Sergei Rachmaninov, um notável compositor clássico russo, nasceu na segunda metade do século XIX na Rússia. Faleceu em 1943, durante a Segunda Guerra Mundial, nos EUA. Sergei Vasilievich também é conhecido como um pianista famoso, ele dirigiu a orquestra com maestria como maestro.

Havia muitos músicos na família de Sergei Rachmaninov. Como pianista, Sergei tornou-se conhecido entre os ouvintes enquanto estudava no Conservatório de Moscou. Ele se formou com uma medalha de ouro como jovem talento.

As obras musicais mais famosas escritas por Sergei Rachmaninov como compositor são “Danças Sinfônicas”, o poema sinfônico muito original “Ilha dos Mortos”, o poema sinfônico “Príncipe Rostislav”, o magnífico poema sinfônico “Os Sinos” baseado nas palavras do original poeta e escritor americano Edgar Allan Poe, "gênio das trevas" Também as óperas “Francesca de Rimini”, “O Cavaleiro Avarento”, “Aleko”, diversas sinfonias, às quais são atribuídos números de acordo com a ordem da sua criação. Em geral, Sergei Rachmaninov é considerado um compositor do movimento romântico.

Sergei Rachmaninov também escreveu romances e criou muitas peças para piano. É um dos mais belos romances de Sergei Rachmaninov - este “Spring Waters”, criada em 1896, baseada nas palavras do famoso clássico russo, o poeta Fyodor Tyutchev. O romance descreve uma imagem do despertar da natureza na primavera, derretimento da neve, riachos nevados e inundações. Esta é uma composição importante, brilhante e positiva, um alegre prenúncio da primavera. "A primavera está chegando! A primavera está chegando!" - canta o romance.

Sergei Rachmaninov e sua família deixaram a Rússia logo após a revolução de 1917. Viveu um ano na Europa, onde deu vários concertos como pianista e maestro, e tornou-se muito famoso. Depois ele se mudou para os EUA. Aqui ele ganhou ainda mais popularidade e fama, tornou-se um homem muito rico e uma “lenda viva” da música sinfônica.

Curiosamente, o início da carreira musical de Rachmaninov como compositor foi extremamente mal sucedido. Ninguém entendeu sua música inovadora e original, os críticos escreveram críticas iradas, o jovem compositor foi chamado de mediocridade nos círculos musicais, mas aos 30 anos Rachmaninov conseguiu ganhar fama em toda a Rússia. O que teria acontecido se Rachmaninov tivesse desistido e desistido no início de sua carreira criativa?

A neve ainda é branca nos campos,
E as águas já fazem barulho na primavera.
Eles correm e acordam na costa sonolenta,
Eles correm, brilham e gritam...
Eles dizem por toda parte:
"A primavera está chegando, a primavera está chegando!
Somos mensageiros da jovem primavera,
Ela nos mandou na frente!"

Um dos exemplos mais notáveis ​​da criatividade vocal de câmara de Rachmaninov é o romance “ Águas de nascente"Baseado em poemas de F.I. Tyutchev. Parece estar completamente inundado de luz solar e imbuído de uma sensação de alegre elevação e exultação. Neste romance, pela primeira vez, Rachmaninov manifestou tão claramente aqueles climas de “primavera” que começaram a ser ouvidos cada vez mais claramente na arte russa a partir de meados dos anos 90. Foi durante esses anos que Levitan criou a maior sonoridade de suas paisagens (por exemplo, “Março” ou “Vento Fresco”). Assim como as pinturas de Levitan, o romance de Rachmaninov carregava um conteúdo mais amplo do que apenas imagens da natureza. Um contemporâneo do compositor testemunha que durante o crescente movimento revolucionário na década de 1900, este romance tornou-se “um símbolo do despertar social”. Como observa corretamente A.D. Alekseev, a parte vocal do romance contém “uma fusão orgânica de melodia lírica de canção com melodia heróica de hino”. As entonações de “gritos” e “chamados”, que notamos em várias obras anteriores de Rachmaninov, adquirem aqui um caráter particularmente ativo e obstinado. Passagens comoventes e vibrantes da parte do piano e a cor geral da música completam a imagem, cheia de energia e desejo incontrolável de seguir em frente.

Rachmaninov "Spring Waters" (arranjo para piano)
S. Rachmaninov joga.

S.V.

"Uma mulher bonita é, claro, uma fonte de inspiração eterna. Mas você deve fugir dela e buscar a solidão..."
De uma entrevista com S.V. Rachmaninov, 1927.

Certa vez, o famoso cantor F. Chaliapin perguntou a Rachmaninov:
- Explique-me, um simples artista russo, o que há de tão maravilhoso na sua música, por que você começa a olhar a vida com outros olhos? Supera a sede de amar, de sofrer, de cantar de alegria. Você está descrevendo nele os acontecimentos de sua vida ou da vida humana em geral? E por que você torna a tristeza espiritual tão dolorosamente doce?
Aqui está o que o compositor respondeu:
- Então você pergunta, qual é a minha música?
É uma noite tranquila de luar;
É o farfalhar das folhas;
Este é o distante sino da noite;
Isto é o que nasce do coração e vai para o coração;
Isto é amor!

A história da criação do romance "Lilás"

Fotos de sua terra natal com bétulas, rios e lagoas, lilases florescendo, com sua querida Ivanovka, onde Rachmaninov sempre se esforçou, o atormentavam constantemente e traziam tristeza.

Tudo isso é descrito por Yuri Nagibin em sua história “Lilás”, sobre os sentimentos emergentes dos jovens Sergei Rachmaninoff e Verochka Skalon, que se conheceram durante o período de extraordinário florescimento dos lilases.
“...Em memória de Ivanovka e daquele verão estranho, quando o vinho lilás fermentou tardia e poderosamente, Rachmaninov escreveu seu romance mais terno e emocionante, “Lilás”. Há uma nota incrível e comovente ali. É um vislumbre da alma de Verochka, comprada pelo amor desde a eternidade.”.
A autora dos poemas em que o romance foi escrito é Ekaterina Andreevna Beketova.

