Das Material wurde von Anna Pashina vorbereitet

Eine willkommene Tatsache: Die Kunstszene und die kreative Klasse gibt es in Russland. Die Zahl der öffentlichen und privaten Bildungseinrichtungen, die Künstler, Kuratoren, Kunstkritiker, Grafiker und andere Vertreter „freier“ Berufe absolvieren, wächst von Jahr zu Jahr. Eine traurige Tatsache: Nach einer hervorragenden Ausbildung und einem leichten Verständnis für philosophische Konzepte, klassische und zeitgenössische Kunst stehen Absolventen vor dem Problem, ihr Wissen und Können in der Praxis anzuwenden. Wo bekommt man Kunstunterricht in Russland? Wir präsentieren eine Übersicht der besten Bildungseinrichtungen – akademisch und auf zeitgenössische Kunst ausgerichtet.

Akademische Ausbildung

Eine der führenden und ältesten Kunstuniversitäten Russlands. Fakultäten: Malerei, Grafik, Bildhauerei, Architektur, Theorie und Kunstgeschichte.

Führt seine Geschichte ab 1757 als Nachfolgerin der Kaiserlichen Akademie der Künste. Fakultäten: Malerei, Grafik, Bildhauerei, Architektur, Theorie und Geschichte der bildenden Künste.

Sie bildet Künstler in 5 Fachrichtungen und 17 Fachrichtungen aus: Gestaltung von Innenräumen und Möbeln, Entwicklung von Dekorations- und Möbelstoffen, Ausbildung von Spezialisten in verschiedenen Bereichen des Designs, Historikern und Kunsttheoretikern, Künstlern für Monumentalmalerei und Bildhauern, Künstlern für Metall-, Keramik- und Glasprodukte, Restauratoren von Monumentalmalerei, Möbeln und Kunstmetall.

Sie entstand 2015 durch die Zusammenlegung zweier Fakultäten: Kunst und Grafik sowie Musik.

Es wurde 1987 gegründet. Rektor Ilya Glazunov sieht seine Hauptaufgabe in der Wiederbelebung des Realismus in der Kunst.

Bildungsprogramme: Malerei, Grafik, Gestaltung der architektonischen Umgebung, Kunsttheorie und -geschichte, Design, Bildende Kunst und Kunsthandwerk, Restaurierung.

Moderne Kunst

Die erste in Russland (1991) gegründete Institution im Bereich der zeitgenössischen Kunst.

Gründerkünstler Anatoly Osmolovsky formuliert seine Aufgabe wie folgt: „Nicht so sehr Wissen in einem verfremdeten Modus zu vermitteln, sondern ein kreatives Umfeld zu schaffen.“

Sie bildet zeitgenössische Künstler, Profis im Bereich Fotografie und Multimedia in folgenden Bereichen aus: Dokumentarfotografie, künstlerische Fotografie, Videokunst und Multimedia.

Das Bildungszentrum des Moskauer Museums für Moderne Kunst, das für junge Künstler und Kuratoren geschaffen wurde, die im Bereich der zeitgenössischen Kunst zu arbeiten beginnen.

Ziel der Schule ist es, das kreative Potenzial und das kritische Denken junger Künstler zu entwickeln, ein Feld für ihre professionelle Kommunikation zu schaffen und neue Projekte zu unterstützen. Die Ausbildung dauert eineinhalb Jahre

Ein zweijähriges Programm zur Ausbildung von Kuratoren.

Künstler der „Woronesch-Welle“ sind ein bemerkenswertes Phänomen in der russischen Kunstszene. Eines der aktivsten regionalen Zentren in der Entwicklung zeitgenössischer Kunst.

Angewandte Bildung und DPI

Der berühmte Brite bildet Spezialisten im Bereich Design aus.

Niederlassungen - in Moskau und St. Petersburg. Das Institut bildet Fachkräfte im Bereich des Kunsthandwerks aus.

Zusatzausbildung - Kurse, Vorträge

Kurse in der Geschichte der klassischen und zeitgenössischen Kunst, der Geschichte des Kinos sowie der Kunstpraxis und des Kunstmanagements.

Die Besonderheit der Studiengänge liegt in der Verbindung von Theorie und Praxis.

Vorträge zur in- und ausländischen zeitgenössischen Kunst sowie zu interdisziplinären künstlerischen Praktiken.

Bildet Kunsthistoriker, Antiquitätenexperten und Kunstmanager aus.

Die erste Online-Schule für kreatives Management auf Russisch. Sie reden darüber, wie man eine Ausstellung macht, ein Stadtfest, eine Performance, ein Kunstwerk transportiert.

Online-Schule von Anastasia Postrigay mit theoretischen Vorlesungen zur Kunstgeschichte.

Online-Schule für Design und Illustration. Grundlage des Studiengangs ist ein System von Studiengängen in Design, Illustration und verwandten Wissenschaften. Schulkurse sind nicht nur für Designer, Künstler gedacht, sondern auch für diejenigen, die es werden wollen.

Die RMA Business School wurde im Jahr 2000 gegründet und gehört heute zu den führenden Unternehmen im Bereich der Wirtschaftspädagogik in Russland. Die Schule hat ein Programm "Art Management and Gallery Business". Es wird Ihnen helfen, zeitgenössische Kunst und den Kunstmarkt zu verstehen, sich über die Organisation von Ausstellungen und Preise zu informieren, eine Datenbank mit nützlichen Kontakten aufzubauen und Gleichgesinnte zu finden.

ÜBERBLICK ÜBER DIE GESCHICHTE DER REFORM DER "AKADEMISCHEN" KUNSTBILDUNG IN RUSSLAND

Die "Akademische Schule" ist das älteste russische System des professionellen Kunstunterrichts. In zweieinhalb Jahrhunderten fast kontinuierlicher Entwicklung hat die russische "akademische Schule" äußere Formen entwickelt, wobei sie die grundlegenden Grundlagen des "Akademismus" nicht so sehr als stilistische Richtung, sondern als eines der Grundprinzipien des europäischen Systems der Wissenschaft bewahrte Kunstunterricht. Russland entlehnte die „akademische Schule“ von außen, und da sie kein natürliches Produkt des russischen Lebens war, brauchte es beträchtliche Anstrengungen und mehr als ein halbes Jahrhundert, um fremde Traditionen zu adaptieren, bevor sie ein organischer Bestandteil der nationalen Kultur wurden. Als Reaktion auf die Verarmung der Möglichkeiten der handwerklichen, zunftlichen Bildung ist die Entstehung eines „akademischen“ Lehrsystems der bildenden Kunst in Europa um die Mitte des 16. Jahrhunderts zu sehen. Das Kennzeichen der "akademischen Schule" war der Wunsch, idealerweise einheitliche Bildungsprogramme zu entwickeln, die ihrem Wesen nach lehren und in Bezug auf die Verdienste oder Nachteile der Lehrer, die sie anwenden, ziemlich autonom sind. Natürlich ist die Pädagogik auf dem Gebiet der Künste ihrem Wesen nach dazu verdammt, „autorenhaft“ zu sein, und ihre Ergebnisse hängen weitgehend von der kreativen Selbstgenügsamkeit des Lehrers ab. Die eigentliche „akademische Schule“ schließt den „Autoren“-Anfang ein. Die Grundprinzipien des Akademismus sind auf Entfaltung in langer historischer Perspektive angelegt, im Gegensatz zu den erklärten hellen „Autoren“-Schulen, die meist schon in der zweiten Generation ihrer Anhänger unterdrückt werden.

Kunstakademien – als eine aus der italienischen Renaissance geborene Idee und von ihr geerbte Auseinandersetzung – was soll Kunst widerspiegeln oder was soll Kunst nachahmen? Natur oder Klassik, ausgesucht und bewusst als signifikante Muster. Diese Streitfragen stehen in direktem Zusammenhang mit den Methoden des Kunstunterrichts, und die unterschiedlichen Antworten verleihen bestimmten Bereichen der "akademischen" Schule eine besondere Bedeutung. Es sind diese Unterschiede, die den beiden russischen akademischen Traditionen – „Petersburg“ und „Moskau“ – zugrunde liegen, aus deren fruchtbarer Kooperation und Rivalität die Vielfalt der russischen visuellen Kultur in den letzten anderthalb Jahrhunderten entstanden ist.

Die Traditionsverehrung ist den Gattungsmerkmalen der „akademischen Schule“ zuzuordnen. Darin ist sie der Grundlagenwissenschaft verwandt. Die Geschichte zeigt, dass Russland für die Entwicklung grundlegender Trends in Wissenschaft und Kunst prädisponiert ist, mit einigen Beeinträchtigungen der praktischen Anwendbarkeit. Und dieses Merkmal sollte anscheinend als die Mentalität der russischen Zivilisation betrachtet werden, als unser Beitrag zum globalen Gleichklang der Kulturen. Der Prozess der Traditionsbildung und Traditionsakkumulation an der Kunsthochschule ist in sich widersprüchlich. Einerseits kommuniziert die Schule mit der Vergangenheit, trennt ihre Erfahrungen, verbreitet ihre Verdienste, andererseits muss sie sich angemessen auf die Realität beziehen, Entwicklungstrends aufdecken und ihre zukünftige Relevanz für die Zeit vorhersagen. Dadurch soll die Kunsthochschule sowohl Stabilität als auch Entwicklung bieten. Innerhalb einer einzigen natürlichen Schule können sich unterschiedliche Tendenzen manifestieren, die von fruchtbarem Konservativismus und Traditionalismus als Grundlage für die Erhaltung der Berufskultur bis hin zu "revolutionären" Reaktionen auf die Trends des zeitgenössischen Standes der bildenden Kunst reichen. Zu den natürlichen Eigenschaften der „akademischen Schule“ gehört ihre „Langsamkeit“ gegenüber dem Augenblicklichen. In diesem Sinne ist die "akademische Schule" in Bezug auf die von außen kommenden Trends fruchtbar konservativ, um das Lernen mit der Schnelligkeit der Änderungen von Trends und Trends in der Kunst zu synchronisieren. Die Geschichte der russischen "akademischen Schule" reicht offiziell bis ins Jahr 1757 zurück. Die Akademie, die an der Moskauer Universität eröffnet und ein Jahr später nach St. Petersburg verlegt wurde, wurde einhundertfünfzig bis hundert Jahre später als die Akademien in Italien, Frankreich, Deutschland und fast gleichzeitig mit den Akademien in London und Madrid gegründet. Die Französische Akademie diente St. Petersburg in vielerlei Hinsicht als Vorbild. Natürlich hatte die Akademie der Künste in Russland Vorgänger in Sachen staatlicher Kunstausbildung - die Waffenkammer, das St. Petersburger Waffenamt, das Bauamt, die Kunstabteilung der Akademie der Wissenschaften.

