Vorbind despre arta rusă a secolului al XIX-lea, experții o numesc adesea centrată pe literatură. Într-adevăr, literatura rusă a determinat în mare măsură temele și problemele, dinamica generală a dezvoltării atât a muzicii, cât și a artelor plastice ale vremii sale. Prin urmare, multe picturi ale pictorilor ruși par a fi ilustrații pentru romane și povești, iar lucrările muzicale sunt construite pe programe literare detaliate.

Acest lucru a afectat și faptul că toți criticii literari de seamă s-au angajat să evalueze atât lucrările muzicale, cât și cele picturale, să-și formuleze cerințele pentru acestea.

Acest lucru, desigur, se aplică în primul rând prozei, dar poezia secolului al XIX-lea a avut și o influență puternică asupra dezvoltării artei naționale. Dacă acest lucru este bun sau rău este o altă întrebare, dar pentru un studiu cu drepturi depline al poeziei ruse și integrarea acesteia în contextul general al artei ruse, este, fără îndoială, foarte convenabil.

Astfel, principalele genuri ale artei muzicale rusești ale secolului al XIX-lea au fost romantismul și opera - lucrări vocale bazate pe un text poetic.

Pictura, la rândul său, a reprezentat cel mai adesea imagini ale naturii rusești în diferite perioade ale anului, care corespund direct versurilor naturale ale poeților ruși din diferite direcții. Nu mai puțin populare au fost scenele cotidiene „din viața poporului”, la fel de clar ecou în poezia direcției democratice. Cu toate acestea, acest lucru este atât de evident încât nu are nevoie de dovezi.

Prin urmare, cea mai simplă mișcare este de a ilustra poeziile studiate, ascultând romance pe cuvintele lor și demonstrând reproduceri. În același timp, cel mai bine este ca poeziile unui poet să însoțească romanțele unui compozitor și picturile unui pictor. Acest lucru va permite, împreună cu studiul operei fiecărui poet, să ne facem o idee suplimentară despre încă doi maeștri ai culturii ruse, ceea ce este imposibil de realizat atunci când se folosesc ilustrațiile multor autori. Deci, pentru poezia lui F. Glinka, puteți prelua grafica și picturile lui F. Tolstoi și romanțele lui Verstovsky sau Napravnik, în poezia lui Polonsky - coruri la poeziile sale de S. Taneyev și pictura de peisaj de Savrasov, etc.

Cei care ar dori să înțeleagă mai detaliat relația dintre poezie și arte plastice ar trebui să consulte cărțile lui V. Alfonsov „Cuvinte și culori” (M.; L., 1966) și K. Pigarev „Literatura și artele plastice ruse” (M., 1972), articole din colecțiile Interacțiune și sinteza artelor (L., 1978), Literatură și pictură (L., 1982).

Va fi foarte bine dacă elevii înșiși se pot implica în selecția muzicii și a reproducerilor: acest lucru îi va învăța să navigheze singuri în lumea artei, să fie creativi în interpretarea ei. Chiar și în cazurile în care alegerea elevilor nu pare destul de reușită profesorului, merită să o aduceți la judecata echipei de clasă și să decideți împreună ce nu este complet corect în această alegere și de ce. Astfel, lecțiile și activitățile extracurriculare de literatură pot deveni o adevărată introducere în cultura națională rusă în ansamblu.

Nu se poate ignora o astfel de zonă de contact direct între arte precum portretizarea poeților de către artiștii contemporani. Imaginile-versiuni artistice sunt cele care fac posibilă surprinderea personalității scriitorilor în întruparea lor estetică, artistică, care este valoroasă în sine pentru portretiștii adevărați. D. Merezhkovsky demonstrează cu brio cum un portret magistral poate deveni un punct de plecare pentru înțelegerea creativității în articolul său despre Fofanov. Prin urmare, putem recomanda profesorului să folosească în lucrarea sa portrete ale poeților ruși reproduse în volumele seriei Biblioteca poetului: A. Koltsov de K. Gorbunov (1838), K. Pavlova și A. Homiakov de E. Dmitriev-Mamonov , portrete ale graficienilor și pictorilor puțin cunoscuți, caricaturi prietenoase ale contemporanilor.

Portretele foto ale poeților, ilustrațiile pentru lucrările lor, autografele pot deveni nu mai puțin interesante și utile practic. Aceste materiale sunt de obicei reproduse în măsura necesară pentru lucru în publicațiile Bibliotecii Poetului, lucrări colectate și ediții ale unor opere ale poeților, a căror descriere este dată la sfârșitul acestei publicații.

Mai jos este un articol prescurtat de V. Gusev despre romantismul rusesc; De asemenea, vă recomandăm să vă referiți la cartea lui V. Vasina-Grossman „Muzica și cuvântul poetic” (M., 1972), colecția de articole „Poezie și muzică” (M., 1993) și articolul recent al lui M. Petrovsky „Riding to the Island of Love”, sau What is a Russian Romance” (Questions of Literature. 1984. Nr. 5), precum și o neprețuită carte practică de referință „Russian Poetry in Russian Music” (M., 1966). ), care enumeră aproape toate lucrările vocale bazate pe poezii ale poeților ruși din secolul al XIX-lea, grupate după autorii textelor, indicând edițiile muzicale corespunzătoare.

Din articolul „Cântece și romante ale poeților ruși”

<…>Prima jumătate a secolului al XIX-lea, în ceea ce privește varietatea tipurilor de versuri vocale, abundența lucrărilor și bogăția conținutului lor ideologic și artistic, poate fi considerată perioada de glorie a romantismului și cântecului rusesc de zi cu zi. În acest moment a fost creat fondul principal de cântece, care a determinat în mare măsură natura culturii muzicale și poetice naționale ruse și și-a pus amprenta asupra vieții muzicale și poetice a societății ruse.

În a doua jumătate a secolului al XIX-lea, au avut loc schimbări semnificative în versurile vocale rusești - acestea afectează atât conținutul său ideologic, corelarea genurilor, cât și mijloacele stilistice vizuale, muzicale și poetice.

Procesul de democratizare a culturii ruse, înflorirea realismului și aprofundarea naționalității în diferite tipuri de artă au avut un efect benefic asupra dezvoltării compoziției de cântece. Studiul atent al tradiției folclor de către poeți și compozitori și o manipulare mai independentă și mai liberă a acesteia a dus la faptul că așa-numitul „cântec rusesc”, care se distinge prin stilizarea deliberată a folclorului, a încetat să-i mulțumească atât pe artiști înșiși, cât și pe artă. criticii și publicul.

Tradițiile poetice populare, parcă proaspăt descoperite și asimilate organic de întreaga cultură artistică avansată rusă, i-au conferit un pronunțat caracter național, indiferent de subiectele pe care le atinge, indiferent de ce material este nevoie, indiferent de ce mijloace de reflectare a realității folosește. Nevoia unui gen special de „cântec rusesc” în aceste condiții a dispărut. După ce și-a jucat rolul pozitiv în formarea artei naționale, a făcut loc altor tipuri de versuri de cântece, caracterizate de o originalitate națională nu mai mică, dacă nu mai mare. Lipsite de semne ale folclorului extern, formal, versurile vocale nu numai că nu pierd, ci, dimpotrivă, dezvoltă cele mai bune tradiții ale compoziției populare, îmbogățindu-le cu experiența dobândită de „poezia de carte” rusă. Este caracteristic că chiar și poeții, care sunt cei mai apropiați în felul lor de poezia populară, depășesc convențiile genului „cântec rusesc” și refuză termenul în sine, preferându-i numele „cântec” sau chiar se descurcă fără acesta din urmă. Trăsăturile stilistice ale poeziei populare sunt creativ asimilate, prelucrate și primesc o pronunțată refracție individualizată în metoda artistică a fiecărui poet mai mult sau mai puțin major.

Dorința de a depăși convențiile „cântecului rusesc”, de a abandona clișeele sale muzicale și poetice dă naștere în conștiința estetică a unor poeți, compozitori și mai ales critici remarcabili din a doua jumătate a secolului al XIX-lea, un fel de reacție la gen. în ansamblu, chiar și la cele mai bune lucrări din acest gen create în prima jumătate a secolului. Însăși naționalitatea multor „melodii rusești” este pusă la îndoială și nu li se oferă întotdeauna o evaluare corectă. Unul Koltsov evită judecata aspră a noilor generații, deși evaluările entuziaste sunt înlocuite cu o analiză obiectivă atât a punctelor forte, cât și a punctelor slabe ale poeziei sale. Critica revoluționar-democratică a anilor 1950 și 1960 face un pas înainte în acest sens în comparație cu Belinsky. Deja Herzen, apreciind foarte mult poezia lui Koltsov, comparând semnificația sa pentru poezia rusă cu semnificația lui Șevcenko pentru poezia ucraineană, o preferă pe cea din urmă. Ogarev, parcă ar comenta remarca prietenului său, definește sensul poeziei lui Kolțov ca o reflectare a „puterii poporului, care încă nu s-a maturizat până la capăt”. Limitările naționalității lui Koltsov devin deosebit de clare pentru Dobrolyubov: „Poezia lui (Koltsov. - V. G.) îi lipsește o viziune cuprinzătoare, clasa simplă a poporului apare în singurătatea lui de interesele comune”. În altă parte, la fel ca Herzen, comparând Kolțov cu Șevcenko, Dobrolyubov a scris că poetul rus „cu mentalitatea și chiar cu aspirațiile sale se îndepărtează uneori de oameni”. „Cântecele rusești” ale lui Merzlyakov, Delvig, Tsyganov primesc o evaluare și mai dură sub stiloul criticii revoluționar-democratice - sunt recunoscute ca pseudo-populare. Același lucru se întâmplă și în domeniul criticii muzicale. Din punctul de vedere al lui Stasov și al adepților săi, „cântecul rusesc” cultivat de Alyabyev, Varlamov și Gurilev este privit ca artificial, imitativ, pseudo-folk. În monografia sa despre Glinka, V.V. Stasov, pledând pentru o artă cu adevărat națională și democratică, a dat o evaluare generală negativă a stilizărilor și împrumuturilor folclorice care erau la modă în diferite tipuri de artă rusă din prima jumătate a secolului al XIX-lea: „În anii 30. , am avut, după cum se știe că se vorbește mult despre naționalitate în artă... Naționalitatea a fost atunci acceptată în sensul cel mai restrâns, și de aceea s-a gândit atunci că pentru a conferi un caracter național operei sale, artistul trebuie să introducă în ea, ca într-un nou cadru, ceea ce există deja printre oameni, i-a creat imediat instinctul creator. Au vrut și au cerut imposibilul: un amalgam de materiale vechi cu arta nouă; au uitat că vechile materiale corespundeau timpului lor specific și că noua artă, care și-a elaborat deja formele, are nevoie și de materiale noi. Această afirmație a lui Stasov are un caracter fundamental. Ajută la înțelegerea inconsecvenței unei idei simpliste destul de comune despre cerințele pentru arta unui critic democratic remarcabil. Când vorbesc despre propaganda sa de folclor, despre lupta lui pentru identitatea națională și naționalitatea artei, ei uită de obicei că Stașov a opus mereu atitudinea consumatorului folclorului, împotriva asimilării sale pasive, mecanice, împotriva stilizării, împotriva folclorului exterior, naturalist. Această afirmație explică și atitudinea puternic negativă a lui Stasov față de „cântecul rusesc”: chiar și despre „Privighetoarea” de Delvig și Alyabyev, el a vorbit ironic, punându-l printre „compozițiile muzicale” rusești „fără valoare” ale amatorilor noștri de atunci. El îi considera pe toți compozitorii din perioada pre-Glinka „amatori” și credea că experiențele lor „au fost complet nesemnificative, slabe, incolore și mediocre”. Stasov a ignorat opera cântecului acestor compozitori, iar urmașul său A.N. Serov a numit cu dispreț întregul stil al „cântecului rusesc” - „Varlamovism”, având în vedere trăsăturile sale caracteristice „vulgaritate” și „dulce”.

Exagerarea și nedreptatea unor astfel de recenzii sunt acum evidente, dar ar trebui luate în considerare pentru a înțelege că respingerea genului „cântec rusesc” în a doua jumătate a secolului al XIX-lea a fost dictată de o dorință progresivă de dezvoltare a realism şi pentru un nivel superior de naţionalitate. Acest lucru ar trebui să explice faptul că Nekrasov, și chiar Nikitin și Surikov, nu urmează atât de mult tradiția „cântecului rusesc”, ci combină interesul pentru viața populară și folclorul autentic cu studiul experienței poeziei clasice ruse. Nu este o coincidență că cântecele în sensul exact al cuvântului de acum, chiar mai des decât în ​​prima jumătate a secolului al XIX-lea, nu sunt acele poezii care sunt într-o oarecare măsură încă ghidate de tradițiile „cântecului rusesc”, ci acelea pe care poeții înșiși nu le-au proorocit „viitor cântec. Chiar și I. N. Rozanov a observat că, printre poeziile lui Nekrasov, versurile sale de propagandă-civil, versurile complotului, fragmentele din poezii și nu de fapt „cântecele” au câștigat popularitate în viața de zi cu zi. Același lucru s-a întâmplat și cu lucrările lui Nikitin - nu „cântecele” sale au intrat ferm în repertoriul oral (din care doar „Cântecul lui Bobylya” a devenit cu adevărat un cântec), ci poezii precum „O gaură adâncă a fost săpată cu o pică . ..”, „Am călărit de la târguri ukhar-negustor…”, „Timpul se mișcă încet…”. Surikov nu face excepție - scris în stilul tradițional „Cântec” („În grădina verde a unei privighetoare...”) s-a dovedit a fi mult mai puțin popular decât poeziile „În stepă”, „Am crescut orfan . ..”, „Rowan”, „Execuția lui Stenka Razin” ; în aceste poezii, legătura cu folclorul este de netăgăduit, dar capătă caracterul unei interpretări libere a unui complot sau a imaginii poetice populare. Indicativ în acest sens este poezia „În stepă”, inspirată din binecunoscutul cântec popular întins despre stepa Mozdok. Este curios că această poezie, transformată în cântec, a scos cântecul tradițional din repertoriul popular. Adevărat, oamenii în același timp au abandonat cadrul intriga al cântecului, introdus de poet.

Dacă fenomenul observat este atât de caracteristic poeților legați direct de tradiția folclorică, atunci nu este de mirare că poate fi urmărit și în opera altor poeți din a doua jumătate a secolului al XIX-lea. Majoritatea nu mai scriu poezie în stilul „cântecului rusesc”; în acele cazuri în care unii poeți au adus un omagiu acestui gen, de regulă, nu „cântecele lor rusești” dobândesc viață cântec, ci alte poezii - ca, de exemplu, de A. Tolstoi sau May. Cele mai populare cântece din a doua jumătate a secolului al XIX-lea nu mai seamănă cu genul „cântecului rusesc” în tipul lor.

Adevărat, la sfârșitul secolului al XIX-lea, genul „cântecului rusesc” părea să renaște în opera lui Drojzhin, Ozhegov, Panov, Kondratiev, Ivin și alți poeți, care au fost grupați în principal în „Cercul scriitorilor de tovarăși din Moscova”. din Popor”, „Cercul literar și muzical. Surikov” și în diferite asociații provinciale similare. Dar dintre numeroasele lucrări scrise în felul versurilor lui Koltsovo și Surikov și care umpleau colecțiile și cărțile de cântece publicate de aceste cercuri și mai ales de întreprinzătorul Ozhegov, doar foarte puține au dobândit o viață cu adevărat cântec și și mai puțini au intrat în repertoriul oral al masele.

Popularitatea cântecului lucrărilor poeților Surikov este adesea exagerată de cercetătorii muncii lor. Uneori sunt raportate informații pur și simplu incorecte, care migrează de la publicații autorizate la diferite articole și comentarii din colecții. Așadar, în „Istoria literaturii ruse” academice citim: „Surikoviții sunt compozitori prin excelență. Cele mai bune poezii ale lor, asemănătoare cu stilul versurilor țărănești, uneori au intrat ferm în uz popular. Acestea sunt melodiile „Nu mă certa, dragă ...” de A. E. Razorenova, „Mi-am pierdut ringul ...” de M. I. Ozhegova și alții. Dar, în realitate, melodia populară „Nu mă certa, dragă...” a fost creată de Razorenov cu mult înainte ca cercul Surikov să apară și chiar înainte ca Surikov însuși să înceapă să scrie poezie, și anume, în anii 40 sau începutul anilor 50; niciuna dintre poeziile lui Razorenov-Surikov, scrise în a doua jumătate a secolului al XIX-lea, nu a devenit cântec. În ceea ce privește cântecul „Mi-am pierdut inelul ...”, Ozhegov nu este deloc autorul acesteia - a procesat doar cântecul cunoscut de el. Este caracteristic că alte cântece ale lui Ozhegov însuși (cu excepția „Între malurile abrupte...”) nu au câștigat o asemenea popularitate ca această adaptare a vechiului său cântec.

