Sergei Rachmaninov, seorang komposer klasik Rusia yang luar biasa, lahir pada paruh kedua abad ke-19 di Rusia. Dia meninggal pada tahun 1943, selama Perang Dunia II, di Amerika Serikat. Sergei Vasilievich juga dikenal sebagai pianis terkenal; dia dengan ahli memimpin orkestra sebagai konduktor.
Ada banyak musisi di keluarga Sergei Rachmaninov. Sebagai seorang pianis, Sergei mulai dikenal di kalangan pendengar saat belajar di Konservatorium Moskow. Dia lulus dengan medali emas sebagai talenta muda.
Karya musik paling terkenal yang ditulis oleh Sergei Rachmaninov sebagai komposer adalah “Symphonic Dances”, puisi simfoni yang sangat orisinal “Isle of the Dead”, puisi simfoni “Pangeran Rostislav”, puisi simfoni yang luar biasa “The Bells” berdasarkan kata-kata dari penyair dan penulis Amerika yang sangat orisinal, Edgar Allan Poe, "jenius gelap" Juga opera “Francesca de Rimini”, “The Miserly Knight”, “Aleko”, beberapa simfoni, yang diberi nomor sesuai dengan urutan penciptaannya. Secara umum, Sergei Rachmaninov dianggap sebagai komposer gerakan romantis.
Sergei Rachmaninov juga menulis roman dan menciptakan banyak karya piano. Ini adalah salah satu roman terindah karya Sergei Rachmaninov - ini “Spring Waters”, dibuat pada tahun 1896, berdasarkan kata-kata klasik terkenal Rusia, penyair Fyodor Tyutchev. Romansa tersebut menggambarkan gambaran kebangkitan alam di musim semi, pencairan salju, aliran salju, dan banjir. Ini adalah komposisi yang besar, cerah, positif, pertanda musim semi yang menyenangkan. "Musim semi akan datang! Musim semi akan datang!" - menyanyikan roman.
Sergei Rachmaninov dan keluarganya meninggalkan Rusia tak lama setelah revolusi 1917. Dia tinggal selama setahun di Eropa, di mana dia mengadakan banyak konser sebagai pianis dan konduktor, dan menjadi sangat terkenal. Kemudian dia pindah ke Amerika. Di sini ia mendapatkan lebih banyak popularitas dan ketenaran, menjadi orang yang sangat kaya dan "legenda hidup" musik simfoni.
Menariknya, awal karir musik Rachmaninov sebagai komposer sangat tidak berhasil. Tidak ada yang memahami musiknya yang inovatif dan orisinal, kritikus menulis ulasan yang marah, komposer muda ini dengan lantang disebut sebagai orang biasa-biasa saja di kalangan musik, tetapi pada usia 30 Rachmaninov berhasil memenangkan ketenaran seluruh Rusia. Apa jadinya jika Rachmaninov menyerah dan menyerah di awal karirnya?
Salju masih putih di ladang,
Dan airnya sudah berisik di musim semi.
Mereka berlari dan membangunkan pantai yang mengantuk,
Mereka berlari dan bersinar dan berteriak...
Mereka berkata di mana-mana:
"Musim semi akan datang, musim semi akan datang!
Kami adalah pembawa pesan musim semi muda,
Dia menyuruh kita mendahuluinya!"
Salah satu contoh paling luar biasa dari kreativitas vokal kamar Rachmaninov adalah romansa “ Mata air Berdasarkan puisi karya F.I. Tyutchev. Tampaknya seluruhnya dibanjiri sinar matahari dan dipenuhi dengan perasaan gembira dan gembira. Dalam roman ini, untuk pertama kalinya, Rachmaninov dengan begitu jelas memanifestasikan suasana “musim semi” yang mulai terdengar semakin jelas dalam seni Rusia sejak pertengahan tahun 90-an. Pada tahun-tahun inilah Levitan menciptakan lanskapnya yang terdengar paling besar (misalnya, “Maret” atau “Angin Segar”). Seperti lukisan Levitan, romansa Rachmaninov membawa konten yang lebih luas dari sekedar gambaran alam. Seorang komposer kontemporer bersaksi bahwa selama gerakan revolusioner yang berkembang di tahun 1900-an, romansa ini menjadi “simbol kebangkitan sosial.” Seperti yang dicatat dengan benar oleh A.D. Alekseev, bagian vokal dari roman tersebut mengandung “perpaduan organik antara melodi liris lagu dengan melodi himne-heroik”. Intonasi “tangisan” dan “panggilan”, yang kami catat dalam sejumlah karya Rachmaninov sebelumnya, di sini memperoleh karakter yang sangat aktif dan berkemauan keras. Bagian-bagian piano yang bergerak dan mendidih serta warna musik yang berdering secara keseluruhan melengkapi gambarannya, penuh energi dan keinginan yang tak terkendali untuk maju.
Rachmaninov "Spring Waters" (aransemen untuk piano)
S. Rachmaninov bermain.
S.V. Rachmaninov "Lilak"
"Wanita cantik tentu saja merupakan sumber inspirasi abadi. Tapi kamu harus lari darinya dan mencari kesendirian..."
Dari wawancara dengan S.V. Rakhmaninov, 1927.
Suatu ketika penyanyi terkenal F. Chaliapin bertanya kepada Rachmaninov:
- Jelaskan kepada saya, seorang seniman Rusia yang sederhana, apa yang indah dari musik Anda, mengapa Anda mulai memandang kehidupan dengan mata berbeda? Rasa haus akan cinta mengalahkan, untuk menderita, untuk bernyanyi kegirangan. Apakah Anda menggambarkan di dalamnya peristiwa-peristiwa dalam hidup Anda atau kehidupan manusia secara umum? Dan mengapa Anda membuat kesedihan rohani begitu manis?
Inilah yang dijawab komposer:
- Jadi kamu bertanya, apa musikku?
Ini adalah malam yang tenang diterangi cahaya bulan;
Itu adalah gemerisik dedaunan;
Ini adalah bel malam yang jauh;
Inilah yang lahir dari hati dan masuk ke dalam hati;
Ini cinta!
Sejarah terciptanya roman "Lilac"
Gambar tanah airnya dengan hutan pohon birch, sungai dan kolam, bunga lilac yang bermekaran, dengan Ivanovka tersayang, tempat Rachmaninov selalu berjuang, terus-menerus menyiksanya dan membawa kesedihan.
Semua ini dijelaskan oleh Yuri Nagibin dalam ceritanya “Lilac”, tentang perasaan yang muncul dari Sergei Rachmaninoff muda dan Verochka Skalon, yang bertemu selama periode pembungaan lilac yang luar biasa.