Ekaterina Andreevna Beketova (Krasnova) 1855-1892

“De manhã, de madrugada,
Na grama orvalhada,
Irei respirar fresco pela manhã;
E na sombra perfumada,
Onde os lilases estão lotados,
Irei em busca da minha felicidade..."

Quase todos os seus poemas foram escritos em Shakhmatovo; são inspirados no encanto da paisagem única da Rússia central. O lilás Shakhmatovskaya e o parque Shakhmatovsky ganham vida nessas linhas. Ekaterina Andreevna Beketova também foi uma boa artista. Entre seus papéis, foram preservados diversos esboços de Xadrez, feitos em aquarela e lápis de cor. Em um deles há uma pequena casa de Beketov afogada em arbustos de lilases.

“Lilac” é uma das pérolas mais preciosas das letras de Rachmaninov. A música deste romance é marcada por uma naturalidade e simplicidade excepcionais, uma notável fusão de sentimentos líricos e imagens da natureza, expressas através de sutis elementos musicais e pictóricos. Todo o tecido musical do romance é melodioso e melódico.
A primeira intérprete dos romances de Rachmaninov foi a incrível cantora Nadezhda Ivanovna Zabela.

“Lilac” é um romance que permite ter uma ideia precisa das letras de Rachmaninov. A música desta obra é natural e simples, caracterizada por uma combinação de sentimentos líricos e imagens da natureza. Todo o tecido musical do romance é melodioso e melódico. Frases vocais calmas e cantadas seguem naturalmente uma após a outra.

O romance “Não cante, beleza, na minha frente”, que combina música e elementos dramáticos, é uma verdadeira obra-prima das letras vocais de Rachmaninov dos anos 90. O tema principal da obra, pensativo e triste, aparece pela primeira vez na introdução do piano como uma melodia completa. O A repetido monotonamente no baixo, o movimento cromaticamente descendente das vozes médias, juntamente com as mudanças coloridas de harmonias, conferem à imagem musical da introdução um sabor oriental. O clímax do romance ocorre na terceira estrofe, e é interessante que nesta obra haja um segundo clímax na reprise.

“Spring Waters” (nas palavras de F. I. Tyutchev) é um romance relacionado às obras líricas e paisagísticas de Rachmaninov e apresentando uma imagem da primavera russa. A parte vocal é dominada por motivos construídos sobre os sons de uma tríade maior, frases ascendentes terminando com um salto energético. A parte do piano é muito significativa e desempenha um papel importante na criação do clima geral de afirmação da vida na obra.

A imagem musical das águas de nascente do romance “Spring Waters” de S. V. Rachmaninov

O romance “Noite Triste” (nas palavras de I. A. Bunin) é um novo tipo de elegia russa. A ausência de uma forma estrófica tradicional para o gênero elegíaco, a introdução de novo material temático na seção intermediária do romance e a apresentação recitativa introduzem nele alguns sinais de monólogo vocal. Também é muito interessante a forma musical desta obra, que pode ser definida como tripartida, embora cada parte não ultrapasse uma frase. O romance baseia-se no desenvolvimento de duas melodias, uma delas formada na parte vocal e a outra na parte do piano.

Concluindo a história de Rachmaninoff, um notável maestro, pianista e compositor do século XX, deve-se notar que a sua herança criativa é parte integrante da cultura artística russa; as melhores obras para piano, vocais e sinfônicas estão incluídas no fundo dourado da música clássica russa.

Mechislav Karlovich

O compositor, maestro e violinista polonês Mieczyslaw Karlovich nasceu em 1876 em uma família de músicos. Seu pai formou-se em violoncelo pelo Conservatório de Bruxelas e sua mãe era cantora e pianista. Mieczysław começou a estudar música aos cinco anos. De 1889 a 1895 estudou com os violinistas S. Bartsevich e Z. Noskovsky (harmonia); mais tarde, ainda em Berlim, teve aulas com o violinista e compositor G. Urban.

Karlovich foi o primeiro de seus compatriotas a direcionar todos os seus esforços para a criação de música sinfônica. Praticamente não existiam tradições nacionais nesta área, uma vez que os compositores polacos do século XIX estavam principalmente interessados ​​​​nos géneros de piano (F. Chopin), violino (G. Wieniawski) e ópera (S. Moniuszko), e obras orquestrais individuais eram apenas passos para o surgimento da escola sinfônica polonesa (“The Tale” de Moniuszko).

Em 1901, Karlovich retornou da Alemanha para sua terra natal. No início dos anos 1900, ele escreveu suas obras mais significativas, incluindo o concerto para violino, “Canções do Século” e “Rapsódia Lituana”. Além de seu trabalho criativo, o compositor se envolveu em atividades performáticas e sociais ativas.

Embora as obras de Karlovich sejam caracterizadas por alguns climas dramáticos, sua música surpreende os ouvintes com seu lirismo sutil. A poesia do simbolismo teve grande influência no compositor. As características da estética simbolista são especialmente perceptíveis nos comentários que acompanham as partituras de diversas obras programáticas do músico. Mas os meios de expressão modernistas não atraíram Karlovich e, portanto, as últimas tendências características da arte da virada do século XIX para o século XX refletiram-se apenas na seleção de enredos e temas de suas obras. A música surpreendentemente comovente e clara, melodiosa e expressiva está associada às tradições folclóricas da composição polonesa.

Estas são muitas das obras famosas de Karlovich. Entre eles está o seu concerto para violino e orquestra (1902), romanticamente otimista e arrebatador. A impressão de força e beleza fresca da juventude é criada por todas as suas três partes (Allegro moderato, romance e finale). Este concerto tornou-se uma das obras mais otimistas e afirmativas da vida do compositor.

