Pernahkah Anda memperhatikan bahwa tokoh utama tragedi Shakespeare berangsur-angsur menjadi tua? Hal ini bisa kita nilai karena kronologi lakon-lakon Shakespeare sudah diketahui. Romeo muda ("Romeo and Juliet", c. 1595), Hamlet yang berusia tiga puluh tahun ("Hamlet", c. 1600), pejuang Othello yang berani dan dewasa ("Othello", c. 1603), King Lear tua (" King Lear”, ca. 1605) dan abadi, tanpa usia, Prospero (The Tempest, ca. 1611). Hal ini dapat dijelaskan dengan beberapa alasan psikologis atau filosofis, dapat dikatakan bahwa pengarang lakon itu sendiri sedang tumbuh dewasa, pahlawan lirisnya semakin tua dan bijaksana. Tetapi ada penjelasan yang jauh lebih sederhana: semua peran ini ditulis untuk satu aktor - untuk Richard Burbage, yang memimpin rombongan teater, di mana Shakespeare adalah seorang aktor. Burbage memainkan Romeo, dan Hamlet, dan Othello, dan Macbeth, dan Prospero, dan banyak peran lainnya. Dan seiring bertambahnya usia Burbage, begitu pula pahlawan Shakespeare.

Ini hanyalah salah satu contoh bagaimana teks-teks Shakespeare terkait erat dengan teater yang ditulis oleh Shakespeare. Dia tidak menulis untuk pembaca. Dia, seperti kebanyakan orang pada masanya, tidak memperlakukan lakon sebagai sejenis sastra. Dramaturgi saat itu baru mulai menjadi sastra. Drama diperlakukan sebagai bahan untuk aktor, sebagai bahan mentah untuk teater. Tidak boleh diasumsikan bahwa Shakespeare, yang menulis drama, sedang memikirkan tentang keturunan, tentang apa yang akan dikatakan oleh generasi mendatang. Dia menulis bukan hanya drama, dia menulis pertunjukan. Dia adalah seorang penulis drama dengan pola pikir penyutradaraan. Dia menulis setiap peran untuk aktor tertentu dari rombongannya. Dia menyesuaikan sifat-sifat karakter dengan sifat-sifat aktor itu sendiri. Kita, misalnya, tidak perlu heran ketika, di akhir Hamlet, Gertrude mengatakan tentang Hamlet bahwa dia gemuk dan sesak napas. Ini mengejutkan: bagaimana? Hamlet - perwujudan keanggunan, perwujudan kecanggihan dan melankolis halus - tiba-tiba gemuk dan sesak napas? Ini dijelaskan secara sederhana: Burbage, yang berperan sebagai Hamlet, bukan lagi seorang anak laki-laki, tetapi seorang pria yang bertubuh kuat dan kuat.

Mandelstam dalam satu artikel "Teater Seni dan Kata" (1923). Ada rumus yang bagus: "Arah tersembunyi di dalam kata." Dalam kata Shakespeare, penyutradaraan ini tersembunyi (atau terbuka) dengan cara yang paling jelas. Dia menulis pertunjukan, dia membuat mise-en-scene.

Dalam Novel Teater Bulgakov ada momen ketika tokoh utama Maksudov, yang baru saja mengarang cerita Salju Hitam, tiba-tiba, tanpa diduga untuk dirinya sendiri, mengubahnya menjadi sebuah drama. Dia sedang duduk di meja, di sebelahnya ada seekor kucing kotor, sebuah lampu tua di atas kepalanya. Dan tiba-tiba dia merasa bahwa di depannya di atas meja ada sebuah kotak tempat sosok-sosok kecil bergerak. Ada yang menembak, ada yang tewas, ada yang bermain piano, dan seterusnya. Saat itulah dia menyadari bahwa dia sedang mengarang drama.

Hal serupa terjadi dengan Shakespeare. Hanya di depannya bukan kotak panggung, tetapi ruang terbuka Teater Globe, dengan panggungnya menabrak auditorium, sehingga penonton mengelilinginya dari tiga sisi - dan karenanya mise-en-scenes tidak datar. , tapi banyak. Dan Hamlet, mengatakan "menjadi atau tidak menjadi", melihat sekelilingnya, di sampingnya, wajah-wajah penuh perhatian dari publik. Penonton yang untuknya dan hanya untuk siapa semua lakon ini ditulis. Shakespeare adalah bagian dari realitas teatrikal ini. Dia menjalani seluruh hidupnya di antara para aktor, di antara percakapan aktor, di antara alat peraga yang sedikit. Dia adalah seorang pria teater. Dia membangun dramanya di ruang panggung khusus ini. Dia tidak hanya menulis peran untuk para aktor rombongannya, dia menyesuaikan struktur dramanya dengan struktur panggung Globe atau teater tempat rombongannya bermain.

Ada tiga ruang panggung di Globe: ada panggung utama, ada panggung atas yang menggantung di atas panggung utama seperti balkon, dan ada panggung dalam yang dipisahkan dari panggung utama oleh tirai. Tidak ada tirai di depan panggung utama. Shakespeare mengatur lakonnya sehingga jelas di mana adegan tertentu berlangsung, bagaimana penggunaan panggung atas, panggung dalam, penggunaan gubuk di bagian paling atas panggung, tempat mekanisme pengangkatan dipasang, berubah. Artinya, dia menulis drama itu. Dan betapa tugas yang menarik - yang telah kami lakukan dengan siswa selama bertahun-tahun - mengekstraksi pertunjukan dari teks drama! Dari teks "Hamlet" kami mengekstrak pemutaran perdana "Hamlet" karena "Hamlet" dimainkan di "Globe" pada 1601, saat drama ini ditulis.

Jika Anda membaca drama Shakespeare dari sudut pandang ini, maka tiba-tiba wajah-wajah yang hidup, mise-en-scene yang hidup, metafora teatrikal yang hidup mulai muncul di hadapan Anda dari halaman-halaman ini. Ini mungkin hal yang paling indah. Dan ini membuktikan bahwa Shakespeare adalah seorang ahli teater sampai ke sumsum tulangnya, dan bahwa teater, pada dasarnya, dulu dan sekarang, adalah instrumen utama yang digunakan Shakespeare untuk berkomunikasi dengan dunia. Betapapun pentingnya studi filologis, studi tentang ide-ide filosofis Shakespeare, dunianya, pertama-tama, adalah panggung, teater.

Tidak adanya tirai di depan panggung utama menentukan struktur lakon. Misalnya, jika seseorang terbunuh di atas panggung - dan di Shakespeare, seperti yang Anda ketahui, ini sering terjadi, terutama di awal drama. Ada banyak darah di beberapa "Titus Andronicus", lakon itu dimulai dengan fakta bahwa sisa-sisa dua puluh, menurut saya, empat putra pahlawan dibawa ke atas panggung "Empat belas pembunuhan, tiga puluh empat mayat, tiga tangan terputus, satu lidah terputus - begitulah daftar kengerian yang mengisi tragedi ini." A.A.Anikst. Titus Andronicus. // William Shakespeare. Karya yang terkumpul. T.2.M., 1958.. Dan apa yang tidak ada di sana - potong tangan, potong lidah. Mereka membunuh Shakespeare sepanjang waktu. Apa yang harus dilakukan dengan orang mati di atas panggung? Di mana harus meletakkannya? Di teater modern, lampu dimatikan atau tirai ditutup. Aktor yang berperan sebagai pahlawan yang baru saja terbunuh bangkit dan pergi ke belakang panggung. Apa yang harus dilakukan di sini? Mengingat pertunjukan dilakukan di siang hari, tidak ada pencahayaan buatan. Ngomong-ngomong, tidak ada jeda juga. Sebagian besar penonton berdiri. (Bayangkan betapa Anda harus mencintai teater untuk berdiri di bawah langit terbuka London tanpa jeda selama dua setengah, tiga jam.)

Jadi, di atas panggung, ada yang terbunuh atau ada yang meninggal. Misalnya, dalam kronik Shakespeare Henry IV, Raja Henry IV meninggal. Dia menyampaikan monolog perpisahan yang panjang dan sangat dalam yang ditujukan kepada putranya. Dan tiba-tiba dia mengajukan pertanyaan aneh: "Apa nama kamar sebelah?" Saya tidak berpikir ini adalah pertanyaan utama yang ditanyakan oleh orang yang sekarat. Mereka menjawabnya: "Jerusa-Lim, Sovereign." Dia berkata, "Bawa saya ke aula berikutnya, karena telah diramalkan bahwa saya akan mati di Yerusalem."

Ada banyak contoh seperti itu. Misalnya, mengapa Hamlet membawa mati Polonius? Dan kemudian, membebaskan panggung dari kematian, karena tirai tidak bisa ditutup. Seseorang dapat membangun banyak asumsi tentang mengapa Fortinbras dibutuhkan di akhir Hamlet. Apa makna filosofis, psikologis, historis dari karakter misterius ini? Satu hal yang sangat jelas: Fortinbras diperlukan untuk membawa mayat-mayat, yang banyak di antaranya ada di atas panggung di akhir musim. Secara alami, makna keberadaannya tidak hanya dalam hal ini, tetapi juga salah satu fungsi teatrikalnya yang murni.

Tentu saja, Shakespeare bukanlah rangkaian trik teatrikal. Pandangannya tentang teater cukup dalam dan filosofis. Salah satu motif utama karya Shakespeare adalah gagasan bahwa seluruh alam semesta diatur seperti teater. Teater adalah model dunia. Ini adalah mainan yang Tuhan ciptakan untuk dirinya sendiri agar dia tidak bosan di ruang tanpa batas ini, dalam kesepian yang tak ada habisnya ini. Teater adalah dunia. Sejarah adalah teater. Hidup adalah teater. Hidup itu teatrikal. Orang-orang adalah aktor di panggung teater dunia. Inilah salah satu motif utama kreativitas Shakespeare, yang membawa kita keluar dari ranah adaptasi teatrikal dan teknis murni ke ranah pemahaman dunia.

Di atas kepala para aktor di Teater Globe ada kanopi yang disebut "surga". Underfoot adalah palka, yang disebut "neraka, dunia bawah". Aktor bermain antara surga dan neraka. Ini adalah model yang luar biasa, potret indah seorang pria Renaisans, menegaskan kepribadiannya di ruang kosong makhluk, mengisi kekosongan antara langit dan bumi ini dengan makna, gambar puitis, objek yang tidak ada di atas panggung, tetapi di kata. Oleh karena itu, ketika kita berbicara tentang Shakespeare sebagai seorang teater, kita harus ingat bahwa teaternya adalah model alam semesta.

Dekripsi

Itu pada 1607, menurut saya - pada bulan September. Dua kapal dagang Inggris berlayar dari London ke India mengelilingi Afrika di sepanjang rute yang dibuka oleh Vasco da Gama. Karena perjalanannya panjang, kami memutuskan untuk berhenti di dekat Sierra Leone - untuk beristirahat dan mengisi kembali perbekalan. Salah satu kapal disebut Naga Merah dan dikapteni oleh William Keeling. Di log kapal, dia menulis bahwa dia memerintahkan para pelaut untuk memainkan permainan tepat di geladak. Rekor ini dibuka pada akhir abad ke-19 - sebelumnya tidak pernah terpikir oleh siapa pun untuk mencari sesuatu tentang Shakespeare di arsip Angkatan Laut.

Drama apa yang dipilih untuk seorang pelaut yang buta huruf? Pertama, itu harus sangat efektif. Kedua, semakin banyak pembunuhan dalam sebuah drama, semakin baik. Ketiga, harus ada cinta. Keempat, lagu. Kelima, para pelawak bercanda dan bercanda tanpa henti. Tentunya inilah yang diharapkan oleh penonton pelaut yang benar-benar buta huruf dari pertunjukan tersebut.

Keeling memilih karya yang akan dimainkan para pelaut untuk para pelaut. Itu disebut "Hamlet" dan para pelaut sangat menyukainya - lalu mereka memainkannya lagi, sudah berlayar melintasi Samudra Hindia. Tidak seperti kami, mereka tidak melihat teka-teki dalam drama ini. Bagi mereka, itu adalah salah satu tragedi balas dendam yang populer, salah satu tragedi berdarah yang ditulis pendahulu Shakespeare, Thomas Kyd. (Ngomong-ngomong, kemungkinan besar penulis Hamlet pra-Shakespeare.)

Genre drama berdarah ini bermuara pada serangkaian fitur konstan. Pertama, ini adalah cerita tentang pembunuhan rahasia. Kedua, pasti ada hantu yang muncul di dalamnya, memberi tahu siapa yang dibunuh dan siapa yang dibunuh. Ketiga, lakon itu harus memiliki pertunjukan teater. Dan seterusnya. Ngomong-ngomong, lakon anak-anak Tragedi Spanyol yang sangat populer saat itu dibangun dengan cara ini. Di mata para pelaut, Shakespeare's Hamlet secara alami memasuki genre yang populer, dicintai, dan pada dasarnya sangat sederhana ini.

