Descrição bibliográfica:

Nesterova I.A. Métodos de ensino de artes plásticas [recurso eletrônico] // Site da enciclopédia educacional

Eles se resumem a aprender a capacidade de ver, sentir a expressividade dos desenhos, modelar. Esta é uma das tarefas importantes do professor de artes plásticas. Ao mesmo tempo, a natureza das perguntas e comentários do adulto deve fornecer uma certa resposta emocional na alma das crianças. Considere os métodos verbais de ensino de belas artes.

Métodos Gerais para o Ensino de Belas Artes

Métodos gerais se aplicam dependendo do tipo de aula. Por exemplo, no desenho da trama, quando as crianças são ensinadas a transmitir a trama, no processo de conversação é necessário ajudar as crianças a imaginar o conteúdo da imagem, composição, características da transferência de movimento, cor característica da imagem, isto é, pensar sobre meios visuais para transmitir o enredo. A professora esclarece com as crianças alguns métodos técnicos de trabalho, a sequência de criação de uma imagem. Dependendo do conteúdo da imagem: em uma obra literária, em temas da realidade circundante, em um tema livre - a técnica de conversação tem suas próprias especificidades.

Assim, ao se basear no tema de uma obra literária, é importante lembrar sua ideia principal, ideia; reviver emocionalmente a imagem, ler as linhas de um poema, conto de fadas, caracterizar a aparência dos personagens; recordar seu relacionamento; esclarecer a composição, as técnicas e a sequência do trabalho.

Desenhar ou modelar sobre os temas da realidade circundante requer o resgate de uma situação de vida, a reprodução do conteúdo dos acontecimentos, a situação, o esclarecimento de meios expressivos; composições, detalhes, formas de transmitir movimento, etc., esclarecimento de técnicas e sequência de imagens.

Ao se basear em um tema livre, é necessário um trabalho preliminar com as crianças para reviver as impressões dos alunos. Em seguida, a professora convida algumas crianças a explicar sua intenção: o que vão desenhar (cegos), como vão desenhar, para que fique claro para os outros onde esta ou aquela parte da imagem será colocada. A professora esclarece alguns dos métodos técnicos de trabalho no exemplo das histórias infantis.

Nas aulas em que o conteúdo da imagem é um assunto separado, metodos de ensino de artes plásticas muitas vezes acompanham o processo de seu exame. Nesse caso, durante a conversa, é necessário causar uma percepção significativa ativa do assunto pelas crianças, ajudá-las a entender as características de sua forma de estrutura, determinar a originalidade da cor, relações proporcionais. A natureza, o conteúdo das perguntas do professor devem visar as crianças a estabelecer dependências entre sua finalidade funcional ou as características das condições de vida: alimentação, movimento, proteção. O cumprimento dessas tarefas não é um fim em si mesmo, mas um meio de formar ideias generalizadas necessárias para o desenvolvimento da independência, atividade e iniciativa das crianças na criação de uma imagem. O grau de atividade mental e de fala de crianças em idade escolar em conversas desse tipo é quanto maior, mais rica a experiência das crianças.

Métodos especiais de ensino de artes plásticas

No final da lição, você precisa ajudar as crianças a sentir a expressividade das imagens que criaram. Para isso, especial metodos de ensino de artes plásticas.

Uma explicação é uma forma verbal de influenciar a mente das crianças, ajudando-as a compreender e aprender o que e como devem fazer durante a aula e o que devem obter como resultado.

A explicação é feita de forma simples e acessível ao mesmo tempo para toda a turma ou para crianças individualmente. A explicação é muitas vezes combinada com a observação, mostrando as formas e técnicas de fazer o trabalho.

Dica - usada nos casos em que a criança tem dificuldade em criar uma imagem.

Mas não se apresse em aconselhar. As crianças com um ritmo de trabalho lento e que conseguem encontrar uma solução nesta questão muitas vezes não precisam de aconselhamento. Nesses casos, o conselho não contribui para o crescimento da independência e atividade das crianças.

O lembrete na forma de instruções breves é um método de ensino importante. Geralmente é usado antes do início do processo de imagem.

Na maioria das vezes, é sobre a sequência do trabalho. Essa técnica ajuda as crianças a começarem a desenhar (esculpir) a tempo, planejar e organizar atividades.

O encorajamento é uma técnica metódica que deve ser usada com mais frequência no trabalho com crianças. Esta técnica infunde confiança nas crianças, faz com que elas desejem fazer um bom trabalho, uma sensação de sucesso.

A sensação de sucesso incentiva a atividade, mantém as crianças ativas. É claro que quanto mais velhas as crianças, mais objetivamente justificada deve ser a experiência do sucesso.

Separadamente, vale destacar esse método de ensino de artes plásticas como uma palavra artística, amplamente utilizada na sala de aula de artes plásticas. A palavra artística desperta o interesse pelo tema, o conteúdo da imagem, ajuda a chamar a atenção para o trabalho infantil. O uso discreto de uma palavra literária durante a aula cria um clima emocional, anima a imagem.

A Importância dos Métodos de Ensino de Artes Visuais

Métodos de Ensino de Artes Visuais combinar atividade mental e física. Para criar um desenho, modelagem, aplique, é necessário aplicar esforços, realizar ações trabalhistas, dominar as habilidades de esculpir, esculpir, desenhar um objeto de uma forma ou outra ou outra estrutura, além de dominar as habilidades de manuseio de tesouras , lápis e pincel, argila e plasticina. A posse adequada desses materiais e ferramentas requer um certo dispêndio de força física e habilidades de trabalho. A assimilação de habilidades e habilidades está associada ao desenvolvimento de qualidades volitivas de uma pessoa como atenção, perseverança, resistência. As crianças são ensinadas a capacidade de trabalhar, para alcançar o resultado desejado.

A participação das crianças na preparação das aulas e na limpeza depois delas também contribui para a formação de laboriosidade e habilidades laborais. Os métodos de ensino das artes plásticas não estão diretamente relacionados a esse fato, mas mesmo assim, na prática do trabalho, muitas vezes toda a preparação para a aula é atribuída aos atendentes. Isso não é verdade. Na escola, cada criança deve preparar seu próprio local de trabalho, e é importante que ela esteja acostumada a isso. Já no jardim de infância é necessário desenvolver habilidades de trabalho para todos, ensiná-los a começar a trabalhar somente quando tudo estiver pronto.

O principal significado dos métodos de ensino das artes plásticas é que as belas artes são um meio de educação estética. No processo da atividade visual, são criadas condições favoráveis ​​para o desenvolvimento da percepção estética e das emoções, que gradualmente se transformam em sentimentos estéticos que contribuem para a formação de uma atitude estética em relação à realidade. O isolamento das propriedades dos objetos (forma, estrutura, tamanho, cor, localização no espaço) contribui para o desenvolvimento nas crianças de um senso de forma, cor, ritmo - os componentes de um senso estético.