Aber die Einladung drittklassiger westlicher Künstler-Lehrer nach Russland und die kleine Zahl russischer Studenten im Ruhestand konnten die Situation auf nationaler Ebene nicht schnell ändern. Tatsächlich setzt sich noch vor dem dritten Viertel des 18. Jahrhunderts die volle Entfaltung der Ikonentradition fort, es gibt eine Parsuna als Zwischenbildform.
Tatsächlich beginnt die eigentliche Strukturierung der Akademie der Künste nicht mit einem Dekret über ihre Gründung, sondern mit der Einführung der Charta von 1764 („Privileg und Charta der Kaiserlichen Akademie der drei edelsten Künste, Malerei, Bildhauerei und Architektur , mit einer pädagogischen Schule an dieser Akademie“). Strukturell besteht die Akademie aus der Pädagogischen Schule, allgemeinen und speziellen Klassen. Kinder „nicht älter als“ fünf oder sechs Jahre alt, griechischer Religion, jeden Ranges, außer Leibeigenen, wurden in die Pädagogische Schule aufgenommen. Die Pädagogische Schule war eine Art allgemeinbildende Schule mit künstlerischer Ausrichtung. Die Zeit für das Bestehen des akademischen Kurses wurde auf fünfzehn Jahre festgelegt und in fünf Altersstufen unterteilt, von denen die ersten drei Altersstufen die Pädagogische Schule und die letzten beiden die Akademie selbst bildeten. Der Nachteil des zu schaffenden Systems ist das frühe Alter der Schüler, die zu einer unbewussten Berufswahl verurteilt sind.

Forscher der Geschichte der Akademie stellen fest, dass eine neue Periode ihrer Gründung mit der Eröffnung der Zeichenschule für Freigänger verschiedener Ränge im Jahr 1798 verbunden ist. Tatsächlich beginnt aus dieser Zeit eine vorläufige bewusste Vorbereitung, die eine Generation von Künstlern hervorbrachte, die in die Geschichte der russischen Kunst eintraten. Die Ideen, die die Gründer der Akademie I.I. Shuvalov und I.I. Betsky wies der "Bildung" eine bedeutende Rolle zu (als Zeichen über den vier Portalen des Hofes der Akademie der Künste wurden sie geschnitzt - "Malerei", "Skulptur", "Architektur", "Bildung"), was angenommen wurde die Entwicklung eines großen Zyklus von "Wissenschaften".

Der Beginn der Regierungszeit von Alexander I. war geprägt von umfassenden Plänen zur Umstrukturierung des Staates, einschließlich des Kulturverwaltungssystems. Die Akademien schlugen vor, die Studienzeit aufzugeben und die Dauer des Studiums von den Fortschritten bei der Bewältigung streng nominierter Aufgaben abhängig zu machen. Es gab eine Tendenz, die gesamte allgemeine Bildungslast auf die Pädagogische Schule zu übertragen und die älteren Altersgruppen für eine Beschäftigung in einem Fachgebiet freizustellen.
Die Akademie verband die Ausbildung nicht nur auf dem Gebiet der "drei edelsten Künste" - Malerei, Bildhauerei und Architektur, sondern erbte von ihren Vorgängern auch die Ausbildung von Künstlern und Handwerkern in anderen Bereichen, hauptsächlich in der künstlerischen und handwerklichen Richtung. Nach und nach spezialisiert sich die Akademie, konzentriert sich auf die "klassischen" Künste, verweigert sich der Nicht-Kernbildung.

Ein wichtiger Bestandteil der "akademischen Schule" war die Institution der "Rentner", wenn man sie in die moderne Terminologie übersetzt - das System der "postgradualen Ausbildung". Seit dem Ende des 18. Jahrhunderts ist die Pensionierung für die Begabtesten praktisch zur direkten Fortsetzung des akademischen Studiums geworden (manchmal bis zu einem Drittel der Gesamtleistung). Der Ruhestand trug zur weiteren Verbesserung bei, bildete zukünftige Lehrer aus, half bei der Arbeitssuche und manchmal sogar beim Erwerb eines akademischen Titels. Für einen Zeitraum von drei Jahren konnte ein Rentner das Programm für die Big Gold Medal absolvieren und erhielt im Falle einer hohen Punktzahl das Recht, ins Ausland zu reisen.
Die Reform von 1830 zielte darauf ab, die Akademie der Künste zu einer rein spezialisierten Bildungsanstalt zu machen.

Der Anachronismus einer eng spezialisierten Schule, die Verleugnung der bisherigen Erfahrung, ein Gleichgewicht zwischen allgemeinen humanitären und sonderpädagogischen Zyklen zu finden, wurden durch die Reform von 1859 überwunden. 19 Jahre lang, als die Akademie eine rein professionelle Schule war, kamen gut ausgebildete Maler, Bildhauer und Architekten aus ihren Mauern. In all den Jahren gab es Streitigkeiten zwischen führenden Künstlern und Pädagogen über die Bedeutung des Studiums der freien Künste. Zum Beispiel I.K. Aivazovsky stand dem Verlauf der allgemeinbildenden Fächer innerhalb der Akademiemauern äußerst ablehnend gegenüber und vertrat eine engstirnige Berufsschule. Und er war mit seiner Meinung nicht allein. Und doch war die Mehrheit der Ratsmitglieder geneigt, den Unterricht der sich entwickelnden allgemeinbildenden Disziplinen wiederherzustellen. Die Reform von 1859 führte nicht nur den allgemeinen Bildungszyklus wieder ein, sondern stellte die primäre, ursprünglich festgelegte oberste Idee der Akademie wieder her, die den Vorrang der Ausbildung der zur freien Kreativität befähigten Künstler vor dem absolut obligatorischen Handwerk bekräftigte Die höchste Bedeutung dieses Konzepts ist die Ausbildung. Dieser Streit scheint nur einfach und vorbei. Tatsächlich löst jede Neuordnung der "akademischen" Schule (z. B. die moderne Entwicklung staatlicher Bildungsstandards) notwendigerweise die Frage nach dem professionellen Verhältnis zwischen den Zyklen der allgemeinen Geisteswissenschaften und der speziellen Disziplinen.

Das Drama der Situation lag darin, dass aus den Mauern der Akademie Künstler hervorgingen, die die Vorzüge des Systems, das sie formte, in Frage stellten. Äußerlich nahm der Konflikt Gestalt an in der Auseinandersetzung zwischen der Akademie und dem Verband der Wanderausstellungen. Auf der ideellen Ebene behaupteten die „Wanderers“ und ihre Ideologen das Primat der sozial orientierten Genremalerei. . Für einen außenstehenden Beobachter ist es ziemlich schwierig, die Natur des allzu ideologisierten Streits zwischen der „alten“ Akademie und den „Wanderern“ zu verstehen. Seine Schärfe ist sowohl mit der Geburt einer echten Intelligenz, die zunächst keinerlei staatliche Struktur akzeptiert, als auch mit dem Generationswechsel in der Kunst verbunden.

1833 wurde zur "Erziehung des öffentlichen Geschmacks" die Moskauer Kunstgesellschaft gegründet, die 1843 die Eröffnung der Moskauer Kunstschule vorbereitete.
Der Unterricht an der Schule beschränkte sich auf Kunstdisziplinen, Anatomie und Perspektive. Erst in der letzten vierten Klasse musste nach der Natur gearbeitet werden. Einen speziellen Kompositionskurs gab es nicht. Es wurde davon ausgegangen, dass die durchschnittliche professionelle, in vielerlei Hinsicht handwerkliche Ausbildung erfolgen würde, und die Ausbildung des Künstlers zum kreativen Menschen das Vorrecht der Akademie blieb. Neben der allgemeinen Ausbildung umfasste das Studium die Spezialisierung auf Porträtmalerei, Landschaftsmalerei und später auf Historien- und Bildhauerei.
Die tatsächliche pädagogische Praxis an der Moskauer Schule unterschied sich von den genehmigten Programmen und basierte auf der Arbeit mit der Natur. Die Art der Ausbildung wurde weitgehend von der persönlichen kreativen und pädagogischen Erfahrung der zum Unterrichten eingeladenen Künstler bestimmt. Die Entstehung der „Moskauer Schule“ ist durch eine stürmische methodologische Kontroverse gekennzeichnet. Die „Moskauer Schule“ zeichnet sich durch Liebe zu kleinen Kunstgattungen, Naturkult und Erfahrungsbetonung aus, wenn auch mit einigen Schäden an akademischer, Petersburger Rationalität, zeichnerischer Festigkeit und kompositorischer Genauigkeit. Die aufkommende Rivalität mit der Akademie, die sich als Teil einer einzigen europäischen Schule verstand, ermöglichte es Ende des 19. Jahrhunderts, von der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur als einer Schule zu sprechen, die die Tendenzen des Ursprünglichen, Nationalen verkörpert Entwicklung.