Apakah orang-orang buta huruf ini (yang sebenarnya tidak berbeda dengan penonton Teater Globe Shakespeare - pengrajin semi-melek huruf) melihat di Hamlet apa yang dilihat oleh generasi selanjutnya, apa yang kita lihat? Jawabannya jelas: tentu saja tidak. Mereka menganggap drama ini tanpa membedakannya dari drama detektif serupa lainnya. Apakah Shakespeare menghitung saat menulis Hamlet bahwa waktunya akan tiba ketika umat manusia di masa depan akan mengungkapkan semua kebenaran besar yang dia masukkan ke dalam drama ini? Jawabannya juga jelas: tidak. Pria yang ingin dramanya bertahan hidup mengurus penerbitannya. Cobalah untuk berdebat dengannya. Shakespeare tidak hanya tidak peduli dengan publikasi dramanya - dia sering mencegahnya. Pada saat itu, dramaturgi dianggap sebagai masalah teater murni - dan drama Shakespeare dan orang-orang sezamannya diterbitkan karena berbagai alasan yang seringkali tidak disengaja.

Misalnya, ada cerita seperti itu hanya dengan Hamlet. Pada 1603, edisi pertama Hamlet diterbitkan, yang disebut edisi bajakan, dengan teks yang diringkas, terdistorsi, dan rusak, tidak terlalu mirip dengan yang kita kenal. Teks itu dicuri dan diterbitkan bertentangan dengan keinginan rombongan dan penulisnya. Meskipun kehendak penulis kemudian berarti sedikit. Drama itu sepenuhnya dimiliki oleh rombongan. Jika teater tiba-tiba tutup di London (misalnya karena wabah penyakit), maka rombongan tersebut, untuk menyelamatkan teksnya, terpaksa membawa lakon tersebut ke penerbit dan menjualnya seharga satu sen.

"Hamlet" adalah drama yang sangat populer baik di kalangan pelaut maupun pengrajin, dan di kalangan intelektual humanis. Semua orang menyukai Hamlet, seperti yang ditulis oleh kontemporer Shakespeare.

Jadi, kalau dipikir-pikir, di abad ke-20, mereka mulai mencari tahu bajingan apa yang menjual teks Shakespeare? Karena tepat satu tahun setelah edisi bajakannya keluar, rombongan Shakespeare menerbitkan teks aslinya. Faktanya adalah rombongan itu sendiri sangat prihatin agar lakon itu tidak dicuri. Dan penerbit ingin mendapatkan teks drama tersebut dengan cara apa pun, jika itu sukses. Kadang-kadang mereka mengirim stenografer, dan mereka mencatat dengan telinga, meskipun kondisinya sangat buruk - pertunjukannya di siang hari, dan tidak ada tempat untuk bersembunyi. Para aktor, setelah menemukan seseorang yang menulis teks pertunjukan, dapat memukulinya sampai setengah mati.

Dan terkadang penerbit menyuap beberapa aktor untuk mereproduksi teks dari ingatan. Sebagai kenang-kenangan, karena tidak ada satu aktor pun yang menerima teks dari keseluruhan lakon, hanya daftar perannya.

Dan sekarang, lebih dari tiga abad setelah drama itu ditulis, para sejarawan memutuskan untuk mengungkap penjahat itu. Mereka berangkat dari asumsi yang sangat sederhana. Aktor ini, tentu saja, paling tahu teks perannya dan teks adegan yang melibatkan karakternya. Para peneliti membandingkan dua teks drama, bajakan dan asli. Ternyata teks dari hanya tiga peran kecil benar-benar bertepatan. Faktanya adalah rombongan Shakespeare terdiri, seperti rombongan lain pada masa itu, pemegang saham - aktor yang bertugas di saham dan menerima gaji tergantung pada pendapatan teater. Dan untuk peran kecil, dalam adegan massal, mereka menyewa aktor dari luar. Sangat jelas bahwa bajak laut (ini istilah saat itu) yang menjual teks memainkan tiga peran kecil ini dalam tiga adegan berbeda - dan oleh karena itu peran tersebut ditransmisikan dengan keaslian yang lengkap. Salah satunya adalah penjaga Marcellus dari babak pertama, yang mengucapkan kata-kata terkenal "Sesuatu telah membusuk di negara bagian Denmark." Dapat dimengerti bahwa monolog filosofis paling sulit bagi bajak laut. Cobalah untuk mengingat "Menjadi atau tidak menjadi". Oleh karena itu, pada edisi kali ini, monolog Hamlet direproduksi dengan cara yang paling menyedihkan. Bajak laut itu menambahkan sesuatu sendiri. Ingat, Hamlet membuat daftar kemalangan yang menimpa kepala orang, dan bertanya siapa yang akan menanggung "penindasan dari yang kuat ... menilai kelambanan"? Ke daftar kemalangan ini, bajak laut menambahkan "penderitaan anak yatim dan kelaparan yang parah". Jelas bahwa itu melarikan diri dari jiwanya.

Setelah kejadian ini, pencurian tidak pernah terjadi lagi. Ada kemungkinan bahwa para aktor rombongan Shakespeare sendiri yang menangkap tangan bajingan malang ini - dan orang hanya dapat membayangkan apa yang mereka lakukan padanya.

Mengapa saya ingat cerita ini? Ini adalah salah satu dari seribu contoh bagaimana nasib teks Shakespeare dikaitkan dengan nasib teater di era Shakespeare, dengan kehidupan rombongannya dan penontonnya, untuk siapa drama hebat ini ditulis.

Sangat mudah untuk menertawakan buta huruf publik, betapa gelap dan kasarnya mereka. Tetapi pada saat yang sama, itu adalah audiens yang ideal. Itu adalah penonton yang sangat cantik, siap untuk percaya pada semua yang terjadi di atas panggung. Ini adalah penonton yang dibesarkan di gereja untuk berkhotbah, masih mengingat pengalaman pertunjukan misteri abad pertengahan. Itu adalah audiensi di mana ada kepolosan ilahi. Dalam audiensi ini, yang ditulis oleh Shakespeare dan yang secara langsung dia andalkan, ada properti keyakinan mutlak yang fantastis dan patut ditiru, yang pada dasarnya menghilang di teater modern. Keyakinan, yang tanpanya tidak ada teater yang hebat.

Dekripsi

Komedi Shakespeare tidak sesuai dengan ide genre komedi di mana kita dibesarkan. Kita diajari bahwa tertawa adalah ejekan. Kami terbiasa dengan fakta bahwa komedi dan sindiran adalah hal yang sama. Komedi Shakespeare adalah karya misteri, sihir, dan keanehan ("Saya lahir di bawah bintang dansa," kata Beatrice dalam Much Ado About Nothing). Ini adalah contoh paling unik dari komedi Renaisans, terlepas dari jalur tradisional perkembangan komedi dunia, yang telah berkembang sebagai satir, dengan tawa sarkastik yang memusnahkan, marah, (tipe Moliere).

Shakespeare tertawa berbeda. Ini adalah tawa kegembiraan di hadapan dunia. Ini adalah tawa puitis, di mana pendidihan vitalitas yang benar-benar renaissance-esensial tumpah keluar. Tawa ini menjadi pernyataan cinta pada dunia, pada rerumputan, pada hutan, pada langit, pada manusia.

Komedi tradisional, jenis Molière, adalah komedi yang mengejek. Komedi Shakespeare adalah komedi tawa. Pahlawan tipe Moliere-Gogolian diejek, karakter satir, paling sering orang tua. Pahlawan Shakespeare adalah kekasih muda yang berkeliaran di dunia untuk mencari kebahagiaan, orang-orang yang menemukan dunia untuk diri mereka sendiri. Mereka jatuh cinta untuk pertama kalinya, mereka cemburu, mereka marah - semuanya untuk pertama kalinya. Dan intinya bukan hanya para pahlawan Shakespeare itu sendiri masih muda, tetapi juga mereka membawa semangat era muda, era yang menemukan dunia untuk dirinya sendiri. Karenanya rasa orisinalitas menggoda yang merupakan daya tarik fantastis dari drama Shakespeare. Bagi orang modern - ironis, sarkastik, tidak terlalu percaya pada apapun - komedi Shakespeare terkadang berubah menjadi misteri, rahasia dengan tujuh meterai.

Ngomong-ngomong, inilah mengapa seseorang dapat menyebutkan lusinan produksi tragedi besar di teater abad ke-20 - dan produksi komedi hebat yang tak terhitung jumlahnya. Sangat mudah untuk membayangkan seorang sutradara yang menghabiskan seluruh hidupnya bekerja untuk mengarahkan Hamlet. Tapi saya ingin melihat seorang sutradara yang telah mempersiapkan seluruh hidupnya untuk produksi The Taming of the Shrew. Ini tidak mungkin. Abad ke-20 dan ke-21 lebih terbuka untuk tragedi. Mungkin karena komedi Shakespeare penuh dengan kebahagiaan, penuh dengan pancaran kegembiraan yang memusingkan - kegembiraan dari keberadaan itu sendiri, kegembiraan karena seseorang dilahirkan, kegembiraan menemukan dunia, dan manusia, dan cinta.

Komedi Shakespeare sangat berbeda. Ada jarak yang sangat jauh antara The Taming of the Shrew atau The Comedy of Errors di satu sisi dan A Midsummer Night's Dream atau Twelfth Night di sisi lain. Namun ada konsep komedi Shakespeare sebagai genre integral khusus. Salah satu ciri khas genre ini adalah banyak komedi yang menceritakan kisah yang sama - kisah kekasih muda dari dunia yang dramatis dan bermusuhan, dunia dengan hukum keras yang mengejar, menghancurkan cinta, melarikan diri ke hutan. Dan hutan menyelamatkan dan melindungi mereka. Semua derita dan drama yang membuat mereka menderita sirna di hutan. Hutan sebagai gambaran alam merupakan salah satu gambaran sentral seni Renaisans. Dia, seperti musik, membawa orang kembali ke alamnya sendiri. (Bagi orang Renaisans, musik adalah simbol keberadaan, gambaran struktur Alam Semesta. Inilah yang dipinjam oleh orang Renaisans dari Pythagoras kuno: musik sebagai hukum keberadaan Semesta. Komedi Shakespeare dipenuhi dengan hal seperti itu musik.)

Di As You Like It, Rosalind dan kekasihnya Orlando melarikan diri dari kastil tiran Frederick ke hutan dan menemukan harmoni, kedamaian, dan kebahagiaan di sana. Rosalind adalah salah satu pahlawan super-artistik Shakespeare yang paling cemerlang, sempurna, dan rentan terhadap permainan dan transformasi. Secara umum, para pahlawannya - artis, aktor - sering menemukan kebahagiaan sejati di dalam game.

Namun berbeda dengan yang terjadi di pastoral Pastoral- genre dalam seni yang menyairkan kehidupan pedesaan yang damai dan sederhana, di mana para pahlawan juga lari ke alam dari masalah kehidupan sehari-hari, para pahlawan komedi Shakespeare setiap kali kembali ke dunia - tetapi ke dunia yang telah diselamatkan dan diperbarui oleh hutan. Konfrontasi ini bisa disebut plot utama komedi Shakespeare - konfrontasi antara dunia yang keras, tradisional, bodoh, konservatif, kejam dan dunia kebebasan yang ditemukan orang di hutan.

Ini adalah hutan peri. Dalam komedi As You Like It, pohon palem tumbuh dan singa hidup di dalamnya, meskipun aksinya terjadi di suatu tempat antara Prancis dan Belgia. Dalam A Midsummer Night's Dream, elf dan makhluk ajaib hidup di hutan. Ini adalah dunia kerajaan yang jauh, mimpi yang menjadi kenyataan - di satu sisi. Di sisi lain, itu adalah hutan Inggris. Hutan Sherwood yang sama dari balada tentang Robin Hood (seperti dalam "Two Veronians", di mana para perampok yang tinggal di antara Milan dan Verona bersumpah demi kepala botak seorang biksu tua dari kelompok Robin Hood yang berani). Atau Hutan Arden dalam lakon As You Like It juga merupakan hutan dekat Stratford, tempat Shakespeare menghabiskan masa kecilnya dan tempat tinggal elf menurut kepercayaan populer - makhluk terbang inkorporeal yang memenuhi udara hutan ini. Ini adalah tanah ajaib, tetapi juga Elizabethan England. Komedi As You Like It berbicara tentang orang-orang yang tinggal di hutan ini sebagai orang buangan, seperti di zaman Robin Hood. Citra komedi Shakespeare juga merupakan citra Inggris kuno. Robin Hood Tua Inggris.

Dalam kronik "Henry V", seorang wanita yang berdiri di dekat ranjang kematian Falstaff, pahlawan komik terbesar Shakespeare, mengatakan bahwa sebelum kematiannya dia bergumam tentang beberapa ladang hijau. Ini adalah ladang hijau Inggris kuno, ladang Robin Hood Inggris kuno. Inggris yang hilang selamanya, dari mana drama Shakespeare mengucapkan selamat tinggal. Mereka mengucapkan selamat tinggal, merasakan nostalgia akan dunia yang sederhana dan indah ini, yang ditangkap dengan kedalaman, pesona, dan kesederhanaan dalam komedi Shakespeare.