A percepção estética é direcionada principalmente ao objeto como um todo, à sua aparência estética - a harmonia da forma, a beleza da cor, a proporcionalidade das partes etc. Em diferentes níveis de desenvolvimento infantil, a percepção estética tem um conteúdo diferente. Portanto, ao utilizar métodos de ensino nas aulas de artes plásticas, esse fato deve ser levado em consideração. Mas uma percepção estética holística, imbuída de um senso estético de beleza, ainda não é suficiente para criar uma imagem. O conhecimento do assunto, que será então retratado, deve ter um caráter especial. Após uma percepção holística, as crianças devem ser levadas a isolar propriedades individuais que podem ser refletidas na atividade visual. No entanto, é muito importante completar a percepção com uma cobertura holística do objeto no agregado de todas as propriedades principais e avaliar sua aparência, suas qualidades expressivas. Por exemplo, tendo examinado cuidadosamente uma bétula, a espessura do tronco, a direção dos galhos, a cor de ambos, deve-se enfatizar novamente sua harmonia, a finura dos galhos e sua curva suave. Ao mesmo tempo, surge novamente um sentimento estético.

Ovsyannikova Svetlana Ivanovna,

professor de artes plásticas da mais alta categoria

MOU liceu "Politek" Volgodonsk, região de Rostov.

Métodos modernos de ensino das artes plásticas.

Na minha experiência de trabalho com alunos, uso muitos métodos e tecnologias, mas no meu relatório quero me deter apenas em dois que são interessantes e relevantes para os alunos modernos: este é um método de trabalhar com o princípio de uma oficina criativa e um método de ensino de habilidades de computação gráfica. Ambos os métodos são aplicáveis ​​tanto na sala de aula como fora do horário escolar - na sala de aula. No entanto, seu uso em uma caneca é mais preferível.

Uma oficina criativa para uma criança é uma oportunidade ilimitada para o desenvolvimento do pensamento criativo criativo e da atividade. Uma oficina criativa para um professor é um campo ilimitado no uso de tecnologias pedagógicas modernas, como orientado para a personalidade, ajudar a perceber as habilidades naturais dos alunos para o seu desenvolvimento e aplicação em várias atividades criativas; humano - pessoal, baseado no respeito e amor total pela criança, fé em seus poderes criativos; tecnologia de cooperação, permitir desenvolver objetivos em conjunto com os alunos, co-criar com eles, ser seu amigo, criar um acompanhamento emocional exclusivamente positivo visando o desenvolvimento de um interesse sustentável; aprendizado diferenciado pelo nível de desenvolvimento e potencial artístico e criativo; aprendizagem baseada em problemas permitindo criar uma situação-problema e ativar a atividade independente dos alunos para resolvê-la; tecnologia de individualização de acordo com o método de design, que permite perceber a individualidade da criança, seu potencial e habilidades em pesquisas e atividades competitivas.

O trabalho de acordo com o método de oficina criativa persegue as seguintes metas e objetivos:

Melhorar os conhecimentos, competências e habilidades adquiridas pela criança no processo de aprendizagem e vida;

Desenvolvimento da independência na atividade criativa de pesquisa;

Desenvolvimento do interesse pela variedade de tipos e gêneros de arte, o desejo de tentar dominar uma variedade de materiais e técnicas;

Desenvolvimento de competências e desejos para aplicar os conhecimentos adquiridos na prática, na vida quotidiana, na transformação das pessoas e do ambiente;

Educação da alfabetização estética, percepção da vida humana em harmonia com a natureza, arte, habitat;

Educação do amor pela cultura nativa e mundial, educação da tolerância;

Aumentar a confiança em sua necessidade, significado e relevância para uma sociedade que precisa de produtos de trabalho criativo;

A metodologia da oficina criativa é baseada nas atividades conjuntas do professor e do aluno, onde a escolha da atividade é feita pelo aluno, sendo que o professor apenas orienta e corrige o andamento de seu trabalho. O aluno tem o direito de escolher em que forma e gênero de arte deseja começar a trabalhar, planeja suas atividades com a ajuda de um professor: faz um esboço, seleciona o material, prepara uma mesa e depois realiza sua plano. Cada aluno da oficina criativa é um artista que se prepara para apresentar seu trabalho ao público. Cada trabalho realizado de acordo com o método de uma oficina criativa é, na verdade, um projeto, e o produto final é um produto que uma criança apresenta a concursos, olimpíadas ou exposições. Em um ano letivo, dependendo de habilidades, habilidades e dinâmicas, um aluno pode fazer ou realizar de quatro a vinte trabalhos criativos em diferentes tipos e gêneros de artes plásticas. E um grupo de crianças, de 15 a 20 pessoas, está preparando uma grandiosa exposição de pleno direito, que apresenta trabalhos feitos com uma grande variedade de materiais e em uma variedade de técnicas.

Trabalhar de acordo com o método de uma oficina criativa permite abranger simultaneamente um grande número de técnicas e materiais, o que é basicamente impossível no processo educacional tradicional. Assim, por exemplo, um grupo de caras de 20 pessoas, divididos por interesses, executa simultaneamente tecnologias de trabalho completamente diferentes: alguém faz rabiscos, alguém vitrais, alguém se dedica à pintura, alguém é gráfico, alguns alunos fazem painéis com resíduos, e alguns estão envolvidos na floricultura, etc. Para um professor, a atividade de acordo com o método de oficina é um trabalho árduo, mas interessante, que não permite que ele se distraia das crianças por um minuto, mas traz satisfação criativa com os resultados obtidos. A obra cativa não só os alunos, mas também os pais que vêm ver seus trabalhos e estão prontos para dar qualquer apoio moral.

Não menos importante é o aspecto psicológico da metodologia de trabalho com base no princípio de uma oficina criativa. Não é nenhum segredo que as crianças que começam a se envolver em artes plásticas às vezes têm uma série de complexos, como: insegurança, baixa autoestima, medo - “não vou conseguir”, “não vai ser bonito” , “ninguém vai gostar”, “geralmente não consigo fazer nada” e outros. Gradualmente, esses complexos desaparecem, pois as tarefas realizadas pela criança na oficina não têm uma pontuação constante (apenas o resultado final, levado à perfeição, é avaliado), não há limite de tempo. Em última análise, cada criança obtém sucesso, ela escolhe como e onde seu trabalho finalizado pode ser usado: participar de uma exposição, ser enviado a um concurso ou apresentado à mãe.

Na era da tecnologia da informação, o trabalho de acordo com o método de uma oficina criativa não é mais possível sem a capacidade de trabalhar com um computador, e aqui está o porquê:

Um trabalho de alta qualidade, interessante e acabado pode ser usado por uma criança para participar de várias competições, olimpíadas, conferências e exposições.

Essa participação muitas vezes implica a presença de um material teórico completo, elaborado de acordo com os requisitos modernos para o trabalho científico, contendo gráficos, tabelas ou fotografias.

As disposições de muitos concursos da Internet estipulam a qualidade e o tamanho da imagem enviada, o número de pixels por polegada, etc.

Os materiais de exposição pessoal podem ser elaborados pela criança em formato eletrônico na forma de apresentações.

