Sa pagpasok ng ika-16 at ika-17 siglo, nakaranas ang Europa ng panahon ng transisyon mula sa Middle Ages hanggang sa Bagong Panahon. Ang panahong ito ay may pambihirang kahalagahan para sa kasaysayan ng Europa. Tinatawag ito ng maraming istoryador na "panahon ng mahusay na pambihirang tagumpay", at sa magandang dahilan.

Pinakamainam na isaalang-alang ang kasaysayan ng Bagong Panahon mula sa panahon ng Repormasyon at ang Great Geographical Discoveries. Ang pagtuklas sa Bagong Daigdig, isang bagong ruta ng dagat patungo sa India at sa mga lupain ng Timog-silangang Asya, at sa wakas, ang mga unang paglalakbay sa buong mundo ay hindi lamang nakabuo ng mga bagong ideya para sa mga Europeo tungkol sa mundo sa kabuuan, ngunit humantong din sa isang pagbabago sa geopolitical na interes ng mga estado sa Europa. Ang pagbuo ng Europa bilang isang solong kabuuan na sumasalungat sa ibang bahagi ng mundo ay nagsimula.

Sa panahong ito inilatag ang mga pamamaraan ng kapitalistang moda ng produksyon, ang antas ng mga produktibong pwersa ay tumaas nang malaki, at ang mga anyo ng organisasyon ng produksyon ay nagbago. Salamat sa pagpapakilala ng mga teknikal na pagbabago, ang produktibidad ng paggawa ay tumaas at ang bilis ng pag-unlad ng ekonomiya ay bumilis.

Ang mahusay na mga pagtuklas sa heograpiya ay nagpasigla sa mga aktibong internasyonal na ugnayan, pangunahin ang mga pang-ekonomiya, at ang mga relasyon sa kalakal-pera ay naitatag. Ang mga kayamanan ay dumaloy mula sa mga bagong natuklasang lupain, na nagresulta sa pagtaas ng mga presyo, na tinatawag na "rebolusyon sa presyo", na nag-ambag sa paglago ng yaman ng pera sa mga negosyante, mangangalakal, ito ay nagsilbing paunang akumulasyon ng kapital. Ang proseso ng pagbuo ng mga pambansang pamilihan, pan-European at pandaigdigang pamilihan, ay lumalim. Sa kauna-unahang pagkakataon sa kasaysayan ng sangkatauhan mayroong mga palitan ng stock.

Nagkaroon ng malalaking pagbabago sa agrikultura. Sa England, France, Netherlands, halos lahat ng mga magsasaka ay personal nang malaya. Ang pinakamahalagang pagbabago ay ang malawakang pag-unlad ng mga relasyon sa pag-upa. Pinaupahan ng mga may-ari ng lupa ang lupa sa mga magsasaka. Ito ay mas kumikita sa ekonomiya kaysa sa organisasyon ng kanilang sariling ekonomiya ng panginoong maylupa.

Sa panahon ng Repormasyon, nahati ang Simbahang Katoliko. Ang isang bagong pananaw sa mundo batay sa humanismo ay nahuhubog. Ang isang konkretong tao ay naging sentro ng mundo.

XVI-XVII na siglo minarkahan ng unang rebolusyong siyentipiko. Ang mga progresibong pagbabago ay nagaganap sa pag-unlad ng natural na agham, sa larangan ng pisika, matematika, at astronomiya. Malaking kontribusyon ang ginawa ng mga siyentipiko tulad nina Nicolaus Copernicus, Galileo Galilei, Leonardo da Vinci, Giordano Bruno at iba pa.

Kaugnay ng mga paglalakbay sa buong daigdig, mga ekspedisyon, nagtagumpay ang Inglatera, Portugal, Holland, at Espanya sa patakarang kolonyal. Sa kaninong mga kamay ay may malalaking kolonyal na pag-aari.

Ang mga kontradiksyon sa pagitan ng mga naghaharing uri ay humantong sa mga burgis na rebolusyon, una sa England noong ika-17 siglo, at pagkatapos ay sa France, Germany at iba pang mga bansa.

Ang kinahinatnan ng mga rebolusyong burges ay hindi lamang ang kalayaan ng aktibidad sa ekonomiya, kundi pati na rin ang mga pagbabago sa mga anyo ng gobyerno at ang pagtataguyod at pagbuo ng paghahari ng batas at lipunang sibil.

Sa Pransya, ang isang ganap na monarkiya ay napanatili pa rin, isang kakaibang istrukturang panlipunan ang nabuo, kung saan hindi mga negosyante, ngunit mga usurero, mga operasyon sa pagsasaka ang nanaig, ang pinakamalaking administratibo at kagamitan ng estado ay nabuo. Ang ganitong mga makasaysayang tampok ay humantong sa isang makabuluhang pakikilahok sa mga proseso ng ekonomiya ng estado ng Pransya, na sumusuporta sa pag-unlad ng mga pabrika at isang aktibong patakaran sa kalakalang panlabas.

Ang Italya sa simula ng Bagong Panahon ay hindi kumakatawan sa isang estado. Ang pagkapira-piraso ng pulitika ay humadlang sa pag-unlad ng industriya at kalakalan. Ang mga magsasaka ay nakaranas ng pinakamalaking paghihirap.

Ang isang tampok ng pag-unlad ng Alemanya ay ang pagpapanatili ng politikal na pagkapira-piraso ng bansa, na, kasama ng iba pang mga kadahilanan, ay nagpabagal sa pag-unlad ng kapitalistang relasyon at humantong sa mahirap na sitwasyon ng magsasaka.

Mga pangunahing kaganapan sa kasaysayan ng XVI-XVII na siglo. sa Alemanya ay ang Repormasyon, Digmaan ng mga Magsasaka, at Digmaang Tatlumpung Taon sa isang pan-European na sukat.

Bilang resulta ng mga kaguluhang ito, ang paglipat sa Bagong Panahon sa Alemanya ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagtatatag ng pinakamatinding anyo ng serfdom.

godunov imposture rule pag-aalsa

Unibersidad: VZFEI

Taon at lungsod: Vladimir 2009

Opsyon 15

Panimula

1. Ang pag-unlad ng agham at pilosopiya sa Europa noong ika-17 siglo. Ang simula ng unang yugto ng rebolusyong pang-agham at teknolohikal.

2. Ang pag-unlad ng pagpipinta sa Netherlands. Dekorasyon ng mga paaralan ng sining

Baroque style.

3.Kultura ng France noong ika-17 siglo. Dekorasyon sa klasikong istilo.

4. Kultura ng Ingles noong ika-17 siglo.

Konklusyon

Bibliograpiya.

Panimula

Ang ika-17 siglo ay isang pagbabago sa pag-unlad ng lipunan ng tao: ang Middle Ages ay nagtatapos at ang New Age ay nagsisimula. Ang mga sentral na kaganapan sa siglong ito ay ang huling yugto ng Dakilang mga pagtuklas sa heograpiya, ang unang rebolusyong siyentipiko, gayundin ang panlipunan, burges na rebolusyon sa England. Ang resulta ng mga tagumpay na ito ay ang pagbuo ng isang pandaigdigang pamilihan, kapag ang mga regular na ugnayang pang-ekonomiya ay itinatag sa pagitan ng lahat ng mga kontinente, at ang mga relasyong kapitalista ay naitatag sa Europa.

Natural, ang mga prosesong ito ay nakaimpluwensya sa pag-unlad noong ika-17 siglo. kulturang Europeo.

Ang pag-unlad ng agham at pilosopiya sa Europa noong ika-17 siglo. Ang simula ng unang yugto ng rebolusyong pang-agham at teknolohikal.

Kabilang sa iba't ibang uri ng espirituwal na kultura, isang espesyal na lugar sa siglo XVII. inookupahan taba, na hindi lamang tumanggap ng pag-unlad, ngunit gumawa ng isang pambihirang tagumpay, na tinatawag na ang unang taba rebolusyon sa kasaysayan ng sangkatauhan. Ang resulta nito ay ang pagbuo ng modernong agham.

Ang pinakamahalagang yugto sa pag-unlad ng agham ay ang Bagong Panahon - XVI-XVII na siglo. Dito, ang mga pangangailangan ng umuusbong na kapitalismo ay gumanap ng isang mapagpasyang papel. Sa panahong ito, ang pangingibabaw ng relihiyosong pag-iisip ay pinahina, at ang eksperimento (eksperimento) ay itinatag bilang ang nangungunang paraan ng pananaliksik, na, kasama ng pagmamasid, ay radikal na pinalawak ang saklaw ng nakikilalang katotohanan. Sa oras na ito, nagsimulang isama ang teoretikal na pangangatwiran sa praktikal na paggalugad ng kalikasan, na kapansin-pansing nadagdagan ang mga kakayahan sa pag-iisip ng agham. Ang malalim na pagbabagong ito ng agham, na naganap noong ika-16-17 siglo, ay itinuturing na unang rebolusyong pang-agham na nagbigay sa mundo ng mga pangalan tulad ng I. Copernicus, G. Galileo, J. Bruno, I. Kepler, W. Garvey, R Descartes, X. Huygens, I. Newton at iba pa.

Ang mga pangangailangang pang-ekonomiya, ang pagpapalawak ng industriya ng pagmamanupaktura, ang kalakalan ay nag-ambag sa mabilis na pagtaas ng eksaktong at natural na agham. Noong ika-17 siglo nakumpleto ang paglipat mula sa isang poetic-holistic na persepsyon sa mundo tungo sa wastong siyentipikong pamamaraan ng pagkilala sa katotohanan. Ang motto ng panahon ay maaaring tawaging mga salita ni Giordano Bruno, sinabi sa threshold nito: "Ang tanging awtoridad ay dapat na dahilan at libreng pananaliksik. Ito ang panahon ng mga dakilang pagtuklas ng Galileo, Kepler, Newton, Leibniz, Huygens sa matematika , astronomiya at iba't ibang larangan ng pisika, mga kahanga-hangang tagumpay ng siyentipikong pag-iisip, naglatag ng mga pundasyon para sa kasunod na pag-unlad ng mga sangay ng kaalamang ito.
Galileo Galilei(1564-1642), ang Italyano na siyentipiko, isa sa mga tagapagtatag ng eksaktong natural na agham, ay itinuturing na karanasan bilang batayan ng kaalaman. Pinabulaanan niya ang mga maling posisyon ni Aristotle at inilatag ang mga pundasyon ng modernong mekanika: inilagay niya ang ideya ng relativity ng paggalaw, itinatag ang mga batas ng pagkawalang-galaw, libreng pagkahulog at paggalaw ng mga katawan sa isang hilig na eroplano, at ang pagdaragdag ng mga paggalaw. . Siya ay nakikibahagi sa pagbuo ng mga mekanika, nagtayo ng isang teleskopyo na may 32-tiklop na pagtaas, salamat sa kung saan siya ay gumawa ng isang bilang ng mga astronomical na pagtuklas, ipinagtanggol ang heliocentric system ng mundo, kung saan siya ay sumailalim sa korte ng Inquisition (1633) at ginugol ang katapusan ng kanyang buhay sa pagkatapon.
Johannes Kepler(1871-1630), Aleman na astronomo, isa sa mga tagapagtatag ng modernong astronomiya. Natuklasan niya ang mga batas ng paggalaw ng planeta, pinagsama-sama ang mga talahanayan ng planeta, inilatag ang mga pundasyon para sa teorya ng mga eklipse, nag-imbento ng bagong teleskopyo na may mga binocular lens.
Isaac Newton(1643-1727), English mathematician, mekaniko, astronomer at physicist, tagalikha ng klasikal na mekanika. Natuklasan niya ang dispersion ng liwanag, chromatic aberration, nakabuo ng teorya ng liwanag na pinagsama ang corpuscular at wave na representasyon. Natuklasan niya ang batas ng unibersal na grabitasyon at nilikha ang mga pundasyon ng celestial mechanics.
Gottfried Leibniz(1646-1716), German mathematician, physicist, philosopher, linguist. Ang isa sa mga tagalikha ng differential calculus, ay inaasahan ang mga prinsipyo ng modernong mathematical logic. Sa diwa ng rasyonalismo, binuo niya ang doktrina ng likas na kakayahan ng isip na kilalanin ang mas mataas na kategorya ng pagiging at ang unibersal na kinakailangang mga katotohanan ng lohika at matematika.
Christian Huygens(1629 - 1695) - Ang Dutch na siyentipiko, ay nag-imbento ng isang pendulum na orasan na may escapement, itinatag ang mga batas ng oscillation ng isang pisikal na pendulum. Nilikha niya ang wave theory of light.Kasama ni R. Hooke, itinatag niya ang mga pare-parehong punto ng thermometer. Pinahusay ang teleskopyo (Huygens eyepiece), natuklasan ang singsing ng Saturn. Ang may-akda ng isa sa mga unang treatise sa teorya ng probabilidad.
Nag-ambag ang mga siyentipiko tulad nina Harvey, Malpighi, Leeuwenhoek sa maraming sangay ng biology.
William Harvey(1576-1637), Ingles na manggagamot, tagapagtatag ng modernong pisyolohiya at embryolohiya. Inilarawan niya ang malaki at maliit na bilog ng sirkulasyon ng dugo, sa unang pagkakataon ay ipinahayag ang ideya ng pinagmulan ng "lahat ng nabubuhay na bagay mula sa itlog."
Marcello Malpighi(1628-1694), ang Italyano na biologist at manggagamot, isa sa mga tagapagtatag ng microanatomy, ay natuklasan ang sirkulasyon ng capillary.
Anton Leeuwenhoek(1632-1723), Dutch naturalist, isa sa mga tagapagtatag ng siyentipikong mikroskopya. Gumawa siya ng mga lente na may 150-300-fold magnification, na naging posible upang pag-aralan ang mga microbes, mga selula ng dugo, atbp.
Kaya, ang mga gawa ng mga siyentipiko-mananaliksik ng siglo XVII. lumikha ng batayan para sa pag-unlad ng teknolohiya.

Pilosopiya
Ang pag-unlad ng eksaktong at natural na mga agham ay direktang nagsilbing isang impetus para sa isang malakas na hakbang sa pilosopikal na pag-iisip. Ang pilosopiya ay nabuo na may malapit na kaugnayan sa mga agham. Ang mga pananaw ni Bacon, Hobbes, Locke sa England, Descartes sa France, Spinoza sa Holland ay may malaking kahalagahan sa pagtatatag ng materyalismo at pagbuo ng mga advanced na ideya sa lipunan, sa pakikibaka laban sa idealistikong mga agos at reaksyon ng simbahan.
Francis Bacon(1561 - 1626), isang Ingles na pilosopo, ang nagtatag ng Ingles na materyalismo, ay si Lord Chancellor sa ilalim ni King James I. Sa kanyang treatise na "New Organon" (1620), ipinahayag niya ang layunin ng agham na pataasin ang kapangyarihan ng tao sa kalikasan at iminungkahi ng isang reporma ng siyentipikong pamamaraan ng katalusan, ang batayan kung saan itinuturing niyang apela sa karanasan at pagproseso nito sa pamamagitan ng induction. Isinulat ni Bacon ang utopia na "New Atlantis", kung saan binalangkas niya ang proyekto ng organisasyon ng agham ng estado.
Ang pilosopiya ng Bacon, na nabuo sa kapaligiran ng siyentipiko at kultural na pagsulong ng Europa sa bisperas ng mga rebolusyong burges, ay nagkaroon ng napakalaking impluwensya sa buong panahon ng pilosopikal at siyentipikong pag-unlad; ang klasipikasyon ng kaalaman na iminungkahi niya ay tinanggap ng mga French encyclopedist. Ang kanyang pagtuturo ay naglatag ng materyalistikong tradisyon sa pilosopiya ng modernong panahon, at ang kanyang induktibong pamamaraan ay naging batayan para sa pagbuo ng induktibong lohika.

Thomas Hobbes(1568-1679) ipinagpatuloy ang linya ng Bacon, itinuring ang kaalaman bilang isang kapangyarihan at kinikilala ang praktikal na paggamit nito bilang ang pinakahuling gawain ng pilosopiya. Nilikha ni Hobbes ang unang sistema ng mekanistikong materyalismo sa kasaysayan ng pilosopiya. Ang panlipunang doktrina ng Hobbes tungkol sa estado at ang papel ng kapangyarihan ng estado ay may malaking epekto sa pag-unlad ng European social thought.
Ang mga ideya ni Francis Bacon ay binuo din ni John Locke (1632-1704), isang pilosopo-enlightener ng Ingles at palaisip sa politika. Binuo niya ang empirikal na teorya ng kaalaman at ang ideolohikal at politikal na doktrina ng liberalismo. Ayon kay Marx, si Locke ay "... ang klasikong tagapagtaguyod ng mga legal na ideya ng burges na lipunan kumpara sa pyudal na lipunan." Malaki ang papel na ginagampanan ng mga ideya ni Locke sa kasaysayan ng pilosopikal at sosyo-politikal na kaisipan ng European Enlightenment.
Ang pinakatanyag na kinatawan ng pilosopiyang Pranses noong siglo XVII. maniwala nang tama Rene Descartes(1596-1650). Isang pilosopo, mathematician, physicist at physiologist, siya ay isang unibersal na revivalist na uri ng personalidad na nabubuhay noong ika-17 siglo. at sumasalamin sa mga akdang siyentipiko at pilosopikal ang pagiging kumplikado at hindi pagkakapare-pareho ng magulong panahon nito. Inilatag niya ang mga pundasyon ng analytical geometry, bumalangkas ng mga batas at konsepto mula sa larangan ng mechanics, lumikha ng teorya ng pagbuo at paggalaw ng mga celestial body dahil sa vortex motion ng matter particle. Ngunit ang isang espesyal na kontribusyon sa kultura ng mundo ay kay Descartes na pilosopo. Si Descartes ang may-akda ng sikat na kasabihan: "I think, therefore I am." Si Descartes ay isang kinatawan ng pilosopiya ng dualismo. Ayon kay Descartes, ang karaniwang sanhi ng paggalaw ay ang Diyos, na lumikha ng bagay, galaw at pahinga. Ang tao ay isang walang buhay na mekanismo ng katawan at isang kaluluwa na may pag-iisip at kalooban. Ang agarang katiyakan ng kamalayan ay sumasailalim sa lahat ng kaalaman. Sinubukan ni Descartes na patunayan ang pagkakaroon ng Diyos at ang katotohanan ng panlabas na mundo. Ang mga pangunahing gawa ni Descartes ay "Geometry" (1637), "Discourse on the Method ..." (1637), "Principles of Philosophy" (1644).
Benedict Spinoza(1632-1677), Olandes na materyalistang pilosopo, panteista, tulad ng marami sa kanyang mga kontemporaryo, inilipat ang mga batas sa matematika sa pilosopiya. Naniniwala siya na ang mundo ay isang natural na sistema na maaaring malaman sa pamamagitan ng mathematical method. Ang kalikasan, ayon kay Spinoza, ay Diyos, isang nag-iisa, walang hanggan, walang katapusan na sangkap. Ang pag-iisip at pagkahumaling ay ang mga hindi maalis na katangian nito, habang ang mga bagay at ideya ay iisang phenomena (modes). Ang tao ay bahagi ng kalikasan, ang kanyang kaluluwa ay isang paraan ng pag-iisip, ang kanyang katawan ay isang paraan ng extension. Ang kalooban at isip ay iisa, lahat ng kilos ng tao ay kasama sa tanikala ng pandaigdigang pagpapasiya. Malaki ang impluwensya ng pagtuturo ni Spinoza sa pag-unlad ng ateismo at materyalismo.

Rebolusyong siyentipiko noong ika-17 siglo. konektado sa rebolusyon sa natural na agham. Ang pagbuo ng mga produktibong pwersa ay nangangailangan ng paglikha ng mga bagong makina, ang pagpapakilala ng mga proseso ng kemikal, kaalaman sa mga batas ng mekanika, at tumpak na mga instrumento para sa mga obserbasyon sa astronomiya.