“...Untuk mengenang Ivanovka dan musim panas yang aneh itu, ketika anggur lilac berfermentasi dengan lambat dan kuat, Rachmaninov menulis romannya yang paling lembut dan emosional, “Lilac.” Ada catatan yang luar biasa dan menyayat hati di sana. Itu adalah gambaran sekilas tentang jiwa Verochka, yang dibeli oleh cinta dari keabadian.”.
Penulis puisi yang menjadi dasar penulisan roman tersebut adalah Ekaterina Andreevna Beketova.
Ekaterina Andreevna Beketova (Krasnova) 1855-1892
"Di pagi hari, saat fajar,
Di rerumputan yang berembun,
Saya akan pergi dan bernapas segar di pagi hari;
Dan ke dalam bayangan harum,
Dimana bunga lilac ramai,
Aku akan pergi mencari kebahagiaanku..."
Hampir semua puisinya ditulis dalam bahasa Shakhmatovo; terinspirasi oleh pesona lanskap unik Rusia tengah. Lilac Shakhmatovsky dan taman Shakhmatovsky menjadi hidup di jalur ini. Ekaterina Andreevna Beketova juga seorang seniman yang baik. Di antara makalahnya, beberapa lakaran Catur, yang dibuat dengan cat air dan pensil warna, telah dilestarikan. Di salah satunya ada rumah kecil Beketov yang terkubur di semak-semak ungu.
“Lilac” adalah salah satu mutiara paling berharga dari lirik Rachmaninov. Musik roman ini ditandai oleh kealamian dan kesederhanaan yang luar biasa, perpaduan yang luar biasa antara perasaan liris dan gambaran alam, yang diekspresikan melalui elemen musik dan gambar yang halus. Keseluruhan jalinan musik romansa itu merdu dan merdu.
Penampil pertama roman Rachmaninov adalah penyanyi luar biasa Nadezhda Ivanovna Zabela.
"Lilac" adalah romansa yang memungkinkan Anda mendapatkan gambaran akurat tentang lirik Rachmaninov. Musik karya ini natural dan sederhana, dibedakan dengan kombinasi perasaan liris dan gambaran alam. Keseluruhan jalinan musik romansa itu merdu dan merdu. Frasa vokal yang tenang dan menyanyikan lagu secara alami mengikuti satu demi satu.
Romansa “Jangan bernyanyi, cantik, di depanku”, yang memadukan lagu dan unsur dramatis, adalah mahakarya sejati lirik vokal Rachmaninov tahun 90-an. Tema utama karya tersebut, termenung dan sedih, pertama kali muncul pada pengenalan piano sebagai melodi lagu yang lengkap. A yang berulang secara monoton pada bass, gerakan suara tengah yang menurun secara kromatik, bersama dengan perubahan harmoni yang penuh warna, memberikan citra musik pengantar cita rasa oriental. Klimaks roman terjadi pada bait ketiga, dan menariknya dalam karya ini terdapat klimaks kedua pada reprise.
“Spring Waters” (menurut kata-kata F. I. Tyutchev) adalah sebuah roman yang berkaitan dengan karya liris dan lanskap Rachmaninov dan menyajikan gambaran musim semi Rusia. Bagian vokal didominasi oleh motif-motif yang dibangun di atas bunyi-bunyian triad mayor, frase-frase meninggi yang diakhiri dengan lompatan energik. Bagian piano sangat bermakna dan memainkan peran penting dalam menciptakan suasana karya yang meneguhkan kehidupan secara keseluruhan.
Gambar musik mata air dari roman “Spring Waters” oleh S. V. Rachmaninov
Novel "Malam Sedih" (menurut kata-kata I. A. Bunin) adalah jenis elegi Rusia yang baru. Ketiadaan bentuk strophic tradisional untuk genre elegi, pengenalan materi tematik baru di bagian tengah roman dan penyajian resitatif memperkenalkan beberapa tanda monolog vokal. Bentuk musikal karya ini juga sangat menarik, yaitu dapat diartikan tiga bagian, meskipun setiap bagian tidak melebihi satu kalimat. Romansa ini didasarkan pada perkembangan dua melodi, yang satu dibentuk di bagian vokal, dan yang lainnya di bagian piano.
Sebagai penutup cerita tentang Rachmaninoff, seorang konduktor, pianis, dan komposer terkemuka abad ke-20, perlu dicatat bahwa warisan kreatifnya merupakan bagian integral dari budaya artistik Rusia; karya piano, vokal, dan simfoni terbaik termasuk dalam dana emas musik klasik Rusia.
Mechislav Karlovich
Komposer Polandia, konduktor, pemain biola Mieczyslaw Karlovich lahir pada tahun 1876 dalam keluarga musisi. Ayahnya adalah lulusan cello dari Konservatorium Brussel, dan ibunya adalah seorang penyanyi dan pianis. Mieczysław mulai belajar musik pada usia lima tahun. Dari tahun 1889 hingga 1895 ia belajar dengan pemain biola S. Bartsevich dan Z. Noskovsky (harmoni); kemudian, saat berada di Berlin, ia mengambil pelajaran dengan pemain biola dan komposer G. Urban.
Karlovich adalah orang pertama dari rekan senegaranya yang mengarahkan seluruh upayanya untuk menciptakan musik simfoni. Praktis tidak ada tradisi nasional di bidang ini, karena komposer Polandia abad ke-19 terutama tertarik pada genre piano (F. Chopin), biola (G. Wieniawski) dan opera (S. Moniuszko), dan karya orkestra individu hanya langkah menuju munculnya sekolah simfoni Polandia (“The Tale” oleh Moniuszko).
Pada tahun 1901, Karlovich kembali dari Jerman ke tanah airnya. Pada awal 1900-an, ia menulis karya-karyanya yang paling penting, termasuk konser biola, “Century Songs”, dan “Lithuanian Rhapsody”. Selain karya kreatifnya, komposer juga terlibat dalam pertunjukan aktif dan kegiatan sosial.
Meskipun karya Karlovich dicirikan oleh suasana dramatis tertentu, musiknya memukau pendengar dengan liriknya yang halus. Puisi simbolisme mempunyai pengaruh yang besar terhadap komposernya. Ciri-ciri estetika simbolis terutama terlihat pada komentar-komentar yang menyertai partitur sejumlah karya terprogram sang musisi. Namun cara berekspresi modernis tidak menarik perhatian Karlovich, oleh karena itu tren terkini yang menjadi ciri seni pergantian abad ke-19 – ke-20 hanya tercermin dalam pemilihan plot dan tema karya-karyanya. Musik yang sangat penuh perasaan dan jernih, merdu dan ekspresif dikaitkan dengan tradisi rakyat penulisan lagu Polandia.
Ini adalah banyak karya Karlovich yang terkenal. Diantaranya adalah konsernya untuk biola dan orkestra (1902), yang romantis dan penuh semangat. Kesan kekuatan dan keindahan segar masa muda tercipta dari ketiga bagiannya (Allegro moderato, romance dan finale). Konser ini menjadi salah satu karya komposer yang paling optimis dan meneguhkan kehidupan.