Os aspectos mais atraentes do concerto para violino são a riqueza melódica e a melodia características da música puramente eslava. A capacidade de combinar expressividade e virtuosismo aproxima a obra de Karlovich da obra de P. Tchaikovsky. Ao mesmo tempo, o trabalho do músico indica que ele é um digno sucessor da tradição virtuosística da arte do violino polaca, que encantou os contemporâneos de G. Wieniawski. Entre as vantagens do concerto escrito por Karlovich estão qualidades como continuidade de desenvolvimento, clareza de forma e incrível compatibilidade de partes solo e orquestrais. Além disso, a obra mostra o excelente conhecimento de Karlovich de todas as capacidades técnicas e expressivas de um instrumento como o violino, embora isso não seja surpreendente: o músico era um violinista maravilhoso que concluiu com sucesso um curso no conservatório e executou soberbamente um concerto de Tchaikovsky. no exame final.

O talento brilhante de Karlovich também é revelado no gênero do poema sinfônico. “Returning Waves” (1904), escrito no espírito do simbolismo, fala sobre as experiências de um homem cujos dias estão contados, mas as memórias de sua felicidade anterior continuam a excitá-lo. O tríptico sinfônico “Century Songs”, criado pelo compositor em 1904-1906, também é permeado por um clima triste. É composto por três partes: “Canção da saudade milenar”, “Canção do amor e da morte”, “Canção da existência universal”. E em 1907 apareceu outro poema sinfônico - “Stanislav e Anna”. Esta obra surpreende pela emotividade e expressividade do som orquestral.

De referir ainda a obra “Rapsódia Lituana” (1906) de Karlovich, onde o compositor se voltou para o folclore lituano e bielorrusso. O rigor do desenvolvimento, a sutileza na transmissão das características das melodias folclóricas, a divulgação profunda das imagens poéticas - tudo isso torna a música da rapsódia verdadeiramente encantadora.

Embora Karlovich tenha vivido uma vida curta (em 1909, o compositor de trinta e dois anos morreu, enterrado numa avalanche nos Tatras), o significado da sua obra, associada às tradições da música polaca, é muito grande.

Bela Bartok

Béla Bartók, o maior compositor húngaro, um dos clássicos do século XX, nasceu em 1881 em Nagyszentmiklos (hoje Synnikolaul Mare) na Roménia. Seu pai era diretor de uma escola agrícola e sua mãe professora. Ela, percebendo as habilidades musicais do filho, deu-lhe as primeiras aulas de piano. Então o menino estudou com os então famosos músicos F. Kersch e L. Erkel, e em 1899 ingressou na Academia Liszt em Budapeste, onde aprimorou suas habilidades de tocar piano e estudou teoria da composição.

Bela Bartok

Depois de se formar na academia em 1903, Bartok voltou-se para a arte popular húngara e participava regularmente de expedições ao remoto interior húngaro, romeno e eslovaco, onde gravou músicas folclóricas antigas. Posteriormente, ele usou repetidamente o folclore em suas obras.

Em 1904, foi apresentada a primeira grande obra de Bartók, o poema sinfônico Kossuth. Além disso, nessa época já havia escrito diversas peças para piano, quartetos de cordas e suítes orquestrais. Em 1911, o compositor começou a trabalhar na ópera “O Castelo do Duque Barba Azul”, que só conseguiu concluir em 1918, quando já havia sido criado o balé “O Príncipe de Madeira”. Depois de algum tempo, surge o próximo balé de pantomima - “O Maravilhoso Mandarim”.

Bartok não se limita apenas a compor e atua como pianista. Ele viaja por muitas cidades importantes da Europa e dos EUA, incluindo Moscou e Leningrado.

Em 1907, Bartok tornou-se professor de piano na Academia de Música de Liszt. Em 1934, deixou de lecionar e concentrou-se totalmente na investigação na área do folclore e da etnografia. No início da Segunda Guerra Mundial, o compositor mudou-se para os Estados Unidos. Porém, a vida em uma terra estrangeira é muito difícil: Bartok é muito solitário, aqui ele não tem amigos nem fãs. Em 1945, ele morre no Hospital Estadual para os Pobres de Nova York.

O património criativo do compositor, para além destas obras, é ainda representado por duas cantatas, uma sinfonia, música para cordas, percussão e celesta, um concerto para orquestra, três concertos para piano, dois concertos para violino e viola, muitas obras instrumentais de câmara e para piano, coros, ciclos de canções para voz e piano. Bar-tok também possui diversos trabalhos científicos sobre folclore.

Carlos Orff

O compositor, maestro e professor alemão Carl Orff nasceu em 1895 em Munique. Aos cinco anos começou a aprender a tocar piano, violoncelo e órgão. Mais tarde estudou música na Academia de Música de Munique, onde seus mentores foram A. Beer-Walbrunn e P. Zilcher. Posteriormente, Orff teve aulas com o famoso polifonista G. Kaminsky.

De 1915 a 1919, Orff foi maestro em Munique, Mannheim e Darmstadt. Na Academia de Música de Munique ocupou o cargo de professor de composição.

Em 1924, o músico foi um dos fundadores da escola de música de Günteshul, onde criou o seu próprio sistema de educação da geração mais jovem através da música, dança e exercícios de ginástica. Orff é autor de um famoso livro didático para escolas. Criou diversas obras para coros infantis e instrumentos de percussão.

Outro campo de atividade de Orff foi dirigir concertos da Bach Society. Em 1955, o compositor recebeu um doutorado honorário da Universidade de Tübingen.

