1800-luvun venäläisestä taiteesta puhuttaessa asiantuntijat kutsuvat sitä usein kirjallisuuskeskeiseksi. Venäläinen kirjallisuus määrittikin pitkälti aikansa sekä musiikin että kuvataiteen teemat ja ongelmat, yleisen kehityksen dynamiikan. Siksi monet venäläisten maalareiden maalaukset näyttävät olevan romaanien ja tarinoiden kuvituksia, ja musiikkiteokset rakentuvat yksityiskohtaisille kirjallisille ohjelmille.

Tämä vaikutti myös siihen, että kaikki merkittävät kirjallisuuskriitikot sitoutuivat arvioimaan sekä musiikki- että kuvateoksia, muotoilemaan niille vaatimuksensa.

Tämä koskee tietysti ensisijaisesti proosaa, mutta myös 1800-luvun runoudella oli vahva vaikutus kansallisen taiteen kehitykseen. Onko tämä hyvä vai huono, on toinen kysymys, mutta venäläisen runouden täysimittaiseen tutkimukseen ja sen integroimiseen venäläisen taiteen yleiseen kontekstiin se on epäilemättä erittäin kätevää.

Siten 1800-luvun venäläisen musiikkitaiteen päälajit olivat romanssi ja ooppera - runolliseen tekstiin perustuvat lauluteokset.

Maalaus puolestaan ​​​​kuvasi useimmiten kuvia Venäjän luonnosta eri vuodenaikoina, mikä vastaa suoraan eri suuntien venäläisten runoilijoiden luonnollisia sanoituksia. Vähintään suosittuja olivat arkikohtaukset "kansan elämästä", aivan yhtä selvästi toistaen demokraattisen suunnan runoutta. Tämä on kuitenkin niin ilmeistä, että se ei vaadi todisteita.

Siksi yksinkertaisin tapa on havainnollistaa tutkittuja runoja kuuntelemalla romansseja niiden sanoista ja esittelemällä jäljennöksiä. Samalla on parasta, jos yhden runoilijan runot seuraavat yhden säveltäjän romansseja ja yhden taidemaalarin maalauksia. Tämä mahdollistaa kunkin runoilijan työn tutkimisen kanssa lisäkäsityksen kahdesta muusta venäläisen kulttuurin mestarista, mikä on mahdotonta tehdä monien kirjoittajien kuvituksia käytettäessä. Joten F. Glinkan runoutta varten voit poimia F. Tolstoin grafiikkaa ja maalauksia sekä Verstovskin tai Napravnikin romansseja, Polonskin runoutta - kuoroja hänen S. Tanejevin runoihin ja Savrasovin maisemamaalaukseen, jne.

Niiden, jotka haluavat ymmärtää runouden ja kuvataiteen suhdetta tarkemmin, kannattaa tutustua V. Alfonsovin kirjoihin "Sanat ja värit" (M.; L., 1966) ja K. Pigarevin kirjoihin "Venäläinen kirjallisuus ja kuvataide". (M., 1972), artikkeleita kokoelmissa Interaction and Synthesis of Arts (L., 1978), Literature and Painting (L., 1982).

On erittäin hyvä, jos opiskelijat itse voivat olla mukana musiikin ja kopioiden valinnassa: tämä opettaa heidät navigoimaan taiteen maailmassa itsenäisesti, olemaan luovia sen tulkinnassa. Myös niissä tapauksissa, joissa oppilaiden valinta ei näytä opettajan mielestä oikein onnistuneelta, kannattaa se viedä luokkatiimin harkintaan ja yhdessä päättää, mikä tässä valinnassa ei pidä täysin paikkaansa ja miksi. Näin kirjallisuuden tunneista ja koulun ulkopuolisista toiminnoista voi tulla todellinen johdatus venäläiseen kansalliskulttuuriin kokonaisuutena.

Ei voida sivuuttaa sellaista taiteiden välistä suoraa kontaktia kuin nykytaiteilijoiden esittämä runoilijakuvaus. Juuri taiteelliset kuvat-versiot mahdollistavat kirjailijoiden persoonallisuuden vangitsemisen heidän esteettisessä, taiteellisessa inkarnaatiossaan, mikä on sinänsä arvokasta todellisille muotokuvamaalajille. D. Merezhkovsky osoittaa Fofanovia käsittelevässä artikkelissaan loistavasti, kuinka mestarillinen muotokuva voi olla lähtökohta luovuuden ymmärtämiselle. Siksi voimme suositella opettajalle, että hän käyttää työssään muotokuvia venäläisistä runoilijoista, jotka on toistettu Runoilijan kirjasto -sarjan niteissä: K. Gorbunovin A. Koltsov (1838), K. Pavlova ja A. Khomyakov E. Dmitriev-Mamonov. , muotokuvia vähän tunnettuilta graafikoilta ja maalareilta, ystävällisiä karikatyyrejä aikalaisista.

Runoilijoiden valokuvamuotokuvista, kuvituksista heidän teoksilleen, nimikirjoituksista voi tulla yhtä mielenkiintoisia ja käytännössä hyödyllisiä. Näitä aineistoja toistetaan yleensä työn kannalta tarpeellisessa laajuudessa Runoilijakirjaston julkaisuissa, kokoelmateoksissa ja runoilijoiden valittujen teosten painoksissa, joista on kuvaus tämän julkaisun lopussa.

Alla on V. Gusevin lyhennetty artikkeli venäläisestä romanssista; Suosittelemme myös tutustumaan V. Vasina-Grossmanin kirjaan ”Musiikki ja runollinen sana” (M., 1972), artikkelikokoelmaan ”Runous ja musiikki” (M., 1993) sekä M:n tuoreeseen artikkeliin. Petrovsky "Ratsastamassa rakkauden saarelle", eli mitä on venäläinen romanssi" (Kirjallisuuden kysymyksiä. 1984. Nro 5), sekä korvaamaton käytännöllinen hakuteos "Russian Poetry in Russian Music" (M., 1966) ), joka luettelee lähes kaikki 1800-luvun venäläisten runoilijoiden runoihin perustuvat lauluteokset ryhmiteltynä tekstien tekijöiden mukaan ja ilmoittaa vastaavat musiikkijulkaisut.

Artikkelista "Venäläisten runoilijoiden laulut ja romanssit"

<…>1800-luvun alkupuoliskoa voidaan pitää laulusanoitustyyppien monimuotoisuuden, teosten runsauden ja ideologisen ja taiteellisen sisällön rikkaana kannalta venäläisen arjen romanssin ja laulun kukoistusajana. Juuri tähän aikaan perustettiin päälaulurahasto, joka määritti suurelta osin Venäjän kansallisen musiikillisen ja runollisen kulttuurin luonteen ja jätti jälkensä venäläisen yhteiskunnan musiikilliseen ja runolliseen elämään.

1800-luvun jälkipuoliskolla venäläisessä laulusanoissa tapahtui merkittäviä muutoksia - ne vaikuttavat sekä sen ideologiseen sisältöön, genrejen korrelaatioon että tyylillisiin visuaalisiin musiikillisiin ja runollisiin keinoihin.

Venäläisen kulttuurin demokratisoitumisprosessi, realismin kukoistaminen ja kansallisuuden syveneminen eri taiteen muodoissa vaikuttivat suotuisasti lauluntekijän kehitykseen. Runoilijoiden ja säveltäjien harkittu kansanperinteen tutkiminen ja sen itsenäisempi, vapaampi käsittely johti siihen, että ns. "venäläinen laulu", jolle on tunnusomaista tahallinen kansanperinteen tyylittäminen, ei enää tyydyttänyt taiteilijoita itseään ja kriitikot ja yleisö.

Kansanrunolliset perinteet, ikään kuin koko venäläisen kehittyneen taiteellisen kulttuurin äskettäin löytämät ja orgaanisesti omaksumat, antoivat sille selvän kansallisen luonteen riippumatta siitä, mitä aiheita se koskettaa, mitä materiaalia se ottaa, riippumatta siitä, mitä keinoja se käyttää todellisuuden heijastamiseen. Tarve erityiseen "venäläisen laulun" genreen näissä olosuhteissa on kadonnut. Esitettyään positiivisen roolinsa kansallisen taiteen muodostumisessa, se väistyi muuntyyppisille lauluteksteille, joille on tunnusomaista vähintäänkin suurempi, ellei suurempi kansallinen omaperäisyys. Ilman ulkoisen, muodollisen kansanperinteen merkkejä, laulusanat eivät vain menetä, vaan päinvastoin kehittävät parhaita kansanlaulun perinteitä rikastaen niitä venäläisen "kirjarunouden" hankkimalla kokemuksella. On ominaista, että jopa kansanrunoutta omalla tavallaan lähimpänä olevat runoilijat ylittävät "venäläisen laulun" -genren konventiot ja kieltäytyvät itse termistä mieluummin nimeä "laulu" tai jopa pärjäävät ilman jälkimmäistä. Kansanrunouden tyylilliset piirteet sulautuvat luovasti, prosessoidaan ja saavat selkeän yksilöllisen taittuman jokaisen enemmän tai vähemmän suuren runoilijan taiteellisesti.

Halu voittaa ”venäläisen laulun” konventiot, hylätä sen musiikilliset ja runolliset kliseet, synnyttää 1800-luvun jälkipuoliskolla merkittävien runoilijoiden, säveltäjien ja erityisesti kriitikkojen esteettisen tietoisuuden, eräänlaisen reaktion genreen kokonaisuutena, jopa tämän genren parhaisiin teoksiin, jotka on luotu vuosisadan ensimmäisellä puoliskolla. Monien ”venäläisten laulujen” kansallisuus kyseenalaistetaan, eikä niitä aina arvioida oikeudenmukaisesti. Yksi Koltsov välttelee uusien sukupolvien ankaraa tuomiota, vaikka innostuneet arvioinnit korvaavat objektiivisen analyysin sekä runouden vahvuuksista että heikkouksista. 1950- ja 1960-lukujen vallankumouksellis-demokraattinen kritiikki ottaa tässä suhteessa askeleen eteenpäin Belinskyyn verrattuna. Jo Herzen, joka arvostaa suuresti Koltsovin runoutta ja vertaa hänen merkitystään venäläiselle runoudelle Ševtšenkon merkitykseen ukrainalaiselle runoudelle, pitää jälkimmäistä parempana. Ogarev, ikään kuin kommentoiessaan ystävänsä huomautusta, määrittelee Koltsovin runouden merkityksen heijastukseksi "kansan voimasta, joka ei ole vielä kypsynyt tasoon". Koltsovin kansallisuuden rajoitukset tulevat erityisen selväksi Dobrolyuboville: "Hänen (Koltsov. - V. G.) runoudeltaan puuttuu kokonaisvaltainen näkemys, yksinkertainen kansanluokka ilmestyy hänen yksinäisyydessä yhteisistä intresseistä." Muualla, kuten Herzen, vertaillessaan Koltsovia Shevchenkoon, Dobrolyubov kirjoitti, että venäläinen runoilija "ajattelutapansa ja jopa pyrkimyksiensä kanssa siirtyy toisinaan pois ihmisistä". Merzljakovin, Delvigin, Tsyganovin "venäläiset laulut" saavat vielä ankaramman arvion vallankumouksellis-demokraattisen kritiikin kynällä - ne tunnustetaan pseudo-folkiksi. Sama tapahtuu musiikkikritiikin alalla. Stasovin ja hänen seuraajiensa näkökulmasta Aljabjevin, Varlamovin ja Gurilevin viljelemää "venäläistä laulua" pidetään keinotekoisena, jäljittelevänä, pseudo-folkina. Aidosti kansallista ja demokraattista taidetta puolustava V.V. Stasov antoi Glinka-monografiassa yleisen kielteisen arvion kansanperinteen tyylitelmistä ja lainauksista, jotka olivat muodikkaita 1800-luvun ensimmäisen puoliskon venäläisen taiteen eri muodoissa: "30-luvulla , meillä oli, kuten tiedetään, että taiteessa puhutaan paljon kansallisuudesta... Kansallisuus hyväksyttiin silloin rajallisimmassa merkityksessä, ja siksi silloin ajateltiin, että jotta hänen työhönsä voitaisiin antaa kansallista luonnetta, taiteilijan on asetettava siihen, ikään kuin uuteen kehykseen, se, mikä on jo olemassa ihmisten keskuudessa, loi hänen välittömän luova vaistonsa. He halusivat ja vaativat mahdotonta: vanhojen materiaalien ja uuden taiteen yhdistelmää; he unohtivat, että vanhat materiaalit vastasivat omaa aikaansa ja että uusi taide, joka on jo muotoillut, tarvitsee myös uusia materiaaleja. Tällä Stasovin lausunnolla on perustavanlaatuinen luonne. Se auttaa ymmärtämään melko yleisen yksinkertaistetun ajatuksen epäjohdonmukaisuutta erinomaisen demokraattisen kriitikon taiteen vaatimuksista. Kun he puhuvat hänen kansanperinteen propagandastaan, hänen taistelustaan ​​kansallisen identiteetin ja taiteen kansallisuuden puolesta, he yleensä unohtavat, että Stasov vastusti aina kuluttaja-asennetta kansanperinteeseen, sen passiivista, mekaanista assimilaatiota, tyylittelyä, ulkoista, naturalistista kansanperinnettä vastaan. Tämä lausunto selittää myös Stasovin jyrkän kielteisen asenteen "venäläiseen lauluun": jopa Delvigin ja Aljabjevin "Satakielistä" hän puhui ironisesti ja asetti sen "arvottomien" venäläisten "silloisten amatööriemme musiikkisävellyksiin". Hän piti kaikkia Glinkaa edeltäneen ajan säveltäjiä "amatööreinä" ja uskoi, että heidän kokemuksensa "olivat täysin merkityksettömiä, heikkoja, värittömiä ja keskinkertaisia". Stasov jätti huomiotta näiden säveltäjien laulutyön, ja hänen seuraajansa A. N. Serov kutsui halveksivasti "venäläisen laulun" - "Varlamovismin" -tyyliä, ottaen huomioon sen ominaispiirteet "vulgaarisuus" ja "suloisuus".

Tällaisten arvostelujen liioittelu ja epäoikeudenmukaisuus on nyt ilmeistä, mutta ne on otettava huomioon, jotta ymmärrettäisiin, että "venäläisen laulun" -genren hylkääminen 1800-luvun jälkipuoliskolla johtui progressiivisesta halusta kehittää realismia ja korkeampaa kansallisuutta. Tämän pitäisi selittää se tosiasia, että Nekrasov ja jopa Nikitin ja Surikov eivät niinkään noudata "venäläisen laulun" perinnettä, vaan yhdistävät kiinnostuksen kansanelämään ja aitoon kansanperinteeseen venäläisen klassisen runouden kokemusten tutkimiseen. Ei ole sattumaa, että laulut sanan täsmällisessä merkityksessä nykyään, jopa useammin kuin 1800-luvun alkupuoliskolla, eivät ole niitä runoja, joita vielä jossain määrin ohjaavat ”venäläisen laulun” perinteet, vaan niitä, joille runoilijat eivät itse ennustaneet "laulun tulevaisuutta". Jopa I. N. Rozanov huomasi, että Nekrasovin runojen joukossa hänen propaganda-siviililyriikansa, juonirunot, otteet runoista, eivät varsinaisesti "laulut", saivat suosiota jokapäiväisessä elämässä. Sama tapahtui Nikitinin teosten kanssa - hänen "laulunsa" eivät tulleet tiukasti suulliseen ohjelmistoon (joista vain "Bobylyan laulusta" tuli todella laulu), vaan sellaiset runot kuin "Syvä reikä kaivettiin lapiolla . ..”, “Ratsasin messuilta ukhar-kauppias…”, “Aika kulkee hitaasti…”. Surikov ei ole poikkeus - perinteisellä tyylillä kirjoitettu "Laulu" ("Satakielen vihreässä puutarhassa ...") osoittautui paljon vähemmän suosituksi kuin runot "Arossa", "Kasvoin orpona". ..", "Rowan", "Stenka Razinin teloitus" ; näissä runoissa yhteys kansanperinteeseen on kiistaton, mutta se saa kansanrunollisen juonen tai kuvan vapaan tulkinnan luonteen. Ohjeellinen tässä suhteessa on runo "In the Steppe", joka on saanut inspiraationsa tunnetusta pidennetystä kansanlaulusta Mozdokin aroista. On omituista, että tämä runo, joka on muuttunut lauluksi, syrjäytti perinteisen laulun kansanohjelmistosta. Totta, ihmiset hylkäsivät samalla runoilijan esittelemän kappaleen juonikehyksen.

Jos havaittu ilmiö on niin tyypillinen kansanperinteeseen suoraan liittyville runoilijoille, niin ei ole yllättävää, että se voidaan jäljittää myös muiden 1800-luvun toisen puoliskon runoilijoiden töissä. Suurin osa heistä ei enää kirjoita runoutta "venäläisen laulun" tyyliin; niissä tapauksissa, joissa jotkut runoilijat kunnioittivat tätä genreä, yleensä heidän "venäläiset laulunsa" eivät saa lauluelämää, vaan muut runot - kuten esimerkiksi A. Tolstoi tai May. 1800-luvun toisen puoliskon suosituimmat kappaleet eivät enää muistuta tyypiltään "venäläisen laulun" genreä.

Totta, 1800-luvun lopulla "venäläisen laulun" genre näytti syntyvän uudelleen Drozhzhinin, Ožegovin, Panovin, Kondratjevin, Ivinin ja muiden runoilijoiden teoksissa, jotka ryhmittyivät pääasiassa "Moskovan toveriseen kirjoittajien piiriin". kansasta”, ”Kirjallisuus- ja musiikkipiiri. Surikov" ja useissa vastaavissa maakuntayhdistyksissä. Mutta lukuisista Koltsovon ja Surikovin sanoituksella kirjoitetuista teoksista, jotka täyttivät näiden piirien ja erityisesti yritteliäs Ožegovin julkaisemat kokoelmat ja laulukirjat, vain harvat saivat todellisen lauluelämän ja vielä harvemmat pääsivät suulliseen ohjelmistoon. massat.

Surikovin runoilijoiden teosten laulusuosiota liioittelevat usein heidän työnsä tutkijat. Joskus raportoidaan yksinkertaisesti virheellistä tietoa, joka siirtyy arvovaltaisista julkaisuista erilaisiin kokoelmien artikkeleihin ja kommentteihin. Joten akateemisessa "Venäläisen kirjallisuuden historiassa" luemme: "Surikoviitit ovat par excellence -lauluntekijöitä. Heidän parhaat runonsa, jotka muistuttavat talonpojan sanoitusten tyyliä, tulivat joskus lujasti yleiseen käyttöön. Nämä ovat A. E. Razorenovan kappaleet "Älä nuhtele minua, rakas ...", M. I. Ozhegova ja muut "Kadotin sormukseni ...". Mutta todellisuudessa suositun kappaleen "Älä moiti minua, rakas ..." loi Razorenov kauan ennen Surikovin piirin syntymistä ja jopa ennen kuin Surikov itse alkoi kirjoittaa runoutta, nimittäin 40-luvulla tai 50-luvun alussa; yksikään Razorenov-Surikovin 1800-luvun jälkipuoliskolla kirjoitetuista runoista ei muuttunut lauluksi. Mitä tulee kappaleeseen "Kadotin sormukseni ...", Ozhegov ei ole ollenkaan sen kirjoittaja - hän käsitteli vain tuntemansa kappaleen. On ominaista, että muut Ožegovin itsensä kappaleet (lukuun ottamatta "Jyrkkien rantojen välissä ...") eivät saavuttaneet niin suurta suosiota kuin tämä hänen vanhan kappaleensa mukautus.

