Titelseite der ersten Ausgabe von The Sonette
„Sonette sind der Schlüssel zu Shakespeare
öffne dein Herz"
William Wordsworth
Nach den Recherchen vieler Literaturwissenschaftler wurden Shakespeares Sonette während der Blütezeit der Sonettdichtung in der englischen Literatur zwischen 1592 und 1598 geschrieben. Philosophische Tiefe, Dramatik der Gefühle, Musikalität und Lyrik von Shakespeares Sonetten haben einen herausragenden Platz in der Geschichte der Weltpoesie eingenommen. Sie offenbaren den Reichtum und die Schönheit des Renaissance-Menschen, die Tragödie und Größe seiner Existenz sowie Reflexionen über Leben, Kreativität und Kunst.
Shakespeares Sonette sind zu einem Zyklus zusammengefasst, der in mehrere separate thematische Gruppen unterteilt ist, aber eine einzige Handlungsintegrität darstellt:
- Einem Freund gewidmete Sonette: 1-126
- Einen Freund singen: 1-26
- Freundschaftsversuche: 27-99
- Bitterkeit der Trennung: 27-32
- Erste Enttäuschung bei einem Freund: 33-42
- Angst und Angst: 43-55
- Wachsende Entfremdung und Melancholie: 56-75
- Rivalität und Eifersucht gegenüber anderen Dichtern: 76-96
- "Winter" der Trennung: 97-99
- Eine Feier der erneuerten Freundschaft: 100-126
- Sonette, die der dunklen (dunklen) Dame gewidmet sind: 127-152
- Fazit - die Freude und Schönheit der Liebe: 153-154
Englischer Maler Frost. Entwaffneter Amor. Sonett Nr. 154
Bei der Zusammenstellung dieses Materials haben wir verwendet:
1. William Shakespeare. Sonette. Pro. aus dem Englischen. S. Marschak. M.: „Belletristik“; 1994.- 304s.
2. Geschichte der ausländischen Literatur. Shapovalova M.S., Rubanova G.L., Motorny V.A. - Lemberg: Vishcha-Schule. Verlag bei Lvov.un-jene. 1982.- 440 S.
3. Weltkunstkultur:
Sonette von W. Shakespeare. Hauptmotive. Philosophische Fragen in Sonetten.
Anders als die Petrarchisten stürmte Shakespeare nicht in die gespenstischen himmlischen Sphären. Die Erde war ihm lieb, die blühende irdische Natur, die Welt des irdischen Menschen, widersprüchlich, aber schön, sich bejahend in Freundschaft, Liebe und Kreativität.
Die Bedeutung der Sonette: Sie offenbaren den spirituellen Reichtum und die Schönheit des Renaissance-Menschen, die Größe und Tragik seiner Existenz. Dem ist Sonett 146 gewidmet. Es besingt einen Mann, der dank seiner spirituellen Suche und seines unermüdlichen kreativen Brennens Unsterblichkeit erlangen kann. Solch eine Person ist der lyrische Held von Shakespeare. Alle 134 Sonette sind in seinem Bild vereint. Der lyrische Held besingt seine hingebungsvolle Freundschaft mit einem wunderbaren jungen Mann und seine glühende Liebe zur „dunklen Dame“. Shakespeares Sonette sind ein Zyklus, dessen Struktur durch den Charakter und die Dynamik der Gefühle des lyrischen Helden bestimmt wird.
Sonette wurden in denselben Jahren geschrieben, in denen Komödien, historische Chroniken und frühe Tragödien geschrieben wurden; sie sind mit der Dramaturgie Shakespeares verbunden. Sie drücken die Idee des Triumphs des Lebens und der Liebe aus, die Wechselfälle der Gefühle, das für Komödien so charakteristische lyrische Element wird vermittelt; in den Sonetten manifestierte sich ein humanistisches Interesse am Individuum, ethisches Pathos, das für Tragödien und historische Chroniken charakteristisch ist; sie stellen philosophische Lebensprobleme, tiefdramatische und manchmal tragische Motive erklingen, es entsteht ein Bild einer Welt, in der Vertrauen und Adel mit Grausamkeit und Eigennutz in Konflikt geraten. Der Dichter reflektiert die Probleme im Leben der Gesellschaft und die Unordnung der Welt. Die Gefühlswelt der Heldenlyrik ist reich, aber er verschließt sich nicht. Seine Seele ist offen für das Leben. Ungerechtigkeit stehen bleibende Werte gegenüber – Freundschaft, Liebe, Kunst. Shakespeares Sonette sind der poetische Kommentar der Ära. Der Dichter spricht über das Leben des Herzens und verurteilt die Heuchelei und Grausamkeit der Gesellschaft.
Unter den Sonetten, die wichtige soziale Ideen entwickeln, machen Sie das 66. Sonett. Dies ist eine wütende Anprangerung von Betrug und Gemeinheit, triumphierendem Bösen und Ungerechtigkeit.
Vor dem Helden öffnet sich das Bild des Bösen, und er ruft nach dem Tod.
1-126 Sonette sind einem Freund gewidmet
Alle Sonette haben das Thema Liebe. Seine Variationen sind auffallend reich. Die Liebe erweckt im Helden die Fähigkeit, besonders scharf und stark zu fühlen, das Leben in seiner Gesamtheit wahrzunehmen. Liebe ist die Quelle von Kraft und Glück. Sie wird in Sonetten als das größte Geschenk des Lebens besungen. Liebe hat viele Gesichter. Sie schenkt nicht nur Freude und Kraft: „Liebe ist listig, sie braucht Tränenströme“; sie kann grausam und verräterisch sein.
Die Sonette vermitteln die Fülle von Gefühlen, die Liebende erfahren; Freude, Hoffnung, Entzücken, Bewunderung, Leidenschaft, Verzweiflung, Traurigkeit, Schmerz, Angst, Eifersucht und wieder Hoffnung, Glück und Jubel.
Einen wichtigen Platz in den Sonetten nimmt das Thema Zeit ein, der Generationenwechsel, die Unausweichlichkeit des Alters. Der lyrische Held wendet sich an einen Freund und rät ihm, zu heiraten und Kinder zu bekommen. Das Leben, das in Kindern fortgesetzt wird, wird den Tod besiegen. Du kannst das Leben nicht nur auf dein eigenes Schicksal beschränken, du kannst dir nicht aneignen, was dir die Natur „zum Weitergeben gibt“. Die Natur braucht Erneuerung, nichts kann und soll nicht stehen bleiben. Denken Sie in der Gegenwart an die Zukunft
Und obwohl die Zeit unaufhaltsam über alles Irdische triumphiert, ist der schöpferische Impuls des Menschen imstande, auch über ihn zu triumphieren. Es ist jedem gegeben, seine Existenz in der Nachwelt zu verlängern (Sonette 2, 3, 4 usw.).
Dennoch ist die Bewegung der Zeit unvermeidlich, sie fegt alle Hindernisse auf ihrem Weg hinweg und bringt die Erneuerung und den Tod näher. Dieses Thema ist im 64. Sonett zu hören.
Der Unsterblichkeit der Kunst steht die Macht der Zeit gegenüber. Es überlebt Jahrhunderte, bewahrt die Erinnerung an die vom Dichter besungenen Menschen und das Bild des Dichters selbst (Sonett 55). Der Mensch findet seine Unsterblichkeit in der Kreativität. Der Dichter lebt weiter in Versen.
Im berühmten Sonett 130 entsteht das Porträt „einer dunkelhäutigen Dame. Shakespeare schafft das Bild einer echten Frau. Die lyrische Welt Shakespeares ist die Welt eines Menschen, der nicht nur fühlt, sondern auch denkt. Shakespeare brach mutig mit etablierten Mustern, um die Wahrheit des Lebens zu bekräftigen. Besonders bemerkenswert ist in diesem Zusammenhang der Zyklus seiner Sonette, der der „schwarzen Dame“ gewidmet ist (Sonette 127 - 152). Aus Shakespeares Sonetten erfährt der Leser, dass der Dichter in die "dunkle Dame" verliebt ist und sie sich einmal erwiderte und dann, vom Freund des Dichters mitgerissen, aufhörte, ihm treu zu sein. Shakespeares Sonette enthalten ein offenes Bekenntnis eines lyrischen Helden. Gleichzeitig stellt der Dichter entgegen der Tradition seine Auserwählte weder als ideal noch als überaus schön dar. Das Drama spielt sich im Kopf des Dichters ab.
1-17 - Freund, seine Schönheit, Narzissmus; Fortsetzung der eigenen Art.
18+ ewiges Leben in Versen; Zeitbild (Löwe, Tiger)
55+ Gedichtthema, Katze ist stärker als der Tod
62+ Spiegelbild
116+ Bild der Liebe
Die Lyrik unter seiner Feder nähert sich der Tragödie. Der Dichter war sich bewusst, dass der Verrat eines Freundes und die Täuschung eines Geliebten nur ein Tropfen auf den Ozean der umher tobenden menschlichen Trauer sind. In das Buch der intimen Sonette dringt Sonett 66 wie ein Blitzschlag ein und wiederholt Hamlets traurigen Monolog über weltliche Unordnung.
Shakespeares Sonette wurden von B. Pasternak, S. Marshak und O.B. Rumer, M. I. Tschaikowsky, A. M. Finkel.
39. Poesie der Plejaden + Beispielverse
Plejaden (fr. La Pléiade) - der Name der poetischen Vereinigung in Frankreich des 16. Jahrhunderts, die von Pierre de Ronsard geleitet wurde. Sie waren die ersten, die Gedichte auf Französisch und nicht auf Latein oder Griechisch schrieben.
Die Plejaden sollten nicht als eine einzige poetische Schule betrachtet werden (trotz der Tatsache, dass Ronsards Priorität für alle Mitglieder der Gruppe unbestreitbar war). Die allgemeine Haltung der Plejaden bestand darin, traditionelle (nationale) poetische Formen abzulehnen (in dieser Hinsicht argumentierte die Gruppe mit Clément Marot) und Poesie als ernsthafte harte Arbeit zu betrachten (und nicht als leeren Zeitvertreib, wie die Dichter der Schule der großen Rhetoriker angeblich ein und demselben Marot ) und im "Gesang der spirituellen Aristokratie". Diese Aristokratie wurde von dem apologetischen Konzept des Dichters genährt, das für die Renaissance charakteristisch war und mit dem Einfluss des Neuplatonismus verbunden war. Letzterer ist aufgefordert, nach Schönheit zu streben, indem er aktiv auf mythologische Bilder, Neologismen und lexikalische Anleihen zurückgreift und die Syntax mit für Latein und Griechisch charakteristischen Phrasen bereichert. Anstelle mittelalterlicher Gattungen (mit Ausnahme von Eklogen, Elegien, Epigrammen, Botschaften und Satiren, die noch aufbewahrt werden müssen) wurde vorgeschlagen, sich der Antike (Ode, Tragödie, Epos, Hymne) und der für Italien charakteristischen (Sonett) zuzuwenden. Das Manifest der Gruppe wurde von Du Bellay unterzeichnet (aber anscheinend unter aktiver Beteiligung von Ronsard verfasst), die Abhandlung "Schutz und Verherrlichung der französischen Sprache" (La Deffence, et Illustration de la Langue Française, 1549). Um die Wende der 1550er-1560er Jahre änderte sich die Position der plejadischen Dichter, nicht ohne den Einfluss der gesellschaftspolitischen Situation, etwas: Es gab eine Tendenz zur Vertiefung der Philosophie einerseits und des bürgerlichen Pathos andererseits (allerdings färbt das patriotische Gefühl das Manifest der Plejaden).
