Apa yang harus dilakukan jika Anda tidak masuk universitas. Anak itu tidak masuk universitas, saya ibu yang buruk

abstrak ujian

Subjek:"Romantisisme sebagai tren dalam seni".

dilakukan siswa kelas 11 "B" sekolah menengah No. 3

Boiprav Anna

Guru seni dunia

budaya Butsu T.N.

Brest, 2002

1. pengantar

2. Penyebab Romantisisme

3. Fitur utama dari romantisme

4. pahlawan romantis

5. Romantisme di Rusia

a) Sastra

b) Lukisan

c) Musik

6. Romantisme Eropa Barat

sebuah lukisan

b) Musik

7. Kesimpulan

8. Referensi

1. PERKENALAN

Jika Anda melihat ke dalam kamus penjelasan bahasa Rusia, Anda dapat menemukan beberapa arti dari kata "romantisisme": 1. Tren dalam sastra dan seni pada kuartal pertama abad ke-19, ditandai dengan idealisasi masa lalu, isolasi dari kenyataan, kultus kepribadian dan manusia. 2. Arah dalam sastra dan seni, diilhami dengan optimisme dan keinginan untuk menunjukkan dalam gambar yang jelas tujuan tinggi manusia. 3. Keadaan pikiran yang dipenuhi dengan idealisasi realitas, kontemplasi melamun.

Seperti yang dapat dilihat dari definisi, romantisme adalah fenomena yang memanifestasikan dirinya tidak hanya dalam seni, tetapi juga dalam perilaku, pakaian, gaya hidup, psikologi orang dan terjadi pada saat-saat kritis dalam kehidupan, sehingga tema romantisme masih relevan hingga saat ini. Kita hidup pada pergantian abad, kita berada pada tahap transisi. Dalam hal ini, dalam masyarakat ada ketidakpercayaan akan masa depan, ketidakpercayaan pada cita-cita, ada keinginan untuk melarikan diri dari realitas di sekitarnya ke dunia pengalaman sendiri dan sekaligus memahaminya. Fitur-fitur inilah yang menjadi ciri khas seni romantis. Itu sebabnya saya memilih topik “Romantisisme sebagai tren dalam seni” untuk penelitian.

Romantisme adalah lapisan yang sangat besar dari berbagai jenis seni. Tujuan pekerjaan saya adalah untuk menelusuri kondisi munculnya dan penyebab munculnya romantisme di berbagai negara, untuk menyelidiki perkembangan romantisme dalam bentuk seni seperti sastra, lukisan dan musik, dan untuk membandingkannya. Tugas utama saya adalah menyoroti fitur utama romantisme, karakteristik semua jenis seni, untuk menentukan apa pengaruh romantisme terhadap perkembangan tren lain dalam seni.

Saat mengembangkan tema, saya menggunakan buku teks tentang seni, penulis seperti Filimonova, Vorotnikov, dan lainnya, publikasi ensiklopedis, monografi yang didedikasikan untuk berbagai penulis era romantisme, bahan biografi penulis seperti Aminskaya, Atsarkina, Nekrasova, dan lainnya.

2. ALASAN ASAL ROMANTISSME

Semakin dekat kita dengan modernitas, semakin pendek rentang waktu dominasi satu atau lain gaya. Periode waktu akhir sepertiga 18-1 abad ke-19. dianggap sebagai era romantisme (dari French Romantique; sesuatu yang misterius, aneh, tidak nyata)

Apa yang mempengaruhi munculnya gaya baru?

Ini adalah tiga peristiwa utama: Revolusi Besar Prancis, Perang Napoleon, kebangkitan gerakan pembebasan nasional di Eropa.

Guntur Paris bergema di seluruh Eropa. Slogan "Kebebasan, Kesetaraan, Persaudaraan!" memiliki daya tarik yang luar biasa bagi semua orang Eropa. Dengan terbentuknya masyarakat borjuis, kelas pekerja mulai bertindak melawan sistem feodal sebagai kekuatan independen. Perjuangan tiga kelas yang berlawanan - kaum bangsawan, borjuis dan proletariat - membentuk dasar dari perkembangan sejarah abad ke-19.

Nasib Napoleon dan perannya dalam sejarah Eropa selama 2 dekade, 1796-1815, memenuhi pikiran orang-orang sezaman. "Penguasa pikiran" - A.S. berbicara tentang dia. Pushkin.

Bagi Prancis, ini adalah tahun-tahun kebesaran dan kemuliaan, meskipun dengan mengorbankan nyawa ribuan orang Prancis. Italia melihat Napoleon sebagai pembebasnya. Polandia menaruh harapan besar padanya.

Napoleon bertindak sebagai penakluk yang bertindak untuk kepentingan borjuasi Prancis. Bagi raja-raja Eropa, dia bukan hanya lawan militer, tetapi juga perwakilan dari dunia asing borjuasi. Mereka membencinya. Pada awal Perang Napoleon, ada banyak peserta langsung dalam revolusi dalam "Tentara Besar" -nya.

Kepribadian Napoleon sendiri juga sangat fenomenal. Pria muda Lermontov menanggapi peringatan 10 tahun kematian Napoleon:

Dia adalah orang asing bagi dunia. Segala sesuatu tentang dia adalah misteri.

Hari pemuliaan - dan kejatuhan jam!

Misteri ini secara khusus menarik perhatian kaum romantis.

Sehubungan dengan perang Napoleon dan pematangan kesadaran diri nasional, periode ini ditandai dengan kebangkitan gerakan pembebasan nasional. Jerman, Austria, Spanyol berperang melawan pendudukan Napoleon, Italia - melawan kuk Austria, Yunani - melawan Turki, di Polandia mereka berperang melawan Tsarisme Rusia, Irlandia - melawan Inggris.

Perubahan yang menakjubkan terjadi di depan mata satu generasi.

Prancis paling bergolak: ulang tahun kelima Revolusi Prancis yang bergejolak, kebangkitan dan kejatuhan Robespierre, kampanye Napoleon, pengunduran diri pertama Napoleon, kepulangannya dari pulau Elba ("seratus hari") dan yang terakhir

kekalahan di Waterloo, peringatan 15 tahun rezim Restorasi yang suram, Revolusi Juli 1860, Revolusi Februari 1848 di Paris, yang menyebabkan gelombang revolusi di negara lain.

Di Inggris, sebagai akibat dari revolusi industri pada paruh kedua abad XIX. produksi mesin dan hubungan kapitalis didirikan. Reformasi parlementer tahun 1832 membuka jalan bagi borjuasi menuju kekuasaan negara.

Di tanah Jerman dan Austria, penguasa feodal mempertahankan kekuasaan. Setelah kejatuhan Napoleon, mereka menghadapi oposisi dengan keras. Tetapi bahkan di tanah Jerman, lokomotif uap, yang dibawa dari Inggris pada tahun 1831, menjadi faktor kemajuan borjuis.

Revolusi industri, revolusi politik mengubah wajah Eropa. “Borjuasi, dalam waktu kurang dari seratus tahun dominasi kelasnya, menciptakan kekuatan produktif yang lebih banyak dan muluk daripada semua generasi sebelumnya,” tulis ilmuwan Jerman Marx dan Engels pada tahun 1848.

Jadi, Revolusi Besar Prancis (1789-1794) menandai tonggak sejarah khusus yang memisahkan era baru dari Zaman Pencerahan. Tidak hanya bentuk negara, struktur sosial masyarakat, keselarasan kelas berubah. Seluruh sistem gagasan, yang diterangi selama berabad-abad, terguncang. Para pencerahan secara ideologis mempersiapkan revolusi. Tapi mereka tidak bisa meramalkan semua konsekuensinya. "Kerajaan akal" tidak terjadi. Revolusi, yang memproklamirkan kebebasan individu, memunculkan tatanan borjuis, semangat serakah dan mementingkan diri sendiri. Begitulah dasar sejarah untuk pengembangan budaya artistik, yang mengedepankan arah baru - romantisme.

3. FITUR UTAMA ROMANTISSME

Romantisme sebagai metode dan arah dalam budaya seni adalah fenomena yang kompleks dan kontroversial. Di setiap negara ia memiliki ekspresi nasional yang cerah. Tidak mudah untuk menemukan fitur dalam sastra, musik, lukisan dan teater yang menyatukan Chateaubriand dan Delacroix, Mickiewicz dan Chopin, Lermontov dan Kiprensky.

Romantis menduduki berbagai posisi sosial dan politik dalam masyarakat. Mereka semua memberontak terhadap hasil revolusi borjuis, tetapi mereka memberontak dengan cara yang berbeda, karena masing-masing memiliki cita-citanya sendiri. Tetapi dengan banyaknya wajah dan keragaman, romantisme memiliki ciri-ciri yang stabil.

Kekecewaan di zaman modern memunculkan yang spesial minat di masa lalu: ke formasi sosial pra-borjuis, ke zaman patriarki. Banyak romantika dicirikan oleh gagasan bahwa eksotisme yang indah dari negara-negara selatan dan timur - Italia, Spanyol, Yunani, Turki - adalah kontras puitis dengan kehidupan sehari-hari borjuis yang membosankan. Di negara-negara ini, yang saat itu masih sedikit terpengaruh oleh peradaban, kaum romantis mencari karakter yang cerah dan kuat, cara hidup yang orisinal dan penuh warna. Ketertarikan pada masa lalu nasional memunculkan banyak karya sejarah.

Dalam upaya untuk entah bagaimana naik di atas prosa keberadaan, untuk membebaskan beragam kemampuan individu, untuk mewujudkan diri mereka sepenuhnya dalam kreativitas, kaum romantisme menentang formalisasi seni dan pendekatan yang lugas dan bijaksana terhadapnya, karakteristik klasisisme. Mereka semua berasal dari penolakan Pencerahan dan kanon rasionalistik klasisisme, yang membelenggu inisiatif kreatif seniman.Dan jika klasisisme membagi segalanya dalam garis lurus, menjadi baik dan buruk, menjadi hitam dan putih, maka romantisme tidak membagi apa pun dalam garis lurus. Klasisisme adalah sebuah sistem, tetapi romantisme tidak. Romantisme memajukan kemajuan zaman modern dari klasisisme ke sentimentalisme, yang menunjukkan kehidupan batin seseorang yang selaras dengan dunia yang luas. Dan romantisme menentang harmoni dengan dunia batin. Dengan romantisme itulah psikologi sejati mulai muncul.

Tugas utama romantisme adalah gambar dunia batin, kehidupan spiritual, dan ini bisa dilakukan pada materi cerita, mistik, dll. Itu perlu untuk menunjukkan paradoks kehidupan batin ini, irasionalitasnya.

Dalam imajinasi mereka, kaum romantis mengubah realitas yang tidak menarik atau masuk ke dunia pengalaman mereka. Kesenjangan antara mimpi dan kenyataan, pertentangan fiksi indah dengan kenyataan objektif, terletak di jantung seluruh gerakan romantis.

Romantisme untuk pertama kalinya menimbulkan masalah bahasa seni. “Seni adalah bahasa yang sangat berbeda dari alam; tetapi itu juga mengandung kekuatan ajaib yang sama yang secara diam-diam dan tidak dapat dipahami mempengaruhi jiwa manusia ”(Wackenroder dan Tieck). Seniman adalah penafsir bahasa alam, perantara antara dunia roh dan manusia. “Berkat para seniman, kemanusiaan muncul sebagai individualitas yang utuh. Seniman melalui modernitas menyatukan dunia masa lalu dengan dunia masa depan. Mereka adalah organ spiritual tertinggi di mana kekuatan vital kemanusiaan eksternal mereka bertemu satu sama lain, dan di mana kemanusiaan internal pertama-tama memanifestasikan dirinya” (F. Schlegel).

Awal abad XIX - masa kebangkitan budaya dan spiritual di Rusia. Jika dalam perkembangan ekonomi dan sosial-politik Rusia tertinggal di belakang negara-negara Eropa maju, maka dalam pencapaian budaya tidak hanya mengikuti mereka, tetapi sering melampaui mereka. Perkembangan budaya Rusia pada paruh pertama abad ke-19 didasarkan pada transformasi waktu sebelumnya. Penetrasi elemen-elemen hubungan kapitalis ke dalam ekonomi meningkatkan kebutuhan akan orang-orang yang terpelajar dan terpelajar. Kota-kota menjadi pusat budaya utama.

Lapisan sosial baru ditarik ke dalam proses sosial. Budaya berkembang dengan latar belakang kesadaran diri nasional yang terus meningkat dari orang-orang Rusia dan, dalam hal ini, memiliki karakter nasional yang nyata. Pengaruh signifikan pada sastra, teater, musik, seni visual telah Perang Patriotik tahun 1812 yang pada tingkat yang belum pernah terjadi sebelumnya mempercepat pertumbuhan kesadaran diri nasional rakyat Rusia, konsolidasinya. Ada pemulihan hubungan dengan orang-orang Rusia dari orang-orang lain di Rusia.

Awal abad ke-19 tepat disebut zaman keemasan lukisan Rusia. Saat itulah seniman Rusia mencapai tingkat keterampilan yang menempatkan karya mereka setara dengan contoh terbaik seni Eropa.

Tiga nama membuka lukisan Rusia abad ke-19 - Kiprensky , Tropinin , Venesia. Setiap orang memiliki asal usul yang berbeda: pemilik tanah yang tidak sah, budak, dan keturunan pedagang. Setiap orang memiliki aspirasi kreatifnya sendiri - romantis, realis, dan "penulis lirik desa".

Terlepas dari hasrat awalnya untuk lukisan sejarah, Kiprensky dikenal terutama sebagai pelukis potret yang luar biasa. Kita dapat mengatakan itu pada awal abad XIX. ia menjadi pelukis potret Rusia pertama. Tuan-tuan tua, yang menjadi terkenal pada abad ke-18, tidak dapat lagi bersaing dengannya: Rokotov meninggal pada tahun 1808, Levitsky, yang hidup lebih lama darinya selama 14 tahun, tidak lagi melukis karena penyakit mata, dan Borovikovsky, yang tidak hidup beberapa tahun lagi. bulan sebelum pemberontakan Desembris, bekerja sangat sedikit.

Kiprensky cukup beruntung untuk menjadi penulis sejarah artistik pada masanya. "Sejarah di wajah" dapat dianggap sebagai potretnya, yang menggambarkan banyak peserta dalam peristiwa bersejarah itu, di mana ia sezaman: para pahlawan perang tahun 1812, perwakilan dari gerakan Desembris. Teknik menggambar pensil sangat berguna, yang pelatihannya mendapat perhatian serius di Akademi Seni. Kiprensky menciptakan, pada dasarnya, genre baru - potret bergambar.

Kiprensky menciptakan banyak potret tokoh budaya Rusia, dan, tentu saja, yang paling terkenal di antara mereka adalah Pushkin. Itu ditugaskan Delviga, seorang teman bacaan penyair, pada tahun 1827. Orang-orang sezaman mencatat kesamaan yang menakjubkan dari potret itu dengan aslinya. Gambar penyair dibebaskan oleh seniman dari fitur sehari-hari yang melekat pada potret Pushkin oleh Tropinin, yang dilukis pada tahun yang sama. Alexander Sergeevich ditangkap oleh seniman pada saat inspirasi, ketika ia dikunjungi oleh seorang muse puitis.

Kematian menyusul artis selama perjalanan keduanya ke Italia. Dalam beberapa tahun terakhir, banyak yang tidak berjalan baik dengan pelukis terkenal itu. Kemerosotan kreatif dimulai. Sesaat sebelum kematiannya, hidupnya dibayangi oleh peristiwa tragis: menurut orang sezamannya, artis itu dituduh melakukan pembunuhan dan takut meninggalkan rumah. Bahkan menikahi murid Italianya tidak mencerahkan hari-hari terakhirnya.

Hanya sedikit yang berduka atas pelukis Rusia yang meninggal di negeri asing. Di antara sedikit yang benar-benar memahami master seperti apa yang telah hilang dari budaya nasional adalah seniman Alexander Ivanov, yang berada di Italia pada waktu itu. Pada hari-hari yang menyedihkan itu, dia menulis: Kiprensky "adalah orang pertama yang membuat nama Rusia dikenal di Eropa."

Tropinin memasuki sejarah seni Rusia sebagai pelukis potret yang luar biasa. Dia berkata: "Sebuah potret seseorang dilukis untuk mengenang orang-orang yang dekat dengannya, yang mencintainya." Menurut orang sezamannya, Tropinin melukis sekitar 3.000 potret. Apakah ini benar sulit untuk dikatakan. Dalam salah satu buku tentang artis, ada daftar 212 wajah yang diidentifikasi secara tepat yang digambarkan Tropinin. Ia juga memiliki banyak karya berjudul "Portrait of an Unknown (Unknown)". Tropinin diajukan oleh pejabat negara, bangsawan, pejuang, pengusaha, pejabat kecil, budak, intelektual, dan tokoh budaya Rusia. Di antara mereka: sejarawan Karamzin, penulis Zagoskin, kritikus seni Odoevsky, pelukis Bryullov dan Aivazovsky, pematung Vitali, arsitek Gilardi, komposer Alyabyev, aktor Shchepkin dan Mo-chalov, penulis drama Sukhovo-Kobylin.

Salah satu karya terbaik Tropinina- potret putra. Saya harus mengatakan bahwa salah satu "penemuan" seni Rusia abad XIX. ada potret seorang anak. Pada Abad Pertengahan, anak dipandang sebagai orang dewasa kecil yang belum dewasa. Anak-anak bahkan mengenakan pakaian yang tidak berbeda dengan orang dewasa: di pertengahan abad ke-18. gadis-gadis mengenakan korset ketat dan rok lebar dengan fijma. Hanya pada awal abad XIX. mereka melihat seorang anak dalam diri seorang anak. Seniman termasuk yang pertama melakukan ini. Ada banyak kesederhanaan dan kealamian dalam potret Tropinin. Anak itu tidak sedang berpose. Tertarik pada sesuatu, dia berbalik sejenak: mulutnya terbuka, matanya bersinar. Penampilan anak itu sangat menawan dan puitis. Rambut acak-acakan keemasan, wajah montok kekanak-kanakan yang terbuka, tatapan mata yang cerdas. Seseorang dapat merasakan dengan cinta apa seniman melukis potret putranya.

Tropinin menulis potret diri dua kali. Kemudian, tanggal 1846, artis itu berusia 70 tahun. Dia menggambarkan dirinya dengan palet dan kuas di tangannya, bersandar pada tiang - tongkat khusus yang digunakan oleh pelukis. Di belakangnya adalah panorama megah Kremlin. Di masa mudanya, Tropinin memiliki kekuatan heroik dan semangat yang baik. Dilihat dari potret diri, ia mempertahankan kekuatan tubuhnya bahkan di usia tua. Wajah bulat berkacamata memancarkan sifat baik. Seniman itu meninggal 10 tahun kemudian, tetapi citranya tetap diingat oleh keturunannya - seorang pria hebat dan baik hati yang memperkaya seni Rusia dengan bakatnya.

Venetsianov menemukan tema petani dalam lukisan Rusia. Dia adalah yang pertama di antara seniman Rusia yang menunjukkan keindahan alam asli di kanvasnya. Genre lanskap tidak disukai di Akademi Seni. Dia menempati tempat kedua dari belakang yang penting, meninggalkan yang lebih hina - setiap hari. Hanya beberapa ahli yang melukis alam, lebih memilih lanskap Italia atau imajiner.

Dalam banyak karya Venetsianov, alam dan manusia tidak dapat dipisahkan. Mereka terhubung sedekat petani dengan tanah, hadiahnya. Karya-karyanya yang paling terkenal - "Pembuatan jerami", "Di tanah yang subur. Musim semi", "Saat panen. Musim panas" - yang dibuat seniman di tahun 20-an. Itu adalah puncak kreativitasnya. Tidak ada seorang pun dalam seni Rusia yang mampu menunjukkan kehidupan dan karya petani dengan cinta dan puitis seperti Venetsianov. Dalam lukisan "Di tanah yang subur. Musim semi" seorang wanita sedang menggarap ladang. Pekerjaan yang melelahkan dan melelahkan ini terlihat luhur di kanvas Venetsianov: seorang wanita petani dengan gaun malam yang elegan dan kokoshnik. Dengan wajah cantik dan tubuh lentur, dia menyerupai dewi kuno. Dipimpin oleh kekang dua kuda patuh yang diikat ke garu, dia tidak berjalan, tetapi tampaknya melayang di atas lapangan. Kehidupan di sekitar mengalir dengan tenang, terukur, damai. Pohon-pohon langka berubah menjadi hijau, awan putih melayang di langit, ladang tampak tak berujung, di tepinya duduk seorang bayi menunggu ibunya.

Lukisan "In the Harvest. Summer" sepertinya melanjutkan lukisan sebelumnya. Panen sudah matang, ladang adalah telinga tunggul emas - saatnya panen. Di latar depan, dengan mengesampingkan sabit, seorang wanita petani sedang menyusui seorang anak. Langit, lapangan, orang-orang yang mengerjakannya tidak dapat dipisahkan dari sang seniman. Tapi tetap saja, subjek utama perhatiannya selalu seseorang.

Venesia menciptakan seluruh galeri potret petani. Ini baru untuk lukisan Rusia. Pada abad XVIII. orang-orang dari rakyat, dan terlebih lagi budak, tidak begitu menarik bagi seniman. Menurut sejarawan seni, Venetsianov adalah yang pertama dalam sejarah lukisan Rusia yang "menangkap dan menciptakan kembali jenis rakyat Rusia." "Penuai", "Gadis dengan bunga jagung", "Gadis dengan anak sapi", "Gembala tidur" adalah gambar indah petani yang diabadikan oleh Venetsianov. Tempat khusus dalam karya seniman ditempati oleh potret anak-anak petani. Betapa bagusnya "Zakharka" - seorang bocah lelaki bermata besar, berhidung pesek, berbibir besar dengan kapak di bahunya! Zakharka tampaknya melambangkan sifat petani yang energik, terbiasa bekerja sejak kecil.

Alexey Gavrilovich meninggalkan kenangan indah tentang dirinya tidak hanya sebagai seniman, tetapi juga sebagai guru yang luar biasa. Selama salah satu kunjungannya ke St. Petersburg, ia mengambil seorang seniman pemula sebagai siswa, lalu yang lain, yang ketiga ... Dengan demikian, seluruh sekolah seni muncul, yang memasuki sejarah seni dengan nama Venesia. Selama seperempat abad, sekitar 70 pemuda berbakat telah melewatinya. Venetsianov mencoba membebaskan seniman budak dari penangkaran dan sangat khawatir jika ini tidak berhasil. Muridnya yang paling berbakat - Grigory Soroka - tidak pernah mendapatkan kebebasannya dari pemilik tanahnya. Dia hidup untuk melihat penghapusan perbudakan, tetapi, didorong keputusasaan oleh kemahakuasaan pemilik sebelumnya, bunuh diri.

Banyak siswa Venetsianov tinggal di rumahnya dengan gaji penuh. Mereka memahami rahasia lukisan Venesia: kepatuhan yang kuat pada hukum perspektif, perhatian yang dekat pada alam. Di antara murid-muridnya ada banyak master berbakat yang meninggalkan jejak nyata dalam seni Rusia: Grigory Soroka, Alexei Tyranov, Alexander Alekseev, Nikifor Krylov. "Venetianians" - dengan penuh kasih memanggil hewan peliharaannya.

Dengan demikian, dapat dikatakan bahwa pada sepertiga pertama abad ke-19 terjadi peningkatan pesat dalam perkembangan budaya Rusia dan saat ini disebut zaman keemasan lukisan Rusia.

Seniman Rusia telah mencapai tingkat keterampilan yang menempatkan karya mereka setara dengan contoh terbaik seni Eropa.

