Thema: Europäische Kultur des XVI-XVIII Jahrhunderts.
1. Kultur der Renaissance.
2. Literatur der Aufklärung.
3. Kunst des XVII-XVIII Jahrhunderts.
1.
Die neue Periode in der kulturellen Entwicklung West- und Mitteleuropas wurde Renaissance oder Renaissance genannt.
Renaissance (auf Französisch Renaissance) ist eine humanistische Bewegung in der Geschichte der europäischen Kultur in der Zeit vom Ende des Mittelalters bis zum Beginn der Neuzeit. Die Renaissance entstand im 14. Jahrhundert in Italien, verbreitete sich in westliche Länder (nördliche Renaissance) und erreichte ihren Höhepunkt Mitte des 16. Jahrhunderts. Spätes 16. - frühes 17. Jahrhundert: Niedergang - Manierismus.
Das Phänomen der Renaissance wurde dadurch bestimmt, dass das antike Erbe zu einer Waffe für den Sturz kirchlicher Kanonen und Verbote wurde. Einige Kulturwissenschaftler, die ihre Bedeutung definieren, vergleichen sie mit der grandiosen Kulturrevolution, die zweieinhalb Jahrhunderte dauerte und mit der Schaffung einer neuen Art von Weltanschauung und einer neuen Art von Kultur endete. In der Kunst fand eine Revolution statt, vergleichbar mit der Entdeckung des Kopernikus. Im Zentrum des neuen Weltbildes stand der Mensch und nicht Gott als höchstes Maß für alles Bestehende. Humanismus hieß das neue Weltbild.
Anthropozentrismus ist die Grundidee der Weltanschauung der Renaissance. Die Geburt eines neuen Weltbildes wird mit dem Schriftsteller Francesco Petrarca in Verbindung gebracht. Die Scholastik, basierend auf der formalen terminologischen Methode, stellt er der wissenschaftlichen Erkenntnis entgegen; Glück in der "Stadt Gottes" - irdisches menschliches Glück; spirituelle Liebe zu Gott - erhabene Liebe zu einer irdischen Frau.
Die Ideen des Humanismus drückten sich darin aus, dass bei einem Menschen seine persönlichen Eigenschaften wichtig sind - Geist, kreative Energie, Unternehmungslust, Selbstwertgefühl, Wille und Bildung, und nicht sozialer Status und Herkunft.
In der Renaissance wird das Ideal einer harmonischen, befreiten, kreativen Persönlichkeit, Schönheit und Harmonie bekräftigt, eine Person wird als höchstes Prinzip des Seins, als Sinn für die Integrität und die harmonischen Gesetze des Universums angesehen.
Die Renaissance brachte Genies und Titanen hervor:
Italien - Leonardo da Vinci, Raffael, Michelangelo, Tizian, Politiker Machiavelli, Philosophen Alberti, Bruni, Val, Ficino, Nikolaus von Kues, Architekten Brunelleschi und Bramante;
Frankreich - Rabelais und Montaigne;
England - More, Bacon, Sydney, Shakespeare;
Spanien - Cervantes;
Polen - Kopernikus;
Deutschland - Böhme, Müntzer, Kepler.
Meisterwerke der Renaissance:
Leonardo da Vinci „La Gioconda“, „Das letzte Abendmahl“;
Raffael „Sixtinische Madonna“ und „Schlafende Venus“, „Madonna Conestabile“ und „Judith“;
Tizian "Danae" (Eremitage).
Das Hauptmerkmal der Kunst und Kultur der Renaissance ist die Bestätigung der Schönheit und des Talents einer Person, der Triumph des Denkens und der hohen Gefühle sowie der schöpferischen Aktivität. In der bildenden Kunst entwickeln sich Barock- und Klassizismusstile, in der Malerei entwickeln sich Akademismus und Caravagismus. Neue Genres erscheinen - Landschaft, Stillleben, Alltagsbilder, Jagd und Urlaub.