Aber auch in St. Petersburg gibt es Veränderungen. Die „Wanderers“ kamen im Heiligenschein von Trägheitssiegern und mit einer Verleugnung der vor ihnen gesammelten methodischen Erfahrungen und methodischen Ideen zur Akademie. Das Gesicht der Reform, ihr charakteristisches Merkmal war die Organisation persönlicher Workshops, die von Künstlern geleitet wurden, die für ihre Arbeit bekannt sind. Laut den neuen Lehrern (vor allem I.E. Repin), die sich als führend in der zeitgenössischen Kunst fühlten und aufgrund dieses Umstands die persönliche Erfahrung allzu verabsolutierten, hätte das Hauptaugenmerk auf Kreativworkshops mit ganz anderen methodischen Leitlinien gelegt werden müssen. Seither wird gegen den unternehmerischen Wunsch nach einer einheitlichen Definition von Normen und Kriterien in der Kunstpädagogik verstoßen. Andererseits bot sich die Möglichkeit für vielfältige pädagogische Experimente.
Es wurde viel darüber diskutiert, was und wie man unterrichtet. Hervorzuheben ist noch einmal, dass das wissenschaftliche Prinzip einer einheitlichen Unterrichtsnormativität in Frage gestellt wurde. Professoren-Betreuer haben viele neue und unerwartete Dinge in den Lehrprozess eingebracht. Doch nach kurzer Zeit stellte sich heraus, dass die meisten Neuerungen zu stark urheberrechtlich geschützt sind. Allmählich kehrte der Unterricht zu den klassischen Traditionen zurück. Bei aller Routine der „alten“ Akademie fällt nur wenigen auf, dass das neue, liberalisierte System die endgültige Qualität der Bildung in vielerlei Hinsicht drastisch verändert hat. Die Akademie begann, gleichgroße Künstler hervorzubringen.

1910 wurde die Krise der "Wandernden" Akademie offensichtlich. Zum Beispiel forderte A. Benois den Ausschluss der „Wanderer“ aus der Akademie und die Wiederherstellung der kanonischen Bildung. Die Petersburger Schule, besonders nach dem Weggang des Führers der Reformer, I.E. Repin begann allmählich, zur Entwicklung vereinbarter methodischer Normen zurückzukehren.
Bereits in den zehnten Jahren des zwanzigsten Jahrhunderts kam eine Generation an Kunstschulen, die die Schule als solche leugnete.

Die Veränderungen, die an der Akademie der Künste stattfanden, unterschieden sich im Aussehen von den Veränderungen an der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur. Ende des 19. Jahrhunderts wurde die Autorität der Moskauer Schule mit der Akademie der Künste vergleichbar. Die Rivalität zwischen den beiden Hauptstädten führte zu Spannungen in der russischen Kultur. Die fruchtbare Zusammenarbeit und Rivalität wird auch von ihren modernen Erben der beiden Schulen - den akademischen Institutionen "Repinsky" und "Surikov" - fortgesetzt.

UDC 7.072.2:378

Yu I. Harutyunyan

Kunst und Kunstgeschichte im System der modernen geisteswissenschaftlichen Bildung

Kunst und Kunstgeschichte spielen eine grundlegend wichtige Rolle im System der modernen geisteswissenschaftlichen Bildung. Die Berufung auf die praktische Komponente der Ausbildung, die Erweiterung der methodischen Basis, die Entwicklung der Prinzipien der Beschreibung und Analyse von Denkmälern auf spezifischem empirischem Material ermöglichen es, das erworbene Wissen zu aktualisieren und ein breites Spektrum von Phänomenen der modernen künstlerischen Praxis einzubeziehen das Feld der Kunstkritik. Ein interdisziplinärer Ansatz bei der Gestaltung von Lehrplänen, die Entwicklung von Netzwerkprogrammen und die Entwicklung von Prinzipien des interaktiven Lernens und die Einführung von praktischen Kursen wirken sich auf die Aktivierung der studentischen Arbeit aus, hauptsächlich im Rahmen von kreativen Aufgaben und Projektentwicklungen.

Schlüsselwörter: Kunstgeschichte, Bildungssystem, geisteswissenschaftliche Bildung, moderne visuelle Praktiken, interaktive Lehrmethoden, interdisziplinäre Programme

Julia I. Arutyunyan Kunst und Kunstgeschichte im System der modernen humanitären Bildung

Kunst und Kunstgeschichte spielen im System der modernen liberalen Bildung eine entscheidende Rolle. Die Hinwendung zur praktischen Komponente der Ausbildung, die Erweiterung des methodischen Rahmens, die Entwicklung von Prinzipien der Beschreibung und Analyse von Denkmälern, spezifisches empirisches Material ermöglichen die Aktualisierung des Wissens und die Beschäftigung mit einem breiten Spektrum von Phänomenen der zeitgenössischen Kunst im Bereich der Kunst trainieren. Ein interdisziplinärer Ansatz bei der Entwicklung des Curriculums, die Bildung eines Netzwerks von Programmen und die Entwicklung von Prinzipien des interaktiven Lernens und die Durchführung von praktischen Kursen wirken sich auf die Aktivierung der studentischen Arbeit aus, insbesondere innerhalb der kreativen Aufgaben und Entwicklungsprojekte.

Schlüsselwörter: Kunsthistorische Bildung, Geisteswissenschaften, zeitgenössische bildende Kunstpraxis, interaktive Lehrmethoden, interdisziplinäres Programm

Die Kunstgeschichte sah sich, wie viele andere wissenschaftliche Disziplinen, die Ende des 19. Jahrhunderts entstanden sind und in der ersten Hälfte bis Mitte des 20. Jahrhunderts die wichtigsten methodischen Ansätze entwickelt haben, in der modernen Welt mit einer Reihe von Forschungs- und Bildungsproblemen konfrontiert. Die Änderung des Vektors der Bildungsaktivitäten und die Verlagerung des Fokus von der Disziplin und einem detaillierten Vortragskurs auf den Schüler und einen praktischen Unterricht, der unter Berücksichtigung verschiedener interaktiver Arbeitsmethoden entwickelt wurde, transformieren die traditionellen Prinzipien der Präsentation von Material. „Der Wendepunkt in der heimischen pädagogischen Praxis durch den Übergang zu neuen Bildungsstandards fiel mit einem Durchbruch auf dem Gebiet der Informationstechnologie zusammen, der die Welt veränderte und den Wandel der klassischen Struktur des Vorlesungsbetriebs bewirkte“1. Als Antwort auf die Herausforderungen der Zeit entwickelt die moderne geisteswissenschaftliche Bildung grundlegend neue Strategien in Bezug auf die Bildung und Umsetzung von Bildungsstandards, bietet verschiedene Wege zur Zielerreichung an, entwickelt ein System zur Bewertung von Ergebnissen und ein Schema für die Korrelation von Theorie und Praxis , individuell und universell bei der Lösung der gesetzten Ziele.

Aufgaben. Der integrative Charakter des modernen humanitären Wissens, der auf der Synthese verschiedener Ansätze zur Analyse von Phänomenen basiert, eröffnet neue Möglichkeiten bei der Entwicklung von Lehrmethoden für eine Reihe von Fächern.

Die Traditionen der Kunstpädagogik betrachteten von Anfang an Beschreibung und Analyse als grundlegende Unterrichtsmethode. Die ersten Lehrpläne, die 1936 erstellt wurden, gingen von der breiten Anwendung von Methoden der formalen und vergleichenden Analyse bei der Arbeit mit Denkmälern verschiedener Regionen, Epochen und Stile, verschiedener Arten und Genres der Kunst aus, einschließlich Werken zeitgenössischer Meister und Studentenarbeiten2. Eine solche pädagogische Methode beinhaltet die Lösung des Problems des Analyseobjekts, des Prinzips der Materialauswahl, bewusst und bestimmt durch die Ziele der Bildung, die Wahrnehmung von Analyse und Beschreibung als aufeinander folgende Etappen auf dem Weg zum Verständnis und zur Interpretation des Denkmals. Zweifellos ist es notwendig, in die Essenz der Arbeit mit dem Thema einzudringen, den „thingologischen“ Ansatz, das Bewusstsein für die Einzigartigkeit und Bedeutung des Originals. Bei der Entwicklung eines Analyseschemas, Einbeziehung interaktiver Ansätze und Methoden der "Projekttätigkeit" im Rahmen eines kreativen

Aufgaben ist neben einem starren Kriteriensystem für die Umsetzung von Bildungsarbeit auf hohem wissenschaftlichem Niveau auch die Möglichkeit der Einbindung des gesamten Teams in den Arbeitsprozess und vor allem die Möglichkeit zur Darstellung zu berücksichtigen individuelle gestalterische Fähigkeiten und Leistungen im Studienfach.

Die Reichweite dieses Ansatzes, der von Lehrenden und Lernenden ein verantwortungsvolles Verständnis für die Bedeutung des Originals, den Wunsch nach Erweiterung des Spektrums wissenschaftlicher Herangehensweisen, Selbständigkeit auf der Grundlage moderner interaktiver Technologien in der Bildung und interdisziplinäre Analysemethoden erfordert, umfasst Phänomene im Bereich der traditionellen und Volkskunst, die derzeit ihre spezifische Nische im Hochschulsystem einnehmen. Die klassische Kunst gilt seit der Antike als Grundlage der Ausbildung sowohl für den studierenden Theoretiker als auch für den Künstler, aber die Berufung in der pädagogischen Praxis der Kunstgeschichte auf die wissenschaftliche Entwicklung der Volkskunst ist ein modernes Phänomen, das Reflexion und Entwicklung erfordert Methodik. Volkskunst als Disziplin im Lehrplan beinhaltet die Bildung einer bestimmten Grundlage für die Beherrschung des Materials, das Verständnis seiner Grundlagen, die Problematik eines integrierten Ansatzes und interdisziplinäre Methoden zur Untersuchung von Denkmälern dieser Art im Rahmen des vorgeschlagenen Studiengangs Vordergrund. Hinzuzufügen ist, dass das Verständnis von Kunst als Handwerk und „exakter Wissenschaft“ seit Leonardo da Vinci nicht ohne Grund als die effektivste Alternative im Prozess des Lernens und Verstehens des Phänomens Kunst und der theoretischen Bildung wahrgenommen wird die Idee: „Die Malerei ist eine Wissenschaft und die legitime Tochter der Natur“3, bleibt der traditionelle Ansatz in zahlreichen Kunstakademien, in denen sich das Kunsthandwerk entwickelte und die Volkskunst untersucht wurde (vor allem im Hinblick auf die historische Authentizität von Kostümen und Gebrauchsgegenständen) 4.

