सामग्री अन्ना पशिना द्वारा तैयार की गई थी

एक स्वागत योग्य तथ्य: रूस में कला समुदाय और रचनात्मक वर्ग मौजूद हैं। कलाकारों, क्यूरेटरों, कला समीक्षकों, ग्राफिक डिजाइनरों और "मुक्त" व्यवसायों के अन्य प्रतिनिधियों को स्नातक करने वाले सार्वजनिक और निजी शैक्षणिक संस्थानों की संख्या हर साल बढ़ रही है। एक दुखद तथ्य: एक उत्कृष्ट शिक्षा प्राप्त करने और दार्शनिक अवधारणाओं, शास्त्रीय और समकालीन कला को आसानी से समझने के बाद, स्नातकों को अपने ज्ञान और कौशल को व्यवहार में लाने की समस्या का सामना करना पड़ता है। रूस में कला की शिक्षा कहाँ से प्राप्त करें? हम सर्वोत्तम शैक्षणिक संस्थानों का अवलोकन प्रस्तुत करते हैं - अकादमिक और समकालीन कला पर केंद्रित।

शैक्षिक विकास

रूस में अग्रणी और सबसे पुराने कला विश्वविद्यालयों में से एक। संकाय: पेंटिंग, ग्राफिक्स, मूर्तिकला, वास्तुकला, सिद्धांत और कला इतिहास।

इंपीरियल एकेडमी ऑफ आर्ट्स के उत्तराधिकारी 1757 से अपने इतिहास की ओर जाता है। संकाय: चित्रकला, ग्राफिक्स, मूर्तिकला, वास्तुकला, सिद्धांत और ललित कला का इतिहास।

यह 5 विशिष्टताओं और 17 विशेषज्ञताओं में कलाकारों को प्रशिक्षित करता है: अंदरूनी और फर्नीचर डिजाइन करना, सजावटी और फर्नीचर कपड़े विकसित करना, डिजाइन के विभिन्न क्षेत्रों में विशेषज्ञों को प्रशिक्षित करना, इतिहासकार और कला सिद्धांतकार, स्मारकीय पेंटिंग और मूर्तिकारों के कलाकार, धातु, सिरेमिक और कांच उत्पादों में कलाकार, स्मारकीय पेंटिंग, फर्नीचर और कलात्मक धातु के पुनर्स्थापक।

इसे 2015 में दो संकायों: कला और ग्राफिक और संगीत को मिलाकर बनाया गया था।

इसकी स्थापना 1987 में हुई थी। रेक्टर इल्या ग्लेज़ुनोव कला में यथार्थवाद का पुनरुद्धार अपना मुख्य कार्य मानते हैं।

शैक्षिक कार्यक्रम: पेंटिंग, ग्राफिक्स, वास्तुशिल्प पर्यावरण का डिजाइन, कला का सिद्धांत और इतिहास, डिजाइन, ललित कला और शिल्प, बहाली।

आधुनिक कला

समकालीन कला के क्षेत्र में पहली बार रूस में स्थापित (1991) संस्थान।

संस्थापक कलाकार अनातोली ओस्मोलोव्स्की ने अपना कार्य निम्नानुसार तैयार किया: "एक अलग मोड में ज्ञान देने के लिए इतना नहीं, बल्कि एक रचनात्मक वातावरण बनाने के लिए।"

यह निम्नलिखित क्षेत्रों में समकालीन कलाकारों, फोटोग्राफी और मल्टीमीडिया के क्षेत्र में पेशेवरों को प्रशिक्षित करता है: वृत्तचित्र फोटोग्राफी, कला फोटोग्राफी, वीडियो कला और मल्टीमीडिया।

मॉस्को म्यूज़ियम ऑफ़ मॉडर्न आर्ट का शैक्षिक केंद्र, युवा कलाकारों और क्यूरेटर के लिए बनाया गया है जो समकालीन कला के क्षेत्र में काम करना शुरू करते हैं।

स्कूल का लक्ष्य युवा कलाकारों की रचनात्मक क्षमता और आलोचनात्मक सोच को विकसित करना, उनके पेशेवर संचार के लिए एक क्षेत्र बनाना और नई परियोजनाओं का समर्थन करना है। प्रशिक्षण डेढ़ साल तक चलता है

क्यूरेटर के प्रशिक्षण के लिए दो साल का कार्यक्रम।

"वोरोनिश वेव" के कलाकार रूसी कला परिदृश्य पर एक उल्लेखनीय घटना हैं। समकालीन कला के विकास में सबसे सक्रिय क्षेत्रीय केंद्रों में से एक।

एप्लाइड एजुकेशन और डीपीआई

प्रसिद्ध ब्रिटिश डिजाइन के क्षेत्र में विशेषज्ञों को प्रशिक्षित करते हैं।

शाखाएँ - मास्को और सेंट पीटर्सबर्ग में। संस्थान कला और शिल्प के क्षेत्र में विशेषज्ञों को प्रशिक्षित करता है।

अतिरिक्त शिक्षा - पाठ्यक्रम, व्याख्यान

शास्त्रीय और समकालीन कला, सिनेमा के इतिहास, साथ ही कला अभ्यास और कला प्रबंधन के इतिहास में पाठ्यक्रम।

पाठ्यक्रम की ख़ासियत सिद्धांत और व्यवहार का संयोजन है।

घरेलू और विदेशी समकालीन कला, साथ ही अंतःविषय कलात्मक प्रथाओं पर व्याख्यान।

कला इतिहासकारों, प्राचीन वस्तुओं के विशेषज्ञों और कला प्रबंधकों को प्रशिक्षित करता है।

रूसी में रचनात्मक प्रबंधन का पहला ऑनलाइन स्कूल। वे इस बारे में बात करते हैं कि कैसे एक प्रदर्शनी, एक शहर का त्योहार, एक प्रदर्शन पर रखा जाए, कला का एक काम परिवहन किया जाए।

कला के इतिहास पर सैद्धांतिक व्याख्यान के साथ अनास्तासिया पोस्ट्रिगे का ऑनलाइन स्कूल।

डिजाइन और चित्रण के ऑनलाइन स्कूल। कार्यक्रम का आधार डिजाइन, चित्रण और संबंधित विज्ञान में पाठ्यक्रमों की एक प्रणाली है। स्कूल के पाठ्यक्रम न केवल डिजाइनरों, कलाकारों के लिए हैं, बल्कि उनके लिए भी हैं जो उन्हें बनना चाहते हैं।

RMA बिजनेस स्कूल की स्थापना 2000 में हुई थी और आज यह रूस में व्यावसायिक शिक्षा के क्षेत्र में अग्रणी नेताओं में से एक है। स्कूल का एक कार्यक्रम "कला प्रबंधन और गैलरी व्यवसाय" है। यह आपको समकालीन कला और कला बाजार को समझने, प्रदर्शनियों और मूल्य निर्धारण के संगठन के बारे में जानने, उपयोगी संपर्कों का एक डेटाबेस विकसित करने और समान विचारधारा वाले लोगों को खोजने में मदद करेगा।

रूस में "अकादमिक" कला शिक्षा के सुधार के इतिहास की रूपरेखा

"अकादमिक स्कूल" पेशेवर कला शिक्षण की रूसी प्रणालियों में सबसे पुराना है। लगभग निरंतर विकास की ढाई शताब्दियों के लिए, रूसी "अकादमिक स्कूल" ने बाहरी रूपों को विकसित किया है, "अकादमिकता" की मूलभूत नींव को एक शैलीगत प्रवृत्ति के रूप में नहीं, बल्कि यूरोपीय प्रणाली के मूलभूत सिद्धांतों में से एक के रूप में संरक्षित किया है। कला शिक्षा। रूस ने "अकादमिक स्कूल" को बाहर से उधार लिया था, और चूंकि यह रूसी जीवन का एक प्राकृतिक उत्पाद नहीं था, इसलिए विदेशी परंपराओं को राष्ट्रीय संस्कृति का एक जैविक हिस्सा बनने से पहले उन्हें अनुकूलित करने के लिए काफी प्रयास और आधी सदी से अधिक समय लगा। 16वीं शताब्दी के मध्य तक यूरोप में ललित कलाओं को पढ़ाने की एक "अकादमिक" प्रणाली के उदय को हस्तशिल्प, समाज शिक्षा की संभावनाओं की दरिद्रता की प्रतिक्रिया के रूप में देखा जाना चाहिए। "अकादमिक स्कूल" का संकेत आदर्श रूप से एकीकृत शैक्षिक कार्यक्रमों को विकसित करने की इच्छा थी, जो उनके बहुत सार से सिखाते हैं, और उनका उपयोग करने वाले शिक्षकों के गुण या अवगुणों के संबंध में काफी स्वायत्त हैं। स्वाभाविक रूप से, कला के क्षेत्र में शिक्षाशास्त्र अपने स्वभाव से "लेखक का" होने के लिए अभिशप्त है और इसके परिणाम काफी हद तक शिक्षक की रचनात्मक आत्मनिर्भरता पर निर्भर करते हैं। वास्तविक "अकादमिक स्कूल" में "लेखक की" शुरुआत शामिल है। अकादमिकता के मूल सिद्धांतों को एक लंबे ऐतिहासिक परिप्रेक्ष्य में विकास के लिए डिज़ाइन किया गया है, घोषित उज्ज्वल "लेखक" स्कूलों के विपरीत, जो आमतौर पर उनके अनुयायियों की दूसरी पीढ़ी में पहले से ही दब गए हैं।

कला अकादमियों - इतालवी पुनर्जागरण से पैदा हुए एक विचार के रूप में और इससे विरासत में मिला विवाद - क्या प्रतिबिंबित करना चाहिए या कला को क्या अनुकरण करना चाहिए? प्रकृति या शास्त्रीय, महत्वपूर्ण नमूने के रूप में चयनित और जागरूक। यह विवाद-प्रश्न सीधे कला शिक्षण के तरीकों से संबंधित है, और उत्तरों में अंतर "अकादमिक" स्कूल के कुछ क्षेत्रों को विशिष्टता देता है। यह अंतर है जो दो रूसी अकादमिक परंपराओं - "पीटर्सबर्ग" और "मॉस्को" को फलदायी सहयोग-प्रतिद्वंद्विता से रेखांकित करता है, जिसकी रूसी दृश्य संस्कृति की विविधता पिछली डेढ़ शताब्दी में पैदा हुई है।

परंपराओं की वंदना को "अकादमिक स्कूल" की सामान्य विशेषताओं के लिए जिम्मेदार ठहराया जाना चाहिए। इसमें यह मौलिक विज्ञान के समान है। इतिहास से पता चलता है कि रूस विज्ञान और कला में मौलिक प्रवृत्तियों के विकास के लिए पूर्वनिर्धारित है, जिसमें व्यावहारिक व्यावहारिकता को कुछ नुकसान हुआ है। और इस विशेषता को, जाहिरा तौर पर, रूसी सभ्यता की मानसिकता के रूप में माना जाना चाहिए, संस्कृतियों के वैश्विक सामंजस्य में हमारे योगदान के रूप में। कला विद्यालय में परंपरा के निर्माण और संचय की प्रक्रिया आंतरिक रूप से विरोधाभासी है। एक तरफ, स्कूल अतीत के साथ संचार करता है, अपने अनुभव को अलग करता है, इसकी खूबियों को प्रसारित करता है, लेकिन दूसरी ओर, इसे वास्तविकता से पर्याप्त रूप से संबंधित होना चाहिए, विकास की प्रवृत्तियों को उजागर करना चाहिए और समय के लिए इसकी भविष्य की प्रासंगिकता का अनुमान लगाना चाहिए। नतीजतन, कला विद्यालय को स्थिरता और विकास दोनों प्रदान करना चाहिए। एक ही प्राकृतिक स्कूल के भीतर, विभिन्न प्रवृत्तियां खुद को प्रकट कर सकती हैं, जिसमें फलदायी रूढ़िवाद और परंपरावाद से लेकर पेशेवर संस्कृति के संरक्षण की नींव के रूप में, ललित कला के समकालीन राज्य के रुझानों के लिए "क्रांतिकारी" प्रतिक्रियाएं शामिल हैं। "अकादमिक स्कूल" के प्राकृतिक गुणों में क्षणिक के संबंध में इसकी "धीमापन" शामिल है। इस अर्थ में, "अकादमिक स्कूल" कला में प्रवृत्तियों और प्रवृत्तियों में परिवर्तन की तेज़ी के साथ सीखने को सिंक्रनाइज़ करने के लिए बाहर से आने वाली प्रवृत्तियों के संबंध में फलदायी रूप से रूढ़िवादी है। रूसी "अकादमिक स्कूल" का इतिहास आधिकारिक तौर पर 1757 का है। अकादमी, मास्को विश्वविद्यालय में खोली गई और एक साल बाद सेंट पीटर्सबर्ग में स्थानांतरित हो गई, इटली, फ्रांस, जर्मनी में अकादमियों की तुलना में एक सौ पचास से एक सौ साल बाद और लगभग एक साथ लंदन और मैड्रिड में अकादमियों के साथ बनाई जाने लगी। कई मायनों में, फ्रांसीसी अकादमी ने सेंट पीटर्सबर्ग के लिए एक मॉडल के रूप में कार्य किया। स्वाभाविक रूप से, रूस में कला अकादमी में राज्य कला शिक्षा के मामले में पूर्ववर्ती थे - शस्त्रागार कक्ष, सेंट पीटर्सबर्ग शस्त्रागार कार्यालय, भवनों का कार्यालय, विज्ञान अकादमी का कला "विभाग"।