Ang rebolusyong siyentipiko ay dumaan sa ilang yugto, at ang pagbuo nito ay tumagal ng isang siglo at kalahati. Ang simula nito ay inilatag ni N. Copernicus (1473-1543) at ng kanyang mga tagasunod na sina Bruno, Galileo, Kepler. Noong 1543, inilathala ng Polish scientist na si N. Copernicus ang aklat na "On the Revolutions of the Celestial Spheres", kung saan inaprubahan niya ang ideya na ang Earth, tulad ng ibang mga planeta ng Solar System, ay umiikot sa Araw, na siyang gitnang katawan. ng Solar System. Itinatag ni Copernicus na ang Earth ay hindi isang eksklusibong celestial body. Ito ay isang suntok sa anthropocentrism at relihiyosong mga alamat, ayon sa kung saan ang Earth ay sinasabing sumasakop sa isang sentral na posisyon sa uniberso. Ang geocentric system ni Ptolemy, na tinanggap sa loob ng maraming siglo, ay tinanggihan. Ngunit ang gawain ni Copernicus mula 1616 hanggang 1828 ay ipinagbawal ng Simbahang Katoliko.

Binuo ang mga turo ni Copernicus noong siglo XVI. ang Italyano na palaisip na si J. Bruno (1548-1600), ang may-akda ng mga gawa, makabagong para sa kanyang panahon, On Infinity, the Universe and the Worlds, On Cause, Beginning and One. Naniniwala siya na ang Uniberso ay walang hanggan at walang sukat, na kumakatawan ito sa hindi mabilang na bilang ng mga bituin, na ang bawat isa ay katulad ng ating Araw at sa paligid kung saan umiikot ang kanilang mga planeta. Ang opinyon ni Bruno ay ganap na ngayong kinumpirma ng agham. At pagkatapos, sa Middle Ages, para sa mga matapang na pananaw na ito, si J. Bruno ay inakusahan ng maling pananampalataya at sinunog ng Inkisisyon.

Si Galileo (1564-1642) ay nagmamay-ari ng pinakamalaking tagumpay sa larangan ng pisika at ang pagbuo ng pinakapangunahing problema - kilusan; ang kanyang mga nagawa sa astronomiya ay napakalaki: ang pagbibigay-katwiran at pag-apruba ng heliocentric system, ang pagtuklas ng apat na pinakamalaking satellite ng Jupiter sa 13 na kasalukuyang kilala; ang pagtuklas ng mga yugto ng Venus, ang pambihirang hitsura ng planetang Saturn, na kilala ngayon na nilikha ng mga singsing na kumakatawan sa isang koleksyon ng mga solidong katawan; isang malaking bilang ng mga bituin na hindi nakikita ng mata. Naging matagumpay si Galileo sa mga nagawang pang-agham sa malaking lawak dahil kinilala niya ang mga obserbasyon at karanasan bilang panimulang punto para sa kaalaman ng kalikasan.

Si Galileo ang unang nagmamasid sa kalangitan sa pamamagitan ng isang teleskopyo (isang teleskopyo na may 32x magnification ay itinayo mismo ng siyentipiko). Ang mga pangunahing gawa ni Galileo ay ang Starry Herald, Dialogues on the Two Systems of the World.

Ang isa sa mga lumikha ng modernong astronomiya ay si I. Kepler (1571-1630), na natuklasan ang mga batas ng paggalaw ng planeta, na ipinangalan sa kanya (mga batas ni Kepler). Binuo niya ang tinatawag na Rudolf planetary tables. Sa kanyang kredito sa paglalatag ng mga pundasyon ng teorya ng mga eklipse, naimbento niya ang isang teleskopyo na may mga biconvex lens. Inilathala niya ang kanyang mga teorya sa mga aklat na New Astronomy at Brief Review of Copernican Astronomy. Ang Ingles na manggagamot na si W. Harvey (1578-1657) ay itinuturing na tagapagtatag ng modernong pisyolohiya at embryolohiya. Ang kanyang pangunahing gawain ay An Anatomical Study on the Movement of the Heart and Blood in Animals. Inilarawan niya ang malaki at maliit na bilog ng sirkulasyon ng dugo. Ang kanyang pagtuturo ay pinabulaanan ang halo ng dati nang umiiral na mga Ideya na itinakda ng sinaunang Romanong manggagamot na si Golen (c.130-c.200). Si Harvey ang unang nagpahayag na "lahat ng bagay na nabubuhay ay nagmumula sa isang itlog". Gayunpaman, ang tanong ay nanatiling bukas kung paano ang dugo na nagmumula sa puso sa pamamagitan ng mga ugat ay bumalik dito sa pamamagitan ng mga arterya. Ang kanyang mga pagpapalagay tungkol sa pagkakaroon ng maliliit na nag-uugnay na mga sisidlan ay napatunayan noong 1661 ng Italyanong mananaliksik na si M. Molpigi (1628-1694), na natuklasan ang mga capillary na nag-uugnay sa mga ugat at arterya sa ilalim ng mikroskopyo.

Kabilang sa mga merito ni R. Descartes (1596-1650) - isang Pranses na siyentipiko (matematician, physicist, philologist, philosopher) - ang pagpapakilala ng coordinate axis, na nag-ambag sa pag-iisa ng algebra at geometry. Ipinakilala niya ang konsepto ng isang variable, na naging batayan ng kaugalian at integral na calculus ng Newton at Leibnitz. Ang mga pilosopikal na posisyon ni Descartes ay dualistic, nakilala niya ang kaluluwa at ang katawan, kung saan ang kaluluwa ay isang "pag-iisip" na sangkap, at ang katawan ay isang "pinalawak" na sangkap. Naniniwala siya na may Diyos, na nilikha ng Diyos ang bagay, paggalaw at pahinga. Ang mga pangunahing gawa ni Descartes ay ang "Geometry", "Discourse on Method", "Principles of Philosophy".

Ang Dutch scientist na si X. Huygens (1629-1695) ang nag-imbento ng pendulum clock, nagtatag ng mga batas ng pendulum motion, naglatag ng mga pundasyon para sa theory of impact, the wave theory of light, at nagpaliwanag ng birefringence. Siya ay nakikibahagi sa astronomiya - natuklasan niya ang singsing ng Saturn at ang satellite nito na Titan. Inihanda niya ang isa sa mga unang gawa sa teorya ng posibilidad.

Ang isa sa mga pinakadakilang siyentipiko sa kasaysayan ng sangkatauhan ay ang Englishman na si I. Newton (1643-1727). Sumulat siya ng isang malaking bilang ng mga gawaing pang-agham sa iba't ibang larangan ng agham ("Mathematical Principles of Natural Philosophy", "Optics", atbp.). Ang pinakamahalagang yugto sa pag-unlad ng optika, astronomiya, at matematika ay nauugnay sa kanyang pangalan. Nilikha ni Newton ang mga pundasyon ng mekanika, natuklasan ang batas ng unibersal na grabitasyon at binuo sa batayan nito ang teorya ng paggalaw ng mga celestial na katawan. Ang siyentipikong pagtuklas na ito ay niluwalhati si Newton magpakailanman. Siya ang nagmamay-ari ng gayong mga pagtuklas sa larangan ng mekanika gaya ng mga konsepto ng puwersa, enerhiya, ang pagbabalangkas ng tatlong batas ng mekanika; sa larangan ng optika, ang pagtuklas ng repraksyon, dispersion, interference, at diffraction ng liwanag; sa larangan ng matematika - algebra, geometry, interpolation, differential at integral calculus.

Noong siglo XVIII. Ang mga rebolusyonaryong pagtuklas ay ginawa sa astronomiya nina I. Kant at P. Laplace, gayundin sa kimika - ang simula nito ay nauugnay sa pangalang AL. Lavoisier.

Ang pilosopo ng Aleman, ang nagtatag ng pilosopiyang klasikal ng Aleman na si I. Kant (1724-1804) ay bumuo ng isang cosmogonic hypothesis ng pinagmulan ng solar system mula sa orihinal na nebula (treatise "General Natural History and Theory of the Sky").

P. Laplace (1749-1827) - Pranses na astronomo, mathematician, physicist, may-akda ng isang klasikong gawa sa probability theory at celestial mechanics (itinuring ang dynamics ng solar system sa kabuuan at ang katatagan nito). Sumulat si Laplace ng Treatise on Celestial Mechanics at isang Analytical Theory of Probability. Tulad ni Kant, iminungkahi niya ang isang cosmogonic hypothesis, ipinangalan ito sa kanya (Laplace's hypothesis).

Ang French chemist na si A.L. Lavoisier (1743-1794) ay itinuturing na isa sa
siya mula sa mga tagapagtatag ng modernong kimika. Sa pagsasaliksik
gumamit siya ng quantitative method. Ipaliwanag ang papel ng oxygen sa
mga proseso ng pagkasunog, pag-ihaw ng mga metal at paghinga. Isa sa mga nagtatag ng thermochemistry. Ang may-akda ng klasikong kurso na "Paunang aklat-aralin
Chemistry", pati na rin ang sanaysay na "Mga pamamaraan para sa pagbibigay ng pangalan sa mga elemento ng kemikal".

Pag-unlad ng pagpipinta sa Netherlands. Dekorasyon ng mga paaralan ng sining

Baroque style.

Ang ika-17 siglo ay isang ginintuang edad para sa pagpipinta ng Dutch: ang mga pambansang paaralan ng sining ay hindi alam ang sining ng korte, hindi nakikialam sa gawain ng mga pintor at ng simbahan. Ang sining ng Flemish ay nabuo sa medyo iba't ibang paraan. Matapos ang paghahati ng Netherlands sa Holland at Flanders, ang mga pangunahing kostumer para sa mga gawa ng sining sa Flanders ay ang mga maharlika, mas matataas na burghers at ang Simbahang Katoliko. Ang kaayusang panlipunan ay paunang natukoy ang layunin ng artistikong pagkamalikhain - upang palamutihan ang mga kastilyo, patriciate na mga bahay at mga lugar ng pagsamba. Samakatuwid, ang nangingibabaw na genre ng sekular na pagpipinta ay mga larawan ng mga marangal at mayayamang customer, mga eksena sa pangangaso, malalaking buhay na buhay.

Ang mga natatanging artista ng Flanders sa panahong ito ay sina Rubens, Van Dyck, Jordanes at Snyders.

Si Peter Paul Rubens (1577-1640) ay may pandaigdigang talento. Ang mga paksa ng kanyang mga canvases ay iba-iba (relihiyoso, mitolohiya, alegorikal, mga tanawin, mga eksena ng buhay magsasaka, mga larawan), ngunit lahat ng mga ito ay napuno ng isang malaking simula na nagpapatunay sa buhay. Ang master ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang kumbinasyon ng mga makatotohanang obserbasyon at senswal na kagandahan ng mga imahe, drama. Sa mga kuwadro na gawa, na ginawa sa istilong Baroque, kagalakan, kalunos-lunos, mabagyong kilusan. Ang mga canvases ay puno ng pandekorasyon na kinang at kulay. Ang pinakasikat na mga painting ni Rubens ay ang "Exaltation of the Cross", "Descent from the Cross", "Perseus and Andromeda", "History of Mary Medici", "Return of the Reapers", "Bathsheba", portraits - "Maid Lady ", "Fur Coat", self-portraits .

Gumawa si Rubens ng sarili niyang mundo - ang mundo ng mga diyos at bayani upang tumugma sa hyperbolic na imahe ng "Gargantua at Pantagruel" ni F. Rabelais. Ang kulay ng kanyang mga canvases ay itinayo sa kaibahan ng mga tono ng hubad na katawan na may maliliwanag na damit at isang marangal na pinigilan na tono.

Ang pinakasikat na estudyante ng Rubens, ang makikinang na pintor ng portrait na si Antonio van Dyck (1599-1641), ay pumasok sa kasaysayan ng pinong sining. Siya ang may-akda ng mga seremonyal na larawan ng mga aristokrata, pulitiko, prelate ng simbahan, mayayamang burgher, lokal na kagandahan, kapwa artista. Nagpinta siya ng maraming larawan at miyembro ng maharlikang pamilya. Sa kabila ng kaningningan ng mga portrait, ang artist ay namamahala upang makuha ang mga indibidwal na tampok sa bawat isa

mga modelo at nagpapakita ng napakatalino na pagkakayari. Ang kanyang mga karakter ay walang kahirap-hirap at kaaya-aya, at ang kanilang paligid ay mariing pandekorasyon. Si Van Dyck ay may mga kuwadro na gawa sa mga paksang mitolohiya at Kristiyano na puno ng liriko ("Susanna and the Elders", "St. Jerome", "Madonna with Partridges").

Isa sa mga natatanging artista ng Flanders ay si Jacob Jordan (1593-1678). Ang kanyang malakihang mga canvases ay naglalarawan ng mga mitolohiko, alegorikal na mga eksena mula sa buhay magsasaka. Ang paborito kong genre ay pang-araw-araw na pagpipinta ("The Bean King", "Adoration of the Shepherds", "Satire Visiting the Peasant"). Ang Jordane ay lubos na nagpahayag ng pambansang lasa at pambansang uri.

Si Frans Snyders (1579-1657) ay naging tanyag sa kanyang mga still lifes at mga eksena sa pangangaso. Ang kanyang still lifes ay monumental, decorative, colorful. Napakahusay na ipininta ni Snyders ang mga regalo ng kalikasan - isda, karne, prutas (serye na "Mga Tindahan"), balahibo, balahibo, pakikipaglaban sa hayop.

Baroque style.

Artistic Ang nangingibabaw na artistikong istilo ng ika-17 siglo ng siglong ito ay Baroque at Classicism. siglo Ang istilong Baroque, baroque, ay umiral sa Europa mula 1600 hanggang 1750. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagpapahayag, karilagan, dinamika. Naglalayong suportahan ang Simbahang Katoliko sa pakikibaka nito laban sa Repormasyon, hinangad ng sining ng Baroque na direktang makaapekto sa damdamin ng madla. Ang isang halimbawa ng pinakamataas na pagpapahayag ng damdamin ay ang iskultura ni Bernina "The Ecstasy of St. Teresa." Ang pagpipinta, eskultura, palamuti, arkitektura ay lumikha ng isang holistic na dramatikong epekto. Ang estilo na orihinal na lumitaw sa mga simbahang Romano ay sumasakop sa buong Europa, habang nakakakuha ng mga bagong tampok.

Ang sining ng Baroque ay nabuo sa mga estadong pyudal-absolutista sa ilalim ng malakas na impluwensya ng Katolisismo (Italy, Spain, Flanders). Ang biswal na sining ng Baroque ay hindi mauunawaan bukod sa koneksyon nito sa arkitektura. Ang arkitektura, na pinagsasama ang utilitarian at artistikong mga salik sa mas malawak na lawak kaysa sa iba pang mga uri ng sining, ay nauugnay sa materyal na pag-unlad at higit na nakasalalay sa nangingibabaw na ideolohiya (ang arkitektura ng templo at pagpaplano ng lunsod ay isinasagawa gamit ang pera ng simbahan at mayayamang tao, ngunit kasabay nito ay nagsisilbi itong lipunan sa kabuuan). Sa mga gusali ng kulto ng baroque, ang lahat ng pinakamayamang posibilidad para sa synthesis ng arkitektura, eskultura, pandekorasyon na sining at pagpipinta ay idinisenyo upang hampasin ang imahinasyon ng manonood, na puno ng relihiyosong pakiramdam. Sa parehong Italya, ang mga sekular na istruktura ay itinayo, na kumakatawan sa isang mahalagang yugto sa pag-unlad ng arkitektura ng mundo. Ang mga pamamaraan ng pagpaplano ng lunsod, isang integral urban ensemble ay binuo, ang mga palasyo at park complex ay itinatayo, kung saan ang mga bagong prinsipyo ng koneksyon sa pagitan ng arkitektura at natural na kapaligiran ay natuklasan.
Ang Baroque ay nailalarawan sa pamamagitan ng mahusay na emosyonal na kagalakan at kalunus-lunos na kalikasan ng mga imahe, na nakamit dahil sa laki ng mga gusali, pinalaking monumentalisasyon ng mga anyo, dinamika ng spatial na konstruksyon, at pagtaas ng plastic expressiveness ng mga volume. Samakatuwid ang mga curvilinear na plano, ang mga kurba ng mga pader, kung saan, kung saan, ay lumalaki ang mga cornice, pediments, pilasters; ang maliliit na anyo ng dekorasyong arkitektura ay dumagsa: ang mga bintana ay pinalamutian ng iba't ibang architraves, niches - na may mga estatwa. Ang pangkalahatang impresyon ng mabilis na paggalaw at kayamanan ay kinukumpleto ng eskultura, mural, stucco, may kulay na mga marmol at tanso. Idagdag sa mga nakamamanghang contrasts ng chiaroscuro, perspective at illusionistic effect.
Ang mga relihiyoso, mga gusali ng palasyo, eskultura, mga fountain (Roma) ay pinagsama sa isang mahalagang artistikong imahe. Ang parehong ay maaaring masabi tungkol sa mga complex ng palasyo at parke ng iba pang mga rehiyon ng Italya ng panahon ng Baroque, na nakikilala sa pamamagitan ng kanilang pambihirang mahusay na paggamit ng kumplikadong lupain, mayaman na mga halaman sa timog, mga cascades ng tubig na pinagsama sa maliliit na anyo - mga pavilion, bakod, fountain, estatwa at mga pangkat ng eskultura.
Pinakamalinaw, ang mga tampok ng Baroque ay nakapaloob sa monumental na iskultura, sa gawain ni Lorenzo Bernini (ang mga ideya ng tagumpay ng mistisismo sa katotohanan, ang kalugud-lugod na pagpapahayag ng mga imahe, ang mabagyo na dinamika ng mga posibilidad).
Sa pagpipinta, ang kontribusyon sa sining ng Baroque ay ginawa ng mga kapatid na akademiko ng Bologna na sina Carracci, Guido, Reni, Gvercino. Naabot ng konsepto ng Baroque ang buong pag-unlad nito kasama sina Pietro da Norton, Bacciccio, at iba pa. Sa kanilang mga multi-figure na komposisyon na puspos ng malakas na paggalaw, ang mga karakter ay tila dinadala sa isang lugar ng hindi kilalang puwersa. Sa pagpipinta ng baroque, ang mga monumental at pandekorasyon na mga kuwadro ay nangingibabaw, pangunahin ang mga plafonds, mga kuwadro na gawa sa altar na naglalarawan ng mga apotheoses ng mga santo, mga eksena ng mga himala, pagkamartir, malaking makasaysayang at alegorikal na komposisyon, katutubong larawan (malaking istilo). Sa sining ng Baroque, lalo na sa monumental na iskultura ni Bernini, hindi lamang mga ideya sa relihiyon ang naipakita, kundi pati na rin ang isang matinding krisis at hindi mapagkakasundo na mga kontradiksyon sa Italya noong ika-17 siglo.
Ang baroque art ng Flanders ay may sariling mga detalye. Sa Rubens, Jordans at iba pang mga masters, ang kabaligtaran ng makalupang at mystical, ang tunay at ang ilusyon, na katangian ng konsepto ng Baroque, ay ipinahayag sa halip na panlabas, nang hindi nagiging isang trahedya na dissonance. Sa Rubens, sa maraming komposisyon ng altar, pati na rin sa mga pagpipinta sa mga tema ng sinaunang mitolohiya, ang tao at totoong buhay ay niluwalhati.
Espanya noong ika-17 siglo. ang baroque ay nabuo sa orihinal na pambansang mga anyo sa arkitektura, eskultura, at pagpipinta na may malinaw na polariseysyon.
Sa France, ang estilo ng Baroque ay hindi sumasakop sa isang nangungunang posisyon, ngunit ang France noong ika-17 siglo. - Ito ang makasaysayang arena ng pag-unlad ng klasisismo.

Kulturang Pranses noong ika-17 siglo. Dekorasyon sa klasikong istilo.