Aspek yang paling menarik dari konser biola adalah kekayaan melodi dan merdu yang menjadi ciri khas musik Slavia murni. Kemampuan menggabungkan ekspresi dan keahlian membawa karya Karlovich lebih dekat dengan karya P. Tchaikovsky. Pada saat yang sama, karya musisi tersebut menunjukkan bahwa ia adalah penerus yang layak bagi tradisi virtuoso seni biola Polandia, yang menyenangkan orang-orang sezaman G. Wieniawski. Di antara kelebihan konser yang ditulis oleh Karlovich adalah kualitas seperti kesinambungan pengembangan, kejelasan bentuk, dan kesesuaian yang luar biasa antara bagian solo dan orkestra. Selain itu, karya tersebut menunjukkan pengetahuan Karlovich yang luar biasa tentang semua kemampuan teknis dan ekspresif dari instrumen seperti biola, meskipun hal ini tidak mengherankan: musisi tersebut adalah pemain biola hebat yang berhasil menyelesaikan kursus di konservatori dan menampilkan konser Tchaikovsky dengan luar biasa. pada ujian akhir.
Bakat cemerlang Karlovich juga terungkap dalam genre puisi simfoni. “Returning Waves” (1904), yang ditulis dengan semangat simbolisme, menceritakan tentang pengalaman seorang pria yang hari-harinya tinggal menghitung hari, namun kenangan akan kebahagiaan masa lalunya terus menggairahkannya. Triptych simfoni “Century Songs”, yang diciptakan oleh komposer pada tahun 1904–1906, juga diresapi dengan suasana sedih. Ini terdiri dari tiga bagian: "Lagu kerinduan kuno", "Lagu cinta dan kematian", "Lagu keberadaan universal". Dan pada tahun 1907, puisi simfoni lain muncul - “Stanislav dan Anna”. Karya ini mencolok dalam emosionalitas dan ekspresi suara orkestranya.
Perlu juga dicatat bahwa karya Karlovich "Lithuanian Rhapsody" (1906), di mana komposernya beralih ke cerita rakyat Lituania dan Belarusia. Ketelitian pengembangan, kehalusan penyampaian ciri-ciri melodi folk, pengungkapan gambaran puitis yang mendalam - semua ini menjadikan musik rhapsody benar-benar mempesona.
Meskipun Karlovich berumur pendek (pada tahun 1909, komposer berusia tiga puluh dua tahun itu meninggal, terkubur dalam longsoran salju di Tatras), pentingnya karyanya, yang terkait dengan tradisi musik Polandia, sangat besar.
Bela Bartok
Béla Bartók, komposer Hongaria terhebat, salah satu karya klasik abad ke-20, lahir pada tahun 1881 di Nagyszentmiklos (sekarang Synnikolaul Mare) di Rumania. Ayahnya adalah direktur sekolah pertanian, dan ibunya adalah seorang guru. Dia, memperhatikan kemampuan musik putranya, memberinya pelajaran pertama bermain piano. Kemudian anak laki-laki itu belajar dengan musisi terkenal F. Kersch dan L. Erkel, dan pada tahun 1899 dia masuk Akademi Liszt di Budapest, di mana dia meningkatkan keterampilan bermain pianonya dan mempelajari teori komposisi.
Bela Bartok
Setelah lulus dari akademi pada tahun 1903, Bartok beralih ke kesenian rakyat Hongaria dan secara teratur melakukan ekspedisi ke daerah pedalaman Hongaria, Rumania, dan Slovakia yang terpencil, tempat ia merekam lagu-lagu rakyat kuno. Selanjutnya, ia berulang kali menggunakan cerita rakyat dalam karyanya.
Pada tahun 1904, karya besar pertama Bartók, puisi simfoni Kossuth, dipentaskan. Selain itu, saat ini ia telah menulis beberapa karya piano, kuartet gesek, dan rangkaian orkestra. Pada tahun 1911, komposer mulai mengerjakan opera "The Castle of Duke Bluebeard", yang baru dapat ia selesaikan pada tahun 1918, ketika balet "The Wooden Prince" telah dibuat. Setelah beberapa waktu, balet pantomim berikutnya muncul - “The Wonderful Mandarin”.
Bartok tidak membatasi dirinya hanya pada mengaransemen dan tampil sebagai pianis. Dia melakukan tur di banyak kota besar di Eropa dan Amerika, termasuk Moskow dan Leningrad.
Pada tahun 1907, Bartok menjadi profesor piano di Akademi Musik Liszt. Pada tahun 1934, ia berhenti mengajar dan sepenuhnya fokus pada penelitian di bidang cerita rakyat dan etnografi. Pada awal Perang Dunia II, komposer tersebut pindah ke Amerika Serikat. Namun, kehidupan di negeri asing sangat sulit: Bartok sangat kesepian, di sini dia tidak punya teman atau pengagum. Pada tahun 1945, dia meninggal di Rumah Sakit Kaum Miskin Negara Bagian New York.
Warisan kreatif komposer, selain karya-karya ini, juga diwakili oleh dua kantata, sebuah simfoni, musik untuk string, perkusi dan celesta, sebuah konser untuk orkestra, tiga piano, dua konserto biola dan viola, banyak karya instrumental kamar dan piano, paduan suara, siklus lagu untuk suara dan piano. Bar-tok juga memiliki beberapa karya ilmiah tentang cerita rakyat.
Carl Orff
Komposer Jerman, konduktor, guru Carl Orff lahir pada tahun 1895 di Munich. Dia mulai belajar bermain piano, cello, dan organ pada usia lima tahun. Kemudian dia belajar musik di Akademi Musik Munich, dengan mentornya adalah A. Beer-Walbrunn dan P. Zilcher. Selanjutnya, Orff mengambil pelajaran dari polifonis terkenal G. Kaminsky.
Dari tahun 1915 hingga 1919, Orff menjadi konduktor di Munich, Mannheim, dan Darmstadt. Di Akademi Musik Munich ia menjabat sebagai profesor komposisi.
Pada tahun 1924, musisi tersebut termasuk salah satu pendiri sekolah musik di Günteshul, di mana ia menciptakan sistemnya sendiri dalam mendidik generasi muda melalui musik, tari, dan latihan senam. Orff adalah penulis buku pelajaran sekolah yang terkenal. Ia menciptakan sejumlah karya untuk paduan suara anak-anak dan instrumen perkusi.
Bidang aktivitas Orff lainnya adalah mengarahkan konser Bach Society. Pada tahun 1955, komposer menerima gelar doktor kehormatan dari Universitas Tübingen.
