Sergei Rahmaninov, erinomainen venäläinen klassinen säveltäjä, syntyi 1800-luvun jälkipuoliskolla Venäjällä. Hän kuoli vuonna 1943, toisen maailmansodan aikana, Yhdysvalloissa. Sergei Vasilievich tunnetaan myös kuuluisana pianistina, hän johti mestarillisesti orkesteria kapellimestarina.

Sergei Rahmaninovin perheessä oli monia muusikoita. Pianistina Sergei tuli tunnetuksi kuuntelijoiden keskuudessa opiskellessaan Moskovan konservatoriossa. Hän valmistui kultamitalilla nuorena lahjakkuutena.

Tunnetuimpia Sergei Rahmaninovin säveltäjänä kirjoittamia musiikkiteoksia ovat "Symfoniset tanssit", erittäin omaperäinen sinfoninen runo "Kuolleiden saari", sinfoniaruno "Prinssi Rostislav", upea sanoihin perustuva sinfoninen runo "Kellot". hyvin alkuperäisestä amerikkalaisrunoilijasta ja kirjailijasta Edgar Allan Poesta, "tummasta nerosta" Myös oopperat "Francesca de Rimini", "Kurra ritari", "Aleko", useita sinfoniaa, jotka on numeroitu luomisjärjestyksensä mukaan. Yleensä Sergei Rahmaninovia pidetään romanttisen liikkeen säveltäjänä.

Sergei Rahmaninov kirjoitti myös romansseja ja loi monia pianokappaleita. Se on yksi Sergei Rahmaninovin kauneimmista romansseista - tämä "Spring Waters", luotu vuonna 1896, perustuu kuuluisan venäläisen klassikon, runoilija Fjodor Tyutševin sanoihin. Romanssi kuvaa kuvaa luonnon keväisestä heräämisestä, lumen sulamisesta, lumivirroista ja tulvista. Tämä on suuri, kirkas, positiivinen sävellys, iloinen kevään kuuluja. "Kevät on tulossa! Kevät on tulossa!" - laulaa romanssia.

Sergei Rahmaninov perheineen lähti Venäjältä pian vuoden 1917 vallankumouksen jälkeen. Hän asui vuoden Euroopassa, jossa hän antoi monia konsertteja pianistina ja kapellimestarina ja tuli erittäin kuuluisaksi. Sitten hän muutti Yhdysvaltoihin. Täällä hän sai entistä enemmän suosiota ja mainetta, hänestä tuli erittäin rikas mies ja sinfonisen musiikin "elävä legenda".

Mielenkiintoista on, että Rahmaninovin musiikillisen uran alku säveltäjänä oli erittäin epäonnistunut. Kukaan ei ymmärtänyt hänen innovatiivista, omaperäistä musiikkiaan, kriitikot kirjoittivat vihaisia ​​arvosteluja, nuorta säveltäjää kutsuttiin äänekkäästi keskinkertaiseksi musiikkipiireissä, mutta 30-vuotiaana Rahmaninov onnistui voittamaan koko Venäjän mainetta. Mitä olisi tapahtunut, jos Rahmaninov olisi uransa alussa antanut periksi?

Lumi on vielä valkoinen pelloilla,
Ja vedet ovat jo meluisia keväällä.
He juoksevat ja herättävät unisen rannan,
He juoksevat ja loistavat ja huutavat...
He sanovat kaikkialla:
"Kevät tulee, kevät tulee!
Olemme nuoren kevään sanansaattajia,
Hän lähetti meidät eteenpäin!"

Yksi merkittävimmistä esimerkeistä Rahmaninovin kamarilaululuovuudesta on romanssi. Kevään vedet"Perustuu F.I. Tyutchevin runoihin. Se näyttää olevan täysin tulvii auringonvalosta ja täynnä iloisen kohotuksen ja riemua. Tässä romanssissa Rahmaninov ilmaisi ensimmäistä kertaa niin selkeästi ne "kevät"tunnelmat, jotka alkoivat kuulua yhä selvemmin venäläisessä taiteessa 90-luvun puolivälistä lähtien. Juuri näinä vuosina Levitan loi maisemistaan ​​suurimman kuuloista (esimerkiksi "Maaliskuu" tai "Tuuli"). Kuten Levitanin maalaukset, Rahmaninovin romanssi sisälsi laajempaa sisältöä kuin vain luontokuvia. Eräs säveltäjän aikalainen todistaa, että 1900-luvun kasvavan vallankumouksellisen liikkeen aikana tästä romanssista tuli "yhteiskunnallisen heräämisen symboli". Kuten A.D. Alekseev oikein huomauttaa, romanssin lauluosuus sisältää "laululyyrisen melodian orgaanisen fuusion hymnisankarillisen melodian kanssa". "Itkujen" ja "kutsujen" intonaatiot, jotka havaitsimme useissa aiemmissa Rahmaninovin teoksissa, saavat tässä erityisen aktiivisen, tahdonvoimaisen luonteen. Pianoosan liikkuvat, kuohuvat kohdat ja musiikin yleinen soiva väri täydentävät kuvan, täynnä energiaa ja hallitsematonta halua mennä eteenpäin.

Rahmaninov "Spring Waters" (sovitus pianolle)
S. Rahmaninov soittaa.

S.V. Rahmaninov "Lila"

"Kaunis nainen on tietysti ikuisen inspiraation lähde. Mutta sinun täytyy paeta häntä ja etsiä yksinäisyyttä..."
Haastattelusta S.V. Rahmaninov, 1927.

Kerran kuuluisa laulaja F. Chaliapin kysyi Rahmaninovilta:
- Selitä minulle, yksinkertainen venäläinen artisti, mikä musiikissasi on niin ihanaa, miksi alat katsoa elämää eri silmin? Rakkauden jano voittaa, kärsiä, laulaa ilosta. Kuvailetko siinä elämäsi tapahtumia tai ihmiselämää yleensä? Ja miksi teet hengellisen surun niin tuskallisen suloiseksi?
Tässä on mitä säveltäjä vastasi:
- Joten kysyt, mikä on minun musiikkini?
On hiljainen kuutamoyö;
Se on lehtien kahinaa;
Tämä on kaukainen iltakello;
Tämä syntyy sydämestä ja menee sydämeen;
Tämä on rakkautta!

Romanssin "Lilac" luomisen historia

Kuvia hänen kotimaastaan ​​koivutarhojen, jokien ja lampien, kukkivien syreenien kanssa, rakkaan Ivanovkan kanssa, jossa Rahmaninov aina ponnisteli, kiusasi häntä jatkuvasti ja toi surua.

Kaikkea tätä kuvailee Juri Nagibin tarinassaan "Lila", joka kertoo nuorten Sergei Rahmaninovin ja Verochka Skalonin nousevista tunteista, jotka tapasivat lilojen poikkeuksellisen kukinnan aikana.
"...Ivanovkan ja tuon oudon kesän muistoksi, jolloin lila-viini käytiin myöhässä ja voimakkaasti, Rahmaninov kirjoitti herkimmän ja tunteellisimman romanssinsa "Lila". Siellä on hämmästyttävä, sydäntä särkevä nuotti. Se on välähdys Verotshkan sielusta, jonka rakkaus iankaikkisuudesta on ostanut.".
Romanssin kirjoitettujen runojen kirjoittaja on Ekaterina Andreevna Beketova.