Kinilala ang klasisismo bilang opisyal na kalakaran sa panitikang Pranses mula nang mabuo noong 1635 ang Academy of Literature sa Paris.

Noong ika-17 siglo, nang ang walang limitasyong kapangyarihan ng monarko ay naitatag sa France, na umabot sa kasagsagan nito sa ilalim ng Louis XIV, nabuo ang isang klasikong kalakaran na yumakap sa lahat ng uri ng artistikong pagkamalikhain - klasiko. Ang klasisismo, batay sa pagsunod sa mga prinsipyo ng sinaunang sining: rasyonalismo, simetrya, layunin, pagpigil at mahigpit na pagsunod sa nilalaman ng akda kasama ang anyo nito, ay naghangad na ipahayag ang kahanga-hanga, kabayanihan at moral na mga mithiin, upang lumikha ng malinaw, organikong mga imahe. Kasabay nito, dinala ng klasisismo ang mga tampok ng utopianism, idealization, abstraction, academicism, na lumago sa panahon ng krisis nito.

Ang Klasisismo ay nagtatag ng isang hierarchy ng mga artistikong genre - mataas at mababa. Kaya, sa pagpipinta, ang mga makasaysayang pagpipinta, gawa-gawa, relihiyon, ay kinikilala bilang matataas na genre. Ang landscape, portrait, still life ay kabilang sa mga mababa, ang parehong subordination ng mga genre ay naobserbahan sa panitikan. Ang trahedya, epiko, oda ay itinuturing na mataas, at ang komedya, pangungutya, pabula ay itinuturing na mababa. Ang isang malinaw na demarcation ng mga plano at kinis ng mga form ay itinatag para sa mga gawa ng iskultura at pagpipinta. Kung may paggalaw sa mga figure, hindi ito nakakagambala sa kanilang kalmado na statuary ha, plastic isolation. Para sa isang malinaw na pagpili ng mga bagay, ginamit ang isang lokal na kulay: para sa malapit - kayumanggi, para sa gitna - berde, para sa malayong plano - asul.

Ang ninuno ng klasisismo sa panitikan ay si Pierre Corneille (1606-1684), ang may-akda ng mga trahedyang Sid, Horace, Cinna, Polyeuct, Oedipus, at iba pa, na niluluwalhati ang paghahangad na kontrolado ng katwiran. Si Corneille ay itinuturing na tagapagtatag ng teatro ng Pransya. Ang ubod ng mga dula ni Corneille ay ang kalunos-lunos na salungatan ng pagsinta at tungkulin, ang mga kabayanihang karakter ay kumikilos sa kanila, ang dakilang makata ay tinuligsa ang despotismo.

Ang mga gawa nina Francois de La Rochefoucauld (1613-1680) at Marie Madeleine de Lafayette (1634-1693) ay naging modelo para sa prosa ng Pranses. Sa koleksyon ng mga aphorism at maxim na "Reflections, o Moral Sayings", na naglalaman ng maikli, matalas at mapang-uyam na mga obserbasyon sa buhay at mga tao, pinupuna ni La Rochefoucauld ang aristokratikong lipunan noong kanyang panahon. Si Marc Lafayette ang may-akda ng unang sikolohikal na nobela sa France, The Princess of Cleves, na isang malaking tagumpay sa mga mambabasa. Ang lahat ng mga karakter sa nobela ay tunay na tao, ngunit pinalaki sa ilalim ng iba't ibang pangalan.

Si Nicolas Boileau (1636-1711) ay ang theoretician ng classicism. Ang mga patakaran at pamantayan ng klasisismo ay itinakda niya sa treatise na "Poetic Art" (sa anyo ng isang tula). Siya ang may-akda ng mga nakakatawang Satyr, kung saan kinutya niya ang relihiyon at mga estadista. Ang kanyang talentong patula ay lubos na pinahahalagahan ni A.S. Pushkin.

Ang pinakadakilang playwright ng France ay si Jean Racine (1639-1699), ang may-akda ng mga trahedyang Andromache, Britannia, Berenice, Mithridates, Iphi-Genius, Phaedra, Afapia, atbp. Hiniram ni Racine ang mga plot mula sa mitolohiyang Greek at nilikha ang kanyang mga gawa ayon sa lahat ang mga canon ng classical Greek drama. Sa kanyang mga pag-play, na may pambihirang musika at pagkakaisa ng taludtod, ang balanse ng panlabas na anyo, matalim na dramatikong mga salungatan ay inilalarawan, ang espirituwal na trahedya ng mga taong pinilit na isakripisyo ang kanilang mga damdamin sa mga hinihingi ng pampublikong tungkulin.

Ang pag-unlad ng world dramaturgy ay lubhang naimpluwensyahan ng gawa ni Molière (nast, pangalan Jean-Baptiste Poquelin, 1622-1673), isang stage art reformer, komedyante, at aktor. Ang pinakamahalagang mapagkukunan ng inspirasyon para sa kanya ay farcical dramaturgy. Sa batayan ng kumbinasyon ng klasisismo at mga tradisyon ng folk theater, nilikha ni Moliere ang genre ng social comedy. Sa kanyang mga gawa na "Tartuffe, o ang Manlilinlang", "The tradesman in the nobility", "The Misanthrope", "The Imaginary Sick", "Funny Cossacks", "A Lesson for Wives", "Marriage involuntarily", "The Miser " ay tinuligsa, gaya ng isinulat ni Balzac , pagtataksil, kahiya-hiyang pag-ibig sa mga matatanda, misanthropy, paninirang-puri, kalokohan, hindi pantay na pag-aasawa, katakawan, karahasan, kahalayan ng mga hukom, walang kabuluhan.

Ang Satire ay nakakuha ng mahusay na emosyonalidad, katalinuhan sa lipunan at makatotohanang konkreto sa mga pabula ng pinakamalaking talento ng patula ng France - Jean La Fontaine (1621-1695), sa kanyang trabaho batay sa mga sinaunang sample at katutubong tradisyon (mga pabula ni Aesop), ang tinatawag na hayop. epiko. Sa kanyang mga gawa, ang ganap na monarkiya at aristokratikong lipunan ay inihambing sa kaharian ng mga uhaw sa dugo at mga mandaragit na hayop; ang simbahan ay hinahatulan, ang relihiyon ay may pag-aalinlangan na sinusuri at sa parehong oras ang tunay na sangkatauhan ng mga tao mula sa mga tao ay inihayag (“Tagagawa ng Sapatos at magsasaka”, “Magsasaka mula sa Danube”, “Merchant, maharlika, pastol at anak ng hari” , atbp.).

Sa ikalawang kalahati ng siglo XVII. Si Antoine Furetier (1620-1688) ay ang pangunahing kinatawan ng panitikang Pranses. Ang kanyang pangunahing gawain, The Bourgeois Novel, ay isang mahalagang hakbang sa pag-unlad ng realismo.

Si Charles Perrault (1628-1703) ay nabuhay at nagsulat ng kanyang mga sikat na fairy tale sa panahong ito. Kasama sa kanyang koleksyon na Tales of Mother Goose ang mga kuwentong Sleeping Beauty, Little Red Riding Hood, Cinderella, Puss in Boots, atbp. Sa ilan sa mga ito, gumamit ang manunulat ng mga kwentong katutubong Europeo (halimbawa, ang balangkas ng Cinderella ay may mga 700 na pagpipilian).

Ang nagtatag ng klasisismo sa pagpipinta ay si Nicolas Poussin (1594-1665), na nagpinta ng mga larawan sa mga tema ng mitolohiya at pampanitikan. Ang mahigpit na balanse ng mga komposisyon, ang kulto ng kalikasan at ang pagsamba sa sinaunang panahon ay ang mga tampok na katangian ng gawa ng artist ("The Death of Germanicus", "Tancred and Erminia", "Sleeping Venus", "Landscape with Polyphemus", ang cycle "The Seasons", "The Arcadian Shepherds" ). Si Poussin ay gumawa ng maliliit na wax figure para sa kanyang mga kuwadro na gawa, nag-eksperimento sa iba't ibang komposisyon at pag-iilaw.

Ang master ng lyrical landscape ay ang pintor na si Claude Lorrain (1600-1682). Ang kanyang malinaw na liwanag na pagpipinta sa klasikal na istilo ay may malakas na impluwensya sa panlasa ng XVII-XVIII na siglo. Ang mga karakter ng kanyang mga canvases (karaniwan ay mythological o historical) ay kadalasang nawawala sa kapaligiran ng isang mala-tula na tanawin ("The Enchanted Castle"). Sa banayad na epekto ng pag-iilaw, nakapagpahayag si Lorrain ng ibang pakiramdam ng kalikasan depende sa oras ng araw (serye na "Mga Panahon ng Araw").

Kahit na ang mga elemento ng Gothic at Renaissance ay nanatili pa rin sa arkitektura, ang mga elemento ng klasisismo ay lumitaw na, halimbawa, ang harapan ng gusali ng Luxembourg Palace (arkitekto S. de Bros) ay hinati ng isang order na magiging mandatory para sa istilong ito; ang colonnade ng silangang harapan ng Louvre (arkitekto Perrault) ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagiging simple ng pagkakasunud-sunod, ang balanse ng masa, static, na nakakamit ng isang pakiramdam ng kapayapaan at kadakilaan.

Ang pinakamalaking istraktura ng arkitektura ng palasyo noong ika-17 siglo. ay Versailles. Dito nakamit ang pagkakaisa at proporsyonalidad ng buong engrandeng grupo sa kabuuan. Ang palasyo ay itinayo ng mga arkitekto na sina L. Levo (1612-1670) at J. Hardouin-Mansart (1646-1708). Nagtayo rin si Hardouin-Mansart ng mga maringal na gusaling seremonyal: ang Grand Trianon Palace, Les Invalides, Place Vendôme, at Levo ang nagdisenyo ng Tuileries Palace.

Ang lumikha ng mga parke ng Versailles at ang Tuileries ay ang arkitekto, master ng landscape art na si Andre Le Nôtre (1613-1700). Ang parke sa Versailles ay perpektong pinagsama sa arkitektura ng harapan ng palasyo na nakaharap sa parke, ang simetrya ng harapan, kumbaga, ay nagpapatuloy sa maluwang na "parterres" (mga hardin, mga kama ng bulaklak at mga landas na bumubuo sa pattern) , radially diverging alleys, open perspectives.

Noong ika-17 siglo sa France, nauuna ang sekular na musika, nagsisimula itong manginig sa espirituwal. Ang opera at ballet ay umuunlad. Ang mga unang pambansang opera ay Triumph of Love, Past Toral. Ang nagtatag ng pambansang paaralan ng opera ay kompositor at mananayaw na si Zh.B. Lully (1632-1687), may-akda ng mga opera na Alceste, Theseus, pati na rin ang opera overture, musika para sa mga pagtatanghal ni Molière.

Ang mga instrumental na paaralan ay binuo din sa oras na ito - lute, harpsichord, viol.

Kultura ng Ingles noong ika-17 siglo.

Ang pilosopong Ingles na si Thomas Hobbes (1588 - kultura 1679) ay itinuturing na lumikha ng unang kumpletong sistema ng mekanistikong materyalismo.Si Hobbes ay isa sa mga kinatawan ng teorya ng paglitaw ng estado sa pamamagitan ng isang kontratang panlipunan, o ang teorya ng kontrata ng estado. Ayon sa teoryang ito, ang estado ay resulta ng isang uri ng kontrata na tinapos ng isang soberanong pinuno at mga nasasakupan. Ayon kay Hobbes, ang motibasyon para sa pagtatapos ng naturang kasunduan ay takot sa pagsalakay ng ibang tao, takot sa buhay, kalayaan at ari-arian ng isang tao. Ang paglitaw ng estado ay nagtapos sa natural na estado ng "digmaan ng lahat laban sa lahat", na, ayon kay Hobbes, ay naganap sa panahon ng pre-estado. Si Hobbes ang unang nagsalita laban sa banal na pinagmulan ng maharlikang kapangyarihan. Binalangkas niya ang kanyang teorya sa pangunahing pro-produkto na "Leviathan". Ang kanyang mga pilosopikal na gawa ay "Mga Pundamental ng Pilosopiya" ("Hotel", "Oman", "Mamamayan").

Ang pinakadakilang makatang Ingles sa panahong ito ay si John Milton (1608-1674). Sa mga tula na "Paradise Lost" at "Paradise Regained" sa biblical allegorical images, sinasalamin niya ang mga kaganapan ng English Revolution. Si Milton ang may-akda ng tula na "History of Britain" at ang kahanga-hanga ngunit hindi maginhawang trahedya na "Samson the Fighter" para sa pagtatanghal, kung saan hinawakan niya ang problema ng paniniil.

Si Milton - isang progresibong pampublikong pigura, isang napakatalino na mamamahayag - ipinagtanggol ang soberanya ng Republika ng Ingles, ipinagtanggol ang kalayaan ng rebolusyonaryong pamamahayag (ang polyetong "Proteksyon ng mga English People", "Areopagitica").

Matapos ang pagpapanumbalik ng dinastiyang Stuart sa Inglatera, ang sekular na sining ay nabuhay muli, ang mga pagtatangka ay ginawa upang maitatag ang mga canon ng klasisismo sa Ingles na teatro at panitikan, ngunit hindi posible na lumikha ng isang trahedya na istilo dito. Sa mga komedyante, namumukod-tangi sina William Utherley (1640-1716) at William Congreve (1670-1729). Ang mga komedya ni Congreve na "Double Game", "Love for Love" at iba pa ay pinagtatawanan ang sekular na pagkukunwari, sila ay nakikilala sa pamamagitan ng eleganteng katatawanan at puns, pagkasalimuot ng intriga.

Noong ika-17 siglo Ang teatro ng musika ay umuusbong sa England. Ang pinakadakilang kompositor ng Ingles noong siglo ay si H. Purcell (c. 1659-1695), may-akda ng unang English opera na sina Dido at Aeneas at King Arthur. Sa kanyang musika, ang mataas na teknikalidad ay pinagsama sa pigil na pagpapahayag ng melody.

Konklusyon:

Sa panahon ng Bagong Panahon, itinatag ang ideya ng batas bilang paunang puwersang namamahala sa kalikasan at lipunan. Ang agham ay tinatawag na alamin at bumalangkas ng mga batas ng kalikasan. Ang agham bilang isang pampublikong institusyon, isang komunidad ng mga siyentipiko sa daigdig na sama-samang bumubuo ng sistematiko, napapatunayan at napapatunayang kaalaman na may pangkalahatang kahulugan - unang umusbong sa panahon ng modernong panahon. Ang sining (pagpipinta, teatro, panitikan, musika) sa panahon ng modernong panahon sa unang pagkakataon ay napalaya ang sarili mula sa sagisag ng itinatag na mga ideya sa relihiyon at naging isang independiyenteng paraan ng katalusan at makasagisag na sagisag ng umiiral na mga batas panlipunan, isang paraan ng pagtuturo sa mga tao. sa mga pamantayang moral, na kinilala bilang "natural", na likas sa kalikasan ng tao mismo. . Sa panahon ng Bagong Panahon, isang makabuluhang sistema ng edukasyon at pagpapalaki sa lipunan ang binuo sa unang pagkakataon. Ang mga aklat-aralin sa mga pangunahing sangay ng kaalaman ay isa ring pagbabago sa panahong ito. Ang mga pormang pampulitika, na nasubok sa panahon ng modernong panahon, ay bahagyang nakaligtas hanggang sa araw na ito. Ang pinakamahalagang pamana ng Makabagong Panahon ay ang nabuong ideya ng isang tao bilang isang taong responsable sa sarili (monarka, maharlika, politiko, siyentipiko, may-ari, atbp.), Na ang kalayaan ay limitado lamang ng natural na batas sa moral.

Kontrolin ang trabaho sa pinakamataas na bilis, magparehistro o mag-log in sa site.

Mahalaga! Ang lahat ng ipinakitang Test paper para sa libreng pag-download ay inilaan upang bumuo ng isang plano o batayan para sa iyong sariling gawaing siyentipiko.

Kaibigan! Mayroon kang natatanging pagkakataon upang matulungan ang mga mag-aaral na katulad mo! Kung nakatulong sa iyo ang aming site na makahanap ng tamang trabaho, tiyak na nauunawaan mo kung paano mapadali ng gawaing idinagdag mo ang gawain ng iba.

Kung ang Control Work, sa iyong opinyon, ay hindi maganda ang kalidad, o natugunan mo na ang gawaing ito, mangyaring ipaalam sa amin.

SINING NA KULTURA NG EUROPE XVII-XVIII siglo.

Kapag lumilikha ng manwal, ginamit ang mga materyales mula sa Russian General Educational Portal (MHK collection, http://artclassic.edu.ru).

Nagsisimula kang pag-aralan ang isa sa mga pinakamaliwanag na pahina sa kasaysayan ng kultura ng sining ng mundo. Ang ika-17 - ika-18 na siglo ay ang panahon kung kailan ang Renaissance ay pinalitan ng mga artistikong istilo ng baroque, classicism, rococo.

Maraming nagbago sa buhay ng isang tao, nagbago ang kanyang mga ideya tungkol sa uniberso. Mga natuklasang siyentipiko sa simula ng ika-17 siglo. sa wakas ay yumanig ang imahe ng uniberso, sa gitna nito ay ang tao mismo. Kung sa Renaissance ang mundo ay tila isa at pareho, ngayon ang mga siyentipiko ay kumbinsido na ang Earth ay hindi lahat ang sentro ng Uniberso, ngunit isa sa mga celestial na planeta na umiikot sa Araw. Kung ang naunang sining ay nagpatibay sa pagkakaisa ng Uniberso, ngayon ang tao ay natatakot sa banta ng kaguluhan, ang pagbagsak ng cosmic world order. Ang mga pagbabagong ito ay hindi makakaapekto sa pag-unlad ng sining. Ang mga bagong istilo sa sining ay isang bagong pananaw sa mundo ng isang tao ng Bagong Panahon.

1. Pagkakaiba-iba ng istilo ng sining noong ika-17 - ika-18 siglo.

estilo ng baroque nagsimulang umunlad pangunahin sa mga bansang Katoliko sa Europa sa pagtatapos ng ika-16 na siglo. Ang pangalan nito ay nauugnay sa karaniwang salita barocco ( may sira na iregular na perlas) na nagsasaad ng lahat ng bastos, malamya at mali. Kaugnay ng sining, ang termino ay unang ginamit noong kalagitnaan ng ika-18 siglo. mga kritiko ng mga istruktura ng arkitektura ng Baroque, kung kanino ang estilo na ito ay tila isang pagpapakita ng masamang lasa. Kasunod nito, ang termino ay nawala ang negatibong kahulugan nito at nagsimulang mailapat sa iba pang mga uri ng sining.

Ang pangunahing layunin ng baroque ay ang pagnanais na sorpresa, upang maging sanhi ng pagkamangha. Ang Baroque art ay naghatid ng tensyon ng tunggalian, ang diwa ng mga kontradiksyon. Ang mga pangunahing tema ng sining ay ang pagdurusa at pagdurusa ng tao, mystical allegories, ang ratio ng mabuti at masama, buhay at kamatayan, pag-ibig at poot, ang uhaw sa kasiyahan at paghihiganti para sa kanila. Ang mga gawang Baroque ay nailalarawan sa pamamagitan ng emosyonal na intensidad ng mga hilig, dynamism ng silhouettes, pictorial spectacle, labis na ningning ng mga anyo, isang kasaganaan at pagtatambak ng mga kakaibang detalye, at ang paggamit ng mga hindi inaasahang metapora. Ang baroque ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pangako sa ensemble at ang synthesis ng sining. Sa kabila ng pagiging kumplikado at kalabuan ng mga imahe, sa pangkalahatan, ang estilo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang buhay-nagpapatibay na karakter at optimismo.