Saya meminjam akhir kuliah dari seorang ilmuwan Amerika. Memberikan ceramah tentang komedi Shakespeare kepada murid-muridnya, dia mengakhirinya seperti ini: "Bagaimana mendefinisikan dunia komedi Shakespeare? Mungkin cara terbaik untuk mendefinisikan dunia komedi Shakespeare adalah ini. Ini adalah dunia di mana ada siswa tetapi tidak ada kuliah.”

Dekripsi

Shakespeare's Chronicles adalah drama sejarah dari masa lalu Inggris, terutama dari abad ke-14 hingga ke-15. Sangat menarik untuk memahami mengapa di Inggris Shakespeare, tidak hanya di kalangan humanis, ilmuwan, sejarawan, tetapi juga di kalangan masyarakat umum, terdapat minat yang begitu besar terhadap sejarah nasional. Menurut pendapat saya, jawabannya sudah jelas. Ketika pada tahun 1588 Armada Spanyol yang Tak Terkalahkan - armada besar dengan puluhan ribu tentara di dalamnya - berangkat untuk menaklukkan Inggris, ternyata nasib Inggris tergantung pada keseimbangan. Siapa yang bisa membayangkan bahwa badai akan membubarkan kapal-kapal Spanyol, dan komandan angkatan laut Inggris akan mampu menghancurkan armada besar ini. Ada saat ketika tampaknya Inggris berada dalam bencana nasional. Dan ancaman ini, firasat bencana ini menyatukan negara, menyatukan semua kelas. Inggris merasa seperti bangsa yang belum pernah ada sebelumnya. Dan seperti yang terjadi di saat-saat bahaya nasional, seni, dan hanya kesadaran orang-orang, beralih ke masa lalu - sehingga bangsa Inggris dapat menemukan asal-usul takdir sejarahnya di sana dan menemukan harapan untuk kemenangan di sana. Pada gelombang penyatuan nasional, genre dramatis khusus dari kronik sejarah ini muncul.

Dapat dikatakan bahwa dalam kronik Shakespeare, pandangan humanis Renaisans tentang sejarah diungkapkan dengan sangat lengkap. Itu didasarkan pada gagasan bahwa esensi sejarah adalah esensi ketuhanan, bahwa di balik proses sejarah ada kehendak super, kehendak ilahi, keadilan absolut. Mereka yang melanggar hukum sejarah, mereka yang melanggar hukum moral, akan binasa. Tetapi penting bahwa motif dan gambaran yang paling teatrikal dan menarik secara manusiawi dari kronik Shakespeare justru ada dalam cerita tentang mereka yang melanggar segala macam hukum. Contoh paling mencolok adalah Richard III. Monster, monster, penjahat, suaka, pembunuh, fitnah, pemerkosa. Tetapi ketika di awal permainan dia muncul di atas panggung, dia menoleh kepada kami dengan sebuah pengakuan. Sungguh ide yang aneh untuk memulai permainan dengan pengakuan. Betapa anehnya membangun lakon sedemikian rupa sehingga di adegan pertama sang pahlawan mengungkapkan jiwanya yang mengerikan. Sungguh pelanggaran yang mengerikan terhadap semua hukum struktur drama! Bagaimana cara mengembangkan acara lebih lanjut? Tapi Shakespeare adalah seorang jenius, dan dia berada di atas hukum. Dan "Richard III" adalah bukti yang luar biasa.

Dan intinya bukanlah bahwa drama itu dimulai dengan sebuah pengakuan, tetapi bahwa kita tiba-tiba jatuh di bawah pesona yang angkuh, daya tarik khusus yang mengerikan dari orang aneh, penjahat, bajingan, pembunuh, tempat perlindungan ini. Dosa-dosanya tidak ada habisnya. Tapi inilah sosok jenius, berkulit hitam, tapi jenius, pria yang terlahir untuk memerintah. Di sebelahnya, politisi berdosa atau berbudi luhur lainnya tampak seperti anak kecil. Nyatanya, untuk menguasai mereka, dia menghabiskan terlalu banyak energi. Di atas domba jantan yang pendiam ini, para pengecut yang pendiam, kemenangan lebih mudah daripada kemenangan yang mudah.

Richard III pertama dan terutama adalah aktor hebat. Dia menikmati proses permainan munafik, mengganti topeng. Di sini semua aturan moral, semua gagasan tradisional tentang kebaikan dan kejahatan runtuh. Mereka runtuh sebelum terpilihnya sosok yang mengerikan, mengerikan, tetapi benar-benar hebat ini.

Betapa mudahnya pria bungkuk, aneh, dan lumpuh ini mengalahkan Lady Anne. Ini adalah adegan paling terkenal dalam lakon itu, meski hanya berlangsung sekitar sepuluh menit. Awalnya, Lady Anne membencinya, meludahi wajahnya, mengutuknya karena dia adalah pembunuh suaminya dan ayah suaminya, Henry VI. Dan di akhir adegan, dia menjadi miliknya - begitulah keinginan super, kekuatan super mengerikan yang menghancurkan semua ide baik dan jahat. Dan kita jatuh di bawah mantranya. Kami menunggu jenius jahat ini akhirnya muncul di atas panggung. Aktor sepanjang masa memuja peran ini. Dan Burbage, yang merupakan penampil pertama, dan Garrick di abad ke-18, dan Edmund Keane di abad ke-19, dan di akhir abad ke-19, Henry Irving, dan Laurence Olivier. Dan jika kita berbicara tentang teater kita, maka lakon Robert Sturua tetap menjadi contoh yang bagus. Robert Sturu(lahir 1938) - sutradara teater, aktor, guru.. Ramaz Chkhikvadze dengan gemilang memainkan setengah manusia, setengah monster ini.

Binatang buas ini dilahirkan untuk memerintah, tetapi kematiannya tidak bisa dihindari. Karena dia memberontak melawan sejarah, melawan apa yang digabungkan dalam Shakespeare dalam motif utama kronik. Dia, seorang pemberontak, memberontak melawan waktu, melawan Tuhan. Bukan kebetulan bahwa ketika Keane memainkan peran ini, pandangan terakhir dari Richard yang sekarat adalah pandangan ke langit. Dan itu adalah tampilan musuh yang keras kepala dan tak kenal ampun. "Richard III" adalah salah satu contoh bagaimana kejeniusan Shakespeare mengatasi hukum etika. Dan kami mendapati diri kami berada di bawah kekuasaan jenius kulit hitam ini. Monster ini, penjahat, nafsu akan kekuasaan, tidak hanya mengalahkan Lady Anna, dia juga mengalahkan kita. (Terutama jika Richard diperankan oleh aktor hebat. Misalnya, Laurence Olivier. Itu adalah peran terbaiknya, yang dia mainkan pertama kali di teater, dan kemudian di film yang disutradarai oleh dirinya sendiri.)

Kronik Shakespeare telah lama dianggap sebagai risalah de-ideologi dalam sejarah. Kecuali "Richard III", yang selalu dipentaskan dan selalu digandrungi para aktornya. Semua "Henry VIs" yang tak berujung ini, bagian satu, bagian dua, bagian tiga, "Henry IV", bagian satu, bagian dua, semua "King Johns" ini lebih menarik bagi sejarawan, tetapi tidak untuk teater.

Baru pada tahun 1960-an di Stratford Peter Hall, yang mengelola Teater Royal Shakespeare, mementaskan siklus kronik Shakespeare yang disebut The Wars of the Roses. Perang Scarlet dan Mawar Putih, atau Perang Mawar, (1455-1485) - serangkaian konflik dinasti bersenjata antara faksi bangsawan Inggris yang memperebutkan kekuasaan.. Dia mengaturnya sedemikian rupa sehingga hubungan antara drama sejarah Shakespeare dan Brecht, drama sejarah Shakespeare dan drama dokumenter pertengahan abad ke-20, menjadi jelas. Hubungan antara kronik Shakespeare dan "teater kekejaman" Antonin Artaud Antonin Artaud(1896-1948) - Penulis Prancis, penulis drama, aktor dan ahli teori, inovator bahasa teater. Dasar dari sistem Artaud adalah penolakan teater dalam pengertian biasa dari fenomena ini, teater yang memenuhi tuntutan tradisional masyarakat. Tugas terpenting adalah menemukan arti sebenarnya dari keberadaan manusia melalui penghancuran bentuk-bentuk acak. Istilah "kekejaman" dalam sistem Artaud memiliki makna yang secara fundamental berbeda dengan makna sehari-hari. Jika dalam pengertian biasa kekejaman dikaitkan dengan perwujudan individualisme, maka menurut Artaud kekejaman adalah penyerahan diri secara sadar pada kebutuhan yang bertujuan untuk menghancurkan individualitas.. Peter Hall meninggalkan sentimen patriotik tradisional, dari segala upaya untuk memuliakan kebesaran Kerajaan Inggris. Dia mementaskan pertunjukan tentang wajah perang yang mengerikan, jelek, dan tidak manusiawi, mengikuti jejak Bertolt Brecht dan belajar darinya untuk melihat sejarah.

Sejak itu, sejak 1963, ketika Peter Hall mementaskan siklus sejarahnya di Stratford, nasib teater kronik Shakespeare telah berubah. Mereka memasuki teater dunia dengan luas yang sebelumnya sama sekali tidak mungkin. Dan hingga hari ini, kronik Shakespeare dilestarikan dalam repertoar teater modern, terutama bahasa Inggris dan teater kita sendiri.

Saya ingat drama luar biasa yang dipentaskan Henry IV pada akhir 1960-an oleh Georgy Tovstonogov di Teater Drama Bolshoi. Dan betapa cemerlang nasib panggung Rusia di "Richard III". Bukannya saat mereka mementaskan "Richard III", mereka mengingat sejarah kita, sosok monster kita sendiri. Itu sudah jelas. Tetapi Shakespeare tidak menulis lakon dengan mengacu pada tokoh sejarah tertentu. Richard III bukanlah drama tentang Stalin. Richard III adalah drama tentang tirani. Dan bukan tentang dia, tapi tentang godaan yang dia bawa. Tentang kehausan akan perbudakan, di mana semua tirani dibangun.

Jadi, kronik Shakespeare bukanlah risalah tentang sejarah, itu adalah drama hidup, drama tentang takdir sejarah kita sendiri.

Dekripsi

Beberapa tahun yang lalu saya berada di Verona dan berjalan-jalan di sekitar tempat-tempat yang, seperti yang diyakini oleh penduduk Verona, terkait dengan kisah Romeo dan Juliet. Ini adalah balkon tua yang berat dan tertutup lumut tempat Juliet berdiri, dan di bawahnya Romeo berdiri. Inilah kuil tempat Pastor Lorenzo menikahi kekasih muda. Ini makam Juliet. Itu terletak di luar tembok kota tua, di Verona Cheryomushki modern. Di sana, di antara bangunan lima lantai Khrushchev, berdiri sebuah biara tua kecil yang menawan. Di ruang bawah tanahnya ada apa yang disebut ruang bawah tanah Juliet. Tidak ada yang tahu pasti apakah itu, tetapi diyakini itu.

Ini adalah makam terbuka. Saya pergi ke ruang bawah tanah, melihat-lihat, melakukan tugas saya kepada Shakespeare dan hendak pergi. Tetapi pada saat terakhir dia melihat setumpuk kertas yang tergeletak di langkan batu di atas makam. Saya melihat salah satunya dan menyadari bahwa ini adalah surat yang ditulis gadis modern untuk Juliet. Dan meskipun tidak senonoh membaca surat orang lain, saya tetap membacanya. Sangat naif, ditulis dalam bahasa Inggris. Entah seorang Amerika yang menulisnya, atau seorang gadis Italia yang memutuskan bahwa Juliet harus ditulis dalam bahasa Inggris, karena ini adalah drama Shakespeare. Isinya kira-kira seperti ini: “Dear Juliet, aku baru tahu tentang ceritamu dan aku banyak menangis. Apa yang telah dilakukan orang-orang dewasa keji itu padamu?"

Saya pikir kemanusiaan modern dan teater modern melakukan hal itu, bahwa mereka menulis surat untuk karya-karya besar di masa lalu. Dan mereka mendapat jawaban. Intinya, seluruh nasib teater modern, yang mementaskan karya klasik pada umumnya dan Shakespeare pada khususnya, adalah sejarah korespondensi ini. Terkadang jawabannya datang, terkadang tidak. Itu semua tergantung pada pertanyaan apa yang kita ajukan di masa lalu. Teater modern tidak mementaskan Shakespeare untuk mengetahui bagaimana orang hidup di abad ke-16. Dan bukan untuk mencoba menembus dunia budaya Inggris dari dunia Rusia kita. Ini penting, tetapi sekunder. Kami beralih ke klasik, kami beralih ke Shakespeare, terutama untuk memahami diri kami sendiri.

