La începutul secolelor al XVI-lea și al XVII-lea, Europa a cunoscut o perioadă de tranziție de la Evul Mediu la Noua Eră. Această perioadă are o importanță excepțională pentru istoria europeană. Mulți istorici îl numesc „timpul marii descoperiri” și din motive întemeiate.

Este cel mai oportun să luăm în considerare istoria New Age din epoca Reformei și a Marilor Descoperiri Geografice. Descoperirea Lumii Noi, o nouă rută maritimă către India și ținuturile Asiei de Sud-Est și, în cele din urmă, primele călătorii în jurul lumii nu numai că au format noi idei pentru europeni despre lume în ansamblu, ci au dus și la o schimbarea intereselor geopolitice ale statelor europene. A început formarea Europei ca întreg unic care se opune restului lumii.

În această perioadă au fost stabilite metodele modului de producție capitalist, nivelul forțelor productive a crescut semnificativ și s-au schimbat formele de organizare a producției. Datorită introducerii inovațiilor tehnice, productivitatea muncii a crescut și ritmul dezvoltării economice s-a accelerat.

Marile descoperiri geografice au stimulat legături internaționale active, în primul rând economice, și s-au stabilit relații marfă-bani. Din pământurile nou descoperite au curs comori, ceea ce a avut ca rezultat o creștere a prețurilor, numită „revoluția prețurilor”, a contribuit la creșterea bogăției monetare în rândul întreprinzătorilor, comercianților, aceasta servind ca acumulare inițială de capital. Procesul de formare a piețelor naționale, piețelor paneuropene și mondiale, s-a adâncit. Pentru prima dată în istoria omenirii există burse de valori.

Au fost schimbări dramatice în agricultură. În Anglia, Franța, Țările de Jos, aproape toți țăranii erau deja liberi personal. Cea mai importantă inovație a fost dezvoltarea pe scară largă a relațiilor de închiriere. Proprietarii au dat în arendă pământul țăranilor. Din punct de vedere economic, era mai profitabil decât organizarea propriei economii proprietarilor.

În timpul Reformei, Biserica Catolică s-a despărțit. O nouă viziune asupra lumii bazată pe umanism lua contur. O persoană concretă a devenit centrul lumii.

secolele XVI-XVII marcat de prima revoluţie ştiinţifică. Au loc schimbări progresive în dezvoltarea științelor naturale, în domeniile fizicii, matematicii și astronomiei. O contribuție majoră a fost adusă de oameni de știință precum Nicolaus Copernic, Galileo Galilei, Leonardo da Vinci, Giordano Bruno și alții.

În legătură cu călătoriile în jurul lumii, expedițiile, Anglia, Portugalia, Olanda și Spania au reușit în politica colonială. În mâinile cărora se aflau uriașe posesiuni coloniale.

Contradicțiile dintre clasele conducătoare au dus la revoluții burgheze, mai întâi în Anglia în secolul al XVII-lea, apoi în Franța, Germania și alte țări.

Consecința revoluțiilor burgheze a fost nu numai libertatea activității economice, ci și schimbările în formele de guvernare și promovarea și formarea statului de drept și a societății civile.

În Franța, s-a păstrat încă o monarhie absolută, s-a format o structură socială deosebită, în care au prevalat nu antreprenori, ci cămătari, operațiuni agricole, s-a format cel mai mare aparat administrativ și de stat. Astfel de trăsături istorice au condus la o participare semnificativă la procesele economice ale statului francez, care sprijină dezvoltarea fabricilor și o politică activă de comerț exterior.

Italia până la începutul New Age nu reprezenta un singur stat. Fragmentarea politică a împiedicat dezvoltarea industriei și a comerțului. Țăranii au întâmpinat cele mai mari dificultăți.

O caracteristică a dezvoltării Germaniei a fost păstrarea fragmentării politice a țării, care, împreună cu alți factori, a încetinit dezvoltarea relațiilor capitaliste și a dus la situația dificilă a țărănimii.

Evenimente istorice majore din secolele XVI-XVII. în Germania au fost Reforma, Războiul Țăranilor și Războiul de 30 de ani la scară paneuropeană.

Ca urmare a acestor răsturnări, trecerea la New Age în Germania a fost caracterizată de instaurarea celor mai severe forme de iobăgie.

Godunov impostura guvernează răscoala

Universitatea: VZFEI

Anul și orașul: Vladimir 2009

Opțiunea 15

Introducere

1. Dezvoltarea științei și filosofiei în Europa în secolul al XVII-lea. Începutul etapei I a revoluției științifice și tehnologice.

2. Dezvoltarea picturii în Olanda. Decorarea școlilor de artă

stil baroc.

3.Cultura Franței în secolul al XVII-lea. Decorat in stil clasic.

4. Cultura engleză a secolului al XVII-lea.

Concluzie

Bibliografie.

Introducere

Secolul al XVII-lea este un punct de cotitură în dezvoltarea societății umane: Evul Mediu se termină și începe New Age. Evenimentele centrale ale acestui secol sunt etapa finală a Marilor descoperiri geografice, prima revoluție științifică, precum și revoluția socială, burgheză, din Anglia. Rezultatul acestor realizări a fost formarea unei piețe mondiale, când se stabilesc legături economice regulate între toate continentele și se stabilesc relații capitaliste în Europa.

Desigur, aceste procese au influențat dezvoltarea în secolul al XVII-lea. cultura europeana.

Dezvoltarea științei și a filosofiei în Europa în secolul al XVII-lea. Începutul etapei I a revoluției științifice și tehnologice.

Printre diferitele tipuri de cultură spirituală, un loc aparte în secolul al XVII-lea. grăsime ocupată, care nu numai că a primit dezvoltare, dar a făcut o descoperire, numită prima revoluție a grăsimilor din istoria omenirii. Rezultatul său a fost formarea științei moderne.

Cea mai importantă etapă în dezvoltarea științei a fost New Age - secolele XVI-XVII. Aici, nevoile capitalismului emergent au jucat un rol decisiv. În această perioadă, dominația gândirii religioase a fost subminată, iar experimentul (experimentul) a fost stabilit ca metodă principală de cercetare, care, împreună cu observația, a extins radical domeniul de aplicare al realității cognoscibile. În acest moment, raționamentul teoretic a început să fie combinat cu explorarea practică a naturii, care a crescut dramatic capacitățile cognitive ale științei. Această transformare profundă a științei, care a avut loc în secolele XVI-XVII, este considerată prima revoluție științifică care a dat lumii nume precum I. Copernic, G. Galileo, J. Bruno, I. Kepler, W. Garvey, R. Descartes, X. Huygens, I. Newton şi alţii.

Nevoile economice, extinderea industriei prelucrătoare, comerțul au contribuit la creșterea rapidă a științelor exacte și naturale. În secolul al XVII-lea a finalizat trecerea de la o percepție poetico-holistică a lumii la metode științifice adecvate de cunoaștere a realității. Motto-ul epocii poate fi numit cuvintele lui Giordano Bruno, spuse în pragul ei: „Singura autoritate ar trebui să fie rațiunea și cercetarea liberă. Acesta a fost timpul marilor descoperiri ale lui Galileo, Kepler, Newton, Leibniz, Huygens în matematică. , astronomia și diverse domenii ale fizicii, realizări remarcabile ale gândirii științifice, au pus bazele dezvoltării ulterioare a acestor ramuri de cunoaștere.
Galileo Galilei(1564-1642), om de știință italian, unul dintre fondatorii științelor naturale exacte, a considerat experiența drept baza cunoașterii. El a respins pozițiile eronate ale lui Aristotel și a pus bazele mecanicii moderne: a prezentat ideea relativității mișcării, a stabilit legile inerției, căderii libere și mișcării corpurilor pe un plan înclinat și adăugarea mișcărilor. . S-a angajat în mecanica construcțiilor, a construit un telescop cu o creștere de 32 de ori, datorită căruia a făcut o serie de descoperiri astronomice, a apărat sistemul heliocentric al lumii, pentru care a fost supus curții Inchiziției (1633) și și-a petrecut sfârșitul vieții în exil.
Johannes Kepler(1871-1630), astronom german, unul dintre fondatorii astronomiei moderne. A descoperit legile mișcării planetare, a alcătuit tabele planetare, a pus bazele teoriei eclipselor, a inventat un nou telescop cu lentile binoculare.
Isaac Newton(1643-1727), matematician, mecanic, astronom și fizician englez, creator al mecanicii clasice. El a descoperit dispersia luminii, aberația cromatică, a dezvoltat o teorie a luminii care combina reprezentările corpusculare și ondulatorii. El a descoperit legea gravitației universale și a creat bazele mecanicii cerești.
Gottfried Leibniz(1646-1716), matematician, fizician, filozof, lingvist german. Unul dintre creatorii calculului diferențial, a anticipat principiile logicii matematice moderne. În spiritul raționalismului, el a dezvoltat doctrina capacității înnăscute a minții de a cunoaște categoriile superioare de ființă și adevărurile universale necesare ale logicii și matematicii.
Christian Huygens(1629 - 1695) - Om de știință olandez, a inventat un ceas cu pendul cu o scăpare, a stabilit legile oscilației unui pendul fizic. El a creat teoria ondulatorie a luminii.Împreună cu R. Hooke, a stabilit punctele constante ale termometrului. A îmbunătățit telescopul (ocularul Huygens), a descoperit inelul lui Saturn. Autorul unuia dintre primele tratate de teoria probabilității.
Oameni de știință precum Harvey, Malpighi, Leeuwenhoek au contribuit la multe ramuri ale biologiei.
William Harvey(1576-1637), medic englez, fondator al fiziologiei și embriologiei moderne. El a descris cercurile mari și mici ale circulației sângelui, a exprimat pentru prima dată ideea originii „tuturor viețuitoarelor din ou”.
Marcello Malpighi(1628-1694), biolog și medic italian, unul dintre fondatorii microanatomiei, a descoperit circulația capilară.
Anton Leeuwenhoek(1632-1723), naturalist olandez, unul dintre fondatorii microscopiei științifice. A făcut lentile cu mărire de 150-300 de ori, ceea ce a făcut posibilă studierea microbilor, celulelor sanguine etc.
Astfel, lucrările oamenilor de știință-cercetători din secolul al XVII-lea. a creat baza progresului tehnologic.

Filozofie
Dezvoltarea științelor exacte și naturale a servit în mod direct ca un impuls pentru un salt puternic în gândirea filozofică. Filosofia s-a dezvoltat în strânsă legătură cu științele. Părerile lui Bacon, Hobbes, Locke în Anglia, Descartes în Franța, Spinoza în Olanda au avut o mare importanță în instaurarea materialismului și formarea ideilor sociale avansate, în lupta împotriva curentelor idealiste și a reacției bisericești.
bacon Francis(1561 - 1626), un filozof englez, fondatorul materialismului englez, a fost Lord Cancelar sub regele James I. În tratatul său „New Organon” (1620), el a proclamat scopul științei de a crește puterea omului asupra naturii și a propus o reformă a metodei științifice a cunoașterii, pe baza căreia a considerat apelul la experiență și prelucrarea acesteia prin inducție. Bacon a scris utopia „Noua Atlantida”, în care a conturat proiectul organizării statale a științei.
Filosofia lui Bacon, care s-a conturat în atmosfera ascensiunii științifice și culturale a Europei în ajunul revoluțiilor burgheze, a avut o influență enormă asupra unei întregi ere a dezvoltării filozofice și științifice; clasificarea cunoştinţelor propusă de el a fost acceptată de enciclopediştii francezi. Învățătura sa a stabilit tradiția materialistă în filosofia timpurilor moderne, iar metodologia sa inductivă a devenit baza dezvoltării logicii inductive.

Thomas Hobbes(1568-1679) a continuat linia lui Bacon, a considerat cunoașterea ca o putere și a recunoscut utilizarea ei practică ca sarcina supremă a filosofiei. Hobbes a creat primul sistem de materialism mecanicist din istoria filozofiei. Doctrina socială a lui Hobbes despre stat și rolul puterii de stat a avut un impact semnificativ asupra dezvoltării gândirii sociale europene.
Ideile lui Francis Bacon sunt dezvoltate și de John Locke (1632-1704), un filozof-iluminator și gânditor politic englez. El a dezvoltat teoria empirică a cunoașterii și doctrina ideologică și politică a liberalismului. Potrivit lui Marx, Locke a fost „... exponentul clasic al ideilor juridice ale societății burgheze spre deosebire de societatea feudală”. Ideile lui Locke au jucat un rol uriaș în istoria gândirii filozofice și socio-politice a iluminismului european.
Cel mai proeminent reprezentant al filozofiei franceze a secolului al XVII-lea. crede pe bună dreptate Rene Descartes(1596-1650). Filosof, matematician, fizician și fiziolog, el a fost un tip de personalitate revivalist universal care trăia în secolul al XVII-lea. și reflectând în lucrări științifice și filozofice complexitatea și inconsecvența timpului său tulbure. El a pus bazele geometriei analitice, a formulat legi și concepte din domeniul mecanicii, a creat o teorie a formării și mișcării corpurilor cerești datorită mișcării vortexului particulelor de materie. Dar o contribuție deosebită la cultura mondială îi aparține filosofului Descartes. Descartes este autorul celebrului dicton: „Gândesc, deci sunt”. Descartes este un reprezentant al filozofiei dualismului. Potrivit lui Descartes, cauza comună a mișcării este Dumnezeu, care a creat materia, mișcarea și odihna. Omul este un mecanism corporal fără viață plus un suflet cu gândire și voință. Certitudinea imediată a conștiinței stă la baza oricărei cunoștințe. Descartes a încercat să demonstreze existența lui Dumnezeu și realitatea lumii exterioare. Principalele lucrări ale lui Descartes sunt „Geometrie” (1637), „Discurs asupra metodei...” (1637), „Principii ale filosofiei” (1644).
Benedict Spinoza(1632-1677), filozof materialist olandez, panteist, ca mulți dintre contemporanii săi, a transferat legile matematice în filosofie. El credea că lumea este un sistem natural care poate fi cunoscut prin metoda matematică. Natura, după Spinoza, este Dumnezeu, o substanță unică, eternă, infinită. Gândirea și atracția sunt proprietățile sale inalienabile, în timp ce lucrurile și ideile sunt fenomene (moduri) unice. Omul este o parte a naturii, sufletul său este un mod de gândire, corpul său este un mod de extindere. Voința și mintea sunt una, toate acțiunile umane sunt incluse în lanțul determinării universale a lumii. Învățătura lui Spinoza a avut o mare influență asupra dezvoltării ateismului și materialismului.

Revoluția științifică a secolului al XVII-lea. legat de revoluția din știința naturii. Dezvoltarea forțelor productive a necesitat crearea de noi mașini, introducerea proceselor chimice, cunoașterea legilor mecanicii și instrumente precise pentru observații astronomice.