As crianças podem criar seu próprio site para apresentar sua criatividade a parentes, amigos, etc.

Tudo isso pressupõe a capacidade do aluno de trabalhar com um computador. Mas vou me concentrar apenas no que, na minha opinião, um professor de artes plásticas deve fazer nesse sentido.

No atual estágio de desenvolvimento da sociedade, a computação gráfica está se tornando outro tipo de arte. Portanto, um professor de artes plásticas é obrigado a ter habilidades para trabalhar em editores gráficos, e deve ensinar isso aos seus alunos. Na minha opinião, não é aconselhável equipar as salas de aula de artes plásticas com computadores para cada mesa, caso contrário não haverá lugar para estudar com outros materiais. A forma primária ainda é a forma clássica de ensinar artes plásticas, ou seja, trabalhar com material artístico. A primeira saída é visitar uma aula de informática. Essa opção deve ser incluída na programação com antecedência, pois a maioria das escolas possui apenas uma aula de informática. A segunda saída, mais acessível, são as atividades extracurriculares adicionais, ou seja, uma roda.

Na prática do meu trabalho, duas associações criativas foram criadas: "Magic Tassel" e "Semitsvetik". As associações estão localizadas em diferentes escolas e, portanto, as condições de aplicação da metodologia para o ensino de computação gráfica são diferentes. Na associação criativa "Magic Brush" as crianças são engajadas no princípio de um projeto individual, quando o professor explica os principais pontos do trabalho com os editores, e depois as crianças, durante o tempo destinado a visitar uma aula de informática ou em casa em um computador pessoal, criar seus próprios trabalhos gráficos de forma independente ou processar trabalhos fotográficos que serão enviados a concursos na Internet. Assim, uma criança interessada em apresentar o seu trabalho ao público e participar em vários concursos online segue o seguinte caminho:

criação de um trabalho em oficina criativa com arte, materiais naturais e outros;

fotografando-o;

processamento em editores gráficos;

criação de imagens em editores gráficos por tipo de arte por meio de computação gráfica;

acúmulo de imagens em um pendrive pessoal;

envio de versão eletrônica para concursos;

criação de uma página pessoal ou website para apresentação do seu trabalho;

Este método é adequado para crianças com mais de 10 anos, quando a ajuda do professor é apenas consultiva. A associação criativa Semitsvetik inclui o estúdio Mouse para crianças de 8 a 10 anos, onde 1 hora por semana é alocada para trabalhar com editores gráficos. As crianças estão envolvidas em um grupo, dominando vários editores gráficos e suas capacidades. O resultado final é o mesmo: acesso a concursos na Internet, participação em exposições, apresentação do seu trabalho na Internet.

Vamos nos deter em detalhes sobre o algoritmo para ensinar as crianças a trabalhar com editores gráficos. Acredito que os alunos devem ser apresentados, se possível, a um grande número de editores gráficos, pois uma percepção holística de suas capacidades dará à criança liberdade de escolha de ações e criatividade.

Primeiro passo: O programa Paint, por toda a sua aparente simplicidade, permite criar trabalhos de incrível profundidade e complexidade se a criança aplicar todas as habilidades adquiridas no desenho clássico. Tudo o que o professor precisa fazer é apresentar a barra de ferramentas e mostrar onde e como cada ferramenta pode ser usada.

Fig. 1 Egorova Ksenia 11 anos "Quarto" Fig. 2 Kovaleva Daria 14 anos "Inverno"

Fig. 3 Babaniyazova Elena 14 anos "Natal" Fig. 4 Gaevskaya Irina 13 anos "Cidade"

Etapa dois: o programa Paint. Líquido. Este programa possui muitos outros recursos que permitem processar e simular qualquer imagem. Vamos nos familiarizar com a barra de ferramentas, efeitos, correção, etc. Mostramos como copiar, recortar, colar, alterar e melhorar a imagem. Deve-se notar que qualquer editor gráfico é dominado pelas crianças muito rapidamente se elas já estiverem familiarizadas com o Paint.

Terceiro passo: Adobe Photoshop. Eu apresento este programa às crianças depois que elas dominam o Paint. Net, pois o Adobe Photoshop é mais complexo e rico. Dominamos a barra de ferramentas, analisamos os efeitos em detalhes, aprendemos a trabalhar com camadas, depois ajustamos, suavizamos, alinhamos, redimensionamos, etc.

Fig. 7 Balymova Elena, 13 anos Fig. 8 Milanina Tatyana, 11 anos “Postcard”

"Reflexo da Primavera"

As crianças do ensino fundamental devem trabalhar com um editor gráfico apenas sob a orientação de um professor, pois às vezes ficam tão empolgados que sobrecarregam a imagem com detalhes desnecessários. É importante desenvolver uma percepção harmoniosa e senso de proporção.

Etapa quatro: Corel Photo Paint Pro e muito mais. Devo dizer que os mais interessantes são aqueles editores gráficos que possuem um grande número de recursos, bem como aqueles criados por programadores amadores. Há muitas descobertas interessantes nesses programas. Estamos trabalhando com o Corel Photo Paint Pro pelo segundo ano, é muito rico e os alunos encontram constantemente algo novo nele.

Fig. 11 Kozlov Danil 9 anos "Velas" Fig. 12 Minina Olga 9 anos "Flor Meadow"

Fig. 13 Leshchenko Kristina 9 anos "Outono" Fig. 14 Shperle Ekaterina 10 anos "Ilha"

No programa Corel Photo Paint Pro, o mais interessante é que as crianças façam colagens, modelem imagens de acordo com suas ideias. Cada criança tem seu próprio pendrive, e salva o desenho lá no final do trabalho.

Infelizmente, o ensino de computação gráfica hoje não é responsabilidade de um professor de arte, e não é explicitado em programas educacionais em artes plásticas. Isso é feito casualmente por professores de ciência da computação que têm uma ideia muito remota das artes plásticas. Acredito que apenas uma pessoa que conhece os fundamentos da pintura, gráficos, artes e ofícios, design e fotografia pode ensinar as crianças de forma competente e correta como trabalhar em editores gráficos. Mas para isso ele mesmo deve ser capaz de trabalhar neles.

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... contemporâneo cultura nacional (9; p.126). A prática mostra que em cada estágio da lição pictórico arte... - M., 1984. - S.101, 103. 4. Kuzin V.S.. Metodologia ensino pictórico arte nas séries 1-3: Guia do professor. - 2ª edição...

O método de observação é a base de todo o sistema de ensino das artes plásticas. O sucesso do desenvolvimento de suas habilidades criativas depende de como as crianças desenvolvem a capacidade de observar o ambiente, estabelecer conexões entre os fenômenos da realidade, distinguir entre o geral e o individual. Uma grande contribuição para o seu desenvolvimento foi feita por E.A. Flerina, N. P. Sakulina, L. A. Raev. (37, 45)

Mas as observações por si só antes da aula não garantirão totalmente a possibilidade de retratar o que é visto. É necessário ensinar à criança técnicas especiais de imagem, maneiras de usar vários materiais visuais. Somente no processo de treinamento sistemático em sala de aula as habilidades das crianças são totalmente formadas.