Pemuliaan prestasi orang-orang, gagasan kebangkitan spiritual mereka, penolakan malapetaka feodal Rusia - ini adalah tema utama seni rupa abad ke-19.

Dalam potret, ciri-ciri romantisme - kemandirian kepribadian manusia, individualitasnya, kebebasan untuk mengekspresikan perasaan - sangat berbeda.

Banyak potret tokoh budaya Rusia, potret anak-anak telah dibuat. Tema petani, lanskap, yang menunjukkan keindahan alam asli, menjadi mode.

abstrak ujian

Subjek: "Romantisisme sebagai tren dalam seni".

dilakukan siswa kelas 11 "B" sekolah menengah No. 3

Boiprav Anna

Guru seni dunia

budaya Butsu T.N.

Brest, 2002

1. pengantar

2. Penyebab Romantisisme

3. Fitur utama dari romantisme

4. pahlawan romantis

5. Romantisme di Rusia

a) Sastra

b) Lukisan

c) Musik

6. Romantisme Eropa Barat

sebuah lukisan

b) Musik

7. Kesimpulan

8. Referensi

1. PERKENALAN

2. ALASAN ASAL ROMANTISSME

Apa yang mempengaruhi munculnya gaya baru?

Ini adalah tiga peristiwa utama: Revolusi Besar Prancis, Perang Napoleon, kebangkitan gerakan pembebasan nasional di Eropa.

Nasib Napoleon dan perannya dalam sejarah Eropa selama 2 dekade, 1796-1815, memenuhi pikiran orang-orang sezaman. "Penguasa pikiran" - A.S. berbicara tentang dia. Pushkin.

Kepribadian Napoleon sendiri juga sangat fenomenal. Pria muda Lermontov menanggapi peringatan 10 tahun kematian Napoleon:

Dia adalah orang asing bagi dunia. Segala sesuatu tentang dia adalah misteri.

Hari pemuliaan - dan kejatuhan jam!

Misteri ini secara khusus menarik perhatian kaum romantis.

Perubahan yang menakjubkan terjadi di depan mata satu generasi.

kekalahan di Waterloo, peringatan 15 tahun rezim Restorasi yang suram, Revolusi Juli 1860, Revolusi Februari 1848 di Paris, yang menyebabkan gelombang revolusi di negara lain.

3. FITUR UTAMA ROMANTISSME

Namun, romantisme bukanlah tren yang homogen: perkembangan ideologisnya berjalan ke arah yang berbeda. Di antara kaum romantis adalah penulis reaksioner, penganut rezim lama, yang menyanyikan monarki feodal dan Kristen. Di sisi lain, kaum romantis dengan pandangan progresif menyatakan protes demokratis terhadap feodal dan segala bentuk penindasan, mewujudkan dorongan revolusioner rakyat untuk masa depan yang lebih baik.

Romantisme meninggalkan seluruh era dalam budaya artistik dunia, perwakilannya adalah: dalam sastra V. Scott, J. Byron, Shelley, V. Hugo, A. Mickiewicz, dan lainnya; dalam seni rupa E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky dan lainnya; dalam musik F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin dan lain-lain. Mereka menemukan dan mengembangkan genre baru, memperhatikan nasib kepribadian manusia, mengungkapkan dialektika baik dan jahat, dengan mahir mengungkapkan nafsu manusia, dll.

Bentuk-bentuk seni kurang lebih sama pentingnya dan menghasilkan karya seni yang luar biasa, meskipun kaum romantisme memprioritaskan musik di tangga seni.

4. PAHLAWAN ROMANTIS

Siapa pahlawan romantis dan seperti apa dia?

Ini adalah seorang individualis. Superman, yang telah hidup melalui dua tahap: sebelum bertabrakan dengan kenyataan, ia hidup dalam keadaan 'merah muda', ia dirasuki oleh keinginan untuk berprestasi, perubahan dunia; setelah bertabrakan dengan kenyataan, dia terus menganggap dunia ini vulgar dan membosankan, tetapi dia tidak menjadi skeptis, pesimis. Dengan pemahaman yang jelas bahwa tidak ada yang bisa diubah, keinginan untuk berprestasi merosot menjadi keinginan akan bahaya.

Romantis bisa memberikan nilai abadi dan abadi untuk setiap hal kecil, untuk setiap fakta konkret, untuk segala sesuatu yang tunggal. Joseph de Maistre menyebutnya "jalan takdir", Germaine de Stael - "dada yang subur dari alam semesta abadi." Chateaubriand dalam "Genius of Christianity", dalam sebuah buku yang didedikasikan untuk sejarah, secara langsung menunjuk kepada Tuhan sebagai awal dari waktu sejarah. Masyarakat muncul sebagai ikatan yang tak tergoyahkan, "benang kehidupan yang menghubungkan kita dengan nenek moyang kita dan yang harus kita ulurkan kepada keturunan kita." Hanya hati seseorang, dan bukan pikirannya, yang dapat memahami dan mendengar suara Sang Pencipta, melalui keindahan alam, melalui perasaan yang dalam. Alam adalah ilahi, itu adalah sumber harmoni dan kekuatan kreatif, metaforanya sering ditransfer oleh romantika ke dalam leksikon politik. Untuk romantisme, pohon menjadi simbol keluarga, perkembangan spontan, persepsi jus tanah air, simbol persatuan nasional. Semakin polos dan sensitif sifat seseorang, semakin mudah dia mendengar suara Tuhan. Seorang anak, seorang wanita, seorang pemuda bangsawan lebih sering daripada yang lain melihat keabadian jiwa dan nilai kehidupan abadi. Kehausan kaum romantis akan kebahagiaan tidak terbatas pada keinginan idealis akan Kerajaan Allah setelah kematian.

Selain cinta mistis kepada Tuhan, seseorang membutuhkan cinta duniawi yang nyata. Tidak dapat memiliki objek hasratnya, pahlawan romantis menjadi martir abadi, ditakdirkan untuk menunggu pertemuan dengan kekasihnya di akhirat, "karena cinta yang besar layak untuk keabadian ketika mengorbankan nyawa seseorang."

Tempat khusus dalam karya romantik ditempati oleh masalah perkembangan dan pendidikan individu. Masa kanak-kanak tidak memiliki hukum, impuls sesaatnya melanggar moralitas publik, mematuhi aturan permainan kekanak-kanakannya sendiri. Pada orang dewasa, reaksi serupa menyebabkan kematian, penghukuman jiwa. Dalam mencari kerajaan surga, seseorang harus memahami hukum kewajiban dan moralitas, hanya dengan demikian ia dapat berharap untuk hidup yang kekal. Karena tugas didikte oleh kaum romantisme oleh keinginan mereka untuk memperoleh kehidupan abadi, pemenuhan tugas memberikan kebahagiaan pribadi dalam manifestasinya yang paling dalam dan paling kuat. Pada kewajiban moral ditambahkan kewajiban perasaan yang mendalam dan kepentingan yang luhur. Tanpa mencampurkan manfaat dari jenis kelamin yang berbeda, kaum romantisme menganjurkan kesetaraan perkembangan spiritual pria dan wanita. Dengan cara yang sama, cinta kepada Tuhan dan lembaga-lembaganya menentukan kewajiban sipil. Perjuangan pribadi menemukan penyelesaiannya dalam tujuan bersama, dalam perjuangan seluruh bangsa, seluruh umat manusia, seluruh dunia.

Setiap budaya memiliki pahlawan romantisnya sendiri, tetapi Byron, dalam karyanya Charld Harold, memberikan representasi khas pahlawan romantis. Dia mengenakan topeng pahlawannya (dia mengatakan bahwa tidak ada jarak antara pahlawan dan penulis) dan berhasil mematuhi kanon romantis.

Semua karya romantis dicirikan oleh fitur-fitur khas:

Pertama, dalam setiap karya romantis tidak ada jarak antara pahlawan dan penulisnya.

Kedua, penulis pahlawan tidak menghakimi, tetapi bahkan jika sesuatu yang buruk dikatakan tentang dia, plot dibangun sedemikian rupa sehingga pahlawan tidak bisa disalahkan. Plot dalam sebuah karya romantis biasanya romantis. Romantis juga membangun hubungan khusus dengan alam, mereka menyukai badai, badai petir, bencana alam.

5. ROMANTISISME DI RUSIA.

Romantisme di Rusia berbeda dari Eropa Barat karena latar belakang sejarah yang berbeda dan tradisi budaya yang berbeda. Revolusi Perancis tidak dapat dihitung sebagai salah satu penyebab terjadinya; lingkaran yang sangat sempit dari orang-orang memiliki harapan untuk transformasi dalam perjalanannya. Dan hasil revolusi benar-benar mengecewakan. Pertanyaan tentang kapitalisme di Rusia pada awal abad ke-19. tidak berdiri. Oleh karena itu, tidak ada alasan seperti itu. Alasan sebenarnya adalah Perang Patriotik tahun 1812, di mana semua kekuatan inisiatif rakyat dimanifestasikan. Namun setelah perang, rakyat tidak mendapatkan wasiat. Yang terbaik dari bangsawan, tidak puas dengan kenyataan, pergi ke Senat Square pada bulan Desember 1825. Tindakan ini juga meninggalkan jejaknya pada intelektual kreatif. Tahun-tahun pascaperang yang bergejolak menjadi lingkungan di mana romantisme Rusia terbentuk.

Romantisisme, dan, terlebih lagi, milik kita, Rusia, berkembang dan dibentuk menjadi bentuk asli kita, romantisme bukanlah sastra sederhana, tetapi fenomena kehidupan, seluruh era perkembangan moral, era yang memiliki warna khusus sendiri, dilakukan secara khusus. pandangan hidup ... Biarkan tren romantis datang dari luar, dari kehidupan Barat dan sastra Barat, ia menemukan di alam Rusia tanah yang siap untuk persepsinya, dan karenanya tercermin dalam fenomena yang sepenuhnya orisinal, seperti penyair dan kritikus Apollon Grigoriev dinilai - ini adalah fenomena budaya yang unik, dan karakterisasinya menunjukkan kompleksitas esensial romantisme , dari perutnya Gogol muda keluar dan dengan siapa ia dikaitkan tidak hanya pada awal karir menulisnya, tetapi sepanjang hidupnya.

Apollon Grigoriev juga secara akurat menentukan sifat dampak sekolah romantis pada sastra dan kehidupan, termasuk prosa pada waktu itu: bukan pengaruh atau pinjaman sederhana, tetapi kehidupan dan tren sastra yang khas dan kuat yang memberikan fenomena yang sepenuhnya orisinal dalam sastra muda Rusia. .

a) Sastra

Romantisme Rusia biasanya dibagi menjadi beberapa periode: awal (1801-1815), dewasa (1815-1825) dan periode perkembangan pasca-Desembri. Namun, dalam kaitannya dengan periode awal, konvensionalitas skema ini sangat mencolok. Untuk fajar romantisme Rusia dikaitkan dengan nama Zhukovsky dan Batyushkov, penyair yang karya dan pandangan dunianya sulit untuk berdampingan dan dibandingkan dalam periode yang sama, tujuan, aspirasi, temperamen mereka sangat berbeda. Dalam puisi kedua penyair, pengaruh masa lalu yang angkuh, era sentimentalisme, masih terasa, tetapi jika Zhukovsky masih mengakar kuat di dalamnya, maka Batyushkov lebih dekat dengan tren baru.

Belinsky dengan tepat mencatat bahwa karya Zhukovsky dicirikan oleh "keluhan tentang harapan yang tidak sempurna yang tidak memiliki nama, kesedihan karena kehilangan kebahagiaan, yang entah apa isinya." Memang, dalam pribadi Zhukovsky, romantisme masih mengambil langkah malu-malu pertamanya, memberi penghormatan pada kerinduan sentimental dan melankolis, kerinduan hati yang samar-samar, nyaris tak terlihat, dengan kata lain, pada rangkaian perasaan kompleks yang dalam kritik Rusia disebut "romantisisme Abad Pertengahan."

Suasana yang sama sekali berbeda memerintah dalam puisi Batyushkov: kegembiraan menjadi, sensualitas yang jujur, himne untuk kesenangan.

Zhukovsky dianggap sebagai perwakilan terkemuka humanisme estetika Rusia. Asing dari nafsu yang kuat, puas dan lembut Zhukovsky berada di bawah pengaruh nyata dari ide-ide Rousseau dan romantisme Jerman. Mengikuti mereka, ia sangat mementingkan sisi estetika dalam agama, moralitas, dan hubungan sosial. Seni memperoleh makna religius dari Zhukovsky, ia berusaha melihat dalam seni sebuah "wahyu" dari kebenaran yang lebih tinggi, itu "suci" baginya. Hal ini khas untuk romantika Jerman untuk mengidentifikasi puisi dan agama. Kami menemukan hal yang sama di Zhukovsky, yang menulis: "Puisi adalah Tuhan dalam mimpi suci bumi." Dalam romantisme Jerman, ia sangat dekat dengan ketertarikan pada segala sesuatu di luar, ke "sisi malam jiwa", dengan "tak terekspresikan" di alam dan manusia. Alam dalam puisi Zhukovsky dikelilingi oleh misteri, pemandangannya seperti hantu dan hampir tidak nyata, seperti pantulan di air:

Bagaimana dupa menyatu dengan kesejukan tanaman!

Betapa manisnya dalam kesunyian di tepian cipratan jet!

Betapa tenangnya angin marshmallow di atas air

Dan willow yang fleksibel bergetar!

Jiwa Zhukovsky yang sensitif, lembut, dan melamun tampaknya membeku manis di ambang "cahaya misterius ini". Penyair, dalam ungkapan Belinsky yang tepat, "mencintai dan melampiaskan penderitaannya," tetapi penderitaan ini tidak menusuk hatinya dengan luka yang kejam, karena bahkan dalam kesedihan dan kesedihan, kehidupan batinnya tenang dan tenteram. Karena itu, ketika dalam sebuah pesan kepada Batyushkov, "putra kebahagiaan dan kesenangan," ia menyebut penyair Epicurean "relatif terhadap Muse," sulit untuk mempercayai hubungan ini. Sebaliknya, kami percaya Zhukovsky yang berbudi luhur, yang ramah menasihati penyanyi kesenangan duniawi: "Tolak kegairahan, mimpi itu fatal!"

Batyushkov adalah sosok dalam segala hal yang berlawanan dengan Zhukovsky. Dia adalah pria yang memiliki hasrat yang kuat, dan kehidupan kreatifnya terhenti 35 tahun lebih awal dari keberadaan fisiknya: sebagai pria yang sangat muda, dia terjerumus ke dalam jurang kegilaan. Dia mengabdikan dirinya dengan kekuatan dan hasrat yang sama untuk suka dan duka: dalam hidup, serta dalam pemahaman puitisnya, dia - tidak seperti Zhukovsky - asing dengan "kejahatan emas". Meskipun puisinya juga ditandai dengan pujian persahabatan murni, kegembiraan "sudut rendah hati", tetapi syairnya sama sekali tidak sederhana dan tenang, karena Batyushkov tidak dapat membayangkannya tanpa kebahagiaan lesu dari kesenangan yang penuh gairah dan mabuk dengan kehidupan. Kadang-kadang, penyair begitu terbawa oleh kesenangan sensual sehingga dia siap untuk menolak kebijaksanaan sains yang menindas:

Apakah itu dalam kebenaran yang menyedihkan?

Orang-orang bijak yang muram dan orang bijak yang membosankan,

Duduk dalam gaun pemakaman,

Antara puing-puing dan peti mati

Akankah kita menemukan manisnya hidup kita?

Dari mereka, saya melihat kegembiraan

Ia terbang seperti kupu-kupu dari semak berduri.

Bagi mereka tidak ada pesona dalam pesona alam,

Para gadis tidak bernyanyi untuk mereka, terjalin dalam tarian bundar;

Bagi mereka, adapun orang buta,

Musim semi tanpa kegembiraan dan musim panas tanpa bunga.

Tragedi sejati jarang terdengar dalam puisi-puisinya. Hanya di akhir kehidupan kreatifnya, ketika ia mulai menunjukkan tanda-tanda penyakit mental, salah satu puisi terakhirnya direkam di bawah dikte, di mana motif kesia-siaan keberadaan duniawi terdengar dengan jelas:

Apakah Anda ingat apa yang Anda katakan?

Mengucapkan selamat tinggal pada kehidupan, Melkisedek berambut abu-abu?

Manusia terlahir sebagai budak

Akan berbaring sebagai budak di kuburan,

Dan kematian tidak akan memberitahunya

Mengapa dia berjalan melalui lembah air mata yang menakjubkan,

Menderita, menangis, bertahan,

Di Rusia, romantisme sebagai tren sastra mulai terbentuk pada dua puluhan abad kesembilan belas. Asal-usulnya adalah penyair, penulis prosa, penulis, mereka menciptakan romantisme Rusia, yang berbeda dari "Eropa Barat" dalam karakter nasional dan aslinya. Romantisme Rusia dikembangkan oleh para penyair paruh pertama abad kesembilan belas, dan setiap penyair membawa sesuatu yang baru. Romantisme Rusia dikembangkan secara luas, memperoleh ciri-ciri khas, dan menjadi tren independen dalam sastra. Dalam "Ruslan dan Lyudmila" A.S. Pushkin ada baris: "Ada semangat Rusia, di sana bau Rusia." Hal yang sama dapat dikatakan tentang romantisme Rusia. Pahlawan karya romantis adalah jiwa puitis yang berjuang untuk "tinggi" dan indah. Tetapi ada dunia yang tidak bersahabat yang tidak memungkinkan Anda merasakan kebebasan, yang membuat jiwa-jiwa ini tidak dapat dipahami. Dunia ini kasar, sehingga jiwa puitis melarikan diri ke yang lain, di mana ada cita-cita, ia berjuang untuk yang "abadi". Romantisme didasarkan pada konflik ini. Tetapi para penyair bereaksi berbeda terhadap situasi ini. Zhukovsky, Pushkin, Lermontov, berdasarkan satu hal, membangun hubungan para pahlawan mereka dan dunia di sekitar mereka dengan cara yang berbeda, oleh karena itu para pahlawan mereka memiliki jalan yang berbeda menuju cita-cita.

Realitas itu mengerikan, kasar, kurang ajar dan egois, tidak ada tempat di dalamnya untuk perasaan, mimpi, dan keinginan penyair, pahlawannya. "Benar" dan abadi - di dunia lain. Oleh karena itu konsep dua dunia, penyair berusaha untuk salah satu dunia ini untuk mencari yang ideal.

Posisi Zhukovsky bukanlah posisi orang yang bergumul dengan dunia luar, yang menantangnya. Itu adalah jalan melalui kesatuan dengan alam, jalan harmoni dengan alam, di dunia yang abadi dan indah. Zhukovsky, menurut pendapat banyak peneliti (termasuk Yu.V. Mann), mengungkapkan pemahamannya tentang proses persatuan ini dalam The Unspeakable. Kesatuan adalah pelarian jiwa. Keindahan yang mengelilingi Anda memenuhi jiwa Anda, itu ada di dalam diri Anda, dan Anda berada di dalamnya, jiwa itu terbang, tidak ada waktu atau ruang, tetapi Anda ada di alam, dan pada saat ini Anda hidup, Anda ingin bernyanyi tentang keindahan ini , tetapi tidak ada kata-kata untuk mengungkapkan keadaan Anda, hanya ada perasaan harmoni. Anda tidak terganggu oleh orang-orang di sekitar Anda, jiwa yang membosankan, lebih banyak terungkap kepada Anda, Anda bebas.

Pushkin dan Lermontov mendekati masalah romantisme ini secara berbeda. Tidak ada keraguan bahwa pengaruh yang diberikan oleh Zhukovsky pada Pushkin tidak bisa tidak tercermin dalam karya yang terakhir. Karya awal Pushkin dicirikan oleh romantisme "sipil". Di bawah pengaruh "Penyanyi di Kamp Prajurit Rusia" Zhukovsky dan karya-karya Griboyedov, Pushkin menulis sebuah ode untuk "Liberty", "To Chaadaev". Dalam yang terakhir, dia menyebut:

"Sahabatku! Mari kita dedikasikan jiwa kita untuk Tanah Air dengan dorongan yang luar biasa ...". Ini adalah keinginan yang sama untuk cita-cita yang dimiliki Zhukovsky, hanya Pushkin yang memahami cita-cita dengan caranya sendiri, oleh karena itu jalan menuju cita-cita berbeda untuk penyair. Dia tidak ingin dan tidak bisa berjuang untuk cita-cita sendirian, penyair memanggilnya. Pushkin melihat realitas dan ideal secara berbeda. Anda tidak bisa menyebutnya pemberontakan, ini adalah refleksi dari unsur-unsur pemberontak. Ini tercermin dalam ode "Laut". Inilah kekuatan dan kekuatan laut, laut bebas, telah mencapai cita-citanya. Manusia juga harus bebas, rohnya harus bebas.

Pencarian ideal adalah ciri khas utama romantisme. Itu memanifestasikan dirinya dalam karya Zhukovsky, dan Pushkin, dan Lermontov. Ketiga penyair itu mencari kebebasan, tetapi mereka mencarinya dengan cara yang berbeda, mereka memahaminya secara berbeda. Zhukovsky sedang mencari kebebasan yang dikirim oleh "pencipta". Setelah menemukan harmoni, seseorang menjadi bebas. Bagi Pushkin, kebebasan roh itu penting, yang harus memanifestasikan dirinya dalam diri seseorang. Bagi Lermontov, hanya pahlawan pemberontak yang bebas. Pemberontakan untuk kebebasan, apa yang bisa lebih indah? Sikap terhadap cita-cita ini dilestarikan dalam lirik cinta penyair. Menurut saya, hubungan ini karena waktu. Meskipun mereka semua bekerja hampir dalam periode yang sama, waktu pekerjaan mereka berbeda, peristiwa berkembang dengan kecepatan luar biasa. Karakter penyair juga sangat mempengaruhi hubungan mereka. Zhukovsky yang tenang dan Lermontov yang memberontak benar-benar berlawanan. Tetapi romantisme Rusia berkembang justru karena sifat para penyair ini berbeda. Mereka memperkenalkan konsep baru, karakter baru, cita-cita baru, memberikan gambaran lengkap tentang apa itu kebebasan, apa itu kehidupan nyata. Masing-masing mewakili jalannya sendiri menuju cita-cita, ini adalah hak pilihan untuk setiap individu.

Munculnya romantisme sangat mengganggu. Individualitas manusia sekarang berdiri di pusat seluruh dunia. "Aku" manusia mulai dimaknai sebagai dasar dan makna dari semua keberadaan. Kehidupan manusia mulai dianggap sebagai karya seni, seni. Romantisme sangat tersebar luas di abad ke-19. Namun tidak semua penyair yang menyebut diri mereka romantisme menyampaikan esensi dari tren ini.

Sekarang, pada akhir abad ke-20, kita sudah dapat mengklasifikasikan romantika abad terakhir atas dasar ini menjadi dua kelompok. Satu dan mungkin kelompok yang paling luas adalah kelompok yang menyatukan romantisme "formal". Sulit untuk mencurigai mereka tidak tulus, sebaliknya, mereka dengan sangat akurat menyampaikan perasaan mereka. Di antaranya adalah Dmitry Venevitinov (1805-1827) dan Alexander Polezhaev (1804-1838). Penyair ini menggunakan bentuk romantis, menganggapnya paling cocok untuk mencapai tujuan artistik mereka. Jadi, D. Venevitinov menulis:

Saya merasa itu terbakar di dalam diri saya

Api suci inspirasi

Tapi semangat membubung menuju tujuan gelap...

Akankah saya menemukan tebing yang dapat diandalkan,

Di mana saya bisa mengistirahatkan kaki kokoh saya?