Auch die Deutung von Einflüssen und die Zitierung der „Quelle“, die durchdachte Ansätze zur Analyse der Deutungsprinzipien erfordert, kann im Rahmen der zu untersuchenden Problemstellung sowohl in Bezug auf die Arbeit mit der Kunst der Klassik als auch betroffen sein mit Volkstradition und aktuellen künstlerischen Praktiken5. Im Lehrplan muss den Kursen, die sich sowohl den theoretischen Aspekten der Forschung, den Methoden der Materialbearbeitung, den Prinzipien der Beschreibung und Analyse von Phänomenen als auch der Volkskunst widmen, ein besonderer Platz eingeräumt werden. Besonderes Augenmerk sollte auf die Frage des Verhältnisses der verwendeten traditionellen Analysemethoden gelegt werden

in der Kunstgeschichte und den charakteristischen Merkmalen der nichtklassischen Kunst, die die Lösung bestimmter Probleme erfordern, die mit der Bildung einer Reihe von Ansätzen zur Interpretation sowohl eines einzelnen Werks als auch einer Gruppe von Denkmälern verbunden sind, werden interdisziplinäre Forschungsprinzipien in solchen Fällen relevant ein Kontext.

Die Problematik des „Visuellen und Virtuellen“ spiegelt sich in den Wahrnehmungs- und Deutungsmustern des Denkmals wider, hier akut wird die Arbeit des Lehrers im Rahmen der pädagogischen Praxis, wo die Mittel der Reproduktion und die Möglichkeit der Einführung einer bildlichen Bandbreite von grundlegender Bedeutung sind sowohl für den Vorlesungs- und interaktiven Unterricht als auch für die eigenständige Arbeit der Studierenden. Die Illusion der „Zugänglichkeit“ eines Kunstwerks unter Berücksichtigung moderner Kommunikationsmittel und technischer Möglichkeiten der Reproduktion darf die Einstellung zum Original, einem Unikat, also in diesem Zusammenhang einem museal ausgestellten Werk, nicht beeinträchtigen oder Galerie eine solche Bedeutung erlangt. Das Problem von "Denkmal" und "Original" sollte auf der Ebene der Organisation des Bildungsprozesses gelöst werden, der Schüler muss sich des Wertes des Denkmals, der Grenze zwischen dem realen Objekt und seinem Bild usw. bewusst sein.6 Das Problem der "technischen Reproduzierbarkeit"7 in der Organisation des Bildungsprozesses wird wichtig, wenn nicht entscheidend, weil die Erfahrung des Betrachters in einem Museum anders ist als die Arbeit mit irgendeiner Art von reproduziertem Bild. Die Erfahrung des direkten Architekturstudiums kann sich nicht nur auf die Denkmäler selbst erstrecken, sondern auch auf Architekturgrafik, Buchillustration, Architektur in Szenografie, Kunsthandwerk und Kostüm; Interessant ist auch das Phänomen der „Bildschirmarchitektur“8 im 21. Jahrhundert. die Strukturen selbst werden oft zu Projektionsflächen und fungieren als Element der Installation.

Die moderne Bildung konzentriert sich auch auf Methoden des Fernunterrichts, bei denen das Problem des Verhältnisses von Theorie und Praxis durch die Entwicklung praktischer Aufgaben, interaktiver Ansätze und neuer Methoden der selbstständigen Arbeit der Schüler gelöst werden soll. Natürlich erweitert das Fernstudium die Möglichkeiten, aber es bedarf einer durchdachten Organisation, einer sehr komplexen fachlichen und methodischen Unterstützung. Sowohl in der Architektur als auch in den bildenden und dekorativen Künsten können gestalterisch-praktische Aufgabenstellungen im Rahmen der stilistischen Problematik gelöst werden. Die Analyse des Denkmals

Yu I. Harutyunyan

gilt als Grundlage der praktischen Arbeit eines Kunstkritikers.

Die Problematik der Praxiskomponente in der modernen geisteswissenschaftlichen Ausbildung wurde in den letzten Jahren aktiv diskutiert, im Rahmen von Tagungen und Publikationen aufgegriffen, im Rahmen der Transformation von Anforderungen an die Ergebnisse von Masterstudiengängen und den Erwerb bestimmter Kompetenzen (FSES (3 +)). Die Besonderheiten der Ausbildung zum Kunstkritiker im Rahmen des dreistufigen Ausbildungssystems bestehen zunächst in der Notwendigkeit, die spezifischen Anforderungen an einen Absolventen der jeweiligen Ausbildungsstufe (Bachelor, Master, Postgraduierter) zu verstehen. . Das berufliche Tätigkeitsfeld eines Kunsthistorikers hat sich in den letzten Jahrzehnten stark erweitert, jedoch sind auch die Anforderungen an Professionalität, den Besitz einer ganzen Reihe beruflicher Fähigkeiten sowie die Fähigkeit, zu lernen und sich schnell die erforderlichen Kenntnisse anzueignen, komplizierter geworden. Die praktische Kunstgeschichte als Ausweg aus den Problemen von Forschung, Lehre, Museumsarbeit und Restaurierung erfordert neue theoretische und methodische Zugänge. Das moderne Bildungssystem steht vor der Frage, den praktischen Teil des Studiums in der pädagogischen Tätigkeit des Lehrers, in der Organisation des Lernprozesses und in der Durchführung von Praktika zu erweitern. In einem solchen Zusammenhang werden Stellenwert und Rolle der angewandten Maturität hervorgehoben, die Entwicklung interdisziplinärer Studiengänge notwendig, die Beachtung des Prinzips der Stufenfolge der Ausbildung, die Frage nach dem Zusammenwirken von akademischen und angewandten Bildungsformen gestellt. Problematisch bleibt, dass die in der jüngeren Vergangenheit vorhandene strikte Abgrenzung von Fachrichtungen die Frage nach dem Verhältnis von Studienrichtung (Diplom-Fachrichtung, Grundausbildung) und Arbeitsort aufwirft, was dem aktuellen Trend nicht vollständig Rechnung trägt in post-nicht-klassischer Wissenschaft, die sich auf Synthese und interdisziplinäre Ansätze konzentriert. Aus der Wandlung der Anforderungen an einen Absolventen ergibt sich zwangsläufig eine Erweiterung der praktischen Fähigkeiten des Studierenden, eine Orientierung an der wissenschaftlichen Erarbeitung der Problemstellung nicht nur für einen Studierenden in der Graduiertenschule, sondern auch für ein Bachelor- und Masterstudium, eine Veränderung in die Grundlage des praktischen Unterrichts, der Bedarf an angewandten Fähigkeiten und allgemeinen Fähigkeiten (in Dokumenten sind sie normalerweise formuliert als Fähigkeit, Entscheidungen im beruflichen Bereich zu treffen, Informationsverarbeitung, Analyse und Systematisierung des Materials).

Kunstgeschichte kann nicht nur als spezifisches Studiengebiet und als Disziplin fungieren, sondern auch als eine Art Bildungskriterium, ein Balken, Allgemeinwissen, das es ermöglicht, sich in der Kultur der Vergangenheit und Gegenwart zurechtzufinden, berufskompetent zu machen Entscheidungen treffen, Informationen besitzen, die Vektoren der Gesellschaftsentwicklung verstehen, sozial angepasst und qualifizierter Spezialist sein. Der Platz der Kunst im System der modernen geisteswissenschaftlichen Bildung kann natürlich erweitert werden, indem sie Studenten anderer Bereiche in ihren Einflussbereich einbezieht, der „Kompetenz ^-Ansatz“ erschöpft jedoch nicht die Gesamtheit der Anforderungen an eine fachlich kompetente Fachkraft die auf dem Arbeitsmarkt leicht Anwendung finden können. Lehrmethoden, insbesondere interaktive Technologien, das Prinzip der Kontinuität, das Wesen und die Bedeutung der unabhängigen Arbeit, die Organisation von Praktiken und ihr Platz im Bildungsprozess, das Kennenlernen der Prinzipien der beruflichen Tätigkeit, die Kunstgeschichte auf die Ebene allgemeiner Disziplinen stellen, deren Entwicklung zum beruflichen Wachstum jedes Absolventen beitragen kann. Die Kunstgeschichte kann auch im System der Zusatzausbildung bestehen.

Kunstkritik spielt eine besondere Rolle im System interdisziplinärer Ansätze, sie ist eine universelle Methode, um die Arbeit des Studenten zu aktivieren, seine ästhetischen Ansichten, Fähigkeiten und Interessen, Kreativität und Aktivität in unabhängiger Aktivität zu entwickeln. Die Entwicklung solcher Disziplinen, wenn das Material durchdacht organisiert und den Studenten erfolgreich präsentiert wird, trägt zweifellos zur Entwicklung des Individuums, zur Bildung eines Wertesystems, zu künstlerischen Fähigkeiten, zum Interesse an Forschungsarbeiten und zum Wunsch bei, neue Aktivitäten zu meistern. Die methodologischen Probleme der Kunstkritikpädagogik bleiben die Notwendigkeit, im Dialog zu lernen, interaktive Programme zu beherrschen, zu lernen, wie man direkt mit dem Denkmal arbeitet.

