მასალა მოამზადა ანა ფაშინამ

მისასალმებელი ფაქტი: ხელოვნების საზოგადოება და შემოქმედებითი კლასი ნამდვილად არსებობს რუსეთში. ყოველწლიურად იზრდება იმ საჯარო და კერძო საგანმანათლებლო დაწესებულებების რიცხვი, რომლებიც ამთავრებენ მხატვრებს, კურატორებს, ხელოვნებათმცოდნეებს, გრაფიკულ დიზაინერებს და „თავისუფალი“ პროფესიის სხვა წარმომადგენლებს. სამწუხარო ფაქტი: კურსდამთავრებულები, რომლებსაც მიიღეს შესანიშნავი განათლება და ადვილად გასაგები ფილოსოფიური კონცეფციები, კლასიკური და თანამედროვე ხელოვნება, აწყდებიან თავიანთი ცოდნისა და უნარების პრაქტიკაში გამოყენების პრობლემას. სად მივიღოთ სამხატვრო განათლება რუსეთში? წარმოგიდგენთ საუკეთესო საგანმანათლებლო დაწესებულებების - აკადემიურ და თანამედროვე ხელოვნებაზე ორიენტირებულ მიმოხილვას.

აკადემიური განათლება

ერთ-ერთი წამყვანი და უძველესი ხელოვნების უნივერსიტეტი რუსეთში. ფაკულტეტები: ფერწერა, გრაფიკა, ქანდაკება, არქიტექტურა, თეორია და ხელოვნების ისტორია.

ხელმძღვანელობს მის ისტორიას 1757 წლიდან, საიმპერატორო ხელოვნების აკადემიის მემკვიდრე. ფაკულტეტები: ფერწერა, გრაფიკა, ქანდაკება, არქიტექტურა, სახვითი ხელოვნების თეორია და ისტორია.

ის ამზადებს მხატვრებს 5 სპეციალობაში და 17 სპეციალიზაციაში: ინტერიერისა და ავეჯის დიზაინი, დეკორატიული და ავეჯის ქსოვილების განვითარება, ამზადებს სპეციალისტებს დიზაინის სხვადასხვა დარგში, ისტორიკოსებსა და ხელოვნების თეორეტიკოსებს, მონუმენტური ფერწერის მხატვრებს და მოქანდაკეებს, მხატვრებს ლითონის, კერამიკისა და მინის ნაწარმში. მონუმენტური მხატვრობის, ავეჯის და მხატვრული ლითონის რესტავრატორები.

იგი შეიქმნა 2015 წელს ორი ფაკულტეტის გაერთიანებით: ხელოვნებისა და გრაფიკის და მუსიკის.

იგი დაარსდა 1987 წელს. რექტორი ილია გლაზუნოვი თავის მთავარ ამოცანად ხელოვნებაში რეალიზმის აღორძინებას მიიჩნევს.

საგანმანათლებლო პროგრამები: ფერწერა, გრაფიკა, არქიტექტურული გარემოს დიზაინი, ხელოვნების თეორია და ისტორია, დიზაინი, სახვითი ხელოვნება და ხელოსნობა, რესტავრაცია.

Თანამედროვე ხელოვნება

პირველი დაარსებული რუსეთში (1991) დაწესებულება თანამედროვე ხელოვნების სფეროში.

დამფუძნებელი მხატვარი ანატოლი ოსმოლოვსკი თავის ამოცანას ასე აყალიბებს: „არა იმდენად გაუცხოებულ რეჟიმში ცოდნის მიცემა, არამედ შემოქმედებითი გარემოს შექმნა“.

იგი ამზადებს თანამედროვე მხატვრებს, პროფესიონალებს ფოტოგრაფიისა და მულტიმედიის სფეროში შემდეგ სფეროებში: დოკუმენტური ფოტოგრაფია, არტ ფოტოგრაფია, ვიდეო ხელოვნება და მულტიმედია.

მოსკოვის თანამედროვე ხელოვნების მუზეუმის საგანმანათლებლო ცენტრი, შექმნილია ახალგაზრდა მხატვრებისთვის და კურატორებისთვის, რომლებიც იწყებენ მუშაობას თანამედროვე ხელოვნების სფეროში.

სკოლის მიზანია ახალგაზრდა ხელოვანთა შემოქმედებითი პოტენციალისა და კრიტიკული აზროვნების განვითარება, მათი პროფესიული კომუნიკაციის სფეროს შექმნა და ახალი პროექტების მხარდაჭერა. ტრენინგი გრძელდება წელიწადნახევარი

ორწლიანი პროგრამა კურატორების მომზადებისთვის.

„ვორონეჟის ტალღის“ მხატვრები თვალსაჩინო ფენომენია რუსეთის ხელოვნების სცენაზე. ერთ-ერთი ყველაზე აქტიური რეგიონალური ცენტრი თანამედროვე ხელოვნების განვითარებაში.

გამოყენებითი განათლება და DPI

ცნობილი ბრიტანელი ამზადებს სპეციალისტებს დიზაინის დარგში.

ფილიალები - მოსკოვსა და პეტერბურგში. ინსტიტუტი ამზადებს სპეციალისტებს ხელოვნებისა და ხელოსნობის დარგში.

დამატებითი განათლება - კურსები, ლექციები

კლასიკური და თანამედროვე ხელოვნების ისტორიის, კინოს ისტორიის, ასევე ხელოვნების პრაქტიკისა და ხელოვნების მენეჯმენტის კურსები.

კურსების თავისებურებაა თეორიისა და პრაქტიკის შერწყმა.

ლექციები შიდა და უცხოურ თანამედროვე ხელოვნებაზე, ასევე ინტერდისციპლინურ მხატვრულ პრაქტიკაზე.

ამზადებს ხელოვნების ისტორიკოსებს, ანტიკვარების ექსპერტებს და ხელოვნების მენეჯერებს.

შემოქმედებითი მართვის პირველი ონლაინ სკოლა რუსულ ენაზე. საუბრობენ იმაზე, თუ როგორ უნდა გააკეთონ გამოფენა, ქალაქის ფესტივალი, მოაწყონ სპექტაკლი, გადაიტანონ ხელოვნების ნიმუში.

ანასტასია პოსტრიგეის ონლაინ სკოლა თეორიული ლექციებით ხელოვნების ისტორიაზე.

დიზაინისა და ილუსტრაციის ონლაინ სკოლა. პროგრამის საფუძველია დიზაინის, ილუსტრაციისა და მასთან დაკავშირებული მეცნიერებების კურსების სისტემა. სასკოლო კურსები განკუთვნილია არა მხოლოდ დიზაინერებისთვის, ხელოვანებისთვის, არამედ მათთვის, ვისაც სურს გახდეს ისინი.

RMA ბიზნეს სკოლა დაარსდა 2000 წელს და დღეს არის ერთ-ერთი ლიდერი რუსეთში ბიზნეს განათლების სფეროში. სკოლას აქვს პროგრამა „არტ მენეჯმენტი და გალერეის ბიზნესი“. ის დაგეხმარებათ გაიგოთ თანამედროვე ხელოვნება და ხელოვნების ბაზარი, გაიგოთ გამოფენების ორგანიზებისა და ფასების შესახებ, შეიმუშაოთ სასარგებლო კონტაქტების მონაცემთა ბაზა და იპოვოთ თანამოაზრე ადამიანები.

"აკადემიური" სამხატვრო განათლების რეფორმის ისტორიის მონახაზი რუსეთში

"აკადემიური სკოლა" რუსული ხელოვნების პროფესიული სწავლების უძველესი სისტემებია. თითქმის უწყვეტი განვითარების ორნახევარი საუკუნის განმავლობაში, რუსული "აკადემიური სკოლა" ავითარებდა გარეგნულ ფორმებს, ინარჩუნებდა "აკადემიზმის" ფუნდამენტურ საფუძვლებს არა იმდენად, როგორც სტილისტურ ტენდენციას, არამედ როგორც ევროპული სისტემის ერთ-ერთ ფუნდამენტურ პრინციპს. ხელოვნების განათლება. რუსეთმა ისესხა "აკადემიური სკოლა" გარედან და რადგან ის არ იყო რუსული ცხოვრების ბუნებრივი პროდუქტი, დიდი ძალისხმევა და ნახევარ საუკუნეზე მეტი დასჭირდა უცხო ტრადიციების ადაპტაციას, სანამ ისინი ეროვნული კულტურის ორგანულ ნაწილად გახდნენ. მე-16 საუკუნის შუა ხანებში ევროპაში სახვითი ხელოვნების სწავლების „აკადემიური“ სისტემის გაჩენა უნდა ჩაითვალოს რეაქციად ხელოსნობის, გილდიური განათლების შესაძლებლობების გაღატაკებაზე. "აკადემიური სკოლის" ნიშანი იყო იდეალურად ერთიანი საგანმანათლებლო პროგრამების შემუშავების სურვილი, რომელიც ასწავლის თავისი არსით და საკმაოდ ავტონომიურია იმ მასწავლებლების ღირსებებთან ან ნაკლოვანებებთან მიმართებაში, რომლებიც იყენებენ მათ. ბუნებრივია, ხელოვნების დარგში პედაგოგიკა თავისი ბუნებით განწირულია „საავტოროდ“ და მისი შედეგები დიდწილად დამოკიდებულია მასწავლებლის შემოქმედებით თვითკმარობაზე. ნამდვილი „აკადემიური სკოლა“ მოიცავს „ავტორის“ საწყისს. აკადემიზმის ფუნდამენტური პრინციპები შექმნილია განვითარებისთვის გრძელი ისტორიული პერსპექტივით, განსხვავებით დეკლარირებული ნათელი "ავტორის" სკოლებისგან, რომლებიც, როგორც წესი, ჩახშობილია მათი მიმდევრების მეორე თაობაში.

ხელოვნების აკადემიები - როგორც იტალიური რენესანსიდან დაბადებული და მისგან მემკვიდრეობით მიღებული იდეა - რა უნდა ასახავდეს ან რას უნდა მიბაძოს ხელოვნებამ? ბუნება ან კლასიკური, შერჩეული და ცნობიერი, როგორც მნიშვნელოვანი ნიმუშები. ეს დავა-დაკითხვა პირდაპირ კავშირშია ხელოვნების სწავლების მეთოდოლოგიებთან და პასუხების განსხვავება განსაკუთრებულობას ანიჭებს „აკადემიური“ სკოლის გარკვეულ სფეროებს. სწორედ ეს განსხვავებები უდევს საფუძვლად ორ რუსულ აკადემიურ ტრადიციას - „პეტერბურგსა“ და „მოსკოვს“, რომელთა ნაყოფიერი თანამშრომლობა-მეტოქეობიდან წარმოიშვა რუსული ვიზუალური კულტურის მრავალფეროვნება გასული საუკუნენახევრის განმავლობაში.

ტრადიციების თაყვანისცემა უნდა მივაწეროთ „აკადემიური სკოლის“ ზოგად თვისებებს. ამაში ის ფუნდამენტური მეცნიერების მსგავსია. ისტორია გვიჩვენებს, რომ რუსეთი მიდრეკილია მეცნიერებისა და ხელოვნების ფუნდამენტური ტენდენციების განვითარებისკენ, რაც გარკვეულ ზიანს აყენებს გამოყენებით პრაქტიკულობას. და ეს თვისება, როგორც ჩანს, უნდა ჩაითვალოს რუსული ცივილიზაციის მენტალიტეტად, როგორც ჩვენი წვლილი კულტურათა გლობალურ თანხმობაში. სამხატვრო სკოლაში ტრადიციის ჩამოყალიბებისა და დაგროვების პროცესი შინაგანად წინააღმდეგობრივია. ერთის მხრივ, სკოლა აკავშირებს წარსულს, ანაწილებს გამოცდილებას, ავრცელებს მის ღირსებებს, მაგრამ, მეორე მხრივ, ადეკვატურად უნდა დაუკავშირდეს რეალობას, გამოავლინოს განვითარების ტენდენციები და იწინასწარმეტყველოს მისი მომავალი შესაბამისობა დროისთვის. შედეგად, სამხატვრო სკოლამ უნდა უზრუნველყოს სტაბილურობაც და განვითარებაც. ერთიან ბუნებრივ სკოლაში შეიძლება გამოვლინდეს სხვადასხვა ტენდენციები, დაწყებული ნაყოფიერი კონსერვატიზმიდან და ტრადიციონალიზმიდან, როგორც პროფესიული კულტურის შენარჩუნების საფუძვლებიდან, დამთავრებული „რევოლუციური“ რეაქციებით თანამედროვე სახვითი ხელოვნების ტენდენციებზე. „აკადემიური სკოლის“ ბუნებრივ თვისებებში შედის მისი „შენელება“ წამიერთან მიმართებაში. ამ თვალსაზრისით, „აკადემიური სკოლა“ ნაყოფიერად კონსერვატიულია გარედან მომდინარე ტენდენციებთან მიმართებაში, რათა სინქრონიზდეს სწავლა ტენდენციებისა და ტენდენციების სწრაფ ცვლილებასთან ხელოვნებაში. რუსული "აკადემიური სკოლის" ისტორია ოფიციალურად 1757 წლიდან იწყება. აკადემია, რომელიც გაიხსნა მოსკოვის უნივერსიტეტში და ერთი წლის შემდეგ გადავიდა პეტერბურგში, შეიქმნა ას ორმოცდაათი-ასი წლის შემდეგ, ვიდრე იტალიის, საფრანგეთის, გერმანიის და თითქმის ერთდროულად ლონდონისა და მადრიდის აკადემიები. მრავალი თვალსაზრისით, საფრანგეთის აკადემია იყო პეტერბურგის მოდელი. ბუნებრივია, რუსეთში სამხატვრო აკადემიას ჰყავდა წინამორბედები სახელმწიფო სამხატვრო განათლების საკითხში - საიარაღო პალატა, პეტერბურგის შეიარაღების ოფისი, შენობების ოფისი, მეცნიერებათა აკადემიის სამხატვრო „დეპარტამენტი“.