Nasib Romeo dan Juliet menegaskan hal ini. Shakespeare tidak menemukan plot drama ini. Dia tampaknya tidak memiliki kecenderungan untuk mengarang cerita sama sekali. Hanya ada dua drama Shakespeare tanpa sumber yang diketahui - A Midsummer Night's Dream dan The Tempest. Dan kemudian, mungkin, karena kita tidak tahu sumber apa yang menjadi dasar mereka.

Plot "Romeo and Juliet" sudah dikenal sejak sangat-sangat lama. Di zaman kuno, ada Romeo dan Juliet mereka sendiri - ini adalah Pyramus dan Thisbe, yang sejarahnya dijelaskan oleh Ovid. Kisah Romeo juga disebutkan oleh Dante - Montecchi dan Cappelletti, seperti yang dikatakannya dalam Divine Comedy. Sejak akhir Abad Pertengahan, kota-kota Italia telah memperdebatkan di mana kisah "Romeo dan Juliet" terjadi. Pada akhirnya, Verona menang. Kemudian Lope de Vega menulis drama tentang Romeo dan Juliet. Kemudian novelis Italia menceritakan kisahnya satu per satu.

Di Inggris, plot Romeo dan Juliet juga dikenal sebelum Shakespeare. Seorang penyair Inggris, Arthur Brooke, menulis puisi cinta antara Romeus dan Juliet. Artinya, lakon Shakespeare diawali dengan cerita yang sangat besar. Dia membangun gedungnya di atas fondasi yang sudah jadi. Dan interpretasi yang berbeda dari lakon ini dimungkinkan karena dasarnya mengandung berbagai kemungkinan untuk memahami dan menafsirkan cerita ini.

Kisah Arthur Brooke tentang cinta rahasia Romeus dan Juliet berlangsung selama sembilan bulan. Di Shakespeare, aksi sebuah tragedi terjadi dalam lima hari. Penting bagi Shakespeare untuk memulai drama pada Minggu sore dan menyelesaikannya tepat lima hari kemudian, pada Jumat malam. Penting baginya bahwa lamaran pernikahan Paris dan Juliet harus dilakukan pada hari Kamis. “Tidak, pada hari Rabu,” kata Pastor Capulet. Suatu hal yang aneh: bagaimana hubungan hari-hari dalam seminggu dan tragedi besar dengan gagasan filosofisnya? Penting bagi Shakespeare bahwa gagasan filosofis ini digabungkan dengan keadaan sehari-hari yang sangat konkret. Dalam lima hari ini, kisah cinta terbesar dalam sastra dunia terkuak di hadapan kita.

Lihat bagaimana Romeo dan Juliet memasuki cerita ini dan bagaimana mereka meninggalkannya. Lihat apa yang terjadi pada mereka dalam beberapa hari ini. Lihatlah gadis ini yang baru saja bermain dengan boneka. Dan lihat bagaimana keadaan tragis takdir mengubahnya menjadi manusia yang kuat dan dalam. Lihatlah anak laki-laki ini, remaja sentimental Romeo. Bagaimana itu berubah menjelang akhir?

Dalam salah satu adegan terakhir drama tersebut, ada momen ketika Romeo datang ke ruang bawah tanah Juliet dan Paris menemuinya di sana. Paris memutuskan bahwa Romeo datang untuk menodai abu Juliet dan menghalangi jalannya. Romeo berkata kepadanya: "Pergilah, anak muda." Nada bicara Romeo kepada Paris, yang mungkin lebih tua darinya, adalah nada orang bijak dan lelah, orang yang telah hidup, orang yang di ambang kematian. Ini adalah kisah tentang transformasi seseorang oleh cinta dan tragedi yang terkait dengan cinta tersebut.

Tragedi, seperti yang Anda ketahui, adalah dunia yang tak terelakkan, itu adalah dunia yang tak terelakkan. Dalam tragedi, mereka mati karena memang harus, karena kematian ditentukan untuk orang yang terlibat dalam konflik tragis. Namun, kematian Romeo dan Juliet tidak disengaja. Jika bukan karena wabah bodoh ini, utusan Pastor Lorenzo akan menghubungi Romeo dan menjelaskan bahwa Juliet sama sekali tidak mati, bahwa semua ini adalah perbuatan mulia Lorenzo. Cerita yang aneh.

Hal ini terkadang dijelaskan oleh fakta bahwa Romeo dan Juliet adalah drama awal, yang belum menjadi tragedi yang lengkap, bahwa Hamlet masih jauh. Mungkin memang begitu. Tetapi sesuatu yang lain juga mungkin. Bagaimana memahami wabah dalam tragedi Shakespeare? Tetapi bagaimana jika wabah itu bukan hanya wabah, tetapi gambaran makhluk makhluk yang tragis?

Di balik cerita ini terdapat subteks berbeda yang memungkinkan interpretasi berbeda. Franco Zeffirelli sebelum membuat film terkenal "Romeo dan Juliet", 1968., mementaskan pertunjukan di salah satu teater Italia. Itu dibawa ke Moskow, dan saya ingat bagaimana awalnya. Itu dimulai dengan adegan kerumunan pasar yang berisik, penuh warna, neo-realistis, bersenang-senang, berlari, berdagang, berteriak. Italia, singkatnya. Dan tiba-tiba kami melihat seorang pria berbaju hitam muncul di belakang panggung dan mulai bergerak melalui kerumunan ini ke arah kami. Pada titik tertentu, kerumunan membeku, dan seorang pria dengan gulungan di tangannya maju ke depan dan membaca teks prolog. Pria kulit hitam ini adalah gambaran takdir dan penderitaan dan kematian kekasih yang tak terhindarkan.

Manakah dari dua interpretasi ini yang benar? Dan bisakah kita berbicara tentang interpretasi yang benar dan salah? Intinya adalah bahwa dramaturgi Shakespeare mengandung kemungkinan sudut pandang yang sangat berbeda, terkadang hampir saling eksklusif. Ini adalah kualitas seni yang hebat. Ini jelas dibuktikan baik oleh sastra dan, di atas segalanya, oleh nasib teatrikal Romeo dan Juliet.

Cukuplah mengingat penampilan tragis Anatoly Efros, salah satu pandangan paling mendalam tentang lakon ini. Dalam produksi ini, Romeo dan Juliet bukanlah burung merpati - mereka adalah orang-orang yang kuat, dewasa, dan dalam yang tahu apa yang menunggu mereka jika mereka membiarkan diri mereka melawan dunia kekuatan kasar yang memerintah di teater Verona. Mereka tanpa rasa takut berjalan menuju kematian. Mereka sudah membaca Hamlet. Mereka tahu bagaimana akhirnya. Mereka dipersatukan tidak hanya oleh perasaan, mereka dipersatukan oleh keinginan untuk melawan dunia ini dan kematian yang tak terhindarkan. Itu adalah pertunjukan suram yang tidak meninggalkan banyak harapan, dan itu adalah pertunjukan yang tumbuh dari intisari teks Shakespeare.

Mungkin Shakespeare sendiri akan menulis Romeo dan Juliet dengan cara ini, jika dia menulis lakon ini bukan pada masa mudanya, tetapi pada masa Hamlet yang tragis.

Dekripsi

Hamlet adalah permainan khusus untuk Rusia. Hamlet dalam tragedi tersebut mengatakan bahwa teater adalah cermin yang mencerminkan abad, perkebunan, dan generasi, dan tujuan teater adalah untuk memegang cermin di depan umat manusia. Tapi Hamlet sendiri adalah cermin. Seseorang berkata bahwa ini adalah cermin yang diletakkan di jalan raya. Dan orang, generasi, orang, perkebunan melewatinya. Dan semua orang melihat dirinya sendiri. Berkenaan dengan sejarah Rusia, ini terutama benar. Hamlet adalah cermin di mana Rusia selalu berusaha melihat wajahnya sendiri, berusaha memahami dirinya sendiri melalui Hamlet.

Saat Mochalov Pavel Stepanovich Mochalov(1800-1848) - aktor era romantisme, bertugas di Teater Maly Moskow. memainkan Hamlet pada tahun 1837, Belinsky menulis kata-katanya yang terkenal bahwa Hamlet adalah "ini kamu, ini aku, ini kita masing-masing." Ungkapan ini tidak disengaja untuk pandangan Rusia tentang drama tersebut. Hampir 80 tahun kemudian Blok menulis: “Saya Hamlet. Darah semakin dingin…” (1914). Ungkapan "Saya Hamlet" tidak hanya mendasari sejarah panggung drama ini di teater Rusia, formula ini penting dan berlaku untuk setiap pori sejarah Rusia. Siapa pun yang memutuskan untuk menyelidiki sejarah budaya spiritual Rusia, kaum intelektual Rusia, harus mencari tahu bagaimana lakon ini ditafsirkan di berbagai titik sejarah, bagaimana Hamlet dipahami dalam pasang surutnya yang tragis.

Ketika Stanislavsky melatih Hamlet pada tahun 1909, mempersiapkan para aktor untuk kedatangan Gordon Craig Edward Gordon Craig(1872-1966) - aktor Inggris, sutradara teater dan opera era modernisme., yang mementaskan lakon di Moscow Art Theatre, mengatakan bahwa Hamlet adalah hipostasis Kristus. Bahwa misi Hamlet tidak hanya dalam lakon, tetapi di dunia adalah misi yang dapat dibandingkan dengan keberadaan Anak Allah. Ini bukanlah asosiasi yang tidak disengaja untuk kesadaran Rusia. Ingat puisi Boris Pasternak dari Dokter Zhivago, ketika kata-kata Kristus di Taman Getsemani dimasukkan ke dalam mulut Hamlet:

“Seandainya mungkin, Abba Ayah,
Lewati cangkir ini.
Saya suka niat keras kepala Anda
Dan saya setuju untuk memainkan peran ini.
Tapi sekarang ada drama lain yang terjadi
Dan kali ini, pecat aku.
Tetapi jadwal tindakan dipikirkan,
Dan ujung jalan tidak bisa dihindari.
Saya sendirian, semuanya tenggelam dalam kemunafikan.
Menjalani hidup bukanlah melintasi lapangan.

Sangat menarik untuk melihat momen apa dalam sejarah Rusia "Hamlet" yang mengemuka. Pada saat apa, drama Shakespeare mana yang paling penting, paling penting. Ada kalanya "Hamlet" berada di pinggiran, ketika drama lain oleh Shakespeare menjadi nomor pertama. Sangat menarik untuk melihat pada momen apa dalam sejarah Rusia "Hamlet" ternyata menjadi alat pengakuan Rusia. Jadi itu selama Zaman Perak. Begitu pula di tahun-tahun pasca-revolusioner, dan terutama di Hamlet, yang mungkin dimainkan oleh aktor paling cemerlang di abad ke-20 - Mikhail Chekhov. Seorang aktor yang hebat dan dalam, seorang mistikus, yang arti utama Hamlet adalah komunikasi dengan hantu, pemenuhan keinginannya.

Ngomong-ngomong, dalam artikel Pasternak tentang terjemahan tragedi Shakespeare ada ungkapan bahwa Hamlet pergi "melakukan kehendak orang yang mengutusnya". Hamlet Mikhail Chekhov pergi untuk memenuhi keinginan hantu yang mengirimnya - yang tidak muncul di atas panggung, tetapi dilambangkan dengan sinar vertikal besar yang turun dari langit. Hamlet melangkah ke tiang api ini, ke ruang bercahaya ini dan memaparkan dirinya padanya, menyerap cahaya surgawi ini tidak hanya ke dalam kesadarannya, tetapi juga ke setiap pembuluh darah di tubuhnya. Mikhail Chekhov memerankan seorang pria yang dihancurkan oleh tapak sejarah yang berat. Itu adalah jeritan kesakitan dari seorang pria yang telah ditabrak oleh mekanisme realitas revolusioner dan pasca-revolusioner Rusia. Chekhov berperan sebagai Hamlet pada tahun 1924 dan beremigrasi pada tahun 1928. Kepergian Chekhov benar-benar tak terhindarkan - dia tidak ada hubungannya di negara pemenang revolusi.

Nasib selanjutnya sangat dramatis. Dia meninggal pada tahun 1955, dan sebelumnya dia tinggal di Barat: di negara-negara Baltik, di Prancis, lalu di Amerika. Dia bermain, adalah seorang sutradara, seorang guru. Tapi dia tidak melakukan apa pun yang sepadan dengan peran yang dia mainkan di Rusia. Dan itu adalah tragedinya. Ini adalah tragedi Hamlet-nya.