Drozhzhin a fost un poet foarte prolific, iar activitatea sa literară a durat mai bine de jumătate de secol, multe dintre poeziile sale au fost puse pe muzică, unele au fost popularizate de pe scenă de cântăreața N. Plevitskaya. Dar este de remarcat faptul că de fapt 3-4 dintre poeziile sale, majoritatea din perioada timpurie a operei sale, au devenit cântece. Și mai problematică este soarta cântecului a poezilor altor poeți Surikovi și poeților apropiați lor. Dintre poeziile lui Panov, care a scris un număr mare de „cântece”, două sau trei au intrat în uz oral. Câteva zeci de „cântece rusești” au fost publicate în colecția lui Kondratiev „Sub zgomotul pădurilor de stejar”, ​​dar niciunul nu a fost cântat (în mediul urban, celelalte poezii ale sale au câștigat oarecare faimă: una a fost scrisă în stilul „romantismului crud”. ”, celălalt - „cântec țigan”) . Indiferent cum a promovat Ozhegov poeziile lui I. Ivin, A. Egorov, I. Vdovin, S. Lyutov, N. Prokofiev, N. Libina și alții în cărțile sale de cântece, acestea nu au pătruns în repertoriul oral.

Poeții Surikov nu numai că nu au avansat în comparație cu profesorul lor, care a acceptat creativ tradițiile folclorice, dar, de fapt, au făcut un pas înapoi - la „cântecul rusesc” din prima jumătate a secolului al XIX-lea. Ei nu au reușit să dea viață acestui gen, ale cărui posibilități erau deja epuizate de predecesorii lor.

Cel mai caracteristic tip de versuri vocale din a doua jumătate a secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea este cântecul revoluționar iubitor de libertate în diferitele sale varietăți de gen: propagandă, imn, satiric, marș de doliu. Create de reprezentanți poetici ai diferitelor generații și curente ai luptei de eliberare a poporului rus - democrația revoluționară, populismul revoluționar și proletariatul - aceste cântece din clandestinitate, din cercurile și organizațiile ilegale, au fost distribuite prin închisori și exilați, au pătruns în mase, au sunat la demonstrații și mitinguri, în timpul grevelor, grevelor și luptelor de baricadă.

De regulă, aceste cântece au fost create de participanții la mișcarea revoluționară înșiși, care nu erau poeți profesioniști, sau de oameni care au combinat activitatea literară cu participarea la lupta de eliberare: A. Pleshcheev („Înainte! Fără teamă și îndoială .. .”), P. Lavrov („Să renunțăm la lumea veche…”, M. Mikhailov („Fiți curajoși, prieteni! Nu pierdeți…”), L. Palmin („Nu plângeți peste cadavrele soldaților căzuți) …”), G. Machtet („Chinuit de robie severă…”), V. Tan-Bogoraz („Ne-am săpat propriul mormânt...”), L. Radin („Îndrăzneț, tovarăși, în pas...” ), G. Krzhizhanovsky („Furie, tirani ...”), N. Rivkin („Marea gemu de furie ...”) etc. S-au dovedit, de regulă, și autorii melodiilor acestor cântece. să fie compozitori neprofesioniști (A. Rashevskaya, N. și P. Peskov), uneori - poeții înșiși (L. Radin, N. Rivkin), foarte rar - figuri muzicale cunoscute (P. Sokalsky), cel mai adesea autorii muzicii au rămas necunoscuți.

Repertoriul luptătorilor pentru libertate a cuprins, dobândind în interpretarea orală trăsăturile compoziției revoluționare, și poezii ale unor poeți care erau departe de lupta de eliberare, dar reflectau în mod obiectiv în unele dintre lucrările lor aspirațiile participanților săi sau surprind starea publică a epocii lor. . Prin urmare, poeziile lui A. K. Tolstoi ("Kolodniki"), Y. Polonsky ("Ce este ea pentru mine ..."), I. Nikitin ("Timpul se mișcă încet...), I. Nikitin ("Timpul se mișcă încet...") ...), până la „Masonul” de V. Bryusov și chiar unele lucrări ale unor autori conservatori: „Există o stâncă pe Volga ...” de A. A. Navrotsky, „Este fâșia mea, dungi ...” de V. V. Krestovsky, „Deschide fereastra, deschide...” Tu. I. Nemirovici-Danchenko.

O trăsătură remarcabilă care deosebește cântecele revoluționare din a doua jumătate a secolului al XIX-lea - începutul secolului al XIX-lea este că au fost cu adevărat răspândite, adesea cântate în versiuni care diferă de ediția autorului, ele însele au devenit un model pentru cântece anonime similare, au fost incluse în procesul de compoziție colectivă, - într-un cuvânt, folclorizat. O altă trăsătură caracteristică a acestora este interpretarea corală, cel mai adesea polifonică fără acompaniament („Cântec rusesc”, de regulă, prin însuși conținutul său asumat interpretarea solo; în prima jumătate a secolului al XIX-lea, numai băutură, student și unele „cântece gratuite”. ” au fost interpretate de cor).

Această din urmă împrejurare permite în versurile vocale din a doua jumătate a secolului al XIX-lea să se tragă o linie mai clară între cântecul în sensul propriu al cuvântului și romantism, orientat spre interpretarea solo și acompaniamentul muzical pe un instrument.

Dar chiar și în arta romantică în sine, o evoluție notabilă a avut loc de la mijlocul secolului al XIX-lea. După cum observă cercetătorul, „zona romantismului „profesional” și „domestic” este, de asemenea, puternic delimitată, iar raportul lor se schimbă semnificativ”. Într-adevăr, în secolul al XVIII-lea și în prima jumătate a secolului al XIX-lea, toată arta romantică era, de fapt, accesibilă oricărui iubitor de muzică și pătrundea cu ușurință în viața de acasă, în special în rândul intelectualității nobile. Doar unele dintre romanele lui Glinka pot fi considerate primele exemple de romantism „profesional”, care necesită o mare abilitate tehnică și o pregătire specială din partea cântărețului. Situația este complet diferită în a doua jumătate a secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. Romantismul de zi cu zi devine acum în principal lotul compozitorilor minori. Printre autorii romantismului de zi cu zi la cuvintele poeților contemporani ruși se numără N. Ya. Afanasyev, P. P. Bulakhov, K. P. Vilboa, K. Yu. A. Lishina, V. N. Paskhalova, V. T. Sokolova. Istoricul muzicii ruse N.V. Findeizen scrie: „Unele dintre lucrările acestor romancieri... s-au bucurat uneori de o popularitate de invidiat, deși ieftină...” Romantismul de zi cu zi în sensul propriu al cuvântului este mai mic în conținut ideologic și psihologic și este adesea marcat de sigiliul epigonismului formal în raport cu stăpânii vieţii cotidiene.romantism din prima jumătate a secolului al XIX-lea. Acest lucru, desigur, nu înseamnă că în masa operelor mediocre ale genului numit nu au existat deloc acelea care, în arta lor, să se apropie de romantismul cotidian din prima jumătate a secolului al XIX-lea.

Romance de zi cu zi foarte populare din a doua jumătate a secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea au fost „O pereche de golfuri” de Apukhtin, „Sub ramura parfumată de liliac...” de V. Krestovsky, „Ai uitat” de P. Kozlov, „A fost cu mult timp în urmă... nu-mi amintesc când a fost...” S. Safonov, „Scrisoare” de A. Mazurkevici, „Sub impresia pescăruşului lui Cehov” de E. Bulanina, „Nocturnă” de Z. Buharova. Au intrat de mult în utilizare orală.

Cele mai bune romanțe de zi cu zi din perioada analizată sunt unele dintre cele mai accesibile romanțe ale compozitorilor importanți pentru iubitorii de muzică. Este de remarcat faptul că odată cu muzica compozitorilor din a doua jumătate a secolului al XIX-lea intră și poeziile poeților din prima jumătate a secolului în viața de zi cu zi. Acestea sunt, în special, multe dintre romanele lui Balakirev cu textele lui Pușkin, Lermontov, Koltsov. Este curios, de exemplu, că raznochintsy din anii 60 s-a îndrăgostit de romantismul lui Balakirev după cuvintele lui Lermontov „Cântecul lui Selim” - nu întâmplător „doamna în doliu” din romanul lui Cernîșevski „Ce este de făcut? " o cântă. Unele dintre romanele lui Dargomyzhsky la cuvintele poeților de la mijlocul secolului al XIX-lea - N. Pavlov („Ea din vise fără păcat...”), Yu. Zhadovskaya („În curând mă vei uita...”), F. Miller („Nu-mi pasă...”) a câștigat popularitatea cântecului. . „Calistratul” lui Nekrasov-Mussorgsky și „Am venit la tine cu salutări...” de Fet-Balakirev au devenit cunoscute pe scară largă. Multe dintre romanele lui Ceaikovski cu cuvintele poeților din a doua jumătate a secolului al XIX-lea au devenit deosebit de faimoase: „O, cântă cântecul, dragă...” (Pleshcheev), „Aș dori într-un singur cuvânt...” (Mei), „Nopți nebune, nopți nedormite...” (Apukhtin), „În zori, nu o trezi...” (Fet), „În mijlocul unei mingi zgomotoase...” (A.K. Tolstoi), „Am deschis fereastra ...” (K. R.), „Stăteam cu tine lângă râul adormit...” (D. Ratgauz).

Multe dintre poeziile poeților din a doua jumătate a secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea au devenit fenomene remarcabile ale versurilor vocale rusești, unde s-a realizat o fuziune completă a textului și a muzicii. Acest lucru se aplică lucrărilor unor poeți precum A. K. Tolstoi, Pleshcheev, Maikov, Fet, Polonsky, Apukhtin, Mei. Poeziile unor poeți trăiesc în general doar ca romanțe (Golenishchev-Kutuzov, Rostopchina, Minsky, Ratgauz, K. R.). Împreună cu muzica celor mai mari compozitori, poeziile acestor poeți au intrat ferm în conștiința intelectualității ruse și, pe măsură ce nivelul cultural al maselor se ridică, ele devin proprietatea unui cerc tot mai larg de oameni muncitori. Prin urmare, atunci când evaluăm contribuția poeziei ruse la cultura națională, este imposibil să ne limităm la moștenirea clasicilor, dar este necesar să luăm în considerare cele mai bune exemple de romantism de zi cu zi - în primul rând, acele lucrări care sunt incluse. în repertoriul vocaliștilor populari și sunt auziți în mod constant de pe scena sălilor de concert și la radio și, de asemenea, pătrund în arta amatorilor de masă modernă.

Dacă ne întoarcem la poeții ale căror poezii au fost folosite în mod deosebit și de bunăvoie de cei mai mari compozitori ruși și ale căror texte au fost folosite pentru a crea romane clasice, este ușor de observat că, cu câteva excepții, alegerea numelor nu este întâmplătoare. În ciuda faptului că preferințele și gusturile personale ale fiecărui compozitor ar putea juca un rol important (de exemplu, pasiunea lui Mussorgski pentru poezia lui Golenishchev-Kutuzov), cu toate acestea, cercul poeților, pe ale căror texte au fost scrise un număr deosebit de mare de romane, este reprezentate prin nume foarte specifice. În opera oricăruia dintre acești poeți, se pot găsi multe poezii care au fost puse în mod repetat pe muzică de compozitori care diferă prin metoda lor creativă. Și chiar faptul că muzică excelentă a fost scrisă unor astfel de poezii de Glinka sau Ceaikovski, ale căror romane au câștigat deja faimă, nu i-a oprit nici pe contemporanii lor, nici pe compozitorii epocii ulterioare, până în vremea noastră. Există poezii pe care au fost scrise literalmente zeci de romane. Dintre poeții primei jumătate a secolului al XIX-lea, Jukovski, Pușkin, Lermontov și Koltsov au fost deosebit de fericiți în acest sens. Romance bazate pe textele primului romantist rus au fost create pe parcursul unui secol întreg - de la primele experimente ale prietenului său compozitor A. A. Pleshcheev până la lucrările lui Ippolitov-Ivanov. Numai în secolul al XIX-lea, peste o sută șaptezeci de romane ale lui Pușkin au fost puse pe muzică. Poezia „Nu cânta, frumusețe, cu mine...”, în ciuda faptului că încă trăiește în primul rând cu muzica lui Glinka, creată în 1828, după care s-au adresat mulți alți compozitori (printre aceștia există nume precum Balakirev, Rimski -Korsakov, Rahmaninov). Poezia „Cântăreața” a fost pusă pe muzică de mai mult de cincisprezece compozitori ai secolului al XIX-lea. În secolul al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea, un număr mare de romane au fost create pe baza a peste șaptezeci de poezii ale lui Lermontov. „Rugăciunea” sa („Într-un moment dificil al vieții...”) a fost pusă pe muzică de peste treizeci de compozitori. Peste douăzeci de romane există pe cuvintele „Canticului de leagăn cazac” și poezii: „Îți aud vocea...”, „Nu, nu te iubesc atât de pasional...”. Poate că primul loc printre poeții ruși în această privință îi aparține lui Koltsov - aproximativ șapte sute de romane și cântece au fost create pe textele sale de peste trei sute de compozitori! După cum puteți vedea, proporția poeților din prima jumătate a secolului al XIX-lea în versurile vocale rusești coincide aproximativ cu semnificația lor în istoria poeziei - romanțele poeților primari predomină în mod clar (singura excepție este Baratynsky, ale cărui cuvinte sunt scrise relativ puține romane).

Când trecem la a doua jumătate a secolului al XIX-lea și la începutul secolului al XX-lea, aici imaginea, la prima vedere, se schimbă brusc: poeții, al căror rol în istoria poeziei pare modest, sunt adesea preferați de compozitori poeților mai mari. , iar în repertoriul romance nu ocupă cu greu un loc mai mare decât luminarii poeziei ruse. Este curios că, în timp ce aproximativ șaizeci de texte din moștenirea poetică a lui Nekrasov au atras atenția compozitorilor, peste șaptezeci de texte din Maikov și Polonsky au fost puse pe muzică. Peste nouăzeci de poezii de Fet, peste cincizeci de poezii de Pleshcheev și Ratgauz, peste patruzeci de poezii de Nadson și tot atâtea de Apukhtin au devenit romante. Poate că imaginea pentru poezia începutului secolului al XX-lea este deosebit de paradoxală: un fel de „record” îi aparține lui Balmont - mai mult de o sută cincizeci dintre poeziile sale au fost puse în muzică (de vreo douăzeci de ani, aproape tot atâtea ca într-un secol de Pușkin și mai mult decât de Lermontov, Tyutchev, Nekrasov). Mai mult decât atât, printre compozitorii care au creat romane cu cuvintele sale, îi întâlnim pe Rahmaninov, Taneyev, S. Prokofiev, Grechaninov, Gliere, Ippolitov-Ivanov, Stravinsky, Myaskovsky ... Blok este semnificativ inferior în această privință - aproximativ cincizeci de romane au fost scrise pentru textele lui. Bryusov l-ar putea invidia și pe Balmont în acest sens. Alți poeți „rămân în urmă” atât pe Blok, cât și pe Bryusov - chiar și A. Akhmatova, V. Ivanov, D. Merezhkovsky, F. Sologub, ale căror texte au fost totuși puse în mod repetat pe muzică. Cu toate acestea, mulți poeți celebri de la începutul secolului al XX-lea ar putea fi mândri că cel puțin una sau două dintre poeziile lor au fost puse pe muzică de cei mai mari compozitori ai vremii.

Ce i-a atras pe muzicieni către poezia celei de-a doua jumătate a secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea? Desigur, un răspuns categoric și monosilabic la această întrebare este cu greu posibil, aplicabil în mod egal operei tuturor poeților. Dar, ținând cont de trăsăturile și posibilitățile muzicii vocale, precum și de sarcinile creative pe care compozitorii și le-au stabilit atunci când creează romante, trebuie menționat că au preferat acele versuri în care starea psihologică interioară a eroului liric este cel mai direct exprimată. , mai ales în cazul în care experiența poetului se dovedește a fi incompletă, neexprimată până la capăt, ceea ce a făcut posibilă dezvăluirea ei prin mijloace muzicale. Poezia aluziilor, a omisiunilor, cu profunde note lirice, a reprezentat cea mai mare anvergură creativă pentru imaginația compozitorului. Nu ultimul rol l-au jucat unele trăsături stilistice ale modului creator al unor poeți precum Fet, A. Tolstoi, May, Polonsky - dezvoltarea temei și structura compozițională a poemului, care amintește de structura unei opere muzicale, saturația textului cu repetări, exclamații, pauze semantice, melodiozitatea limbajului, netezimea ritmului, intonația flexibilă a vorbirii. Unii dintre acești poeți au respectat în mod conștient legile muzicale în munca lor. Așadar, Fet a pornit de la principiul teoretic formulat de el: „Poezia și muzica nu sunt doar legate, ci de nedespărțit... Toate operele poetice vechi de secole... în esență... cântece”. Nu este o coincidență că Fet a numit unul dintre cicluri „Melodii”. Poetul a recunoscut: „Am fost întotdeauna atras dintr-o anumită zonă a cuvintelor într-o zonă nedefinită a muzicii, în care am intrat, atâta timp cât puterea mea era suficientă.”