მაგრამ რუსეთში მესამე დონის დასავლელი ხელოვან-მასწავლებლების და მცირერიცხოვანი რუსი პენსიაზე გასული სტუდენტების მოწვევამ ვერ შეძლო სწრაფად შეცვალოს ვითარება ეროვნული მასშტაბით. ფაქტობრივად, მე-18 საუკუნის მესამე მეოთხედამდეც გრძელდება ხატების ტრადიციის სრული განვითარება, არსებობს ფარსუნა, როგორც შუალედური ფერწერული ფორმა.
სინამდვილეში, სამხატვრო აკადემიის ნამდვილი სტრუქტურირება არ იწყება მისი შექმნის შესახებ ბრძანებულებით, არამედ 1764 წლის ქარტიის შემოღებით („საიმპერატორო აკადემიის პრივილეგია და წესდება სამი ყველაზე კეთილშობილური ხელოვნების, ფერწერის, ქანდაკების და არქიტექტურის შესახებ. , ამ აკადემიის საგანმანათლებლო სკოლით“). სტრუქტურულად აკადემია შედგება საგანმანათლებლო სკოლის, ზოგადი და სპეციალური კლასებისგან. საგანმანათლებლო სკოლაში იღებდნენ „არაუმეტეს“ ხუთი-ექვსი წლის ბავშვები, ბერძნული რელიგიის, ნებისმიერი წოდების, გარდა ყმებისა. საგანმანათლებლო სკოლა იყო ერთგვარი ზოგადსაგანმანათლებლო სკოლა მხატვრული მიკერძოებით. აკადემიური კურსის გავლის დრო განისაზღვრა თხუთმეტი წლის განმავლობაში და დაყოფილი იყო ხუთ ასაკად, საიდანაც პირველი სამი ასაკი შეადგენდა საგანმანათლებლო სკოლას, ხოლო ბოლო ორი – თავად აკადემიას. შექმნილი სისტემის მინუსად უნდა ჩაითვალოს პროფესიის არაცნობიერი არჩევანისთვის განწირული მოსწავლეების ადრეული ასაკი.

აკადემიის ისტორიის მკვლევარები აღნიშნავენ, რომ მისი ჩამოყალიბების ახალი პერიოდი დაკავშირებულია 1798 წელს ნახატის სკოლის გახსნასთან, სხვადასხვა რანგის თავისუფალთათვის. სინამდვილეში, ამ პერიოდიდან იწყება წინასწარი შეგნებული მომზადება, რამაც გააჩინა მხატვართა თაობა, რომელიც შევიდა რუსული ხელოვნების ისტორიაში. იდეები, რომლებმაც შთააგონეს აკადემიის დამფუძნებლები I.I. შუვალოვი და ი.ი. ბეტსკიმ მნიშვნელოვანი როლი მიანიჭა "განათლებას" (როგორც ნიშანი სამხატვრო აკადემიის ეზოს ოთხი პორტალზე ზემოთ იყო მოჩუქურთმებული - "მხატვრობა", "ქანდაკება", "არქიტექტურა", "განათლება"), რომელიც ითვალისწინებდა „მეცნიერებათა“ დიდი ციკლის განვითარება.

ალექსანდრე I-ის მეფობის დასაწყისი აღინიშნა სახელმწიფო რესტრუქტურიზაციის ფართო გეგმებით, კულტურის მართვის სისტემის ჩათვლით. აკადემიებმა შესთავაზეს სწავლის ვადაზე უარის თქმა, პროგრამის დასრულების დრო დამოკიდებულია მკაცრად დასახელებული ამოცანების ათვისებაში მიღწეულ პროგრესზე. იყო ტენდენცია, რომ მთელი ზოგადსაგანმანათლებლო დატვირთვა გადაეტანა საგანმანათლებლო სკოლას, რითაც უფროსები ათავისუფლებდნენ სპეციალობას ერთი პროფესიისთვის.
აკადემია აერთიანებდა ტრენინგს არა მხოლოდ "სამი ყველაზე კეთილშობილური ხელოვნების" - მხატვრობის, ქანდაკების და არქიტექტურის სფეროში, არამედ მისი წინამორბედებისგან მემკვიდრეობით მიიღო მხატვრებისა და ხელოსნების განათლება სხვა სფეროებში, პირველ რიგში ხელოვნებისა და ხელოსნობის მიმართულებით. ნელ-ნელა აკადემია სპეციალიზდება, აქცენტს აკეთებს „კლასიკურ“ ხელოვნებაზე, უარს ამბობს არა-ძირითადი განათლებაზე.

"აკადემიური სკოლის" მნიშვნელოვანი კომპონენტი იყო "პენსიონერთა" ინსტიტუტი, თუ თანამედროვე ტერმინოლოგიაში ითარგმნება - "ასპირანტურის" სისტემა. მე-18 საუკუნის ბოლოდან პენსიაზე გასვლა პრაქტიკულად გახდა აკადემიური სწავლების პირდაპირი გაგრძელება ყველაზე ნიჭიერი სტუდენტებისთვის (ზოგჯერ მთლიანი პროდუქციის მესამედამდე). პენსიაზე გასვლამ ხელი შეუწყო შემდგომ გაუმჯობესებას, მოამზადა მომავალი მასწავლებლები, დაეხმარა სამსახურის პოვნაში და ზოგჯერ აკადემიური წოდების მოპოვებაშიც კი. სამი წლის განმავლობაში პენსიონერს შეეძლო დაესრულებინა დიდი ოქროს მედლის პროგრამა და მაღალი ქულის შემთხვევაში მიეღო საზღვარგარეთ გამგზავრების უფლება.
1830 წლის რეფორმა მიზნად ისახავდა სამხატვრო აკადემიის წმინდა სპეციალიზებულ საგანმანათლებლო დაწესებულებად გადაქცევას.

ვიწრო სპეციალიზებული სკოლის ანაქრონიზმმა, ზოგად ჰუმანიტარულ და სპეციალურ საგანმანათლებლო ციკლებს შორის ბალანსის პოვნის წინა გამოცდილების უარყოფა დაიძლია 1859 წლის რეფორმით. 19 წლის განმავლობაში, როდესაც აკადემია იყო ვიწრო პროფესიული სკოლა, მისი კედლებიდან გამოდიოდნენ კარგად გაწვრთნილი მხატვრები, მოქანდაკეები და არქიტექტორები. მთელი ამ წლების განმავლობაში იყო კამათი წამყვან მხატვრებსა და პედაგოგებს შორის ლიბერალური ხელოვნების კურსის მნიშვნელობის შესახებ. მაგალითად, ი.კ. აივაზოვსკის უკიდურესად ნეგატიური დამოკიდებულება ჰქონდა აკადემიის კედლებში ზოგადსაგანმანათლებლო დისციპლინების კურსზე და იდგა ვიწრო პროფესიულ სკოლაში. და ის არ იყო მარტო მისი აზრით. და მაინც, საბჭოს წევრთა უმრავლესობა განმავითარებელი ზოგადსაგანმანათლებლო დისციპლინების სწავლების აღდგენისკენ იყო მიდრეკილი. 1859 წლის რეფორმამ არა მხოლოდ ხელახლა შემოიღო ზოგადი განათლების ციკლი, არამედ აღადგინა აკადემიის დაწყებითი, თავდაპირველად ჩამოყალიბებული უზენაესი იდეა, რომელიც ადასტურებდა მხატვრების მომზადების უპირატესობას, რომლებსაც შეუძლიათ თავისუფალი შემოქმედება, აბსოლუტურად სავალდებულო ხელობაზე. ამ კონცეფციის უმაღლესი მნიშვნელობა, ტრენინგი. ეს დავა მხოლოდ მარტივი და წარსული ჩანს. ფაქტობრივად, „აკადემიური“ სკოლის ყოველი ახალი რეორგანიზაცია (მაგალითად, სახელმწიფო საგანმანათლებლო სტანდარტების თანამედროვე განვითარება) აუცილებლად წყვეტს ზოგად ჰუმანიტარულ მეცნიერებათა და სპეციალურ დისციპლინების ციკლებს შორის პროფესიული ურთიერთობის საკითხს.

სიტუაციის დრამა იმაში მდგომარეობდა, რომ სწორედ აკადემიის კედლებიდან გამოჩნდნენ მხატვრები, რომლებიც ეჭვქვეშ აყენებდნენ მათ ჩამოყალიბებულ სისტემას. გარეგნულად კონფლიქტი აკადემიასა და მოგზაურ გამოფენების ასოციაციას შორის დაპირისპირებაში ჩამოყალიბდა. იდეების დონეზე „მოხეტიალეები“ და მათი იდეოლოგები ამტკიცებდნენ სოციალურად ორიენტირებული ჟანრული მხატვრობის პირველობას. . გარე დამკვირვებლისთვის საკმაოდ რთულია გაიგოს ზედმეტად იდეოლოგიზებული დავის ბუნება „ძველ“ აკადემიასა და „მოხეტიალეებს“ შორის. მისი სიმწვავე ასოცირდება როგორც ჭეშმარიტი ინტელიგენციის დაბადებასთან, რომელიც თავდაპირველად არ იღებს სახელმწიფო სტრუქტურის რაიმე ფორმას, ასევე ხელოვნებაში თაობების შეცვლას.

1833 წელს "საზოგადოებრივი გემოვნების აღზრდისთვის" შეიქმნა მოსკოვის სამხატვრო საზოგადოება, რომელმაც მოამზადა 1843 წელს მოსკოვის სამხატვრო სკოლის გახსნა.
სკოლაში გაკვეთილები შემოიფარგლებოდა ხელოვნების დისციპლინებით, ანატომიით და პერსპექტივით. მხოლოდ ბოლო მეოთხე კლასში იყო საჭირო ბუნებისგან მუშაობა. კომპოზიციის სპეციალური კურსი არ ყოფილა. ვარაუდობდნენ, რომ საშუალო პროფესიონალური, მრავალი თვალსაზრისით ხელსაქმის ტრენინგი ჩატარდებოდა და მხატვრის შემოქმედებით ადამიანად ჩამოყალიბება აკადემიის პრეროგატივად რჩებოდა. ზოგადი მომზადების გარდა, სასწავლო კურსი მოიცავდა სპეციალიზაციას პორტრეტში, ლანდშაფტის მხატვრობაში, შემდეგ კი ისტორიულ და ქანდაკებაში.
რეალური პედაგოგიური პრაქტიკა მოსკოვის სკოლაში განსხვავდებოდა დამტკიცებული პროგრამებისგან და ეფუძნებოდა ბუნების მუშაობას. ტრენინგის ბუნება დიდწილად განისაზღვრა მასწავლებლად მოწვეული მხატვრების პირადი შემოქმედებითი და პედაგოგიური გამოცდილებით. „მოსკოვის სკოლის“ ფორმირება მშფოთვარე მეთოდოლოგიური დაპირისპირებით ხასიათდება. "მოსკოვის სკოლას" ახასიათებს სიყვარული მცირე ჟანრებისადმი ხელოვნებაში, ბუნების კულტით და გამოცდილებაზე აქცენტით, თუმცა გარკვეული დაზიანებით აკადემიური, პეტერბურგის რაციონალობა, ნახატის სიმტკიცე და კომპოზიციური სიზუსტე. აკადემიასთან გაჩენილმა მეტოქეობამ, რომელიც თავს ერთი ევროპული სკოლის ნაწილად თვლიდა, მე-19 საუკუნის ბოლოს შესაძლებელი გახდა მოსკოვის ფერწერის, ქანდაკებისა და არქიტექტურის სკოლაზე საუბარი, როგორც სკოლა, რომელიც განასახიერებს ორიგინალური, ეროვნული ტენდენციებს. განვითარება.