Di antara karya Orff yang paling signifikan adalah tiga kantata panggung (Carmina Burana, Catulli Carmina, Triumph of Aphrodite), karya musik dan drama (Moon, Clever Woman, Bernuerin). Kualitas utama mereka adalah implementasi realistis dan ekspresi musik lagu. Misalnya saja kantata “Carmina Burana” (1936), yang subjudulnya berbunyi: “Lagu sekuler untuk solois dan paduan suara dengan iringan instrumental dan adegan pemandangan.”
Karya ini didasarkan pada teks yang diambil oleh penulis dari kumpulan lagu kuno “Carmina Burana”, yang disusun pada abad ke-13 dan saat ini ditemukan di gudang salah satu biara di Bavaria. Lagu-lagu ceria dan ceria atau penuh ironi ini diciptakan oleh anak-anak sekolah, biksu, perajin, dan petani. Dengan mahir menggunakan intonasi lagu-lagu lama, Orff memberi mereka suara baru, menunjukkan berbagai kemungkinan interpretasi asli diatonik. Orkestra kantata, yang dilengkapi oleh komposer dengan dua piano dan berbagai instrumen perkusi, juga sangat menarik.
Meskipun kantata menceritakan bahwa seseorang tidak dapat melawan takdir dan hidupnya bergantung pada putaran roda keberuntungan, namun musiknya, yang ternyata segar dan energik, menciptakan suasana hati yang gembira dan cerah pada pendengarnya. Orff memasukkan ke dalam kantata tidak hanya intonasi, tetapi juga penggalan lagu daerah, tetapi karyanya tidak berubah menjadi stilisasi.
Ekspresifitas dan kekuatan unsur “Carmina Burana” membedakannya dengan baik dari “Carmina Catulli” (1943) dan “The Triumph of Aphrodite” (1951), yang ditulis berdasarkan kata-kata Catullus, Sappho dan Euripides, tetapi kantata ini juga memiliki banyak hal yang menarik. dan halaman yang hidup.
Di antara karya panggung, “Gadis Pintar” (1942), berdasarkan dongeng karya Brothers Grimm, sangat menarik - sebuah karya yang penuh humor hidup dalam semangat pertunjukan lucu.
Carl Orff meninggal pada tahun 1982.
Igor Fedorovich Stravinsky
Salah satu musisi terhebat abad ke-20, Igor Stravinsky, lahir pada tahun 1882 di Oranienbaum, dekat St. Ayahnya, F. I. Stravinsky, adalah seorang penyanyi dan solois Teater Kekaisaran Mariinsky.
Igor Fedorovich Stravinsky
Bocah itu menunjukkan kemampuan musik sejak dini. Pada usia 9 tahun, ia mulai belajar bermain piano, pertama dari Snetkova dan kemudian dari Kashperova. Namun, Stravinsky tidak menerima pendidikan musik profesional, dan pada usia 18 tahun, atas desakan orang tuanya, ia masuk Fakultas Hukum Universitas St. Namun ketertarikannya pada musik tidak memudar, dan dia mencurahkan seluruh waktu luangnya untuk mempelajari mata pelajaran teori musik.
Dua tahun setelah ini, menyadari bahwa dia membutuhkan nasihat profesional, Stravinsky beralih ke Rimsky-Korsakov, yang memberinya pelajaran privat selama tahun 1903 - 1905, dan juga memberikan bantuan yang diperlukan kepada muridnya sampai kematiannya.
Karya pertama Stravinsky, yang ditulis di bawah arahan Rimsky-Korsakov, adalah beberapa karya piano, sebuah kantata untuk peringatan 60 tahun Rimsky-Korsakov, sebuah suite untuk suara dan orkestra "The Faun and the Shepherdess", sebuah simfoni dalam E-flat mayor , dan Scherzo Fantastique. Diaghilev hadir di pemutaran perdana film terakhir. Terpesona oleh bakat komposer muda tersebut, ia menugaskannya untuk mementaskan balet di Musim Rusia di Paris. Hasilnya adalah The Firebird (1910), kemudian Petrushka (1911), dan bahkan kemudian The Rite of Spring (1913). Komposisi-komposisi ini telah mendapatkan popularitas yang layak di kalangan pecinta musik dan telah menutupi nama penciptanya dengan ketenaran dunia.
Saat itu, Stravinsky mengganti masa tinggalnya di Rusia dengan perjalanan ke Paris. Pada musim panas 1914, yaitu segera sebelum pecahnya Perang Dunia Pertama, komposer pergi ke Swiss, di mana, karena pecahnya permusuhan, ia harus tinggal sampai tahun 1918. Selama bertahun-tahun di negara ini, Stravinsky menulis opera The Nightingale (1914), The Story of a Soldier (1918), yang ia sendiri definisikan sebagai “kisah tentang seorang prajurit yang melarikan diri dan iblis, membaca, berakting, dan menari.”
Sang komposer tidak ingin kembali ke Rusia, yang telah menjadi Soviet, dan pindah ke Paris, tempat ia tinggal hingga tahun 1940. Pada tahun 1919, ia menerima perintah baru dari Diaghilev, yaitu Stravinsky diminta menyempurnakan bagian musik balet "Pulcinella" berdasarkan musik Pergolesi.
Beberapa saat kemudian, opera Stravinsky "The Moor" (berdasarkan puisi Pushkin "The Little House in Kolomna") dan "Oedipus Rex" dipentaskan di ibu kota Prancis. Kemunculan yang terakhir menandai dimulainya tahap baru dalam karya komposer - neoklasik, yang menggantikan karyanya dalam tradisi murni Rusia.
Pada tahun 1924, Stravinsky memulai debutnya sebagai pianis, menampilkan konsernya untuk piano dan orkestra angin, yang dipimpin oleh Koussevitzky. Setahun kemudian, Stravinsky mencoba dirinya sendiri sebagai konduktor. Di waktu luangnya, ia menggubah musik untuk teater, dan juga beralih ke genre musik lainnya: ia menulis simfoni untuk alat musik tiup, rangkaian untuk orkestra kamar, piano, dan karya vokal. Segera balet Stravinsky "Apollo Musagete", "The Fairy's Kiss", dan Symphony of Psalms yang terkenal berdasarkan teks Latin Perjanjian Lama juga muncul.
Awal tahun 30-an ditandai dengan munculnya karya-karya komposer seperti konser biola dan orkestra serta konser dua piano. Pada tahun 1933 - 1934, Stravinsky, atas perintah penari terkenal Ida Rubinstein, bersama dengan A. Gide, menggubah melodrama “Persephone”. Kemudian dia memutuskan untuk menerima kewarganegaraan Perancis, akibatnya benang yang masih menghubungkannya dengan tanah airnya akhirnya putus. Pada periode yang sama, buku otobiografinya “Chronicle of My Life” diterbitkan.