Panahon mula sa katapusan ng ika-17 siglo hanggang sa simula ng ika-19 na siglo. bumaba sa kasaysayan bilangEnlightenment. Ang pangunahing nilalaman nito ay ang pag-unawa sa mundo bilang isang makatwirang inayos na mekanismo, kung saan ang isang tao ay itinalaga ng isang makabuluhang papel sa pag-aayos. Harmoniously binuo, panlipunang makabuluhan, resolutely overcoming hilig at pagdududa, handang isakripisyo ang personal na kagalingan para sa pampublikong kabutihan, ang isang tao ay nabubuhay ayon sa mga batas ng Kalikasan. Ang Kalayaan, Dahilan, Tungkulin, Moralidad ay naging mga priyoridad ng buhay ng tao sa Kapanahunan ng Enlightenment.

Ang mga ideya ng Enlightenment ay nakapaloob sa isang bagong artistikong istilo - klasisismo ( lat. classicus - huwaran). Ang mga pangunahing huwaran ay ang sinaunang pamana at ang humanistic ideals ng Renaissance. Ang mga pangunahing tema ng sining ng klasisismo ay ang pagtatagumpay ng mga pampublikong prinsipyo sa mga personal, ang subordination ng mga damdamin sa tungkulin, ang idealization ng mga heroic na imahe.

Ang sining ng klasiko ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga tampok tulad ng kalinawan at pagiging simple sa pagpapahayag ng nilalaman, pagpigil, pagsunod sa ilang mga patakaran. Ang mga gawa ng klasikong arkitektura ay nakikilala sa pamamagitan ng mahigpit na mga linya, malinaw na volume, at balanseng mga sukat. Ang pagpipinta, eskultura, sining at sining ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang lohikal na paglalahad ng mga plot, isang malinaw na balanseng komposisyon, isang malinaw na pagmomodelo ng lakas ng tunog, at ang subordination ng kulay sa semantic accent.

Sa mga bansa sa Europa, ang klasisismo ay umiral sa hindi pangkaraniwang mahabang panahon, mula ika-17 hanggang 30s. XIX siglo, at pagkatapos, pagbabago, revived sa neoclassical trend.

Sa simula ng siglo XVIII sa France, sa korte ng hari, isang bagong istilo sa sining ang naging laganap - rococo ( fr. rocaille - kabibi). Hindi ito nagtagal, hanggang sa mga kalagitnaan ng siglo, ngunit malaki ang impluwensya nito sa pag-unlad ng sining. Ang pokus sa panahon ng Rococo ay pag-iibigan, panandaliang libangan, pakikipagsapalaran at pantasya, galante na libangan at pista opisyal. Ang Art ay dapat na mangyaring, hawakan at aliwin. Sa arkitektura, pagpipinta, eskultura, at lalo na sa sining at sining, ang mga katangi-tanging kumplikadong mga anyo, mga kakaibang linya, mga masalimuot na burloloy ay nagtatagumpay, kung saan ang silweta ng mga shell at kakaibang mga halaman ay paulit-ulit na nilalaro. Hindi pangkaraniwang mga hugis, isang kasaganaan ng mga pattern, optical illusions, isang pag-aalinlangan, kung minsan ay bumibilis, kung minsan ay nagpapabagal sa ritmo ay nagsasangkot ng manonood sa isang kahanga-hangang laro, isang holiday ng kawalang-ingat.

Kasabay nito, ang mga makatotohanang tradisyon ay umuusbong at umuunlad sa sining ng Europa. Para sa pagiging totoo nailalarawan sa pamamagitan ng objectivity sa paghahatid ng nakikita, kawastuhan, konkreto, walang kinikilingan sa pang-unawa sa buhay, ang kawalan ng idealisasyon, isang malalim, nadama na pang-unawa sa buhay at kalikasan, pagiging simple at natural sa paghahatid ng mga damdamin ng tao. Ang pagiging totoo ay ipinakita nang malinaw sa pagpipinta ng Holland noong ika-17 siglo.

Marami at madalas na debate tungkol sa pagka-orihinal at mga hangganan ng mga artistikong istilo ng sining noong ika-17 - ika-18 na siglo. Sa katunayan, sa gawain ng isang artist, dalawa o higit pang mga artistikong istilo ay maaaring organikong magkakaugnay. Ito ay walang kabuluhan, halimbawa, upang gumuhit ng malinaw na mga hangganan sa pagitan ng baroque at pagiging totoo sa gawain ng mahusay na Flemish artist na si Peter Paul Rubens. Ang isang katulad na larawan ay tipikal para sa ilang partikular na mga gawa ng sining. Halimbawa, ang kumbinasyon ng mga istilo ay makikita sa sikat na Palasyo ng Versailles. Ang mga mahigpit na pamamaraan ng klasiko ay ginagamit sa panlabas na hitsura ng arkitektura, at ang baroque at rococo ay ginagamit sa dekorasyon ng luntiang, solemne na mga interior. Kaya, ang mga artistikong istilo ng sining noong ika-17-18 na siglo, na magkakaiba sa kanilang mga pagpapakita, ay may isang tiyak na panloob na pagkakapareho.

Stylistic na pagkakaiba-iba ng sining noong ika-17-18 na siglo

MHK 9 na mga cell. ika-17-18 siglo. numero 1.bersyon2010

2. Baroque masters.

Lorenzo Bernini (1598-1680)

Si Giovanni Lorenzo Bernini ay ipinanganak noong 1598 sa Naples sa pamilya ng iskultor at pintor na si Pietro Bernini. Noong 1605, sa imbitasyon ni Pope Paul V, lumipat si Pietro at ang kanyang pamilya sa Roma. Dito nakuha ng batang Lorenzo ang pagkakataong kopyahin ang mga gawa ng mga dakilang master na itinatago sa mga bulwagan ng Vatican. Sa kanyang mga unang gawa, ang hinaharap na master ay nakakuha ng atensyon ng Papa at Cardinals Borghese at Barberini, na naging kanyang mga patron at customer.

Sa mga gawa ni Bernini mayroong maraming mga tampok na hindi alam sa Renaissance. Ang iskultor ay naghangad na ipakita hindi ang estado ng mga bayani, ngunit ang aksyon, kung saan ang isang maikling sandali ay inagaw. Ang mga silhouette ng mga figure ay naging mas kumplikado. Pinakintab na marmol ni Bernini, ginagawa itong naglalaro ng maraming highlight. Salamat sa master na ito, naihatid niya ang pinakamagagandang nuances: ang texture ng tela, ang kislap ng mga mata, ang sensual charm ng katawan ng tao. Ang mga makabagong paghahanap ng batang iskultor ay malinaw na ipinakita sa unang bahagi ng 1620s. Ang tema ng tunggalian sa pagitan nina David at Goliath (" David ”) Nagpasya si Bernini sa isang mariing pabago-bagong paraan - ang bayani ay ipinapakita hindi bago o pagkatapos, ngunit sa mismong sandali ng pakikipaglaban sa kanyang kaaway.

Ginamit ng mas mataas na klerong Katoliko ang talento ni Bernini. Ang iskultor ay nagsagawa ng maraming mga order, lumikha ng mga relihiyosong komposisyon, mga seremonyal na larawan, mga estatwa upang palamutihan ang mga parisukat ng Romano. Gumawa si Bernini ng maraming lapida para sa mga sikat na tao sa kanyang panahon. Ang kanilang kalunos-lunos na mga epekto ay ganap na tumutugma sa mga kinakailangan ng simbahan para sa kadakilaan ng Katolikong kabanalan. Sa engrandeng memorial ensembles, buong tapang na inilapat ni Bernini ang mga bagong paraan ng pagpapahayag, pinayaman sila ng makatotohanang pagganap, na partikular na katangian ng lapida ni Pope Urban VIII (1628-47).

Isa nang mature master, nilikha ni Bernini ang isa sa kanyang pinakamahusay na komposisyon - "Ecstasy ng St. Teresa » para sa altar ng kapilya ng pamilya Cornaro sa Romanong templo ng Santa Maria della Vittoria. Ang komposisyon ay naglalarawan ng isa sa mga yugto sa buhay ni Teresa, isang Espanyol na madre noong ika-16 na siglo, na kalaunan ay na-canonize bilang isang Katolikong santo. Sa kanyang mga tala, sinabi niya na isang araw ay nagpakita sa kanya ang isang anghel sa isang panaginip at tinusok ang kanyang puso ng isang gintong palaso. Hinarap ni Bernini ang mahirap na gawain ng paglalarawan ng isang supernatural na kababalaghan, isang pangitain sa isang panaginip. Nagawa ng may-akda na mahusay na maihatid sa marmol ang pinakamataas na pag-igting ng damdamin ng pangunahing tauhang babae. Ang fulcrum ng mga figure ay nakatago mula sa viewer, at ang ilusyon ay lumitaw na ang madre at ang anghel ay lumulutang sa mga ulap. Ang unreality ng nangyayari ay binibigyang-diin ng mga sinag ng sinag sa background at umiikot na ulap, kung saan nakahiga si Teresa. Ang kanyang mga talukap ay kalahating nakapikit, na para bang hindi niya nakikita ang maamo at nakangiting anghel na lumitaw sa kanyang harapan. Ang pagdurusa at kasiyahan ay magkakaugnay sa kanyang napakasakit na kalugud-lugod na hitsura. Ang komposisyon ay inilalagay sa isang malalim na angkop na lugar na naka-frame na may kulay na marmol. Ang epekto ng mystical vision ay pinalalakas ng liwanag na bumabagsak sa eskultura sa araw sa pamamagitan ng dilaw na salamin ng bintana ng katedral.

Pinagsama ni Bernini ang pagpapahayag ng integridad ng pisikal at espirituwal na mga prinsipyo sa iskultura na may napakatalino na arkitektura at spatial na pangitain, na nagpapahintulot sa kanya na perpektong magkasya ang mga plastik na komposisyon sa mga yari na istruktura at lumikha ng malakihang mga ensemble ng arkitektura, kaya katangian ng Baroque art. Ang Roman fountains na "Triton" at "Four Rivers" ay isang napakatalino na kumbinasyon ng nagpapahayag na baroque plasticity na may bumubula na mabula na tubig.

Sa loob ng mahigit kalahating siglo, si Bernini ay nagtatrabaho para sa St. Peter's Cathedral. Gumawa siya ng mga monumental na estatwa ng mga santo at mga lapida ng papa, nagtayo ng pulpito sa pangunahing altar at isang ciborium (superstructure) sa ibabaw ng libingan ni St. Ang Petra ay isang kamangha-manghang halimbawa ng pagkakaisa ng iskultura at arkitektura. Ang pangunahing likha ng arkitektura ng Bernini ay ang disenyo ng parisukat sa harap ng St. Peter's Cathedral sa Roma. Nagawa ng arkitekto na malutas ang ilang mga problema nang sabay-sabay: upang lumikha ng isang solemne na diskarte sa pangunahing simbahan ng mundo ng Katoliko, upang makamit ang impresyon ng pagkakaisa ng parisukat at katedral, at upang ipahayag ang pangunahing ideya ng Simbahang Katoliko : upang yakapin ang lungsod at ang buong mundo. Ang puwang sa harap ng templo ay naging isang solong grupo ng dalawang parisukat: ang una ay nasa anyo ng isang trapezoid, pinalamutian ng mga gallery na direktang umaabot mula sa mga dingding ng katedral. Ang pangalawa ay ginawa sa paboritong anyo ng baroque - hugis-itlog. Nakaharap ito sa lungsod at nababalot ng isang maringal na colonnade. Ang mga monumental na column ng Tuscan order ay nakaayos sa apat na hanay. Sa tuktok, pinagsama sila ng isang curving balustrade, kung saan naka-install ang 96 na estatwa ng mga santo. Isang obelisk ang itinayo sa gitna ng isang malaking parisukat, sa magkabilang gilid nito ay may dalawang fountain.

Sa iba pang mga gawaing arkitektura ni Bernini, dapat itong pansininPalazzo Barberini (co-authored with Carlo Maderna andFrancesco Borromini) at isang maliit Simbahan ng Sant'Andrea al Quirinale , na itinuring mismo ni Bernini ang kanyang pinakamatagumpay na gawain.

Ang gawain ni Bernini ay higit na tinutukoy ang pag-unlad ng buong kultura ng Europa noong ika-17 siglo.

Michelangelo Caravaggio (1573-1610))

Si Michelangelo da Caravaggio (talagang Merisi da Caravaggio) ay ipinanganak noong 1573 malapit sa Milan sa nayon ng Caravaggio, kung saan nagmula ang kanyang pangalan. Noong 1584-88. nag-aral sa Milan. Sa paligid ng 1590, si Caravaggio ay dumating sa Roma, kung saan siya nanatili hanggang 1606. Dito, ang hinaharap na artista ay sa una sa kahirapan, nagtrabaho para sa upa, humantong sa isang hindi maayos na buhay, na nagpapahintulot sa kanya na makilala ang buhay at mga kaugalian ng mga mas mababang uri ng lungsod. (mamaya ay paulit-ulit niyang binalingan ang mga paksang ito). Pagkaraan ng ilang oras, kinuha siya ng naka-istilong pintor na si Cesari d'Arpino bilang isang katulong sa kanyang pagawaan, kung saan ipininta ni Caravaggio ang mga buhay pa rin sa mga monumental na pagpipinta ng may-ari.

Ang walang pigil na ugali ay nagbunsod kay Caravaggio sa mahirap at minsan ay mapanganib na mga sitwasyon. Maraming beses siyang nakipaglaban sa mga duels, kung saan paulit-ulit siyang napunta sa bilangguan. Ang artist ay nakikilala sa pamamagitan ng isang mabagyo na ugali at isang tunay na adventurous na ugali. Gayunpaman, sa mga mayamang Romanong patron ay mayroong mga connoisseurs ng matapang at independiyenteng henyo na ito. Ang artista ay may isang makapangyarihang patron - si Cardinal Francesco Maria del Monte. Ang sining ng master ay unti-unting nakilala ng iba pang mga kapangyarihan.

Nasa unang bahagi na ng mga gawa ng Caravaggio (sa pagitan ng 1592 at 1598), kasama ang kanilang matingkad na kulay at transparent na chiaroscuro, lumilitaw ang isang bilang ng mga mahalagang bagong tampok. Inihambing ng Caravaggio ang prinsipyo ng idealization ng imahe sa indibidwal na pagpapahayag ng isang partikular na modelo (“Medyo may sakit Bacchus ”), alegorikal na interpretasyon ng balangkas - isang walang pinapanigan na pag-aaral ng kalikasan sa isang simpleng pang-araw-araw na motibo (“Batang lalaki na may dalang basket ng prutas "). Lumilikha si Caravaggio ng mga bagong uri ng pagpipinta - buhay pa ("Basket ng prutas "") at pang-araw-araw na genre (" Rounder", "Fortuneteller "). Ang relihiyosong larawan ay tumatanggap mula sa kanya ng isang bago, matalik na sikolohikal na interpretasyon (“Magpahinga sa flight papuntang Egypt »).

Sa pagtatapos ng 1590s. nabuo ang orihinal na sistema ng pagpipinta ng Caravaggio. Ang foreground ng larawan, na maliwanag na iluminado ng isang sinag ng liwanag, ay namumukod-tangi laban sa isang background na nahuhulog sa isang siksik na anino, na nakakamit ng isang binibigyang diin na optical na kalinawan ng imahe at lumilikha ng impresyon ng agarang kalapitan nito sa manonood (" manlalaro ng lute").

Ang mga mature na gawa ng Caravaggio (1599-1606) ay mga monumental na compositional canvases na may pambihirang dramatikong kapangyarihan. Ang mga ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng makapangyarihang mga kaibahan ng liwanag at anino, nagpapahayag ng pagiging simple ng mga kilos, masiglang pagmomodelo ng mga volume at tunog, mayaman na kulay.

Sa kabila ng kontrobersya, at kung minsan ay mga iskandalo sa paligid ng pangalan ng Caravaggio, patuloy siyang nakatanggap ng mga order para sa mga pagpipinta para sa mga templo. Noong 1602-04. nagsusulat ang artistaPosisyon sa kabaong » para sa Simbahan ng Santa Maria della Vallicella sa Roma. Noong 1603-06. lumilikha ng komposisyonMadonna di Loreto » para sa Simbahan ng Sant'Agostino sa parehong lugar. Kahanga-hangang komposisyon" pagkamatay ni Mary "(1606), isinulat para sa altar ng Romanong simbahan ng Santa Maria della Scala at tinanggihan ng kostumer. Dito ibinigay ni Caravaggio ang kanyang interpretasyon ng tradisyunal na balangkas ng Assumption of the Virgin, na, ayon sa tradisyon ng simbahan, ay dapat magdala ng kagalakan sa sarili nito, dahil, matapos ang kanyang buhay sa lupa, ang Birheng Maria ay nakipag-isa sa langit kasama si Jesu-Kristo. Sa kabaligtaran, ipinakita ni Caravaggio ang kaganapang ito bilang isang trahedya: ang mga apostol na nakapaligid sa higaan ni Maria ay nalubog sa kalungkutan, at ang paningin ng Ina ng Diyos mismo ay nagbubunga ng mga pag-iisip hindi ng isang pinagpalang pag-akyat sa langit, ngunit ng isang buhay na puno ng pagdurusa at isang mahirap, masakit na kamatayan.

Ang isang tahimik na buhay ay hindi makapagbigay kasiyahan sa mapanghimagsik na Caravaggio, noong 1606 ang kanyang walang pakundangan na karakter ay muling nagpakita ng sarili. Pinatay ni Caravaggio ang isang Rannuccio Tomassoni sa isang tunggalian at tumakas mula sa pag-uusig sa Naples. Dito niya nilikha ang ilan sa kanyang mga obra maestra, at pagkatapos, tumakas sa pag-uusig, lumipat siya sa Malta. Ngunit kahit doon, na nagpinta ng ilang magagandang painting, nasangkot siya sa isa pang nakakainis na kuwento at napunta sa bilangguan. Hindi nagtagal ay nakatakas siya, at sa mga sumunod na taon ay gumala si Caravaggio sa iba't ibang lungsod sa timog Italya. Sa mga huling gawa ng artista, na nilikha sa mga taon ng pagala-gala (1606-10), ang karagdagang pag-unlad ng mga makatotohanang tendensya, ang pagpapalawak ng saklaw ng mga phenomena sa buhay ("Pitong Gawa ng Awa ”) ay sinamahan ng pagpapalalim ng trahedya ng pananaw sa mundo. Kasama ng mga nota ng malungkot na detatsment, ipinakikita nila ang diwa ng kahanga-hangang stoicism (“Pagbitay kay Juan Bautista », « Flagellation ni Kristo »).

Noong 1609, muling bumalik si Caravaggio sa Naples, kung saan naghintay siya ng kapatawaran at pahintulot na bumalik sa Roma. Sa wakas, noong 1610, nang makatanggap ng kapatawaran mula kay Cardinal Gonzaga, si Caravaggio ay sumakay sa isang barko, ngunit hindi nakarating sa kanyang destinasyon. Namatay ang magaling na artista dahil sa lagnat sa Port Ercole.

Nag-ambag si Caravaggio sa paglikha ng mga bagong genre sa pagpipinta - buhay pa rin at pang-araw-araw na genre, lumikha ng isang orihinal na sistema ng pagpipinta, na kalaunan ay naging kilala bilang "caravagism". Ang kanyang trabaho ay may malaking epekto sa halos lahat ng kilalang European na pintor.

Peter Powell Rubens (1577-1640)

Si Peter Powell Rubens ay ipinanganak noong 1577 sa Germany, anak ng isang abogado, isang imigrante mula sa Flanders. Pagkamatay ng kanyang ama noong 1587, bumalik sa Antwerp ang pamilya Rubens. Si Peter, kasama ang kanyang kapatid na si Philip, ay ipinadala sa isang paaralang Latin, na nagbigay sa mga kabataang lalaki ng mga pundasyon ng isang liberal na edukasyon. Sa edad na 13, nagsimulang mag-aral ng pagpipinta si Peter. Matapos dumaan sa paaralan ng ilang Flemish na pintor, noong 1598 siya ay naging isang master.