მაგრამ ცვლილებებია პეტერბურგშიც. „მოხეტიალეები“ აკადემიაში ინერციის გამარჯვებულთა ჰალოში და მათ წინაშე დაგროვილი მეთოდოლოგიური გამოცდილებისა და მეთოდოლოგიური იდეების უარყოფით მივიდნენ. რეფორმის სახე, მისი გამორჩეული თვისება იყო პერსონალური სახელოსნოების ორგანიზება, რომლებსაც ხელმძღვანელობდნენ თავიანთი შემოქმედებით ცნობილი მხატვრები. ახალი მასწავლებლების (პირველ რიგში, I.E. Repin) აზრით, რომლებიც თავს თანამედროვე ხელოვნების ლიდერებად თვლიდნენ და ამ გარემოების გამო, ზედმეტად აბსოლუტირებდნენ პირად გამოცდილებას, მთავარი ყურადღება უნდა მიექცეს შემოქმედებით სემინარებს ძალიან განსხვავებული მეთოდოლოგიური მითითებებით. ამ დროიდან ირღვევა ხელოვნების პედაგოგიკაში ნორმებისა და კრიტერიუმების თანმიმდევრული განსაზღვრის კორპორატიული სურვილი. მეორე მხრივ, იყო სხვადასხვა პედაგოგიური ექსპერიმენტების შესაძლებლობა.
ბევრი საუბარი იყო იმაზე, თუ რა და როგორ უნდა ვასწავლო. კიდევ ერთხელ უნდა აღინიშნოს, რომ კითხვის ნიშნის ქვეშ დადგა სწავლების ერთიანი ნორმატიულობის აკადემიური პრინციპი. პროფესორ-ხელმძღვანელებმა სასწავლო პროცესში ბევრი ახალი და მოულოდნელი რამ შემოიტანეს. მაგრამ მცირე ხნის შემდეგ აღმოჩნდა, რომ ინოვაციების უმეტესობა ზედმეტად დაცულია საავტორო უფლებებით. თანდათანობით, სწავლება დაიწყო კლასიკურ ტრადიციებზე დაბრუნება. „ძველი“ აკადემიის მთელი რუტინის მიუხედავად, ცოტამ თუ შეამჩნია, რომ ახალმა, ლიბერალიზებულმა სისტემამ მრავალი თვალსაზრისით მკვეთრად შეცვალა განათლების საბოლოო ხარისხი. აკადემიამ დაიწყო თანაბარი ზომის მხატვრების წარმოება.

1910 წლისთვის აშკარა გახდა "მოხეტიალე" აკადემიის კრიზისი. მაგალითად, ა.ბენუა მოითხოვდა „მოხეტიალეების“ აკადემიიდან გარიცხვას და კანონიკური განათლების აღდგენას. პეტერბურგის სკოლა, განსაკუთრებით 1907 წელს რეფორმატორთა ლიდერის, ი.ე. რეპინმა თანდათან დაიწყო დაბრუნება შეთანხმებული მეთოდოლოგიური ნორმების შემუშავებაზე.
უკვე მეოცე საუკუნის მეათე წლებში, ხელოვნების სკოლებში მოვიდა თაობა, რომელიც უარყოფდა სკოლას, როგორც ასეთს.

ცვლილებები, რაც მოხდა სამხატვრო აკადემიაში, გარეგნულად განსხვავდებოდა მოსკოვის ფერწერის, ქანდაკებისა და არქიტექტურის სკოლის ცვლილებებისგან. მე-19 საუკუნის ბოლოს მოსკოვის სკოლის ავტორიტეტი სამხატვრო აკადემიასთან შედარებით გახდა. ორ დედაქალაქს შორის დაპირისპირებამ რუსულ კულტურაში დაძაბულობა გამოიწვია. ნაყოფიერ თანამშრომლობა-მეტოქეობას ასევე აგრძელებენ ორი სკოლის მათი თანამედროვე მემკვიდრეები - „რეპინსკის“ და „სურიკოვის“ აკადემიური დაწესებულებები.

UDC 7.072.2:378

იუ.ი.ჰარუტუნიანი

ხელოვნება და ხელოვნების ისტორია თანამედროვე ლიბერალური ხელოვნების განათლების სისტემაში

ხელოვნება და ხელოვნების ისტორია ფუნდამენტურად მნიშვნელოვან როლს თამაშობს თანამედროვე ლიბერალური ხელოვნების განათლების სისტემაში. განათლების პრაქტიკული კომპონენტისადმი მიმართვა, მეთოდოლოგიური ბაზის გაფართოება, ძეგლების აღწერისა და ანალიზის პრინციპების შემუშავება კონკრეტულ ემპირიულ მასალაზე შესაძლებელს ხდის მიღებული ცოდნის განახლებას, რაც მოიცავს თანამედროვე მხატვრული პრაქტიკის ფენომენების ფართო სპექტრს. ხელოვნების კრიტიკის სფერო. ინტერდისციპლინარული მიდგომა სასწავლო გეგმების ფორმირების, ქსელური პროგრამების შემუშავებისა და ინტერაქტიული სწავლის პრინციპების შემუშავებისა და პრაქტიკული კურსების დანერგვაზე გავლენას ახდენს სტუდენტის მუშაობის გააქტიურებაზე, უპირველეს ყოვლისა, შემოქმედებითი დავალებებისა და პროექტების შემუშავების ფარგლებში.

საკვანძო სიტყვები: ხელოვნების ისტორია, განათლების სისტემა, ლიბერალური ხელოვნების განათლება, თანამედროვე ვიზუალური პრაქტიკა, ინტერაქტიული სწავლების მეთოდები, ინტერდისციპლინარული პროგრამები

ჯულია I. არუთუნიანი ხელოვნება და ხელოვნების ისტორია თანამედროვე ჰუმანიტარული განათლების სისტემაში

ხელოვნება და ხელოვნების ისტორია გადამწყვეტ როლს თამაშობს თანამედროვე ლიბერალური განათლების სისტემაში. ტრენინგის პრაქტიკულ კომპონენტზე გადახვევა, მეთოდოლოგიური ჩარჩოს გაფართოება, ძეგლების აღწერისა და ანალიზის პრინციპების შემუშავება, კონკრეტული ემპირიული მასალის შემუშავება საშუალებას იძლევა განაახლოს ცოდნა, ხელოვნების სფეროში ჩართვა თანამედროვე ხელოვნების ფენომენების ფართო სპექტრით. პრაქტიკა. კურიკულუმის შემუშავების ინტერდისციპლინური მიდგომა, პროგრამების ქსელის ჩამოყალიბება და ინტერაქტიული სწავლის პრინციპების შემუშავება და პრაქტიკული კურსების განხორციელება გავლენას ახდენს სტუდენტის მუშაობის გააქტიურებაზე, განსაკუთრებით შემოქმედებით ამოცანებისა და განვითარების პროექტების ფარგლებში.

საკვანძო სიტყვები: ხელოვნების ისტორიის განათლება, ჰუმანიტარული მეცნიერებები, თანამედროვე ვიზუალური ხელოვნების პრაქტიკა, ინტერაქტიული სწავლების მეთოდები, ინტერდისციპლინარული პროგრამა

ხელოვნების ისტორია, ისევე როგორც მრავალი სხვა სამეცნიერო დისციპლინა, რომელიც ჩამოყალიბდა მე-19 საუკუნის ბოლოს და შეიმუშავა ძირითადი მეთოდოლოგიური მიდგომები მე-20 საუკუნის პირველ ნახევრამდე, თანამედროვე სამყაროში არაერთი კვლევითი და პედაგოგიური პრობლემის წინაშე აღმოჩნდა. საგანმანათლებლო აქტივობების ვექტორის შეცვლა და ყურადღების გადატანა დისციპლინიდან და დეტალური სალექციო კურსი სტუდენტზე და მუშაობის სხვადასხვა ინტერაქტიული მეთოდების გათვალისწინებით შემუშავებული პრაქტიკული გაკვეთილი გარდაქმნის მასალის წარდგენის ტრადიციულ პრინციპებს. „საშინაო პედაგოგიურ პრაქტიკაში ახალ საგანმანათლებლო სტანდარტებზე გადასვლით გამოწვეული შემობრუნება დაემთხვა გარღვევას ინფორმაციული ტექნოლოგიების სფეროში, რომელმაც შეცვალა მსოფლიო და დასაბამი მისცა სალექციო კურსის კლასიკური სტრუქტურის ტრანსფორმაციას“1. დროის გამოწვევებზე რეაგირებით, თანამედროვე ჰუმანიტარული განათლება აშენებს ფუნდამენტურად ახალ სტრატეგიებს საგანმანათლებლო სტანდარტების ფორმირებასა და განხორციელებასთან დაკავშირებით, სთავაზობს მიზნის მიღწევის სხვადასხვა გზებს, ავითარებს შედეგების შეფასების სისტემას და თეორიულ და პრაქტიკულ ურთიერთკავშირის სქემას. , ინდივიდუალური და უნივერსალური დასახული მიზნების გადაჭრაში.

დავალებები. თანამედროვე ჰუმანიტარული ცოდნის ინტეგრაციული ბუნება, რომელიც დაფუძნებულია ფენომენების ანალიზის სხვადასხვა მიდგომების სინთეზზე, წარმოშობს ახალ შესაძლებლობებს რიგი საგნების სწავლების მეთოდების შემუშავებაში.

მხატვრული განათლების ტრადიციები საფუძვლიდანვე თვლიდნენ აღწერასა და ანალიზს სწავლების ფუნდამენტურ მეთოდად. პირველი სასწავლო გეგმები, ჩამოყალიბებული 1936 წელს, ითვალისწინებდა ფორმალური და შედარებითი ანალიზის მეთოდების ფართო გამოყენებას სხვადასხვა რეგიონის, პერიოდისა და სტილის ძეგლებთან მუშაობისას, ხელოვნების სხვადასხვა ტიპებსა და ჟანრებთან, მათ შორის თანამედროვე ოსტატებისა და სტუდენტური ნამუშევრების ჩათვლით. ასეთი საგანმანათლებლო მეთოდი გულისხმობს ანალიზის ობიექტის პრობლემის გადაჭრას, მატერიალური შერჩევის პრინციპს, შეგნებულ და განსაზღვრული განათლების მიზნებით, ანალიზისა და აღწერის აღქმას, როგორც თანმიმდევრულ ეტაპებს ძეგლის გაგებისა და ინტერპრეტაციის გზაზე. უდავოდ აუცილებელია საგანთან მუშაობის არსში შეღწევა, „თინგოლოგიური“ მიდგომა, ორიგინალის უნიკალურობისა და მნიშვნელობის გაცნობიერება. ანალიზის სქემის შემუშავებისას, „პროექტის აქტივობის“ ინტერაქტიული მიდგომებისა და მეთოდების ჩართვა შემოქმედებითი საქმიანობის ფარგლებში.

ამოცანები, აუცილებელია გავითვალისწინოთ არა მხოლოდ კრიტერიუმების მკაცრი სისტემა საგანმანათლებლო სამუშაოს მაღალ სამეცნიერო დონეზე განხორციელებისთვის, არამედ სამუშაო პროცესში მთელი გუნდის ჩართვის შესაძლებლობა და რაც მთავარია, აჩვენოს შესაძლებლობა. ინდივიდუალური შემოქმედებითი შესაძლებლობები და მიღწევები შესასწავლ სფეროში.

ამ მიდგომის ფარგლები, რომელიც მოითხოვს მასწავლებელს და სტუდენტს ორიგინალის მნიშვნელობის პასუხისმგებლობით გაგებას, სამეცნიერო მიდგომების სპექტრის გაფართოების სურვილს, განათლების თანამედროვე ინტერაქტიულ ტექნოლოგიებზე დაფუძნებულ დამოუკიდებლობას და ანალიზის ინტერდისციპლინურ მეთოდებს, მოიცავს ფენომენები, რომლებიც დაკავშირებულია ტრადიციული და ხალხური ხელოვნების სფეროსთან, რომელიც ამჟამად თავის სპეციფიკურ ნიშას იკავებს უმაღლესი განათლების სისტემაში. კლასიკური ხელოვნება უძველესი დროიდან ითვლებოდა როგორც სტუდენტ-თეორეტიკოსის, ასევე მხატვრის განათლების საფუძვლად, მაგრამ ხელოვნების ისტორიის პედაგოგიურ პრაქტიკაში მიმართვა ხალხური ხელოვნების მეცნიერულ განვითარებაზე არის თანამედროვე ფენომენი, რომელიც მოითხოვს ასახვას და განვითარებას. მეთოდოლოგია. ხალხური ხელოვნება, როგორც დისციპლინა სასწავლო გეგმაში გულისხმობს მასალის დაუფლების, მისი საფუძვლების გააზრების გარკვეული საფუძვლის ფორმირებას, შემოთავაზებული კურსის ფარგლებში ამ ტიპის ძეგლების შესწავლის ინტეგრირებული მიდგომისა და ინტერდისციპლინარული მეთოდების პრობლემას. წინა პლანზე. აქვე უნდა დავამატოთ, რომ ხელოვნების, როგორც ხელობისა და „ზუსტი მეცნიერების“ გაგება ლეონარდო და ვინჩის დროიდან მოყოლებული აღიქმება, როგორც ყველაზე ეფექტური ალტერნატივა ხელოვნებისა და თეორიული განათლების ფენომენის შესწავლისა და გააზრების პროცესში, უმიზეზოდ. იდეა: „მხატვრობა არის მეცნიერება და ბუნების კანონიერი ასული“3, რჩება ტრადიციულ მიდგომად მრავალ სამხატვრო აკადემიაში, სადაც განვითარდა ხელოვნება და ხელნაკეთობა და შეისწავლეს ხალხური ხელოვნება (პირველ რიგში კოსტუმებისა და ჭურჭლის ისტორიული ავთენტურობის თვალსაზრისით). 4.