Ini adalah puisi romantis yang khas. Ini menggunakan kosakata romantis tradisional - ini adalah "nyala inspirasi" dan "semangat yang membubung". Dengan demikian, penyair menggambarkan perasaannya. Tapi tidak lagi. Penyair terikat oleh kerangka romantisme, "penampilan verbal" -nya. Semuanya disederhanakan menjadi beberapa perangko.

Perwakilan dari kelompok romantisme lain dari abad ke-19, tentu saja, adalah A.S. Pushkin dan M. Lermontov. Para penyair ini, sebaliknya, mengisi bentuk romantis dengan isinya sendiri. Periode romantis dalam kehidupan A. Pushkin singkat, jadi dia memiliki beberapa karya romantis. “Tahanan Kaukasus” (1820-1821) adalah salah satu puisi romantis paling awal oleh A.S. Pushkin. Di depan kita adalah versi klasik dari karya romantis. Penulis tidak memberi kita potret pahlawannya, kita bahkan tidak tahu namanya. Dan ini tidak mengherankan - semua pahlawan romantis mirip satu sama lain. Mereka masih muda, cantik... dan tidak bahagia. Plot karya ini juga klasik romantis. Seorang tahanan Rusia dengan Circassians, seorang wanita Circassian muda jatuh cinta padanya dan membantu dia melarikan diri. Tapi dia putus asa mencintai yang lain... Puisi itu berakhir dengan tragis - wanita Sirkasia melemparkan dirinya ke dalam air dan mati, dan orang Rusia, yang dibebaskan dari penawanan "fisik", jatuh ke penawanan lain yang lebih menyakitkan - penawanan jiwa. Apa yang kita ketahui tentang masa lalu sang pahlawan?

Jalan panjang mengarah ke Rusia...

.....................................

Di mana dia memeluk penderitaan yang mengerikan,

Dimana kehidupan yang sibuk hancur

Harapan, kegembiraan dan keinginan.

Dia datang ke padang rumput untuk mencari kebebasan, mencoba melarikan diri dari kehidupan masa lalunya. Dan sekarang, ketika kebahagiaan tampak begitu dekat, dia kembali harus lari. Tetapi dimana? Kembali ke dunia di mana dia "merangkul penderitaan yang mengerikan."

Pengkhianat cahaya, teman alam,

Dia meninggalkan tanah kelahirannya

Dan terbang ke negeri yang jauh

Dengan hantu kebebasan yang ceria.

Tapi "hantu kebebasan" tetap hanya hantu. Dia akan selamanya menghantui pahlawan romantis. Puisi romantis lainnya adalah "Gipsi". Di dalamnya, penulis sekali lagi tidak memberikan gambaran kepada pembaca tentang sang pahlawan, kita hanya tahu namanya - Aleko. Dia datang ke kamp untuk mengetahui kesenangan sejati, kebebasan sejati. Demi dia, dia meninggalkan semua yang dulu mengelilinginya. Apakah dia bebas dan bahagia? Tampaknya Aleko mencintai, tetapi dengan perasaan ini hanya kemalangan dan penghinaan yang datang kepadanya. Aleko, yang sangat merindukan kebebasan, tidak bisa mengenali kehendak orang lain. Dalam puisi ini, fitur lain yang sangat khas dari pandangan dunia pahlawan romantis dimanifestasikan - keegoisan dan ketidakcocokan total dengan dunia luar. Aleko tidak dihukum mati, tetapi lebih buruk - kesepian dan perdebatan. Dia sendirian di dunia tempat dia melarikan diri, tetapi di dunia lain, yang sangat diinginkan, dia ditinggalkan sendirian lagi.

Sebelum menulis The Prisoner of the Caucasus, Pushkin pernah berkata: "Saya tidak cocok menjadi pahlawan puisi romantis"; namun, pada saat yang sama, pada tahun 1820, Pushkin menulis puisinya "Terang hari padam ...". Di dalamnya Anda dapat menemukan semua kosakata yang melekat dalam romantisme. Ini adalah "pantai terpencil", dan "lautan suram", dan "kegembiraan dan kerinduan", yang menyiksa penulis. Refrein berjalan di sepanjang puisi:

Gelombang di bawahku, lautan yang cemberut.

Ia hadir tidak hanya dalam deskripsi alam, tetapi juga dalam deskripsi perasaan sang pahlawan.

... Tapi bekas luka hati,

Luka cinta yang dalam, tidak ada yang sembuh ...

Kebisingan, kebisingan, layar patuh,

Khawatir di bawahku, lautan yang suram ...

Artinya, alam menjadi karakter lain, pahlawan liris puisi lainnya. Kemudian, pada tahun 1824, Pushkin menulis puisi "To the Sea". Pahlawan romantis di dalamnya, seperti dalam "Cahaya hari padam ...", sekali lagi menjadi penulis sendiri. Di sini Pushkin mengacu pada laut sebagai simbol kebebasan tradisional. Laut adalah elemen, yang berarti kebebasan dan kebahagiaan. Namun, Pushkin menyusun puisi ini secara tidak terduga:

Anda menunggu, Anda menelepon... Saya dirantai;

Di sini jiwaku terkoyak:

Terpesona oleh hasrat yang kuat,

Aku tinggal di pantai...

Kita dapat mengatakan bahwa puisi ini melengkapi periode romantis kehidupan Pushkin. Ditulis oleh seorang pria yang tahu bahwa setelah mencapai apa yang disebut kebebasan "fisik", pahlawan romantis tidak menjadi bahagia.

Di hutan, di gurun sunyi

Saya akan mentransfer, penuh dengan Anda,

Batu Anda, teluk Anda ...

Pada saat ini, Pushkin sampai pada kesimpulan bahwa kebebasan sejati hanya bisa ada di dalam diri seseorang dan hanya itu yang bisa membuatnya benar-benar bahagia.

Varian romantisme Byron hidup dan terasa dalam karyanya yang pertama dalam budaya Rusia Pushkin, kemudian Lermontov. Pushkin memiliki bakat untuk memperhatikan orang, namun puisi romantis paling romantis dalam karya penyair dan penulis prosa besar tidak diragukan lagi adalah Air Mancur Bakhchisarai.

Puisi "Air Mancur Bakhchisaray" masih melanjutkan pencarian Pushkin dalam genre puisi romantis. Dan dapat dipastikan bahwa kematian penulis besar Rusia mencegah hal ini.

Tema romantis dalam karya Pushkin menerima dua opsi berbeda: ada pahlawan romantis yang heroik ("tawanan", "perampok", "buron"), dibedakan oleh kemauan yang kuat, yang melewati ujian kejam nafsu kekerasan, dan ada pahlawan yang menderita di mana pengalaman emosional yang halus tidak sesuai dengan kekejaman dunia luar ("pengasingan", "tahanan"). Awal pasif dalam karakter romantis sekarang memperoleh kedok feminin di Pushkin. Air Mancur Bakhchisaray mengembangkan secara tepat aspek pahlawan romantis ini.

Dalam "Tahanan Kaukasus" semua perhatian diberikan pada "tawanan" dan sangat sedikit pada "Sirkasia", sekarang sebaliknya - Khan Girey tidak lebih dari sosok yang tidak dramatis, dan memang karakter utamanya adalah seorang wanita, bahkan dua - Zarema dan Maria. Solusi untuk dualitas pahlawan yang ditemukan dalam puisi sebelumnya (melalui gambar saudara yang dirantai) juga digunakan oleh Pushkin di sini: awal yang pasif digambarkan dalam wajah dua karakter - yang cemburu, penuh gairah cinta Zarema dan sedih , kehilangan harapan dan cinta Maria. Keduanya adalah dua nafsu yang saling bertentangan yang bersifat romantis: kekecewaan, keputusasaan, keputusasaan dan pada saat yang sama semangat spiritual, intensitas perasaan; kontradiksi diselesaikan secara tragis dalam puisi itu - kematian Maria juga tidak membawa kebahagiaan bagi Zarema, karena mereka dihubungkan oleh ikatan misterius. Jadi di The Robber Brothers, kematian salah satu bersaudara selamanya membayangi kehidupan yang lain.

Namun, B.V. Tomashevsky dengan tepat mencatat, "isolasi liris puisi itu juga menentukan beberapa kekurangan konten ... Kemenangan moral atas Zarema tidak mengarah pada kesimpulan dan refleksi lebih lanjut ... "Tahanan Kaukasus" memiliki kelanjutan yang jelas dalam karya Pushkin: baik Aleko dan Eugene Onegin mengizinkan ... pertanyaan yang diajukan dalam puisi selatan pertama. "Air Mancur Bakhchisarai" tidak memiliki kelanjutan seperti itu ... "

Pushkin meraba-raba dan mengidentifikasi tempat paling rentan dalam posisi romantis seseorang: dia menginginkan segalanya hanya untuk dirinya sendiri.

Puisi Lermontov "Mtsyri" juga tidak sepenuhnya mencerminkan ciri khas romantisme.

Ada dua pahlawan romantis dalam puisi ini, oleh karena itu, jika ini adalah puisi romantis, maka sangat aneh: pertama, pahlawan kedua disampaikan oleh penulis melalui prasasti; kedua, penulis tidak terhubung dengan Mtsyri, sang pahlawan memecahkan masalah keinginan sendiri dengan caranya sendiri, dan Lermontov sepanjang puisi hanya berpikir tentang menyelesaikan masalah ini. Dia tidak menilai pahlawannya, tetapi dia juga tidak membenarkannya, tetapi dia mengambil posisi tertentu - pemahaman. Ternyata romantisme dalam budaya Rusia menjelma menjadi refleksi. Ternyata romantisme dari segi realisme.

Dapat dikatakan bahwa Pushkin dan Lermontov tidak berhasil menjadi romantis (meskipun Lermontov pernah berhasil mematuhi hukum romantis - dalam drama 'Masquerade'). Melalui eksperimen mereka, para penyair menunjukkan bahwa di Inggris posisi seorang individualis bisa bermanfaat, tetapi tidak di Rusia. Meskipun Pushkin dan Lermontov gagal menjadi romantis, mereka membuka jalan bagi perkembangan realisme. Pada tahun 1825, karya realistis pertama diterbitkan: "Boris Godunov", lalu "Putri Kapten", "Eugene Onegin", "Pahlawan Waktu Kita" dan banyak lainnya.

b) Lukisan

Dalam seni visual, romantisme termanifestasi paling jelas dalam seni lukis dan grafis, kurang ekspresif dalam seni pahat dan arsitektur. Pelukis romantis Rusia adalah perwakilan utama romantisme dalam seni visual. Dalam kanvas mereka mengekspresikan semangat cinta kebebasan, tindakan aktif, penuh semangat dan temperamen yang menarik manifestasi humanisme. Kanvas sehari-hari pelukis Rusia dibedakan oleh relevansi dan psikologi, ekspresi yang belum pernah terjadi sebelumnya. Lanskap melankolis yang dirohanikan sekali lagi merupakan upaya romantisme yang sama untuk menembus dunia manusia, untuk menunjukkan bagaimana seseorang hidup dan bermimpi di dunia bawah bulan. Lukisan romantis Rusia berbeda dengan lukisan asing. Hal ini ditentukan oleh situasi sejarah dan tradisi.

Fitur lukisan romantis Rusia:

Ideologi pencerahan melemah tetapi tidak runtuh, seperti di Eropa. Karena itu, romantisme tidak diucapkan.

Romantisme berkembang secara paralel dengan klasisisme, sering kali terjalin dengannya.

Lukisan akademis di Rusia belum habis.

Romantisme di Rusia bukanlah fenomena yang stabil, romantisme tertarik pada akademisisme. Pada pertengahan abad XIX. tradisi romantis hampir mati.

Karya-karya yang berkaitan dengan romantisme mulai muncul di Rusia pada tahun 1790-an (karya-karya Feodosy Yanenko "Travelers Caught in a Storm" (1796), "Self-Portrait in a Helmet" (1792). Prototipenya jelas di dalamnya - Salvator Rosa, sangat populer pada pergantian abad 18 dan 19. Kemudian, pengaruh seniman proto-Romantis ini akan terlihat dalam karya Alexander Orlovsky. Perampok, adegan api unggun, pertempuran menemani seluruh karirnya. Seperti di negara lain , seniman milik romantisme Rusia memperkenalkan potret, lanskap, dan adegan bergenre suasana emosional yang sama sekali baru.

Di Rusia, romantisme mulai memanifestasikan dirinya pertama kali di lukisan potret. Pada sepertiga pertama abad ke-19, sebagian besar, ia kehilangan kontak dengan aristokrasi tingkat tinggi. Tempat penting mulai ditempati oleh potret penyair, seniman, pelindung seni, citra petani biasa. Tren ini terutama diucapkan dalam karya O.A. Kiprensky (1782 - 1836) dan V.A. Tropinin (1776 - 1857).

Vasily Andreevich Tropinin berusaha keras untuk karakterisasi seseorang yang hidup dan santai, diekspresikan melalui potretnya. Potret seorang putra (1818), "Potret A.S. Pushkin" (1827), "Potret diri" (1846) tidak memukau dengan kemiripan potret dengan aslinya, tetapi dengan penetrasi yang luar biasa halus ke dunia batin seseorang.

Potret seorang putra- Arsenia Tropinina adalah salah satu yang terbaik dalam karya master. Warna emas lembut yang indah mengingatkan pada lukisan valerie abad XVIII. Namun, dibandingkan dengan potret khas anak-anak dalam romantisme abad XVIII. di sini desain yang tidak memihak sangat mencolok - anak ini berpose hingga batas yang sangat kecil. Tatapan Arseny meluncur melewati penonton, ia berpakaian santai, gerbang seolah tak sengaja terlempar. Kurangnya keterwakilan adalah dalam fragmentasi komposisi yang luar biasa: kepala memenuhi hampir seluruh permukaan kanvas, gambar terpotong sampai ke tulang selangka, dan dengan demikian wajah anak laki-laki secara otomatis bergerak ke arah penonton.

Sejarah penciptaan yang luar biasa menarik "Potret Pushkin". Seperti biasa, untuk kenalan pertama dengan Pushkin, Tropinin datang ke rumah Sobolevsky di taman bermain anjing, tempat penyair itu tinggal. Artis menemukannya di kantornya bermain-main dengan anak anjing. Pada saat yang sama, tampaknya, itu ditulis sesuai dengan kesan pertama, yang sangat dihargai Tropinin, sebuah sketsa kecil. Untuk waktu yang lama dia tidak terlihat oleh para pengejarnya. Hanya hampir seratus tahun kemudian, pada tahun 1914, diterbitkan oleh P.M. Shchekotov, yang menulis bahwa dari semua potret Alexander Sergeevich, ia “paling menyampaikan fitur-fiturnya ... mata biru penyair dipenuhi dengan kecemerlangan khusus di sini, pergantian kepala cepat, dan fitur wajah ekspresif dan mobile . Tidak diragukan lagi, inilah fitur sebenarnya dari wajah Pushkin, yang kami temui secara individu dalam satu atau lain potret yang telah sampai kepada kami. Masih menjadi teka-teki,” tambah Shchekotov, “mengapa sketsa yang menawan ini tidak mendapat perhatian dari penerbit dan penikmat penyair.” Ini dijelaskan oleh kualitas sketsa kecil itu sendiri: tidak ada kecemerlangan warna, atau keindahan sapuan kuas, atau "lingkaran" yang ditulis dengan ahli di dalamnya. Dan Pushkin di sini bukanlah "vitia" yang populer, bukan "jenius", tetapi, di atas segalanya, seorang pria. Dan sulit untuk menganalisis mengapa konten manusia yang begitu besar terkandung dalam skala hijau keabu-abuan monokromatik, zaitun, dengan tergesa-gesa, seolah-olah sapuan kuas acak dari etude yang hampir tidak terlihat. Melewati ingatan sepanjang masa dan potret Pushkin selanjutnya, sketsa kekuatan kemanusiaan ini dapat ditempatkan di sebelah sosok Pushkin, yang dipahat oleh pematung Soviet A. Matveev. Tapi ini bukan tugas yang Tropinin tentukan sendiri, ini bukan jenis Pushkin yang ingin dilihat temannya, meskipun ia memerintahkan untuk menggambarkan penyair dalam bentuk yang sederhana dan sederhana.

Dalam penilaian artis, Pushkin adalah "penyair tsar". Tapi dia juga seorang penyair rakyat, dia miliknya sendiri dan dekat dengan semua orang. “Kemiripan potret dengan aslinya sangat mencolok,” tulis Polevoy di bagian akhir, meskipun ia mencatat kurangnya “kecepatan penglihatan” dan “ekspresi wajah yang hidup”, yang mengubah dan menghidupkan Pushkin dengan setiap perubahan baru. kesan.

Dalam potret, semuanya dipikirkan dan diverifikasi hingga detail terkecil, dan pada saat yang sama tidak ada yang disengaja, tidak ada yang diperkenalkan oleh seniman. Bahkan cincin yang menghiasi jari-jari penyair disorot sejauh Pushkin sendiri menganggapnya penting dalam kehidupan. Di antara pengungkapan Tropinin yang indah, potret Pushkin menyerang dengan kemerduan jangkauannya.

Romantisme Tropinin dengan jelas mengungkapkan asal-usul sentimentalistik. Tropinin-lah yang merupakan pendiri genre, potret yang agak ideal dari seorang pria dari rakyat (“The Lacemaker” (1823)). “Baik penikmat dan bukan penikmat,” tulis Svinin tentang "Pembuat renda" -- menjadi kagum ketika melihat gambar ini, yang benar-benar menghubungkan semua keindahan seni bergambar: kesenangan kuas, pencahayaan yang benar, bahagia, warnanya jernih, alami, apalagi potret ini mengungkapkan jiwa keindahan dan itu tatapan licik rasa ingin tahu yang dia lemparkan pada seseorang yang masuk pada saat itu. Lengannya, terbuka di siku, berhenti dengan tatapannya, pekerjaannya berhenti, desahan keluar dari payudaranya yang perawan, ditutupi dengan syal muslin - dan semua ini digambarkan dengan kebenaran dan kesederhanaan sehingga gambar ini dapat dengan mudah disalahartikan. untuk pekerjaan yang paling sukses dari Mimpi yang mulia. Barang-barang sekunder, seperti bantal renda dan handuk, diatur dengan seni yang hebat dan dikerjakan dengan final ... "

Pada awal abad ke-19, Tver adalah pusat budaya penting Rusia. Semua orang terkemuka Moskow telah berada di sini untuk malam sastra. Di sini, Orest Kiprensky muda bertemu A.S. Pushkin, yang potretnya, yang kemudian dilukis, menjadi mutiara seni potret dunia, dan A.S. Pushkin akan mempersembahkan puisi kepadanya, di mana ia akan menyebutnya "favorit mode bersayap ringan." Potret Pushkin kuas O. Kiprensky adalah personifikasi hidup dari seorang jenius puitis. Dalam pergantian kepala yang tegas, dengan lengan yang disilangkan di dada, seluruh penampilan penyair mengungkapkan rasa kemandirian dan kebebasan. Tentang dia Pushkin berkata: "Saya melihat diri saya seperti di cermin, tetapi cermin ini menyanjung saya." Dalam karya potret Pushkin, Tropinin dan Kiprensky bertemu untuk terakhir kalinya, meskipun pertemuan ini tidak terjadi secara langsung, tetapi bertahun-tahun kemudian dalam sejarah seni, di mana, sebagai suatu peraturan, dua potret penyair terbesar Rusia dibandingkan, dibuat secara bersamaan, tetapi di tempat yang berbeda - satu di Moskow. Lain di St Petersburg. Sekarang ini adalah pertemuan para master yang sama besarnya dalam arti penting mereka bagi seni Rusia. Meskipun pengagum Kiprensky mengklaim bahwa keunggulan artistik ada di sisi potret romantisnya, di mana penyair disajikan tenggelam dalam pikirannya sendiri, sendirian dengan inspirasi, kebangsaan dan demokrasi gambar pasti ada di sisi Pushkin Tropininsky.

Dengan demikian, dua potret mencerminkan dua bidang seni Rusia, terkonsentrasi di dua ibu kota. Dan kemudian kritikus akan menulis bahwa Tropinin untuk Moskow sama dengan Kiprensky untuk St. Petersburg.

Ciri khas potret Kiprensky adalah bahwa mereka menunjukkan pesona spiritual dan kemuliaan batin seseorang. Potret seorang pahlawan, berani dan berperasaan kuat, seharusnya mewujudkan kesedihan dari suasana hati yang mencintai kebebasan dan patriotik dari orang Rusia yang maju.

di depan “Potret E.V. Davydov”(1809) menampilkan sosok seorang perwira, yang secara langsung memanifestasikan ekspresi kultus kepribadian yang kuat dan berani, yang begitu khas untuk romantisme tahun-tahun itu. Lanskap yang ditampilkan secara terpisah-pisah, di mana seberkas cahaya berjuang dengan kegelapan, mengisyaratkan kecemasan spiritual sang pahlawan, tetapi di wajahnya ada cerminan kepekaan yang melamun. Kiprensky mencari "manusia" dalam diri seseorang, dan cita-cita tidak mengaburkan ciri-ciri pribadi karakter model darinya.

Potret Kiprensky, jika Anda melihatnya dengan mata kepala sendiri, tunjukkan kekayaan spiritual dan alam seseorang, kekuatan intelektualnya. Ya, ia memiliki cita-cita kepribadian yang harmonis, seperti yang dibicarakan orang-orang sezamannya, tetapi Kiprensky tidak berusaha untuk secara harfiah memproyeksikan cita-cita ini ke dalam gambar artistik. Dalam menciptakan gambar artistik, ia pergi dari alam, seolah-olah mengukur seberapa jauh atau dekat dengan ideal seperti itu. Faktanya, banyak dari mereka yang digambarkan olehnya berada pada malam yang ideal, diarahkan ke sana, sedangkan cita-cita itu sendiri, menurut ide-ide estetika romantis, hampir tidak dapat dicapai, dan semua seni romantis hanyalah jalan menuju itu.

Memperhatikan kontradiksi dalam jiwa para pahlawannya, menunjukkannya di saat-saat cemas dalam hidup, ketika nasib berubah, ide-ide lama runtuh, pemuda pergi, dll., Kiprensky tampaknya mengalami bersama dengan modelnya. Oleh karena itu keterlibatan khusus pelukis potret dalam interpretasi gambar artistik, yang memberikan potret sentuhan intim.

Pada periode awal kreativitas di Kiprensky Anda tidak akan melihat wajah-wajah yang terinfeksi skeptisisme, analisis yang merusak jiwa. Ini akan datang kemudian, ketika waktu romantis akan bertahan dari musim gugurnya, memberi jalan pada suasana hati dan perasaan lain, ketika harapan untuk kemenangan cita-cita kepribadian yang harmonis runtuh. Dalam semua potret tahun 1800-an dan potret yang dieksekusi di Tver, Kiprensky menunjukkan kuas yang berani, dengan mudah dan bebas membangun sebuah bentuk. Kompleksitas teknik, sifat figur berubah dari pekerjaan ke pekerjaan.

