Sergei Rachmaninow, ein herausragender russischer klassischer Komponist, wurde in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts in Russland geboren. Er starb 1943 während des Zweiten Weltkriegs in den USA. Sergej Wassiljewitsch ist auch als berühmter Pianist bekannt; er leitete das Orchester meisterhaft als Dirigent.

In der Familie von Sergej Rachmaninow gab es viele Musiker. Als Pianist wurde Sergei während seines Studiums am Moskauer Konservatorium bei Zuhörern bekannt. Als junges Talent schloss er sein Studium mit einer Goldmedaille ab.

Die berühmtesten Musikwerke, die Sergej Rachmaninow als Komponist geschrieben hat, sind „Symphonische Tänze“, die sehr originelle symphonische Dichtung „Insel der Toten“, die symphonische Dichtung „Fürst Rostislaw“ und die prächtige symphonische Dichtung „Die Glocken“, die auf dem Text basiert des sehr originellen amerikanischen Dichters und Schriftstellers Edgar Allan Poe, „dunkles Genie“ Außerdem die Opern „Francesca de Rimini“, „Der geizige Ritter“, „Aleko“, mehrere Sinfonien, denen entsprechend der Reihenfolge ihrer Entstehung Nummern zugeordnet sind. Generell gilt Sergej Rachmaninow als Komponist der Romantik.

Sergej Rachmaninow schrieb auch Romanzen und schuf zahlreiche Klavierstücke. Es ist einer der schönsten Romanzen von Sergej Rachmaninow – dieser „Frühlingswasser“, 1896 entstanden, basierend auf den Worten des berühmten russischen Klassikers Fjodor Tjutschew. Die Romanze beschreibt das Bild des Frühlingserwachens der Natur, der Schneeschmelze, Schneebächen und Überschwemmungen. Dies ist eine große, helle, positive Komposition, ein freudiger Vorbote des Frühlings. "Der Frühling kommt! Der Frühling kommt!" - singt die Romantik.

Sergej Rachmaninow und seine Familie verließen Russland kurz nach der Revolution von 1917. Er lebte ein Jahr in Europa, wo er als Pianist und Dirigent viele Konzerte gab und sehr berühmt wurde. Dann zog er in die USA. Hier erlangte er noch mehr Popularität und Ruhm, wurde ein sehr reicher Mann und eine „lebende Legende“ der symphonischen Musik.

Interessanterweise war der Beginn von Rachmaninows musikalischer Karriere als Komponist äußerst erfolglos. Niemand verstand seine innovative, originelle Musik, Kritiker schrieben wütende Kritiken, der junge Komponist wurde in Musikkreisen lautstark als Mittelmäßigkeit bezeichnet, doch im Alter von 30 Jahren gelang es Rachmaninow, gesamtrussischen Ruhm zu erlangen. Was wäre passiert, wenn Rachmaninow zu Beginn seiner Karriere aufgegeben und aufgegeben hätte?

Der Schnee auf den Feldern ist noch weiß,
Und schon im Frühling rauscht das Wasser.
Sie rennen und wecken das verschlafene Ufer,
Sie rennen und strahlen und schreien ...
Sie sagen überall:
„Der Frühling kommt, der Frühling kommt!
Wir sind Boten des jungen Frühlings,
Sie hat uns vorausgeschickt!“

Eines der bemerkenswertesten Beispiele für Rachmaninows kammermusikalisches Schaffen ist die Romanze „ Quellwasser„Basierend auf Gedichten von F.I. Tyutchev. Es scheint völlig von Sonnenlicht durchflutet zu sein und von einem Gefühl freudiger Erhebung und Jubel erfüllt zu sein. In dieser Romanze brachte Rachmaninow zum ersten Mal so deutlich jene „Frühlingsstimmungen“ zum Ausdruck, die ab Mitte der 90er Jahre in der russischen Kunst immer deutlicher zu hören waren. In diesen Jahren schuf Levitan die klangvollsten seiner Landschaften (z. B. „März“ oder „Frischer Wind“). Wie Levitans Gemälde hatten auch Rachmaninows Liebesromane einen umfassenderen Inhalt als nur Naturbilder. Ein Zeitgenosse des Komponisten bezeugt, dass diese Romanze während der wachsenden revolutionären Bewegung im 20. Jahrhundert „zum Symbol des gesellschaftlichen Aufbruchs“ wurde. Wie A.D. Alekseev richtig anmerkt, enthält der Gesangsteil der Romanze „eine organische Verschmelzung einer liedlyrischen Melodie mit einer hymnischen heroischen Melodie“. Die Intonationen von „Schreien“ und „Rufen“, die wir in mehreren früheren Werken Rachmaninows festgestellt haben, erhalten hier einen besonders aktiven, willensstarken Charakter. Bewegende, brodelnde Passagen des Klavierparts und die insgesamt klingende Klangfarbe der Musik runden das Bild ab, voller Energie und unbändigem Vorwärtsdrang.

Rachmaninow „Frühlingswasser“ (Bearbeitung für Klavier)
S. Rachmaninow spielt.

S.V. Rachmaninow „Flieder“

„Eine schöne Frau ist natürlich eine Quelle ewiger Inspiration. Aber man muss vor ihr weglaufen und die Einsamkeit suchen …“
Aus einem Interview mit S.V. Rachmaninow, 1927.

Einmal fragte der berühmte Sänger F. Schaljapin Rachmaninow:
- Erklären Sie mir, einem einfachen russischen Künstler, was das Wunderbare an Ihrer Musik ist, warum beginnen Sie, das Leben mit anderen Augen zu betrachten? Der Durst nach Liebe überwindet den Durst nach Leiden und nach Freudensingen. Beschreiben Sie darin die Ereignisse Ihres Lebens oder des menschlichen Lebens im Allgemeinen? Und warum machen Sie spirituelle Trauer so schmerzhaft süß?
Hier ist die Antwort des Komponisten:
- Sie fragen sich also: Was ist meine Musik?
Es ist eine ruhige, mondhelle Nacht;
Es ist das Rascheln der Blätter;
Dies ist die ferne Abendglocke;
Das ist es, was aus dem Herzen kommt und zum Herzen geht;
Das ist die Liebe!

Die Entstehungsgeschichte der Romanze „Flieder“

Bilder seiner Heimat mit Birkenhainen, Flüssen und Teichen, blühendem Flieder, mit seiner lieben Iwanowka, wohin Rachmaninow immer strebte, ihn ständig quälte und Traurigkeit brachte.

All dies beschreibt Yuri Nagibin in seiner Geschichte „Flieder“, über die aufkommenden Gefühle des jungen Sergei Rachmaninow und Verochka Skalon, die sich während der außergewöhnlichen Blütezeit des Flieders kennengelernt haben.
„...In Erinnerung an Iwanowka und an diesen seltsamen Sommer, als der Fliederwein verspätet und kräftig gärte, schrieb Rachmaninow seinen zärtlichsten und emotionalsten Roman „Flieder“. Da ist eine erstaunliche, herzzerreißende Note. Es ist ein Blick auf Werochkas Seele, erkauft von der Liebe seit Ewigkeit.“.
Die Autorin der Gedichte, auf denen die Romanze basiert, ist Ekaterina Andreevna Beketova.