Revoluția științifică a trecut prin mai multe etape, iar formarea ei a durat un secol și jumătate. Începutul ei a fost pus de N. Copernic (1473-1543) și adepții săi Bruno, Galileo, Kepler. În 1543, omul de știință polonez N. Copernic a publicat cartea „Despre revoluțiile sferelor cerești”, în care a aprobat ideea că Pământul, ca și alte planete ale Sistemului Solar, se învârte în jurul Soarelui, care este corpul central. a Sistemului Solar. Copernic a stabilit că Pământul nu este un corp ceresc exclusiv. Aceasta a fost o lovitură pentru antropocentrism și legendele religioase, conform cărora Pământul ocupă o poziție centrală în univers. Sistemul geocentric al lui Ptolemeu, acceptat de multe secole, a fost respins. Dar opera lui Copernic din 1616 până în 1828 a fost interzis de Biserica Catolică.

A dezvoltat învățăturile lui Copernic în secolul al XVI-lea. gânditorul italian J. Bruno (1548-1600), autorul lucrărilor, inovatoare pentru vremea sa, Despre infinit, univers și lumi, Despre cauză, început și una. El credea că Universul este infinit și fără măsură, că reprezintă un număr nenumărat de stele, fiecare dintre ele similară cu Soarele nostru și în jurul cărora se învârt planetele lor. Opinia lui Bruno este acum pe deplin confirmată de știință. Și apoi, în Evul Mediu, pentru aceste vederi îndrăznețe, J. Bruno a fost acuzat de erezie și ars de Inchiziție.

Galileo (1564-1642) deține cele mai mari realizări în domeniul fizicii și dezvoltarea celei mai fundamentale probleme - mișcarea; realizările sale în astronomie sunt enorme: justificarea și aprobarea sistemului heliocentric, descoperirea celor mai mari patru sateliți ai lui Jupiter din cei 13 cunoscuți în prezent; descoperirea fazelor lui Venus, apariția extraordinară a planetei Saturn, acum cunoscută a fi creată de inele reprezentând o colecție de corpuri solide; un număr mare de stele care nu sunt vizibile cu ochiul liber. Galileo a avut succes în realizările științifice în mare măsură, deoarece a recunoscut observațiile și experiența ca punct de plecare pentru cunoașterea naturii.

Galileo a fost primul care a observat cerul printr-un telescop (un telescop cu mărire de 32x a fost construit de însuși savantul). Principalele lucrări ale lui Galileo sunt Starry Herald, Dialogs on the Two Systems of the World.

Unul dintre creatorii astronomiei moderne a fost I. Kepler (1571-1630), care a descoperit legile mișcării planetare, care poartă numele lui (legile lui Kepler). El a alcătuit așa-numitele tabele planetare Rudolf. Spre meritul său, punând bazele teoriei eclipselor, el a inventat un telescop cu lentile biconvexe. Și-a publicat teoriile în cărțile New Astronomy și Brief Review of Copernican Astronomy. Medicul englez W. Harvey (1578-1657) este considerat fondatorul fiziologiei și embriologiei moderne. Lucrarea sa principală este Un studiu anatomic asupra mișcării inimii și a sângelui la animale. El a descris cercurile mari și mici ale circulației sângelui. Învățătura sa a respins aureola ideilor existente anterior expuse de medicul antic roman Golen (c.130-c.200). Harvey a fost primul care a afirmat că „tot ce trăiește vine dintr-un ou”. Cu toate acestea, întrebarea a rămas deschisă cum sângele care vine din inimă prin vene se întoarce la ea prin artere. Ipotezele sale despre existența unor vase mici de legătură au fost dovedite în 1661 de către cercetătorul italian M. Molpigi (1628-1694), care a descoperit la microscop capilare care leagă venele și arterele.

Printre meritele lui R. Descartes (1596-1650) - om de știință francez (matematician, fizician, filolog, filozof) - introducerea axei de coordonate, care a contribuit la unificarea algebrei și geometriei. El a introdus conceptul de variabilă, care a stat la baza calculului diferențial și integral al lui Newton și Leibnitz. Pozițiile filozofice ale lui Descartes sunt dualiste, el a recunoscut sufletul și corpul, dintre care sufletul este o substanță „gânditoare”, iar corpul este o substanță „întinsă”. El credea că Dumnezeu există, că Dumnezeu a creat materia, mișcarea și odihna. Principalele lucrări ale lui Descartes sunt „Geometrie”, „Discurs asupra metodei”, „Principii ale filosofiei”.

Omul de știință olandez X. Huygens (1629-1695) a inventat ceasul cu pendul, a stabilit legile mișcării pendulului, a pus bazele teoriei impactului, teoria ondulatorie a luminii și a explicat birefringența. S-a angajat în astronomie - a descoperit inelul lui Saturn și satelitul său Titan. A pregătit una dintre primele lucrări despre teoria probabilității.

Unul dintre cei mai mari oameni de știință din istoria omenirii este englezul I. Newton (1643-1727). A scris un număr imens de lucrări științifice în diverse domenii ale științei („Principii matematice ale filosofiei naturale”, „Optică” etc.). Cele mai importante etape ale dezvoltării opticii, astronomiei și matematicii sunt asociate cu numele său. Newton a creat bazele mecanicii, a descoperit legea gravitației universale și a dezvoltat pe baza ei teoria mișcării corpurilor cerești. Această descoperire științifică l-a glorificat pe Newton pentru totdeauna. El deține astfel de descoperiri în domeniul mecanicii precum conceptele de forță, energie, formularea celor trei legi ale mecanicii; în domeniul opticii, descoperirea refracției, dispersiei, interferenței și difracției luminii; în domeniul matematicii - algebră, geometrie, interpolare, calcul diferențial și integral.

În secolul al XVIII-lea. descoperiri revoluționare au fost făcute în astronomie de I. Kant și P. Laplace, precum și în chimie - începutul său este asociat cu numele AL. Lavoisier.

Filosoful german, fondatorul filosofiei clasice germane I. Kant (1724-1804) a elaborat o ipoteză cosmogonică a originii sistemului solar din nebuloasa originală (tratat „Istoria naturală generală și teoria cerului”).

P. Laplace (1749-1827) - astronom francez, matematician, fizician, autor al unei lucrări clasice despre teoria probabilităților și mecanica cerească (considerată dinamica sistemului solar în ansamblu și stabilitatea acestuia). Laplace a scris un tratat de mecanică cerească și o teorie analitică a probabilității. La fel ca Kant, el a propus o ipoteză cosmogonică, ea a fost numită după el (ipoteza lui Laplace).

Chimistul francez A.L. Lavoisier (1743-1794) este considerat unul dintre
el de la fondatorii chimiei moderne. În cercetare
a folosit metode cantitative. Explicați rolul oxigenului în
procese de ardere, prăjire a metalelor și respirație. Unul dintre fondatorii termochimiei. Autorul cursului clasic „Manual inițial
Chimie”, precum și eseul „Metode de denumire a elementelor chimice”.

Dezvoltarea picturii în Țările de Jos. Decorarea școlilor de artă

stil baroc.

Secolul al XVII-lea a fost o epocă de aur pentru pictura olandeză: școlile naționale de artă nu cunoșteau arta curții, nu se amestecau în munca pictorilor și a bisericii. Arta flamandă s-a dezvoltat în moduri oarecum diferite. După împărțirea Țărilor de Jos în Olanda și Flandra, principalii clienți pentru operele de artă din Flandra au fost nobilimea, burgherii superioare și Biserica Catolică. Ordinea socială a predeterminat scopul creativității artistice - de a decora castele, casele patriciate și lăcașurile de cult. Prin urmare, genul predominant al picturii seculare au fost portretele clienților nobili și bogați, scenele de vânătoare, naturile moarte uriașe.

Artiștii remarcabili din Flandra din acest timp sunt Rubens, Van Dyck, Jordanes și Snyders.

Peter Paul Rubens (1577-1640) avea un talent universal. Subiectele pânzelor sale sunt variate (religioase, mitologice, alegorice, peisaje, scene de viață țărănească, portrete), dar toate sunt impregnate de un început uriaș de afirmare a vieții. Maestrul se caracterizează printr-o combinație de observații realiste și frumusețe senzuală a imaginilor, dramă. În tablouri, realizate în stil baroc, euforie, patos, mișcare furtunoasă. Pânzele sunt pline de strălucire decorativă și culoare. Cele mai cunoscute picturi ale lui Rubens sunt „Înălțarea Crucii”, „Coborârea de pe Cruce”, „Perseu și Andromeda”, „Istoria Mariei Medici”, „Întoarcerea Secerătorilor”, „Batșeba”, portrete - „Doamna de serviciu ”, „Haton de blană”, autoportrete .

Rubens și-a creat propria lume - lumea zeilor și a eroilor pentru a se potrivi cu imaginile hiperbolice din „Gargantua și Pantagruel” de F. Rabelais. Culoarea pânzelor sale este construită pe contrastul tonurilor corpului gol cu ​​robe strălucitoare și un ton nobil reținut.

Cel mai faimos elev al lui Rubens, genialul portretist Antonio van Dyck (1599-1641), a intrat în istoria artei plastice. Este autorul unor portrete ceremoniale ale aristocraților, politicienilor, prelaților bisericești, burgherilor înstăriți, frumuseților locale, colegilor artiști. A pictat multe portrete și membri ai familiei regale. În ciuda splendorii portretelor, artistul reușește să surprindă trăsături individuale în fiecare

modele și arată o măiestrie strălucită. Personajele sale sunt fără efort și grațioase, iar împrejurimile lor sunt decorativ decorative. Van Dyck are picturi pe subiecte mitologice și creștine impregnate de lirism („Susanna și bătrânii”, „Sf. Ieronim”, „Madona cu potârnichi”).

Unul dintre artiștii remarcabili ai Flandrei este Jacob Jordan (1593-1678). Pânzele sale la scară mare înfățișează scene mitologice, alegorice, din viața țărănească. Genul meu preferat este picturile de zi cu zi („Regele fasolei”, „Adorarea ciobanilor”, „Satira în vizită la țăran”). Jordane a exprimat cel mai pe deplin aroma națională și tipul național.

Frans Snyders (1579-1657) a devenit faimos pentru naturile sale moarte și scenele de vânătoare. Naturile lui moarte sunt monumentale, decorative, colorate. Snyders a pictat superb darurile naturii - pește, carne, fructe (seria „Magazine”), blănuri, pene, lupte cu animale.

stil baroc.

Artistic Stilurile artistice dominante ale secolului al XVII-lea al acestui secol au fost baroc și clasicism. Stilul baroc, baroc, a existat în Europa între 1600 și 1750. Se caracterizează prin expresivitate, splendoare, dinamică. Menționată să susțină Biserica Catolică în lupta sa împotriva Reformei, arta barocă a căutat să afecteze direct sentimentele publicului. Un exemplu de cea mai înaltă expresie a sentimentelor este sculptura Berninei „Extazul Sf. Teresa.” Pictura, sculptura, decorul, arhitectura creează un efect dramatic holistic. Stilul care a apărut inițial în bisericile romane cucerește toată Europa, dobândind în același timp noi trăsături.

Arta barocă s-a dezvoltat în statele feudal-absolutiste sub influența puternică a catolicismului (Italia, Spania, Flandra). Arta vizuală a barocului nu poate fi înțeleasă în afară de legătura ei cu arhitectura. Arhitectura, care combină factorii utilitari și artistici într-o măsură mai mare decât alte tipuri de artă, este asociată cu progresul material și este mai dependentă de ideologia dominantă (arhitectura templului și urbanismul se realizează cu banii bisericii și ai oamenilor bogați, dar în același timp servește societății în ansamblu). În clădirile de cult baroc, toate cele mai bogate posibilități de sinteză a arhitecturii, sculpturii, artei decorative și picturii sunt concepute pentru a lovi imaginația privitorului, impregnată de un sentiment religios. În aceeași Italia se ridică structuri seculare, reprezentând o etapă importantă în dezvoltarea arhitecturii mondiale. Se dezvoltă tehnici de urbanism, un ansamblu urban integral, se construiesc complexe palate și parcuri în care se descoperă noi principii de legătură dintre arhitectură și mediul natural.
Barocul se caracterizează printr-o mare exaltare emoțională și natura patetică a imaginilor, care se realizează datorită dimensiunii clădirilor, monumentalizării exagerate a formelor, dinamicii construcției spațiale și expresivității plastice crescute a volumelor. De aici și planurile curbilinii, curbele pereților, pe care, parcă, cresc cornișe, frontoane, pilaștri; formele mici de decor arhitectural abundă: ferestrele sunt decorate cu diverse arhitrave, nișe - cu statui. Impresia generală de mișcare rapidă și bogăție este completată de sculptură, picturi murale, stucaturi, marmură colorată și bronzuri. Adăugați la aceasta contraste pitorești de clarobscur, perspectivă și efecte iluzionistice.
Religie, clădiri palate, sculptură, fântâni (Roma) sunt combinate într-o imagine artistică integrală. Același lucru se poate spune despre complexele de palate și parcuri din alte regiuni ale Italiei din epoca barocului, care se remarcă prin utilizarea excepțional de magistrală a terenului complex, vegetație sudică bogată, cascade de apă în combinație cu forme mici - pavilioane, garduri, fântâni, statui. și grupuri sculpturale.
Cel mai clar, trăsăturile barocului au fost întruchipate în sculptura monumentală, în opera lui Lorenzo Bernini (ideile triumfului misticismului asupra realității, expresivitatea extatică a imaginilor, dinamica furtunoasă a cotelor).
În pictură, contribuția la arta barocului a fost adusă de frații academicieni din Bologna Carracci, Guido, Reni, Gvercino. Conceptul baroc își atinge deplina dezvoltare cu Pietro da Norton, Bacciccio și alții.În compozițiile lor cu mai multe figuri saturate de mișcare puternică, personajele par a fi purtate undeva de o forță necunoscută. În pictura barocă au dominat picturile monumentale și decorative, în principal plafoane, picturi de altar înfățișând apoteozele sfinților, scene de miracole, martiri, uriașe compoziții istorice și alegorice, portret popular (stil mare). În arta barocă, în special în sculptura monumentală a lui Bernini, nu numai ideile religioase au fost reflectate, ci și o criză acută și contradicții ireconciliabile în Italia în secolul al XVII-lea.
Arta barocă din Flandra are specificul ei. La Rubens, Jordans și alți maeștri, antiteza dintre pământesc și mistic, real și iluzoriu, care este caracteristică conceptului baroc, este exprimată mai exterior, fără a se transforma într-o disonanță tragică. La Rubens, în multe compoziții de altar, precum și în picturile pe teme ale mitologiei antice, omul și viața reală sunt glorificate.
Spania în secolul al XVII-lea. barocul s-a dezvoltat în forme naționale originale în arhitectură, sculptură și pictură, cu o polarizare pronunțată.
În Franța, stilul baroc nu a ocupat o poziție de lider, ci Franța în secolul al XVII-lea. - Aceasta este arena istorică a dezvoltării clasicismului.

Cultura franceză în secolul al XVII-lea. Decorat in stil clasic.

Clasicismul a fost recunoscut ca tendință oficială în literatura franceză de la formarea în 1635 a Academiei de Literatură din Paris.