Was hat die Gruppe vereint? Einige theoretische Bestimmungen, wie üblich. Sie wurden in Abhandlungen, Vorworten zu Gedichtsammlungen, poetischen Botschaften dargelegt. Der erste Platz, zeitlich und inhaltlich, gehört hier der „Verteidigung und Verherrlichung der französischen Sprache“ von J. Du Bellay.
Von den ersten Schritten an zeichnet sich die Tätigkeit der Plejaden durch eine allgemeine Sorge um die gesamte französische Literatur im Namen der Erhebung und des Ruhms Frankreichs aus: Sie verteidigt die Muttersprache, ohne Latein zu verurteilen, sie erhebt die Sprache auf das Niveau der Kunst , die Poesie als höchste Form ihrer Existenz proklamierend.
Die praktische Verwirklichung des idealen Ausdrucks der Nationalliteratur hätte nach Du Bellays Theorie nicht durch Nachahmung des Buchstabens, sondern des Geistes der Antike erreicht werden müssen.
Die besten Autoren der Plejaden, die die Technik von Pindar brillant anwandten, schufen eine französische Ode und brachten das poetische Wort auf den höchsten Grad der Perfektion. Ronsard, könnte man sagen, hat eine neue französische Lyrik geschaffen, wie Puschkin es bei uns getan hat. Ronsard hatte wie Du Bellay einen subtilen Sinn für Proportionen, Lakonie und lehnte sogar zu Recht italienische Dichter ab, die, wie er sagt, „normalerweise vier oder fünf Epitheta in einem Vers anhäufen“.
Die Theoretiker der Plejaden, die sich auf die Arbeit von Horaz bezogen, drängten darauf, sich nicht zu beeilen, die Werke zu veröffentlichen, sondern unermüdlich ihren Stil zu polieren. Jedoch wird keine Menge an Lernen und Fleiß sparen, wenn der Dichter nicht von den Musen inspiriert ist und die poetische Theorie in Übereinstimmung mit den Lehren von Platon aufgebaut ist, der behauptet, dass Dichter die Sprecher der göttlichen Inspiration sind, die auf sie herabsteigt.
Du Bellay sprach über das hohe Schicksal des Dichterschöpfers, dass er den Leser „empören, beruhigen, sich freuen, trauern, lieben, hassen“ müsse.
"Plejaden" tat noch etwas Wichtiges - es befreite den Dichter von der völligen Abhängigkeit vom Gönner und machte ihn zu einem Profi.
Zwar trennten sich in den Jahren der Glaubenskriege im Kontext der Gegenreformation die Wege der Mitglieder der Gruppe ziemlich abrupt: Ronsard und Baif werden Hofautoren, Jodel geht in die Opposition, viele andere leben nicht mehr. Aber die Sache wurde im Allgemeinen gemacht: Eine nationale Schule wurde geschaffen, nationale Poesie, außerdem breitete sich der Einfluss der Plejaden auf ganz Europa aus: Edmund Spenser und Philip Sidney versuchen, eine ähnliche Reform in England, in Polen, durchzuführen seine Arbeit - der brillante Jan Kokhanovsky, in Deutschland - Weckerlin und Opitz, sogar der Italiener Kyaberra erklärt sich zum Anhänger der Ideen von Ronsard.
Aber Theorien sind Theorien, und Literatur wird in erster Linie von Genies geschaffen. Solche Genies wurden Frankreich von den Plejaden und Frankreich der ganzen Welt geschenkt. Diese Genies waren Josage du Bellay und Pierre de Ronsard.
2. Joashing du Bellay
Beginnen wir mit dem Ältesten. Joachin du Bellay wurde 1522 geboren, lebte die klassischen achtunddreißig Jahre als Dichter und starb 1560.
Versuchen wir uns die Zeit von Du Bellay vorzustellen.
1525 nahmen die Truppen Karls V. den französischen König Franz I. gefangen. Und dies war nur eine der Episoden des blutigen Krieges um die Vorherrschaft in Europa, ein Kampf, der einen Schatten auf das Leben des Dichters warf.
Darüber hinaus ist dies auch eine Zeit der wissenschaftlichen Forschung und Explosionen von wildem Aberglauben, doppeltem Fanatismus - wilde Katholiken und unerbittliche Hugenotten. Frankreich befindet sich fast ununterbrochen im Krieg – mal mit Charles, mal mit den Briten. Das Habsburgerreich erschreckt die Welt mit seiner Macht. Karl V., der in Flandern geboren wurde und in Madrid regierte, regierte Deutschland und Mexiko, Holland und Italien. Die Franzosen sprachen damals erstmals von einem „europäischen Gleichgewicht“. Francis bot dem türkischen Sultan ein Bündnis an. Er verhandelt sowohl mit Muslimen als auch mit deutschen Protestanten, was ihn nicht daran hindert, einheimische Ketzer auf dem Scheiterhaufen zu verbrennen.
Die aus Italien stammenden Ideen der Renaissance erschüttern die aufgeklärten Franzosen. Die Adligen lesen die Odyssee und sprechen über die Entdeckungen von Kopernikus, während Studenten ihre Lieben mit Petrarcas Gedichten in Verlegenheit bringen. Der König schickt den großen Tizian aus Italien, der ein Porträt eines aufgeklärten Monarchen malt. Der König gründet das College de France – die erste höhere weltliche Schule. Er bevormundet Philosophie, Philologen, Dichter, Künstler. Er hält Vorträge über die Bedeutung des Druckens. Gleichzeitig verbrennt er einen der besten Drucker Frankreichs, den Philologen Dole, auf dem Scheiterhaufen. Sprecher sind die ersten Schüler von Ignatius Loyola, militante Jesuiten. Calvinisten protestieren gegen den Fanatismus der Katholiken, aber sie selbst verachten ihre Methoden nicht. Im katholischen Paris lehrt der spanische Arzt Servet Medizin, er studiert das Kreislaufsystem. Vor der Kirchenverfolgung zieht er nach Genf, wo Calvin eine protestantische Republik organisiert. Natürlich verurteilt Calvin die Inquisition, aber die wissenschaftliche Rechtfertigung der Welt beunruhigt ihn, vielleicht mehr als den Papst selbst ... Und die freiheitsliebenden Hugenotten verbrennen den Arzt Servet feierlich auf dem Scheiterhaufen. Und was noch wichtiger ist, eine neue Klasse, die Bourgeoisie, wächst schnell. Das ist die Umgebung, in der die Dichter der Plejaden arbeiten, die Welt, in der Du Bellay lebt.
Aus einem armen Zweig der berühmten Familie der Bischöfe, Gouverneure, Diplomaten, Generäle stammend, wurde er früh verwaist, war gesundheitlich angeschlagen. Als junger Mann geht er nach Poitiers, um an der Universität Jura zu studieren. Dort traf er sich mit Ronsard. Der Legende nach trafen sie sich zufällig in einer Vorstadttaverne. Und vom ersten Treffen an wurden sie Freunde für immer. 1547 gab der 25-jährige Du Bellay das Jura auf, zog nach Paris und trat in das Cocre College ein, wo sein Freund Ronsard studierte. Beide leben in einem Internat, lieben italienische Poesie, streifen durch die engen Gassen des Quartier Latin, verlieben sich in Mädchen, die unweigerlich mit Petrarcas Laura verglichen werden.
Zwei Jahre später veröffentlicht Du Bellay eine Gedichtsammlung „Oliva“ – so nennt der Dichter das Objekt seiner Liebe. Es gibt viele schöne Sonette in dem Buch. Fast gleichzeitig erscheint die Verherrlichung der französischen Sprache.
Und drei Jahre später verzichtet er auf sein erstes Buch, den Petrarchismus:
Worte sind erhaben und hell
Und alles ist Schein, alles sind Worte.
Heißes Eis. Liebe ist tot
Sie hat keine Fähigkeiten
Genug, um Petrarca nachzuahmen.
......................................
Ich möchte lieben, ohne zurückzublicken.
Abgesehen von Posen und Phrasen,
Amors Pfeile, Gorgons Augen,
Da ist diese Liebe, die uns strickt.
Ich spiele kein Verstecken mehr.
Wir haben die Papierleidenschaften satt -
Lass mich mit einer lebenden Frau leben!
Was meiner Meinung nach nur einmal mehr beweist, wie eng und zugleich ewig eine Reihe poetischer Themen sind.
1553 war Du Bellay bereits ein völlig kranker Mensch. Tuberkulose quält ihn seit seiner Jugend und Armut – fast von Geburt an.
Zu dieser Zeit besucht er Rom als Sekretär für Finanzangelegenheiten im Rahmen der Mission Heinrichs II., Angeführt von einem Verwandten des Dichters, Kardinal Jean Du Bellay. Die Habsburger und Frankreich kämpften um das unglückliche, zerrissene Italien.
Der Dichter verbrachte vier Jahre in Italien. Er war beeindruckt von dem Leben, das in den alten Ruinen vor sich geht. In jenen Jahren war Rom nicht nur die Ruine seines einstigen Glanzes: Auch der hektische Michelangelo arbeitete, Liturgien wurden aufgeführt, Architekten schufen Paläste und verbanden die Harmonie des "goldenen Zeitalters" mit den ersten Launen des extravaganten Barock.
Und Rom offenbarte ihm das Gesicht des Lasters. In Sonetten beschrieb er all dies: die Intrigen und Betrügereien von Kardinälen und Diplomaten, die Schamlosigkeit von Kurtisanen, eine Mischung aus halbnackten Mädchen mit Soutane, Weihrauch mit Weindämpfen, einen Rosenkranz mit Bankiersrechnungen. Er beschrieb - und sehnte sich nach seiner Heimat, floh nach Frankreich und schuf ein poetisches Buch "Bedauern" - ein Tagebuch der Beobachtungen, Reflexionen, Bekenntnisse. Ein Buch der lebendigen Liebe für eine lebende und verheiratete Frau, Roman Faustina, über ihre schwierige und stürmische Liebe. Und doch nicht die Liebe - die Hauptsache im letzten Buch von Du Bellay. Er verstand, dass Ronsard besser über die Liebe schreibt, und schrieb deshalb über das Leben, über sich selbst, über die Zeit.
Die Taubheit, die ihn überfiel, aber auch von ihm ließ (sogar sie hatten ein gemeinsames Leiden mit Ronsard!), kehrte 1599 vollständig zurück. Auch andere Krankheiten wurden gefoltert. Der Dichter ist unten. Als plötzlich Erleichterung einsetzte, stand er auf und feierte im Haus seines Freundes Bizet fröhlich das neue Jahr. Als er nach Hause zurückkehrte, setzte er sich an den Tisch, um an Gedichten zu arbeiten. Am Morgen des 1. Januar 1560 wurde er tot aufgefunden.
Und drei Jahre nach dem Tod des Dichters begann ein neuer Krieg zwischen den Katholiken und den Hugenotten und ... die Renaissance endete.
Hier sind einige von Du Bellays Sonetten, übersetzt von Wilhelm Levick, unter denen, die seinen Namen unsterblich gemacht haben.
Es gibt keinen Nutzen für die Unwissenden in den Künsten von Apollo,
Ein Geizhals schätzt einen solchen Schatz nicht,
Ehrgeiz neigt nicht dazu, sie zu verschönern;
Er wird ausgelacht von dem, der sich um den Thron kringelt,
Ein Soldat aus Reimen und Strophen eines Schildes wird es nicht machen,
Und du Bellay weiß: Du wirst sie nicht satt haben,
Dichter sind nicht im Preis von Macht und Gesetz.