Leonardo da Vinci Mona Lisa
Raffael Sixtinische Madonna
Die Renaissance-Architektur basiert auf der Wiederbelebung der klassischen, hauptsächlich römischen Architektur. Die Hauptanforderungen sind Ausgewogenheit und Klarheit der Proportionen, die Verwendung eines Ordnungssystems, ein sensibler Umgang mit dem Baumaterial, seiner Textur und Schönheit.
Die Erweckung entstand und manifestierte sich am deutlichsten in Italien.
Die Zeit vom letzten Jahrzehnt des 15. Jahrhunderts bis zur Mitte des 16. Jahrhunderts (Hochrenaissance) wird zum „goldenen Zeitalter“ der italienischen Kunst. Die feierliche und majestätische Architektur von Bramante und Palladio bleibt im Gedächtnis seiner Nachkommen, er schenkt der Welt die unsterblichen Meisterwerke von Raffael und Michelangelo. Das gesamte 16. Jahrhundert dauert an, und erst zu Beginn des 17. Jahrhunderts verblasst die Blüte der Renaissancekultur, die unter dem Himmel Italiens geboren wurde.
Die Spätrenaissance ist gekennzeichnet durch die rasante Entwicklung einer solchen synthetischen Kunstform wie dem Theater, deren prominenteste Vertreter Lope de Vega, Calderon, Tirso de Molina (Spanien), William Shakespeare (England) waren.
So spiegelt die Kultur der Renaissance die Synthese der Merkmale der Antike und des mittelalterlichen Christentums wider, und der Humanismus ist die ideologische Grundlage der Säkularisierung der Kultur.
Die Renaissance ersetzte das religiöse Ritual durch ein weltliches und erhob den Menschen auf ein heroisches Podest.
2.
Die Menschen des 17. bis 18. Jahrhunderts nannten ihre Zeit Jahrhunderte der Vernunft und Aufklärung. Kritisiert wurden mittelalterliche Ideen, die von der Obrigkeit der Kirche und der allmächtigen Tradition geweiht wurden. Im 18. Jahrhundert ergriff der Wunsch nach Wissen, das auf Vernunft und nicht auf Glauben basiert, eine ganze Generation. Das Bewusstsein, dass alles diskussionswürdig ist, dass alles mit der Vernunft geklärt werden muss, prägte die Menschen des 17. und 18. Jahrhunderts.
Die Aufklärung markierte das Ende des Übergangs zur modernen Kultur. Eine neue Lebens- und Denkweise zeichnete sich ab und damit veränderte sich auch das künstlerische Selbstbewusstsein einer neuen Kultur. Die Aufklärung sah in Unwissenheit, Vorurteilen und Aberglauben die Hauptursache menschlicher Katastrophen und sozialer Übel, und in Bildung, philosophischer und wissenschaftlicher Tätigkeit, in Gedankenfreiheit - den Weg des kulturellen und sozialen Fortschritts.
Die Ideen sozialer Gleichheit und persönlicher Freiheit bemächtigten sich zunächst des dritten Standes, aus dessen Mitte die meisten Humanisten hervorgingen. Die Mittelschicht bestand aus dem wohlhabenden Bürgertum und Menschen der freien Berufe, sie verfügte über Kapital, berufliche und wissenschaftliche Kenntnisse, gemeinsame Ideen und geistige Bestrebungen. Das Weltbild des Dritten Standes kam am deutlichsten in der Aufklärungsbewegung zum Ausdruck – antifeudalistisch im Inhalt und revolutionär im Geiste.
Auch auf der Ebene des ästhetischen Bewusstseins fanden radikale Veränderungen statt. Die wesentlichen Gestaltungsprinzipien des 17. Jahrhunderts – Klassizismus und Barock – erhielten im Zuge der Aufklärung neue Qualitäten, denn die Kunst des 17. Jahrhunderts wandte sich dem Abbild der realen Welt zu. Künstler, Bildhauer, Schriftsteller haben es in Gemälden und Skulpturen, Geschichten und Romanen, in Theaterstücken und Performances nachgebildet. Die realistische Ausrichtung der Kunst veranlasste die Schaffung einer neuen kreativen Methode.