Ekaterina Andreevna Beketova (Krasnova) 1855-1892

„Morgens, im Morgengrauen,
Auf dem taufrischen Gras,
Ich werde morgens gehen und frisch atmen;
Und in den duftenden Schatten,
Wo die Flieder überfüllt sind,
Ich werde mein Glück suchen...“

Fast alle ihrer Gedichte wurden in Shakhmatovo geschrieben; sie sind vom Charme der einzigartigen Landschaft Zentralrusslands inspiriert. Der Shakhmatovskaya-Flieder und der Shakhmatovsky-Park werden in diesen Zeilen zum Leben erweckt. Ekaterina Andreevna Beketova war auch eine gute Künstlerin. Unter ihren Papieren sind mehrere Schachskizzen erhalten, die mit Aquarellen und Buntstiften angefertigt wurden. Auf einem von ihnen steht ein kleines Beketov-Haus, das in Fliederbüschen versinkt.

„Flieder“ ist eine der wertvollsten Perlen von Rachmaninows Texten. Die Musik dieser Romanze zeichnet sich durch außergewöhnliche Natürlichkeit und Einfachheit aus, eine bemerkenswerte Verschmelzung lyrischer Gefühle und Naturbilder, ausgedrückt durch subtile musikalische und bildliche Elemente. Das gesamte musikalische Gefüge der Romanze ist melodisch und melodisch.
Die erste Interpretin von Rachmaninows Romanzen war die großartige Sängerin Nadeschda Iwanowna Zabela.

„Lilac“ ist eine Liebesgeschichte, die es Ihnen ermöglicht, eine genaue Vorstellung von Rachmaninows Texten zu bekommen. Die Musik dieses Werkes ist natürlich und einfach und zeichnet sich durch eine Kombination aus lyrischen Gefühlen und Naturbildern aus. Das gesamte musikalische Gefüge der Romanze ist melodisch und melodisch. Ruhige, singende Gesangsphrasen folgen ganz natürlich einer nach der anderen.

Die Romanze „Sing nicht, Schönheit, vor mir“, die Gesang und dramatische Elemente vereint, ist ein wahres Meisterwerk der Gesangstexte Rachmaninows aus den 90er Jahren. Das Hauptthema des Werks, nachdenklich und traurig, erscheint zunächst in der Klaviereinleitung als abgeschlossene Liedmelodie. Das monoton wiederholte A im Bass, die chromatisch absteigende Bewegung der Mittelstimmen sowie die farbenfrohen Harmoniewechsel verleihen dem musikalischen Bild der Einleitung eine orientalische Note. Der Höhepunkt der Romanze findet in der dritten Strophe statt, und es ist interessant, dass es in diesem Werk einen zweiten Höhepunkt in der Reprise gibt.

„Frühlingswasser“ (nach den Worten von F. I. Tyutchev) ist eine Romanze, die sich auf die lyrischen und landschaftlichen Werke von Rachmaninow bezieht und ein Bild des russischen Frühlings präsentiert. Der Gesangsteil wird von Motiven dominiert, die auf den Klängen eines Dur-Dreiklangs aufbauen, wobei steigende Phrasen mit einem energischen Sprung enden. Der Klavierpart ist sehr bedeutungsvoll und spielt eine wichtige Rolle bei der Schaffung der lebensbejahenden Gesamtstimmung des Werkes.

Das musikalische Bild des Quellwassers aus der Romanze „Frühlingswasser“ von S. V. Rachmaninow

Der Roman „Traurige Nacht“ (nach den Worten von I. A. Bunin) ist eine neue Art russischer Elegie. Das Fehlen einer für das Genre der Elegie traditionellen Strophenform, die Einführung neuen thematischen Materials im Mittelteil der Romanze und die rezitativische Darstellung verleihen ihr einige Anzeichen eines Gesangsmonologs. Sehr interessant ist auch die musikalische Form dieses Werkes, das als dreiteilig definiert werden kann, wobei jeder Teil einen Satz nicht überschreitet. Die Romanze basiert auf der Entwicklung zweier Melodien, von denen eine im Gesangspart und die andere im Klavierpart gebildet wird.

Zum Abschluss der Geschichte über Rachmaninow, einen herausragenden Dirigenten, Pianisten und Komponisten des 20. Jahrhunderts, sei darauf hingewiesen, dass sein kreatives Erbe ein integraler Bestandteil der russischen Kunstkultur ist; Die besten Klavier-, Gesangs- und Symphoniewerke sind im goldenen Fundus der klassischen russischen Musik enthalten.

Mechislaw Karlowitsch

Der polnische Komponist, Dirigent und Geiger Mieczyslaw Karlovich wurde 1876 in eine Musikerfamilie hineingeboren. Sein Vater war Cello-Absolvent des Brüsseler Konservatoriums und seine Mutter war Sängerin und Pianistin. Mieczysław begann im Alter von fünf Jahren mit dem Musikstudium. Von 1889 bis 1895 studierte er bei den Geigern S. Bartsevich und Z. Noskovsky (Harmonie); später nahm er in Berlin Unterricht beim Geiger und Komponisten G. Urban.

Karlowitsch war der erste seiner Landsleute, der alle seine Bemühungen auf die Schaffung symphonischer Musik richtete. In diesem Bereich gab es praktisch keine nationalen Traditionen, da sich polnische Komponisten des 19. Jahrhunderts hauptsächlich für die Genres Klavier (F. Chopin), Violine (G. Wieniawski) und Oper (S. Moniuszko) interessierten und einzelne Orchesterwerke nur Schritte zur Entstehung der polnischen Symphonieschule („The Tale“ von Moniuszko).

1901 kehrte Karlowitsch aus Deutschland in seine Heimat zurück. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts schrieb er seine bedeutendsten Werke, darunter das Violinkonzert „Century Songs“ und die „Litauische Rhapsodie“. Neben seiner schöpferischen Tätigkeit engagierte sich der Komponist aktiv auf der Bühne und in sozialen Aktivitäten.

Obwohl Karlowitschs Werke von teils dramatischen Stimmungen geprägt sind, verblüfft seine Musik den Zuhörer durch ihre subtile Lyrik. Die Poesie des Symbolismus hatte großen Einfluss auf den Komponisten. Die Merkmale symbolistischer Ästhetik werden insbesondere in den Begleitkommentaren zu den Partituren einiger programmatischer Werke des Musikers deutlich. Die Ausdrucksmittel der Moderne zogen Karlovich jedoch nicht an, und so spiegelten sich die neuesten Trends, die für die Kunst der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert charakteristisch waren, nur in der Auswahl der Handlungsstränge und Themen seiner Werke wider. Überraschend gefühlvolle und klare, melodische und ausdrucksstarke Musik wird mit den volkstümlichen Traditionen des polnischen Liederschaffens in Verbindung gebracht.