Ekaterina Andreevna Beketova (Krasnova) 1855-1892

"Aamulla, aamunkoitteessa,
Kasteisella nurmikolla,
Menen ja hengitän raikkaasti aamulla;
Ja tuoksuvaan varjoon,
Missä syreenit ovat tungosta,
Menen etsimään onneani..."

Lähes kaikki hänen runonsa on kirjoitettu Shakhmatovossa, ja ne ovat saaneet vaikutteita Keski-Venäjän ainutlaatuisesta maisemasta. Shakhmatovskaya lila ja Shakhmatovsky-puisto heräävät henkiin näissä linjoissa. Ekaterina Andreevna Beketova oli myös hyvä taiteilija. Hänen papereistaan ​​on säilynyt useita akvarelleilla ja värikynillä tehtyjä shakkiluonnoksia. Yhdessä niistä on pieni Beketov-talo, joka hukkuu syreenipensaisiin.

”Lila” on yksi Rahmaninovin sanoitusten arvokkaimmista helmistä. Tämän romanssin musiikkia leimaa poikkeuksellinen luonnollisuus ja yksinkertaisuus, lyyristen tunteiden ja luontokuvien huomattava fuusio, joka ilmaistaan ​​hienovaraisilla musiikillisilla ja kuvallisilla elementeillä. Romanssin koko musiikillinen kangas on melodista ja melodista.
Rahmaninovin romanssien ensimmäinen esiintyjä oli hämmästyttävä laulaja Nadezhda Ivanovna Zabela.

"Lilac" on romanssi, jonka avulla voit saada tarkan käsityksen Rahmaninovin sanoituksista. Tämän teoksen musiikki on luonnollista ja yksinkertaista, ja se erottuu lyyristen tunteiden ja luontokuvien yhdistelmästä. Romanssin koko musiikillinen kangas on melodista ja melodista. Rauhalliset, laulumaiset laululauseet seuraavat luonnollisesti yksi toisensa jälkeen.

Romanssi "Älä laula, kauneus, edessäni", joka yhdistää laulun ja dramaattisia elementtejä, on todellinen mestariteos Rahmaninovin 90-luvun laulusanoista. Teoksen pääteema, mietteliäs ja surullinen, esiintyy ensin pianon johdannossa valmiina laulumelodiana. Basson monotonisesti toistuva A, keskiäänien kromaattisesti laskeva liike yhdessä värikkäiden harmonioiden vaihdosten kanssa antavat johdannon musiikilliseen kuvaan itämaista makua. Romanssin huipentuma tapahtuu kolmannessa säkeistössä, ja on mielenkiintoista, että tässä teoksessa on toinen huipentuma toistossa.

"Spring Waters" (F. I. Tyutchevin sanoin) on Rahmaninovin lyyrisiin ja maisematöihin liittyvä romanssi, joka esittää kuvan Venäjän keväästä. Lauluosaa hallitsevat suuren triadin ääniin rakennetut motiivit, nousevat fraasit, jotka päättyvät energiseen hyppyyn. Pianoosuus on erittäin merkityksellinen ja sillä on tärkeä rooli teoksen kokonaisvaltaisen elämää vahvistavan tunnelman luomisessa.

Musiikillinen kuva lähdevesistä S. V. Rahmaninovin romanssista "Spring Waters"

Romaani "Surullinen yö" (I. A. Buninin sanoin) on uudenlainen venäläinen elegian tyyppi. Elegian genrelle perinteisen strofisen muodon puuttuminen, uuden temaattisen materiaalin tuominen romanssin keskiosaan ja resitatiiviseen esitykseen tuo siihen merkkejä laulumonologista. Tämän teoksen musiikillinen muoto on myös erittäin mielenkiintoinen, ja se voidaan määritellä kolmiosaiseksi, vaikka jokainen osa ei ylitä lausetta. Romanssi perustuu kahden melodian kehittämiseen, joista toinen muodostuu lauluosuudessa ja toinen pianoosuudessa.

Lopuksi tarinan Rahmaninovista, 1900-luvun erinomaisesta kapellimestarinasta, pianistista ja säveltäjästä, on huomattava, että hänen luova perintönsä on olennainen osa venäläistä taiteellista kulttuuria; parhaat piano-, laulu- ja sinfoniset teokset kuuluvat venäläisen klassisen musiikin kultarahastoon.

Mechislav Karlovich

Puolalainen säveltäjä, kapellimestari, viulisti Mieczyslaw Karlovich syntyi vuonna 1876 muusikoiden perheeseen. Hänen isänsä oli Brysselin konservatorion sellontutkinto ja äiti oli laulaja ja pianisti. Mieczysław aloitti musiikin opiskelun viisivuotiaana. Vuodesta 1889 vuoteen 1895 hän opiskeli viulisti S. Bartsevich ja Z. Noskovsky (harmonia myöhemmin, ollessaan Berliinissä) viulisti ja säveltäjä G. Urbanin oppitunteja.

Karlovich oli ensimmäinen maanmielistään, joka ohjasi kaikki ponnistelunsa sinfonisen musiikin luomiseen. Tällä alueella ei käytännössä ollut kansallisia perinteitä, koska 1800-luvun puolalaiset säveltäjät olivat kiinnostuneita lähinnä pianon (F. Chopin), viulu (G. Wieniawski) ja oopperan (S. Moniuszko) genreistä, ja yksittäiset orkesteriteokset olivat vain askeleita kohti puolalaisen sinfoniakoulun syntyä (Moniuszkon "The Tale").

Vuonna 1901 Karlovich palasi Saksasta kotimaahansa. 1900-luvun alussa hän kirjoitti merkittävimmät teoksensa, mukaan lukien viulukonserton "Century Songs" ja "Lithuanian Rhapsody". Luovan työnsä lisäksi säveltäjä harjoitti aktiivista esiintymistä ja sosiaalista toimintaa.

Vaikka Karlovichin teoksille on ominaista dramaattinen tunnelma, hänen musiikkinsa hämmästyttää kuulijoita hienovaraisella lyyrisyydellä. Symbolismin runoudella oli suuri vaikutus säveltäjään. Symbolistisen estetiikan piirteet näkyvät erityisesti useiden muusikon ohjelmallisten teosten partituurien yhteydessä olevissa kommenteissa. Modernistiset ilmaisuvälineet eivät kuitenkaan houkutelleet Karlovichia, ja siksi 1800-1900-luvun vaihteen taiteelle tyypilliset viimeisimmät suuntaukset näkyivät vain hänen teostensa juoni- ja teemavalinnoissa. Yllättävän sielukas ja selkeä, melodinen ja ilmaisuvoimainen musiikki liittyy puolalaisen lauluntekijän kansanperinteeseen.

Nämä ovat monia Karlovichin kuuluisia teoksia. Heidän joukossaan on hänen konserttonsa viululle ja orkesterille (1902), romanttisesti pirteä ja hurmaava. Vaikutelman nuoruuden voimasta ja tuoreesta kauneudesta luovat sen kaikki kolme osaa (Allegro moderato, romanssi ja finaali). Tästä konsertista tuli yksi säveltäjän optimistisimmista ja elämän vahvistavimmista teoksista.