Die Literatur stützte sich auf die öffentliche Meinung, die sich in Zirkeln und Salons bildete. Der Hof war nicht mehr das einzige Zentrum, das alle anstrebten. Die philosophischen Salons von Paris kamen in Mode, wo Voltaire, Diderot, Rousseau, Helvetius, Hume, Smith besuchten. Von 1717 bis 1724 wurden mehr als anderthalb Millionen Bände Voltaire und etwa eine Million Bände Rousseau gedruckt. Voltaire war ein wirklich großer Schriftsteller – er verstand es, das ernsteste Thema, das die Aufmerksamkeit seiner Zeitgenossen auf sich zog, einfach und in einer schönen, eleganten Sprache zu verstehen und zu erklären. Er hatte einen enormen Einfluss auf die Köpfe des gesamten aufgeklärten Europas. Sein böses Gelächter, das uralte Traditionen zerstören konnte, wurde mehr gefürchtet als alle Anschuldigungen. Er betonte nachdrücklich den Wert der Kultur. Er stellte die Geschichte der Gesellschaft als Entwicklungsgeschichte der Kultur und der menschlichen Bildung dar. Voltaire predigte die gleichen Ideen in seinen dramatischen Werken und philosophischen Geschichten („Candide oder Optimismus“, „Innocent“, „Brutus“, „Tancred“ usw.).
Die Richtung des aufklärerischen Realismus wurde in England erfolgreich entwickelt. Die ganze Gruppe von Ideen und Träumen von einer besseren natürlichen Ordnung fand künstlerischen Ausdruck in dem berühmten Roman Robinson Crusoe von Daniel Defoe (1660-1731). Er schrieb mehr als 200 Werke verschiedener Genres: Gedichte, Romane, politische Essays, historische und ethnographische Werke. Das Buch über Robinson ist nichts als die Geschichte eines isolierten Individuums, das sich der erzieherischen und korrigierenden Arbeit der Natur hingegeben hat, einer Rückkehr zum Naturzustand. Weniger bekannt ist der zweite Teil des Romans, der von einer spirituellen Wiedergeburt auf einer Insel fernab der Zivilisation erzählt.
Deutsche Schriftsteller, die auf den Positionen der Aufklärung verharrten, suchten nach nichtrevolutionären Methoden zur Bekämpfung des Bösen. Sie betrachteten die ästhetische Bildung als die Hauptkraft des Fortschritts und die Kunst als das Hauptmittel. Deutsche Schriftsteller und Dichter bewegten sich von den Idealen der öffentlichen Freiheit zu den Idealen der moralischen und ästhetischen Freiheit. Ein solcher Übergang ist charakteristisch für das Werk des deutschen Dichters, Dramatikers und aufklärerischen Kunsttheoretikers Friedrich Schiller (1759-1805). In seinen frühen Theaterstücken, die ein großer Erfolg wurden, protestierte der Autor gegen Willkür und Klassenvorurteile. „Gegen Tyrannen“ – der Epigraph zu seinem berühmten Drama „Räuber“ – spricht direkt von seiner gesellschaftlichen Ausrichtung.