Patut dicatat bahwa Anda tidak akan melihat kegembiraan heroik di wajah para pahlawannya, sebaliknya, sebagian besar wajah agak sedih, mereka menikmati refleksi. Tampaknya orang-orang ini prihatin dengan nasib Rusia, mereka lebih memikirkan masa depan daripada saat ini. Dalam gambar wanita yang mewakili istri, saudara perempuan peserta dalam peristiwa penting, Kiprensky juga tidak berusaha untuk kegembiraan heroik yang disengaja. Perasaan nyaman, kealamian menang. Pada saat yang sama, di semua potret ada begitu banyak kemuliaan jiwa yang sejati. Gambar wanita menarik dengan martabat mereka yang sederhana, integritas alam; di wajah laki-laki orang bisa menebak pikiran yang ingin tahu, kesiapan untuk asketisme. Gambar-gambar ini bertepatan dengan ide-ide etis dan estetika yang matang dari para Desembris. Pikiran dan aspirasi mereka kemudian dibagikan oleh banyak orang (penciptaan perkumpulan rahasia dengan program sosial dan politik tertentu jatuh pada periode 1816-1821), sang seniman tahu tentang mereka, dan oleh karena itu kita dapat mengatakan bahwa potretnya tentang para peserta dalam peristiwa 1812-1814, gambar petani , dibuat pada tahun yang sama - semacam paralel artistik dengan konsep Desembrisme yang muncul.

Segel cerah dari cita-cita romantis ditandai “Potret V.A. Zhukovsky”(1816). Seniman, yang membuat potret yang ditugaskan oleh S.S. Uvarov, memutuskan untuk menunjukkan kepada orang-orang sezamannya tidak hanya gambar penyair, yang terkenal di kalangan sastra, tetapi juga untuk menunjukkan pemahaman tertentu tentang kepribadian penyair romantis. Di hadapan kita ada tipe penyair yang mengekspresikan tren filosofis dan mimpi romantisme Rusia. Kiprensky memperkenalkan Zhukovsky pada momen inspirasi kreatif. Angin telah mengacak-acak rambut penyair, pepohonan meresahkan menerpakan dahannya di malam hari, reruntuhan bangunan kuno nyaris tak terlihat. Beginilah seharusnya penampilan pencipta balada romantis. Warna gelap memperparah suasana misterius. Atas saran Uvarov, Kiprensky tidak menyelesaikan lukisan fragmen individu dari potret, sehingga "kelengkapan yang berlebihan" tidak memadamkan semangat, temperamen, dan emosi.

Banyak potret dilukis oleh Kiprensky di Tver. Selain itu, ketika dia melukis Ivan Petrovich Vulf, seorang pemilik tanah dari Tver, dia melihat dengan penuh emosi pada gadis yang berdiri di depannya, cucunya, masa depan Anna Petrovna Kern, yang kepadanya salah satu karya liris yang paling menawan didedikasikan - A.S. Pushkin's puisi "Aku ingat momen indah... Asosiasi penyair, seniman, musisi seperti itu menjadi manifestasi dari tren baru dalam seni - romantisme.

"Young Gardener" (1817) oleh Kiprensky, "Italian Noon" (1827) oleh Bryullov, "Reapers" atau "Reaper" (1820s) oleh Venetsianov adalah karya dari seri tipologi yang sama. Mereka berfokus pada alam dan ditulis dengan jelas menggunakan Namun, tugas masing-masing seniman - untuk mewujudkan kesempurnaan estetika alam sederhana - mengarah pada idealisasi tertentu dari penampilan, pakaian, situasi demi menciptakan metafora-citra. Mengamati kehidupan, alam, seniman memikirkannya kembali. , puitis yang terlihat Dalam kombinasi kualitatif baru alam dan imajinasi dengan pengalaman master kuno dan Renaisans, memunculkan gambar yang tidak dikenal seni sebelumnya, dan merupakan salah satu fitur romantisme di paruh pertama abad ke-19. abad. Sifat metaforis, yang secara umum menjadi ciri karya Venetsianov dan Bryullov, adalah salah satu ciri paling penting dari romantika ketika seniman Rusia masih kurang mengenal potret romantis Eropa Barat. "Potret seorang ayah (A. K. Schwalbe)"(1804) ditulis oleh Orest Kiprensky tentang seni dan genre potret pada khususnya.

Pencapaian paling signifikan dari romantisme Rusia adalah karya-karya dalam genre potret. Contoh Romantisisme yang paling cemerlang dan terbaik berasal dari periode awal. Jauh sebelum perjalanannya ke Italia, pada tahun 1816, Kiprensky, yang secara batin siap untuk inkarnasi romantis, melihat dengan mata baru lukisan-lukisan para empu lama. Warna-warna gelap, figur-figur yang disorot oleh cahaya, warna-warna yang menyala, dramaturgi yang intens memiliki dampak yang kuat pada dirinya. "Potret Seorang Ayah" tidak diragukan lagi dibuat di bawah kesan Rembrandt. Tetapi seniman Rusia hanya mengambil teknik eksternal dari orang Belanda yang hebat itu. "Potret Seorang Ayah" adalah karya yang benar-benar independen, memiliki energi internal dan kekuatan ekspresi artistiknya sendiri. Ciri khas potret lanskap adalah keaktifan penampilannya. Tidak ada keindahan di sini - transfer instan dari apa yang dilihatnya ke kertas menciptakan kesegaran ekspresi grafis yang unik. Oleh karena itu, orang-orang yang digambarkan dalam gambar tampak dekat dan dapat dimengerti oleh kita.

Orang asing menyebut Kiprensky si Rusia Van Dyck, potretnya ada di banyak museum di seluruh dunia. Penerus karya Levitsky dan Borovikovsky, pendahulu L. Ivanov dan K. Bryullov, Kiprensky, dengan karyanya, memberi sekolah seni Rusia ketenaran Eropa. Dalam kata-kata Alexander Ivanov, "dia adalah orang pertama yang membawa nama Rusia ke Eropa ...".

Meningkatnya minat pada kepribadian seseorang, karakteristik romantisme, telah menentukan pembungaan genre potret pada paruh pertama abad ke-19, di mana potret diri menjadi fitur yang dominan. Sebagai aturan, pembuatan potret diri bukanlah episode acak. Seniman berulang kali menulis dan menggambar sendiri, dan karya-karya ini menjadi semacam buku harian yang mencerminkan berbagai keadaan pikiran dan tahapan kehidupan, dan pada saat yang sama menjadi manifesto yang ditujukan kepada orang-orang sezaman. Potret diri bukan genre khusus, tulis sang seniman untuk dirinya sendiri, dan di sini, tidak seperti sebelumnya, ia menjadi bebas dalam berekspresi. Pada abad ke-18, seniman Rusia jarang melukis gambar asli, hanya romantisme, dengan kultus individunya, yang luar biasa, yang berkontribusi pada kebangkitan genre ini. Keragaman jenis potret diri mencerminkan persepsi seniman tentang diri mereka sebagai pribadi yang kaya dan beragam. Mereka muncul dalam peran pencipta yang biasa dan alami ("Potret diri dalam baret beludru" oleh A. G. Varnek, 1810-an), kemudian mereka terjun ke masa lalu, seolah-olah mencobanya sendiri ("Potret diri dalam helm dan baju besi” oleh F. I. Yanenko , 1792), atau, paling sering, muncul tanpa atribut profesional apa pun, menegaskan signifikansi dan harga diri setiap orang, dibebaskan dan terbuka untuk dunia, mencari dan bergegas, seperti, misalnya, F. A. Bruni dan O. A. Orlovsky dalam potret diri tahun 1810-an. Kesiapan untuk dialog dan keterbukaan, karakteristik solusi figuratif dari karya-karya tahun 1810-1820-an, secara bertahap digantikan oleh kelelahan dan kekecewaan, pencelupan, penarikan diri ("Potret diri" oleh M. I. Terebenev). Tren ini tercermin dalam perkembangan genre potret secara keseluruhan.

Potret diri Kiprensky muncul, yang perlu dicatat, pada saat-saat kritis kehidupan, mereka bersaksi tentang naik turunnya kekuatan mental. Melalui seninya, seniman melihat dirinya sendiri. Namun, dia tidak menggunakan, seperti kebanyakan pelukis, cermin; dia melukis dirinya sendiri terutama menurut idenya, dia ingin mengekspresikan semangatnya, tetapi bukan penampilannya.

“Potret diri dengan kuas di belakang telinga” dibangun di atas penolakan, dan yang jelas demonstratif, dalam pemuliaan eksternal gambar, normativitas klasik dan konstruksi idealnya. Fitur wajah diuraikan kira-kira, secara umum. Lampu samping jatuh pada wajah, hanya menyoroti fitur samping. Pantulan cahaya yang terpisah jatuh pada sosok artis, padam pada tirai yang nyaris tidak terlihat, mewakili latar belakang potret. Semuanya di sini tunduk pada ekspresi kehidupan, perasaan, suasana hati. Ini adalah tampilan seni romantis melalui seni potret diri. Keterlibatan seniman dalam rahasia kreativitas diungkapkan dalam "sfumato abad ke-19" romantis yang misterius. Nada kehijauan yang khas menciptakan suasana khusus dunia artistik, yang di tengahnya adalah seniman itu sendiri.

Hampir bersamaan dengan potret diri ini, dan tertulis “Potret diri dalam syal merah muda”, di mana gambar lain diwujudkan. Tanpa indikasi langsung dari profesi seorang pelukis. Citra seorang pemuda diciptakan kembali, merasa nyaman, alami, bebas. Permukaan kanvas bergambar dibangun dengan halus. Kuas artis dengan percaya diri mengaplikasikan cat. Meninggalkan goresan besar dan kecil. Pewarnaannya berkembang luar biasa, warnanya tidak cerah, mereka berpadu secara harmonis satu sama lain, pencahayaannya tenang: cahaya dengan lembut mengalir ke wajah pemuda itu, menguraikan fitur-fiturnya, tanpa ekspresi dan deformasi yang tidak perlu.

Pelukis luar biasa lainnya adalah Venetsianov. Pada tahun 1811, ia menerima gelar akademisi dari Akademi, ditunjuk untuk "Potret Diri" dan "Potret K.I. Golovachevsky dengan tiga murid Akademi Seni." Ini adalah karya-karya yang luar biasa.

Venetsianov menyatakan dirinya sebagai master sejati dalam "Potret diri" 1811. Itu ditulis secara berbeda dari seniman lain yang melukis diri mereka sendiri pada waktu itu - A. Orlovsky, O. Kiprensky, E. Varnek dan bahkan budak V. Tropinin. Sudah umum bagi mereka semua untuk membayangkan diri mereka dalam lingkaran cahaya romantis, potret diri mereka adalah semacam konfrontasi puitis dalam kaitannya dengan lingkungan. Eksklusivitas sifat artistik dimanifestasikan dalam pose, gerak tubuh, dalam keunikan kostum yang dirancang khusus. Dalam "Potret Diri" Venetsianov, para peneliti mencatat, pertama-tama, ekspresi ketat dan intens dari orang yang sibuk ... Efisiensi yang benar, yang berbeda dari "kelalaian artistik" yang mencolok, yang ditunjukkan dengan gaun rias atau bergeser genit topi artis lain. Venitsianov memandang dirinya sendiri dengan tenang. Seni baginya bukanlah dorongan yang diilhami, tetapi terutama hal yang membutuhkan konsentrasi dan perhatian. Berukuran kecil, hampir monokrom dalam pewarnaan nada zaitun, ditulis dengan sangat akurat, sederhana dan sekaligus kompleks. Tidak tertarik dengan sisi luar lukisan, dia berhenti dengan tatapannya. Pelek tipis yang ideal dari bingkai emas tipis kacamata tidak menyembunyikan, tetapi lebih menekankan ketajaman mata yang tajam, tidak terlalu fokus pada alam (seniman menggambarkan dirinya dengan palet dan kuas di tangannya), tetapi di kedalaman pikirannya sendiri. Dahi lebar yang besar, sisi kanan wajah, diterangi oleh cahaya langsung, dan bagian depan kemeja putih membentuk segitiga cahaya, pertama-tama menarik perhatian pemirsa, yang pada saat berikutnya, mengikuti gerakan kanan. tangan memegang kuas tipis, meluncur ke bawah ke palet. Helai rambut bergelombang, bingkai mengkilap, dasi longgar di kerah, garis bahu yang lembut dan, akhirnya, setengah lingkaran lebar palet membentuk sistem gerakan garis halus dan mengalir, di dalamnya ada tiga poin utama. : silau kecil pupil mata, dan ujung tajam bagian depan kemeja, hampir menutup dengan palet dan kuas. Perhitungan yang hampir matematis seperti itu dalam konstruksi komposisi potret memberikan gambar ketenangan batin parsial dan memberikan alasan untuk berasumsi bahwa penulis memiliki pikiran analitis, cenderung berpikir ilmiah. Dalam "Potret Diri" tidak ada jejak romantisme, yang kemudian begitu sering muncul dalam penggambaran seniman itu sendiri. Ini adalah potret diri seorang seniman-peneliti, seniman-pemikir dan pekerja keras.

Pekerjaan lain - potret Golovachevsky- dikandung sebagai semacam komposisi plot: generasi tua master Akademi dalam pribadi inspektur lama memberikan instruksi kepada talenta yang tumbuh: pelukis (dengan folder gambar. Arsitek dan pematung. Tapi Venetsianov tidak biarkan bayangan kepalsuan atau didaktikisme apa pun dalam gambar ini: lelaki tua yang baik Golovachevsky yang ramah menafsirkan kepada remaja beberapa halaman yang dibaca dalam sebuah buku. Ketulusan ekspresi menemukan dukungan dalam struktur gambar gambar: itu lembut, halus dan selaras dengan indah Nada warna-warni menciptakan kesan kedamaian dan keseriusan. Wajah-wajah dicat indah, penuh makna batin. Potret itu adalah salah satu pencapaian tertinggi lukisan potret Rusia.

Dan dalam karya Orlovsky tahun 1800-an, karya potret muncul, kebanyakan dalam bentuk gambar. Pada tahun 1809, lembar potret yang kaya secara emosional seperti "Potret diri". Dieksekusi dengan sapuan bebas sanguin dan arang yang berair (dengan highlight kapur), "Potret Diri" Orlovsky menarik dengan integritas artistiknya, karakterisasi gambar, dan seni eksekusi. Pada saat yang sama, ini memungkinkan seseorang untuk melihat beberapa aspek aneh dari seni Orlovsky. "Potret diri" Orlovsky, tentu saja, tidak bertujuan untuk secara akurat mereproduksi penampilan khas artis pada tahun-tahun itu. Sebelum kita - dalam banyak hal disengaja. Penampilan berlebihan dari seorang "seniman" yang menentang "aku" sendiri dengan kenyataan di sekitarnya, dia tidak peduli dengan "kesopanan" penampilannya: sisir dan sikat tidak menyentuh rambutnya yang subur, di bahunya ada tepi jas hujan kotak-kotak tepat di atas kemeja rumah dengan kerah terbuka. Putaran kepala yang tajam dengan tampilan "suram" dari bawah alis yang bergeser, potongan potret yang dekat, di mana wajah digambarkan dari dekat, kontras cahaya - semua ini bertujuan untuk mencapai efek utama yang berlawanan orang yang digambarkan ke lingkungan (dan dengan demikian ke pemirsa).

Penderitaan penegasan individualitas - salah satu fitur paling progresif dalam seni saat itu - membentuk nada ideologis dan emosional utama dari potret, tetapi muncul dalam aspek aneh yang hampir tidak pernah ditemukan dalam seni Rusia pada periode itu. Penegasan kepribadian tidak begitu banyak dengan mengungkapkan kekayaan dunia batinnya, tetapi dengan cara yang lebih eksternal untuk menolak segala sesuatu yang ada di sekitarnya. Gambar pada saat yang sama, tentu saja, terlihat terkuras, terbatas.

Solusi seperti itu sulit ditemukan dalam seni potret Rusia saat itu, di mana sudah di pertengahan abad ke-18 motif sipil dan humanistik terdengar keras dan kepribadian seseorang tidak pernah memutuskan ikatan kuat dengan lingkungan. Memimpikan tatanan sosial demokratis yang lebih baik, orang-orang terbaik Rusia pada masa itu sama sekali tidak terlepas dari kenyataan, mereka secara sadar menolak kultus individualistis "kebebasan pribadi" yang berkembang di tanah Eropa Barat, yang dilonggarkan oleh revolusi borjuis . Ini jelas dimanifestasikan sebagai cerminan faktor nyata dalam seni potret Rusia. Kita hanya perlu membandingkan "Potret Diri" Orlovsky dengan yang simultan "Potret diri" Kiprensky (misalnya, 1809), sehingga perbedaan internal yang serius antara kedua pelukis potret segera menarik perhatian.

Kiprensky juga "heroik" kepribadian seseorang, tetapi ia menunjukkan nilai-nilai batin yang sebenarnya. Di wajah artis, penonton membedakan ciri-ciri pikiran, karakter, kemurnian moral yang kuat.

Seluruh penampilan Kiprensky ditutupi dengan kemuliaan dan kemanusiaan yang luar biasa. Dia mampu membedakan antara "baik" dan "jahat" di dunia sekitarnya dan, menolak yang kedua, mencintai dan menghargai yang pertama, mencintai dan menghargai orang yang berpikiran sama. Pada saat yang sama, kita memiliki di hadapan kita, tidak diragukan lagi, individualitas yang kuat, bangga dengan kesadaran akan nilai kualitas pribadinya. Konsep gambar potret yang persis sama mendasari potret heroik terkenal D. Davydov oleh Kiprensky.

Orlovsky, dibandingkan dengan Kiprensky, serta dengan beberapa pelukis potret Rusia lainnya pada waktu itu, secara lebih terbatas, lebih lugas dan secara lahiriah menyelesaikan citra "kepribadian yang kuat", sambil dengan jelas berfokus pada seni borjuis Prancis. Ketika Anda melihat "Potret Diri", potret A. Gro, Gericault tanpa sadar muncul di benak Anda. Profil Orlovsky "Potret diri" tahun 1810, dengan kultus "kekuatan batin" individualistisnya, bagaimanapun, sudah tidak memiliki bentuk "sketsa" tajam dari "Potret diri" tahun 1809 atau "Potret Duport". Dalam yang terakhir, Orlovsky, seperti dalam Potret Diri, menggunakan pose "pahlawan" yang spektakuler dengan gerakan kepala dan bahu yang tajam dan hampir saling silang. Ia menekankan struktur wajah Duport yang tidak beraturan, rambutnya yang acak-acakan, dengan tujuan menciptakan citra potret yang mandiri dalam karakternya yang unik dan acak.

"Lanskap harus menjadi potret," tulis K. N. Batyushkov. Sebagian besar seniman yang beralih ke genre ini menganut pengaturan ini dalam karya mereka. lanskap. Di antara pengecualian yang jelas, yang condong ke lanskap yang fantastis, adalah A. O. Orlovsky ("Pemandangan Laut", 1809); A. G. Varnek ("Pemandangan di sekitar Roma", 1809); P. V. Basin ("Langit saat Matahari Terbenam di Pinggiran Roma", "Pemandangan Malam", keduanya - 1820-an). Menciptakan tipe tertentu, mereka mempertahankan sensasi sensasi, kekayaan emosional, mencapai suara monumental dengan teknik komposisi.

Orlrovsky muda melihat di alam hanya kekuatan raksasa, tidak tunduk pada kehendak manusia, yang mampu menyebabkan malapetaka, bencana. Perjuangan seorang pria dengan elemen laut yang mengamuk adalah salah satu tema favorit artis dari periode romantis "pemberontak" -nya. Itu menjadi isi lukisannya, cat air dan lukisan cat minyak tahun 1809-1810. adegan tragis ditunjukkan dalam gambar "Kecelakaan kapal"(1809(?)). Dalam kegelapan pekat yang telah jatuh ke tanah, di antara ombak yang mengamuk, para nelayan yang tenggelam dengan panik memanjat bebatuan pantai tempat kapal mereka jatuh. Ditopang dalam nada merah yang parah, warna meningkatkan perasaan cemas. Mengerikan adalah serangan ombak besar, pertanda badai, dan di gambar lain - “Di tepi laut”(1809). Ini juga memainkan peran emosional yang sangat besar di langit yang penuh badai, yang menempati sebagian besar komposisi. Meskipun Orlovsky tidak menguasai seni perspektif udara, transisi bertahap dari rencana diselesaikan di sini dengan lebih harmonis dan lembut. Warnanya menjadi lebih terang. Bermain indah dengan latar belakang coklat kemerahan, bintik-bintik merah pada pakaian para nelayan. Elemen laut yang gelisah dan cemas dalam cat air "Perahu layar"(c.1812). Dan bahkan ketika angin tidak mengguncang layar dan tidak membuat permukaan air beriak, seperti dalam cat air “Pemandangan laut dengan kapal”(c. 1810), penonton tidak meninggalkan firasat bahwa badai akan mengikuti ketenangan.

Dengan semua drama dan emosi perasaan, bentang laut Orlovsky bukanlah buah dari pengamatannya terhadap fenomena atmosfer, tetapi hasil tiruan langsung dari seni klasik. Secara khusus, J. Vernet.

Bentang alam S. F. Shchedrin memiliki karakter yang berbeda. Mereka dipenuhi dengan keharmonisan koeksistensi manusia dan alam ("Terrace on the seashore. Cappuccini near Sorrento", 1827). Banyak pemandangan Napoli dan sekitarnya dari kuasnya menikmati kesuksesan dan popularitas yang luar biasa.

Penciptaan gambar romantis St. Petersburg dalam lukisan Rusia dikaitkan dengan karya M. N. Vorobyov. Di kanvasnya, kota itu tampak diselimuti kabut misterius St. Petersburg, kabut lembut malam putih dan atmosfer yang jenuh dengan kelembaban laut, di mana kontur bangunan terhapus, dan cahaya bulan melengkapi sakramen. Awal liris yang sama membedakan pandangan lingkungan St. Petersburg yang dilakukan olehnya ("Sunset in the Outskirts of St. Petersburg", 1832). Namun ibu kota utara juga dilihat oleh seniman dengan cara yang berbeda dan dramatis, sebagai arena benturan dan perjuangan elemen alam (V. E. Raev, Alexander Column saat Badai Petir, 1834).

Lukisan-lukisan brilian I. K. Aivazovsky dengan jelas mewujudkan cita-cita romantis mabuk dengan perjuangan dan kekuatan kekuatan alam, stamina semangat manusia dan kemampuan untuk berjuang sampai akhir. Namun demikian, sebuah tempat besar dalam warisan tuan ditempati oleh pemandangan laut malam yang didedikasikan untuk tempat-tempat tertentu di mana badai memberi jalan pada keajaiban malam, waktu yang, menurut pandangan romantisme, dipenuhi dengan kehidupan batin yang misterius, dan di mana pencarian bergambar artis ditujukan untuk mengekstraksi efek pencahayaan yang luar biasa ( "Pemandangan Odessa pada malam yang diterangi cahaya bulan", "Pemandangan Konstantinopel di bawah sinar bulan", keduanya - 1846).

Tema elemen alam dan pria yang terkejut, tema favorit seni romantis, ditafsirkan berbeda oleh seniman tahun 1800-1850-an. Karya-karya itu didasarkan pada peristiwa nyata, tetapi makna gambar tidak dalam menceritakan kembali secara objektif. Contoh tipikal adalah lukisan karya Pyotr Basin "Gempa bumi di Rocca di Papa dekat Roma"(1830). Ini tidak dikhususkan untuk deskripsi peristiwa tertentu, tetapi untuk penggambaran ketakutan dan kengerian seseorang yang dihadapkan pada manifestasi elemen.

Tokoh-tokoh lukisan Rusia pada era ini adalah K.P. Bryullov (1799-1852) dan A.A. Ivanov (1806 - 1858). Pelukis dan juru gambar Rusia K.P. Bryullov, saat masih menjadi mahasiswa Akademi Seni, menguasai keterampilan menggambar yang tak tertandingi. Karya Bryullov biasanya dibagi menjadi sebelum "Hari Terakhir Pompeii" dan sesudahnya. Apa yang diciptakan sebelumnya ....?!