Dies sind viele der berühmten Werke Karlowitschs. Darunter ist sein romantisch beschwingtes und entrücktes Konzert für Violine und Orchester (1902). Alle drei Teile (Allegro moderato, Romantik und Finale) vermitteln den Eindruck von Kraft und frischer Jugendschönheit. Dieses Konzert wurde zu einem der optimistischsten und lebensbejahendsten Werke des Komponisten.

Die attraktivsten Aspekte des Violinkonzerts sind der melodische Reichtum und die Melodie, die für rein slawische Musik charakteristisch sind. Die Fähigkeit, Ausdruckskraft und Virtuosität zu verbinden, bringt Karlowitschs Werk den Werken von P. Tschaikowsky näher. Gleichzeitig zeigt das Werk des Musikers, dass er ein würdiger Nachfolger der virtuosen Tradition der polnischen Geigenkunst ist, die G. Wieniawskis Zeitgenossen begeisterte. Zu den Vorzügen des von Karlovich geschriebenen Konzerts zählen Qualitäten wie die Kontinuität der Entwicklung, die Klarheit der Form und die erstaunliche Kompatibilität von Solo- und Orchesterstimmen. Darüber hinaus zeigt das Werk Karlowitschs hervorragende Kenntnis aller technischen und ausdrucksstarken Möglichkeiten eines Instruments wie der Geige, was jedoch nicht verwunderlich ist: Der Musiker war ein wunderbarer Geiger, der einen Kurs am Konservatorium erfolgreich abschloss und ein Tschaikowsky-Konzert hervorragend aufführte bei der Abschlussprüfung.

Das brillante Talent Karlowitschs zeigt sich auch im Genre der symphonischen Dichtung. „Returning Waves“ (1904), geschrieben im Geiste der Symbolik, erzählt von den Erlebnissen eines Mannes, dessen Tage gezählt sind, die Erinnerungen an sein früheres Glück ihn jedoch weiterhin begeistern. Auch das symphonische Triptychon „Jahrhundertlieder“, das der Komponist 1904–1906 schuf, ist von einer traurigen Stimmung durchdrungen. Es besteht aus drei Teilen: „Lied der uralten Sehnsucht“, „Lied der Liebe und des Todes“, „Lied der universellen Existenz“. Und 1907 erschien ein weiteres symphonisches Gedicht – „Stanislav und Anna“. Dieses Werk besticht durch seine Emotionalität und Ausdruckskraft des Orchesterklangs.

Erwähnenswert ist auch Karlowitschs Werk „Litauische Rhapsodie“ (1906), in dem sich der Komponist der litauischen und weißrussischen Folklore zuwandte. Die Gründlichkeit der Durchführung, die Subtilität der Vermittlung der Charakteristika von Volksmelodien, die tiefe Offenlegung poetischer Bilder – all das macht die Musik der Rhapsodie wirklich bezaubernd.

Obwohl Karlowitsch ein kurzes Leben führte (1909 starb der zweiunddreißigjährige Komponist, begraben in einer Lawine in der Tatra), ist die Bedeutung seines mit den Traditionen der polnischen Musik verbundenen Werks sehr groß.

Bela Bartok

Béla Bartók, der größte ungarische Komponist, einer der Klassiker des 20. Jahrhunderts, wurde 1881 in Nagyszentmiklos (heute Synnikolaul Mare) in Rumänien geboren. Sein Vater war Direktor einer Landwirtschaftsschule und seine Mutter Lehrerin. Als sie die musikalischen Fähigkeiten ihres Sohnes bemerkte, gab sie ihm ersten Klavierunterricht. Anschließend studierte der Junge bei den damals berühmten Musikern F. Kersch und L. Erkel und trat 1899 in die Liszt-Akademie in Budapest ein, wo er seine Klavierspielfähigkeiten verbesserte und Kompositionstheorie studierte.

Bela Bartok

Nach seinem Abschluss an der Akademie im Jahr 1903 wandte sich Bartók der ungarischen Volkskunst zu und unternahm regelmäßig Expeditionen in abgelegene ungarische, rumänische und slowakische Hinterländer, wo er alte Volkslieder aufnahm. Anschließend verwendete er in seinen Werken immer wieder Folklore.

1904 wurde Bartóks erstes Hauptwerk, die symphonische Dichtung Kossuth, aufgeführt. Darüber hinaus hatte er zu diesem Zeitpunkt mehrere Klavierstücke, Streichquartette und Orchestersuiten geschrieben. 1911 begann der Komponist mit der Arbeit an der Oper „Das Schloss des Herzogs Blaubart“, die er erst 1918 fertigstellen konnte, als bereits das Ballett „Der hölzerne Prinz“ entstanden war. Nach einiger Zeit erscheint das nächste Pantomime-Ballett – „The Wonderful Mandarin“.

Bartok beschränkt sich nicht nur auf das Komponieren und tritt auch als Pianist auf. Er tourt in vielen Großstädten Europas und der USA, darunter Moskau und Leningrad.

Im Jahr 1907 wurde Bartók Professor für Klavier an der Franz-Liszt-Musikakademie. 1934 gab er seine Lehrtätigkeit auf und konzentrierte sich ganz auf die Forschungsarbeit im Bereich Folklore und Ethnographie. Zu Beginn des Zweiten Weltkriegs siedelte der Komponist in die USA über. Allerdings ist das Leben in einem fremden Land sehr schwierig: Bartok ist sehr einsam, hier hat er weder Freunde noch Fans. 1945 stirbt er im New York State Hospital for the Poor.

Das kreative Erbe des Komponisten wird neben diesen Werken auch durch zwei Kantaten, eine Symphonie, Musik für Streicher, Schlagzeug und Celesta, ein Konzert für Orchester, drei Klavier-, zwei Violin- und Bratschenkonzerte, viele Kammermusik- und Klavierwerke repräsentiert. Chöre, Liederzyklen für Gesang und Klavier. Bar-tok besitzt auch mehrere wissenschaftliche Werke zur Folklore.

Carl Orff

Der deutsche Komponist, Dirigent und Lehrer Carl Orff wurde 1895 in München geboren. Im Alter von fünf Jahren begann er, Klavier, Cello und Orgel zu spielen. Später studierte er Musik an der Münchner Musikhochschule, wo seine Mentoren A. Beer-Walbrunn und P. Zilcher waren. Anschließend nahm Orff Unterricht beim berühmten Polyphonisten G. Kaminsky.

Von 1915 bis 1919 war Orff Dirigent in München, Mannheim und Darmstadt. An der Münchner Musikhochschule war er Professor für Komposition.

Im Jahr 1924 gehörte der Musiker zu den Gründern der Musikschule in Günteshul, wo er ein eigenes System zur Erziehung der jungen Generation durch Musik, Tanz und Gymnastikübungen schuf. Orff ist Autor eines berühmten Schulbuchs. Er schuf eine Reihe von Werken für Kinderchöre und Schlaginstrumente.

Ein weiteres Betätigungsfeld Orffs war die Leitung von Konzerten der Bach-Gesellschaft. 1955 erhielt der Komponist die Ehrendoktorwürde der Universität Tübingen.