Neben den in Europa allgemein akzeptierten Stilrichtungen des Barock und des Klassizismus kamen im 17. und 18. Jahrhundert neue hinzu: Rokoko, Sentimentalismus, Vorromantik. Anders als in früheren Jahrhunderten gibt es keinen einheitlichen Stil der Epoche, die Einheit der künstlerischen Sprache. Die Kunst des 18. Jahrhunderts wurde zu einer Art Enzyklopädie verschiedener Stilformen, die von Künstlern, Architekten und Musikern dieser Zeit weit verbreitet waren. In Frankreich war die künstlerische Kultur eng mit dem höfischen Umfeld verbunden. Der Rokoko-Stil entstand in der französischen Aristokratie. Die Worte Ludwigs XV. (1715-1754) „Nach uns – sogar eine Flut“ können als charakteristisch für die Stimmung angesehen werden, die in höfischen Kreisen vorherrschte. Strenge Etikette wurde durch eine frivole Atmosphäre, Lust und Spaß ersetzt. Die Aristokratie hatte es eilig, sich vor der Flut in der Atmosphäre galanter Festlichkeiten zu vergnügen, deren Seele Madame Pompadour war. Die höfische Umgebung prägte teilweise selbst den Stil des Rokoko mit seinen kapriziösen, skurrilen Formen. Antoine Watteau (1684-1721), ein Hofmaler, kann als Begründer des Rokoko in der Malerei angesehen werden. Die Helden von Watteau sind Schauspielerinnen in weiten Seidenkleidern, Dandys mit trägen Bewegungen, Amoretten, die in der Luft herumtollen. Schon die Titel seiner Werke sprechen für sich: „The Capricious“, „The Feast of Love“, „Society in the Park“, „The Predicament“. 
Watteau „Die Zwangslage“.
Als Maler war Watteau viel tiefer und komplexer als seine zahlreichen Anhänger. Er studierte fleißig die Natur, schrieb viel aus der Natur. Nach dem Tod Watteaus trat Francois Boucher (1704-1770) an seinen Platz am Hof. Als sehr geschickter Handwerker arbeitete er viel auf dem Gebiet der dekorativen Malerei, fertigte Skizzen für Wandteppiche an, um auf Porzellan zu malen. Typische Handlungsstränge sind „Der Triumph der Venus“, „Die Toilette der Venus“, „Das Baden der Diana“. In den Werken von Boucher kamen die Manierismen und die Erotik des Rokoko besonders eindringlich zum Ausdruck, was ihm von Moralpädagogen immer wieder vorgeworfen wurde.
In der Ära der Französischen Revolution triumphierte ein neuer Klassizismus in der Kunst. Der Klassizismus des 18. Jahrhunderts ist keine Weiterentwicklung des Klassizismus des vorigen Jahrhunderts – er ist ein grundlegend neues historisches und künstlerisches Phänomen. Gemeinsamkeiten: Berufung auf die Antike als Norm und künstlerisches Vorbild, Behauptung der Überlegenheit der Pflicht über das Gefühl, gesteigerte Abstraktion des Stils, Pathos der Vernunft, Ordnung und Harmonie. Der Exponent des Klassizismus in der Malerei war Jacques Louis David (Lebensjahre: 1748-1825). Sein Gemälde „Der Eid der Horatier“ wurde zum Kampfbanner neuer ästhetischer Anschauungen. Eine Verschwörung aus der Geschichte Roms (die Brüder Horace schwören einen Eid auf Pflichttreue und Kampfbereitschaft) wurde im revolutionären Frankreich zum Ausdruck republikanischer Gesinnung.
J. S. Bach
Das 18. Jahrhundert brachte viele neue Dinge für das musikalische Schaffen. Im 18. Jahrhundert stieg die Musik auf das Niveau anderer Künste auf, die seit der Renaissance floriert hatten. Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Christoph Gluck, Franz Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart stehen an der Spitze der Tonkunst des 18. Jahrhunderts. Das damalige Aufblühen der Musik als eigenständige Kunstform erklärt sich aus dem Bedürfnis nach einem poetischen, emotionalen Ausdruck der menschlichen Geisteswelt. Im Werk von Bach und Händel wurde die Kontinuität musikalischer Traditionen noch gewahrt, aber sie begannen eine neue Etappe in der Musikgeschichte. Johann Sebastian Bach (Leben: 1685-1750) gilt als unübertroffener Meister der Polyphonie. Er arbeitete in allen Genres und schrieb etwa 200 Kantaten, Instrumentalkonzerte, Kompositionen für Orgel, Klavier usw. Besonders nahe stand Bach der demokratischen Linie der deutschen Kunsttradition, verbunden mit Poesie und Musik des protestantischen Chorals, mit Volksmelodie. Durch die spirituelle Erfahrung seines Volkes spürte er den tragischen Anfang im menschlichen Leben und gleichzeitig den Glauben an die endgültige Harmonie. Bach ist ein musikalischer Denker, der sich zu denselben humanistischen Prinzipien bekennt wie die Aufklärer. 