Der Edelmann sieht keinen Gewinn in der Poesie,
Für die besten Gedichte kann man kein Schisch kaufen, -
Auch im eigenen Land ist der Dichter meist arm.
Aber ich werde keine Liedzeile aufgeben
Eine Poesie rettet vor Melancholie,
Und ich verdanke ihr sechs Jahre meines Lebens.
Willst du wissen, Panjas, wie dein Freund hier lebt?
Aufwachen, gekleidet nach allen Gesetzen der Mode,
Er überlegt eine Stunde lang, wie er die Kosten senken kann.
Und wie man Schulden abbezahlt und Vorauszahlungen entgegennimmt.
Dann eilt er umher, er sucht, fängt, wartet,
Behält ein liebenswürdiges Aussehen, obwohl er von Natur aus aufbrausend ist.
Es wird alle Ausgänge und Eingänge hundertmal durchlaufen.
Nachdem er zwanzig Taten ersonnen hat, wird er nicht zwei ausführen.
Jetzt verbeuge dich vor Papa, dann Briefe, dann Berichte,
Dieser edle Gast kam und - du bist froh, nicht froh -
Er lügt aus drei Kisten allerlei Unsinn.
Sie fragen, sie weinen, sie verlangen Rat,
Und das ist jeden Tag, und Sie glauben, es gibt kein Licht ...
Also erkläre, Panjas, wie ich Gedichte schreibe.
Gesegnet ist, wer der niedrigen Lüge widersteht, um zu gefallen
Hohe Wahrheit widersprach nicht,
Ich habe den Stift nicht gezwungen, schändlichen Unsinn zu schreiben,
Im Dienste derer, die das Wetter machen.
Und ich verberge meinen Zorn, ich zwinge die Natur,
Damit unerträgliche Fesseln die Scham nicht noch verstärken,
Ich wage es nicht, meine Seele in den Weltraum zu brechen
Und Frieden finden oder dem Gefühl Freiheit geben.
Jeder meiner Schritte ist eingeschränkt – demütig still.
Sie vergiften mein Leben, und doch weine ich nicht.
Oh, das Mehl, alles zu ertragen, nur die Fäuste geballt!
Es gibt keinen schlimmeren Schmerz als im Knochen verborgen!
Es gibt keinen feurigeren Gedanken als den, der verschlossen ist!
Und es gibt kein Leid, das stärker ist als stumme Trauer!
3. Pierre Ronsard
Nun zu Ronsard. Pierre de Ronsard (1524 - 1585) wurde in eine Familie eines armen Adligen geboren, dessen Vorfahren aus Ungarn stammten. Der Vater des Dichters, Teilnehmer an fast allen italienischen Feldzügen des frühen 16. Jahrhunderts. war ein nicht schlechter Amateurdichter und weckte in seinem Sohn die Liebe zur Antike. In seiner Jugend besuchte der zukünftige Dichter England, Schottland, Flandern, Deutschland, studierte Sprachen und alte Literatur unter der Leitung von Jean Doré.
Nach dem Erscheinen seiner ersten Bücher wird Ronsard sofort zum Kopf einer neuen Richtung und zum "Prinzen der Dichter". Sein Weltbild ist ganzheitlich, fröhlich, humanistisch. In dieser Zeit ist Ronsard ein wahrer Mann der Renaissance.
Seine besten Kreationen stammen aus dieser Zeit, also Ende der 40er Jahre. - "Oden", in denen Ronsard mit der Technik von Pindar eine hervorragende Poesie, philosophische und ästhetische Tiefe erreichte.
Neben der „Ode“ ist der umfangreiche Sonette-Zyklus von Petrarca „Die Liebe zur Kassandra“ von Bedeutung.
Bis Mitte der 50er Jahre. Ronsard ging weiter zur „Poesie der Realität“. Zwei brillante Zyklen von Gedichten an Maria in der Art von Catullus, Ovid und Tibullus markierten eine neue Etappe in seinem Schaffen.
Hier vereinen sich Natur und Mensch, der Ton der Verse wird ruhiger, der alexandrinische Zwölfsilbige ersetzt den ungestümen Zehnsilbigen des Kassandra-Zyklus. Künftig wird der alexandrinische Vers zum Hauptmaßstab klassizistischer Dramaturgie und hoher Poesie in Frankreich.
Maria, seine neue Liebe, ist ein einfaches Mädchen, und seine Verse verlieren dementsprechend ihre übermäßige Feierlichkeit, sondern gewinnen Einfachheit und Natürlichkeit. Das Bild des Mädchens ist in Bewegung, in Variabilität gegeben und entspricht überhaupt nicht dem leicht gestelzten Stil der Appelle an Cassandra.
In zwei Büchern „Hymns“ (Mitte der 50er Jahre) stellt Ronsard philosophische und naturwissenschaftliche Probleme, stellt das unstete Erdenleben der Harmonie des Kosmos entgegen. Die Dissonanz von Ideal und Sein bricht in die Poesie ein, der Dichter sieht einen Ausweg in einem einsamen Landleben.
Die dritte Periode von Ronsards Werk fällt mit dem Beginn der Religionskriege zusammen. Hier ist er der Initiator der vom Geist des Patriotismus durchdrungenen Tradition der politischen Poesie, die gewissermaßen „Aubigne“ vorwegnimmt. Das Selbstbewusstsein als Teil der Nation, als Verantwortlicher für die Geschicke des Landes steht im Vordergrund des Buches "Reasoning". Und hier ist Ronsard der Begründer des Genres der Botschaften.
Nach 1563 arbeitete der Dichter neben Texten zehn Jahre lang an dem Gedicht "Franciade", als ob er dem Vorbild von Vergils "Aeneis" folgen würde, im Auftrag von Karl IX. Aber im Gegensatz zu Virgil mochte und konnte Ronsard nicht im Auftrag arbeiten, und im Großen und Ganzen scheiterte das Epos für ihn, einen reinen Texter. Allerdings ist anzumerken, dass es in dem Gedicht eine Reihe von Stellen gibt, die vom Genie Ronsards geprägt sind, der das weitere klassische Epos bis hin zu Voltaires Henriade beeinflusste.
Zur gleichen Zeit schuf Ronsard brillante Eklogen und etablierte dieses Genre in seiner heimischen Poesie. Die Hauptleistung des Meisters in den 70er Jahren. - ein prächtiger Gedichtzyklus "Sonette an Elena", über die letzte hoffnungslose und doch schöne Liebe zu einer jungen Dame, sowie mehrere erstaunliche Gedichte in Erwartung des Lebensendes, die im letzten Jahr entstanden sind.
Ronsards Biographie ist ein riesiger und brillanter Roman über das lebendige Leben des Königs der Poesie, gekrönt mit einem Lorbeerkranz, einer Reihe von Hobbys und Leidenschaften, einem Kampf mit einer Krankheit - Taubheit, heimlicher Gesang der Muse, nur von ihm gehört, politische Hoffnungen und Enttäuschungen und Kreativität, Kreativität, Kreativität von klein auf bis ins Grab. Und im Sterben diktierte Ronsard seiner Sekretärin und Freundin Amadis Jamin Gedichte.
Zu seinen Lebzeiten als König der Dichter anerkannt, ist Ronsard dies über Jahrhunderte geblieben. Ein Wort - Klassiker.
Gedichte von Pierre Ronsard, übersetzt von Wilhelm Levick
Sobald Kamena mir ihre Quelle öffnete
Und mit süßem Eifer für eine Leistung beseelt,
Stolze Freude erwärmte mein Blut
Und edle Liebe entzündete sich in mir.
Mit zwanzig von einer sorglosen Schönheit gefesselt,
Ich habe in Versen gedacht, um meine Herzenswärme auszugießen,
Aber, um den Gefühlen der französischen Sprache zuzustimmen,
Ich sah, wie unhöflich, obskur, hässlich er war.
Dann für Frankreich, für die Muttersprache,
Ich begann kühn und streng zu arbeiten.
Ich habe multipliziert, auferstanden, Wörter erfunden -
Und das Geschaffene wurde durch Gerüchte verherrlicht.
Nachdem ich die Alten studiert hatte, öffnete ich meinen Weg,
Er gab Phrasen Ordnung, Silben Vielfalt,
Ich fand die Struktur der Poesie - und nach dem Willen der Musen
Wie der Römer und der Grieche wurde der Franzose groß.
Für mich, meine Freunde, heute schlemme ich!
Schenke uns, Corydon, einen kochenden Strom.
Ich werde meine Schönheit ehren
Cassandra il Marie - ist es egal welche?
Aber neunmal, Freunde, lasst uns den Kreis erhöhen, -
Bei den Buchstaben des Namens trinke ich neun Tassen.
Und du, Bello, verherrliche deine Launen,
Für die junge Madeleine werden wir einen Lebensstrom vergießen.
Bring die Blumen, die du im Garten gepflückt hast, auf den Tisch,
Veilchen, Lilien, Pfingstrosen, Mignonette, -
Jeder soll sich einen duftenden Kranz binden.
Freunde, lasst uns den Tod betrügen und für die Liebe trinken!
Vielleicht können wir uns morgen nicht wiedersehen.
Heute leben wir und morgen - wer wird vorhersagen?
Oh, dieser verdammte Arzt! Hier kommt es wieder!
Er will ihn zum hundertsten Mal nackt sehen
Mein Geliebter, fühle alles: und Schenkel,
Und das und die Brust und der Rücken und der Bauch.
Behandelt er sie so? Ganz im Gegenteil:
Er ist ein Schurke, er täuscht ihren Kopf, armes Ding,
Alle ihre Brüder haben die gleichen Gewohnheiten.
Verliebt, vielleicht ist es besser nicht zu lügen.
Ihre Eltern, bitte, meine Lieben, -
Die Krankheit meiner Mary hat dich völlig aus der Fassung gebracht! -
Verfolge den Sanitäter, das verliebte Schwein.
Verstehst du wirklich seine ganze Idee nicht?
Möge der Herr senden, um den Bösewicht zu bestrafen,
Heilung für sie, meine Krankheit für ihn.
Die Natur hat jedem eine Waffe gegeben:
Orlu - buckliger Schnabel und kräftige Flügel,
Der Stier - seine Hörner, das Pferd - seine Hufe,
Der Hase hat einen schnellen Lauf, die Viper ist giftig,
Ihr Zahn ist vergiftet. Fische haben Flossen
Und schließlich hat der Löwe Krallen und Reißzähne.
Sie wusste, wie man einem Mann einen weisen Verstand einflößt,
Die Natur hatte keine Weisheit für Frauen
Und nachdem er seine Kraft an uns erschöpft hat,
Sie gab ihnen Schönheit – kein Schwert und keinen Speer.
Vor weiblicher Schönheit wurden wir alle machtlos,
Sie ist stärker als Götter, Menschen, Feuer und Stahl.
Belri Creek
Müde von der Mittagshitze,
Wie ich liebe, oh mein Strom,
Fallen Sie auf Ihre kalte Welle
Atme deine Coolness
Solange der August genügsam ist
In Eile, die Gaben der Erde zu sammeln,
Und die Felder stöhnen unter den Sicheln,
Und jemandes Lied schwebt davon.
Unerschöpflich frisch und jung
Du wirst immer ein Gott sein
Dem, der deine fröhliche Kälte trinkt,
Wer hütet die Herden in Ihrer Nähe.