Selama 30 tahun "Hamlet" tidak tampil di panggung Moskow. (Kecuali untuk kasus khusus "Hamlet" Akimov di Teater Vakhtangov "Hamlet" disutradarai oleh Nikolai Akimov pada tahun 1932 di Teater. Vakhtangov.. Itu adalah semi-parodi, pembalasan terhadap pandangan tradisional Rusia yang mengidolakan Hamlet.) Salah satu alasan mengapa Hamlet dikucilkan dari panggung Moskow adalah karena Stalin tidak tahan dengan drama ini. Ini bisa dimaklumi, karena kaum intelektual Rusia selalu melihat prinsip Hamletian itu sendiri.

Ada kasus ketika Nemirovich-Danchenko, yang mendapat izin khusus, melatih Hamlet di Teater Seni (pertunjukan tidak pernah dirilis). Dan aktor Boris Livanov, di salah satu resepsi Kremlin, mendekati Stalin dan berkata: “Kamerad Stalin, kami sekarang sedang melatih tragedi Hamlet Shakespeare. Apa yang akan Anda sarankan kepada kami? Bagaimana kita akan mementaskan drama ini?” Ada beberapa versi jawaban Stalin, tapi ini yang paling bisa diandalkan. Stalin berkata dengan penghinaan yang tak terlukiskan: "Yah, dia lemah." "Tidak tidak! kata Livanov. "Kami memainkannya dengan kuat!"

Oleh karena itu, ketika Stalin meninggal, pada tahun 1953 beberapa teater Rusia beralih ke drama semi-tidak resmi ini sekaligus. Pada saat yang sama, pada tahun 1954, pemutaran perdana dirilis di Teater Mayakovsky, tempat drama tersebut dipentaskan oleh Okhlopkov. Nikolai Pavlovich Okhlopkov(1900-1967) - aktor teater dan film, sutradara, guru. Murid dan penerus tradisi Vs. Meyerhold. Sejak 1943 ia mengepalai Teater. Mayakovsky., dan di Leningrad di Teater Pushkin (Alexandrinsky), tempat Kozintsev mementaskannya Grigory Mikhailovich Kozintsev(1905-1973) - sutradara film dan teater, penulis skenario, guru. Untuk film "Hamlet" (1964) ia menerima Penghargaan Lenin. bahkan sebelum filmnya.

Sejarah Hamlet dalam teater Rusia pascaperang adalah topik yang sangat besar, tetapi saya ingin mengatakan satu hal. Tentang "Hamlet" itu, yang merupakan "Hamlet" generasi saya. Itu adalah "Hamlet" oleh Vysotsky, Borovsky, Lyubimov Hamlet dipentaskan di Teater Taganka pada tahun 1971. Sutradara pertunjukan adalah Yuri Lyubimov, seniman dan perancang latar adalah David Borovsky, peran Hamlet dimainkan oleh Vladimir Vysotsky.. Itu bukan waktu yang mengerikan, 1971, tidak mungkin membandingkannya dengan akhir tahun 30-an. Tapi itu adalah waktu yang memalukan dan memalukan. Ketidakpedulian umum, keheningan, beberapa pembangkang yang berani bersuara berakhir di penjara, tank di Cekoslowakia, dan seterusnya.

Dalam suasana politik dan spiritual yang memalukan, pertunjukan dengan Vysotsky ini muncul, dan itu berisi pemberontakan Rusia yang nyata, ledakan yang nyata. Itu Hamlet, sangat sederhana, sangat Rusia dan sangat marah. Hamletlah yang membiarkan dirinya memberontak. Itu adalah Hamlet si pemberontak. Dia menantang kekuatan absolut dari tragedi yang menghadangnya. Dia ditentang tidak hanya oleh sistem politik, tirani Soviet - semua ini tidak terlalu diminati Vysotsky. Dia dihadapkan pada kekuatan yang tidak mungkin diatasi. Kekuatan yang dilambangkan dalam gambar tirai yang terkenal “Dengan bantuan insinyur penerbangan, struktur yang sangat kompleks dipasang di atas panggung, berkat tirai yang dapat bergerak ke arah yang berbeda, mengubah pemandangan, memperlihatkan beberapa aktor, menutup yang lain, menyapu yang ketiga dari panggung ... Itu ide tentang tirai yang dapat dipindahkan memungkinkan Lyubimov menemukan kunci dari keseluruhan pertunjukan . Di mana pun Hamlet berada, tirai bergerak dan berhenti sesuai aturan ketat: Vysotsky selalu menyendiri, terpisah dari yang lain ”(dari artikel “Hamlet dari Taganka. Pada peringatan dua puluh tahun pertunjukan” di surat kabar “Molodoy Kommunar”, 1991 )., dibuat oleh David Borovsky yang brilian. Itu adalah monster besar tanpa mata yang menjadi tembok bumi, atau gambar kematian, atau sarang laba-laba besar yang menjerat orang. Itu adalah monster yang bergerak, dari mana tidak ada jalan keluar, tidak ada jalan keluar. Itu adalah sapu raksasa yang menyapu orang sampai mati.

Dua gambar kematian dalam pertunjukan ini ada pada saat yang sama - tirai sebagai simbol kekuatan tragedi transpersonal yang tak terelakkan dan kuburan di tepi panggung dari bumi yang nyata dan hidup. Aku bilang hidup, tapi aku salah. Itu adalah tanah mati, bukan tanah tempat sesuatu tumbuh. Itu adalah tanah tempat mereka mengubur.

Dan di antara gambaran kematian ini ada Vysotsky. Hamlet, yang suaranya serak tampaknya berasal dari fakta bahwa seseorang mencengkeram lehernya dengan tangan yang ulet. Hamlet ini mencoba menimbang semua pro dan kontra, dan ini pasti membawanya ke kebuntuan mental yang mandul, karena dari sudut pandang akal sehat, pemberontakan tidak ada artinya, pasti akan kalah. Tapi di Dusun ini ada kebencian suci, kalau kebencian bisa suci. Di Dusun ini ada kebenaran ketidaksabaran. Dan pria ini, pejuang ini, intelektual dan penyair ini, dengan cepat, mengesampingkan semua keraguan, bergegas ke pertarungan, ke pemberontakan, ke pemberontakan dan mati, saat tentara mati, secara diam-diam dan tidak seremonial. Tidak diperlukan Fortinbras di sini, tidak ada pemindahan tubuh Hamlet secara khidmat. Hamlet di belakang panggung, menyandarkan punggungnya ke dinding, diam-diam meluncur ke tanah - itu saja kematian.

Ke aula beku tempat orang-orang dari generasi saya duduk, pertunjukan ini dan aktor ini memberi harapan. Harapan untuk kemungkinan perlawanan. Citra Dusun itulah yang menjadi bagian dari jiwa generasi saya, yang kebetulan berhubungan langsung dengan citra Dusun Pasternak. Lagipula, bukanlah kebetulan bahwa pertunjukan dimulai dengan lagu Vysotsky hingga syair Pasternak dari Doctor Zhivago ini. Sangat menarik bahwa Vysotsky dari puisi ini, yang dia bawakan hampir seluruhnya, mengeluarkan satu bait "Saya suka rencana keras kepala Anda dan saya setuju untuk memainkan peran ini ...". Hamlet ini tidak menyukai rencana dunia. Dia menolak tujuan yang lebih tinggi yang mendasari dunia. Dia tidak setuju untuk memainkan peran ini. Hamlet ini adalah semua pemberontakan, pemberontakan, perlawanan. Itu adalah keinginan yang terburu-buru, keinginan-keinginan, pemahaman Rusia tentang kebebasan, tentang apa yang dibicarakan Fedya Protasov di Tolstoy Fedor Protasov- tokoh sentral dari lakon Leo Tolstoy "The Living Corpse". mendengarkan nyanyian gipsi. Pertunjukan ini telah memainkan peran besar dalam hidup kami. Gambar ini tetap bersama kita selama sisa hidup kita.

Ada saatnya Hamlet, ada saatnya Hamlet tidak. Tidak ada yang memalukan di zaman non-Hamletian. Lagi pula, ada drama lain oleh Shakespeare. Waktu Hamlet istimewa, dan menurut saya (mungkin saya salah) waktu kita bukanlah waktu Hamlet, kita tidak tertarik pada drama ini. Meskipun, jika seorang sutradara muda tiba-tiba keluar dan, setelah mementaskan lakon ini, membuktikan bahwa kami layak untuk Hamlet, saya akan menjadi orang pertama yang bersukacita.

Dekripsi

Jika Anda melihat karya seniman terbaru dari waktu yang berbeda dan jenis seni yang berbeda, Anda dapat menemukan sesuatu yang menyatukan mereka. Ada kesamaan antara tragedi terakhir Sophocles "Oedipus in Colon", karya terakhir Beethoven, tragedi alkitabiah terakhir Racine, almarhum Tolstoy atau almarhum Dostoevsky, dan drama terakhir Shakespeare.

Ada kemungkinan bahwa seniman, yang telah mencapai batas, sebelum kematian berdiri dengan kejelasan yang mengerikan sebagai waktu dekat, muncul dengan ide untuk meninggalkan dunia, meninggalkan orang dengan harapan, sesuatu yang layak untuk dijalani, tidak peduli betapa tragisnya putus asa. hidup adalah. Mungkin karya terakhir Shakespeare adalah dorongan untuk melampaui keputusasaan yang menghancurkan. Setelah "Hamlet", "Macbeth", "Coriolanus", "Timon of Athens", tragedi Shakespeare yang paling gelap dan paling tanpa harapan ini, ada upaya untuk masuk ke dunia harapan, ke dunia harapan untuk menyelamatkannya Keorang-orang. Lagi pula, drama terakhir Shakespeare Cymbeline, Pericles, The Winter's Tale, dan, yang terpenting, The Tempest, sangat berbeda dari semua yang telah dia lakukan sejauh ini. Tentang tragedi besar yang berbicara tentang esensi tragis dari keberadaan.

The Tempest adalah drama yang disebut wasiat Shakespeare, akord terakhir dari karyanya. Ini mungkin drama Shakespeare yang paling musikal dan paling harmonis. Ini adalah drama yang hanya bisa diciptakan oleh orang yang telah melalui godaan tragedi, melalui godaan keputusasaan. Itu adalah harapan yang muncul di sisi lain dari keputusasaan. Omong-omong, ini adalah ungkapan dari novel terakhir karya Thomas Mann. Harapan, yang tahu tentang keputusasaan - namun mencoba mengatasinya. The Tempest adalah dongeng, dongeng filosofis. Pesulap Prospero bertindak di dalamnya, buku-buku magis memberinya kekuatan magis atas pulau itu, dia dikelilingi oleh karakter-karakter fantastis: roh cahaya dan udara Ariel, roh bumi Caliban, putri menawan Prospero Miranda, dan sebagainya.

Tapi ini bukan hanya dongeng, dan bahkan bukan hanya dongeng filosofis - ini adalah drama tentang upaya untuk mengoreksi umat manusia, untuk menyembuhkan dunia yang sakit parah dengan bantuan seni. Bukan kebetulan bahwa Prospero mengeluarkan musik sebagai kekuatan penyembuhan yang hebat pada kerumunan orang aneh dan penjahat yang jatuh di pulau itu. Tetapi kecil kemungkinan musik dapat menyembuhkan mereka. Seni hampir tidak mampu menyelamatkan dunia, seperti halnya keindahan hampir tidak mampu menyelamatkan dunia. Apa yang Prospero dapatkan di akhir drama teater yang aneh dan sangat sulit ini, adalah ide yang mendasari semua Shakespeare di kemudian hari. Ini adalah gagasan keselamatan melalui belas kasihan. Hanya pengampunan yang bisa, jika tidak berubah, setidaknya tidak memperburuk kejahatan yang menguasai dunia. Inilah yang, dengan kata sederhana, arti dari "The Tempest" bermuara. Prospero memaafkan musuhnya, yang hampir membunuhnya. Dia memaafkan, meskipun dia sama sekali tidak yakin bahwa mereka telah berubah, bahwa mereka telah sembuh. Tetapi pengampunan adalah hal terakhir yang tersisa bagi seseorang sebelum meninggalkan dunia.

Ya, tentunya di final Prospero kembali ke singgasananya di Milan bersama putri kesayangannya Miranda dan Ferdinand tercinta. Tetapi di akhir drama, dia mengucapkan kata-kata aneh yang karena alasan tertentu selalu dihapus dari terjemahan bahasa Rusia. Dalam aslinya, Prospero mengatakan bahwa dia akan kembali sehingga setiap pemikiran ketiganya akan menjadi kuburan. Akhir dari lakon ini sama sekali tidak secerah yang terkadang diyakini. Namun itu adalah permainan tentang pengampunan dan pengampunan. Ini adalah drama perpisahan dan pemaaf, seperti semua drama terakhir Shakespeare.