Mozart
Alles Neue, das für fortschrittliche Musikrichtungen charakteristisch war, verkörperte das Werk des österreichischen Komponisten Wolfgang Amadeus Mozart (Leben: 1756-1791). Zusammen mit Franz Joseph Haydn vertrat er die Wiener Klassik. Haydns Hauptgattung war die Symphonie, Mozarts Oper. Er veränderte die traditionellen Opernformen, führte psychologische Individualität in die Gattungstypen der Sinfonien ein. Er besitzt etwa 20 Opern: („Die Hochzeit des Figaro“, „Don Giovanni“, „Die Zauberflöte“); 50 symphonische Konzerte, zahlreiche Sonaten, Variationen, Messen, das berühmte „Requiem“, Chorkompositionen.
Sie entstand während der Spätrenaissance, und einige Forscher glauben, dass sie eine Art Reaktion der Intelligenz auf eine Reihe von Krisenphänomenen während der Renaissance wurde.
Allgemeine Merkmale der Epoche
Der Manierismus ist eine Übergangsphase aus der Frühen Neuzeit. Dies waren sehr schwierige Jahrzehnte in der Geschichte der westeuropäischen Länder. Immerhin fand damals die Herausbildung neuer gesellschaftspolitischer und wirtschaftlicher Systeme statt. All dies war mit der Führung größerer Kriege verbunden, an denen militärisch-politische Bündnisse und sogar ganze Staatenblöcke teilnahmen. In einer Reihe von Ländern gab es ernsthafte Veränderungen, die mit dem Übergang zur kapitalistischen Lebensweise verbunden waren.
Zudem war die damalige Bildungsgesellschaft durch die Plünderung Roms 1527 besonders erschüttert. All diese Veränderungen mussten sich auf das Weltbild der gebildeten Kreise auswirken. Manierismus ist eine Art Reaktion auf die Krise humanistischer Ideale, die den Menschen und seine Existenz verherrlichten. Daher wandten sich viele Künstler, Bildhauer und Architekten in ihrer Arbeit neuen Suchen zu.
Richtungsmerkmale
Ein neuer Stil entstand in Italien und verbreitete sich dann in einer Reihe europäischer Länder. Zunächst wurden seine Prinzipien von Künstlern aus Frankreich und den Niederlanden geteilt. Diese Richtung zeichnet sich durch folgende Merkmale aus: der Wunsch, die Harmonie der äußeren und geistigen Erscheinung zu vermitteln, die Dehnung und Dehnung der Linien, die Intensität der Posen. Dies unterschied sich von der harmonischen Wahrnehmung der Renaissance-Künstler, die in ihren Werken Ruhe vermitteln wollten und sich auch besonders um die Proportionalität der Formen in der Komposition kümmerten.
In der Bildhauerei begannen die Meister, der Plastizität und Eleganz besondere Aufmerksamkeit zu schenken. In der Architektur gab es auch eine Verletzung der für die vorangegangene Epoche charakteristischen Harmonie der Formen.
Beim Malen
Die Malschule in Italien wurde zum Begründer einer neuen Richtung. Es entwickelte sich in Städten wie Florenz, Mantua. Ihre prominentesten Vertreter waren Vasari, Giulio Romano und andere. Die Gemälde von Künstlern dieser Richtung zeichnen sich durch eine komplexe Komposition, mythische Überlastung und eine besondere, helle Farbgebung aus. Die Themen waren sehr vielfältig, aber eines der Hauptthemen war der Gegensatz von himmlischer Liebe und irdischer Liebe. Spiritismus war charakteristisch für viele Werke von Malern.
In Frankreich (in Fontainebleau) hat sich eine eigene Malschule entwickelt. Viele niederländische Künstler ahmten italienische Autoren nach. Im Rahmen dieser Richtung entstand das Interesse an der Wiederbelebung des ritterlichen Porträts und mittelalterlicher Themen.