No jardim de infância, na sala de aula para atividades visuais, são utilizados vários métodos e técnicas, que podem ser divididos condicionalmente em visuais e verbais. Um grupo especial de técnicas específicas para o jardim de infância é composto por técnicas de jogo. Eles combinam o uso da visualização e o uso da palavra.

O método de ensino, de acordo com a definição adotada em pedagogia, é caracterizado por uma abordagem unificada para a resolução da tarefa, determina a natureza de todas as atividades tanto da criança quanto do professor nesta aula.

O método de aprendizagem é uma ferramenta auxiliar mais privada que não determina todas as especificidades da atividade na lição, que tem apenas um valor educacional estreito.

Às vezes, os métodos individuais podem atuar apenas como uma técnica e não determinam a direção do trabalho na lição como um todo. Por exemplo, se a leitura de um poema (história) no início da aula tinha apenas o objetivo de despertar o interesse pela tarefa, atrair a atenção das crianças, então, neste caso, a leitura serviu como uma técnica que auxiliou o educador na resolução de um problema. tarefa estreita - organizar o início da lição.

Métodos visuais e métodos de ensino.

Os métodos e técnicas de ensino visual incluem o uso da natureza, reproduções de pinturas, amostras e outros recursos visuais; exame de objetos individuais; mostrar ao educador técnicas de imagem; mostrando o trabalho das crianças no final da aula, quando são avaliadas.

O uso da natureza. A natureza nas artes visuais refere-se a um objeto ou fenômeno que é representado por observação direta. A obra da natureza envolve a imagem de um objeto de um determinado ponto de vista, na posição em que se encontra em relação ao olho do pintor. Essa característica da imagem da natureza também determina a originalidade da percepção no processo de aula. O principal aqui será a percepção visual e, quando representado em um plano (desenho, aplicação), o objeto é percebido apenas de um lado; ao esculpir e projetar, as crianças devem ser capazes de transformar a natureza, analisar a forma tridimensional em vários turnos.

A capacidade de perceber um objeto na totalidade de suas qualidades já é característica de uma criança em idade pré-escolar primária. No entanto, a necessidade de retratar um objeto da natureza requer a capacidade de analisar a proporção das partes, sua localização no espaço. Os psicólogos acreditam que uma criança em idade pré-escolar é capaz de tal percepção analítico-sintética apenas sob a condição de orientação pedagógica correta.

A natureza, antes de tudo, facilita o trabalho da memória, pois o processo da imagem se combina com a percepção; ajuda a criança a entender e transmitir corretamente a forma e a estrutura do objeto, sua cor. Apesar da capacidade das crianças de 4 a 5 anos de fazer uma análise simples de objetos de imagem, trabalhar com a natureza nessa idade tem suas próprias diferenças em relação ao uso da natureza por crianças em idade escolar e artistas.

Ao perceber um objeto, a criança deve mostrar seu volume (dar uma imagem bidimensional de natureza tridimensional em um plano), que está associado ao uso do claro-escuro, à transferência de mudanças de perspectiva no objeto e à exibição de imagens complexas. ângulos. Essas técnicas de imagem não estão disponíveis para pré-escolares. Portanto, objetos de forma simples, com contornos claros e divisões de partes, são selecionados como natureza para eles.

A natureza é colocada para que todas as crianças a percebam do lado mais característico. O educador deve examinar a natureza detalhadamente com as crianças, orientando e facilitando o processo de análise com uma palavra e um gesto. Este processo requer uma certa cultura de educação, pensamento analítico desenvolvido. Tais habilidades começam a se desenvolver em crianças de 5 a 6 anos. Nessa idade, eles aprendem a comparar e corrigir seu trabalho de acordo com a natureza ao retratar. Por exemplo, no grupo mais velho, ao retratar um ramo de abeto da natureza, as crianças transmitem a localização do ramo no espaço (oblíquo ou vertical), o número e o tamanho dos ramos à esquerda e à direita e desenham agulhas grossas de um escuro ou tom claro.

Folhas, galhos, flores, frutas, assim como brinquedos representando pessoas, animais, veículos podem ser usados ​​como natureza.

Assim, o uso da natureza como método de ensino abrange todo o processo da imagem: a análise inicial do assunto, comparação da imagem com a natureza em termos de forma, posição, cor, avaliação dos resultados do trabalho comparando o desenho e natureza.

Às vezes, a natureza pode ser usada como uma técnica particular e não afetar a natureza da lição como um todo. Por exemplo, no processo de desenhar de acordo com um plano, uma criança pede ajuda para representar um objeto. A professora coloca o brinquedo necessário na frente da criança, que é usado como uma natureza. Em geral, o trabalho sobre a imagem será determinado pelo conteúdo da ideia. A natureza só ajudará a realizá-lo melhor.

Examinando objetos no início da lição. Nos grupos mais jovens e intermediários, eles geralmente mostram itens individuais no início da lição. Crianças examinando uma bola, fitas, espátulas, etc. são realizados de forma a atrair a atenção das crianças para a tarefa e reavivar as suas ideias. Durante o restante da aula, as crianças desenham de acordo com a ideia e não retornam à percepção dos objetos.

No grupo mais velho, também é necessário trazer alguns itens para consideração. Por exemplo, antes de desenhar ou esculpir sobre o tema do conto de fadas "Três Ursos", o professor convida as crianças a considerar um urso de brinquedo, destacar as características da forma e proporções de partes individuais e traçar a mudança em sua localização dependendo na rotação do objeto. Cada criança representa um urso na posição que corresponde ao episódio escolhido para a foto.

Uso de amostra. Uma amostra, como a natureza, pode atuar como método e como técnica de ensino separada.

Naqueles tipos de atividade visual em que o objetivo principal não é consolidar impressões da percepção do ambiente, mas desenvolver certos aspectos dessa atividade (mais frequentemente em obras decorativas e construtivas), o modelo é usado como método de ensino.

Assim, o principal objetivo das aulas de desenho decorativo e apliques é ensinar como criar um padrão e desenvolver o gosto artístico. As crianças olham para belos objetos: tapetes, vasos, bordados, etc., o que aumenta a cultura estética geral. Nas aulas de desenho decorativo, as crianças não apenas refletem suas impressões sobre esses objetos e repetem os padrões vistos neles, mas também aprendem a criar um padrão por conta própria, a fazer belas combinações de formas e cores. Portanto, no estágio inicial do treinamento, é possível copiar os elementos de um padrão de uma amostra, emprestando os princípios do arranjo de elementos e combinações de cores.

Às vezes, pode haver várias amostras para escolher se as crianças já dominaram alguma habilidade.

O uso de amostras é determinado pelos objetivos desta lição. Assim, uma amostra pode ser oferecida sem instruções especiais do professor, as crianças, depois de examiná-la, fazem o trabalho por conta própria. Nesse caso, o uso da amostra contribuirá para o desenvolvimento do pensamento analítico-sintético da criança.