Sangat sulit untuk teater modern dan jarang keluar dengan sutradara modern. Meskipun pada akhir abad ke-20, hampir semua sutradara hebat teater Eropa beralih ke drama ini - drama ini dipentaskan oleh Strehler, Brook, di Moskow dipentaskan oleh Robert Sturua di teater Et Cetera dengan Alexander Kalyagin sebagai pemerannya. dari Prospero. Bukan kebetulan bahwa Peter Greenaway menempatkan lakon ini dalam filmnya yang luar biasa The Books of Prospero. Untuk peran Prospero, Greenway mengundang bukan sembarang orang, tapi aktor Inggris terhebat John Gielgud Sir Arthur John Gielgud(1904-2000) - Aktor Inggris, sutradara teater, salah satu pemain terbesar dari peran Shakespeare dalam sejarah teater. Pemenang semua penghargaan kinerja utama: Oscar, Grammy, Emmy, Tony, BAFTA, dan Golden Globe.. Dia tidak bisa lagi berakting, dia terlalu tua dan sakit untuk memainkan peran saat dia memainkan peran besarnya di masa lalu. Dan Gielgud tidak bermain dalam film Greenaway, dia hadir. Bagi Greenaway, aktor ini penting sebagai citra dan simbol budaya agung masa lalu, tidak lebih. Prospero Gielgud adalah Prospero Shakespeare, dan Shakespeare sendiri, yang menulis The Tempest, dan Tuhan Allah, penguasa alam semesta yang indah ini diresapi dengan seni. Meresap, tapi terlalu jenuh.

Untuk menghargai makna dari apa yang dilakukan Greenaway, orang harus memahami bahwa hampir setiap bingkai film ini harus dikaitkan dengan karya tertentu Renaisans atau pasca-Renaisans, seni barok abad 16-17. Hampir setiap bingkai merujuk kita pada karya-karya hebat baik pelukis Venesia abad ke-16 atau arsitek Michelangelo. Ini adalah dunia yang terlalu jenuh dengan seni. Ini adalah budaya yang terbebani dengan dirinya sendiri dan mendambakan akhir, merindukan akhir sebagai hasilnya.

Di akhir film, Prospero membakar dan menenggelamkan buku-buku ajaibnya. Dan apakah buku-buku ini? Ini adalah buku-buku utama umat manusia, termasuk, antara lain, "Folio Pertama" - kumpulan karya pertama Shakespeare, diterbitkan setelah kematiannya, pada tahun 1623. Kami melihat folio perlahan tenggelam ke dasar. Dan hal aneh terjadi: malapetaka yang menimpa alam semesta di akhir film Greenaway memberikan rasa lega, pembebasan dan pemurnian. Seperti itulah, menurut saya, makna dari film ini, yang sangat dalam dan sangat merasuk ke dalam lapisan semantik lakon Shakespeare.

Setelah The Tempest, Shakespeare hampir tidak menulis apa-apa. Menulis hanya dengan Fletcher John Fletcher(1579-1625) - penulis drama Inggris, yang mendefinisikan istilah "tragikomedi". ini bukan yang terbaik, kronik terakhir "Henry VIII". Ngomong-ngomong, selama presentasinya, api Globe terjadi - gagasan favorit Shakespeare terbakar habis dalam waktu setengah jam. (Tidak ada yang terluka, hanya satu celana penonton yang terbakar, tetapi seseorang menuangkan segelas bir ke atasnya dan semuanya padam.) Saya pikir untuk Shakespeare ini adalah acara perpisahan yang penting. Selama empat tahun terakhir dia tinggal di Stratford dan tidak menulis apapun.

Kenapa dia diam? Ini adalah salah satu misteri utama dalam hidupnya. Salah satu rahasia utama seninya. Mungkin dia diam karena semua yang bisa dikatakan, yang seharusnya dia katakan, telah dikatakan. Atau mungkin dia diam karena tidak ada Hamlet yang bisa mengubah dunia sedikit pun, mengubah orang, menjadikan dunia tempat yang lebih baik. Keputusasaan dan perasaan bahwa seni tidak ada artinya dan tidak berbuah sangat sering menimpa seniman besar di ambang kematian. Kenapa dia diam, kita tidak tahu. Kami tahu satu hal - selama empat tahun terakhir Shakespeare telah menjalani kehidupan sebagai warga negara di Stratford, menulis surat wasiatnya beberapa bulan sebelum kematiannya dan sekarat, tampaknya karena serangan jantung. Ketika Lope de Vega meninggal di Spanyol, seluruh negeri mengikuti peti matinya - itu adalah pemakaman nasional. Kematian Shakespeare hampir tanpa disadari. Butuh beberapa tahun sebelum teman dan saingannya Ben Jonson menulis: "Dia bukan milik salah satu abad kita, tetapi milik semua abad." Tapi itu ditemukan hanya setelah bertahun-tahun. Kehidupan nyata Shakespeare dimulai pada paruh kedua abad ke-18, bukan sebelumnya. Dan dia melanjutkan.

Teater Globe Shakespeare dianggap sebagai salah satu yang paling terkenal tidak hanya di Inggris, tetapi juga di Eropa. Saat ini, ini bukan hanya lembaga budaya terkenal di mana Anda dapat melihat produksi sutradara terkenal dan menonton bintang-bintang teater dunia bermain, tetapi juga merupakan salah satu atraksi paling terkenal di London.

Latar Belakang

Semuanya dimulai dengan pembangunan teater publik pertama di London pada tahun 1576 di Shoreditch, yang oleh semua orang disebut "Teater". Itu milik James Burbage, yang bekerja sebagai tukang kayu di masa mudanya, tetapi kemudian menjadi aktor dan membentuk rombongannya sendiri. Teater ini ada sampai tahun 1597, ketika pemilik tanah tempatnya berdiri menuntut agar tanah tersebut dikosongkan atau dibayar dua kali lipat. Kemudian putra pemilik institusi - Richard dan Cuthbert - memutuskan untuk mendirikan institusi baru di sisi lain Sungai Thames dan mengangkut struktur kayu panggung yang telah dibongkar ke sana dengan rakit - balok demi balok.

"Globe" pertama

Pembangunan teater baru berlangsung selama 2 tahun. Alhasil, ahli waris Burbage menjadi pemilik separuh bangunan dan mengambil 50 persen saham lembaga baru tersebut. Adapun sekuritas yang tersisa, mereka membaginya di antara beberapa anggota rombongan lama yang paling terkenal, salah satunya adalah aktor dan penulis sebagian besar drama yang membentuk repertoar Globe - William Shakespeare.

Teater baru ini hanya bertahan selama 14 tahun, di mana pemutaran perdana hampir semua karya yang ditulis oleh penulis drama hebat berlangsung di sana. Globe sangat populer, dan di antara penonton sering terlihat bangsawan dan bangsawan penting. Suatu ketika, ketika lakon "Henry the Eighth" dipentaskan, meriam teater gagal, akibatnya atap jerami terbakar, dan bangunan kayu terbakar habis dalam beberapa jam. Untungnya, tidak ada seorang pun, kecuali satu penonton yang mengalami luka bakar ringan, yang terluka, tetapi Teater Globe Shakespeare, yang dianggap sebagai salah satu institusi paling terkenal dari jenisnya di Inggris pada waktu itu, dihancurkan.

Sejarah dari 1614 hingga 1642

Tak lama setelah kebakaran, teater dibangun kembali di lokasi yang sama. Namun, hingga saat ini, para peneliti tidak memiliki kesamaan pendapat tentang apakah William Shakespeare berpartisipasi dalam pembiayaan proyek baru tersebut. Seperti yang dicatat oleh penulis biografi penulis naskah, selama periode ini dia mengalami masalah kesehatan yang besar, dan sangat mungkin dia secara bertahap mulai pensiun. Bagaimanapun, Shakespeare meninggal pada 23 April 1616, sedangkan teater kedua berlangsung hingga 1642. Saat itulah Globe ditutup, dan rombongannya dibubarkan, karena perang saudara dimulai di Inggris, dan kaum Puritan yang berkuasa melarang acara hiburan apa pun karena tidak sesuai dengan moralitas Protestan. Setelah 2 tahun, gedung teater dibongkar seluruhnya, sehingga membebaskan ruang untuk pembangunan gedung apartemen tempat tinggal. Pada saat yang sama, pembangunannya dilakukan dengan sangat padat bahkan tidak ada jejak keberadaan Teater Globe.

Penggalian

Inggris Raya dikenal sebagai negara yang selama 500 tahun terakhir sangat memperhatikan dokumen dan arsip. Oleh karena itu, sangat aneh bahwa hingga akhir tahun 80-an abad yang lalu, tidak ada yang dapat menyebutkan secara pasti tempat Teater Globe Shakespeare yang terkenal itu berada pada abad ke-17. Penjelasan tentang pertanyaan ini diungkapkan oleh produksi tahun 1989 di tempat parkir Anchor Terrace, yang terletak di Park Street. Kemudian para ilmuwan berhasil menemukan bagian dari fondasi dan salah satu menara Globe. Menurut para ilmuwan, pencarian fragmen baru dari kompleks teater di area ini akan bermanfaat bahkan hingga hari ini. Namun, penelitian tidak dimungkinkan, karena terdapat monumen arsitektur abad ke-18 di dekatnya, yang menurut hukum Inggris, tidak dapat dianalisis.

Apa gedung teater di bawah Shakespeare

Dimensi "Globe" kedua masih belum diketahui secara pasti, tetapi para ilmuwan berhasil memulihkan rencananya dengan sangat akurat. Secara khusus, mereka berhasil menetapkan bahwa itu dibangun dalam bentuk amfiteater terbuka tiga tingkat dengan diameter 97-102 kaki, yang dapat menampung hingga 3 ribu penonton sekaligus. Pada saat yang sama, awalnya diyakini bahwa struktur ini berbentuk bulat, tetapi penggalian bagian pondasi menunjukkan bahwa struktur tersebut menyerupai struktur 18 atau 20 sisi dan memiliki setidaknya satu menara.

Sedangkan untuk bagian dalam Globe, proscenium yang memanjang mencapai tengah pelataran terbuka. Panggungnya sendiri, dengan pintu jebakan, tempat para aktor keluar jika perlu, memiliki lebar 43 kaki, panjang 27 kaki, dan ditinggikan di atas tanah hingga ketinggian sekitar 1,5 m.

Kursi penonton

Deskripsi Teater Globe yang bertahan hingga hari ini menunjukkan bahwa kotak-kotak yang cukup nyaman untuk bangsawan terletak di sepanjang dinding di tingkat pertama. Di atas mereka adalah galeri untuk warga kaya, sementara orang London yang kurang mampu tetapi dihormati dan orang muda yang punya uang, menonton pertunjukan, duduk di kursi yang terletak tepat di atas panggung. Ada juga yang disebut lubang di teater, di mana orang miskin diizinkan, yang mampu membayar 1 sen untuk menonton pertunjukan. Menariknya, kategori ini memiliki kebiasaan makan kacang-kacangan dan jeruk selama pertunjukan teater, sehingga saat menggali fondasi Globe, ditemukan tumpukan pecahan cangkang dan biji jeruk.

Backstage dan tempat untuk musisi

Sebuah atap didirikan di belakang panggung, ditopang oleh tiang-tiang besar. Di bawahnya, pada jarak setinggi manusia, ada langit-langit dengan palka, dicat dengan awan, dari mana, jika perlu, para aktor bisa turun dengan tali yang menggambarkan dewa atau malaikat. Selama pertunjukan, ada juga pekerja panggung yang menurunkan atau menaikkan pemandangan.

Dari belakang sayap, tempat anggota rombongan berganti pakaian dan dari tempat mereka menonton pertunjukan untuk mengantisipasi penampilan mereka, dua atau tiga pintu menuju ke panggung. Sebuah balkon berdampingan dengan sayap, tempat para musisi orkestra teater duduk, dan dalam beberapa pertunjukan, misalnya, saat mementaskan Romeo dan Juliet, itu digunakan sebagai platform tambahan tempat pertunjukan berlangsung.

Teater Globe Shakespeare hari ini

Inggris dianggap sebagai salah satu negara yang kontribusinya pada dunia seni drama sulit ditaksir terlalu tinggi. Dan hari ini, teater-teater terkenal, termasuk sejarah, di London, yang jumlahnya lebih dari selusin, tidak kekurangan penonton sepanjang musim. Yang menarik adalah "Globe" ketiga berturut-turut, karena mengunjunginya mirip dengan perjalanan waktu. Selain itu, wisatawan tertarik dengan museum interaktif yang beroperasi di bawahnya.

Pada 1990-an, muncul ide untuk menghidupkan kembali English Globe Theatre. Selain itu, sutradara dan aktor terkenal Amerika Sam Wanamaker, yang memimpin proyek tersebut, bersikeras agar gedung baru tersebut dibangun sedemikian rupa sehingga semirip mungkin dengan aslinya. Ulasan dari wisatawan yang telah menghadiri pertunjukan Teater Globe menunjukkan bahwa tim arsitek, insinyur, dan konsultan terkenal yang cukup besar, sibuk menghidupkan kembali salah satu institusi budaya paling terkenal dalam sejarah London, berhasil sepenuhnya. Mereka bahkan melapisinya dengan senyawa tahan api, meski bahan bangunan seperti itu sudah tidak digunakan di ibu kota Inggris selama lebih dari 250 tahun. Pembukaan berlangsung pada tahun 1997, dan selama sekitar 18 tahun dimungkinkan untuk menonton pertunjukan dari banyak drama Shakespeare dengan set dan kostum asli. Selain itu, seperti pada masa pemerintahan James the First dan Charles the First, tidak ada teater dan pertunjukan hanya diadakan pada siang hari.