लेकिन तीसरे दर्जे के पश्चिमी कलाकारों-शिक्षकों और रूसी सेवानिवृत्त छात्रों की कम संख्या के रूस को निमंत्रण राष्ट्रीय स्तर पर स्थिति को जल्दी से नहीं बदल सका। दरअसल, अठारहवीं शताब्दी की तीसरी तिमाही से पहले भी, प्रतीक परंपरा का पूर्ण विकास जारी है, एक मध्यवर्ती चित्रमय रूप के रूप में एक परसुना है।
दरअसल, कला अकादमी की वास्तविक संरचना इसके निर्माण पर एक डिक्री के साथ शुरू नहीं होती है, लेकिन 1764 के चार्टर ("तीन सबसे महान कला, चित्रकला, मूर्तिकला और वास्तुकला के इंपीरियल अकादमी के विशेषाधिकार और चार्टर" की शुरुआत के साथ शुरू होती है। , इस अकादमी में एक शैक्षिक स्कूल के साथ")। संरचनात्मक रूप से, अकादमी में शैक्षिक विद्यालय, सामान्य और विशेष कक्षाएं शामिल हैं। ग्रीक धर्म के "पांच या छह साल से अधिक उम्र के" बच्चों को, किसी भी रैंक के, सर्फ़ को छोड़कर, शैक्षिक स्कूल में भर्ती कराया गया था। शैक्षिक विद्यालय एक कलात्मक पूर्वाग्रह के साथ एक प्रकार का सामान्य शिक्षा विद्यालय था। शैक्षणिक पाठ्यक्रम पास करने का समय पन्द्रह वर्ष निर्धारित किया गया था और पांच युगों में विभाजित किया गया था, जिनमें से पहले तीन युगों ने शैक्षिक विद्यालय का गठन किया था, और अंतिम दो ने अकादमी का गठन किया था। बनाई जा रही प्रणाली के नुकसान को विद्यार्थियों की कम उम्र में पेशे की अचेतन पसंद के लिए बर्बाद माना जाना चाहिए।

अकादमी के इतिहास के शोधकर्ताओं ने ध्यान दिया कि इसके गठन की एक नई अवधि 1798 में विभिन्न रैंकों के फ्री-कॉमर्स के लिए ड्राइंग स्कूल के उद्घाटन के साथ जुड़ी हुई है। दरअसल, इस अवधि से प्रारंभिक सचेत तैयारी शुरू होती है, जिसने रूसी कला के इतिहास में प्रवेश करने वाले कलाकारों की एक पीढ़ी को जन्म दिया। अकादमी के संस्थापकों को प्रेरित करने वाले विचार I.I. शुवालोव और आई.आई. बेट्स्की ने "शिक्षा" को एक महत्वपूर्ण भूमिका सौंपी (कला अकादमी के प्रांगण के चार पोर्टलों के ऊपर एक चिन्ह के रूप में, उन्हें उकेरा गया था - "पेंटिंग", "मूर्तिकला", "वास्तुकला", "शिक्षा"), जो मान लिया गया था "विज्ञान" के एक बड़े चक्र का विकास।

सिकंदर प्रथम के शासनकाल की शुरुआत राज्य के पुनर्गठन के लिए व्यापक योजनाओं द्वारा चिह्नित की गई थी, जिसमें संस्कृति की प्रबंधन प्रणाली भी शामिल थी। अकादमियों ने अध्ययन की निश्चित अवधि को छोड़ने का प्रस्ताव रखा, जिससे कार्यक्रम को पूरा करने का समय सख्ती से नामांकित कार्यों में महारत हासिल करने में प्राप्त प्रगति पर निर्भर करता है। एक विशेषता में एक व्यवसाय के लिए वृद्धावस्था को मुक्त करते हुए, पूरे सामान्य शैक्षिक भार को शैक्षिक स्कूल में स्थानांतरित करने की प्रवृत्ति थी।
अकादमी ने न केवल "तीन सबसे महान कलाओं" - पेंटिंग, मूर्तिकला और वास्तुकला के क्षेत्र में संयुक्त प्रशिक्षण दिया, बल्कि अपने पूर्ववर्तियों से अन्य क्षेत्रों में कलाकारों और शिल्पकारों की शिक्षा, मुख्य रूप से कला और शिल्प दिशा में विरासत में मिली। धीरे-धीरे, अकादमी "शास्त्रीय" कलाओं पर ध्यान केंद्रित करती है, गैर-मुख्य शिक्षा से इनकार करती है।

"अकादमिक स्कूल" का एक महत्वपूर्ण घटक "पेंशनरों" की संस्था थी, अगर आधुनिक शब्दावली में अनुवाद किया जाए - "स्नातकोत्तर शिक्षा" की प्रणाली। अठारहवीं शताब्दी के अंत के बाद से, सेवानिवृत्ति व्यावहारिक रूप से सबसे प्रतिभाशाली छात्रों (कभी-कभी कुल उत्पादन का एक तिहाई तक) के लिए अकादमिक अध्ययन की सीधी निरंतरता बन गई है। सेवानिवृत्ति ने और सुधार में योगदान दिया, भविष्य के शिक्षकों को प्रशिक्षित किया, नौकरी खोजने में मदद की, और कभी-कभी एक अकादमिक उपाधि भी प्राप्त की। तीन साल की अवधि के लिए, एक पेंशनभोगी बिग गोल्ड मेडल के लिए कार्यक्रम पूरा कर सकता है और उच्च स्कोर के मामले में, विदेश यात्रा करने का अधिकार प्राप्त करता है।
1830 के सुधार का उद्देश्य कला अकादमी को विशुद्ध रूप से विशिष्ट शैक्षणिक संस्थान में बदलना था।

एक संकीर्ण रूप से विशिष्ट स्कूल की कालानुक्रमिकता, सामान्य मानवीय और विशेष शैक्षिक चक्रों के बीच संतुलन खोजने के पिछले अनुभव के इनकार को 1859 के सुधार से दूर किया गया था। 19 वर्षों तक, जब अकादमी एक संकीर्ण पेशेवर स्कूल थी, अच्छी तरह से प्रशिक्षित चित्रकार, मूर्तिकार और वास्तुकार इसकी दीवारों से बाहर आए। इन सभी वर्षों में प्रमुख कलाकारों और शिक्षकों के बीच उदार कला पाठ्यक्रम के अर्थ को लेकर विवाद होते रहे हैं। उदाहरण के लिए, आई.के. ऐवाज़ोव्स्की का अकादमी की दीवारों के भीतर सामान्य शैक्षिक विषयों के प्रति बेहद नकारात्मक रवैया था और एक संकीर्ण पेशेवर स्कूल के लिए खड़ा था। और वह अपनी राय में अकेले नहीं थे। और फिर भी, परिषद के अधिकांश सदस्य सामान्य शिक्षा विषयों के विकास के शिक्षण को बहाल करने के इच्छुक थे। 1859 के सुधार ने न केवल सामान्य शिक्षा चक्र को फिर से पेश किया, बल्कि अकादमी के प्राथमिक, मूल रूप से निर्धारित सर्वोच्च विचार को बहाल किया, जिसने बिल्कुल अनिवार्य शिल्प पर मुक्त रचनात्मकता में सक्षम कलाकारों के प्रशिक्षण की प्रधानता की पुष्टि की। इस अवधारणा का उच्चतम अर्थ, प्रशिक्षण। यह विवाद केवल साधारण और पुराना लगता है। वास्तव में, "अकादमिक" स्कूल का प्रत्येक नया पुनर्गठन (उदाहरण के लिए, राज्य शैक्षिक मानकों का आधुनिक विकास) आवश्यक रूप से सामान्य मानविकी और विशेष विषयों के चक्रों के बीच पेशेवर संबंधों के मुद्दे को हल करता है।

स्थिति का नाटक इस तथ्य में निहित था कि यह अकादमी की दीवारों से ही था कि कलाकार उभरे जिन्होंने उस प्रणाली के गुणों पर सवाल उठाया जिसने उन्हें बनाया था। बाह्य रूप से, अकादमी और एसोसिएशन ऑफ ट्रैवलिंग एक्जीबिशन के बीच टकराव में संघर्ष ने आकार लिया। विचारों के स्तर पर, "वांडरर्स" और उनके विचारकों ने सामाजिक रूप से उन्मुख शैली चित्रकला की प्रधानता पर जोर दिया। . एक बाहरी पर्यवेक्षक के लिए "पुरानी" अकादमी और "वांडरर्स" के बीच अत्यधिक वैचारिक विवाद की प्रकृति को समझना काफी मुश्किल है। इसकी तीक्ष्णता एक वास्तविक बुद्धिजीवियों के जन्म के साथ जुड़ी हुई है, जो शुरू में राज्य संरचना के किसी भी रूप को स्वीकार नहीं करता है, और कला में पीढ़ियों के परिवर्तन के साथ।

1833 में, "सार्वजनिक स्वाद की शिक्षा" के लिए, मॉस्को आर्ट सोसाइटी बनाई गई, जिसने 1843 में मॉस्को आर्ट स्कूल का उद्घाटन तैयार किया।
स्कूल में कक्षाएं कला विषयों, शरीर रचना विज्ञान और परिप्रेक्ष्य तक सीमित थीं। केवल अंतिम चौथी कक्षा में प्रकृति से काम करना आवश्यक था। कोई विशेष रचना पाठ्यक्रम नहीं था। यह मान लिया गया था कि औसत पेशेवर, कई मामलों में हस्तशिल्प, प्रशिक्षण दिया जाएगा, और एक रचनात्मक व्यक्ति के रूप में कलाकार का गठन अकादमी का विशेषाधिकार बना रहेगा। सामान्य प्रशिक्षण के अलावा, अध्ययन के पाठ्यक्रम में चित्रांकन, लैंडस्केप पेंटिंग और बाद में, ऐतिहासिक और मूर्तिकला में विशेषज्ञता शामिल थी।
मॉस्को स्कूल में वास्तविक शैक्षणिक अभ्यास स्वीकृत कार्यक्रमों से भिन्न था और प्रकृति से काम पर आधारित था। प्रशिक्षण की प्रकृति काफी हद तक पढ़ाने के लिए आमंत्रित कलाकारों के व्यक्तिगत रचनात्मक और शैक्षणिक अनुभव से निर्धारित होती थी। "मॉस्को स्कूल" का गठन एक तूफानी पद्धति संबंधी विवाद की विशेषता है। "मॉस्को स्कूल" को कला में छोटी शैलियों के लिए प्यार की विशेषता है, प्रकृति के एक पंथ के साथ और अनुभव पर जोर देने के साथ, अकादमिक, पीटर्सबर्ग तर्कसंगतता, ड्राइंग की दृढ़ता और रचनात्मक सटीकता को कुछ नुकसान के साथ। अकादमी के साथ उभरती प्रतिद्वंद्विता, जो खुद को एक एकल यूरोपीय स्कूल का हिस्सा मानती थी, ने 19वीं शताब्दी के अंत तक मॉस्को स्कूल ऑफ पेंटिंग, स्कल्पचर एंड आर्किटेक्चर को एक ऐसे स्कूल के रूप में बोलना संभव बना दिया, जो मूल, राष्ट्रीय की प्रवृत्तियों का प्रतीक है। विकास।