Às vezes, a amostra funciona como uma técnica de aprendizado. Por exemplo, no desenho ou modelagem de assunto, uma amostra é usada não para fins de cópia, mas para esclarecer as ideias das crianças sobre o objeto representado.

O uso de amostras com imagens simplificadas e esquemáticas afeta negativamente o desenvolvimento das habilidades criativas das crianças. A simplificação da imagem para um diagrama cria apenas um alívio aparente da tarefa atribuída às crianças. O esquema não corresponde à ideia específica da criança sobre o assunto, pois carece dos detalhes característicos pelos quais o pré-escolar reconhece o assunto.

Não se deve substituir a representação formada a partir de uma percepção específica por uma imagem esquemática planar desprovida de traços individuais. Tal esquema não ajudará a criança a destacar o principal no assunto, mas simplesmente substituirá a imagem de um assunto específico.

Usando tais padrões, o educador esquece-se de uma tarefa educativa da atividade visual como consolidar as ideias das crianças sobre a realidade circundante.

Aprender com o uso constante de amostras esquemáticas prontas acaba se resumindo a uma tarefa restrita - desenvolver a capacidade de criar formas simples. O treinamento da mão na criação de tal forma é isolado do trabalho da consciência. Como resultado, padrões aparecem nos desenhos das crianças: uma casa com telhado triangular, pássaros em forma de marcas de seleção etc. Isso empobrece o desenho da criança, de uma vez por todas assimilado uma forma esquemática elimina a necessidade de novas observações, a atividade pictórica rompe com a realidade. Uma imagem esquemática dominada inconscientemente muitas vezes perde sua semelhança com um objeto real, pois a criança repete as formas aprendidas sem hesitação. Por exemplo, um pássaro - um “carrapato” quando retratado vira as asas para baixo ou para um lado.

Uso de fotos. As imagens são usadas principalmente para esclarecer as ideias das crianças sobre a realidade circundante e para explicar os meios e métodos de representação.

A imagem como imagem artística transmite a imagem de forma vívida e emocional.

Os meios de expressão artística, com a ajuda dos quais o artista cria uma obra de arte, dão uma imagem visualmente percebida. Estudos de psicólogos e educadores mostraram que mesmo crianças de dois anos podem entender uma imagem como a imagem de um objeto. A conexão entre os personagens na imagem, ou seja, a compreensão da ação é realizada um pouco mais tarde, na idade de 4-5 anos.

As observações da realidade circundante são muitas vezes de curto prazo (por exemplo, observações de animais em uma cidade). Portanto, o uso da imagem permitirá não apenas garantir a repetição da percepção, mas também destacar o principal que é característico da imagem subsequente.

O exame de pinturas pode ser recomendado nos casos em que não há objeto necessário e também pode servir como meio de familiarizar as crianças com alguns métodos de representação em um avião. Por exemplo, a professora mostra uma figura para explicar a imagem de objetos distantes que na vida a criança percebeu estar localizados em terreno plano. Para tanto, a imagem pode ser utilizada no trabalho com crianças de seis anos, que já possuem uma compreensão dessa forma de representar. Olhando para a foto, a criança vê que a terra é representada não com uma linha, mas com uma faixa larga, e objetos distantes estão localizados acima, objetos próximos estão abaixo, até a borda do lençol.

Para que a criança consiga entender a técnica utilizada pelo artista, é necessário explicá-la, pois na imagem a criança percebe apenas o resultado final. É mais conveniente realizar tal exame e análise da imagem antes da aula ou no início dela.

A imagem deixada na frente das crianças durante toda a sessão pode levar à cópia mecânica. Copiar nessa idade traz grandes danos - dificulta o desenvolvimento de habilidades visuais. É impossível para um pré-escolar perceber todas as técnicas e meios visuais utilizados pelo artista, então ele irá desenhar sem entender porque é desenhado desta forma e não de outra.

Às vezes, durante a aula, torna-se necessário mostrar a algumas crianças uma imagem para esclarecer qualquer detalhe. Em seguida, a imagem é removida, pois sua percepção posterior levará à cópia. Esta técnica deve ser usada com cautela.

Demonstração pelo educador de métodos de trabalho. O programa do jardim de infância estabelece o escopo das habilidades visuais que as crianças devem dominar no processo de aprendizagem. Dominar uma gama relativamente pequena de habilidades permitirá que a criança represente uma grande variedade de objetos. Por exemplo, para desenhar uma casa, você precisa saber como desenhar uma forma retangular, ou seja, ser capaz de conectar linhas em ângulos retos. As mesmas técnicas serão necessárias para representar um carro, um trem e qualquer outro objeto que tenha um contorno retangular.

A demonstração de métodos de imagem pelo educador é uma técnica visual-eficaz que ensina as crianças a criar conscientemente a forma desejada com base em sua experiência específica. A exibição pode ser de dois tipos: mostrar com um gesto e mostrar técnicas de imagem. Em todos os casos, a exibição é acompanhada de explicações verbais.

O gesto explica a localização do objeto na folha. O movimento de uma mão ou de um lápis em uma folha de papel é suficiente para crianças de 3 a 4 anos entenderem as tarefas da imagem. Com um gesto, a forma principal de um objeto, se for simples, ou suas partes individuais podem ser restauradas na memória da criança.

É eficaz repetir o movimento com o qual o educador acompanhou sua explicação durante a percepção. Tal repetição facilita a reprodução das conexões formadas na mente. Por exemplo, quando as crianças estão assistindo a construção de uma casa, a professora gesticula para mostrar os contornos dos prédios em construção, enfatizando sua direção ascendente. Ele repete o mesmo movimento no início da aula, em que as crianças desenham um arranha-céu.

Um gesto que reproduz a forma de um objeto ajuda a memória e permite mostrar o movimento da mão que desenha na imagem. Quanto menor a criança, mais importante em seu aprendizado é a exibição do movimento da mão.

O pré-escolar ainda não está totalmente no controle de seus movimentos e, portanto, não sabe qual movimento será necessário para representar uma forma ou outra.

Tal técnica também é conhecida quando o professor da turma mais nova faz uma imagem com a criança, levando sua mão.

Com um gesto, você pode delinear todo o objeto se sua forma for simples (bola, livro, maçã) ou os detalhes da forma (a localização dos galhos de um abeto, a curva do pescoço dos pássaros). O professor demonstra detalhes mais sutis em um desenho ou modelagem.

A natureza da exibição depende das tarefas que o professor define nesta lição.

Mostrar a imagem de todo o objeto é dado se a tarefa for ensinar como representar corretamente a forma principal do objeto. Normalmente esta técnica é usada no grupo mais jovem. Por exemplo, para ensinar as crianças a desenhar formas redondas, o professor desenha uma bola ou uma maçã, explicando suas ações.

Se, ao retratar um objeto, for necessário transmitir com precisão a sequência de desenho de um ou outro detalhe, também poderá ser fornecida uma exibição holística de todo o objeto. Com tal exposição, é desejável que o educador envolva as crianças na análise do assunto com a pergunta: “O que devo desenhar agora?”.