Pada tahun 1936, Stravinsky melakukan tur ke Amerika Serikat. Metropolitan Opera menjadi tuan rumah pemutaran perdana baletnya A Game of Cards, dan dia sendiri mulai mengerjakan konser Dumbarton Oaks, yang dilakukan pada tahun 1938 di rumah kliennya, pasangan Bliss. Pada tahun yang sama, dia mengadakan beberapa kelas dengan mahasiswa di Universitas Harvard.
Tahun 1940 ditandai bagi Stravinsky dengan mengucapkan selamat tinggal pada Prancis dan pindah ke Amerika Serikat untuk tempat tinggal permanen. Sekarang dia terkadang melakukan tur ke Eropa, di mana dia tampil sebagai pianis dan konduktor. Pada tahun 1962, ia dengan khidmat merayakan ulang tahunnya yang ke-80, setelah itu ia akhirnya memutuskan untuk mengunjungi Uni Soviet. Dia mengadakan konser di Moskow dan Leningrad, dan kemudian kembali ke Amerika. Lima tahun kemudian, ia mengakhiri penampilannya, tetapi terus bekerja sebagai komposer. Hidupnya berakhir pada tahun 1971 di New York.
L.Bast. Desain kostum untuk balet I. F. Stravinsky “The Firebird”
Warisan kreatif Stravinsky, selain karya-karya yang disebutkan di atas, termasuk opera "The Rake's Progress" berdasarkan serangkaian ukiran oleh J. Hogarth (1571), balet "Orpheus" (1948), "The Cage" (1951) dan “Agon” (1957), simfoni “In C” dan “In Three Movements”, konser kayu hitam untuk klarinet solo dan ansambel instrumental, “Our Father” untuk paduan suara capella, “Sacred Hymn in Praise of the Name of St. ”, “Ratapan Nabi Yeremia”, kantata “Khotbah, Perumpamaan dan Doa”, “Nyanyian Pemakaman”, sejumlah besar karya kecil.
Menariknya, Stravinsky tidak memiliki gaya penulisan musik yang spesifik, gaya karyanya terus berubah, itulah sebabnya ia bahkan dijuluki bunglon. Namun, semua karyanya adalah contoh penguasaan sejati.
Alfredo Casella
Komposer Italia, pianis, kritikus musik dan guru Alfredo Casella lahir pada tahun 1883. Ia menerima pendidikan musiknya di Konservatorium Paris. Ia mempelajari komposisi di bawah bimbingan G. Fauré, piano - L. Diemer. Pembentukan gayanya sangat dipengaruhi oleh musik Perancis, karya R. Strauss, serta kenalannya dengan G. Mahler. Karya awal Casella yang paling terkenal adalah simfoni rhapsody "Italia", yang ditulis pada tahun 1909, mencerminkan keinginan penulis untuk menyampaikan gambaran kehidupan di Naples dan Sisilia. Komposer memasukkan melodi folk ke dalam musik karyanya, disajikan dalam bingkai orkestra yang agak membosankan.
Dari tahun 1912 hingga 1915, Casella menjadi konduktor Konsert Rakyat di Dewan Trocadéro. Pada periode yang sama, dia mengajar piano di Konservatorium Paris.
Pada tahun 1915, komposer tersebut pindah ke Roma, di mana ia menjadi profesor piano di Akademi Musik Santa Cecilia. Dia mengunjungi banyak kota di Eropa dan Amerika dengan konser.
Suite Casella “Pages of War” (1918), yang didedikasikan untuk peristiwa tragis zaman kita, muncul di Roma. Sejak saat itu, kecenderungan neoklasik, yang samar-samar terlihat pada karya-karya musisi sebelumnya, meningkat secara signifikan. Hal ini terutama terasa di partita untuk piano dan orkestra (1925), di mana keinginan penulis untuk konstruktivisme mengemuka. Seperti banyak komposer Eropa pada masa itu, Casella terus-menerus beralih ke tradisi musik Italia kuno. Yang terpenting, ia tertarik dengan seni abad 17 – 18, khususnya karya A. Vivaldi dan A. Scarlatti. Musisi juga sangat dipengaruhi oleh karya-karya G. Rossini dan A. Paganini. Dalam karya-karya Casella, minat terhadap zaman kuno dipadukan dengan keinginan untuk menggunakan sarana ekspresif seni musik modern, yang dipikirkan kembali oleh komposer dalam karya teoretisnya (“Evolusi musik dalam terang sejarah perubahan irama,” 1918; “Politonalitas dan atonalitas”). Kesenian rakyat juga memainkan peran penting dalam musik komposer. Unsur cerita rakyat terlihat jelas di banyak karya Casella.
Di antara karya komposer yang paling menarik adalah konser untuk orkestra gesek (1927), serta suite “Scarlattiana” untuk piano dan 32 instrumen senar (1926) dan “Paganiniana” (1942), yang merupakan adaptasi gratis dari master terkenal seni musik Italia. Dalam karya-karya ini, serta dalam partita piano dan orkestra yang telah disebutkan, Casella beralih ke neoklasikisme. Kecenderungan neoklasik juga terasa pada konserto string, piano, timpani dan perkusi (1943). Konser ini, dibuat khusus untuk Basel Chamber Orchestra, bercirikan harmoni struktural dan kombinasi harmonis antara genre tari dan versi kuno dari konser grosso.
Di antara karya-karya paling penting yang diciptakan Casella untuk teater adalah "The Snake Woman" (1931), yang mewujudkan gambar opera buffa Italia, opera "The Tale of Orpheus", balet "The Venetian Monastery" (1913), Kendi (1924). Komposernya adalah penulis misa khusyuk “For Peace” (1944), tiga simfoni, “Heroic Elegy” (1916), konser, roman, drama, termasuk sebelas untuk anak-anak.
Casella berperan aktif dalam kegiatan International Society of Contemporary Music. Karya-karya komposer sering dipentaskan di festival-festival yang diselenggarakan oleh masyarakat ini di berbagai negara.
Komposer Italia meninggal pada tahun 1947.
Meski karya Casella memiliki makna yang beragam, musisi yang berperan besar dalam kebangkitan tradisi nasional ini menempati tempat yang layak dalam sejarah seni musik Italia.
Heitor Vila-Lobos
Heitor Vila-Lobos, komposer, konduktor, guru dan cerita rakyat Brasil, lahir pada tanggal 5 Maret 1887 di Rio de Janeiro. Ketertarikannya pada musik muncul cukup terlambat. Pada usia 16 tahun, ia menjadi tertarik pada cerita rakyat dan sering bepergian ke seluruh negeri, merekam berbagai lagu daerah.
Pada tahun 1923, Vila-Lobos pergi ke Paris, di mana dia dengan rajin mempelajari disiplin musik. Di sana ia bertemu Ravel, Prokofiev dan komposer lainnya. Persahabatan dengan mereka memegang peranan penting dalam perkembangan kreativitasnya.