लेकिन सेंट पीटर्सबर्ग में भी बदलाव हैं। "वांडरर्स" अकादमी में जड़ता के विजेताओं के प्रभामंडल में आए और उनके सामने जमा हुए पद्धतिगत अनुभव और पद्धति संबंधी विचारों से इनकार किया। सुधार का चेहरा, इसकी विशिष्ट विशेषता व्यक्तिगत कार्यशालाओं का संगठन था, जिसका नेतृत्व उनके काम के लिए जाने जाने वाले कलाकारों द्वारा किया जाता था। नए शिक्षकों (मुख्य रूप से आईई रेपिन) के अनुसार, जिन्होंने खुद को समकालीन कला के नेता के रूप में महसूस किया, और इस परिस्थिति के कारण, उन्होंने व्यक्तिगत अनुभव को अत्यधिक निरपेक्ष कर दिया, मुख्य ध्यान रचनात्मक कार्यशालाओं पर बहुत अलग पद्धति संबंधी दिशानिर्देशों के साथ दिया जाना चाहिए था। उस समय से, कला शिक्षाशास्त्र में मानदंडों और मानदंडों की एक सुसंगत परिभाषा के लिए कॉर्पोरेट इच्छा का उल्लंघन किया गया है। दूसरी ओर, विभिन्न प्रकार के शैक्षणिक प्रयोगों का अवसर मिला।
क्या और कैसे पढ़ाया जाए, इस पर बहुत चर्चा हुई। एक बार फिर, इस बात पर जोर दिया जाना चाहिए कि एकल शिक्षण मानदंड के शैक्षणिक सिद्धांत पर सवाल उठाया गया था। प्रोफेसर-पर्यवेक्षक शिक्षण प्रक्रिया में बहुत सी नई और अप्रत्याशित चीजें लेकर आए हैं। लेकिन थोड़े समय के बाद, यह पता चला कि अधिकांश नवाचारों पर अत्यधिक कॉपीराइट है। धीरे-धीरे, शिक्षण शास्त्रीय परंपराओं की ओर लौटने लगा। "पुरानी" अकादमी की सभी दिनचर्या के लिए, कुछ लोगों ने ध्यान दिया कि कई मायनों में नई, उदारीकृत प्रणाली ने शिक्षा की अंतिम गुणवत्ता को काफी बदल दिया है। अकादमी ने समान आकार के कलाकारों का निर्माण शुरू किया।

1910 तक, "वांडरिंग" अकादमी का संकट स्पष्ट हो गया। उदाहरण के लिए, ए बेनोइस ने अकादमी से "वांडरर्स" के निष्कासन और विहित शिक्षा की बहाली की मांग की। पीटर्सबर्ग स्कूल, विशेष रूप से 1907 में सुधारकों के नेता के जाने के बाद, आई.ई. रेपिन, धीरे-धीरे सहमत कार्यप्रणाली मानदंडों के विकास पर लौटने लगे।
बीसवीं शताब्दी के दसवें वर्षों में, कला स्कूलों में एक पीढ़ी आ गई, जिसने स्कूल को इस तरह से नकार दिया।

कला अकादमी में हुए परिवर्तन मॉस्को स्कूल ऑफ़ पेंटिंग, स्कल्पचर एंड आर्किटेक्चर में हुए परिवर्तनों से भिन्न थे। 19 वीं शताब्दी के अंत तक, मॉस्को स्कूल का अधिकार कला अकादमी के बराबर हो गया। दो राजधानियों के बीच प्रतिद्वंद्विता ने रूसी संस्कृति में तनाव पैदा किया। दो स्कूलों के उनके आधुनिक उत्तराधिकारियों - "रेपिन्स्की" और "सुरिकोव" शैक्षणिक संस्थानों द्वारा फलदायी सहयोग-प्रतिद्वंद्विता भी जारी है।

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यू. आई. हारुत्युनयान

आधुनिक उदार कला शिक्षा की प्रणाली में कला और कला का इतिहास

कला और कला इतिहास आधुनिक उदार कला शिक्षा की प्रणाली में मौलिक रूप से महत्वपूर्ण भूमिका निभाते हैं। शिक्षा के व्यावहारिक घटक के लिए अपील, पद्धतिगत आधार का विस्तार, विशिष्ट अनुभवजन्य सामग्री पर स्मारकों के विवरण और विश्लेषण के सिद्धांतों का विकास, आधुनिक कलात्मक अभ्यास की घटनाओं की एक विस्तृत श्रृंखला को शामिल करते हुए, अर्जित ज्ञान को अद्यतन करना संभव बनाता है। कला आलोचना का क्षेत्र। पाठ्यक्रम के निर्माण के लिए एक अंतःविषय दृष्टिकोण, नेटवर्क कार्यक्रमों के विकास और इंटरैक्टिव सीखने के सिद्धांतों के विकास और व्यावहारिक पाठ्यक्रमों की शुरूआत छात्र के काम की सक्रियता को प्रभावित करती है, मुख्य रूप से रचनात्मक कार्य और परियोजना विकास के ढांचे के भीतर।

मुख्य शब्द: कला इतिहास, शिक्षा प्रणाली, उदार कला शिक्षा, आधुनिक दृश्य अभ्यास, इंटरैक्टिव शिक्षण विधियां, अंतःविषय कार्यक्रम

जूलिया आई। अरुत्युनियन आधुनिक मानवीय शिक्षा की प्रणाली में कला और कला का इतिहास

एक कला और कला इतिहास आधुनिक उदार शिक्षा की व्यवस्था में एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाते हैं। प्रशिक्षण के व्यावहारिक घटक की ओर मुड़ते हुए, पद्धतिगत ढांचे का विस्तार, स्मारकों के विवरण और विश्लेषण के सिद्धांतों का विकास विशिष्ट अनुभवजन्य सामग्री ज्ञान को अद्यतन करने की अनुमति देता है, कला के क्षेत्र में समकालीन कलात्मक घटनाओं की एक विस्तृत श्रृंखला के साथ संलग्न है। अभ्यास। पाठ्यक्रम विकसित करने के लिए एक अंतःविषय दृष्टिकोण, कार्यक्रमों के नेटवर्क का गठन और इंटरैक्टिव सीखने के सिद्धांतों के विकास और व्यावहारिक पाठ्यक्रमों के कार्यान्वयन से छात्र के काम की सक्रियता प्रभावित होती है, खासकर रचनात्मक कार्यों और विकास परियोजनाओं के भीतर।

मुख्य शब्द: कला इतिहास शिक्षा, मानविकी, समकालीन दृश्य कला अभ्यास, इंटरैक्टिव शिक्षण विधियां, अंतःविषय कार्यक्रम

कला इतिहास, कई अन्य वैज्ञानिक विषयों की तरह, जो 19 वीं शताब्दी के अंत में बने थे और 20 वीं शताब्दी के मध्य में पहली छमाही में मुख्य पद्धतिगत दृष्टिकोण विकसित किए, आधुनिक दुनिया में कई शोध और शैक्षणिक समस्याओं का सामना करना पड़ा। शैक्षिक गतिविधियों के वेक्टर को बदलना और अनुशासन से ध्यान केंद्रित करना और छात्र के लिए एक विस्तृत व्याख्यान पाठ्यक्रम और काम के विभिन्न इंटरैक्टिव तरीकों को ध्यान में रखते हुए विकसित एक व्यावहारिक पाठ सामग्री प्रस्तुत करने के पारंपरिक सिद्धांतों को बदल देता है। "नए शैक्षिक मानकों में संक्रमण के कारण घरेलू शैक्षणिक अभ्यास में आया मोड़ सूचना प्रौद्योगिकी के क्षेत्र में एक सफलता के साथ मेल खाता है जिसने दुनिया को बदल दिया और व्याख्यान पाठ्यक्रम की शास्त्रीय संरचना के परिवर्तन को जन्म दिया"1। समय की चुनौतियों का जवाब देते हुए, आधुनिक मानविकी शिक्षा शैक्षिक मानकों के गठन और कार्यान्वयन के संबंध में मौलिक रूप से नई रणनीतियों का निर्माण करती है, लक्ष्य को प्राप्त करने के विभिन्न तरीकों की पेशकश करती है, परिणामों के मूल्यांकन के लिए एक प्रणाली विकसित करती है और सैद्धांतिक और व्यावहारिक के सहसंबंध के लिए एक योजना विकसित करती है। , निर्धारित लक्ष्यों को हल करने में व्यक्तिगत और सार्वभौमिक।

कार्य। घटना के विश्लेषण के लिए विभिन्न दृष्टिकोणों के संश्लेषण के आधार पर आधुनिक मानवीय ज्ञान की एकीकृत प्रकृति, कई विषयों के लिए शिक्षण विधियों के विकास में नए अवसरों को जन्म देती है।

कला शिक्षा की परंपराओं ने अपनी नींव से ही वर्णन और विश्लेषण को शिक्षण की मौलिक पद्धति माना है। 1936 में गठित पहला पाठ्यक्रम, विभिन्न क्षेत्रों, अवधियों और शैलियों, विभिन्न प्रकार और कला की शैलियों के स्मारकों के साथ काम करते समय औपचारिक और तुलनात्मक विश्लेषण के तरीकों के व्यापक उपयोग को ग्रहण करता है, जिसमें समकालीन स्वामी और छात्र कार्यों द्वारा काम शामिल हैं। इस तरह की शैक्षिक पद्धति में विश्लेषण की वस्तु की समस्या को हल करना, सामग्री चयन का सिद्धांत, शिक्षा के लक्ष्यों के प्रति जागरूक और निर्धारित, विश्लेषण की धारणा और स्मारक को समझने और व्याख्या करने के रास्ते पर क्रमिक चरणों के रूप में वर्णन करना शामिल है। निस्संदेह, विषय के साथ काम करने के सार में प्रवेश करना आवश्यक है, "वस्तुवैज्ञानिक" दृष्टिकोण, मूल की विशिष्टता और महत्व के बारे में जागरूकता। एक रचनात्मक के ढांचे के भीतर इंटरैक्टिव दृष्टिकोण और "परियोजना गतिविधि" के तरीकों को शामिल करते हुए एक विश्लेषण योजना विकसित करते समय

कार्यों के लिए, न केवल उच्च वैज्ञानिक स्तर पर शैक्षिक कार्य के कार्यान्वयन के लिए मानदंडों की एक कठोर प्रणाली को ध्यान में रखना आवश्यक है, बल्कि कार्य प्रक्रिया में पूरी टीम को शामिल करने की संभावना और सबसे महत्वपूर्ण बात यह दिखाने का अवसर भी है। अध्ययन के तहत क्षेत्र में व्यक्तिगत रचनात्मक क्षमताएं और उपलब्धियां।

इस दृष्टिकोण का दायरा, जिसके लिए शिक्षक और छात्र को मूल के अर्थ की एक जिम्मेदार समझ की आवश्यकता होती है, वैज्ञानिक दृष्टिकोण की सीमा का विस्तार करने की इच्छा, शिक्षा में आधुनिक इंटरैक्टिव तकनीकों पर आधारित स्वतंत्रता और विश्लेषण के अंतःविषय तरीकों को शामिल किया गया है। पारंपरिक और लोक कला के क्षेत्र से संबंधित घटनाएं, जो वर्तमान में उच्च शिक्षा प्रणाली में अपने विशिष्ट स्थान पर कब्जा कर रही हैं। शास्त्रीय कला को प्राचीन काल से ही छात्र-सिद्धांतकार और कलाकार दोनों के लिए शिक्षा का आधार माना जाता रहा है, लेकिन कला इतिहास के शैक्षणिक अभ्यास में लोक कला के वैज्ञानिक विकास के लिए अपील एक आधुनिक घटना है जिसमें प्रतिबिंब और विकास की आवश्यकता होती है। कार्यप्रणाली। पाठ्यक्रम में एक अनुशासन के रूप में लोक कला में सामग्री में महारत हासिल करने के लिए एक निश्चित आधार का गठन शामिल है, इसकी नींव को समझना, एक एकीकृत दृष्टिकोण की समस्या और प्रस्तावित पाठ्यक्रम के ढांचे के भीतर इस प्रकार के स्मारकों के अध्ययन के लिए अंतःविषय तरीकों को लाया जाता है। आगे का। यह जोड़ा जाना चाहिए कि लियोनार्डो दा विंची के समय से एक शिल्प और "सटीक विज्ञान" के रूप में कला की समझ को कला और सैद्धांतिक शिक्षा की घटना को सीखने और समझने की प्रक्रिया में सबसे प्रभावी विकल्प के रूप में माना जाता है, बिना कारण के नहीं विचार: "पेंटिंग एक विज्ञान और प्रकृति की वैध बेटी है" 3, कला की कई अकादमियों में पारंपरिक दृष्टिकोण बना हुआ है, जहां कला और शिल्प विकसित हुए और लोक कला का अध्ययन किया गया (मुख्य रूप से पोशाक और बर्तनों की ऐतिहासिक प्रामाणिकता के संदर्भ में) 4.