“Pagi Italia” (1823), “Ermilia with the Shepherds” (1824) berdasarkan puisi Torquatto Tasso “The Liberation of Jerusalem”, “Italian Noon” (“Italia Woman Harvesting Grapes”, 1827), “Horsewoman” (1830) , "Bathsheba" (1832) - semua lukisan ini dipenuhi dengan kegembiraan hidup yang cerah dan tak terselubung. Karya-karya seperti itu selaras dengan puisi-puisi epikur awal Pushkin, Batyushkov, Vyazemsky, Delvig. Gaya lama, berdasarkan peniruan para empu hebat, tidak memuaskan Bryullov, dan dia menulis "Pagi Italia", "Siang Italia", "Bathsheba" di udara terbuka.

Saat mengerjakan potret, Bryullov hanya melukis kepala dari alam. Segala sesuatu yang lain sering didikte kepadanya oleh imajinasinya. Buah dari improvisasi kreatif gratis seperti itu adalah "Pengendara". Hal utama dalam potret itu adalah kontras dari hewan yang panas dan melonjak dengan lubang hidung bengkak dan mata berbinar dan penunggang kuda wanita yang anggun dengan tenang menahan energi kuda yang hiruk pikuk (menjinakkan hewan adalah tema favorit pematung klasik, Bryullov menyelesaikannya dalam lukisan) .

PADA "Batsyeba" seniman menggunakan cerita alkitabiah sebagai dalih untuk menunjukkan tubuh telanjang di udara terbuka dan menyampaikan permainan cahaya dan refleks pada kulit putih. Dalam "Bathsheba" ia menciptakan citra seorang wanita muda, penuh sukacita dan kebahagiaan. Tubuh telanjang bersinar dan bersinar dikelilingi oleh sayuran hijau zaitun, pakaian ceri, reservoir transparan. Bentuk tubuh yang lembut dan elastis berpadu indah dengan kain pemutih dan warna coklat dari wanita Arab yang menyajikan Bathsheba. Garis-garis yang mengalir pada badan, kolam, dan kain memberikan komposisi irama yang halus.

Melukis sudah menjadi kata baru dalam seni lukis "Hari terakhir Pompeii"(1827-1833). Dia membuat nama artis abadi dan sangat terkenal semasa hidupnya.

Plotnya, tampaknya, dipilih di bawah pengaruh saudaranya Alexander, yang secara intensif mempelajari reruntuhan Pompeian. Tapi alasan untuk menulis gambar lebih dalam. Gogol memperhatikan ini, dan Herzen mengatakan secara langsung bahwa di Hari Terakhir Pompeii mereka menemukan tempat mereka, mungkin, refleksi bawah sadar dari pikiran dan perasaan seniman, yang disebabkan oleh kekalahan pemberontakan Desembris di Rusia. Bukan tanpa alasan, di antara para korban elemen amukan di Pompeii yang sekarat, Bryullov menempatkan potret dirinya dan memberikan fitur kenalan Rusia-nya kepada karakter lain dalam gambar.

Rombongan Italia Bryullov juga memainkan peran, yang dapat memberitahunya tentang badai revolusioner yang melanda Italia pada tahun-tahun sebelumnya, tentang nasib menyedihkan Carbonari selama tahun-tahun reaksi.

Gambaran megah kematian Pompeii dijiwai oleh semangat historisisme, menunjukkan perubahan dari satu era sejarah ke era sejarah lainnya, penindasan paganisme kuno dan permulaan iman Kristen baru.

Seniman melihat jalannya sejarah secara dramatis, perubahan zaman sebagai kejutan bagi umat manusia. Di tengah komposisi, seorang wanita yang jatuh dari kereta dan dihancurkan sampai mati, tampaknya, melambangkan kematian dunia kuno. Namun di dekat jenazah sang ibu, sang artis meletakkan bayi yang masih hidup. Menggambarkan anak-anak dan orang tua, seorang pria muda dan seorang ibu tua, anak laki-laki dan ayah jompo, seniman menunjukkan generasi lama memudar ke dalam sejarah dan yang baru datang untuk menggantikan mereka. Kelahiran era baru di atas reruntuhan dunia lama yang runtuh adalah tema sebenarnya dari lukisan Bryullov. Apa pun perubahan yang dibawa sejarah, keberadaan umat manusia tidak berhenti, dan kehausannya akan kehidupan tetap tidak pudar. Ini adalah ide utama di balik The Last Day of Pompeii. Gambar ini adalah himne keindahan kemanusiaan, yang tetap abadi dalam semua siklus sejarah.

Kanvas itu dipamerkan pada tahun 1833 di Pameran Seni Milan, hal itu menimbulkan banyak tanggapan antusias. Italia yang lapuk ditaklukkan. Siswa Bryullov G. G. Gagarin bersaksi: “Karya besar ini membangkitkan antusiasme yang tak terbatas di Italia. Kota-kota tempat lukisan itu dipamerkan mengatur resepsi khusyuk untuk sang seniman, puisi dipersembahkan untuknya, ia dibawa ke jalan-jalan dengan musik, bunga, dan obor ... Di mana-mana ia diterima dengan hormat sebagai seorang jenius yang terkenal dan penuh kemenangan, dimengerti dan dihargai oleh semua orang.

Penulis Inggris Walter Scott (perwakilan sastra romantis, terkenal dengan novel-novel sejarahnya) menghabiskan satu jam di studio Bryullov, di mana dia mengatakan bahwa ini bukan gambar, tetapi keseluruhan puisi. Akademi seni Milan, Florence, Bologna dan Parma memilih pelukis Rusia sebagai anggota kehormatan mereka.

Kanvas Bryullov membangkitkan tanggapan antusias dari Pushkin dan Gogol.

Vesuvius zev dibuka - asap menyembur dalam api klub

Dikembangkan secara luas seperti spanduk pertempuran.

Bumi khawatir - dari kolom yang mengejutkan

Idola jatuh!..

Pushkin menulis di bawah kesan lukisan itu.

Dimulai dengan Bryullov, titik balik dalam sejarah telah menjadi subjek utama lukisan sejarah Rusia, yang menggambarkan adegan rakyat yang megah, di mana setiap orang adalah peserta dalam drama sejarah, di mana tidak ada yang utama dan sekunder.

"Pompeii", secara umum, milik klasisisme. Seniman dengan terampil mengungkapkan plastisitas tubuh manusia di atas kanvas. Semua gerakan spiritual orang ditransmisikan oleh Bryullov, terutama dalam bahasa plastisitas. Angka-angka terpisah, diberikan dalam gerakan badai, dikumpulkan dalam kelompok yang seimbang dan beku. Kilatan cahaya menekankan bentuk tubuh dan tidak menciptakan efek gambar yang kuat. Namun, komposisi lukisan yang memiliki penerobosan kuat di tengah di kedalaman, yang menggambarkan peristiwa luar biasa dalam kehidupan Pompeii, terinspirasi oleh romantisme.

Romantisme sebagai pandangan dunia ada di Rusia pada gelombang pertamanya dari akhir abad ke-18 hingga tahun 1850-an. Garis romantisme dalam seni Rusia tidak berhenti pada tahun 1850-an. Tema keadaan, ditemukan oleh kaum Romantis untuk seni, kemudian dikembangkan oleh para seniman Mawar Biru. Pewaris langsung kaum Romantis tidak diragukan lagi adalah para Simbolis. Tema romantis, motif, perangkat ekspresif memasuki seni dengan gaya, arah, asosiasi kreatif yang berbeda. Pandangan dunia atau worldview yang romantis ternyata salah satu yang paling hidup, ulet, berbuah.

Romantisme sebagai sikap umum, ciri utama kaum muda, sebagai keinginan akan kebebasan yang ideal dan kreatif, masih terus hidup di dunia seni rupa.

c) Musik

Romantisme dalam bentuknya yang paling murni adalah fenomena seni Eropa Barat. Musik Rusia abad ke-19. dari Glinka ke Tchaikovsky, fitur klasisisme digabungkan dengan fitur romantisme, elemen utamanya adalah prinsip nasional yang cerah dan asli. Romantisme di Rusia muncul secara tak terduga ketika tren ini tampaknya sudah ketinggalan zaman. Dua komponis abad ke-20, Scriabin dan Rachmaninov, membangkitkan ciri-ciri romantisme seperti pelarian fantasi yang tak terkendali dan kepenuhan lirik. Oleh karena itu, abad ke-19 disebut zaman musik klasik.

Time (1812, pemberontakan Desembris, reaksi yang mengikutinya) meninggalkan jejaknya pada musik. Apa pun genre yang kami ambil - romansa, opera, balet, musik kamar - di mana pun komposer Rusia mengucapkan kata baru mereka.

Musik Rusia, dengan segala keanggunan salonnya dan kepatuhan yang ketat pada tradisi penulisan instrumental profesional, termasuk penulisan sonata-symphonic, didasarkan pada pewarnaan modal yang unik dan struktur ritmik dari cerita rakyat Rusia. Beberapa sangat bergantung pada lagu sehari-hari, yang lain pada bentuk asli pembuatan musik, dan yang lain lagi pada modalitas kuno mode petani Rusia kuno.

Awal abad ke-19 - ini adalah tahun-tahun berbunga pertama dan cerah dari genre roman. Lirik sederhana yang tulus tetap terdengar dan menyenangkan pendengarnya. Alexander Alexandrovich Alyabyev (1787-1851). Dia menulis roman untuk puisi banyak penyair, tetapi yang abadi adalah "Bulbul" pada sajak Delvig, "Jalan musim dingin", "Aku mencintaimu" pada puisi Pushkin.

Alexander Egorovich Varlamov (1801-1848) menulis musik untuk pertunjukan dramatis, tetapi kami lebih mengenalnya dari roman terkenal "Sundress merah", "Jangan bangunkan aku saat fajar", "Satu layar menjadi putih".

Alexander Lvovich Gurilev (1803-1858)- komposer, pianis, pemain biola dan guru, dia memiliki roman seperti “Lonceng berbunyi monoton”, “Pada fajar masa muda yang berkabut” dan sebagainya.

Tempat paling menonjol di sini ditempati oleh roman Glinka. Belum ada orang lain yang mencapai perpaduan alami musik dengan puisi Pushkin, Zhukovsky.

Mikhail Ivanovich Glinka (1804-1857)- kontemporer Pushkin (5 tahun lebih muda dari Alexander Sergeevich), klasik sastra Rusia, menjadi pendiri musik klasik. Karyanya adalah salah satu puncak budaya musik Rusia dan dunia. Ini secara harmonis menggabungkan kekayaan musik rakyat dan pencapaian tertinggi keterampilan komposer. Karya realistis rakyat Glinka yang mendalam mencerminkan perkembangan budaya Rusia yang kuat pada paruh pertama abad ke-19, terkait dengan Perang Patriotik tahun 1812 dan gerakan Desembris. Cahaya, karakter yang menguatkan kehidupan, harmoni bentuk, keindahan melodi yang ekspresif dan merdu, variasi, kecemerlangan dan kehalusan harmoni adalah kualitas paling berharga dari musik Glinka. Di opera terkenal "Ivan Susanin"(1836) menerima ekspresi brilian dari ide patriotisme populer; Keagungan moral orang-orang Rusia juga dimuliakan dalam opera dongeng “ Ruslan dan Ludmila". Karya orkestra oleh Glinka: “Fantasi Waltz”, “Malam di Madrid” dan terutama "Kamarinkaya", membentuk dasar dari simfoni klasik Rusia. Luar biasa dalam hal kekuatan ekspresi dramatis dan kecerahan karakteristik musik untuk tragedi itu "Pangeran Kholmsky". Lirik vokal Glinka (romansa “Saya ingat momen indah”, “Keraguan”) adalah perwujudan puisi Rusia yang tak tertandingi dalam musik.

6. ROMANTISSME EROPA BARAT

sebuah lukisan

Jika Prancis adalah nenek moyang klasisisme, maka "untuk menemukan akar ... sekolah romantis," tulis salah satu orang sezamannya, "kita harus pergi ke Jerman. Dia lahir di sana, dan di sana romantika Italia dan Prancis modern membentuk selera mereka.

terfragmentasi Jerman tidak tahu kebangkitan revolusioner. Banyak romantika Jerman asing dengan kesedihan ide-ide sosial yang maju. Mereka mengidealkan Abad Pertengahan. Mereka menyerah pada dorongan spiritual yang tidak dapat dipertanggungjawabkan, berbicara tentang pengabaian kehidupan manusia. Seni kebanyakan dari mereka adalah pasif dan kontemplatif. Mereka menciptakan karya terbaik mereka di bidang lukisan potret dan lanskap.

Pelukis potret yang luar biasa adalah Otto Runge (1777-1810). Potret master ini, dengan ketenangan lahiriah, memukau dengan kehidupan batin yang intens dan intens.

Gambar penyair romantis dilihat oleh Runge di "Potret diri". Dia dengan hati-hati memeriksa dirinya sendiri dan melihat seorang pria muda berambut gelap, bermata gelap, serius, penuh energi, bijaksana, introspektif, dan berkemauan keras. Artis romantis ingin mengenal dirinya sendiri. Cara pengerjaan potretnya cepat dan menyapu, seolah-olah energi spiritual pencipta sudah tersampaikan dalam tekstur karya; dalam rentang warna-warni gelap, kontras terang dan gelap muncul. Kontras adalah teknik bergambar karakteristik master romantis.

Untuk menangkap permainan suasana hati seseorang yang berubah-ubah, untuk melihat ke dalam jiwanya, seorang seniman gudang romantis akan selalu mencoba. Dan dalam hal ini, potret anak-anak akan menjadi bahan subur baginya. PADA potret anak-anak Hülsenbeck(1805) Runge tidak hanya menyampaikan keaktifan dan kedekatan karakter anak, tetapi juga menemukan sambutan khusus untuk suasana hati yang cerah, yang menyenangkan bukaan udara di lantai 2. abad ke-19 Latar belakang dalam gambar adalah lanskap, yang membuktikan tidak hanya bakat warna seniman, sikap mengagumi alam, tetapi juga munculnya masalah baru dalam reproduksi ahli hubungan spasial, nuansa cahaya objek di udara terbuka. Seorang master romantis, yang ingin menggabungkan "aku" -nya dengan bentangan alam semesta, berusaha untuk menangkap penampilan alam yang nyata secara sensual. Tetapi dengan sensualitas gambar ini, ia lebih suka melihat simbol dunia besar, "gagasan seniman."

Runge, salah satu seniman Romantis pertama, mengatur dirinya sendiri tugas mensintesis seni: lukisan, patung, arsitektur, musik. Suara ansambel seni seharusnya mengekspresikan kesatuan kekuatan ilahi dunia, yang setiap partikelnya melambangkan kosmos secara keseluruhan. Artis berfantasi, memperkuat konsep filosofisnya dengan ide-ide pemikir Jerman terkenal di lantai 1. abad ke-17 Jacob Boehme. Dunia adalah semacam keseluruhan mistis, setiap partikelnya mengekspresikan keseluruhan. Ide ini terkait dengan romantisme seluruh benua Eropa. Dalam bentuk puisi, penyair dan pelukis Inggris William Blake mengatakannya seperti ini:

Lihat keabadian dalam satu saat

Dunia besar - di cermin pasir,

Dalam satu genggam - tak terhingga

Dan langit ada di dalam cangkir bunga.

Siklus Runge, atau, sebagaimana ia menyebutnya, "puisi musikal yang fantastis" "Waktu dalam sehari"- pagi, siang, malam - ekspresi dari konsep ini. Dia meninggalkan dalam puisi dan prosa penjelasan tentang model konseptualnya tentang dunia. Gambar seseorang, lanskap, cahaya, dan warna adalah simbol dari siklus kehidupan alam dan manusia yang selalu berubah.

Pelukis romantis Jerman terkemuka lainnya, Caspar David Friedrich (1774-1840), lebih menyukai lanskap daripada semua genre lainnya dan hanya melukis gambar alam selama tujuh puluh tahun hidupnya. Motif utama karya Friedrich adalah gagasan tentang kesatuan manusia dan alam.

“Dengarkan suara alam yang berbicara di dalam diri kita,” sang seniman menginstruksikan murid-muridnya. Dunia batin seseorang melambangkan ketidakterbatasan Semesta, oleh karena itu, setelah mendengar dirinya sendiri, seseorang dapat memahami kedalaman spiritual dunia.

Posisi mendengarkan menentukan bentuk utama "komunikasi" seseorang dengan alam dan citranya. Inilah keagungan, misteri atau pencerahan alam dan keadaan sadar si pengamat. Benar, sangat sering Friedrich tidak mengizinkan sosok itu untuk "memasuki" ruang lanskap lukisannya, tetapi dalam penetrasi halus struktur figuratif dari hamparan luas, kehadiran perasaan, pengalaman seseorang dirasakan. Subjektivisme dalam penggambaran lanskap menjadi seni hanya dengan karya romantisme, menandakan wahyu liris alam oleh para empu di lantai 2. abad ke-19 Para peneliti mencatat dalam karya-karya Friedrich "perluasan repertoar" motif lanskap. Penulis tertarik pada laut, gunung, hutan, dan berbagai nuansa keadaan alam pada waktu yang berbeda sepanjang tahun dan hari.

1811-1812 ditandai dengan terciptanya rangkaian lanskap pegunungan hasil perjalanan seniman ke pegunungan. “Pagi di pegunungan” indah mewakili realitas alam baru, lahir di bawah sinar matahari terbit. Nada merah muda-ungu menyelimuti dan menghilangkan volume dan gravitasi material. Tahun-tahun pertempuran dengan Napoleon (1812-1813) mengubah Friedrich menjadi tema patriotik. Mengilustrasikan, terinspirasi oleh drama Kleist, tulisnya "Makam Arminius"- pemandangan dengan kuburan pahlawan Jerman kuno.

Friedrich adalah ahli bentang laut yang halus: "Abad", "Bulan terbit di atas Laut", "Kematian "Nadezhda" di dalam es".

Karya terakhir seniman - "Istirahat di lapangan", "Rawa besar" dan "Kenangan Pegunungan Raksasa", "Gunung Raksasa" - serangkaian pegunungan dan batu di latar depan menjadi gelap. Ini, tampaknya, adalah kembalinya perasaan berpengalaman tentang kemenangan seseorang atas dirinya sendiri, kegembiraan naik ke "puncak dunia", keinginan untuk ketinggian yang tak terkalahkan yang cerah. Perasaan seniman dengan cara khusus menyusun massa gunung ini, dan sekali lagi gerakan dari kegelapan langkah pertama ke cahaya masa depan dibaca. Puncak gunung di latar belakang disorot sebagai pusat aspirasi spiritual sang guru. Gambarnya sangat asosiatif, seperti karya romantik lainnya, dan melibatkan tingkat pembacaan dan interpretasi yang berbeda.

Friedrich sangat akurat dalam menggambar, secara musikal harmonis dalam konstruksi ritmis lukisannya, di mana ia mencoba berbicara melalui emosi warna dan efek cahaya. “Banyak yang diberi sedikit, sedikit yang diberi banyak. Setiap orang membuka jiwa alam dengan cara yang berbeda. Oleh karena itu, tidak ada yang berani mentransfer pengalaman dan aturannya kepada orang lain sebagai hukum tanpa syarat yang mengikat. Tidak ada seorang pun yang menjadi ukuran segalanya. Setiap orang membawa dalam dirinya ukuran hanya untuk dirinya sendiri dan untuk kodrat yang kurang lebih sama dengan dirinya sendiri, ”refleksi master ini membuktikan integritas luar biasa dari kehidupan batin dan kreativitasnya. Keunikan artis hanya dapat diraba dalam kebebasan karyanya - Friedrich yang romantis berdiri di atas ini.

Lebih formal tampaknya menjadi pelepasan dari seniman - "klasik" - perwakilan dari klasisisme cabang lain dari lukisan romantis di Jerman - Nazarene. Didirikan di Wina dan menetap di Roma (1809-1810), "Persatuan St. Luke" menyatukan para empu dengan gagasan untuk menghidupkan kembali seni monumental tentang masalah keagamaan. Abad Pertengahan adalah periode sejarah favorit bagi kaum Romantis. Namun dalam pencarian artistik mereka, orang Nazaret beralih ke tradisi lukisan Renaisans awal di Italia dan Jerman. Overbeck dan Geforr adalah penggagas aliansi baru, yang kemudian diikuti oleh Cornelius, J. Schnoff von Karolsfeld, Veit Fürich.

Gerakan Nazarene ini sesuai dengan bentuk oposisi mereka sendiri terhadap akademisi klasik di Prancis, Italia, dan Inggris. Misalnya, di Prancis, apa yang disebut seniman "primitif" muncul dari bengkel David, dan di Inggris, Pra-Raphaelites. Dalam semangat tradisi romantis, mereka menganggap seni sebagai "ekspresi waktu", "semangat rakyat", tetapi preferensi tematik atau formal mereka, yang pada awalnya terdengar seperti slogan penyatuan, setelah beberapa saat berubah ke dalam prinsip-prinsip doktriner yang sama dengan Akademi, yang mereka tolak.

Seni Romantisisme di Perancis dikembangkan dengan cara-cara tertentu. Hal pertama yang membedakannya dari gerakan serupa di negara lain adalah karakter ofensifnya yang aktif (“revolusioner”). Penyair, penulis, musisi, seniman mempertahankan posisi mereka tidak hanya dengan menciptakan karya baru, tetapi juga dengan berpartisipasi dalam kontroversi majalah dan surat kabar, yang oleh peneliti dicirikan oleh "pertempuran romantis". V. Hugo, Stendhal, George Sand, Berlioz yang terkenal, dan banyak penulis, komposer, dan jurnalis Prancis lainnya "mempertajam bulu mereka" dalam kontroversi romantis.

Lukisan romantis di Prancis muncul sebagai penentangan terhadap aliran klasik David, seni akademis, yang disebut sebagai "sekolah" pada umumnya. Tetapi ini harus dipahami dalam pengertian yang lebih luas: itu adalah oposisi terhadap ideologi resmi dari zaman reaksioner, sebuah protes terhadap keterbatasan borjuis kecilnya. Oleh karena itu sifat menyedihkan dari karya-karya romantis, kegembiraan mereka yang gugup, ketertarikan pada motif-motif eksotis, plot sejarah dan sastra, pada segala sesuatu yang dapat menjauhkan diri dari "kehidupan sehari-hari yang redup", karenanya permainan imajinasi ini, dan kadang-kadang, sebaliknya, melamun dan sama sekali tidak ada aktivitas.

Perwakilan dari "sekolah", para akademisi, memberontak terutama terhadap bahasa romantisme: pewarnaan panas mereka yang bersemangat, pemodelan bentuk mereka, bukan yang akrab dengan "klasik", patung-plastik, tetapi dibangun di atas kontras yang kuat bintik-bintik warna; desain ekspresif mereka, dengan sengaja menolak presisi dan klasisisme; komposisi mereka yang berani, terkadang kacau, tanpa keagungan dan ketenangan yang tak tergoyahkan. Ingres, musuh romantisme yang keras kepala, sampai akhir hayatnya mengatakan bahwa Delacroix "menulis dengan sapu gila", dan Delacroix menuduh Ingres dan semua seniman "sekolah" dingin, rasionalitas, kurangnya gerakan, bahwa mereka tidak menulis, tetapi "melukis" lukisan mereka. Tapi ini bukan bentrokan sederhana dari dua kepribadian yang cerdas dan sama sekali berbeda, ini adalah perjuangan antara dua pandangan dunia artistik yang berbeda.

Perjuangan ini berlangsung selama hampir setengah abad, romantisme dalam seni tidak menang dengan mudah dan tidak segera, dan seniman pertama dari tren ini adalah Theodore Gericault (1791-1824) - seorang master bentuk-bentuk monumental heroik, yang menggabungkan dalam karyanya baik klasikistik fitur dan fitur romantisme itu sendiri, dan, akhirnya, awal realistis yang kuat, yang memiliki dampak besar pada seni realisme di pertengahan abad ke-19. Namun selama hidupnya ia hanya dihargai oleh beberapa teman dekat.