În secolul al XVII-lea, când s-a stabilit puterea nelimitată a monarhului în Franța, care a atins apogeul sub Ludovic al XIV-lea, s-a format o tendință clasicistă care a îmbrățișat toate tipurile de creativitate artistică - clasicismul. Clasicismul, bazat pe respectarea principiilor artei antice: raționalism, simetrie, intenție, reținere și respectarea strictă a conținutului operei cu forma sa, a căutat să exprime idealurile sublime, eroice și morale, să creeze imagini clare, organice. În același timp, clasicismul a purtat trăsăturile utopismului, idealizării, abstracției, academicismului, care au crescut în timpul crizei sale.

Clasicismul a stabilit o ierarhie a genurilor artistice - înalte și joase. Deci, în pictură, picturile istorice, mitice, religioase, au fost recunoscute ca genuri înalte. Peisajul, portretul, natura moartă aparțineau celor joase, aceeași subordonare a genurilor s-a observat și în literatură. Tragedia, epicul, oda erau considerate înalte, iar comedia, satira, fabula erau considerate scăzute. O delimitare clară a planurilor și netezimea formelor au fost stabilite pentru lucrările de sculptură și pictură. Dacă a existat mișcare în figuri, atunci nu a deranjat calmul lor statuar ha, izolare plastică. Pentru o selecție clară a obiectelor, a fost folosită o culoare locală: pentru aproape - maro, pentru mijloc - verde, pentru planul îndepărtat - albastru.

Strămoșul clasicismului în literatură a fost Pierre Corneille (1606-1684), autorul tragediilor Sid, Horace, Cinna, Polyeuctus, Oedip și alții, gloriind puterea de voință controlată de rațiune. Corneille este considerat fondatorul teatrului francez. Miezul pieselor lui Corneille este conflictul tragic al pasiunii și datoriei, personaje eroice acționează în ele, marele poet denunță despotismul.

Lucrările lui Francois de La Rochefoucauld (1613-1680) și Marie Madeleine de Lafayette (1634-1693) au devenit modelul pentru proza ​​franceză. În colecția de aforisme și maxime „Reflecții, sau spuse morale”, care conține observații scurte, ascuțite și cinice ale vieții și ale oamenilor, La Rochefoucauld critică societatea aristocratică a vremii sale. Marc Lafayette este autorul primului roman psihologic din Franța, Prințesa de Cleves, care a avut un mare succes la cititori. Toate personajele din roman sunt oameni reali, dar crescuți sub nume diferite.

Nicolas Boileau (1636-1711) a fost teoreticianul clasicismului. Regulile și normele clasicismului sunt expuse de el în tratatul „Arta poetică” (sub formă de poem). Este autorul satirilor plini de spirit, în care ridiculiza religia și oamenii de stat. Talentul său poetic a fost foarte apreciat de A.S. Pușkin.

Cel mai mare dramaturg al Franței este Jean Racine (1639-1699), autor al tragediilor Andromache, Britannia, Berenice, Mithridates, Iphi-Genius, Phaedra, Afapia etc. Racine a împrumutat intrigi din mitologia greacă și și-a creat operele după toate canoane ale dramei grecesti clasice. În piesele sale, cu muzicalitatea și armonia excepțională a versului, echilibrul formei exterioare, sunt înfățișate conflicte tăios dramatice, tragedia spirituală a oamenilor forțați să-și sacrifice sentimentele la cerințele datoriei publice.

Dezvoltarea dramaturgiei mondiale a fost influențată în mare măsură de opera lui Molière (nast, numele Jean-Baptiste Poquelin, 1622-1673), un reformator de artă de scenă, comedian și actor. Cea mai importantă sursă de inspirație pentru el este dramaturgia farsă. Pe baza unei combinații de clasicism și tradiții ale teatrului popular, Moliere a creat genul comediei sociale. În lucrările sale „Tartuf sau înșelatorul”, „Negustorul în nobilime”, „Mizantropul”, „Bolnavul închipuit”, „Cazaci haios”, „O lecție pentru soții”, „Căsătoria involuntar”, „Avarul”. „Sunt denunțate, după cum scria Balzac, trădarea, dragostea rușinoasă de bătrâni, mizantropia, calomnia, prostiile, căsătoriile inegale, avariția, venalitatea, desfrânarea judecătorilor, deșertăciunea.

Satira a dobândit o mare emotivitate, acuratețe socială și concretețe realistă în fabulele celui mai mare talent poetic al Franței - Jean La Fontaine (1621-1695), în opera sa bazată pe mostre străvechi și tradiții populare (fabulele lui Esop), așa-numitul animal. epic. În lucrările sale, monarhia absolută și societatea aristocratică sunt comparate cu regatul animalelor însetate de sânge și răpitoare; biserica este condamnată, religia este evaluată cu scepticism și în același timp se dezvăluie adevărata umanitate a oamenilor din popor („Cizmar și fermier”, „Țăran de la Dunăre”, „Negustor, nobil, păstor și fiu de rege” , etc.).

În a doua jumătate a secolului al XVII-lea. Antoine Furetier (1620-1688) a fost cel mai important reprezentant al literaturii franceze. Opera sa principală, Romanul burghez, este un pas important în dezvoltarea realismului.

Charles Perrault (1628-1703) a trăit și a scris faimoasele sale basme în această perioadă. Colecția sa Tales of Mother Goose include basmele Frumoasa adormită, Scufița Roșie, Cenușăreasa, Puss in Boots etc. În unele dintre ele, scriitorul a folosit povești populare europene (de exemplu, intriga Cenușăreasa are aproximativ 700 de opțiuni).

Fondatorul clasicismului în pictură este Nicolas Poussin (1594-1665), care a pictat tablouri pe teme mitologice și literare. Echilibrul strict al compozițiilor, cultul naturii și venerarea antichității sunt trăsăturile caracteristice ale operei artistului („Moartea lui Germanicus”, „Tancred și Erminia”, „Venus adormită”, „Peisajul cu Polifem”, ciclul „Anotimpurile”, „Păstorii Arcadieni” ). Poussin a realizat mici figuri de ceară pentru picturile sale, experimentând diferite compoziții și iluminare.

Maestrul peisajului liric a fost pictorul Claude Lorrain (1600-1682). Pictura sa cu lumină clară în stil clasic a avut o influență puternică asupra gusturilor secolelor XVII-XVIII. Personajele pânzelor sale (de obicei mitologice sau istorice) se pierd cel mai adesea în mediul unui peisaj poetic („Castelul fermecat”). Cu efecte subtile de iluminare, Lorrain a reușit să exprime un sentiment diferit al naturii în funcție de momentul zilei (serie „Seasons of Day”).

Deși elemente de gotic și renaștere au rămas încă în arhitectură, elemente de clasicism apăruseră deja, de exemplu, fațada clădirii Palatului Luxemburg (arhitectul S. de Bros) a fost împărțită printr-o comandă care avea să devină obligatorie pentru acest stil; colonada fațadei de est a Luvru (arhitectul Perrault) se caracterizează prin simplitatea ordinii, echilibrul maselor, static, care realizează un sentiment de pace și grandoare.

Cea mai mare structură arhitecturală de palat din secolul al XVII-lea. este Versailles. Aici s-a realizat armonia și proporționalitatea întregului ansamblu grandios în ansamblu. Palatul a fost construit de arhitecții L. Levo (1612-1670) și J. Hardouin-Mansart (1646-1708). Hardouin-Mansart a ridicat și clădiri ceremoniale maiestuoase: Palatul Grand Trianon, Les Invalides, Place Vendôme și Levo au proiectat Palatul Tuileries.

Creatorul parcurilor Versailles și Tuileries este arhitectul, maestru al artei peisagistice Andre Le Nôtre (1613-1700). Parcul din Versailles, combinat perfect cu arhitectura fațadei palatului orientat spre parc, simetria fațadei, așa cum spunea, continuă în „parterres” spațioase (grădini, paturi de flori și poteci ale căror model alcătuiesc) , alei divergente radial, perspective deschise.

În secolul al XVII-lea în Franța, muzica seculară iese în prim-plan, începe să prevaleze asupra spiritualului. Opera și baletul se dezvoltă. Primele opere naționale sunt Triumful dragostei, Past Toral. Fondatorul școlii naționale de operă este compozitorul și dansatorul Zh.B. Lully (1632-1687), autor al operelor Alceste, Tezeu, precum și al uverturii de operă, muzică pentru spectacolele lui Molière.

În această perioadă s-au dezvoltat și școlile instrumentale - lăută, clavecin, violă.

Cultura engleză a secolului al XVII-lea.

Filosoful englez Thomas Hobbes (1588 - cultura 1679) este considerat creatorul primului sistem complet al materialismului mecanicist.Hobbes este unul dintre reprezentanții teoriei apariției statului printr-un contract social, sau teoria contractului a stat. Potrivit acestei teorii, statul este rezultatul unui fel de contract încheiat de un conducător suveran și supuși. Potrivit lui Hobbes, motivația pentru încheierea unui astfel de acord a fost teama de agresiune din partea altor persoane, teama pentru viața, libertatea și proprietatea cuiva. Apariția statului a pus capăt stării firești de „război al tuturor împotriva tuturor”, care, potrivit lui Hobbes, a avut loc în perioada pre-statală. Hobbes a fost primul care a vorbit împotriva originii divine a puterii regale. Și-a conturat teoria în principalul pro-produs „Leviathan”. Lucrările sale filozofice sunt „Fundamentals of Philosophy” („Hotel”, „Oman”, „Cetățean”).

Cel mai mare poet englez al acestui timp a fost John Milton (1608-1674). În poeziile „Paradisul pierdut” și „Paradisul recâștigat” în imagini alegorice biblice, el a reflectat evenimentele revoluției engleze. Milton este autorul poeziei „History of Britain” și al tragediei impresionante, dar incomode, „Samson the Fighter” pentru punere în scenă, în care a atins problema tiraniei.

Milton - o figură publică progresistă, un publicist strălucit - a apărat suveranitatea Republicii Engleze, a apărat libertatea presei revoluționare (pamfletul „Protecția poporului englez”, „Areopagitică”).

După restaurarea dinastiei Stuart în Anglia, arta seculară a fost reînviată, s-au încercat stabilirea canoanelor clasicismului în teatrul și literatura engleză, dar aici nu a fost posibil să se creeze un stil tragic. Dintre comedianți, s-au remarcat William Utherley (1640-1716) și William Congreve (1670-1729). Comediile lui Congreve „Double Game”, „Love for Love” și altele își bat joc de pretenții seculare, se disting prin umor elegant și jocuri de cuvinte, complexitatea intrigii.

În secolul al XVII-lea teatrul muzical iese la iveală în Anglia. Cel mai mare compozitor englez al secolului este H. Purcell (c. 1659-1695), autor al primelor opere englezești Dido și Aeneas și Regele Arthur. În muzica sa, tehnica înaltă este combinată cu expresivitatea restrânsă a melodiei.

Concluzie:

În epoca modernă, s-a stabilit ideea dreptului ca forță de guvernare inițială în natură și societate. Știința este chemată să cunoască și să formuleze legile naturii. Știința ca instituție publică, o comunitate de oameni de știință mondiali care formează împreună cunoștințe sistematice, verificabile și demonstrabile, care au un înțeles universal - a apărut pentru prima dată în era timpurilor moderne. Arta (pictură, teatru, literatură, muzică) în epoca modernă s-a eliberat pentru prima dată de întruchiparea ideilor religioase consacrate și a devenit un mijloc independent de cunoaștere și întruchipare figurativă a legilor sociale predominante, un mijloc de educare a oamenilor. în normele morale, care era recunoscută ca „naturală”, inerente naturii umane însăși. În era New Age, a fost dezvoltat pentru prima dată un sistem semnificativ din punct de vedere social de educație și creștere. Manualele pe principalele ramuri ale cunoașterii sunt și ele o inovație a acestei epoci. Formele politice, testate în epoca modernă, au supraviețuit parțial până în zilele noastre. Cea mai valoroasă moștenire a epocii moderne este ideea dezvoltată atunci a unei persoane ca figură autoresponsabilă (monarh, nobil, om politic, om de știință, proprietar etc.), a cărei libertate este limitată doar de legea morală naturală.

Controlează munca la viteză maximă, înregistrează-te sau autentifică-te pe site.

Important! Toate lucrările de testare prezentate pentru descărcare gratuită au scopul de a elabora un plan sau o bază pentru propria dvs. activitate științifică.

Prieteni! Ai o oportunitate unică de a ajuta studenții ca tine! Dacă site-ul nostru v-a ajutat să găsiți locul de muncă potrivit, atunci cu siguranță înțelegeți cum munca pe care ați adăugat-o poate ușura munca altora.

Dacă Lucrarea de control, în opinia dumneavoastră, este de proastă calitate sau ați întâlnit deja această lucrare, vă rugăm să ne anunțați.

CULTURA ARTISTICĂ A EUROPEI secolele XVII-XVIII.

La crearea manualului s-au folosit materiale de pe Portalul Educațional General al Rusiei (colecția MHK, http://artclassic.edu.ru).

Începi să studiezi una dintre cele mai strălucitoare pagini din istoria culturii artistice mondiale. Secolele XVII-XVIII este perioada în care Renașterea a fost înlocuită de stilurile artistice de baroc, clasicism, rococo.

S-au schimbat multe în viața unei persoane, ideile sale despre univers s-au schimbat. Descoperiri științifice de la începutul secolului al XVII-lea. în cele din urmă a zguduit imaginea universului, în centrul căruia se afla omul însuși. Dacă în Renaștere lumea părea să fie una și aceeași, acum oamenii de știință s-au convins că Pământul nu este deloc centrul Universului, ci una dintre planetele cerești care se învârte în jurul Soarelui. Dacă arta anterioară afirma armonia Universului, acum omul se temea de amenințarea haosului, de prăbușirea ordinii mondiale cosmice. Aceste modificări nu au putut decât să afecteze dezvoltarea art. Noile stiluri în artă sunt o nouă viziune asupra lumii unui om din New Age.

1. Diversitatea stilului artei din secolele XVII-XVIII.

stil baroc a început să se dezvolte mai ales în țările catolice din Europa la sfârșitul secolului al XVI-lea. Numele său este legat de cuvântul comun barocco ( perla neregulată defectuoasă) care denota totul nepoliticos, stângaci și fals. În legătură cu arta, termenul a fost folosit pentru prima dată la mijlocul secolului al XVIII-lea. criticii structurilor arhitecturale baroc, cărora acest stil părea a fi o manifestare de prost gust. Ulterior, termenul și-a pierdut sensul negativ și a început să fie aplicat altor tipuri de artă.

Scopul principal al barocului este dorința de a surprinde, de a provoca uimire. Arta barocă transmitea tensiunea conflictului, spiritul contradicțiilor. Principalele teme ale artei au fost chinul și suferința omului, alegoriile mistice, raportul dintre bine și rău, viața și moartea, iubirea și ura, setea de plăcere și răzbunare pentru ei. Lucrările baroce se caracterizează prin intensitatea emoțională a pasiunilor, dinamism siluetele, spectacol pictural, splendoarea exagerată a formelor, abundența și grămada de detalii bizare și utilizarea de metafore neașteptate. Barocul a fost caracterizat de angajamentul față de ansamblu și de sinteza artelor. În ciuda complexității și ambiguității imaginilor, în general, stilul se caracterizează printr-un caracter de afirmare a vieții și optimism.