Zu Orffs bedeutendsten Werken zählen drei Bühnenkantaten (Carmina Burana, Catulli Carmina, Triumph der Aphrodite) sowie musikalische und dramatische Werke (Mond, Kluge Frau, Bernuerin). Ihre Hauptqualitäten waren die realistische Umsetzung und Ausdruckskraft der Liedmusik. So handelt es sich beispielsweise um die Kantate „Carmina Burana“ (1936), deren Untertitel lautet: „Weltliche Lieder für Solisten und Chöre mit Instrumentalbegleitung und szenischen Szenen.“

Diesem Werk liegen Texte zugrunde, die der Autor der antiken Liedersammlung „Carmina Burana“ entnommen hat, die im 13. Jahrhundert zusammengestellt wurde und heute im Depot eines bayerischen Klosters zu finden ist. Diese fröhlichen und heiteren oder voller Ironie gesungenen Lieder wurden von Schulkindern, Mönchen, Handwerkern und Bauern komponiert. Orff nutzt meisterhaft die Intonationen alter Melodien, verleiht ihnen einen neuen Klang und zeigt so die ganze Vielfalt der Möglichkeiten der ursprünglichen Interpretation der Diatonik. Von großem Interesse ist auch das Orchester der Kantate, das der Komponist durch zwei Klaviere und verschiedene Schlaginstrumente ergänzte.

Obwohl die Kantate davon erzählt, dass der Mensch dem Schicksal nicht widerstehen kann und sein Leben von den Drehungen des Glücksrads abhängt, erzeugt ihre Musik, überraschend frisch und energisch, eine freudige und helle Stimmung beim Zuhörer. Orff führt in die Kantate nicht nur Intonationen, sondern auch Fragmente von Volksliedern ein, aber sein Werk führt nicht zur Stilisierung.

Die Ausdruckskraft und elementare Kraft von „Carmina Burana“ unterscheidet sie deutlich von „Carmina Catulli“ (1943) und „Der Triumph der Aphrodite“ (1951), die nach den Worten von Catullus, Sappho und Euripides geschrieben wurden, aber auch diese Kantaten haben viele Reize und lebendige Seiten.

Unter den Bühnenwerken ist „Clever Girl“ (1942) nach dem Märchen der Gebrüder Grimm von großem Interesse – ein Werk voller lebhaftem Humor im Sinne einer Farce.

Carl Orff starb 1982.

Igor Fedorovich Strawinsky

Einer der größten Musiker des 20. Jahrhunderts, Igor Strawinsky, wurde 1882 in Oranienbaum bei St. Petersburg geboren. Sein Vater, F. I. Strawinsky, war Sänger und Solist des Mariinsky Imperial Theatre.

Igor Fedorovich Strawinsky

Der Junge zeigte schon früh musikalische Fähigkeiten. Im Alter von 9 Jahren begann er, Klavier zu spielen, zuerst bei Snetkova und dann bei Kashperova. Strawinsky erhielt jedoch keine professionelle musikalische Ausbildung und trat im Alter von 18 Jahren auf Drängen seiner Eltern in die juristische Fakultät der Universität St. Petersburg ein. Doch seine Begeisterung für die Musik ließ nicht nach und er widmete seine gesamte Freizeit dem Studium musiktheoretischer Themen.

Zwei Jahre später erkannte Strawinsky, dass er professionellen Rat brauchte, und wandte sich an Rimsky-Korsakow, der ihm von 1903 bis 1905 Privatunterricht erteilte und seinem Schüler bis zu seinem Tod die nötige Unterstützung leistete.

Strawinskys erste Werke, die unter der Leitung von Rimsky-Korsakov entstanden, waren mehrere Klavierstücke, eine Kantate zum 60. Geburtstag von Rimsky-Korsakov, eine Suite für Gesang und Orchester „Der Faun und die Hirtin“ und eine Symphonie in Es-Dur , und das Scherzo Fantastique. Diaghilev war bei der Premiere des letzteren anwesend. Fasziniert vom Talent des jungen Komponisten beauftragte er ihn mit der Aufführung eines Balletts bei den Russian Seasons in Paris. Das Ergebnis war „Der Feuervogel“ (1910), dann „Petruschka“ (1911) und noch später „Das Frühlingsopfer“ (1913). Diese Kompositionen erfreuen sich bei Musikliebhabern wohlverdienter Beliebtheit und haben dem Namen ihres Schöpfers Weltruhm eingebracht.

Zu dieser Zeit wechselte Strawinsky seinen Aufenthalt in Russland mit Reisen nach Paris ab. Im Sommer 1914, also unmittelbar vor Ausbruch des Ersten Weltkriegs, begab sich der Komponist in die Schweiz, wo er aufgrund des Ausbruchs der Feindseligkeiten bis 1918 bleiben musste. Während seiner Jahre in diesem Land schrieb Strawinsky die Oper „Die Nachtigall“ (1914) und „Die Geschichte eines Soldaten“ (1918), die er selbst als „eine Geschichte von einem entlaufenen Soldaten und einem Teufel“ definierte, die er las, spielte und tanzte.

Der Komponist wollte nicht in das sowjetisch gewordene Russland zurückkehren und zog nach Paris, wo er bis 1940 lebte. 1919 erhielt er von Diaghilew einen neuen Auftrag, der besagte, dass Strawinsky gebeten wurde, den musikalischen Teil des Balletts „Pulcinella“ auf der Grundlage der Musik von Pergolesi zu perfektionieren.

Etwas später wurden in der Hauptstadt Frankreichs Strawinskys Opern „Der Mohr“ (nach Puschkins Gedicht „Das kleine Haus in Kolomna“) und „Oedipus Rex“ aufgeführt. Das Erscheinen des letzteren markierte den Beginn einer neuen Phase im Schaffen des Komponisten – der Neoklassik, die sein Werk in der rein russischen Tradition ersetzte.

1924 gab Strawinsky sein Debüt als Pianist und spielte sein Konzert für Klavier und Blasorchester unter der Leitung von Koussevitzky. Ein Jahr später versuchte sich Strawinsky als Dirigent. In seiner Freizeit komponiert er Theatermusik, wendet sich aber auch anderen Musikgenres zu: Er schreibt eine Symphonie für Blasinstrumente, Suiten für Kammerorchester, Klavier und Vokalwerke. Bald erschienen auch Strawinskys Ballette „Apollo Musagete“, „Der Kuss der Fee“ und die berühmte Psalmensinfonie nach lateinischen Texten des Alten Testaments.

Der Beginn der 30er Jahre war geprägt vom Erscheinen solcher Werke des Komponisten wie eines Konzerts für Violine und Orchester und eines Konzerts für zwei Klaviere. In den Jahren 1933 – 1934 komponierte Strawinsky im Auftrag der berühmten Tänzerin Ida Rubinstein zusammen mit A. Gide das Melodram „Persephone“. Dann entschließt er sich, die französische Staatsbürgerschaft anzunehmen, wodurch die Fäden, die ihn noch immer mit seiner Heimat verbinden, endgültig zerrissen werden. Im gleichen Zeitraum erschien sein autobiografisches Buch „Chronik meines Lebens“.