Viulukonserton vetovoimaisimpia puolia ovat puhtaasti slaavilaiselle musiikille tyypillinen melodinen rikkaus ja melodisuus. Kyky yhdistää ekspressiivisyys ja virtuoosisuus tuo Karlovichin töitä lähemmäksi P. Tšaikovskin töitä. Samalla muusikon työ osoittaa, että hän on G. Wieniawskin aikalaisia ​​ilahduttaneen puolalaisen viulutaiteen virtuoosisen perinteen arvokas jatkaja. Karlovichin kirjoittaman konserton etuja ovat muun muassa kehityksen jatkuvuus, muodon selkeys sekä soolo- ja orkesteriosien hämmästyttävä yhteensopivuus. Lisäksi teos osoittaa Karlovichin erinomaisen tuntemuksen viulun kaltaisen instrumentin kaikista teknisistä ja ilmaisuominaisuuksista, vaikka tämä ei ole yllättävää: muusikko oli upea viulisti, joka suoritti menestyksekkäästi konservatorion kurssin ja esitti Tšaikovski-konserton erinomaisesti. loppukokeessa.

Karlovichin loistava lahjakkuus paljastuu myös sinfonisen runon genressä. Symbolismin hengessä kirjoitettu ”Returning Waves” (1904) kertoo miehen kokemuksista, jonka päivät ovat luetut, mutta muistot entisestä onnesta kiihottavat häntä edelleen. Myös säveltäjän vuosina 1904–1906 luoma sinfoninen triptyykki ”Century Songs” on surullisen tunnelman läpäisevä. Se koostuu kolmesta osasta: "Laulu ikivanhasta kaipauksesta", "Laulu rakkaudesta ja kuolemasta", "Yleisen olemassaolon laulu". Ja vuonna 1907 ilmestyi toinen sinfoninen runo - "Stanislav ja Anna". Tämä teos hämmästyttää tunteellisuudellaan ja orkesterisoundin ilmaisukyvyllään.

On myös huomattava, että Karlovichin teos "Liettuan rapsodia" (1906), jossa säveltäjä kääntyi liettualaisen ja valkovenäläisen kansanperinteen pariin. Kehityksen perusteellisuus, kansanmelodioiden ominaisuuksien välittämisen hienovaraisuus, runollisten kuvien syvä paljastaminen - kaikki tämä tekee rapsodian musiikista todella lumoavan.

Vaikka Karlovich eli lyhyen elämän (kolmekymmentäkaksivuotias säveltäjä kuoli vuonna 1909 hautautuneena lumivyöryyn Tatrassa), hänen teoksensa puolalaisen musiikin perinteisiin liittyvä merkitys on erittäin suuri.

Bela Bartok

Béla Bartók, suurin unkarilainen säveltäjä, yksi 1900-luvun klassikoista, syntyi vuonna 1881 Nagyszentmiklosissa (nykyisin Synnikolaul Mare) Romaniassa. Hänen isänsä oli maatalouskoulun johtaja ja äitinsä opettaja. Hän huomasi poikansa musiikilliset kyvyt ja antoi hänelle ensimmäiset pianonsoittotuntinsa. Sitten poika opiskeli silloisten kuuluisien muusikoiden F. Kerschin ja L. Erkelin johdolla, ja vuonna 1899 hän astui Liszt-akatemiaan Budapestiin, jossa hän kehitti pianonsoittotaitojaan ja opiskeli sävellysteoriaa.

Bela Bartok

Valmistuttuaan akatemiasta vuonna 1903 Bartok kääntyi unkarilaisen kansantaiteen pariin ja kävi säännöllisesti tutkimusmatkoilla syrjäisille Unkarin, Romanian ja Slovakian sisämaille, missä hän äänitti muinaisia ​​kansanlauluja. Myöhemmin hän käytti toistuvasti kansanperinnettä teoksissaan.

Vuonna 1904 esitettiin Bartókin ensimmäinen suuri teos, sinfoninen runo Kossuth. Sen lisäksi hän oli tähän mennessä kirjoittanut useita pianokappaleita, jousikvartettoja ja orkesterisviittejä. Vuonna 1911 säveltäjä aloitti työskentelyn oopperassa "Siniparran linna", jonka hän onnistui saamaan päätökseen vasta vuonna 1918, kun baletti "Puinen prinssi" oli jo luotu. Jonkin ajan kuluttua ilmestyy seuraava pantomiimibaletti - "Ihana mandariini".

Bartok ei rajoitu vain säveltämiseen ja esiintyy pianistina. Hän kiertää monissa suurissa kaupungeissa Euroopassa ja Yhdysvalloissa, mukaan lukien Moskova ja Leningrad.

Vuonna 1907 Bartokista tuli pianonsoiton professori Lisztin musiikkiakatemiassa. Vuonna 1934 hän lopetti opettamisen ja keskittyi kokonaan kansanperinteen ja etnografian tutkimukseen. Toisen maailmansodan alussa säveltäjä muutti Yhdysvaltoihin. Elämä vieraalla maassa on kuitenkin erittäin vaikeaa: Bartok on hyvin yksinäinen, täällä hänellä ei ole ystäviä eikä faneja. Vuonna 1945 hän kuolee New Yorkin osavaltion köyhien sairaalassa.

Säveltäjän luovaa perintöä edustavat näiden teosten lisäksi myös kaksi kantaattia, sinfonia, musiikki jousille, lyömäsoittimet ja selesta, konsertto orkesterille, kolme pianoa, kaksi viulu- ja alttoviulukonserttoa, monet kamarimusiikki- ja pianoteokset, kuorot, laulusarjat äänelle ja pianolle. Bar-tok omistaa myös useita kansanperinteen tieteellisiä teoksia.

Carl Orff

Saksalainen säveltäjä, kapellimestari, opettaja Carl Orff syntyi vuonna 1895 Münchenissä. Viiden vuoden iässä hän alkoi oppia soittamaan pianoa, selloa ja urkuja. Myöhemmin hän opiskeli musiikkia Münchenin musiikkiakatemiassa, jossa hänen mentorinsa olivat A. Beer-Walbrunn ja P. Zilcher. Myöhemmin Orff otti oppitunteja kuuluisalta polyfonisti G. Kaminskylta.

Vuodesta 1915 vuoteen 1919 Orff oli kapellimestari Münchenissä, Mannheimissa ja Darmstadtissa. Münchenin musiikkiakatemiassa hän toimi sävellyksen professorina.

Vuonna 1924 muusikko oli yksi Günteshuliin musiikkikoulun perustajista, missä hän loi oman järjestelmän nuoremman sukupolven kouluttamiseksi musiikin, tanssin ja voimisteluharjoittelun avulla. Orff on kirjoittanut kuuluisan oppikirjan kouluille. Hän loi useita teoksia lastenkuoroille ja lyömäsoittimille.