Pertunjukan

Seperti yang telah disebutkan, dasar repertoar "Globe" yang dihidupkan kembali adalah lakon William Shakespeare. Yang paling populer adalah pertunjukan seperti "The Taming of the Shrew", "King Lear", "Henry IV", "Hamlet" dan lainnya, yang dimainkan seperti pada abad ke-17. Demi keadilan, harus dikatakan bahwa tidak semua tradisi teater Shakespeare dilestarikan di dunia modern. Secara khusus, peran wanita kini dimainkan oleh aktris, bukan aktor muda, seperti kebiasaan 250 tahun lalu.

Baru-baru ini teater datang dalam tur ke Rusia dan membawakan produksi lakon "A Midsummer Night's Dream". Tidak hanya orang Moskow, tetapi juga penduduk Yekaterinburg, Pskov, dan banyak kota lain di negara kita dapat melihatnya. Tanggapan orang Rusia lebih dari sekadar mengagumi, meskipun faktanya sebagian besar penonton mendengarkan teks dalam terjemahan simultan, yang tidak bisa tidak mengganggu persepsi holistik dari penampilan para aktor.

Di mana letaknya dan bagaimana menuju ke sana

Teater Globe Shakespeare hari ini terletak di New Globe Walk, SE1. Cara termudah untuk sampai ke sana adalah dengan kereta bawah tanah ke stasiun Cannon St, Mansion House. Karena bangunannya sebagian tanpa atap, dimungkinkan untuk menjadi penonton pertunjukan Teater Globus hanya dari 19 Mei hingga 20 September. Pada saat yang sama, tur gedung diselenggarakan sepanjang tahun, memungkinkan Anda untuk melihat tidak hanya panggung dan auditorium, tetapi juga bagaimana pemandangan dan belakang panggung diatur. Turis juga diperlihatkan kostum yang dibuat menurut sketsa abad ke-17 dan yang lama.Harga mengunjungi teater sebagai museum zaman Shakespeare adalah 7 pound untuk anak-anak dan 11 pound untuk dewasa.

Sekarang Anda tahu sejarah Teater Globe, dan Anda juga tahu bagaimana menuju ke sana dan pertunjukan apa yang bisa Anda lihat di sana.

Kami memeriksa tragedi tersebut dari sudut pandang masalah filosofis, moral, sosial dan negara yang diangkat di dalamnya. Namun hal ini tidak menguras isi Hamlet.

Pertama-tama, dalam percakapan Hamlet dengan Rosencrantz dan Guildenstern, salah satu episode penasaran kehidupan budaya London pada masa Shakespeare diceritakan tanpa hambatan tentang apa yang disebut "perang teater", yang salah satu pesertanya, penulis naskah T Dekker, disebut kata Yunani " Poetomachia (perang penyair).

Itu terjadi pada tahun 1599-1602 dan dimulai dengan fakta bahwa John Marston, dalam sebuah drama yang ditulis untuk rombongan aktor-anak laki-laki sekolah di St. Paul's, menampilkan penulis naskah Ben Jonson dengan tidak berbahaya. Dia tersinggung dan, sebagai tanggapan, dia memerankan Marston dalam permainannya dengan agak jahat. Johnson juga menyediakan drama untuk rombongan anak-anak lainnya. Maka selama tiga tahun mereka saling mengejek di atas panggung kedua teater anak ini.

Pengenalan momen pribadi membangkitkan minat tambahan pada kehidupan teater London. Pertunjukan rombongan anak-anak telah mendapatkan semacam popularitas yang memalukan. Teater kemudian memiliki banyak penggemar, dan kontroversi antara penulis dilihat dengan cara yang sama seperti kompetisi petinju atau tim sepak bola nanti. Kebetulan rombongan anak-anak menarik sebagian besar penonton, dan "Globe" Shakespeare tidak bisa tidak merasakan ini dalam pendapatannya. Hal ini tercermin dalam kisah Rosencrantz dan Guildenstern bahwa teater anak-anak telah menjadi mode dan publik terbawa oleh perselisihan para penulis naskah, akibatnya "anak-anak telah mengambil alih kekuasaan", menyebabkan kerusakan bahkan pada "Hercules dengan bebannya". " (II, 2, 377-379). Untuk memahami arti dari kata-kata terakhir, perlu diketahui bahwa lambang Teater Globe adalah gambar Hercules yang memegang bola dunia di pundaknya. Jadi Shakespeare memasukkan ke dalam tragedi penyebutan langsung tidak hanya tentang peristiwa teater kontemporer, tetapi juga tentang teater di mana Hamlet dipertunjukkan.

Saya tidak lagi menyinggung fakta bahwa anakronisme diperbolehkan di sini, yaitu pengenalan fakta modern ke dalam plot lama, anatopisme (ketidakcocokan lokalitas) juga diperbolehkan: aksi berlangsung di Denmark, dan kita berbicara tentang rombongan ibu kota London!

Shakespeare sengaja melakukan pelanggaran masuk akal ini, karena, di satu sisi, penampilan para aktor diperlukan sesuai dengan plot tragedi, di sisi lain, penyebutan "perang teater" menjadikan bagian lakon ini topikal. .

Ternyata para aktor teater Shakespeare bermain sendiri. Ada kepedihan khusus dalam kenyataan bahwa mereka dan penonton yang menonton pertunjukan mengetahui hal ini. Teater itu seperti cermin dirinya sendiri. Teknik refleksi cermin diperkenalkan ke dalam seni lukis oleh seniman-seniman yang bertingkah laku. Shakespeare menerapkannya ke atas panggung.

Bukan Shakespeare yang menemukan teknik yang dikenal sebagai "adegan di rantai", ketika citra pertunjukan teater dimasukkan ke dalam aksi sebuah karya dramatis. Sudah dalam "Tragedi Spanyol" yang populer oleh T. Kida, pertunjukan pengadilan memainkan peran penting dalam aksi tersebut. Penggambaran aktor dan pertunjukan amatir juga ditemukan di beberapa drama Shakespeare.

Tema teater dalam drama Renaisans Akhir memiliki makna filosofis yang luar biasa. Gagasan “hidup adalah teater” yang muncul saat itu mencerminkan fakta penting dari budaya sosial baru. Pada Abad Pertengahan, kehidupan ditutup menjadi sel-sel ekonomi (subsisten) dan politik yang terpisah (tuan-tuan feodal). Komunikasi di antara mereka relatif sedikit, belum lagi fakta bahwa setiap perkebunan - tuan feodal, pendeta, penduduk kota, petani - hidup terpisah satu sama lain.

Isolasi kehidupan sehari-hari mulai runtuh dengan pertumbuhan kota-kota besar dan pembentukan monarki nasional yang besar. Hambatan antar kelas mulai runtuh, kehidupan sosial dalam arti sebenarnya mulai muncul. Orang lebih terlihat satu sama lain. Visibilitas realitas mengarah pada fakta bahwa ada asimilasi kehidupan dengan teater. Calderon (1600-1681) menyebut salah satu lakonnya "The Great Theater of the World". Shakespeare dalam lakon "As You Like It" memasukkan monolog panjang ke mulut salah satu karakternya: "Semua kehidupan adalah teater, dan orang-orang adalah aktor di dalamnya ..." Gagasan ini sangat disukai Shakespeare dan para aktornya , dengan siapa dia membuat rombongan, yang mereka wujudkan dalam lambang teater mereka, yang menggambarkan dunia. Selain itu, gambar Hercules disertai dengan pepatah Latin: "seluruh dunia bertindak", atau "semua orang bertindak".

Kita tidak perlu pergi jauh untuk memberi contoh. Dalam tragedi kami, karakter utama berperan: Hamlet berperan sebagai orang gila, Claudius berperan sebagai raja yang tampan dan baik hati. Kami tidak akan berbicara tentang "peran" kecil yang diambil oleh karakter sekunder. Akting karakter utama ditekankan oleh fakta bahwa dari waktu ke waktu mereka membuang topeng yang mereka kenakan dan tampil dalam wujud aslinya - baik Hamlet maupun Claudius.

Dengan munculnya monarki absolut besar di Spanyol, Prancis, dan Inggris, sandiwara menjadi bagian tak terpisahkan dari kehidupan istana. Untuk memuliakan raja absolut, upacara megah diadakan di setiap istana. Kebangkitan raja dan kepergiannya untuk tidur, resepsi para menteri dan duta besar diatur dengan sungguh-sungguh. Kehidupan istana kerajaan mencakup segala macam ritual dan upacara. Pantas saja posisi penyelenggara ritual keraton - pembawa acara - muncul. Dalam kehidupan istana Elsinore, tatanan umum diadopsi, meskipun ucapan di Hamlet tidak mencerminkan sifat seremonial dari beberapa adegan tragedi itu. Di awal (I, 2) dikatakan: “Pipa. Masukkan Raja, Ratu, Hamlet, Polonius, Laertes, Voltimand, Cornelius, tuan dan pelayan. Pintu masuk digembar-gemborkan dengan kemeriahan, diikuti dengan prosesi khidmat. Catatan tersebut mencantumkan peserta dalam prosesi secara berurutan sesuai dengan peringkat mereka. Tetapi menurut komentar dalam lakon lain oleh Shakespeare ("Henry VIII"), kita tahu bahwa semua pelayan berjalan di depan raja, membawa tanda kebesaran kerajaan, dan baru kemudian raja itu sendiri muncul. Prosesi ditutup oleh rombongan,

Pintu masuk khusyuk yang sama terjadi di adegan kedua babak kedua: "Terompet, Masuklah raja, ratu, Rosencrantz, Guildenstern, dan para pelayan." Dengan memperhatikan semua upacara, orang kerajaan datang ke pertunjukan istana: “Pawai Denmark. Pipa. Masuki Raja, Ratu, Polonius, Ophelia, Rosencrantz, Guildenstern, dan pejabat dekat lainnya, dengan penjaga membawa obor. Tanpa musik, tapi cukup khusyuk, Claudius, Gertrude dan para bangsawan datang untuk menyaksikan duel antara Hamlet dan Laertes.

Empat pintu masuk seremonial dari orang-orang yang memerintah dengan pengiringnya ditampilkan di teater Shakespeare dengan semua detail yang sesuai untuk memulai adegan rumah lainnya. Teater kehidupan istana tercermin langsung di Hamlet. Dalam tragedi ada teater nyata, sandiwara kehidupan keraton, yang berakting dalam tingkah laku para tokoh dalam tragedi itu.

Profesi akting dianggap rendah. Satu-satunya hal yang menyelamatkan para aktor adalah bahwa mereka terdaftar sebagai pelayan mereka oleh orang-orang bangsawan. Ini melindungi mereka dari tuduhan gelandangan, yang dihukum berat oleh hukum. Rombongan Shakespeare memiliki pelindung berpangkat tinggi - awalnya disebut Pelayan Tuan Chamberlain, dan kemudian - Pelayan Yang Mulia. Namun meski begitu, profesi akting tidak menikmati rasa hormat publik. Shakespeare mengeluhkan hal ini dalam Soneta-nya dan tercermin dalam tragedi bagaimana Polonius dan Hamlet memperlakukan para aktor yang tiba di Elsinore secara berbeda. Pangeran memerintahkan mereka untuk diterima dengan baik, Polonius menjawab dengan menahan diri bahwa dia akan menerima mereka "sesuai dengan jasa mereka". Hamlet marah: “Sialan, sayangku, jauh lebih baik! (...) Terimalah sesuai dengan kehormatan dan martabat Anda sendiri; semakin sedikit yang pantas mereka terima, semakin mulia kebaikanmu” (II, 2, 552-558).

Pangeran Denmark mengungkapkan pengetahuan yang sangat baik tentang konsep humanistik seni teater. Drama tersebut adalah "ikhtisar dan catatan sejarah singkat abad ini" (II, 2, 548-549). Pada masa Shakespeare, belum ada surat kabar, dan berita diketahui baik dari dekrit kerajaan, yang dibacakan oleh pembawa berita di alun-alun dan persimpangan jalan, atau dari lembaran terbang - balada, yang juga dinyanyikan di tempat umum atau terkadang dari panggung, ketika peristiwa sensasional menjadi plot untuk drama. Bartholomew's Night adalah subjek dari tragedi Christopher Marlo The Massacre of Paris (1593). Proses dokter Lopez secara tidak langsung tercermin dalam The Merchant of Venice, perjuangan Venesia melawan Turki tercermin dalam Othello. Pada awal abad ketujuh belas di London, sebuah kisah yang mirip dengan Lear terjadi pada seorang warga negara, dan ketidaktahuan putri-putri modern mungkin telah mendorong Shakespeare untuk menghidupkan kembali legenda raja Inggris kuno. Tetapi meskipun tidak ada korespondensi langsung dengan peristiwa kehidupan modern dalam lakon Shakespeare, pendekatan plot dengan adat istiadat kontemporernya dan penciptaan karakter khas pada masanya juga menunjukkan bahwa ia mengikuti aturan untuk mencerminkan kehidupan di atas panggung.