Entre as obras mais significativas de Orff estão cantatas de três palcos (Carmina Burana, Catulli Carmina, Triunfo de Afrodite), obras musicais e dramáticas (Lua, Mulher Esperta, Bernuerin). Suas principais qualidades eram a implementação realista e a expressividade da música. Assim é, por exemplo, a cantata “Carmina Burana” (1936), cujo subtítulo diz: “Canções seculares para solistas e coros com acompanhamento instrumental e cenas cênicas”.

Esta obra baseia-se em textos retirados pelo autor da antiga coleção de canções “Carmina Burana”, compilada no século XIII e hoje encontrada no repositório de um dos mosteiros da Baviera. Essas canções alegres e alegres ou cheias de ironia foram compostas por escolares, monges, artesãos e camponeses. Utilizando com maestria as entonações de músicas antigas, Orff dá-lhes uma nova sonoridade, mostrando toda a variedade de possibilidades da interpretação original da diatônica. A orquestra da cantata, que o compositor complementou com dois pianos e vários instrumentos de percussão, também é de grande interesse.

Embora a cantata diga que uma pessoa não resiste ao destino e que sua vida depende das voltas da roda da fortuna, sua música, surpreendentemente fresca e enérgica, cria um clima alegre e alegre nos ouvintes. Orff introduz na cantata não apenas entonações, mas também fragmentos de canções folclóricas, mas sua obra não se transforma em estilização.

A expressividade e o poder elementar de “Carmina Burana” distingue-a favoravelmente de “Carmina Catulli” (1943) e “O Triunfo de Afrodite” (1951), escritas com palavras de Catulo, Safo e Eurípides, mas estas cantatas também têm muitos atrativos. e páginas vibrantes.

Entre as obras teatrais, destaca-se “Clever Girl” (1942), baseada no conto de fadas dos Irmãos Grimm - uma obra cheia de humor vivo no espírito de uma farsa.

Carl Orff morreu em 1982.

Igor Fedorovich Stravinsky

Um dos maiores músicos do século XX, Igor Stravinsky, nasceu em 1882 em Oranienbaum, perto de São Petersburgo. Seu pai, F. I. Stravinsky, foi cantor e solista do Teatro Imperial Mariinsky.

Igor Fedorovich Stravinsky

O menino mostrou habilidades musicais desde cedo. Aos 9 anos começou a aprender a tocar piano, primeiro com Snetkova e depois com Kashperova. No entanto, Stravinsky não recebeu educação musical profissional e, aos 18 anos, por insistência dos pais, ingressou na Faculdade de Direito da Universidade de São Petersburgo. Mas sua atração pela música não desapareceu e ele dedicou todo o seu tempo livre ao estudo de assuntos teóricos musicais.

Dois anos depois, percebendo que precisava de aconselhamento profissional, Stravinsky recorreu a Rimsky-Korsakov, que lhe deu aulas particulares durante 1903-1905, e também forneceu a seu aluno a assistência necessária até sua morte.

As primeiras obras de Stravinsky, escritas sob a direção de Rimsky-Korsakov, foram várias peças para piano, uma cantata para o 60º aniversário de Rimsky-Korsakov, uma suíte para voz e orquestra “O Fauno e a Pastora”, uma sinfonia em Mi bemol maior e o Scherzo Fantástico. Diaghilev esteve presente na estreia deste último. Fascinado pelo talento do jovem compositor, contratou-o para encenar um balé nas Estações Russas em Paris. O resultado foi The Firebird (1910), depois Petrushka (1911) e ainda mais tarde The Rite of Spring (1913). Essas composições ganharam popularidade merecida entre os amantes da música e trouxeram fama mundial ao nome de seu criador.

Naquela época, Stravinsky alternava sua estada na Rússia com viagens a Paris. No verão de 1914, ou seja, imediatamente antes do início da Primeira Guerra Mundial, o compositor foi para a Suíça, onde, devido ao início das hostilidades, teve que permanecer até 1918. Durante seus anos neste país, Stravinsky escreveu a ópera The Nightingale (1914), The Story of a Soldier (1918), que ele mesmo definiu como “uma história de um soldado fugitivo e um demônio, lido, representado e dançado”.

O compositor não quis voltar para a Rússia, que se tornara soviética, e mudou-se para Paris, onde viveu até 1940. Em 1919, ele recebeu uma nova encomenda de Diaghilev, que consistia em que Stravinsky fosse convidado a aperfeiçoar a parte musical do balé “Pulcinella” baseado na música de Pergolesi.

Um pouco mais tarde, as óperas de Stravinsky “O Mouro” (baseada no poema de Pushkin “A Casinha em Kolomna”) e “Édipo Rex” foram encenadas na capital da França. O aparecimento deste último marcou o início de uma nova etapa na obra do compositor - a neoclássica, que substituiu a sua obra na tradição puramente russa.

Em 1924, Stravinsky estreou-se como pianista, executando o seu concerto para piano e orquestra de sopros, dirigido por Koussevitzky. Um ano depois, Stravinsky tentou ser maestro. Nas horas vagas compõe músicas para teatro, mas também se volta para outros gêneros musicais: escreve sinfonia para instrumentos de sopro, suítes para orquestra de câmara, piano e obras vocais. Logo apareceram também os balés de Stravinsky “Apollo Musagete”, “O Beijo da Fada” e a famosa Sinfonia dos Salmos baseada em textos latinos do Antigo Testamento.

O início da década de 30 foi marcado pelo aparecimento de obras do compositor como o concerto para violino e orquestra e o concerto para dois pianos. Em 1933-1934, Stravinsky, encomendado pela famosa dançarina Ida Rubinstein, juntamente com A. Gide, compôs o melodrama “Perséfone”. Então ele decide aceitar a cidadania francesa, com o que os fios que ainda o conectam à sua terra natal são finalmente rompidos. No mesmo período, foi publicado seu livro autobiográfico “Crônica da Minha Vida”.