Toinen Orffin toiminta-ala oli Bach-seuran konserttien ohjaaminen. Vuonna 1955 säveltäjä sai kunniatohtorin arvon Tübingenin yliopistosta.

Orffin merkittävimpiä teoksia ovat kolme näyttämökantaattia (Carmina Burana, Catulli Carmina, Triumph of Aphrodite), musiikillisia ja dramaattisia teoksia (Moon, Clever Woman, Bernuerin). Heidän tärkeimpiä ominaisuuksiaan olivat laulumusiikin realistinen toteutus ja ilmaisukyky. Tällainen on esimerkiksi kantaatti ”Carmina Burana” (1936), jonka alaotsikko kuuluu: ”Maallisia lauluja solisteille ja kuorolle instrumentaalisella säestyksellä ja maisemakohtauksilla”.

Tämä teos perustuu teksteihin, jotka kirjoittaja on ottanut muinaisesta laulukokoelmasta ”Carmina Burana”, joka on koottu 1200-luvulla ja joka löytyy nykyään yhden Baijerin luostarin arkistosta. Nämä iloiset ja iloiset tai täynnä ironiaa olevat laulut ovat koululaisten, munkkien, käsityöläisten ja talonpoikien säveltämiä. Orff käyttää mestarillisesti vanhojen sävelmien intonaatioita ja antaa niille uuden soundin, joka näyttää diatoniikan alkuperäisen tulkinnan monipuoliset mahdollisuudet. Myös kantaatin orkesteri, jota säveltäjä täydensi kahdella pianolla ja erilaisilla lyömäsoittimilla, on kiinnostava.

Vaikka kantaatti kertoo, että ihminen ei voi vastustaa kohtaloa ja hänen elämänsä riippuu onnenpyörän käännöksistä, sen yllättävän raikas ja energinen musiikki luo kuulijoissa iloisen ja kirkkaan tunnelman. Orff tuo kantaattiin intonaatioiden lisäksi myös kansanlaulujen katkelmia, mutta hänen työnsä ei muutu tyyliteluksi.

”Carmina Buranan” ilmaisukyky ja elementaarinen voima erottaa sen suotuisasti ”Carmina Catullista” (1943) ja ”Aphroditen voitosta” (1951), jotka on kirjoitettu Catulluksen, Sapphon ja Euripideksen sanoille, mutta näissä kantaateissa on myös monia houkuttelevia. ja eloisat sivut.

Näyttämöistä kiinnostaa Grimmin veljesten satuun perustuva ”Clever Girl” (1942), joka on täynnä elävää huumoria farssisen esityksen hengessä.

Carl Orff kuoli vuonna 1982.

Igor Fedorovich Stravinsky

Yksi 1900-luvun suurimmista muusikoista, Igor Stravinsky, syntyi vuonna 1882 Oranienbaumissa Pietarin lähellä. Hänen isänsä F. I. Stravinsky oli Mariinsky Imperial -teatterin laulaja ja solisti.

Igor Fedorovich Stravinsky

Poika osoitti musiikilliset kyvyt varhain. 9-vuotiaana hän alkoi oppia soittamaan pianoa ensin Snetkovalta ja sitten Kashperovalta. Stravinsky ei kuitenkaan saanut ammatillista musiikkikoulutusta, ja 18-vuotiaana hän siirtyi vanhempiensa vaatimuksesta Pietarin yliopiston oikeustieteelliseen tiedekuntaan. Mutta hänen vetovoimansa musiikkiin ei haihtunut, ja hän omisti kaiken vapaa-aikansa musiikin teoreettisten aineiden opiskeluun.

Kaksi vuotta tämän jälkeen Stravinski, tajuttuaan tarvitsevansa ammatillista neuvontaa, kääntyi Rimski-Korsakovin puoleen, joka piti hänelle yksityistunteja vuosina 1903 - 1905 ja tarjosi myös opiskelijalleen tarvittavaa apua hänen kuolemaansa saakka.

Stravinskyn ensimmäiset Rimski-Korsakovin johdolla kirjoitetut teokset olivat useita pianokappaleita, kantaatti Rimski-Korsakovin 60-vuotisjuhlille, sarja äänelle ja orkesterille ”Faun and the Shepherdess”, sinfonia Es-duurissa. ja Scherzo Fantastique. Diaghilev oli läsnä jälkimmäisen ensi-illassa. Kiehtonut nuoren säveltäjän lahjakkuutta, hän tilasi hänet näyttämään baletin Venäjän vuodenaikoina Pariisissa. Tuloksena oli Tulilintu (1910), sitten Petrushka (1911) ja vielä myöhemmin Kevään rituaali (1913). Nämä sävellykset ovat saavuttaneet ansaittua suosiota musiikin ystävien keskuudessa ja peittäneet luojansa nimen maailmankuululla.

Tuolloin Stravinsky vuorotteli Venäjällä oleskeluaan Pariisin matkoilla. Kesällä 1914, eli juuri ennen ensimmäisen maailmansodan puhkeamista, säveltäjä matkusti Sveitsiin, missä hän joutui vihollisuuksien puhkeamisen vuoksi viipymään vuoteen 1918 asti. Tässä maassa viettämiensa vuosien aikana Stravinsky kirjoitti oopperan Satakieli (1914), Sotilaan tarina (1918), jonka hän itse määritteli "tarinaksi paenneesta sotilasta ja paholaisesta, joka luki, näytteli ja tanssi".

Säveltäjä ei halunnut palata Neuvostoliitoksi muuttuneelle Venäjälle ja muutti Pariisiin, jossa hän asui vuoteen 1940 asti. Vuonna 1919 hän sai Diaghileviltä uuden tilauksen, jonka mukaan Stravinskya pyydettiin viimeistelemään Pergolesin musiikkiin perustuvan baletin ”Pulcinella” musikaalinen osa.

Hieman myöhemmin Ranskan pääkaupungissa esitettiin Stravinskin oopperat "Moor" (perustuu Pushkinin runoon "Pieni talo Kolomnassa") ja "Oidipus Rex". Jälkimmäisen ilmestyminen merkitsi uuden vaiheen alkua säveltäjän teoksessa - uusklassisessa, joka korvasi hänen teoksensa puhtaasti venäläisessä perinteessä.

Vuonna 1924 Stravinsky debytoi pianistina ja esitti konserttonsa pianolle ja puhallinorkesterille Koussevitzkyn johdolla. Vuotta myöhemmin Stravinsky kokeili itseään kapellimestarina. Vapaa-ajallaan hän säveltää musiikkia teatteriin ja kääntyy myös muiden musiikkigenrejen pariin: hän kirjoittaa sinfonian puhallinsoittimille, sarjat kamariorkesterille, piano- ja lauluteoksia. Pian ilmestyivät myös Stravinskyn baletit "Apollo Musagete", "Keijun suudelma" ja kuuluisa Psalmien sinfonia, joka perustuu Vanhan testamentin latinalaisiin teksteihin.