Kunstgeschichte als Wissenschaft, als Kreativität, als universelle Methode des humanitären Wissens erweitert den Lernhorizont, trägt zum persönlichen Wachstum des Studenten bei, erhöht seine Professionalität (und damit Wettbewerbsfähigkeit), und dies gilt auch für diejenigen, die direkt in Bereichen studieren mit Bezug zur Kunst, sowie Vertreter kreativer Fachrichtungen und solche, die das kulturelle Niveau heben wollen, sowie Studierende "nicht-künstlerischer Berufe",

Bäder für Selbständigkeit, Aktivität, Lust am wissenschaftlichen Arbeiten. Umstritten bleibt der Begriff des „Stils“, der interaktives Lernen innerhalb des Fachs ermöglicht, basierend auf dem Phänomen des „student-centric“-Modells: Der Kurs wird als Schema aufgebaut, der Unterricht verwandelt sich in Kreativität, die Einzigartigkeit von Der Student macht die Einzigartigkeit jedes Kurses aus. Die Methoden der Arbeit mit einem Kunstwerk für zukünftige Kunsthistoriker und Vertreter anderer Fachrichtungen sollten etwas anders sein, diese Prinzipien können jedoch beispielsweise im Rahmen der Aktivitäten einer studentischen wissenschaftlichen Gesellschaft umgesetzt werden: Wissenschaftliches Arbeiten sollte werden Eine Fortsetzung des Bildungsprozesses, es ist notwendig, die Einheit wissenschaftlicher Probleme zu wahren, die in der Bildung von besonderer Bedeutung sind. Dabei werden Olympiaden und Wettbewerbe erworben, eine studentische wissenschaftliche Konferenz wird zum Ergebnis individueller Arbeit, der Student soll die Möglichkeit haben seine wissenschaftlichen Entwicklungen zu veröffentlichen.

So die kunsthistorische Bildung im 21. Jahrhundert. erfordert zwangsläufig die Einbettung in ein komplexes interdisziplinäres Gefüge, erst im Zusammenspiel mit Fächern sozial-humanitärer Ausrichtung unter Bezugnahme auf benachbarte Disziplinen (und ggf. auf die exakten und naturwissenschaftlichen Wissenschaften) gewinnt sie an Modernität und vollständigem Verständnis des Phänomens. Interdisziplinäre Ansätze ermöglichen es, die methodische Basis zu erweitern, den Blickwinkel zu ändern, das Thema und den Untersuchungsgegenstand zu erweitern, die Prinzipien der Arbeit mit einem Werk zu transformieren. In der pädagogischen Praxis der Kunstgeschichte ist es notwendig, die individuelle Arbeit des Schülers zu aktivieren, das Wettbewerbsprinzip (Olympiaden), das System der Kontinuität (von der Schule, wo es notwendig ist, den Kurs von "World Kunstkultur" bis zur Universität, vom Bachelor- über das Master- bis zum Aufbaustudium). Der Arbeit mit begabten Schülern und Studenten sollte mehr Aufmerksamkeit geschenkt werden. Im Unterricht der Kunstgeschichte ist es möglich, die methodische Basis der Fächer zu erweitern, breitere Materialien anzuziehen, praktische Kurse einzuführen, neue Arten von Praktiken für Studenten (und möglicherweise Spezialgebiete), einen modularen Ansatz, die Einführung verschiedener Formen von zweites Hochschulstudium inkl. Zusatzausbildung (Weiterbildung. ), Entwicklung von Fernstudiengängen, Erweiterung von Ausrichtungen und Profilen (inkl. ggf.

angewandter Bachelor). Die unbedingte Berücksichtigung der Besonderheiten der Anforderungen an eine berufstätige Person im Bereich der Kunstgeschichte impliziert neben der Einführung eines Punktesystems die Einführung eines projektbasierten Lernens auf der Grundlage eines Systems kreativer Aufgaben unter Berücksichtigung der Anforderungen des Landesbildungsstandards (3+), die eine gewisse Freiheit bei der Gestaltung von Ausbildungsgängen geben.

Anmerkungen

1 Arutyunyan Yu I. Methodologische Probleme der Kunstgeschichte im Kontext moderner humanitärer Bildung // Tr. SPbGUKI. 2013. V. 200. S. 176.

2 Siehe mehr: Ebd. S. 174-185.

3 Leonardo da Vinci: Buch. über die Malerei des Meisters Leonardo da Vinci, Florentiner Maler und Bildhauer / Übers., Autor. Einleitung. Kunst. A. Guber. M.: Ogiz: Izogiz, 1934. S. 64.

4 Siehe für weitere Einzelheiten: Arutyunyan Yu I. Der Vaterländische Krieg von 1812 in den Programmen der Akademie der Künste und die Probleme des historischen Konzepts in der Malerei // Vestn. SPbGUKI. 2013. Nr. 1 (14). S. 90-98; Ihr eigenes. Wettbewerbe, Auszeichnungen und Preise in der Lehrpraxis der Akademie der Künste // Ebd. 2014. Nr. 1 (18). S. 138-143.

5 Siehe für Einzelheiten: Her. Zitate und Analogien: einige Aspekte der Einflussforschung in der Kunst der Vergangenheit und Gegenwart // Vestn. SPbGUKI. 2011. Nr. 2. S. 127-134; Ihr eigenes. Architekturgrafik: Rezeptions- und Interpretationsprobleme // Nauch. tr.: Frage. Theorien der Kultur. 2014. Ausgabe. 31. Okt.-Dez. S. 157-194.

6 Siehe für Einzelheiten: Her. Bericht über die Abhaltung der regionalen Facholympiade der Studenten der Hochschulen von St. Petersburg im Jahr 2013 in Kunstgeschichte // Materialsammlung der regionalen Facholympiaden der Studenten der Hochschulen von St. Petersburg. St. Petersburg: Technolit, 2013. S. 57-70; Ihr eigenes. Bericht über die Abhaltung der regionalen Facholympiade der Studenten der Hochschulen St. Petersburgs im Jahr 2014 in Kunstgeschichte // Materialsammlung der regionalen Facholympiaden der Studenten der Hochschulen St. Petersburgs. St. Petersburg: Technolit, 2014. S. 36-45; Ihr eigenes. Bericht über die Durchführung der regionalen Facholympiade für Studenten der St. Petersburger Hochschulen im Jahr 2015 in Kunstkritik. // Sammlung von Materialien der regionalen Facholympiaden für Studenten der Hochschulen von St. Petersburg. St. Petersburg: Technolit, 2015, S. 37-43.

7 Benjamin V. Ein Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit: fav. Aufsatz / Vorwort, komp., übers. und beachten. S. A. Romaschko; ed. Yu A. Zdorovov. M.: Medium, 1996. S. 15-65.

8 Vgl. ausführlicher: Arutyunyan Yu I. Methodologische Besonderheiten der Stilrezeption im Kontext des Phänomens der Architekturgrafik // Tr. SPbGUKI. 2015. V. 209. S. 5-18.