Sambil menyadari dirinya sebagai komposer, Vila-Lobos juga menyempatkan diri tampil di konser sebagai konduktor, sekaligus mengarahkan penampilan karyanya sendiri dan musik orang-orang sezamannya.
Pada tahun 1931, Vila-Lobos diangkat menjadi komisaris pemerintah untuk pendidikan musik di Brasil. Kita harus memberikan haknya: dia membawa banyak manfaat bagi negaranya dengan menduduki jabatan penting tersebut. Vila-Lobos mendirikan sekolah musik dan studio paduan suara di banyak kota di Brasil, dan mengembangkan sistem pendidikan musik untuk anak-anak. Pada tahun 1945, atas inisiatifnya, Akademi Musik Brasil dibuka, di mana dia menjadi presiden tetapnya.
Selain menjalankan tugasnya sebagai komisaris, Vila-Lobos terus melakukan tur dan mengadakan konser di berbagai negara di Amerika Selatan, Amerika Serikat, London, Paris, Roma, Lisbon, dll. Berkat dialah dunia belajar tentang keunikannya. Musik Brasil, yang diwakili oleh komposer.
Kehidupan Vila Lobos berakhir pada tahun 1959 di Rio de Janeiro. Warisan kreatifnya terdiri dari sejumlah besar karya dari berbagai genre. Di antara mereka, pertama-tama, saya ingin menyebutkan opera “Aglaya”, “Eliza”, “Izat”, “Malazarte”, “Yerma”; operet “Maddalena”; 15 balet; oratorios “Vidpura” dan “Nyanyian Bumi”; rangkaian paduan suara “Penemuan Brasil”; Massa; 12 simfoni; 2 simfoni; 18 puisi simfoni; 5 piano dan 2 cello konsert, karya instrumental ruang dan piano. Karya komposer yang paling terkenal adalah "Brasil Dunes" untuk suara dengan ansambel instrumen.
Vila-Lobos juga memiliki karya enam jilid, “Panduan Praktis untuk Studi Cerita Rakyat.”
Boguslav Martinu
Komposer Ceko Bohuslav Martinu lahir pada tahun 1890. Karya penting pertama musisi muda ini adalah "Czech Rhapsody" untuk orkestra (1918). Pada tahun 1923, Martinou berangkat ke Paris, di mana dia mulai belajar dengan A. Roussel. Setelah menyelesaikan studinya, ia tetap tinggal di Prancis, meskipun ia tidak pernah memutuskan hubungan dengan tanah airnya. Tren baru dalam seni tidak mengabaikannya, komposernya tertarik pada neoklasikisme, jazz, dll. Martina sangat dipengaruhi oleh kenalannya dengan I. Stravinsky dan A. Honegger.
Namun lambat laun sang komposer mengembangkan gayanya sendiri. Karya-karya musisi tersebut sukses dibawakan di Paris dan Praha, meski tidak semua pendengar menerima karyanya. Ada yang menganggap musiknya terlalu berani dan bahkan berani.
Pada tahun 1930-an, sejumlah karya Martinou bermunculan, menunjukkan minat besar pengarangnya terhadap motif Ceko. Diantaranya adalah balet "Špalicek" (1932), opera "Plays about Mary" (1934) dan "Theater Beyond the Gates" (1936), berdasarkan unsur cerita rakyat.
Di antara karya paling penting pada periode ini adalah opera Juliet (1937) dan Double Concerto untuk orkestra dua gesek, piano dan timpani (1938). Musik mereka mencerminkan suasana cemas yang melanda Eropa di ambang Perang Dunia II. Martinu kemudian menulis: “Semuanya lenyap di bawah tanganku, pikiranku tidak mendapat tanggapan atau dukungan di mana pun. Mereka menghilang entah kemana ke dalam ketiadaan, seolah-olah kekosongan yang terbuka itu menarik seluruh umat manusia ke dalam dirinya sendiri.”
Komposer menulis libretto untuk "Juliet" sendiri, mengacu pada cerita J. Neveu. Aksi tersebut terjadi di kota yang fantastis, yang penduduknya tidak mengingat masa lalu mereka dan tidak membedakan kenyataan dari fiksi. Michel, seorang pemuda yang mencari kekasihnya, menemukan dirinya berada di kota asing. Dia menemukan gadis itu, tapi Julietnya, yang telah jatuh di bawah pengaruh mantra sihir kota, tidak bisa lagi membebaskan diri. Tidak dapat berpisah dengan kekasihnya, Michelle tetap berada di dunia yang gila dan mengerikan ini.
Keseluruhan aksi "Juliet" terdiri dari adegan-adegan kecil, bagian vokalnya didasarkan pada resitatif. Opera memiliki ciri psikologis; pendengarnya berempati dengan karakter yang hidup di dunia yang nyata dan misterius. Rasa artistik Martin yang halus membantu di sini, kemampuannya untuk menghadirkan energi vital dan dinamika ke dalam suasana opera yang jelas-jelas fantastis. Ide “Juliet” terungkap dari kata-kata komposernya sendiri, yang menulis: “Ini adalah perjuangan putus asa untuk memiliki sesuatu yang stabil yang dapat berfungsi sebagai pendukung: realitas, ingatan, kesadaran. Yang terakhir inilah yang ternyata hancur, ditempatkan dalam situasi tragis di mana Michel harus berjuang untuk menjaga stabilitas dan kewarasannya sendiri. Jika dia menyerah, dia akan tetap berada di dunia ini tanpa ingatan, tanpa waktu, selamanya.” Dalam gambaran surealis, komposer mencoba menyampaikan emosi dan perasaan nyata yang muncul akibat ketidakstabilan kesadaran yang menyakitkan. Dalam hal ini, Martin dekat dengan B. Bartok dan A. Honegger, yang musiknya juga mencerminkan firasat buruk akan bencana yang akan datang.
Sejak 1941, komposernya berada di Amerika Serikat. Pada tahun 1953 ia kembali ke Eropa. Martinu tinggal di Prancis, Italia, Swiss. Meskipun ia tidak pernah melupakan asal usulnya di Ceko, bertahun-tahun berada jauh dari tanah airnya tidak dapat tidak mempengaruhi kreativitasnya, yang memiliki banyak segi dan kontradiktif. Warisan Martinu mewakili hampir semua genre dan ragam. Musisi tidak pernah tunduk pada sistem dan tren tertentu; ia berhasil mempertahankan keunikan dan individualitasnya.
Karya-karya terbaik Martin diciptakan dalam dua puluh tahun terakhir hidupnya. Selama periode ini, komposer menulis enam simfoni, "Fresco oleh Piero della Francesca" dan "Parabolas" untuk orkestra, opera "Ariadne" dan "Mirandolina", "Greek Passions", dll.