Noong tagsibol ng 1600, pumunta si Rubens sa Italya. Sa pagtatapos ng 1601, ang artista ay inalok ng isang lugar sa korte ng Duke ng Mantua. Kasama sa mga tungkulin ni Rubens ang pagkopya ng mga pintura ng mga dakilang masters. Ang kaluwalhatian ng isang mahuhusay na artista ay dumating sa kanya nang hindi inaasahan. Sa kahilingan ng Duke, si Rubens ay nagdadala ng mahahalagang regalo sa Haring Espanyol na si Philip III. Nangyayari ang problema sa kalsada: ang ulan ay walang pag-asa na nasisira ang ilang mga painting, at si Rubens ay kailangang magpinta ng kanyang sarili sa halip. Ang mga pagpipinta ay gumawa ng isang impresyon, at agad na natanggap ni Rubens ang kanyang unang komisyon. Ang komposisyon, kung saan ang unang ministro ng hari ay inilalarawan na nakaupo sa kabayo, ay isang matunog na tagumpay, at ang kaluwalhatian ni Rubens ay kumalat sa buong European royal court.

Si Rubens ay madalas na tinatawag na pinakadakilang master ng matagumpay na baroque. Ang pakiramdam ng kawalang-hanggan ng mundo, ang walang patid na unibersal na kilusan, ang pag-aaway ng elementong pwersa at ang tindi ng mga hilig ng tao - ito ang katangian ng marami sa mga canvases ng artist. Ang mga multi-figured na komposisyon na ipinakita sa mga kumplikadong diagonal na anggulo ay puno ng pinakamaliit na detalye at detalye. Ang mga pagpipinta ni Rubens ay nakikilala sa pamamagitan ng libreng plasticity ng mga anyo, malakas na epekto ng kulay, at ang pinakamadaling paglalaro ng mga makukulay na shade.

Noong 1608, nang makatanggap ng balita tungkol sa malubhang karamdaman ng kanyang ina, nagmamadaling bumalik si Rubens sa Antwerp. Noong 1609, pumayag siyang kunin ang posisyon ng pintor ng korte sa ilalim ng pinuno ng Flanders, Isabella ng Austria. Sa taglagas ng parehong taon, pinakasalan ni Peter si Isabella, anak ni John Brandt, kalihim ng korte ng lungsod. Ang kanyang kahanga-hangang "Self-portrait kasama si Isabella Brandt" ay nagbibigay ng matingkad na ideya ng talento ng artist. Kalmado at puno ng pagpapahalaga sa sarili ang guwapong mukha ni Rubens. Ang isang sunod sa moda, dapper at mamahaling suit ay nagbibigay-diin sa kanyang aristokrasya at pinong artistikong panlasa. Nakaupo siya kasama ang kanyang batang asawa sa isang arbor, na pinagsama ng halaman, ang kanilang mga mata na nagpapahayag ay direktang nakatutok sa manonood, ang kanilang walang katapusang mabait na mga mata ay puno ng tahimik at matahimik na kaligayahan.

Noong 1612-20. bubuo ng isang mature na istilo ng artist. Sa panahong ito, lumikha siya ng marami sa kanyang pinakamahusay na mga gawa: mga mitolohiyang pagpipinta ("Perseus at Andromeda », « Ang pagdukot sa mga anak na babae ni Leucippus », « Venus sa harap ng salamin », « Labanan ng mga Greek sa mga Amazon »); mga eksena sa pangangaso ("Hippo at pangangaso ng buwaya »); mga tanawin ("The Carriers of Stones"), mga komposisyong panrelihiyon ("Ang Huling Paghuhukom"). Sa parehong panahon, kumilos si Rubens bilang isang arkitekto, na nagtayo ng kanyang sariling bahay sa Antwerp na minarkahan ng baroque na karilagan.

Hindi kailanman isinara ni Rubens ang kanyang sarili sa loob ng balangkas ng alinmang genre ng pagpipinta. Ang kanyang maraming alegorya na mga pagpipinta ay nakatuon sa mga problema ng modernong buhay, ang apela sa mga sinaunang alamat ay puno ng malalim na simbolikong kahulugan. Sa isang alegoriko na pagpipintaUnyon ng Lupa at Tubig » Inilalarawan ni Rubens ang pagsasama ng dalawang natural na elemento, na kinakatawan bilang ina ng lahat ng mga diyos, si Cybele (siya ang nagpapakilala sa Earth) at ang diyos ng mga dagat, si Neptune. Ang larawan ay naglalaman ng malalim na kahulugan na nauugnay sa pag-asa ni Rubens para sa mabilis na kaunlaran ng inang bayan. Matapos ang paghahati ng Netherlands sa Northern (Holland) at Southern Flanders, nawalan ito ng access sa dagat at nawala ang mga rutang pangkalakalan nito na kumikita. Ang pagsasama ng dalawang natural na elemento ay ang pag-asa para sa kapayapaan, ang pangarap ng artista ng pagsasama ng Flanders sa dagat.

Sa pagtatapos ng 1610s. Nakatanggap ng malawak na pagkilala at katanyagan si Rubens. Dahil hindi mabilis na matupad ang maraming mga order, gumawa si Rubens ng isang malaking workshop, kung saan dumagsa ang pinakamahuhusay na mga kabataang artist ng Flanders, kasama ng mga ito ang mga pangunahing pintor sa hinaharap tulad ng Anthony van Dyck, Jacob Jordaens, Frans Snyders. Si Rubens ay may kahanga-hangang kapasidad para sa trabaho. Lumikha siya ng humigit-kumulang 1,500 independyenteng mga gawa at ang parehong bilang sa pakikipagtulungan sa mga mag-aaral - isang hindi kapani-paniwalang pigura para sa isang tao na nabuhay lamang ng 63 taon.

Mahusay na pinag-aralan, nagsasalita ng ilang mga wika, si Rubens ay madalas na naaakit ng mga pinunong Espanyol na magsagawa ng mga diplomatikong misyon. Matapos ang pagkamatay ng kanyang asawa, noong 1627-30, bumisita ang artista sa Holland, France, pagkatapos ay naglakbay sa Madrid at London sa mga diplomatikong misyon. Nakipagkita siya kay Charles I, Duke ng Buckingham, Philip IV, Cardinal Richelieu, ay nag-aambag sa pagtatapos ng isang kasunduan sa kapayapaan sa pagitan ng Espanya at Inglatera, kung saan binigyan siya ng hari ng Espanya ng titulo ng tagapayo ng estado, at ang Ingles - ang maharlika. Sa kanyang paglalakbay, nagpinta si Rubens ng mga larawan ng mga maharlika at simpleng matataas na tao: Marie de Medici, Lord Buckingham, King Philip IV at ang kanyang asawang si Elizabeth ng France.

Noong 1630s nagsimula ang isang bagong panahon ng pagkamalikhain ng artist. Pagkatapos ng apat na taon ng pagkabalo, noong 1630, pinakasalan ni Rubens ang labing-anim na taong gulang na si Helena Faurment, anak ng isang kaibigan at malayong kamag-anak ni Daniel Faurment. Lumayo si Rubens sa mga usaping pampulitika at buong-buo niyang inilaan ang kanyang sarili sa pagkamalikhain. Nakuha niya ang isang ari-arian na may isang kastilyo sa Elewite (Brabant) at nanirahan doon kasama ang kanyang batang asawa. Paminsan-minsan, ang artist ay lumilikha ng mga pandekorasyon at monumental na komposisyon, halimbawa, mga sketch ng mga triumphal arches sa okasyon ng pagpasok sa Antwerp ng bagong pinuno ng Flanders, Infante Ferdinand, ngunit mas madalas na nagpinta siya ng maliliit na mga kuwadro na gawa, na gumaganap ng mga ito sa kanyang sariling kamay, nang walang tulong ng isang pagawaan. Iba-iba ang mga tema ng panahong ito. Kasama ng mga mala-tula na tanawin, nagpinta si Rubens ng mga eksena ng mga kasiyahan sa nayon. Ang kanyang pangunahing modelo ay isang batang asawa. Nakuha siya ni Rubens sa mga larawang biblikal at mitolohiya ("Bathsheba"), na lumikha ng higit sa 20 larawan ni Helen. Ang mga huling gawa ni Rubens - " Paghuhukom ng Paris", "Three Graces", "Bacchus".

Noong tagsibol ng 1640, lumala nang husto ang kalusugan ni Rubens (nagdusa siya ng gout); Mayo 30, 1640 namatay ang artista.

Ang gawain ni Rubens ay may kapansin-pansing impluwensya sa pag-unlad ng sining ng Europa noong ika-17-19 na siglo.

MGA BAROQUE MASTER

MHK 9 na mga cell. ika-17-18 siglo. bilang 2.2011 taon

3. Mga master ng makatotohanang pagpipinta.

"Munting Dutch".

Ang Tent Hall ng New Hermitage ay nagtataglay ng pangunahing eksibisyon ng Dutch art noong ika-17 siglo. Ang mga kuwadro na gawa ng tinatawag na "maliit (o maliit) na Dutch" ay ipinakita dito, bukod sa kung saan, salungat sa terminong ito, mayroon ding napakalaking mga masters. Hindi ang antas ng talento, ngunit ang maliit na sukat lamang ng mga canvases ang dahilan para sa pangalang ito. Ang karamihan sa mga kuwadro na ito ay sekular sa nilalaman. Ang bawat artist, bilang panuntunan, ay nagdadalubhasa sa alinmang isang genre.

Ang maliit, cabinet na format ng mga painting ay hindi sinasadya. Ang lugar ng mga dating mamimili ng sining: ang simbahan kasama ang templo nito at ang pyudal na panginoon kasama ang kanyang kastilyo, ay kinuha ng isang bagong customer: isang kinatawan ng ikatlong estate, na hindi nangangailangan ng malalaking pagpipinta para sa kanyang katamtamang tahanan. At ang pagkakasunud-sunod, sa dating kahulugan ng salita, ngayon ay inilagay pangunahin sa portrait . Ang mga gawa ng iba pang mga genre ay nilikha ng artist "para sa merkado". Ito, siyempre, ay hindi nangangahulugan na ang artista ay ganap na libre sa kanyang trabaho. Ang merkado, iyon ay, ang lasa ng bagong mamimili ng mga gawa ng sining - ang burges, ay iniharap ang mga hinihingi nito sa pintor. Ang mga kahilingang ito ng mga batang tumataas na uri ay, lalo na sa una, ng isang napaka-matino, demokratikong katangian: ang isang gawa ng sining ay dapat magpakita ng buhay nang totoo, nang walang pagpapaganda.

Ang burges - isang kinatawan ng inaaping uri kahapon, ngayon ang may-ari ng materyal at espirituwal na mga halaga​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​ng unang nais​ng makita ng burgesya ang kanyang sariling imahe. Hindi siya napahiya na ang isang mukha na hindi masyadong maganda at hindi masyadong espirituwal ay tumingin mula sa canvas, na ang pigura ay hindi nakikilala sa pamamagitan ng biyaya, at ang kasuutan ay hindi eleganteng. Darating ang panahon na ang mga masasamang loob na magnanakaw ay magnanais na magmukhang mga aristokrata, ngunit sa ngayon ay kinakailangan na ang taong inilalarawan sa larawan ay may karakter, ang determinasyon na iyon ay makikita sa mga tampok ng mukha, ang matiyagang katalinuhan sa negosyo ay maaaring nadama sa mga kamay, at lakas sa pigura.

Ang gawain ni Frans Hals , isang namumukod-tanging pintor ng portrait noong ika-17 siglo, ang pinakatuktok ng panahon ng mapagpasyang opensiba ng realismo sa pagpipinta. Matapang na sinira ang karaniwang ideya ng isang larawan bilang isang tumpak, walang kibo na cast mula sa kalikasan, ang Hals ay lumilikha ng isang matalas, matingkad na imahe - isang karakter na nakuha sa isa sa mga sandali ng patuloy na pagkakaiba-iba ng isang mukha ng tao. Tinalikuran ng artista ang mga obligasyong tradisyonal na kaugalian: isang pangharap o larawan sa profile, isang maginoo, karaniwang pose. Masayahin, energetic, palakaibigan, palakaibigan at sa parehong oras ay nakolekta at matatag sa kanyang sariling paraan, alam ang kanyang sariling halaga, kayang tumayo para sa kanyang sarili, ang karakter ay lilitaw sa harap ng manonood sa "Larawan ng isang binata". Ang komposisyon ay simple: isang tipikal na half-figured portrait. Ngunit ang katawan ay inilalarawan halos sa profile, at ang ulo - sa tatlong quarter. Ang energetic turn na ito ay naghahatid ng malakas na kalooban na mga katangian ng taong inilalarawan. Isang buhay na buhay na kislap sa mga mata, isang masiglang kalahating ngiti na malapit nang mag-unat sa bibig, at mga magagalaw na kamay ay kukumpleto sa dynamics ng imahe. Sa isa pang gawain sa Ermita - "Larawan ng lalaki» sa harap ng madla - isang ganap na naiibang personalidad. Ang defiantly independent pose (ang kanang kamay ay kaswal na nakapatong sa gilid), ang buhok na nakalugay sa mga balikat at ang balabal na mabisang itinapon, pati na rin ang hitsura ng singkit na mga mata at isang may pag-aalinlangan na ngiti, gumuhit ng isang taong may tiwala sa sarili at medyo mayabang, narcissistic at puno ng kamalayan ng dignidad ng kanyang sariling tao. Ang gawain ng Hals, na nakikilala sa pamamagitan ng pambihirang kapunuan ng pagsisiwalat ng isang tiyak na karakter at matapang na pagbabago sa larangan ng kulay at pamamaraan, ay ang pinakamataas na tagumpay ng maagang yugto sa pagbuo ng Dutch painting.

Isa sa pinakasikat sa Holland ay nagiging genre ng sambahayan. Mga pintura ni Jan Steen makaakit hindi lamang sa pamamagitan ng kasanayan sa paglalarawan ng mga tao, interior, gamit sa bahay, kundi pati na rin sa nakakaaliw na nilalaman, minsan sa pamamagitan ng mga anecdotal na eksena (“ Revelers "," Ang pasyente at ang doktor ").

Ang mga pintor na nagtrabaho sa lungsod ng Delft ay mas gusto ang poeticization ng pang-araw-araw na buhay kaysa sa pagsasalaysay at entertainment. Nagawa nilang "araw-araw - patula, walang kuwenta - kahanga-hanga, upang bigyan ang pinaka-hindi gaanong kahalagahan ng mga detalye ng isang bihirang espirituwalidad" (V.N. Lazarev). Ang pinaka-kahanga-hangang kinatawan ng paaralan ng Delft ay isinasaalang-alang Jan Vermer , na sa kanyang buhay ay nakakuha ng palayaw na "ang pinakadakilang salamangkero at salamangkero ng pagpipinta." Humigit-kumulang 40 sa kanyang mga gawa ang nakaligtas (lahat ng mga ito ay itinatago sa mga dayuhang museo) - mga tanawin, mga eksena sa genre, mga larawan.

Ang eksena ng isa sa pinakamagandang painting ng Delft artist Peter de Hooch Maybahay at dalaga»ay nagiging isang malinis na maaliwalas na patyo, na binabaha ng maliwanag na sikat ng araw. Ipinakita ng katulong ang babaing punong-abala, na nag-iwan ng karayom ​​sa loob ng ilang panahon, ang mga isda na dinala mula sa palengke sa isang tansong balde na pinakintab sa isang kinang ng salamin. Ngayon ang babaing punong-abala ay magbibigay ng mga kinakailangang order, at ang buhay ay muling dadaloy sa karaniwang paraan. sa larawan ni Peter Janssens silid sa bahay ng mga Dutch” banayad na naghahatid ng kapaligiran ng katahimikan at kaginhawahan, katahimikan at regularidad ng pang-araw-araw na buhay.

Paglikha Gerard Terborchay nakikilala sa pamamagitan ng matingkad na pagpapahayag ng mga nakuhang sitwasyon, ang kakayahang ihatid ang relasyon ng mga character sa tulong ng banayad na mga kilos (" Isang baso ng limonada", " Pagtanggap ng sulat»).

Ang genre ng buhay pa . Ang terminong ito, na lumitaw noong ika-19 na siglo, ay nangangahulugang "patay na kalikasan", na kadalasang hindi tumutugma sa nilalaman ng mga kuwadro na gawa. Tinawag mismo ng mga Dutch ang genre na " stillleven » - isang tahimik na buhay. Ang "The Quiet Life of Things" ay isang imahe ng mga bagay ng totoong mundo, na konektado sa isang grupo na may nakatagong nakakapagpatibay na kahulugan. Ang mga paboritong paksa ay "almusal", "mga dessert", mga bouquet ng bulaklak at mga alegorikal na komposisyon. Sa mga kuwadro na ito, palaging nararamdaman ang hindi nakikitang presensya ng isang tao. Inilipat nila ang mga kubyertos sa mesa, binasag ang nut, binalatan ang lemon, tinapos ang alak sa baso. Ang komposisyon ay nagiging mas natural at tunay. Ang mga master illusory ay tumpak na naghahatid ng hugis at three-dimensionality ng mga bagay, ang kanilang materyal, light reflections at mga kulay sa ibabaw ng mga bagay. Ito ang mga buhay pa rinWillem Klas Heda at Peter Klas.

Ang pinakasikat na genre ng Dutch painting noong ika-17 siglo. nagiging tanawin. Ang pagka-orihinal ng genre na ito at ang mga tema nito ay tinutukoy ng kakaibang katangian ng hilagang bansang ito. Tumanggi ang mga artista na ilarawan ang mga perpektong unibersal na tanawin. Interesado sila sa ordinaryong kalikasan sa isang natural na sitwasyon.

Ang mga marine painters ay naaakit sa mga kalawakan ng dagat, na mahal sa puso ng mga Dutch, kung saan ang mga sailboat at mga bangka na pinapatakbo ng sariwang hangin ay humahampas ( Jan Porcellis " Dagat sa isang maulap na araw» ). Sikat na animalist Paulus Potter sikat sa paglalarawan ng mga hayop sa mga tanawin. Kahanga-hangang ipininta niya ang mga tanawin na nababalot ng malinaw na malamig na hangin, at mga luntiang parang na may mga pastulan sa maliwanag na liwanag ng araw. Ang malalim na pilosopikal na pag-unawa sa kalikasan, malinaw na pag-iisip at pagpapahayag ng komposisyon ay katangian ng mga kuwadro na gawaJacob van Ruisdael. Ang kanyang kalikasan ay puno ng panloob na buhay, napuno ng walang hanggang paggalaw, ang pakikibaka ng mga elementong pwersa, mga kaibahan ng liwanag at anino. Ang kanyang mga bayani ay mabibilis na batis at walang tubig na tubig ng mga latian (“ Latian ”), mga punong pinutol ng bagyo, bumabagsak na mga dahon ng taglagas at batang paglaki. Ang bawat isa sa kanyang mga landscape ay puno ng mga personal na karanasan tungkol sa istraktura ng uniberso at ang lugar ng tao sa loob nito.

Maingat na sumusunod sa kalikasan, natuklasan ng mga Dutch masters ang kagandahan ng nakikitang mundo sa mga pinaka-magkakaibang pagpapakita nito. Ang kanilang mga gawa ay nagpapanatili pa rin ng masiglang kilig ng totoong buhay, na naghahatid ng makulay na kayamanan ng nakapaligid na mundo. Ang mga nagawa ng "Little Dutch" ay naging batayan para sa pagbuo ng makatotohanang kalakaran sa sining ng Europa noong ika-18 at ika-19 na siglo.