Perioada de la sfârșitul secolului al XVII-lea până la începutul secolului al XIX-lea. a intrat în istorie caIluminarea. Conținutul său principal a fost înțelegerea lumii ca un mecanism aranjat rațional, în care unei persoane i se atribuie un rol organizatoric semnificativ. Dezvoltat armonios, semnificativ social, depășind cu hotărâre pasiunile și îndoielile, gata să sacrifice bunăstarea personală pentru binele public, o persoană trăiește după legile Naturii. Libertatea, Rațiunea, Datoria, Morala devin prioritățile vieții umane în Epoca Iluminismului.

Ideile iluminismului sunt întruchipate într-un nou stil artistic - clasicism ( lat. classicus – exemplar). Principalele modele au fost moștenirea antică și idealurile umaniste ale Renașterii. Principalele teme ale artei clasicismului au fost triumful principiilor publice asupra celor personale, subordonarea sentimentelor datoriei, idealizarea imaginilor eroice.

Arta clasicismului se caracterizează prin trăsături precum claritatea și simplitatea în exprimarea conținutului, reținerea, respectarea anumitor reguli. Lucrările arhitecturii clasiciste s-au distins prin linii stricte, volume clare și proporții bine echilibrate. Pictura, sculptura, artele și meșteșugurile s-au caracterizat printr-o desfășurare logică a intrării, o compoziție clar echilibrată, o modelare clară a volumului și subordonarea culorii la accente semantice.

În țările Europei, clasicismul a existat o perioadă neobișnuit de lungă, din anii 17 până în anii 30. al XIX-lea, iar apoi, în schimbare, a reînviat în tendințele neoclasice.

La începutul secolului al XVIII-lea în Franța, la curtea regelui, s-a răspândit un nou stil în artă - rococo ( fr. rocaille - coajă). Nu a durat mult, până pe la jumătatea secolului, dar a influențat foarte mult dezvoltarea artei. Accentul în epoca rococo au fost aventurile amoroase, hobby-urile trecătoare, aventurile și fanteziile, divertismentul galant și vacanțele. Arta trebuia să mulțumească, să atingă și să distreze. În arhitectură, pictură, sculptură și mai ales în arte și meșteșuguri, triumfă formele complexe rafinate, liniile bizare, ornamentele complicate, în care silueta scoicilor și a plantelor ciudate este redată în mod repetat. Forme neobișnuite, abundență de modele, iluzii optice, un ritm șovăitor, uneori accelerat, alteori încetinit, au implicat privitorul într-un joc minunat, o vacanță a nepăsării.

În același timp, în arta europeană apar și se dezvoltă tradiții realiste. Pentru realism caracterizat prin obiectivitate în transmiterea vizibilului, acuratețe, concretețe, imparțialitate în percepția vieții, absența idealizării, o percepție profundă, resimțită a vieții și a naturii, simplitate și naturalețe în transmiterea sentimentelor umane. Realismul s-a manifestat cel mai clar în pictura Olandei din secolul al XVII-lea.

Există multe și adesea dezbateri despre originalitatea și limitele stilurilor artistice de artă din secolele al XVII-lea - al XVIII-lea. Într-adevăr, în opera unui artist, două sau mai multe stiluri artistice s-ar putea întrepătrunde organic. Nu are sens, de exemplu, să trasăm granițe clare între baroc și realism în opera marelui artist flamand Peter Paul Rubens. O imagine similară este tipică pentru unele opere de artă specifice. De exemplu, o combinație de stiluri poate fi observată în celebrul Palat Versailles. Tehnicile clasiciste stricte sunt folosite în aspectul său arhitectural exterior, iar baroc și rococo sunt folosite în decorarea interioarelor magnifice și solemne. Astfel, stilurile artistice de artă din secolele XVII-XVIII, eterogene în manifestările lor, aveau o anumită comunalitate internă.

Diversitatea stilistică a artei secolelor XVII-XVIII

celule MHK 9. Secolul al XVII-lea-XVIII. numărul 1.versiunea2010

2. Maeștrii barocului.

Lorenzo Bernini (1598-1680)

Giovanni Lorenzo Bernini s-a născut în 1598 la Napoli, în familia sculptorului și pictorului Pietro Bernini. În 1605, la invitația Papei Paul al V-lea, Pietro și familia sa s-au mutat la Roma. Aici tânărul Lorenzo a avut ocazia să copieze lucrările marilor maeștri păstrate în sălile Vaticanului. Deja cu primele sale lucrări, viitorul maestru a atras atenția papei și a cardinalilor Borghese și Barberini, care i-au devenit patroni și clienți.

În lucrările lui Bernini există multe caracteristici necunoscute Renașterii. Sculptorul a căutat să arate nu starea eroilor, ci acțiunea, din care a fost smuls un scurt moment. Siluetele figurilor au devenit mai complexe. Marmură lustruită Bernini, făcând-o să se joace cu o mulțime de lumini. Datorită acestui maestru, a reușit să transmită cele mai fine nuanțe: textura țesăturii, strălucirea ochilor, farmecul senzual al corpului uman. Căutările inovatoare ale tânărului sculptor s-au manifestat în mod clar deja la începutul anilor 1620. Tema duelului dintre David și Goliat (" David ”) Bernini decide într-o manieră dinamică - eroul este arătat nu înainte sau după, ci chiar în momentul luptei cu inamicul său.

Înaltul cler catolic a folosit din plin talentul lui Bernini. Sculptorul a executat numeroase comenzi, a creat compoziții religioase, portrete ceremoniale, statui pentru a decora piețele romane. Bernini a creat multe pietre funerare pentru oameni celebri ai timpului său. Efectele lor patetice corespundeau pe deplin cerințelor bisericii pentru exaltarea evlaviei catolice. În grandioasele ansambluri memoriale, Bernini a aplicat cu îndrăzneală noi mijloace de exprimare, îmbogățindu-le cu performanțe realiste, care este caracteristică în special pietrei funerare a Papei Urban al VIII-lea (1628-47).

Deja un maestru matur, Bernini a creat una dintre cele mai bune compoziții ale sale - „Extazul Sf. Teresa » pentru altarul capelei familiei Cornaro din templul roman Santa Maria della Vittoria. Compoziția ilustrează unul dintre episoadele din viața Terezei, o călugăriță spaniolă din secolul al XVI-lea, care a fost ulterior canonizată ca sfântă catolică. În însemnările ei, ea a spus că într-o zi un înger i-a apărut în vis și i-a străpuns inima cu o săgeată de aur. Bernini s-a confruntat cu sarcina dificilă de a descrie un fenomen supranatural, o viziune în vis. Autorul a reușit să transmită cu măiestrie în marmură cea mai mare tensiune a sentimentelor eroinei. Punctul de sprijin al figurilor este ascuns privitorului și apare iluzia că călugărița și îngerul plutesc în nori. Irealitatea a ceea ce se întâmplă este subliniată de fascicule de raze în fundal și de nori învolburați, pe care Teresa stă întinsă. Pleoapele îi sunt pe jumătate închise, de parcă nu vede îngerul blând și zâmbitor care i-a apărut în fața ei. Suferința și plăcerea se împletesc în aspectul ei morbid extatic. Compoziția este așezată într-o nișă adâncă încadrată cu marmură colorată. Efectul viziunii mistice este întărit de lumina care cade asupra sculpturii în timpul zilei prin sticla galbenă a ferestrei catedralei.

Bernini a combinat expresia integrității principiilor fizice și spirituale în sculptură cu o strălucită viziune arhitecturală și spațială, ceea ce i-a permis să încadreze în mod ideal compozițiile plastice în structuri gata făcute și să creeze ansambluri arhitecturale la scară largă, atât de caracteristice artei baroc. Fântânile romane „Triton” și „Four Rivers” sunt o combinație genială de plasticitate baroc expresivă cu apă spumoasă clocotită.

Timp de mai bine de jumătate de secol, Bernini a desfășurat lucrări pentru Catedrala Sf. Petru. A creat statui monumentale ale sfinților și pietre funerare papale, a ridicat un amvon în altarul principal și un ciborium (suprastructură) peste mormântul Sf. Petra este un exemplu uimitor al unității dintre sculptură și arhitectură. Principala creație arhitecturală a lui Bernini a fost proiectarea pieței din fața Catedralei Sf. Petru din Roma. Arhitectul a reușit să rezolve mai multe probleme deodată: să creeze o abordare solemnă a bisericii principale a lumii catolice, să obțină impresia unității pieței și a catedralei și să exprime ideea principală a Bisericii Catolice. : să îmbrățișeze orașul și întreaga lume. Spațiul din fața templului a fost transformat într-un singur ansamblu de două pătrate: primul este sub formă de trapez, decorat cu galerii care se extind direct de pe pereții catedralei. Al doilea este realizat în forma preferată de baroc - oval. Este orientat spre oraș și este încadrat de o colonadă maiestuoasă. Coloanele monumentale ale ordinului toscan sunt dispuse pe patru rânduri. În vârf, acestea sunt unite printr-o balustradă curbată, pe care sunt instalate 96 de statui de sfinți. Un obelisc a fost ridicat în centrul unei piețe uriașe, pe ambele părți ale căreia se află două fântâni.

Printre alte lucrări de arhitectură ale lui Bernini, trebuie remarcatPalatul Barberini (coautor cu Carlo Maderna șiFrancesco Borromini) și un mic Biserica Sant'Andrea al Quirinale , pe care Bernini însuși o considera cea mai de succes lucrare.

Opera lui Bernini a determinat în mare măsură dezvoltarea întregii culturi europene a secolului al XVII-lea.

Michelangelo Caravaggio (1573-1610))

Michelangelo da Caravaggio (de fapt Merisi da Caravaggio) s-a născut în 1573 lângă Milano, în satul Caravaggio, din care provine numele. În 1584-88. a studiat la Milano. În jurul anului 1590, Caravaggio a ajuns la Roma, unde a rămas până în 1606. Aici, viitorul artist a fost la început în sărăcie, a muncit pe bani, a dus o viață dezordonată, ceea ce i-a permis să cunoască viața și obiceiurile claselor de jos ale orașului. (mai târziu a apelat în mod repetat la aceste subiecte). Un timp mai târziu, pictorul la modă Cesari d'Arpino l-a luat ca asistent în atelierul său, unde Caravaggio a pictat naturi moarte pe picturile monumentale ale maestrului.

Temperamentul nestăpânit l-a cufundat pe Caravaggio în situații dificile și uneori chiar periculoase. S-a luptat dueluri de multe ori, pentru care a ajuns în repetate rânduri în închisoare. Artistul s-a remarcat printr-un temperament furtunos și un temperament cu adevărat aventuros. Cu toate acestea, printre bogații patroni romani au existat cunoscători ai acestui geniu îndrăzneț și independent. Artistul a avut un patron puternic - cardinalul Francesco Maria del Monte. Arta maestrului a fost recunoscută treptat de alte puteri.

Deja în primele lucrări ale lui Caravaggio (între 1592 și 1598), cu culoarea lor sonoră și clarobscurul transparent, apar o serie de caracteristici esențial noi. Caravaggio pune în contrast principiul idealizării imaginii cu expresivitatea individuală a unui model specific („Micul Bacchus bolnav ”), interpretarea alegorică a intrigii - un studiu imparțial al naturii într-un motiv simplu de zi cu zi („Băiat cu coș cu fructe "). Caravaggio creează noi tipuri de pictură - natură moartă ("Cos de fructe "") și genul de zi cu zi (" Rounder”, „Ghicătoare "). Tabloul religios primește de la el o nouă interpretare psihologică intimă („Odihnește-te în zborul spre Egipt »).

Până la sfârșitul anilor 1590. se dezvoltă sistemul original de pictură al lui Caravaggio. Primul plan al imaginii, puternic iluminat de un fascicul de lumină, iese în evidență pe un fundal cufundat într-o umbră densă, care realizează o claritate optică accentuată a imaginii și creează impresia proximității sale imediate față de privitor („ cântător de lăută”).

Lucrările mature ale lui Caravaggio (1599-1606) sunt pânze compoziționale monumentale cu o putere dramatică excepțională. Se caracterizează prin contraste puternice de lumină și umbră, simplitate expresivă a gesturilor, modelare energică a volumelor și culoare sonoră, bogată.

În ciuda controverselor și, uneori, a scandalurilor în jurul numelui Caravaggio, a primit în mod constant comenzi pentru picturi pentru temple. În 1602-04. scrie artistulPoziția în sicriu » pentru Biserica Santa Maria della Valicella din Roma. În 1603-06. creează o compozițieMadonna di Loreto » pentru Biserica Sant'Agostino din acelasi loc. Minunata compozitie" moartea Mariei „(1606), scrisă pentru altarul bisericii romane Santa Maria della Scala și respinsă de client. Aici Caravaggio și-a dat interpretarea complotului tradițional al Adormirii Maicii Domnului, care, conform tradiției bisericești, ar fi trebuit să poarte bucurie în sine, căci, după ce și-a terminat viața pământească, Fecioara Maria a fost unită în ceruri cu Iisus Hristos. Caravaggio, dimpotrivă, a prezentat acest eveniment ca pe o tragedie: apostolii care înconjoară patul Mariei sunt cufundați în tristețe, iar vederea însăși Maicii Domnului trezește gânduri nu despre o înălțare binecuvântată la cer, ci despre o viață plină de suferință și o moarte grea, dureroasă.

O viață liniștită nu l-a putut satisface pe rebelul Caravaggio, în 1606 s-a arătat încă o dată caracterul său obrăzător. Caravaggio l-a ucis într-un duel pe un anume Rannuccio Tomassoni și a fugit de persecuția din Napoli. Aici a creat câteva dintre capodoperele sale, iar apoi, fugind de persecuție, s-a mutat în Malta. Dar și acolo, după ce a pictat niște tablouri frumoase, s-a implicat într-o altă poveste scandaloasă și a ajuns la închisoare. Curând a reușit să scape, iar în următorii câțiva ani Caravaggio a rătăcit prin diverse orașe din sudul Italiei. În lucrările târzii ale artistului, create în anii rătăcirii (1606-10), dezvoltarea ulterioară a tendințelor realiste, extinderea sferei de aplicare a fenomenelor vieții („Șapte acte de milă ”) sunt însoțite de o adâncire a tragediei viziunii asupra lumii. Alături de notele de detașare jalnică, ele manifestă spiritul stoicismului sublim („Executarea lui Ioan Botezătorul », « Flagelarea lui Hristos »).

În 1609, Caravaggio s-a întors din nou la Napoli, unde a așteptat iertarea și permisiunea de a se întoarce la Roma. În cele din urmă, în 1610, după ce a primit iertarea de la cardinalul Gonzaga, Caravaggio s-a îmbarcat pe o navă, dar nu a ajuns niciodată la destinație. Marele artist a murit de febră în Port Ercole.

Caravaggio a contribuit la crearea de noi genuri în pictură - natura moartă și genul de zi cu zi, a creat un sistem original de pictură, care mai târziu a devenit cunoscut sub numele de „caravagism”. Opera sa a avut un impact semnificativ asupra aproape tuturor pictorilor europeni de seamă.