Em 1936, Stravinsky viajou pelos EUA. O Metropolitan Opera está realizando a estreia de seu balé A Game of Cards, e ele próprio começa a trabalhar no concerto Dumbarton Oaks, realizado em 1938 na casa dos clientes, os cônjuges Bliss. Nesse mesmo ano, ministrou diversas aulas com alunos da Universidade de Harvard.

O ano de 1940 foi marcado para Stravinsky pela despedida da França e pela mudança para residência permanente nos EUA. Agora ele às vezes sai em turnê pela Europa, onde atua como pianista e maestro. Em 1962, celebrou solenemente seu 80º aniversário, após o qual finalmente decidiu visitar a URSS. Ele dá concertos em Moscou e Leningrado e depois retorna aos EUA. Depois de mais cinco anos, encerra suas apresentações, mas continua trabalhando como compositor. Sua vida termina em 1971 em Nova York.

L. Bakst. Figurino para o balé “The Firebird” de I. F. Stravinsky

A herança criativa de Stravinsky, além das obras mencionadas acima, inclui a ópera “The Rake's Progress” baseada em uma série de gravuras de J. Hogarth (1571), os balés “Orpheus” (1948), “The Cage” (1951) e “Agon” (1957), sinfonias “In C” e “In Three Movements”, concerto de ébano para clarinete solo e conjunto instrumental, “Nosso Pai” para coro a capella, “Sacred Hymn in Praise of the Name of St. ”, “Lamentação do Profeta Jeremias”, cantata “Sermão, parábola e oração”, “Cânticos fúnebres”, um grande número de obras menores.

É interessante que Stravinsky não tenha um estilo específico de escrita musical, seu estilo de trabalho está em constante mudança, por isso foi até apelidado de camaleão. Porém, todas as suas obras são exemplos de verdadeira maestria.

Alfredo Casella

O compositor, pianista, crítico musical e professor italiano Alfredo Casella nasceu em 1883. Ele recebeu sua educação musical no Conservatório de Paris. Estudou composição sob orientação de G. Fauré, piano - L. Diemer. A formação de seu estilo foi muito influenciada pela música francesa, pela obra de R. Strauss, bem como pela convivência com G. Mahler. A mais famosa das primeiras obras de Casella foi a rapsódia sinfônica "Itália", escrita em 1909, refletindo o desejo do autor de transmitir imagens da vida em Nápoles e na Sicília. O compositor incluiu melodias folclóricas na partitura da obra, apresentadas em um quadro orquestral um tanto pesado.

De 1912 a 1915, Casella foi regente dos Concertos do Povo na Sala Trocadéro. No mesmo período, lecionou piano no Conservatório de Paris.

Em 1915, o compositor mudou-se para Roma, onde se tornou professor de piano na Academia de Música de Santa Cecília. Ele visitou muitas cidades europeias e americanas com concertos.

A suíte “Páginas de Guerra” (1918) de Casella, dedicada aos trágicos acontecimentos do nosso tempo, apareceu em Roma. Desde então, as tendências neoclássicas, pouco perceptíveis nos trabalhos anteriores do músico, aumentaram significativamente. Eles são especialmente sentidos na partita para piano e orquestra (1925), onde o desejo do autor pelo construtivismo ganha destaque. Como muitos compositores europeus da época, Casella recorreu constantemente às tradições da música italiana antiga. Acima de tudo, foi atraído pela arte dos séculos XVII-XVIII, em particular pelas obras de A. Vivaldi e A. Scarlatti. O músico também foi significativamente influenciado pelas obras de G. Rossini e A. Paganini. Nas obras de Casella, o interesse pela antiguidade se alia ao desejo de utilizar os meios expressivos da arte musical moderna, repensados ​​pelo compositor em suas obras teóricas (“A evolução da música à luz da história das mudanças na cadência”, 1918; “Politonalidade e atonalidade”). A arte popular também desempenha um papel importante na música do compositor. Elementos do folclore são claramente visíveis em muitas das obras de Casella.

Entre as obras mais interessantes do compositor estão o concerto para orquestra de cordas (1927), bem como as suítes “Scarlattiana” para piano e 32 instrumentos de cordas (1926) e “Paganiniana” (1942), que são adaptações livres de mestres famosos. da arte musical italiana. Nessas obras, assim como na já mencionada partita para piano e orquestra, Casella recorre ao neoclassicismo. As tendências neoclássicas também se fazem sentir no concerto para cordas, piano, tímpanos e percussão (1943). Este concerto, criado especificamente para a Orquestra de Câmara de Basileia, caracteriza-se pela harmonia estrutural e uma combinação harmoniosa de géneros de dança e versões antigas do concerto grosso.

Entre as obras mais significativas de Casella criadas para o teatro estão “A Mulher Serpente” (1931), encarnando as imagens da ópera buffa italiana, a ópera “O Conto de Orfeu”, os balés “O Mosteiro Veneziano” (1913), “O Jarro” (1924). O compositor é autor da missa solene “Pela Paz” (1944), três sinfonias, “Elegia Heroica” (1916), concertos, romances, peças de teatro, incluindo onze infantis.

Casella participou ativamente nas atividades da Sociedade Internacional de Música Contemporânea. As obras do compositor foram frequentemente apresentadas em festivais organizados por esta sociedade em vários países.

O compositor italiano morreu em 1947.

Embora as obras de Casella sejam de significado variado, o músico, que desempenhou um papel importante no renascimento das tradições nacionais, ocupa um lugar de destaque na história da arte musical italiana.

Heitor Vila Lobos

Heitor Vila-Lobos, compositor, maestro, professor e folclorista brasileiro, nasceu em 5 de março de 1887 no Rio de Janeiro. Sua atração pela música apareceu bem tarde. Aos 16 anos se interessou pelo folclore e viajou muito pelo país, gravando diversas canções folclóricas.