Ao ensinar crianças de grupos mais velhos, uma exibição parcial é mais frequentemente usada - uma imagem desse detalhe ou um elemento separado que os pré-escolares ainda não são capazes de descrever. Por exemplo, crianças de 4 a 5 anos desenham um tronco de árvore na forma de um triângulo com uma base larga. Esse erro às vezes é causado pela explicação do educador: “O tronco da árvore é estreito em cima e largo em baixo”, e as crianças seguem literalmente essa instrução. O educador deve, juntamente com uma instrução verbal, mostrar a imagem de um tronco de árvore.

Em um grupo preparatório para a escola, ao desenhar sobre o tema “Casa Linda”, a professora mostra no quadro como diferentes janelas e portas podem ser moldadas. Tal exibição não limita a capacidade da criança de criar o desenho inteiro.

Com exercícios repetidos para consolidar habilidades e depois usá-las de forma independente, a demonstração é dada apenas individualmente para crianças que não dominam uma habilidade específica.

A constante exibição de métodos para completar a tarefa ensinará as crianças em todos os casos a esperar instruções e ajuda do educador, o que leva à passividade e inibição dos processos de pensamento. Mostrar o educador é sempre necessário ao explicar novas técnicas.

Análise do trabalho infantil. O desenvolvimento do pensamento analítico, que resulta em uma atitude crítica sobre o que é percebido, permite que as crianças avaliem objetivamente o trabalho realizado por seus companheiros e seu próprio trabalho. Mas uma criança atinge esse nível de desenvolvimento aos cinco anos de idade.

Em uma idade mais jovem, a criança não pode controlar e avaliar totalmente suas ações e seus resultados. Se o processo de trabalho lhe deu prazer, ele ficará satisfeito com o resultado, esperando a aprovação do educador.

No grupo mais jovem, o professor no final da aula mostra vários trabalhos bem feitos sem analisá-los. O objetivo do espetáculo é chamar a atenção das crianças para os resultados de suas atividades. Além disso, o professor aprova o trabalho de outras crianças. Uma avaliação positiva deles contribui para a preservação do interesse pela atividade visual.

Nos grupos médio e sênior, o professor usa a exibição e análise do trabalho das crianças como uma técnica para ajudar as crianças a entender os acertos e erros na imagem. A capacidade de ver quão corretamente o assunto é retratado ajuda a desenvolver uma atitude consciente em relação à escolha de meios e métodos de trabalho para aprimorar toda a atividade criativa.

Depois de concluir a tarefa, o professor mostra um dos trabalhos e observa seus aspectos positivos: “Como bem, a casa está bem pintada”, “Como as cores do padrão são escolhidas lindamente - escuro e claro lado a lado, podem ser visto bem”, “Como o esquiador é formado de maneira interessante”, etc. d. Se houver erros semelhantes em todos os trabalhos, preste atenção a eles, pergunte como corrigi-los.

Não é necessário considerar um erro no trabalho de uma criança com todas as crianças, pois a realização disso será importante apenas para essa criança. As causas do erro e as formas de eliminá-lo são melhor analisadas em uma conversa individual.

No grupo mais velho, todas as crianças devem ser envolvidas na análise. No entanto, às vezes o próprio professor dá uma avaliação. Por exemplo, querendo incentivar uma criança que desenha mal e antecipando as críticas de outras crianças ao seu trabalho, o educador é o primeiro a apontar os aspectos positivos do desenho.

A análise do trabalho infantil pode ser realizada em vários planos. Na maioria das vezes, para economizar tempo, o professor seletivamente leva vários trabalhos para análise. Deve-se evitar mostrar o trabalho da mesma criança em cada turma, mesmo que realmente se destaquem das demais. Como resultado de elogios constantes, ele pode desenvolver autoconfiança injustificada, um senso de superioridade sobre outras crianças. O trabalho individual deve ser realizado com crianças superdotadas, levando em consideração suas habilidades e habilidades visuais.

Às vezes, o professor instrui as crianças a escolher trabalhos para análise. Nesses casos, todas as obras são dispostas em uma mesa (ou anexadas ao estande) e as crianças são convidadas a escolher as que mais gostam. Em seguida, o professor analisa detalhadamente os trabalhos selecionados com as crianças.

A discussão do trabalho de cada criança é possível no grupo preparatório, as crianças já estão interessadas nos resultados do trabalho de seus companheiros. Mas essa análise deve ser realizada em seu tempo livre, pois 2-3 minutos no final da aula não são suficientes.

Crianças de seis anos podem ser convidadas a analisar seus trabalhos, comparando-os com a natureza, um modelo. Isso instila nas crianças uma atitude crítica não apenas em relação ao trabalho de seus companheiros, mas também ao seu próprio.

Métodos verbais e técnicas de ensino.

Os métodos e técnicas de ensino verbal incluem conversação, instruções do educador no início e durante a aula e o uso de uma imagem artística.

Conversa no início da aula. As aulas de artes plásticas, via de regra, começam com uma conversa entre o professor e as crianças. O objetivo da conversa é evocar imagens previamente percebidas na memória das crianças e despertar o interesse pela lição. O papel da conversação é especialmente grande naquelas aulas em que as crianças realizam trabalhos com base em uma apresentação (de acordo com seu próprio design ou sobre um tópico dado pelo educador), sem usar recursos visuais.

A conversa deve ser curta, mas significativa e emocional. O professor chama principalmente a atenção para o que será importante para o trabalho futuro, ou seja, em uma cor construtiva e solução composicional de um desenho, modelagem, etc.

Se as impressões das crianças foram ricas e elas possuem as habilidades necessárias para transmiti-las, essa conversa é suficiente para concluir a tarefa sem truques adicionais.

Para esclarecer as ideias das crianças sobre o tema ou para familiarizá-las com novas técnicas de imagem, o professor, durante a conversa ou depois dela, mostra o objeto ou figura desejada e, antes de iniciar a tarefa, as crianças demonstram o método de trabalho.

A conversação como método de ensino é usada principalmente no trabalho com crianças de 4 a 7 anos. Nos grupos mais jovens, a conversa é usada quando é necessário lembrar às crianças o assunto que elas vão retratar ou explicar novos métodos de trabalho. Nesses casos, a conversa é usada como uma técnica para ajudar as crianças a entender melhor o propósito e o propósito da imagem.

A conversa, tanto como método quanto como recepção, deve ser curta e durar não mais que 3-5 minutos, para que as idéias e emoções das crianças ganhem vida e o clima criativo não desapareça.

Assim, uma conversa devidamente organizada contribuirá para um melhor desempenho da tarefa pelas crianças.

O uso de imagens de ficção. A imagem artística encarnada na palavra (poema, história, enigma, etc.) tem uma espécie de visibilidade. Ele contém aquela característica, típica, que é característica desse fenômeno e o distingue dos outros.