Peter Powell Rubens (1577-1640)

Peter Powell Rubens s-a născut în 1577 în Germania, fiul unui avocat, imigrant din Flandra. După moartea tatălui său în 1587, familia Rubens s-a întors la Anvers. Petru, împreună cu fratele său Filip, este trimis la o școală latină, care le-a dat tinerilor bazele unei educații liberale. La vârsta de 13 ani, Peter începe să studieze pictura. După ce a trecut prin școala mai multor pictori flamanzi, în 1598 a devenit maestru.

În primăvara anului 1600, Rubens a plecat în Italia. La sfârșitul anului 1601, artistului i s-a oferit un loc la curtea ducelui de Mantua. Îndatoririle lui Rubens au inclus copierea picturilor marilor maeștri. Gloria unui artist talentat îi vine pe neașteptate. La cererea ducelui, Rubens aduce cadouri valoroase regelui spaniol Filip al III-lea. Probleme se întâmplă pe drum: ploaia a stricat fără speranță mai multe tablouri, iar Rubens trebuie să le picteze pe ale lui. Picturile fac impresie, iar Rubens primește imediat prima lui comandă. Compoziția, în care este înfățișat primul ministru al regelui stând călare, este un succes răsunător, iar gloria lui Rubens se răspândește în curțile regale europene.

Rubens este adesea numit cel mai mare maestru al barocului triumfător. Sentimentul infinitului lumii, mișcarea universală nestăpânită, ciocnirea forțelor elementare și intensitatea pasiunilor umane - aceasta este ceea ce este caracteristic multor pânze ale artistului. Compozițiile cu mai multe figuri prezentate în unghiuri diagonale complexe sunt pline cu cele mai mici detalii și detalii. Tablourile lui Rubens se disting prin plasticitatea liberă a formelor, efectele puternice de culoare și cel mai subtil joc de nuanțe colorate.

În 1608, după ce a primit vești despre boala gravă a mamei sale, Rubens s-a întors în grabă la Anvers. În 1609, a acceptat să preia funcția de pictor de curte sub domnia Flandrei, Isabela de Austria. În toamna aceluiași an, Peter se căsătorește cu Isabella, fiica lui John Brandt, secretarul curții orașului. Minunatul său „Autoportret cu Isabella Brandt” oferă o idee vie despre talentul artistului. Chipul frumos al lui Rubens este calm și plin de stima de sine. Un costum la modă, elegant și scump îi subliniază aristocrația și gustul artistic fin. El stă cu tânăra lui soție într-un foișor, împletit cu verdeață, ochii lor expresivi sunt îndreptați direct către privitor, ochii lor infinit de amabili sunt plini de fericire liniștită și senină.

În 1612-20. dezvoltă un stil matur al artistului. În această perioadă, el creează multe dintre cele mai bune lucrări ale sale: picturi mitologice ("Perseus și Andromeda », « Răpirea fiicelor lui Leucip », « Venus în fața unei oglinzi », « Bătălia grecilor cu amazoanele »); scene de vânătoare ("Vânătoarea de hipopotami și crocodili »); peisaje („Carătorii de pietre”), compoziții religioase („Judecata de Apoi”). În aceeași perioadă, Rubens a acționat ca arhitect, construindu-și propria casă în Anvers, marcată de splendoarea barocului.

Rubens nu s-a închis niciodată în cadrul vreunui gen de pictură. Numeroasele sale picturi alegorice sunt dedicate problemelor vieții moderne, apelul la miturile antice este plin de semnificație simbolică profundă. Într-un tablou alegoricUnirea Pământului și a Apei » Rubens înfățișează unirea a două elemente naturale, reprezentate ca mama tuturor zeilor, Cybele (ea personifică Pământul) și zeul mărilor, Neptun. Imaginea conținea o semnificație profundă asociată cu speranțele lui Rubens pentru prosperitatea rapidă a patriei. După împărțirea Țărilor de Jos în Flandra de Nord (Olanda) și de Sud, a pierdut accesul la mare și și-a pierdut rutele comerciale profitabile. Unirea a două elemente naturale este speranța de pace, visul artistului de unire a Flandrei cu marea.

Până la sfârșitul anilor 1610. Rubens a primit o largă recunoaștere și faimă. Incapabil să îndeplinească rapid numeroase comenzi, Rubens a creat un atelier imens, unde s-au înghesuit cei mai buni artiști tineri ai Flandrei, printre care se numărau viitori pictori majori precum Anthony van Dyck, Jacob Jordaens, Frans Snyders. Rubens avea o capacitate uimitoare de muncă. A creat aproximativ 1.500 de lucrări independente și același număr în colaborare cu studenții – o cifră incredibilă pentru un bărbat care a trăit doar 63 de ani.

Strălucit educat, vorbind mai multe limbi, Rubens a fost adesea atras de conducătorii spanioli pentru a îndeplini misiuni diplomatice. După moartea soției sale, în 1627-30, artistul vizitează Olanda, Franța, apoi călătorește la Madrid și Londra în misiuni diplomatice. Se întâlnește cu Carol I, Duce de Buckingham, Filip al IV-lea, Cardinalul Richelieu, contribuie la încheierea unui tratat de pace între Spania și Anglia, pentru care regele spaniol i-a acordat titlul de consilier de stat, iar englezii - nobilimea. În timpul călătoriilor sale, Rubens pictează portrete ale unor persoane regale și pur și simplu de rang înalt: Marie de Medici, Lord Buckingham, regele Filip al IV-lea și soția sa Elisabeta a Franței.

În anii 1630 a început o nouă perioadă de creativitate a artistului. După patru ani de văduvie, în 1630, Rubens s-a căsătorit cu Helena Faurment, în vârstă de șaisprezece ani, fiica unui prieten și rudă îndepărtată a lui Daniel Faurment. Rubens se îndepărtează de treburile politice și se dedică în întregime creativității. Dobândește o moșie cu un castel în Elewite (Brabant) și se stabilește acolo cu tânăra sa soție. Din când în când, artistul realizează compoziții decorative și monumentale, de exemplu, schițe de arcuri de triumf cu ocazia intrării în Anvers a noului domnitor al Flandrei, Infante Ferdinand, dar mai des pictează mici picturi, interpretându-le cu el. propria mână, fără ajutorul unui atelier. Temele acestei perioade sunt variate. Alături de peisaje poetice, Rubens a pictat scene ale festivităților din sat. Modelul său principal este o tânără soție. Rubens o surprinde în imagini biblice și mitologice („Bat-Șeba”), creează peste 20 de portrete ale Elenei. Ultimele lucrări ale lui Rubens - " Judecata de la Paris”, „Trei Grații”, „Bacchus”.

În primăvara anului 1640, sănătatea lui Rubens s-a deteriorat brusc (a suferit de gută); 30 mai 1640 artistul a murit.

Opera lui Rubens a avut o influență notabilă asupra dezvoltării artei europene din secolele XVII-XIX.

MAESTRI BAROCI

celule MHK 9. secolul XVII-XVIII. numărul 2.2011 anul

3. Maeștri ai picturii realiste.

„Olandeză mică”.

Sala de corturi a Noului Ermitage găzduiește principala expoziție de artă olandeză a secolului al XVII-lea. Aici sunt expuse picturile așa-zisului „mic (sau mic) olandez”, printre care, contrar acestui termen, s-au aflat și foarte mari maeștri. Nu gradul de talent, ci doar dimensiunea redusă a pânzelor a fost motivul acestui nume. Marea majoritate a acestor picturi au conținut laic. Fiecare artist, de regulă, s-a specializat în orice gen.

Formatul mic, de cabinet, al picturilor nu a fost întâmplător. Locul foștilor consumatori de artă: biserica cu templul ei și feudalul cu castelul său, a fost luat de un nou client: un reprezentant al celei de-a treia moșii, care nu avea nevoie de tablouri mari pentru modesta sa locuință. Iar ordinea, în primul sens al cuvântului, era acum plasată în principal pe portret . Lucrări de alte genuri au fost create de artist „pentru piață”. Acest lucru, desigur, nu însemna că artistul era absolut liber în munca sa. Piața, adică gustul noului consumator de opere de artă - burghezul, și-a prezentat exigențele pictorului. Aceste pretenții ale tinerei clase în ascensiune au fost, mai ales la început, de un caracter foarte sobru, democratic: o operă de artă ar trebui să arate viața cu adevărat, fără înfrumusețare.

Burghezul - un reprezentant al clasei asuprite de ieri, acum proprietarul valorilor materiale și spirituale ale statului, a vrut în primul rând să-și vadă propria imagine. Nu era jenat că din pânză se uita un chip nu tocmai frumos și puțin spiritual, că silueta nu se distinge prin grație, iar costumul nu era elegant. Va veni vremea în care burgherii prost temperați vor dori să arate ca niște aristocrați, dar până acum se cerea ca persoana înfățișată în portret să aibă caracter, acea hotărâre se putea observa în trăsăturile feței, perspicacitatea tenace pentru afaceri putea fi simțit în mâini și putere în figură.

Opera lui Frans Hals , un remarcabil pictor portretist al secolului al XVII-lea, a fost punctul culminant al perioadei ofensivei decisive a realismului în pictură. Rupând cu îndrăzneală ideea obișnuită a unui portret ca o distribuție precisă și impasibilă din natură, Hals creează o imagine clară și vie - un personaj surprins într-unul dintre momentele variabilității continue a unui chip uman. Artistul renunță la normele tradiționale obligatorii: o imagine frontală sau de profil, o ipostază convențională, standard. Vesel, energic, prietenos, sociabil și în același timp adunat și solid în felul lui, cunoscându-și propria valoare, capabil să se ridice singur, personajul apare în fața privitorului în "Portretul unui tânăr". Compoziția este simplă: un portret tipic semifigurat. Dar corpul este înfățișat aproape în profil, iar capul - în trei sferturi. Această întorsătură energetică transmite calitățile de voință puternică ale persoanei înfățișate. O sclipire plină de viață în ochi, un semizâmbet plin de viață care este pe cale să întindă gura și mâinile mobile completează dinamica imaginii. Într-o altă lucrare a Schitului - "Portret masculin» în fața publicului – cu totul altă personalitate. Poza sfidător independentă (mâna dreaptă se sprijină în mod lejer pe o parte), părul slăbit peste umeri și mantia aruncată eficient, precum și aspectul ochilor îngustați și un zâmbet sceptic atrag o persoană care este încrezătoare în sine și oarecum arogant, narcisist și plin de conștiință a demnității propriei persoane. Opera lui Hals, remarcată prin dezvăluirea sa excepțională a unui caracter specific și inovația îndrăzneață în domeniul culorii și tehnicii, este cea mai înaltă realizare a stadiului incipient al dezvoltării picturii olandeze.

Una dintre cele mai populare din Olanda devine gen casnic. Picturi de Jan Steen atrage nu numai prin priceperea de a reprezenta oameni, interioare, obiecte de uz casnic, ci și prin conținutul distractiv, uneori prin scenele anecdotice („ Revelers "," Pacientul și medicul ").

Pictorii care au lucrat în orașul Delft au preferat poetizarea vieții de zi cu zi narațiunii și divertismentului. Au reușit să facă „cotidian - poetic, banal - sublim, să dea celor mai nesemnificative detalii o spiritualitate rară” (V.N. Lazarev). Este considerat cel mai remarcabil reprezentant al școlii din Delft Jan Vermer , care în timpul vieții și-a câștigat porecla de „cel mai mare magician și magician al picturii”. Aproximativ 40 dintre lucrările sale au supraviețuit (toate sunt păstrate în muzee străine) - peisaje, scene de gen, portrete.

Scena uneia dintre cele mai bune picturi ale artistului din Delft Peter de Hooch Stăpână și servitoare»devine o curte curata, confortabila, inundata de lumina puternica a soarelui. Servitoarea îi arată gazdei, care a lăsat de ceva vreme lucrarea de aci, peștele adus de la piață într-o găleată de alamă lustruită până la strălucirea oglinzii. Acum gazda va da ordinele necesare, iar viața va curge din nou în modul obișnuit. în imaginea de Peter Janssens cameră în casă olandeză” transmite subtil atmosfera de liniște și confort, calm și regularitate a vieții de zi cu zi.

Creare Gerard Terborchse remarcă prin expresivitatea vie a situațiilor surprinse, capacitatea de a transmite relația personajelor cu ajutorul gesturilor subtile („ Un pahar de limonada", " Primirea unei scrisori»).

Genul de natură moartă . Acest termen, apărut în secolul al XIX-lea, înseamnă „natura moartă”, care de multe ori nu corespunde conținutului picturilor. Olandezii înșiși au numit genul „ stillleven » - o viață liniștită. „The Quiet Life of Things” este o imagine a obiectelor din lumea reală, conectate într-un ansamblu care are un sens edificator ascuns. Subiectele preferate erau „micurile dejun”, „deserturile”, buchetele de flori și compozițiile alegorice. În aceste tablouri, prezența invizibilă a unei persoane este întotdeauna simțită. Au mutat tacâmurile pe masă, au spart nuca, au curățat lămâia, au terminat vinul în pahar. Compoziția devine și mai naturală și mai autentică. Maeștrii iluzorii transmit cu acuratețe forma și tridimensionalitatea obiectelor, materialul lor, reflexiile luminii și culorile de pe suprafața lucrurilor. Acestea sunt naturile moarteWillem Klas Hedași Peter Klas.

Cel mai popular gen de pictură olandeză din secolul al XVII-lea. devine peisaj. Originalitatea acestui gen și temele sale au fost determinate de particularitatea naturii acestei țări nordice. Artiștii au refuzat să înfățișeze peisaje universale ideale. Erau interesați de natura obișnuită într-o situație naturală.

Pictorii marini sunt atrași de întinderile maritime dragi inimii olandezilor, de-a lungul cărora se năpustesc bărci cu pânze și bărci conduse de un vânt proaspăt ( Jan Porcellis " Marea într-o zi înnorată» ). Animalist faimos Paulus Potter renumit pentru înfățișarea animalelor în peisaje. A pictat minunat peisaje învăluite într-un aer rece și transparent și pajiști verzi cu turme de pășunat în lumina strălucitoare a zilei. Înțelegerea filozofică profundă a naturii, atenția clară și expresivitatea compoziției sunt caracteristice picturilorJacob van Ruisdael. Natura lui este plină de viață interioară, pătrunsă de mișcare perpetuă, de lupta forțelor elementare, de contraste de lumină și umbră. Eroii săi sunt pâraiele repezi și apa stătătoare a mlaștinilor („ Mlaştină ”), copaci doborâți de furtună, căderea frunzelor de toamnă și creșterea tânără. Fiecare dintre peisajele sale este impregnat de experiențe personale despre structura universului și despre locul omului în acesta.

Urmărind cu atenție natura, maeștrii olandezi au putut descoperi frumusețea lumii vizibile în cele mai diverse manifestări ale ei. Lucrările lor păstrează în continuare fiorul plin de viață al vieții reale, transmit bogăția colorată a lumii înconjurătoare. Realizările „Micii Olandezi” au devenit baza dezvoltării tendinței realiste în arta europeană din secolele al XVIII-lea și al XIX-lea.