Nama Theodore Zhariko dikaitkan dengan kesuksesan romantisme pertama yang cemerlang. Sudah dalam lukisan awalnya (potret militer, gambar kuda), cita-cita kuno surut sebelum persepsi langsung tentang kehidupan.

Di salon pada tahun 1812 Géricault menunjukkan gambar "Petugas penjaga kuda kekaisaran selama serangan itu." Itu adalah tahun puncak kejayaan Napoleon dan kekuatan militer Prancis.

Komposisi gambar menghadirkan pengendara dalam perspektif yang tidak biasa dari momen "tiba-tiba" ketika kuda itu terangkat, dan pengendara, yang memegang posisi kuda yang hampir vertikal, menoleh ke penonton. Gambaran momen ketidakstabilan seperti itu, ketidakmungkinan postur meningkatkan efek gerakan. Kuda itu memiliki satu titik dukungan, ia harus jatuh ke tanah, mengacaukan pertarungan yang membawanya ke keadaan seperti itu. Banyak yang menyatu dalam karya ini: Keyakinan tanpa syarat Gericault pada kemungkinan seseorang memiliki kekuatannya sendiri, cinta yang penuh gairah untuk menggambarkan kuda dan keberanian seorang master pemula dalam menunjukkan apa yang sebelumnya hanya bisa disampaikan oleh musik atau bahasa puisi - kegembiraan pertempuran, awal dari serangan, ketegangan terakhir dari makhluk hidup. Penulis muda membangun citranya pada transmisi dinamika gerakan, dan penting baginya untuk mengatur pemirsa untuk "berpikir", menggambar dengan "penglihatan batin" dan perasaan tentang apa yang ingin ia gambarkan.

Tradisi dinamika seperti narasi bergambar roman di Prancis praktis tidak ada, kecuali mungkin di relief kuil Gotik, karena ketika Gericault pertama kali datang ke Italia, ia terpana oleh kekuatan tersembunyi dari komposisi Michelangelo. “Saya gemetar,” tulisnya, “Saya meragukan diri saya sendiri dan untuk waktu yang lama tidak dapat pulih dari pengalaman ini.” Tapi Stendhal menunjuk Michelangelo sebagai cikal bakal tren gaya baru dalam seni bahkan lebih awal dalam artikel polemiknya.

Lukisan Gericault mengumumkan tidak hanya kelahiran bakat artistik baru, tetapi juga memberi penghormatan kepada semangat dan kekecewaan penulis dengan ide-ide Napoleon. Ada beberapa karya lain yang terkait dengan topik ini: Petugas Carabinieri", "Petugas Cuirassier sebelum serangan", "Potret carabinieri", "Cuirassier yang terluka".

Dalam risalah "Refleksi keadaan lukisan di Prancis", ia menulis bahwa "kemewahan dan seni telah menjadi ... kebutuhan dan, seolah-olah, makanan untuk imajinasi, yang merupakan kehidupan kedua orang yang beradab . .. Bukan menjadi kebutuhan utama, seni muncul hanya ketika kebutuhan esensial terpenuhi dan ketika kelimpahan datang. Seorang pria, dibebaskan dari kekhawatiran sehari-hari, mulai mencari kesenangan untuk menghilangkan kebosanan, yang pasti akan menyusulnya di tengah kepuasan.

Pemahaman tentang peran pendidikan dan humanistik seni seperti itu ditunjukkan oleh Gericault setelah kembali dari Italia pada tahun 1818 - ia mulai terlibat dalam litografi, mereplikasi berbagai topik, termasuk kekalahan Napoleon ( “Kembali dari Rusia”).

Pada saat yang sama, sang seniman beralih ke penggambaran tenggelamnya fregat Meduza di lepas pantai Afrika, yang menggemparkan masyarakat saat itu. Bencana itu terjadi karena kesalahan seorang kapten yang tidak berpengalaman, diangkat ke pos di bawah perlindungan. Penumpang kapal yang selamat, ahli bedah Savigny dan insinyur Correar, berbicara secara rinci tentang kecelakaan itu.

Kapal yang sekarat berhasil membuang rakit, di mana segelintir orang yang diselamatkan mendapatkannya. Selama dua belas hari mereka dibawa di sepanjang laut yang mengamuk sampai mereka menemukan keselamatan - kapal "Argus".

Gericault tertarik pada situasi ketegangan tertinggi kekuatan spiritual dan fisik manusia. Lukisan itu menggambarkan 15 penumpang yang selamat di atas rakit ketika mereka melihat Argus di cakrawala. “Rakit Medusa” adalah hasil dari pekerjaan persiapan yang panjang dari seniman. Dia membuat banyak sketsa laut yang mengamuk, potret orang-orang yang diselamatkan di rumah sakit. Awalnya, Gericault ingin menunjukkan perjuangan orang-orang di atas rakit satu sama lain, tetapi kemudian dia memilih perilaku heroik pemenang elemen laut dan kelalaian negara. Orang-orang dengan berani menanggung kemalangan, dan harapan keselamatan tidak meninggalkan mereka: setiap kelompok di atas rakit memiliki karakteristiknya sendiri. Dalam konstruksi komposisi, Gericault memilih sudut pandang dari atas, yang memungkinkannya menggabungkan cakupan panorama ruang (jarak laut terlihat) dan menggambarkan, membawa semua penghuni rakit sangat dekat ke latar depan. Gerakan ini dibangun di atas kontras dari sosok-sosok yang tergeletak tak berdaya di latar depan dan orang-orang yang terburu-buru dalam kelompok yang memberi sinyal kepada kapal yang lewat. Kejelasan ritme pertumbuhan dinamika dari kelompok ke kelompok, keindahan tubuh telanjang, warna gelap gambar menetapkan catatan tertentu dari konvensionalitas gambar. Tetapi ini bukan poin bagi pemirsa yang mempersepsikan, kepada siapa konvensionalitas bahasa bahkan membantu untuk memahami dan merasakan hal utama: kemampuan seseorang untuk bertarung dan menang. Laut mengaum. Layarnya mengerang. Tali berdering. Rakit berderak. Angin mendorong ombak dan merobek awan hitam menjadi serpihan.

Bukankah Prancis sendiri, yang didorong oleh badai sejarah? pikir Eugene Delacroix, berdiri di samping lukisan itu. “Rakit Medusa mengejutkan Delacroix, dia menangis dan, seperti orang gila, melompat keluar dari bengkel Gericault, yang sering dia kunjungi.

Gairah seperti itu tidak mengenal seni Daud.

Tapi hidup Gericault berakhir tragis lebih awal (dia sakit parah setelah jatuh dari kuda), dan banyak dari rencananya tetap belum selesai.

Inovasi Géricault membuka peluang baru untuk menyampaikan gerakan yang mengkhawatirkan romantisme, perasaan yang mendasari seseorang, ekspresi tekstur warna gambar.

Pewaris Géricault dalam pencariannya adalah Eugene Delacroix. Benar, Delacroix diizinkan dua kali lebih lama dari rentang hidupnya, dan dia berhasil tidak hanya membuktikan kebenaran romantisme, tetapi juga memberkati arah baru dalam melukis lantai 2. abad ke-19 - impresionisme.

Sebelum mulai menulis sendiri, Eugene belajar di sekolah Lerain: ia melukis dari kehidupan, menyalin Rubens, Rembrandt, Veronese, Titian yang hebat di Louvre ... Seniman muda itu bekerja 10-12 jam sehari. Dia ingat kata-kata Michelangelo yang agung: "Lukisan adalah nyonya yang cemburu, itu menuntut seluruh orang ..."

Delacroix, setelah pertunjukan demonstrasi Géricault, sangat menyadari bahwa waktu pergolakan emosional yang kuat telah datang dalam seni. Pertama, ia mencoba memahami era baru baginya melalui plot sastra terkenal. Lukisannya "Dante dan Virgil", disajikan di salon tahun 1822, adalah upaya melalui gambar asosiatif historis dua penyair: zaman kuno - Virgil dan Renaissance - Dante - untuk melihat kuali mendidih, "neraka" era modern. Suatu ketika dalam "Komedi Ilahi" Dante mengambil tanah Virgil sebagai pendamping di semua bidang (surga, neraka, api penyucian). Dalam karya Dante, dunia renaisans baru muncul dengan mengalami memori kuno di Abad Pertengahan. Simbol romantisme sebagai sintesis zaman kuno, Renaisans dan Abad Pertengahan muncul dalam "kengerian" visi Dante dan Virgil. Tetapi alegori filosofis yang kompleks ternyata menjadi ilustrasi emosional yang baik dari era pra-Renaisans dan karya sastra abadi.

Delacroix akan mencoba menemukan respons langsung di hati orang-orang sezamannya melalui sakit hatinya sendiri. Orang-orang muda pada waktu itu, yang membara dengan kebebasan dan kebencian terhadap para penindas, bersimpati dengan perang pembebasan Yunani. Penyair romantis Inggris, Byron, pergi ke sana untuk bertarung. Delacroix melihat makna era baru dalam penggambaran peristiwa sejarah yang lebih spesifik - perjuangan dan penderitaan Yunani yang mencintai kebebasan. Dia memikirkan plot kematian penduduk pulau Chios Yunani, yang ditangkap oleh orang Turki. Di Salon tahun 1824, Delacroix menunjukkan sebuah lukisan "Pembantaian di pulau Chios". dengan latar belakang hamparan medan berbukit yang tak berujung. Yang masih menjerit dari asap api dan pertempuran yang tak henti-hentinya, seniman itu menunjukkan beberapa kelompok wanita dan anak-anak yang terluka dan kelelahan. Mereka memiliki menit-menit terakhir kebebasan sebelum musuh mendekat. Orang Turki di atas kuda yang dipelihara di sebelah kanan tampaknya menggantung di seluruh latar depan dan banyak penderita yang ada di sana. Tubuh indah, wajah orang terpikat. Ngomong-ngomong, Delacroix nantinya akan menulis bahwa patung Yunani diubah oleh seniman menjadi hieroglif yang menyembunyikan keindahan wajah dan sosok Yunani yang sebenarnya. Tetapi, mengungkapkan "keindahan jiwa" di wajah orang-orang Yunani yang kalah, pelukis mendramatisasi peristiwa sedemikian rupa sehingga untuk mempertahankan satu kecepatan dinamis ketegangan, ia pergi ke deformasi sudut gambar. "Kesalahan" ini sudah "diselesaikan" oleh karya Gericault, tetapi Delacroix sekali lagi menunjukkan kredo romantis bahwa melukis adalah "bukan kebenaran situasi, tetapi kebenaran perasaan."

Pada tahun 1824, Delacroix kehilangan teman dan gurunya, Géricault. Dan dia menjadi pemimpin lukisan baru.

Tahun berlalu. Satu per satu, gambar muncul: “Yunani di atas reruntuhan Missalunga”, “Kematian Sardanapalus” dan lain-lain Seniman menjadi orang buangan di lingkaran resmi lukisan. Tetapi Revolusi Juli 1830 mengubah situasi. Dia menyalakan artis dengan romansa kemenangan dan pencapaian. Dia melukis gambar "Kebebasan di Barikade".

Pada tahun 1831, di Paris Salon, orang Prancis pertama kali melihat lukisan karya Eugene Delacroix "Kebebasan di Barikade", yang didedikasikan untuk "tiga hari mulia" Revolusi Juli 1830. Kanvas membuat kesan yang menakjubkan pada orang-orang sezaman dengan kekuatan, demokrasi dan keberanian keputusan artistik. Menurut legenda, seorang borjuis terhormat berseru: “Anda mengatakan - kepala sekolah? Katakan lebih baik - kepala pemberontakan! Setelah penutupan Salon, pemerintah, yang ketakutan dengan daya tarik yang mengancam dan menginspirasi yang berasal dari gambar tersebut, segera mengembalikannya kepada penulisnya. Selama revolusi tahun 1848, patung itu kembali dipamerkan di depan umum di Istana Luksemburg. Dan kembali lagi ke artis. Baru setelah kanvas dipamerkan di Pameran Dunia di Paris pada tahun 1855, kanvas itu berakhir di Louvre. Salah satu kreasi terbaik romantisme Prancis disimpan di sini hingga hari ini - kisah saksi mata yang terinspirasi dan monumen abadi perjuangan rakyat untuk kebebasan mereka.

Bahasa artistik apa yang ditemukan oleh pemuda romantis Prancis untuk menggabungkan dua prinsip yang tampaknya berlawanan ini - generalisasi yang luas dan mencakup segalanya dan kenyataan konkret yang kejam dalam ketelanjangannya?

Paris dari hari-hari Juli yang terkenal 1830. Udara jenuh dengan asap abu-abu dan debu. Kota yang indah dan megah, menghilang dalam kabut bubuk. Di kejauhan, hampir tidak terlihat, tetapi dengan bangga menjulang menara Katedral Notre Dame - simbol sejarah, budaya, dan semangat orang Prancis. Dari sana, dari kota berasap, di atas reruntuhan barikade, di atas mayat rekan-rekan yang tewas, para pemberontak dengan keras kepala dan tegas maju ke depan. Masing-masing dari mereka bisa mati, tetapi langkah para pemberontak tak tergoyahkan - mereka terinspirasi oleh keinginan untuk menang, menuju kebebasan.

Kekuatan inspirasi ini diwujudkan dalam citra seorang wanita muda yang cantik, dalam ledakan gairah yang memanggilnya. Dengan energi yang tak habis-habisnya, kecepatan gerakan yang bebas dan muda, dia seperti dewi Yunani

Nick menang. Sosoknya yang kuat mengenakan gaun chiton, wajahnya dengan fitur sempurna, dengan mata terbakar, berbalik ke pemberontak. Di satu tangan dia memegang spanduk tiga warna Prancis, di tangan lain - pistol. Di kepala adalah topi Frigia - simbol kuno pembebasan dari perbudakan. Langkahnya cepat dan ringan - begitulah langkah dewi. Pada saat yang sama, citra seorang wanita itu nyata - dia adalah putri orang Prancis. Dia adalah kekuatan penuntun di balik pergerakan kelompok di barikade. Darinya, seperti dari sumber cahaya di pusat energi, sinar memancar, mengisi dengan kehausan dan keinginan untuk menang. Mereka yang berada di dekatnya, masing-masing dengan caranya sendiri, mengungkapkan keterlibatan mereka dalam panggilan yang menginspirasi dan menginspirasi ini.

Di sebelah kanan adalah seorang anak laki-laki, seorang gamer Paris, mengacungkan pistol. Dia paling dekat dengan Kebebasan dan, seolah-olah, dinyalakan oleh antusiasme dan kegembiraannya atas dorongan bebas. Dalam gerakan cepat, kekanak-kanakan tidak sabar, dia bahkan sedikit di depan sang pemberi inspirasi. Ini adalah pendahulu dari Gavroche yang legendaris, yang digambarkan dua puluh tahun kemudian oleh Victor Hugo dalam novel Les Misérables: “Gavroche, penuh inspirasi, bersinar, mengambil alih tugas untuk menggerakkan semuanya. Dia bergegas bolak-balik, dia naik, dia turun

turun, bangkit kembali, berdesir, berkilauan dengan sukacita. Tampaknya dia datang ke sini untuk menghibur semua orang. Apakah dia punya motif untuk ini? Ya, tentu saja, kemiskinannya. Apakah dia punya sayap? Ya, tentu saja, keceriaannya. Itu semacam angin puyuh. Tampaknya memenuhi udara dengan dirinya sendiri, hadir di mana-mana pada saat yang sama ... Barikade besar merasakannya di tulang punggungnya.

Gavroche dalam lukisan Delacroix adalah personifikasi masa muda, "dorongan yang indah", penerimaan yang menyenangkan dari gagasan cemerlang tentang Kebebasan. Dua gambar - Gavroche dan Liberty - tampaknya saling melengkapi: satu adalah api, yang lain adalah obor yang dinyalakan darinya. Heinrich Heine menceritakan betapa meriahnya tanggapan yang ditimbulkan oleh sosok Gavroche di antara orang-orang Paris. "Neraka! seru seorang pedagang, "Anak-anak itu bertarung seperti raksasa!"

Di sebelah kiri adalah seorang siswa dengan pistol. Sebelumnya, itu dilihat sebagai potret diri artis. Pemberontak ini tidak secepat Gavroche. Gerakannya lebih terkendali, lebih terkonsentrasi, bermakna. Tangan dengan percaya diri meremas laras pistol, wajah mengekspresikan keberanian, tekad kuat untuk berdiri sampai akhir. Ini adalah gambaran yang sangat tragis. Siswa menyadari kerugian yang tak terhindarkan yang akan diderita para pemberontak, tetapi para korban tidak membuatnya takut - keinginan untuk bebas lebih kuat. Di belakangnya berdiri seorang pekerja yang sama berani dan tegas dengan pedang. Terluka di kaki Kebebasan. Dia bangkit dengan susah payah untuk sekali lagi melihat ke Kebebasan, untuk melihat dan merasakan dengan sepenuh hati keindahan yang untuknya dia sekarat. Angka ini membawa awal yang sangat dramatis untuk suara kanvas Delacroix. Jika gambar Gavroche, Liberty, pelajar, pekerja - hampir merupakan simbol, perwujudan dari keinginan para pejuang kemerdekaan yang tak tergoyahkan - menginspirasi dan memanggil penonton, maka pria yang terluka itu menyerukan belas kasih. Manusia mengucapkan selamat tinggal pada Kebebasan, mengucapkan selamat tinggal pada kehidupan. Dia masih merupakan impuls, sebuah gerakan, tetapi sudah menjadi impuls yang memudar.

Sosoknya transisi. Tatapan penonton, yang masih terpesona dan terbawa oleh tekad revolusioner para pemberontak, turun ke kaki barikade, ditutupi dengan tubuh para prajurit yang tewas. Kematian disajikan oleh seniman dalam semua ketelanjangan dan bukti fakta. Kita melihat wajah-wajah biru orang mati, tubuh telanjang mereka: perjuangan tanpa ampun, dan kematian adalah pendamping para pemberontak yang tak terelakkan seperti halnya Inspirasi Indah Kebebasan.

Tapi tidak persis sama! Dari pemandangan mengerikan di tepi bawah gambar, kami kembali mengangkat mata dan melihat sosok muda yang cantik - tidak! hidup menang! Gagasan kebebasan, yang diwujudkan dengan sangat jelas dan nyata, sangat terfokus pada masa depan sehingga kematian atas namanya tidak mengerikan.

Seniman itu hanya menggambarkan sekelompok kecil pemberontak, hidup dan mati. Tetapi para pembela barikade tampaknya luar biasa banyak. Komposisinya dibangun sedemikian rupa sehingga kelompok pejuang tidak terbatas, tidak menutup diri. Dia hanya bagian dari longsoran manusia yang tak ada habisnya. Seniman memberikan, seolah-olah, bagian dari kelompok: bingkai gambar memotong gambar dari kiri, kanan, dan bawah.

Biasanya warna dalam karya Delacroix memperoleh suara emosional, memainkan peran dominan dalam menciptakan efek dramatis. Warna-warnanya, terkadang mengamuk, terkadang memudar, teredam, membuat suasana tegang. Dalam Liberty di Barikade, Delacroix berangkat dari prinsip ini. Sangat akurat, tidak salah lagi memilih cat, mengaplikasikannya dengan sapuan lebar, sang seniman menyampaikan suasana pertempuran.

Tetapi rentang warna dibatasi. Delacroix berfokus pada pemodelan relief bentuk. Ini diperlukan oleh solusi kiasan dari gambar. Lagi pula, menggambarkan peristiwa kemarin yang spesifik, sang seniman juga membuat monumen untuk acara ini. Oleh karena itu, figurnya hampir seperti pahatan. Oleh karena itu, setiap karakter, sebagai bagian dari keseluruhan gambar, juga merupakan sesuatu yang tertutup dalam dirinya sendiri, mewakili simbol yang dilemparkan ke dalam bentuk yang lengkap. Oleh karena itu, warna tidak hanya memengaruhi perasaan penonton secara emosional, tetapi juga membawa beban simbolis. Di sana-sini, tiga serangkai merah, biru, putih berkedip di ruang coklat-abu-abu - warna panji Revolusi Prancis tahun 1789. Pengulangan berulang dari warna-warna ini mendukung akord kuat dari bendera tiga warna yang terbang di atas barikade.

Lukisan Delacroix "Kebebasan di Barikade" adalah karya yang kompleks dan megah dalam ruang lingkupnya. Di sini otentisitas dari fakta yang terlihat secara langsung dan simbolisme dari gambar-gambar tersebut digabungkan; realisme, mencapai naturalisme brutal, dan kecantikan ideal; kasar, mengerikan dan luhur, murni.

Lukisan "Kebebasan di Barikade" mengkonsolidasikan kemenangan romantisme dalam lukisan Prancis. Pada tahun 30-an, dua lukisan sejarah lagi: "Pertempuran Poitiers" dan "Pembunuhan Uskup Liege".

Pada tahun 1822 seniman mengunjungi Afrika Utara, Maroko, Aljazair. Perjalanan itu membuat kesan yang tak terhapuskan pada dirinya. Pada tahun 50-an, lukisan muncul dalam karyanya, terinspirasi oleh kenangan perjalanan ini: ”Berburu singa”, “Maroko menunggangi kuda” dan lain-lain Warna kontras yang cerah menciptakan suara romantis pada lukisan-lukisan ini. Di dalamnya, teknik pukulan lebar muncul.

Delacroix, sebagai seorang romantis, mencatat keadaan jiwanya tidak hanya dalam bahasa gambar bergambar, tetapi juga dalam bentuk sastra dari pemikirannya. Dia menggambarkan dengan baik proses karya kreatif seniman romantis, eksperimennya dalam warna, refleksi tentang hubungan antara musik dan bentuk seni lainnya. Buku hariannya menjadi bacaan favorit para seniman generasi berikutnya.

Sekolah romantis Prancis membuat kemajuan signifikan di bidang patung (Rud dan relief Marseillaise-nya), lukisan pemandangan (Camille Corot dengan gambar-gambar ringan tentang alam Prancis).

Berkat romantisme, visi subjektif pribadi seniman mengambil bentuk hukum. Impresionisme akan sepenuhnya menghancurkan penghalang antara seniman dan alam, menyatakan seni sebagai kesan. Romantis berbicara tentang fantasi artis, "suara perasaannya", yang memungkinkan dia untuk berhenti bekerja ketika master menganggapnya perlu, dan tidak seperti yang dipersyaratkan oleh standar akademik kelengkapan.

Jika fantasi Gericault berfokus pada transmisi gerakan, Delacroix pada kekuatan magis warna, dan Jerman menambahkan "semangat melukis" tertentu, maka Orang Spanyol Romantis dalam pribadi Francisco Goya (1746-1828) menunjukkan asal-usul gaya cerita rakyat, karakter fantasmagorik dan anehnya. Goya sendiri dan karyanya terlihat jauh dari kerangka gaya apa pun, terutama karena sang seniman sangat sering harus mengikuti hukum materi pertunjukan (ketika, misalnya, ia membuat lukisan untuk anyaman karpet teralis) atau persyaratan pelanggan.

Phantasmagoria-nya terungkap dalam seri etsa “Capricho” (1797-1799),"Bencana Perang" (1810-1820),"Disparantes ("Kebodohan")(1815-1820), mural "Rumah Tuna Rungu" dan Gereja San Antonio de la Florida di Madrid (1798). Penyakit parah pada tahun 1792. menyebabkan tuli total artis. Seni master setelah menderita trauma fisik dan spiritual menjadi lebih terkonsentrasi, bijaksana, dinamis secara internal. Dunia luar, tertutup karena tuli, mengaktifkan kehidupan spiritual batin Goya.