გავლენის ინტერპრეტაცია და „წყაროს“ ციტირება, რომელიც მოითხოვს გააზრებულ მიდგომებს ინტერპრეტაციის პრინციპების ანალიზისადმი, ასევე შეიძლება გავლენა იქონიოს შესწავლილი პრობლემის ფარგლებში, როგორც კლასიკური ეპოქის ხელოვნებასთან მუშაობისას, ასევე. ხალხურ ტრადიციებთან და აქტუალურ მხატვრულ პრაქტიკასთან5. სასწავლო გეგმაში განსაკუთრებული ადგილი უნდა დაეთმოს კურსებს, რომლებიც ეძღვნება კვლევის თეორიულ ასპექტებს, მასალასთან მუშაობის მეთოდებს, ფენომენების აღწერისა და ანალიზის პრინციპებს და ხალხურ ხელოვნებას. განსაკუთრებული ყურადღება უნდა მიექცეს საკითხს გამოყენებული ანალიზის ტრადიციული მეთოდების თანაფარდობის შესახებ

ხელოვნების ისტორიაში და არაკლასიკური ხელოვნების დამახასიათებელ მახასიათებლებში, რომლებიც მოითხოვს გარკვეული პრობლემების გადაჭრას, რომლებიც დაკავშირებულია როგორც ერთი ნაწარმოების, ისე ძეგლების ჯგუფის ინტერპრეტაციის მიდგომების ფორმირებასთან, ინტერდისციპლინარული კვლევის პრინციპები აქტუალური ხდება ასეთში. კონტექსტი.

"ვიზუალური და ვირტუალური" პრობლემა აისახება ძეგლის აღქმისა და ინტერპრეტაციის ნიმუშებში, აქ მასწავლებლის მუშაობა მწვავე ხდება პედაგოგიური პრაქტიკის ფარგლებში, სადაც ფუნდამენტურად მნიშვნელოვანია რეპროდუქციის საშუალებები და ფერწერული დიაპაზონის დანერგვის შესაძლებლობა. როგორც სალექციო და ინტერაქტიული გაკვეთილებისთვის, ასევე სტუდენტის დამოუკიდებელი მუშაობისთვის. ხელოვნების ნაწარმოების „ხელმისაწვდომობის“ ილუზია, თანამედროვე კომუნიკაციის საშუალებების და რეპროდუქციის ტექნიკური შესაძლებლობების გათვალისწინებით, არ უნდა იმოქმედოს ორიგინალის, უნიკალური ნაწარმოებისადმი დამოკიდებულებაზე, ამიტომ, ამ კონტექსტში, მუზეუმში გამოფენილი ნამუშევარი. ან გალერეა იძენს ასეთ მნიშვნელობას. „ძეგლის“ და „ორიგინალის“ პრობლემა უნდა გადაწყდეს სასწავლო პროცესის ორგანიზების დონეზე, მოსწავლემ უნდა იცოდეს ძეგლის ღირებულება, ზღვარი რეალურ საგანსა და მის გამოსახულებას შორის და ა.შ.6 პრობლემა. საგანმანათლებლო პროცესის ორგანიზებაში „ტექნიკური განმეორებადობა“7 ხდება მნიშვნელოვანი, თუ არა გადამწყვეტი, რადგან მუზეუმში მაყურებლის გამოცდილება განსხვავდება ნებისმიერი ტიპის რეპროდუცირებულ სურათთან მუშაობისგან. არქიტექტურის უშუალო შესწავლის გამოცდილება შეიძლება გავრცელდეს არა მხოლოდ თავად ძეგლებზე, არამედ არქიტექტურულ გრაფიკაზე, წიგნის ილუსტრაციაზე, არქიტექტურაზე სცენოგრაფიაში, ხელოვნებასა და ხელნაკეთობებზე და კოსტუმებზე; ასევე საინტერესოა „ეკრანის არქიტექტურის“ ფენომენი8, XXI საუკუნეში. თავად სტრუქტურები ხშირად გადაიქცევა საპროექციო ეკრანებად და მოქმედებენ როგორც ინსტალაციის ელემენტი.

თანამედროვე განათლება ასევე ორიენტირებულია დისტანციური სწავლების მეთოდებზე, სადაც თეორიისა და პრაქტიკის ურთიერთობის პრობლემა უნდა გადაწყდეს პრაქტიკული ამოცანების შემუშავებით, ინტერაქტიული მიდგომებით და სტუდენტების დამოუკიდებელი მუშაობის ახალი მეთოდებით. რა თქმა უნდა, დისტანციური სწავლება აფართოებს შესაძლებლობებს, მაგრამ საჭიროა კარგად გააზრებული ორგანიზაციის სქემა, ასევე ძალიან რთული ტექნიკური და მეთოდოლოგიური მხარდაჭერა. შემოქმედებითი პრაქტიკული ამოცანები შეიძლება გადაწყდეს სტილის შესწავლის პრობლემების კონტექსტში, როგორც არქიტექტურაში, ასევე სახვითი და დეკორატიულ ხელოვნებაში. ძეგლის ანალიზი

იუ.ი.ჰარუტუნიანი

განიხილება ხელოვნებათმცოდნის პრაქტიკული მუშაობის საფუძვლად.

თანამედროვე ჰუმანიტარულ განათლებაში პრაქტიკული კომპონენტის პრობლემა აქტიურად განიხილება ბოლო წლებში, მას შეეხო კონფერენციებისა და პუბლიკაციების ფარგლებში, აითვისა კურსების დაუფლებისა და გარკვეული კომპეტენციების შეძენის შედეგების მოთხოვნების ტრანსფორმაციის ნაწილი (FSES (3 +)). ხელოვნებათმცოდნის განათლების თავისებურებები განათლების სამსაფეხურიანი სისტემის ფარგლებში, პირველ რიგში, მოიცავს განათლების თითოეული საფეხურის კურსდამთავრებულისათვის (ბაკალავრიატი, მაგისტრი, ასპირანტურა) სპეციფიკური მოთხოვნების გაგების აუცილებლობას. . ხელოვნების ისტორიკოსის პროფესიული საქმიანობის სფერო მნიშვნელოვნად გაფართოვდა ბოლო ათწლეულების განმავლობაში, მაგრამ ასევე გართულდა მოთხოვნები პროფესიონალიზმის, პროფესიული უნარების მთელი რიგის ფლობისა და სწავლისა და საჭირო ცოდნის სწრაფად შეძენის უნარზე. პრაქტიკული ხელოვნების ისტორია, როგორც გამოსავალი კვლევის, სწავლების, სამუზეუმო მუშაობისა და რესტავრაციის პრობლემებიდან მოითხოვს ახალ თეორიულ და მეთოდოლოგიურ მიდგომებს. თანამედროვე განათლების სისტემის წინაშე დგას საკითხი მასწავლებლის პედაგოგიურ საქმიანობაში კურსის პრაქტიკული ნაწილის გაფართოების, სასწავლო პროცესის ორგანიზებისა და პრაქტიკის წარმართვისას. ასეთ კონტექსტში ხაზგასმულია გამოყენებითი ბაკალავრიატის ადგილი და როლი, საჭირო ხდება ინტერდისციპლინარული პროგრამების შემუშავება, განათლების ეტაპების თანმიმდევრობის პრინციპის დაცვა, დგება განათლების აკადემიური და გამოყენებითი ფორმების ურთიერთქმედების საკითხი. პრობლემა რჩება იმაში, რომ უახლოეს წარსულში სპეციალობების მკაცრი დელიმიტაციის არსებობა აჩენს საკითხს სწავლის მიმართულებაზე (სპეციალობა დიპლომის მიხედვით, საბაზო განათლება) და სამუშაო ადგილს შორის ურთიერთობაზე, რაც სრულად არ ითვალისწინებს მიმდინარე ტენდენციას. პოსტ-არაკლასიკურ მეცნიერებაში ორიენტირებულია სინთეზსა და ინტერდისციპლინურ მიდგომებზე. კურსდამთავრებულზე მოთხოვნების ტრანსფორმაცია აუცილებლად იწვევს სტუდენტის პრაქტიკული უნარების გაფართოებას, პრობლემის მეცნიერულ განვითარებაზე ორიენტაციას არა მხოლოდ მაგისტრატურის სტუდენტისთვის, არამედ ბაკალავრიატისა და მაგისტრატურაში, ცვლილება პრაქტიკული გაკვეთილების საფუძველი, გამოყენებითი უნარებისა და ზოგადი უნარების საჭიროება (დოკუმენტებში ისინი, როგორც წესი, ჩამოყალიბებულია, როგორც პროფესიულ სფეროში გადაწყვეტილების მიღების უნარი, ინფორმაციის დამუშავება, ანალიზი და მასალის სისტემატიზაცია).

ხელოვნების ისტორიას შეუძლია იმოქმედოს არა მხოლოდ როგორც სწავლის კონკრეტული სფერო და როგორც დისციპლინა, არამედ როგორც ერთგვარი საგანმანათლებლო კრიტერიუმი, ბარი, ზოგადი ცოდნა, რომელიც საშუალებას გაძლევთ ნავიგაცია წარსულისა და აწმყოს კულტურაში, გახდეთ კომპეტენტური პროფესიონალი. გადაწყვეტილებების ფლობა, ინფორმაციის ფლობა, საზოგადოების განვითარების ვექტორების გაგება, სოციალურად ადაპტირებული და კვალიფიციური სპეციალისტი. ხელოვნების ადგილი თანამედროვე ჰუმანიტარული განათლების სისტემაში, რა თქმა უნდა, შეიძლება გახდეს უფრო ფართო, მისი გავლენის ორბიტაზე სხვა სფეროს სტუდენტების ჩართვით, „კომპეტენციის ^ მიდგომა“ არ ამოწურავს პროფესიონალურად კომპეტენტური სპეციალისტის მოთხოვნებს. ვინც ადვილად იპოვის აპლიკაციას შრომის ბაზარზე. სწავლების მეთოდები, განსაკუთრებით ინტერაქტიული ტექნოლოგიები, უწყვეტობის პრინციპი, დამოუკიდებელი მუშაობის ბუნება და მნიშვნელობა, პრაქტიკის ორგანიზება და მათი ადგილი სასწავლო პროცესში, პროფესიული საქმიანობის პრინციპების გაცნობა, ხელოვნების ისტორია ზოგადი დისციპლინების დონეზე. რომლის განვითარებას შეუძლია ხელი შეუწყოს ნებისმიერი კურსდამთავრებულის პროფესიულ ზრდას. ხელოვნების ისტორია შეიძლება არსებობდეს დამატებითი განათლების სისტემაშიც.

ხელოვნებათმცოდნეობას განსაკუთრებული როლი აქვს ინტერდისციპლინარული მიდგომების სისტემაში, ის არის სტუდენტის მუშაობის გააქტიურების, მისი ესთეტიკური შეხედულებების, შესაძლებლობებისა და ინტერესების, შემოქმედების, დამოუკიდებელ საქმიანობაში აქტივობის განვითარების უნივერსალური მეთოდი. ასეთი დისციპლინების განვითარება, თუ მასალა გააზრებულად არის ორგანიზებული და წარმატებით წარუდგენს სტუდენტებს, უდავოდ ხელს უწყობს ინდივიდის განვითარებას, ღირებულებების სისტემის ჩამოყალიბებას, მხატვრულ შესაძლებლობებს, ინტერესს კვლევითი სამუშაოსადმი და ახალი საქმიანობის დაუფლების სურვილს. ხელოვნებათმცოდნეობის პედაგოგიკის მეთოდოლოგიურ პრობლემებად რჩება დიალოგში სწავლის, ინტერაქტიული პროგრამების დაუფლების, ძეგლთან უშუალო მუშაობის სწავლის აუცილებლობა.