Em 1923, Vila-Lobos foi para Paris, onde estudou com afinco disciplinas musicais. Lá conheceu Ravel, Prokofiev e outros compositores. A amizade com eles desempenhou um papel importante no desenvolvimento de sua criatividade.

Ao se perceber como compositor, Vila-Lobos também encontrou tempo para se apresentar em concertos como maestro, ao mesmo tempo que dirigia a execução de suas próprias obras e da música de seus contemporâneos.

Em 1931, Vila-Lobos foi nomeado comissário governamental para a educação musical no Brasil. Devemos dar-lhe o que lhe é devido: ele trouxe muitos benefícios ao seu país ao ocupar um cargo tão importante. Vila-Lobos fundou escolas de música e estúdios de corais em muitas cidades brasileiras e desenvolveu um sistema de educação musical para crianças. Em 1945, por sua iniciativa, foi inaugurada a Academia Brasileira de Música, da qual foi presidente permanente.

Além de cumprir as funções de comissário, Vila-Lobos continuou a fazer digressões e concertos em diversos países da América do Sul, EUA, Londres, Paris, Roma, Lisboa, etc. Música brasileira, que o compositor representava.

A vida de Vila Lobos terminou em 1959 no Rio de Janeiro. O seu património criativo é constituído por um grande número de obras pertencentes a vários géneros. Entre elas, em primeiro lugar, gostaria de destacar as óperas “Aglaya”, “Eliza”, “Izat”, “Malazarte”, “Yerma”; opereta “Maddalena”; 15 balés; oratórios “Vidpura” e “Canção da Terra”; suíte coral “Descoberta do Brasil”; Massa; 12 sinfonias; 2 sinfonietas; 18 poemas sinfônicos; 5 concertos para piano e 2 concertos para violoncelo, obras instrumentais de câmara e para piano. A obra mais famosa do compositor é “Dunas Brasileiras” para voz com conjunto de instrumentos.

Vila-Lobos também possui uma obra em seis volumes, “Guia Prático para o Estudo do Folclore”.

Boguslav Martinu

O compositor tcheco Bohuslav Martinu nasceu em 1890. A primeira obra significativa do jovem músico foi “Czech Rhapsody” para orquestra (1918). Em 1923, Martinou partiu para Paris, onde começou a estudar com A. Roussel. Depois de concluir os estudos, permaneceu na França, embora nunca tenha rompido os laços com sua terra natal. As novas tendências da arte não o ignoraram; o compositor se interessou pelo neoclassicismo, jazz, etc. Martina foi muito influenciada por seu conhecimento de I. Stravinsky e A. Honegger.

Mas aos poucos o compositor desenvolveu seu próprio estilo. As obras do músico foram executadas com sucesso em Paris e Praga, embora nem todos os ouvintes aceitassem o seu trabalho. Alguns consideraram sua música muito ousada e até ousada.

Na década de 1930, surgiram várias obras de Martinou, indicando o grande interesse do seu autor pelos motivos checos. Entre eles estão o balé "Špalicek" (1932), as óperas "Peças sobre Maria" (1934) e "Teatro além dos Portões" (1936), baseadas em elementos do folclore.

Entre as obras mais significativas deste período estão a ópera Julieta (1937) e o Concerto Duplo para duas orquestras de cordas, piano e tímpanos (1938). A sua música refletia o clima de ansiedade que tomou conta da Europa no limiar da Segunda Guerra Mundial. Martinou escreveu então: “Tudo desapareceu sob minhas mãos, meus pensamentos não encontraram resposta ou apoio em lugar nenhum. Eles desapareceram em algum lugar no nada, como se o vazio que se abria estivesse atraindo toda a humanidade para si.”

O próprio compositor escreveu o libreto de “Julieta”, recorrendo à história de J. Neveu. A ação se passa em uma cidade fantástica, cujos habitantes não se lembram do passado e não distinguem a realidade da ficção. Michel, um jovem em busca de sua amada, se encontra em uma cidade estranha. Ele encontra a garota, mas sua Julieta, que caiu sob o poder do feitiço mágico da cidade, não consegue mais se libertar. Incapaz de se separar de sua amada, Michelle permanece neste mundo louco e monstruoso.

Toda a ação de “Julieta” consiste em pequenas cenas, as partes vocais são baseadas em recitativos. A ópera tem características psicológicas; o ouvinte sente empatia pelos personagens que vivem em um mundo surreal e misterioso. O subtil sentido artístico de Martin ajuda aqui, a sua capacidade de trazer energia vital e dinâmica à atmosfera claramente fantástica da ópera. A ideia de “Julieta” é revelada pelas palavras do próprio compositor, que escreveu: “Esta é uma luta desesperada pela posse de algo estável que possa servir de suporte: realidade, memória, consciência. É este último que se revela quebrado, colocado em situações trágicas nas quais Michel tem que lutar para manter a sua própria estabilidade e sanidade. Se ele ceder, permanecerá neste mundo sem memória, sem tempo, para sempre.” Em imagens surreais, o compositor procurou transmitir emoções e sentimentos reais que surgem como resultado de uma dolorosa instabilidade de consciência. Nisso, Martin estava próximo de B. Bartok e A. Honegger, cuja música também refletia uma alarmante premonição de uma catástrofe iminente.

Desde 1941, o compositor esteve nos EUA. Em 1953 ele retornou à Europa. Martinu morou na França, Itália, Suíça. Embora nunca tenha esquecido as suas raízes checas, muitos anos longe da sua terra natal não puderam deixar de afectar a sua criatividade, que era multifacetada e contraditória. O legado de Martinu representa quase todos os gêneros e variedades. O músico nunca se submeteu a determinados sistemas e tendências, conseguiu preservar sua singularidade e individualidade.

As melhores obras de Martin foram criadas nos últimos vinte anos de sua vida. Nesse período, o compositor escreveu seis sinfonias, “Afrescos de Piero della Francesca” e “Parábolas” para orquestra, as óperas “Ariadne” e “Mirandolina”, “Paixões Gregas”, etc.

