampf zwischen Gefühl und Pflicht in den Vordergrund, und die positiven Charaktere entscheiden sich ausnahmslos für Letzteres und opfern das persönliche Glück im Namen staatlicher Interessen. Und romantische Künstler verherrlichen im Gegenteil den Heldenrebellen, einen Einzelgänger, der die Gesellschaft ablehnte oder von ihr abgelehnt wurde. Realisten strebten nach einer rationalen Erkenntnis der Welt, der Identifizierung kausaler Zusammenhänge zwischen Objekten und Phänomenen. Und die Modernisten verkündeten, dass es möglich sei, die Welt und den Menschen nur mit Hilfe irrationaler Mittel (Intuition, Einsicht, Inspiration usw.) zu erkennen. Im Mittelpunkt realistischer Arbeiten steht der Mensch und seine Beziehung zur Außenwelt, während sich Romantiker und dann Modernisten vor allem für die Innenwelt ihrer Helden interessieren.

Obwohl die Schöpfer künstlerischer Bilder Künstler sind (Dichter, Schriftsteller, Maler, Bildhauer, Architekten usw.), erweisen sich in gewisser Weise auch diejenigen, die diese Bilder wahrnehmen, dh Leser, Betrachter, Zuhörer usw., als solche Der ideale Leser nimmt also das künstlerische Bild nicht nur passiv wahr, sondern füllt es auch mit seinen eigenen Gedanken, Gefühlen und Emotionen. Unterschiedliche Menschen und unterschiedliche Epochen offenbaren unterschiedliche Seiten davon. In diesem Sinne ist das künstlerische Bild unerschöpflich wie das Leben selbst.

Künstlerische Mittel der Bilderzeugung

Die Sprachcharakteristik des Helden :

- Dialog- ein Gespräch zwischen zwei, manchmal mehreren Personen;

- Monolog- die Rede einer Person;

- innerer Monolog- Äußerungen einer Person in Form innerer Rede.

Subtext - unausgesprochen direkt, aber erahnt durch die Einstellung des Autors zur abgebildeten, impliziten, verborgenen Bedeutung.

Hochformat - das Bild von der Erscheinung des Helden als Mittel, ihn zu charakterisieren.

Detail -ausdrucksstarke Details in der Arbeit, die eine erhebliche semantische und emotionale Last tragen.

Symbol - ein Bild, das die Bedeutung eines Phänomens in objektiver Form ausdrückt .

Innenraum -Innenraumklima, menschliches Umfeld.