Drozhzhin oli erittäin tuottelias runoilija, ja hänen kirjallinen toimintansa kesti yli puoli vuosisataa, monet hänen runoistaan ​​sävellettiin, joitain laulaja N. Plevitskaja teki suosituksi lavalta. Mutta on huomionarvoista, että itse asiassa 3-4 hänen runoistaan, pääasiassa hänen työnsä alkukaudesta, muuttuivat lauluiksi. Vielä ongelmallisempi on muiden Surikov-runoilijoiden ja heille läheisten runoilijoiden runojen laulukohtalo. Suuren määrän "lauluja" kirjoittaneen Panovin runoista kaksi tai kolme tuli suulliseen käyttöön. Kondratjevin kokoelmassa "Tammimetsien melun alla" julkaistiin useita kymmeniä "venäläisiä lauluja", mutta yhtäkään niistä ei laulettu (kaupunkiympäristössä hänen muut runonsa saivat jonkin verran mainetta: yksi oli kirjoitettu "julman" tyyliin. romanssi", toinen on kirjoitettu "mustanlauluun"). Huolimatta siitä, kuinka Ozhegov mainosti laulukirjoissaan I. Ivinin, A. Egorovin, I. Vdovinin, S. Lyutovin, N. Prokofjevin, N. Libinan ja muiden runoja, ne eivät tunkeutuneet suulliseen ohjelmistoon.

Surikovin runoilijat eivät vain edistyneet opettajaansa verrattuna, joka hyväksyi luovasti kansanperinteet, vaan itse asiassa ottivat askeleen taaksepäin - 1800-luvun ensimmäisen puoliskon "venäläiseen lauluun". He eivät onnistuneet puhaltamaan eloa tähän genreen, jonka mahdollisuudet olivat jo ehtyneet heidän edeltäjänsä.

1800-luvun jälkipuoliskolla - 1900-luvun alun laulutekstien tyypillisin tyyppi on vapautta rakastava vallankumouksellinen laulu sen eri genre-lajitelmissa: propaganda, hymni, satiirinen, surumarssi. Venäjän kansan vapautustaistelun eri sukupolvien ja virtausten runollisten edustajien - vallankumouksellisen demokratian, vallankumouksellisen populismin ja proletariaatin - luomia nämä maanalaisesta, laittomista piireistä ja järjestöistä peräisin olevat laulut levitettiin vankiloiden ja maanpakolaisten kautta, tunkeutuivat joukkoihin, kuultu mielenosoituksissa ja mielenosoituksissa, lakkojen, lakkojen ja barrikaaditaistelujen aikana.

Yleensä nämä laulut loivat vallankumouksellisen liikkeen osallistujat itse, jotka eivät olleet ammattirunoilijoita, tai ihmiset, jotka yhdistivät kirjallisen toiminnan vapaustaisteluun osallistumiseen: A. Pleshcheev ("Eteenpäin! Ilman pelkoa ja epäilystä .. .."), P. Lavrov ("Herkikäämme vanhasta maailmasta...", M. Mihailov ("Ole rohkeita, ystävät! Älä menetä...”), L. Palmin ("Älkää itkekö kaatuneiden sotilaiden ruumiiden takia" …”), G. Machtet ("Ankara orjuus kiusaa..."), V. Tan-Bogoraz ("Kaivoimme oman haudan..."), L. Radin ("Uskalla, toverit, askel..." ), G. Krzhizhanovsky ("Raivo, tyrannit..."), N. Rivkin ("Meri voihki raivoissaan..." jne. Näiden kappaleiden sävelmien tekijät pääsääntöisesti myös selvisivät olla ei-ammattimaisia ​​säveltäjiä (A. Raševskaja, N. ja P. Peskov), joskus - runoilijoita itse (L. Radin, N. Rivkin), hyvin harvoin - tunnettuja musiikkihahmoja (P. Sokalsky), useimmiten musiikin tekijät jäivät tuntemattomiksi.

Vapaustaistelijoiden ohjelmistoon kuului vallankumouksellisen lauluntekijän piirteitä suullisessa esityksessä hankkivien runoilijoiden runoja, jotka olivat kaukana vapaustaistelusta, mutta heijastivat joissakin teoksissaan objektiivisesti sen osallistujien toiveita tai vangittivat aikakautensa julkista tunnelmaa. . Siksi A. K. Tolstoin ("Kolodniki"), Y. Polonskyn ("Mitä hän on minulle ..."), I. Nikitinin ("Aika liikkuu hitaasti ...", I. Nikitinin ("Aika liikkuu hitaasti") runot ...), aina V. Bryusovin "Masoniin" ja jopa joihinkin konservatiivisten kirjailijoiden teoksiin: "Volgalla on kallio ...", A. A. Navrotsky, "Se on minun nauhani, raidat ..." V. V. Krestovsky, "Avaa ikkuna, avaa ..." Sinä. I. Nemirovich-Dantšenko.

Merkittävä piirre, joka erottaa 1800-luvun jälkipuoliskolla - 1800-luvun alun vallankumouksellisia lauluja, on se, että ne olivat todella laajalle levinneitä, usein laulettiin versioina, jotka poikkesivat tekijän painoksesta, niistä tuli itse mallia vastaaville nimettömille lauluille, sisällytettiin kollektiivisen laulunkirjoitusprosessi, - sanalla sanoen folklorisoitu. Toinen niille tyypillinen piirre on kuoro, useimmiten moniääninen esitys ilman säestystä ("venäläinen laulu", pääsääntöisesti sisällöltään oletettu sooloesitys; 1800-luvun alkupuoliskolla vain juoma-, opiskelija- ja jotkut "ilmaiset laulut" ” kuoro esitti).

Jälkimmäinen seikka mahdollistaa 1800-luvun toisen puoliskon lauluteksteissä selkeämmän rajan sanan varsinaisessa merkityksessä olevan kappaleen ja romanssin välille, joka suuntautuu sooloesityksiin ja musiikilliseen säestykseen jollain instrumentilla.

Mutta jopa itse romantiikkataiteessa on tapahtunut huomattava kehitys 1800-luvun puolivälistä lähtien. Kuten tutkija toteaa, "ammattimaisen" ja "kotimaisen" romanssin alue on myös jyrkästi rajattu, ja niiden suhde muuttuu merkittävästi. Todellakin, 1700-luvulla ja 1800-luvun ensimmäisellä puoliskolla kaikki romantiikkataide oli itse asiassa jokaisen musiikin ystävän saatavilla ja pääsi helposti kotielämään, etenkin jaloin älymystön keskuudessa. Vain joitain Glinkan romansseista voidaan pitää ensimmäisinä esimerkkeinä "ammattimaisesta" romanssista, joka vaatii laulajalta suurta teknistä taitoa ja erityistä koulutusta. Tilanne on täysin erilainen 1800-luvun jälkipuoliskolla ja 1900-luvun alussa. Jokapäiväisestä romanssista on nyt tulossa pääasiassa pieniä säveltäjiä. Venäläisten nykyrunoilijoiden sanojen arkiromantiikan tekijöitä ovat N. Ya. Afanasjev, P. P. Bulakhov, K. P. Vilboa, K. Yu. A. Lishina, V. N. Paskhalova, V. T. Sokolova. Venäläisen musiikin historioitsija N.V. Findeizen kirjoittaa: "Jotkut näiden romanssien teokset ... nauttivat joskus kadehdittavasta, vaikkakin halvasta suosiosta ..." Arjen romantiikka sanan varsinaisessa merkityksessä on ideologisesti ja psykologisesti sisällöltään pienempi, ja sitä leimaa usein muodollisen epigonismin sinetti suhteessa arkielämän mestareihin 1800-luvun ensimmäisen puoliskon romanssi. Tämä ei tietenkään tarkoita, että nimetyn genren keskinkertaisten teosten massassa ei olisi ollenkaan niitä, jotka taiteellisuudessaan lähentyisivät 1800-luvun ensimmäisen puoliskon arkiromanttista.

1800-luvun jälkipuoliskolla - 1900-luvun alun erittäin suosittuja arkiromanttisia romansseja olivat Apukhtinin "A Pair of Bay", V. Krestovskyn "Sirreenin tuoksuvan oksan alla ...", P. Kozlovin "Unohdit", ”Se oli kauan sitten... en muista milloin se oli...” S. Safonov, A. Mazurkevitšin ”Kirje”, E. Bulaninan ”Tšehovin lokin vaikutelman alla”, ”Nocturne” kirjoittanut Z. Bukharova. Niitä on käytetty suun kautta jo pitkään.

Katsauskauden parhaat arkiromanttiset romanssit ovat suurimpien säveltäjien saavutettavimpia musiikin ystäville. On huomionarvoista, että 1800-luvun toisen puoliskon säveltäjien musiikin myötä arkeen tulee myös vuosisadan ensimmäisen puoliskon runoilijoiden runoja. Tällaisia ​​ovat erityisesti monet Balakirevin romanssit Pushkinin, Lermontovin, Koltsovin teksteihin. On esimerkiksi uteliasta, että 60-luvun raznochintsy rakastui Balakirevin romanssiin Lermontovin "Selimin laulun" sanoihin - ei ole sattumaa, että "sureva nainen" Chernyshevskyn romaanista "Mitä on tehtävä? "laulaa se. Jotkut Dargomyzhskyn romansseista 1800-luvun puolivälin runoilijoiden sanoihin - N. Pavlov ("Synnittömien unelmien hän ..."), Yu. Zhadovskaya ("Unohdat minut pian ..."), F. Miller ("En välitä...") saavutti kappaleiden suosiota. . Fet-Balakirevin Nekrasov-Mussorgskyn "Calistrat" ​​ja "Tulin luoksesi terveisin ..." tulivat laajalti tunnetuiksi. Erityisen kuuluisia olivat monet Tšaikovskin romansseista 1800-luvun toisen puoliskon runoilijoiden sanoille: "Oi, laula se laulu, rakas ..." (Pleshcheev), "Haluaisin yhdellä sanalla ..." ( Mei), "Hullut yöt, unettomat yöt ..." (Apukhtin), "Älä herätä häntä aamulla ..." (Fet), "Keskellä meluisaa palloa ..." (A. K. Tolstoi ), "Avasin ikkunan ..." (K. R.), "Istuimme kanssasi nukkuvan joen rannalla ..." (D. Ratgauz).

Monet 1800-luvun jälkipuoliskolla - 1900-luvun alun runoilijoiden runoista muodostuivat merkittäviksi ilmiöiksi venäläisessä laulusanoissa, joissa saavutettiin täydellinen tekstin ja musiikin fuusio. Tämä koskee sellaisten runoilijoiden töitä kuin A. K. Tolstoi, Pleshcheev, Maikov, Fet, Polonsky, Apukhtin, Mei. Joidenkin runoilijoiden runot elävät yleensä edelleen vain romansseina (Golenishchev-Kutuzov, Rostopchina, Minsky, Ratgauz, K. R.). Yhdessä suurimpien säveltäjien musiikin kanssa näiden runoilijoiden runot ovat tulleet lujasti venäläisen älymystön tietoisuuteen, ja joukkojen kulttuuritason noustessa niistä tulee yhä laajemman työväestön omaisuutta. Siksi arvioitaessa venäläisen runouden panosta kansalliseen kulttuuriin on mahdotonta rajoittua klassikoiden perintöön, mutta on otettava huomioon parhaat esimerkit arjen romanssista - ennen kaikkea ne teokset, jotka ovat kuuluu suosittujen laulajien ohjelmistoon ja soi jatkuvasti konserttisalien lavalta ja radiossa, ja tunkeutuu myös moderniin massaamatööritaiteeseen.

Jos käännymme runoilijoiden puoleen, joiden runoja käyttivät erityisen usein ja auliisti suurimmat venäläiset säveltäjät ja joiden teksteistä luotiin klassisia romansseja, on helppo huomata, että muutamaa poikkeusta lukuun ottamatta nimivalinta ei ole sattumaa. Huolimatta siitä, että jokaisen säveltäjän henkilökohtaiset mieltymykset ja makuelämykset saattoivat olla suuressa roolissa (esimerkiksi Mussorgskin intohimo Golenishchev-Kutuzovin runoutta kohtaan), runoilijapiiri, jonka teksteihin kirjoitettiin erityisen paljon romansseja, on kuitenkin olemassa. joita edustavat hyvin erityiset nimet. Minkä tahansa näiden runoilijoiden teoksista löytyy useita runoja, jotka ovat toistuvasti säveltäneet luomismenetelmistään poikkeavien säveltäjien toimesta. Ja jopa se tosiasia, että Glinkan tai Tšaikovskin, joiden romanssit ovat jo saaneet mainetta, kirjoitti erinomaista musiikkia sellaisiin runoihin, ei pysäyttänyt heidän aikalaisiaan tai myöhemmän aikakauden säveltäjiä, aina meidän aikaan asti. On runoja, joihin on kirjoitettu kirjaimellisesti kymmeniä romansseja. 1800-luvun ensimmäisen puoliskon runoilijoista Žukovski, Pushkin, Lermontov ja Koltsov olivat tästä erityisen iloisia. Ensimmäisen venäläisen romantiikan teksteihin perustuvia romansseja luotiin koko vuosisadan aikana - hänen ystävänsä säveltäjän A. A. Pleshcheevin ensimmäisistä kokeiluista Ippolitov-Ivanovin teoksiin. Pelkästään 1800-luvulla sävellettiin yli sataseitsemänkymmentä Pushkinin romanssia. Runo "Älä laula, kauneus, kanssani ...", huolimatta siitä, että se elää edelleen pääasiassa vuonna 1828 luodun Glinkan musiikin kanssa, sen jälkeen monet muut säveltäjät käsittelivät (joiden joukossa on sellaisia ​​nimiä kuin Balakirev, Rimski - Korsakov, Rahmaninov). Runon "Laulaja" on säveltänyt yli viisitoista 1800-luvun säveltäjää. 1800-luvun alussa - 1900-luvun alussa luotiin valtava määrä romansseja Lermontovin yli seitsemänkymmenen runon perusteella. Hänen "Rukouksensa" ("Elämän vaikeana hetkenä ...") sävelsi yli kolmekymmentä säveltäjää. Yli kaksikymmentä romanssia on olemassa "kasakan kehtolaulun" ja runojen sanoilla: "Kuulenko äänesi ...", "Ei, en rakasta sinua niin kiihkeästi ...". Ehkä ensimmäinen paikka venäläisten runoilijoiden joukossa tässä suhteessa kuuluu Koltsoville - yli kolmesataa säveltäjää loi hänen teksteihinsä noin seitsemänsataa romanssia ja laulua! Kuten näette, 1800-luvun ensimmäisen puoliskon runoilijoiden osuus venäläisissä laulu sanoituksissa on suunnilleen yhtä suuri kuin heidän merkityksensä runouden historiassa - päärunoilijoiden romanssit ovat selvästi hallitsevia (ainoa poikkeus on Baratynsky, jonka sanat ovat kirjoitettu suhteellisen vähän romansseja).

Kääntyessämme 1800-luvun jälkipuoliskolle ja 1900-luvun alkuun, kuva tässä ensi silmäyksellä yhtäkkiä muuttuu: runoilijat, joiden rooli runouden historiassa näyttää vaatimattomalta, ovat usein säveltäjien suosimia suurempien runoilijoiden sijasta. , ja romanssien ohjelmistossa he tuskin ottavat suurempaa paikkaa kuin venäläisen runouden valovoimat. On omituista, että vaikka noin kuusikymmentä Nekrasovin runollisen perinnön tekstiä herätti säveltäjien huomion, yli seitsemänkymmentä Maikovin ja Polonskyn tekstiä asetettiin musiikkiin. Yli yhdeksänkymmentä Fetin runoa, yli 50 Pleshcheevin ja Ratgauzin runoa, yli 40 Nadsonin runoa ja sama määrä Apukhtinista tuli romansseiksi. Ehkä kuva 1900-luvun alun runoudesta on erityisen paradoksaalinen: eräänlainen "ennätys" kuuluu Balmontille - yli sataviisikymmentä hänen runojaan on musiikkiin sävelletty (noin kahdenkymmenen vuoden ajan lähes yhtä monta kuten Puškinin vuosisadalla ja enemmän kuin Lermontovin, Tyutchevin, Nekrasovin). Lisäksi hänen sanoihinsa romansseja luoneiden säveltäjien joukossa tapaamme Rahmaninovin, Tanejevin, S. Prokofjevin, Grechaninovin, Glieren, Ippolitov-Ivanovin, Stravinskin, Myaskovskyn... Blok on tässä suhteessa huomattavasti huonompi - noin viisikymmentä romanssia kirjoitettiin hänen tekstinsä. Bryusov voisi myös kateuttaa Balmontia tässä suhteessa. Muut runoilijat selvästi "jäljessä" sekä Blokista että Brjusovista - jopa A. Akhmatova, V. Ivanov, D. Merežkovski, F. Sologub, joiden tekstit kuitenkin sävellettiin toistuvasti. Monet 1900-luvun alun kuuluisat runoilijat saattoivat kuitenkin olla ylpeitä siitä, että ainakin yksi tai kaksi heidän runoistaan ​​on säveltänyt tuon ajan suurimpia säveltäjiä.

Mikä houkutteli muusikot 1800-luvun jälkipuoliskolla - 1900-luvun alun runouteen? Tietenkin kategorinen ja yksitavuinen vastaus tähän kysymykseen on tuskin mahdollista, yhtä lailla kaikkien runoilijoiden työhön. Mutta ottaen huomioon laulumusiikin ominaisuudet ja mahdollisuudet sekä luovat tehtävät, jotka säveltäjät asettivat itselleen romansseja luodessaan, on huomattava, että he suosivat niitä säkeitä, joissa lyyrisen sankarin sisäinen psykologinen tila ilmaistaan ​​suorimmin. , varsinkin sellaiset, joissa runoilijan kokemus osoittautuu keskeneräiseksi, ei loppuun asti ilmaistuksi, mikä mahdollisti sen paljastamisen musiikillisin keinoin. Syviä lyyrisiä sävyjä sisältävä viittausten, laiminlyöntien runous edusti säveltäjän mielikuvituksen suurinta luovaa kenttää. Ei viimeistä roolia näyttelivät tällaisten runoilijoiden, kuten Fet, A. Tolstoy, May, Polonsky, luovan tavan eräät tyylilliset piirteet - teeman kehitys ja runon sävellysrakenne, joka muistuttaa musiikkiteoksen rakennetta, tekstin kylläisyys toistoilla, huudahduksilla, semanttisilla tauoilla, kielen melodisuus, rytmin tasaisuus, joustava puheintonaatio. Jotkut näistä runoilijoista noudattavat tietoisesti musiikin lakeja työssään. Joten Fet lähti hänen muotoilemasta teoreettisesta periaatteesta: "Runous ja musiikki eivät ole vain toisiinsa liittyviä, vaan myös erottamattomia ... Kaikki vuosisatoja vanhat runolliset teokset ... pohjimmiltaan ... lauluja." Ei ole sattumaa, että Fet kutsui yhtä syklistä "melodiat". Runoilija myönsi: "Minua vedettiin aina tietystä sana-alueesta epämääräiselle musiikin alueelle, johon menin, niin pitkälle kuin voimani riitti."