30-luvun alkua leimasi säveltäjän teoksia, kuten konsertti viululle ja orkesterille sekä konsertti kahdelle pianolle. Vuosina 1933-1934 Stravinsky sävelsi kuuluisan tanssijan Ida Rubinsteinin tilauksesta yhdessä A. Giden kanssa melodraaman "Persephone". Sitten hän päättää ottaa Ranskan kansalaisuuden, minkä seurauksena häntä edelleen kotimaahan yhdistävät langat katkeavat. Samana aikana julkaistiin hänen omaelämäkerrallinen kirjansa "Elämäni kronika".

Vuonna 1936 Stravinsky kiersi Yhdysvalloissa. Metropolitan Opera isännöi hänen balettinsa A Game of Cards ensi-iltaa, ja hän itse aloittaa työskentelyn Dumbarton Oaks -konsertissa, joka esitetään vuonna 1938 asiakkaiden, Blissin puolisoiden, kotona. Samana vuonna hän johti useita luokkia opiskelijoiden kanssa Harvardin yliopistossa.

Vuotta 1940 leimasi Stravinskylle hyvästit Ranskalle ja muutto Yhdysvaltoihin pysyvään asuinpaikkaan. Nyt hän käy toisinaan kiertueella Eurooppaan, jossa hän esiintyy pianistina ja kapellimestarina. Vuonna 1962 hän juhli juhlallisesti 80-vuotissyntymäpäiväänsä, jonka jälkeen hän lopulta päätti vierailla Neuvostoliitossa. Hän konsertoi Moskovassa ja Leningradissa ja palaa sitten Yhdysvaltoihin. Toisen viiden vuoden kuluttua hän lopettaa esiintymisensä, mutta jatkaa työskentelyä säveltäjänä. Hänen elämänsä päättyy vuonna 1971 New Yorkissa.

L. Bakst. Pukusuunnittelu I. F. Stravinskyn balettiin "The Firebird"

Stravinskyn luovaan perintöön kuuluvat edellä mainittujen teosten lisäksi J. Hogarthin kaiverrussarjaan perustuva ooppera "The Rake's Progress" (1571), baletit "Orpheus" (1948), "The Cage" (1951). ja "Agon" (1957), sinfoniat "In C" ja "In Three Movements", eebenpuukonsertto sooloklarinetille ja instrumentaaliyhtyeelle, "Isä meidän" capella-kuorolle, "Pyhä hymni Pyhän Markuksen nimen ylistykseksi ”, ”Profeetta Jeremian valitus”, kantaatti ”Sana, vertaus ja rukous”, ”Hautajaislaulut”, suuri määrä pienempiä opuksia.

On mielenkiintoista, että Stravinskylla ei ole tiettyä musiikin kirjoitustyyliä, hänen työtyylinsä muuttuu jatkuvasti, minkä vuoksi hänet kutsuttiin jopa kameleonttiksi. Kaikki hänen teoksensa ovat kuitenkin esimerkkejä todellisesta mestaruudesta.

Alfredo Casella

Italialainen säveltäjä, pianisti, musiikkikriitikko ja opettaja Alfredo Casella syntyi vuonna 1883. Hän sai musiikillisen koulutuksensa Pariisin konservatoriossa. Hän opiskeli sävellystä G. Faurén johdolla, pianoa - L. Diemer. Hänen tyylinsä muodostumiseen vaikuttivat suuresti ranskalainen musiikki, R. Straussin työ sekä hänen tuttavuutensa G. Mahleriin. Tunnetuin Casellan varhaisista teoksista oli vuonna 1909 kirjoitettu sinfoninen rapsodia "Italia", joka heijastaa kirjailijan halua välittää kuvia elämästä Napolissa ja Sisiliassa. Säveltäjä sisällytti teoksen partituuriin kansansävelmiä, jotka esitettiin hieman raskaassa orkesterikehyksessä.

Vuosina 1912–1915 Casella johti kansankonsertteja Trocadéro Hallissa. Samana aikana hän opetti pianonsoittoa Pariisin konservatoriossa.

Vuonna 1915 säveltäjä muutti Roomaan, missä hänestä tuli pianonsoiton professori Santa Cecilian musiikkiakatemiassa. Hän vieraili monissa Euroopan ja Amerikan kaupungeissa konserttien kanssa.

Casellan sarja "Pages of War" (1918), joka on omistettu aikamme traagisille tapahtumille, ilmestyi Roomassa. Siitä lähtien muusikon aikaisemmassa työssä heikosti havaittavissa olevat uusklassiset suuntaukset ovat lisääntyneet merkittävästi. Ne tuntuvat erityisesti pianon ja orkesterin partitassa (1925), jossa kirjailijan halu konstruktivismiin tulee esiin. Kuten monet tuon ajan eurooppalaiset säveltäjät, Casella kääntyi jatkuvasti muinaisen italialaisen musiikin perinteisiin. Eniten häntä houkutteli 1600-1700-lukujen taide, erityisesti A. Vivaldin ja A. Scarlattin teokset. Muusikko sai merkittäviä vaikutteita myös G. Rossinin ja A. Paganinin teoksista. Casellan teoksissa kiinnostus antiikkiin yhdistyy haluun käyttää modernin musiikkitaiteen ilmaisukeinoja, joita säveltäjä on ajatellut uudelleen teoreettisissa teoksissaan ("Musiikin kehitys kadenssimuutosten historian valossa", 1918; "Polytonaalisuus ja atonaalisuus"). Myös kansantaide on tärkeässä roolissa säveltäjän musiikissa. Monissa Casellan teoksissa näkyy selvästi kansanperinteen elementtejä.

Säveltäjän mielenkiintoisimpia teoksia ovat konsertti jousiorkesterille (1927) sekä sarjat "Scarlattiana" pianolle ja 32 kielisoittimelle (1926) ja "Paganiniana" (1942), jotka ovat kuuluisien mestareiden vapaita sovituksia. italialaisesta musiikkitaiteesta. Näissä teoksissa, kuten myös jo mainitussa pianolle ja orkesterille suunnatussa partitassa, Casella kääntyy uusklassismiin. Uusklassiset suuntaukset tuntuvat myös konsertossa jousille, pianolle, timpanille ja lyömäsoittimille (1943). Tätä erityisesti Baselin kamariorkesterille luotua konserttia leimaa rakenteellinen harmonia ja harmoninen yhdistelmä tanssilajeja ja concerto grosson muinaisia ​​versioita.

Casellan merkittävimpiä teatteria varten luotuja töitä ovat italialaisen buffa-oopperan kuvia ilmentävä "Käärmenainen" (1931), ooppera "The Tale of Orpheus", baletit "Venetsialainen luostari" (1913), "Kannu" (1924). Säveltäjä on juhlallisen messun ”Rauhan puolesta” (1944), kolmen sinfonian, ”Sankarielegian” (1916), konserttien, romanssien, näytelmien, joista yksitoista lapsille, kirjoittaja.

Casella osallistui aktiivisesti International Society of Contemporary Musicin toimintaan. Säveltäjän teoksia esitettiin usein tämän seuran järjestämillä festivaaleilla eri maissa.

Italialainen säveltäjä kuoli vuonna 1947.

Vaikka Casellan teokset ovat merkitykseltään vaihtelevia, kansallisten perinteiden elvyttämisessä suuressa roolissa ollut muusikolla on arvokas paikka Italian musiikkitaiteen historiassa.