Rembrandt Harmenszoon Van Rijn (1606-1669)

Rembrandt - pictor, desenator și gravor olandez (gravură - un tip de gravură), un maestru de neîntrecut al picturii și graficii, care a realizat lucrări în aproape toate genurile: portrete, naturi moarte, peisaje, scene de gen, picturi pe subiecte biblice, mitologice și istorice. Rembrandt este autorul a aproximativ 600 de picturi, 300 de gravuri și 2 mii de desene. Succesul creativ care a venit lui Rembrandt la începutul anilor 1630 a fost în curând înlocuit de o respingere sinceră a operei sale de către societatea olandeză, ceea ce l-a condus pe artist la sărăcie și umilire. Arta lui Rembrandt a fost uitată cu fermitate de contemporanii săi, interesul pentru el a fost reînnoit abia la sfârșitul secolului al XIX-lea.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn s-a născut la 15 iulie 1606 la Leiden, într-o familie de morar. După un scurt studiu la Universitatea din Leiden, s-a dedicat în totalitate artei. De ceva vreme, tânărul a studiat la Amsterdam cu celebrul pictor istoric Peter Lastman. Șase luni mai târziu, a părăsit atelierul lui Lastman și, întorcându-se la Leiden, la începutul lui 1625, a devenit artist independent.
În 1632, Rembrandt s-a mutat la Amsterdam, unde s-a căsătorit curând cu bogatul patrician Saskia van Uylenburgh. Anii 1630 - începutul anilor 1640 au fost anii fericirii familiei și marele succes creativ al lui Rembrandt. Pictura "Lecția de anatomie a doctorului Tulp ”, în care artistul a rezolvat într-un mod nou problema unui portret de grup, i-a adus o largă faimă. Primește multe comenzi, în atelierul său lucrează numeroși studenți. În acești ani, Rembrandt a lucrat mult în genul portretului: a pictat portrete ale burgherilor bogați, autoportrete, portrete ale celor dragi. Operele acestei epoci sunt uneori caracterizate de efecte externe teatrale, patos exterior și dinamism baroc („Autoportret cu Saskia », « jertfa lui Avraam"," Flora "). Un loc aparte în opera lui Rembrandt din această perioadă îl ocupă picturile pe subiecte mitologice, care sunt interpretate de artist într-o manieră departe de canoanele și tradițiile clasice („ Danae "). În anii 1630, Rembrandt a lucrat intens în tehnica gravurii. În această perioadă, și-a creat primele peisaje, primele imprimeuri, precum și multe dintre cele mai bune desene în creion ale sale.

Conflictul care se făcea între arta lui Rembrandt și cerințele estetice ale societății contemporane s-a manifestat în 1642, când pictura "Discurs al companiei de pușcă a căpitanului Frans Banning Cock (Night Watch) „a provocat proteste din partea clienților care nu au acceptat ideea principală a maestrului - în locul portretului tradițional de grup, el a creat, în esență, un tablou istoric. În anii 1640, afluxul de comenzi este redus, în atelierul lui Rembrandt rămân doar cei mai devotați studenți. Circumstanțele vieții sunt complicate de moartea lui Saskia. Opera artistului își pierde strălucirea exterioară anterioară și notele majore. Scrie scene biblice și de gen calme, calde și intime („ David și Ionatan "). Cel mai subtil joc de lumini și umbre devine din ce în ce mai important atât în ​​pictură, cât și în grafica lui Rembrandt (gravura "Hristos vindecând bolnavii "(" Foaie de 100 de guldeni»).

În 1649, Rembrandt se căsătorește a doua oară - cu servitorul său Hendrikje Stoffels, care mai târziu i-a servit adesea drept model ("Portretul lui Hendrickje Stoffels »).

Anii 1650, ani de încercări grele ale vieții, deschid perioada maturității creatoare a lui Rembrandt. În acest timp, Rembrandt creează multe dintre cele mai semnificative portrete ale sale ("Primarul Jan Six ”), inclusiv portretele bătrânilor, continuă să lucreze în grafică. la "Portretul unui bătrân în roșu ”, depozitat în Schit, artistul, împingând parcă intervalul de timp al imaginii, transmite lumea interioară multiforme și complexă a unei persoane, dezvăluie esența sa spirituală ca rezultat al întregii sale vieți. Compoziția statică, absența oricăror detalii ale situației, utilizarea luminii pentru a concentra atenția asupra principalului lucru și sporirea impactului emoțional al imaginii, tehnica de pictură virtuoză - toate servesc scopului caracterizării psihologice. Criticii au numit astfel de reprezentări ale oamenilor „portrete-biografii”.

În 1656, Rembrandt a fost declarat insolvabil, iar toate proprietățile sale au fost vândute la licitație. S-a mutat în cartierul evreiesc din Amsterdam, unde și-a petrecut restul vieții în condiții extrem de înghesuite. În 1661, artistul a fost însărcinat să picteze un tablou istoric mare pentru primăria din Amsterdam pe o temă din trecutul îndepărtat al Olandei („Conspirația lui Julius Civilis "). Această lucrare nu a fost acceptată de clienți din cauza realismului său dur. O serie de compoziții religioase aparțin, de asemenea, perioadei târzii a operei artistului („ David și Urie ”), portrete de grup și singure („Portretul lui Jeremiah de Dekker"). Lucrările regretatului Rembrandt se disting printr-o profunzime extraordinară a caracteristicilor psihologice.

La bătrânețe, Rembrandt a fost bântuit de pierderi: în 1663, Hendrikje a murit, în 1668, singurul său fiu Titus a murit de tuberculoză ereditară, iar la 4 octombrie 1669 a murit însuși artistul, care a murit în sărăcie, uitare și singurătate.

Pictura " Întoarcerea fiului risipitor a fost creat cu puțin timp înainte de moartea artistului. În pilda Evangheliei, care povestește despre un fiu care, uitând instrucțiunile părintești, a dus o viață dezordonată și un cerșetor, bolnav, devastat spiritual, s-a întors la bătrânul său tată și a fost iertat de el, Rembrandt nu a fost atras de tema: aventurile și viața sălbatică a unui tânăr (pe care alți pictori le-au descris adesea), iar finalul este întâlnirea dintre tată și fiu. Compoziția este îndreptată către privitor, acesta se regăsește în același cerc cu oamenii înfățișați în imagine, care, într-o meditație profundă și grea, se uită cu simpatie la bătrânul orb, îmbrățișându-și cu grijă fiul care a căzut în genunchi în față. de el. Esența umanistă a artei lui Rembrandt capătă în această operă un sens special, generalizant. Artistul singuratic, care până atunci își pierduse aproape toți oamenii apropiați și dragi, care lucra într-o societate care adesea îi respingea talentul, afirmă ideea unei atitudini amabile față de oameni, a nevoii de a-i ajuta pe cei care se regăsesc. într-o situație tragică. Această lucrare poate fi privită ca un fel de rezultat al vieții creative a unui maestru genial.

Opera lui Rembrandt marchează punctul culminant al dezvoltării artei olandeze în secolul al XVII-lea. A avut o influență puternică asupra dezvoltării întregii arte realiste europene.

Pictură realistă a Olandei. secolul al 17-lea

MHK 9 KL. SECOLUL 17-18. NUMĂRUL 3. 2011

4. Maeștri ai „genului galant”: pictura rococo.

Tema principală a picturii rococo este viața rafinată a aristocrației curții, „sărbătorile galante”, imaginile idilice ale vieții „păstorului” pe fundalul naturii curate (așa-numita pastorală), lumea intrigilor amoroase și alegoriilor ingenioase. Viața umană este instantanee și trecătoare și, prin urmare, este necesar să prindem „momentul fericit”, grăbiți-vă să trăiți și să simțiți. „Spiritul lucrurilor mici fermecătoare și aerisite” (M. Kulmin) devine laitmotivul muncii multor artiști ai stilului rococo.

Antoine Watteau (1684-1721).

Faimosul pictor francez Jean Antoine Watteau s-a născut în 1684 în micul oraș de provincie Valenciennes în familia unui sărac acoperiș. În 1702, Watteau a mers la Paris fără niciun sprijin financiar din partea familiei sale. Timp de doi ani, pentru un salariu de cerșetor, lucrează ca copist de tablouri ieftine pentru un comerciant de pe podul Notre Dame. Artistul își dedică timpul liber desenului din natură. În acest moment, Watteau l-a cunoscut pe decoratorul de teatru K. Zhilo, de la care a început să ia lecții de pictură. Apropiat în 1708 de curatorul Palatului Luxemburg, Watteau a avut ocazia să studieze creațiile marilor maeștri, care abundă în colecția de picturi a palatului.

Watteau își începe activitatea independentă de creație cu schițe ale scenelor vieții unui soldat. Aceste compoziții au avut un succes la publicul parizian, iar comenzile au venit către artist. Urmând motivele caracteristice picturii de gen ale secolului al XVII-lea, Watteau a apelat la imaginea vieții contemporane.(„Savoyar cu o marmotă”), care a adus o intimitate deosebită și o emoție lirică. La vârsta adultă, artistul preferă scenele de teatru și așa-numitul „gen galant”, înfățișând în picturile sale tot felul de sărbători, mascarade și distracții, întâlniri romantice, un joc rafinat de dragoste a doamnelor și domnișoarelor neglijenți (" Sărbătoarea dragostei "," Societatea în parc "). Artistul a pictat și scene de teatru, portrete, peisaje, compoziții mitologice și religioase, nuduri, desene lăsate în care a surprins cei mai diverși reprezentanți ai societății franceze.

Watteau a fost primul care a recreat în artă lumea celor mai subtile stări mentale („ Capricios", " propunere jenantă”), adesea nuanțat de ironie și amărăciune. Personajele din picturile lui Watteau sunt tipuri constant recurente, dar în spatele jocului lor galant se află o varietate infinită de nuanțe de sentiment poetic.

Watteau a reușit să obțină recunoașterea în mediul artistic ca un maestru subtil și original. În 1712 a fost admis la Academia Regală de Pictură și Sculptură, iar în 1717 pentru un tablou de amploare "Pelerinaj pe insula Cythera » a primit titlul de academician. Doamne și domni fermecătoare s-au adunat pe țărmul plin de flori al insulei Cythera - insula Venus, zeița iubirii și a frumuseții. Sărbătoarea iubirii începe de la statuia zeiței, la picioarele căreia sunt stivuite arme, liră și cărți - simboluri ale războiului, artei și științelor: într-adevăr, iubirea poate cuceri totul! Culori calde, blânde, culori atenuate, mișcări ușoare ale pensulei artistului - totul creează o atmosferă specială de farmec și dragoste.

În 1719, Watteau a plecat în Anglia. A locuit la Londra timp de un an: a muncit din greu și a primit recunoaștere. Cu toate acestea, clima umedă a capitalei engleze a subminat sănătatea fragilă a artistului. Întors la Paris, Watteau a fost bolnav fără sfârșit. În 1721, la vârsta de 36 de ani, Watteau a murit de consum.

Opera lui Watteau a marcat începutul unei noi etape în istoria picturii, graficii și artei decorative europene a secolului al XVIII-lea. Rafinamentul decorativ al lucrărilor sale a servit drept bază pentru stilul artistic rococo.

Francois Boucher (1703-1770).

Pictorul, desenatorul, gravorul și decoratorul francez Francois Boucher s-a născut în 1703 în familia unui comerciant de tipografii. Pe la 1720, Francois începe să lucreze în atelierul lui F. Lemoine. Prima specialitate a tânărului artist a fost meșteșugul unui ilustrator. Boucher desenează viniete și participă la realizarea de ilustrații pentru „Istoria Franței” de P. Daniel, la comanda colecționarului parizian Julien Boucher, gravează peisaje și schițe de A. Watteau. Boucher va fi angajat în ilustrarea publicațiilor tipărite de-a lungul vieții sale; va realiza ilustrații pentru lucrările lui Moliere, Boccaccio, Ovidiu și alți autori.

În 1726-27, Francois a obținut curând un mare succes în arta gravurii, a primit Marele Premiu al Academiei și a plecat în Italia timp de patru ani. Întors la Paris, Boucher se căsătorește și primește primele sale comenzi majore pentru fabrica regală de tapiserii din Beauvais. În 1734 pentru pictura "Rinaldo și Armida » Boucher a fost ales la Academia Regală de Pictură și Sculptură. În 1737 a devenit profesor la Academia Regală de Pictură și Sculptură.1736-60. - perioada de creativitate matură a artistului. În acești ani a lucrat intens în diferite forme de artă (pictură, arte decorative și aplicate).

Boucher este cel mai mare artist decorativ al timpului său. După ce a lucrat la Beauvais, a fost director al fabricii regale de tapiserii din Paris, a lucrat ca decorator la Opera din Paris și a lucrat pentru fabrica din Sevres. Capodopera fără îndoială a artei decorative a fosttapiserie „Divertismente chinezești”, donat în 1764 de Ludovic al XV-lea împăratului chinez. Artistul a fost implicat activ în decorarea reședințelor regelui Ludovic al XV-lea și a amantei sale, Madame de Pompadour, de exemplu, a pictat tavanul apartamentelor reginei din Palatul Versailles.

Opera pictorului Boucher este excepțional de multifațetă. Artistul a apelat la alegorieșah și comploturi mitologice, a căror eroină preferată era Venus („ Triumful lui Venus Jupiter și Callisto"," Scăldând Diana "," Răpirea Europei » ). Boucher a descris târgurile satelor și viața la modă pariziană. A scris scene de gen. Au creat pastorale ("pastorala de vara ”) și peisaje idilice („ moara "). A pictat portrete elegant cochete („Portretul marchizei de Pompadour ”) și scene nud. Există mai multe picturi ale lui Boucher dedicate temelor religioase.

Francois Boucher este cel mai proeminent reprezentant al stilului artistic rococo. Lucrările sale se caracterizează prin rafinament și rafinament decorativ; eroii operelor sale sunt plini de spontaneitate emoțională, pretenție jucăușă și bucurie sincer senzuală a vieții, se disting prin frumusețe înfloritoare și farmec picant.

Din 1760, Bush și-a pierdut fosta popularitate. Cu toate acestea, în ultimii ani ai vieții a fost directorul Academiei Regale de Pictură și Sculptură și „primul pictor al regelui” (din 1765), iar cu câteva luni înainte de moartea sa a fost ales membru de onoare al Academia de Arte din Sankt Petersburg.

Excepțional de popular în anii epocii sale creative, Francois Boucher rămâne unul dintre cei mai cunoscuți artiști francezi ai secolului al XVIII-lea, un maestru magnific al culorii și al desenului rafinat, ale cărui picturi te invită în lumea fericirii, a iubirii și a viselor frumoase.