Paljon venäläisen runouden kohtalon ymmärtämiseen musiikissa antavat säveltäjien itsensä lausunnot. Tšaikovski muotoili selkeästi yhdessä kirjeessään, että "laulumusiikin pääasia on tunteiden ja tunnelmien toistumisen todenmukaisuus ...". Suuri säveltäjä pohti paljon venäläisen käännöksen erityispiirteitä ja venäläisen runouden intonaatiorakennetta, hän etsi runoudesta erilaisia ​​rytmejä, säkeitä ja riimejä, jotka luovat suotuisimmat mahdollisuudet runouden lyyrisen sisällön musiikilliseen ilmaisuun. Tšaikovski veti puoleensa melodinen intonaatioilmaisu jae, ja hän itse kutsui Fetin runoutta malliksi tässä suhteessa. Säveltäjä kirjoitti hänestä: "Voimme pikemminkin sanoa, että Fet parhaimmillaan ylittää runouden osoittamat rajat ja ottaa rohkeasti askeleen alallemme ... Tämä ei ole vain runoilija, vaan runoilija- muusikko, ikään kuin välttäisi sellaisiakin aiheita, jotka on helppo pukea sanoiksi." Tšaikovski arvosti korkeasti myös A. K. Tolstoin runoutta: ”Tolstoi on ehtymätön lähde musiikin teksteille; tämä on yksi suosikkirunoilijoistani.

Se oli Fetin ja A. K. Tolstoin sekä Pleshcheev, Mey, Polonsky, Apukhtin ja heidän läheisten runoilijoiden runoudelle luontainen tapa ilmaista tunteita, tunnelmia ja ajatuksia sekä säkeen intonaation luonne, joka tarjosi parhaan. mahdollisuudet säveltää runojaan musiikkiin. Siksi ei vain Tšaikovskissa, vaan myös muiden 1800-luvun toisen puoliskon suurten säveltäjien romanssityössä venäläisen runouden klassisten mestareiden ohella näiden runoilijoiden runoilla on keskeinen paikka.

Aloitetaan muutamalla lainauksella.

"Runoudessa ja runoproosassa, musiikissa, maalauksessa, kuvanveistossa, arkkitehtuurissa - runous on kaikki, mikä niissä ei ole taidetta, ei pyrkimystä, eli ajattelua, tunnetta, ihannetta."

”Runoilija luo sanalla, ja tämä luova sana, joka on syntynyt runoilijan sielun vahvasti vallannut idean inspiraation johdosta, nopeasti siirtyen toiseen sieluun, synnyttää siinä saman inspiraation ja yhtä voimakkaasti syleilee sitä; tämä toiminta ei ole henkistä eikä moraalista - se on yksinkertaisesti valtaa, jota emme voi torjua tahdon voimalla tai järjen voimalla. Sieluun vaikuttava runous ei anna sille mitään varmaa: se ei ole jonkin uuden, loogisesti prosessoidun idean hankkimista, ei moraalisen tunteen herättämistä eikä sen vahvistamista positiivisella säännöllä; Ei! - tämä on salainen, kaiken kattava, syvällinen suoran kauneuden toiminta, joka käsittää koko sielun ja jättää siihen lähtemättömiä jälkiä, hyödyllisiä tai tuhoisia, riippuen taideteoksen ominaisuudesta, tai pikemminkin hengen mukaan taiteilijasta itsestään.

Jos tämä on runouden toimintaa, niin runoilijalle annettu voima sen tuottamiseksi ei saa olla muuta kuin kutsu Jumalalta, se on niin sanotusti kutsu Luojalta astua luomakunnan yhteisöön Hänen kanssaan. . Luoja laittoi henkensä luomiseen: runoilija, hänen sanansaattajansa, etsii, löytää ja paljastaa muille Jumalan hengen arjen läsnäolon. Tämä on hänen kutsumuksensa todellinen tarkoitus, hänen suuren lahjansa, joka on samalla kauhea houkutus, sillä tässä voimassa korkealle lennolle piilee syvän putoamisen vaara.

"Runojen kirjoittamiseksi kirjallisuudessa lahjakkaan tarvitsee vain totutella siihen, että hän voi käyttää jokaisen sijasta yhtä todellista, tarpeellista sanaa riimin tai metrin vaatimuksesta riippuen vielä kymmentä suunnilleen samaa merkitystä sanaa. ja sitten totuta jokainen lause, jossa selkeyden vuoksi on vain yksi oikea sanojen sijoittelu, jotta se voidaan sanoa kaikilla mahdollisilla sanaliikkeillä, jotta se näyttää jollain tavalla; oppia lisää, lorujen sanojen ohjaamana, keksiä näille sanoille ajatuksia, tunteita tai kuvia, ja sitten sellainen henkilö ei voi enää lopettaa runojen tekemistä tarpeen mukaan, lyhyitä tai pitkiä, uskonnollisia , rakkaus tai siviili.

"Anteeksi, eikö ole hullua raahata aivojasi päiviä peräkkäin puristaakseen elävän, luonnollisen ihmisen puheen hinnalla millä hyvänsä mitatuiksi, riimillisiksi riveiksi. Se on sama kuin jos joku yhtäkkiä ajattelisi kävellä vain levitettyä köyttä pitkin ja varmasti kyykkyä joka askeleella.

Kaksi ensimmäistä lainausta kuuluvat Puškinin aikalaisille ja ystäville, runoilijoille Kutšelbeckerille ja Žukovskille; toiset kaksi - hänen kaukana pahimmille seuraajilleen, proosakirjoittajille Leo Tolstoille ja Shchedrinille. Kuten näemme, näissä lainauksissa ilmaistu asenne runoutta kohtaan on täysin päinvastainen: ihailun ja ihailun sijaan runoilijoita ja heidän ”tuotteitaan” kohtaan on nöyryytystä ja halveksuntaa.

Miksi tämä hirvittävä ajatusten ristiriita syntyi? Tähän kysymykseen olisi helpointa vastata näin: Pushkinin aikakausi oli venäläisen runouden korkea, kulta-aika, sitten se korvattiin proosan aikakaudella, ja runous ensin häipyi taustalle ja sitten lakkasi olemasta kokonaan. Kuitenkin myös venäläiset kriitikot kirjoittivat tästä, alkaen Polevoista ja Belinskystä; Saman totesi myös Leo Tolstoi tyypillisellä peräänantamattomuudellaan: ”Venäläisessä runoudessa<…>Pushkinin, Lermontovin (yleensä unohdetaan Tjutšev) jälkeen runollinen maine siirtyy ensin erittäin kyseenalaisille runoilijoille Maikoville, Polonskille, Fetille, sitten Nekrasoville, jolta puuttuu runollinen lahja, sitten keinotekoiselle ja proosalliselle runoilijalle Aleksei Tolstoille, sitten yksitoikkoiselle. ja heikko Nadson, sitten täysin keskinkertainen Apukhtin, ja sitten kaikki tulee tielle, ja on runoilijoita, heidän nimensä on legioona, jotka eivät edes tiedä mitä runous on ja mitä se tarkoittaa, mitä he kirjoittavat ja miksi he kirjoittavat.

Ehkä kokenut ihminen on täällä, ja venäläinen runous Puškinin ja Lermontovin jälkeen pitäisi unohtaa ja poistaa muististamme? Näyttää kuitenkin siltä, ​​että jokin ei ole aivan kohdallaan. Ainakin, jos muistamme Tyutchevin ja Fetin, Nekrasovin ja Maikovin, Polonskyn ja Pleshcheevin runot, jotka ovat tuttuja kaikille lapsuudesta lähtien ...

Itse asiassa 1830-luvun lopulta lähtien aikakauslehdet alkoivat julkaista runoutta yhä harvemmin. Ne korvataan nuorella venäläisellä proosalla ja terävähampaisella kirjallisuuskritiikillä, joka sitoutui puolustamaan etujaan ensimmäisistä askeleista lähtien. Ja hän, tämä kritiikki, oli äärimmäisen puolueellinen, eli hän puolusti avoimesti lehden sivuilla tiettyjen poliittisten voimien etuja, jotka syntyivät tuolloin Venäjältä ja osallistuivat taisteluun, joka ei ole pysähtynyt tähän päivään asti. On selvää, että ihmisen sielulle, ikuiselle osoitettu runous oli tämä kritiikki - poliittisista eduistaan ​​riippumatta - yksinkertaisesti tyhjää. Mutta proosan, varsinkin myös juhlaproosan kanssa, se on paljon yksinkertaisempaa: sehän kuvaa ymmärrettäviä, maallisia tapahtumia ja selittää selkeällä tekstillä kuka on syyllinen, mitä tehdä, kun oikea päivä koittaa... Mutta runoutta pitää käsitellä. kanssa, tulkitaan, ja tätä varten on parempi ymmärtää joko vain olla huomaamatta sitä tai pilkata parodistinapsauttajia.

Proosakirjailijat hyökkäsivät vuosisadan puolivälin runoutta vastaan ​​yhtä kiivaasti kuin kriitikot. Ei, he suostuivat pitämään läheisiä ystäviään todellisina runoilijoina, he ihailivat jatkuvasti luomuksiaan (etenkin yksityisessä kirjeenvaihdossa), mutta laittoivat ne Pushkinin viereen ...

Siksi Pushkinin vuosipäivä muuttui ennen kaikkea juhlaksi Vjazemskyn, proosakirjailijoiden, sanoin. Jopa Shchedrin oli hämmentynyt tästä: "Ilmeisesti älykäs Turgenev ja hullu Dostojevski onnistuivat varastamaan loman Pushkinilta heidän hyväkseen." Muut proosakirjailijat käänsivät hänet omaan eli proosalliseen hyötyyn: riittää, kun avataan noiden vuosien sanoma- ja aikakauslehtiä tai vuosikokoelmia, jotta saadaan selville, että nykyajan runoilijat eivät yksinkertaisesti saaneet osallistua juhliin.

Tietysti politisoituneiden venäläisten proosakirjoittajien etualalla olivat, kuten aina, puolueen edut. Mutta yhtä rehellisesti he kaikki ilmaisivat tässä tapauksessa, poliittisista mieltymyksistä riippumatta, yleinen ajatus: Pushkin on menneisyyden suuri runoilija, tänään ei ole runoilijoita eikä voi olla.

Tietenkään ilman näiden ajatusten painetta, esimerkiksi kirjat Fet eivät eronneet monien vuosien ajan, kuten todellakin heidän aikanaan Aleksanteri Pushkinin runot. Mutta "kansan vitiat" eivät halunneet puhua tästä ääneen ...

Joten oli eräänlainen salaliitto venäläistä runoutta vastaan ​​- salaliitto, johon poliitikot, kriitikot ja proosakirjailijat osallistuivat. Runoilijat jatkoivat luomistaan ​​kiinnittämättä huomiota siihen, että heidän lukijapiirinsä kaventui - huolimatta ehdottomista saavutuksista. Runoilijat pääsivät yleisöön eri tavalla - ensisijaisesti yhä suositumman romanssin, yksinkertaisten lapsille osoitettujen runojen kautta.

Todellakin, Pushkinin jälkeen venäläinen runous muuttuu paljon yksinkertaisempaa ja helpompaa, se melkein kieltäytyy vetoamasta muinaisiin ja eurooppalaisiin perinteisiin, keskittyy tietoisesti kansanlauluun, puhuu yksinkertaisista asioista, jotka ovat välttämättömiä kaikille: luonnosta ja rakkaudesta, nuoruuden iloista. ja vanhuuden kokemuksia. Siinä Pushkinin aikakauden korkea siviilipaatos kuulostaa yhä vähemmän, yhä useammin - rakkaansa vilpitön ääni. 1800-luvun toisen puoliskon runous on intiimimpää kuin menestyneempi edeltäjänsä.

Samalla se ei poikkea lainkaan korkeampien inhimillisten arvojen puolustamisesta - päinvastoin, se puolustaa niitä johdonmukaisesti toisin kuin todelliselle nykyaikaisuudelle osoitettu proosa. Tämä on erityisen ilmeistä tapauksissa, joissa sama kirjoittaja kirjoittaa sekä säkeessä että proosassa. Esimerkiksi Turgenev on kirjoittanut Isät ja pojat ja Gray Morning. Nykyään romaani nihilisteista on selitettävä yksityiskohtaisesti, ja klassinen romanssi ei tarvitse kommentteja ...

Arjen myrskyistä imeytyneet aikalaiset olivat käsittämättömiä ja villiä Fetin sanoja, jotka kirjoitettiin Tjutševin runokokoelman julkaisemisesta, kriitikoiden lähes huomaamatta: ”Kaikki elävät koostuvat vastakohdista; Heidän harmonisen yhdistymisensä hetki on vaikeasti havaittavissa, ja lyriikka, tämä elämän väri ja huippu, pohjimmiltaan jää ikuisesti mysteeriksi. Lyyrinen aktiivisuus vaatii myös äärimmäisen vastakkaisia ​​ominaisuuksia, kuten esimerkiksi hullua, sokeaa rohkeutta ja suurinta varovaisuutta (pienintä suhteellisuudentajua). Joka ei pysty heittäytymään seitsemännestä kerroksesta ylösalaisin horjumattomassa uskossa, että hän kohoaa ilmassa, hän ei ole sanoittaja.

Aleksanteri
ARKANGELI

Esittelyssä lukuja uudesta koulukirjasta

Venäläisiä sanoituksia 1800-luvun jälkipuoliskolta

Venäläiset runoilijat ja "sosiaalisen" proosan aikakausi. 1800-luvun alun venäläiset runoilijat - Žukovskista ja Batjuškovista Puškiniin ja Lermontoviin - loivat uuden runollisen kielen, jolla ilmaistaan ​​monimutkaisimmat kokemukset, syvimmät ajatukset maailmankaikkeudesta. He toivat venäläiseen runouteen kuvan lyyrisesta sankarista, joka muistuttaa runoilijaa itseään ja ei muistuta sitä. (Aivan kuten Karamzin toi venäläiseen proosaan kertojan kuvan, jonka ääni ei sulaudu yhteen hahmojen ja kirjoittajan itsensä kanssa.)

1800-luvun ensimmäisen puoliskon runoilijat uudistivat tavanomaista genrejärjestelmää. He pitivät parempana rakkauselegiaa, romanttista balladia "korkeiden", juhlallisten oodien sijaan; juurrutettiin uudelleen alkuperäiseen kirjallisuuteen maku kansankulttuurista, venäläisistä lauluista ja saduista; ilmensivät työssään nykyajan ihmisen, venäläisen eurooppalaisen, ristiriitaista tietoisuutta ja traagista kokemusta. He hallitsevat maailmanromantiikan kokemuksen - ja kasvattivat sen vähitellen monin tavoin.

Mutta tämä tapahtuu usein kirjallisuudessa: tuskin saavuttanut taiteellisen huipun, venäläinen runous alkoi laskea jyrkästi. Se tapahtui pian Pushkinin ja sitten Baratynskyn ja Lermontovin kuoleman jälkeen. Eli 1840-luvun alussa. Vanhemman sukupolven runoilijat jotenkin kyllästyivät samalla myrskyisään kirjalliseen elämään, sammuttivat aktiivisen prosessin. Žukovski alkoi kääntää laajoja eeppisiä teoksia - tiedät hänen käännöksensä Homeroksen Odysseiasta. Pjotr ​​Vjazemski piileskeli pitkään tylsässä kirjallisessa varjossa, siirtyi pois runollisista asioista, ja vasta vanhuudessa hänen kykynsä kukoisti uudelleen, hän palasi äidinkielensä rajoille. Vladimir Benediktov koki välitöntä suosiota 1830-luvun puolivälissä - ja putosi yhtä nopeasti muodista.

Ja monet 1840-luvun nuoret lyyriset runoilijat, jotka pysyivät julkisuudessa, näyttävät unohtaneen kirjoittamisen. Suurin taito, runotekniikan hallinta, jota Pushkinin aikana pidettiin normina, itsestäänselvyytenä, katosi useimmat runoilijat yhdessä yössä.

Eikä tässä ole mitään yllättävää.

1800-luvun alussa venäläinen kirjallisuus oppi kuvaamaan ihmisen luonnetta sen yksilöllisyydessä ja ainutlaatuisuudessa. 1820- ja 1830-luvuilla venäläiset kirjailijat alkoivat yhdistää sankariensa kohtaloa tiettyyn historialliseen aikakauteen, niihin jokapäiväisiin, taloudellisiin olosuhteisiin, joista ihmisten käyttäytyminen usein riippuu. Ja nyt, 1840-luvulla, he kohtasivat uusia merkittäviä tehtäviä. He alkoivat tarkastella ihmisen persoonallisuutta sosiaalisten suhteiden prisman kautta, selittää sankarien toimintaa "ympäristön" vaikutuksella, he ottivat heidät pois taloudellisista ja poliittisista syistä.

1840- ja 1860-luvun lukijat odottivat juuri tällaisia ​​sosiaalisia kirjoituksia. Ja tällaisten ongelmien ratkaisemiseen eepos, kerronnallinen proosa, fysiologinen essee ja journalistinen artikkeli olivat paljon sopivampia. Siksi sen ajan tärkeimmät kirjalliset voimat keskittyivät proosalliseen "sillanpäähän". Sanoitukset näyttävät menettäneen vakavan sisältönsä joksikin aikaa. Ja tämä sisäinen päämäärättömyys, sisällön puute vuoti runollista muotoa. Näin kasvi kuivuu, mikä on estänyt pääsyn elämää antaviin maanalaisiin mehuihin.

• Miksi proosa työnsi runouden kirjallisen prosessin marginaaleille 1840-luvulla? Mitä tärkeitä tehtäviä venäläinen kirjallisuus ratkaisee tällä vuosikymmenellä?

Pierre Jean Beranger

Kuinka voimme puhua tuskallisista asioista, arjen "merkittävyydestä" sanoin, miten ilmaista uusia sosiaalisia ajatuksia? 1840-luvulla eurooppalainen runous ratkaisi myös vastaukset näihin kysymyksiin. Loppujen lopuksi siirtyminen romantiikan aikakaudesta naturalismin aikakauteen tapahtui kaikkialla! Mutta siellä, varsinkin Ranskassa, oli jo kehittynyt yhteiskunnallisen, vallankumouksellisen sanoituksen perinne, oli kehittynyt erityinen runokieli. Tämä kieli "sovitettiin" emotionaaliseen - ja samalla vilpittömään - keskusteluun modernin yhteiskunnan ongelmista ja suruista, "pienen" ihmisen traagisesta kohtalosta. Eli runon siirtyminen uuteen, sosiaaliseen laatuun valmisteltiin etukäteen, korreloimalla kulttuuriperinteen kanssa.

Merkittävimpänä eurooppalaisista "vallankumouksellisista" runoilijoista, sosiaalisten sanoittajien, pidetään oikeutetusti ranskalaista Pierre Jean Berangeria (1780-1857).