Und um Mitternacht zu deinen Lichtungen,
Verwirrt mit Spaß ihren Frieden,
Alle die gleichen Nymphen und Sylvans
Sie laufen in einer eilenden Menge.
Aber lassen, strömen und in einen kurzen Schlummer
Ich erinnere mich nicht an deinen Stream,
Wenn, vom Fieber erschöpft,
Ich erkenne den Atem des Todes.
Wenn ich wenigstens noch einmal Liebe schmecken will,
Die Schöne schreit mich an: „Du bist doch hundert Jahre alt!
Komm zur Besinnung, Freund, du bist häßlich, schwach und grau geworden,
Und Sie geben sich als hübscher junger Mann aus.
Du kannst nur lachen, was liebst du?
Du bist totenbleich, dein Alter wurde bereits gemessen.
Obwohl mein Charme dein Blut erregt,
Aber du bist kein Hengst, du bist ein räudiger Wallach.
Ich würde in den Spiegel schauen: na, wirklich, was für ein Anblick!
Warum die Jahre verstecken, dein Alter hat dich verraten:
Es gibt keine Zähne und eine Spur, und das Auge ist halb geschlossen,
Und du bist schwarz im Gesicht, wie ein rußiges Idol."
Ich antworte so: Interessiert es mich,
Trägt mir das Auge, bin ich fit für den Stamm?
Und mein schwarzes Haar ist schon lange grau geworden, -
Es ist nicht die Zeit für mich, in den Spiegel zu schauen.
Aber da werde ich bald im Boden verrotten müssen
Und vielleicht zum jämmerlichen Tartarus gehen
Solange ich leben will und deshalb - lieben,
Außerdem war der Zeitraum sehr kurz.
Was ist der Tod? Ist es so ein Übel
Wie kommt uns das alles vor? Vielleicht sterben
In der letzten bitteren Stunde, die zu Ende ist,
Wie in der ersten Stunde der Fahrt – gar nicht schwer?
Aber Sie verstehen - nicht sein! Verliere Licht, Wärme,
Wenn der Faden reißt und die Blässe des Grabes
Es wird durch die Glieder laufen, alle Gefühle abschneiden, -
Wenn die Wünsche weg sind, wie alles weg ist.
Und keine Getränke, kein Essen! Nun ja, na und?
Nur der Körper verlangt nach Nahrung, Nahrung ist seine Grundlage,
Er braucht sie, um stark zu bleiben,
Und der Geist isst nicht, trinkt nicht. Aber Lachen, Liebe und Liebkosungen?
Venus süßer Ruf? Verschwende keine Worte und Farben, -
Was ist Liebe für den, der gestorben und erkaltet ist?
Ich neige zum Alter, du bist auch alt geworden.
Und wenn wir zwei Altersgruppen zu einer verschmelzen
Und verwandeln den Winter - wie wir können - in diesen Frühling,
Was wird Sie vor Kälte und Zittern bewahren?
Immerhin ist der alte Mann viele Jahre jünger,
Wenn er kein Altersgefangener sein will.
Es gibt allen Gefühlen Neuheit,
Er ist fröhlich, er ist wie eine Schlange in glänzend neuer Haut.
Warum brauchst du dieses Make-up - es verwöhnt dich nur.
Sie werden die laufenden Tage des Gesetzes nicht täuschen.
Nicht länger deine Beine trocken wie Stöcke,
Machen Sie keine starke Brust und süß wie eine Frucht.
Aber Zeit – gib Zeit! - wird dir die Maske abreißen,
Und ein weißer Schwan wird von einer schwarzen Dohle abheben.
Ich bin trocken bis auf die Knochen. Bis zur Schwelle von Dunkelheit und Kälte
Ich nähere mich taub, angenagt, schwarz, schwach,
Und der Tod lässt mich nicht aus seinen Fängen.
Ich bin mir selbst gegenüber schrecklich, wie ein Eingeborener der Hölle.
Poesie hat gelogen! Die Seele würde es gerne glauben
Aber weder Phöbus noch Äskulap werden mich retten.
Leb wohl, Licht des Tages! Schmerzhafter Fleischsklave
Ich gehe in eine schreckliche Welt des allgemeinen Verfalls.
Wenn ein Freund hereinkommt, schaut er unter Tränen,
Wie zerstört ich bin, was ich geworden bin.
Er flüstert mir etwas zu, küsst mein Gesicht,
Ich versuche leise eine Träne von meiner Wange zu wischen.
Freunde, Lieben, leb wohl, alte Leute!
Ich werde der Erste sein, und ich werde deinen Platz einnehmen.
4. Agrippa d'Oigne
Für eine würdige Beschreibung des Lebensromans dieses Mannes wäre die Feder von Alexandre Dumas erforderlich, denn wenn das Leben von Ronsard ein lyrischer Roman ist, dann ist das Leben von Aubigne der abenteuerlichste.
Versuchen wir es nur ganz allgemein darzustellen.
1560. Der achtjährige Junge Agrippa d'Aubigne reitet zusammen mit seinem Vater, einem eifrigen Hugenottenkrieger und Schreiber, zu Pferd über den Stadtplatz, von dem die Köpfe der hingerichteten protestantischen Verschwörer noch nicht abgenommen wurden. Der alte Mann bricht in Flüche gegen ihre Henker aus Kaum war er aus der Menge um seine Abteilung herausgekommen, ließ er seinen Sohn bis zu seinem letzten Atemzug schwören, für ihre Sache zu kämpfen.
So wurde der Junge im Protestantismus zum Ritter geschlagen. Diesem Eid ist er immer und überall treu geblieben: auf den Schlachtfeldern, in der Politik, in der Literatur.
Bereits mit sechs Jahren las Agrippa Griechisch, Latein und Hebräisch, ein Jahr später übersetzte er Plato. Ein Jahr später landete er verwaist in Genf, wo er mit Kommentaren zur Heiligen Schrift, Philosophie und Mathematik begann, und zog ohne das Wissen seiner Verwandten nach Lyon, wo er begann, sich für die okkulten Wissenschaften zu interessieren. Sein Temperament trug ihn jedoch in die Schlacht.
Und eines Tages kletterte ein sechzehnjähriger Junge, eingesperrt im Haus eines Vormunds, in einem Hemd das Laken vom Schlafzimmerfenster herunter, hielt sich an eine Abteilung von Protestanten und holte sich am Morgen in einem Kampf eine Waffe, Kleidung, ein Pferd. Dies war die erste Waffentat eines Kriegers, dann ließ er fast ein halbes Jahrhundert lang sein Schwert nicht los.
Ein Held, ein Draufgänger, ein Partisan - all das ist er, der junge d \" Obigne ... Aber dann erkrankt er an Fieber und steigt aus dem Bett und bereut bitterlich die begangenen Raubüberfälle und Grausamkeiten. Von nun an, er ist ein ideologischer Kämpfer für Heimat und Glauben, voller Heiligkeitsbewusstsein.
In der Pause zwischen den Kämpfen verliebt sich Aubigne unsterblich. Als er sich vor seinen Verfolgern in einem der Schlösser versteckt, wird er von der Tochter des Besitzers, der stolzen Schönheit Diana Salviati, der Nichte eben jener Dame, die von Ronsard besungen wurde, gefesselt Name Kassandra.
Aber warum braucht ein katholischer Aristokrat einen Hugenotten von den zwielichtigen Adligen?
Leidenschaft erhält keine Gegenseitigkeit, aber sie bringt einen Dichter hervor. Das erste Buch d "Aubigne" ist ein großartiger Gedichtzyklus "Frühling". Hier ist er Ronsard etwas ähnlich, aber seine Melodie ist bitter, und sein Frühling ist der Frühling eines Soldaten, der aus dem Krieg kam.
1573 war Aubignet in Paris, er ist eng befreundet mit dem künftigen Henri IV, dem ganz Hugenottenprinzen, der bald sagen wird: „Paris ist die Messe wert“, zum Katholizismus konvertieren und den Thron besteigen wird – aber vorerst beides werden gejagt und zusammen fliehen sie aus dem Louvre, wo Heinrich quasi heimlich verhaftet wird. Diese Episode erzählt Dumas in dem Roman „Königin Margot“.
Und wieder ist Aubigne ein Partisan, wieder ein Krieger, wieder ein Soldat. Aber jetzt ist er kein Junge mehr, sondern ein raffinierter Theoretiker und Philosoph, ein guter Freund von Montaigne und einem Dutzend anderer berühmter französischer Humanisten.
Ein Ritterprediger ohne Furcht und Vorwurf, d\" Obigne entsagt Heinrich, wenn er im Namen des Thrones dem Protestantismus abschwört. Dem König alles ins Gesicht werfend, was er über Verräter und Abtrünnige denkt, d\" Obigne verbirgt sich vor der Welt für a anderthalb Jahrzehnten ein abgelegenes Schloss, wo er an Poesie und Prosa arbeitet und mit Abscheu auf die Taten ehemaliger Freunde blickt.
Nach der Ermordung Heinrichs munterte der alte Hugenotte auf und versuchte, eine neue protestantische Opposition aufzubauen, aber seine Zeit war bereits abgelaufen. Frankreich trat in die Ära des Absolutismus ein, und die Stunde war nicht mehr fern, in der Sporen und Kampfhelme durch gepuderte Perücken der Ballsaalfeste des "Sonnenkönigs" ersetzt würden.
Nachdem er die Tore seines Schlosses verschlossen hatte, setzte sich Agrippa für die "Allgemeine Geschichte" (1616-1626) - eine Chronik der ausgehenden Zeit religiöser Unruhen - nieder. Er starb 1630, nachdem er sein Alter und sich selbst überlebt hatte, umgeben von Fremden und Feinden. Auf seinem Totenbett soll er einen Psalm gesungen haben, mit dem er einst Regimenter in die Schlacht führte.
Lebenswerk d\" Obigne des Dichters - "Tragische Gedichte". Er arbeitete neununddreißig Jahre (1577-1616) an ihrer Entstehung. Hier ist, was Sie kurz über sie sagen können.
Der erste Teil – „The Troubles“ – zeichnet ein trauriges Bild eines von Religionskriegen verwüsteten Königreichs.
Der zweite Teil - "Monarchs" bietet eine satirische Bildergalerie der Herrscher Frankreichs. Diese Sache in der französischen Literatur ist beispiellos in der spezifischen Ausrichtung der Satire, in der Entschlossenheit, die Dinge beim Namen zu nennen, in der Furchtlosigkeit, die Mächtigen dieser Welt anzuprangern.
Der dritte Teil – „Die goldene Kammer“ – ist eine Geschichte über ungerechte, grausame katholische Richter.
Der vierte Teil – „Lichter“ – ist eine historische Chronik der Verfolgung des Glaubens von Jan Hus bis zu sich selbst.
Der fünfte Teil – „Schwerter“ – zeigt Frankreich als Königreich Satans, das von Gott als Strafe für die Taten der Katholiken gesandt wurde.
Der sechste Teil – „Vergeltung“ – und der siebte Teil – „Gericht“ – sind durchdrungen vom Pathos des Glaubens an eine gerechte Vergeltung für Abtrünnige auf Erden und in der Ewigkeit.
Der gesamte Zyklus ist durchdrungen von biblischer Antike, antiker Mythologie und großer Tragödie. Dies ist ein authentisches Sonnenuntergangs-Meisterwerk der Renaissance.