Das allgemeine Bildungssystem der Kunsterziehung basierte auf dem Zeichenunterricht, da das Schreiben von Hieroglyphen bestimmte Fähigkeiten erforderte. Der Zeichenunterricht basierte auf zwei Richtungen: der Entwicklung der Technik der freien Handbewegung und der Festigkeit bei der Herstellung von Reliefs und dem Schreiben von Papyri. Die Hauptmethode ist das Kopieren und Auswendiglernen. Das Bildungssystem hatte strenge Disziplinanforderungen. Obwohl nur die privilegierten Schichten der ägyptischen Gesellschaft Bildung erhalten konnten, wurde körperliche Züchtigung praktiziert (sie gingen für 3 Monate in Aktien). Einerseits war die Berufsausbildung generischer Natur, als die Geheimnisse des Handwerks vom Vater an den Sohn weitergegeben wurden, andererseits wurden Berufsschulen organisiert. Die führende Berufsschule für Bildende Kunst war die Memphis Court School of Architects and Sculptors. Während der Zeit von Ramses II und seinem Erben gab es in Ägypten ein Institut für Künstler, in dem die Schüler ihre Lehrer auswählen konnten. Die Unterrichtsmethodik in einer solchen Bildungseinrichtung war in Tabellen gerissen, die als methodische Leitlinien mit einer stufenweisen Umsetzung der Arbeit dienten. Insbesondere wurde eine solche Technik als Konstruktion einer menschlichen Figur auf einem Gitter verwendet. Es war nicht nur ein Versuch, das Bild zu vergrößern, sondern ein Prototyp eines modularen Gitters, das es ermöglichte, das Bild zu vergrößern, ein Frontal- und Seitenbild aufzubauen, da die Überschneidung der Gitterlinien an bestimmten Knotenverbindungen stattfand. Die Zeichnung wurde von einer beliebigen Stelle auf diesem Gitter erstellt. Das Bild ergab sich nicht aus der Definition der allgemeinen Form, sondern aus der mechanischen Vorbereitung von Proportionsberechnungen. Im Bildhauerunterricht wurden die Standardmethode und die Work-in-Progress-Methode als visuelle Hilfe zum Verständnis der schrittweisen Arbeit verwendet. Damit ist eine systematische Herangehensweise an die Lehre der bildenden Kunst gegeben, eine theoretische Fundierung der Praxis der bildenden Kunst geschaffen und erstmals die Gesetzmäßigkeiten der Darstellung und Ausbildung angehender Künstler etabliert. Ob es eine Theorie des Lernprozesses (Didaktik) gab, ist nicht geklärt. Allerdings gab es pädagogische Schriften (von Tauf). Die Bildung basierte nicht auf dem Studium der umgebenden Realität, sondern auf dem Auswendiglernen der etablierten Kanons. Bildende Kunst war in Ägypten bereits eine allgemeinbildende Disziplin. Vortrag Nr. 4 "Das System der Kunsterziehung im antiken Griechenland." Die Kunst des antiken Griechenlands ist die größte Schicht in der Geschichte der bildenden Kunst der Welt. Die in dieser Zeit entstandenen Werke überraschen die Zeitgenossen mit ihrer Proportionalität, ihrem Realismus und ihrer Harmonie mit der Umwelt. Daher ist das Interesse am System der Kunsterziehung natürlich, was wiederum eine bedeutende Etappe in der Entwicklungsgeschichte der gesamten Kunsterziehung darstellt. Grundlegende Veränderungen im Bildungssystem des antiken Griechenlands sind zunächst mit einer Veränderung der Weltanschauung und in der Folge mit einer Veränderung des Religions- und Gesellschaftsbewusstseins innerhalb derselben sklavenhaltenden Wirtschaftsformation verbunden. Das Pantheon der griechischen Götter war im Gegensatz zu den ägyptischen zoomorphen (später mit Menschenleibern) anthropomorph. Das Leben nach dem Tod wurde in Analogie zur Realität dargestellt. Und die Vorbereitung auf den Übergang in eine andere Welt war gar nicht so aufwendig. Im Allgemeinen war die Haltung der alten Griechen humanistischer Natur, die darauf abzielte, die Muster der Realität aufzudecken, und die Schönheit des menschlichen Körpers galt als Maßstab für Harmonie, dh die Proportionalität der Teile im Verhältnis zum Ganzen. Dieses ästhetische Ideal kommt in den Worten von Perikles 12 (einem antiken griechischen Strategen, der Athen in seiner Blütezeit führte) zum Ausdruck: „Wir lieben das Schöne, verbunden mit Einfachheit und Weisheit ohne Verweichlichung.“ Alles, was die Griechen neu geschaffen haben, hat jedoch eine Grundlage. Und diese Grundlage ist ägyptische Kunst. Griechische Künstler entwickelten in Ägypten das Kanonsystem und die Methoden der Bildhauerei. Zum Beispiel nahmen die in verschiedenen Städten lebenden Brüder Telekles und Theodore aus Samos den Auftrag der Samier für die Statue des pythischen Apollo auf. Unabhängig voneinander fertigten sie jeweils ihre eigene Hälfte der Statue so geschickt an, dass beim Zusammenfügen beide Hälften zusammenkamen. Ein solch erfolgreicher Arbeitsablauf wurde durch die Beachtung der ägyptischen Methode der Bearbeitung eines bildhauerischen Werkes erleichtert. In Zukunft gingen die Griechen das Problem der Bildung und Erziehung auf neue Weise an. Realismus ist die Grundlage der griechischen Kunst. Künstler argumentierten, dass in der Welt eine strenge Regelmäßigkeit herrsche und die Essenz der Schönheit in der Harmonie von Teilen und dem Ganzen in den richtigen mathematischen Proportionen liege. Im Jahr 432 v. Polyklet aus Sikyon verfasste einen Aufsatz über die Proportionsgesetze der Konstruktion des menschlichen Körpers und löste zum ersten Mal in der Geschichte das Problem der Conrpost. Das Bild des menschlichen Körpers ist natürlich und vital geworden. Als Beispiel für die Ausführung von Skulpturen nach den neuen Kanonen wird die „Dorifor“ (Speerträger) verwendet. Zeichnungen von dieser Skulptur wurden nicht nur von zukünftigen Fachleuten, sondern auch von Kindern einer Gesamtschule angefertigt. Ein anderer großer Bildhauer der Spätklassik, Praxiteles, schuf seinen eigenen Kanon, bei dem die Proportionen des Körpers gegenüber dem polykletischen Kanon etwas verlängert wurden. Wir kennen die Lehrmethoden dieser Zeit aus den späteren theoretischen Arbeiten der römischen Historiker Plinius, Pausanias und Vetruv sowie anhand erhaltener Artefakte. Außerdem sind nicht mehr so ​​viele Artefakte der griechischen Staffeleikunst übrig geblieben: Die Skulptur ist hauptsächlich in römischen Kopien überliefert, die nicht die gesamte Tiefe der antiken griechischen Kunst vermitteln, Artefakte der Malerei sind ebenfalls nur wenige vorhanden. Die Geschichte der ersten methodischen Entwicklungen in der bildenden Kunst des antiken Griechenlands ist mit den Namen Polygnotus und Apollodoros von Athen verbunden. Nachdem Polygnotus in Athen einen Kreis von Künstlern gegründet hatte, wo ihm die Bürgerrechte verliehen wurden, begann er seine Lehrtätigkeit. Er ermutigte Künstler, nach der Realität zu streben. Er beherrschte jedoch nur eine lineare Zeichnung, ohne die Übertragung von Hell-Dunkel. Aber auch hier wirkte die Linie raumvermittelnd. Plinius schreibt: „Polygnotus … der Frauen in durchscheinenden Kleidern malte, ihre Köpfe mit bunten Hauben bedeckte und als erster viele neue Dinge in die Malerei einführte, sobald er anfing, den Mund zu öffnen, die Zähne zu zeigen und statt das ehemalige unbewegliche Gesicht, sorgen für Abwechslung.“ Aristoteles bemerkte, dass Polygnot die Form des menschlichen Körpers ideal vermittelte und lebensgroße Modelle zeichnete. Seine Malerei wurde jedoch als monochrom gemalte Zeichnung präsentiert. Eine echte Revolution auf dem Gebiet der Zeichen- und Lehrmethoden wird Apollodorus von Athen zugeschrieben, den Plinius als „Lichter der Kunst“ bezeichnet. Das Verdienst von Apollodorus liegt darin, dass er als erster das Hell-Dunkel einführte und begann, das Volumen der Form in der Zeichnung zu modellieren. Es galt als Wunder. Es bestand ein Bedarf an anderen Unterrichtsmethoden, die die Verteilungsmuster von Hell-Dunkel relativ zur Lichtquelle berücksichtigten. Die Malerei begann sich auf das Spiel von Wärme und Kälte zu stützen. Apollodorus war nicht nur ein talentierter Künstler, sondern auch ein ausgezeichneter Lehrer. Einer seiner Schüler war Zeukis (420-380 v. Chr.). In einem seiner Epigramme nannte Apollodorus ihn „den Dieb meiner Kunst“. Die Methodik von Zeukis basierte auf einem genauen Studium der Natur und dem Verstehen der Gesetze der Schönheit durch Beobachtung. Es gibt eine Legende, dass Zeukis einen Jungen gemalt hat, der Weintrauben trägt. 14 Vögel strömten zu den Trauben, also wurde es gekonnt gezogen. Und der Meister war verärgert: „Hätte ich auch einen Jungen gekonnt porträtiert, dann wären die Vögel nicht eingeflogen, sie hätten sich erschreckt.“ Die Rivalität zwischen Zeukis und einem anderen bedeutenden Künstler, Parrhasius, ist berühmt. Plinius schreibt: „Parrhasius soll mit Zeukis an einem Wettstreit teilgenommen haben. Zeukis brachte ein Bild mit, auf dem Trauben so gut dargestellt waren, dass Vögel in Scharen strömten. Parrhasius brachte eine Tafel, die so plausibel gemalt war, dass Zeukis, stolz auf das Urteil der Vögel, zu fordern begann, die Tafel zu entfernen und das Bild selbst zu zeigen. Und dann erkannte er seinen Fehler und gab der Palme unter dem Einfluss edler Scham nach. Parrasius zeigte sich auch als theoretischer Künstler und schrieb eine Abhandlung über das Zeichnen, in der er der Linie und ihrer Arbeit beim Aufbau der Raumillusion besondere Aufmerksamkeit widmete. „Schließlich soll der Umriss aus einer eigenen Linie bestehen und so abbrechen, dass das Verborgene andeutet. Charakteristische Merkmale seiner Lehre: - Klarheit in der Übertragung der Umrisse von Gegenständen; -Linearität bei der Übertragung der Form von Objekten; -aktive Arbeit aus der Natur; -Verbindung von hochtechnischem Zeichnen mit Kenntnissen der Gesetze der realistischen Konstruktion des menschlichen Körpers; -Besitz von Mitteln zum Licht- und Schattenzeichnen; - der Wunsch, den Realismus des Bildes zu vermitteln und ein Selbstzweck zu erreichen. Im IV Jahrhundert v. e. Es gab mehrere berühmte Zeichenschulen: Sikyon, Ephesus, Theban. Die thebanische Schule – der Begründer des Aristides – legte Wert auf Hell-Dunkel-Effekte, die Übertragung von Empfindungen, Illusionen. Die ephesische Schule – Ephranor oder Zeukis – basierte auf der sinnlichen Wahrnehmung der Natur, ihrer äußeren Schönheit. 