Skulptur und Gebäude
Der Manierismus in der Architektur war ebenfalls weit verbreitet. Gebäude in diesem Stil zeichnen sich durch eine Verletzung der Proportionen und Linien der Fassaden aus. Die Architekten versuchten, beim Betrachter ein Gefühl der Besorgnis zu wecken, das den Zeitgeist manifestierte, nämlich die Krise der Renaissance-Werte und den Verlust eines Gefühls von Harmonie und Frieden. Ein Beispiel für Gebäude in diesem Stil ist die Laurentianische Bibliothek in Florenz (Autor - Michelangelo). Im gleichen Stil wurde der Platz in Mantua geschmückt, sowie die Loggia im Galeriegebäude in den Uffizien.
Der Manierismus ist eine Übergangsphase zwischen Renaissance und Barock. In der Bildhauerei wurden die gleichen Phänomene beobachtet wie in der Architektur und Malerei. Der prominenteste Vertreter ist B. Cellini. Seine Arbeiten zeichnen sich durch betonte Eleganz und Raffinesse aus, sogar durch eine gewisse Prätentiösität von Formen und Farben.
Platz in der Kultur
Der Manierismus ist eine wichtige Etappe in der Kunstgeschichte. Viele Forscher sehen darin die Anfänge des Rokoko und Frühbarock. Natürlich wirkten sich viele Elemente dieses Trends auf nachfolgende Trends aus. Barock zum Beispiel übernahm aus dieser Richtung die Prätentiösität der Formen, die Komplexität der Komposition, Rokoko - Eleganz und anmutige Art der Bilder. Im Allgemeinen ist Manierismus in der bildenden Kunst trotz aller oben genannten Merkmale der Aufführungstechnik ein ziemlich weites und lockeres Konzept.
In den Werken von Renaissance-Künstlern sind beispielsweise die Merkmale dieses Stils bereits nachgezeichnet. Raffael war einer der ersten, der sich etwas von der üblichen Form des Klassizismus entfernte und begann, seinen Figuren Verlängerung zu verleihen. In den Leinwänden von Leonardo da Vinci gibt es einige Merkmale, die auf Manierismus hindeuten: die unterstrichene Raffinesse einiger Bilder und eine besondere Verfeinerung, Spiritualität.
Beeinflussen
Es ist bezeichnend, dass die Renaissance und der Manierismus bei der Definition der Prinzipien des künstlerischen Schaffens voneinander abwichen. Schließlich tauchte eine neue Richtung gerade auf, als die klassischen Formen der Renaissance noch als Vorbild galten. Aber noch interessanter ist die Tatsache, dass der Manierismus im 20. Jahrhundert sehr beliebt war. Es gibt sogar den Begriff des "Neo-Manierismus", unter dem man die Nachahmung einiger zeitgenössischer Künstler in dieser Richtung zu verstehen pflegt. Es gibt einen Standpunkt, dass diese Richtung die häusliche Kunst der Silberzeit beeinflusste. Die Gründe für diesen Einfluss sind darin zu suchen, dass der Manierismus eine Übergangsstufe zwischen Renaissance und Barock war. Es ist von Natur aus eklektisch, also etwas universell. In unserer Zeit ist Manierismus wegen seiner ungewöhnlichen und anspruchsvollen Formen, Originalität der Herangehensweisen sowie einer aktiven Suche nach Farblösungen interessant.
Antwort links Gast
17. Jahrhundert - eine bedeutende Etappe in der Geschichte der westeuropäischen Kultur, eine Zeit des weiteren Wachstums und der Stärkung der Nationalstaaten Europas, eine Zeit grundlegender wirtschaftlicher Veränderungen und sozialer Auseinandersetzungen, eine Zeit der Verschärfung der Widersprüche des sterbenden Feudalismus und des aufstrebenden Kapitalismus System, der Erwerb des nationalen Selbstbewusstseins der Massen. Die politische und wirtschaftliche Entwicklung der europäischen Länder ist ungleich. In Holland und England - der Sieg der bürgerlichen Revolutionen; in Frankreich und Spanien - Sieg des Absolutismus, in Italien und Deutschland - Despotismus der Kleinmacht. Adel und Bürgertum kämpften um die politische Vorherrschaft, und in diesem Kampf waren die Volksmassen die treibende Kraft.