Mult pentru înțelegerea soartei poeziei ruse în muzică este dat de declarațiile compozitorilor înșiși. Ceaikovski a formulat clar într-una dintre scrisorile sale că „principalul lucru în muzica vocală este veridicitatea reproducerii sentimentelor și stărilor de spirit...”. Marele compozitor s-a gândit mult la particularitățile versificației ruse și la structura intonațională a poeziei ruse, a căutat în poezie o varietate de ritmuri, strofe și rime care creează cele mai favorabile oportunități pentru exprimarea muzicală a conținutului liric al poeziei. Ceaikovski a fost atras de tipul de vers expresiv cu intonație melodioasă și el însuși a numit poezia lui Fet drept model în acest sens. Compozitorul a scris despre el: „Putem spune mai degrabă că Fet, în cele mai bune momente ale sale, depășește limitele indicate de poezie și face cu îndrăzneală un pas în domeniul nostru... Acesta nu este doar un poet, ci mai degrabă un poet- muzician, parcă ar evita chiar și astfel de subiecte atât de ușor de exprimat în cuvinte.” Ceaikovski a apreciat foarte mult și poezia lui A. K. Tolstoi: „Tolstoi este o sursă inepuizabilă pentru textele muzicale; acesta este unul dintre poeții mei preferați.

A fost modul de exprimare a sentimentelor, stărilor de spirit și gândurilor inerente poeziei lui Fet și A. K. Tolstoi, precum și a lui Pleșceev, Mey, Polonsky, Apukhtin și poeților apropiați, precum și natura intonației versului care a oferit cel mai bun oportunități de a-și pune poeziile în muzică. Prin urmare, nu numai în Ceaikovski, ci și în operele romantice ale altor compozitori majori din a doua jumătate a secolului al XIX-lea, alături de maeștrii clasici ai poeziei ruse, poeziile acestor poeți ocupă un loc central.

Să începem cu câteva citate.

„În poezie și proză poetică, în muzică, în pictură, în sculptură, în arhitectură – poezia este tot ceea ce în ele nu este artă, nu efort, adică gândire, simțire, ideal”.

„Poetul creează cu cuvântul, iar acest cuvânt creator, cauzat de inspirația dintr-o idee care a stăpânit cu putere sufletul poetului, trecând rapid într-un alt suflet, produce aceeași inspirație în el și la fel de puternic îl îmbrățișează; această acțiune nu este nici mentală, nici morală – este pur și simplu putere, pe care nu o putem respinge prin forța voinței sau prin forța rațiunii. Poezia, acţionând asupra sufletului, nu-i dă nimic cert: nu este nici dobândirea unei idei noi, prelucrate logic, nici excitarea sentimentului moral, nici afirmarea ei printr-o regulă pozitivă; Nu! - aceasta este o acțiune secretă, atotcuprinzătoare, profundă, de o frumusețe sinceră, care cuprinde întregul suflet și lasă în el urme de neșters, binefăcătoare sau distrugătoare, în funcție de proprietatea operei de artă, sau, mai degrabă, după spirit. al artistului însuși.

Dacă aceasta este acțiunea poeziei, atunci puterea de a o produce, dată poetului, nu trebuie să fie altceva decât o chemare a lui Dumnezeu, este, ca să spunem așa, o chemare a Creatorului de a intra în părtășia creației cu El. . Creatorul și-a pus spiritul în creație: poetul, mesagerul său, caută, găsește și dezvăluie altora prezența omniprezentă a spiritului lui Dumnezeu. Acesta este adevăratul sens al vocației sale, marele său dar, care în același timp este o ispită teribilă, căci în această putere pentru un zbor înalt stă pericolul unei căderi adânci.

„Pentru a scrie poezii, un talentat în literatură nu trebuie decât să se obișnuiască să poată folosi, în locul fiecăruia, un cuvânt real, necesar, în funcție de cerința rimei sau metrului, încă zece cuvinte aproximativ cu același sens. și apoi obișnuiește fiecare frază, care, pentru a fi clară, are o singură așezare adecvată a cuvintelor, să poată spune, cu toate mișcările posibile ale cuvintelor, astfel încât să pară oarecare sens; să învețe mai multe, ghidându-se după cuvintele care apar pentru rimă, să vină cu aparențe de gânduri, sentimente sau imagini pentru aceste cuvinte și atunci o astfel de persoană nu se mai poate opri din a face poezii, în funcție de nevoi, scurte sau lungi, religioase. , dragoste sau civil.

„Scuză-mă, nu-i așa că este o nebunie să-ți zvârnești creierul zile în șir pentru a stoarce cu orice preț vorbirea umană vie și naturală în versuri măsurate și rimate. Este la fel ca și cum cineva s-ar gândi brusc să meargă doar de-a lungul unei frânghii întinse și, fără greș, să se ghemuiască la fiecare pas.

Primele două citate aparțin contemporanilor și prietenilor lui Pușkin, poeții Kuchelbecker și Jukovski; al doilea - pentru departe de cei mai răi adepți ai săi, prozatorii Lev Tolstoi și Shchedrin. După cum vedem, atitudinea față de poezie exprimată în aceste citate este exact inversă: în loc de admirație și admirație, există umilință și dispreț față de poeți și „produsele” lor.

De ce a apărut această discordie monstruoasă în gânduri? Cel mai ușor ar fi să răspundem la această întrebare astfel: epoca Pușkin a fost o epocă înaltă, de aur a poeziei ruse, apoi a fost înlocuită cu epoca prozei, iar poezia a dispărut mai întâi în fundal, apoi a încetat complet să mai existe. Totuși, criticii ruși au scris și despre asta, începând cu Polevoy și Belinsky; Același lucru a afirmat și Lev Tolstoi cu peremptorietatea sa caracteristică: „În poezia rusă<…>după Pușkin, Lermontov (Tiutchev este de obicei uitat), faima poetică trece mai întâi la poeții foarte dubioși Maikov, Polonsky, Fet, apoi la Nekrasov, complet lipsit de dar poetic, apoi la poetul artificial și prozaic Alexei Tolstoi, apoi la monoton. și Nadson slab, apoi la Apukhtin complet mediocru, și apoi totul se pune în cale, și sunt poeți, numele lor este legiune, care nici măcar nu știu ce este poezia și ce înseamnă ceea ce scriu și de ce scriu.

Poate ființa umană experimentată este chiar aici, iar poezia rusă după Pușkin și Lermontov ar trebui uitată și ștearsă din memorie? Se pare, totuși, că ceva nu este în regulă aici. Cel puțin, dacă ne amintim de poeziile lui Tyutchev și Fet, Nekrasov și Maikov, Polonsky și Pleshcheev, familiare tuturor din copilărie ...

Într-adevăr, de la sfârșitul anilor 1830, revistele au început să publice din ce în ce mai rar poezie. Aceștia sunt înlocuiți de proză tânără rusă și critică literară ascuțită, care s-a angajat să-și apere interesele încă de la primii pași. Și ea, această critică, a fost extrem de partizană, adică a apărat deschis pe paginile revistei interesele anumitor forțe politice care au apărut în Rusia la acea vreme și au intrat într-o luptă care nu s-a oprit până în zilele noastre. Este clar că poezia adresată sufletului omului, eternului, a fost această critică – indiferent de interesele ei politice – pur și simplu la nimic. Dar cu proza, mai ales și cu proza ​​de petrecere, este mult mai simplu: la urma urmei, descrie evenimente de înțeles, pământești și explică în text clar cine este de vină, ce să facă, când vine ziua adevărată... Dar poezia trebuie tratată. cu, interpretat, și pentru aceasta este mai bine să înțelegeți fie pur și simplu să nu-l observați, fie ridiculizați clickerii parodiști.

Prozatorii au atacat poezia de la mijlocul secolului nu mai puțin furioși decât criticii. Nu, au fost de acord să-și considere prietenii apropiați adevărați poeți, și-au admirat constant creațiile (mai ales în corespondența privată), dar i-au pus lângă Pușkin ...

Prin urmare, aniversarea lui Pușkin s-a transformat, în primul rând, într-o sărbătoare, în cuvintele lui Vyazemsky, prozatori. Până și Șcedrin a rămas perplex în această privință: „Se pare că istetul Turgheniev și nebunul Dostoievski au reușit să fure vacanța lui Pușkin în favoarea lor”. Alți prozatori l-au îndreptat către propriul lor beneficiu, adică un beneficiu prozaic: este suficient să deschizi ziare și reviste ale acelor ani sau colecții aniversare pentru a constata că poeților moderni pur și simplu nu li se permitea să participe la sărbători.

Bineînțeles, în prim-plan printre prozatorii ruși polițizați se aflau, ca întotdeauna, interesele de partid. Dar nu mai puțin sincer exprimată de toți, în acest caz, indiferent de preferințele politice, ideea generală: Pușkin este un mare poet al trecutului, astăzi nu există poeți și nu poate fi.

Desigur, nu fără presiunea acestor idei, cărțile, de exemplu, Fet nu s-au diferențiat de mulți ani, ca, într-adevăr, la vremea lor, poeziile lui Alexandru Pușkin. Dar „viții populare” au preferat să nu vorbească despre asta cu voce tare...

Astfel, s-a dezvoltat un fel de conspirație împotriva poeziei ruse - o conspirație la care au luat parte politicieni, critici și prozatori. Poeții au continuat să creeze, fără să acorde atenție faptului că cercul cititorilor lor se restrângea - în ciuda realizărilor necondiționate. Poeții și-au făcut drum către public într-un mod diferit – în primul rând prin romantismul din ce în ce mai popular, prin poezii simple adresate copiilor.

Într-adevăr, după Pușkin, poezia rusă devine mult mai simplă și mai accesibilă, aproape că refuză să facă apel la tradițiile antice și europene, se concentrează în mod conștient pe cântecul popular, vorbește despre lucruri simple care sunt necesare pentru toată lumea: natură și dragoste, deliciile tinereții și experiențele bătrâneții. În ea, patosul civil înalt al erei Pușkin sună din ce în ce mai puțin, din ce în ce mai des - vocea sinceră a unei persoane dragi. Poezia din a doua jumătate a secolului al XIX-lea este mai intimă decât predecesorul ei de succes.

În același timp, nu se abate deloc de la apărarea valorilor umane superioare - dimpotrivă, le apără constant în contrast cu proza ​​adresată modernității actuale. Acest lucru este evident mai ales în cazurile în care același scriitor scrie atât în ​​versuri, cât și în proză. De exemplu, Turgheniev este autorul cărții Fathers and Sons și Grey Morning. Astăzi, romanul despre nihiliști trebuie explicat în detaliu, iar romantismul clasic nu are nevoie de comentarii...

Contemporanii, absorbiți de furtunile cotidiene, au fost cuvintele de neînțeles și sălbatice ale lui Fet, scrise despre publicarea culegerii de poezii a lui Tyutchev, aproape neobservate de critici: „Toate ființele constau din contrarii; momentul unirii lor armonioase este evaziv, iar lirismul, această culoare și vârful vieții, în esența sa, va rămâne pentru totdeauna un mister. Activitatea lirică necesită, de asemenea, calități extrem de opuse, precum curajul nebunesc, orb și cea mai mare precauție (cel mai fin simț al proporției). Cine nu este în stare să se arunce de la etajul al șaptelea cu susul în jos, cu o credință de nezdruncinat că se va înălța prin aer, nu este textier.

Alexandru
ARHANGELSKY

Prezentarea capitolelor din noul manual școlar

Versuri rusești din a doua jumătate a secolului al XIX-lea

Poeții ruși și epoca prozei „sociale”. Poeții ruși de la începutul secolului al XIX-lea - de la Jukovski și Batiușkov la Pușkin și Lermontov - au creat un nou limbaj poetic în care a fost posibilă exprimarea celor mai complexe experiențe, a celor mai profunde gânduri despre univers. Ei au introdus în poezia rusă imaginea unui erou liric care seamănă și nu seamănă cu poetul însuși. (Așa cum Karamzin a introdus imaginea unui narator în proza ​​rusă, a cărui voce nu se contopește cu vocile personajelor și ale autorului însuși.)

Poeții primei jumătate a secolului al XIX-lea au revizuit sistemul obișnuit de genuri. Au preferat o elegie amoroasă, o baladă romantică, odelor „înalte”, solemne; a reinsuflat în literatura nativă gustul pentru cultura populară, pentru cântecele și basmele rusești; au întruchipat în opera lor conștiința contradictorie și experiența tragică a unei persoane contemporane, a unui european rus. Ei au stăpânit experiența romantismului mondial - și au depășit-o treptat în multe feluri.

Dar acest lucru se întâmplă adesea în literatură: abia atins apogeul artistic, poezia rusă a început să scadă brusc. S-a întâmplat la scurt timp după moartea lui Pușkin, apoi a lui Baratynsky și Lermontov. Adică la începutul anilor 1840. Poeții generației mai vechi s-au săturat cumva de viața literară tulbure, în același timp, au oprit procesul activ. Jukovski a început să traducă lucrări epice voluminoase - știți despre traducerea sa a Odiseei lui Homer. Pyotr Vyazemsky s-a ascuns multă vreme într-o umbră literară plictisitoare, s-a îndepărtat de treburile poetice și abia la bătrânețe talentul său a înflorit din nou, s-a întors la limitele literaturii natale. Vladimir Benediktov a cunoscut o popularitate instantanee la mijlocul anilor 1830 - și la fel de repede a demodat.

Și mulți poeți lirici tineri ai anilor 1840, care au rămas în ochii publicului, par să fi uitat cum să scrie. Cea mai înaltă pricepere, stăpânirea tehnicii versurilor, care pe vremea lui Pușkin era considerată norma, ceva luat de la sine înțeles, a fost pierdută peste noapte de majoritatea poeților.

Și nu este nimic surprinzător aici.

La începutul secolului al XIX-lea, literatura rusă a învățat să înfățișeze caracterul uman în individualitatea și originalitatea sa. În anii 1820 și 1830, scriitorii ruși au început să asocieze soarta eroilor lor cu o epocă istorică specifică, cu acele circumstanțe financiare cotidiene de care depinde adesea comportamentul uman. Și acum, în anii 1840, s-au confruntat cu noi sarcini de fond. Au început să privească personalitatea umană prin prisma relațiilor sociale, să explice acțiunile eroilor prin influența „mediului”, i-au scos din rațiuni economice și politice.

Cititorii anilor 1840 și 1860 așteptau tocmai astfel de scrieri sociale. Iar pentru rezolvarea unor astfel de probleme erau mult mai potrivite proza ​​epică, narativă, un eseu fiziologic și un articol jurnalistic. Prin urmare, principalele forțe literare ale vremii s-au concentrat asupra prozaicului „cap de pod”. Versurile par să-și fi pierdut conținutul serios pentru o vreme. Și această lipsă de scop interioară, lipsă de conținut a sângerat forma poetică. Așa se usucă o plantă, care a blocat accesul la sucuri subterane dătătoare de viață.

• De ce a împins proza ​​poezia la marginile procesului literar în anii 1840? Ce sarcini de fond rezolvă literatura rusă în acest deceniu?

Pierre Jean Beranger

Cum putem vorbi despre lucruri dureroase, despre viața de zi cu zi „nesemnificativă” prin intermediul versurilor, cum să exprimăm noi idei sociale? În anii 1840, poezia europeană a decis și ea răspunsurile la aceste întrebări. La urma urmei, trecerea de la epoca romantismului la epoca naturalismului a avut loc peste tot! Dar acolo, mai ales în Franța, se dezvoltase deja o tradiție a versurilor sociale, revoluționare, se dezvoltase un limbaj poetic aparte. Acest limbaj a fost „adaptat” pentru o conversație emoționantă – și în același timp sinceră – despre necazurile și necazurile societății moderne, despre soarta tragică a „micuței” persoane. Adică trecerea poeziei la o nouă calitate socială a fost pregătită dinainte, corelată cu tradiția culturală.