"स्रोत" के प्रभावों की व्याख्या और उद्धरण, जिसके लिए व्याख्या के सिद्धांतों के विश्लेषण के लिए विचारशील दृष्टिकोण की आवश्यकता होती है, अध्ययन के तहत समस्या के ढांचे के भीतर भी प्रभावित हो सकता है, शास्त्रीय युग की कला के साथ दोनों काम के संबंध में, और लोक परंपरा और वर्तमान कलात्मक प्रथाओं के साथ 5. पाठ्यक्रम में, अनुसंधान के सैद्धांतिक पहलुओं, सामग्री के साथ काम करने के तरीकों, घटनाओं के वर्णन और विश्लेषण के सिद्धांतों और लोक कला दोनों के लिए समर्पित पाठ्यक्रमों को एक विशेष स्थान देना आवश्यक है। इस्तेमाल किए गए विश्लेषण के पारंपरिक तरीकों के अनुपात के सवाल पर विशेष ध्यान दिया जाना चाहिए

कला के इतिहास में, और गैर-शास्त्रीय कला की विशिष्ट विशेषताएं, एक ही काम और स्मारकों के समूह दोनों की व्याख्या के लिए दृष्टिकोणों के एक सेट के गठन से जुड़ी कुछ समस्याओं के समाधान की आवश्यकता होती है, अंतःविषय अनुसंधान सिद्धांत ऐसे में प्रासंगिक हो जाते हैं एक प्रसंग।

"दृश्य और आभासी" की समस्या स्मारक की धारणा और व्याख्या के पैटर्न में परिलक्षित होती है, यहां शिक्षक का काम शैक्षणिक अभ्यास के ढांचे में तीव्र हो जाता है, जहां प्रजनन के साधन और एक सचित्र रेंज शुरू करने की संभावना मौलिक रूप से महत्वपूर्ण है। दोनों व्याख्यान और इंटरैक्टिव कक्षाओं के लिए, और छात्र के स्वतंत्र कार्य के लिए। । कला के काम की "पहुंच" का भ्रम, संचार के आधुनिक साधनों और प्रजनन की तकनीकी क्षमताओं को ध्यान में रखते हुए, मूल, एक अद्वितीय कार्य के प्रति दृष्टिकोण को प्रभावित नहीं करना चाहिए, इसलिए, इस संदर्भ में, एक संग्रहालय में प्रदर्शन पर काम या गैलरी इतना महत्व प्राप्त कर लेती है। "स्मारक" और "मूल" की समस्या को शैक्षिक प्रक्रिया के संगठन के स्तर पर हल किया जाना चाहिए, छात्र को स्मारक के मूल्य, वास्तविक वस्तु और उसकी छवि के बीच की सीमा आदि के बारे में पता होना चाहिए। शैक्षिक प्रक्रिया के संगठन में "तकनीकी पुनरुत्पादन"7 महत्वपूर्ण हो जाता है, यदि महत्वपूर्ण नहीं है, क्योंकि संग्रहालय में दर्शकों का अनुभव किसी भी प्रकार की पुनरुत्पादित छवि के साथ काम करने से अलग है। वास्तुकला के प्रत्यक्ष अध्ययन का अनुभव न केवल स्वयं स्मारकों तक, बल्कि स्थापत्य ग्राफिक्स, पुस्तक चित्रण, परिदृश्य में वास्तुकला, कला और शिल्प और पोशाक तक भी विस्तारित हो सकता है; 21वीं सदी में "स्क्रीन आर्किटेक्चर"8 की घटना भी दिलचस्प है। संरचनाएं अक्सर प्रोजेक्शन स्क्रीन में बदल जाती हैं और स्थापना के एक तत्व के रूप में कार्य करती हैं।

आधुनिक शिक्षा दूरस्थ शिक्षा के तरीकों पर भी केंद्रित है, जहां सिद्धांत और व्यवहार के बीच संबंधों की समस्या को व्यावहारिक कार्यों, इंटरैक्टिव दृष्टिकोण और छात्रों के स्वतंत्र कार्य के नए तरीकों के विकास के माध्यम से हल किया जाना चाहिए। बेशक, दूरस्थ शिक्षा अवसरों का विस्तार करती है, लेकिन एक सुविचारित संगठन योजना, बहुत जटिल तकनीकी और कार्यप्रणाली समर्थन की आवश्यकता होती है। रचनात्मक व्यावहारिक कार्यों को वास्तुकला और ललित और सजावटी कला दोनों में अध्ययन शैली की समस्याओं के संदर्भ में हल किया जा सकता है। स्मारक का विश्लेषण

यू. आई. हारुत्युनयान

एक कला समीक्षक के व्यावहारिक कार्य के आधार के रूप में माना जाता है।

आधुनिक मानविकी शिक्षा में व्यावहारिक घटक की समस्या पर हाल के वर्षों में सक्रिय रूप से चर्चा की गई है, सम्मेलनों और प्रकाशनों के ढांचे में छुआ गया है, जिसमें महारत हासिल करने और कुछ दक्षताओं को प्राप्त करने के परिणामों के लिए आवश्यकताओं के परिवर्तन के हिस्से के रूप में महारत हासिल है। +))। शिक्षा के तीन-चरण प्रणाली के ढांचे के भीतर एक कला समीक्षक की शिक्षा की विशेषताएं, सबसे पहले, प्रत्येक स्तर की शिक्षा (स्नातक, मास्टर, स्नातकोत्तर) के स्नातक के लिए विशिष्ट आवश्यकताओं को समझने की आवश्यकता में शामिल हैं। . एक कला इतिहासकार की व्यावसायिक गतिविधि के क्षेत्र में हाल के दशकों में काफी विस्तार हुआ है, लेकिन व्यावसायिकता की आवश्यकताएं, पेशेवर कौशल की एक पूरी श्रृंखला का अधिकार और आवश्यक ज्ञान सीखने और जल्दी से प्राप्त करने की क्षमता अधिक जटिल हो गई है। अनुसंधान, शिक्षण, संग्रहालय के काम और बहाली की समस्याओं के समाधान के रूप में व्यावहारिक कला इतिहास के लिए नए सैद्धांतिक और पद्धतिगत दृष्टिकोण की आवश्यकता होती है। आधुनिक शिक्षा प्रणाली शिक्षक की शैक्षणिक गतिविधि में पाठ्यक्रम के व्यावहारिक भाग का विस्तार करने, सीखने की प्रक्रिया को व्यवस्थित करने और प्रथाओं के संचालन के प्रश्न का सामना करती है। ऐसे संदर्भ में, लागू स्नातक की डिग्री के स्थान और भूमिका पर प्रकाश डाला जाता है, अंतःविषय कार्यक्रमों का विकास आवश्यक हो जाता है, शिक्षा के चरणों के अनुक्रम के सिद्धांत का पालन, शिक्षा के शैक्षणिक और अनुप्रयुक्त रूपों के बीच बातचीत का मुद्दा उठाया जाता है। . समस्या बनी हुई है कि हाल के दिनों में विशिष्टताओं के सख्त परिसीमन की उपस्थिति अध्ययन की दिशा (डिप्लोमा, बुनियादी शिक्षा द्वारा विशेषता) और काम के स्थान के बीच संबंध पर सवाल उठाती है, जो वर्तमान प्रवृत्ति को पूरी तरह से ध्यान में नहीं रखता है। गैर-शास्त्रीय विज्ञान के बाद संश्लेषण और अंतःविषय दृष्टिकोण पर केंद्रित है। स्नातक के लिए आवश्यकताओं का परिवर्तन अनिवार्य रूप से छात्र के व्यावहारिक कौशल के विस्तार को जन्म देता है, समस्या के वैज्ञानिक विकास की दिशा में एक अभिविन्यास न केवल स्नातक विद्यालय में एक छात्र के लिए, बल्कि स्नातक और मास्टर डिग्री के लिए भी, एक परिवर्तन व्यावहारिक कक्षाओं का आधार, लागू कौशल और सामान्य कौशल की आवश्यकता (दस्तावेजों में वे आमतौर पर पेशेवर क्षेत्र, सूचना प्रसंस्करण, विश्लेषण और सामग्री के व्यवस्थितकरण में निर्णय लेने की क्षमता के रूप में तैयार किए जाते हैं)।

कला इतिहास न केवल अध्ययन के एक विशिष्ट क्षेत्र और एक अनुशासन के रूप में कार्य कर सकता है, बल्कि एक प्रकार के शैक्षिक मानदंड, एक बार, सामान्य ज्ञान के रूप में भी कार्य कर सकता है जो आपको अतीत और वर्तमान की संस्कृति को नेविगेट करने, सक्षम पेशेवर बनाने की अनुमति देता है। निर्णय लेने, जानकारी रखने, समाज के विकास के वैक्टर को समझने, सामाजिक रूप से अनुकूलित और योग्य विशेषज्ञ बनने के लिए। आधुनिक मानविकी शिक्षा की प्रणाली में कला का स्थान, निश्चित रूप से, व्यापक हो सकता है, इसके प्रभाव की कक्षा में अन्य क्षेत्रों के छात्रों को शामिल करते हुए, "क्षमता ^ दृष्टिकोण" पेशेवर रूप से सक्षम विशेषज्ञ के लिए आवश्यकताओं की संपूर्णता को समाप्त नहीं करता है। जो आसानी से श्रम बाजार में आवेदन पा सकते हैं। शिक्षण विधियों, विशेष रूप से संवादात्मक प्रौद्योगिकियां, निरंतरता का सिद्धांत, स्वतंत्र कार्य की प्रकृति और महत्व, प्रथाओं का संगठन और शैक्षिक प्रक्रिया में उनका स्थान, पेशेवर गतिविधि के सिद्धांतों से परिचित होना, कला इतिहास को सामान्य विषयों के स्तर पर रखना, जिसका विकास किसी भी स्नातक के व्यावसायिक विकास में योगदान कर सकता है। कला का इतिहास अतिरिक्त शिक्षा की व्यवस्था में भी मौजूद हो सकता है।

अंतःविषय दृष्टिकोण की प्रणाली में कला आलोचना की एक विशेष भूमिका है, यह छात्र के काम को सक्रिय करने, उसके सौंदर्य विचारों, क्षमताओं और रुचियों, रचनात्मकता, स्वतंत्र गतिविधि में गतिविधि को विकसित करने का एक सार्वभौमिक तरीका है। ऐसे विषयों का विकास, यदि सामग्री को सोच-समझकर व्यवस्थित किया जाता है और छात्रों को सफलतापूर्वक प्रस्तुत किया जाता है, तो निस्संदेह व्यक्ति के विकास, मूल्यों की एक प्रणाली के निर्माण, कलात्मक क्षमताओं, शोध कार्य में रुचि और नई गतिविधियों में महारत हासिल करने की इच्छा में योगदान देता है। कला आलोचना शिक्षाशास्त्र की पद्धति संबंधी समस्याएं संवाद में सीखने, संवादात्मक कार्यक्रमों में महारत हासिल करने, स्मारक के साथ सीधे काम करने का तरीका सीखने की आवश्यकता बनी हुई हैं।

एक विज्ञान के रूप में कला इतिहास, रचनात्मकता के रूप में, मानवीय ज्ञान की एक सार्वभौमिक विधि के रूप में, सीखने के क्षितिज का विस्तार करता है, छात्र के व्यक्तिगत विकास में योगदान देता है, उसकी व्यावसायिकता (और इसलिए प्रतिस्पर्धात्मकता) को बढ़ाता है, और यह सीधे क्षेत्रों में अध्ययन करने वालों पर भी लागू होता है कला से संबंधित, और रचनात्मक विशिष्टताओं के प्रतिनिधि, और जो सांस्कृतिक स्तर को ऊपर उठाना चाहते हैं, और "गैर-कलात्मक व्यवसायों" के छात्र,