Darüber hinaus besitzt Peru d „Aubigne den Schelmenroman „Die Abenteuer des Baron Fenest“, der unter dem Einfluss von „Don Quijote“ geschrieben wurde und in erster Linie eine Satire auf höfische Sitten ist. Dieser Roman geht auf die Kurzgeschichten zurück zu Beginn des Jahrhunderts und bis hin zum Werk Rabelais gilt als bedeutendes Phänomen der französischen Prosa.
Eine andere prosaische Sache - "Die Biographie von Agrippa d "Aubigne, von ihm selbst für seine Kinder geschrieben", hinderte Dumas wahrscheinlich daran, Agrippas Biographie für den Roman zu verwenden. Schließlich konnte niemand besser über ihn schreiben als Aubigne, sogar der König der Bestseller Dumas-Vater. (Übrigens, in genau der gleichen Situation hat Dumas bei der Entstehung des Romans "Ascanio" auf Cellinis Autobiografie zurückgegriffen - und ... in einem kreativen Duell gegen den Italiener verloren ... Vielleicht hat er deshalb auf ein ähnliches Duell mit dem Franzosen verzichtet . Allerdings hat Dumas unzählige Romane verfasst, und es ist durchaus möglich, dass ich sein Buch über d\ "Aubigne" einfach nicht kenne.)
Das Werk von Agrippa d\"Aubigne als Ganzes ist eines der Gipfelphänomene, die den Barock in der Renaissance vorbereiten. Seine tragische Muse gab der französischen (und nicht nur!) Literatur ein hohes Pathos der bürgerlichen Lyrik und die Kraft eines visionären Höhenflugs Die Anwesenheit einer Muse d\" Obigne ist zu spüren und in den kosmischen Visionen von John Milton und in den wütenden "Iambas" von Auguste Barbier und in den Werken von Victor Hugo. Und Baudelaire setzte einfach als Epigraph zur Erstausgabe von „Flowers of Evil“ Zeilen aus dem Gedicht des alten Hugenotten.
Abschließend zitiere ich einige Sonette und ein kleines Fragment aus Agrippas „Schwerter“ von Aubignet.
*** (Übersetzt von Al. Revich)
Ronsard! Du warst großzügig, du hast anderen so viel gegeben,
Du hast der ganzen Welt solche Freundlichkeit geschenkt,
Spaß, Zärtlichkeit und Qual und Sehnsucht,
Und wir ehren deine Liebe, deine Cassandra.
Ihre Nichte, besessen von Liebe,
Ich möchte singen. Aber kann ich mit dir konkurrieren?
Nur Schönheit kann sich miteinander vergleichen,
Vergleiche Feuer mit Feuer und meine Asche mit deiner.
Natürlich bin ich ein Laie, leider ohne Wissen
Und Argumente. Sie sind nützlich zum Schreiben
Aber für zarte Gefühle sind sie manchmal nicht für die Zukunft geeignet.
Ich diene dem Sonnenaufgang, und du dienst der Abenddämmerung,
Wenn der verliebte Phoebus sich beeilt, das Meer zu umarmen
Und er will sein Gesicht nicht nach Osten wenden.
(Übersetzt von V. Dmitriev)
Lieber, ein weiterer unerwarteter Tod im Kampf,
Von einer Kugel, von einem Schwert, Dolch oder Schrot,
Glorreicher Tod inmitten einer blutigen Schlacht,
Wo denen, die in den Reihen bleiben, dasselbe Schicksal droht.
Liebe andere, Tod im Bett, ich schmelze nicht,
Und die Aufregung der Ärzte dann - über dem Sarg der Rede,
Und die Schreie der Trauernden und Fackeln und Kerzen,
Und eine Krypta auf einem Friedhof und eine Ecke im Paradies...
Aber der Tod eines Soldaten wird mich nicht im geringsten verführen:
Schließlich ist sein Gehalt in unserer Zeit unbedeutend.
Im Bett ist der Tod langweilig, es ist das Los der Heuchler.
Ich möchte in Dianas Armen sterben
So dass in ihrem Herzen, vor Kummer, leblos,
Erinnerungen errichteten ein Mausoleum.
(Übersetzt von Yu. Denisov)
Ihr Hund ist in Ungnade gefallen, Sire. Unter dem kalten Boden
Und einmal schlief er den süßesten Traum im Bett.
Er zeigte dir seine Hingabe in der Tat,
Unter den Höflingen fand er Verräter.
In deinen Diensten war er zäh wie ein Ochse,
Und vor ihm waren die Feinde vor Entsetzen betäubt.
Jetzt wird er geschlagen, er bekommt eine Woche lang nichts zu essen.
Undankbarkeit, mein Herr, ist das bitterste aller Übel.
Für Geschicklichkeit, Jugend, du hast ihn so sehr geliebt.
Jetzt ist er verachtenswert. Andere sind bereits in Kraft.
Verrat, Bosheit, er ist jetzt kaum noch zu ertragen.
Er ist verlassen. Vor ihm werden plötzlich alle Türen geschlossen.
Sie vergiften ihn, kennen aber die Favoriten:
Für die Treue, die Zahlung an alle, werden alle gleich sein.
Fragment aus dem Gedicht "Schwerter"
(Übersetzt von Al. Revich)
Nero hat in den alten Tagen Rom oft unterhalten
Zirkusarena, quadratisches Theater,
Genau wie in den Tuilerien oder, sagen wir, in Bar-le-Duc,
In Bayonne oder in Blois, wo die Dinge erledigt werden
Wie Ballett, Turnier oder Maskerade,
Ristanha, Karussell, Wrestling oder Parade.
Nero, brennendes Rom, sättigte sein wildes Temperament,
Wie er es genoss, überall Schreie zu hören
Verzweifelte Massen, die vor dem Feuer zittern,
Das Unglück anderer brachte ihn nur zum Lachen,
Die ganze Zeit schürte er die Flamme zur Warnung,
Ohne Furcht über die Asche der Opfer zu herrschen.
Wenn das Feuer vom Unglück vollständig gesättigt ist,
Der Herrscher besänftigte sein unglückliches Volk,
Die Schuldigen finden: Er hat sie im Voraus gespeichert.
Und jetzt werden Christen aus Gefängnissen geholt,
Sie müssen Opfer fremder Götter werden,
Erlöser der nicht eigenen Schuld sein.
In den Abendstunden bei einem prächtigen Karneval
Zuschauer wurden dem Unglück ausgesetzt
Und vor den Augen der Menge, um den Gottheiten zu gefallen,
Sie warfen sie ins Feuer und in die Rachen hungriger Löwen.
So brennt in Frankreich Hunderte von Hütten
Der Tyrann wurde erhöht und die Armen gedemütigt.
Verzweiflung herrscht in den brennenden Hütten,
Doch der Despot freut sich: "Wie gut es brennt!"
Die Menschen sehen keine bösen, vertrauenden Betrüger,
Ernährt sie und Ketzerei macht sie für ihr Unglück verantwortlich.
Und du, Christ, verantwortest Hunger und Pest,
Du hast die Erde in Eisen verwandelt, den Himmel in Kupfer.
Analyse von Shakespeares Sonett 116 - Thema, Idee, Merkmale
Sonett 116 Shakespeare-Analyse
Gegenstand- Definitionen der Liebe
Idee - Liebe verblasst nicht mit der Zeit
Dies ist ein Sonett-Eid, der lyrische Held schwört der Liebe Treue und erkennt alle Prüfungen des Lebens, die Gefühle überschatten können.
Methoden: Metaphern (Liebe ist ein Leuchtfeuer, ein Stern)
Das Hauptthema des Sonetts ist die Definition der wahren Liebe. Die Hauptmotive dieses Gedichts sind die Unveränderlichkeit der wahren Liebe im Laufe der Zeit und die Tatsache, dass es die Liebe ist, die ein spiritueller Führer im Raum ist.
Die künstlerische Welt des Sonetts ist extrem weit, sie dehnt sich bis an die Grenzen des Universums aus, erreicht die Höhe eines Sterns, auf dem das wandernde Boot der Liebe schwimmt ("der Stern zu jedem wand'rirg bark"), und gleichzeitig Die Zeit konzentriert sich auf das Gesicht einer Person - auf rosa Lippen und Wangen ("rosige Lippen und Wangen").
Das Wesen der Liebe wird im ursprünglichen Sonett metaphorisch offenbart. Der erste Vierzeiler verkündet die Tiefe und Unantastbarkeit dieses Gefühls. Ja, Liebe ist der Stern ("der Stern"), an dem sich Navigatoren orientieren, es kann der Polarstern sein, der immer an einem wolkenlosen Himmel zu finden ist, und wenn er ihm folgt, wird der Navigator niemals einen Fehler machen. Die Liebe ist ein "immer festes Zeichen" - die Meereskoordinaten, entlang derer der Navigator sein Schiff navigiert. Das Meereselement ist das dominierende Merkmal in diesem Vierzeiler. Daher ist die Liebe wie ein stürmisches Meer, und Sie müssen geduldig sein, um Ihr Schiff geschickt zu steuern. Im zweiten Vierzeiler werden sowohl die Vertikale dieses Gefühls – die Höhe des Sterns – als auch die Horizontale – Geduld, Glaube und christliche Hoffnung – gesetzt.
Im dritten Vierzeiler wird die Liebe mit der Ewigkeit verglichen. Liebe steht im Gegensatz zur Zeit, sie wird nicht als Stunden oder Wochen betrachtet. Unter erneuter Bezugnahme auf das Bild des Kompasses („Innerhalb des Kompasses seiner Biegesichel“) bekräftigt der Autor die Idee der Vorsicht beim Segeln auf dem Boot der Liebe inmitten der stürmischen Wasser der Zeit.
Shakespeare-Sonett 116 auf Englisch
Lass mich nicht zur Hochzeit wahrer Geister
Hindernisse zugeben. Liebe ist nicht Liebe
Was sich ändert, wenn es eine Änderung findet,
Oder biegt sich mit dem Entferner zu entfernen.
Oh nein, es ist eine ewig feste Marke
Das sieht auf Stürme und wird nie erschüttert;
Es ist der Stern zu jeder Wandringrinde,
Wessen Wert ist unbekannt, obwohl seine Größe genommen wird.
Liebe ist nicht der Narr der Zeit, obwohl rosige Lippen und Wangen
In den Kompass seiner sich biegenden Sichel kommen:
Die Liebe ändert sich nicht mit seinen kurzen Stunden und Wochen,
Aber trägt es sogar bis an den Rand des Untergangs.
Wenn dies ein Irrtum ist und mir bewiesen wird,
Ich schreibe nie, noch hat kein Mensch je geliebt.
Der Mensch hat keine Macht über Zufall und Zeit. Aber er hat sich selbst im Griff. Wenn es für Tarquinius keine moralischen Konzepte gibt und er sich nicht um Gewissen oder Ehre kümmert, dann ist für Lucretius das Konzept der Menschenwürde genau in der Ehre verkörpert.
Im Namen der Ehre beschließt Lucretia zu sterben. Hier ist unzweifelhaft der Einfluss der Moral des Stoizismus zu erkennen, der sich später in Shakespeares Tragödie Julius Cäsar sehr deutlich zeigen wird. Es ist nicht zu übersehen, dass Lucretias Argumentation zum Selbstmord in einen entscheidenden Konflikt mit der christlichen Lehre gerät, die ihn verbietet. Dieser Widerspruch wird von Shakespeare betont:
"Töte dich", macht sie sich Sorgen.
Bedeutet es nicht, sowohl die Seele als auch den Körper zu zerstören?
Der Tod von Lucretia verursacht Trauer bei allen Angehörigen und löst Empörung in den Herzen der Römer aus, die sich erheben, um Tarquinius zu vertreiben.