ხელოვნების ისტორია, როგორც მეცნიერება, როგორც კრეატიულობა, როგორც ჰუმანიტარული ცოდნის უნივერსალური მეთოდი, აფართოებს სწავლის ჰორიზონტს, ხელს უწყობს მოსწავლის პიროვნულ ზრდას, ზრდის მის პროფესიონალიზმს (და შესაბამისად კონკურენტუნარიანობას) და ეს ასევე ეხება მათ, ვინც უშუალოდ სწავლობს სფეროებში. ხელოვნებასთან დაკავშირებული და შემოქმედებითი სპეციალობების წარმომადგენლები და ისინი, ვინც კულტურული დონის ამაღლებას ცდილობენ და "არამხატვრული პროფესიის" სტუდენტები,

სველი წერტილები დამოუკიდებლობისთვის, აქტიურობისთვის, სამეცნიერო მუშაობის სურვილისთვის. „სტილის“ კონცეფცია კვლავ სადავოა, რაც შესაძლებელს ხდის საგნის ფარგლებში ინტერაქტიული სწავლის განხორციელებას, „სტუდენტურ-ცენტრული“ მოდელის ფენომენზე დაყრდნობით: კურსი აგებულია სქემად, გაკვეთილი იქცევა კრეატიულობად, უნიკალურობად. სტუდენტი წარმოშობს თითოეული კურსის უნიკალურობას. ხელოვნების ნაწარმოებთან მუშაობის მეთოდები მომავალი ხელოვნებათმცოდნეებისა და სხვა სპეციალობების წარმომადგენლებისთვის გარკვეულწილად განსხვავებული უნდა იყოს, თუმცა, ეს პრინციპები შეიძლება განხორციელდეს, მაგალითად, სტუდენტური სამეცნიერო საზოგადოების საქმიანობის ფარგლებში: სამეცნიერო მუშაობა უნდა გახდეს. საგანმანათლებლო პროცესის გაგრძელება აუცილებელია სამეცნიერო პრობლემების ერთიანობის შენარჩუნება, განსაკუთრებული მნიშვნელობის საგანმანათლებლო პროცესში, ოლიმპიადები და კონკურსები იძენს, სტუდენტური სამეცნიერო კონფერენცია ხდება ინდივიდუალური მუშაობის შედეგი, სტუდენტს უნდა ჰქონდეს შესაძლებლობა. გამოაქვეყნოს თავისი სამეცნიერო განვითარება.

ამრიგად, ხელოვნების ისტორიის განათლება XXI საუკუნეში. გარდაუვლად მოითხოვს კომპლექსურ ინტერდისციპლინურ სტრუქტურაში ჩართვას, მხოლოდ სოციალურ-ჰუმანიტარული ორიენტაციის სუბიექტებთან ურთიერთობისას, დაკავშირებული დისციპლინების (და, შესაძლოა, ზუსტი და საბუნებისმეტყველო მეცნიერებების) მითითებით, იძენს თანამედროვეობას და ფენომენის სრულ გაგებას. ინტერდისციპლინარული მიდგომები შესაძლებელს ხდის მეთოდოლოგიური ბაზის გაფართოებას, ხედვის კუთხის შეცვლას, კვლევის საგნისა და ობიექტის გაფართოებას, ნაწარმოებთან მუშაობის პრინციპების გარდაქმნას. ხელოვნების ისტორიის პედაგოგიურ პრაქტიკაში აუცილებელია მოსწავლის ინდივიდუალური მუშაობის გააქტიურება, კონკურენციის პრინციპის (ოლიმპიადების) გამოყენება, უწყვეტობის სისტემის (სკოლიდან, სადაც საჭიროა „მსოფლიოს“ კურსის შენარჩუნება და გაფართოება. ხელოვნების კულტურა“ უნივერსიტეტამდე, ბაკალავრიატიდან ასპირანტურამდე და ასპირანტურამდე). მეტი ყურადღება უნდა მიექცეს ნიჭიერ მოსწავლეებთან და სტუდენტებთან მუშაობას. ხელოვნების ისტორიის სწავლებისას შესაძლებელია საგნების მეთოდოლოგიური ბაზის გაფართოება, ფართო მასალების მოზიდვა, პრაქტიკული კურსების დანერგვა, სტუდენტებისთვის ახალი ტიპის პრაქტიკა (და, შესაძლოა, სპეციალობები), მოდულური მიდგომა, სხვადასხვა ფორმის დანერგვა. მეორე უმაღლესი განათლება, მათ შორის დამატებითი (მოწინავე ტრენინგი) დისტანციური პროგრამების შემუშავება, მიმართულებებისა და პროფილების გაფართოება (მათ შორის, შესაძლოა,

გამოყენებითი ბაკალავრის ხარისხი). ხელოვნების ისტორიის დარგის პროფესიონალისთვის მოთხოვნების სპეციფიკის უპირობო გათვალისწინება, ქულათა შეფასების სისტემის დანერგვის გარდა, გულისხმობს შემოქმედებითი ამოცანების სისტემაზე დაფუძნებული პროექტზე დაფუძნებული სწავლების დანერგვას. ფედერალური სახელმწიფო საგანმანათლებლო სტანდარტის მოთხოვნები (3+), რომელიც იძლევა გარკვეულ თავისუფლებას სასწავლო პროგრამების ფორმირებაში.

შენიშვნები

1 Arutyunyan Yu. I. ხელოვნების ისტორიის მეთოდოლოგიური პრობლემები თანამედროვე ჰუმანიტარული განათლების კონტექსტში // Tr. SPbGUKI. 2013. V. 200. S. 176.

2 იხილეთ მეტი: იქვე. გვ 174-185.

3 ლეონარდო და ვინჩი: წიგნი. ფლორენციელი მხატვრის და მოქანდაკის ოსტატი ლეონარდო და ვინჩის ნახატის შესახებ / მთარგმნელი, ავტორი. შესავალი. Ხელოვნება. ა გუბერი. M.: Ogiz: Izogiz, 1934. S. 64.

4 დაწვრილებით იხილეთ: Arutyunyan Yu. I. 1812 წლის სამამულო ომი სამხატვრო აკადემიის პროგრამებში და ისტორიული კონცეფციის პრობლემები ფერწერაში // Vestn. SPbGUKI. 2013. No1 (14). გვ 90-98; მისი საკუთარი. კონკურსები, ჯილდოები და პრიზები სამხატვრო აკადემიის სასწავლო პრაქტიკაში // იქვე. 2014. No1 (18). გვ 138-143.

5 დაწვრილებით იხილეთ: Her. ციტატები და ანალოგიები: წარსულისა და აწმყოს ხელოვნებაში გავლენის შესწავლის ზოგიერთი ასპექტი // ვესტნ. SPbGUKI. 2011. No 2. S. 127-134; მისი საკუთარი. არქიტექტურული გრაფიკა: მიღებისა და ინტერპრეტაციის პრობლემები // ნაუხ. tr.: კითხვა. კულტურის თეორიები. 2014. გამოცემა. 31, ოქტ.-დეკ. გვ 157-194.

6 დაწვრილებით იხილეთ: Her. მოხსენება 2013 წელს სანქტ-პეტერბურგის უმაღლესი საგანმანათლებლო დაწესებულებების სტუდენტთა რეგიონალური საგნობრივი ოლიმპიადის ჩატარების შესახებ ხელოვნების ისტორიაში // პეტერბურგის უმაღლესი საგანმანათლებლო დაწესებულებების სტუდენტთა რეგიონალური საგნობრივი ოლიმპიადების მასალების კრებული. პეტერბურგი: Technolit, 2013. S. 57-70; მისი საკუთარი. მოხსენება 2014 წელს სანქტ-პეტერბურგის უმაღლესი საგანმანათლებლო დაწესებულებების სტუდენტთა რეგიონალური საგნობრივი ოლიმპიადის ჩატარების შესახებ ხელოვნების ისტორიაში // პეტერბურგის უმაღლესი საგანმანათლებლო დაწესებულებების სტუდენტების რეგიონალური საგნობრივი ოლიმპიადების მასალების კრებული. პეტერბურგი: Technolit, 2014. S. 36-45; მისი საკუთარი. 2015 წელს ქ. // რეგიონული საგნობრივი ოლიმპიადების მასალების კრებული პეტერბურგის უმაღლესი საგანმანათლებლო დაწესებულებების სტუდენტებისთვის. პეტერბურგი: ტექნოლიტი, 2015 წ., გვ.37-43.

7 Benjamin V. ხელოვნების ნიმუში მისი ტექნიკური გამეორების ეპოქაში: ფავორიტი. თხზულება / წინასიტყვაობა, კომპ., მთარგმნ. და შენიშვნა. S. A. Romashko; რედ. იუ.ა.ზდოროვოვი. M.: საშუალო, 1996. S. 15-65.

8 დაწვრილებით იხილეთ: Arutyunyan Yu. I. სტილის მიღების მეთოდოლოგიური თავისებურებები არქიტექტურული გრაფიკის ფენომენის კონტექსტში // Tr. SPbGUKI. 2015. V. 209. S. 5-18.