स्वतंत्रता, गतिविधि, वैज्ञानिक कार्य की इच्छा के लिए स्नानघर। "शैली" की अवधारणा विवादास्पद बनी हुई है, जो "छात्र-केंद्रित" मॉडल की घटना के आधार पर विषय के भीतर इंटरैक्टिव सीखने के लिए संभव बनाता है: पाठ्यक्रम एक योजना के रूप में बनाया गया है, पाठ रचनात्मकता में बदल जाता है, की विशिष्टता छात्र प्रत्येक पाठ्यक्रम की विशिष्टता को जन्म देता है। भविष्य के कला इतिहासकारों और अन्य विशिष्टताओं के प्रतिनिधियों के लिए कला के काम के साथ काम करने के तरीके कुछ अलग होने चाहिए, हालांकि, इन सिद्धांतों को लागू किया जा सकता है, उदाहरण के लिए, एक छात्र वैज्ञानिक समाज की गतिविधियों के ढांचे के भीतर: वैज्ञानिक कार्य बनना चाहिए शैक्षिक प्रक्रिया की निरंतरता, वैज्ञानिक समस्याओं की एकता बनाए रखना आवश्यक है, शैक्षिक में विशेष महत्व की प्रक्रिया में, ओलंपियाड और प्रतियोगिताएं प्राप्त होती हैं, एक छात्र वैज्ञानिक सम्मेलन व्यक्तिगत कार्य का परिणाम बन जाता है, छात्र के पास अवसर होना चाहिए अपने वैज्ञानिक विकास को प्रकाशित करने के लिए।

इस प्रकार, XXI सदी में कला इतिहास की शिक्षा। अनिवार्य रूप से एक जटिल अंतःविषय संरचना में शामिल करने की आवश्यकता होती है, केवल एक सामाजिक-मानवीय अभिविन्यास के विषयों के साथ बातचीत में, संबंधित विषयों (और, संभवतः, सटीक और प्राकृतिक विज्ञान के लिए) का जिक्र करते हुए, क्या यह आधुनिकता और घटना की पूरी समझ प्राप्त करता है। अंतःविषय दृष्टिकोण पद्धतिगत आधार का विस्तार करना, देखने के कोण को बदलना, अध्ययन के विषय और वस्तु का विस्तार करना और कार्य के साथ काम करने के सिद्धांतों को बदलना संभव बनाता है। कला इतिहास के शैक्षणिक अभ्यास में, छात्र के व्यक्तिगत कार्य को सक्रिय करना आवश्यक है, प्रतिस्पर्धी सिद्धांत (ओलंपियाड), निरंतरता की प्रणाली (स्कूल से, जहां "विश्व के पाठ्यक्रम को संरक्षित और विस्तारित करना आवश्यक है) का उपयोग करना आवश्यक है। कला संस्कृति" विश्वविद्यालय के लिए, स्नातक से स्नातक और स्नातकोत्तर अध्ययन तक)। प्रतिभाशाली स्कूली बच्चों और छात्रों के साथ काम करने पर अधिक ध्यान देना चाहिए। कला इतिहास के शिक्षण में, विषयों के पद्धतिगत आधार का विस्तार करना, व्यापक सामग्री को आकर्षित करना, व्यावहारिक पाठ्यक्रम शुरू करना, छात्रों के लिए नए प्रकार के अभ्यास (और, संभवतः, विशेषता), एक मॉड्यूलर दृष्टिकोण, विभिन्न रूपों की शुरूआत संभव है। दूसरी उच्च शिक्षा, अतिरिक्त (उन्नत प्रशिक्षण) सहित, दूरस्थ कार्यक्रमों का विकास, दिशाओं और प्रोफाइल का विस्तार (सहित, संभवतः,

स्नातक की डिग्री लागू)। कला इतिहास के क्षेत्र में एक पेशेवर के लिए आवश्यकताओं की बारीकियों पर बिना शर्त विचार का तात्पर्य है, एक बिंदु-रेटिंग प्रणाली की शुरूआत के अलावा, रचनात्मक कार्यों की एक प्रणाली के आधार पर परियोजना-आधारित शिक्षा की शुरूआत, ध्यान में रखते हुए संघीय राज्य शैक्षिक मानक (3+) की आवश्यकताएं, जो प्रशिक्षण कार्यक्रमों के निर्माण में एक निश्चित स्वतंत्रता देती हैं।

टिप्पणियाँ

1 अरुतुयन यू। आई। आधुनिक मानवीय शिक्षा के संदर्भ में कला इतिहास की पद्धति संबंधी समस्याएं // ट्र। एसपीबीगुकी। 2013. वी. 200. एस. 176.

2 और देखें: इबिड। पीपी। 174-185।

3 लियोनार्डो दा विंची: किताब। मास्टर लियोनार्डो दा विंची, एक फ्लोरेंटाइन चित्रकार और मूर्तिकार / अनुवाद, लेखक की पेंटिंग के बारे में। परिचय कला। ए. गुबेर। एम.: ओगिज़: इज़ोगिज़, 1934. एस. 64.

4 अधिक विवरण के लिए देखें: अरुतुयुन यू। आई। 1812 का देशभक्ति युद्ध कला अकादमी के कार्यक्रमों में और पेंटिंग में ऐतिहासिक अवधारणा की समस्याएं // वेस्टन। एसपीबीगुकी। 2013. नंबर 1 (14)। पीपी. 90-98; उसकी अपना। कला अकादमी // इबिड के शिक्षण अभ्यास में प्रतियोगिताएं, पुरस्कार और पुरस्कार। 2014. नंबर 1 (18)। पीपी. 138-143.

5 विवरण के लिए देखें: उसका। उद्धरण और उपमाएँ: अतीत और वर्तमान की कला में प्रभावों के अध्ययन के कुछ पहलू // वेस्टन। एसपीबीगुकी। 2011. नंबर 2. एस। 127-134; उसकी अपना। वास्तुकला ग्राफिक्स: स्वागत और व्याख्या की समस्याएं // नौच। ट्र.: प्रश्न. संस्कृति के सिद्धांत। 2014. अंक। 31, अक्टूबर-दिसंबर। पीपी. 157-194.

6 विवरण के लिए देखें: उसका। कला इतिहास में 2013 में सेंट पीटर्सबर्ग के उच्च शिक्षण संस्थानों के छात्रों के क्षेत्रीय विषय ओलंपियाड के आयोजन पर रिपोर्ट // सेंट पीटर्सबर्ग के उच्च शिक्षण संस्थानों के छात्रों के क्षेत्रीय विषय ओलंपियाड की सामग्री का संग्रह। सेंट पीटर्सबर्ग: टेक्नोलिट, 2013। एस। 57-70; उसकी अपना। कला इतिहास में 2014 में सेंट पीटर्सबर्ग के उच्च शिक्षण संस्थानों के छात्रों के क्षेत्रीय विषय ओलंपियाड के आयोजन पर रिपोर्ट // सेंट पीटर्सबर्ग के उच्च शिक्षण संस्थानों के छात्रों के क्षेत्रीय विषय ओलंपियाड की सामग्री का संग्रह। सेंट पीटर्सबर्ग: टेक्नोलिट, 2014. एस 36-45; उसकी अपना। कला इतिहास में 2015 में सेंट पीटर्सबर्ग के उच्च शिक्षण संस्थानों के छात्रों के लिए क्षेत्रीय विषय ओलंपियाड के आयोजन पर रिपोर्ट। // सेंट पीटर्सबर्ग के उच्च शिक्षण संस्थानों के छात्रों के लिए क्षेत्रीय विषय ओलंपियाड की सामग्री का संग्रह। सेंट पीटर्सबर्ग: टेक्नोलिट, 2015, पीपी। 37-43।

7 बेंजामिन वी। इसकी तकनीकी प्रतिलिपि प्रस्तुत करने योग्यता के युग में कला का एक काम: fav। निबंध / प्रस्तावना, COMP।, ट्रांस। और नोट। एस ए रोमाश्को; ईडी। यू ए ज़दोरोवोव। एम।: मध्यम, 1996। एस। 15-65।

8 अधिक विवरण के लिए देखें: अरुतुयन यू। आई। वास्तुशिल्प ग्राफिक्स की घटना के संदर्भ में शैली के स्वागत की पद्धतिगत विशेषताएं // ट्र। एसपीबीगुकी। 2015. वी. 209. एस. 5-18।