Cel mai semnificativ dintre poeții „revoluționari” europeni, liricii sociali, este considerat pe bună dreptate francezul Pierre Jean Beranger (1780-1857).

Crescut de bunicul său ca croitor, el a asistat în copilărie la răsturnările Revoluției Franceze. Tânăra Beranger credea în idealurile ei și – ceea ce nu este mai puțin important pentru literatură – și-a amintit pentru totdeauna de sunetul cântecelor populare revoluționare pe care le cânta mulțimea rebelă. Cea mai populară dintre aceste cântece este bine cunoscută și de tine - este „La Marseillaise”; conținutul său oarecum însetat de sânge - un apel la violență - era îmbrăcat într-o formă muzicală solemnă și ușoară. În cântecele epocii revoluționare, au fost folosite nu numai expresii populare suculente și glume, care sunt inacceptabile în versurile „înalte”, ci au fost folosite și posibilitățile poeziei epice - o scurtă intriga dinamică, un refren constant (adică un repetarea „refranului” sau a unor linii cheie).

De atunci, în opera lui Beranger a prevalat genul poemului-cântec, stilizat ca un cântec popular. Fie frivole, fie satirice (deseori îndreptate împotriva moravurilor preoției catolice), fie politice, patos, aceste cântece erau pe placul cititorului general. De la bun început, a apărut și s-a stabilit în ei imaginea unui erou liric - un poet popular, un om din mulțime, un urător al bogăției. (Desigur, în viața reală, Beranger însuși nu era atât de străin de bani, așa cum ar putea părea când i-a citit poeziile.)

Poeții lirici ruși au început să traducă Beranger la mijlocul anilor 1830. Dar din opera sa vastă și variată, la început, s-au ales doar „cântece” lirice, care erau atât de asemănătoare cu experiențele familiare ale „cântecelor populare” stilizate create de poeții începutului de secol și ale generației Pușkin:

Va veni vremea - luna ta va deveni verde;
Va veni vremea – voi părăsi această lume;
Bucleul tău de nuc va deveni alb;
Sclipirea ochilor de agat se va estompa.
(„Bătrâna mea doamnă.” Traducere de Viktor Teplyakov, 1836)

Este firesc; suntem întotdeauna interesați de experiența celorlalți doar atât cât ne ajută să facem față propriilor noastre probleme. Iar sarcinile cu care se confrunta literatura rusă la mijlocul anilor 1830 diferă de cele pe care le-a rezolvat în deceniul tulbure al anilor 1840. Nu fără motiv, până la urmă, Heinrich Heine, un poet cu un sentiment social accentuat, a fost tradus selectiv de scriitorii ruși din generația Lermontov, acordând atenție în primul rând versurilor sale filozofice, ironiei sale romantice. Iar poeții anilor 1840 acordau deja atenție cealaltă parte a talentului lui Heine - poeziile sale politice, civice, satirice.

Și acum, când proza ​​rusă vorbea atât de tăios și atât de amar despre partea umbră a vieții, poezia rusă a trebuit să stăpânească și ea noua experiență artistică. Nu exista o tradiție proprie stabilită, așa că textiștii anilor 1840 au mers voluntar să studieze cu Beranger.

Dar la fel cum un școlar trebuie să se „cocească” la subiecte serioase care sunt studiate în liceu, tot așa poeții petrec mai mult de un an pentru a se „cocește” la o traducere reușită. La urma urmei, o poezie tradusă dintr-o limbă străină trebuie să păstreze gustul de „străinătate” - și, în același timp, să devină „proprie”, rusă. Prin urmare, abia la mijlocul anilor 1850, Beranger „vorbea” în rusă în mod natural și natural. Și principalul merit în acest sens îi aparține lui Vasily Stepanovici Kurochkin (1831-1875), care în 1858 a publicat colecția „Cântecele lui Beranger”:

„Trăiește, uite!” - unchi bătrân
Un secol întreg este gata să mă repete.
Ce râd, uitându-mă la unchiul meu!
Sunt o persoană pozitivă.
cheltuiesc totul
Nu pot -
Din moment ce nu sunt nimic
Nu am.
................................
La urma urmei, într-o farfurie cu un deli
Capitala strămoșilor săi stă;
O cunosc pe servitoarea de la tavernă:
Satul și beat în mod constant pe credit.
cheltuiesc totul
Nu pot -
Din moment ce nu sunt nimic
Nu am.
(„Omul pozitiv”, 1858)

Desigur, ați observat că aceste versete nu sunt doar traduse în rusă. Aici, una dintre regulile unei traduceri „bune” este încălcată în mod deliberat: spiritul francez a dispărut complet din Berenger, traducătorul a smuls poezia dintr-un pământ cultural străin, l-a transplantat complet în al său. Aceste versuri sună ca și cum nu ar fi traduse din franceză, ci scrise imediat în rusă - și de un poet rus. Sunt rusificați, adică folosesc expresii care sunt o dată pentru totdeauna atribuite vieții de zi cu zi rusești și sunt complet nepotrivite în contextul francez. De exemplu: „Repetă... un secol întreg”, „plin și beat”. O altă traducere a lui Kurochkin este și mai rusificată - poemul „Domnul Iskariots” (1861):

domnule Iskariotov -
Ciudat bun la fire:
Patriot al patrioților
Omule bun, omule vesel,
Se răspândește ca o pisică
Aplecat ca un șarpe...
De ce sunt astfel de oameni
Suntem puțin diferiți?
.............................................
Cititor stăruitor al tuturor revistelor,
El este capabil și gata
Cei mai zeloși liberali
Sperie cu un flux de cuvinte.
Va striga tare: „Glasnost! Glasnost!
Conducător de idei sfinte!”
Dar cine cunoaște oamenii
Şoapte, simţind pericolul:
Taci, taci, domnilor!
Domnule Iskariotov,
Patriot al patrioților
Vin aici!

Poezia franceză despre escrocul „Domnul Iscariotean” (Iscariot se numea Iuda, care îl denunța pe Hristos) a fost transformată nu fără motiv într-o satira rusă asupra informatorului „Domnul Iscariotov”. Vasily Kurochkin a smuls în mod deliberat poezia lui Beranger din rădăcinile sale franceze și a transformat-o într-un fapt al culturii ruse. Cu ajutorul lui Beranger, a creat limba poeziei sociale ruse, a stăpânit noi posibilități artistice. Și a reușit destul de mult.

Dar adevărul este că norocul pe calea aleasă a trebuit să aștepte prea mult; Poeții autohtoni din a doua jumătate a anilor 1850 se puteau deja fără Beranger, bazându-se pe experiența artistică a lui Nikolai Alekseevich Nekrasov. (Un capitol separat este dedicat biografiei lui Nekrasov și lumii artistice în manual.) Nekrasov a fost cel care, pentru prima dată, în cadrul tradiției culturale ruse, a reușit să îmbine „socialitatea” incompatibilă - grosolană și lirismul profund. , el a fost cel care a creat un nou limbaj poetic, a propus poeziei sale natale noi ritmuri care să se potrivească cu noi subiecte și idei noi. Adevărata faimă i-a venit imediat după ce poezia „Conduc pe o stradă întunecată noaptea...” a fost publicată în revista Sovremennik în 1847:

Îți aduci aminte de sunetele trâmbițe ale trâmbițelor,
Stropi de ploaie, jumătate lumină, jumătate întuneric?
Fiul tău a plâns și mâinile reci
L-ai încălzit cu respirația...

Toată lumea a citit aceste rânduri emoționante - și a înțeles: iată-l, un cuvânt nou în poezie, a găsit în sfârșit singura formă adevărată pentru o poveste despre experiențele emoționale asociate cu sărăcia, dezordinea, viața...

Și nimeni nu i-a ajutat pe poeții anilor 1840 să rezolve problemele artistice și semnificative cu care se confruntau.

• De ce traducerile poemelor poetului francez Beranger au fost rusificate de Kurochkin? Citiți din nou citatul din poezia „Domnul Iscariotean”. Găsiți în el exemple de expresii care sunt atât de legate de viața de zi cu zi a vorbirii ruse, încât rup textul lui Beranger din tradiția franceză.

Versuri de Alexei Pleshcheev

Cu toate acestea, chiar și în anii 1840, unii poeți ruși au încercat să vorbească despre aceleași probleme sociale grave pe care le-a atins proza ​​socială în limba familiară Pușkin-Lermontov. De cele mai multe ori, acest lucru nu a avut prea mult succes. Chiar și cei mai înzestrați dintre ei.

Deci, Alexei Nikolaevich Pleshcheev (1825-1893) a scris adesea poezii civice, politice în acest deceniu; iată una dintre cele mai faimoase și mai populare:

Redirecţiona! fără teamă și îndoială
Într-o ispravă curajoasă, prieteni!
Zorii sfintei răscumpărări
Am văzut deja în rai!

... Să nu ne creăm un idol pentru noi înșine
Nici pe pământ, nici în cer;
Pentru toate darurile și binecuvântările lumii
Nu vom cădea în praf înaintea lui!...

... Ascultați bine, fraților, cuvântul unui frate,
În timp ce suntem plini de puterea tinereții:
Înainte, înainte și fără întoarcere
Indiferent ce ne promite soarta în depărtare!
(„Înainte! fără teamă și îndoială...”, 1846)

Pleșceev nu și-a citit deloc ideile rebele din cărți. A participat serios la cercul revoluționar al „Petrasheviților” (mai multe despre ei vor fi discutate în capitolul manualului dedicat lui Fiodor Mihailovici Dostoievski). În 1849, poetul a fost arestat și, împreună cu alți „petrașeviți” activi, a fost condamnat la moarte prin „împușcare”. După o așteptare groaznică chiar în piața unde urma să aibă loc executarea, i s-a spus că pedeapsa a fost comutată și că execuția a fost înlocuită cu serviciul militar. Pleshcheev, care a supraviețuit unui șoc teribil, a fost exilat în Urali și abia în 1859 i s-a permis să se întoarcă în centrul Rusiei. (Mai întâi la Moscova, apoi la Petersburg.)

Deci, gândurile exprimate în poem, Pleshcheev a suferit, a îndurat și a plătit cu propria viață. Dar o biografie reală este un lucru, iar creativitatea este oarecum diferită. În poeziile sale civice din anii 1840, Pleshcheev încă folosea familiarul iambic de patru picioare, șters din utilizarea frecventă și imagini poetice generale.

Revino la citatul din poezia „Înainte! fără teamă și îndoială...”, recitește-o.

Poetul îmbină ideile venite din Biblie („Să nu ne facem un idol... Proclamând învățăturile iubirii...”), cu idei la modă despre progresul și triumful științei („... Și să sub steagul științei // Uniunea noastră se întărește și crește ..."). Dar nu poate găsi alte modele, cu excepția odei lui Pușkin „Libertatea”, scrisă cu aproape treizeci de ani mai devreme. Poate versurile politice ale decembriștilor - dar la urma urmei, este un timp complet diferit în curte, viața însăși vorbește o altă limbă!

Pleshcheev se forțează literalmente să rimeze sloganuri revoluționare, materialul artistic rezistă la aceasta - iar în strofa finală Pleshcheev „conduce” gândirea într-o formă nestăpânită, paralizează sunetul versului. Fiți atenți la ce mulțime de sunete în ultimele două rânduri! „Înainte, înainte și fără întoarcere, // Orice ne promite stânca din depărtare!” "VPRJ ... VPRJ ... BZVZVRT ... CHTBRKVD ..." O serie continuă de ciocniri sonore, complet nejustificate de plan.

Iar ideea aici nu este talentul individual al lui Alexei Pleshcheev. Era doar un poet foarte talentat și multe dintre poeziile sale au fost incluse în fondul de aur al clasicilor ruși. Dar așa – contradictorie, inegală – era situația literară a anilor 1840 în ansamblu. Starea de lucruri, așa cum am spus deja, se va schimba abia în anii 1850 și 1860, după ce Nekrasov se află în centrul procesului literar. Și apoi Pleșcheev se va îndepărta treptat de „progresivitatea” deliberată (deși ocazional își va aminti motivele sale politice preferate), se va întoarce la temele poetice tradiționale: viața rurală, natură.

Aceste replici nepretențioase și foarte simple din Pleshcheev vor fi incluse în manualele școlare și antologiile și vor fi familiare fiecărui rus. Este suficient să pronunți primul rând – iar restul ne va veni în minte de la sine: „Iarba-i verde, // Soarele strălucește, // O rândunică cu primăvară // Zboară la noi în baldachin” („Țara Song”, 1858, tradus din poloneză). Sau: „Un tablou plictisitor! // Nori fără de sfârşit, // Ploaia se tot revarsă, // Bălţi la cerdac...” (1860).

Așa a fost soarta literară a acelor poeți ruși care au încercat apoi să îmbrace experiența socială acumulată de proză în materia subtilă a versurilor. Iar versurile altor textiști, care au rămas fidele armoniei lui Pușkin, eleganței „finisării”, au căpătat uneori un fel de muzeu, caracter memorial.

• De ce talentatul poet Aleksey Pleshcheev a reușit rar să creeze poezii „civice” în anii 1840?

În 1842, a fost publicată prima colecție de poezii a tânărului poet, fiul academicianului de pictură Apollon Nikolaevici Maikov (1821-1897). De la bun început s-a declarat poet „tradițional”, clasic; ca despre versuri, departe de cotidian, de detaliile de moment ale unei vieți trecătoare. Genul preferat al lui Maykov este versurile antologice. (Reamintim din nou: în Grecia antică, colecțiile celor mai bune, exemplare poezii erau numite antologie; cea mai faimoasă dintre antologiile antice a fost compilată de poetul Meleagro în secolul I î.Hr.) Adică, Maikov a creat poezii care stilizau plasticul lumea străveche a proporționalității, plasticității, armoniei:

Armonii ale versurilor misterelor divine
Nu te gândi să te descurci din cărțile înțelepților:
Pe malul apelor adormite, rătăcind singur, întâmplător,
Ascultă cu sufletul șoapta stufului,
vorbesc stejari; sunetul lor este extraordinar
Simțiți și înțelegeți... În armonie cu poezia
Involuntar din buzele tale octave dimensionale
Vor revărsa, sonore, ca muzica pădurilor de stejar.
("Octave", 1841)

Această poezie a fost scrisă de un tânăr autor, dar se simte imediat: el este deja un adevărat maestru. Ritmul extins este clar susținut, sunetul versului este subordonat structurii muzicale. Dacă într-un vers putem distinge cu ușurință onomatopeea foșnetului stufului („Ascultă cu sufletul șoapta stufului”), atunci în următorul vom auzi murmurul pădurii („Stejari vorbesc”). Iar în final, sunetele blânde și dure se vor împăca între ele, se vor uni într-o armonie lină: „OCTAVELE DE DIMENSIUNE // Vor revărsa, sonore, ca Muzica stejarilor”...

Și totuși, dacă ne amintim de poeziile antologice ale lui Pușkin - și comparăm rândurile pe care tocmai le-am citit cu ele, se va dezvălui imediat o anumită amorfozitate, letargie a versurilor lui Mike. Iată cum a descris Pușkin statuia Tsarskoye Selo în 1830:

După ce a scăpat urna cu apă, fecioara a spart-o pe stâncă.
Fecioara stă tristă, inactivă ținând un ciob.
Miracol! apa nu se va usca, curgând dintr-o urna spartă;
Fecioara, deasupra pârâului etern, stă pentru totdeauna tristă.

Iată o imagine a de neoprit - și în același timp oprit! - miscari. Aici scara sonoră se potrivește ideal: sunetul „u” bâzâie jalnic („Urnă cu apă... despre stâncă... MIRACUL... din Urnă... cu jet...”), explozivul sunetul „Ch” este legat de „N” extins și el însuși începe să sune mai vâscos: „din păcate... etern... etern”. Iar în prima linie, o ciocnire dură de consoane transmite sentimentul unei lovituri: „Ob UTeS ei Fecioara a bătut-o”.

Dar acest lucru nu este suficient pentru Pușkin. El comunică cititorului un sentiment profund de tristețe ascunsă; eternitatea și tristețea, perfecțiunea sculpturală a formelor și esența sumbră a vieții sunt indisolubil legate de el. De dragul acestui lucru, pare că face să se legăne versul, repetă: „... fecioara s-a rupt... fecioara stă... fecioara... stă tristă”. Repetițiile creează efectul unei mișcări circulare, fără speranță.

Iar Pușkin are nevoie doar de un cuvânt neașteptat printre expresiile netede sculptural pentru a răni cititorul, a-l zgâria, a-l înțepa puțin. Cuvântul ăsta este „inactiv”. Întâlnim expresia „un ciob gol” - și ne imaginăm imediat confuzia, tristețea „fecioarei”: doar că urna era intactă, se putea turna în ea vin, apă - și într-o secundă a devenit „inactiv. ", inutil, iar asta este deja pentru totdeauna...