ROCOCO

MHK 9 KL. 17-18 NUMĂRUL 4

5. Pictura din epoca clasicismului în Franța.

Dezvoltarea clasicismului în artă este strâns legată de formarea unei monarhii absolute în Franța. În 1648, a fost înființată Academia Regală de Arte, care se afla sub supravegherea primului ministru al regelui. Academia a fost chemată să dezvolte reguli formale pentru diferite arte, inclusiv pictura. Treptat, în pictura clasicismului, s-a dezvoltat un set de norme pe care artiștii trebuiau să le respecte cu strictețe. Se cerea ca intriga imaginii să conțină o idee spirituală și morală serioasă care ar putea avea un efect benefic asupra privitorului. Conform teoriei clasicismului, un astfel de complot putea fi găsit doar în istorie, mitologie sau texte biblice. Desenul și compoziția au fost recunoscute ca principalele valori artistice, nu erau permise contrastele puternice de culoare. Compoziția imaginii a fost împărțită în planuri clare. În orice, mai ales în alegerea volumului și proporțiilor figurilor, artistul a trebuit să se concentreze asupra maeștrilor antici, în primul rând asupra sculptorilor antici greci. Educația artistului urma să se desfășoare între zidurile academiei. Apoi a făcut neapărat o călătorie în Italia, unde a studiat antichitatea și lucrările lui Rafael.

Astfel, metodele creative s-au transformat într-un sistem rigid de reguli, iar procesul de lucru asupra unei imagini în imitație. Nu este de mirare că priceperea pictorilor clasiciști a început să scadă, iar în a doua jumătate a secolului al XVII-lea nu mai exista un singur artist semnificativ în Franța. Cu toate acestea, opera fondatorului clasicismului în pictură - Nicolas Poussin, precum și un artist remarcabil al secolului al XVIII-lea. Jacques-Louis David sunt vârfurile artei plastice mondiale.

Nicolas Poussin (1594-1665)

Nicolas Poussin s-a născut în 1594 la Les Andelys, în Normandia, într-o familie de țărani. A început să studieze pictura cu un artist local și și-a continuat studiile la Paris, unde a ajuns în 1612. Tânărul Poussin a fost dus de studiul antichității, prin gravuri făcând cunoștință cu pictura lui Rafael.

La sfârșitul anului 1623, Poussin a plecat la Veneția, iar în 1624 s-a stabilit la Roma. În Italia, artistul studiază independent geometria, optica, anatomia, citește autori antici, studiază lucrări despre teoria artei Alberti și Dürer , ilustrează cu desene ale manuscrisuluiLeonardo da Vinci . Poussin a devenit o persoană educată cuprinzător, un cunoscător strălucit al culturii antice. În opera sa, a preferat temele antice. Artistul a asemănat adesea personajele biblice și ale Evangheliei cu eroii antici. Lumea antică din perspectiva lui Poussin este în mod ideal frumoasă, locuită de oameni înțelepți și perfecți. Chiar și în episoadele dramatice ale istoriei antice, el a încercat să vadă triumful rațiunii și justiția superioară. O înțelegere profundă a conținutului culturii spirituale a antichității s-a reflectat nu atât în ​​natura comploturilor picturilor lui Poussin, cât în ​​forma prin care artistul și-a exprimat idealurile morale. Poussin a dezvoltat un sistem special de pictură, numit „clasicism”. Principiile clasiciste ale lui Poussin se manifestă în mod clar deja în pânzele anilor 1630. ("Violul femeilor sabine », « Dansează pe muzica timpului »).

Poussin a văzut scopul artei în a oferi minții hrană de gândit, insuflând virtute unei persoane, învățându-l înțelepciunea. Din această cauză, Poussin practic nu a pictat portrete, considerând acest gen nedemn de atenție, neinspirând privitorul cu idei înalte și importante. Excepție au fost două autoportrete pictate la cererea prietenilor. Poussin a creat multe lucrări pe subiecte mitologice, istorice, literare, în care se manifestă personaje puternice și fapte maiestuoase („Moartea lui Germanicus ”), lasand in acelasi timp opere impregnate cu un sentiment poetic (“ Regatul Florei "," Tancred și Erminia »).

Gloria lui Poussin ajunge la Paris. Artistul este invitat cu încăpățânare să se întoarcă în patria sa. După ce a primit o invitație personală de la Ludovic al XIII-lea, Poussin călătorește la Paris în 1640. Prin decret al regelui, este numit șeful tuturor lucrărilor artistice, care restaurează împotriva lui un grup de pictori de curte. Viața pariziană a cântărit foarte mult pe Poussin. Fără a finaliza lucrarea, artistul s-a întors la Roma în 1642.

În lucrările celei de-a doua perioade romane se intensifică tonurile etice și filozofice („ciobani arcadieni », « Odihnește-te în zborul spre Egipt "). Poussin era îndrăgostit de învățăturile vechilor filosofi stoici, care au cerut curaj și demnitate în fața morții. Reflecțiile asupra morții au ocupat un loc important în opera sa, cu ele este asociată intriga picturii „Păstorii Arcadieni”. Locuitorii din Arcadia, unde domnește bucuria și pacea, descoperă o piatră funerară cu inscripția: „Și eu sunt în Arcadia”. Moartea însăși le vorbește eroilor și le distruge starea de spirit senină, forțându-i să se gândească la inevitabila suferință viitoare. Una dintre femei își pune mâna pe umărul vecinului ei, de parcă ar încerca să-l ajute să se împace cu gândul unui sfârșit inevitabil. Cu toate acestea, în ciuda conținutului tragic, artista povestește despre ciocnirea vieții și a morții cu calm. Compoziția picturii este simplă și logică: personajele sunt grupate lângă piatra funerară și legate prin mișcări ale mâinii. Figurile sunt pictate folosind clarobscur moale și expresiv, ele amintesc oarecum de sculpturile antice.

Un loc important în opera lui Poussin a fost ocupat de peisaj. Este mereu locuit de eroi mitologici. Acest lucru se reflectă chiar și în titlurile lucrărilor: „Peisaj cu Polifem”, „Peisaj cu Hercule”. Dar figurile lor sunt mici și aproape invizibile printre munții uriași, nori și copaci. Personajele mitologiei antice acționează aici ca un simbol al spiritualității lumii. Aceeași idee este exprimată prin compoziția peisajului - simplă, logică, ordonată. Planurile spațiale sunt clar separate în picturi: primul plan este o câmpie, al doilea este copaci uriași, al treilea este munții, cerul sau suprafața mării. Împărțirea în planuri a fost subliniată și în culoare. Așa a apărut un sistem, numit mai târziu „peisajul tricolor”: în pictura primului plan predomină culorile galben și maro, în al doilea - cald și verde, în al treilea - rece și mai ales albastru. Artistul a fost însă convins că culoarea este doar un mijloc de a crea volum și spațiu profund, nu ar trebui să distrage atenția privitorului de la desenul precis de bijuterii și de la compoziția armonios organizată. Ca urmare, s-a născut o imagine a unei lumi ideale, aranjată după legile superioare ale rațiunii.

Poussin a avut puțini studenți, dar a creat de fapt o școală contemporană de pictură. Opera acestui maestru a devenit punctul culminant al clasicismului francez și a influențat mulți artiști din secolele următoare.

Jacques Louis David (1746-1825)

Jacques Louis David s-a născut la Paris dintr-un om de afaceri bogat. În 1766 a fost admis la Academia Regală. Încă din tinerețe, David a fost atras de moștenirea antică, s-a străduit să urmeze principiile clasicismului. După ce a primit premiul Academiei, Premiul Romei, în octombrie 1775, David a plecat la Roma. La Roma, artistul își dedică cea mai mare parte a timpului desenării din statui și reliefuri antice și copierii picturilor marilor maeștri.

În 1780, David s-a întors în patria sa. În anii premergători Revoluției Franceze, artistul devine cel mai mare reprezentant al așa-zisului clasicism „revoluționar”. Opera lui David are o pronunțată orientare jurnalistică, artistul cautând să exprime idealuri eroice prin imaginile antichității. Pictura "Belisarius cerșind de pomană ”, Expusă la Salonul din 1781, împreună cu alte câteva pânze, au adus faimă și recunoaștere artistului. Pentru ea, David a fost repartizat la Academie, care a fost primul titlu academic.

La vârsta de 34 de ani, David s-a căsătorit cu o anume Marguerite Charlotte Pekoul, fiica unui manager de muncă bogat și influent de la Luvru. Artista a locuit cu Charlotte mulți ani; au avut doi fii și două fiice.

În 1776, în Franța a fost dezvoltat un program guvernamental care a încurajat crearea de tablouri mari „conceput să revigoreze virtuțile și sentimentele patriotice”. Lui David i s-a oferit un complot eroic din istoria romană timpurie - isprava a trei frați din familia nobilă patriciană a lui Horații. În timpul războiului romanilor cu orașul Alba Longa (sec. VII î.Hr.), aceștia au învins în luptă trei dintre cei mai buni războinici ai inamicului (tot frații - Curiații), ceea ce a adus romanilor o victorie aproape fără sânge. Doi Horați au murit în luptă. David a pictat un tablou Jurământul Horaților ” la Roma, de unde a plecat în 1784 împreună cu familia și studenții. În această poveste dramatică, artistul a găsit un moment de vitejie sublimă - o scenă în care frații îi jură tatălui lor să nu se retragă în luptă. Acțiunea tabloului are loc în curtea unei case romane antice: un șuvoi de lumină se revarsă asupra eroilor tabloului de sus, amurgul gri măsliniu îi înconjoară. În fundal - o arcade cu trei spații; în fiecare dintre arcade sunt înscrise una sau mai multe figuri. În mijloc stă tatăl familiei, în stânga lui sunt fiii gata de luptă, în dreapta sunt femeile cu copii, amorțite de durere și frică. Contururile netede ale grupului feminin sunt în contrast cu liniile urmărite ale figurilor războinicilor. În centrul întregii compoziții se află numărul trei: trei arcade, trei grupuri de personaje, trei săbii, trei mâini, ușor întinse la arme. Aceste triple repetiții umplu întreaga scenă cu o dispoziție de calm vesel: orice mișcare capătă imediat forță triplă.

Când pânza a fost terminată și artistul a expus-o publicului, a început un adevărat pelerinaj al romanilor și străinilor la atelierul său. Poza a avut un mare succes. În anii următori, David a scris multe. El creează pânze istorice ("Lictorii îi aduc trupurile fiilor lui Brutus. ”), compoziții mitologice (“ Paris și Elena"), portrete (" Portretul Lavoisiers "). Artistul dobândește faima de „cel mai avansat și curajos pictor”, „distrugătorul de fundații”. El devine bogat, celebru și popular.

Perioada ulterioară a vieții lui David a fost strâns legată de viața politică a Franței. Artistul a devenit un participant activ la evenimentele revoluției franceze. În 1790, a devenit membru al Clubului Iacobin, în 1792 David a fost ales deputat la Convenție, cel mai înalt organ legislativ și executiv al Primei Republici, iar după lovitura de stat din 31 mai - 2 iunie 1793, când iacobinii a ajuns la putere, a devenit de fapt un dirijor în politica guvernamentală în domeniul artelor. David a supravegheat și organizarea festivalurilor naționale; sarcinile sale au inclus și glorificarea revoluționarilor morți, declarați oficial „martiri ai libertății”. În ianuarie 1793, printre alți deputați ai Convenției, David a votat pentru moartea regelui Ludovic al XVI-lea, care a fost ulterior executat. Inspirat de eroismul revoluției, David pictează un tablou istoric pe o temă modernă - „Jurământ în sala de bal " (neterminat). pânză" Moartea lui Marat ”a devenit un monument al eroilor erei revoluționare.

După o nouă lovitură de stat în iulie 1794, David, ca un proeminent iacobin, a fost arestat și adus în fața anchetei. Cu toate acestea, a reușit să-și demonstreze neimplicarea în execuțiile în masă din 1793-1794. și a fost eliberat în august 1795. Ieșind din închisoare, David preia cu entuziasm pensula. Pictează portrete, începe să lucreze la o pânză cu mai multe figuri"Sabini oprind lupta dintre romani si sabini ”, pe care a scris-o timp de aproximativ cinci ani. Lui David i s-au oferit funcții de membru al consiliului de stat și senator. Cu toate acestea, David refuză toate ofertele, preferându-le viața de artist liber.

În 1799, Napoleon Bonaparte a ajuns la putere ca urmare a unei alte lovituri de stat. David, ca mulți foști revoluționari, a salutat cu bucurie acest eveniment. În tabloul „Trecerea lui Bonaparte prin Pasul Sf. Bernard”, artistul și-a înfățișat noul erou întorcându-se dintr-o campanie victorioasă în Italia. Nemișcată, ca un monument, figura comandantului pe un cal crescut se ridică pe fundalul liniilor neînsuflețite ale lanțurilor muntoase: se pare că întreaga lume a rămas nemișcată, supusă gestului imperios al învingătorului. Pietrele de sub picioarele calului sunt un fel de piedestal: pe ele sunt gravate numele celor trei mari cuceritori care au trecut pe acest drum - Hannibal, Carol cel Mare și însuși Napoleon. Lui Napoleon i-a plăcut atât de mult lucrarea, încât a comandat ulterior trei repetări ale picturii. Steaua lui David a strălucit din nou. Fără nicio poziție oficială, el rămâne de fapt primul pictor al Franței. Să pozezi pentru David este considerată o mare onoare, care puțini au fost premiați (" madame Recamier").

În 1804, Napoleon, proclamat împărat, îi acordă lui David titlul de „primul pictor al împăratului” și ordinul cavaler al Legiunii de Onoare. În același an, David a început să picteze un tablou care descrie încoronarea lui Napoleon I ("Încoronarea lui Napoleon I și a împărătesei Josephine la Catedrala Notre Dame la 2 decembrie 1804 "). Lucrând la această comandă, artistul a realizat aproximativ o sută și jumătate de portrete ale demnitarilor statului, ale căror imagini urmau să fie incluse în compoziție. Artistul a pictat această pânză unică timp de aproximativ trei ani. Poza a fost primită favorabil, iar onorurile au plouat din nou asupra artistului. În 1812, David a pictat ultimul portret al lui Napoleon („Portretul lui Napoleon »).

În 1814, David a terminat lucrarea la pânză „Leonidas la bătălia de la Termopile ”, pe care l-a expus în atelierul său. A fost ultima pânză mare a artistului. Nu a atras atenția publicului. Odată cu căderea finală a lui Bonaparte, în viața lui David au început zile negre. Artistul a fost condamnat la exil pe viață din Franța pentru că a votat pentru execuția regelui. Neavând permisiunea de a pleca la Roma, David și soția sa au plecat la Bruxelles în 1816. La Bruxelles, el continuă să picteze, creând portrete, precum și picturi pe subiecte antice ("Cupidon și Psyche). 29 decembrie 1825 David a murit. Autoritățile franceze nu au dat permisiunea pentru înmormântarea lui în Franța, David a fost înmormântat la Bruxelles.

În opera lui David, principiile și idealurile așa-numitului clasicism „revoluționar” au fost exprimate cel mai clar. În efortul de a exprima idealurile eroice prin imaginile antichității, el a creat picturi istorice care au surprins pentru totdeauna aspirațiile ideologice ale generației sale. Picturile istorice pe teme contemporane create de el în timpul Revoluției Franceze au continuat tradiția glorioasă a „grand stilului” francez. Opera lui David a fost de mare importanță pentru toți maeștrii școlilor neoclasice și academice din secolul al XIX-lea.