მხატვრული განათლების ზოგადსაგანმანათლებლო სისტემა ეფუძნებოდა ხატვის სწავლებას, ვინაიდან იეროგლიფების წერა გარკვეულ უნარებს მოითხოვდა. ხატვის სწავლება ეფუძნებოდა ორ მიმართულებას: ხელის თავისუფალი მოძრაობის ტექნიკის შემუშავებას და სიმტკიცეს რელიეფების დამზადებასა და პაპირუსების წერაში. მთავარი მეთოდი კოპირება და დამახსოვრებაა. განათლების სისტემას მკაცრი დისციპლინის მოთხოვნები ჰქონდა. მიუხედავად იმისა, რომ ეგვიპტური საზოგადოების მხოლოდ პრივილეგირებულ ფენას შეეძლო განათლების მიღება, ფიზიკური დასჯა ხორციელდებოდა (ისინი 3 თვის განმავლობაში დადიოდნენ მარაგებში). ერთის მხრივ, პროფესიულ სწავლებას ზოგადი ხასიათი ჰქონდა, როცა ხელოსნობის საიდუმლოებები მამიდან შვილზე გადადიოდა, მეორე მხრივ, პროფესიული სკოლები აწყობდა. სახვითი ხელოვნების წამყვანი პროფესიული სკოლა იყო მემფისის კორტის არქიტექტორებისა და მოქანდაკეების სკოლა. რამზეს II-ისა და მისი მემკვიდრის დროს ეგვიპტეში არსებობდა მხატვრების ინსტიტუტი, სადაც მოსწავლეებს შეეძლოთ მასწავლებლების არჩევა. ასეთ საგანმანათლებლო დაწესებულებაში სწავლების მეთოდოლოგია იყო მოწყვეტილი ცხრილებად, რომლებიც ემსახურებოდნენ მეთოდოლოგიურ მითითებებს სამუშაოს ეტაპობრივი განხორციელებით. კერძოდ, ასეთი ტექნიკა გამოიყენებოდა, როგორც ბადეში ადამიანის ფიგურის აგება. ეს არ იყო მხოლოდ სურათის გაფართოების მცდელობა, არამედ მოდულური ბადის პროტოტიპი, რამაც შესაძლებელი გახადა გამოსახულების გაფართოება, ფრონტალური და გვერდითი გამოსახულების აგება, რადგან ქსელის ხაზების გადაკვეთა ხდებოდა გარკვეულ კვანძოვან კავშირებზე. ნახატი აშენდა ამ ბადის ნებისმიერი ადგილიდან. გამოსახულება გამოვლინდა არა ზოგადი ფორმის განმარტებით, არამედ პროპორციული გამოთვლების მექანიკური მომზადებით. ქანდაკების სწავლებისას ეტაპობრივი სამუშაოს გასაგებად ვიზუალური დამხმარე საშუალებად გამოიყენებოდა სტანდარტული მეთოდი და სამუშაოს მიმდინარეობის მეთოდი. ამრიგად, სახვითი ხელოვნების სწავლებისადმი სისტემატური მიდგომაა, ჩამოყალიბებულია სახვითი ხელოვნების პრაქტიკის თეორიული დასაბუთება და პირველად ჩამოყალიბდა მომავალი ხელოვანების გამოსახვისა და მომზადების კანონები. არსებობდა თუ არა სასწავლო პროცესის თეორია (დიდაქტიკა) დადგენილი არ არის. თუმცა იყო პედაგოგიური თხზულებანი (ტაუფის მიერ). განათლება ეფუძნებოდა არა გარემომცველი რეალობის შესწავლას, არამედ დადგენილი კანონების დამახსოვრებას. სახვითი ხელოვნება ეგვიპტეში უკვე ზოგადსაგანმანათლებლო დისციპლინა იყო. ლექცია No4 „ხელოვნების განათლების სისტემა ძველ საბერძნეთში“. ძველი საბერძნეთის ხელოვნება უდიდესი ფენაა მსოფლიო სახვითი ხელოვნების ისტორიაში. ამ პერიოდში შექმნილი ნამუშევრები აოცებს თანამედროვეებს პროპორციულობით, რეალიზმით, გარემოსთან ჰარმონიით. მაშასადამე, სამხატვრო განათლების სისტემისადმი ინტერესი ბუნებრივია, რაც, თავის მხრივ, მნიშვნელოვანი ეტაპია მთლიანად ხელოვნების განათლების განვითარების ისტორიაში. ძველი საბერძნეთის განათლების სისტემაში ფუნდამენტური ცვლილებები, უპირველეს ყოვლისა, დაკავშირებულია მსოფლმხედველობის ცვლილებასთან და, შედეგად, რელიგიისა და სოციალური ცნობიერების ცვლილებასთან იმავე მონათმფლობელურ ეკონომიკურ ფორმაციაში. ბერძენი ღმერთების პანთეონი, ეგვიპტური ზოომორფებისგან განსხვავებით (მოგვიანებით ადამიანის სხეულებით), იყო ანთროპომორფული. შემდგომი ცხოვრება წარმოდგენილი იყო რეალობის ანალოგიით. და სხვა სამყაროში გადასვლისთვის მომზადება არც ისე ყოვლისმომცველი იყო. ზოგადად, ძველი ბერძნების დამოკიდებულება ჰუმანისტური ხასიათისა იყო, რომელიც მიზნად ისახავდა რეალობის ნიმუშების გამოვლენას და ადამიანის სხეულის სილამაზე ითვლებოდა ჰარმონიის სტანდარტად, ანუ ნაწილების პროპორციულობა მთლიანთან შედარებით. ეს ესთეტიკური იდეალი გამოიხატება პერიკლე 12-ის სიტყვებში (ძველი ბერძენი სტრატეგი, რომელიც ხელმძღვანელობდა ათენს მის აყვავებულ პერიოდში): „ჩვენ გვიყვარს მშვენიერი, შერწყმული უბრალოებასთან და სიბრძნე ჩინებულობის გარეშე“. თუმცა ბერძნების მიერ შექმნილ ყველაფერს ახალს საფუძველი აქვს. და ეს საფუძველი ეგვიპტური ხელოვნებაა. ბერძენი მხატვრები ეგვიპტეში განვითარდნენ კანონების სისტემა და ქანდაკების მეთოდები. მაგალითად, ძმებმა ტელეკლესმა და თეოდორემ სამოსიდან, რომლებიც ცხოვრობდნენ სხვადასხვა ქალაქში, აიღეს სამიანების შეკვეთა პიტია აპოლონის ქანდაკებისთვის. ერთმანეთისგან დამოუკიდებლად, თითოეულმა ქანდაკების საკუთარი ნახევარი ისე ოსტატურად გააკეთა, რომ შერწყმისას ორივე ნახევარი ერთმანეთს ერწყმოდა. მუშაობის ასეთ წარმატებულ მსვლელობას ხელი შეუწყო სკულპტურულ ნაწარმოებზე მუშაობის ეგვიპტური მეთოდის დაცვამ. მომავალში ბერძნები განათლებისა და აღზრდის პრობლემას ახლებურად მიუდგნენ. რეალიზმი ბერძნული ხელოვნების საფუძველია. მხატვრები ამტკიცებდნენ, რომ მსოფლიოში მკაცრი კანონზომიერება სუფევს და სილამაზის არსი მდგომარეობს ნაწილებისა და მთლიანობის ჰარმონიაში, სწორი მათემატიკური პროპორციებით. 432 წელს ძვ. პოლიკლეიტოსმა სიკიონელმა შექმნა ნარკვევი ადამიანის სხეულის აგების პროპორციული კანონების შესახებ და ისტორიაში პირველად გადაჭრა კონსპოსტის პრობლემა. ადამიანის სხეულის გამოსახულება ბუნებრივი და სასიცოცხლო გახდა. ახალი კანონების მიხედვით ქანდაკების შესრულების ნიმუშად გამოყენებულია „დორიფორი“ (შუბის მატარებელი). ნახატები ამ ქანდაკებიდან შესრულდა არა მხოლოდ მომავალი პროფესიონალების, არამედ ყოვლისმომცველი სკოლის ბავშვების მიერ. გვიანდელი კლასიკოსების კიდევ ერთმა დიდმა მოქანდაკემ, პრაქსიტელესმა, შექმნა საკუთარი კანონი, რომელშიც სხეულის პროპორციები გარკვეულწილად გახანგრძლივდა პოლიკლეტური კანონის მიმართ. ამ პერიოდის სწავლების მეთოდების შესახებ ვიცით რომაელი ისტორიკოსების პლინიუსის, პაუსანიასისა და ვეტრუვიუსის გვიანდელი თეორიული ნაშრომებიდან, ასევე შემორჩენილი არტეფაქტების საფუძველზე. უფრო მეტიც, ბერძნული დაზგური ხელოვნების ამდენი არტეფაქტი დარჩა: ქანდაკება ჩვენამდე მოვიდა, ძირითადად რომაულ ეგზემპლარებში, რომლებიც არ გადმოსცემენ ძველი ბერძნული ხელოვნების მთელ სიღრმეს, მხატვრობის არტეფაქტებიც ცოტაა. ძველი საბერძნეთის სახვითი ხელოვნების პირველი მეთოდოლოგიური განვითარების ისტორია დაკავშირებულია პოლიგნოტოსის და აპოლოდორუს ათენის სახელებთან. პოლიგნოტუსმა ათენში ჩამოაყალიბა ხელოვანთა წრე, სადაც მას მიენიჭა მოქალაქეობის უფლება, დაიწყო პედაგოგიური საქმიანობა. მან მოუწოდა ხელოვანებს რეალობისკენ სწრაფვა. თუმცა, მან აითვისა მხოლოდ წრფივი ნახატი, ქიაროსკუროს გადაცემის გარეშე. მაგრამ აქაც ხაზი მუშაობდა სივრცის გადმოსაცემად. პლინიუსი წერს: „პოლიგნოტოსი, რომელიც ხატავდა ქალებს გამჭვირვალე ტანსაცმელში, თავზე უფარავდა ფერად კაპოტებს და პირველმა შემოიტანა ბევრი ახალი რამ მხატვრობაში, როგორც კი დაიწყო პირის გახსნა, კბილების ჩვენება და ნაცვლად. ყოფილი უძრავი სახე, მიეცით მრავალფეროვნება“. არისტოტელემ აღნიშნა, რომ პოლიგნოტი იდეალურად გადმოსცემდა ადამიანის სხეულის ფორმას, ხატავდა რეალური ზომის მოდელებს. თუმცა მისი ნახატი წარმოდგენილი იყო მონოქრომული ნახატის სახით. ნამდვილი რევოლუცია ხატვისა და სწავლების მეთოდების დარგში მიეწერება აპოლოდორე ათენელს, რომელსაც პლინიუსი „ხელოვნების მნათობებად“ მოიხსენიებს. აპოლოდორუსის დამსახურება მდგომარეობს იმაში, რომ მან პირველმა შემოიტანა ქიაროსკურო და დაიწყო ნახატში ფორმის მოცულობის მოდელირება. სასწაულად ითვლებოდა. საჭირო იყო სწავლების სხვა მეთოდები, რომლებიც ითვალისწინებდნენ კიაროსკუროს განაწილების ნიმუშებს სინათლის წყაროსთან შედარებით. ფერწერა დაიწყო სითბოსა და სიცივის თამაშზე დაფუძნებული. აპოლოდორუსი არა მხოლოდ ნიჭიერი მხატვარი იყო, არამედ შესანიშნავი მასწავლებელიც. მისი ერთ-ერთი სტუდენტი იყო ზეუკისი (ძვ. წ. 420-380 წწ.). თავის ერთ-ერთ ეპიგრამაში აპოლოდორემ მას "ჩემი ხელოვნების ქურდი" უწოდა. ზეუკისის მეთოდოლოგია ეფუძნებოდა ბუნების მჭიდრო შესწავლას, სილამაზის კანონების გააზრებას დაკვირვების გზით. არსებობს ლეგენდა, რომ ზეუკისმა დახატა ყურძნის მატარებელი ბიჭი. ყურძნისკენ 14 ჩიტი მოიყარა, ამიტომ ოსტატურად დახატეს. და ოსტატი შეწუხდა: ”მე რომ ოსტატურად გამომესახა ბიჭი, მაშინ ჩიტები არ შემოფრინდნენ, ისინი შეშინდნენ.” ცნობილია მეტოქეობა ზეუკისსა და სხვა მნიშვნელოვან მხატვარს, პარჰასიუსს შორის. პლინიუსი წერს: „ამბობენ, რომ პარჰასიუსი შეჯიბრში შევიდა ზეუკისთან. ზეუკისმა მოიტანა სურათი, რომელშიც ყურძენი ისე კარგად იყო გამოსახული, რომ ჩიტები იკრიბებოდნენ. პარჰასიუსმა მოიტანა ისე დამაჯერებლად დახატული პანელი, რომ ჩიტების განაჩენით ამაყმა ზეუკისმა დაიწყო პანელის ამოღება და თავად სურათის ჩვენება. შემდეგ კი მიხვდა თავის შეცდომას და კეთილშობილი სირცხვილის გავლენით ხელისგულს დაუთმო. პარასიუსმა ასევე გამოიჩინა თავი, როგორც თეორიული მხატვარი, დაწერა ტრაქტატი ნახატის შესახებ, რომელშიც განსაკუთრებული ყურადღება დაუთმო ხაზს და მის მუშაობას სივრცის ილუზიის ასაგებად. „ბოლოს და ბოლოს, მონახაზი უნდა შედგებოდეს საკუთარი ხაზისგან და ისე გაწყდეს, რომ მინიშნება იყოს რა იმალება. მისი სწავლების დამახასიათებელი ნიშნები: - საგნების კონტურების გადაცემის სიცხადე; - წრფივობა ობიექტების ფორმის გადაცემისას; -აქტიური მუშაობა ბუნებიდან; -უაღრესად ტექნიკური ნახაზის კომბინაცია ადამიანის სხეულის რეალისტური კონსტრუქციის კანონების ცოდნასთან; -შუქ-ჩრდილოვანი ნახატის საშუალებების ფლობა; - გამოსახულების რეალიზმის გადმოცემის სურვილი, მიაღწიოს თავისთავად. ძვ.წ IV საუკუნეში. ე. არსებობდა ნახატის რამდენიმე ცნობილი სკოლა: სიკიონი, ეფესო, თებანი. თებური სკოლა - არისტიდესის დამაარსებელი - მნიშვნელობას ანიჭებდა ქიაროსკუროს ეფექტებს, შეგრძნებების გადაცემას, ილუზიებს. ეფესური სკოლა – ეფრანორი ანუ ზეუკისი – ეფუძნებოდა ბუნების სენსორულ აღქმას, მის გარეგნულ სილამაზეს. 15 სიკიონის სკოლა, Eupomp-ის დამფუძნებელი, ეფუძნებოდა ბუნებისმეტყველების მეცნიერულ მონაცემებს და მკაცრად იცავდა რეალური ბუნების გამოსახვის კანონებს. ეს სკოლა ხატვის უდიდეს სიზუსტეს და სიმკაცრეს მოითხოვდა. მან გავლენა მოახდინა სახვითი ხელოვნების შემდგომ განვითარებაზე. ევპომპუსი (ძვ. წ. 400-375) იყო გამოჩენილი მასწავლებელი და მხატვარი. მან მოუწოდა თავის სტუდენტებს, შეესწავლათ ბუნების კანონები მეცნიერული მონაცემების, ძირითადად მათემატიკის საფუძველზე. ეს არის ფუნდამენტურად ახალი მეთოდი - დაკვირვება + ანალიზი. ეუპომპის სტუდენტი პანფილი დიდ მნიშვნელობას ანიჭებდა ხატვას, როგორც ზოგადსაგანმანათლებლო საგანს, რადგან ხატვისას ადამიანი არა მხოლოდ გადმოსცემს საგნის ფორმას, არამედ სწავლობს მის სტრუქტურასაც. პანფილი ბევრს მუშაობდა ნახატსა და გეომეტრიას შორის კონტაქტის სფეროში, რადგან თვლიდა, რომ ეს უკანასკნელი ავითარებს სივრცით აზროვნებას. მისი სკოლის კარზე ეწერა: „ადამიანები, რომლებმაც გეომეტრია არ იციან, აქ არ დაიშვებიან“. პანფილში ვარჯიშის ხანგრძლივობა 12 წელი იყო და ერთი ტალანტი (26,196 კგ ოქრო) დაჯდა. IV საუკუნისათვის ძვ.წ. ე. ძველმა ბერძენმა მხატვრებმა დაიწყეს პერსპექტივის თეორიის შემუშავება. თუმცა, იგი ცოტათი ჰგავდა ფილიპო ბრუნელესკის მიერ შექმნილს (ერთი გაქრობის წერტილით). ეს, სავარაუდოდ, რეალობის აღქმის აღქმაა. ასე რომ, დასავლეთ ევროპის ხელოვნების ისტორიაში ორი მიმართულება გაჩნდა და არსებობს დღემდე: ხატვა ფერადი ლაქიდან და ფორმის კონსტრუქციული ანალიზი. ძველი საბერძნეთის ოსტატები მოუწოდებდნენ თავიანთ სტუდენტებს, შეესწავლათ ბუნება მეცნიერულ საფუძველზე, უპირატესობა მიენიჭა ცოდნას და არა შთაგონების იმპულსებს. აქედან გამომდინარე, ხატვის სწავლა უმნიშვნელოვანესი იყო. მოსწავლეები ძირითადად ცვილით, ლითონის ან ძვლის ჯოხებით დაფარულ წიფლის დაფებზე ხატავდნენ. ძველი საბერძნეთის სამხატვრო სკოლები არის კერძო სახელოსნო-სტუდია, რომელიც მოგვაგონებს რენესანსის კერძო სახელოსნოების პრინციპით. 16 შედეგი: - სწავლების ახალი მეთოდები, დაფუძნებული ბუნებიდან ხატვაზე; - შემქმნელის ამოცანაა არა მხოლოდ ობიექტების კოპირება, არამედ მათი კონსტრუქციის ნიმუშების ცოდნა; - საშუალო სკოლაში ხატვა, როგორც გარემომცველი რეალობის გასაგებად; - ადამიანის სხეულის აგების კანონების შემუშავება მეცნიერული ცოდნის ხილული რეალობის კანონების მიხედვით; - ადამიანი სილამაზის გვირგვინია, მასში ყველაფერი პროპორციული და ჰარმონიულია, „ადამიანი არის ყველაფრის საზომი“ (ჰერაკლიდე). ლექცია No5 „ხელოვნების განათლება ძველ რომში“ მხატვრული მემკვიდრეობა თავისი ღირებულებით მნიშვნელოვანია მსოფლიო კულტურისთვის. მაგრამ მას განსხვავებული ხასიათი აქვს ვიდრე ბერძნული. ეს ყველაფერი რომაელთა მსოფლმხედველობაზეა. ისინი, ისევე როგორც ბერძნები და ეტრუსკები, წარმართები იყვნენ, მაგრამ მათი რელიგია და, შესაბამისად, მათი მხატვრული ფანტაზია უფრო პროზაული იყო, ვიდრე ბერძნული, მათი მსოფლმხედველობა უფრო პრაქტიკული და ფხიზელი იყო. რომაელებმა შექმნეს საკუთარი ლამაზი თეატრი, მკვეთრი კომედია, მემუარების ლიტერატურა, შეიმუშავეს კანონების კოდექსი (რომის სამართალი იყო საფუძველი მთელი ევროპული იურისპრუდენციის), ახალი ფორმები არქიტექტურაში (ბეტონის აღმოჩენამ ახალი კონსტრუქციული შესაძლებლობები მისცა გიგანტური შენობების მშენებლობას. და კამაროვანი ჭერი) და სახვითი ხელოვნება (ისტორიული რელიეფი, რეალისტური სკულპტურული პორტრეტი, ქანდაკება, მონუმენტური მხატვრობის ყველაზე საინტერესო ნიმუშები). რომის მიერ საბერძნეთის დაპყრობის შემდეგ დაიწყო ბერძნული ხელოვნების უფრო მჭიდრო გაცნობა, რომელსაც რომაელები პატივს სცემდნენ როგორც მოდელს. „უმეცარი დამპყრობელი დაიპყრო დაპყრობილი ხალხის ხელოვნებით“. 17 II საუკუნეში. ძვ.წ ე. ბერძნული გავრცელებული იყო მაღალ საზოგადოებაში. ბერძნული ხელოვნების ნიმუშებმა შეავსო რომის საზოგადოებრივი შენობები, საცხოვრებელი კორპუსები, სოფლის ვილები. შემდეგ, ორიგინალების გარდა, გამოჩნდა მრავალი ეგზემპლარი მირონის ცნობილი ბერძნული ნაწარმოებებიდან, ფიდიასიდან. სკოპასი, პრაქსიტელესი, ლისიპუსი. მაგრამ ბერძნული ხელოვნების პოეტური შთაგონება, თვით დამოკიდებულება მხატვრისადმი, როგორც რჩეული ღმერთისადმი, რომელმაც იგი ნიჭით დააჯილდოვა, რომში არასოდეს ყოფილა. აქედან მოდის სამხატვრო განათლების სისტემა, რომელიც მხოლოდ მაღალი კლასის ხელოსნის, კოპეისტის უნარებს აძლევდა. მართლაც, გაპრიალებულ მექანიკურ ასლებს შორის, ბერძნული ავთენტური სკულპტურული პლასტიურობა იმდენად ცოცხალი ჩანს თვითმფრინავების თამაშში, რომ როგორც ჩანს, როგორც მსუბუქი ნიავი ცხელ დღეს. რომს სახვითი ხელოვნების სწავლების მეთოდოლოგიაში ფუნდამენტურად ახალი არაფერი შეუტანია. მიუხედავად იმისა, რომ მაღალ რომაულ საზოგადოებაში სახვითი ხელოვნებით დაკავება კარგ ფორმად ითვლებოდა. მაგრამ ეს სხვა არაფერი იყო, თუ არა ხარკი მოდის. ამრიგად, რომაელთა უტილიტარულმა აზროვნებამ გავლენა მოახდინა ამ ქვეყანაში ხელოვნების განათლების განვითარებაზე არა საუკეთესო გზით. ლექცია No6 „შრომის მეთოდები შუა საუკუნეების ხელოვნებაში“ შუა საუკუნეების ხელოვნება განსაკუთრებული ეტაპია მსოფლიო მხატვრულ განვითარებაში. მისი ერთ-ერთი მთავარი მახასიათებელია მჭიდრო კავშირი რელიგიასთან, მის დოგმებთან, აქედან გამომდინარე სპირიტუალიზმი, ასკეტიზმი. რელიგია და მისი საზოგადოებრივი ინსტიტუტი - ეკლესია - იყო ძლიერი იდეოლოგიური ძალა, ყველაზე მნიშვნელოვანი ფაქტორი მთელი ფეოდალური კულტურის ჩამოყალიბებაში. გარდა ამისა, ეკლესია იყო ხელოვნების მთავარი დამკვეთი. და ბოლოს, არ უნდა დაგვავიწყდეს, რომ სასულიერო პირები იმ დროს ერთადერთი განათლებული კლასი იყვნენ. ამიტომ რელიგიურმა აზროვნებამ ჩამოაყალიბა მთელი შუა საუკუნეების ხელოვნება. თუმცა, ეს არ ნიშნავს იმას, რომ ცხოვრების რეალურმა წინააღმდეგობებმა ვერ ჰპოვა გამოხატულება შუა საუკუნეების ხელოვნებაში, რომ შუა საუკუნეების მხატვრები არ ეძებდნენ ჰარმონიას. შუასაუკუნეების ხელოვნების ფიგურული სტრუქტურა და ენა უფრო რთული და გამომხატველია, ვიდრე ანტიკურ ხელოვნებაში, ის უფრო დიდი დრამატული სიღრმით გადმოსცემს ადამიანის შინაგან სამყაროს. მასში უფრო ნათლად არის გამოხატული სამყაროს ზოგადი კანონების გააზრების სურვილი. შუა საუკუნეების ოსტატი ცდილობდა შეექმნა სამყაროს გრანდიოზული მხატვრული სურათი არქიტექტურაში, მონუმენტურ ფერწერასა და ქანდაკებაში, რომელიც ამშვენებდა შუა საუკუნეების ტაძრებს. მაგრამ თავად მხატვრულ სისტემაში, შუა საუკუნეების ხელოვნების მხატვრულ მეთოდში, იყო შეზღუდვა, რომელიც გამოიხატა, უპირველეს ყოვლისა, უკიდურეს კონვენციურობაში, ფიგურული ენის სიმბოლიკასა და ალეგორიზმში, რაზეც მშვენიერების ჭეშმარიტი გადმოცემა. ფიზიკური სხეული შეეწირა. ანტიკურობის რეალისტური ხელოვნების მიღწევები დავიწყებას მიეცა. გიბერტი წერდა: „ასე რომ, იმპერატორ კონსტანტინესა და პაპ სილვესტერის დროს ქრისტიანულმა რწმენამ გაიმარჯვა. კერპთაყვანისმცემლობა უდიდეს დევნას ექვემდებარებოდა, ყველა ქანდაკება და ყველაზე სრულყოფილების ნახატი გატეხეს და განადგურდა. ასე რომ, ქანდაკებებთან და ნახატებთან ერთად დაიღუპნენ გრაგნილები და ჩანაწერები, ნახატები და წესები, რომლებიც მითითებებს აძლევდნენ ასეთ ამაღლებულ და დახვეწილ ხელოვნებას. სახვითი ხელოვნება აშენდა მეცნიერებაზე დაყრდნობის გარეშე - მხოლოდ მხატვრის ყურადღება და ერთგული თვალი. ფიზიკურობა შენარჩუნდა მხოლოდ ძველი ხელოვნების გამოსახულებების სესხებით (ორფეოსი არის ახალგაზრდა ქრისტეს მწყემსის გამოსახულება). თუმცა ეს სესხები დიდხანს არ გაგრძელებულა. ახალგაზრდა ქრისტეს გამოსახულება შეცვალა უხუცესობის კულტმა თავისი ხატოვანი სტრუქტურით. ამ პერიოდში განათლების საფუძველი მექანიკური კოპირებაა. თუმცა, შუა საუკუნეების ხელოვნებაში არსებობდა სისტემა, რომელიც ცდილობდა ეპოვა გამოსახულების აგების ზოგიერთი ნიმუში. ეს არის Villard de Honnecourt სისტემა. მისი არსი მდგომარეობს აბსტრაქტული მათემატიკური გამოთვლების აგებაში, 19 გეომეტრიული ნიმუშის ძიებაში, რიცხვების კაბალისტიკაში და არა ბუნების ფორმების სტრუქტურაში ნიმუშების ძიებაში. ბიზანტიური ხელოვნება უფრო კანონიკური იყო, ვიდრე შუა საუკუნეების ევროპის ხელოვნება. და აქ ივარჯიშე ნიმუშებზე მუშაობა. ბიზანტიის სახვითი ხელოვნების მეთოდოლოგიაზე დღემდე შემორჩენილია საინტერესო ნაშრომი. ეს არის "ერმინია, ანუ ინსტრუქციები ფერწერის ხელოვნებაში" 1701-1745 წლებში, დაწერილი ათონის ბერის დიონისე ფურნას (ფურნოგრაფიოტის) მიერ. იგი შეიცავს ბევრ ფაქტს მხატვრის ხელობის შესახებ (როგორ გააკეთოთ ასლი, ნახშირი, ფუნჯები, ადჰეზივები, პრაიმერები, დეტალური ინსტრუქციები სახეების, ტანსაცმლის მოხატვის შესახებ) და მრავალი სხვა. მაგალითად, იმის შესახებ, თუ როგორ უნდა დააკოპიროთ: „... მიამაგრეთ თქვენი ზეთით გაჟღენთილი ქაღალდი ორიგინალის ოთხ კიდეზე; გააკეთეთ შავი საღებავი მცირე რაოდენობით ყვითლით და ფრთხილად შემოხაზეთ ნახატი და წაისვით ჩრდილები; შემდეგ მოამზადეთ თეთრი და შეავსეთ ხარვეზები და გამოიყენეთ ყველაზე თხელი თეთრი, რათა მონიშნოთ ნათელი ადგილები. შემდეგ გამოვა გამოსახულების მონახაზი, რადგან ქაღალდი გამჭვირვალეა და მისი მეშვეობით ორიგინალის ყველა მახასიათებელი ჩანს. კოპირების კიდევ ერთი მაგალითი: ”თუ ორიგინალის უკანა მხარეს არ არის ნიმუში ან ლაქა, მაშინ დაადეთ მასზე უცხიმო ქაღალდი, დაადეთ ფანჯარას შუქის საწინააღმდეგოდ... და ყველა მახასიათებლის დანახვით, ფრთხილად დახატეთ ისინი თქვენს თავზე. ქაღალდი და მონიშნეთ შუქი წითელი საღებავით“. ასე რომ, შუა საუკუნეების ეპოქაში: - განათლების ძირითადი მეთოდი იყო ნიმუშებიდან გადაწერა, რამაც ხელი შეუწყო ხელსაქმის განვითარებას; - სასწავლო პროცესი - დამოუკიდებელი მუშაობა, როგორც ოსტატების არტელის ნაწილი. 20