Și cu Maikov, cu toată perfecțiunea poemului său timpuriu, totul este atât de uniform încât ochiul nu are ce să prindă. Secretele versului sunt „divine” (și ce altceva ar putea fi ele?), apele sunt „adormitoare”, sunetul pădurilor de stejar este „extraordinar”... Și abia ani mai târziu, în versurile lui Mike vor apărea noi imagini. , captând atenția cititorului cu prospețime, neașteptare:

Primăvară! primul cadru este expus -
Și zgomotul a izbucnit în cameră,
Și binecuvântarea templului din apropiere,
Și vorbăria oamenilor și zgomotul roții...
(„Primăvara! Se expune primul cadru...”, 1854).

Poeziile de peisaj ale regretatului Maykov, lipsite de nuanțe sociale, vor arunca un fel de provocare tonului general al epocii, gusturilor poetice dominante:

Grădina mea se ofilește în fiecare zi;
Este mototolită, ruptă și goală,
Chiar dacă înflorește luxuriant
Nasturtium în ea este un tufiș de foc...

Sunt trist! Mă enervează
Și soarele de toamnă strălucește
Și frunza care cade din mesteacăn
Și lăcustele târzii trosnesc...
(„Rândunelele”, 1856)

Tonul general al poeziei este stins, culorile sunt lipsite de „țipete”, tonuri ascuțite; dar în profunzimea poeziei se coc imagini foarte îndrăznețe. Metafora ofilării magnifice a naturii de toamnă se întoarce la „Toamna” lui Pușkin, dar cât de neașteptată este imaginea unui tufiș de nasturțiu stacojiu în flăcări, cât de contradictorii sunt sentimentele eroului liric, care nu este deloc încântat de această splendoare, dar enervat de „lucrurile” din viața de zi cu zi de toamnă...

• Sarcina de a crește complexitatea. Citiți poeziile lui Yakov Polonsky, un alt textier rus care și-a început cariera în literatură în anii 1840, dar și-a dezvăluit talentul abia în următorul deceniu. Pregătește un raport despre lumea sa artistică, folosind sfaturile profesorului și literatura suplimentară.

Kozma Prutkov

Când poezia „originală” se află într-o stare de criză, în căutarea dureros de idei noi și de noi forme de autoexprimare, genul parodiei înflorește de obicei. Adică, o reproducere comică a particularităților modului unui anumit scriitor, poet.

La sfârșitul anilor 1840, Alexei Konstantinovich Tolstoi (1817-1875) și verii săi Alexei Mihailovici (1821-1908) și Vladimir Mihailovici (1830-1884) Zhemchuzhnikovs au inventat... un poet. (Uneori, al treilea frate, Alexandru Mihailovici, s-a alăturat lucrării comune de parodie.) Ei au început să scrie poezie în numele neexistantului grafoman Kozma Prutkov, iar în aceste poezii au parodiat birocrația în toate manifestările ei. Fie că este prea rafinată, cu degetul mic pus, poezie antologică sau versuri civice prea pretențioase.

Pentru că Prutkov a venit cu o biografie „de stat”, l-a transformat în funcționar, director al Camerei de testare. Al patrulea dintre frații Jhemchuzhnikov, Lev Mihailovici, a pictat un portret al lui Prutkov, combinând în el trăsăturile martinet ale unui birocrat și masca unui poet romantic. Aceasta este înfățișarea literară a lui Kozma Prutkov, fals romantic și birocratic în același timp:

Când întâlnești pe cineva în mulțime
Cine este gol;
[Opțiune: Pe ce haină. - Notă. K. Prutkova]
A cărui frunte este mai întunecată decât cea cețoasă Kazbek,
Pas neuniform;
al cărui păr este ridicat în dezordine;
Cine, strigă,
Mereu tremurând într-o criză nervoasă, -
Știi: eu sunt!
("Portretul meu")

Sub masca lui Kozma Prutkov, incompatibilul a fost unit - imaginea romantică târzie a unui „ciudat”, poet sălbatic, „care este gol” și a unui oficial „al cărui frac este îmbrăcat”. În același mod, nu-i pasă de ce și în ce fel să scrie poezie - dacă să repete intonațiile de bravura ale lui Vladimir Benediktov sau să compună într-un spirit antic, precum Maikov sau alți poeți „antologici” ai anilor 1840:

Te iubesc fecioară când este aurie
Și udă de soare ții o lămâie,
Și tinerii văd o bărbie pufoasă
Între frunze de acant și coloane albe...
(„Greaca plastică veche”)

Prutkov înțelege din mers stilul numeroșilor imitatori ai lui Heine, creatorii poeziei „sociale”:

Pe malul mării, chiar la avanpost,
Am văzut o grădină mare.
Acolo crește sparanghelul înalt;
Varza crește modest acolo.

Întotdeauna e un grădinar acolo dimineața
Trece alene printre creste;
Poartă un șorț neîngrijit;
Sumbru privirea lui tulbure.
............................................
Zilele trecute se duce cu mașina până la el
Oficialul troicii este fulgerător.
El este în galoșuri calde și înalte,
Pe gât este o lorgnette de aur.

"Unde este fiica ta?" - întreabă
Un oficial, strâmbând ochii într-o lorgnette,
Dar, uitându-se sălbatic, grădinarul
El a fluturat mâna ca răspuns.

Și trioul a sărit înapoi,
Mătura roua de la varză...
Grădinarul stă posomorât
Și îi sapă în nas cu degetul.
("Pe malul mării")

Dar dacă „creativitatea” lui Kozma Prutkov ar fi fost doar o parodie și nimic mai mult, ar fi murit odată cu epoca ei. Dar a rămas în viața de zi cu zi a cititorului, lucrările lui Prutkov au fost retipărite timp de un secol și jumătate. Deci au depășit granițele genului! Nu e de mirare că creatorii acestei imagini colective au pus în gura personajului lor o mustrare către feuilletonistul ziarului Saint Petersburg News: „Feuilletonist, am trecut prin articolul tău... Mă pomenești în el; asta nu e nimic. nu laudă...

Vrei să spui că scriu parodii? Deloc!.. Nu scriu deloc parodii! Nu am scris niciodată parodii! De unde ți-a venit ideea că scriu parodii?! Tocmai i-am analizat în minte pe majoritatea poeților de succes; această analiză m-a condus la o sinteză; pentru că talentele, împrăștiate între alți poeți separat, s-au dovedit a fi combinate toate în mine ca unul singur! .. "

În „creativitatea” lui Prutkov motivele la modă ale poeziei ruse din anii 1840 și 1850 sunt într-adevăr rezumate, topite, o imagine amuzantă și în felul ei integrală a unui romantic birocratic, un grafoman inspirat, un predicator pompos al banalității, autorul. a proiectului „Cu privire la introducerea unanimității în Rusia”. Dar, în același timp, Prutkov uneori, ca din întâmplare, vorbește cu adevărul; unele dintre aforismele sale au intrat în viața noastră de zi cu zi, și-au pierdut sensul batjocoritor: „Dacă vrei să fii fericit, fii fericit”, „Un specialist este ca un flux: plenitudinea lui este unilaterală”. Există ceva foarte viu în personalitatea literară a lui Prutkov. Și, prin urmare, nu parodiile lui „Prutkov” ale poeților individuali (în cea mai mare parte - uitați pe bună dreptate), ci tocmai imaginea lui însăși a intrat pentru totdeauna în istoria literaturii ruse.

• Ce este o parodie? Se poate considera că poeziile scrise în numele lui Kozma Prutkov sunt doar parodii? De ce înflorește creativitatea parodică în acele momente în care literatura este în criză?

Desigur, în anii 1850 și 1860, mai favorabile poeziei, destinele literare s-au dezvoltat diferit; mulți poeți ruși, de a căror faimă suntem mândri până astăzi, nu au găsit recunoașterea cititorilor. Așadar, două poezii ale remarcabilului critic literar și de teatru Apollon Alexandrovich Grigoriev (1822-1864) - „O, vorbește-mi măcar...” și „Ungurul țigan” - au atras atenția generală doar pentru că au dobândit un al doilea - muzical - viata, au devenit romante populare. Ambele sunt dedicate chitarei, pasiunii țigănești, căderii fatale, obsesiei amoroase:

Oh, vorbește cu mine cel puțin
Prieten cu șapte corzi!
Inima mea este plină de atâta tristețe
Și noaptea este atât de luminată de lună!
("Oh, vorbește...", 1857)

Două chitare sunând
S-a plâns trist...
Din copilărie, o melodie memorabilă,
Vechiul meu prieten, tu?
.........................................
Tu ești, grozav,
Tu, fuziune rea a tristeții
Cu voluptatea unei bayadère -
Tu, motivul ungurului!

Chibiryak, chibiryak, chibiryashechka,
Cu ochi albaștri tu, draga mea!
.........
Lasă-l să doară din ce în ce mai mult
sunete de urlet,
Pentru a face inima mai repede
Plin de durere!
(„Ungur țigan”, 1857)

Apollon Grigoriev știa de la sine ce înseamnă o „sprea fulgerătoare”; a crescut în patriarhalul Zamoskvorechie, într-o familie de nobili ieșiți din clasa iobagilor (bunicul lui Grigoriev era țăran), iar în rusă, fără reținere, a tratat totul - atât la muncă, cât și la distracție. A abandonat o carieră profitabilă, a avut nevoie tot timpul, a băut mult, a stat de două ori într-o gaură de datorii - și a murit de fapt în timpul închisorii pentru datorii...

Fiind o persoană cu educație europeană, Grigoriev a apărat ideile de identitate națională în articole critice. El a numit principiile criticii sale organice, adică co-naturale cu arta, în contrast cu critica „istorică” a lui Belinsky sau cu critica „reala” a lui Dobrolyubov. Contemporanii au citit și au discutat activ articolele lui Grigoriev; cu toate acestea, în timpul vieții poetului, minunatele sale poezii au fost publicate ca o ediție separată o singură dată - și într-o ediție minusculă, doar cincizeci de exemplare ...

• Citiți „Ungurul țigan” de Apollon Grigoriev. Dezvăluie trăsăturile romantismului în construcția poeziei, arată cum începutul „muzical” este conținut în structura sa.

Alexei Tolstoi

În schimb, biografia literară a lui Alexei Konstantinovich Tolstoi (1817-1875), unul dintre principalii „creatori” ai lui Kozma Prutkov, s-a dezvoltat cu mult mai mult succes. (Ați citit deja în clasele elementare minunata sa poezie „Clopotele mele, florile stepei...”, care, la fel ca multe dintre poeziile lui Tolstoi, a devenit un roman popular.)

Provenit dintr-o familie veche, petrecându-și copilăria în moșia Mica Rusă a mamei sale din regiunea Cernihiv, Alexei Konstantinovici, în vârstă de zece ani, a fost prezentat marelui Goethe. Și aceasta nu a fost prima „cunoștință literară” a tânărului Alexei. Unchiul său, Alexey Perovsky (pseudonim - Anthony Pogorelsky), a fost un minunat scriitor romantic, autorul basmului „Găina neagră”, pe care mulți dintre voi l-ați citit. A adunat în casa sa din Petersburg toată culoarea literaturii ruse - Pușkin, Jukovski, Krylov, Gogol; nepotul a fost admis la această întâlnire a „nemuritorilor” – și pentru tot restul vieții și-a amintit conversațiile, replicile, replicile lor.

Nu este de mirare că la vârsta de șase ani începuse deja să compună; Jukovski însuși a aprobat primele sale poezii. Și mai târziu Tolstoi a scris și proză; în romanul său istoric Prințul de argint (finalizat în 1861), oamenii nobili vor acționa și vor domni pasiunile autentice; Mai mult, Alexei Konstantinovici nu a fost deloc jenat de faptul că principiile romantice ale lui Walter Scott, pe care le-a urmat invariabil, erau considerate de mulți ca fiind depășite. Adevărul nu poate deveni depășit și era sub demnitatea lui să ia în calcul moda literară.

În 1834, Alexei Konstantinovich a intrat în serviciul suveranului în arhiva de la Moscova a Ministerului Afacerilor Externe, a studiat manuscrisele rusești antice; apoi a slujit în misiunea rusă de la Frankfurt pe Main; în cele din urmă, a fost înscris în propriul birou al Majestăţii Sale – şi a devenit un adevărat curtean. La curte și-a întâlnit viitoarea soție, Sofya Andreevna Miller (născută Bakhmetyeva), s-au întâlnit la un bal în iarna anului 1850/51.

Cariera birocratică a lui Tolstoi s-a dezvoltat cu succes; a știut să-și mențină independența interioară, să-și urmeze propriile principii. Tolstoi a fost cel care l-a ajutat să elibereze din exilul din Asia Centrală și din serviciul militar pe Taras Shevchenko, marele poet ucrainean, autorul genialului poem „Niprul larg și gemete”; a făcut totul pentru ca Ivan Sergheevici Turgheniev să fie eliberat din exil la Spasskoe-Lutovinovo pentru un necrolog în memoria lui Gogol; când Alexandru al II-lea l-a întrebat odată pe Alexei Konstantinovici: „Ce se face în literatura rusă?”, el a răspuns: „Literatura rusă a pus doliu pentru condamnarea nedreaptă a lui Cernîșevski”.

Cu toate acestea, la mijlocul anilor 1850, reușind să ia parte la Războiul Crimeei, care a fost extrem de nereușit pentru Rusia, Tolstoi a decis să se retragă, pentru a se elibera de serviciul care îl apăsa de mult timp. Dar abia în 1861, Alexandru al II-lea și-a dat demisia - iar Alexei Konstantinovici s-a putut concentra pe deplin asupra operei literare.

Până atunci, lumea sa artistică se dezvoltase deja pe deplin. Așa cum însuși Tolstoi se distingea prin integritate interioară, sănătate mintală rară, așa eroul său liric este străin de îndoieli insolubile, melancolie; idealul rusesc al deschiderii, puritatea sentimentului este extrem de aproape de el:

Dacă iubești, deci fără motiv,
Dacă amenință, nu este o glumă,
Dacă certați, atât de imprudent,
Dacă tăiați, este atât de neglijent!

Dacă vă certați, este atât de îndrăzneț
Kohl pentru a pedepsi, deci pentru cauza,
Dacă ierți, așa că din toată inima ta,
Dacă există o sărbătoare, atunci o sărbătoare este un munte!

În acest opt ​​rând, scris în 1850 sau 1851, nu există un singur epitet: eroul liric nu are nevoie de nuanțe, el tinde spre certitudine, strălucire a tonurilor principale. Din același motiv, Tolstoi evită varietatea în însăși structura poeziei; principiul unanimității (anafora) este folosit în mod consecvent, trece de la rând la rând: „Kol ... așa”. De parcă poetul bate energic mâna pe masă, bătând un ritm clar...

Tolstoi nu s-a alăturat niciodată niciunuia dintre taberele în război - occidentali și slavofili; a fost un om de cultură mondială – și în același timp purtătorul unei tradiții profund rusești. Idealul său politic era Republica Novgorod, cu structura sa democratică; el credea că autoritățile interne au urmat cândva principiile morale, dar în lumea modernă le-au pierdut, le-au schimbat în interese politice și au redus diferite grupuri la o luptă meschină. Aceasta înseamnă că poetul nu poate alătura nicio „platformă” ideologică. La fel și eroul său liric - „Două tabere nu sunt un luptător, ci doar un oaspete accidental”; este liber de orice fel de obligații „de parte”.

Nu degeaba multe dintre poeziile lui Tolstoi - precum acele poezii ale lui Grigoriev despre care am vorbit - au fost puse pe muzică, au devenit „adevărate” romante și sunt încă cântate până în zilele noastre:

În mijlocul unei mingi zgomotoase, întâmplător,
În frământările lumii,
Te-am văzut, dar misterul
Trăsăturile tale voalate;

Se uitau doar ochi triști
Și vocea suna atât de minunat,
Ca sunetul unui flaut îndepărtat,
Ca valurile mării.
...............................................
Și din păcate adorm așa
Și în visele necunoscutului dorm...
Te iubesc - nu știu
Dar cred ca imi place!
(„În mijlocul unei mingi zgomotoase, întâmplător...”, 1851)

Păstrând motivele romantice tradiționale, Tolstoi le-a „îndreptat” imperceptibil, le-a simplificat în mod deliberat. Dar nu pentru că îi era frică să se apropie de abis, să se confrunte cu probleme insolubile, ci pentru că firea lui sănătoasă era dezgustată de orice ambiguitate, incertitudine. Din același motiv, din versurile sale lipsește ironia romantică, cu tragedia ei interioară, angoasa; locul lui este luat de umor - râsul liber al unei persoane vesele asupra imperfecțiunii vieții, asupra impracticabilității unui vis.