Dalam lukisan “Capricho” Goya mencapai kekuatan luar biasa dalam transfer reaksi instan, perasaan terburu-buru. Performa hitam-putih, berkat kombinasi berani bintik-bintik besar, tidak adanya karakteristik linieritas grafik, memperoleh semua properti lukisan.

Mural Gereja St. Anthony di Madrid Goya, tampaknya, menciptakan dalam satu tarikan napas. Temperamen stroke, singkatnya komposisi, ekspresi karakter karakter, yang tipenya diambil oleh Goya langsung dari kerumunan, luar biasa. Seniman itu menggambarkan keajaiban Anthony dari Florida, yang membuat orang yang terbunuh itu bangkit dan berbicara, yang menamai si pembunuh dan dengan demikian menyelamatkan orang yang dihukum tanpa bersalah dari eksekusi. Kedinamisan kerumunan yang bereaksi cerah disampaikan oleh Goya baik dalam gerak tubuh maupun ekspresi wajah dari wajah-wajah yang digambarkan. Dalam skema komposisi distribusi lukisan di ruang gereja, pelukis mengikuti Tiepolo, tetapi reaksi yang ditimbulkannya pada pemirsa bukanlah barok, tetapi murni romantis, memengaruhi perasaan setiap pemirsa, memanggilnya untuk menoleh ke diri.

Yang terpenting, tujuan ini dicapai dalam lukisan Conto del Sordo ("Rumah Tuna Rungu"), di mana Goya hidup dari tahun 1819. Dinding kamar ditutupi dengan lima belas komposisi yang bersifat fantastis dan alegoris. Memahami mereka membutuhkan empati yang mendalam. Gambar muncul sebagai semacam visi kota, wanita, pria, dll. Warnanya, berkedip, mengeluarkan satu sosok, lalu yang lain. Lukisan secara keseluruhan gelap, didominasi oleh bintik-bintik putih, kuning, merah muda-merah muda, kilatan perasaan yang mengganggu. Etsa dari seri "Berbeda" .

Goya menghabiskan 4 tahun terakhir di Prancis. Tidak mungkin dia tahu bahwa Delacroix tidak berpisah dengan "Caprichos" -nya. Dan dia tidak bisa meramalkan bagaimana Hugo dan Baudelaire akan terbawa oleh lukisan-lukisan ini, betapa besar pengaruh lukisannya pada Manet, dan bagaimana di tahun 80-an abad XIX. V. Stasov akan mengundang seniman Rusia untuk mempelajari "Bencana Perang" -nya

Tapi kita, mengingat ini, tahu betapa besar dampak seni "tanpa gaya" dari realis berani dan romantis yang terinspirasi ini terhadap budaya artistik abad ke-19 dan ke-20.

Dunia mimpi yang fantastis juga diwujudkan dalam karya-karyanya oleh seniman romantis Inggris William Blake (1757-1827). Inggris adalah negara klasik sastra romantis. Byron. Shelley menjadi panji gerakan ini jauh melampaui "Albion berkabut". Di Prancis, dalam kritik majalah tentang waktu "pertempuran romantis", kaum Romantis disebut "Shakespeare". Fitur utama lukisan Inggris selalu menjadi minat pada kepribadian manusia, yang memungkinkan genre potret berkembang dengan baik. Romantisme dalam seni lukis sangat erat kaitannya dengan sentimentalisme. Ketertarikan Romantis pada Abad Pertengahan melahirkan literatur sejarah yang besar. Master yang diakui adalah V. Scott. Dalam lukisan, tema Abad Pertengahan menentukan penampilan yang disebut Peraphaelites.

William Blake adalah tipe romantis yang luar biasa di kancah budaya Inggris. Dia menulis puisi, mengilustrasikan bukunya sendiri dan buku lainnya. Bakatnya berusaha merangkul dan mengekspresikan dunia dalam kesatuan holistik. Karya-karyanya yang paling terkenal adalah ilustrasi untuk "Book of Job", "The Divine Comedy" oleh Dante, "Paradise Lost" oleh Milton. Dia mengisi komposisinya dengan figur pahlawan titanic, yang sesuai dengan lingkungan mereka dari dunia yang tercerahkan atau fantasmagorik yang tidak nyata. Rasa kebanggaan pemberontak atau harmoni, sulit diciptakan dari disonansi, menguasai ilustrasinya.

Ukiran lanskap untuk "Pendeta" penyair Romawi Virgil tampak agak berbeda - mereka lebih romantis dari karya-karya mereka sebelumnya.

Romantisme Blake berusaha menemukan formula artistik dan bentuk eksistensi dunianya sendiri.

William Blake, setelah menjalani kehidupan yang sangat miskin dan tidak jelas, setelah kematiannya menduduki peringkat di antara sejumlah besar seni klasik Inggris.

Dalam karya pelukis lanskap Inggris pada awal abad XIX. hobi romantis dipadukan dengan pandangan alam yang lebih objektif dan tenang.

Lanskap yang ditinggikan secara romantis diciptakan oleh William Turner (1775-1851). Dia suka menggambarkan badai petir, hujan deras, badai di laut, matahari terbenam yang cerah dan berapi-api. Turner sering melebih-lebihkan efek pencahayaan dan mengintensifkan suara warna bahkan ketika dia melukis keadaan alam yang tenang. Untuk efek yang lebih besar, ia menggunakan teknik cat air dan menerapkan cat minyak dalam lapisan yang sangat tipis dan melukis langsung di tanah, mencapai luapan warna-warni. Contohnya adalah gambar “Hujan, uap, dan kecepatan”(1844). Tetapi bahkan kritikus terkenal saat itu, Thackeray, tidak dapat memahami dengan benar, mungkin, gambaran paling inovatif baik dalam desain maupun eksekusi. “Hujan ditandai dengan noda dempul kotor,” tulisnya, “terciprat ke kanvas dengan pisau palet, sinar matahari dengan kilau kusam menerobos gumpalan krom kuning kotor yang sangat tebal. Bayangan disampaikan oleh nuansa dingin kraplak merah dan bintik-bintik cinnabar dengan nada yang diredam. Dan meskipun api di tungku lokomotif tampak merah, saya tidak berani menyatakan bahwa api itu tidak dicat dengan warna cabalt atau kacang polong. Kritikus lain menemukan dalam pewarnaan Turner warna "telur orak-arik dan bayam." Warna-warna almarhum Turner umumnya tampak benar-benar tidak terpikirkan dan fantastis bagi orang-orang sezaman. Butuh lebih dari satu abad untuk melihat di dalamnya butir-butir pengamatan nyata. Tapi seperti dalam kasus lain, itu ada di sini. Kisah penasaran seorang saksi mata, atau lebih tepatnya, saksi kelahiran "Hujan, uap, dan kecepatan", telah dilestarikan. Seorang Nyonya Simone sedang naik di kompartemen Western Express dengan seorang pria tua duduk di seberangnya. Dia meminta izin untuk membuka jendela, menjulurkan kepalanya ke dalam hujan lebat, dan tetap dalam posisi itu untuk beberapa waktu. Ketika dia akhirnya menutup jendela. Air menetes darinya dalam aliran sungai, tetapi dia menutup matanya dengan bahagia dan bersandar ke belakang, jelas menikmati apa yang baru saja dia lihat. Seorang wanita muda yang ingin tahu memutuskan untuk mengalami perasaannya sendiri - dia juga menjulurkan kepalanya ke luar jendela. Juga menjadi basah. Tapi saya mendapat kesan yang tak terlupakan. Bayangkan keterkejutannya ketika, setahun kemudian, di sebuah pameran di London, dia melihat Rain, Steam and Speed. Seseorang di belakangnya berkomentar dengan kritis, “Sangat khas Turner, kan. Tidak ada yang pernah melihat campuran absurditas seperti itu. ” Dan dia, tidak dapat menahan diri, berkata: "Saya melihat."

Mungkin ini adalah gambar pertama kereta api dalam lukisan. sudut pandang diambil dari suatu tempat di atas, yang memungkinkan untuk memberikan cakupan panorama yang luas. Western Express terbang di atas jembatan dengan kecepatan yang benar-benar luar biasa untuk waktu itu (melebihi 150 km per jam). Selain itu, ini mungkin upaya pertama untuk menggambarkan cahaya melalui hujan.

Seni Inggris pertengahan abad ke-19. berkembang ke arah yang sama sekali berbeda dari lukisan Turner. Meskipun keahliannya secara umum diakui, tidak ada pemuda yang mengikutinya.

Turner telah lama dianggap sebagai pelopor Impresionisme. Tampaknya seniman Prancislah yang seharusnya mengembangkan lebih jauh pencarian warna dari cahaya. Tapi itu tidak terjadi sama sekali. Pada dasarnya, pengaruh Turner pada kaum Impresionis kembali ke From Delacroix to Neo-Impressionism karya Paul Signac, yang diterbitkan pada tahun 1899, di mana ia menggambarkan bagaimana "pada tahun 1871, selama mereka tinggal lama di London, Claude Manet dan Camille Pissarro menemukan Turner. Mereka mengagumi kualitas percaya diri dan magis warna-warnanya, mereka mempelajari karyanya, mereka menganalisis tekniknya. Pada awalnya mereka kagum dengan penggambarannya tentang salju dan es, terkejut dengan cara dia mampu menyampaikan rasa putihnya salju, yang mereka sendiri tidak bisa, dengan bercak putih keperakan besar yang diletakkan rata dengan sapuan kuas yang lebar. . Mereka melihat bahwa kesan ini tidak dicapai dengan kapur saja. Dan banyak goresan multi-warna. Menimbulkan satu di samping yang lain, yang menghasilkan kesan ini, jika Anda melihatnya dari jauh.

Selama tahun-tahun ini, Signac mencari di mana-mana untuk mengkonfirmasi teorinya tentang pointillisme. Namun tidak ada satupun lukisan Turner yang dapat dilihat oleh seniman Perancis di Galeri Nasional pada tahun 1871, ada teknik pointillisme yang dijelaskan oleh Signac, juga tidak ada “bintik putih yang luas”. Faktanya, pengaruh Turner terhadap Perancis tidak lebih kuat. pada tahun 1870-e, dan pada tahun 1890-an.

Turner dipelajari dengan sangat hati-hati oleh Paul Signac - tidak hanya sebagai pelopor impresionisme, yang ia tulis dalam bukunya, tetapi juga sebagai seniman inovatif yang hebat. Tentang lukisan terlambat Turner "Hujan, uap dan kecepatan", "Pengasingan", "Pagi" dan "Malam Banjir", Signac menulis kepada temannya Angrand: arti kata yang indah."

Penilaian antusias Signac menandai awal dari pemahaman modern tentang pencarian bergambar Turner. Tetapi dalam beberapa tahun terakhir, kadang-kadang terjadi bahwa mereka tidak memperhitungkan subteks dan kompleksitas arah pencariannya, secara sepihak memilih contoh dari "lukisan bawah" Turner yang benar-benar belum selesai, mencoba menemukan dalam dirinya pendahulu impresionisme.

Dari artis-artis terbaru, semuanya secara alami menunjukkan perbandingan dengan Monet, yang sendiri mengakui pengaruh Turner padanya. Bahkan ada satu plot yang benar-benar mirip di keduanya - yaitu, portal barat Katedral Rouen. Tetapi jika Monet memberi kita studi tentang pencahayaan matahari bangunan, dia tidak memberi kita Gotik, tetapi semacam model telanjang, Turner mengerti mengapa sang seniman, yang sepenuhnya terserap di alam, menjadi tertarik pada topik ini - dalam gambarnya itu justru kombinasi keagungan luar biasa dari keseluruhan dan ketidakterbatasan yang menyerang berbagai detail yang membawa kreasi seni Gotik lebih dekat ke karya alam.

Sifat khusus budaya Inggris dan seni romantis membuka kemungkinan munculnya seniman udara plein pertama, yang meletakkan dasar untuk citra alam udara ringan pada abad ke-19, John Constable (1776-1837). Polisi Inggris memilih lanskap sebagai genre utama lukisannya: “Dunia ini hebat; tidak ada dua hari yang sama, bahkan tidak ada dua jam yang sama; Sejak penciptaan dunia, tidak ada dua daun yang sama pada satu pohon, dan semua karya seni asli, seperti ciptaan alam, berbeda satu sama lain,” katanya.

Polisi melukis sketsa minyak besar di udara terbuka dengan pengamatan halus dari berbagai keadaan alam.Di dalamnya, ia berhasil menyampaikan kompleksitas kehidupan batin alam dan kehidupan sehari-harinya. (“Pemandangan Highgate dari Perbukitan Hempstead”, OKE. 1834; "kereta jerami" 1821; "Detham Valley", ca.1828) mencapai ini dengan bantuan teknik menulis. Dia melukis dengan sapuan bergerak, terkadang tebal dan kasar, terkadang lebih halus dan lebih transparan. Kaum Impresionis akan sampai pada ini hanya pada akhir abad ini. Lukisan inovatif Constable memengaruhi karya Delacroix, serta seluruh perkembangan lanskap Prancis.

Seni Constable, serta banyak aspek karya Gericault, menandai munculnya tren realistis dalam seni Eropa abad ke-19, yang awalnya berkembang secara paralel dengan romantisme. Belakangan, jalan mereka menyimpang.

Romantis membuka dunia jiwa manusia, individu, tidak seperti orang lain, tetapi tulus dan karena itu dekat dengan semua visi sensual dunia. Instanitas gambar dalam lukisan, seperti yang dikatakan Gelacroix, dan bukan konsistensinya dalam kinerja sastra, menentukan fokus seniman pada transmisi gerakan yang paling kompleks, yang dengannya solusi formal dan warna baru ditemukan. Romantisisme meninggalkan warisan paruh kedua abad XIX. semua masalah ini dan individualitas artistik dibebaskan dari aturan akademis. Simbol, yang di antara kaum Romantis seharusnya mengekspresikan kombinasi esensial dari ide dan kehidupan, dalam seni paruh kedua abad ke-19. larut dalam polifoni gambar artistik, menangkap keragaman ide dan dunia sekitarnya.

b) Musik

Ide sintesis seni menemukan ekspresi dalam ideologi dan praktik romantisme. Romantisme dalam musik terbentuk pada 20-an abad ke-19 di bawah pengaruh sastra romantisme dan berkembang dalam hubungan yang erat dengannya, dengan sastra secara umum (beralih ke genre sintetis, terutama opera, lagu, miniatur instrumental, dan program musik). Daya tarik ke dunia batin seseorang, karakteristik romantisme, diekspresikan dalam kultus subjektif, keinginan untuk intens secara emosional, yang menentukan keunggulan musik dan lirik dalam romantisme.

Musik paruh pertama abad ke-19. berkembang pesat. Sebuah bahasa musik baru muncul; dalam musik instrumental dan kamar-vokal, miniatur mendapat tempat khusus; orkestra dibunyikan dengan spektrum warna yang beragam; kemungkinan piano dan biola terungkap dengan cara baru; musik romantis sangat virtuoso.

Romantisme musik memanifestasikan dirinya dalam banyak cabang berbeda yang terkait dengan budaya nasional yang berbeda dan dengan gerakan sosial yang berbeda. Jadi, misalnya, gaya liris yang akrab dan liris dari Romantis Jerman dan kesedihan sipil "oratoris", karakteristik karya komposer Prancis, berbeda secara signifikan. Pada gilirannya, perwakilan sekolah nasional baru yang muncul atas dasar gerakan pembebasan nasional yang luas (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), serta perwakilan sekolah opera Italia, terkait erat dengan gerakan Risorgimento (Verdi, Bellini), dalam banyak hal berbeda dari orang-orang sezamannya di Jerman, Austria atau Prancis, khususnya, kecenderungan untuk melestarikan tradisi klasik.

Namun demikian, semuanya ditandai oleh beberapa prinsip artistik umum yang memungkinkan kita berbicara tentang satu struktur pemikiran romantis.

Berkat kemampuan khusus musik untuk mengungkapkan secara mendalam dan menembus dunia pengalaman manusia yang kaya, itu ditempatkan di tempat pertama di antara seni lainnya dengan estetika romantis. Banyak romantika menekankan awal yang intuitif untuk musik, yang dikaitkan dengannya sebagai properti untuk mengekspresikan "yang tidak dapat diketahui". Karya komposer romantis yang luar biasa memiliki dasar realistis yang kuat. Ketertarikan pada kehidupan orang biasa, kepenuhan hidup dan kebenaran perasaan, ketergantungan pada musik kehidupan sehari-hari menentukan realisme karya perwakilan terbaik romantisme musik. Kecenderungan reaksioner (mistisisme, pelarian dari kenyataan) melekat hanya pada sejumlah kecil karya romantisme. Mereka muncul sebagian dalam opera Euryanta oleh Weber (1823), dalam beberapa drama musikal oleh Wagner, oratorio Christ oleh Liszt (1862), dll.

Pada awal abad ke-19, studi mendasar tentang cerita rakyat, sejarah, sastra kuno muncul, legenda abad pertengahan, seni gothic, dan budaya Renaisans yang telah dilupakan dibangkitkan. Pada saat inilah banyak sekolah nasional dari tipe khusus dikembangkan dalam karya komposer Eropa, yang ditakdirkan untuk secara signifikan memperluas batas-batas budaya Eropa umum. Rusia, yang segera mengambil, jika bukan yang pertama, maka salah satu tempat pertama dalam kreativitas budaya dunia (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tchaikovsky), Polandia (Chopin, Moniuszko), Ceko (Krim Asam, Dvorak), Hongaria ( List), lalu Norwegia (Grieg), Spanyol (Pedrel), Finlandia (Sibelius), Inggris (Elgar) - semuanya, bergabung ke dalam arus utama umum karya komposer Eropa, sama sekali tidak bertentangan dengan tradisi kuno yang mapan. Lingkaran gambar baru muncul, mengekspresikan fitur nasional unik dari budaya nasional tempat komposer itu berasal. Struktur intonasi karya memungkinkan Anda untuk langsung mengenali dengan telinga milik sekolah nasional tertentu.

Komposer terlibat dalam bahasa musik Eropa yang umum, pergantian intonasi dari cerita rakyat lama, terutama petani di negara mereka. Mereka, seolah-olah, membersihkan lagu rakyat Rusia dari opera yang dipernis, mereka memperkenalkan sistem intonasi kosmopolitan dari pergantian lagu abad ke-18 dari genre folk-sehari-hari. Fenomena paling mencolok dalam musik romantisme, yang secara khusus dirasakan dengan jelas jika dibandingkan dengan bidang kiasan klasisisme, adalah dominasi prinsip liris-psikologis. Tentu saja, ciri khas seni musik pada umumnya adalah pembiasan fenomena apa pun melalui lingkup perasaan. Musik dari semua era tunduk pada pola ini. Tetapi kaum romantisme melampaui semua pendahulu mereka dalam nilai awal liris dalam musik mereka, dalam kekuatan dan kesempurnaan dalam menyampaikan kedalaman dunia batin seseorang, nuansa suasana hati yang paling halus.

Tema cinta menempati tempat yang dominan di dalamnya, karena keadaan pikiran inilah yang paling komprehensif dan sepenuhnya mencerminkan semua kedalaman dan nuansa jiwa manusia. Tetapi sangat khas bahwa tema ini tidak terbatas pada motif cinta dalam arti kata yang sebenarnya, tetapi diidentifikasi dengan rentang fenomena yang paling luas. Pengalaman para karakter yang murni liris terungkap dengan latar belakang panorama sejarah yang luas. Cinta seseorang untuk rumahnya, untuk tanah airnya, untuk rakyatnya berjalan seperti benang melalui karya semua komposer romantis.

Sebuah tempat besar diberikan dalam karya-karya musik bentuk kecil dan besar untuk citra alam, terkait erat dan tak terpisahkan dengan tema pengakuan liris. Seperti gambar cinta, gambar alam melambangkan keadaan pikiran pahlawan, sehingga sering diwarnai oleh rasa ketidakharmonisan dengan kenyataan.

Tema fantasi sering bersaing dengan gambar alam, yang mungkin dihasilkan oleh keinginan untuk melarikan diri dari penawanan kehidupan nyata. Khas untuk romantika adalah pencarian yang indah, berkilau dengan kekayaan warna dunia, bertentangan dengan kehidupan sehari-hari yang kelabu. Selama tahun-tahun inilah sastra diperkaya dengan dongeng, balada penulis Rusia. Di antara komposer sekolah romantis, gambar yang luar biasa dan fantastis memperoleh pewarnaan unik nasional. Balada diilhami oleh penulis Rusia, dan berkat ini, karya rencana fantastis yang fantastis dibuat, melambangkan, seolah-olah, sisi iman yang salah, berusaha untuk membalikkan gagasan ketakutan akan kekuatan jahat.

Banyak komposer romantis juga bertindak sebagai penulis dan kritikus musik (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt, dll.). Karya teoretis dari perwakilan romantisme progresif memberikan kontribusi yang sangat signifikan terhadap pengembangan masalah paling penting dari seni musik. Romantisme juga ditemukan dalam seni pertunjukan (pemain biola Paganini, penyanyi A. Nurri, dan lain-lain).

Makna progresif dari Romantisme pada periode ini terutama terletak pada aktivitas Franz Liszt. Karya Liszt, terlepas dari pandangan dunia yang kontradiktif, pada dasarnya progresif, realistis. Salah satu pendiri dan musik klasik Hongaria, seniman nasional yang luar biasa.

Tema nasional Hongaria secara luas tercermin dalam banyak karya Liszt. Komposisi Liszt yang romantis dan virtuoso memperluas kemungkinan teknis dan ekspresif bermain piano (konser, sonata). Yang signifikan adalah koneksi Liszt dengan perwakilan musik Rusia, yang karyanya ia promosikan secara aktif.

Pada saat yang sama, Liszt memainkan peran besar dalam perkembangan seni musik dunia. Setelah Liszt, "semuanya menjadi mungkin bagi pianoforte." Ciri khas musiknya adalah improvisasi, kegembiraan perasaan romantis, melodi ekspresif. Liszt dihargai sebagai komposer, pemain, tokoh musik. Karya utama komposer: opera “ Don Sancho atau istana cinta”(1825), 13 puisi simfoni” tasso ”, ” Prometheus ”, “Dukuh” dan lainnya, karya untuk orkestra, 2 konser untuk piano dan orkestra, 75 roman, paduan suara, dan karya lain yang sama-sama terkenal.

Salah satu manifestasi pertama romantisme dalam musik adalah kreativitas Franz Schubert(1797-1828). Schubert memasuki sejarah musik sebagai yang terbesar dari pendiri romantisme musik dan pencipta sejumlah genre baru: simfoni romantis, miniatur piano, lagu liris-romantis (romance). Yang terpenting dalam karyanya adalah lagu, di mana ia menunjukkan banyak kecenderungan inovatif. Dalam lagu-lagu Schubert, dunia batin seseorang terungkap paling dalam, hubungannya yang khas dengan musik rakyat paling terlihat, salah satu fitur paling signifikan dari bakatnya paling dimanifestasikan - variasi, keindahan, pesona melodi yang luar biasa. Lagu-lagu terbaik dari periode awal adalah “ Margarita di roda pemintal ”(1814) , “raja hutan". Kedua lagu tersebut ditulis dengan kata-kata Goethe. Yang pertama, gadis yang ditinggalkan itu mengingat kekasihnya. Dia kesepian dan sangat menderita, lagunya sedih. Melodi yang sederhana dan tulus hanya digaungkan oleh dengungan angin yang monoton. "Raja Hutan" adalah pekerjaan yang kompleks. Ini bukan sebuah lagu, melainkan sebuah adegan dramatis di mana tiga karakter muncul di hadapan kita: seorang ayah yang menunggang kuda melintasi hutan, seorang anak sakit yang dibawanya, dan seorang raja hutan yang tangguh yang muncul di hadapan seorang anak laki-laki dalam delirium demam. Masing-masing dari mereka memiliki bahasa melodi sendiri. Lagu-lagu Schubert "Trout", "Barcarolle", "Morning Serenade" tidak kalah terkenal dan dicintai. Ditulis di tahun-tahun berikutnya, lagu-lagu ini luar biasa karena melodinya yang sederhana dan ekspresif serta warnanya yang segar.