कला शिक्षा की सामान्य शिक्षा प्रणाली ड्राइंग ड्राइंग पर आधारित थी, क्योंकि चित्रलिपि लिखने के लिए कुछ कौशल की आवश्यकता होती है। ड्राइंग ड्राइंग दो दिशाओं पर आधारित थी: हाथ की मुक्त गति की तकनीक का विकास और राहत बनाने और पपीरी लिखने में दृढ़ता। मुख्य विधि नकल करना और याद रखना है। शिक्षा प्रणाली में सख्त अनुशासन आवश्यकताएं थीं। हालाँकि केवल मिस्र के समाज के विशेषाधिकार प्राप्त वर्ग ही शिक्षा प्राप्त कर सकते थे, शारीरिक दंड का अभ्यास किया गया था (वे स्टॉक में 3 महीने के लिए गए थे)। एक ओर व्यावसायिक प्रशिक्षण सामान्य प्रकृति का था, जब शिल्प कौशल के रहस्यों को पिता से पुत्र तक पहुँचाया जाता था, दूसरी ओर, व्यावसायिक स्कूलों का आयोजन किया जाता था। ललित कला का प्रमुख पेशेवर स्कूल मेम्फिस कोर्ट स्कूल ऑफ आर्किटेक्ट्स एंड स्कल्पटर्स था। रामेसेस द्वितीय और उनके उत्तराधिकारी के समय में, मिस्र में कलाकारों के लिए एक संस्थान था जहाँ छात्र अपने शिक्षकों का चयन कर सकते थे। ऐसे शैक्षणिक संस्थान में शिक्षण पद्धति तालिकाओं में फटी हुई थी, जो कार्य के चरणबद्ध कार्यान्वयन के साथ पद्धति संबंधी दिशानिर्देशों के रूप में कार्य करती थी। विशेष रूप से, ऐसी तकनीक का उपयोग ग्रिड पर मानव आकृति के निर्माण के रूप में किया गया था। यह केवल छवि को बड़ा करने का एक प्रयास नहीं था, बल्कि एक मॉड्यूलर ग्रिड का एक प्रोटोटाइप था, जिसने छवि को बड़ा करना, एक ललाट और पार्श्व छवि बनाना संभव बना दिया, क्योंकि ग्रिड लाइनों का प्रतिच्छेदन कुछ नोडल कनेक्शन पर हुआ था। इस ग्रिड पर किसी भी जगह से ड्राइंग बनाई गई थी। छवि सामान्य रूप की परिभाषा से नहीं, बल्कि अनुपात गणना की यांत्रिक तैयारी से प्रकट हुई थी। मूर्तिकला शिक्षण में, चरणबद्ध कार्य को समझने के लिए मानक पद्धति और कार्य प्रगति पद्धति का उपयोग दृश्य सहायता के रूप में किया गया था। इस प्रकार, ललित कलाओं को पढ़ाने के लिए एक व्यवस्थित दृष्टिकोण है, ललित कला के अभ्यास का एक सैद्धांतिक औचित्य निर्धारित किया गया है, और पहली बार भविष्य के कलाकारों के चित्रण और प्रशिक्षण के कानून स्थापित किए गए हैं। क्या सीखने की प्रक्रिया का कोई सिद्धांत था (उपदेशात्मक) स्थापित नहीं किया गया है। हालांकि, शैक्षणिक लेखन (तौफ द्वारा) थे। शिक्षा आसपास की वास्तविकता के अध्ययन पर नहीं, बल्कि स्थापित सिद्धांतों को याद करने पर आधारित थी। मिस्र में ललित कला पहले से ही एक सामान्य शैक्षिक अनुशासन था। व्याख्यान संख्या 4 "प्राचीन ग्रीस में कला शिक्षा की प्रणाली।" प्राचीन ग्रीस की कला विश्व ललित कला के इतिहास की सबसे बड़ी परत है। इस अवधि के दौरान बनाई गई रचनाएँ समकालीनों को उनकी आनुपातिकता, यथार्थवाद, पर्यावरण के साथ सामंजस्य से विस्मित करती हैं। इसलिए, कला शिक्षा की प्रणाली में रुचि स्वाभाविक है, जो बदले में, समग्र रूप से सभी कला शिक्षा के विकास के इतिहास में एक महत्वपूर्ण चरण है। प्राचीन ग्रीस की शिक्षा प्रणाली में मौलिक परिवर्तन जुड़े हुए हैं, सबसे पहले, विश्वदृष्टि में बदलाव के साथ और, परिणामस्वरूप, एक ही गुलाम-स्वामित्व वाले आर्थिक गठन के भीतर धर्म और सामाजिक चेतना में परिवर्तन। मिस्र के जूमॉर्फिक (बाद में मानव शरीर के साथ) के विपरीत, ग्रीक देवताओं का पैन्थियन एंथ्रोपोमोर्फिक था। आफ्टरलाइफ़ को वास्तविकता के साथ सादृश्य द्वारा प्रस्तुत किया गया था। और दूसरी दुनिया में जाने की तैयारी इतनी अधिक खपत वाली नहीं थी। सामान्य तौर पर, प्राचीन यूनानियों का रवैया मानवतावादी प्रकृति का था, जिसका उद्देश्य वास्तविकता के पैटर्न को प्रकट करना था, और मानव शरीर की सुंदरता को सद्भाव का मानक माना जाता था, अर्थात पूरे के सापेक्ष भागों की आनुपातिकता। यह सौंदर्यवादी आदर्श पेरिकल्स 12 (एक प्राचीन यूनानी रणनीतिकार जिसने एथेंस को उसके सुनहरे दिनों में नेतृत्व किया) के शब्दों में व्यक्त किया गया है: "हम सुंदर से प्यार करते हैं, सादगी के साथ संयुक्त, और ज्ञान के बिना ज्ञान।" हालाँकि, यूनानियों द्वारा बनाई गई हर चीज की नींव होती है। और यह नींव मिस्र की कला है। ग्रीक कलाकारों ने मिस्र में विकसित तोपों की प्रणाली और मूर्तिकला के तरीके। उदाहरण के लिए, अलग-अलग शहरों में रहने वाले समोस के भाई टेलीकल्स और थियोडोर ने पाइथियन अपोलो की मूर्ति के लिए सैमियंस का आदेश लिया। एक-दूसरे से स्वतंत्र रूप से, उन्होंने प्रत्येक मूर्ति का अपना आधा हिस्सा इतनी कुशलता से बनाया कि संयुक्त होने पर दोनों आधे एक साथ आ गए। मूर्तिकला के काम पर काम करने की मिस्र की पद्धति के पालन से काम के इस तरह के एक सफल पाठ्यक्रम को सुविधाजनक बनाया गया था। भविष्य में, यूनानियों ने शिक्षा और पालन-पोषण की समस्या को एक नए तरीके से देखा। यथार्थवाद ग्रीक कला का आधार है। कलाकारों ने तर्क दिया कि सख्त नियमितता दुनिया में राज करती है, और सुंदरता का सार भागों और संपूर्ण के सामंजस्य में, सही गणितीय अनुपात में निहित है। 432 ईसा पूर्व में। Sicyon के Polykleitos ने मानव शरीर के निर्माण के आनुपातिक कानूनों पर एक निबंध बनाया और इतिहास में पहली बार conrpost की समस्या को हल किया। मानव शरीर की छवि प्राकृतिक और महत्वपूर्ण हो गई है। नए कैनन के अनुसार मूर्तिकला के निष्पादन के एक उदाहरण के रूप में, "डोरिफ़ोर" (भाला-वाहक) का उपयोग किया जाता है। इस मूर्तिकला से चित्र न केवल भविष्य के पेशेवरों द्वारा, बल्कि एक व्यापक स्कूल के बच्चों द्वारा भी बनाए गए थे। स्वर्गीय क्लासिक्स के एक और महान मूर्तिकार, प्रैक्सिटेल्स ने अपना स्वयं का कैनन बनाया, जिसमें पॉलीक्लेटिक कैनन के संबंध में शरीर के अनुपात को कुछ हद तक बढ़ाया गया था। हम इस अवधि के शिक्षण विधियों के बारे में रोमन इतिहासकारों प्लिनी, पॉसनीस और वेट्रूवियस के बाद के सैद्धांतिक कार्यों के साथ-साथ जीवित कलाकृतियों के आधार पर जानते हैं। इसके अलावा, ग्रीक चित्रफलक कला की इतनी सारी कलाकृतियाँ नहीं बची हैं: मूर्तिकला हमारे पास आ गई है, मुख्य रूप से रोमन प्रतियों में, जो प्राचीन ग्रीक कला की संपूर्ण गहराई को व्यक्त नहीं करती हैं, चित्रकला की कलाकृतियाँ भी संख्या में कम हैं। प्राचीन ग्रीस की ललित कलाओं में पहले पद्धतिगत विकास का इतिहास एथेंस के पॉलीग्नोटस और अपोलोडोरस के नामों से जुड़ा है। पॉलीग्नोटस ने एथेंस में कलाकारों का एक मंडल बनाया, जहाँ उन्हें नागरिकता के अधिकार दिए गए, उन्होंने अपनी शिक्षण गतिविधियाँ शुरू कीं। उन्होंने कलाकारों को वास्तविकता के लिए प्रयास करने के लिए प्रोत्साहित किया। हालांकि, उन्होंने काइरोस्कोरो के हस्तांतरण के बिना, केवल एक रैखिक ड्राइंग में महारत हासिल की। लेकिन यहां भी रेखा ने जगह पहुंचाने का काम किया। प्लिनी लिखते हैं: "पॉलीग्नोटस ... जिन्होंने पारभासी कपड़ों में महिलाओं को चित्रित किया, उनके सिर को रंगीन बोनट से ढक दिया और पेंटिंग में बहुत सी नई चीजों को पेश करने वाले पहले व्यक्ति थे, जैसे ही उन्होंने अपना मुंह खोलना शुरू किया, अपने दांत दिखाए और इसके बजाय, पूर्व अचल चेहरा, विविधता दें। ” अरस्तू ने उल्लेख किया कि पॉलीग्नॉट ने आदर्श रूप से मानव शरीर के आकार को व्यक्त किया, आदमकद मॉडल तैयार किए। हालाँकि, उनकी पेंटिंग को मोनोक्रोम में चित्रित चित्र के रूप में प्रस्तुत किया गया था। ड्राइंग और शिक्षण विधियों के क्षेत्र में एक वास्तविक क्रांति का श्रेय एथेंस के अपोलोडोरस को दिया जाता है, जिसे प्लिनी "कला की रोशनी" के रूप में संदर्भित करता है। अपोलोडोरस की योग्यता इस तथ्य में निहित है कि वह सबसे पहले काइरोस्कोरो को पेश करने वाले थे और उन्होंने ड्राइंग में फॉर्म की मात्रा को मॉडल करना शुरू किया। इसे चमत्कार माना जाता था। अन्य शिक्षण विधियों की आवश्यकता थी जो प्रकाश स्रोत के सापेक्ष काइरोस्कोरो के वितरण के पैटर्न पर विचार करते थे। पेंटिंग गर्मी और शीतलता के खेल पर आधारित होने लगी। अपोलोडोरस न केवल एक प्रतिभाशाली कलाकार था, बल्कि एक उत्कृष्ट शिक्षक भी था। उनके छात्रों में से एक ज़ुकिस (420-380 ईसा पूर्व) था। अपने एक एपिग्राम में, अपोलोडोरस ने उसे "मेरी कला का चोर" कहा। ज़ुकिस की कार्यप्रणाली प्रकृति के गहन अध्ययन, अवलोकन के माध्यम से सौंदर्य के नियमों को समझने पर आधारित थी। एक किंवदंती है कि ज़ुकिस ने एक लड़के को अंगूर ले जाने के लिए चित्रित किया था। 14 चिड़ियाँ अंगूरों की ओर झुंझला उठीं, सो वह कुशल से खींची गई। और गुरु परेशान था: "अगर मैंने भी कुशलता से एक लड़के को चित्रित किया होता, तो पक्षी नहीं उड़ते, वे डर जाते।" ज़ुकिस और एक अन्य महत्वपूर्ण कलाकार, पारहसियस के बीच प्रतिद्वंद्विता प्रसिद्ध है। प्लिनी लिखते हैं: "कहा जाता है कि पाराशियस ने ज़ुकिस के साथ एक प्रतियोगिता में प्रवेश किया था। ज़ुकिस एक तस्वीर लाया जिसमें अंगूरों को इतनी अच्छी तरह से चित्रित किया गया था कि पक्षी झुंड में आते थे। Parrhasius ने इतनी प्रशंसनीय रूप से चित्रित एक पैनल लाया कि ज़ूकिस, पक्षियों की सजा पर गर्व करते हुए, पैनल को हटाने और चित्र को स्वयं दिखाने की मांग करने लगे। और फिर उसे अपनी गलती का एहसास हुआ और नेक शर्म के प्रभाव में हथेली को रास्ता दे दिया। पैरासियस ने खुद को एक सैद्धांतिक कलाकार के रूप में भी दिखाया, ड्राइंग पर एक ग्रंथ लिखा, जिसमें उन्होंने अंतरिक्ष के भ्रम के निर्माण में रेखा और उसके काम पर विशेष ध्यान दिया। "आखिरकार, रूपरेखा में अपनी रेखा होनी चाहिए और इस तरह से टूटना चाहिए कि जो छिपा हुआ है उस पर संकेत दिया जाए। उनके शिक्षण की विशेषता विशेषताएं: - वस्तुओं की रूपरेखा के हस्तांतरण में स्पष्टता; -वस्तुओं के आकार के हस्तांतरण में रैखिकता; - प्रकृति से सक्रिय कार्य; मानव शरीर के यथार्थवादी निर्माण के नियमों के ज्ञान के साथ अत्यधिक तकनीकी ड्राइंग का संयोजन; - प्रकाश और छाया ड्राइंग के साधनों का कब्ज़ा; - छवि के यथार्थवाद को व्यक्त करने की इच्छा, अपने आप में एक अंत तक पहुंचना। चौथी शताब्दी ईसा पूर्व में। इ। ड्राइंग के कई प्रसिद्ध स्कूल थे: सिस्योन, इफिसुस, थेबन। थेबन स्कूल - अरिस्टाइड्स के संस्थापक - काइरोस्कोरो प्रभाव, संवेदनाओं के हस्तांतरण, भ्रम को महत्व देते हैं। इफिसियन स्कूल - एफ़्रानोर या ज़ुकिस - प्रकृति की संवेदी धारणा, इसकी बाहरी सुंदरता पर आधारित था। 15 यूपोम्प के संस्थापक सिसोनियन स्कूल प्राकृतिक विज्ञान के वैज्ञानिक आंकड़ों पर आधारित थे और वास्तविक प्रकृति के चित्रण के नियमों का कड़ाई से पालन करते थे। इस स्कूल ने ड्राइंग में सबसे बड़ी सटीकता और कठोरता की मांग की। उसने ललित कला के आगे के विकास को प्रभावित किया। यूपोम्पस (400-375 ईसा पूर्व) एक उत्कृष्ट शिक्षक और चित्रकार थे। उन्होंने अपने छात्रों को वैज्ञानिक डेटा, मुख्यतः गणित के आधार पर प्रकृति के नियमों का अध्ययन करने के लिए प्रोत्साहित किया। यह एक मौलिक रूप से नई विधि है - अवलोकन + विश्लेषण। यूपोम्प के छात्र पैनफिल ने एक सामान्य शैक्षिक विषय के रूप में ड्राइंग को बहुत महत्व दिया, क्योंकि जब कोई व्यक्ति न केवल किसी वस्तु के आकार को बताता है, बल्कि उसकी संरचना भी सीखता है। पैनफिल ने ड्राइंग और ज्योमेट्री के बीच संपर्क के क्षेत्र में बहुत काम किया, क्योंकि उनका मानना ​​था कि बाद में स्थानिक सोच विकसित होती है। उनके स्कूल के दरवाजे पर लिखा था: "जो लोग ज्यामिति नहीं जानते हैं उन्हें यहां जाने की अनुमति नहीं है।" पनफिल में प्रशिक्षण की अवधि 12 वर्ष थी और इसकी कीमत एक प्रतिभा (26.196 किलोग्राम सोना) थी। चौथी शताब्दी ईसा पूर्व तक। इ। प्राचीन यूनानी कलाकारों ने परिप्रेक्ष्य के सिद्धांत को विकसित करना शुरू किया। हालाँकि, यह फिलिपो ब्रुनेलेस्ची (एक लुप्त बिंदु के साथ) द्वारा बनाए गए एक के समान था। यह सबसे अधिक संभावना है कि वास्तविकता की एक अवधारणात्मक धारणा है। तो पश्चिमी यूरोपीय कला के इतिहास में, दो दिशाएँ दिखाई दीं और आज भी मौजूद हैं: एक रंग स्थान से चित्र बनाना और रूप के रचनात्मक विश्लेषण से। प्राचीन ग्रीस के आचार्यों ने अपने छात्रों से वैज्ञानिक आधार पर प्रकृति का अध्ययन करने का आह्वान किया, इसका लाभ ज्ञान को दिया गया, न कि प्रेरणा के आवेगों को। इसलिए, आकर्षित करना सीखना सबसे महत्वपूर्ण था। छात्रों ने मुख्य रूप से मोम, धातु या हड्डी की छड़ियों से ढके बीच बोर्डों पर आकर्षित किया। प्राचीन ग्रीस के कला विद्यालय एक निजी कार्यशाला-स्टूडियो हैं, जो पुनर्जागरण की निजी कार्यशालाओं के अपने सिद्धांत की याद दिलाते हैं। 16 परिणाम: - प्रकृति से चित्र बनाने के आधार पर नई शिक्षण विधियां; - ड्राफ्ट्समैन का कार्य न केवल वस्तुओं की नकल करना है, बल्कि उनके निर्माण के पैटर्न का ज्ञान भी है; - आसपास की वास्तविकता को समझने के लिए एक माध्यमिक विद्यालय में एक उपकरण के रूप में चित्र बनाना; - वैज्ञानिक ज्ञान की दृश्य वास्तविकता के नियमों के अनुसार मानव शरीर के निर्माण के सिद्धांतों का विकास; - आदमी सुंदरता का ताज है, उसमें सब कुछ आनुपातिक और सामंजस्यपूर्ण है, "मनुष्य सभी चीजों का मापक है" (हेराक्लिड)। व्याख्यान संख्या 5 "प्राचीन रोम में कला शिक्षा" विश्व संस्कृति के लिए कलात्मक विरासत अपने मूल्य में महत्वपूर्ण है। लेकिन इसका ग्रीक से अलग चरित्र है। यह सब रोमनों के विश्वदृष्टि के बारे में है। वे, ग्रीक और एट्रस्कैन की तरह, मूर्तिपूजक थे, लेकिन उनका धर्म, और इसलिए उनकी कलात्मक कल्पना, ग्रीक की तुलना में अधिक पेशेवर थे, उनका विश्वदृष्टि अधिक व्यावहारिक और शांत था। रोमनों ने अपने स्वयं के सुंदर थिएटर, तेज कॉमेडी, संस्मरण साहित्य का निर्माण किया, कानूनों का एक कोड विकसित किया (रोमन कानून सभी यूरोपीय न्यायशास्त्र का आधार था), वास्तुकला में नए रूपों (कंक्रीट की खोज ने विशाल इमारतों के निर्माण के लिए नई रचनात्मक संभावनाएं दीं) और गुंबददार छत) और ललित कला (ऐतिहासिक राहत, यथार्थवादी मूर्तिकला चित्र, मूर्ति मूर्तिकला, स्मारकीय चित्रकला का सबसे दिलचस्प उदाहरण)। रोम द्वारा ग्रीस की विजय के बाद, ग्रीक कला के साथ एक करीबी परिचित होना शुरू हुआ, जिसे रोमन एक मॉडल के रूप में मानते थे। "विजित लोगों की कला से अज्ञानी विजेता को जीत लिया गया।" 17 दूसरी शताब्दी में। ईसा पूर्व इ। उच्च समाज में ग्रीक आम था। ग्रीक कला के कार्यों ने रोम के सार्वजनिक भवनों, आवासीय भवनों, देश के विलाओं को भर दिया। फिर, मूल के अलावा, Myron, Phidias के प्रसिद्ध ग्रीक कार्यों से कई प्रतियां दिखाई दीं। स्कोपस, प्रैक्सिटेल्स, लिसिपोस। लेकिन ग्रीक कला की काव्य प्रेरणा, कलाकार के प्रति वह रवैया जो उसे प्रतिभा से संपन्न देवताओं में से एक के रूप में चुना गया था, रोम में कभी मौजूद नहीं था। इसलिए कला शिक्षा की प्रणाली, जिसने केवल एक उच्च श्रेणी के शिल्पकार, एक कोपिस्ट का कौशल दिया। वास्तव में, पॉलिश की गई यांत्रिक प्रतियों के बीच, ग्रीक प्रामाणिक मूर्तिकला प्लास्टिसिटी अपने विमानों के खेल में इतनी जीवंत लगती है कि यह एक गर्म दिन में एक हल्की हवा की तरह लगती है। रोम ने ललित कलाओं को पढ़ाने की पद्धति में मौलिक रूप से कुछ भी नया नहीं पेश किया। यद्यपि उच्च रोमन समाज में ललित कलाओं में संलग्न होना अच्छा रूप माना जाता था। लेकिन यह फैशन के लिए एक ट्रिब्यूट से ज्यादा कुछ नहीं था। इस प्रकार, रोमियों की उपयोगितावादी सोच ने इस देश में कला शिक्षा के विकास को सबसे अच्छे तरीके से प्रभावित नहीं किया। व्याख्यान संख्या 6 "मध्ययुगीन कला में काम करने के तरीके" मध्यकालीन कला दुनिया के कलात्मक विकास में एक विशेष चरण है। इसकी मुख्य विशेषताओं में से एक धर्म के साथ घनिष्ठ संबंध है, इसकी हठधर्मिता, इसलिए अध्यात्मवाद, तपस्या। धर्म और उसकी सार्वजनिक संस्था - चर्च - एक शक्तिशाली वैचारिक शक्ति थी, जो संपूर्ण सामंती संस्कृति के निर्माण में सबसे महत्वपूर्ण कारक थी। इसके अलावा, चर्च कला का मुख्य ग्राहक था। अंत में, यह नहीं भूलना चाहिए कि उस समय पादरी ही एकमात्र शिक्षित वर्ग था। इसलिए, धार्मिक सोच ने सभी मध्ययुगीन कलाओं को आकार दिया। हालांकि, इसका मतलब यह नहीं है कि जीवन के वास्तविक अंतर्विरोधों को मध्ययुगीन कला में अभिव्यक्ति नहीं मिली, कि मध्ययुगीन कलाकारों ने सद्भाव की तलाश नहीं की। मध्ययुगीन कला की आलंकारिक संरचना और भाषा पुरातनता की कला की तुलना में अधिक जटिल और अभिव्यंजक है; यह अधिक नाटकीय गहराई वाले व्यक्ति की आंतरिक दुनिया को व्यक्त करती है। इसमें ब्रह्मांड के सामान्य नियमों को समझने की इच्छा अधिक स्पष्ट रूप से व्यक्त की गई है। मध्ययुगीन मास्टर ने वास्तुकला, स्मारकीय पेंटिंग और मूर्तिकला में दुनिया की एक भव्य कलात्मक तस्वीर बनाने की मांग की, जो मध्ययुगीन मंदिरों को सुशोभित करती थी। लेकिन कलात्मक प्रणाली में, मध्ययुगीन कला की कलात्मक पद्धति में, एक सीमा थी, जो सबसे पहले, चरम पारंपरिकता में, आलंकारिक भाषा के प्रतीकवाद और रूपक में प्रकट होती थी, जिसमें सुंदरता का सच्चा संचरण होता था। भौतिक शरीर की बलि दी गई। पुरातनता की यथार्थवादी कला की उपलब्धियों को गुमनामी में डाल दिया गया। घिबर्टी ने लिखा: "तो, सम्राट कॉन्सटेंटाइन और पोप सिल्वेस्टर के समय में, ईसाई धर्म प्रबल था। मूर्तिपूजा को सबसे बड़े उत्पीड़न के अधीन किया गया था, सबसे पूर्णता की सभी मूर्तियों और चित्रों को तोड़ा और नष्ट कर दिया गया था। तो, मूर्तियों और चित्रों के साथ, स्क्रॉल और अभिलेख, रेखाचित्र और नियम जो इस तरह की उदात्त और सूक्ष्म कला को निर्देश देते थे, नष्ट हो गए। विज्ञान पर भरोसा किए बिना ललित कला का निर्माण किया गया था - केवल कलाकार का ध्यान और वफादार आंख। केवल प्राचीन कला की छवियों को उधार लेकर भौतिकता को संरक्षित किया गया था (ऑर्फियस युवा मसीह चरवाहे की छवि है)। हालांकि, ये उधार लंबे समय तक नहीं रहे। युवा मसीह की छवि को अपनी आलंकारिक संरचना के साथ प्राचीनता के पंथ द्वारा प्रतिस्थापित किया गया था। इस अवधि के दौरान शिक्षा का आधार यांत्रिक नकल है। हालांकि, मध्ययुगीन कला में एक ऐसी प्रणाली थी जिसने छवि निर्माण के कुछ पैटर्न खोजने की कोशिश की। यह विलार्ड डी होन्नेकोर्ट प्रणाली है। इसका सार अमूर्त गणितीय गणनाओं के निर्माण, 19 ज्यामितीय पैटर्न की खोज, संख्याओं के कैबेलिस्टिक्स में निहित है, न कि प्रकृति के रूपों की संरचना में पैटर्न की खोज में। मध्यकालीन यूरोप की कला की तुलना में बीजान्टिन कला अधिक विहित थी। और यहाँ नमूनों पर काम का अभ्यास किया। बीजान्टियम की ललित कला की कार्यप्रणाली पर एक दिलचस्प काम आज तक जीवित है। यह "एर्मिनिया, या पेंटिंग की कला में निर्देश" 1701-1745 है, जिसे एथोस भिक्षु डायोनिसियस ऑफ फर्ना (फर्नोग्राफियोट) द्वारा लिखा गया है। इसमें चित्रकार के शिल्प के बारे में कई तथ्य शामिल हैं (कैसे एक प्रतिलिपि बनाने के लिए, लकड़ी का कोयला, ब्रश, गोंद, प्राइमर, चेहरे, कपड़े कैसे पेंट करने के बारे में विस्तृत निर्देश) और बहुत कुछ। उदाहरण के लिए, कॉपी करने के तरीके के बारे में: "... अपने तेल से लथपथ कागज को मूल के चार किनारों पर चिपका दें; थोड़ी मात्रा में जर्दी के साथ काला पेंट करें और इसके साथ ड्राइंग को ध्यान से सर्कल करें और छाया लागू करें; फिर सफेदी तैयार करें और अंतरालों को भरें और चमकीले स्थानों को चिह्नित करने के लिए सबसे पतले सफेद रंग का उपयोग करें। तब छवि की एक रूपरेखा सामने आएगी, क्योंकि कागज पारदर्शी है, और इसके माध्यम से मूल की सभी विशेषताएं दिखाई देती हैं। नकल का एक और उदाहरण: "यदि मूल के पीछे कोई पैटर्न या दाग नहीं है, तो उस पर बिना तेल वाला कागज डालें, इसे प्रकाश के खिलाफ खिड़की पर रख दें ... और, सभी विशेषताओं को देखते हुए, ध्यान से उन्हें अपने ऊपर खींचें। कागज, और लाल रंग के साथ प्रकाश को चिह्नित करें "। तो, मध्य युग के युग में: - शिक्षा का मुख्य तरीका नमूनों से नकल करना था, जिसने हस्तशिल्प के विकास में योगदान दिया; - सीखने की प्रक्रिया - स्वामी की एक कला के हिस्से के रूप में स्वतंत्र कार्य। 20