Cel mai faimos poem umoristic al lui Tolstoi - „Istoria statului rus de la Gostomysl la Timashev” are o denumire de gen: „satiră”. Dar să citim aceste versete, care prezintă în batjocură principalele evenimente ale istoriei Rusiei:

Ascultați băieți
Ce îți va spune bunicul tău?
Pământul nostru este bogat
Pur și simplu nu există ordine în el.
.......................................
Și toți au ajuns sub stindard
Și ei spun: „Cum putem fi?
Să le trimitem varangilor:
Lasă-i să vină să conducă”.

Care este principalul lucru în aceste rânduri amuzante? Un denunț satiric, supărat, caustic al neajunsurilor tradiționale rusești, sau un batjocor profund al unui rus față de sine, față de istoria lui iubită, față de imuabilitatea viciilor domestice? Desigur, al doilea; Nu e de mirare că autorul îmbracă masca unui bătrân glumeț și aseamănă cititorii cu băieți! De fapt, Alexey Tolstoi nu creează o satiră criminală, ci o parodie tristă și amuzantă. El parodiază forma cronicii, chipul cronicarului („Alcătuit din fire de iarbă // Această poveste neînțeleaptă // Călugăr subțire umil // Slujitorul lui Dumnezeu Alexei”). Dar subiectul principal al parodiei sale este diferit și care dintre ele - vom spune mai târziu.

În poezie sunt 83 de strofe, iar într-un volum atât de scurt Tolstoi reușește să încadreze o poveste parodică despre toate evenimentele principale, simbolice ale istoriei Rusiei, de la chemarea varangilor și botezul Rusiei până în 1868, când poeziile au fost. scris:

Când a intrat Vladimir
Spre tronul tatălui tău
......................................
A trimis după preoți
La Atena și Tsargrad,
Preoții au venit în cete
Botezat și cenzurat

Cântați dulce pentru ei înșiși
Și umple-le punga;
Pământul, așa cum este, este din belșug,
Doar că nu există ordine.

Bineînțeles, urmează o serie de lupte princiare - „Tătarii au aflat. // Ei, cred ei, nu vă temeți! // Îmbrăcați-vă cu flori, // Am ajuns în Rusia... // Ei strigă. : „Să aducem un omagiu!” // (Deși scoateți sfinții afară.) // Aici e mult gunoi // A venit în Rusia”. Dar tot nu există ordine. Nici noii veniți occidentali, nici „preoții” bizantini, nici tătarii-mongolii - nimeni nu a adus-o cu ei, nimeni nu a făcut față dezordinei invariabile rusești. Și aici, din adâncul istoriei naționale, vine propriul său „ordonator”:

Ivan Vasilievici cel Groaznic
Avea un nume
Pentru a fi serios
Persoana solida.

Recepțiile nu sunt dulci,
Dar mintea nu este șchiopătă;
O astfel de ordine a adus
Ce rostogolește o minge!

Astfel, prin parodie reiese viziunea proprie – și foarte serioasă – a lui Tolstoi asupra esenței istoriei ruse. Defectele ei sunt continuarea virtuților ei; această „dezordine” o distruge – și, din păcate, permite Rusiei să-și păstreze originalitatea. Nu este nimic bun în asta, dar ce se poate face... Doar doi domnitori au reușit să-i impună „ordinea”: Ivan cel Groaznic și Petru I. Dar cu ce preț!

Țarul Petru iubea ordinea,
Aproape ca țarul Ivan
Și nici nu a fost dulce.
Uneori era beat.

El a spus: „Îmi pare rău pentru tine,
Vei pieri cu totul;
Dar am un băţ
Și eu sunt tatăl tău!"

Tolstoi nu îl condamnă pe Petru („... Eu nu-l învinovăţesc pe Petru: // Dă-i stomacului bolnav // Bun de rubarbă”), dar nu acceptă rigiditatea lui excesivă. Conținut din ce în ce mai profund este scufundat în carapacea ușoară a parodiei, tristețea iese la iveală prin umor. Da, Rusia este bolnavă, dar tratamentul se poate dovedi a fi și mai rău, iar rezultatul „vindecării” este încă de scurtă durată: „... Deși este foarte puternic // A fost, poate, o primire, // Dar încă destul de puternică // Ordinea a devenit // Dar somnul a pus mâna pe mormânt // ​​Petru în floarea vieții, // Priviți, pământul este belșug, // Nu mai e ordine.

Genul satirei a lăsat loc genului parodiei, iar parodia s-a transformat pe nesimțite într-un poem filosofic, deși scris într-un mod ludic. Dar dacă o parodie se poate descurca fără un conținut pozitiv, fără un ideal, atunci o poezie filosofică nu poate niciodată. Deci, undeva trebuie să fie ascuns răspunsul lui Tolstoi la întrebarea: ce mai poate vindeca istoria Rusiei de o boală veche de secole? Nu varangii, nu Bizanțul, nici un „băț” – ce atunci? Poate că răspunsul ascuns la întrebarea evidentă este conținut în aceste strofe:

Care este motivul pentru asta
Și unde este rădăcina răului,
Catherine însăși
Nu am putut obține.

„Doamnă, cu tine este uimitor
Ordinul va înflori
I-am scris politicos
Voltaire și Diderot

Doar oamenii au nevoie
căruia ești mama,
Mai degrabă dă libertate
Hai să-ți dăm libertate.”

Dar Catherine se teme de libertate, care ar putea permite oamenilor să se vindece singuri: „... Și imediat atașat // ucrainenii de pământ”.

Poezia se încheie cu strofe despre contemporanul lui Tolstoi, ministrul de Interne Timașev, un susținător strict al „ordinei”. Ordinea în Rusia este stabilită ca înainte - cu un băț; Nu este greu de ghicit ce urmează pentru ea.

• Care este diferența dintre satiră și umor? De ce a fost genul parodiei atât de aproape de Alexei Konstantinovici Tolstoi? De ce crezi că alege o formă parodică pentru un poem filosofic despre soarta istoriei Rusiei?

Poeții anilor 1870 și 1880

Știți deja că întreaga a doua jumătate a secolului al XIX-lea, de la mijlocul anilor 1850 până la începutul anilor 1880, a trecut sub semnul lui Nekrasov, că epoca a vorbit cu vocea lui Nekrasov. În următorul capitol al manualului, vă veți familiariza în detaliu cu lumea artistică a lui Nekrasov, veți învăța să analizați poeziile și poeziile sale. Puțin mai departe, în umbra lui publică, se aflau alți doi mari textiști, Fyodor Tyutchev și Afanasy Fet. Au, de asemenea, capitole separate în manual. Între timp, să trecem direct din anii 1850 până în anii 1870-1880, să vedem ce s-a întâmplat cu poezia rusă după Nekrasov.

Și i s-a întâmplat aproape același lucru ca după Pușkin, după Lermontov, după plecarea oricărui scriitor cu adevărat de anvergură. Poezia rusă a fost din nou confuză, nu știa ce cale să urmeze. Unii textiști au dezvoltat motive sociale, civice. De exemplu, Semyon Yakovlevich Nadson (1862-1887). Așa cum Vladimir Benediktov a dus la extrem principiile artistice ale versurilor romantice, tot așa Nadson a condensat până la limită patosul și stilul versurilor civice ale modelului Nekrasov:

Prietenul meu, fratele meu, fratele obosit, suferind,
Oricine ai fi, nu renunța.
Lăsați neadevărul și răul să domnească suprem
Deasupra pământului spălat cu lacrimi
Să fie rupt și profanat idealul sfânt
Și curge sânge nevinovat,
Crede: va veni vremea - și Baal va pieri,
Și iubirea se va întoarce pe pământ!...

Poeziile lui Nadson s-au bucurat de o popularitate incredibilă în anii 1880 - aproape ca poeziile lui Benediktov din anii 1830. Pleșceev a avut grijă de el; Colecția de poezii a lui Nadson, publicată pentru prima dată în 1885, a trecut prin cinci ediții pe viață, Academia de Științe i-a acordat Premiul Pușkin. A fost numit poetul suferinței, al suferinței civice. Și când, după ce a trăit doar douăzeci și cinci de ani, Nadson a murit din cauza consumului, o mulțime de studenți și-a însoțit sicriul până la cimitir...

Dar au trecut câțiva ani - și gloria lui Nadson a început să se estompeze. Dintr-o dată, s-a dovedit cumva de la sine că era prea moralizator, prea direct, imaginile lui lipsesc de volum și profunzime, iar multe dintre poeziile sale sunt pur și simplu imitative.

De ce nu a fost observat acest lucru în timpul vieții poetului?

Asta se întâmplă uneori în literatură: scriitorul pare să cadă în punctul dureros al epocii sale, vorbește exact despre ce se gândesc contemporanii săi în acest moment. Și ei răspund din toată inima cuvântului său poetic, literar. Există un efect de rezonanță, sunetul lucrării este amplificat de multe ori. Și întrebarea cât de artistic este acest cuvânt, cât de original este, se estompează în fundal. Și când trece ceva timp și apar alte probleme în fața societății, atunci se dezvăluie toate neajunsurile artistice ascunse, „imperfecțiunile” creative.

În parte, acest lucru se aplică și unui alt poet popular din anii 1870-1880 - Alexei Nikolayevich Apukhtin (1840-1893). Spre deosebire de Nadson, el nu provenea dintr-o familie birocratică și raznochinny, ci dintr-o familie nobilă bine născută. Copilăria lui a trecut senin, în moșia părintească; a studiat la Facultatea de Drept de elită din Sankt Petersburg. Și a continuat nu tradiția socială, civică a lui Nekrasov, ci linia de dezvoltare a poeziei ruse pe care Maykov a conturat-o la vremea lui.

Apukhtin a tratat poezia ca artă pură, lipsită de tendințe, lipsită de serviciul public, parcă distilata. El s-a comportat în consecință - a evitat cu sfidătoare participarea la procesul literar „profesional”, ar putea dispărea din câmpul vizual al revistelor timp de un deceniu, apoi a început să se tiparească din nou. Cititorii, și în special cititorii de sex feminin, încă îl apreciau pe Apukhtin; intonația sa blândă, întreruptă, relația interioară a poeticii sale cu legile genului romantismului - toate acestea au rezonat în inimile cititorului:

Nopți nebune, nopți nedormite
Vorbire incoerentă, ochi obosiți...
Nopți luminate de ultimul foc,
Flori moarte de toamnă cu întârziere!
Chiar dacă timpul este o mână fără milă
Mi-a arătat ce era fals în tine,
Cu toate acestea, zbor la tine cu o amintire lacomă,
Căutând imposibilul în trecut...

Și apoi, după ceva timp, și versurile lui Apukhta au început să sune din ce în ce mai înăbușite, înăbușite; sentimentalismul ei excesiv, lipsa ei de profunzime reală au început să se dezvăluie. Locul lui Nadson și Apukhtin a fost luat de noi poeți „la modă” aparținând următoarei generații literare - Konstantin Fofanov, Mirra Lokhvitskaya. Au ocupat-o – pentru ca apoi, la rândul lor, să o cedeze altor „interpreți” de rol literar gata făcut.

Versuri de Konstantin Sluchevsky

Dar în anii 1880 și 1890, au existat cu adevărat mari talente în poezia rusă, care nu numai că au rezonat cu epoca, dar au depășit-o și au lucrat pentru viitor. Unul dintre ei este rafinatul poet liric Konstantin Konstantinovich Sluchevsky (1837-1904).

S-a născut în anul morții lui Pușkin în familia unui oficial important (tatăl său, senator, a murit în epidemia de holeră din 1848, iar mama sa a devenit șefa Institutului pentru fete Alexander-Mariinsky din Varșovia). Sluchevsky a studiat la Corpul I de Cadeți și chiar a fost trecut în Cartea de Aur a Absolvenților; apoi a servit cu brio...

Cei din jurul lui l-au considerat întotdeauna pe Slucevsky o persoană întreagă; reținerea lui aristocratică, educația strictă i-au indus în eroare pe cei din jur. Pentru că în poemele sale s-a dezvăluit o lume interioară complet diferită, ruptă-dramatică, asociată cu un sentiment romantic al vieții ca tărâm al dualității:

Nu merg niciodată singur nicăieri
Noi doi trăim între oameni:
Primul sunt eu, ceea ce am devenit în aparență,
Și celălalt - atunci sunt visul meu...

Dar deocamdată, aproape niciunul din anturajul lui Sluchevsky nu a citit aceste poezii, ele au fost publicate în publicații de mâna a treia. Dar în 1860 Sovremennik a deschis anul cu o selecție de poezii lirice ale lui Sluchevsky, iar apoi ciclul său poetic a apărut în Otechestvennye Zapiski. Criticul și poetul entuziast Apollon Grigoriev l-a declarat geniu pe noul poet, Ivan Turgheniev (care s-a certat mai târziu cu Slucevski și s-a parodiat în romanul „Fum” sub numele de Voroșilov) a fost de acord: „Da, părinte, acesta este un viitor mare. scriitor."

Recunoașterea a fost o inspirație, dar Sluchevsky a devenit ostaticul luptei literare acerbe din acei ani. Acceptat într-o „tabără”, a fost imediat respins în alta. Aripa radical diversă a editorilor Sovremennik a decis să-l excomunica pe poet din revistă, în ciuda simpatiei pe care Nekrasov însuși o simțea pentru tânărul textier. Din paginile altor publicații revoluționar-democratice, o grindină de ridicol a căzut asupra lui Slucevsky, a fost înfățișat ca un retrograd, un om fără idei.

Rezultatul a depășit așteptările: gândindu-se în categorii „învechite” de onoare și demnitate nobilă, Sluchevsky a considerat că un ofițer și un aristocrat nu ar trebui să fie eroul folitonurilor. Și - s-a retras pentru a părăsi Rusia. A petrecut câțiva ani la Universitatea din Paris - la Sorbona, la Berlin, la Universitatea din Leipzig, a studiat științele naturii, matematica. Și la Heidelberg a devenit doctor în filozofie.

În cele din urmă, în 1866, s-a întors în Rusia și a început să facă din nou o carieră - deja pe o cale civilă. El a căzut în numărul de apropiați ai familiei regale, a devenit camerlan. Dar din șocul care i-a fost provocat chiar de la începutul drumului său literar, nu și-a revenit niciodată. Și, prin urmare, și-a construit biografia poetică ca fiind categoric neliterar, amator, neimplicat în mediul profesional. (În asta era aproape de Apukhtin.)

Printre poeziile scrise de Slucevsky în anii 1860-1870 și nepublicate, cu greu vom găsi poezii „programatice”, predicătoare. Structura lor artistică este evident neuniformă, iar stilul lor este evident eterogen. Slucevsky a fost unul dintre primii din poezia rusă care a început să folosească nu doar vorbirea de zi cu zi, ci chiar munca clericală: „După totalitatea fenomenelor luminoase...”, „Zoriile au început să strălucească...”. A dezvoltat o poetică specială a consonanțelor inexacte, a rimelor nepereche:

Mi-am văzut înmormântarea.
Lumânări înalte au ars
Diaconul nedormit s-a supărat,
Şi cântau corişti răguşiţi.
................................................
Surori și frați tristi
(Cât de de neînțeles ne este natura!)
A plâns în plâns la o întâlnire veselă
Cu un sfert din venit.
................................................
Lacheii se rugau în afara ușii,
Să-și ia rămas bun de la un loc pierdut
Și în bucătărie, bucătarul mâncat în exces
joc cu aluatul crescut...

În aceste poezii timpurii, se simte clar influența versurilor amar sociale ale lui Heinrich Heine; La fel ca majoritatea textiștilor ruși din a doua jumătate a secolului al XIX-lea, Sluchevsky a căzut în câmpul energetic puternic al acestui „ultim romantic”. Dar altceva se observă deja aici: Sluchevsky are propria sa idee transversală, a cărei întruchipare nu necesită o formă poetică armonioasă, perfectă, ci un vers aspru, „neterminat”, neîmperecheat, un fel de rimă „de poticnire”.

Aceasta este ideea fragmentării, a tragicii dezbinări a vieții umane, în spațiul căreia sufletele, gândurile, inimile răsună la fel de slab și surd ca rimele nepereche în versuri.

Poate cea mai caracteristică - și în același timp cea mai expresivă - este poemul lui Slucevsky „Fulgerul a căzut în pârâu...”. Vorbește doar despre imposibilitatea întâlnirii, despre inevitabilitatea suferinței, despre imposibilitatea iubirii: „Fulgerul a căzut în pârâu. // Apa nu s-a fierbinte. // Și că pârâul a fost străpuns până la fund, / / Nu aude prin foșnetul avioanelor...<...>Nu era altă cale: / Și eu voi ierta, iar tu iertați. „Nu fără motiv apare în poeziile lui Slucevsky un motiv de cimitir, înspăimântător ca vântul nopții; nu fără motiv apare un al doilea plan ascuns. prin schiţele lui sociale.Planul este mistic.