15 Die sikyonische Schule, der Begründer des Eupomp, basierte auf den wissenschaftlichen Daten der Naturwissenschaft und hielt sich strikt an die Gesetze der Abbildung der realen Natur. Diese Schule verlangte beim Zeichnen größte Präzision und Strenge. Sie beeinflusste die weitere Entwicklung der bildenden Kunst. Eupompus (400-375 v. Chr.) war ein hervorragender Lehrer und Maler. Er ermutigte seine Schüler, die Naturgesetze auf der Grundlage wissenschaftlicher Daten, hauptsächlich der Mathematik, zu studieren. Dies ist eine grundlegend neue Methode - Beobachtung + Analyse. Eupomps Schüler Panfil legte großen Wert auf das Zeichnen als allgemeinbildendes Unterrichtsfach, da der Mensch beim Zeichnen nicht nur die Form eines Gegenstandes vermittelt, sondern auch dessen Struktur erlernt. Panfil arbeitete viel auf dem Gebiet des Kontakts zwischen Zeichnung und Geometrie, weil er glaubte, dass letzteres das räumliche Denken entwickelt. An der Tür seiner Schule stand geschrieben: "Leute, die keine Geometrie verstehen, haben hier keinen Zutritt." Die Ausbildungsdauer bei Panfil betrug 12 Jahre und kostete ein Talent (26,196 kg Gold). Bis zum 4. Jahrhundert v. e. Antike griechische Künstler begannen, die Theorie der Perspektive zu entwickeln. Es hatte jedoch wenig Ähnlichkeit mit dem von Filippo Brunelleschi (mit einem Fluchtpunkt). Dies ist höchstwahrscheinlich eine Wahrnehmungswahrnehmung der Realität. So entstanden und existieren in der Geschichte der westeuropäischen Kunst bis heute zwei Richtungen: das Zeichnen aus einem Farbfleck und eine konstruktive Auseinandersetzung mit der Form. Die Meister des antiken Griechenlands forderten ihre Schüler auf, die Natur auf wissenschaftlicher Grundlage zu studieren, der Vorteil wurde dem Wissen und nicht den Impulsen der Inspiration gegeben. Daher war das Erlernen des Zeichnens von größter Bedeutung. Die Schüler zeichneten hauptsächlich auf Buchenbrettern, die mit Wachs, Metall- oder Knochenstäben bedeckt waren. Die Kunstschulen des antiken Griechenlands sind ein privates Atelier-Atelier, das in seinem Prinzip an private Werkstätten der Renaissance erinnert. 16 Ergebnis: - neue Lehrmethoden, basierend auf dem Zeichnen nach der Natur; - Die Aufgabe des Zeichners ist nicht nur das Kopieren von Objekten, sondern auch das Wissen um die Muster ihrer Konstruktion; - Zeichnen in einer Sekundarschule als Werkzeug zum Verständnis der umgebenden Realität; - Entwicklung der Kanons der Konstruktion des menschlichen Körpers nach den Gesetzen der sichtbaren Realität wissenschaftlicher Erkenntnisse; - Der Mensch ist die Krone der Schönheit, alles an ihm ist verhältnismäßig und harmonisch, „Der Mensch ist das Maß aller Dinge“ (Heraklid). Vortrag Nr. 5 „Kunstpädagogik im antiken Rom“ Das künstlerische Erbe hat einen bedeutenden Wert für die Weltkultur. Aber es hat einen anderen Charakter als das Griechische. Es geht um das Weltbild der Römer. Sie waren, wie die Griechen und Etrusker, Heiden, aber ihre Religion und damit ihre künstlerische Phantasie war prosaischer als griechisch, ihre Weltanschauung war praktischer und nüchterner. Die Römer schufen ihr eigenes schönes Theater, scharfe Komödien, Memoirenliteratur, entwickelten einen Gesetzeskodex (das römische Recht war die Grundlage aller europäischen Rechtsprechung), neue Formen in der Architektur (die Entdeckung des Betons eröffnete neue konstruktive Möglichkeiten für den Bau riesiger Gebäude und Gewölbe) und bildende Kunst (historisches Relief, realistisches skulpturales Porträt, Statuenskulptur, die interessantesten Beispiele der Monumentalmalerei). Nach der Eroberung Griechenlands durch Rom begann eine nähere Bekanntschaft mit der griechischen Kunst, die die Römer als Vorbild verehrten. "Der unwissende Eroberer wurde von der Kunst der Besiegten erobert." 17 Im II. Jahrhundert. BC e. Griechisch war in der High Society weit verbreitet. Werke der griechischen Kunst füllten die öffentlichen Gebäude Roms, Wohngebäude, Landvillen. Dann erschienen neben den Originalen viele Kopien aus den berühmten griechischen Werken von Myron, Phidias. Scopas, Praxiteles, Lysippus. Aber die poetische Inspiration der griechischen Kunst, die Haltung gegenüber dem Künstler als dem Auserwählten der Götter, die ihn mit Talent ausgestattet haben, hat es in Rom nie gegeben. Daher das System der Kunsterziehung, das nur die Fähigkeiten eines hochklassigen Handwerkers, eines Kopeisten, vermittelte. In der Tat scheint zwischen polierten mechanischen Kopien die griechische authentische skulpturale Plastizität in ihrem Flächenspiel so lebendig zu sein, dass es an einem heißen Tag wie eine leichte Brise wirkt. Rom hat nichts grundlegend Neues in die Methodik des Kunstunterrichts eingeführt. Obwohl es in der hohen römischen Gesellschaft als guter Stil galt, sich mit bildender Kunst zu beschäftigen. Aber es war nichts weiter als eine Hommage an die Mode. So beeinflusste das utilitaristische Denken der Römer die Entwicklung der Kunsterziehung hierzulande nicht optimal. Vortrag Nr. 6 „Arbeitsmethoden in der mittelalterlichen Kunst“ Die mittelalterliche Kunst ist eine besondere Etappe in der weltweiten künstlerischen Entwicklung. Eines ihrer Hauptmerkmale ist eine enge Verbindung mit der Religion, ihren Dogmen, daher Spiritismus, Askese. Die Religion und ihre öffentliche Institution – die Kirche – war eine mächtige ideologische Kraft, der wichtigste Faktor bei der Bildung der gesamten feudalen Kultur. Darüber hinaus war die Kirche der Hauptkunde der Kunst. Schließlich darf nicht vergessen werden, dass die Geistlichen damals die einzige gebildete Klasse waren. Daher prägte religiöses Denken die gesamte mittelalterliche Kunst. Dies bedeutet jedoch nicht, dass die wirklichen Widersprüche des Lebens nicht in der mittelalterlichen Kunst zum Ausdruck kamen, dass mittelalterliche Künstler nicht nach Harmonie suchten. Die figurative Struktur und Sprache der mittelalterlichen Kunst ist komplexer und ausdrucksstärker als die Kunst der Antike, sie vermittelt die innere Welt eines Menschen mit größerer dramatischer Tiefe. Darin kommt der Wunsch, die allgemeinen Gesetze des Universums zu verstehen, deutlicher zum Ausdruck. Der mittelalterliche Meister versuchte, ein grandioses künstlerisches Bild der Welt in Architektur, monumentaler Malerei und Skulptur zu schaffen, die mittelalterliche Tempel schmückten. Aber im künstlerischen System selbst, der künstlerischen Methode der mittelalterlichen Kunst, gab es eine Begrenzung, die sich vor allem in der extremen Konventionalität, in der Symbolik und Allegorik der figurativen Sprache manifestierte, zu der die wahrheitsgemäße Übertragung der Schönheit von der physische Körper wurde geopfert. Die Errungenschaften der realistischen Kunst der Antike gerieten in Vergessenheit. Ghiberti schrieb: „In der Zeit von Kaiser Konstantin und Papst Silvester herrschte also der christliche Glaube vor. Der Götzendienst wurde der größten Verfolgung ausgesetzt, alle Statuen und Bilder der Vollkommenheit wurden zerbrochen und zerstört. So gingen zusammen mit den Statuen und Gemälden die Schriftrollen und Aufzeichnungen, Zeichnungen und Regeln zugrunde, die Anweisungen zu einer so erhabenen und subtilen Kunst gaben. Schöne Kunst wurde geschaffen, ohne sich auf die Wissenschaft zu verlassen – nur die Aufmerksamkeit und das treue Auge des Künstlers. Die Körperlichkeit wurde nur durch die Entlehnung der Bilder der antiken Kunst bewahrt (Orpheus ist das Bild des jungen Christus, des Hirten). Diese Anleihen hielten jedoch nicht lange an. Das Bild des jungen Christus wurde durch den Ältestenkult mit einer eigenen figurativen Struktur ersetzt. Die Grundlage der Ausbildung in dieser Zeit ist das mechanische Kopieren. In der mittelalterlichen Kunst gab es jedoch ein System, das versuchte, einige Muster der Bildkonstruktion zu finden. Dies ist das System von Villard de Honnecourt. Ihr Wesen liegt in der Konstruktion abstrakter mathematischer Berechnungen, der Suche nach 19 geometrischen Mustern, der Zahlenkabbalistik und nicht in der Suche nach Mustern in der Struktur der Naturformen. Die byzantinische Kunst war kanonischer als die Kunst des mittelalterlichen Europas. Und hier geübte Arbeit an Mustern. Eine interessante Arbeit über die Methodik der bildenden Kunst von Byzanz ist bis heute erhalten. Dies ist „Erminia oder Anweisungen in der Kunst der Malerei“ 1701-1745, geschrieben von dem athonitischen Mönch Dionysius von Furna (Furnographiot). Es enthält viele Fakten über das Malerhandwerk (Kopie machen, Kohle, Pinsel, Kleber, Grundierungen, ausführliche Anleitungen zum Bemalen von Gesichtern, Kleidern) und vieles mehr. Zum Beispiel zum Kopieren: „... kleben Sie Ihr ölgetränktes Papier an die vier Kanten des Originals; machen Sie schwarze Farbe mit einer kleinen Menge Eigelb und kreisen Sie die Zeichnung vorsichtig damit ein und wenden Sie Schatten an; Bereiten Sie dann das Weiß vor und füllen Sie die Lücken aus und verwenden Sie das dünnste Weiß, um die hellen Stellen zu markieren. Dann wird ein Umriss des Bildes sichtbar, da das Papier transparent ist und alle Merkmale des Originals dadurch sichtbar sind. Ein weiteres Beispiel für das Kopieren: „Wenn sich auf der Rückseite des Originals kein Muster oder Fleck befindet, legen Sie ungeöltes Papier darauf, legen Sie es gegen das Licht zum Fenster ... und zeichnen Sie alle Merkmale sorgfältig auf sich Papier, und markieren Sie das Licht mit roter Farbe ". Also im Mittelalter: - Die Hauptlehrmethode war das Kopieren nach Mustern, was zur Entwicklung der Handwerksarbeit beitrug; - der Lernprozess - selbstständiges Arbeiten im Rahmen eines Artel of Masters. 20