मास्को में कला उच्च शिक्षा संस्थान हमेशा एक विशेष खाते में रहे हैं। देश में राजनीतिक परिवर्तन और आर्थिक उथल-पुथल उनके बीच प्रतिस्पर्धा को कम नहीं करते हैं: कला के प्यार ने दैनिक रोटी और वित्तीय लाभ के बारे में किसी भी विचार पर जीत हासिल की है। और यह इस तथ्य के बावजूद है कि केवल कुछ स्नातक पेशेवर रूप से सफल होने, सफलता प्राप्त करने और इसके साथ समृद्धि प्राप्त करने का प्रबंधन करते हैं। हालांकि, तथ्य यह है कि आमतौर पर ऐसे विश्वविद्यालयों में आधी रिक्तियां होती हैं, जो उन्हें लेना चाहते हैं।

प्रतिभा और प्रशंसक

जैसा कि थिएटर विश्वविद्यालयों के मामले में, एक कला विद्यालय में प्रवेश करते समय, एक आवेदक को एक निश्चित चिंगारी की उपस्थिति के लिए खोजा जाएगा, जिसे आमतौर पर प्रतिभा कहा जाता है। दरअसल, हर कोई अपने हाथों में पेंसिल या ब्रश रखने में सक्षम हो सकता है, लेकिन सौ या हजार में से केवल एक ही व्यक्ति कुछ अनोखा बनाने में सक्षम है।