CLASICISM

MHK 9 KL. SECOLUL 17-18 NUMĂRUL 5-2010

Secolul XVII în Europa de Vest - înflorirea ideilor clasicismului, bazate pe cultul rațiunii și raționalității umane. Aceste idei își vor găsi dezvoltarea atât în ​​tratatele filozofice, cât și în tradiția artistică a vremii.

La sfârșitul secolelor al XVII-lea - al XVIII-lea s-au născut în Europa idei care au primit numele de Iluminism. Ideile iluminismului, precum și ideile clasicismului, au apărut în arta acestui timp și s-au reflectat în filosofia acestei perioade.

Filosofia iluminismului a pregătit Marea Revoluție Franceză și și-a format principalul slogan: „Libertate. Egalitate. Fraternitate". Iluminatorii au cerut naturalețe în artă, veridicitatea sentimentelor. Prin urmare, atitudinea acestei perioade tinde să libertate înaltă. LAîn ficțiune, aceste idei au dus la sentimentalism. Apelul iluminatorilor la natură în timp ce respingeau ideea creștină a condus la cosmopolitism care s-a exprimat în condamnarea oricărui naționalism și în credința în șanse egale pentru fiecare națiune. Dar, în același timp, iluminismul avea o identitate națională strălucitoare.

Atitudinea Iluminismului este inerentă în:

Științific (bazat pe strălucitele creații ale lui Pascal și Descartes);

Raționalism (datorită apariției ideilor deismului);

Credință în progres;

Absolutizarea semnificației educației (materialul pentru aceasta a fost „a treia stare”, printre care au început să iasă în evidență figurile unui comerciant și un „reprezentant al unei profesii libere” (care a primit numele de „intelectual” în Rusia) );

Înțelegerea personalității ca un fenomen complex și contradictoriu.

Aceste schimbări au apărut în artîn două moduri: pe de o parte, un interes pentru irațional, iluzoriu, dinamic și emoțional, pe de altă parte, un accent pe raționalitatea unei persoane care este capabilă să-și depășească natura pasională. Prima direcție s-a manifestat într-un stil ca baroc, a doua - în clasicism. Finalizarea artistică a Renașterii târzii a fost baroc, care poate fi considerat o etapă de tranziție către Iluminism.

baroc - direcția stilului în arta Europei la sfârșitul secolului al XVI-lea - mijlocul secolului al XVIII-lea, care a apărut în Italia și s-a răspândit în majoritatea țărilor europene. Barocul tinde să efectueze, să contrasteze, îmbinarea iluzoriei cu realul, la sinteza artelor și în același timp la împărțirea exactă în caracteristicile genului. Este legat de înțelegerea creativității ca proces de stăpânire a naturii de către un artist, de stăpânirea tehnică a spiritului unui geniu care a depășit materialitatea lumii.

Înțelegerea lumii ca fiind diversă în manifestările ei, dar finită din punctul de vedere al vieții umane, a condus artiștii și scriitorii la ideea că această viață scurtă și fragilă nu este altceva decât o iluzie. Metafora, emblema, alegoria devine o formă preferată de exprimare nu numai pentru poeți, ci și pentru pictori.

O alta directie - clasicismul secolului al XVIII-lea - este de asemenea perceput ca clasicism ușor perioada anterioară. Atitudinea sa s-a bazat pe ideea de monarhie absolută. Premisa filozofică a clasicismului a fost raționalismul. Principala cerință pentru un artist clasicist este „noblețea designului”. Clasicismul gravitează spre istoricitatea evenimentelor. Realitatea, cu peisajul și portretele sale, este o problemă secundară în ceea ce privește importanța. Clasicismul se bazează pe caracterul obligatoriu al canonului pe principiul imitației antichității. Clasicii pun problema socializării individului. Frumusețea spirituală începe să fie înălțată deasupra fizicului, iar operele de artă - deasupra naturii. Natura încetează să fie un model de urmat.

Clasicii se străduiesc pentru tipificare. Principiul creării unui tip se bazează pe selecția în caracterul uneia dintre cele mai izbitoare caracteristici, care

se umflă în mod deliberat. O imagine tipică se transformă într-o abstracție. Caracterul tipic al clasiciștilor este lipsit de individualitate.

În activitatea artistică, literatura și teatrul ies în prim-plan ca forme de artă care sunt cele mai capabile să influențeze natura senzuală a omului. Temele etice sunt în prim plan. Frumusețea este considerată în primul rând un mijloc de influență etică. Cele mai populare genuri de literatură sunt roman, memorii și epistolare. Scriitorii populari includ Daniel Defoe, Jonathan Swift, Voltaire, Jean-Jacques Rousseau, Johann Wolfgang Goethe.

Teatrul (Pierre Corneille, Moliere, Jean Racine) în secolul al XVIII-lea devine un mijloc puternic al ideologiei educaționale. Un nou gen apare în Anglia - dramă burgheză, unde personajele principale sunt oameni obișnuiți. În Franța scriu pentru teatrul Voltaire, Diderot și Beaumarchais. În Italia, Carlo Goldoni creează comedie de maniere, iar Carlo Gozzi introduce pe scenă de basm(„Dragostea pentru trei portocale”, „Prițesa Turandot”).

Secolele XVH-XVIII - începutul înfloririi culturii muzicale (Johann Sebastian Bach și Georg Friedrich Handel, „Clasici vienezi” - Haydn, Mozart, Beethoven). De remarcat este dezvoltarea arta operei, asociat cu numele lui Gluck.

În secolul al XVIII-lea, cultura muzicală a făcut pași semnificativi: problema transmiterii sentimentelor umane a devenit de mare importanță, s-au conturat principiile de bază ale realismului, dezvoltarea gândirii sonate-ne-simfonice, construită nemaifiind pe dezvoltarea unei imagini în o piesă muzicală, dar pe compararea mai multor imagini contrastante. Principalele genuri în muzică sunt concert, oratoriuși suită. Muzica de dans se dezvoltă în Franța, care s-a manifestat în opera lui Lully, care a creat nu numai balet, dar a adus și dansabilitatea în spectacole de operă.

În aceste condiții, se naște și se dezvoltă rapid stilul rococo galant, care se caracterizează prin:

Tema festivalului, mascaradă, pastorală, flirt ușor,

eleganță și rafinament,

dinamism interior,

forme miniaturale,

jucărie,

Abundență de decorațiuni, decorațiuni (mai ales sub formă de bucle). Un exemplu izbitor de rococo francez în muzică este înflorirea arta clavecinului.

Arhitectura secolului al XVIII-lea se află într-o stare de criză: dinamica spațială puternică, contrastele izbitoare și un impresionant joc plastic al formelor barocului sunt înlocuite de un stil care, parcă, traduce construcțiile curbilinii ale barocului într-un nou registru. Plecând fără

fațade, rococo împrăștie modele ornamentale pe pereții și tavanele interioarelor, atinge culmile virtuozității, grației și strălucirii, dar își pierde complet monumentalitatea, soliditatea și puterea barocului.

Genul apare în pictură natură moartă, menită să înțeleagă compatibilitatea culorii, spațiului, formei și volumului. La mijlocul secolului al XVII-lea a luat naștere o nouă pictură, numită de teoreticieni realist. O manifestare a specificului esteticii New Age în pictură a fost „caravagism”. Michelangelo da Caravaggio a fost primul care a introdus în pictură subiecte realiste ale vieții populare.

De îndată ce nevoia de el, ca comandant, a dispărut, a fost înlăturat de la comandă. Și spre propriul său cap: Richelieu a conspirat cu regele suedez Gustav al II-lea Adolf, iar o armată suedeză puternică (nu din mercenari internaționali, ci națională în compoziție, puternică într-o singură limbă, religie și cultură) a invadat Germania. Suedezii sunt primiți cu entuziasm de populația protestantă, câștigând o serie de victorii. Wallenstein devine din nou „relevant” pentru Viena.
El este din nou în fruntea trupelor imperiale. În bătălia decisivă de la Lützen din 16 noiembrie 1632, „leul suedez” Gustav Adolf a murit de o moarte eroică. Cu toate acestea, pentru Wallenstein a fost o victorie pirică: după ce și-au pierdut liderul, trupele suedeze s-au alăturat rândurilor de tâlhari și tâlhari care au devastat teritoriul Germaniei.
În 1633-1634, Wallenstein a intrat în negocieri cu diplomații francezi. El le dezvăluie planurile sale: unificarea Germaniei, curățarea teritoriului acesteia de trupele de mercenari și străini, politica de toleranță religioasă. Pentru el, Wallenstein ar dori să primească coroana cehă
Vai, el vrea prea mult! Și, mai presus de toate, o Germanie puternică nu este în niciun caz visul de o viață al ducelui de Richelieu. Austriecii devin conștienți de negocieri.
La 25 februarie 1634, la Castelul Eger, Wallenstein a fost ucis împreună cu trei dintre gardienii săi de corp credincioși. Împăratul a autorizat uciderea. Odată cu moartea sa, Germania a pierdut șansa de a deveni o mare putere, iar războiul a reluat cu o vigoare reînnoită.
În 1635, Franța catolică a intrat deschis de partea protestanților. Operațiunile militare se desfășoară cu succese diferite. Preponderența forțelor este de partea Franței: până atunci, populația sa este de 17 ori mai mare decât populația Germaniei! Cu toate acestea, a fi rodnic nu înseamnă a lupta, iar Richelieu cunoaște valoarea curajoșilor războinici francezi. În Testamentul său, el remarcă cu ironie: „Deși Cezar a spus că francii știau două lucruri: arta războiului și arta elocvenței, nu am putut înțelege pe baza căreia le-a atribuit prima calitate, ținând cont. că perseverența în muncă și griji, calitatea necesară în război se găsește doar ocazional în ele ”(Citat de: P. Shon. Civilization of classical Europe. - Ekaterinburg, 2005. - P. 91).
În 1636, imperialii cuceresc o fortăreață în nordul Franței - Parisul este amenințat. Anul acesta, Pierre Corneille scrie cea mai mare tragedie a clasicismului francez, Cid-ul său.
Un răspuns elocvent pentru teutoni, nu poți spune nimic! ..
Poziția Franței este salvată de revolte pe teritoriul inamic: în Țările de Jos, în Catalonia și Portugalia. Cu toate acestea, chiar și în Franța, răscoalele populației, epuizate de extorcări pentru desfășurarea războiului, sunt aprinse.
Adevărat, francezii reușesc să câștige o serie de victorii strălucitoare: superioritatea lor în artilerie și tactică arată. Rezultatul tuturor acestor frământări a fost Pacea de la Westfalia, încheiată în octombrie 1648 cu mare pompa. Franța și Suedia au devenit hegemoni europeni de necontestat. Ideea austro-spaniolă a unui „imperiu catolic universal” s-a prăbușit odată cu puterea militară a spaniolilor. Câștigătorii au mărit teritoriul și au completat trezoreria în detrimentul indemnizațiilor.
Iar cei învinși... Cel mai rău dintre toți erau cei pe teritoriul cărora aveau loc ostilitățile - germanii. Populația Germaniei s-a redus, potrivit unor surse, la jumătate, potrivit altora, cu două treimi. În unele orașe, bărbaților li se permitea să aibă două soții legale - cu astfel de pierderi, nu mai depindea de tradițiile și poruncile creștine.
Era simbolic faptul că ambasadorul francez a refuzat să negocieze în latină, așa cum era de obicei, și a vorbit în franceză. Steaua Franței s-a ridicat peste Europa, strălucind neîmpărțit peste ea până la începutul secolului al XVIII-lea, iar în domeniul culturii - până la mijlocul secolului al XX-lea.

Henric al patrulea: o zamarah remarcabilă

Și între timp, totul nu era deloc atât de calm în noul hegemon al Europei! Au existat motive pentru aceasta, care vorbesc încă o dată despre inconsecvența procesului istoric.
În primul rând, Franța era potențial cel mai bogat stat din Europa. Nicăieri nu s-au combinat cu atâta succes diversitatea climatică favorabilă, fertilitatea solului și apropierea de rutele comerciale. Dar tocmai aceste avantaje naturale și climatice au transformat terenurile agricole franceze într-o valoare deosebită, încetinind oarecum dezvoltarea meșteșugurilor și comerțului și afectând negativ echilibrul forțelor sociale. Dacă feudalismul este, în primul rând, un sistem socio-economic bazat pe proprietatea asupra pământului agricol, atunci Franța, firește, a intrat în Renaștere cu o încărcătură mult mai mare de trăsături medievale decât, să zicem, Italia sau Anglia. Cel mai onorabil loc în societatea franceză era ocupat de nobili - descendenți ai feudalilor, iar comercianții și finanțatorii (și cu atât mai mult artizanii) erau niște straturi aproape disprețuite (spre deosebire de Anglia, Italia și chiar Germania cu orașele sale foarte puternice). Terenurile vaste i-au făcut pe nobilii francezi foarte mândri și independenți în raport cu guvernul central.
Istoricii numesc Franța „trandafirul Europei medievale”, dar spinii acestui trandafir au înțepat fără milă degetele progresului.
În al doilea rând, secolul al XVI-lea și prima jumătate a secolului al XVII-lea au fost perioada unei explozii demografice în Franța, când această putere a devenit cea mai populată țară din Europa. Resursele umane enorme sunt bune pentru dezvoltarea economică și război. Însă francezul de atunci este un bătăuș scund, slăbănog, întreprinzător și foarte aventuros, care nu este ușor de liniștit, indiferent unde s-ar afla pe scara socială. Doar o putere de stat foarte puternică ar putea face față unor astfel de subiecte.
În al treilea rând, particularitatea puterii regale în Franța era că, se pare, putea fi considerată și un avantaj incontestabil. Regele francez purta titlul de „Majestate creștină”, adică era considerat primul dintre monarhii din Occident. Dinastia sa (casa lui Capet, căreia îi aparțineau atât Valois, cât și Bourbonii) era considerată cea mai veche din Europa. Regele era un sacru special. Toate acestea au protejat tronul de impostori, dar în niciun caz de conspirații și necazuri! In secolul al XVI-lea, posibilitatea celei mai mari centralizari a puterii de stat intre tarile europene exista in Franta doar POTENTIAL. Au fost nevoie de treizeci de ani de războaie civile în secolul al XVI-lea și de o jumătate de secol de reforme în prima jumătate a secolului al XVII-lea înainte ca regele să poată spune: „Statul sunt eu!”.
Vai, pământul francez dătător de viață, ca un bulgăr greu de pământ, atârna de picioarele țării! Prin urmare, progresul istoric în ea a fost întârziat cu aproximativ un secol în comparație cu Anglia și Olanda avansate... Dar acest întârziere va afecta doar la mijlocul secolului al XVIII-lea. Pentru secolele al XVII-lea și al XVIII-lea, strălucirea statalității franceze, a diplomației, a artei militare și, bineînțeles, mai ales a culturii - s-ar putea spune, definitorie pentru Europa și uneori suprimând