Kunsthochschulen in Moskau waren schon immer auf einem besonderen Konto. Politische Veränderungen und wirtschaftliche Umwälzungen im Land machen die Konkurrenz nicht weniger: Die Liebe zur Kunst siegt über jeden Gedanken an das tägliche Brot und den finanziellen Gewinn. Und das, obwohl es nur wenigen Absolventen gelingt, sich beruflich zu etablieren, Erfolg und damit Wohlstand zu erlangen. Fakt ist jedoch, dass an solchen Universitäten in der Regel halb so viele Stellen zu besetzen sind wie diejenigen, die sie besetzen wollen.

Talente und Fans

Wie an Theateruniversitäten wird beim Eintritt in eine Kunsthochschule ein Bewerber auf das Vorhandensein eines bestimmten Funken gesucht, der allgemein als Talent bezeichnet wird. Zwar kann jeder einen Bleistift oder Pinsel in der Hand halten, aber nur einer von Hunderten oder Tausenden ist in der Lage, etwas Einzigartiges zu schaffen.

Eine absolut präzise Definition des Begriffs „Talent“ ist nicht möglich: Alles in der Kunst ist zu subjektiv. Leider hängt jeder kreative Beruf vollständig von den Meinungen der Zuschauer und Kritiker ab. Deshalb raten viele Experten: Bevor Sie die Schwelle einer Kunstuniversität überschreiten, sollten Sie überlegen, ob Sie viele Jahre Ihres Lebens im Verborgenen verbringen können und bitter bedauern, dass Ihre Arbeit in der Öffentlichkeit nicht den richtigen Eindruck hinterlassen hat. Schließlich werden das ganze Farbenspiel, die Klarheit der Linien, die Stilkonsistenz in einem Kunstwerk nur zu einem einzigen Zweck geschaffen - die Welt zu erschüttern und sich selbst auszudrücken.

Berufliche Perspektiven für zukünftige Künstler, Designer, Architekten sind eher illusorisch. Die Kosten ihrer Arbeit können stark variieren - alles hängt vom launischen und unbeständigen Feenglück ab. Effizienz, die Fähigkeit, mit dem Kunden eine gemeinsame Sprache zu finden, sind heute nicht weniger wichtige berufliche Eigenschaften.

Vorbereitung auf die Aufnahme an einer Kunstuniversität

Die Liste der Kunstuniversitäten in der Hauptstadt ist nicht sehr lang, aber eine Ausbildung in ihren Mauern zu erhalten, gilt weltweit als prestigeträchtig. Das hohe Unterrichtsniveau in ihnen wurde von den Gründervätern dieser Bildungseinrichtungen festgelegt. Dazu gehören das Moskauer Staatliche Akademische Kunstinstitut, benannt nach V. I. Surikov, die Moskauer Kunst- und Industrieuniversität, benannt nach V. I. S. G. Stroganova, Russische Akademie für Malerei, Bildhauerei und Architektur, Allrussisches Staatliches Institut für Kinematographie. S. A. Gerasimova und der Abteilung für grafische Künste der Moskauer Staatlichen Pädagogischen Universität. Unbedingt erwähnenswert ist das St. Petersburger Staatliche Akademische Institut für Malerei, Bildhauerei und Architektur. I. E. Repin - diese Universität mit jahrhundertealter Tradition wurde Mitte des 18. Jahrhunderts unter der Schirmherrschaft von Kaiserin Elisabeth Petrowna gegründet. Gemäß der damals geltenden Satzung studierten sie dort 15 Jahre lang. Heute wurde die offizielle Frist für den Erhalt einer Ausbildung verkürzt, aber um ein Student zu werden, muss sich ein Bewerber buchstäblich jahrelang auf die Zulassung vorbereiten.

Jede dieser Hochschulen verfügt über eine eigene Kunstschule oder Studienkollegs. Die Ausbildung und Ausbildung in ihnen dauert von einigen Monaten bis zu zwei Jahren. Es lohnt sich jedoch, einen Vorbehalt zu machen, dass offiziell niemand seinen Absolventen Garantien für die Zulassung gibt. Darüber hinaus warnen die Lehrer bei den Vorbereitungskursen am Surikov-Institut unverblümt, dass keine Nachsicht für "die eigenen" erwartet wird - alle treten gemeinsam ein. Vorbereitungskurse werden in der Regel bezahlt, ganz zu schweigen davon, dass der Bewerber sich selbst mit Hilfsmitteln versorgen muss - Farben, Pinsel, Stifte, Papiere, Keilrahmen, Leinwände ... Der Preis kann unterschiedlich sein: für eine Tube Farbe zum Beispiel - von 10 bis zu 1000 Rubel Ein Hilfsrahmen kostet mindestens 2000 Rubel.

Darüber hinaus ist es beim Eintritt in eine Kunstuniversität sehr wichtig, eine Feinheit zu berücksichtigen: Beim Analysieren von Bewerbungen werden diejenigen Bewerber am stärksten bevorzugt, die entweder einen Abschluss an spezialisierten Kunstschulen (z nach V. A. Serov über Prechistenka, Moskauer Akademisches Kunstlyzeum der Russischen Akademie der Künste), oder haben eine sekundäre Berufsausbildung an Kunstschulen (Moskauer Staatliche Akademische Kunstschule zum Gedenken an 1905 oder Moskauer Kunstschule (Hochschule) für angewandte Kunst). Dies geschieht, weil diese Art der Hochschulbildung keine zufälligen Menschen duldet, die plötzlich den brennenden Wunsch haben, Künstler, Restaurator oder Architekt zu werden. Der Wettbewerb zwischen den Bewerbern ist ziemlich hart, und die Besten der Besten sollten akzeptiert werden, daher ist es notwendig, die Zulassung unter Berücksichtigung Ihrer eigenen Fähigkeiten im Voraus zu planen.

Spezialprüfungen

Zunächst sollten Sie sich entscheiden, in welche Richtung Sie Ihre kreativen Impulse setzen möchten. Der Beruf eines Künstlers hat mehrere Varianten, zum Beispiel Maler, Restaurator, Theaterkünstler. Die Anzahl der Fachrichtungen, die an einer Kunstuniversität erworben werden können, umfasst Bildhauer, Architekt, Kunstkritiker, Kunstlehrer, Spielfilmkünstler, Kostümfilmdesigner, Animationsfilm- und Computergrafiker. Und das erste, was Sie bei der Zulassung gefragt sind, ist, gemäß dem gewählten Weg kreative Arbeit für eine Vorschau zu leisten. In der Regel sind dies Zeichnungen: ein Porträt und eine Figur einer Person, Malerei - ein Porträt mit Händen, Kompositionen. Wer diese Auswahl besteht, wird zu den Aufnahmeprüfungen zugelassen. Prüfungen im Fachgebiet werden in mehrtägigen Workshops (unter Beteiligung von Sittern) abgehalten. Zu den Sonderposten gehören:

• Zeichnen (zwei Aufgaben): ein Porträt und eine stehende Aktfigur (auf Papier mit Graphitstift); Papier wird direkt vor Ort ausgegeben oder der Bewerber verwendet sein eigenes, mit dem Siegel der Auswahlkommission gekennzeichnetes;
• Malen: ein Porträt mit den Händen einer sitzenden Person (auf Leinwand mit Ölfarben oder Tempera, Gouache, Aquarell - bei Aufnahme in die Graphische Fakultät); Leinwand bis zu einer Größe von 70 cm auf der großen Seite muss der Antragsteller selbst mitbringen;
• Komposition: Die Arbeit an einem bestimmten Thema kann in jeder Technik erfolgen.

Anschließend werden die Prüfungsunterlagen überprüft und benotet. Wenn die erzielte Punktzahl ausreicht, um den Wettbewerb zu bestehen, erhalten Sie einen Aufsatz zu einem bestimmten Thema, Geschichte (mündlich), Geschichte der russischen Kunstkultur und in einigen Fällen eine Fremdsprache. Wenn es dennoch nicht möglich war, in die Vollzeitabteilung einzusteigen, stehen Ihnen kostenpflichtige Abteilungen zur Verfügung, deren durchschnittliche Studienkosten manchmal 4.500 bis 5.000 US-Dollar erreichen.

Universitätsadressen

Moskauer Staatliches Akademisches Kunstinstitut, benannt nach V. I. Surikov: Fakultät für Malerei, Bildhauerei, Theorie der Bildenden Künste; Moskau, Tovarishchesky per., 30 (Metrostation "Taganskaya", "Marxistskaya");

Fakultät für Grafik, Architektur: Moskau, Lavrushinsky per., 15 (das Gebäude gegenüber dem Eingang zur Tretjakow-Galerie, U-Bahnstation "Nowokusnezkaja", "Tretjakowskaja").

Kunstindustrielle Universität Moskau. S. G. Stroganov: Moskau, Volokolamskoe sh., 9 (Metrostation "Sokol").

Russische Akademie für Malerei, Bildhauerei und Architektur: Moskau, st. Myasnitskaya, 21 (Metrostation „Chistye Prudy“); Kamergersky per., 2 (Metrostation "Okhotny Ryad").

Allrussisches Staatliches Institut für Kinematographie. S. A. Gerasimova: Moskau, st. Wilhelm Pick, 3 (U-Bahnstation „Botanischer Garten“).

St. Petersburger Staatliches Akademisches Institut für Malerei, Bildhauerei und Architektur, benannt nach I. E. Repin: St. Petersburg, Universitetskaya nab., 17 (Metrostation "Vasileostrovskaya").

Ranking der Architektur- und Kunstuniversitäten

Das Ministerium für Bildung und Wissenschaft der Russischen Föderation genehmigte die Bewertung von Hochschuleinrichtungen auf der Grundlage der Ergebnisse ihrer Aktivitäten. Seit Mitte des Studienjahres 2004 wird die Datenerhebung zur Ermittlung des Rankings der Hochschulen und Fachrichtungen durchgeführt.

Bei der Ermittlung der Bewertung wurden viele Parameter berücksichtigt: die Qualität des Lehrpersonals, die Anzahl der Studierenden verschiedener Bildungsformen, die Anwesenheit von Studierenden aus anderen Ländern; das Volumen der wissenschaftlichen Forschung, Veröffentlichung, Bereitstellung von Studentenwohnheimen, Apotheken usw.

Ort	Name der Universität
1	Moskauer Architekturinstitut (Staatliche Akademie)
2	Moskauer Staatliche Universität für Kunst und Industrie
3	Staatliche Ural-Akademie für Architektur und Kunst (Jekaterinburg)
4	St. Petersburger Staatliche Akademie für Kunst und Industrie
5	Nowosibirsker Staatliche Akademie für Architektur und Kunst
6	Rostower Staatliche Akademie für Architektur und Kunst
7	Staatliches Kunstinstitut Krasnojarsk