"प्रतिभा" की अवधारणा की बिल्कुल सटीक परिभाषा देना संभव नहीं है: कला में सब कुछ बहुत व्यक्तिपरक है। दुर्भाग्य से, कोई भी रचनात्मक पेशा पूरी तरह से दर्शकों और आलोचकों की राय पर निर्भर करता है। यही कारण है कि कई विशेषज्ञ सलाह देते हैं: एक कला विश्वविद्यालय की दहलीज को पार करने से पहले, यह विचार करने योग्य है कि क्या आप अपने जीवन के कई साल अस्पष्टता में बिता सकते हैं, इस बात का कड़वा अफसोस कि आपके काम ने जनता पर उचित प्रभाव नहीं डाला। आखिरकार, रंगों का पूरा खेल, रेखाओं की स्पष्टता, कला के काम में शैली की निरंतरता केवल एक ही उद्देश्य से बनाई गई है - दुनिया को हिलाकर रखना और खुद को व्यक्त करना।

भविष्य के कलाकारों, डिजाइनरों, वास्तुकारों के लिए व्यावसायिक संभावनाएं भ्रामक हैं। उनके काम की लागत बहुत भिन्न हो सकती है - सब कुछ मकर और चंचल परी भाग्य पर निर्भर करेगा। दक्षता, आज ग्राहक के साथ एक आम भाषा खोजने की क्षमता कम महत्वपूर्ण पेशेवर गुण नहीं हैं।

कला विश्वविद्यालय में प्रवेश की तैयारी

राजधानी में कला विश्वविद्यालयों की सूची बहुत लंबी नहीं है, लेकिन उनकी दीवारों के भीतर शिक्षा प्राप्त करना पूरी दुनिया में प्रतिष्ठित माना जाता है। उनमें शिक्षण का उच्च स्तर इन शिक्षण संस्थानों के संस्थापक पिताओं द्वारा निर्धारित किया गया था। इनमें मॉस्को स्टेट एकेडमिक आर्ट इंस्टीट्यूट का नाम वी.आई. सुरिकोव के नाम पर रखा गया है, मॉस्को आर्ट एंड इंडस्ट्री यूनिवर्सिटी का नाम वी.आई. एस जी स्ट्रोगनोवा, रूसी चित्रकला अकादमी, मूर्तिकला और वास्तुकला, अखिल रूसी राज्य सिनेमैटोग्राफी संस्थान। एस ए गेरासिमोवा और मॉस्को स्टेट पेडागोगिकल यूनिवर्सिटी के ग्राफिक कला विभाग। बिना असफल हुए, सेंट पीटर्सबर्ग स्टेट एकेडमिक इंस्टीट्यूट ऑफ पेंटिंग, स्कल्पचर एंड आर्किटेक्चर का उल्लेख करना आवश्यक है। I. E. Repin - सदियों पुरानी परंपराओं वाले इस विश्वविद्यालय की स्थापना 18 वीं शताब्दी के मध्य में महारानी एलिजाबेथ पेत्रोव्ना के संरक्षण में हुई थी। उस समय के चार्टर के अनुसार, उन्होंने वहां 15 वर्षों तक अध्ययन किया। आज, शिक्षा प्राप्त करने के लिए आधिकारिक शब्द कम कर दिया गया है, लेकिन एक छात्र बनने के लिए, एक आवेदक को सचमुच प्रवेश के लिए तैयारी करने में वर्षों का खर्च करना होगा।

इनमें से प्रत्येक विश्वविद्यालय का अपना कला विद्यालय या प्रारंभिक पाठ्यक्रम है। उनमें शिक्षा और प्रशिक्षण में कई महीनों से लेकर दो साल तक का समय लगता है। हालांकि, यह आरक्षण करने लायक है कि आधिकारिक तौर पर कोई भी प्रवेश के लिए स्नातक की गारंटी नहीं देता है। इसके अलावा, सुरिकोव संस्थान में प्रारंभिक पाठ्यक्रमों में, शिक्षकों ने स्पष्ट रूप से चेतावनी दी है कि "अपने स्वयं के" के लिए कोई रियायत की उम्मीद नहीं की जाएगी - हर कोई एक सामान्य आधार पर प्रवेश करता है। तैयारी कक्षाओं, एक नियम के रूप में, भुगतान किया जाता है, इस तथ्य का उल्लेख नहीं करने के लिए कि आवेदक को खुद को सहायक सामग्री - पेंट, ब्रश, पेंसिल, कागज, स्ट्रेचर, कैनवस प्रदान करना है ... कीमत अलग हो सकती है: एक ट्यूब के लिए पेंट, उदाहरण के लिए, - 10 से 1000 रूबल तक एक सबफ़्रेम की लागत कम से कम 2000 रूबल है।

इसके अलावा, एक कला विश्वविद्यालय में प्रवेश करते समय, एक सूक्ष्मता को ध्यान में रखना बहुत महत्वपूर्ण है: आवेदनों को पार्स करते समय, उन आवेदकों को सबसे बड़ी वरीयता दी जाती है, जिन्होंने या तो विशेष कला विद्यालयों से स्नातक की उपाधि प्राप्त की है (उदाहरण के लिए, बच्चों के कला विद्यालय नंबर 1 नामित प्रीचिस्टेन्का पर वी। ए। सेरोव के बाद, रूसी कला अकादमी के मास्को अकादमिक कला गीत), या कला विद्यालयों में माध्यमिक व्यावसायिक शिक्षा है (मॉस्को स्टेट एकेडमिक आर्ट स्कूल इन मेमोरी ऑफ़ 1905 या मॉस्को आर्ट स्कूल (कॉलेज) ऑफ एप्लाइड आर्ट्स)। ऐसा इसलिए किया जाता है क्योंकि इस तरह की उच्च शिक्षा यादृच्छिक लोगों को बर्दाश्त नहीं करती है, जो अचानक कलाकार, पुनर्स्थापक या आर्किटेक्ट बनने की तीव्र इच्छा रखते हैं। आवेदकों के बीच प्रतिस्पर्धा काफी कठिन है, और सर्वश्रेष्ठ में से सर्वश्रेष्ठ को स्वीकार किया जाना चाहिए, इसलिए अपनी क्षमताओं को ध्यान में रखते हुए अग्रिम में प्रवेश की योजना बनाना आवश्यक है।

विशेष परीक्षा

सबसे पहले, आपको यह तय करना चाहिए कि आप अपने रचनात्मक आवेगों को किस दिशा में लागू करना चाहते हैं। एक कलाकार के पेशे में कई किस्में होती हैं, उदाहरण के लिए, एक चित्रकार, एक पुनर्स्थापक, एक थिएटर कलाकार। एक कला विश्वविद्यालय में प्राप्त की जा सकने वाली विशिष्टताओं में मूर्तिकार, वास्तुकार, कला समीक्षक, कला शिक्षक, फीचर फिल्म कलाकार, कॉस्ट्यूम फिल्म डिजाइनर, एनीमेशन फिल्म और कंप्यूटर ग्राफिक्स कलाकार शामिल हैं। और प्रवेश पर आपसे पहली बात यह पूछी जाएगी कि चुने हुए पथ के अनुसार पूर्वावलोकन के लिए रचनात्मक कार्य प्रदान किया जाए। एक नियम के रूप में, ये चित्र हैं: एक व्यक्ति का चित्र और एक चित्र, पेंटिंग - हाथों से एक चित्र, रचनाएँ। इस चयन को पास करने वालों को प्रवेश परीक्षाओं में प्रवेश दिया जाता है। विशेषता में परीक्षा कई दिनों तक कार्यशालाओं (सिटर्स की भागीदारी के साथ) में आयोजित की जाती है। विशेष वस्तुओं में शामिल हैं:

• ड्राइंग (दो कार्य): एक चित्र और एक खड़ी नग्न आकृति (एक ग्रेफाइट पेंसिल के साथ कागज पर); कागज सीधे मौके पर जारी किया जाता है या आवेदक स्वयं का उपयोग करता है, चयन समिति की मुहर के साथ चिह्नित;
• पेंटिंग: बैठे हुए सिटर के हाथों से एक चित्र (कैनवास पर ऑइल पेंट्स या टेम्परा, गौचे, वॉटरकलर के साथ - ग्राफिक फैकल्टी में प्रवेश पर); कैनवास बड़े आकार में 70 सेमी तक, आवेदक को अपने साथ लाना होगा;
• रचना: किसी दिए गए विषय पर काम किसी भी तकनीक में हो सकता है।

फिर परीक्षा के प्रश्नपत्रों की समीक्षा की जाती है और अंक दिए जाते हैं। यदि अंकों की संख्या प्रतियोगिता में उत्तीर्ण होने के लिए पर्याप्त है, तो आपके पास किसी दिए गए विषय, इतिहास (मौखिक), रूसी कलात्मक संस्कृति का इतिहास और कुछ मामलों में, एक विदेशी भाषा पर एक निबंध होगा। यदि, फिर भी, पूर्णकालिक विभाग में नामांकन करना संभव नहीं था, तो भुगतान किए गए विभाग आपकी सेवा में हैं, अध्ययन की औसत लागत जिसमें कभी-कभी $ 4,500-5,000 तक पहुंच जाती है।

विश्वविद्यालय के पते

मॉस्को स्टेट एकेडमिक आर्ट इंस्टीट्यूट का नाम वी। आई। सुरिकोव के नाम पर रखा गया: पेंटिंग, मूर्तिकला, ललित कला के सिद्धांत के संकाय; मास्को, Tovarishchesky प्रति।, 30 (मेट्रो स्टेशन "टैगन्सकाया", "मार्क्सिस्टस्काया");

ग्राफिक्स, वास्तुकला के संकाय: मॉस्को, लव्रुशिंस्की प्रति।, 15 (ट्रेटीकोव गैलरी के प्रवेश द्वार के सामने की इमारत, मेट्रो स्टेशन "नोवोकुज़नेत्सकाया", "ट्रीटीकोवस्काया")।

मास्को कला-औद्योगिक विश्वविद्यालय। एस जी स्ट्रोगनोव: मॉस्को, वोलोकोलाम्सको श।, 9 (मेट्रो स्टेशन "सोकोल")।

पेंटिंग, मूर्तिकला और वास्तुकला की रूसी अकादमी: मॉस्को, सेंट। Myasnitskaya, 21 (मेट्रो स्टेशन "चिस्टे प्रूडी"); कामर्जर्स्की प्रति।, 2 (मेट्रो स्टेशन "ओखोटी रियाद")।

सिनेमैटोग्राफी के अखिल रूसी राज्य संस्थान। एस ए गेरासिमोवा: मॉस्को, सेंट। विल्हेम पिक, 3 (मेट्रो स्टेशन "बॉटनिकल गार्डन")।

सेंट पीटर्सबर्ग स्टेट एकेडमिक इंस्टीट्यूट ऑफ पेंटिंग, स्कल्पचर एंड आर्किटेक्चर का नाम आई। ई। रेपिन के नाम पर रखा गया: सेंट पीटर्सबर्ग, यूनिवर्सिट्स्काया नाब।, 17 (मेट्रो स्टेशन "वासिलोस्ट्रोव्स्काया")।

वास्तुकला और कला विश्वविद्यालयों की रैंकिंग

रूसी संघ के शिक्षा और विज्ञान मंत्रालय ने उनकी गतिविधियों के परिणामों के आधार पर उच्च शिक्षण संस्थानों की रेटिंग को मंजूरी दी। विश्वविद्यालयों और विशिष्टताओं की रैंकिंग निर्धारित करने के लिए डेटा का संग्रह 2004 के शैक्षणिक वर्ष के मध्य से किया गया है।

रेटिंग का निर्धारण करते समय, कई मापदंडों को ध्यान में रखा गया था: शिक्षण कर्मचारियों की गुणवत्ता, शिक्षा के विभिन्न रूपों के छात्रों की संख्या, अन्य देशों के छात्रों की उपस्थिति; वैज्ञानिक अनुसंधान की मात्रा, प्रकाशन, छात्रों को छात्रावास, औषधालय आदि प्रदान करना।

जगह	विश्वविद्यालय का नाम
1	मास्को वास्तुकला संस्थान (राज्य अकादमी)
2	मॉस्को स्टेट यूनिवर्सिटी ऑफ़ आर्ट एंड इंडस्ट्री
3	यूराल स्टेट एकेडमी ऑफ आर्किटेक्चर एंड आर्ट (येकातेरिनबर्ग)
4	सेंट पीटर्सबर्ग स्टेट एकेडमी ऑफ आर्ट एंड इंडस्ट्री
5	नोवोसिबिर्स्क स्टेट एकेडमी ऑफ आर्किटेक्चर एंड आर्ट
6	रोस्तोव स्टेट एकेडमी ऑफ आर्किटेक्चर एंड आर्ट
7	क्रास्नोयार्स्क राज्य कला संस्थान