Martin voltou-se para o gênero sinfônico pela primeira vez na idade adulta. Ele escreveu então: “Quando alguém enfrenta o problema de criar a primeira sinfonia, involuntariamente fica especialmente nervoso e sério...” Estas palavras expressam as exigências do compositor sobre si mesmo e sua obra.

Zhukovsky S. Yu. Início da primavera (gazebo no parque). 1910

Após a fatídica estreia da Primeira Sinfonia em 1897, que terminou em fracasso, Rachmaninov não conseguiu compor por muito tempo. Assumiu o lugar de segundo maestro da Ópera Privada Russa de Moscou, onde fez amizade com o jovem Chaliapin, depois, em 1899, fez uma turnê no exterior como pianista e passou o verão de 1900 em Gênova. Só agora voltou a compor - começou a trabalhar no Segundo Concerto para Piano e Francesca da Rimini.

Após o enorme sucesso do concerto na primavera de 1902, Rachmaninov voltou-se para um novo gênero - a cantata. Foi assim que surgiu a cantata “Primavera” baseada no poema de N. A. Nekrasov (1821-1878) “Green Noise” (1862). Talvez a criação de uma obra luminosa, imbuída de uma afirmação de amor, tenha sido facilitada pelo sentimento do próprio compositor: foi nesta primavera que se realizou o seu casamento com Natalia Alexandrovna Satina.

Apresentada pela primeira vez em 11 de março de 1902 na nona reunião sinfônica da Sociedade Filarmônica de Moscou, interpretada por A. Smirnov e um coro de amantes da música regido por A. Ziloti, a cantata foi calorosamente recebida pelo público e pela crítica. N. Kashkin escreveu em uma crítica sobre sua forte impressão da música. Em 8 (21) de janeiro de 1905, a cantata foi apresentada em São Petersburgo pelo coro do Teatro Mariinsky (solo de Chaliapin) e também foi extremamente apreciada pela comunidade musical. Para encorajar os compositores e músicos russos, o Conselho de Curadores concedeu a Rachmaninov o Prêmio Glinkin por ela.

Música

A cantata de uma parte, dedicada à renovação primaveril da vida, consiste em três seções.

A primeira, puramente orquestral, transmite o despertar gradual da primavera. O curto leitmotiv do “ruído verde”, que lembra os motivos dos “cantos” folclóricos da primavera, soa inicialmente em um registro baixo, como se estivesse acordando do torpor invernal. Novas forças despertam gradativamente, o rebuliço da primavera cresce e, no clímax alegre, entra o refrão: “O Ruído Verde está chegando, o Ruído Verde está zumbindo, o Ruído Verde, o Ruído da Primavera!” A história declamatória do barítono irrompe nesta música cheia de luz e alegria com uma dissonância acentuada: “Minha anfitriã Natalya Patrikeevna é modesta, Ela não turva as águas!” A orquestra toca várias vezes com a melodia sombria e triste da trompa inglesa solo, e as cores orquestrais ficam mais espessas. A melancolia atormentadora é transmitida pelo coro cantando cantos curtos e descendentes com a boca fechada, além de harmonias tensas e passagens cromáticas de instrumentos de madeira transmitindo o uivo da tempestade. Mas depois das palavras do monólogo do solista, “De repente, a primavera surgiu”, o tema do Ruído Verde retorna silenciosamente, como que gradualmente. A cor clareia. Sons de flauta e leves passagens de violino aparecem na orquestra - o sopro da primavera está soprando. Os sons alegres aumentam gradualmente. O amplo canto da cantilena transmite de forma solene e esclarecida a ideia central da obra: “Ame enquanto é amado, Tenha paciência enquanto sofre, Adeus enquanto é perdoado, E Deus será o seu juiz!”

L. Mikheeva

NO. Nekrasov

Ruído Verde

O Ruído Verde* continua e continua, o Ruído Verde, o ruído da primavera!

Levitan I. I. Primavera. Água grande. 1897

Brincalhão, ele se dispersa. De repente, um vento forte: Balançará os arbustos de amieiro, Levantará pó de flores, Como uma nuvem: tudo é verde, Tanto o ar quanto a água!
Bakshaev V.N. 1930 Lá se vai o Ruído Verde, o Ruído Verde, o Ruído da Primavera!
Primavera de Byalynitsky-Birulya V.K. 1899 Minha anfitriã Natalya Patrikeevna é modesta, ela não vai te mexer com água! Sim, algo ruim aconteceu com ela, Como passei o verão morando em São Petersburgo... A estúpida disse ela mesma, Carrapato na língua!
Vinogradov S. A. Primavera. 1911 Na cabana, um amigo enganador Winter nos trancou. A esposa olha nos meus olhos severos e fica em silêncio. Fico em silêncio... mas meus pensamentos ferozes não me dão paz: Mate... sinto muito pelo meu coração! Não há força para suportar! E aqui o inverno desgrenhado Ruge dia e noite: “Mate, mate, o traidor! Caso contrário você se perderá pelo resto da vida, Não encontrará paz nem durante o dia nem durante a longa noite! . Seus vizinhos desavergonhados vão cuspir em seus olhos!..” Para o inverno nevasco e cantante O pensamento feroz ficou mais forte - eu tenho uma faca afiada guardada... Mas de repente a primavera chegou..

Byalynitsky-Birulya V.K. 1953

O ruído verde continua e continua,
Ruído Verde, barulho de primavera!

Como encharcado de leite,
Existem pomares de cerejas,
Eles fazem um barulho baixo;
Aquecido pelo sol quente,
Pessoas felizes fazendo barulho
Florestas de pinheiros.
E ao lado há uma nova vegetação
Eles balbuciam uma nova música
E a tília de folhas claras,
E uma bétula branca
Com uma trança verde!
Uma pequena cana faz barulho,
O alto bordo é barulhento...
Eles fazem um novo barulho
De um jeito novo e primaveril...