Der Sturz des Tyrannen vervollständigt die Geschichte von Lucretia, die den Triumph der Gerechtigkeit symbolisiert. Das Ende des Gedichts ist optimistisch. Der Sieg des Guten wird jedoch durch den Opferselbstmord von Lucretia errungen. Das Gedicht ist also eine Tragödie.
Der Begriff des Tragischen charakteristisch für Shakespeares Frühwerk. In allen tragischen Werken des jungen Shakespeare wird die Macht des Bösen dargestellt, die Tugend und Gerechtigkeit mit Füßen tritt. Die Extreme, zu denen die Träger des Bösen gehen, erregen allgemeine Empörung gegen sie. Die Vergeltung kommt nicht vom Himmel, sondern von der Menschenwelt.
In Lucretia beschränkt sich Shakespeare darauf, nur einen Fall tyrannischer Willkür zu schildern. Dass er kein einziger ist, erfahren wir nicht aus dem unmittelbar vor uns auftauchenden Bild des wirklichen Lebens, sondern erst aus den lyrischen Klagen der Heldin. Das Gedicht enthält keine visuelle und realistisch konkrete Darstellung aller Manifestationen des Bösen, die eine solche Situation geschaffen haben, in der der Tod von Lucretia der letzte Strohhalm war, der die Geduld der Römer zum Überlaufen brachte.
Shakespeare lehnt das moralisierende Prinzip ab mittelalterliche Kunst, wonach das moralisch Böse im künstlerischen Bild hässlich und das Gute äußerlich schön aussehen musste. Dementsprechend fällt in dem Gedicht die Schlechtigkeit des Tarquinius in seinem äußeren Erscheinungsbild nicht auf. Dieses Prinzip wurde von Shakespeare nicht nur in Lucretia, sondern auch in all seinen anderen Werken angewandt.
Die Gedichte offenbaren den enormen Reichtum von Shakespeares Denken. Er schafft Bilder von großer poetischer Schönheit, und obwohl wir hier keine direkte Abbildung der Realität finden, ist alles in den Gedichten von einem Lebensgefühl durchdrungen, von einem Verständnis für seine Komplexität und dem Wunsch, die Gesetze zu verstehen, die die Welt regieren.
Und doch glaubt man, Shakespeare sei die große poetische Form nicht gelungen. Wahrscheinlich hat er es selbst gespürt, weil er nicht mehr zu dieser Form zurückgekehrt ist, sondern ein organischeres Genre für sein lyrisches Talent gefunden hat - das Sonett.
Sonette
Sonettform wurde vor langer Zeit erfunden. Es wurde wahrscheinlich von provenzalischen Dichtern geschaffen, aber das Sonett erhielt seine klassische Entwicklung im Italien der Renaissance.
Die Form des Sonetts wurde erfunden, als man glaubte, dass die Kunst des Dichters die Beherrschung der komplexesten und schwierigsten Verstechniken erfordert. Wie wir wissen -
„Der strenge Dante hat das Sonett nicht verachtet,
Petrarca goss die Hitze der Liebe in ihm aus ... ".
Und es war Petrarca, der die Kunst, Sonette zu schreiben, zu den größten Höhen erhob.
Ein Sonett hat immer 14 Zeilen. Die klassische italienische Sonettform ist wie folgt aufgebaut: zwei Vierzeiler und zwei Tertiärzeilen mit einem bestimmten Reimsystem: Abb awav ccd ede oder awav awav ccd eed. Das Sonett erlaubt keine Wiederholung von Wörtern (mit Ausnahme von Konjunktionen und präpositionalen Wörtern oder Artikeln). Der erste Vierzeiler sollte eine Exposition enthalten, dh eine Aussage zum Thema, und die allererste Zeile sollte den Leser sofort in das Thema des Gedichts einführen. Im zweiten Vierzeiler folgt eine Weiterentwicklung des Themas, manchmal nach dem Prinzip der Opposition. In drei Zeilen wird die Lösung des Themas, das Ergebnis, die Schlussfolgerung aus den Gedanken des Autors gegeben.
Die Schwierigkeit der Form Strenge der Kompositionsprinzipien faszinierte die Dichter der Renaissance. In England wurde das Sonett von Wyeth eingeführt. Es blieb jedoch lange Zeit eine Form von untergeordneter Bedeutung, bis das Beispiel von Philip Sidney andere Dichter in seinen Bann zog und dann Ende des 16. Jahrhunderts das Sonett kurzzeitig den ersten Platz in den Liedtexten einnahm.
Englische Dichter folgten zunächst dem italienischen Schema zur Konstruktion eines Sonetts und entwickelten dann ein eigenes System seiner Komposition. Die englische Form eines Sonetts besteht aus drei Vierzeilern und einem abschließenden Couplet (Couplet). Akzeptierte Reimreihenfolge: awav cdcd eff gg. Dieses System ist einfacher als das italienische Petrarca-Schema. Da es von Shakespeare verwendet wurde, wurde es Shakespeare's genannt.
Wie das klassische italienische Sonett konzentriert sich jedes Gedicht auf ein einzelnes Thema. In der Regel folgt Shakespeare dem üblichen Schema: Der erste Vierzeiler enthält eine Aussage über das Thema, der zweite - seine Entwicklung, der dritte - führt zu einer Auflösung, und das letzte Couplet in aphoristischer lakonischer Form drückt das Ergebnis aus. Manchmal ist dies eine Schlussfolgerung aus dem oben Gesagten, manchmal im Gegenteil ein unerwarteter Gegensatz zu allem, was zuvor gesagt wurde, und schließlich ist es in einigen Fällen einfach eine Schlussfolgerung, deren Ausdruckskraft den vorherigen Vierzeilern unterlegen ist - dem Gedanken scheint sich zu beruhigen, sich zu beruhigen.
In einer Reihe von Fällen verstößt Shakespeare gegen dieses Kompositionsprinzip. Einige Sonette sind von Anfang bis Ende konsistent und entwickeln ein Thema durch viele Bilder und Vergleiche, die die Hauptidee veranschaulichen.
Betrachtet man Shakespeares Sonette, so muss man sich zunächst genau vorstellen, welche kompositorischen Erfordernisse der Dichter seiner Phantasie unterzuordnen hatte. Und um diese Kunst zu würdigen, muss man sehen lernen, wie er dieses starre Schema seinem Plan, seiner Idee unterordnen konnte. Wenn man die Sonette liest, sieht man, wie Shakespeare diese komplexe Form mehr und mehr beherrscht. In manchen, besonders in den ersten Sonetten, ist die Steifheit des Dichters noch zu spüren – die Form zieht ihn gleichsam mit. Nach und nach erreicht Shakespeare jene Freiheit des Besitzes der Form, wenn weder er noch wir ihren einschränkenden Rahmen spüren, und dann stellt sich heraus, dass man in 14 Zeilen die ganze Welt unterbringen kann, einen riesigen dramatischen Inhalt, einen Abgrund von Gefühlen, Gedanken und Leidenschaften.
Bisher wurde die Außenseite des Sonetts betrachtet. Wenden wir uns nun dem zu, was seine innere Form ausmacht.
Wie bereits erwähnt, entwickelt sich in jedem Sonett nur ein Thema. Die Originalität des Dichters besteht keineswegs darin, sie zu erfinden. Zur Zeit Shakespeares war die Sonettdichtung und überhaupt die Lyrik so reich, dass alle möglichen Themen in den Versen der Dichter zum Ausdruck kamen. Schon Petrarca, der Begründer der Renaissance-Dichtung und Vater aller neuen europäischen Lyrik, erschöpfte in seinen Sonetten den ganzen Vorrat an Themen, die dem Seelenleben eines Menschen, insbesondere dem Liebesgefühl, gewidmet waren.
Jeder Dichter dieser Zeit, der lyrische Gedichte und insbesondere Sonette schrieb, wusste, dass er mit der Neuheit der Handlung nicht beeindrucken konnte. Es gab nur einen Ausweg: neue Ausdrucksmittel, neue Bilder und Vergleiche zu finden, damit Altbekanntes neu klang. Das war es, was die Dichter der Renaissance, einschließlich Shakespeare, anstrebten.
Sogar Petrarca bestimmte die Grundlage der inneren Form des Sonetts, seines figurativen Systems. Im Kern sie lag Vergleich. Für jedes Thema fand der Dichter ein eigenes Bild oder eine ganze Bilderkette. Je unerwarteter die Ähnlichkeit, desto mehr wurde sie geschätzt. Der Vergleich wurde oft bis zur äußersten Übertreibung geführt. Aber die Dichter hatten keine Angst vor Übertreibungen.
Die Vielzahl der Bilder, die in jedem Shakespeare-Sonett auftauchen, sind durch eine innere Einheit zusammengelötet. Wie wird es erreicht? Zusammenfluss von Idee und Bild. Die Italiener nannten es das Wort "concetti", die Briten "conceit", und die wörtliche russische Entsprechung zu diesem Begriff ist "Konzept". Dieses Konzept ist künstlerisch. Seine Essenz ist, dass Gedanken, Gefühle, Stimmungen, alle schwer fassbaren und schwer auszudrückenden spirituellen Bewegungen durch das Konkrete und Visuelle ausgedrückt werden, und dann stellt sich heraus, dass es eine unendliche Anzahl von Analogien zwischen der spirituellen und der materiellen Welt gibt. So drückt der Dichter in Sonett 1 die Idee der Notwendigkeit aus, sein Leben in der Nachwelt zu verlängern, indem er sagt:
„Wir warten auf die Ernte der besten Reben,
Damit Schönheit lebt, ohne zu verblassen.
Lass die Blütenblätter reifer Rosen verwelken,
Die junge Rose bewahrt ihre Erinnerung.
Der Inhalt eines Sonetts ist ein Gefühl oder eine Stimmung, die durch eine Tatsache verursacht wird. Die Tatsache selbst wird nur stumpf erwähnt, als Hinweis gegeben, und manchmal hat das Sonett überhaupt keinen direkten Grund - das Gedicht dient als Ausdruck der Stimmung, die den Dichter beherrscht. Die Hauptsache ist, Emotionen auszudrücken, Worte und Bilder zu finden, die nicht nur den Geisteszustand des lyrischen Helden vermitteln, sondern den Leser auch mit dieser Stimmung anstecken.
In Sonetten, wie in Gedichten, Sonderfälle führen zu breiten Verallgemeinerungen alles Leben betreffend. Manchmal scheint es, als ob wir von einer rein persönlichen, flüchtigen Stimmung sprechen, aber der Dichter verbindet sie sicherlich mit etwas Größerem, das außerhalb von ihm liegt. In den Dramen von Shakespeare und besonders in seinen Tragödien begegnen wir der gleichen Kombination von Besonderem und Allgemeinem.
Die Dichter der Renaissance und insbesondere Shakespeare waren sich der Widersprüche des Lebens sehr bewusst. Sie sahen sie sowohl in der Außenwelt als auch in der menschlichen Seele. "Sonette" enthüllen uns die Dialektik emotionaler Erfahrungen, die mit dem Gefühl der Liebe verbunden sind, die sich nicht nur als Quelle der höchsten Freuden, sondern auch als Ursache der schwersten Qualen erweist.