A leitura expressiva de obras de arte contribui para a criação de um clima criativo, o trabalho ativo do pensamento, da imaginação. Para tanto, a palavra artística pode ser usada não apenas em sala de aula para ilustrar obras de literatura, mas também para representar objetos após sua percepção.

Em todas as faixas etárias, você pode começar a aula com um enigma que evocará uma imagem vívida do assunto na mente das crianças, por exemplo: “Rabo com padrões, botas com esporas ...” Alguns detalhes da forma são observados no enigma - uma bela cauda, ​​esporas e os hábitos de um galo que o destacam entre outros pássaros.

Para reviver imagens de objetos previamente percebidas na memória das crianças, podem ser usados ​​poemas curtos e trechos de obras de arte.

Em alguns casos, uma imagem verbal acompanha a exibição da natureza ou técnicas de imagem.

Ao desenhar ou esculpir sobre temas de obras literárias, o uso de outros métodos de ensino no início da aula é inadequado, pois podem interferir no trabalho da imaginação. Uma imagem ou natureza vinculará a criança a uma certa forma pictórica, a imagem verbal se desvanecerá.

O educador deve levar a sério a seleção de obras de arte e trechos delas para ilustração. A imagem verbal deve incluir um momento visual, mostrar aquelas características do objeto que estão associadas à sua percepção visual (cor, forma, posição). Por exemplo, ao ilustrar um poema de N.A. "Avô Mazai e Lebres" de Nekrasov quase todos os caras fizeram um bom trabalho, já que neste trabalho o autor descreveu vividamente a aparência dos animais, suas posturas. Tais imagens visíveis ajudam a criança a transmiti-las de forma concreta. Uma imagem literária artística evoca o trabalho não apenas de uma imagem reprodutora, mas também criativa.

Mesmo que a imagem verbal seja muito específica e vívida, a criança precisa pensar e imaginar muito: a situação, o local, os detalhes e muito mais.

Instruções e explicações do educador durante a aula. As instruções do educador acompanham necessariamente todas as técnicas visuais, mas também podem ser utilizadas como técnica de ensino independente. Depende da idade das crianças e dos objetivos desta lição.

Normalmente, o educador dá instruções em conexão com o esclarecimento das tarefas educacionais definidas.

Ao ensinar crianças em idade pré-escolar mais jovem, raramente são usadas instruções puramente verbais. As crianças ainda têm pouca experiência e habilidades visuais insuficientes para entender a explicação do educador sem a participação de analisadores sensoriais. Somente se as crianças tiverem habilidades bem estabelecidas, o professor pode não acompanhar a demonstração visual com ação.

Na mente das crianças de 5 a 6 anos, a palavra evoca uma lembrança da técnica necessária e de qual ação deve ser realizada ao usá-la.

As instruções do educador podem ser dirigidas tanto a todo o grupo como a crianças individualmente.

Para todas as crianças, as instruções geralmente são dadas no início da sessão. Seu objetivo é explicar o tema do trabalho e os métodos de sua implementação. Essas instruções devem ser muito breves, claras e concisas. Para verificar como os caras entenderam a explicação, o professor dos grupos médio e sênior pode perguntar a um deles sobre a sequência e os métodos de fazer o trabalho. Essa repetição verbal da tarefa contribui para uma melhor compreensão das crianças sobre suas ações. No grupo mais jovem, depois de explicar e mostrar, o professor deve ser lembrado por onde começar o trabalho.

Depois que todas as crianças começaram a trabalhar, o professor não deve se apressar com instruções e ajuda individuais. É necessário determinar quem não iniciou o trabalho ou o iniciou incorretamente. Com essas crianças, o professor descobre os motivos da incompreensão da tarefa e repete sua explicação, mostra alguns métodos de trabalho.

Nem todas as crianças precisam de orientação individual. Alguns pensam por conta própria, contornam a imagem com um lápis em uma folha, para que não precisem de explicações adicionais. As instruções no início da lição são necessárias para crianças indecisas e tímidas que não têm certeza de suas habilidades. Eles precisam estar convencidos de que o trabalho certamente dará certo.

No entanto, nem sempre se deve evitar as dificuldades que as crianças enfrentam. A alguns deles podem ser negadas explicações adicionais se o professor tiver certeza de que eles podem resolver o problema por conta própria, eles apenas não têm paciência e perseverança. Além disso, para fomentar a atividade criativa, é importante que a criança enfrente as dificuldades e aprenda a superá-las.

A forma de instruções pode não ser a mesma para todas as crianças. Eles precisam de um tom encorajador que desperte interesse pelo trabalho e autoconfiança. Crianças autoconfiantes deveriam ser mais exigentes.

As instruções do professor não devem ser um ditado direto para as crianças sobre como representar um objeto em um caso particular. Eles devem fazer a criança pensar, pensar. Ao apontar um erro, a atenção da criança deve ser atraída para a violação do significado, lógica na imagem: “O vestido da menina parece estar rasgado” (mal sombreado), “Árvores estão caindo” (localizado sem habilidade), “O homem é tão grande que não pode entrar na casa. Ao mesmo tempo, não se deve explicar como corrigir o erro, deixe a criança pensar sobre isso sozinha.

Os comentários devem ser feitos em tom amigável para que as crianças sintam o interesse do professor pelo seu trabalho.

As instruções individuais não devem atrair a atenção de todas as crianças, por isso devem ser dadas em voz baixa. Instruções para todas as crianças durante a aula são dadas se muitas estiverem erradas. Em seguida, o professor convida todos a parar o trabalho e ouvir sua explicação. Essas pausas só devem ser usadas quando absolutamente necessárias, pois atrapalham o processo criativo.

Métodos de ensino de jogos.

A utilização dos momentos do jogo na atividade visual remete a métodos de ensino visuais e eficazes. Quanto menor a criança, maior deve ser o lugar em sua criação e educação. Os métodos de ensino de jogos ajudarão a atrair a atenção das crianças para a tarefa, facilitarão o trabalho de pensamento e imaginação.

Técnicas de jogo para ensinar pré-escolares são reveladas por G.G. Grigoriev. (dez)

Aprender a desenhar em uma idade jovem começa com exercícios de jogo. Seu objetivo é tornar mais eficiente o processo de ensinar as crianças a criar as formas lineares mais simples e o desenvolvimento dos movimentos das mãos. Seguindo a professora, as crianças primeiro desenham várias linhas no ar com as mãos, depois com os dedos no papel, complementando os movimentos com explicações: “Este é um menino correndo pelo caminho”, “Então a avó está enrolando a bola” , etc A combinação de imagem e movimento em uma situação de jogo acelera muito o domínio das habilidades para representar linhas e formas simples.

A inclusão de momentos de jogo na atividade visual no grupo mais jovem continua na representação de objetos. Por exemplo, uma nova boneca vem visitar as crianças e elas moldam guloseimas para ela: panquecas, tortas, biscoitos. No processo deste trabalho, as crianças dominam a habilidade de achatar a bola.