Para aktor yang tiba di Elsinore juga menjalankan fungsi penulis sejarah pada masanya, terbukti dengan hadirnya repertoar lakon "The Murder of Gonzago" dalam repertoar mereka. Kami tidak tahu apakah berita pembunuhan brutal marquis Italia Alfonso Gonzago di vilanya di Mantua pada tahun 1592 sampai ke Shakespeare, atau mungkin dia mendengar bahwa bahkan lebih awal, pada tahun 1538, Adipati Urbino, Luigi Gonzago, terbunuh di sebuah lalu cara baru. , menuangkan racun ke telinganya, yang bahkan membuat takjub Eropa Renaisans yang babak belur. Either way, Pembunuhan Gonzago adalah peragaan ulang dari peristiwa sensasional. Situasinya bertepatan dengan apa yang terjadi di pengadilan Denmark. Ini menekankan bahwa teater tidak terlibat dalam fiksi kosong, tetapi menggambarkan apa yang terjadi dalam kenyataan.

Segala sesuatu yang disatukan menerima ekspresi klasik yang jelas dan untuk saat itu di mulut Hamlet, ketika dia menginstruksikan para aktor dan memberi tahu mereka: tujuan akting adalah “seperti sebelumnya, jadi sekarang dulu dan sekarang untuk menahan, seolah-olah, sebuah cermin di depan alam: untuk menunjukkan keutamaan dari sifatnya sendiri, menjadi sombong - penampilannya sendiri, dan untuk setiap zaman dan kelas - kemiripan dan jejaknya ”(III, 2, 22-27). Kami menyebut definisi ini klasik karena kembali ke formula Cicero tentang sifat komedi, yang diulangi oleh ahli tata bahasa abad ke-4 Elius Donatus. Itu dipinjam dari mereka oleh para ahli teori drama Renaisans, diulangi di sekolah dan universitas, dalam studi bahasa Latin. Posisi ini juga tidak berubah selama berabad-abad berikutnya, yang menerjemahkan metafora Cicero dengan kata "refleksi". Ya, Shakespeare menegaskan gagasan bahwa teater harus menjadi cerminan realitas dan menunjukkan moral sebagaimana adanya, tanpa membumbuinya.

Moralisasi yang datar dan lugas asing bagi Shakespeare, tetapi, seperti yang telah kami katakan lebih dari sekali, ini tidak berarti penolakan terhadap penilaian moral atas perilaku orang. Yakin bahwa seni teater harus benar-benar jujur, Shakespeare memaksa Hamlet untuk berkata kepada Polonius: “Lebih baik Anda menerima tulisan di batu nisan yang buruk setelah kematian daripada ulasan buruk dari mereka (yaitu, dari aktor. - A A.) selama Anda masih hidup” (II, 2, 550-551).

Mempertahankan teater dari serangan ulama dan munafik-puritan, kaum humanis berpendapat bahwa teater tidak hanya mencerminkan adat istiadat yang ada, tetapi juga berfungsi sebagai pendidikan moral. Kata-kata Hamlet dijiwai dengan keyakinan akan kekuatan pengaruh teater di benak orang:

...Aku mendengar
Itu terkadang penjahat di teater
Berada di bawah pengaruh permainan
Begitu sangat terkejut bahwa segera
Mereka mengumumkan perbuatan jahat mereka...
        II, 2, 617-621

Yakin akan hal ini, Hamlet memulai pertunjukan "Pembunuhan Gonzago", "menarik hati nurani raja" (II, 2, 634). Seperti yang kita ketahui, apa yang terjadi selama pertunjukan menegaskan gagasan tentang dampak moral teater: raja terkejut ketika dia melihat gambar kekejaman yang dia lakukan di atas panggung.

Melalui kepahlawanannya, Shakespeare juga mengungkapkan pemahamannya tentang dasar-dasar akting. Objek Hamlet menjadi dua ekstrem - ekspresif yang berlebihan, meminta untuk tidak menangis dan "melihat udara dengan tanganmu" (III, 2, 5), dan di sisi lain, tidak terlalu lesu (III, 2, 17). “Jangan melanggar kesederhanaan alam, karena segala sesuatu yang dibesar-besarkan bertentangan dengan tujuan bertindak” (III, 2, 22-23). Hamlet menegaskan kealamian perilaku panggung para aktor: “... Jadilah sama dalam segala hal; karena di dalam arus itu sendiri, di dalam badai dan, menurut saya, di dalam pusaran nafsu, Anda harus belajar dan mengamati ukuran yang akan memberinya kelembutan ”(III, 2, 6-9). Aktor tidak boleh terlalu memaksakan diri pada perasaan, temperamen, mereka harus mengikuti perintah nalar: "Biarlah pemahamanmu sendiri menjadi mentormu" (III, 2, 18-19). Hamlet mengatakan dalam hal ini: "kemampuan untuk mengetahui cara bermain." Oleh karena itu, dari pihak aktor dibutuhkan kemandirian dan kemampuan untuk memahami dengan baik peran yang diberikan kepadanya.

Shakespeare sama sekali bukan pendukung rasionalitas dingin. Ingat kata-kata Hamlet yang terkenal tentang aktor: "Apa itu Hecuba baginya // Apa Hecuba baginya ..." (II, 2, 585). Memenuhi permintaan Hamlet, sang aktor membacakan monolog tentang Hecuba sedemikian rupa sehingga bahkan Polonius berkomentar: “Lihat, wajahnya telah berubah, dan matanya berlinang air mata” (II, 2, 542-543). Sang pangeran sendiri bahkan lebih ekspresif dan dengan pemahaman tentang psikologi sang aktor berkata:

...aktor
Dalam imajinasi, dalam hasrat fiktif
Jadi dia mengangkat semangatnya ke mimpinya,
Bahwa dari pekerjaannya dia menjadi pucat;
Mata basah, keputusasaan di wajah,
Suaranya pecah, dan seluruh penampilannya bergema
Mimpinya.
        II, 2, 577-583

"Mimpi" dalam bahasa aslinya sesuai, kesombongan; penunjukan kamusnya - "fantasi" - untuk menuangkan sebagian menyampaikan arti yang digunakan oleh Shakespeare. M. Morozov memberikan interpretasi frasa seperti itu secara keseluruhan: "semua perilakunya mulai sesuai dengan gambaran yang diciptakan oleh imajinasinya." Kata ini dapat diterjemahkan dengan baik sebagai "konsep", yang sebenarnya diucapkan lebih luas oleh M. Morozov.

Shakespeare meninggalkan kami pendapatnya tentang seperti apa pidato panggung itu - kata-kata harus dengan mudah keluar dari lidah, gerak tubuh harus alami. Hamlet juga marah dengan ekspresi wajah penjahat yang berlebihan dalam The Murder of Gonzago, dan dia berteriak kepadanya: "Hentikan kejenakaanmu ..." (III, 2, 262-263). Dan Hamlet dengan tegas menolak lelucon yang diizinkan oleh para komedian, "untuk membuat sejumlah penonton yang paling kosong tertawa" (III, 2, 45-46).

Shakespeare juga membedakan antara dua jenis penonton dalam mencatat berbagai jenis seni akting pada masanya. Kelebihan apa pun hanya dapat dicicipi oleh orang yang bodoh (III, 2, 28), sedangkan "penikmat akan kesal" (III, 2, 29). Meminta sang aktor untuk membaca monolog, Hamlet mengingatkannya bahwa dia berasal dari sebuah drama yang “tidak menyenangkan penonton; untuk sebagian besar itu adalah kaviar" (II, 2, 455-456) - suguhan yang terlalu halus. Teater tidak boleh dibimbing oleh orang-orang bodoh seperti itu, tetapi oleh ahlinya: "penilaiannya harus melebihi seluruh teater orang lain" (III, 2, 30-31). Ini sama sekali tidak dapat diartikan sebagai manifestasi dari keangkuhan. Shakespeare menulis dramanya, termasuk Hamlet, untuk teater publik rakyat. Baik dia maupun penulis naskah lainnya mengolok-olok selera penonton yang vulgar, menciptakan drama yang dirancang untuk penonton yang cerdas dan peka terhadap seni, sambil menanamkan pemahaman tentang esensi teater kepada seluruh publik. Pidato Hamlet adalah pelajaran yang tidak begitu banyak untuk rombongan yang tiba di Elsinore, bukan tanpa alasan, instruksi pangeran didengarkan tentang kesalahan apa yang harus diperbaiki. Aktor pertama berkomentar: "Saya harap kita kurang lebih memberantas ini dari diri kita sendiri " (III, 2, 40-41 ), berapa penonton Teater Globe.

Dalam aspek teatrikal, Hamlet adalah karya polemik tajam yang mencerminkan pergulatan antara tren artistik yang berbeda pada zamannya.

Sebelum pertunjukan The Murder of Gonzago, Hamlet mengenang bahwa Polonius pernah ikut serta dalam drama universitas. Punggawa tua menegaskan: "Dia bermain, pangeranku, dan dianggap sebagai aktor yang baik" (III, 2, 105-106). Ternyata dia berperan sebagai Caesar dan Brutus membunuhnya di Capitol. Hal ini menyebabkan permainan kata-kata sang pangeran: "Dia sangat brutal membunuh anak sapi yang begitu besar" (III, 2, 110-111). Ironisnya, tak lama setelah itu, Hamlet juga akan melakukan tindakan "brutal" ini dan membunuh Polonius.

Di universitas, merupakan kebiasaan untuk memainkan tragedi Seneca dan komedi Plautus dan Terentius untuk asimilasi bahasa Latin yang lebih baik. Seperti yang akan kita lihat sekarang, Polonius sangat menyadari hal ini. Tragedi dan komedi penulis drama Romawi dianggap sebagai contoh seni drama tertinggi di kalangan humanis. Dramaturgi gaya klasik tidak mengakar di panggung teater rakyat publik. Drama "Ilmiah" tetap menjadi hak istimewa universitas. Di sini mereka percaya akan perlunya pembagian yang ketat ke dalam genre, menganggap mencampur komik dengan tragis secara estetika tidak dapat diterima, sementara di panggung rakyat, yang ditulis oleh Shakespeare, tidak ada batasan yang disetujui oleh pendukung klasisisme Renaisans yang diakui. Penonton menuntut aksi yang bervariasi dan dinamis; drama Shakespeare dan orang-orang sezamannya bebas dari dogmatisme ahli teori drama yang ketat.

Sehubungan dengan hal tersebut, karakterisasi repertoar rombongan keliling yang diberikan oleh Polonius patut mendapat perhatian: "Aktor terbaik di dunia untuk pertunjukan tragis, komik, sejarah, pastoral ..." Hingga saat ini, ada pencacahan jenisnya tentang drama yang benar-benar ada, jelas berbatas satu sama lain; teori drama humanistik mengakui mereka sebagai "sah". Polonius lebih lanjut menyebutkan jenis drama campuran: "komik-pastoral, pastoral-sejarah, tragis-sejarah, tragis-komik-sejarah-pastoral, untuk adegan yang tidak terbatas dan puisi yang tidak terbatas." Tentang jenis drama ini, Polonius berbicara dengan ironi yang jelas, baginya, dibesarkan di universitas, jenis drama ini adalah persilangan ilegal. Tetapi rombongan tamu, seperti yang jelas dari kata-katanya, mengambil posisi eklektik. Dia memainkan drama dengan genre campuran, tetapi dia juga menghormati gaya klasik: "Mereka tidak memiliki terlalu banyak Seneca, dan Plautus tidak terlalu ringan", yaitu, mereka tahu cara memainkan tragedi Seneca yang monoton dan monoton. dengan jelas, dan memberikan arti penting pada komedi ceria Plautus. Kisaran rombongan ini sedemikian rupa sehingga ia bermain baik dari teks drama yang sudah jadi dan resor hingga improvisasi dalam semangat commedia dell'arte Italia: "Untuk peran tertulis dan gratis, ini adalah satu-satunya orang" (II, 2, 415-421).

Selera Polonius seharusnya mendikte dia sikap negatif terhadap bagian penting dari repertoar rombongan. Tetapi dengan menunjukkan aktor yang bebas dari batasan selera, terampil dalam melakukan drama dari genre apa pun, "kecuali membosankan", seperti yang dikatakan Voltaire, Shakespeare mengungkapkan cita-citanya tentang teater yang bebas dari dogmatisme estetika dan universal dalam kemungkinan artistiknya.

Jadi, "Hamlet" mengandung estetika teater yang mendetail.