Rembrandt Harmenszoon Van Rijn (1606-1669)

Rembrandt - Dutch na pintor, draftsman at etcher (ukit - isang uri ng ukit), isang hindi maunahang master ng pagpipinta at mga graphics, na lumikha ng mga gawa sa halos lahat ng genre: mga portrait, still lifes, landscapes, genre scenes, paintings sa biblical, mythological at historical subjects. Si Rembrandt ang may-akda ng humigit-kumulang 600 mga kuwadro na gawa, 300 ukit at 2 libong mga guhit. Ang malikhaing tagumpay na dumating sa Rembrandt noong unang bahagi ng 1630s ay napalitan sa lalong madaling panahon ng isang lantarang pagtanggi sa kanyang trabaho ng lipunang Dutch, na humantong sa artist sa kahirapan at kahihiyan. Ang sining ng Rembrandt ay mahigpit na nakalimutan ng kanyang mga kontemporaryo, ang interes sa kanya ay na-renew lamang sa pagtatapos ng ika-19 na siglo.

Si Rembrandt Harmenszoon van Rijn ay ipinanganak noong Hulyo 15, 1606 sa Leiden sa pamilya ng isang miller. Pagkatapos ng maikling pag-aaral sa Unibersidad ng Leiden, buong-buo niyang inilaan ang sarili sa sining. Sa loob ng ilang panahon, nag-aral ang binata sa Amsterdam kasama ang sikat na makasaysayang pintor na si Peter Lastman. Pagkalipas ng anim na buwan, umalis siya sa pagawaan ni Lastman at, bumalik sa kanyang katutubong Leiden noong unang bahagi ng 1625, naging isang independiyenteng artista.
Noong 1632, lumipat si Rembrandt sa Amsterdam, kung saan nagpakasal siya sa mayamang patrician na si Saskia van Uylenburgh. Ang 1630s - unang bahagi ng 1640s ay ang mga taon ng kaligayahan ng pamilya at ang mahusay na malikhaing tagumpay ni Rembrandt. Pagpipinta "Anatomy lesson ni Dr. Tulp ”, kung saan nalutas ng artista ang problema ng isang larawan ng grupo sa isang bagong paraan, ay nagdala sa kanya ng malawak na katanyagan. Marami siyang natatanggap na order, maraming estudyante ang nagtatrabaho sa kanyang workshop. Sa mga taong ito, maraming nagtrabaho si Rembrandt sa genre ng portrait: nagpinta siya ng mga portrait ng mayayamang burghers, self-portraits, portrait ng mga mahal sa buhay. Ang mga gawa sa panahong ito ay minsan ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga palabas na panlabas na epekto, panlabas na kalunos-lunos at baroque dynamism (“Self portrait kasama si Saskia », « Ang sakripisyo ni Abraham"," Flora "). Ang isang espesyal na lugar sa gawain ni Rembrandt sa panahong ito ay inookupahan ng mga kuwadro na gawa sa mga paksang mitolohiya, na binibigyang-kahulugan ng artista sa paraang malayo sa mga klasikal na canon at tradisyon (" Danae "). Noong 1630s, si Rembrandt ay nagtrabaho nang husto sa pamamaraan ng pag-ukit. Sa panahong ito, nilikha niya ang kanyang mga unang landscape, ang kanyang mga unang print, pati na rin ang marami sa kanyang pinakamagagandang guhit na lapis.

Ang salungatan na namumuo sa pagitan ng sining ng Rembrandt at ng mga aesthetic na hinihingi ng kontemporaryong lipunan ay nagpakita mismo noong 1642, nang ang pagpipinta "Talumpati ng rifle company ni Captain Frans Banning Cock (Night Watch) "Nagdulot ng mga protesta mula sa mga customer na hindi tinanggap ang pangunahing ideya ng master - sa halip na tradisyonal na larawan ng grupo, lumikha siya, sa esensya, isang makasaysayang larawan. Noong 1640s, ang pag-agos ng mga order ay nabawasan, tanging ang pinaka-deboto na mga mag-aaral ang nananatili sa workshop ni Rembrandt. Ang mga pangyayari sa buhay ay kumplikado sa pagkamatay ni Saskia. Ang gawa ng artist ay nawawala ang dating panlabas na pagiging showiness at mga nota ng major. Sumulat siya ng mahinahon, mainit at matalik na mga eksena sa Bibliya at genre (“ David at Jonathan "). Ang pinaka banayad na paglalaro ng liwanag at anino ay nagiging lalong mahalaga kapwa sa pagpipinta at sa mga graphic ni Rembrandt (pag-ukit ng "Pinapagaling ni Kristo ang Maysakit "(" Sheet ng 100 guilders»).

Noong 1649, nagpakasal si Rembrandt sa pangalawang pagkakataon - kasama ang kanyang lingkod na si Hendrikje Stoffels, na kalaunan ay madalas na nagsilbing kanyang modelo ("Larawan ni Hendrickje Stoffels »).

Ang 1650s, mga taon ng mahihirap na pagsubok sa buhay, ay nagbukas sa panahon ng pagiging malikhain ni Rembrandt. Sa panahong ito, lumikha si Rembrandt ng marami sa kanyang pinakamahalagang larawan ("Mayor Jan Six ”), kabilang ang mga larawan ng matatanda, ay patuloy na gumagana sa mga graphic. SA "Larawan ng isang matandang lalaki na pula ”, na nakaimbak sa Hermitage, ang artista, na parang itinutulak ang time frame ng imahe, ay naghahatid ng maraming panig at kumplikadong panloob na mundo ng isang tao, ay nagpapakita ng kanyang espirituwal na kakanyahan bilang resulta ng kanyang buong buhay. Ang static na komposisyon, ang kawalan ng anumang mga detalye ng sitwasyon, ang paggamit ng liwanag upang ituon ang pansin sa pangunahing bagay at ang pagpapahusay ng emosyonal na epekto ng imahe, ang virtuoso painting technique - lahat ay nagsisilbi sa layunin ng sikolohikal na katangian. Tinawag ng mga kritiko ang gayong mga paglalarawan ng mga tao na "portraits-biographies."

Noong 1656, idineklara si Rembrandt na insolvente, at ang lahat ng kanyang ari-arian ay naibenta sa auction. Lumipat siya sa Jewish quarter ng Amsterdam, kung saan ginugol niya ang natitirang bahagi ng kanyang buhay sa lubhang masikip na mga kondisyon. Noong 1661, inatasan ang artista ng isang malaking makasaysayang pagpipinta para sa bulwagan ng bayan ng Amsterdam sa isang tema mula sa malayong nakaraan ng Holland ("Ang sabwatan ni Julius Civilis "). Ang gawaing ito ay hindi tinanggap ng mga customer dahil sa malupit na pagiging totoo nito. Ang isang bilang ng mga relihiyosong komposisyon ay nabibilang din sa huling yugto ng trabaho ng artista (" David at Uriah ”), pangkat at solong portrait (“Larawan ni Jeremiah de Dekker"). Ang mga gawa ng yumaong Rembrandt ay nakikilala sa pamamagitan ng isang pambihirang lalim ng mga sikolohikal na katangian.

Sa katandaan, si Rembrandt ay pinagmumultuhan ng mga pagkalugi: noong 1663, namatay si Hendrikje, noong 1668, ang kanyang nag-iisang anak na si Titus ay namatay sa namamana na tuberculosis, at noong Oktubre 4, 1669, ang artista mismo ay namatay, na namatay sa kahirapan, limot at kalungkutan.

Pagpipinta " Pagbabalik ng alibughang anak ay nilikha sa ilang sandali bago ang kamatayan ng artist. Sa talinghaga ng ebanghelyo, na nagsasabi tungkol sa isang anak na lalaki na, na nakalimutan ang kanyang mga tagubilin ng magulang, namumuhay ng isang malungkot na buhay at isang pulubi, may sakit, nawasak sa espirituwal, bumalik sa kanyang matandang ama at pinatawad niya, si Rembrandt ay hindi naakit sa tema ng ang mga pakikipagsapalaran at ligaw na buhay ng isang binata (na madalas ilarawan ng ibang mga pintor ), at ang pangwakas ay ang pagkikita ng mag-ama. Ang komposisyon ay ibinaling sa manonood, natagpuan niya ang kanyang sarili sa parehong bilog kasama ang mga taong inilalarawan sa larawan, na, sa malalim at mabigat na pagmumuni-muni, nakikiramay na tumingin sa bulag na matanda, maingat na niyakap ang kanyang anak na lumuhod sa harap. Sa kanya. Ang makatao na kakanyahan ng sining ni Rembrandt ay nakakakuha ng isang espesyal, pangkalahatang kahulugan sa gawaing ito. Ang malungkot na artista, na sa oras na iyon ay nawala ang halos lahat ng kanyang malapit at mahal na mga tao, na nagtrabaho sa isang lipunan na madalas na tumanggi sa kanyang talento, ay nagpapatunay sa ideya ng isang mabait na saloobin sa mga tao, ng pangangailangan na tulungan ang mga nakakahanap ng kanilang sarili. sa isang trahedya na sitwasyon. Ang gawaing ito ay maaaring ituring bilang isang uri ng resulta ng malikhaing buhay ng isang makinang na master.

Ang gawa ni Rembrandt ay nagmamarka ng tugatog ng pag-unlad ng sining ng Dutch noong ika-17 siglo. Ito ay nagkaroon ng malakas na impluwensya sa pag-unlad ng lahat ng makatotohanang sining ng Europa.

Makatotohanang pagpipinta ng Holland. ika-17 siglo

MHK 9 KL. 17-18 SIGLO. BILANG 3. 2011

4. Masters ng "gallant genre": Rococo painting.

Ang pangunahing tema ng pagpipinta ng Rococo ay ang katangi-tanging buhay ng aristokrasya ng korte, "magiting na kasiyahan", mga idyllic na larawan ng buhay ng "pastol" laban sa senaryo ng malinis na kalikasan (ang tinatawag na pastoral), ang mundo ng mga intriga sa pag-ibig at mapanlikhang mga alegorya. Ang buhay ng tao ay madalian at panandalian, at samakatuwid ito ay kinakailangan upang mahuli ang "masayang sandali", magmadali upang mabuhay at pakiramdam. "Ang diwa ng kaakit-akit at maaliwalas na maliliit na bagay" (M. Kulmin) ay naging leitmotif ng gawain ng maraming mga artista ng istilong Rococo.

Antoine Watteau (1684-1721).

Ang sikat na pintor ng Pransya na si Jean Antoine Watteau ay ipinanganak noong 1684 sa maliit na bayan ng probinsya ng Valenciennes sa pamilya ng isang mahirap na roofer. Noong 1702, pumunta si Watteau sa Paris nang walang anumang suportang pinansyal mula sa kanyang pamilya. Sa loob ng dalawang taon, para sa isang pulubi na sahod, nagtatrabaho siya bilang isang copyist ng murang mga painting para sa isang merchant mula sa Notre Dame bridge. Inilalaan ng artista ang kanyang libreng oras sa pagguhit mula sa kalikasan. Sa oras na ito, nakilala ni Watteau ang dekorador ng teatro na si K. Zhilo, kung saan nagsimula siyang kumuha ng mga aralin sa pagpipinta. Ang pagkakaroon ng pagiging malapit noong 1708 sa tagapangasiwa ng Luxembourg Palace, nakuha ni Watteau ang pagkakataong pag-aralan ang mga likha ng mga dakilang masters, na sagana sa koleksyon ng mga painting ng palasyo.

Sinimulan ni Watteau ang kanyang independiyenteng malikhaing aktibidad sa mga sketch ng mga eksena ng buhay ng isang sundalo. Ang mga komposisyon na ito ay isang tagumpay sa publiko ng Paris, at ang mga order ay dumaloy sa artist. Kasunod ng mga katangiang motif ng pagpipinta ng genre noong ika-17 siglo, bumaling si Watteau sa imahe ng kontemporaryong buhay.("Savoyar na may Marmot"), na nagdulot ng espesyal na intimacy at liriko na pananabik. Sa pagtanda, mas pinipili ng artista ang mga eksena sa teatro at ang tinatawag na "gallant genre", na naglalarawan sa kanyang mga pagpipinta ng lahat ng uri ng mga pista opisyal, pagbabalatkayo at libangan, mga romantikong petsa, isang katangi-tanging laro ng pag-ibig ng mga walang ingat na kababaihan at mga ginoo (" Holiday ng pag-ibig "," Lipunan sa parke "). Ang artista ay nagpinta rin ng mga eksena sa teatro, mga larawan, mga tanawin, mga komposisyon ng mitolohiya at relihiyon, mga hubo't hubad, mga iniwang guhit kung saan nakuha niya ang pinaka magkakaibang mga kinatawan ng lipunang Pranses.

Si Watteau ang kauna-unahang muling likhain sa sining ang mundo ng pinakamadaling kalagayan ng pag-iisip (“ kapritsoso", " nakakahiyang proposal”), kadalasang may bahid ng kabalintunaan at pait. Ang mga karakter sa mga pagpipinta ni Watteau ay paulit-ulit na uri, ngunit sa likod ng kanilang magagaling na paglalaro ay mayroong walang katapusang iba't ibang kulay ng mala-tula na damdamin.

Nagawa ni Watteau na makamit ang pagkilala sa artistikong kapaligiran bilang isang banayad at orihinal na master. Noong 1712 siya ay pinasok sa Royal Academy of Painting and Sculpture, at noong 1717 para sa isang malaking pagpipinta "Pilgrimage sa isla ng Cythera » nakatanggap ng titulong akademiko. Ang mga kaakit-akit na kababaihan at mga ginoo ay nagtipon sa baybayin ng mga bulaklak ng isla ng Cythera - ang isla ng Venus, ang diyosa ng pag-ibig at kagandahan. Ang holiday ng pag-ibig ay nagsisimula sa rebulto ng diyosa, sa paanan kung saan ang mga sandata, lira at mga libro ay nakasalansan - mga simbolo ng digmaan, sining at agham: sa katunayan, ang pag-ibig ay maaaring talunin ang lahat! Mainit, malambot na mga kulay, naka-mute na mga kulay, mga light stroke ng brush ng artist - lahat ay lumilikha ng isang espesyal na kapaligiran ng kagandahan at pagmamahal.

Noong 1719 umalis si Watteau patungong England. Siya ay nanirahan sa London sa loob ng isang taon: nagtrabaho siya nang husto at nakatanggap ng pagkilala. Gayunpaman, ang mamasa-masa na klima ng kabisera ng Ingles ay nagpapahina sa marupok na kalusugan ng artist. Pagbalik sa Paris, walang katapusan ang sakit ni Watteau. Noong 1721, sa edad na 36, ​​namatay si Watteau sa pagkonsumo.

Ang gawain ng Watteau ay minarkahan ang simula ng isang bagong yugto sa kasaysayan ng European painting, graphics at pandekorasyon na sining noong ika-18 siglo. Ang pandekorasyon na pagiging sopistikado ng kanyang mga gawa ay nagsilbing batayan para sa artistikong istilo ng Rococo.

Francois Boucher (1703-1770).

Ang Pranses na pintor, draftsman, engraver at dekorador na si Francois Boucher ay ipinanganak noong 1703 sa pamilya ng isang print merchant. Sa paligid ng 1720, nagsimulang magtrabaho si Francois sa pagawaan ng F. Lemoine. Ang unang specialty ng batang artista ay ang craft ng isang illustrator. Si Boucher ay gumuhit ng mga vignette at nakikilahok sa paglikha ng mga ilustrasyon para sa "History of France" ni P. Daniel, na inatasan ng Parisian collector na si Julien Boucher, siya ay nag-ukit ng mga landscape at sketch ni A. Watteau. Si Boucher ay makikibahagi sa paglalarawan ng mga nakalimbag na publikasyon sa buong buhay niya; gagawa siya ng mga ilustrasyon para sa mga gawa nina Moliere, Boccaccio, Ovid at iba pang mga may-akda.

Noong 1726-27, sa lalong madaling panahon nakamit ni Francois ang mahusay na tagumpay sa sining ng pag-ukit, natanggap niya ang Grand Prix ng Academy at umalis patungong Italya sa loob ng apat na taon. Pagbalik sa Paris, nagpakasal si Boucher at natanggap ang kanyang unang pangunahing mga order para sa royal tapestry manufactory sa Beauvais. Noong 1734 para sa pagpipinta "Rinaldo at Armida » Si Boucher ay nahalal sa Royal Academy of Painting and Sculpture. Noong 1737 siya ay naging propesor sa Royal Academy of Painting and Sculpture.1736-60. - ang panahon ng mature na pagkamalikhain ng artist. Sa mga taong ito ay masinsinang nagtrabaho siya sa iba't ibang anyo ng sining (pagpinta, pandekorasyon at inilapat na sining).

Si Boucher ang pinakadakilang pandekorasyon na pintor sa kanyang panahon. Pagkatapos magtrabaho sa Beauvais, siya ay direktor ng royal tapestry manufactory sa Paris, nagsilbi bilang isang dekorador sa Paris Opera, at nagtrabaho para sa Sevres manufactory. Ang walang alinlangan na obra maestra ng pandekorasyon na sining aytapiserya "Mga divertisement ng Tsino”, naibigay noong 1764 ni Louis XV sa emperador ng Tsina. Ang artista ay aktibong kasangkot sa dekorasyon ng mga tirahan ni King Louis XV at ng kanyang maybahay na si Madame de Pompadour, halimbawa, pininturahan niya ang kisame sa mga apartment ng Queen sa Palasyo ng Versailles.

Ang gawa ni Boucher na pintor ay iba-iba. Ang artista ay bumaling sa alegoryachess at mythological plot, ang paboritong pangunahing tauhang babae ay si Venus (“ Tagumpay ng Venus Jupiter at Callisto"," Paliguan si Diana "," Ang Pagdukot sa Europa » ). Inilarawan ni Boucher ang mga perya sa nayon at naka-istilong buhay sa Paris. Nagsulat ng mga eksena sa genre. Nilikha ang mga pastoral ("pastoral ng tag-init ”) at magandang tanawin (“ Gilingan "). Nagpinta siya ng mga eleganteng mapanuksong larawan ("Larawan ng Marquise de Pompadour ”) at mga eksenang hubad. Mayroong ilang mga painting ni Boucher na nakatuon sa mga relihiyosong tema.

Si Francois Boucher ang pinakakilalang kinatawan ng istilong artistikong Rococo. Ang kanyang mga gawa ay nailalarawan sa pamamagitan ng pandekorasyon na pagiging sopistikado at pagpipino; ang mga bayani ng kanyang mga gawa ay puno ng emosyonal na spontaneity, mapaglarong pagkukunwari at tapat na senswal na kasiyahan sa buhay, sila ay nakikilala sa pamamagitan ng namumulaklak na kagandahan at nakakaakit na kagandahan.

Mula noong 1760, si Bush ay nawawala ang dating kasikatan nito. Sa kabila nito, sa mga huling taon ng kanyang buhay siya ang direktor ng Royal Academy of Painting and Sculpture at "ang unang pintor ng hari" (mula noong 1765), at ilang buwan bago ang kanyang kamatayan siya ay nahalal bilang honorary member ng ang St. Petersburg Academy of Arts.

Pambihirang tanyag sa mga taon ng kanyang pagiging malikhain, si Francois Boucher ay nananatiling isa sa pinakasikat na Pranses na mga artista noong ika-18 siglo, isang kahanga-hangang master ng kulay at katangi-tanging pagguhit, na ang mga kuwadro ay nag-aanyaya sa iyo sa mundo ng kaligayahan, pag-ibig at magagandang pangarap.