Isoisänsä kasvatti räätälinä, ja hän näki lapsena Ranskan vallankumouksen mullistuksia. Nuori Beranger uskoi ihanteisiinsa ja - mikä ei ole yhtä tärkeää kirjallisuuden kannalta - hän muisti ikuisesti kapinallisen joukon laulamien vallankumouksellisten kansanlaulujen äänen. Suosituin näistä kappaleista on sinullekin tuttu - se on "La Marseillaise"; sen jokseenkin verenhimoinen sisältö - kutsu väkivaltaan - oli puettu juhlalliseen ja kevyeen musiikilliseen muotoon. Vallankumouksellisen aikakauden lauluissa ei käytetty vain mehukkaita kansanilmaisuja ja vitsejä, joita ei voida hyväksyä "korkeissa" sanoituksissa, vaan myös eeppisen runouden mahdollisuuksia käytettiin - lyhyt dynaaminen juoni, jatkuva refreeni (eli "refrain" tai joidenkin avainrivien toisto).

Siitä lähtien kansanlauluksi tyylitelty runo-laulun genre on vallannut Berangerin teoksessa. Yleislukija piti näistä lauluista joko kevytmielisiä tai satiirisia (usein katolisen pappeuden tapoja vastaan ​​suunnattuja) tai poliittisia, patosisia. Heihin syntyi alusta alkaen ja vakiintui kuva lyyrisesta sankarista - kansanrunoilija, mies joukosta, vaurauden vihaaja. (Tietenkin tosielämässä Beranger itse ei ollut niin vieras rahalle, miltä saattaa näyttää hänen runojaan lukiessaan.)

Venäläiset lyyriset runoilijat alkoivat kääntää Berangeria 1830-luvun puolivälissä. Mutta hänen laajasta ja monipuolisesta työstään valittiin aluksi vain lyyrisiä "lauluja", jotka olivat niin samanlaisia ​​kuin vuosisadan alun runoilijoiden ja Pushkin-sukupolven luomien tyyliteltyjen "kansanlaulujen" tutut kokemukset:

Aika tulee - toukokuusi muuttuu vihreäksi;
Aika tulee - jätän tämän maailman;
Pähkinäkiharesi muuttuu valkoiseksi;
Akaattisilmien kimallus haalistuu.
("Vanha rouvani." Kääntäjä Viktor Teplyakov, 1836)

Se on luonnostaan; olemme aina kiinnostuneita toisten kokemuksista vain niin paljon kuin se auttaa selviytymään omista ongelmistamme. Ja venäläisen kirjallisuuden tehtävät 1830-luvun puolivälissä erosivat niistä, joita se ratkaisi 1840-luvun levoton vuosikymmenellä. Eihän turhaan käännetty kohonneen sosiaalisen tunteen runoilijaa Heinrich Heineä valikoidusti Lermontov-sukupolven venäläisten kirjailijoiden toimesta kiinnittäen huomiota ensisijaisesti hänen filosofisiin sanoitukseensa, hänen romanttiseen ironiaansa. Ja jo 1840-luvun runoilijat kiinnittivät huomiota Heinen lahjakkuuden toiselle puolelle - hänen poliittisiin, kansalais-, satiirisiin runoihin.

Ja nyt, kun venäläinen proosa puhui niin terävästi ja katkerasti elämän varjopuolelta, myös venäläisen runouden oli hallittava uusi taiteellinen kokemus. Omaa vakiintunutta perinnettä ei ollut, joten 1840-luvun sanoittajat lähtivät vapaaehtoisesti opiskelemaan Berangerin luo.

Mutta aivan kuten koulupojan täytyy "kypsyä" vakaviin aiheisiin, joita opiskellaan lukiossa, niin runoilijat viettävät yli vuoden "kypsyäkseen" onnistuneeseen käännökseen. Loppujen lopuksi vieraalta kieleltä käännetyn runon tulee säilyttää "vieraisuuden" maku - ja samalla tulla "omaksi", venäjäksi. Siksi vasta 1850-luvun puolivälissä Beranger "puhui" venäjää luonnollisesti ja luonnollisesti. Ja tärkein ansio tässä kuuluu Vasily Stepanovitš Kurochkinille (1831-1875), joka julkaisi vuonna 1858 kokoelman "Songs of Beranger":

"Elä, katso!" - vanha setä
Kokonainen vuosisata on valmis toistamaan minut.
Kuinka naurankaan katsoessani setäni!
Olen positiivinen ihminen.
kulutan kaiken
en voi -
Koska en ole mitään
En ole.
................................
Loppujen lopuksi yhden delin lautasella
Hänen esi-isiensä pääkaupunki istuu;
Tunnen tavernan piikan:
Täysi ja humalassa jatkuvasti luotolla.
kulutan kaiken
en voi -
Koska en ole mitään
En ole.
("Positiivinen mies", 1858)

Tietenkin olet huomannut, että näitä säkeitä ei ole käännetty vain venäjäksi. Tässä rikotaan tarkoituksella yhtä "hyvän" käännöksen sääntöä: ranskalainen henki on syöpynyt kokonaan Berengeristä, kääntäjä on repinyt runon pois vieraasta kulttuurimaaperästä, siirtänyt sen kokonaan omaansa. Nämä säkeet kuulostavat ikään kuin niitä ei olisi käännetty ranskasta, vaan ne olisi kirjoitettu välittömästi venäjäksi - ja venäläisen runoilijan toimesta. He ovat venäläistyneitä, eli käyttävät ilmaisuja, jotka on kerta kaikkiaan liitetty venäläiseen arkielämään ja jotka ovat täysin sopimattomia ranskalaiseen kontekstiin. Esimerkiksi: "Toista ... koko vuosisata", "täysi ja humalassa". Toinen Kurotshkinin käännös on vieläkin venäläistetty - runo "Herra Iskariots" (1861):

herra Iskariotov -
Hyväluontoinen outo:
Isänmaallisten isänmaallinen
Hyvä pikkumies, iloinen kaveri,
Levittyy kuin kissa
Nojaa kuin käärme...
Miksi sellaisia ​​ihmisiä on
Olemmeko hieman erilaisia?
.............................................
Ahkera kaikkien lehtien lukija,
Hän on kykenevä ja valmis
Innokkaimmat liberaalit
Pelottele sanavirralla.
Hän huutaa äänekkäästi: "Glasnost! Glasnost!
Pyhien ideoiden johtaja!"
Mutta kuka tuntee ihmisiä
Kuiskauksia, vaaran aistiminen:
Hiljaa, hiljaa, herrat!
herra Iskariotov,
Isänmaallisten isänmaallinen
Tulossa tänne!

Ranskalaista runoa huijareista "Monsieur Iscariot" (Iskariotia kutsuttiin Juudakseksi, joka tuomitsi Kristuksen) ei turhaan muutettu venäläiseksi satiiriksi "Herra Iscariotovista". Vasily Kurochkin repäisi Berangerin runouden tarkoituksella ranskalaisista juuristaan ​​ja muutti sen venäläisen kulttuurin tosiasiaksi. Berangerin avulla hän loi venäläisen sosiaalisen runouden kielen, hallitsi uusia taiteellisia mahdollisuuksia. Ja hän onnistui hyvin.

Mutta tosiasia on, että valitulla tiellä onni joutui odottamaan liian kauan; 1850-luvun toisen puoliskon kotimaiset runoilijat pärjäsivät jo ilman Berangeria, luottavat Nikolai Aleksejevitš Nekrasovin taiteelliseen kokemukseen. (Nekrasovin elämäkerralle ja oppikirjan taiteelliselle maailmalle on omistettu erillinen luku.) Nekrasov onnistui ensimmäistä kertaa venäläisen kulttuuriperinteen puitteissa yhdistämään yhteensopimattoman - töykeän "sosiaalisuuden" ja syvän lyyrisyyden. , hän loi uuden runokielen, ehdotti äidinkielelleen uusia rytmejä, jotka sopisivat uusiin aiheisiin ja uusiin ideoihin. Todellinen maine tuli hänelle heti sen jälkeen, kun runo "Ajan pimeää katua pitkin yöllä ..." julkaistiin Sovremennik-lehdessä vuonna 1847:

Muistatko trumpettien surulliset äänet,
Saderoiskeita, puoliksi valoa, puoliksi pimeyttä?
Poikasi itki ja kylmät kädet
Lämmitte häntä hengitykselläsi...

Kaikki lukivat nämä koskettavat rivit - ja ymmärsivät: tässä se on, uusi sana runoudessa, löysi lopulta ainoan todellisen muodon tarinalle emotionaalisista kokemuksista, jotka liittyvät köyhyyteen, epäjärjestykseen, elämään ...

Eikä kukaan auttanut 1840-luvun runoilijoita ratkaisemaan heidän kohtaamiaan taiteellisia, merkityksellisiä ongelmia.

• Miksi Kurotshkin venäläisti ranskalaisen runoilijan Berangerin runojen käännökset? Lue lainaus runosta "Herra Iskariot" uudelleen. Löydä siitä esimerkkejä ilmaisuista, jotka liittyvät niin venäjän puheen arkeen, että ne repivät Berangerin tekstin irti ranskalaisesta perinteestä.

Sanat Aleksei Pleshcheev

Jopa 1840-luvulla jotkut venäläiset runoilijat yrittivät kuitenkin puhua samoista vakavista sosiaalisista ongelmista, joita sosiaalinen proosa kosketti tutulla Pushkin-Lermontov-kielellä. Useimmiten tämä ei ollut kovin onnistunut. Jopa lahjakkaimmat heistä.

Joten Aleksei Nikolajevitš Pleštšeev (1825-1893) kirjoitti usein kansalaisyhteiskunnan poliittisia runoja tällä vuosikymmenellä; tässä on yksi tunnetuimmista ja suosituimmista:

Eteenpäin! ilman pelkoa ja epäilystä
Upeaa saavutusta, ystävät!
Pyhän lunastuksen aamunkoitto
Olen jo nähnyt taivaassa!

... Älkäämme luoko itsellemme idolia
Ei maan päällä eikä taivaassa;
Kaikille maailman lahjoille ja siunauksille
Emme putoa tomuun hänen edessään! ..

... Kuunnelkaa hyvin, veljet, veljen sanaa,
Kun olemme täynnä nuoruuden voimaa:
Eteenpäin, eteenpäin ja ei paluuta
Ei väliä mitä kohtalo lupaa meille kaukaisuudessa!
("Eteenpäin! ilman pelkoa ja epäilystä...", 1846)

Pleshcheev ei lukenut kapinallisia ajatuksiaan kirjoista ollenkaan. Hän osallistui vakavasti "Petrasheviten" vallankumoukselliseen piiriin (heistä keskustellaan lisää Fjodor Mihailovich Dostojevskille omistetun oppikirjan luvussa). Vuonna 1849 runoilija pidätettiin ja yhdessä muiden aktiivisten "petraševilaisten" kanssa tuomittiin kuolemaan "ampumalla". Kauhean odotuksen jälkeen torilla, jossa teloitus oli määrä tapahtua, hänelle kerrottiin, että tuomio oli muutettu ja että teloitus oli korvattu asepalveluksella. Kauheasta shokista selvinnyt Pleshcheev karkotettiin Uralille, ja vasta vuonna 1859 hänen annettiin palata Keski-Venäjälle. (Ensin Moskovaan, sitten Pietariin.)

Joten runossa ilmaistut ajatukset, Pleshcheev kärsi, kesti ja maksoi omalla elämällään. Mutta todellinen elämäkerta on yksi asia, ja luovuus on hieman erilaista. 1840-luvun kansalaisrunoissaan Pleshcheev käytti edelleen tuttua, toistuvasta käytöstä poistettua nelijalkaista jambikkoa ja yleisiä runollisia kuvia.

Palaa lainaukseen runosta "Eteenpäin! ilman pelkoa ja epäilystä...”, lue se uudelleen.

Runoilija yhdistää Raamatusta tulleet ajatukset ("Älkäämme tehkö itsellemme epäjumalia... Rakkauden opetuksia julistamalla...") muodikkaisiin käsityksiin tieteen edistymisestä ja voitosta ("... Ja anna alle tieteen lippu // Unionimme vahvistuu ja kasvaa ..."). Hän ei kuitenkaan löydä muita roolimalleja, paitsi Pushkinin oodin "Vapaus", joka on kirjoitettu lähes kolmekymmentä vuotta aiemmin. Ehkä dekabristien poliittiset sanoitukset - mutta loppujen lopuksi on aivan eri aika pihalla, elämä itsessään puhuu eri kieltä!

Pleshcheev kirjaimellisesti pakottaa itsensä riimeilemään vallankumouksellisia iskulauseita, taiteellinen materiaali vastustaa tätä - ja loppusäkeessä Pleshcheev "ajaa" ajatuksen kurittomaan muotoon, lamauttaa säkeen äänen. Kiinnitä huomiota siihen, mikä joukko ääniä kahdella viimeisellä rivillä! "Eteenpäin, eteenpäin ja ilman paluuta, // Mitä tahansa kivi kaukaisuudessa meille lupaa!" "VPRJ ... VPRJ ... BZVZVRT ... CHTBRKVD ..." Jatkuva sarja äänitörmäyksiä, täysin perusteeton suunnitelman kannalta.

Ja pointti ei tässä ole Aleksei Pleshcheevin yksilöllinen lahjakkuus. Hän oli vain erittäin lahjakas runoilija, ja monet hänen runoistaan ​​sisällytettiin venäläisten klassikoiden kultarahastoon. Mutta sellainen - ristiriitainen, epätasainen - oli 1840-luvun kirjallinen tilanne kokonaisuudessaan. Tilanne muuttuu, kuten olemme jo sanoneet, vasta 1850- ja 1860-luvuilla, sen jälkeen, kun Nekrasov on kirjallisen prosessin keskipisteessä. Ja sitten Pleshcheev siirtyy vähitellen pois tarkoituksellisesta "progressiivisuudesta" (vaikka toisinaan hän muistaa suosikkipoliittisia motiivejaan), palaa perinteisiin runollisiin teemoihin: maaseutuelämään, luontoon.

Juuri nämä vaatimattomat ja erittäin yksinkertaiset Pleshcheev-linjat sisällytetään koulujen oppikirjoihin ja antologioihin, ja ne ovat tuttuja jokaiselle venäläiselle. Riittää, kun lausutaan ensimmäinen rivi - ja loput tulevat itsestään mieleen: "Ruoho on vihreä, // Aurinko paistaa, // Pääskynen keväällä // Lentää meille katoksessa" ("Maa Song", 1858, käännetty puolasta). Tai: "Tylsä kuva! // Pilviä loputtomasti, // Sade sataa jatkuvasti, // Lätäköitä kuistilla..." (1860).

Sellainen oli niiden venäläisten runoilijoiden kirjallinen kohtalo, jotka sitten yrittivät pukea proosan keräämän sosiaalisen kokemuksen säkeen hienovaraiseen aineeseen. Ja muiden sanoittajien säkeet, jotka pysyivät uskollisina Pushkinin harmonialle, "viimeistelyn" eleganssille, saivat joskus jonkinlaisen museo-, muistomerkin.

• Miksi lahjakas runoilija Aleksei Pleshcheev onnistui harvoin luomaan "kansalaisrunoja" 1840-luvulla?

Vuonna 1842 julkaistiin nuoren runoilijan, maalaustaiteen akateemikon Apollon Nikolaevich Maikovin (1821-1897) pojan ensimmäinen runokokoelma. Alusta alkaen hän julisti olevansa "perinteinen", klassinen runoilija; sanoituksista, kaukana arjesta, ohikiitävän elämän hetkellisistä yksityiskohdista. Maykovin suosikkityylilaji on antologiset sanoitukset. (Muista vielä: muinaisessa Kreikassa parhaiden, esimerkillisten runojen kokoelmia kutsuttiin antologiaksi; tunnetuimman antiikin antologioista on kokoonnut runoilija Meleager 1. vuosisadalla eKr.) Eli Maikov loi runoja, jotka tyylitelivät muovia. muinaisen suhteellisuuden, plastisuuden, harmonian maailma:

Jakeiden jumalallisten mysteerien harmoniat
Älä ajattele selvittääksesi viisaiden kirjoista:
Unisten vesien rannalla, yksin vaeltaen, sattumalta,
Kuuntele sielullasi kaislikoiden kuiskausta,
puhun tammia; niiden soundi on poikkeuksellinen
Tunne ja ymmärrä... Sopusoinnussa runouden kanssa
Tahattomasti huuliltasi ulottuvuusoktaavia
Ne kaatuvat, soinnaisesti, kuin tammimetsien musiikki.
("Oktaavit", 1841)

Tämän runon on kirjoittanut nuori kirjailija, mutta se tuntuu heti: hän on jo todellinen mestari. Laajentunut rytmi on selkeästi kestävä, säkeen soundi on alisteinen musiikin rakenteelle. Jos yhdessä säkeessä voimme helposti erottaa ruokojen kahinan onomatopoeian ("Kuuntele sielullasi kaislan kuiskausta"), niin seuraavassa kuulemme metsän kohinan ("Tammet puhuvat"). Ja finaalissa pehmeät ja kovat äänet sopeutuvat keskenään, yhdistyvät tasaiseksi harmoniaksi: "KOKOISET OCTAVS // Ne kaatuvat, sointuvat, kuin tammien musiikki"...

Ja kuitenkin, jos muistamme Pushkinin antologiset runot - ja verrataan juuri lukemiamme rivejä niihin, niin Miken sanoitusten tietty amorfisuus, letargia paljastuu välittömästi. Näin Pushkin kuvaili Tsarskoje Selon patsasta vuonna 1830:

Pudotettuaan uurnan vedellä, neito mursi sen kalliolle.
Neito istuu surullisena, joutilaina pitelemässä sirpaleita.
Ihme! vesi ei kuivu, vuotaa rikkinäisestä uurnasta;
Neitsyt, ikuisen virran yläpuolella, istuu ikuisesti surullisena.

Tässä kuva pysäyttämättömästä - ja samalla pysähtyneestä! -liikkeet. Tässä ääniasteikko sopii ihanteellisesti: ääni "u" surina surkeasti ("Urna vedellä ... noin kalliosta ... IME ... uurnasta ... suihkulla ..."), räjähdysaine ääni "Ch" liittyy laajennettuun "N" ja hän itse alkaa kuulostaa viskoosimmalta: "surullinen... ikuinen... ikuisesti." Ja ensimmäisellä rivillä kova konsonanttien törmäys välittää iskun tunteen: "Ob UTeS her Neitsyt löi hänet."

Mutta tämä ei riitä Pushkinille. Hän välittää lukijalle syvän piilotetun surun tunteen; ikuisuus ja suru, muotojen veistoksellinen täydellisyys ja elämän synkkä olemus liittyvät häneen erottamattomasti. Tämän vuoksi hän näyttää saavan säkeen huojumaan, toista: "... neito murtui ... neito istuu ... neito ... istuu surullisena." Toistot luovat pyöreän, toivottoman liikkeen vaikutelman.

Ja Pushkin tarvitsee vain yhden odottamattoman sanan veistoksellisen sileän ilmaisun joukossa satuttaakseen lukijaa, raaputtaakseen häntä, pistääkseen häntä hieman. Tämä sana on "tyhjäkäynti". Tapaamme ilmaisun "tyhjä sirpale" - ja kuvittelemme heti "neitsyen" hämmennyksen, surun: vain kun uurna oli ehjä, siihen oli mahdollista kaataa viiniä, vettä - ja sekunnissa se muuttui "joutokäynniksi". ", tarpeetonta, ja tämä on jo ikuisesti ja ikuisesti...