1936 tourte Strawinsky durch die USA. Die Metropolitan Opera ist Gastgeber der Uraufführung seines Balletts „A Game of Cards“, und er selbst beginnt mit der Arbeit am Dumbarton Oaks-Konzert, das 1938 im Haus der Kunden, der Bliss-Ehegatten, aufgeführt wurde. Im selben Jahr leitete er mehrere Kurse mit Studenten der Harvard University.

Das Jahr 1940 war für Strawinsky vom Abschied von Frankreich und der Übersiedlung in die USA für einen dauerhaften Aufenthalt geprägt. Jetzt geht er gelegentlich auf Tournee nach Europa, wo er als Pianist und Dirigent auftritt. 1962 feierte er feierlich seinen 80. Geburtstag, woraufhin er sich schließlich dazu entschloss, die UdSSR zu besuchen. Er gibt Konzerte in Moskau und Leningrad und kehrt dann in die USA zurück. Nach weiteren fünf Jahren beendet er seine Auftritte, arbeitet aber weiterhin als Komponist. Sein Leben endet 1971 in New York.

L. Bakst. Kostümentwurf für I. F. Strawinskys Ballett „Der Feuervogel“

Zu Strawinskys kreativem Erbe gehören neben den oben genannten Werken auch die Oper „The Rake's Progress“ nach einer Reihe von Stichen von J. Hogarth (1571), die Ballette „Orpheus“ (1948) und „The Cage“ (1951). und „Agon“ (1957), Symphonien „In C“ und „In Three Movements“, Ebenholzkonzert für Soloklarinette und Instrumentalensemble, „Our Father“ für A-cappella-Chor, „Sacred Hymn in Praise of the Name of St. Mark“. “, „Beweinung des Propheten Jeremia“, Kantate „Predigt, Gleichnis und Gebet“, „Begräbnisgesänge“, eine Vielzahl kleinerer Werke.

Interessant ist, dass Strawinsky keinen bestimmten musikalischen Schreibstil hat, sein Arbeitsstil verändert sich ständig, weshalb er sogar den Spitznamen Chamäleon erhielt. Allerdings sind alle seine Werke Beispiele wahrer Meisterschaft.

Alfredo Casella

Der italienische Komponist, Pianist, Musikkritiker und Lehrer Alfredo Casella wurde 1883 geboren. Seine musikalische Ausbildung erhielt er am Pariser Konservatorium. Er studierte Komposition bei G. Fauré, Klavier bei L. Diemer. Die Gestaltung seines Stils wurde stark von der französischen Musik, dem Werk von R. Strauss sowie seiner Bekanntschaft mit G. Mahler beeinflusst. Das berühmteste Frühwerk Casellas war die symphonische Rhapsodie „Italien“ aus dem Jahr 1909, die den Wunsch des Autors widerspiegelt, Bilder vom Leben in Neapel und Sizilien zu vermitteln. Der Komponist hat Volksmelodien in die Partitur des Werkes aufgenommen und sie in einem etwas schwerfälligen Orchesterrahmen präsentiert.

Von 1912 bis 1915 war Casella Dirigent der Volkskonzerte im Trocadéro-Saal. Im gleichen Zeitraum unterrichtete er Klavier am Pariser Konservatorium.

1915 zog der Komponist nach Rom, wo er Professor für Klavier an der Musikakademie Santa Cecilia wurde. Mit Konzerten besuchte er viele europäische und amerikanische Städte.

In Rom erschien Casellas Suite „Pages of War“ (1918), die den tragischen Ereignissen unserer Zeit gewidmet ist. Seitdem haben neoklassizistische Tendenzen, die im bisherigen Schaffen des Musikers schwach spürbar waren, deutlich zugenommen. Besonders spürbar sind sie in der Partita für Klavier und Orchester (1925), in der der Wunsch des Autors nach Konstruktivismus zum Ausdruck kommt. Wie viele europäische Komponisten dieser Zeit wandte sich Casella ständig den Traditionen der alten italienischen Musik zu. Vor allem die Kunst des 17.–18. Jahrhunderts, insbesondere die Werke von A. Vivaldi und A. Scarlatti, faszinierten ihn. Der Musiker wurde auch maßgeblich von den Werken von G. Rossini und A. Paganini beeinflusst. In Casellas Werken verbindet sich das Interesse an der Antike mit dem Wunsch, die Ausdrucksmittel der modernen Musikkunst zu nutzen, die der Komponist in seinen theoretischen Werken („Die Entwicklung der Musik im Lichte der Geschichte der Kadenzveränderungen“, 1918; „Polytonalität und Atonalität“). Auch Volkskunst spielt in der Musik des Komponisten eine wichtige Rolle. Elemente der Folklore sind in vielen Werken Casellas deutlich sichtbar.

Zu den interessantesten Werken des Komponisten zählen das Konzert für Streichorchester (1927) sowie die Suiten „Scarlattiana“ für Klavier und 32 Streichinstrumente (1926) und „Paganiniana“ (1942), bei denen es sich um freie Bearbeitungen berühmter Meister handelt der italienischen Musikkunst. In diesen Werken sowie in der bereits erwähnten Partita für Klavier und Orchester wendet sich Casella dem Neoklassizismus zu. Auch im Konzert für Streicher, Klavier, Pauken und Schlagzeug (1943) sind neoklassizistische Tendenzen spürbar. Dieses speziell für das Kammerorchester Basel kreierte Konzert zeichnet sich durch strukturelle Harmonie und eine harmonische Kombination von Tanzgenres und antiken Versionen des Concerto Grosso aus.

Zu den bedeutendsten Werken von Casella, die für das Theater geschaffen wurden, gehören „Die Schlangenfrau“ (1931), die die Bilder der italienischen Buffa-Oper verkörpert, die Oper „Das Märchen vom Orpheus“, die Ballette „Das venezianische Kloster“ (1913), „Der Krug“ (1924). Der Komponist ist Autor der feierlichen Messe „Für den Frieden“ (1944), drei Sinfonien, „Heroic Elegy“ (1916), Konzerten, Romanzen und Theaterstücken, darunter elf für Kinder.

Casella nahm aktiv an den Aktivitäten der International Society of Contemporary Music teil. Die Werke des Komponisten wurden häufig auf Festivals dieser Gesellschaft in verschiedenen Ländern aufgeführt.

Der italienische Komponist starb 1947.

Obwohl Casellas Werke in ihrer Bedeutung vielfältig sind, nimmt der Musiker, der eine große Rolle bei der Wiederbelebung nationaler Traditionen spielte, einen würdigen Platz in der Geschichte der italienischen Musikkunst ein.

Heitor Vila-Lobos

Heitor Vila-Lobos, brasilianischer Komponist, Dirigent, Lehrer und Folklorist, wurde am 5. März 1887 in Rio de Janeiro geboren. Seine Begeisterung für die Musik zeigte sich erst recht spät. Im Alter von 16 Jahren begann er sich für Folklore zu interessieren und reiste ausgiebig durch das Land, um verschiedene Volkslieder aufzunehmen.