მოსკოვის ხელოვნების უმაღლესი სასწავლებლები ყოველთვის განსაკუთრებულ ანგარიშზე იყო. ქვეყანაში პოლიტიკური ცვლილებები და ეკონომიკური რყევები არ ამცირებს მათში კონკურენციას: ხელოვნების სიყვარული იგებს ყოველგვარ ფიქრს ყოველდღიურ პურსა და ფინანსურ მოგებაზე. და ეს იმისდა მიუხედავად, რომ მხოლოდ რამდენიმე კურსდამთავრებული ახერხებს გახდეს პროფესიულად წარმატებული, მოიპოვოს წარმატება და მასთან ერთად კეთილდღეობა. თუმცა ფაქტი ფაქტად რჩება, რომ ასეთ უნივერსიტეტებში, როგორც წესი, ნახევარი იმდენი ვაკანსიაა, ვიდრე მსურველებს.

ნიჭი და თაყვანისმცემლები

როგორც თეატრალურ უნივერსიტეტებში, ხელოვნების სკოლაში შესვლისას აპლიკანტს ეძებენ გარკვეული ნაპერწკლის არსებობას, რასაც ჩვეულებრივ ნიჭს უწოდებენ. მართლაც, ბოლოს და ბოლოს, ყველას შეუძლია ხელში ფანქარი ან ფუნჯი დაიჭიროს, მაგრამ ასიდან ან ათასიდან მხოლოდ ერთ ადამიანს შეუძლია შექმნას რაიმე უნიკალური.