Ja Maikovilla, hänen varhaisen runonsa täydellisyydellä, kaikki on niin tasaista, ettei silmällä ole mitään kiinnitettävää. Jakeen salaisuudet ovat "jumallaisia" (ja mitä muuta ne voisivat olla?), vedet ovat "unelias", tammimetsien ääni on "epätavallinen" ... Ja vasta vuosia myöhemmin Miken sanoituksiin ilmestyy uusia kuvia , kiinnittää lukijan huomion tuoreudella, odottamattomuudella:

Kevät! ensimmäinen kehys paljastetaan -
Ja melu tunkeutui huoneeseen,
Ja läheisen temppelin siunaus,
Ja ihmisten puhe ja pyörän melu...
("Kevät! Ensimmäinen kehys on esillä...", 1854).

Myöhäisen Maykovin maisemarunot, joissa ei ole sosiaalisia sävyjä, heittävät eräänlaisen haasteen aikakauden yleiselle sävylle, hallitseville runollisille mauille:

Puutarhani kuihtuu joka päivä;
Se on rypistynyt, rikki ja tyhjä,
Vaikka se kukkii rehevästi
Nasturtium siinä on tulinen pensas ...

Olen surullinen! Ärsyttää minua
Ja syysaurinko paistaa
Ja lehti, joka putoaa koivusta
Ja myöhäiset heinäsirkat halkeilevat...
("Pääskyset", 1856)

Runon yleinen sävy on mykistetty, väreissä ei ole "huutavia", teräviä sävyjä; mutta runon syvyyksissä kypsyvät hyvin rohkeita kuvia. Syksyisen luonnon upean kuihtumisen metafora juontaa juurensa Pushkinin "Syksyyn", mutta kuinka odottamaton on kuva liekeistä tulipunaisen nasturtium-pensaan, kuinka ristiriitaisia ​​ovat lyyrisen sankarin tunteet, joka ei ole lainkaan iloinen tästä loistosta, mutta ärsyttää syksyn arjen "pienet asiat" ...

• Tehtävä monimutkaisempi. Lue Yakov Polonskyn runoja, toinen venäläinen sanoittaja, joka aloitti uransa kirjallisuudessa 1840-luvulla, mutta paljasti kykynsä vasta seuraavan vuosikymmenen aikana. Valmistele raportti hänen taiteellisesta maailmastaan ​​käyttämällä opettajan neuvoja ja lisäkirjallisuutta.

Kozma Prutkov

Kun "alkuperäinen" runous on kriisitilassa, etsii kipeästi uusia ideoita ja uusia itseilmaisumuotoja, parodian genre yleensä kukoistaa. Eli koominen kopio tietyn kirjailijan, runoilijan tavan erityispiirteistä.

1840-luvun lopulla Aleksei Konstantinovitš Tolstoi (1817-1875) ja hänen serkkunsa Aleksei Mihailovitš (1821-1908) ja Vladimir Mikhailovich (1830-1884) Zhemchuzhnikovs keksivät... runoilijan. (Joskus kolmas veli, Aleksanteri Mihailovitš, liittyi yhteiseen parodiatyöhön.) He alkoivat kirjoittaa runoutta ei-olemattoman grafomaani Kozma Prutkovin puolesta, ja näissä runoissa he parodioivat byrokratiaa sen kaikissa ilmenemismuodoissa. Olipa se sitten liian hienostunutta, asetetun pikkusormen kanssa, antologista runoutta tai liian vaatimatonta kansalaislyriikkaa.

Koska Prutkov keksi "valtion" elämäkerran, teki hänestä virkamiehen, määrityskammion johtajan. Neljäs Zhemchuzhnikov-veljekset, Lev Mihailovitš, maalasi muotokuvan Prutkovista yhdistäen siinä byrokraatin martinet-piirteet ja romanttisen runoilijan naamion. Tällainen on Kozma Prutkovin kirjallinen puku, valeromanttinen ja byrokraattinen samaan aikaan:

Kun tapaat jonkun joukosta
Kuka on alasti;
[Vaihtoehto: Millä takin päällä. - Merkintä. K. Prutkova]
jonka otsa on tummempi kuin sumuinen Kazbek,
Epätasainen askel;
joiden hiukset nousevat sekaisin;
Kuka, huutaa,
Aina vapisten hermostuneessa kohtauksessa, -
Tiedä: se olen minä!
("Minun muotokuvani")

Kozma Prutkovin varjossa yhteensopimaton yhdistettiin - myöhään romanttinen kuva "outosta", villi runoilija, "joka on alasti" ja virkailija, "jonka frakki on päällä". Samoin hän ei välitä siitä, mitä ja millä tavalla kirjoittaa runoutta - toistaako Vladimir Benediktovin bravuurisia intonaatioita vai säveltääkö antiikkihenkeen, kuten Maikov tai muut 1840-luvun "antologiset" runoilijat:

Rakastan sinua neiti kultaisena
Ja auringonpaisteessa pidät sitruunaa,
Ja nuoret miehet näkevät pörröisen leuan
Akantuksen lehtien ja valkoisten pylväiden välissä...
("muinainen muovikreikka")

Prutkov tarttuu lennossa lukuisten Heinen, "sosiaalisen" runouden tekijöiden jäljittelijöiden tyyliin:

Meren rannalla, aivan etuvartiossa,
Näin suuren puutarhan.
Siellä kasvaa korkea parsa;
Kaali kasvaa siellä vaatimattomasti.

Siellä on aina puutarhuri aamulla
Kulkee laiskasti harjanteiden välillä;
Hän käyttää epäsiistiä esiliinaa;
Synkkä hänen pilvinen ilmeensä.
............................................
Toissapäivänä hän ajaa hänen luokseen
Troikan virkamies on reipas.
Hän on lämpimissä, korkeissa kalosseissa,
Kaulassa on kultainen lorgnette.

"Missä tyttäresi on?" - kysyy
Virkamies silmäilee lorgnettea,
Mutta villisti katsoen, puutarhuri
Hän heilutti kättään vastauksena.

Ja kolmikko hyppäsi takaisin,
Kasteen pyyhkiminen kaalista...
Puutarhuri seisoo synkästi
Ja kaivaa nenään sormellaan.
("meren rannalla")

Mutta jos Kozma Prutkovin "luovuus" olisi vain parodiaa eikä mitään muuta, se olisi kuollut aikakautensa mukana. Mutta se jäi lukijan arkeen, Prutkovin teoksia on painettu uudelleen puolentoista vuosisadan ajan. Joten he ovat ylittäneet genren rajat! Ei ihme, että tämän kollektiivisen kuvan luojat laittoivat hahmonsa suuhun moitteen St. Petersburg News -lehden feuilletonistille: "Feuilletonisti, kävin artikkelisi läpi... Mainitset minut siinä, minä en ylistä. ...

Tarkoitatko, että kirjoitan parodioita? Ei suinkaan!.. En kirjoita parodioita ollenkaan! En ole koskaan kirjoittanut parodioita! Mistä sait idean kirjoittaa parodioita?! Analysoin vain mielessäni useimpia menestyneitä runoilijoita; tämä analyysi johti minut synteesiin; sillä lahjat, jotka olivat hajallaan muiden runoilijoiden joukossa erikseen, osoittautuivat minussa yhdistyneiksi yhdeksi! .. "

Prutkovin "luovuudessa" 1840- ja 1850-luvun venäläisen runouden muodikkaat motiivit todellakin tiivistyvät, sulavat, hauska ja omalla tavallaan kiinteä kuva byrokraattisesta romantiikasta, inspiroituneesta grafomaaniasta, mahtipontisesta banaalisuuden saarnaajasta, kirjailijasta. "Yksimielisyyden käyttöönotosta Venäjällä" luotiin. Mutta samaan aikaan Prutkov puhuu toisinaan kuin sattumalta totuuden kanssa; Jotkut hänen aforismeistaan ​​ovat tulleet jokapäiväiseen puheeseemme menettäen pilkkaavan merkityksensä: "Jos haluat olla onnellinen, ole onnellinen", "Spesialisti on kuin virtaus: hänen täyteyteensä on yksipuolista." Prutkovin kirjallisessa persoonallisuudessa on jotain hyvin elävää. Ja siksi eivät "Prutkovin" parodiat yksittäisistä (useimmiten - oikeutetusti unohdetuista) runoilijoista, vaan juuri hänen kuvansa tuli ikuisesti venäläisen kirjallisuuden historiaan.

• Mikä on parodia? Voidaanko ajatella, että Kozma Prutkovin puolesta kirjoitetut runot ovat vain parodioita? Miksi parodinen luovuus kukoistaa niinä hetkinä, kun kirjallisuus on kriisissä?

Tietysti 1850- ja 1860-luvuilla, runoudelle suotuisammin, kirjalliset kohtalot kehittyivät toisin; monet venäläiset runoilijat, joiden maineesta olemme ylpeitä tähän päivään asti, eivät ole löytäneet lukijan tunnustusta. Joten kaksi erinomaisen kirjallisuus- ja teatterikriitikon Apollon Aleksandrovich Grigorjevin (1822-1864) runoa - "Oi, puhu minulle ainakin ..." ja "Mustalainen unkari" - herättivät yleistä huomiota vain siksi, että he hankkivat toisen - musikaalin - elämästä tuli suosittuja romansseja. Molemmat ovat omistettu kitaralle, mustalaisten intohimolle, kohtalokkaalle murtumiselle, rakkaus pakkomielle:

Puhu ainakin minulle
Seitsenkielinen ystävä!
Sydämeni on täynnä sellaista surua
Ja yö on niin kuutamoinen!
("Oh, puhu...", 1857)

Kaksi kitaraa soi
Surullisesti vinkattu...
Lapsuudesta, ikimuistoinen sävelmä,
Vanha ystäväni, oletko sinä?
.........................................
Se olet sinä, reipas riemu,
Sinä, surun paha sulatus
Bayadèren herkkyydellä -
Sinä, unkarilaisen motiivi!

Chibiryak, chibiryak, chibiryashechka,
Sinisin silmin sinä, kultaseni!
.........
Anna sen sattua enemmän ja enemmän
ulvovia ääniä,
Jotta sydän olisi nopeampi
Kivusta räjähtää!
("Mustalainen unkari", 1857)

Apollon Grigoriev tiesi omakohtaisesti, mitä "reipas seikkailu" tarkoitti; hän varttui patriarkaalisessa Zamoskvorechyessa, aatelisten perheessä, joka tuli maaorjaluokasta (Grigorievin isoisä oli talonpoika), ja venäjäksi hän kohteli rajoituksetta kaikkea - sekä työtä että huvia. Hän hylkäsi kannattavan uran, oli koko ajan hädässä, joi paljon, istui kahdesti velkakuopissa - ja itse asiassa kuoli velkavankilassa ...

Eurooppalaisena koulutettuna Grigorjev puolusti kansallisen identiteetin ajatuksia kriittisissä artikkeleissa. Hän kutsui kritiikkinsä periaatteita orgaanisiksi eli taiteen kanssa luonnollisiksi, toisin kuin Belinskyn "historiallinen" tai Dobrolyubovin "oikea" kritiikki. Aikalaiset lukivat Grigorjevin artikkeleita ja keskustelivat niistä aktiivisesti; runoilijan elämän aikana hänen upeat runonsa julkaistiin kuitenkin erillisenä painoksena vain kerran - ja pienessä painoksessa vain viisikymmentä kappaletta ...

• Lue Apollon Grigorjevin "Mustalaisunkarilainen". Paljasta romanssin piirteet runon rakentamisessa, näytä kuinka "musiikillinen" alku sisältyy sen rakenteeseen.

Aleksei Tolstoi

Sen sijaan Aleksei Konstantinovich Tolstoin (1817-1875), yhden Kozma Prutkovin tärkeimmistä "luojista", kirjallinen elämäkerta kehittyi paljon menestyksekkäämmin. (Olet jo ala-asteella lukenut hänen ihanan runonsa "Minun kelloni, aron kukat...", josta, kuten monista Tolstoin runoista, on tullut suosittu romanssi.)

Vanhasta perheestä kotoisin oleva, lapsuutensa viettäen äitinsä Pikkuvenäläisessä kartanossa Tšernihivin alueella, kymmenen vuotta vanha Aleksei Konstantinovitš tutustui suureen Goetheen. Ja tämä ei ollut nuoren Aleksein ensimmäinen "kirjallinen tuttavuus". Hänen setänsä Aleksei Perovski (salanimi - Anthony Pogorelsky) oli upea romanttinen kirjailija, satu "Musta kana", jonka monet teistä ovat lukeneet, kirjoittaja. Hän keräsi Pietarin taloonsa venäläisen kirjallisuuden koko värin - Puškinin, Žukovskin, Krylovin, Gogolin; veljenpoika pääsi tähän "kuolemattomien" kokoukseen - ja loppuelämänsä hän muisti heidän keskustelunsa, huomautuksensa, huomautuksensa.

Ei ole yllättävää, että hän oli jo kuusivuotiaana alkanut säveltää; Zhukovsky itse hyväksyi ensimmäiset runonsa. Ja myöhemmin Tolstoi kirjoitti myös proosaa; hänen historiallisessa romaanissaan Hopeaprinssi (valmistui 1861) jalot ihmiset esiintyvät ja aidot intohimot hallitsevat; Lisäksi Aleksei Konstantinovitš ei ollut vähääkään hämmentynyt siitä, että monet pitivät Walter Scottin romanttisia periaatteita, joita hän poikkeuksetta noudatti, vanhentuneiksi. Totuus ei voi vanhentua, ja hänen arvokkuutensa alapuolella oli varautua kirjallisuuteen.

Vuonna 1834 Aleksei Konstantinovitš astui suvereenin palvelukseen ulkoministeriön Moskovan arkistossa, opiskeli muinaisia ​​venäläisiä käsikirjoituksia; sitten hän palveli Venäjän lähetystössä Frankfurt am Mainissa; lopulta hänet kirjattiin Hänen Majesteettinsa omaan toimistoon - ja hänestä tuli todellinen hoviherra. Oikeudessa hän tapasi tulevan vaimonsa Sofia Andreevna Millerin (s. Bakhmetjeva), he tapasivat ballissa talvella 1850/51.

Tolstoin byrokraattinen ura kehittyi menestyksekkäästi; hän tiesi kuinka säilyttää sisäinen riippumattomuus, noudattaa omia periaatteitaan. Tolstoi auttoi vapauttamaan Taras Shevchenkon, suuren ukrainalaisen runoilijan, loistavan runon "Leveä Dnepri karjuu ja voihkii" kirjoittajan maanpaosta Keski-Aasiasta ja asepalveluksesta; teki kaiken, jotta Ivan Sergeevich Turgenev vapautettiin maanpaosta Spasskoe-Lutovinovosta muistokirjoituksesta Gogolin muistoksi; Kun Aleksanteri II kerran kysyi Aleksei Konstantinovitšilta: "Mitä venäläisessä kirjallisuudessa tehdään?", hän vastasi: "Venäläinen kirjallisuus on alkanut surra Tšernyševskin epäoikeudenmukaista tuomitsemista."

Siitä huolimatta, 1850-luvun puolivälissä onnistuttuaan osallistumaan Krimin sotaan, joka oli Venäjälle erittäin epäonnistunut, Tolstoi päätti jäädä eläkkeelle vapautuakseen häntä pitkään painaneesta palveluksesta. Mutta vasta vuonna 1861 Aleksanteri II myönsi eronsa - ja Aleksei Konstantinovitš pystyi keskittymään täysin kirjalliseen työhön.

Tähän mennessä hänen taiteellinen maailmansa oli jo täysin kehittynyt. Kuten Tolstoi itse erottui sisäisestä eheydestä, harvinaisesta mielenterveydestä, niin hänen lyyriselle sankarilleen on vieraita ratkaisemattomat epäilykset, melankolia; venäläinen avoimuuden ihanne, tunteen puhtaus on hänelle erittäin lähellä:

Jos rakastat, niin ilman syytä,
Jos uhkailet, se ei ole vitsi,
Jos moittelet niin hätäisesti,
Jos leikkaat, se on niin huolimatonta!

Jos väität, se on niin rohkeaa
Kohl rankaisemaan, joten asian puolesta,
Jos annat anteeksi, niin koko sydämestäsi,
Jos on juhla, niin juhla on vuori!

Tässä vuonna 1850 tai 1851 kirjoitetussa kahdeksanrivisessä kirjassa ei ole yhtä epiteettiä: lyyrinen sankari ei tarvitse sävyjä, hän pyrkii varmuuteen, pääsävyjen kirkkauteen. Samasta syystä Tolstoi välttää runon rakenteen vaihtelua; yksimielisyyden periaatetta (anafora) käytetään johdonmukaisesti, se kulkee riviltä riville: "Kol ... niin." Ikään kuin runoilija naputtaisi tarmokkaasti kättään pöytään lyöen selkeää rytmiä...

Tolstoi ei koskaan liittynyt yhteenkään sotiviin leiriin - länsimaalaisiin ja slavofiileihin; hän oli maailmankulttuurin mies - ja samalla syvästi venäläisen perinteen kantaja. Hänen poliittinen ihanteensa oli Novgorodin tasavalta demokraattisella rakenteella; hän uskoi, että kotimainen auktoriteetti noudatti aikoinaan moraalisia periaatteita, mutta nykymaailmassa he ovat menettäneet ne, vaihtaneet ne poliittisiin etuihin ja alistaneet eri ryhmät pikkutaisteluksi. Tämä tarkoittaa, että runoilija ei voi liittyä mihinkään ideologiseen "alustaan". Samoin on hänen lyyrinen sankarinsa - "Kaksi leiriä eivät ole taistelija, vaan vain satunnainen vieras"; hän on vapaa kaikista "puoluevelvollisuuksista".

Ei ole turhaa, että monet Tolstoin runoista - kuten ne Grigorjevin runot, joista puhuimme - sävellettiin musiikkiin, niistä tuli "oikeita" romansseja ja niitä lauletaan edelleen:

Keskellä meluisaa palloa, sattumalta,
Maailman myllerryksissä,
Näin sinut, mutta mysteeri
Sinun verhotut ominaisuudet;

Vain surulliset silmät katsoivat
Ja ääni kuulosti niin ihanalta,
Kuin kaukaisen huilun ääni,
Kuin meren aallot.
...............................................
Ja valitettavasti nukahdan niin
Ja tuntemattoman unissa nukun ...
Rakastanko sinua - en tiedä
Mutta luulen rakastavani sitä!
("Keskellä meluisaa palloa, sattumalta...", 1851)

Säilyttäen perinteiset romanttiset aiheet Tolstoi "suorasti" niitä huomaamattomasti, yksinkertaisti tarkoituksella. Mutta ei siksi, että hän pelkäsi lähestyä kuilua, kohdata ratkaisemattomia ongelmia, vaan siksi, että hänen tervettä luontoaan inhosi kaikki epäselvyydet, epävarmuus. Samasta syystä hänen sanoituksistaan ​​puuttuu romanttista ironiaa, sisäistä tragediaa, tuskaa; sen paikan ottaa huumori - iloisen ihmisen vapaa nauru elämän epätäydellisyydestä, unen toteuttamattomuudesta.