1923 ging Vila-Lobos nach Paris, wo er fleißig Musikdisziplinen studierte. Dort traf er Ravel, Prokofjew und andere Komponisten. Die Freundschaft mit ihnen spielte eine wichtige Rolle bei der Entwicklung seiner Kreativität.

Während er sich als Komponist verwirklichte, fand Vila-Lobos auch Zeit, als Dirigent in Konzerten aufzutreten und gleichzeitig die Aufführung seiner eigenen Werke und der Musik seiner Zeitgenossen zu leiten.

1931 wurde Vila-Lobos zum Regierungskommissar für Musikausbildung in Brasilien ernannt. Wir müssen ihm gerecht werden: Er hat seinem Land großen Nutzen gebracht, indem er einen so wichtigen Posten innehatte. Vila-Lobos gründete in vielen brasilianischen Städten Musikschulen und Chorstudios und entwickelte ein System der musikalischen Bildung für Kinder. 1945 wurde auf seine Initiative hin die Brasilianische Musikakademie eröffnet, deren ständiger Präsident er war.

Neben der Erfüllung seiner Aufgaben als Kommissar tourte Vila-Lobos weiter und gab Konzerte in verschiedenen Ländern Südamerikas, den USA, London, Paris, Rom, Lissabon usw. Es war ihm zu verdanken, dass die Welt das Einzigartige kennenlernte Brasilianische Musik, die der Komponist vertrat.

Das Leben von Vila Lobos endete 1959 in Rio de Janeiro. Sein kreatives Erbe besteht aus einer Vielzahl von Werken verschiedener Genres. Unter ihnen möchte ich zunächst die Opern „Aglaya“, „Eliza“, „Izat“, „Malazarte“, „Yerma“ erwähnen; Operette „Maddalena“; 15 Ballette; Oratorien „Vidpura“ und „Lied von der Erde“; Chorsuite „Entdeckung Brasiliens“; Masse; 12 Sinfonien; 2 Sinfonien; 18 symphonische Gedichte; 5 Klavier- und 2 Cellokonzerte, Kammermusik- und Klavierwerke. Das bekannteste Werk des Komponisten ist „Brazilian Dunes“ für Gesang mit Instrumentenensemble.

Vila-Lobos besitzt außerdem ein sechsbändiges Werk mit dem Titel „A Practical Guide to the Study of Folklore“.

Boguslav Martinu

Der tschechische Komponist Bohuslav Martinu wurde 1890 geboren. Das erste bedeutende Werk des jungen Musikers war „Tschechische Rhapsodie“ für Orchester (1918). 1923 reiste Martinou nach Paris, wo er bei A. Roussel zu studieren begann. Nach Abschluss seines Studiums blieb er in Frankreich, löste jedoch nie die Verbindung zu seiner Heimat. Neue Kunsttrends gingen an ihm nicht vorbei; der Komponist interessierte sich für Neoklassizismus, Jazz usw. Martina wurde stark von seiner Bekanntschaft mit I. Strawinsky und A. Honegger beeinflusst.

Doch nach und nach entwickelte der Komponist seinen eigenen Stil. Die Werke des Musikers wurden in Paris und Prag erfolgreich aufgeführt, obwohl nicht alle Zuhörer sein Werk akzeptierten. Einige hielten seine Musik für zu kühn und sogar gewagt.

In den 1930er Jahren erschienen mehrere Werke von Martinou, die auf das große Interesse ihres Autors an tschechischen Motiven schließen lassen. Darunter sind das Ballett „Špalicek“ (1932), die Opern „Stücke über Maria“ (1934) und „Theater hinter den Toren“ (1936), die auf folkloristischen Elementen basieren.

Zu den bedeutendsten Werken dieser Zeit zählen die Oper Julia (1937) und das Doppelkonzert für zwei Streichorchester, Klavier und Pauken (1938). Ihre Musik spiegelte die besorgte Stimmung wider, die Europa an der Schwelle zum Zweiten Weltkrieg erfasste. Martinou schrieb damals: „Alles verschwand unter meinen Händen, Gedanken fanden nirgendwo eine Antwort oder Unterstützung.“ Sie verschwanden irgendwo im Nichts, als würde die sich öffnende Leere die gesamte Menschheit in sich hineinziehen.“

Das Libretto für „Julia“ schrieb der Komponist selbst und orientierte sich dabei an der Erzählung von J. Neveu. Die Handlung spielt in einer fantastischen Stadt, deren Bewohner sich nicht an ihre Vergangenheit erinnern und Realität nicht von Fiktion unterscheiden. Michel, ein junger Mann auf der Suche nach seiner Geliebten, findet sich in einer fremden Stadt wieder. Er findet das Mädchen, doch seine Julia, die dem Zauber der Stadt verfallen ist, kann sich nicht mehr befreien. Michelle kann sich nicht von ihrer Geliebten trennen und bleibt in dieser verrückten, monströsen Welt.

Die gesamte Handlung von „Julia“ besteht aus kleinen Szenen, die Gesangspartien basieren auf Rezitativ. Die Oper hat psychologische Züge; der Hörer fühlt sich in die Charaktere hineinversetzt, die in einer surrealen, mysteriösen Welt leben. Dabei hilft Martins subtiles künstlerisches Gespür, seine Fähigkeit, Lebensenergie und Dynamik in die offensichtlich fantastische Atmosphäre der Oper zu bringen. Die Idee von „Julia“ wird durch die Worte des Komponisten selbst offenbart, der schrieb: „Dies ist ein verzweifelter Kampf um den Besitz von etwas Stabilem, das als Stütze dienen kann: Realität, Erinnerung, Bewusstsein.“ Letzterer erweist sich als gebrochen und befindet sich in tragischen Situationen, in denen Michel darum kämpfen muss, seine eigene Stabilität und Vernunft zu bewahren. Wenn er nachgibt, wird er für immer in dieser Welt bleiben, ohne Erinnerung, ohne Zeit.“ In surrealen Bildern versuchte der Komponist, reale Emotionen und Gefühle zu vermitteln, die als Folge einer schmerzhaften Bewusstseinsinstabilität entstehen. Darin stand Martin B. Bartok und A. Honegger nahe, deren Musik ebenfalls eine alarmierende Vorahnung einer drohenden Katastrophe widerspiegelte.

Seit 1941 hielt sich der Komponist in den USA auf. 1953 kehrte er nach Europa zurück. Martinu lebte in Frankreich, Italien und der Schweiz. Obwohl er seine tschechischen Wurzeln nie vergaß, beeinträchtigte die jahrelange Abwesenheit von seinem Heimatland seine Kreativität, die vielfältig und widersprüchlich war. Martinus Vermächtnis repräsentiert nahezu alle Genres und Spielarten. Der Musiker unterwarf sich nie bestimmten Systemen und Trends; es gelang ihm, seine Einzigartigkeit und Individualität zu bewahren.