შეუძლებელია „ნიჭიერის“ ცნების აბსოლუტურად ზუსტი განმარტების მიცემა: ხელოვნებაში ყველაფერი ზედმეტად სუბიექტურია. სამწუხაროდ, ნებისმიერი შემოქმედებითი პროფესია მთლიანად დამოკიდებულია მაყურებლისა და კრიტიკოსების მოსაზრებებზე. ამიტომ ბევრი ექსპერტი გვირჩევს: სანამ ხელოვნების უნივერსიტეტის ზღურბლს გადალახავთ, ღირს განიხილოს, შეგიძლიათ თუ არა თქვენი ცხოვრების მრავალი წლის გატარება გაურკვევლობაში, მწარე სინანულით, რომ თქვენმა ნამუშევარმა არ მოახდინა სათანადო შთაბეჭდილება საზოგადოებაზე. ყოველივე ამის შემდეგ, ფერების მთელი თამაში, ხაზების სიცხადე, სტილის თანმიმდევრულობა ხელოვნების ნაწარმოებში იქმნება მხოლოდ ერთი დანიშნულებით - შოკში ჩააგდოს სამყარო და გამოხატოს საკუთარი თავი.

მომავალი მხატვრების, დიზაინერების, არქიტექტორების პროფესიული პერსპექტივები საკმაოდ მოჩვენებითია. მათი მუშაობის ღირებულება შეიძლება მნიშვნელოვნად განსხვავდებოდეს - ყველაფერი დამოკიდებული იქნება კაპრიზულ და არასტაბილურ ზღაპრულ იღბალზე. ეფექტურობა, მომხმარებელთან საერთო ენის გამონახვის უნარი დღეს არანაკლებ მნიშვნელოვანი პროფესიული თვისებებია.

მზადება ხელოვნების უნივერსიტეტში ჩასაბარებლად

დედაქალაქის ხელოვნების უნივერსიტეტების სია არც თუ ისე გრძელია, მაგრამ მათ კედლებში განათლების მიღება მთელ მსოფლიოში პრესტიჟულად ითვლება. მათში სწავლების მაღალი დონე დააწესეს ამ საგანმანათლებლო დაწესებულებების დამფუძნებელმა მამებმა. მათ შორისაა მოსკოვის სახელმწიფო აკადემიური ხელოვნების ინსტიტუტი V.I.Surikov-ის სახელობის, მოსკოვის ხელოვნებისა და მრეწველობის უნივერსიტეტი V.I. S. G. Stroganova, რუსეთის ფერწერის, ქანდაკებისა და არქიტექტურის აკადემია, სრულიად რუსეთის სახელმწიფო კინემატოგრაფიის ინსტიტუტი. S. A. გერასიმოვა და მოსკოვის სახელმწიფო პედაგოგიური უნივერსიტეტის გრაფიკული ხელოვნების განყოფილება. აუცილებლად უნდა აღინიშნოს პეტერბურგის ფერწერის, ქანდაკებისა და არქიტექტურის სახელმწიფო აკადემიური ინსტიტუტი. I. E. Repin - ეს უნივერსიტეტი, რომელსაც აქვს მრავალსაუკუნოვანი ტრადიციები, დაარსდა მე -18 საუკუნის შუა წლებში იმპერატრიცა ელიზაბეტ პეტროვნას პატრონაჟით. მაშინ მოქმედი წესდების თანახმად, იქ 15 წელი სწავლობდნენ. დღეს განათლების მიღების ოფიციალური ვადა შემცირდა, მაგრამ იმისთვის, რომ სტუდენტი გახდეს, აპლიკანტს ფაქტიურად წლები მოუწევს ჩასაბარებლად მომზადებაში.

თითოეულ ამ უნივერსიტეტს აქვს საკუთარი ხელოვნების სკოლა ან მოსამზადებელი კურსები. მათში განათლება და სწავლება რამდენიმე თვიდან ორ წლამდე გრძელდება. თუმცა, ღირს დაჯავშნა, რომ ოფიციალურად არავინ არ აძლევს მათ კურსდამთავრებულებს მიღების გარანტიას. უფრო მეტიც, სურიკოვის ინსტიტუტის მოსამზადებელ კურსებზე მასწავლებლები უხეშად აფრთხილებენ, რომ „საკუთარი თავისთვის“ ინდულგენცია არ იქნება მოსალოდნელი - ყველა ერთიანი საფუძველზე შემოდის. მოსამზადებელი გაკვეთილები, როგორც წესი, ფასიანია, რომ აღარაფერი ვთქვათ იმ ფაქტზე, რომ აპლიკანტმა უნდა უზრუნველყოს დამხმარე მასალები - საღებავები, ფუნჯები, ფანქრები, ქაღალდები, საკაცეები, ტილოები... ფასი შეიძლება იყოს განსხვავებული: მილისთვის. საღებავი, მაგალითად, - 10-დან 1000 რუბლამდე ქვეფრამი ღირს მინიმუმ 2000 რუბლი.

გარდა ამისა, ხელოვნების უნივერსიტეტში შესვლისას ძალიან მნიშვნელოვანია ერთი დახვეწილობის გათვალისწინება: განაცხადების გაანალიზებისას ყველაზე დიდი უპირატესობა ენიჭებათ იმ აპლიკანტებს, რომლებმაც დაამთავრეს სპეციალიზებული სამხატვრო სკოლები (მაგალითად, საბავშვო სამხატვრო სკოლა No1 დასახელებული სეროვის შემდეგ პრეჩისტენკაზე, რუსეთის სამხატვრო აკადემიის მოსკოვის აკადემიური სამხატვრო ლიცეუმი), ან აქვს საშუალო პროფესიული განათლება სამხატვრო სკოლებში (მოსკოვის სახელმწიფო აკადემიური სამხატვრო სკოლა 1905 წლის ხსოვნაში ან მოსკოვის სამხატვრო სკოლა (კოლეჯი) გამოყენებითი ხელოვნება). ეს კეთდება იმიტომ, რომ ასეთი უმაღლესი განათლება არ მოითმენს შემთხვევით ადამიანებს, რომლებსაც უეცრად გაუჩნდებათ სურვილი, იყვნენ მხატვრები, რესტავრატორები ან არქიტექტორები. აპლიკანტებს შორის კონკურენცია საკმაოდ მკაცრია და საუკეთესოთაგან საუკეთესო უნდა იქნას მიღებული, ამიტომ აუცილებელია წინასწარ შეადგინოთ დაშვების გეგმები საკუთარი შესაძლებლობების გათვალისწინებით.

სპეციალობის გამოცდები

პირველ რიგში, თქვენ უნდა გადაწყვიტოთ, რა მიმართულებით გსურთ თქვენი შემოქმედებითი იმპულსების გამოყენება. მხატვრის პროფესიას რამდენიმე სახეობა აქვს, მაგალითად, მხატვარი, რესტავრატორი, თეატრის მხატვარი. სპეციალობების რაოდენობა, რომელთა მიღება შესაძლებელია ხელოვნების უნივერსიტეტში, მოიცავს ისეთებს, როგორიცაა მოქანდაკე, არქიტექტორი, ხელოვნებათმცოდნე, ხელოვნების მასწავლებელი, მხატვრული ფილმის მხატვარი, კოსტიუმების დიზაინერი, ანიმაციური ფილმები და კომპიუტერული გრაფიკის მხატვარი. და პირველი, რაც დაშვებისას მოგეთხოვებათ, არის შემოქმედებითი სამუშაოს მიწოდება წინასწარი გადახედვისთვის არჩეული გზის შესაბამისად. როგორც წესი, ეს არის ნახატები: პორტრეტი და ადამიანის ფიგურა, მხატვრობა - პორტრეტი ხელებით, კომპოზიციები. ვინც ამ შერჩევას ჩააბარებს, მისაღები გამოცდებზე დაიშვებიან. სპეციალობაში გამოცდები ტარდება ვორქშოფებში (მჯდომარეების მონაწილეობით) რამდენიმე დღის განმავლობაში. სპეციალური ნივთები მოიცავს:

• ნახატი (ორი დავალება): პორტრეტი და მდგარი შიშველი ფიგურა (ქაღალდზე გრაფიტის ფანქრით); ქაღალდი გაიცემა უშუალოდ ადგილზე ან აპლიკანტი იყენებს საკუთარ, შერჩევის კომიტეტის ბეჭდით;
• ნახატი: ერთი პორტრეტი მჯდომარე მჯდომარე ხელით (ტილოზე ზეთის საღებავებით ან ტემპერათი, გუაში, აკვარელი - გრაფიკის ფაკულტეტზე მიღებისას); 70 სმ-მდე ზომის ტილო დიდ მხარეს, განმცხადებელმა თან უნდა იქონიოს;
• კომპოზიცია: მოცემულ თემაზე მუშაობა შეიძლება იყოს ნებისმიერი ტექნიკით.

შემდეგ ხდება საგამოცდო ნაშრომების განხილვა და ქულების მინიჭება. თუ ქულების რაოდენობა საკმარისია კონკურსის გასავლელად, მაშინ გექნებათ ესსე მოცემულ თემაზე, ისტორია (ზეპირი), რუსული მხატვრული კულტურის ისტორია და ზოგ შემთხვევაში უცხო ენაზე. თუ, მიუხედავად ამისა, შეუძლებელი იყო სრულ განაკვეთზე შესვლა, თქვენს სამსახურშია ფასიანი განყოფილებები, რომელშიც სწავლის საშუალო ღირებულება ზოგჯერ 4500-5000 დოლარს აღწევს.

უნივერსიტეტის მისამართები

მოსკოვის ვ.ი.სურიკოვის სახელობის სახელმწიფო აკადემიური სამხატვრო ინსტიტუტი: ფერწერის ფაკულტეტი, ქანდაკება, სახვითი ხელოვნების თეორია; მოსკოვი, ტოვარიშჩეკი პერ., 30 (მეტრო "ტაგანსკაია", "მარქსისკაია");

გრაფიკის ფაკულტეტი, არქიტექტურა: მოსკოვი, ლავრუშინსკი, 15 (შენობა ტრეტიაკოვის გალერეის შესასვლელის მოპირდაპირედ, მეტრო სადგური "ნოვოკუზნეცკაია", "ტრეტიაკოვსკაია").

მოსკოვის სამხატვრო-ინდუსტრიული უნივერსიტეტი. S. G. Stroganov: მოსკოვი, Volokolamskoe sh., 9 (მეტრო "სოკოლი").

რუსეთის ფერწერის, ქანდაკებისა და არქიტექტურის აკადემია: მოსკოვი, ქ. Myasnitskaya, 21 (მეტრო "Chistye Prudy"); Kamergersky per., 2 (მეტრო სადგური "Okhotny Ryad").

სრულიად რუსეთის კინემატოგრაფიის სახელმწიფო ინსტიტუტი. S.A. გერასიმოვა: მოსკოვი, ქ. ვილჰელმ პიკი, 3 (მეტრო "ბოტანიკური ბაღი").

პეტერბურგის ფერწერის, ქანდაკებისა და არქიტექტურის სახელმწიფო აკადემიური ინსტიტუტი I. E. Repin-ის სახელობის: სანკტ-პეტერბურგი, Universitetskaya nab., 17 (მეტრო „ვასილეოსტროვსკაია“).

არქიტექტურული და ხელოვნების უნივერსიტეტების რეიტინგი

რუსეთის ფედერაციის განათლებისა და მეცნიერების სამინისტრომ უმაღლესი საგანმანათლებლო დაწესებულებების რეიტინგი მათი საქმიანობის შედეგების მიხედვით დაამტკიცა. უნივერსიტეტებისა და სპეციალობების რეიტინგის დასადგენად მონაცემთა შეგროვება 2004 სასწავლო წლის შუა რიცხვებიდან მიმდინარეობს.

რეიტინგის დადგენისას მხედველობაში მიიღეს მრავალი პარამეტრი: მასწავლებელთა ხარისხი, განათლების სხვადასხვა ფორმის სტუდენტთა რაოდენობა, სხვა ქვეყნებიდან ჩამოსული სტუდენტების არსებობა; სამეცნიერო კვლევების მოცულობა, გამოცემა, სტუდენტების ჰოსტელებით, დისპანსერებით უზრუნველყოფა და ა.შ.

ადგილი	უნივერსიტეტის სახელი
1	მოსკოვის არქიტექტურული ინსტიტუტი (სახელმწიფო აკადემია)
2	მოსკოვის ხელოვნებისა და მრეწველობის სახელმწიფო უნივერსიტეტი
3	ურალის არქიტექტურისა და ხელოვნების სახელმწიფო აკადემია (ეკატერინბურგი)
4	პეტერბურგის სახელმწიფო ხელოვნებისა და მრეწველობის აკადემია
5	ნოვოსიბირსკის არქიტექტურისა და ხელოვნების სახელმწიფო აკადემია
6	როსტოვის არქიტექტურისა და ხელოვნების სახელმწიფო აკადემია
7	კრასნოიარსკის სახელმწიფო ხელოვნების ინსტიტუტი