Die Wissenschaft
Wirtschaftliche Bedürfnisse, die Expansion der verarbeitenden Industrie und des Handels trugen zum raschen Aufstieg der exakten und naturwissenschaftlichen Wissenschaften bei. Im 17. Jahrhundert vollzog den Übergang von einer poetisch-ganzheitlichen Weltanschauung zu eigentlichen wissenschaftlichen Methoden der Wirklichkeitserkenntnis. Das Motto der Ära können die Worte von Giordano Bruno genannt werden, der an seiner Schwelle sagte: „Die einzige Autorität sollte die Vernunft und die freie Forschung sein.“ Dies war die Zeit der großen Entdeckungen von Galileo, Kepler, Newton, Leibniz, Huygens in der Mathematik , Astronomie und verschiedene Bereiche der Physik, bemerkenswerte Errungenschaften des wissenschaftlichen Denkens, legten den Grundstein für die spätere Entwicklung dieser Wissenszweige.
Philosophie
Die Entwicklung der exakten Wissenschaften und der Naturwissenschaften diente direkt als Anstoß für einen gewaltigen Sprung im philosophischen Denken. Die Philosophie entwickelte sich in enger Verbindung mit den Wissenschaften. Die Ansichten von Bacon, Hobbes, Locke in England, Descartes in Frankreich, Spinoza in Holland waren von großer Bedeutung bei der Etablierung des Materialismus und der Bildung fortgeschrittener sozialer Ideen, im Kampf gegen idealistische Strömungen und kirchliche Reaktionen.
Literatur
Belletristik des 17. Jahrhunderts zeichnet sich durch einen weiten Realitätsbezug und vielfältige Gattungsformen aus: Hohe Tragödie und Romanze, Alltagskomödie und Kurzgeschichte, episches Drama und lyrische Handlung, Ode und Satire – in jeder dieser Gattungen wurden bleibende künstlerische Werte geschaffen. Der Beginn des Jahrhunderts ist mit den Namen Shakespeare und Cervantes verbunden. Die Koryphäen der nächsten Literaturgeneration sind Milton in England, Calderoy in Spanien und die großen französischen Dramatiker Corneille, Racine und Molière.
Musik
17. Jahrhundert - Dies ist eine Zeit der allmählichen Befreiung der Musik von Kultformen und eines breiten Eindringens weltlicher Elemente in sie. Dies ist die Zeit der Geburt und Herausbildung neuer Musikgattungen: Oper, Oratorium, Instrumentalmusik und die Entwicklung der ihnen entsprechenden künstlerischen Mittel.
Kunst.
Entsprechend der Nationalstaatsbildung in Westeuropa nehmen nationale Kunstschulen Gestalt an. In England begünstigte die puritanische Bewegung die Entwicklung der schönen Künste nicht. In Deutschland stagnierte das künstlerische Leben nach der Niederlage der Bauernrevolutionen fast zwei Jahrhunderte lang. Italien ist trotz der Fragmentierung dank der starken künstlerischen Traditionen der Renaissance weiterhin der führende, oder besser gesagt einer der führenden europäischen Staaten auf dem Gebiet der künstlerischen Kultur. Die höchsten Errungenschaften der westeuropäischen Kunst des 17. Jahrhunderts. verbunden mit der Kunst Italiens, Flanderns, Hollands, Spaniens und Frankreichs. Man kann von den nationalen Besonderheiten der Kunst jedes der Länder sprechen und gleichzeitig von gegenseitigen Gemeinsamkeiten, die es ermöglichen, das 17. Jahrhundert als eine gewisse integrale Etappe in der Geschichte der westeuropäischen Kunst zu betrachten.