Heitor Vila-Lobos

Heitor Vila-Lobos, brasilialainen säveltäjä, kapellimestari, opettaja ja folkloristi, syntyi 5. maaliskuuta 1887 Rio de Janeirossa. Hänen kiinnostuksensa musiikkiin ilmestyi melko myöhään. 16-vuotiaana hän kiinnostui kansanperinteestä ja matkusti laajasti ympäri maata äänittäen erilaisia ​​kansanlauluja.

Vuonna 1923 Vila-Lobos matkusti Pariisiin, jossa hän opiskeli ahkerasti musiikillisia aloja. Siellä hän tapasi Ravelin, Prokofjevin ja muita säveltäjiä. Ystävyydellä heidän kanssaan oli tärkeä rooli hänen luovuutensa kehittymisessä.

Toteutuessaan säveltäjänä Vila-Lobos löysi aikaa myös esiintyä konserteissa kapellimestarina ohjaten omien teostensa esitystä ja aikalaistensa musiikkia.

Vuonna 1931 Vila-Lobos nimitettiin Brasilian musiikkikasvatuksen hallituksen komissaariksi. Meidän on annettava hänelle ansaitsemansa: hän toi paljon hyötyä maalleen, sillä hän oli niin tärkeässä asemassa. Vila-Lobos perusti musiikkikouluja ja kuorostudioita moniin Brasilian kaupunkeihin ja kehitti lasten musiikkikasvatusjärjestelmän. Vuonna 1945 hänen aloitteestaan ​​avattiin Brasilian musiikkiakatemia, jonka pysyvä presidentti hän oli.

Komissaarin tehtävien ohella Vila-Lobos jatkoi kiertueita ja konsertteja Etelä-Amerikan eri maissa, Yhdysvalloissa, Lontoossa, Pariisissa, Roomassa, Lissabonissa jne. Hänen ansiostaan ​​maailma sai tietää ainutlaatuisesta Brasilialaista musiikkia, jota säveltäjä edusti.

Vila Lobosin elämä päättyi vuonna 1959 Rio de Janeirossa. Hänen luova perintönsä koostuu valtavasta määrästä eri genreihin kuuluvia teoksia. Niistä haluan ensinnäkin mainita oopperat "Aglaya", "Eliza", "Izat", "Malazarte", "Yerma"; operetti "Maddalena"; 15 balettia; oratoriot "Vidpura" ja "Song of the Earth"; kuorosarja "Discovery of Brazil"; Massa; 12 sinfoniaa; 2 sinfoniaa; 18 sinfonista runoa; 5 piano- ja 2 sellokonserttoa, kamarimusiikki- ja pianoteoksia. Säveltäjän tunnetuin teos on ”Brasilian dyynit” äänelle soitinkokoonpanolla.

Vila-Lobos omistaa myös kuusiosaisen teoksen "Käytännön opas kansanperinteen tutkimiseen".

Boguslav Martinu

Tšekkiläinen säveltäjä Bohuslav Martinu syntyi vuonna 1890. Nuoren muusikon ensimmäinen merkittävä teos oli "Czech Rhapsody" orkesterille (1918). Vuonna 1923 Martinou lähti Pariisiin, missä hän aloitti opinnot A. Rousselin johdolla. Opintojensa päätyttyä hän jäi Ranskaan, vaikka hän ei koskaan katkaissut siteitä kotimaahansa. Taiteen uudet suuntaukset eivät ohittaneet häntä. Säveltäjä oli kiinnostunut uusklassismista, jazzista jne. Martinaan vaikutti suuresti hänen tuttavuutensa I. Stravinskyn ja A. Honeggerin kanssa.

Mutta vähitellen säveltäjä kehitti oman tyylinsä. Muusion teoksia esitettiin menestyksekkäästi Pariisissa ja Prahassa, vaikka kaikki kuuntelijat eivät hyväksyneet hänen töitään. Jotkut pitivät hänen musiikkiaan liian rohkeana ja jopa rohkeana.

1930-luvulla ilmestyi useita Martinoun teoksia, mikä osoitti niiden kirjoittajan suurta kiinnostusta tšekkiläisiä aiheita kohtaan. Niitä ovat baletti "Špalicek" (1932), oopperat "Näytelmiä Mariasta" (1934) ja "Teatteri porttien takana" (1936), jotka perustuvat kansanperinneelementteihin.

Tämän ajanjakson merkittävimpiä teoksia ovat ooppera Julia (1937) ja kaksoiskonsertto kahdelle jousiorkesterille, pianolle ja timpanille (1938). Heidän musiikissaan heijastui ahdistunut tunnelma, joka vallitsi toisen maailmansodan kynnyksellä Euroopassa. Martinou kirjoitti silloin: ”Kaikki katosi käsiini alta, ajatukset eivät löytäneet vastausta tai tukea mistään. Ne katosivat jonnekin tyhjyyteen, ikään kuin avautuva tyhjyys vetäisi koko ihmiskunnan itseensä."

Säveltäjä sävelsi itse libreton ”Julietille” kääntyen J. Neveun tarinaan. Toiminta tapahtuu fantastisessa kaupungissa, jonka asukkaat eivät muista menneisyyttään eivätkä erota todellisuutta fiktiosta. Michel, nuori mies, joka etsii rakkaansa, löytää itsensä vieraasta kaupungista. Hän löytää tytön, mutta hänen Julietansa, joka on joutunut kaupungin taianomaisen loitsun alle, ei voi enää vapautua. Koska Michelle ei pysty eroamaan rakkaansa, hän pysyy tässä hullussa, hirviömäisessä maailmassa.

”Julietin” koko toiminta koostuu pienistä kohtauksista, lauluosuudet perustuvat resitatiiviin. Oopperassa on psykologisia piirteitä. Tässä auttaa Martinin hienovarainen taiteellinen taju, hänen kykynsä tuoda elinvoimaa ja dynamiikkaa oopperan selkeästi fantastiseen ilmapiiriin. Julietin idea paljastetaan säveltäjän itsensä sanoilla, joka kirjoitti: "Tämä on epätoivoinen taistelu jonkin vakaan hallussapidosta, joka voi toimia tukena: todellisuus, muisti, tietoisuus. Juuri jälkimmäinen osoittautuu murtuneeksi ja joutuu traagisiin tilanteisiin, joissa Michelin on taisteltava säilyttääkseen oman vakautensa ja järkensä. Jos hän antaa periksi, hän pysyy tässä maailmassa ilman muistia, ilman aikaa, ikuisesti." Surrealistisissa kuvissa säveltäjä yritti välittää todellisia tunteita ja tunteita, jotka ilmenevät tuskallisen tietoisuuden epävakauden seurauksena. Tässä Martin oli lähellä B. Bartokia ja A. Honeggeria, joiden musiikki heijasteli myös hälyttävää aavistusta tulevasta katastrofista.