Wann sind die Sonette entstanden? Die meisten Gelehrten glauben, dass die Sonette zwischen 1592 und 1598 von Shakespeare geschrieben wurden. Diese Jahre sind die Zeit der höchsten Blüte der Sonettdichtung in der englischen Literatur der Renaissance. Den Anstoß dazu gab 1591 die Veröffentlichung von Philip Sidneys Sonette-Zyklus „Astrophil and Stella“ (sie entstanden schon früher, um 1580). Seitdem ist das Sonett zur modischsten Form der Lyrik geworden. Dichter konkurrierten bei der Verarbeitung dieser schwierigen poetischen Form und schufen eine Vielzahl von Sonettzyklen. 1592 veröffentlichte Samuel Denyel den Delia-Sonettzyklus; 1593 erschienen: „Tears of Imagination“ von Thomas Watson, „Parthenophilus and Parthenon“ von Barnaby Barnes, „Phyllida“ von Thomas Lodge, „Flyce“ von Giles Fletcher; 1594 - „Diana“ von Henry Constable, „Sonnets an Celia“ von William Percy, „Mirror of the Idea“ von Michael Dryten und der anonyme Zyklus „Zephyria“; 1595 - die berühmten "Amoretti" des größten Dichters der englischen Renaissance Edmund Spenser, "Cynthia" von Richard Barnfield, "One Hundred Spiritual Sonnets" von Barnaby Barnes, "Alcilia" eines unbekannten Autors; 1596 Fidessa von Bartholomew Griffin und Chloride von William Smith; 1597 - "Hundert christliche Leidenschaften" von Henry Poka, "Laura" von Robert Toft, "Baum der Liebestricks" von Nicholas Breton; 1598 „Alba“ von Robert Toft. Nach 1598 bricht der Fluss der Sonettdichtung sofort ab, und in den nächsten Jahren wird kein einziges Buch mit Sonetten veröffentlicht, bis 1609 der Verleger T. Thorp Shakespeares Sonette veröffentlichte.
Shakespeare war immer sensibel für die Anforderungen und Interessen seiner Zeit. Seine Dramaturgie bezeugt dies mit hinreichender Deutlichkeit. Als das Schreiben von Sonetten zur Mode wurde, wandte sich auch Shakespeare dieser poetischen Form zu.
Dass die „Sonette“ zwischen 1592-1598 entstanden sind, belegt auch ihre stilistische Nähe zu anderen Werken Shakespeares in diesen Jahren. Eine Reihe von Themen und Motiven der „Sonette“ greifen einige Strophen seiner Gedichte „Venus und Adonis“ (1593) und „Lucretia“ (1594) auf. Eine Ähnlichkeit zwischen den poetischen Ausdrücken, Bildern und Vergleichen, die in den "Sonetten" zu finden sind, und in den dramatischen Werken, die Shakespeare in diesen Jahren geschrieben hat, wird festgestellt. Besonders deutlich werden die Parallelen zwischen den „Sonetten“ und bestimmten Stellen in Stücken wie „Zwei Veroner“, „Die verlorene Liebesmüh“, „Romeo und Julia“, die Shakespeare 1594-1595 schuf.
Aber obwohl der Großteil der Sonette zwischen 1592 und 1598 geschrieben wurde, ist die Möglichkeit nicht ausgeschlossen, dass einige der in der Sammlung enthaltenen Gedichte früher entstanden sind, während andere später als diese Jahre entstanden sind.
Es war Brauch der Dichter der Renaissance, Sonette so zu schreiben, dass sie Zyklen bildeten, die innerlich mit einem bestimmten Thema und einer lyrischen Handlung verbunden waren. Shakespeares Sonette sind dem nahe.
Im Grunde summieren sich „Sonnette“ zu einer lyrischen Geschichte über die leidenschaftliche Freundschaft des Dichters mit einem schönen jungen Mann und die nicht weniger leidenschaftliche Liebe zu einer hässlichen, aber fesselnden Frau.
"Für Freude und Leid, durch den Willen des Felsens,
Zwei Freunde, zwei Lieben besitzen mich:
Hellhaariger Mann, helläugig
Und eine Frau, in deren Augen die Dunkelheit der Nacht liegt.
Die Einheit des Sonnet-Zyklus ist weniger handlungsbasiert als ideologisch und emotional. Sie wird bestimmt durch die Persönlichkeit ihres lyrischen Helden – desjenigen, in dessen Namen all diese Gedichte geschrieben wurden.
In dem Drama, das sich in den Sonetten vor uns entfaltet, gibt es drei Charaktere: den Freund, die Dunkelhäutige Dame und den Dichter. Die ersten beiden sehen wir durch die Augen des Dichters. Seine Einstellung zu ihnen erfährt Veränderungen, und von den Beschreibungen der Gefühle des Dichters in Bezug auf diese beiden Personen, eine große und komplexe Bild Chef lyrischer Held"Sonette".
Man kann den lyrischen Helden der „Sonette“ nicht direkt mit Shakespeare selbst identifizieren. Natürlich ist viel Persönliches in das Bild des lyrischen Helden eingetreten. Aber dies ist kein Selbstporträt, sondern ein künstlerisches Bild einer Person, so lebendig wahrhaftig und real wie die Bilder der Helden in Shakespeares Dramen.
Da die Reihenfolge, in der die Sonette überliefert sind, etwas verworren ist, erschließt sich ihr Inhalt am deutlichsten, wenn die Gedichte nach thematischen Merkmalen gruppiert werden. Im Allgemeinen fallen sie in zwei große Gruppen: Die ersten 126 Sonette sind einem Freund gewidmet, die Sonette 127-154 - einem Geliebten.
Es gibt viel mehr Sonette, die einem Freund gewidmet sind, als Gedichte über einen Geliebten. Dies allein unterscheidet den Shakespeare-Zyklus von allen anderen Sonettzyklen, nicht nur in der englischen, sondern in der gesamten europäischen Dichtung der Renaissance.
Sonette an einen Freund und Sonette an einen Geliebten sind sozusagen zwei getrennte Zyklen, zwischen denen eine Verbindung besteht. Aber insgesamt wirken die „Sonette“ nicht wie ein im Voraus geplanter und systematisch umgesetzter Zyklus lyrischer Gedichte.
Deshalb gibt es eine Stellungnahme dazu Sequenzverletzung Sonette noch in der Erstausgabe von 1609? Schon eine oberflächliche Bekanntschaft lässt den Schluss zu, dass die Logik der lyrischen Handlung nicht überall konsistent ist. Dass zum Beispiel ein Freund einen Dichter mit seiner Geliebten betrogen hat, erfahren wir aus den Sonetten 40, 41, 42, und lange bevor wir erfahren, dass die Dichterin eine Geliebte hatte, erzählen uns Sonette ab 127 von ihr.
Dies ist nicht der einzige Fall einer Verletzung der Reihenfolge in der Anordnung von Sonetten. Es ist möglich, dass Shakespeare selbst einige der Sonette außerhalb des Zyklus geschrieben hat, ohne sich um ihren Platz im Buch seiner Sonette zu kümmern.
In diesem Zusammenhang wurden Versuche unternommen, die Ungenauigkeiten des frühen gedruckten Textes zu korrigieren, indem eine logischere Reihenfolge der Sonette festgelegt wurde. Es wurden mehrere Anordnungssysteme vorgeschlagen. Einige von ihnen verdienen Aufmerksamkeit. Manchmal offenbart sich bei der Neuordnung der Orte von Sonetten eine bisher unbemerkte Verknüpfungslogik zwischen einzelnen Gedichten. Manchmal erweist sich die Konvergenz verschiedener Sonette als willkürlich und fordert den Autor mehr auf, als er beabsichtigt hatte.
„Sonette“ von Shakespeare gehören zu den herausragenden Beispielen der Lyrik. In Liedtexten sind die Menschen in der Regel daran gewöhnt, den Ausdruck der persönlichen Gefühle und Erfahrungen des Dichters zu sehen. In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, zur Zeit der Dominanz der Romantik, als das dichterische Schaffen vor allem als Mittel der Selbstdarstellung des Autors gesehen wurde, etablierte sich der Blick auf die „Sonette“ als Shakespeares lyrisches Bekenntnis. Der romantische Dichter Wordsworth, der die Sonettform wiederbelebte, die in der Poesie des 18. Jahrhunderts verschwunden war, schrieb: "Mit diesem Schlüssel öffnete Shakespeare sein Herz."
Diese Ansicht hat sich weit verbreitet. Viele Gelehrte von Shakespeare haben entschieden, dass die "Sonette" im genauesten Sinne sind autobiographisch. Sie wurden allmählich als poetisches Dokument angesehen, in dem Shakespeare die Fakten seines persönlichen Lebens und seiner persönlichen Erfahrungen erzählte. Sie begannen zu suchen, wer sind diese Personen, die in den Sonetten beschrieben werden - Shakespeares Freund und Liebhaber? Was den Freund betrifft, so ist sein Name nach Ansicht vieler Forscher mit den Initialen in der Widmung verschlüsselt, mit der die erste Ausgabe der Sonette beginnt. Die Widmung lautet: "Demjenigen, dem die folgenden Sonette ihr Erscheinen verdanken, Herr W.N., wünscht ein Wohltäter, der es wagte, sie zu veröffentlichen, alles Glück und ewiges Leben, das ihm unser unsterblicher Dichter versprochen hat. T.T."
Die zweite in den Sonette erwähnte Person ist die Geliebte des Dichters. Sie wird nicht namentlich genannt. Damals gaben die Verfasser von Sonetten den Damen, die sie sangen, erhabene poetische Namen. Sydney hat Stella, Denel hat Delia, Drayton hat eine Idee usw. Shakespeare hat sich nicht einmal die Mühe gemacht, seiner Geliebten einen bedingten poetischen Namen zu geben. Aus den „Sonetten“ erfahren wir nur, dass sie dunkelhaarig, dunkelhaarig und nicht durch Liebestreue ausgezeichnet ist. Hinter ihr etablierte sich der Name „Swarty Lady of the Sonnets“ (die dunkle Dame der Sonnets).
Es ist nicht schwer vorstellbar, wie viel Arbeit neugierige Forscher aufgewendet haben, um die Identität der Dunkelhäutigen Dame festzustellen. Am Ende gewannen Elizabeth Vernoy und vor allem Mary Fitton die meiste Unterstützung, ebenso wie die flotte Gastwirtin Mrs Davenant aus Oxford.
Der Künstler bereichert die Natur immer wieder, indem er vieles einführt, was nicht in ihr ist. Der Künstler bringt seine Lebenserfahrung, seine Gefühle, Ansichten, Stimmungen in seine Darstellungen ein, die sich nicht unbedingt und nicht direkt auf dieses spezielle Modell beziehen müssen. Daher kann man sicher sein, dass sowohl der Freund als auch die Geliebte, von Shakespeare gesungen, anders waren, als sie in den Sonetten erscheinen. Wir sehen sie durch Shakespeares Augen, aber der Dichter sieht und fühlt anders, tiefer, subtiler als gewöhnliche Menschen. In den Texten ist der Blick auf den Dichter selbst, seine Vision und sein Gefühl besonders wichtig. Daher erzählen uns die Sonette vor allem nicht so sehr von den Gesichtern, die die Emotionen des Autors geweckt haben, sondern von ihm selbst, und daher ist es ein Fehler, alles, was der Dichter sagt, buchstäblich zu verstehen und es direkt mit seinem zu verbinden Biografie. Kreativität erhebt den Dichter über sich selbst, wie er es im Alltag ist.