Martins beste Werke entstanden in den letzten zwanzig Jahren seines Lebens. In dieser Zeit schrieb der Komponist sechs Sinfonien, „Fresken von Piero della Francesca“ und „Parabeln“ für Orchester, die Opern „Ariadne“ und „Mirandolina“, „Griechische Passionen“ usw.

Martin wandte sich erstmals im Erwachsenenalter dem Genre der Symphonie zu. Er schrieb damals: „Wenn jemand vor der Aufgabe steht, die erste Symphonie zu schaffen, wird er unwillkürlich besonders nervös und ernst ...“ Diese Worte bringen den Anspruch des Komponisten an sich und sein Werk zum Ausdruck.

Schukowski S. Yu. Vorfrühling (Pavillon im Park). 1910

Nach der schicksalhaften Uraufführung der Ersten Symphonie im Jahr 1897, die mit einem Misserfolg endete, konnte Rachmaninow lange Zeit nicht komponieren. Er übernahm die Stelle des zweiten Dirigenten an der Moskauer Russischen Privatoper, wo er sich mit dem jungen Schaljapin anfreundete, 1899 dann als Pianist auf Auslandstournee ging und den Sommer 1900 in Genua verbrachte. Erst jetzt wandte er sich wieder dem Komponieren zu – er begann mit der Arbeit am Zweiten Klavierkonzert und an Francesca da Rimini.

Nach dem enormen Erfolg des Konzerts im Frühjahr 1902 wandte sich Rachmaninow einer neuen Gattung zu – der Kantate. So entstand die Kantate „Frühling“ nach dem Gedicht „Grüner Lärm“ (1862) von N. A. Nekrasov (1821-1878). Vielleicht wurde die Schaffung eines strahlenden, von Liebesbekundungen durchdrungenen Werks durch das Gefühl des Komponisten selbst erleichtert: In diesem Frühjahr fand seine Hochzeit mit Natalia Alexandrowna Satina statt.

Die Kantate wurde am 11. März 1902 beim neunten Symphonietreffen der Moskauer Philharmonischen Gesellschaft zum ersten Mal aufgeführt und von A. Smirnov und einem Chor aus Musikliebhabern unter der Leitung von A. Ziloti aufgeführt. Sie wurde von Publikum und Kritikern sehr positiv aufgenommen. N. Kashkin schrieb in einer Rezension über seinen starken Eindruck von der Musik. Am 8. (21.) Januar 1905 wurde die Kantate in St. Petersburg vom Chor des Mariinski-Theaters (Solo von Schaljapin) aufgeführt und erfreute sich auch bei der Musikszene großer Beliebtheit. Um russische Komponisten und Musiker zu fördern, verlieh das Kuratorium Rachmaninow für sie den Glinkin-Preis.

Musik

Die einteilige Kantate, die der Frühlingserneuerung des Lebens gewidmet ist, besteht aus drei Abschnitten.

Das erste, rein Orchesterstück vermittelt das allmähliche Erwachen des Frühlings. Das kurze Leitmotiv „Grünes Rauschen“, das an Motive volkstümlicher Frühlingsgesänge erinnert, klingt zunächst in tiefer Lage, als würde man aus der Winterstarre erwachen. Nach und nach erwachen neue Kräfte, der Frühlingslärm wächst, und zum freudigen Höhepunkt setzt der Refrain ein: „The Green Noise iscoming, the Green Noise is summen, the Green Noise, the spring Noise!“ Die deklamatorische Geschichte des Baritons bricht mit scharfer Dissonanz in diese Musik voller Licht und Freude ein: „Meine Gastgeberin Natalya Patrikeevna ist bescheiden, sie wird das Wasser nicht trüben!“ Das Orchester spielt mehrmals mit der düsteren, traurigen Melodie des Solo-Englischhorns, und die Orchesterfarben verdichten sich. Der Chor singt mit geschlossenem Mund kurze, absteigende Gesänge, dazu spannungsgeladene Harmonien und chromatische Passagen von Holzinstrumenten, die das Heulen des Sturms vermitteln. Doch nach den Worten des Monologs des Solisten „Plötzlich hat sich der Frühling eingeschlichen“ kehrt das Thema des Grünen Rauschens leise, wie nach und nach, zurück. Die Farbe hellt sich auf. Im Orchester erklingen Flötenklänge und leichte Violinpassagen – der Hauch des Frühlings weht. Nach und nach werden freudige Klänge lauter. Der weite Kantilenengesang vermittelt feierlich und erleuchtet den Grundgedanken des Werkes: „Liebe, solange du liebst, sei geduldig, solange du aushalten kannst, lebe wohl, während du Abschied nimmst, und Gott wird dein Richter sein!“

L. Micheeva

AUF DER. Nekrassow

Grüner Lärm

Der Green Noise* geht immer weiter, der Green Noise, der Frühlingsrausch!

Levitan I. I. Frühling. Großes Wasser. 1897

Spielerisch zerstreut es sich. Plötzlich ein reitender Wind: Wird die Erlenbüsche wiegen, Blumenstaub aufwirbeln, Wie eine Wolke: Alles ist grün, Sowohl die Luft als auch das Wasser!
Bakshaev V.N. Blauer Frühling. 1930 Da ist das Grüne Rauschen, das Grüne Rauschen, das Frühlingsgeräusch!
Byalynitsky-Birulya V.K. Frühling. 1899 Meine Gastgeberin Natalya Patrikeevna ist bescheiden, sie wird Sie nicht mit Wasser aufrühren! Ja, ihr ist Ärger passiert. Wie ich den Sommer in St. Petersburg verbracht habe ... Die Dumme hat es selbst gesagt: Tick auf ihrer Zunge!
Vinogradov S. A. Frühling. 1911 In der Hütte hat uns ein Freund mit einem Betrüger eingesperrt. Meine Frau schaut mir streng in die Augen und schweigt. Ich schweige... aber meine wilden Gedanken lassen mir keine Ruhe: Töte... es tut mir so leid für mein Herz! Es gibt keine Kraft zum Aushalten! Und hier brüllt der zottige Winter Tag und Nacht: „Töte, töte, der Verräter! Sonst bist du für den Rest deines Lebens verloren, du wirst weder tagsüber noch tagsüber Frieden finden.“ Lange Nacht. Deine schamlosen Nachbarn werden dir in die Augen spucken!..“ Zum Lied-Blizzard-Winter Der heftige Gedanke ist stärker geworden – ich habe ein scharfes Messer auf Lager … Doch plötzlich ist der Frühling da.

Byalynitsky-Birulya V.K. Vorfrühling. 1953

Das Grüne Rauschen geht immer weiter,
Grüner Lärm, Frühlingslärm!

Wie in Milch getränkt,
Es gibt Kirschgärten,
Sie machen ein leises Geräusch;
Gewärmt von der warmen Sonne,
Glückliche Menschen, die Lärm machen
Kiefernwälder.
Und daneben gibt es neues Grün
Sie plappern ein neues Lied
Und die hellblättrige Linde,
Und eine weiße Birke
Mit grünem Zopf!
Ein kleines Rohr macht Lärm,
Der hohe Ahornbaum ist laut...
Sie machen ein neues Geräusch
Auf eine neue, frühlingshafte Art...