Tolstoin tunnetuimmalla humoristisella runolla - "Venäjän valtion historia Gostomyslista Timasheviin" on genrenimitys: "satiiri". Mutta luetaanpa nämä jakeet, jotka pilkaavat Venäjän historian päätapahtumat:

Kuunnelkaa kaverit
Mitä isoisäsi kertoo sinulle?
Maamme on rikas
Siinä ei vain ole järjestystä.
.......................................
Ja he kaikki joutuivat lipun alle
Ja he sanovat: "Kuinka voimme olla?
Lähetetään varangilaisille:
Anna heidän tulla hallitsemaan."

Mikä näissä hauskoissa riveissä on tärkeintä? Satiirinen, vihainen, kaustinen tuomitseminen perinteisistä venäläisistä puutteista vai syvä venäläisen ihmisen irvistys itselleen, rakkaalle historialleen, kotimaisten paheiden muuttumattomuudelle? Tietysti toinen; Ei ihme, että kirjailija pukee ylleen vanhan jokerin naamion ja vertaa lukijoita pieniin tyyppeihin! Itse asiassa Aleksei Tolstoi ei luo murhaava satiiri, vaan surullinen ja hauska parodia. Hän parodioi kroniikan muotoa, kronikkakirjoittajan kuvaa ("Koottu ruohonkorvista // Tämä älytön tarina // Ohut nöyrä munkki // Jumalan palvelija Aleksei"). Mutta hänen parodiansa pääaihe on erilainen, ja mikä - sanomme myöhemmin.

Runossa on 83 säkeistöä, ja näin lyhyeen volyymiin Tolstoi onnistuu sovittamaan parodiatarinan kaikista Venäjän historian tärkeimmistä, symbolisista tapahtumista Varangilaisten kutsumisesta ja Venäjän kasteesta vuoteen 1868, jolloin runot olivat kirjoitettu:

Milloin Vladimir tuli sisään
Isäsi valtaistuimelle
......................................
Hän lähetti hakemaan pappeja
Ateenaan ja Tsargradiin,
Papit saapuivat joukoittain
Kastettu ja sensuroitu

Laula hellästi itselleen
Ja täytä heidän pussinsa;
Maapallo sellaisenaan on runsas,
Järjestystä ei vain ole.

Tietysti tätä seuraa sarja ruhtinaallisia kiistoja - "Tataarit saivat tietää. // No, he ajattelevat, älä pelkää! // Laita kukkivat päälle, // Saavuimme Venäjälle ... // He huutavat : "Osoitamme kunniaa!" // (Vaikka tuokaa pyhät ulos.) // Täällä on paljon roskaa // Se on tullut Venäjälle". Mutta järjestystä ei silti ole. Eivät länsimaiset tulokkaat, Bysantin "papit" eivätkä tatari-mongolit - kukaan ei tuonut sitä mukanaan, kukaan ei selvinnyt muuttumattomasta venäläisestä epäjärjestyksestä. Ja tässä, kansallisen historian syvyyksistä, tulee oma "järjestäjänsä":

Ivan Vasilievich kauhea
Hänellä oli nimi
Koska olen tosissaan
Kiinteä ihminen.

Vastaanotot eivät ole makeita,
Mutta mieli ei ole rampa;
Sellainen toi järjestyksen
Mikä pallo pyörii!

Siten parodian kautta syntyy Tolstoin oma - ja erittäin vakava - näkemys kansallisen historian olemuksesta. Hänen virheensä ovat hänen hyveensä jatkuminen; tämä "häiriö" tuhoaa sen - ja valitettavasti se antaa Venäjän säilyttää omaperäisyytensä. Siinä ei ole mitään hyvää, mutta mitä voidaan tehdä... Vain kaksi hallitsijaa onnistui saamaan "järjestyksen" hänelle: Ivan Julma ja Pietari I. Mutta millä hinnalla!

Tsaari Pietari rakasti järjestystä,
Melkein kuin tsaari Ivan
Eikä sekään ollut makeaa.
Joskus hän oli humalassa.

Hän sanoi: "Olen pahoillani puolestasi,
Sinä tuhoudut kokonaan;
Mutta minulla on keppi
Ja minä olen isäsi!"

Tolstoi ei tuomitse Pietaria ("... En syytä Pietaria: // Anna sairaalle vatsalle // Hyvä raparperille"), mutta ei hyväksy hänen liiallista jäykkyyttään. Yhä syvällisempää sisältöä upotetaan parodian kevyeen kuoreen, suru tulee esiin huumorin kautta. Kyllä, Venäjä on sairas, mutta hoito voi osoittautua vielä pahemmaksi, ja "parantumisen" tulos on edelleen lyhytikäinen: "... Vaikka hän on erittäin vahva // Siellä oli ehkä vastaanotto, // Mutta silti melko vahva // Järjestyksestä on tullut // Mutta uni valtasi haudan // Pietari iän parhaassa iässä, // Katso, maata on runsaasti, // Ei ole enää järjestystä.

Satiirin genre väistyi parodian genrelle, ja parodia muuttui huomaamattomasti filosofiseksi runoksi, vaikkakin leikkisällä tavalla. Mutta jos parodia pärjää ilman positiivista sisältöä, ilman ihannetta, niin filosofinen runo ei koskaan. Joten jossain on piilotettava Tolstoin oma vastaus kysymykseen: mikä voi vielä parantaa Venäjän historiaa vuosisatoja vanhasta taudista? Ei varangilaiset, ei Bysantti, ei "keppi" - entä sitten? Ehkä piilotettu vastaus ilmeiseen kysymykseen sisältyy näihin säikeisiin:

Mikä on syynä tähän
Ja missä on pahan juuri,
Katariina itse
En saanut sitä.

"Madame, teidän kanssanne on mahtavaa
Järjestys kukoistaa
Kirjoitti hänelle kohteliaasti
Voltaire ja Diderot

Vain kansa tarvitsee
jolle olet äiti,
Anna mieluummin vapautta
Annetaan sinulle vapaus."

Mutta Catherine pelkää vapautta, jonka ansiosta ihmiset voivat parantaa itsensä: "... Ja heti kiinnitti // ukrainalaiset maahan."

Runo päättyy säkeistöihin Tolstoin aikalaisesta, sisäministeri Timashevista, "järjestyksen" ankarasta kannattajasta. Järjestys Venäjällä vakiintuu entiseen tapaan - kepillä; Ei ole vaikea arvata, mitä häntä odottaa.

• Mitä eroa on satiirin ja huumorin välillä? Miksi parodian genre oli niin lähellä Aleksei Konstantinovitš Tolstoita? Miksi luulet hänen valitsevan parodisen muodon filosofiselle runolle Venäjän historian kohtalosta?

1870- ja 1880-lukujen runoilijat

Tiedät jo, että koko 1800-luvun toinen puolisko, 1850-luvun puolivälistä 1880-luvun alkuun, kului Nekrasovin merkin alla, että aikakausi puhui Nekrasovin äänellä. Oppikirjan seuraavassa luvussa tutustut yksityiskohtaisesti Nekrasovin taiteelliseen maailmaan, opit analysoimaan hänen runojaan ja runojaan. Hieman kauempana hänen julkisessa varjossaan oli kaksi muuta suurta sanoittajaa, Fjodor Tyutšev ja Afanasy Fet. Niillä on myös erilliset luvut oppikirjassa. Sillä välin mennään suoraan 1850-luvulta 1870-1880-luvuille, katsotaan mitä tapahtui venäläiselle runoudelle Nekrasovin jälkeen.

Ja melkein sama asia tapahtui hänelle kuin Pushkinin jälkeen, Lermontovin jälkeen, minkä tahansa todella suuren kirjailijan lähdön jälkeen. Venäläinen runous oli jälleen hämmentynyt, ei tiennyt, mitä polkua seurata. Jotkut sanoittajat kehittivät sosiaalisia, kansalaisvaikutuksia. Esimerkiksi Semjon Yakovlevich Nadson (1862-1887). Aivan kuten Vladimir Benediktov vei romanttisten sanoitusten taiteelliset periaatteet äärimmäisyyksiin, niin Nadson tiivisti rajoihin Nekrasovin mallin kansalaislaulujen patoksen ja tyylin:

Ystäväni, veljeni, väsynyt, kärsivä veljeni,
Kuka tahansa oletkin, älä luovuta.
Vallitsekoon valhe ja pahuus
Maan yläpuolella kyyneleillä pesty
Olkoon pyhä ihanne rikottu ja häpäisty
Ja viaton veri virtaa,
Usko: aika tulee - ja Baal hukkuu,
Ja rakkaus palaa maan päälle! ..

Nadsonin runot nauttivat uskomattomasta suosiosta 1880-luvulla - melkein kuin Benediktovin runot 1830-luvulla. Pleshcheev piti hänestä huolta; Nadsonin runokokoelma, joka julkaistiin ensimmäisen kerran vuonna 1885, kävi läpi viisi elinikäistä painosta, ja tiedeakatemia myönsi hänelle Pushkin-palkinnon. Häntä kutsuttiin kärsimyksen, kansalaistuskan runoilijaksi. Ja kun Nadson kuoli vain kaksikymmentäviisi vuotta eläneenä kulutukseen, joukko opiskelijoita seurasi hänen arkkuaan hautausmaalle ...

Mutta kului useita vuosia - ja Nadsonin kunnia alkoi hiipua. Yhtäkkiä jotenkin itsestään selvisi, että hän oli liian moralisoiva, liian suoraviivainen, hänen kuvistaan ​​puuttuu volyymi ja syvyyttä, ja monet hänen runoistaan ​​ovat yksinkertaisesti matkivia.

Miksi tätä ei huomattu runoilijan elinaikana?

Näin tapahtuu joskus kirjallisuudessa: kirjailija näyttää putoavan aikakautensa kipupisteeseen, hän puhuu juuri siitä, mitä hänen aikalaisensa ajattelevat juuri nyt. Ja he vastaavat koko sydämestään hänen runolliseen, kirjalliseen sanaansa. Siellä on resonanssivaikutus, teoksen ääni paranee huomattavasti. Ja kysymys siitä, kuinka taiteellinen tämä sana on, kuinka omaperäinen se on, häipyy taustalle. Ja kun aikaa kuluu ja muita ongelmia ilmaantuu yhteiskunnan eteen, niin kaikki piilotetut taiteelliset puutteet, luovat "epätäydellisyydet" paljastuvat.

Osittain tämä koskee myös toista 1870-1880-luvun suosittua runoilijaa - Aleksei Nikolajevitš Apukhtinia (1840-1893). Toisin kuin Nadson, hän ei tullut byrokraattisesta ja raznochinnysta, vaan hyvin syntyneestä aatelisperheestä. Hänen lapsuutensa kului rauhallisesti vanhempainalueella; hän opiskeli Pietarin oikeustieteellisessä korkeakoulussa. Ja hän ei jatkanut Nekrasovin sosiaalista, kansalaisperinnettä, vaan venäläisen runouden kehityslinjaa, jonka Maykov hahmotteli aikanaan.

Apukhtin piti runoutta puhtaana taiteena, jolla ei ollut taipumusta, vapaata julkisesta palvelusta, ikään kuin tislattuna. Hän käyttäytyi sen mukaisesti - vältti uhmakkaasti osallistumista "ammattimaiseen" kirjalliseen prosessiin, saattoi kadota aikakauslehtien näkökentältä vuosikymmeneksi ja alkaa sitten painaa uudelleen. Lukijat ja erityisesti naislukijat arvostivat edelleen Apukhtinia; hänen lempeä, murtunut intonaatio, hänen runoutensa sisäinen suhde romanssin genren lakeihin - kaikki tämä resonoi lukijan sydämessä:

Hulluja öitä, unettomia öitä
Puhe epäjohdonmukainen, väsyneet silmät ...
Viimeisen tulen valaisemat yöt,
Syksyn kuolleet kukat myöhässä!
Vaikka aika onkin armoton käsi
Se osoitti minulle, mikä sinussa oli väärää,
Siitä huolimatta lennän luoksesi ahneella muistolla,
Menneisyydestä etsimässä mahdotonta...

Ja sitten, jonkin ajan kuluttua, ja Apukhtan sanoitukset alkoivat kuulostaa yhä vaimeammalta, vaimeammalta; hänen liiallinen sentimentaliteettinsa, todellisen syvyyden puute alkoi paljastua. Nadsonin ja Apukhtinin paikan ottivat uudet "muodikkaat" runoilijat, jotka kuuluvat seuraavaan kirjalliseen sukupolveen - Konstantin Fofanov, Mirra Lokhvitskaya. He miehittivät sen - luovuttaakseen sen sitten muille valmiin kirjallisen roolin "esiintyjille".

Sanat Konstantin Sluchevsky

Mutta 1880- ja 1890-luvuilla venäläisessä runoudessa oli todella suuria kykyjä, jotka eivät vain resonoineet aikakaudella, vaan ohittivat sen, työskentelivät tulevaisuuden hyväksi. Yksi heistä on hienostunut sanoittaja Konstantin Konstantinovich Sluchevsky (1837-1904).

Hän syntyi Pushkinin kuolinvuonna suuren virkamiehen perheeseen (hänen isänsä, senaattori, kuoli koleraepidemiaan vuonna 1848, ja hänen äidistään tuli Varsovan Aleksanteri-Mariinskin tyttöinstituutin johtaja). Sluchevsky opiskeli ensimmäisessä kadettijoukossa ja oli jopa lueteltu valmistuneiden kultaisessa kirjassa; sitten hän palveli loistavasti...

Hänen ympärillään olevat pitivät Sluchevskia aina kokonaisena ihmisenä; hänen aristokraattinen pidättymisensä, tiukka kasvatuksensa johdattivat ympärillään olevia harhaan. Koska hänen runoissaan paljastui täysin erilainen, murtunut-dramaattinen sisämaailma, joka liittyi romanttiseen elämäntunnelmaan kaksinaisuuden valtakuntana:

En koskaan mene yksin minnekään
Me kaksi asumme ihmisten välissä:
Ensimmäinen olen minä, mikä minusta on tullut ulkonäöltään,
Ja toinen - sitten olen unelmani...

Mutta toistaiseksi lähes kukaan Sluchevskyn lähipiiristä ei lukenut näitä runoja, ne julkaistiin kolmannen luokan julkaisuissa. Mutta vuonna 1860 Sovremennik avasi vuoden valikoimalla Sluchevskyn lyyrisiä runoja, ja sitten hänen runosarjansa ilmestyi Otechestvennye Zapiskissa. Innostunut kriitikko ja runoilija Apollon Grigoriev julisti uuden runoilijan neroksi, Ivan Turgenev (joka myöhemmin riiteli Sluchevskyn kanssa ja parodioi häntä romaanissa "Smoke" nimellä Voroshilov) myönsi: "Kyllä, isä, tämä on tulevaisuuden suuri. kirjailija."

Tunnustus oli innostava, mutta Sluchevskysta tuli noiden vuosien ankaran kirjallisen taistelun panttivanki. Hyväksyttynä yhteen "leiriin", hänet hylättiin heti toisessa. Sovremennikin toimittajien radikaalisti monipuolinen siipi päätti erottaa runoilijan lehdestä huolimatta sympatiasta, jota Nekrasov itse tunsi nuorta sanoittajaa kohtaan. Muiden vallankumouksellis-demokraattisten julkaisujen sivuilta tuli Sluchevskylle pilkanrae, hänet kuvattiin perääntyneeksi, ideattomaksi mieheksi.

Tulos ylitti odotukset: "vanhentuneissa" jalon kunnian ja arvokkuuden kategorioissa ajateltuna Sluchevsky katsoi, että upseerin ja aristokraatin ei pitäisi olla feuilletonien sankari. Ja - hän jäi eläkkeelle lähteäkseen Venäjältä. Hän vietti useita vuosia Pariisin yliopistossa - Sorbonnessa, Berliinissä, Leipzigin yliopistossa, opiskeli luonnontieteitä, matematiikkaa. Ja Heidelbergissä hänestä tuli filosofian tohtori.

Lopulta vuonna 1866 hän palasi Venäjälle ja aloitti uran uudelleen - jo siviilipolulla. Hän joutui kuninkaallisen perheen läheisten työtovereiden joukkoon, hänestä tuli kamariherra. Mutta hän ei koskaan toipunut shokista, jonka hän sai kirjallisen polun alussa. Ja siksi hän rakensi runollisen elämäkertansa painokkaasti ei-kirjallisena, amatöörimäisenä, ei mukana ammatillisessa ympäristössä. (Tässä hän oli lähellä Apukhtinia.)

Sluchevskyn 1860- ja 1870-luvuilla kirjoittamien ja julkaisemattomien runojen joukosta tuskin löydämme "ohjelmallisia", saarnaavia runoja. Niiden taiteellinen rakenne on korostetusti epätasainen ja tyyli on ilmeisen heterogeeninen. Sluchevsky oli yksi ensimmäisistä venäläisessä runoudessa, joka alkoi käyttää paitsi jokapäiväistä, jokapäiväistä puhetta, myös kirjallista työtä: "Säteilevien ilmiöiden kokonaisuuden mukaan ...", "Aamunkoitto on paahtanut oikein .. .". Hän kehitti erikoisen epätarkkojen konsonanssien, parittomien riimien runouden:

Näin hautaukseni.
Korkeat kynttilät palavat
Uneton diakoni suututti,
Ja käheät kuorolaiset lauloivat.
................................................
Surulliset sisarukset ja veljet
(Kuinka luonto on meille käsittämätön!)
Nyyhkytti iloisessa kokouksessa
Neljänneksellä tuloista.
................................................
Lakatit rukoilivat oven ulkopuolella,
Sanotaan hyvästit kadonneelle paikalle
Ja keittiössä ylensyönyt kokki
kohonneen taikinan kanssa näpertelyä...

Näissä varhaisissa runoissa Heinrich Heinen katkerasti sosiaalisten sanoitusten vaikutus näkyy selvästi; Kuten useimmat 1800-luvun toisen puoliskon venäläiset sanoittajat, Sluchevsky putosi tämän "viimeisen romantiikan" voimakkaaseen energiakenttään. Mutta tässä on jo havaittavissa jotain muuta: Sluchevskylla on oma poikkileikkaava ideansa, jonka ilmentyminen ei vaadi harmonista, täydellistä runomuotoa, vaan karkeaa, "viimeistelemätöntä" säettä, paritonta, jonkinlaista "kompastuvaa" riimiä.

Tämä on ajatus pirstoutumisesta, ihmiselämän traagisesta erimielisyydestä, jonka tilassa sielut, ajatukset, sydämet kaikuvat yhtä heikosti ja kuuroina kuin parittomat riimit jakeessa.

Ehkä tyypillisin - ja samalla ilmaisuvoimaisin - on Sluchevskyn runo "Salama putosi virtaan ...". Se vain puhuu kohtaamisen mahdottomuudesta, kärsimyksen väistämättömyydestä, rakkauden mahdottomuudesta: "Salama putosi puroon. // Vesi ei kuumentunut. // Ja että puro lävistettiin pohjaan, / / Hän ei kuule suihkujen kahinan läpi...<...>Ei ollut muuta tapaa: / Ja minä annan anteeksi, ja sinä annat anteeksi. "Ei ole turhaa, että hautausmaa-aihe esiintyy jatkuvasti Sluchevskin runoissa, synkkä kuin yön tuuli; ei ilman syytä ilmestyy toinen, piilotettu suunnitelma suunnitelma on mystinen.