Vuodesta 1941 lähtien säveltäjä on ollut Yhdysvalloissa. Vuonna 1953 hän palasi Eurooppaan. Martinu asui Ranskassa, Italiassa ja Sveitsissä. Vaikka hän ei koskaan unohtanut tšekkiläisiä juuriaan, monivuotinen poissaolo kotimaasta ei voinut muuta kuin vaikuttaa hänen monitahoiseen ja ristiriitaiseen luovuuteensa. Martinun perintö edustaa lähes kaikkia genrejä ja lajikkeita. Muusikko ei koskaan suostunut tiettyihin järjestelmiin ja suuntauksiin, hän onnistui säilyttämään ainutlaatuisuutensa ja yksilöllisyytensä.

Martinin parhaat teokset syntyivät hänen elämänsä viimeisen kahdenkymmenen vuoden aikana. Tänä aikana säveltäjä kirjoitti kuusi sinfoniaa, "Piero della Francescan freskot" ja "Parabolas" orkesterille, oopperat "Ariadne" ja "Mirandolina", "Kreikkalaiset intohimot" jne.

Martin kääntyi ensimmäisen kerran sinfoniagenreen aikuisiässä. Hän kirjoitti silloin: "Kun joku kohtaa ensimmäisen sinfonian luomisongelman, hän tulee tahattomasti erityisen hermostuneeksi ja vakavaksi..." Nämä sanat ilmaisevat säveltäjän vaatimuksia itselleen ja teokselleen.

Zhukovsky S. Yu Varhainen kevät (huvimaja puistossa). 1910

Ensimmäisen sinfonian kohtalokkaan ensiesityksen jälkeen vuonna 1897, joka päättyi epäonnistumiseen, Rahmaninov ei voinut säveltää pitkään aikaan. Hän otti toisen kapellimestaripaikan Moskovan venäläisessä yksityisoopperassa, jossa hän ystävystyi nuoren Chaliapinin kanssa, sitten vuonna 1899 hän lähti pianistina ulkomaille kiertueelle ja vietti kesän 1900 Genovassa. Vasta nyt hän siirtyi uudelleen säveltämiseen - hän aloitti työskentelyn Toisen pianokonserton ja Francesca da Riminin parissa.

Konsertin valtavan menestyksen jälkeen keväällä 1902 Rahmaninov kääntyi itselleen uuteen genreen - kantaattiin. Näin ilmestyi kantaatti "Kevät" N. A. Nekrasovin (1821-1878) runoon "Vihreä melu" (1862). Ehkä säveltäjän itsensä tunne helpotti kirkkaan teoksen luomista, joka oli täynnä rakkauden vakuuttamista: juuri tänä keväänä pidettiin hänen häät Natalia Alexandrovna Satinan kanssa.

Kantaatti esitettiin ensimmäisen kerran 11. maaliskuuta 1902 Moskovan filharmonisen seuran yhdeksännessä sinfonisessa kokouksessa A. Smirnovin ja A. Zilotin johtaman musiikinystävien kuoron esittämänä. Kantaatti sai yleisön ja kriitikoiden lämpimän vastaanoton. N. Kashkin kirjoitti arvostelussaan vahvasta vaikutuksestaan ​​musiikista. 8. (21.) tammikuuta 1905 kantaatin esitti Pietarissa Mariinski-teatterin kuoro (soolo Chaliapin), ja myös musiikkiyhteisö arvosti sitä erittäin paljon. Venäläisten säveltäjien ja muusikoiden kannustamiseksi johtokunta myönsi Rahmaninoville Glinkin-palkinnon.

Musiikki

Yksiosainen kantaatti, joka on omistettu elämän keväiselle uudistumiselle, koostuu kolmesta osasta.

Ensimmäinen, puhtaasti orkesterillinen, välittää kevään asteittaista heräämistä. Lyhyt "vihreän melun" leitmotiivi, joka muistuttaa kansankevään "laulujen" motiiveja, kuulostaa aluksi matalalla rekisterillä, ikään kuin heräisi talven myrskystä. Uudet voimat heräävät vähitellen, kevään hälinä kasvaa, ja iloisen huipentumahetkellä kuoro astuu sisään: "Vihreä melu on tulossa, Vihreä melu humisee, vihreä melu, kevätmelu!" Baritonin deklamatorinen tarina purskahtaa tähän valoa ja iloa täynnä olevaan musiikkiin terävällä dissonanssilla: "Emäntäni Natalja Patrikejevna on vaatimaton, hän ei muta vedet!" Orkesteri soittaa useita kertoja soolotorven synkän, surullisen melodian kanssa, ja orkesterivärit paksuuntuvat. Kuoro laulaa lyhyitä laskevia lauluja suljetulla suulla sekä kireitä harmonioita ja puusoittimien kromaattisia kohtia, jotka välittävät myrskyn ulvomista. Mutta solistin monologin "Yhtäkkiä kevät on hiipinyt" sanojen jälkeen Green Noise -teema palaa hiljaa, ikään kuin vähitellen. Väri kirkastuu. Orkesterissa esiintyy huilusoundeja ja kevyitä viulun kulkuja - kevään henkäys puhaltaa. Iloiset äänet kasvavat vähitellen. Leveä kantileenilaulu juhlallisesti ja valaistuvasti välittää teoksen pääidean: "Rakasta niin kauan kuin rakastat, Ole kärsivällinen niin kauan kuin jaksat, jää hyvästit hyvästit ja Jumala on tuomarisi!"

L. Mikheeva

PÄÄLLÄ. Nekrasov

Vihreä melu

Green Noise* jatkuu ja jatkuu, Green Noise, kevätmelu!

Levitan I. I. Kevät. Iso vesi. 1897

Leikkisesti se hajoaa yhtäkkiä ratsastustuuli: Heiluttaa leppäpensaat, Nostaa kukkapölyä, Kuin pilvi: kaikki on vihreää, Sekä ilma että vesi!
Bakshaev V.N. Sininen kevät. 1930 Siellä menee Green Noise, Green Noise, kevään melu!
Byalynitsky-Birulya V.K. 1899 Emäntäni Natalya Patrikeevna on vaatimaton, hän ei sekoittele sinua vedellä! Kyllä, hänelle sattui ongelmia, Kuinka minä asuin Pietarissa kesän... Tyhmä sanoi sen itse, Tikku kielellään!
Vinogradov S. A. Kevät. 1911 Kota, ystävä itse pettäjän kanssa on lukinnut meidät vaimoni katsoi ankaraan silmiini ja on hiljaa. Olen hiljaa... mutta kiivaat ajatukseni eivät anna minulle rauhaa: Tapa... niin pahoillani sydämestäni! Ei ole voimaa kestää! Ja täällä pörröinen talvi pauhaa yötä päivää: "Tapa, tapa, petturi. Muuten eksyt loppuelämäsi ajaksi, et löydä rauhaa päivällä etkä! pitkä yö häpeämättömät naapurisi sylkevät silmiisi!.. Laulumyrskytalveen Kiivas ajatus on vahvistunut - Minulla on terävä veitsi varastossa... Mutta yhtäkkiä kevät on hiipinyt.

Byalynitsky-Birulya V.K. Varhainen kevät. 1953

Green Noise jatkuu ja jatkuu,
Green Noise, kevätmelu!