Schubert juga menulis dua siklus lagu - “ tukang giling cantik"(1823), dan" jalan musim dingin”(1872) - menurut kata-kata penyair Jerman Wilhelm Müller. Di masing-masing dari mereka, lagu-lagu disatukan oleh satu plot. Lagu-lagu dari siklus "The Beautiful Miller's Woman" bercerita tentang seorang anak laki-laki. Mengikuti arus sungai, ia memulai perjalanan untuk mencari kebahagiaannya. Sebagian besar lagu dalam siklus ini memiliki karakter yang ringan. Suasana siklus "Winter Way" benar-benar berbeda. Seorang pemuda miskin ditolak oleh pengantin kaya. Dalam keputusasaan, dia meninggalkan kota asalnya dan pergi menjelajahi dunia. Teman-temannya adalah angin, badai salju, burung gagak yang berkokok.

Beberapa contoh yang diberikan di sini memungkinkan kita untuk berbicara tentang fitur penulisan lagu Schubert.

Schubert suka menulis musik piano. Untuk instrumen ini, ia menulis sejumlah besar karya. Seperti lagu, karya pianonya mirip dengan musik sehari-hari dan juga sederhana dan mudah dipahami. Genre favorit komposisinya adalah tarian, pawai, dan di tahun-tahun terakhir hidupnya - dadakan.

Waltz dan tarian lainnya biasanya muncul di pesta Schubert, di jalan-jalan desa. Di sana dia mengimprovisasi mereka, dan merekamnya di rumah.

Jika kita membandingkan karya-karya piano Schubert dengan lagu-lagunya, kita dapat menemukan banyak kesamaan. Pertama-tama, ini adalah ekspresi melodi yang hebat, keanggunan, penjajaran yang penuh warna dari mayor dan minor.

Salah satu yang terbesar Perancis komposer paruh kedua abad ke-19 Georges Bizet, pencipta ciptaan abadi untuk teater musikal - opera “Carmen”dan musik yang indah untuk drama oleh Alphonse Daudet“ Arlesian ”.

Karya Bizet dicirikan oleh akurasi dan kejernihan pikiran, kebaruan dan kesegaran sarana ekspresif, kelengkapan dan keanggunan bentuk. Bizet dicirikan oleh ketajaman analisis psikologis dalam memahami perasaan dan tindakan manusia, yang merupakan ciri khas karya rekan-rekan besar komposer - penulis Balzac, Flaubert, Maupassant. Tempat sentral dalam karya Bizet, beragam genre, adalah milik opera. Seni opera komposer muncul di tanah nasional dan dipelihara oleh tradisi gedung opera Prancis. Bizet menganggap tugas pertama dalam karyanya untuk mengatasi pembatasan genre yang ada di opera Prancis, yang menghambat perkembangannya. Opera "besar" baginya tampaknya genre yang mati, opera liris menjengkelkan dengan air mata dan pikiran sempit borjuis kecil, komik itu layak mendapat perhatian lebih dari yang lain. Untuk pertama kalinya dalam opera Bizet, adegan domestik dan massal yang menarik dan hidup muncul, mengantisipasi kehidupan dan adegan yang hidup.

Musik Bizet untuk drama Alphonse Daudet “Arlesian” dikenal terutama untuk dua suite konser yang terdiri dari nomor-nomor terbaiknya. Bizet menggunakan beberapa melodi Provençal yang otentik : “Pawai Tiga Raja” dan "Tarian kuda lincah".

Opera Bizet Carmen” adalah sebuah drama musikal yang terbentang di hadapan penonton dengan kebenaran yang meyakinkan dan dengan kekuatan artistik yang menawan, kisah cinta dan kematian para pahlawannya: prajurit Jose dan Carmen yang gipsi. Opera Carmen dibuat berdasarkan tradisi teater musikal Prancis, tetapi pada saat yang sama juga memperkenalkan banyak hal baru. Berdasarkan pencapaian terbaik opera nasional dan mereformasi elemen terpentingnya, Bizet menciptakan genre baru - drama musikal yang realistis.

Dalam sejarah gedung opera abad ke-19, opera Carmen menempati salah satu tempat pertama. Sejak 1876, prosesi kemenangannya dimulai di panggung gedung opera Wina, Brussel, dan London.

Manifestasi hubungan pribadi dengan lingkungan diekspresikan oleh penyair dan musisi, pertama-tama, dalam kedekatan, "keterbukaan" emosional, dan hasrat berekspresi, dalam upaya meyakinkan pendengar dengan bantuan intensitas nada yang tak henti-hentinya. pengakuan atau pengakuan.

Tren baru dalam seni ini memiliki pengaruh yang menentukan pada kemunculannya opera lirik. Itu muncul sebagai antitesis dari opera "agung" dan komik, tetapi tidak dapat melewati penaklukan dan pencapaian mereka di bidang dramaturgi opera dan sarana ekspresi musik.

Ciri khas genre opera baru adalah interpretasi liris dari setiap plot sastra - dengan tema sejarah, filosofis, atau modern. Para pahlawan opera liris diberkahi dengan ciri-ciri orang biasa, tanpa eksklusivitas dan beberapa hiperbolisasi, karakteristik opera romantis. Artis paling signifikan di bidang opera lirik adalah Charles Gounod.

Di antara warisan opera Gounod yang agak banyak, opera “ cepat" menempati tempat khusus dan, bisa dikatakan, luar biasa. Ketenaran dan popularitasnya di seluruh dunia tidak tertandingi oleh opera Gounod lainnya. Signifikansi historis opera Faust sangat besar karena bukan hanya yang terbaik, tetapi pada dasarnya yang pertama di antara opera dari arah baru, yang ditulis oleh Tchaikovsky: “Tidak mungkin untuk menyangkal bahwa Faust ditulis, jika tidak dengan jenius, kemudian dengan keterampilan luar biasa dan tanpa identitas yang signifikan.” Dalam citra Faust, inkonsistensi tajam dan "percabangan" kesadarannya, ketidakpuasan abadi yang disebabkan oleh keinginan untuk mengenal dunia, dihaluskan. Gounod tidak dapat menyampaikan semua keserbagunaan dan kerumitan citra Mephistopheles-nya Goethe, yang mewujudkan semangat kritik militan pada masa itu.

Salah satu alasan utama popularitas "Faust" adalah karena ia memusatkan fitur-fitur baru dan terbaik dari genre muda opera liris: transfer individu yang langsung secara emosional dan jelas dari dunia batin karakter opera. Makna filosofis yang mendalam dari Goethe's Faust, yang berusaha mengungkap nasib sejarah dan sosial seluruh umat manusia pada contoh konflik karakter utama, diwujudkan oleh Gounod dalam bentuk drama liris manusiawi Marguerite dan Faust.

Komposer Prancis, konduktor, kritikus musik Hector Berliozo memasuki sejarah musik sebagai komposer romantis terbesar, pencipta program simfoni, inovator di bidang bentuk musik, harmoni dan terutama instrumentasi. Dalam karyanya, mereka menemukan perwujudan yang jelas dari ciri-ciri kepahlawanan dan kepahlawanan revolusioner. Berlioz akrab dengan M. Glinka, yang musiknya sangat diapresiasi. Dia bersahabat dengan para pemimpin "Perkasa Segenggam", yang dengan antusias menerima tulisan dan prinsip-prinsip kreatifnya.

Dia menciptakan 5 karya panggung musik, termasuk opera “ Benvenuto Cillini ”(1838), “ Trojan ”,”Beatrice dan Benediktus(berdasarkan komedi Shakespeare Much Ado About Nothing, 1862); 23 karya vokal dan simfoni, 31 roman, paduan suara, ia menulis buku "Risalah Besar tentang Instrumentasi dan Orkestrasi Modern" (1844), "Malam di Orkestra" (1853), "Melalui Lagu" (1862), "Keingintahuan Musik" (1859), "Memoirs" (1870), artikel, ulasan.

Jerman komposer, konduktor, dramawan, humas Richard Wagner memasuki sejarah budaya musik dunia sebagai salah satu pencipta musik terbesar dan pembaharu utama seni opera. Tujuan reformasinya adalah untuk menciptakan karya vokal-simfoni program yang monumental dalam bentuk dramatis, yang dirancang untuk menggantikan semua jenis opera dan musik simfoni. Karya semacam itu adalah drama musikal, di mana musik mengalir dalam aliran yang berkelanjutan, menyatukan semua tautan dramatis. Menolak nyanyian yang sudah selesai, Wagner menggantinya dengan semacam resitatif yang kaya secara emosional. Tempat besar dalam opera Wagner ditempati oleh episode orkestra independen, yang merupakan kontribusi berharga bagi musik simfoni dunia.

Tangan Wagner milik 13 opera:“ The Flying Dutchman”(1843),,”Tannhäuser”(1845),“Tristan and Isolde”(1865), “Emas dari Rhine”(1869) dan sebagainya.; paduan suara, potongan piano, roman.

Komposer, konduktor, pianis, guru, dan tokoh musik Jerman yang luar biasa lainnya adalah Felix Mendelssohn-Bartholdy. Sejak usia 9 ia mulai tampil sebagai pianis, pada usia 17 ia menciptakan salah satu mahakarya - pembukaan untuk komedi “ C dia di malam musim panas" Shakespeare. Pada tahun 1843 ia mendirikan konservatori pertama di Jerman di Leipzig. Dalam karya Mendelssohn, "klasik di antara kaum romantis", fitur romantis digabungkan dengan sistem pemikiran klasik. Musiknya dicirikan oleh melodi yang cerah, demokratisme ekspresi, moderasi perasaan, ketenangan pikiran, dominasi emosi yang cerah, suasana liris, bukan tanpa sedikit sentuhan sentimentalitas, bentuk yang sempurna, keahlian yang brilian. R. Schumann memanggilnya "Mozart abad ke-19", G. Heine - "keajaiban musik".

Penulis simfoni romantis lanskap ("Skotlandia", "Italia"), pembukaan konser program, konser biola populer, siklus potongan untuk pianoforte "Lagu Tanpa Kata"; opera Camacho's Marriage Dia menulis musik untuk drama dramatis Antigone (1841), Oedipus in Colon (1845) oleh Sophocles, Atalia oleh Racine (1845), Shakespeare's A Midsummer Night's Dream (1843) dan lainnya; oratorios "Paulus" (1836), "Elia" (1846); 2 konserto untuk piano dan 2 untuk biola.

PADA Italia budaya musik tempat khusus milik Giuseppe Verdi - komposer, konduktor, organis yang luar biasa. Area utama karya Verdi adalah opera. Dia bertindak terutama sebagai juru bicara perasaan heroik-patriotik dan ide-ide pembebasan nasional rakyat Italia. Pada tahun-tahun berikutnya, ia memperhatikan konflik dramatis yang dihasilkan oleh ketidaksetaraan sosial, kekerasan, penindasan, dan kutukan kejahatan dalam operanya. Fitur karakteristik karya Verdi: musik rakyat, temperamen dramatis, kecerahan melodi, pemahaman tentang hukum panggung.

Dia menulis 26 opera: “ Nabucco”, “Macbeth”, “Troubadour”, “La Traviata”, “Othello”, “Aida" dan sebagainya . , 20 roman, ansambel vokal .

Muda Norwegia komposer Edvard Grieg (1843-1907) bercita-cita untuk perkembangan musik nasional. Ini diungkapkan tidak hanya dalam karyanya, tetapi juga dalam promosi musik Norwegia.

Selama bertahun-tahun di Kopenhagen, Grieg menulis banyak musik: “ Gambar Puitis” dan "Humoresque", sonata untuk piano dan sonata biola pertama, lagu. Dengan setiap karya baru, citra Grieg sebagai komposer Norwegia semakin terlihat jelas. Dalam lirik halus "Poetic Pictures" (1863), fitur-fitur nasional masih dengan takut-takut menerobos. Sosok berirama sering ditemukan dalam musik rakyat Norwegia; itu menjadi karakteristik dari banyak melodi Grieg.

Karya Grieg sangat luas dan beragam. Grieg menulis karya dari berbagai genre. Piano Concerto and Ballades, tiga sonata untuk biola dan piano dan satu sonata untuk cello dan piano, kuartet ini membuktikan keinginan konstan Grieg untuk bentuk besar. Pada saat yang sama, minat komposer pada miniatur instrumental tetap tidak berubah. Pada tingkat yang sama seperti pianoforte, komposer tertarik dengan miniatur vokal kamar - romansa, sebuah lagu. Jangan menjadi yang utama dengan Grieg, bidang kreativitas simfoni ditandai oleh mahakarya seperti suite “ Per Gounod ”, “Sejak zaman Holberg". Salah satu ciri khas karya Grieg adalah pengolahan lagu dan tarian daerah: dalam bentuk kepingan piano sederhana, siklus suite untuk piano empat tangan.

Bahasa musik Grieg sangat orisinal. Individualitas gaya komposer terutama ditentukan oleh hubungannya yang mendalam dengan musik rakyat Norwegia. Grieg banyak menggunakan fitur genre, struktur intonasi, formula ritmik lagu daerah dan melodi tarian.

Penguasaan luar biasa Grieg dalam pengembangan variasi dan varian melodi berakar pada tradisi rakyat pengulangan berulang melodi dengan perubahannya. “Saya merekam musik rakyat negara saya.” Di balik kata-kata ini terletak sikap hormat Grieg terhadap seni rakyat dan pengakuan atas perannya yang menentukan bagi kreativitasnya sendiri.

7. KESIMPULAN

Berdasarkan hal di atas, kesimpulan berikut dapat diambil:

Munculnya romantisme dipengaruhi oleh tiga peristiwa utama: Revolusi Prancis, Perang Napoleon, kebangkitan gerakan pembebasan nasional di Eropa.

Romantisme sebagai metode dan arah dalam budaya seni adalah fenomena yang kompleks dan kontroversial. Di setiap negara ia memiliki ekspresi nasional yang cerah. Romantis menduduki berbagai posisi sosial dan politik dalam masyarakat. Mereka semua memberontak terhadap hasil revolusi borjuis, tetapi mereka memberontak dengan cara yang berbeda, karena masing-masing memiliki cita-citanya sendiri. Tetapi dengan banyaknya wajah dan keragaman, romantisme memiliki ciri-ciri yang stabil:

Semuanya berasal dari penolakan Pencerahan dan kanon klasisisme rasionalistik, yang membelenggu inisiatif kreatif seniman.

Mereka menemukan prinsip historisisme (pencerah menilai masa lalu secara anti-historis bagi mereka ada yang "masuk akal" dan "tidak masuk akal"). Kami melihat karakter manusia di masa lalu, dibentuk oleh waktu mereka. Ketertarikan pada masa lalu nasional memunculkan banyak karya sejarah.

Minat pada kepribadian yang kuat yang menentang dirinya sendiri untuk seluruh dunia di sekitarnya dan hanya mengandalkan dirinya sendiri.

Perhatian pada dunia batin manusia.

Romantisme dikembangkan secara luas baik di negara-negara Eropa Barat dan di Rusia. Namun, romantisme di Rusia berbeda dari Eropa Barat karena latar belakang sejarah yang berbeda dan tradisi budaya yang berbeda. Alasan sebenarnya munculnya romantisme di Rusia adalah Perang Patriotik tahun 1812, di mana semua kekuatan inisiatif populer dimanifestasikan.

Fitur romantisme Rusia:

Romantisme tidak menentang Pencerahan. Ideologi pencerahan melemah, tetapi tidak runtuh, seperti di Eropa. Cita-cita seorang raja yang tercerahkan belum habis dengan sendirinya.

Romantisme berkembang secara paralel dengan klasisisme, sering kali terjalin dengannya.

Romantisme di Rusia memanifestasikan dirinya dengan cara yang berbeda dalam berbagai jenis seni. Dalam arsitektur, itu tidak dibaca sama sekali. Dalam lukisan, itu mengering pada pertengahan abad ke-19. Dia muncul hanya sebagian dalam musik. Mungkin hanya dalam sastra romantisme memanifestasikan dirinya secara konsisten.

Dalam seni visual, romantisme termanifestasi paling jelas dalam seni lukis dan grafis, kurang ekspresif dalam seni pahat dan arsitektur.

Romantis membuka dunia jiwa manusia, individu, tidak seperti orang lain, tetapi tulus dan karena itu dekat dengan semua visi sensual dunia. Instanitas gambar dalam lukisan, seperti yang dikatakan Delacroix, dan bukan konsistensinya dalam pertunjukan sastra, menentukan fokus seniman pada transmisi gerakan yang paling kompleks, yang dengannya solusi formal dan warna baru ditemukan. Romantisisme meninggalkan warisan paruh kedua abad XIX. semua masalah ini dan individualitas artistik dibebaskan dari aturan akademis. Simbol, yang di antara kaum Romantis seharusnya mengekspresikan kombinasi esensial dari ide dan kehidupan, dalam seni paruh kedua abad ke-19. larut dalam polifoni gambar artistik, menangkap keragaman ide dan dunia sekitarnya. Romantisme dalam seni lukis erat kaitannya dengan sentimentalisme.

Romantisisme meninggalkan seluruh era dalam budaya artistik dunia, perwakilannya adalah: dalam sastra Rusia Zhukovsky, A. Pushkin, M. Lermontov, dan lainnya; dalam seni rupa E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky, A. Venetsianov, A. Orlorsky, V. Tropinin dan lainnya; dalam musik F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin dan lain-lain. Mereka menemukan dan mengembangkan genre baru, memperhatikan nasib kepribadian manusia, mengungkapkan dialektika baik dan jahat, dengan mahir mengungkapkan nafsu manusia, dll.

Bentuk-bentuk seni kurang lebih sama pentingnya dan menghasilkan karya seni yang luar biasa, meskipun kaum romantisme memprioritaskan musik di tangga seni.

Romantisme sebagai sikap umum, ciri utama kaum muda, sebagai keinginan akan kebebasan yang ideal dan kreatif, masih terus hidup di dunia seni rupa.

8. REFERENSI

1. Amminskaya A.M. Alexey Gavrilovich Vnetsianov. -- M: Pengetahuan, 1980

2. Atsarkina E.N. Alexander Osipovich Orlovsky. -- M: Seni, 1971.

3. Belinsky V.G. Bekerja. A. Pushkin. - M: 1976.

4. Ensiklopedia Besar Soviet (Pemimpin editor Prokhorov A.M.).- M: Ensiklopedia Soviet, 1977.

5. Vainkop Yu., Gusin I. Kamus biografi singkat komposer. - L: Musik, 1983.

6. Vasily Andreevich Tropiin (di bawah editor M.M. Rakovskaya). -- M: Seni rupa, 1982.

7. Vorotnikov A.A., Gorshkovoz OD, Yorkina O.A. Sejarah seni. - Mn: Sastra, 1997.

8. Zimenko V. Alexander Osipovich Orlovsky. -- M: Rumah Seni Rupa Penerbitan Negara, 1951.

9. Ivanov S.V. M.Yu.Lermontov. Hidup dan seni. - M: 1989.

10. Sastra musik luar negeri (di bawah kepemimpinan redaksi B. Levik).- M: Musik, 1984.

11. Nekrasova E.A. Tukang bubut. -- M: Seni Rupa, 1976.

12. Ozhegov S.I. Kamus bahasa Rusia. - M: Penerbitan negara kamus asing dan Rusia, 1953.

13. Orlova M. J. Polisi. -- M: Seni, 1946.

14. Seniman Rusia. A.G. Venetsianov. - M: Rumah Seni Rupa Penerbitan Negara, 1963.

15. Sokolov A.N. Sejarah sastra Rusia abad ke-19 (paruh pertama). - M: Sekolah Tinggi, 1976.

16. Turchin V.S. Orest Kiprensky. -- M: Pengetahuan, 1982.

17. Turchin V.S. Theodore Gericault. -- M: Seni rupa, 1982.

18. Filimonova S.V. Sejarah budaya seni dunia.-- Mozyr: White wind, 1997.

kehidupan spiritual seseorang, penggambaran hasrat yang kuat, spiritualisasi alam, minat pada masa lalu nasional, keinginan untuk bentuk seni sintetis digabungkan dengan motif kesedihan dunia, keinginan untuk menjelajahi dan menciptakan kembali "bayangan" , sisi "malam" dari jiwa manusia, dengan "ironi romantis" yang terkenal, memungkinkan kaum romantis untuk dengan berani membandingkan dan menyamakan yang tinggi dan yang rendah, yang tragis dan komik, yang nyata dan yang fantastis. Berkembang di banyak negara, romantisme di mana-mana memperoleh identitas nasional yang cerah, karena tradisi dan kondisi sejarah lokal. Sekolah romantis paling konsisten berkembang di Prancis, di mana para seniman, mereformasi sistem sarana ekspresif, mendinamisasi komposisi, menggabungkan bentuk-bentuk dengan gerakan kekerasan, menggunakan warna jenuh cerah dan gaya penulisan umum yang luas (lukisan oleh T. Gericault, E Delacroix, O. Daumier, plastics oleh P .J. David d "Angers, A.L. Bari, F. Ryuda). Di Jerman dan Austria, romantisme awal dicirikan oleh perhatian yang cermat terhadap segala sesuatu yang sangat individual, nada suara melankolis-kontemplatif dari figuratif -struktur emosional, suasana mistik-panteistik (potret dan komposisi alegoris F.O. Runge, lanskap oleh K.D. Friedrich dan J.A. Koch), keinginan untuk menghidupkan kembali semangat religius lukisan Jerman dan Italia abad ke-15 (karya orang Nazaret); a semacam perpaduan prinsip romantisme dan "realisme burgher" adalah seni Biedermeier (karya L Richter, K. Spitzweg, M. von Schwind, F. G. Waldmuller). bla dan R. Bonington, gambar-gambar fantastis dan sarana ekspresif yang tidak biasa - karya W. Turner, keterikatan pada budaya Abad Pertengahan dan Renaisans Awal - karya para empu gerakan Pra-Raphael Romantis akhir Sh.G. Rossetti, E. Burne-Jones, W. Morris dan lainnya). Di negara-negara lain di Eropa dan Amerika, gerakan romantis diwakili oleh lanskap (lukisan oleh J. Inness dan A.P. Ryder di AS), komposisi dengan tema kehidupan rakyat dan sejarah (karya L. Galle di Belgia, J. Surai di Republik Ceko, V. Madaras di Hongaria, P. Michalovsky dan J. Matejko di Polandia, dll.). Nasib historis romantisme itu kompleks dan ambigu. Satu atau beberapa tren romantis lainnya menandai karya master Eropa utama abad ke-19 - seniman sekolah Barbizon, C. Corot, G. Courbet, J.F. Millet, E. Manet di Prancis, A. von Menzel di Jerman, dll. Pada saat yang sama, alegorisme yang kompleks, unsur-unsur mistisisme dan fantasi, kadang-kadang melekat dalam romantisme, menemukan kontinuitas dalam simbolisme, sebagian dalam seni pasca-impresionisme dan gaya modern.

Portal untuk siswa. Latihan mandiri

a) Sastra

Dia meninggalkan tanah kelahirannya

b) Lukisan

6. ROMANTISSME EROPA BARAT

ARTIKEL TERKAIT