ROCOCO

MHK 9 KL. 17-18 SIGLO BILANG 4

5. Pagpinta ng panahon ng klasisismo sa France.

Ang pag-unlad ng klasisismo sa sining ay malapit na konektado sa pagbuo ng isang ganap na monarkiya sa France. Noong 1648, itinatag ang Royal Academy of Arts, na nasa ilalim ng pangangasiwa ng unang ministro ng hari. Ang Academy ay tinawag na bumuo ng mga pormal na tuntunin para sa iba't ibang sining, kabilang ang pagpipinta. Unti-unti, sa pagpipinta ng klasisismo, nabuo ang isang hanay ng mga pamantayan na kailangang mahigpit na sundin ng mga artista. Kinakailangan na ang balangkas ng larawan ay naglalaman ng seryosong espirituwal at moral na ideya na maaaring magkaroon ng kapaki-pakinabang na epekto sa manonood. Ayon sa teorya ng klasisismo, ang gayong balangkas ay matatagpuan lamang sa kasaysayan, mitolohiya o mga teksto sa Bibliya. Ang pagguhit at komposisyon ay kinilala bilang pangunahing mga halaga ng artistikong, hindi pinapayagan ang mga matalim na kaibahan ng kulay. Ang komposisyon ng larawan ay nahahati sa malinaw na mga plano. Sa lahat, lalo na sa pagpili ng lakas ng tunog at mga proporsyon ng mga figure, ang artist ay kailangang tumuon sa mga sinaunang masters, lalo na sa mga sinaunang Greek sculptors. Ang edukasyon ng artista ay dapat maganap sa loob ng mga dingding ng akademya. Pagkatapos ay kinakailangang gumawa siya ng isang paglalakbay sa Italya, kung saan nag-aral siya ng antiquity at ang mga gawa ni Raphael.

Kaya, ang mga malikhaing pamamaraan ay naging isang mahigpit na sistema ng mga patakaran, at ang proseso ng paggawa sa isang larawan ay naging imitasyon. Hindi kataka-taka na ang kakayahan ng mga klasikong pintor ay nagsimulang bumaba, at sa ikalawang kalahati ng ika-17 siglo ay wala nang isang makabuluhang artista sa France. Gayunpaman, ang gawain ng tagapagtatag ng klasisismo sa pagpipinta - Nicolas Poussin, pati na rin ang isang natitirang artist ng ika-18 siglo. Si Jacques-Louis David ang mga tugatog ng sining ng mundo.

Nicolas Poussin (1594-1665)

Si Nicolas Poussin ay ipinanganak noong 1594 sa Les Andelys, sa Normandy, sa isang pamilyang magsasaka. Nagsimula siyang mag-aral ng pagpipinta sa isang lokal na artista at ipinagpatuloy ang kanyang pag-aaral sa Paris, kung saan siya dumating noong 1612. Ang batang Poussin ay dinala ng pag-aaral ng unang panahon, sa pamamagitan ng mga ukit ay nakilala niya ang pagpipinta ni Raphael.

Sa pagtatapos ng 1623, nagpunta si Poussin sa Venice, at noong 1624 ay nanirahan sa Roma. Sa Italya, ang artista ay nakapag-iisa na nag-aaral ng geometry, optika, anatomy, nagbabasa ng mga sinaunang may-akda, nag-aaral ng mga gawa sa teorya ng sining Alberti at Dürer , naglalarawan sa mga guhit ng manuskritoLeonardo da Vinci . Si Poussin ay naging isang komprehensibong edukadong tao, isang napakatalino na connoisseur ng sinaunang kultura. Sa kanyang trabaho, binigyan niya ng kagustuhan ang mga antigong tema. Madalas inihalintulad ng artista ang mga karakter sa Bibliya at ebanghelyo sa mga sinaunang bayani. Ang sinaunang mundo sa view ng Poussin ay perpektong maganda, pinaninirahan ng mga matalino at perpektong tao. Kahit na sa mga dramatikong yugto ng sinaunang kasaysayan, sinubukan niyang makita ang tagumpay ng katwiran at mas mataas na hustisya. Ang isang malalim na pag-unawa sa nilalaman ng espirituwal na kultura ng unang panahon ay naipakita hindi gaanong sa likas na katangian ng mga plot ng mga pagpipinta ni Poussin, ngunit sa anyo kung saan ipinahayag ng artista ang kanyang mga mithiin sa moral. Si Poussin ay bumuo ng isang espesyal na sistema ng pagpipinta, na tinatawag na "classicism". Ang mga klasikong prinsipyo ng Poussin ay malinaw na ipinakita sa mga canvases ng 1630s. ("Ang Panggagahasa sa mga Babaeng Sabine », « Sumayaw sa Musika ng Panahon »).

Nakita ni Poussin ang layunin ng sining sa pagbibigay sa isip ng pagkain para sa pag-iisip, pagkintal ng birtud sa isang tao, pagtuturo sa kanya ng karunungan. Dahil dito, halos hindi nagpinta si Poussin ng mga larawan, isinasaalang-alang ang genre na ito na hindi karapat-dapat ng pansin, hindi nagbibigay-inspirasyon sa manonood ng matayog at mahahalagang ideya. Ang pagbubukod ay dalawang larawan sa sarili na ipininta sa kahilingan ng mga kaibigan. Gumawa si Poussin ng maraming mga gawa sa mga paksang mitolohiya, kasaysayan, pampanitikan, kung saan ipinakita ang mga malalakas na karakter at maringal na gawa ("Kamatayan ng Germanicus ”), habang umaalis sa mga gawang puno ng mala-tula na damdamin (“ Kaharian ng Flora "," Tancred at Erminia »).

Ang kaluwalhatian ng Poussin ay umabot sa Paris. Ang artista ay matigas ang ulo na inanyayahan na bumalik sa kanyang tinubuang-bayan. Nakatanggap ng personal na imbitasyon mula kay Louis XIII, naglakbay si Poussin sa Paris noong 1640. Sa pamamagitan ng utos ng hari, siya ay hinirang na pinuno ng lahat ng mga gawaing sining, na nagpapanumbalik laban sa kanya ng isang pangkat ng mga pintor ng korte. Napakabigat ng buhay ng Paris kay Poussin. Nang hindi nakumpleto ang trabaho, bumalik ang artista sa Roma noong 1642.

Sa mga gawa ng ikalawang panahon ng Romano, ang etikal at pilosopikal na mga ideya ay pinatindi ("mga arcadian na pastol », « Magpahinga sa flight papuntang Egypt "). Mahilig si Poussin sa mga turo ng mga sinaunang pilosopong Stoic, na humihiling ng lakas ng loob at dignidad sa harap ng kamatayan. Ang mga pagmumuni-muni sa kamatayan ay sinakop ang isang mahalagang lugar sa kanyang trabaho, ang balangkas ng pagpipinta na "The Arcadian Shepherds" ay nauugnay sa kanila. Ang mga naninirahan sa Arcadia, kung saan naghahari ang kagalakan at kapayapaan, ay natuklasan ang isang lapida na may inskripsiyon: "At ako ay nasa Arcadia." Ang Kamatayan mismo ang nagsasalita sa mga bayani at sumisira sa kanilang matahimik na kalooban, na pinipilit silang isipin ang hindi maiiwasang pagdurusa sa hinaharap. Ang isa sa mga babae ay inilagay ang kanyang kamay sa balikat ng kanyang kapitbahay, na parang sinusubukang tulungan siya na magkasundo sa pag-iisip ng isang hindi maiiwasang wakas. Gayunpaman, sa kabila ng kalunos-lunos na nilalaman, ang artista ay nagkukuwento tungkol sa banggaan ng buhay at kamatayan nang mahinahon. Ang komposisyon ng pagpipinta ay simple at lohikal: ang mga character ay pinagsama-sama malapit sa lapida at nakaugnay sa pamamagitan ng mga paggalaw ng kamay. Ang mga figure ay pininturahan gamit ang malambot at nagpapahayag na chiaroscuro, ang mga ito ay medyo nakapagpapaalaala sa mga antigong eskultura.

Ang isang mahalagang lugar sa gawain ng Poussin ay inookupahan ng tanawin. Palagi itong tinitirhan ng mga bayaning mitolohiya. Ito ay makikita kahit na sa mga pamagat ng mga gawa: "Landscape with Polyphemus", "Landscape with Hercules". Ngunit ang kanilang mga pigura ay maliit at halos hindi nakikita sa mga malalaking bundok, ulap at mga puno. Ang mga karakter ng sinaunang mitolohiya ay kumikilos dito bilang isang simbolo ng espirituwalidad ng mundo. Ang parehong ideya ay ipinahayag ng komposisyon ng landscape - simple, lohikal, maayos. Ang mga spatial na plano ay malinaw na pinaghihiwalay sa mga kuwadro na gawa: ang unang plano ay isang kapatagan, ang pangalawa ay mga higanteng puno, ang pangatlo ay ang mga bundok, langit o ibabaw ng dagat. Ang paghahati sa mga plano ay binigyang-diin din sa kulay. Ito ay kung paano lumitaw ang isang sistema, na kalaunan ay tinawag na "landscape na tatlong-kulay": sa pagpipinta ng unang plano, ang dilaw at kayumanggi na mga kulay ay nangingibabaw, sa pangalawa - mainit at berde, sa pangatlo - malamig, at higit sa lahat asul. Ngunit ang artist ay kumbinsido na ang kulay ay isang paraan lamang upang lumikha ng lakas ng tunog at malalim na espasyo, hindi ito dapat makagambala sa mata ng manonood mula sa alahas-tumpak na pagguhit at maayos na nakaayos na komposisyon. Bilang isang resulta, isang imahe ng isang perpektong mundo ay ipinanganak, isinaayos ayon sa mas mataas na mga batas ng katwiran.

Si Poussin ay may kaunting mga mag-aaral, ngunit talagang lumikha siya ng isang kontemporaryong paaralan ng pagpipinta. Ang gawain ng master na ito ay naging tuktok ng klasiko ng Pranses at naimpluwensyahan ang maraming mga artista ng kasunod na mga siglo.

Jacques Louis David (1746-1825)

Si Jacques Louis David ay ipinanganak sa Paris sa isang mayamang negosyante. Noong 1766 siya ay natanggap sa Royal Academy. Mula sa kanyang kabataan, si David ay naaakit ng sinaunang pamana, sinikap niyang sundin ang mga prinsipyo ng klasisismo. Natanggap ang parangal ng Academy, ang Prize ng Roma, noong Oktubre 1775, pumunta si David sa Roma. Sa Roma, ang artist ay naglalaan ng halos lahat ng kanyang oras sa pagguhit mula sa mga antigong estatwa at mga relief at pagkopya ng mga pintura ng mga dakilang masters.

Noong 1780, bumalik si David sa kanyang sariling bayan. Sa mga taon bago ang Rebolusyong Pranses, ang artista ay naging pinakamalaking kinatawan ng tinatawag na "rebolusyonaryong" klasisismo. Ang gawa ni David ay may binibigkas na oryentasyong pamamahayag, hinahangad ng artista na ipahayag ang mga kabayanihan na mithiin sa pamamagitan ng mga larawan ng sinaunang panahon. Pagpipinta "Belisarius na humihingi ng limos ”, Ipinakita sa Salon ng 1781, kasama ang ilang iba pang mga canvases, ay nagdala ng katanyagan at pagkilala sa artist. Para sa kanya, si David ay itinalaga sa Academy, na siyang unang akademikong titulo.

Sa edad na 34, pinakasalan ni David ang isang Marguerite Charlotte Pekoul, ang anak ng isang mayaman at maimpluwensyang manager ng trabaho sa Louvre. Ang artista ay nanirahan kasama si Charlotte sa loob ng maraming taon; nagkaroon sila ng dalawang anak na lalaki at dalawang anak na babae.

Noong 1776, isang programa ng gobyerno ang binuo sa France na nag-udyok sa paglikha ng malalaking mga pintura "na idinisenyo upang muling buhayin ang mga birtud at damdaming makabayan." Inalok si David ng isang kabayanihan mula sa unang bahagi ng kasaysayan ng Roma - ang gawa ng tatlong magkakapatid na lalaki mula sa marangal na patrician na pamilya ng Horatii. Sa panahon ng digmaan ng mga Romano sa lungsod ng Alba Longa (ika-7 siglo BC), natalo nila ang tatlo sa pinakamahuhusay na mandirigma ng kaaway (mga kapatid din - Curiatii) sa labanan, na nagdala sa mga Romano ng halos walang dugong tagumpay. Dalawang Horatii ang namatay sa labanan. Nagpinta ng larawan si David Panunumpa ng Horatii ” sa Roma, kung saan siya umalis noong 1784 kasama ang kanyang pamilya at mga estudyante. Sa dramatikong kuwentong ito, natagpuan ng artista ang isang sandali ng kahanga-hangang kagitingan - isang eksena kung saan ang magkapatid ay nanunumpa sa kanilang ama na huwag umatras sa labanan. Ang aksyon ng larawan ay nagaganap sa patyo ng isang sinaunang Romanong bahay: isang stream ng liwanag ang bumubuhos sa mga bayani ng larawan mula sa itaas, ang olive-grey na takip-silim ay pumapalibot sa kanila. Sa background - isang three-span arcade; isa o higit pang mga figure ang nakasulat sa bawat arko. Sa gitna ay nakatayo ang ama ng pamilya, sa kaliwa niya ay mga anak na handang makipaglaban, sa kanan ay mga babaeng may mga anak, manhid sa pighati at takot. Ang makinis na mga balangkas ng babaeng grupo ay kaibahan sa mga hinahabol na linya ng mga pigura ng mga mandirigma. Sa gitna ng buong komposisyon ay ang numero tatlo: tatlong arko, tatlong grupo ng mga karakter, tatlong espada, tatlong kamay, na madaling nakaunat sa mga sandata. Pinupuno ng triple repetitions na ito ang buong eksena ng isang mood ng masayang composure: anumang paggalaw ay agad na nakakakuha ng triple strength.

Nang matapos ang canvas at ipinakita ito ng pintor sa publiko, nagsimula ang isang tunay na paglalakbay ng mga Romano at dayuhan sa kanyang pagawaan. Ang larawan ay isang malaking tagumpay. Sa sumunod na mga taon, maraming isinulat si David. Gumagawa siya ng mga makasaysayang canvases ("Dinala ng mga lictor ang mga katawan ng kanyang mga anak kay Brutus. ”), mythological compositions (“ Paris at Elena"), mga larawan (" Larawan ng Lavoisiers "). Nakuha ng artista ang katanyagan ng "ang pinaka-advanced at matapang na pintor", "ang sumisira ng mga pundasyon". Siya ay nagiging mayaman, sikat at sikat.

Ang kasunod na panahon ng buhay ni David ay malapit na nauugnay sa buhay pampulitika ng France. Ang artista ay naging aktibong kalahok sa mga kaganapan ng Rebolusyong Pranses. Noong 1790, naging miyembro siya ng Jacobin Club, noong 1792 si David ay nahalal bilang representante sa Convention, ang pinakamataas na legislative at executive body ng First Republic, at pagkatapos ng kudeta noong Mayo 31 - Hunyo 2, 1793, nang ang Jacobins dumating sa kapangyarihan, siya talaga ay naging isang patakaran ng pamahalaan ng konduktor sa sining. Pinangasiwaan din ni David ang organisasyon ng mga pambansang kapistahan; kasama rin sa kanyang mga gawain ang pagluwalhati sa mga patay na rebolusyonaryo, na opisyal na idineklara na "mga martir ng kalayaan." Noong Enero 1793, bukod sa iba pang mga kinatawan ng Convention, si David ay bumoto para sa pagkamatay ni Haring Louis XVI, na kalaunan ay pinatay. Sa inspirasyon ng kabayanihan ng rebolusyon, nagpinta si David ng isang makasaysayang larawan sa isang modernong paksa - "Panunumpa sa ballroom " (hindi pa tapos). Canvas" Kamatayan ng Marat ”ay naging bantayog ng mga bayani ng rebolusyonaryong panahon.

Pagkatapos ng isang bagong kudeta noong Hulyo 1794, si David, bilang isang kilalang Jacobin, ay inaresto at dinala sa imbestigasyon. Gayunpaman, nagawa niyang patunayan ang kanyang hindi pagkakasangkot sa mass executions noong 1793-94. at pinalaya noong Agosto 1795. Paglabas ng bilangguan, masigasig na kinuha ni David ang brush. Nagpinta siya ng mga portrait, nagsimulang magtrabaho sa isang multi-figure na canvas "Ipinatigil ni Sabines ang labanan sa pagitan ng mga Romano at mga Sabines ”, na isinulat niya sa loob ng halos limang taon. Inalok si David ng mga posisyon bilang miyembro ng konseho ng estado at senador. Gayunpaman, tinanggihan ni David ang lahat ng mga alok, mas pinipili ang buhay ng isang libreng artist sa kanila.

Noong 1799, naluklok si Napoleon Bonaparte sa kapangyarihan bilang resulta ng isa pang coup d'état. Si David, tulad ng maraming dating rebolusyonaryo, ay masayang binati ang kaganapang ito. Sa pagpipinta na "The Crossing of Bonaparte through the St. Bernard Pass", inilarawan ng artist ang kanyang bagong bayani na nagbabalik mula sa isang matagumpay na kampanya sa Italya. Hindi gumagalaw, tulad ng isang monumento, ang pigura ng komandante na nakasakay sa kabayo ay tumataas laban sa backdrop ng walang buhay na mga linya ng mga hanay ng bundok: tila ang buong mundo ay tumigil, masunurin sa mapang-akit na kilos ng nagwagi. Ang mga bato sa ilalim ng mga paa ng kabayo ay isang uri ng pedestal: ang mga pangalan ng tatlong dakilang mananakop na dumaan sa ganitong paraan ay nakaukit sa kanila - sina Hannibal, Charlemagne at Napoleon mismo. Nagustuhan ni Napoleon ang gawain kaya't pagkatapos ay nag-utos siya ng tatlong pag-uulit ng pagpipinta. Nagningning muli ang Bituin ni David. Nang walang anumang opisyal na posisyon, siya ay talagang nananatiling unang pintor ng France. Ang pag-pose para kay David ay itinuturing na isang malaking karangalan, na kakaunti ang iginawad (" Madame Recamier").

Noong 1804, ipinagkaloob ni Napoleon, na ipinahayag na emperador, kay David ang pamagat ng "unang pintor ng emperador" at ang cavalier order ng Legion of Honor. Sa parehong taon, nagsimulang magpinta si David ng isang larawan na naglalarawan sa koronasyon ni Napoleon I ("Koronasyon ni Napoleon I at Empress Josephine sa Notre Dame Cathedral noong Disyembre 2, 1804 "). Paggawa sa order na ito, ang artist ay lumikha ng humigit-kumulang isa at kalahating daang mga larawan ng mga dignitaryo ng estado, ang mga larawan kung saan isasama sa komposisyon. Ipininta ng pintor ang kakaibang canvas na ito sa loob ng halos tatlong taon. Ang larawan ay natanggap nang mabuti, at ang mga parangal ay muling umulan sa artist. Noong 1812, ipininta ni David ang huling larawan ni Napoleon (“Larawan ni Napoleon »).

Noong 1814, natapos ni David ang trabaho sa canvas "Leonidas sa Labanan ng Thermopylae ”, na ipinakita niya sa kanyang workshop. Ito ang huling malaking canvas ng artist. Hindi ito nakakuha ng atensyon ng publiko. Sa huling pagbagsak ng Bonaparte, nagsimula ang mga madilim na araw sa buhay ni David. Ang artista ay sinentensiyahan ng habambuhay na pagkatapon mula sa France dahil sa pagboto para sa pagpatay sa hari. Hindi nakatanggap ng pahintulot na umalis patungong Roma, si David at ang kanyang asawa ay nagtungo sa Brussels noong 1816. Sa Brussels, patuloy siyang nagpinta, lumilikha ng mga larawan, pati na rin ang mga pagpipinta sa mga antigong paksa ("Cupid at Psyche). Disyembre 29, 1825 Namatay si David. Ang mga awtoridad ng Pransya ay hindi nagbigay ng pahintulot para sa kanyang libing sa France, si David ay inilibing sa Brussels.