Kuin maidossa kasteltuna,
Siellä on kirsikkatarhoja,
Ne pitävät hiljaista ääntä;
Lämpimän auringon lämmittämänä,
Onnelliset ihmiset pitävät melua
Mäntymetsät.
Ja sen vieressä on uutta vehreyttä
He huutavat uutta laulua
Ja vaalealehtinen lehmus,
Ja valkoinen koivu
Vihreällä punoksella!
Pieni ruoko äänittää,
Korkea vaahtera on meluisa...
Ne pitävät uutta ääntä
Uudella, keväisellä tavalla...

Zhukovsky S. Yu. Luonnon herääminen (Varhainen kevät). 1898

Green Noise jatkuu ja jatkuu.
Green Noise, kevätmelu!

Kiihkeä ajatus heikkenee,
Veitsi putoaa käsistäni,
Ja vieläkin kuulen laulun
Yksi - sekä metsä että niitty:
"Rakasta niin kauan kuin rakastat,
Ole kärsivällinen niin kauan kuin voit
Hyvästi, kun se on hyvästi
Ja Jumala on tuomarisi!"

Levitan I. I. Varhainen kevät. 1890-luku

* Tätä ihmiset kutsuvat luonnon heräämiseksi keväällä. (N.A. Nekrasovin muistiinpano.)

Sergei Vasilyevich Rahmaninov. Romansseja

"Olen venäläinen säveltäjä, ja kotimaani jätti jälkensä hahmooni ja näkemyksiini. Musiikkini on luonteeni hedelmää, ja siksi se on venäläistä musiikkia... Minulla ei ole omaa maatani. Minun piti lähteä maa, jossa synnyin, jossa taistelin ja kärsin kaikista nuoruuden suruista ja jossa lopulta saavutin menestystä."

"Mitä on musiikki?!

On hiljainen kuutamoyö;

Tämä on elävien lehtien kahinaa;

Tämä on kaukainen iltakello;

Tämä syntyy sydämestä

ja menee sydämeen;

Tämä on rakkautta!

Musiikin sisar on runous,

ja hänen äitinsä on surullinen!

Rahmaninov pianolla, 1900-luvun alku.

Vuodesta 1892 vuoteen 1911Sergei Vasilyevich Rahmaninovkirjoitti 83 romanssia, tuo onne kaikki on luotuelämänsä venäläisenä aikana. Suosiossa he kilpailevat hänen pianoteostensa kanssa.Suurin osa romansseista on kirjoitettu 1800-luvun toisen puoliskon venäläisten lyyristen runoilijoiden teksteihin perustuen.vuosisadallaja 1900-luvun vaihteessa ja vain hieman yli tusina 1800-luvun ensimmäisen puoliskon runoilijoiden runoja - Puškin, Koltsov, Shevchenko venäjänkielisessä käännöksessä.

Rahmaninov kirjoitti:”Olen erittäin inspiroitunut runoudesta. Musiikin jälkeen rakastan eniten runoutta. ... Minulla on aina runoutta käsillä. Runous inspiroi musiikkia, koska runous itsessään sisältää paljon musiikkia. He ovat kuin kaksossiskot."

1. "En ole profeetta" - Aleksanteri Kruglovin sanat. 2. "On aika" - Nadson. 3. "Kristus on noussut ylös" - Merežkovski. 4. "Kuinka se sattuu minua" Glafira Galina. 5. Äänitys. 6. "Rakastuin suruani" - Pleshcheeva (Sevchenkosta). 7. "Voi ei, rukoilen, ettet mene!" - Merežkovski. 8. "Saari" - Balmont 9. Ote Mussetista - Apukhtinin käännös. 10. "Täällä on hyvä" - Galina. 11. "Odotan sinua" - Davidova. 12. "Yö on surullinen" - Bunina. 13. "Älä usko minua, ystävä!" - Aleksei Tolstoi. 14. "Älä laula, kaunotar, edessäni" - Pushkin 15. "Rukous" - Pleshcheeva (Goethesta). 16. Kuinka kauan sitten, ystäväni - Golenishcheva-Kutuzova. 17. "Kevätvedet" - Tyutcheva.

Rahmaninovin romansseissakaikki, mikä yhdistettiin hänen käsitykseensä isänmaasta, heijastuu - venäläisen miehen sielu, hänen rakkautensa maataan, hänen ajatuksensa, hänen laulunsa.Luonnonkuvia ei käytetä pelkästään hiljaisten, mietiskelevien tunnelmien ilmaisemiseen. Joskus ne auttavat ilmentämään myrskyisiä, intohimoisia tunteita. Sitten syntyy virtuoosiluonteisia romansseja, jotka erottuvat muodon leveydestä, värien rikkaudesta, loistosta ja pianoesitysten monimutkaisuudesta. Romanssi "Spring Waters" on kirjoitettu tällä tyylillä Tyutchevin sanoin. Tämä on musiikillinen kuva Venäjän keväästä, innostuneiden, iloisten tunteiden runo.

"Lila" Beketovan sanoihin on yksi Rahmaninovin sanoitusten arvokkaimmista helmistä. Tämän romanssin musiikkia leimaa poikkeuksellinen luonnollisuus ja yksinkertaisuus, lyyristen tunteiden ja luontokuvien merkittävä fuusio.

Erittäin erityinen paikka Rahmaninovin lauluteksteissä on vuonna 1915 kirjoitetulla ”Vocalisella” (omistettu suurelle laulajalle Nezhdanovalle). Kansanlaulutyylin elementit sulautuvat tässä orgaanisesti melodiaan, jota leimaa kirkas yksilöllisyys. ”Vocalisen” ja venäläisen viipyvän laulun välisestä yhteydestä todistavat melodian leveys, sen kehityksen rauhallinen luonne ja harmoninen kieli.

Lintukirsikka kukkii ikkunassani,
Kukkii mietteliäänä hopeisen viittauksen alla...
Ja tuoreella ja tuoksuvalla oksalla se kumartui ja kutsui...
Hänen lepattavat ilmaterälehtensä
Vedän iloisena henkeä,
Niiden makea tuoksu sumentaa mieleni,
Ja he laulavat rakkauslauluja ilman sanoja...

Galina Galina

Päiväkakkarat

Katso! kuinka monta koiranputkea -
Sekä siellä että täällä...
Ne kukkivat; monet heistä; niiden ylimäärä;
Ne kukkivat.
Niiden terälehdet ovat kolmion muotoisia - kuin siivet,
Kuin valkoista silkkiä...
Olet kesän voima! Olet runsauden ilo!
Olet valoisa rykmentti!
Valmista, maa, kukkasille juoma kasteesta,
Anna mehua varrelle...
Voi tytöt! oi päivänkakkaraiden tähdet!
Minä rakastan sinua...

Igor Severyanin

Lyyrisen maisemallisen luonteen romanssit muodostavat yhden Rahmaninovin laululyyriikan tärkeimmistä alueista. Maisemaelementti joko sulautuu pääpsykologiseen sisältöön tai on sen kanssa vastakohtana. Jotkut näistä teoksista on suunniteltu juhlallisin, akvarellivärein, täynnä rauhallista, mietiskelevää luonnetta, ja ne erottuvat hienostuneisuudesta ja runoudesta.

istoriyamuziki.narod.ru ›rahmaninov-vokal-tvor.html