Separate Sonette, die weder mit dem Thema Freundschaft noch mit dem Thema Liebe zu tun haben. Dies sind einfach lyrische Reflexionen des Dichters zu verschiedenen Lebensthemen. Diese Sonette scheinen tiefer und reifer zu sein als jene, die dem Singen eines jungen Freundes gewidmet sind. Sie enthalten Gedanken, die an die Tragödien erinnern, die Shakespeare in den frühen Jahren des 17. Jahrhunderts geschrieben hat. Besonders interessant ist in diesem Zusammenhang Sonett 66, das gedanklich eng an Hamlets berühmten Monolog „To be or not to be…“ angelehnt ist.
Es gibt eine innere Dualität in Shakespeares Sonetten. Ideal und echt koexistieren in Shakespeares Sonetten in komplexer Kombination ebenso wie in seiner Dramaturgie. Shakespeare erscheint hier entweder als Dichter, der der erhabenen und illusorischen Romantik der aristokratischen Poesie seine Schuld schuldet, oder als realistischer Dichter, der der traditionellen Form des Sonetts zutiefst vitale Inhalte verleiht, die manchmal Bilder erfordern, die alles andere als galant sind. Obwohl in Shakespeares Sonette viel Realität steckt, kann man nicht sagen, dass er hier ausschließlich als realistischer Dichter auftritt. Der Kampf zwischen dem Realen und dem Idealen wurde nicht mit einem vollständigen Triumph des Realen gekrönt.
Italienische Humanisten, die eine neue Philosophie entwickelten, nahmen den antiken griechischen Philosophen Plato als ihren Lehrer. Aus seinen Lehren extrahierten sie das Konzept der Liebe als das höchste Gefühl, das dem Menschen zur Verfügung steht. Die Bewunderung für die Schönheit und Größe eines Menschen ist das wichtigste Merkmal des humanistischen Weltbildes der Renaissance, im Gegensatz zur mittelalterlichen Philosophie, die lehrte, dass der Mensch ein Gefäß aller möglichen Abscheulichkeiten ist, von denen er nur befreit wird, wenn er seiner ist Seele verlässt die sterbliche Körperhülle.
Humanisten sahen in der Liebe weniger eine Form von Beziehungen zwischen Menschen unterschiedlichen Geschlechts als vielmehr eine wahrhaft menschliche Form von Beziehungen zwischen Menschen im Allgemeinen. Freundschaft zwischen Männern betrachteten sie als eine hohe Manifestation der Menschlichkeit. Eine solche Manifestation der Liebe wurde als höher angesehen, denn die Reinheit der Gefühle manifestiert sich in der Freundschaft. Freundschaft basiert auf einem rein spirituellen Gefühl.
„Sonette“ von Shakespeare – inspirierend Hymne an die Freundschaft. Wenn wir darüber sprechen, wie sich der Humanismus in diesen Gedichten manifestiert hat, dann besteht er gerade in einem unendlich hohen Verständnis von Freundschaft. Die Schönheit eines Freundes erregt jedoch immer den Dichter, der sich auf der Suche nach Bildern erfindet, um sie zu beschreiben.
Shakespeare war mit diesem Verständnis von Freundschaft keineswegs allein. Überliefert ist ein Brief des großen Renaissance-Humanisten Erasmus von Rotterdam, der Ulrich von Hutten das Aussehen und den Charakter von Thomas Morus beschrieb. Was für ein trockener Mann Erasmus war, aber er schrieb mit aufrichtiger Bewunderung über Thomas More. Nicht nur die moralischen Qualitäten des Autors von "Utopia", sondern auch sein Aussehen erregten die Bewunderung von Erasmus. Der französische Humanist Michel Montaigne hatte eine bewundernde Freundschaft mit Étienne de la Boesie und schrieb mit der Begeisterung eines Liebhabers über ihn.
Die Verherrlichung eines Freundes stellt somit Shakespeares Übertragung von Motiven in Poesie dar, die bereits in der humanistischen Literatur anzutreffen sind.
Gedichte, die einem Freund gewidmet sind, haben mehrere Themen. Die ersten 19 Sonette sprechen in jeder Hinsicht über dasselbe: Ein Freund muss heiraten, damit seine Schönheit in Nachkommen zum Leben erweckt wird. Durch die gesamte Sonettengruppe zieht sich der Gegensatz zwischen der Zerbrechlichkeit der Schönheit und der Unerbittlichkeit der Zeit. Die Zeit verkörpert jenes Naturgesetz, nach dem alles Geborene blüht und dann verwelkt und stirbt. Hier haben wir eine optimistische Sicht auf den Lebensprozess. Die Zeit mag ein Wesen zerstören, aber das Leben wird weitergehen. Der Dichter fordert seinen Freund auf, die Zeit zu erobern, und hinterlässt einen Sohn, der seine Schönheit erben wird.
Es gibt noch eine andere Möglichkeit, mit der Zeit umzugehen. Kunst gibt es. Es verleiht einer Person auch Unsterblichkeit. Der Dichter sieht seine Aufgabe darin, der Nachwelt den Schein jener menschlichen Vollkommenheit, die sein wunderbarer Freund zeigte, in der Poesie zu hinterlassen.
Die platonische Natur der Freundschaft tritt besonders in der Gruppe der Sonette hervor, die der Trennung gewidmet sind (24, 44-47, 50, 51). In dieser Gruppe von Sonetten manifestiert sich das Gefühl mit solcher Kraft, dass es für den Dichter auch in Abwesenheit eines Freundes ständig eine lebendige Realität bleibt.
"Mit dem fleißigen Blick des Herzens und des Verstandes
In der Dunkelheit suche ich dich, ohne Sicht.
Und die Dunkelheit scheint herrlich
Wenn du ihn als leichten Schatten betrittst“ (27).
Wurde zunächst ein Freund als Verkörperung aller Vollkommenheiten dargestellt, so trübt sich ab dem 33. bis zum 96. Sonett seine strahlende Erscheinung. Die Glut der Freundschaft wird von der Bitterkeit der Enttäuschung abgelöst, es gibt eine vorübergehende Abkühlung. Aber das Gefühl der Liebe siegt am Ende trotzdem. Der Dichter vergibt seinem Freund sogar dafür, dass er ihm seine Geliebte genommen hat. Es fällt ihm schwerer, seine Freundschaft zu verlieren als ihre Liebe:
"Du, mein Freund, ich mache dir keine Vorwürfe,
Dass dir gehört, was ich besitze.
Nein, ich werde dir nur für eine Sache die Schuld geben,
Dass du meine Liebe vernachlässigt hast“ (40).
Dieses Motiv erinnert an die Episode des Finales von "Two Verontsev", in der Valentine seine Bereitschaft zeigte, seinem Geliebten Proteus nachzugeben. Im Stück erscheint dies seltsam und ungerechtfertigt, aber wenn man die "Sonette" liest, die eine ähnliche Situation darstellen, kann man diese mysteriöse Episode von "Zwei Veronier" verstehen.
Die letzte Gruppe der Sonette, von 127 bis 152, ist „einer Frau gewidmet, in deren Augen die Dunkelheit der Nacht ist“. Wenn ein Freund als ideales Wesen dargestellt wird, dann wird die Freundin des Dichters als ganz irdisch dargestellt:
"Ihre Augen sehen nicht aus wie Sterne,
Du kannst die Mundkorallen nicht nennen,
Nicht schneeweiße Schultern offene Haut,
Und eine Litze windet sich wie ein schwarzer Draht...“ (130).
Dieses Sonett ist voller Angriffe Gegen die Idealisierung der Frau in der Poesie der Renaissance. Dem realen Frauenbild setzt Shakespeare aufgeprägte Schönheitszeichen entgegen.
Aus anderen Sonetten erfahren wir, dass die Geliebte „voller Launen“ (131) ist, dass sie ihn und ihre Freundin mit einer „Laune des Verrats“ (133) quält. Der Dichter fragt sich:
"Wie mein Herz eine Auffahrt ist
Könnte es wie ein glückliches Anwesen erscheinen?" (137).
Das Gefühl des Dichters wird äußerst komplex. Selbst von Untreue überzeugt, behält er seine Zuneigung zu der Dame. Lügen herrschen in ihrer Beziehung:
"Ich lüge dich an, du lügst mich unwissentlich an,
Und wie es scheint, sind wir ganz zufrieden!" (138).
Der Kontrast zwischen Gefühlen für einen Freund und für einen Liebhaber ist offensichtlich. In Gefühlen für einen Freund sind sogar Schmerz und Bitterkeit leicht, Gefühle für einen Geliebten werden unerträglich und Liebe wird zur reinen Qual:
„Liebe ist eine Krankheit. Meine Seele ist krank
Ein quälender, unstillbarer Durst.
Sie fordert das gleiche Gift
Wer hat sie einmal vergiftet“ (147).
Liebe trübt den Geist und beraubt die Fähigkeit, Menschen und die Welt in ihrem wahren Licht zu sehen:
„Liebe macht blind und nimmt uns die Augen.
Ich sehe nicht, was ich klar sehe.
Ich sah Schönheit, aber jedes Mal
Ich konnte nicht verstehen - was ist schlecht, was ist schön" (137).
Beachten wir, dass der sonatahlirische Held im Gegensatz zu anderen Werken im Tod keinen Ausweg für sich selbst sucht. Obwohl der lyrische Held der Sonette den Tod fordert, findet er doch etwas, das ihn mit dem Leben versöhnt: das ist sein Freund und die Freude, die ihm die Liebe schenkt. Er will seinen Freund nicht in einer harten Welt zurücklassen:
"Ich rufe den Tod. Ich kann es nicht ertragen zu sehen
Würde, die um Almosen bittet
Über Einfachheit spöttische Lüge,
Nichts in luxuriöser Kleidung,
Und Perfektion ist ein falscher Satz,
Und Jungfräulichkeit, grob entweiht,
Und unangebrachte Ehrenscham
Und Macht ist ein Gefangener zahnloser Schwäche,
Und Direktheit, die als dumm gilt,
Und Dummheit in der Maske eines Weisen, eines Propheten,
Und Inspiration klemmte den Mund
Und Gerechtigkeit im Dienste des Lasters.
Alles ist widerlich, was ich sehe.
Aber wie soll ich dich verlassen, lieber Freund!
Wenn man sicher sein könnte, dass die Anordnung der Sonette der Chronologie der Ereignisse entspricht, dann wäre der Ausgang dieser ganzen lyrischen Geschichte tragisch, denn der ganze Zyklus endet mit den Flüchen jener Liebe, die einen Menschen erniedrigt, einen zu setzen zwingt lügen und betrügen. Eine Zuflucht vor vergangenem Leid ist die Erneuerung der Freundschaft, die durch Prüfungen noch stärker geworden ist. Platonische Vorstellung von Liebe als spirituelles Gefühl Gewinnt in Shakespeares Rat vollständiger Sieg.
„Sonnets“ von Shakespeare – ein wahres Meisterwerk englischer Lyrik der Renaissance. Echte menschliche Gefühle, große Leidenschaften und menschliche Gedanken bahnten sich ihren Weg durch die Konventionalität und den künstlichen Rahmen der Form.
Literatur
1. Anikst A.A. Gedichte, Sonette und Gedichte von Shakespeare - M.: Buch, 1974
2. Anikst A.A. Shakespeare: Das Handwerk des Dramatikers. - M.: Sowjetischer Schriftsteller, 1974
3. Stein A. L. William Shakespeare: Leben und Werk. - M.: Institut für Fremdsprachen. (Gaudeamus), 1996
4. Garin I.I. Shakespeare William, über ihn. Fiktion. Charkow: Garinizdat, 1998
5. Shestakov V. Mein Shakespeare. Humanistische Themen in Shakespeares Werken. - M.: Slavyan.dialog, 1998