Martin pertama kali beralih ke genre simfoni di masa dewasa. Dia kemudian menulis: "Ketika seseorang menghadapi masalah dalam menciptakan simfoni pertama, dia tanpa sadar menjadi sangat gugup dan serius ..." Kata-kata ini mengungkapkan tuntutan komposer terhadap dirinya dan karyanya.
Zhukovsky S. Yu. Awal musim semi (Gazebo di taman). 1910
Setelah pemutaran perdana Simfoni Pertama yang menentukan pada tahun 1897, yang berakhir dengan kegagalan, Rachmaninov tidak dapat mengarang untuk waktu yang lama. Dia menggantikan konduktor kedua di Opera Swasta Rusia Moskow, di mana dia berteman dengan Chaliapin muda, kemudian, pada tahun 1899, dia melakukan tur ke luar negeri sebagai pianis, dan menghabiskan musim panas tahun 1900 di Genoa. Baru sekarang dia beralih ke komposisi lagi - dia mulai mengerjakan Second Piano Concerto dan Francesca da Rimini.
Setelah sukses besar dalam konsernya pada musim semi 1902, Rachmaninov beralih ke genre baru untuk dirinya sendiri - kantata. Beginilah kantata “Musim Semi” muncul berdasarkan puisi karya N. A. Nekrasov (1821-1878) “Green Noise” (1862). Mungkin penciptaan sebuah karya yang cemerlang, dijiwai dengan penegasan cinta, difasilitasi oleh perasaan sang komposer sendiri: pada musim semi inilah pernikahannya dengan Natalya Alexandrovna Satina dilangsungkan.
Dilakukan pertama kali pada 11 Maret 1902 pada pertemuan simfoni kesembilan Moscow Philharmonic Society, dibawakan oleh A. Smirnov dan paduan suara pecinta musik yang dipimpin oleh A. Ziloti, kantata diterima dengan hangat oleh publik dan kritikus. N. Kashkin menulis dalam ulasannya tentang kesan kuatnya terhadap musik. Pada tanggal 8 Januari (21), 1905, kantata dibawakan di St. Petersburg oleh paduan suara Teater Mariinsky (solo oleh Chaliapin) dan juga sangat dihargai oleh komunitas musik. Untuk menyemangati komposer dan musisi Rusia, Dewan Pengawas menganugerahi Rachmaninov Hadiah Glinkin untuknya.
Musik
Kantata satu bagian, yang didedikasikan untuk pembaruan kehidupan musim semi, terdiri dari tiga bagian.Yang pertama, murni orkestra, menyampaikan kebangkitan musim semi secara bertahap. Motif utama pendek "kebisingan hijau", yang mengingatkan pada motif "nyanyian" musim semi rakyat, mula-mula terdengar dengan nada rendah, seolah-olah terbangun dari kelambanan musim dingin. Kekuatan baru berangsur-angsur bangkit, keriuhan musim semi tumbuh, dan pada klimaks yang menggembirakan, paduan suara masuk: “Kebisingan Hijau datang, Kebisingan Hijau bersenandung, Kebisingan Hijau, Kebisingan musim semi!” Kisah deklamasi bariton meledak ke dalam musik yang penuh cahaya dan kegembiraan ini dengan disonansi yang tajam: “Nyonya rumah saya Natalya Patrikeevna sederhana, Dia tidak akan memperkeruh air!” Orkestra memainkan beberapa kali dengan melodi suram dan sedih dari terompet tunggal Inggris, dan warna orkestra semakin kental. Paduan suara menyanyikan nyanyian pendek menurun dengan mulut tertutup, serta harmoni yang tegang dan bagian berwarna dari instrumen kayu yang menyampaikan deru badai. Namun setelah kata-kata monolog sang solois, “Tiba-tiba musim semi telah tiba,” tema Green Noise kembali muncul dengan tenang, seolah bertahap. Warnanya mencerahkan. Suara seruling dan bagian biola ringan muncul di orkestra - hembusan angin musim semi bertiup. Suara gembira berangsur-angsur bertambah. Nyanyian cantilena lebar yang khusyuk dan penuh pencerahan menyampaikan gagasan pokok karya: “Cintailah selama kamu mencintai, Sabarlah selama kamu mampu bertahan, Selamat tinggal sambil berpamitan, Dan Tuhan akan menjadi hakimmu!”
L.MikheevaDI ATAS. Nekrasov
Kebisingan Hijau
Kebisingan Hijau* terus berlanjut, Kebisingan Hijau, kebisingan musim semi!
Levitan I.I. Musim semi. Air besar. 1897
Dengan ceria, ia menyebar. Tiba-tiba angin kencang: Akan mengayunkan semak-semak alder, Mengangkat debu bunga, Seperti awan: semuanya berwarna hijau, Baik udara maupun air!
Bakshaev V.N. 1930 Ini dia Kebisingan Hijau, Kebisingan Hijau, kebisingan musim semi!
Byalynitsky-Birulya V.K. 1899 Nyonya rumah saya Natalya Patrikeevna sederhana, dia tidak akan membuat Anda marah dengan air! Ya, sesuatu yang buruk terjadi padanya, Bagaimana saya menghabiskan musim panas tinggal di St. Petersburg... Orang bodoh itu sendiri yang mengatakannya, Centang lidahnya!
Vinogradov S.A.Musim semi. 1911 Di dalam gubuk, seorang teman dengan seorang penipu. Musim dingin telah mengurung kami. Sang istri menatap mataku dengan tajam dan diam. Aku diam... tapi pikiranku yang keras tidak memberiku kedamaian: Bunuh... kasihan sekali hatiku! Tidak ada kekuatan untuk bertahan! Dan di sini musim dingin yang lebat Mengaum siang dan malam: “Bunuh, bunuh, pengkhianat! Singkirkan penjahat itu! Jika tidak, Anda akan tersesat selama sisa hidup Anda, Anda tidak akan menemukan kedamaian baik di siang hari maupun di malam yang panjang . Tetanggamu yang tidak tahu malu akan meludahi matamu!..” Menuju badai salju musim dingin Pikiran yang ganas semakin kuat - Aku punya pisau tajam di toko... Tapi tiba-tiba musim semi telah tiba..
Byalynitsky-Birulya V.K. 1953
Kebisingan Hijau terus berlanjut,
Kebisingan Hijau, kebisingan musim semi!
Seperti basah kuyup dalam susu,
Ada kebun ceri,
Mereka mengeluarkan suara pelan;
Dihangatkan oleh hangatnya sinar matahari,
Orang-orang bahagia membuat keributan
Hutan pinus.
Dan di sebelahnya ada tanaman hijau baru
Mereka mengoceh lagu baru
Dan pohon linden berdaun pucat,
Dan pohon birch putih
Dengan kepang hijau!