Sluchevsky kirjoittaa jatkuvasti maailmaan tunkeutuneesta Mefistofelesestä, pahan demonista, jonka kaksinkertaistuva, epämääräinen kuva välähtää täällä koko ajan. Tällainen maailmankatsomus ei ollut silloin ominaista vain Sluchevskylle; sen lyyrinen sankari ei turhaan muistuttaa Dostojevskin "maanalaisia" sankareita. Slutševski oli vain yksi ensimmäisistä, joka sai kiinni ja vangitsi runoissaan sen asenteen, joka määritti paljon 1800-luvun lopun venäläisissä sanoituksissa - ja yleensäkin venäläisessä kulttuurissa. Tätä asennetta kutsutaan myöhemmin dekadenssiksi, ranskan sanasta, joka tarkoittaa rappeutumista, tuskallista tietoisuuden kriisiä. Runoilija haluaa parantua tästä pettymyksestä - eikä löydä parannusta mistään: ei sosiaalisesta elämästä eikä ikuisen elämän pohdinnoista.

• Tehtävä monimutkaisempi. Lue Sluchevskyn runo: "Olen väsynyt pelloilla, nukun vakaasti, // Kerran kylässä jyrkälle. // Avoimesta ikkunasta näen // Ja puutarhamme, ja pala brokaatia // / Ihana yö... Ilma on kirkas... // Kuinka tyyni ja hiljainen! Nukahdan rakastaen // Koko Jumalan maailma... Mutta silmukka huusi! // Vai olenko luopunut itsestäni? " Selitä, miksi runoilija rivissä pilkuilla erotettuna käyttää yleisiä ilmaisuja ("nukun tiukasti", "kylään roumaan") ja yleistä runollista, ylevää sanastoa ("... pala brokaatia / / Ihanaa yötä...")? Tiedätkö, mistä tämä kuva on peräisin Sluchevskyn runosta: "huusi silmukkaa! // Vai kieltäytyinkö itsestäni?"? Jos ei, yritä lukea kaikkien neljän evankeliumin viimeiset luvut, jotka kertovat apostoli Pietarin Kristuksen kieltämisestä. Muotoile nyt, kuinka ymmärrät runoilijan viimeisillä riveillä ilmaistun ajatuksen.

Vuosisadan lopun venäläinen runous ja 1860-1880-luvun ranskalaiset sanoittajat

Charles Baudelaire. Paul Verlaine. Arthur Rimbaud

Kuten olemme jo sanoneet, 1800-luvun ensimmäisen kolmanneksen venäläinen kirjallisuus opiskeli ahkerasti länsimaista kirjallisuutta. Hän sai nopeasti kiinni "mentorinsa", opiskeli saksalaisten ja englantilaisten romantikoiden, sitten ranskalaisten luonnontieteilijöiden kanssa. Ja lopulta "kiinni" maailmankulttuurin yleiseen suuntaan, hänestä tuli tasavertainen osallistuja kulttuuriprosessiin.

Tämä ei tarkoita, että venäläiset kirjailijat olisivat kokonaan lakanneet omaksumasta muiden ihmisten kokemuksia (vain typerys kieltäytyy hyödyllisistä oppitunneista); mutta tämä tarkoittaa, että he ovat saavuttaneet sisäisen itsenäisyyden, ovat oppineet liikkumaan rinnakkain, sopusoinnussa eurooppalaisten kollegojensa kanssa. Siksi paljon 1800-luvun toisen puoliskon venäläisessä runoudessa tapahtuneesta näyttää riimivän sen kanssa, mitä tapahtui samaan aikaan eurooppalaisessa runoudessa, erityisesti ranskassa. Tässä ei puhuta niinkään vaikutuksesta kuin ei-satunnaisesta samankaltaisuudesta. Tai, kuten historioitsijat ja kirjallisuuskriitikot sanovat, typologiasta.

Tiedäthän, että Nekrasovin jälkeen parhaat venäläiset lyyriset runoilijat palasivat romanttisiin kaksoisaiheisiin, hengen kuivumiseen, että heidän teoksissaan kuului epätoivon sävyjä, ilmaantui taantuman tunnelma. Samat aiheet löytyvät helposti ranskalaisesta runoudesta 1860-1880-luvuilla.

Erinomainen sanoittaja Charles Baudelaire (1821-1867), vasemmistolainen, kapinallinen, joka osallistui suoraan vuoden 1848 vallankumouksellisiin tapahtumiin, julkaisi vuonna 1857 runokokoelman "Pahuuden kukat". (Kokoelma, jota päivitetään, julkaistiin useita kertoja.) Tähän kirjaan kerätyt runot eivät vain haastaneet pikkuporvarillista (se on yleismaailmallista) moraalia; Baudelairen lyyrinen sankari koki äärimmäisen, lähes mystisen pettymyksen kristillisen sivilisaation perustuksiin ja puki äärimmäisen epäharmoniset tunteensa täydelliseen, klassiseen muotoon.

Kerro minulle, mistä olet kotoisin, kaunotar?
Onko katseesi taivaan taivaansininen vai helvetin tuote?
Sinä, kuten viini, päihdyt tarttuvat huulet,
Samoin olet iloinen kylväessäsi iloja ja juonitteluja.
Aamunkoitto ja häipyvä auringonlasku silmissäsi,
Virtaat tuoksun, ikään kuin ilta olisi myrskyinen;
Pojasta tuli sankari, suuri putosi tomuun,
Juonut huulesi lumoavalla uurnalla.

Kuten romanttiset edeltäjänsä, Baudelaire rikkoo estetiikan ja moraalin ja uhmakkaasti, uhmakkaasti; hän huudahtaa kaunotarin puoleen kääntyen: "Kävelet ruumiiden yli ylpeänä hymyillen, / kauhun timantit virtaavat julman loistonsa..." Tämä ei pelota häntä; itseriittoinen Kauneus ei ole kauheaa, vaan maailma, johon se tulee. Ja siksi hän hyväksyy sen katastrofismin kauheana tienä pois maallisesta toivottomuudesta:

Oletko Jumala vai Saatana? Oletko enkeli vai sireeni?
Eikö kaikki ole sama: vain sinä, Queen Beauty,
Vapautat maailman tuskallisesta vankeudesta,
Lähetät suitsukkeita ja ääniä ja värejä!
("Hymn to Beauty." Per. Ellis)

Amoralismista tuli Baudelairen taiteellinen periaate. Mutta jos luet huolellisesti hänen runojaan - kirkkaita, vaarallisia, todella samanlaisia ​​kuin suon kukkia, käy selväksi: ne eivät sisällä vain myrkkyä, vaan myös vastalääkettä; sitä kauhua, jonka laulaja Baudelairesta tuli, elää runoilijan kärsimys, jonka hän omaksuu maailman tuskan. Siitä huolimatta "Pahan kukkia" harkittiin pariisilaisessa hovissa; runoilijaa syytettiin julkisen moraalin loukkaamisesta ja hänet tuomittiin "peruuttamaan" joitakin runoja kirjasta "Pahuuden kukat". Tuomareilla ei ollut velvollisuutta kuunnella linjojen kätkettyä ääntä, he tekivät päätöksensä sanojen välittömän, jokapäiväisen, ei runollisen merkityksen perusteella.

Baudelairea alettiin kääntää Venäjällä 1870-luvulla. Ja edelläkävijät olivat populistiset runoilijat, kuten Vasily Kurochkin ja Dmitri Minaev. Heidän oma tyylinsä, hieman maalaismainen, oli äärimmäisen kaukana Baudelairen runoudesta, sen monimutkaisesta metaforisesta pelistä ja paatosta, joka hehkuu näkyvistä. Kuten pariisilaiset tuomarit, he kiinnittivät huomiota ulkoiseen, Baudelairen kapinallisiin teemoihin - vain positiivisella merkillä. Ja vain seuraavien sukupolvien venäläiset sanoittajat pystyivät purkamaan Baudelairen mysteerin, joka tunsi runoissaan 1900-luvun laajamittaisten ja traagisten kuvien esikuvana: "Kuin musta lippu, Tosca kuningatar // Kehittää voitolla yli hänen roikkuvat otsansa" ("Perna". Per. Vyach.I. Ivanova).

"Ajoissa" alkoi kääntää toista ranskalaista lyyristä runoilijaa, joka kuului Baudelairen jälkeiseen sukupolveen - Paul Verlaine (1844-1896). Jotain tuttua näytti olevan hänen surullisissa runoissaan, ajatus ihmissielun väistämättömästä halkeamisesta, maailmaa läpäisevästä pettymyksen melankoliasta, sydämen voiman heikkenemisestä - kaiken tämän tapasimme sinun, Nadsonin ja Apukhtinin kanssa, ja Sluchevsky:

Syksyinen huokaus -
pitkä soitto,
Hautajaissoitto -
Sydän sairas
Kuulostaa nauhalta
Levoton...
("Autumn Song". Per. N. Minsky)

Mutta kaikilla näillä Verlainen runouden motiiveilla on hohtava, symbolinen pohjasävy. Hän ei vain jaa lukijalle "pernaansa", bluesia; hän kokee, että koko universumi "moppailee", että universumin luovat voimat kuivuvat, että on tulossa tuskallisen, hermostuneen epävarmuuden aika, että ihmiskunta on uuden aikakauden kynnyksellä, jonka takana on täydellinen epävarmuus. Ja tämän alatekstin selvittävät myös vain 1900-luvun alun kääntäjät.

Mutta vähiten "onnekas" 1800-luvun lopulla venäjänkielisten käännösten kanssa oli Arthur Rimbaud (1854-1891), nerokkaan traagisen, katastrofaalisen ja majesteettisen runon "The Drunken Ship" (1871) kirjoittaja. Tässä runossa tunnistettiin ensimmäisen kerran kaikki 1900-luvun runouden tärkeimmät "voimalinjat", romanttisten sanoitusten perinteiset aiheet ja ristiriidat siirrettiin perustavanlaatuisesti erilaiseen rekisteriin, joka liittyy globaaleihin historiallisiin aavistukseen, tulevaisuuden universaaleihin. mullistuksia:

Ne, jotka kontrolloivat minua, joutuivat sotkuun:
Heidän intialainen ampumataitonsa kohdistui
Että joskus, kuten minä, ilman purjeiden tarvetta,
Hän lähti totellen joen virtausta.

Hiljaisuuden jälkeen sain minut ymmärtämään
Että miehistöä ei enää ollut olemassa,
Minä, hollantilainen, silkkien ja jyvien kuorman alla
Syötettiin mereen myrskypuuskissa.

Tuskin noussut planeetan nopeudella,
Nyt sukeltaen pohjaan, sitten nousemassa kuilun yläpuolelle,
Lensin ohittaen niemimaat
Vaihtuvien hurrikaanien kierteissä.
............................................................
Jos vielä astun Euroopan vesille,
Loppujen lopuksi ne näyttävät minusta yksinkertaiselta lätäköltä, -
Olen paperivene - en ole vireessä
Poika täynnä surua, kyykyssä.

Rukoilkaa, oi aallot! Minulle niin monella merellä
Vieraillut - minä, lentäen pilvissä -
Onko sopivaa purjehtia amatöörihuviveneiden lippujen läpi
Tai kelluvien vankiloiden kauhean katseen alla?
(Kääntäjä D. Brodsky)

Arthur Rimbaudia alettiin kuitenkin kääntää Venäjällä paljon myöhemmin; josta tuli runoilija Ranskassa 1800-luvun lopulla, Venäjällä hänestä tuli 1900-luvun runoilija. Mutta tämä ei tarkoita, että 1880- ja 1890-luvun venäläiset lyyriset runoilijat eivät ajatellut samoja ongelmia, eivät edenneet historian määräämään suuntaan.

• Muista M.Yun runo. Lermontov "Yksinäinen purje muuttuu valkoiseksi". Vertaa tämän runon kuvia A. Rimbaudin "Huoneen laivan" kuviin. Mikä on samankaltaisuus, mikä on perustavanlaatuinen ero?

Vladimir Solovjovin runous ja uuden aikakauden alku venäläisissä sanoituksissa

Ja Vladimir Sergeevich Soloviev (1853-1900) tuli sellaiseksi runoilijaksi, joka ennusti suurelta osin 1900-luvun taiteellisia löytöjä ja filosofisia ideoita. Valmistuttuaan Moskovan yliopiston historian ja filosofian tiedekunnasta ja vapaaehtoisena Moskovan teologisessa akatemiassa, Solovjov syventyi Sofiaa koskevien muinaisten mystisten tutkielmien tutkimukseen. Eli maailman sielusta, Jumalan viisaudesta, ikuisen naiseuden personifioinnista. Kuten monet romantikot, Solovjov uskoi, että tämä mystinen voima vaikuttaa suoraan hänen elämäänsä, ja siksi etsi salaperäistä tapaamista Sofian kanssa.

Vuonna 1875 Vladimir Sergeevich meni Lontooseen; muodollinen syy oli työ British Museumin kirjastossa, todellinen syy oli tapaamisen etsiminen Sophian kanssa. Solovjov täyttää muistikirjat omituisilla kirjoituksilla, joissa selvittämättömien merkkien joukosta löytyy usein tuttu nimi: Sophie, Sophia. Ja - yhtäkkiä lähtee Lontoosta Pariisin kautta Egyptiin. Hänellä oli tietty "ääni", joka kutsui hänet Kairoon. Kuten hän myöhemmin kirjoittaa runossa "Kolme päivämäärää": "Ole Egyptissä!" - sisälle kuului ääni, / Pariisiin - ja höyry kantaa minut etelään. Tämä puhtaasti solovilainen runolauseen rakenne on ominaista: välitilasta, epäilyistä ei puhuta sanaakaan. Päätös tehdään välittömästi. Sellainen oli Solovjovin luonne.

Samasta syystä hän oli niin taipuvainen käyttämään symboleja (muuten, muista tämän kirjallisen käsitteen määritelmä, katso sanakirjasta). Symboli ei nimittäin ole riippuvainen muuttuvasta todellisuudesta, näkökulman muutoksesta. Sen merkitys on aina salaperäinen, mutta muodoltaan aina määritelty. Joten Solovjovin runossa 1875 "Kuningattareni luona...", joka juuri liittyi Egyptin matkaan, vallitsee ikuisuuden värit, ikuiset värit: "Kuningattarellani on korkea palatsi, / Noin seitsemän kultaista pilaria, / / Kuningattarellani on seitsemänpuoleinen kruunu, // Siinä on lukemattomia jalokiviä. // Ja kuningattareni vihreässä puutarhassa // Kauneus kukkii ruusuista ja liljoista, // Ja läpinäkyvässä aallossa hopeinen puro // / Vangitsee heijastuksen kiharoista ja otsasta...".

"Kuningattaren" puutarha on aina vihreä, milloin tahansa vuoden aikana, se ei haalistu; ruusut ovat aina helakanpunaisia, liljat valkoisia, puro on hopeaa. Ja mitä muuttumattomampia, mitä "luotettavampia" nämä symboliset värit, sitä dramaattisemmalta runon pääteema kuulostaa. Ja tämä teema on runoilijan sydämen muuttuvuus, hänen taivaallisen rakkaansa kasvojen muuttuvuus.

Egyptissä Solovjov oli shokissa. Hän vietti jäisen yön autiomaassa odottaen Sophian ilmestymistä, kuten sisäinen ääni hänelle kertoi, mutta salaperäistä tapaamista ei tapahtunut, nuori mystikko melkein hakkasi paikalliset paimentolaiset. Toinen runoilija olisi ottanut tapahtuman traagisesti, kun taas Solovjovissa tämä kaikki aiheutti naurun hyökkäyksen. (Ei turhaan, hän määritteli yhdessä luennoissaan ihmisen "nauraavaksi eläimeksi".) Yleisesti ottaen hän, kuten suosikkilyriikoinsa Aleksei Tolstoi, kirjoitti usein humoristisia runoja.

Nauru oli Solovjoville eräänlainen vastalääke liialliselle mystiikkalle; hän leikki tarkoituksella lyyrisen sankarinsa kuvalla, pyhiinvaeltajan, mystiikan kuvalla, asetti hänet koomisiin tilanteisiin. Auto-epitafiin asti: "Vladimir Solovjov // Makaa tässä paikassa. // Aluksi hän oli filosofi, // Ja nyt hänestä on tullut luuranko ..." (1892).

Mutta samalla selittämättömällä helppoudella Solovjov palasi pilkasta, pettymyksestä - juhlalliseen intonaatioon, viehätysvoimaan mystisellä tavalla. Ehkä parhaimmassa Solovjovin runoissa - "Ex oriente lux" (1890) Venäjää kehotetaan ankarasti valitsemaan muinaisen Persian kuninkaan Kserkseksen militanssin ja Kristuksen uhrin välillä:

Voi Rus! odotuksessa korkealla
Olet kiireinen ylpeän ajatuksen kanssa;
Mikä haluat olla itä:
Xerkseksen vai Kristuksen orientaatio?

1890-luvulla näkymättömän Sofian taivaansiniset silmät loistivat jälleen selvästi Solovjovia. Tällä kertaa valo ei tullut idästä, ei lännestä, vaan pohjoisesta. Talvella 1894 Suomeen töihin lähtiessään Solovjov tunsi yllättäen Sofian salaisen läsnäolon kaikessa - Suomen kallioissa, mäntyissä, järvessä... Mutta silloin hän teki itse johtopäätöksen. maailmanlaajuisen katastrofin kauheasta läheisyydestä, Antikristuksen ilmestymisestä. Joukko hänen surullisia historiallisia havaintojaan oli runo "Pan-Mongolism":

Pan-mongolismi! Vaikka sana on villi
Mutta se hyväilee korviani,
Ihan kuin suurenmoisuuden ennakkoedustaja
Jumalan kohtalo on täynnä.

...Jumalan rangaistuksen välineet
Varasto ei ole vielä loppunut.
Uusien biittien valmistelu
Heränneiden heimojen parvi.

Pan-mongolismi - Solovjovin ymmärryksessä - on Aasian kansojen yhdistämistä vihollisuuden vuoksi eurooppalaisen "rodun" kanssa; Vladimir Sergeevich oli vakuuttunut siitä, että 1900-luvulla "keltaisen rodun" yhdistyneistä militanteista edustajista tulee tärkein historiallinen voima: "Malay-vesiltä Altaihin // Johtajia itäsaarilta // Roikkuvan Kiinan muureilla // He kokosivat rykmenttiensä pimeyden."

Näitä motiiveja kehittävät teoksessaan Solovjovin lähimmät kirjalliset perilliset, seuraavan sukupolven runoilijat, jotka kutsuvat itseään venäläisiksi symbolisteiksi - heidän työhönsä tutustut myös seuraavalla, 11. luokalla.

• Mitkä ajattelutavat ovat luontaisia ​​1800-luvun lopun venäläisille runoilijoille? Mitä samankaltaisuutta heillä on vuosisadan alun romantikkojen kanssa?