Sluchevsky scrie constant despre Mefistofel, care a pătruns în lume, despre demonul răului, a cărui imagine dublată, vagă, clipește aici tot timpul. O astfel de viziune asupra lumii era caracteristică atunci nu numai lui Slucevsky; eroul său liric nu fără motiv seamănă cu eroii „subterani” ai lui Dostoievski. Doar că Slucevski a fost unul dintre primii care a surprins și surprins în poeziile sale acea atitudine care avea să determine foarte mult în versurile rusești – și în general în cultura rusă – de la sfârșitul secolului al XIX-lea. Această atitudine va fi numită mai târziu decadență, din cuvântul francez care înseamnă declin, o criză dureroasă a conștiinței. Poetul vrea să fie vindecat de această dezamăgire – și nu poate găsi vindecare în nimic: nici în viața socială, nici în reflecțiile asupra vieții veșnice.

• Sarcina de a crește complexitatea. Citește poezia lui Slucevski: „M-am săturat pe câmp, o să adorm tărăgănat, // Odată în sat la grămadă. // Prin fereastra deschisă văd // Și grădina noastră, și o bucată de brocart / / Noapte minunată... Aerul este strălucitor... // Cât de liniştit şi de liniştit! Voi adormi, iubitor // Întreaga lume a lui Dumnezeu... Dar laţul a strigat! // Sau m-am lepădat de mine? " Explicați de ce poetul la rând, despărțit prin virgule, folosește expresii obișnuite („Voi adormi solid”, „la sat pentru gură”) – și vocabular general poetic, sublim („... o bucată de brocart / / Să ai o noapte minunată ...")? Știți de unde a venit această imagine din poemul lui Slucevsky: „a strigat o buclă! // Sau m-am lepădat de mine?”? Dacă nu, încearcă să citești ultimele capitole din toate cele patru Evanghelii, care vorbesc despre negarea lui Hristos de către apostolul Petru. Acum formulați cum înțelegeți gândirea poetului exprimată în rândurile finale.

Poezia rusă de la sfârșitul secolului și liriștii francezi din anii 1860-1880

Charles Baudelaire. Paul Verlaine. Arthur Rimbaud

După cum am spus deja, literatura rusă din prima treime a secolului al XIX-lea a fost un student sârguincios al literaturii occidentale. Și-a ajuns repede din urmă „mentorul”, a studiat cu romantici germani și englezi, apoi cu naturaliști francezi. Și în cele din urmă „prins” cu cursul general al culturii mondiale, a devenit un participant egal la procesul cultural.

Asta nu înseamnă că scriitorii ruși au încetat complet să adopte experiența altora (doar un prost refuză lecțiile utile); dar asta înseamnă că au câștigat independență internă, au învățat să se miște în paralel, la unison cu omologii lor europeni. Prin urmare, multe din ceea ce s-a întâmplat în poezia rusă din a doua jumătate a secolului al XIX-lea pare să rima cu ceea ce se întâmpla în același timp în poezia europeană, în special franceză. Aici vorbim nu atât de influență, cât de asemănarea non-aleatorie. Sau, după cum spun istoricii și criticii literari, despre tipologie.

Știți că după Nekrasov cei mai buni poeți lirici ruși s-au întors la motivele romantice ale dublității, ale slăvirii spiritului, care au răsunat note de disperare în opera lor, a apărut o stare de declin. Aceleași motive sunt ușor de găsit în poezia franceză din anii 1860-1880.

Remarcabilul textier Charles Baudelaire (1821-1867), de stânga, rebel care a participat direct la evenimentele revoluționare din 1848, a publicat în 1857 o colecție de poezii „Florile răului”. (Colecția, fiind actualizată, a fost retipărită de mai multe ori.) Poeziile adunate în această carte nu au contestat doar moralitatea mic-burgheză (este universală); eroul liric al lui Baudelaire a experimentat o dezamăgire extremă, aproape mistică, în temeiurile civilizației creștine și și-a îmbrăcat sentimentele extrem de dizarmonice într-o formă perfectă, clasică.

Spune-mi de unde vii, frumusețe?
Privirea ta este azurul raiului sau produsul iadului?
Tu, ca vinul, intoxicați buzele care se lipesc,
În egală măsură, ești bucuros să semeni bucurii și intrigi.
Zori și apus de soare care se estompează în ochii tăi,
Tu curgeți aroma, de parcă seara e furtunoasă;
Băiatul a devenit erou, marele a căzut în praf,
După ce ți-ai băut buzele cu o urnă fermecătoare.

Asemenea predecesorilor săi romantici, Baudelaire rupe estetica și morala, și sfidător, sfidător; exclamă el, întorcându-se către Frumusețe: „Pleșești peste cadavre cu un zâmbet mândru,/ Diamantele groazei își curg strălucirea crudă...” Asta nu-l sperie; nu este teribilă Frumusețea autosuficientă, ci lumea în care vine. Și de aceea el acceptă catastrofismul său ca pe o cale teribilă de ieșire din deznădejdea pământească:

Esti Dumnezeu sau Satana? Ești un înger sau o sirenă?
Nu este tot la fel: numai tu, Regina Frumusețe,
Eliberezi lumea dintr-o captivitate dureroasă,
Trimiți tămâie, sunete și culori!
("Imnul frumuseții". Per. Ellis)

Amoralismul a devenit un principiu artistic pentru Baudelaire. Dar dacă îi citiți cu atenție poeziile - strălucitoare, periculoase, cu adevărat asemănătoare cu florile de mlaștină, va deveni clar: ele conțin nu numai otravă, ci și un antidot; acea groază, a cărei cântăreț a devenit Baudelaire, este trăită de suferința poetului, răscumpărată de durerea lumii, pe care o ia în sine. Cu toate acestea, „Florile răului” a devenit subiectul luat în considerare la o curte pariziană; poetul a fost acuzat de insultă morală publică și condamnat la „retragerea” unor poezii din cartea „Florile răului”. Judecătorii nu au fost obligați să asculte sunetul ascuns al replicilor, și-au luat decizia pe baza sensului imediat, cotidian și nu poetic al cuvintelor.

Baudelaire a început să fie tradus în Rusia în anii 1870. Iar pionierii au fost poeți populiști precum Vasily Kurochkin și Dmitri Minaev. Stilul lor, puțin rustic, era extrem de departe de poetica lui Baudelaire, jocul metaforic și patosul său complex, strălucind de proeminențe. Asemenea judecătorilor parizieni, au acordat atenție exteriorului, temelor rebele ale lui Baudelaire - doar cu semn pozitiv. Și numai textiștii ruși din generațiile următoare au reușit să dezlege misterul Baudelaire, simțit în poeziile sale un vestitor al imaginilor de amploare și tragice ale secolului al XX-lea: „Ca un steag negru, regina Tosca // Se va dezvolta victorios asupra sprânceana ei înclinată” („Splină”. Per. Vyach.I. Ivanova).

„La timp” a început să traducă un alt poet liric francez, care a aparținut generației care a urmat lui Baudelaire - Paul Verlaine (1844-1896). Ceva familiar părea să fie în poemele sale triste, gândul la inevitabila scindare a sufletului uman, la melancolia dezamăgirii care pătrunde în lume, la scăderea puterii inimii - toate acestea ne-am întâlnit cu tine și Nadson, și Apukhtin și Sluchevsky:

Gemetul de toamnă -
sunete lung,
Sunetul funerar -
Bolnav de suflet
Sună ca o sfoară
Neliniştit...
(„Cântec de toamnă”. Per. N. Minsky)

Dar toate aceste motive din poezia lui Verlaine au o nuanță sclipitoare, simbolică. Nu doar împărtășește cititorului „splina”, blues; simte că întreg universul „se găsește”, că forțele creatoare ale universului se usucă, că vine o vreme de incertitudine dureroasă, nervoasă, că omenirea este în pragul unei noi ere, în spatele căreia se află incertitudinea deplină. Și acest subtext va fi dezvăluit și numai de traducătorii de la începutul secolului al XX-lea.

Dar la sfârșitul secolului al XIX-lea, Arthur Rimbaud (1854-1891), autorul strălucitului poem tragic, catastrofal și maiestuos The Drunken Ship (1871), a fost cel mai puțin „norocos” cu traducerile în limba rusă. În această poezie au fost identificate pentru prima dată toate „liniile de forță” principale ale poeziei secolului al XX-lea, motivele tradiționale și conflictele versurilor romantice au fost transferate într-un registru fundamental diferit, asociat cu presimțirile istorice globale, cu viitorul universal. răsturnări:

Cei care m-au controlat au intrat în dezordine:
Tirita lor indiană
Că uneori, ca și mine, fără a avea nevoie de pânze,
A plecat, supunându-se curentului râului.

După ce tăcerea m-a făcut să înțeleg
Că echipajul nu mai exista,
Eu, un olandez, sub încărcătura de mătăsuri și cereale
A fost aruncat în ocean de rafale de furtună.

Cu viteza unei planete care abia a apărut,
Acum scufundându-se în fund, apoi ridicându-se deasupra abisului,
Am zburat depășind peninsulele
În spirale de uragane în schimbare.
............................................................
Dacă încă intru în apele Europei,
La urma urmei, mi se par o simplă băltoacă, -
Sunt o barcă de hârtie - sunt în ton
Un băiat plin de tristețe, ghemuit.

Mijlociți, valuri! Pentru mine, în atâtea mări
Vizitat - eu, zburând în nori -
Este potrivit să navighezi printre steaguri ale iahturilor amatoare?
Sau sub privirea teribilă a închisorilor plutitoare?
(Tradus de D. Brodsky)

Cu toate acestea, Arthur Rimbaud a început să fie tradus în Rusia mult mai târziu; care a devenit poet în Franța la sfârșitul secolului al XIX-lea, în Rusia s-a dovedit a fi un poet al secolului al XX-lea. Dar asta nu înseamnă că poeții lirici ruși din anii 1880 și 1890 nu s-au gândit la aceleași probleme, nu s-au mișcat în direcția stabilită de istorie.

• Amintiți-vă de poemul lui M.Yu. Lermontov „Vânza singuratică devine albă”. Comparați imaginile acestei poezii cu imaginile din „Corabia beată” de A. Rimbaud. Care este asemănarea, care este diferența fundamentală?

Poezia lui Vladimir Solovyov și începutul unei noi ere în versurile rusești

Și Vladimir Sergeevich Soloviev (1853-1900) a devenit un astfel de poet, care a prezis în mare măsură descoperirile artistice și ideile filozofice ale secolului al XX-lea. Devenit absolvent al Facultății de Istorie și Filosofie a Universității din Moscova și voluntar la Academia Teologică din Moscova, Solovyov sa adâncit în studiul tratatelor mistice antice despre Sofia. Adică despre Sufletul Lumii, despre Înțelepciunea lui Dumnezeu, despre personificarea Feminității Eterne. La fel ca mulți romantici, Solovyov credea că această putere mistică îi afectează în mod direct viața și, prin urmare, a căutat o întâlnire misterioasă cu Sophia.

În 1875 Vladimir Sergheevici a plecat la Londra; motivul formal a fost munca în biblioteca Muzeului Britanic, motivul real a fost căutarea unei întâlniri cu Sophia. Solovyov umple caietele cu scrieri ciudate, unde printre semnele care nu pot fi descifrate se găsește adesea un nume familiar: Sophie, Sophia. Și - părăsește brusc Londra prin Paris către Egipt. Avea o anumită „voce” care l-a chemat la Cairo. După cum scrie mai târziu în poemul „Trei date”: „„Fii în Egipt!” - s-a auzit o voce înăuntru, / Spre Paris - și aburul mă poartă spre sud. Această construcție pur solovieviană a frazei poetice este caracteristică: nu se spune un cuvânt despre starea intermediară, despre îndoieli. Decizia se ia instantaneu. Așa era natura lui Solovyov.

Din același motiv, era atât de înclinat să folosească simboluri (apropo, amintiți-vă definiția acestui concept literar, uitați-vă în dicționar). Până la urmă, un simbol nu depinde de o realitate schimbătoare, de o schimbare a unghiului de vedere. Este întotdeauna criptic în sens, dar întotdeauna definit în formă. Deci, în poemul lui Solovyov din 1875 „La regina mea...”, care tocmai a fost legat de o călătorie în Egipt, predomină culorile eternității, culorile eterne: „Regina mea are un palat înalt, / Despre șapte stâlpi de aur, / / Regina mea are o coroană cu șapte fețe, // În ea sunt nenumărate pietre prețioase. // Și în grădina verde a reginei mele // Frumusețea înflorită de trandafiri și crini, // Și într-un val transparent un pârâu argintiu / / Prinde o reflexie a buclelor și a frunții. ..”.

Grădina „reginei” este mereu verde, în orice perioadă a anului, nu se estompează; trandafirii sunt invariabil stacojii, crinii sunt albi, fluxul este argintiu. Și cu cât sunt mai neschimbate, cu atât mai „de încredere” aceste culori simbolice, cu atât sună mai dramatică tema principală a poemului. Și această temă este schimbarea inimii poetului, schimbarea feței Iubitului său Ceresc.

În Egipt, Solovyov a suferit un șoc. A petrecut o noapte înghețată în deșert, așteptând apariția Sophiei, așa cum i s-a spus de o voce interioară, dar nu a avut loc nicio întâlnire misterioasă, tânărul mistic a fost aproape bătut de nomazii locali. Un alt poet ar fi luat incidentul în mod tragic, în timp ce la Solovyov, dimpotrivă, toate acestea au provocat un atac de râs. (Nu fără motiv, într-una dintre prelegerile sale, el l-a definit pe om drept un „animal care râde”.) În general, el, la fel ca textierul său favorit Alexei Tolstoi, a scris adesea poezii pline de umor.

Râsul a fost pentru Solovyov un fel de antidot la misticismul excesiv; s-a jucat intenționat cu imaginea eroului său liric, imaginea Pelerinului, misticul, l-a plasat în situații comice. Până la autoepitaf: „Vladimir Solovyov // Zăcând în acest loc. // La început a fost filozof, // Și acum a devenit schelet...” (1892).

Dar cu aceeași ușurință inexplicabilă, Solovyov s-a întors de la ridicol, de la dezamăgire - la intonație solemnă, la farmec într-un mod mistic. În cele mai bune, poate, dintre poeziile lui Solovyov - „Ex oriente lux” (1890), Rusia este aspru invitată să aleagă între militantismul vechiului rege persan Xerxes și jertfa lui Hristos:

Oh Rus! în anticipare mare
Ești ocupat cu un gând mândru;
Ce vrei să fii estul:
Orientul lui Xerxes sau Hristos?

În anii 1890, ochii azurii ai Sophiei invizibile au strălucit din nou în mod clar asupra lui Solovyov. De data aceasta lumina nu a venit din Est, nu din Apus, ci din Nord. În iarna lui 1894, plecând să lucreze în Finlanda, Solovyov a simțit în mod neașteptat prezența secretă a Sophiei în toate - în stâncile finlandeze, în pini, în lac ... Dar atunci a făcut o concluzie pentru el însuși. despre teribila apropiere a unei catastrofe globale, despre apariția lui Antihrist. O grămadă dintre observațiile sale istorice triste a fost poemul „Pan-mongolism”:

Panmongolism! Deși cuvântul este sălbatic
Dar îmi mângâie urechile,
De parcă un vestitor al unui mare
Destinul lui Dumnezeu este plin.

...Instrumentele pedepsei lui Dumnezeu
Stocul nu a fost încă epuizat.
Pregătesc ritmuri noi
Un roi de triburi trezite.

Panmongolismul – în înțelegerea lui Solovyov – este unirea popoarelor asiatice de dragul dușmăniei cu „rasa” europeană; Vladimir Sergheevici era convins că, în secolul al XX-lea, reprezentanții militanți uniți ai „rasei galbene” vor deveni principala forță istorică: „Din apele Malay la Altai // Conducători din insulele estice // La zidurile Chinei căzute // Ei au adunat întunericul regimentelor lor”.

Aceste motive vor fi dezvoltate în opera lor de către cei mai apropiați moștenitori literari ai lui Solovyov, poeți din generația următoare care se vor numi simboliști ruși - le veți cunoaște și munca în clasa a XI-a următoare.

• Ce mentalități sunt inerente poeților ruși de la sfârșitul secolului al XIX-lea? Care este asemănarea lor cu romanticii de la începutul secolului?