Zhukovsky S. Yu. Despertar da natureza (início da primavera). 1898

O ruído verde continua indefinidamente.
Ruído Verde, barulho de primavera!

O pensamento feroz enfraquece,
A faca cai das minhas mãos,
E eu ainda ouço a música
Um - floresta e prado:
"Ame enquanto você ama,
Seja paciente o máximo que puder
Adeus enquanto é adeus
E Deus será seu juiz!”

Levitan I. I. Início da primavera. Década de 1890

*Isso é o que as pessoas chamam de despertar da natureza na primavera. (Nota de N.A. Nekrasov.)

Sergei Vasilyevich Rahmaninov. Romances

“Sou um compositor russo e a minha terra natal deixou a sua marca no meu carácter e nas minhas opiniões. A minha música é fruto do meu carácter e, portanto, é música russa... Não tenho o meu próprio país. o país onde nasci, onde lutei e sofri todas as tristezas da juventude e onde finalmente consegui o sucesso.”

“O que é música?!

É uma noite tranquila de luar;

Este é o farfalhar das folhas vivas;

Este é o distante sino da noite;

Isto é o que nasce do coração

e vai ao coração;

Isto é amor!

A irmã da música é a poesia,

e a mãe dela é tristeza!

Rachmaninov ao piano, início de 1900.

De 1892 a 1911Sergei Vasilyevich Rahmaninovescreveu 83 romances, aquilo éeles são todos criadosdurante o período russo de sua vida. Em popularidade, eles competem com suas obras para piano.A maioria dos romances foi escrita com base em textos de poetas líricos russos da segunda metade do século XIX.séculoe a virada do século 20 e apenas um pouco mais de uma dúzia de poemas de poetas da primeira metade do século 19 - Pushkin, Koltsov, Shevchenko na tradução russa.

Rachmaninov escreveu:“Me inspiro muito na poesia. Depois da música, o que mais gosto é a poesia. ... Tenho sempre poesia à mão. A poesia inspira música, pois a própria poesia contém muita música. Elas são como irmãs gêmeas."

1. “Eu não sou um profeta” - palavras de Alexander Kruglov. 2. “Chegou a hora” – Nadson. 3. “Cristo ressuscitou” - Merezhkovsky. 4. “Como me dói” de Glafira Galina. 5. Vocalização. 6. “Apaixonei-me pela minha tristeza” - Pleshcheeva (de Shevchenko). 7. “Ah, não, rezo para que você não vá!” - Merejkovsky. 8. “Ilha” - Balmont 9. Trecho de Musset - tradução de Apukhtin. 10. “Aqui é bom” - Galina. 11. “Estou esperando por você” - Davidova. 12. “A noite é triste” - Bunina. 13. “Não acredite em mim, amigo!” - Alexei Tolstoi. 14. “Não cante, linda, na minha frente” - Pushkin 15. “Oração” - Pleshcheeva (de Goethe). 16. Há quanto tempo, meu amigo - Golenishcheva-Kutuzova. 17. “Águas de Primavera” - Tyutcheva.

Nos romances de Rachmaninovtudo o que foi combinado em sua ideia de pátria se reflete - a alma do homem russo, seu amor por sua terra, seus pensamentos, suas canções.Imagens da natureza não são usadas apenas para expressar estados de espírito calmos e contemplativos. Às vezes, eles ajudam a incorporar sentimentos tempestuosos e apaixonados. Nascem então romances de natureza virtuosística, que se distinguem pela amplitude de forma, riqueza de cores, brilho e complexidade da apresentação do piano. O romance “Spring Waters” foi escrito nesse estilo, com letra de Tyutchev. Esta é uma imagem musical da primavera russa, um poema de sentimentos entusiasmados e alegres.

“Lilás” nas palavras de Beketova é uma das pérolas mais preciosas das letras de Rachmaninov. A música deste romance é marcada por uma naturalidade e simplicidade excepcionais, uma notável fusão de sentimentos líricos e imagens da natureza.

Um lugar muito especial nas letras vocais de Rachmaninov é ocupado por “Vocalise”, escrita em 1915 (dedicada ao grande cantor Nezhdanova). Elementos do estilo da canção folclórica aqui fluem organicamente para a melodia, marcada por uma individualidade brilhante. A conexão entre “Vocalise” e a canção russa prolongada é evidenciada pela amplitude da melodia, pela natureza lenta de seu desenvolvimento e pela linguagem harmônica.

As cerejeiras florescem na minha janela,
Floresce pensativamente sob um manto prateado...
E com um ramo fresco e perfumado inclinou-se e chamou...
Suas pétalas de ar esvoaçantes
Eu felizmente respiro alegremente,
Seu doce aroma turva minha mente,
E cantam canções de amor sem palavras...

Galina Galina

Margaridas

Veja! quantas margaridas -
Tanto lá como aqui...
Eles estão florescendo; muitos deles; seu excesso;
Eles estão florescendo.
Suas pétalas são triangulares - como asas,
Como seda branca...
Você é o poder do verão! Você é a alegria da abundância!
Você é um regimento brilhante!
Prepara, ó terra, uma bebida para as flores do orvalho,
Dê suco ao caule...
Ah, meninas! ah, estrelas de margaridas!
Eu te amo...

Igor Severyanin

Os romances de carácter lírico-paisagístico constituem uma das áreas mais importantes do lirismo vocal de Rachmaninoff. O elemento paisagístico ou se funde com o conteúdo psicológico principal ou contrasta com ele. Algumas dessas obras são desenhadas em cores festivas, aquareladas, imbuídas de um caráter calmo e contemplativo, e se distinguem pela sutileza e poesia.

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