Schukowski S. Yu. Erwachen der Natur (Vorfrühling). 1898

Der Grüne Lärm geht immer weiter.
Grüner Lärm, Frühlingslärm!

Der heftige Gedanke wird schwächer,
Das Messer fällt mir aus der Hand,
Und ich höre das Lied immer noch
Eins - sowohl Wald als auch Wiese:
„Liebe, solange du liebst,
Seien Sie so lange wie möglich geduldig
Auf Wiedersehen, während es auf Wiedersehen heißt
Und Gott wird dein Richter sein!“

Levitan I. I. Vorfrühling. 1890er Jahre

* So nennt man das Erwachen der Natur im Frühling. (Anmerkung von N.A. Nekrasov.)

Sergej Wassiljewitsch Rachmaninow. Romanzen

„Ich bin ein russischer Komponist, und meine Heimat hat ihren Charakter und meine Ansichten geprägt. Meine Musik ist die Frucht meines Charakters und deshalb ist es russische Musik … Ich habe kein eigenes Land. Ich musste gehen.“ das Land, in dem ich geboren wurde, in dem ich gekämpft und alle Sorgen der Jugend erlitten habe und in dem ich schließlich Erfolg hatte.“

"Was ist Musik?!

Es ist eine ruhige, mondhelle Nacht;

Das ist das Rascheln lebender Blätter;

Dies ist die ferne Abendglocke;

Das ist es, was aus dem Herzen geboren wird

und geht zu Herzen;

Das ist die Liebe!

Die Schwester der Musik ist die Poesie,

und ihre Mutter ist Traurigkeit!

Rachmaninow am Klavier, Anfang des 20. Jahrhunderts.

Von 1892 bis 1911Sergej Wassiljewitsch Rachmaninowschrieb 83 Liebesromane, alsosie sind alle erschaffenwährend der russischen Zeit seines Lebens. An Popularität konkurrieren sie mit seinen Klavierwerken.Die meisten Romanzen wurden nach Texten russischer Lyriker der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts verfasst.Jahrhundertund der Wende des 20. Jahrhunderts und nur etwas mehr als ein Dutzend Gedichte von Dichtern der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts – Puschkin, Kolzow, Schewtschenko in russischer Übersetzung.

Rachmaninow schrieb:„Ich bin sehr von Poesie inspiriert. Was ich neben der Musik am meisten liebe, ist die Poesie. ... Ich habe immer Gedichte zur Hand. Poesie inspiriert zur Musik, denn Poesie selbst enthält viel Musik. Sie sind wie Zwillingsschwestern.

1. „Ich bin kein Prophet“ – Worte von Alexander Kruglov. 2. „Es ist Zeit“ – Nadson. 3. „Christus ist auferstanden“ – Merezhkovsky. 4. „Wie es mir weh tut“ von Glafira Galina. 5. Vokalisierung. 6. „Ich habe mich in meine Traurigkeit verliebt“ – Pleshcheeva (von Shevchenko). 7. „Oh nein, ich bete, dass du nicht gehst!“ - Mereschkowski. 8. „Insel“ – Balmont 9. Auszug aus Musset – Übersetzung von Apukhtin. 10. „Hier ist es gut“ – Galina. 11. „Ich warte auf dich“ – Davidova. 12. „Die Nacht ist traurig“ – Bunina. 13. „Glaub mir nicht, Freund!“ - Alexei Tolstoi. 14. „Singe nicht, Schönheit, vor mir“ – Puschkin 15. „Gebet“ – Pleshcheeva (von Goethe). 16. Wie lange ist es her, meine Freundin - Golenishcheva-Kutuzova. 17. „Quellwasser“ – Tyutcheva.

In Rachmaninows Romanzenalles, was in seiner Vorstellung vom Mutterland vereint war, spiegelt sich wider – die Seele des russischen Menschen, seine Liebe zu seinem Land, seine Gedanken, seine Lieder.Naturbilder dienen nicht nur dazu, ruhige, besinnliche Stimmungen auszudrücken. Manchmal helfen sie dabei, stürmische, leidenschaftliche Gefühle zu verkörpern. Dann entstehen Romanzen virtuoser Natur, die sich durch die Breite der Form, den Reichtum der Farben, die Brillanz und die Komplexität der Klavierdarbietung auszeichnen. Die Romanze „Spring Waters“ wurde in diesem Stil mit Texten von Tyutchev geschrieben. Dies ist ein musikalisches Bild des russischen Frühlings, ein Gedicht voller enthusiastischer, freudiger Gefühle.

„Flieder“ ist nach den Worten von Beketova eine der wertvollsten Perlen von Rachmaninows Texten. Die Musik dieser Romanze zeichnet sich durch außergewöhnliche Natürlichkeit und Einfachheit aus, eine bemerkenswerte Verschmelzung lyrischer Gefühle und Naturbilder.

Einen ganz besonderen Platz in Rachmaninows Gesangstexten nimmt „Vocalise“ aus dem Jahr 1915 ein (gewidmet der großen Sängerin Neschdanowa). Elemente des Volksliedstils fließen hier organisch in die Melodie ein, geprägt von einer hellen Individualität. Die Verbindung zwischen „Vocalise“ und dem russischen Nachklang wird durch die Breite der Melodie, die gemächliche Art ihrer Entwicklung und die harmonische Sprache deutlich.

Die Vogelkirsche blüht an meinem Fenster,
Blüht nachdenklich unter einem silbernen Gewand ...
Und mit einem frischen und duftenden Zweig verneigte es sich und rief...
Ihre flatternden Luftblütenblätter
Glücklich atme ich fröhlich durch,
Ihr süßer Duft vernebelt meinen Geist,
Und sie singen Liebeslieder ohne Worte ...

Galina Galina

Gänseblümchen

Oh schau! wie viele Gänseblümchen -
Sowohl dort als auch hier...
Sie blühen; es gibt viele davon; ihr Übermaß;
Sie blühen.
Ihre Blütenblätter sind dreieckig – wie Flügel,
Wie weiße Seide...
Du bist die Kraft des Sommers! Du bist die Freude des Überflusses!
Du bist ein kluges Regiment!
Bereite, o Erde, einen Trank für die Blumen aus dem Tau zu,
Den Stiel entsaften...
Oh Mädels! Oh, Gänseblümchensterne!
Ich liebe dich...

Igor Severyanin

Romanzen mit lyrisch-landschaftlichem Charakter bilden einen der wichtigsten Bereiche von Rachmaninows Gesangslyrik. Das Landschaftselement verschmilzt entweder mit dem psychologischen Hauptinhalt oder kontrastiert ihn. Einige dieser Werke sind in festlichen Aquarellfarben gestaltet, haben einen ruhigen, kontemplativen Charakter und zeichnen sich durch Subtilität und Poesie aus.

istoriyamuziki.narod.ru ›rahmaninov-vokal-tvor.html