1. Blok A.A. Soarta lui Apollon Grigoriev // El. Sobr. cit.: În 8 vol. M.-L., 1962.
2. Gippius V.V. De la Pușkin la Blok. M., 1966.
3. Grigoriev A.A. Amintiri. M., 1980.
4. Egorov B.F. Apollo Grigoriev. M., 2000 (Seria „Viața oamenilor remarcabili”).
5. Korovin V.I. Inima nobilă și vocea pură a poetului // Pleshcheev A.N. Poezii. Proză. M., 1988.
6. Nolman M.L. Charles Baudelaire. Soarta. Estetică. Stil. M., 1979.
7. Novikov Vl. Lumea artistică a lui Prutkov // Lucrările lui Kozma Prutkov. M., 1986.
8. Fedorov A.V. Creativitatea poetică a lui K.K. Sluchevsky // Sluchevsky K.K. Poezii și poezii. M.-L., 1962.
9. Yampolsky I.G. Mijlocul secolului: Eseuri despre poezia rusă 1840-1870. L., 1974.

Mulți dintre textiștii ruși talentați (F.I. Tyutchev, A.A. Fet, N.A. Nekrasov, A.K. Tolstoi, A.N. Maikov) și-au început călătoria la sfârșitul anilor 1830 - începutul anilor 1840. A fost o perioadă foarte nefavorabilă pentru versuri și pentru poezie. După moartea lui Pușkin și Lermontov, A.I. Herzen, „Poezia rusă a devenit amorțită”. Muțenia poeziei ruse s-a datorat diverselor motive. Principala a fost cea despre care V.G. Belinsky în articolul „O privire asupra literaturii ruse din 1843”: „După Pușkin și Lermontov, este dificil să fii nu numai remarcabil, ci și un fel de poet”. Un rol important l-a jucat o altă împrejurare: proza ​​ia stăpânire pe mintea cititorilor. Cititorii așteptau povești și romane, iar editorii revistelor, răspunzând „spiritului” epocii, furnizează de bunăvoie pagini de proză, nepublicând aproape deloc poezii lirice.

În anii 1850 poeții, s-ar părea, au învins indiferența cititorilor. În acest deceniu, prima colecție de F.I. Tyutchev, care a atras atenția tuturor: cititorii l-au recunoscut în sfârșit pe genialul poet, care și-a început cariera în anii 1820. Doi ani mai târziu, în 1856, a fost publicată o colecție de poezii a lui Nekrasov, epuizată aproape instantaneu. Dar interesul pentru cuvântul poetic dispare curând, iar noi cărți de A.K. Tolstoi, A.N. Maykova, Ya.P. Polonsky, F.I. Tyutcheva, A.A. Fet atrage atenția criticilor și a câtorva iubitori de poezie.

Între timp, poezia rusă din a doua jumătate a secolului al XIX-lea a trăit o viață foarte intensă. Originalitatea pozițiilor estetice, o înțelegere specială a scopului poetului și a poeziei generează textiștii ruși în diferite „lagăre” (după A.K. Tolstoi). Aceasta este „poezia civilă”, al cărei scop este „de a reaminti mulțimii că oamenii sunt în sărăcie” (N.A. Nekrasov) și „poezie pură”, menită să cânte „latura ideală” a vieții. F. Tyutchev, A. Fet, Ap. Maykova, A.K. Tolstoi, Ia. Polonsky, Ap. Grigoriev. Poezia civică a fost reprezentată de Nekrasov. Discuții nesfârșite între susținătorii celor două „tabere”, acuzații reciproce de pseudo-poezie sau indiferență față de viața societății explică multe în atmosfera epocii. Dar, apărând corectitudinea numai ideilor lor estetice, poeții din diferite „tabere” s-au dovedit adesea apropiați în viziunea lor poetică asupra lumii, aproape de valorile pe care le cântau. Opera fiecărui poet talentat a servit unui scop înalt - afirmarea idealului de frumusețe, bunătate și adevăr. Toți, ca să folosim expresia lui Nekrasov, „au propovăduit iubirea”, înțelegând-o în moduri diferite, dar văzând în egală măsură în ea scopul cel mai înalt al omului. În plus, opera oricărui poet adevărat, desigur, nu s-a putut încadra în patul procustean al schemelor directe. Deci, A.K. Tolstoi, care și-a declarat apartenența la poeții artei „pure”, în epopee, epigrame și poezii satirice, a reușit să vorbească foarte tranșant despre problemele vieții contemporane. PE. Nekrasov - a reflectat profund și subtil „mișcările interne, misterioase ale sufletului”, pe care susținătorii artei „pure” le considerau unul dintre subiectele principale ale poeziei.

Deși poeții din a doua jumătate a secolului al XIX-lea nu au putut învinge indiferența cititorilor față de versuri și să-i facă să aștepte cu nerăbdare colecțiile lor de poezie (cum ar fi, de exemplu, noile romane ale lui I. Turgheniev, I. Goncharov, F. Dostoievski, L. Tolstoi erau așteptați), totuși i-au pus să-și cânte poeziile. Deja în anii 1860. PE MINE. Saltykov-Șcedrin a spus că romanțele lui Fet „sunt cântate de aproape toată Rusia”. Dar Rusia a cântat nu numai Feta. Uimitoarea muzicalitate a operelor textiștilor ruși a atras atenția unor compozitori de seamă: P.I. Ceaikovski, N.A. Rimski-Korsakov, M.P. Mussorgsky, S.I. Taneeva, S.V. Rahmaninov, care a creat capodopere muzicale pe care poporul rus și le-a amintit și le-a iubit. Printre cele mai faimoase, populare sunt „Song of a Gypsy” („My fire in the fog shines”), „The Recluse”, „Challenge” de Ya.P. Polonsky, „O, cel puțin vorbești cu mine”, „Două chitare, sună...” A. Grigoriev, „În mijlocul unei mingi zgomotoase”, „Asta a fost la începutul primăverii...” A.K. Tolstoi, „Pedlars” N.A. Nekrasov și multe, multe alte poezii ale poeților ruși din a doua jumătate a secolului al XIX-lea.

Timpul, ștergând acuitatea disputelor despre numirea poetului și a poeziei, a constatat că pentru generațiile următoare atât liricii „puri”, cât și poeții „civili” se dovedesc a fi la fel de semnificativi. Citindu-le acum operele, înțelegem: acele imagini care li s-au părut contemporanilor „îndrăzneală lirică” sunt o apariție treptată, dar clară, a unor idei poetice care pregătesc înflorirea versurilor rusești ale Epocii de Argint. Una dintre aceste idei este visul iubirii „ascendente”, iubire care transformă atât omul, cât și lumea. Dar tradiția Nekrasov a devenit nu mai puțin semnificativă pentru poeții epocii de argint - „strigătul său”, potrivit lui K. Balmont, strigătul că „există închisori și spitale, poduri și subsoluri”, că „în acest moment, când suntem cu tine respira, sunt oameni care se sufoca.” Conștientizarea acută a imperfecțiunii lumii, „cuvântul ostil de negare” al lui Nekrasov combinat organic în versurile lui V. Bryusov și F. Sologub, A. Blok și A. Bely cu dor de Nespus, de ideal, dând naștere nu la dorința de a scăpa de lumea imperfectă, dar de a o transforma după Ideal.

Literatura din a doua jumătate a secolului al XIX-lea a jucat un rol important în viața publică a țării. Majoritatea criticilor și cititorilor moderni sunt convinși de acest lucru. Pe vremea aceea, lectura nu era distracție, ci modalități de a cunoaște realitatea înconjurătoare. Pentru scriitor, creativitatea în sine a devenit un act important de serviciu civic adus societății, deoarece avea o credință sinceră în puterea cuvântului creator, în probabilitatea ca o carte să influențeze mintea și sufletul unei persoane, astfel încât să se schimbe. pentru mai bine.

Opoziție în literatură

După cum notează cercetătorii moderni, tocmai datorită acestei credințe în literatura din a doua jumătate a secolului al XIX-lea s-a născut patosul civic al luptei pentru o idee, care putea juca un rol important în transformarea țării, trimițând întregul. ţară pe o cale sau alta. Secolul al XIX-lea a fost secolul dezvoltării maxime a gândirii critice interne. Prin urmare, discursurile din presa criticilor din acea vreme au intrat în analele culturii ruse.

O confruntare binecunoscută care a apărut în istoria literaturii la mijlocul secolului al XIX-lea a apărut între occidentalizatori și slavofili. Aceste mișcări sociale au apărut în Rusia încă din anii 40 ai secolului al XIX-lea. Occidentalii au susținut că adevărata dezvoltare a Rusiei a început cu reformele lui Petru I, iar în viitor este necesar să se urmeze această cale istorică. În același timp, ei au tratat cu dispreț întreaga Rusie prepetrină, constatând absența unei culturi și a unei istorii demne de respect. Slavofilii au susținut dezvoltarea independentă a Rusiei, indiferent de Occident.

Chiar în acel moment, o mișcare foarte radicală a devenit populară în rândul occidentalilor, care se baza pe învățăturile utopienilor cu părtinire socialistă, în special, Fourier și Saint-Simon. Cea mai radicală aripă a acestei mișcări a văzut revoluția ca singura modalitate de a schimba ceva în stat.

Slavofilii, la rândul lor, au insistat că istoria Rusiei nu este mai puțin bogată decât cea a Occidentului. În opinia lor, civilizația occidentală a suferit de individualism și necredință, fiind deziluzionată de valorile spirituale.

Confruntarea dintre occidentali și slavofili a fost observată și în literatura rusă din a doua jumătate a secolului al XIX-lea, și mai ales în critica lui Gogol. Occidentalii îl considerau pe acest scriitor întemeietorul tendinței socio-critice din literatura rusă, în timp ce slavofilii insistau asupra plinătății epice a poemului „Suflete moarte” și a patosului său profetic. Amintiți-vă că articolele critice au jucat un rol important în literatura rusă din a doua jumătate a secolului al XIX-lea.

"naturalisti"

În anii 1840, a apărut o întreagă galaxie de scriitori care s-au adunat în jurul criticului literar Belinsky. Acest grup de scriitori a început să fie numit reprezentanți ai „școlii naturale”.

În literatura din a doua jumătate a secolului al XIX-lea, au fost foarte populare. Protagonistul lor este un reprezentant al clasei defavorizate. Aceștia sunt artizani, purtători, cerșetori, țărani. Scriitorii au căutat să le ofere posibilitatea de a vorbi, de a-și arăta obiceiurile și modul de viață, reflectând prin ei toată Rusia dintr-un unghi aparte.

Cel mai popular dintre ele este genul, care descrie diferitele pături ale societății cu rigoare științifică. Reprezentanți de seamă ai „școlii naturale” sunt Nekrasov, Grigorovici, Turgheniev, Reshetnikov, Uspensky.

Democrați revoluționari

Până în anii 1860, confruntarea dintre occidentali și slavofili a dispărut. Dar disputele dintre reprezentanții intelectualității continuă. Orașele, industria se dezvoltă rapid în jur, istoria se schimbă. În acest moment, în literatura din a doua jumătate a secolului al XIX-lea vin oameni din diverse pături sociale. Dacă scrisul de mai devreme era soțul nobilimii, acum negustori, preoți, filisteni, funcționari și chiar țărani iau condeiul.

În literatură și critică, ideile expuse de Belinsky sunt dezvoltate, autorii pun întrebări sociale ascuțite pentru cititori.

Cernîșevski pune bazele filozofice în lucrarea sa de master.

„Critica estetică”

În a 2-a jumătate a secolului al XIX-lea, direcția „criticii estetice” a primit o dezvoltare deosebită în literatură. Botkin, Druzhinin, Annenkov nu acceptă didacticismul, proclamând valoarea inerentă a creativității, precum și detașarea acesteia de problemele sociale.

„Arta pură” ar trebui să rezolve probleme exclusiv estetice, reprezentanții „criticii organice” au ajuns la astfel de concluzii. În principiile sale, dezvoltate de Strahov și Grigoriev, adevărata artă a devenit rodul nu numai al minții, ci și al sufletului artistului.

oameni ai solului

Cultivatorii de sol au câștigat o mare popularitate în această perioadă. Printre ei se numărau Dostoievski, Grigoriev, Danilevski, Strahov. Ei au dezvoltat ideile într-un mod slavofil, avertizând în același timp să se lase prea duși de ideile sociale, să se rupă de tradiție, realitate, istorie și popor.

Au încercat să pătrundă în viața oamenilor obișnuiți, derivând principii generale pentru dezvoltarea organică maximă a statului. În revistele Epoch și Vremya, ei criticau raționalismul oponenților lor, care, în opinia lor, erau prea revoluționari.

Nihilism

Una dintre trăsăturile literaturii celei de-a doua jumătate a secolului al XIX-lea a fost nihilismul. În ea, oamenii de știință ai solului au văzut una dintre principalele amenințări la adresa realității reale. Nihilismul a fost foarte popular în rândul diferitelor secțiuni ale societății ruse. S-a exprimat prin negarea normelor de comportament acceptate, a valorilor culturale și a liderilor recunoscuți. În același timp, principiile morale au fost înlocuite de conceptele propriei plăceri și beneficii.

Cea mai frapantă lucrare a acestei tendințe este romanul lui Turgheniev „Părinți și fii”, scris în 1861. Protagonistul său Bazarov neagă dragostea, arta și compasiunea. Au fost admirați de Pisarev, care a fost unul dintre principalii ideologi ai nihilismului.

Genul romanului

Romanul joacă un rol important în literatura rusă din această perioadă. În a doua jumătate a secolului al XIX-lea epopeea lui Lev Tolstoi „Război și pace”, romanul politic al lui Cernîșevski „Ce trebuie făcut?”, romanul psihologic al lui Dostoievski „Crimă și pedeapsă” și romanul social al lui Saltykov-Șcedrin „Lord Golovlev”. " a iesit.

Cea mai semnificativă a fost opera lui Dostoievski, care reflectă epoca.

Poezie

În anii 1850, poezia a înflorit după o scurtă uitare care a urmat epocii de aur a lui Pușkin și Lermontov. Polonsky, Fet, Maikov ies în prim-plan.

În poezie, poeții acordă o atenție sporită artei populare, istoriei și vieții de zi cu zi. Devine important să înțelegem istoria Rusiei în lucrările lui Alexei Konstantinovici Tolstoi, Maikov, mai. Epopeele, legendele populare și cântecele vechi determină stilul autorilor.

În anii 1950 și 1960, opera poeților civili a devenit populară. Poeziile lui Minaev, Mihailov, Kurochkin sunt asociate cu idei democratice revoluționare. Autoritatea principală pentru poeții acestei direcții este Nikolai Nekrasov.

Până la sfârșitul secolului al XIX-lea, poeții țărani au devenit populari. Printre aceștia se numără Trefolev, Surikov, Drozhzhin. Ea continuă tradițiile lui Nekrasov și Koltsov în munca sa.

Dramaturgie

A doua jumătate a secolului al XIX-lea este momentul dezvoltării dramaturgiei naționale și originale. Autorii pieselor folosesc în mod activ folclorul, acordă atenție vieții țărănești și negustorești, istoriei naționale și limbii vorbite de oameni. Puteți găsi adesea lucrări dedicate problemelor sociale și morale, în care romantismul este combinat cu realismul. Acești dramaturgi includ Alexei Nikolaevici Tolstoi, Ostrovsky, Suhovo-Kobylin.

Diversitatea stilurilor și a formelor artistice în dramaturgie a dus la apariția chiar la sfârșitul secolului a unor opere dramatice vii ale lui Cehov și Lev Tolstoi.

Influența literaturii străine

Literatura străină din a doua jumătate a secolului al XIX-lea are o influență notabilă asupra scriitorilor și poeților ruși.

În acest moment, romanele realiste domneau în literatura străină. În primul rând, acestea sunt lucrările lui Balzac („Shagreen Skin”, „Parma Convent”, „Eugenia Grande”), Charlotte Bronte („Jane Eyre”), Thackeray („Newcomes”, „Vanity Fair”, „History of Henry Esmond”), Flaubert („Madame Bovary”, „Educația simțurilor”, „Salambo”, „Suflet simplu”).

În Anglia la acea vreme, Charles Dickens era considerat principalul scriitor, lucrările sale Oliver Twist, The Pickwick Papers, The Life and Adventures of Niklas Nickleby, A Christmas Carol, Dombey and Son sunt citite și în Rusia.

În poezia europeană, colecția de poezii a lui Charles Baudelaire „Florile răului” devine o adevărată revelație. Acestea sunt lucrările celebrului simbolist european, care a stârnit o întreagă furtună de nemulțumire și indignare în Europa din cauza numărului mare de replici obscene, poetul a fost chiar amendat pentru încălcarea normelor morale și morale, făcând din colecția de poezii una dintre cele mai populare din deceniu.