Buluh kecil mengeluarkan suara,
Pohon maple yang tinggi berisik...
Mereka membuat keributan baru
Dengan cara musim semi yang baru...
Zhukovsky S. Yu. Kebangkitan alam (Awal musim semi). 1898
Kebisingan Hijau terus berlanjut.
Kebisingan Hijau, kebisingan musim semi!
Pikiran yang keras melemah,
Pisau itu jatuh dari tanganku,
Dan aku masih mendengar lagunya
Satu - hutan dan padang rumput:
"Cinta selama kamu mencintai,
Bersabarlah selama Anda bisa
Selamat tinggal selagi selamat tinggal
Dan Tuhan akan menjadi hakimmu!”
Levitan I. I. Awal musim semi. tahun 1890-an
* Inilah yang orang sebut dengan kebangkitan alam di musim semi. (Catatan oleh N.A. Nekrasov.)
Sergei Vasilievich Rahmaninov. romansa“Saya seorang komposer Rusia, dan tanah air saya meninggalkan bekas pada karakter dan pandangan saya. Musik saya adalah buah dari karakter saya, dan oleh karena itu musik Rusia… Saya tidak memiliki negara sendiri. Saya harus pergi negara tempat saya dilahirkan, tempat saya berjuang dan menderita semua kesedihan masa muda dan tempat saya akhirnya mencapai kesuksesan.”
“Apa itu musik?!
Ini adalah malam yang tenang diterangi cahaya bulan;
Inilah gemerisik dedaunan hidup;
Ini adalah bel malam yang jauh;
Inilah yang lahir dari hati
dan masuk ke dalam hati;
Ini cinta!
Adik musik adalah puisi,
dan ibunya sedih!
Rachmaninov di piano, awal tahun 1900-an.
Dari tahun 1892 hingga 1911Sergei Vasilievich Rahmaninovmenulis 83 roman, itu adalahmereka semua diciptakanselama periode Rusia dalam hidupnya. Dalam popularitas, mereka bersaing dengan karya pianonya.Sebagian besar roman ditulis berdasarkan teks penyair lirik Rusia pada paruh kedua abad ke-19.abaddan pergantian abad ke-20 dan hanya selusin puisi karya penyair paruh pertama abad ke-19 - Pushkin, Koltsov, Shevchenko dalam terjemahan Rusia.
Rachmaninov menulis:“Saya sangat terinspirasi oleh puisi. Setelah musik, yang paling saya sukai adalah puisi. ... Saya selalu punya puisi. Puisi mengilhami musik, karena puisi sendiri mengandung banyak musik. Mereka seperti saudara kembar."
1. “Saya bukan seorang nabi” - kata-kata Alexander Kruglov. 2. “Sudah waktunya” - Nadson. 3. "Kristus Bangkit" - Merezhkovsky. 4. “Betapa menyakitkannya bagiku” oleh Glafira Galina. 5. Vokalisasi. 6. “Saya jatuh cinta dengan kesedihan saya” - Pleshcheeva (dari Shevchenko). 7. “Oh tidak, aku mohon kamu jangan pergi!” - Merezhkovsky. 8. "Pulau" - Balmont 9. Kutipan dari Musset - terjemahan oleh Apukhtin. 10. “Di sini enak” - Galina. 11. "Aku menunggumu" - Davidova. 12. “Malam ini menyedihkan” - Bunina. 13. “Jangan percaya padaku, kawan!” - Alexei Tolstoy. 14. "Jangan bernyanyi, cantik, di depanku" - Pushkin 15. "Doa" - Pleshcheeva (dari Goethe). 16. Sudah berapa lama, temanku - Golenishcheva-Kutuzova. 17. "Mata Air" - Tyutcheva.
Dalam roman Rachmaninovsegala sesuatu yang digabungkan dalam idenya tentang Tanah Air tercermin - jiwa orang Rusia, cintanya pada tanahnya, pikirannya, lagunya.Gambaran alam digunakan tidak hanya untuk mengekspresikan suasana hati yang tenang dan kontemplatif. Terkadang mereka membantu mewujudkan perasaan yang penuh badai dan penuh gairah. Kemudian lahirlah roman-roman yang bersifat virtuoso, dibedakan berdasarkan luasnya bentuk, kekayaan warna, kecemerlangan dan kerumitan penyajian piano. Romansa "Spring Waters" ditulis dengan gaya ini, dengan lirik oleh Tyutchev. Ini adalah gambaran musik musim semi Rusia, puisi perasaan antusias dan gembira.
“Lilac” menurut kata-kata Beketova adalah salah satu mutiara paling berharga dari lirik Rachmaninov. Musik roman ini ditandai oleh kealamian dan kesederhanaan yang luar biasa, perpaduan yang luar biasa antara perasaan liris dan gambaran alam.
Tempat yang sangat istimewa dalam lirik vokal Rachmaninov ditempati oleh “Vocalise,” yang ditulis pada tahun 1915 (didedikasikan untuk penyanyi hebat Nezhdanova). Unsur gaya lagu daerah di sini mengalir secara organik ke dalam melodi, ditandai dengan individualitas yang cerah. Keterkaitan antara “Vokalisasi” dan lagu Rusia yang masih melekat dibuktikan dengan luasnya melodi, sifat perkembangannya yang santai, dan bahasa yang harmonis.
Bunga sakura burung di jendelaku,
Mekar sambil berpikir di bawah jubah perak...
Dan dengan dahan yang segar dan harum, ia membungkuk dan berseru...
Kelopak udaranya yang berkibar
Aku dengan senang hati menarik napas ceria,
Aroma manisnya mengaburkan pikiranku,
Dan mereka menyanyikan lagu cinta tanpa kata-kata...
Galina Galina
bunga aster
Oh lihat! berapa banyak bunga aster -
Baik di sana maupun di sini...
Mereka sedang mekar; banyak dari mereka; kelebihan mereka;
Mereka sedang mekar.
Kelopaknya berbentuk segitiga seperti sayap,
Seperti sutra putih...
Anda adalah kekuatan musim panas! Anda adalah kebahagiaan yang berlimpah!
Anda adalah resimen yang cerdas!
Siapkanlah, hai bumi, minuman untuk bunga-bunga dari embun,
Beri sari pada batangnya...
Oh gadis-gadis! oh, bintang bunga aster!
Aku mencintaimu...
Igor Severyanin
Romansa yang bersifat liris-lanskap merupakan salah satu bidang terpenting dalam lirik vokal Rachmaninoff. Elemen lanskap menyatu dengan konten psikologis utama atau kontras dengannya. Beberapa dari karya ini dirancang dengan warna cat air yang meriah, memiliki karakter yang tenang dan kontemplatif, serta dibedakan oleh kehalusan dan puisi.
istoriyamuziki.narod.ru ›rahmaninov-vokal-tvor.html