1. Blok A.A. Apollon Grigorjevin kohtalo // Hän. Sobr. cit.: 8 osassa M.-L., 1962.
2. Gippius V.V. Pushkinista Blokiin. M., 1966.
3. Grigorjev A.A. Muistoja. M., 1980.
4. Egorov B.F. Apollo Grigorjev. M., 2000 (sarja "Life of Remarkable People").
5. Korovin V.I. Runoilijan jalo sydän ja puhdas ääni // Pleshcheev A.N. Runoja. Proosa. M., 1988.
6. Nolman M.L. Charles Baudelaire. Kohtalo. Estetiikka. Tyyli. M., 1979.
7. Novikov Vl. Prutkovin taiteellinen maailma // Kozma Prutkovin teoksia. M., 1986.
8. Fedorov A.V. K.K.:n runollinen luovuus Sluchevsky // Sluchevsky K.K. Runoja ja runoja. M.-L., 1962.
9. Yampolsky I.G. Vuosisadan puoliväli: Esseitä venäläisestä runoudesta 1840-1870. L., 1974.

Monet lahjakkaat venäläiset sanoittajat (F.I. Tyutchev, A.A. Fet, N.A. Nekrasov, A.K. Tolstoi, A.N. Maikov) aloittivat matkansa 1830-luvun lopulla - 1840-luvun alussa. Se oli hyvin epäsuotuisa aika sanoittajille ja runoudelle. Pushkinin ja Lermontovin kuoleman jälkeen A.I. Herzen, "venäläinen runous on turtunut". Venäläisen runouden mykkäys johtui useista syistä. Tärkein oli se, josta V.G. Belinsky artikkelissa "Katso Venäjän kirjallisuuteen 1843": "Pushkinin ja Lermontovin jälkeen on vaikea olla paitsi merkittävä, myös jonkinlainen runoilija." Tärkeää roolia näytteli toinen seikka: proosa valtaa lukijoiden mielet. Lukijat odottivat tarinoita ja romaaneja, ja aikakausien "henkeen" vastaten aikakauslehtien toimittajat tarjosivat mielellään proosasivuja julkaisematta juuri lainkaan lyyrisiä runoja.

1850-luvulla runoilijat näyttävät voittavan lukijoiden välinpitämättömyyden. Tällä vuosikymmenellä syntyi ensimmäinen kokoelma F.I. Tyutchev, joka herätti kaikkien huomion: lukijat tunnistivat lopulta loistavan runoilijan, joka aloitti uransa 1820-luvulla. Kaksi vuotta myöhemmin, vuonna 1856, julkaistiin Nekrasovin runokokoelma, joka myytiin melkein heti loppuun. Mutta kiinnostus runollista sanaa kohtaan katoaa pian, ja uudet kirjat A.K. Tolstoi, A.N. Maykova, Ya.P. Polonsky, F.I. Tyutcheva, A.A. Fet herättää kriitikoiden ja muutaman runouden ystävien huomion.

Samaan aikaan 1800-luvun toisen puoliskon venäläinen runous eli erittäin intensiivistä elämää. Esteettisten asemien omaperäisyys, erityinen käsitys runoilijan tarkoituksesta ja runoudesta kasvattavat venäläisiä sanoittajia erilaisiin "leireihin" (A. K. Tolstoin mukaan). Tämä on "siviilirunous", jonka tarkoituksena on "muistuttaa yleisöä, että ihmiset ovat köyhyydessä" (N.A. Nekrasov), ja "puhdasta runoutta", joka on suunniteltu laulamaan elämän "ihanteellinen puoli". F. Tyutchev, A. Fet, Ap. Maykova, A.K. Tolstoi, Ya. Polonsky, Ap. Grigorjev. Kansalaisrunoutta edusti Nekrasov. Loputtomat keskustelut kahden "leirin" kannattajien välillä, molemminpuoliset syytökset pseudorunoudesta tai välinpitämättömyydestä yhteiskunnan elämää kohtaan selittävät paljon aikakauden ilmapiirissä. Mutta puolustaessaan vain esteettisten ideoidensa oikeellisuutta, eri "leirien" runoilijat osoittautuivat usein läheisiksi runollisessa näkemyksessään maailmasta, lähellä laulamiaan arvoja. Jokaisen lahjakkaan runoilijan työ palveli yhtä korkeaa tavoitetta - kauneuden, hyvyyden ja totuuden ihanteen vahvistamista. He kaikki, Nekrasovin ilmaisua käyttäen, "saarnasivat rakkautta", ymmärtäen sen eri tavoin, mutta näkivät siinä samalla myös ihmisen korkeimman tarkoituksen. Lisäksi jokaisen todellisen runoilijan työt eivät tietenkään mahtuneet yksinkertaisten suunnitelmien prokrustelaisen sänkyyn. Joten, A.K. Tolstoi, joka ilmoitti kuuluvansa "puhtaan" taiteen runoilijoihin eeposissa, epigrammeissa ja satiirisissa runoissa, onnistui puhumaan erittäin terävästi nykyajan elämän ongelmista. PÄÄLLÄ. Nekrasov - heijasti syvästi ja hienovaraisesti "sielun sisäisiä, salaperäisiä liikkeitä", joita "puhtaan" taiteen kannattajat pitivät yhtenä runouden pääaiheista.

Vaikka 1800-luvun toisen puoliskon runoilijat eivät voineet voittaa lukijoiden välinpitämättömyyttä sanoituksia kohtaan ja saada heidät odottamaan innokkaasti runokokoelmiaan (kuten esimerkiksi I. Turgenevin, I. Goncharovin, F. Dostojevski, L. Tolstoi odotettiin), mutta he saivat heidät laulamaan runojaan. Jo 1860-luvulla. MINÄ. Saltykov-Shchedrin sanoi, että Fetin romansseja "laulaa melkein koko Venäjä". Mutta Venäjä ei laulanut vain fetaa. Venäläisten sanoittajien teosten hämmästyttävä musikaalisuus herätti erinomaisten säveltäjien huomion: P.I. Tšaikovski, N.A. Rimski-Korsakov, M.P. Mussorgski, S.I. Taneeva, S.V. Rahmaninov, joka loi musiikillisia mestariteoksia, joita venäläiset muistivat ja rakastivat. Tunnetuimpia ja suosituimpia ovat "Song of a Gypsy" ("My fire in the sumu shines"), "The Recluse", "Challenge" Ya.P. Polonsky, "Voi, ainakin puhut minulle", "Kaksi kitaraa, soi ..." A. Grigoriev, "Meluisen pallon joukossa", "Se oli aikaisin keväällä ..." A.K. Tolstoi, "Pedlars" N.A. Nekrasov ja monet, monet muut 1800-luvun toisen puoliskon venäläisten runoilijoiden runot.

Aika, joka pyyhkii pois kiistat runoilijan ja runouden nimittämisestä, havaitsi, että seuraaville sukupolville sekä "puhtaat" sanoittajat että "siviilirunoilijat" osoittautuvat yhtä merkittäviksi. Heidän teoksiaan nyt lukiessamme ymmärrämme: ne kuvat, jotka aikalaisille tuntuivat "lyyriseltä rohkeudelta", ovat asteittaista mutta selkeää runollisten ideoiden ilmaantumista, jotka valmistelevat hopeakauden venäläisten sanoitusten kukintaa. Yksi näistä ideoista on unelma "nousevasta" rakkaudesta, rakkaudesta, joka muuttaa sekä ihmisen että maailman. Mutta Nekrasov-perinteestä tuli hopeakauden runoilijoille yhtä tärkeä - hänen "huutonsa", K. Balmontin mukaan, huuto, että "on vankiloita ja sairaaloita, ullakoita ja kellareita", että "tällä hetkellä, kun olemme kanssasi hengitä, on ihmisiä, jotka tukehtuvat. Akuutti tietoisuus maailman epätäydellisyydestä, Nekrasovin "vihamielinen kieltämisen sana", joka yhdistyi orgaanisesti V. Bryusovin ja F. Sologubin, A. Blokin ja A. Belyn sanoituksiin ja kaipaukseen sanattomaan, ihanteelliseen, joka ei synnytä. haluun päästä pois epätäydellisestä maailmasta, mutta muuttaa se ihanteen mukaan.

1800-luvun toisen puoliskon kirjallisuudella oli tärkeä rooli maan julkisessa elämässä. Useimmat nykyajan kriitikot ja lukijat ovat vakuuttuneita tästä. Tuolloin lukeminen ei ollut viihdettä, vaan tapoja tuntea ympäröivä todellisuus. Kirjoittajalle itse luovuudesta tuli tärkeä kansalaispalvelutyö yhteiskunnalle, koska hän uskoi vilpittömästi luovan sanan voimaan, todennäköisyyteen, että kirja voi vaikuttaa ihmisen mieleen ja sieluun niin, että hän muuttuisi. paremmaksi.

Oppositiota kirjallisuudessa

Kuten nykyajan tutkijat huomauttavat, juuri tästä uskomuksesta 1800-luvun 2. puolen kirjallisuudessa syntyi kansalaispaatos taistelusta jostain ideasta, jolla saattoi olla tärkeä rooli maan muuttamisessa, lähettäen koko maan. maalla tavalla tai toisella. 1800-luku oli kotimaisen kriittisen ajattelun maksimaalisen kehittymisen vuosisata. Siksi tuon ajan kriitikkojen lehdistössä olleet puheet tulivat venäläisen kulttuurin aikakirjoihin.

Kirjallisuuden historiassa 1800-luvun puolivälissä syntynyt vastakkainasettelu syntyi länsimaisten ja slavofiilien välillä. Nämä yhteiskunnalliset liikkeet syntyivät Venäjällä jo 1800-luvun 40-luvulla. Länsimaalaiset puolustivat sitä, että Venäjän todellinen kehitys alkoi Pietari I:n uudistuksista, ja tulevaisuudessa on välttämätöntä seurata tätä historiallista polkua. Samanaikaisesti he kohtelivat koko esi-Petriini-Venäjää halveksuvasti ja huomauttivat kunnioituksen arvoisen kulttuurin ja historian puuttumisen. Slavofiilit puolustivat Venäjän itsenäistä kehitystä lännestä riippumatta.

Juuri tuolloin länsimaisten keskuudessa tuli suosittu hyvin radikaali liike, joka perustui sosialistisesti suuntautuneiden utopistien, erityisesti Fourierin ja Saint-Simonin, opetuksiin. Tämän liikkeen radikaalein siipi näki vallankumouksen ainoana tapana muuttaa jotain valtiossa.

Slavofiilit puolestaan ​​väittivät, että Venäjän historia ei ole yhtä rikas kuin lännen. Heidän mielestään länsimainen sivilisaatio kärsi individualismista ja epäuskosta, koska se oli pettynyt henkisiin arvoihin.

Länsimaalaisten ja slavofiilien vastakkainasettelu havaittiin myös 1800-luvun 2. puolen venäläisessä kirjallisuudessa ja erityisesti Gogolin kritiikissä. Länsimaalaiset pitivät tätä kirjailijaa sosiokriittisen suuntauksen perustajana venäläisessä kirjallisuudessa, kun taas slavofiilit vaativat runon "Kuolleet sielut" eeppistä täyteyttä ja sen profeetallista patosta. Muista, että kriittisillä artikkeleilla oli suuri rooli 1800-luvun toisen puoliskon venäläisessä kirjallisuudessa.

"Naturalistit"

1840-luvulla ilmestyi kokonainen galaksi kirjailijoita, jotka kokoontuivat kirjallisuuskriitikko Belinskyn ympärille. Tätä kirjailijaryhmää alettiin kutsua "luonnollisen koulun" edustajiksi.

1800-luvun toisen puoliskon kirjallisuudessa ne olivat erittäin suosittuja. Heidän päähenkilönsä on vähäosaisten luokan edustaja. Nämä ovat käsityöläisiä, talonmiehiä, kerjäläisiä, talonpoikia. Kirjoittajat pyrkivät antamaan heille mahdollisuuden puhua, näyttää tapojaan ja elämäntapaansa heijastaen heidän kauttaan koko Venäjää erityisestä näkökulmasta.

Suosituin niistä on genre, joka kuvaa tieteellisesti tarkasti yhteiskunnan eri kerroksia. Erinomaisia ​​"luonnollisen koulun" edustajia ovat Nekrasov, Grigorovich, Turgenev, Reshetnikov, Uspensky.

Vallankumoukselliset demokraatit

1860-luvulla länsimaisten ja slavofiilien välinen vastakkainasettelu oli loppumassa. Mutta kiistat älymystön edustajien välillä jatkuvat. Kaupungit, teollisuus kehittyvät nopeasti ympärillä, historia muuttuu. Tällä hetkellä 1800-luvun toisen puoliskon kirjallisuuden pariin tulee ihmisiä eri yhteiskuntaluokista. Jos aikaisemmin kirjoittaminen oli aateliston osa, nyt kauppiaat, papit, filisterit, virkamiehet ja jopa talonpojat tarttuvat kynään.

Kirjallisuudessa ja kritiikassa kehitetään Belinskyn esittämiä ajatuksia, kirjoittajat esittävät lukijoille teräviä sosiaalisia kysymyksiä.

Tšernyševski luo filosofiset perusteet diplomityössään.

"Esteettinen kritiikki"

1800-luvun toisella puoliskolla "esteettisen kritiikin" suunta sai erityistä kehitystä kirjallisuudessa. Botkin, Druzhinin, Annenkov eivät hyväksy didaktisuutta, joka julistaa luovuuden luontaista arvoa sekä sen irtautumista sosiaalisista ongelmista.

"Puhtaan taiteen" tulisi ratkaista yksinomaan esteettisiä ongelmia, "orgaanisen kritiikin" edustajat tulivat sellaisiin johtopäätöksiin. Strakhovin ja Grigorjevin kehittämissä periaatteissaan todellisesta taiteesta tuli paitsi mielen, myös taiteilijan sielun hedelmä.

mullamiehiä

Maanmuokkauskoneet saavuttivat suuren suosion tänä aikana. Dostojevski, Grigorjev, Danilevski, Strakhov kuuluivat heihin. He kehittivät ajatuksia slavofiilisellä tavalla varoittaen samalla olemaan liian yhteiskunnallisten ajatusten mukana, irtautumasta perinteestä, todellisuudesta, historiasta ja ihmisistä.

He yrittivät tunkeutua tavallisten ihmisten elämään johtamalla yleisiä periaatteita valtion maksimaaliselle orgaaniselle kehitykselle. Epoch- ja Vremya-lehdissä he kritisoivat vastustajiensa rationalismia, jotka heidän mielestään olivat liian vallankumouksellisia.

Nihilismi

Yksi 1800-luvun toisen puoliskon kirjallisuuden piirteistä oli nihilismi. Siinä maaperätutkijat näkivät yhden todellisen todellisuuden tärkeimmistä uhkista. Nihilismi oli erittäin suosittu venäläisen yhteiskunnan eri osien keskuudessa. Se ilmaistiin hyväksyttyjen käyttäytymisnormien, kulttuuristen arvojen ja tunnustettujen johtajien kieltämisessä. Samaan aikaan moraaliset periaatteet korvattiin käsitteillä omasta nautinnosta ja hyödystä.

Tämän suuntauksen silmiinpistävin teos on Turgenevin romaani "Isät ja pojat", kirjoitettu vuonna 1861. Sen päähenkilö Bazarov kieltää rakkauden, taiteen ja myötätunnon. Pisarev, joka oli yksi nihilismin tärkeimmistä ideologeista, ihaili heitä.

Romaanin genre

Romaanilla on tärkeä rooli tämän ajanjakson venäläisessä kirjallisuudessa. 1800-luvun jälkipuoliskolla ilmestyivät Leo Tolstoin eepos "Sota ja rauha", Tšernyševskin poliittinen romaani "Mitä on tehtävä?", Dostojevskin psykologinen romaani "Rikos ja rangaistus" ja Saltykov-Shchedrinin sosiaalinen romaani "Herra Golovlev". " tuli ulos.

Merkittävin oli Dostojevskin aikakautta heijastava työ.

Runous

1850-luvulla runous kukoisti Pushkinin ja Lermontovin kulta-aikaa seuranneen lyhyen unohduksen jälkeen. Polonsky, Fet, Maikov nousevat esiin.

Runoudessa runoilijat kiinnittävät entistä enemmän huomiota kansantaiteeseen, historiaan ja arkeen. Venäjän historian ymmärtäminen tulee tärkeäksi Aleksei Konstantinovitš Tolstoin teoksissa, Maikov, toukokuu. Eepokset, kansanlegendat ja vanhat laulut määräävät kirjoittajien tyylin.

1950- ja 1960-luvuilla kansalaisrunoilijoiden teoksista tuli suosittuja. Minaevin, Mihailovin, Kurochkinin runot liittyvät vallankumouksellisiin demokraattisiin ideoihin. Tämän suunnan runoilijoiden pääviranomainen on Nikolai Nekrasov.

1800-luvun loppuun mennessä talonpoikarunoilijat tulivat suosittuja. Heidän joukossaan ovat Trefolev, Surikov, Drozhzhin. Hän jatkaa työssään Nekrasovin ja Koltsovin perinteitä.

Dramaturgia

1800-luvun jälkipuolisko on kansallisen ja omaperäisen dramaturgian kehittymisen aikaa. Näytelmien kirjoittajat käyttävät aktiivisesti kansanperinnettä, kiinnittävät huomiota talonpoikien ja kauppiaiden elämään, kansalliseen historiaan ja kansan puhumaan kieleen. Usein löytyy yhteiskunnallisille ja moraalisille aiheille omistettuja teoksia, joissa romantiikka yhdistyy realismiin. Näitä näytelmäkirjailijoita ovat Aleksei Nikolajevitš Tolstoi, Ostrovski, Sukhovo-Kobylin.

Tyylien ja taiteellisten muotojen monimuotoisuus dramaturgiassa johti vuosisadan lopulla Tšehovin ja Leo Tolstoin elävien dramaattisten teosten syntymiseen.

Ulkomaisen kirjallisuuden vaikutus

1800-luvun toisella puoliskolla ulkomaisella kirjallisuudella on huomattava vaikutus venäläisiin kirjailijoihin ja runoilijoihin.

Tällä hetkellä ulkomaisessa kirjallisuudessa hallitsivat realistiset romaanit. Ensinnäkin nämä ovat Balzacin ("Shagreen Skin", "Parman luostari", "Eugenia Grande"), Charlotte Brontën ("Jane Eyre"), Thackerayn ("Newcomes", "Vanity Fair", "History of" teoksia) Henry Esmond"), Flaubert ("Madame Bovary", "Education of the Senses", "Salambo", "Simple Soul").

Englannissa Charles Dickensiä pidettiin tuolloin pääkirjailijana, hänen teoksiaan Oliver Twist, Pickwick Papers, Niklas Nicklebyn elämä ja seikkailut, Joululaulu, Dombey ja Poika luetaan myös Venäjällä.

Eurooppalaisessa runoudessa Charles Baudelairen runokokoelmasta "Pahuuden kukat" tulee todellinen ilmestys. Nämä ovat kuuluisan eurooppalaisen symbolistin teoksia, jotka aiheuttivat Euroopassa koko tyytymättömyyden ja suuttumuksen myrskyn suuren määrän rivo rivien vuoksi, runoilija sai jopa sakon moraalin ja moraalin normien rikkomisesta, mikä teki runokokoelmasta yhden vuosikymmenen suosituimpia.