Sa akda ni David, ang mga prinsipyo at mithiin ng tinatawag na "rebolusyonaryo" na klasisismo ay pinakamalinaw na ipinahayag. Sa pagsisikap na ipahayag ang mga kabayanihan na mithiin sa pamamagitan ng mga larawan ng sinaunang panahon, lumikha siya ng mga makasaysayang pagpipinta na magpakailanman ay nakakuha ng mga adhikaing ideolohikal ng kanyang henerasyon. Ang mga makasaysayang pagpipinta sa mga kontemporaryong tema na nilikha niya sa panahon ng Rebolusyong Pranses ay nagpatuloy sa maluwalhating tradisyon ng "grand style" ng Pranses. Malaki ang kahalagahan ng gawa ni David para sa lahat ng mga masters ng neoclassical at academic na mga paaralan noong ika-19 na siglo.

KLASISISMO

MHK 9 KL. 17-18 SIGLO BILANG 5-2010

XVII siglo sa Kanlurang Europa - ang pamumulaklak ng mga ideya ng klasisismo, batay sa kulto ng katwiran at katwiran ng tao. Ang mga ideyang ito ay mahahanap ang kanilang pag-unlad kapwa sa pilosopikal na mga treatise at sa artistikong tradisyon ng panahong iyon.

Sa pagtatapos ng ika-17 - ika-18 siglo, ipinanganak ang mga ideya sa Europa na tumanggap ng pangalan ng Enlightenment. Ang mga ideya ng Enlightenment, pati na rin ang mga ideya ng klasisismo, ay lumitaw sa sining ng panahong ito at makikita sa pilosopiya ng panahong ito.

Inihanda ng pilosopiya ng Enlightenment ang Great French Revolution at nabuo ang pangunahing slogan nito: “Kalayaan. Pagkakapantay-pantay. Kapatiran". Nanawagan ang mga enlightener para sa pagiging natural sa sining, para sa pagiging totoo ng mga damdamin. Samakatuwid, ang saloobin ng panahong ito ay may kaugaliang matayog na kalayaan. AT sa fiction, ang mga ideyang ito ay humantong sa sentimentality. Ang apela ng mga enlighteners sa kalikasan habang tinatanggihan ang ideyang Kristiyano ay humantong sa kosmopolitanismo na ipinahayag sa pagkondena sa anumang nasyonalismo at paniniwala sa pantay na pagkakataon para sa bawat bansa. Ngunit sa parehong oras, ang kaliwanagan ay may maliwanag na pambansang pagkakakilanlan.

Ang saloobin ng Enlightenment ay likas sa:

Scientific (batay sa makikinang na mga likha nina Pascal at Descartes);

Rasyonalismo (dahil sa paglitaw ng mga ideya ng deism);

Pananampalataya sa pag-unlad;

Ang absolutisasyon ng kahalagahan ng edukasyon (ang materyal para dito ay ang "ikatlong ari-arian", kung saan ang mga numero ng isang mangangalakal at isang "kinatawan ng isang libreng propesyon" (na nakatanggap ng pangalang "intelektwal" sa Russia) ay nagsimulang tumayo. );

Ang pag-unawa sa personalidad bilang isang kumplikado at magkasalungat na kababalaghan.

Lumitaw ang mga pagbabagong ito sa sining sa dalawang paraan: sa isang banda, isang interes sa hindi makatwiran, ilusyon, pabago-bago at emosyonal, sa kabilang banda, isang diin sa pagiging makatwiran ng isang tao na magagawang pagtagumpayan ang kanyang madamdamin na kalikasan. Ang unang direksyon ay nagpakita ng sarili sa isang estilo bilang baroque, ang pangalawa - sa klasisismo. Ang artistikong pagkumpleto ng Late Renaissance ay ang Baroque, na maaaring ituring na isang transisyonal na yugto tungo sa Enlightenment.

baroque - direksyon ng estilo sa sining ng Europa sa pagtatapos ng ika-16 - sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, na bumangon sa Italya at kumalat sa karamihan ng mga bansang Europeo. Ang Baroque ay may kaugaliang epekto, kaibahan, ang kumbinasyon ng ilusyon at tunay, sa synthesis ng sining at sa parehong oras sa eksaktong paghahati sa mga katangian ng genre. Ito ay konektado sa pag-unawa sa pagkamalikhain bilang isang proseso ng pag-master ng kalikasan ng isang artista, ang teknikal na kasanayan ng diwa ng isang henyo na nagtagumpay sa materyalidad ng mundo.

Ang pag-unawa sa mundo bilang magkakaibang sa mga pagpapakita nito, ngunit may hangganan mula sa pananaw ng buhay ng tao, ang humantong sa mga artista at manunulat sa ideya na ang maikli at marupok na buhay na ito ay walang iba kundi isang ilusyon. Ang metapora, sagisag, alegorya ay nagiging paboritong anyo ng pagpapahayag hindi lamang para sa mga makata, kundi pati na rin sa mga pintor.

Ibang direksyon - Ika-18 siglong klasiko - ay itinuturing din bilang magaan na klasisismo ang nakaraang panahon. Ang kanyang saloobin ay batay sa ideya ng ganap na monarkiya. Ang pilosopikal na saligan ng klasisismo ay rasyonalismo. Ang pangunahing kinakailangan para sa isang classicist artist ay "nobility of design". Ang klasisismo ay nauukol sa pagiging makasaysayan ng mga pangyayari. Ang katotohanan, kasama ang landscape at portraiture nito, ay isang pangalawang isyu sa mga tuntunin ng kahalagahan. Ang klasiko ay batay sa obligadong katangian ng canon sa prinsipyo ng imitasyon ng sinaunang panahon. Ang mga klasiko ay nagbibigay ng problema sa pagsasapanlipunan ng indibidwal. Ang espirituwal na kagandahan ay nagsisimulang itinaas sa itaas ng pisikal, at mga gawa ng sining - sa itaas ng kalikasan. Ang kalikasan ay tumigil sa pagiging isang huwaran.

Ang mga klasiko ay nagsusumikap para sa typification. Ang prinsipyo ng paglikha ng isang uri ay batay sa pagpili sa karakter ng isa sa mga pinaka-kapansin-pansin na mga tampok, na

sadyang umuumbok. Ang isang karaniwang imahe ay nagiging abstraction. Ang tipikal na katangian ng mga klasiko ay walang sariling katangian.

Sa masining na aktibidad, ang panitikan at teatro ay nauuna bilang mga anyo ng sining na may kakayahang makaimpluwensya sa senswal na kalikasan ng tao. Ang mga etikal na tema ay nasa unahan. Ang kagandahan ay itinuturing na pangunahing paraan ng etikal na impluwensya. Ang pinakasikat na mga genre ng panitikan ay nobela, memoir at epistolaryo. Kabilang sa mga sikat na manunulat sina Daniel Defoe, Jonathan Swift, Voltaire, Jean-Jacques Rousseau, Johann Wolfgang Goethe.

Ang teatro (Pierre Corneille, Moliere, Jean Racine) noong ika-18 siglo ay naging isang makapangyarihang paraan ng ideolohiyang pang-edukasyon. Isang bagong genre ang umuusbong sa England - burgis na drama, kung saan ang mga pangunahing tauhan ay mga ordinaryong tao. Sa France sila sumulat para sa teatro Voltaire, Diderot at Beaumarchais. Sa Italya, lumilikha si Carlo Goldoni komedya ng ugali, at nagpakilala si Carlo Gozzi sa entablado fairy tale(“The Love for Three Oranges”, “Princess Turandot”).

XVH-XVIII siglo - ang simula ng pamumulaklak ng musikal na kultura (Johann Sebastian Bach at Georg Friedrich Handel, "Viennese classics" - Haydn, Mozart, Beethoven). Ang partikular na tala ay ang pag-unlad sining ng opera, nauugnay sa pangalan ni Gluck.

Noong ika-18 siglo, ang kultura ng musika ay gumawa ng mga makabuluhang hakbang: ang problema sa paghahatid ng mga damdamin ng tao ay naging napakahalaga, ang mga pangunahing prinsipyo ng realismo ay binalangkas, ang pagbuo ng sonata-no-symphonic na pag-iisip, na hindi na binuo sa pagbuo ng isang imahe sa isang piraso ng musika, ngunit sa paghahambing ng ilang magkakaibang mga imahe. Ang mga pangunahing genre sa musika ay konsiyerto, oratorio at suite. Ang musika ng sayaw ay umuunlad sa France, na ipinakita ang sarili sa gawain ni Lully, na lumikha hindi lamang balete, ngunit din nagdala ng sayaw sa mga palabas sa opera.

Sa ilalim ng mga kondisyong ito, ang magagaling na istilo ng rococo ay ipinanganak at mabilis na umuunlad, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng:

Ang tema ng pagdiriwang, pagbabalatkayo, pastoral, light flirting,

kagandahan at pagiging sopistikado,

panloob na dinamismo,

maliit na anyo,

laruan,

Kasaganaan ng mga dekorasyon, dekorasyon (lalo na sa anyo ng mga kulot). Ang isang kapansin-pansing halimbawa ng French Rococo sa musika ay ang yumayabong sining ng harpsichord.

Ang arkitektura ng ika-18 siglo ay nasa isang estado ng krisis: malakas na spatial dynamics, kapansin-pansing mga kaibahan at isang kahanga-hangang plastic play ng mga Baroque form ay pinalitan ng isang estilo na, kumbaga, isinasalin ang mga curvilinear constructions ng Baroque sa isang bagong rehistro. Aalis ng wala

facades, ang Rococo ay nakakalat ng mga ornamental pattern sa mga dingding at kisame ng mga interior, umabot sa taas ng virtuosity, grace at brilliance, ngunit ganap na nawawala ang Baroque monumentality, solidity at lakas nito.

Lumilitaw ang genre sa pagpipinta buhay pa, naglalayong maunawaan ang pagkakatugma ng kulay, espasyo, hugis at dami. Sa kalagitnaan ng ika-17 siglo, isang bagong pagpipinta ang ipinanganak, na tinatawag ng mga theoreticians makatotohanan. Ang isang pagpapakita ng mga detalye ng aesthetics ng New Age sa pagpipinta ay "caravagism". Michelangelo da Caravaggio siya ang unang nagpakilala ng mga makatotohanang paksa ng katutubong buhay sa pagpipinta.

Sa sandaling ang pangangailangan para sa kanya, bilang isang kumander, ay nawala, siya ay tinanggal mula sa utos. At sa kanyang sariling ulo: Nakipagsabwatan si Richelieu sa hari ng Suweko na si Gustav II Adolf, at isang makapangyarihang hukbong Suweko (hindi mula sa mga internasyonal na mersenaryo, ngunit pambansa sa komposisyon, malakas sa iisang wika, relihiyon at kultura) ang sumalakay sa Alemanya. Ang mga Swedes ay masigasig na tinatanggap ng populasyon ng Protestante, nanalo sila ng ilang mga tagumpay. Ang Wallenstein ay muling naging "kaugnay" para sa Vienna.
Siya ay muli sa pinuno ng mga tropang imperyal. Sa mapagpasyang labanan ng Lützen noong Nobyembre 16, 1632, ang "Swedish lion" na si Gustav Adolf ay namatay sa isang magiting na kamatayan. Gayunpaman, para kay Wallenstein ito ay isang tagumpay ng Pyrrhic: nang mawala ang kanilang pinuno, ang mga tropang Suweko ay sumali sa hanay ng mga mandarambong at magnanakaw na sumira sa teritoryo ng Alemanya.
Noong 1633-34, pumasok si Wallenstein sa mga negosasyon sa mga diplomat ng Pransya. Inihayag niya sa kanila ang kanyang mga plano: ang pag-iisa ng Alemanya, ang paglilinis ng teritoryo nito mula sa mga tropa ng mga mersenaryo at dayuhan, ang patakaran ng pagpaparaya sa relihiyon. Para sa kanyang sarili, nais ni Wallenstein na makatanggap ng korona ng Czech
Naku, sobra ang gusto niya! At, higit sa lahat, ang isang malakas na Alemanya ay hindi nangangahulugang panghabambuhay na pangarap ng Duke ng Richelieu. Nalaman ng mga Austrian ang mga negosasyon.
Noong Pebrero 25, 1634, sa Eger Castle, pinatay si Wallenstein kasama ang tatlo sa kanyang tapat na bodyguard. Pinahintulutan ng emperador ang pagpatay. Sa kanyang pagkamatay, nawalan ng pagkakataon ang Alemanya na maging isang dakilang kapangyarihan, at nagpatuloy ang digmaan nang may panibagong lakas.
Noong 1635, hayagang pumasok ang Katolikong France sa panig ng mga Protestante. Ang mga operasyong militar ay nangyayari na may iba't ibang tagumpay. Ang preponderance ng pwersa ay nasa panig ng France: sa oras na iyon, ang populasyon nito ay 17 beses na mas malaki kaysa sa populasyon ng Germany! Gayunpaman, ang pagiging mabunga ay hindi pakikipaglaban, at alam ni Richelieu ang halaga ng matapang na mandirigmang Pranses. Sa kanyang Tipan, sinabi niya nang may kabalintunaan: "Bagaman sinabi ni Caesar na alam ng mga Frank ang dalawang bagay: ang sining ng digmaan at ang sining ng mahusay na pagsasalita, hindi ko maintindihan kung saan iniuugnay niya ang unang katangian sa kanila, na nasa isip. na ang tiyaga sa trabaho at mga alalahanin, ang kalidad na kinakailangan sa digmaan ay paminsan-minsan lamang matatagpuan sa kanila ”(Sipi ni: P. Shon. Sibilisasyon ng klasikal na Europa. - Yekaterinburg, 2005. - P. 91).
Noong 1636, nakuha ng mga imperyal ang isang kuta sa hilaga ng France - ang Paris ay nasa ilalim ng banta. Sa taong ito, isinusulat ni Pierre Corneille ang pinakamalaking trahedya ng klasikong Pranses, ang kanyang Cid.
Isang mahusay na sagot sa mga Teuton, wala kang masasabi! ..
Ang posisyon ng France ay nailigtas ng mga pag-aalsa sa teritoryo ng kaaway: sa Netherlands, sa Catalonia at Portugal. Gayunpaman, kahit na sa France, ang mga pag-aalsa ng populasyon, na naubos ng mga pangingikil para sa pagsasagawa ng digmaan, ay nagliliyab.
Totoo, pinamamahalaan ng mga Pranses na manalo ng maraming makikinang na tagumpay: ang kanilang kahusayan sa artilerya at mga palabas sa taktika. Ang resulta ng lahat ng kaguluhang ito ay ang Kapayapaan ng Westphalia, na nagtapos noong Oktubre 1648 nang may malaking kagalakan. Ang France at Sweden ay naging hindi mapag-aalinlanganang European hegemon. Ang ideya ng Austro-Espanyol ng isang "unibersal na imperyo ng Katoliko" ay bumagsak kasama ng lakas ng militar ng mga Kastila. Ang mga nagwagi ay dinagdagan ang teritoryo at muling naglagay ng kaban sa kapinsalaan ng mga indemnidad.
At ang natalo ... Ang pinakamasama sa lahat ay ang mga naganap ang labanan sa teritoryo - ang mga Aleman. Ang populasyon ng Alemanya ay nabawasan, ayon sa ilang mga mapagkukunan, ng kalahati, ayon sa iba, ng dalawang-katlo. Sa ilang mga lungsod, pinahintulutan ang mga lalaki na magkaroon ng dalawang legal na asawa - sa mga pagkalugi, hindi na ito nakasalalay sa mga tradisyon at utos ng Kristiyano.
Simboliko na ang embahador ng Pransya ay tumanggi na makipag-ayos sa Latin, gaya ng nakagawian, at nagsalita sa Pranses. Ang bituin ng Pransya ay bumangon sa Europa, na nagniningning nang walang hanggan sa ibabaw nito hanggang sa simula ng ika-18 siglo, at sa larangan ng kultura - hanggang sa kalagitnaan ng ika-20 siglo.

Henry the Fourth: isang natatanging zamarah

At samantala, ang lahat ay hindi masyadong kalmado sa bagong hegemon ng Europa! Mayroong mga dahilan para dito, na muling nagsasalita tungkol sa hindi pagkakapare-pareho ng proseso ng kasaysayan.
Una, ang France ay potensyal na pinakamayamang estado sa Europa. Wala kahit saan na matagumpay na pinagsama ang paborableng pagkakaiba-iba ng klima, pagkamayabong ng lupa at kalapitan sa mga ruta ng kalakalan. Ngunit ang mga natural at klimatiko na bentahe na ito lamang ang naging espesyal na halaga ng mga lupang agrikultural sa Pransya, na medyo nagpapabagal sa pag-unlad ng mga sining at kalakalan at negatibong nakakaapekto sa balanse ng mga pwersang panlipunan. Kung ang pyudalismo ay, una sa lahat, isang sistemang sosyo-ekonomiko batay sa pagmamay-ari ng lupang pang-agrikultura, kung gayon ang Pransya, natural, ay pumasok sa Renaissance na may mas malaking pagkarga ng mga tampok na medieval kaysa, halimbawa, Italya o Inglatera. Ang pinaka-kagalang-galang na lugar sa lipunang Pranses ay inookupahan ng mga maharlika - mga inapo ng mga pyudal na panginoon, at ang mga mangangalakal at financier (at higit pa sa mga artisan) ay halos hinahamak na mga layer (hindi tulad ng England, Italy at kahit Germany na may napakalakas na mga lungsod). Ang malalawak na lupain ay nagpalaki at nagsasarili sa mga maharlikang Pranses kaugnay ng sentral na pamahalaan.
Tinawag ng mga mananalaysay ang France na "rosas ng medieval Europe", ngunit ang mga tinik ng rosas na ito ay walang awang tumusok sa mga daliri ng pag-unlad.
Pangalawa, ang ika-16 at ang unang kalahati ng ika-17 siglo ay ang panahon ng pagsabog ng populasyon sa France, nang ang kapangyarihang ito ay naging pinakamataong bansa sa Europa. Ang napakalaking yamang tao ay mabuti para sa pag-unlad ng ekonomiya at pakikidigma. Ngunit ang Pranses noong panahong iyon ay isang maikli, malupit, masigla at napaka-adventurous na bully na hindi madaling kumalma, nasaan man siya sa hagdan ng lipunan. Isang napakalakas na kapangyarihan ng estado lamang ang makakayanan ang mga naturang paksa.
Pangatlo, ang kakaiba ng maharlikang kapangyarihan sa France ay na, tila, maaari din itong ituring na isang hindi mapag-aalinlanganang kalamangan. Ang hari ng Pransya ay may titulong "Kamahalan ng Kristiyano", iyon ay, siya ay itinuturing na una sa mga monarko ng Kanluran. Ang kanyang dinastiya (ang bahay ng Capet, kung saan kabilang ang Valois at ang mga Bourbon) ay itinuturing na pinakamatanda sa Europa. Ang hari ay isang espesyal na sagrado. Ang lahat ng ito ay nagpoprotekta sa trono mula sa mga impostor, ngunit hindi sa anumang paraan mula sa mga pagsasabwatan at kaguluhan! Noong ika-16 na siglo, ang posibilidad ng pinakamalaking sentralisasyon ng kapangyarihan ng estado sa mga bansang Europeo ay umiiral sa France na POTENSYAL lamang. Tumagal ng tatlumpung taon ng mga digmaang sibil noong ika-16 na siglo at kalahating siglo ng mga reporma sa unang kalahati ng ika-17 siglo bago masabi ng hari: "Ang estado ay ako!"
Aba, ang nagbibigay-buhay na lupang Pranses, na parang mabigat na bukol ng dumi, ay nakasabit sa paanan ng bansa! Samakatuwid, ang makasaysayang pag-unlad dito ay naantala ng humigit-kumulang isang siglo kumpara sa advanced England at Holland ... Ngunit ang lag na ito ay makakaapekto lamang sa kalagitnaan ng ika-18 siglo. Para sa ika-17 at ika-18 siglo, ang kinang ng estado ng Pransya, diplomasya, sining ng militar at, siyempre, higit sa lahat ng kultura - maaaring sabihin ng isa, na tumutukoy para sa Europa, at kung minsan ay pinipigilan.