No grupo do meio, as crianças desenham um ursinho de pelúcia da natureza. E este momento pode ser vencido com sucesso. O urso bate na porta, cumprimenta as crianças, pede que o desenhem. No final da aula, ele participa da visualização do trabalho infantil, escolhe o melhor retrato a conselho das crianças e o pendura no canto da brincadeira.

Mesmo com crianças de seis anos, é possível usar técnicas de jogo, claro, em menor grau do que no grupo mais jovem. Por exemplo, durante uma caminhada, as crianças olham para uma paisagem, uma árvore, animais através de câmeras caseiras, “tiram fotos” e, chegando ao jardim de infância, “desenvolvem e imprimem”, retratando o que percebem na imagem.

Ao utilizar os momentos de jogo, o educador não deve transformar todo o processo de aprendizagem em um jogo, pois pode distrair as crianças de completar a tarefa de aprendizagem, atrapalhar o sistema na aquisição de conhecimentos, habilidades e habilidades.

Assim, a escolha de determinados métodos e técnicas depende:

Desde a idade das crianças e seu desenvolvimento;

Do tipo de materiais visuais com os quais as crianças agem.

Na sala de aula, onde o foco está na tarefa de consolidar ideias sobre o ambiente, os métodos verbais são utilizados principalmente: conversas, perguntas às crianças, que ajudam a criança a recuperar o que viu em sua memória.

Em diferentes tipos de atividade visual, os métodos de ensino são específicos, pois a imagem é criada por diferentes meios. Por exemplo, a tarefa de ensinar composição em temas de enredo requer uma explicação da figura no desenho, mostrando no desenho como os objetos distantes são desenhados acima e os objetos próximos abaixo. Na modelagem, esse problema é resolvido organizando as figuras de acordo com sua ação: próximas ou separadas umas das outras, uma após a outra etc. Não há necessidade de qualquer explicação especial ou demonstração do trabalho.

Nem uma única técnica pode ser usada sem uma consideração cuidadosa das tarefas envolvidas, do material do programa da lição e das características de desenvolvimento das crianças deste grupo.

Métodos e técnicas separados - visuais e verbais - são combinados e acompanham um ao outro em um único processo de aprendizagem na sala de aula.

A visualização renova a base material e sensorial da atividade visual das crianças, a palavra ajuda a criar uma correta representação, análise e generalização do percebido e representado.

METODOLOGIA DE ENSINO DE BELAS ARTES

Minicurso de palestras

Kemerovo 2015

Esta publicação é um auxílio didático para a preparação para o exame estadual interdisciplinar no módulo profissional "Atividade pedagógica" e inclui um minicurso de palestras sobre a história dos métodos de ensino das artes plásticas, teoria e metodologia de organização de uma aula moderna de artes plásticas

Destina-se aos alunos da direção de formação de especialistas nas especialidades 54.02.05 "Pintura: pintura de cavalete", 54.02.01 "Design na cultura e na arte", 54.02.02 "DPI e artesanato popular: cerâmica artística"

Compilado por: A.M. Osipov, diretor artístico,

professora GOU SPO "KOHK",

E.O. Shcherbakova, metodologista da Instituição Educacional Estatal SPO "KOHK".

Diretor Adjunto de P&D T.V. Semenets

Colégio Regional de Arte de Kemerovo, 2015

Tema 1. Metas e objetivos da educação artística e pedagógica……………………………….4

Tópico 2. Métodos de ensino de artes plásticas como objeto de estudo……………6

Tópico 3. Métodos de ensino do desenho no Mundo Antigo e na Idade Média……………..…………..8

Tópico 4. O valor das disposições metodológicas da arte do Renascimento………………..……11

Tópico 5. Modelos de educação artística da Nova Era na Europa Ocidental………….14

Tema 6. Formação da escola nacional de pedagogia da arte nos séculos XVIII-XIX….…18

Tópico 7. Sistema acadêmico de educação artística na Rússia. …………………………22

Tópico 8. Métodos de ensino de desenho na escola soviética………………………………………………25

Tópico 9. Análise do programa de B.M. Nemensky “Belas Artes

e trabalho artístico”………………………………………..……………………………………………….28

Tópico 10. Currículos e programas………………………………………………………………………31

Tópico 11

Tema 12. A aula como principal forma de organização do processo educativo……………..……………….36

Tópico 13. Formas metódicas de completar a lição. …………………………………………………..39

Tópico 14. As principais disposições metodológicas para a realização de atividades visuais com pré-escolares 42

Tópico 15

Tópico 16

Tópico 17

Tópico 18

Tópico 19. Lições-conversas sobre a história das artes plásticas e a metodologia para sua condução ...

Tema 20. O papel dos materiais visuais no processo de ensino das artes plásticas 55

Lista de literatura usada……………………………………………………………………………….58

O professor de belas artes deve ser ele próprio proficiente em belas artes, cujos fundamentos ele ensina, deve ser capaz de explicar metodicamente corretamente e mostrar claramente o processo de representar um objeto, uma técnica específica, as regras para trabalhar com um lápis ou pincel . A prática mostra que, se o próprio professor é pouco versado em alfabetização visual, desenha mal, não sabe conectar os padrões de perspectiva, ciência das cores, composição com a prática do desenho, então seus alunos não têm esse conhecimento e habilidades.

As visitas sistemáticas do professor a exposições de arte e oficinas de artistas, museus, comunicação com a intelectualidade artística, leitura regular de livros e revistas sobre artes plásticas, trabalho criativo é condição necessária para melhorar o nível científico, teórico e profissional do professor.

O método de ensino de belas artes como ciência generaliza teoricamente a experiência prática, formula as leis e regras de ensino, destaca a tecnologia dos métodos mais eficazes e os oferece para implementação. A metodologia é baseada em dados científicos da pedagogia, psicologia, estética e história da arte.

É claro que no processo vivo de ensino, cada professor desenvolve sua própria metodologia de trabalho, porém, ela deve ser construída de acordo com as metas e objetivos gerais do ensino moderno de artes plásticas, que não foram desenvolvidos de imediato, antes disso a metodologia passou por um difícil caminho de desenvolvimento.

A metodologia do ensino das artes plásticas como ciência resume a experiência prática, oferece métodos de ensino que já se justificam e dão os melhores resultados.

O método de ensino das artes plásticas é uma ciência viva e em desenvolvimento que absorve todas as inovações. Mas para que as novas tecnologias sejam implementadas com sucesso na prática, é necessário conhecer a experiência histórica e os rumos para o desenvolvimento do ensino das artes plásticas.

SEÇÃO 2. PRINCÍPIOS PEDAGÓGICOS EM DIFERENTES ESCOLAS

A era da Grécia antiga foi a era mais brilhante na história do desenvolvimento das belas artes do mundo antigo. O valor da arte grega é extremamente grande. Aqui foi estabelecido o método de compreensão científica da arte. Os artistas-educadores gregos exortavam seus alunos e seguidores a estudar diretamente a natureza, observar sua beleza e indicar o que ela é. Para eles, a beleza consistia na correta proporcionalidade das partes, cujo exemplo perfeito é a figura humana. Disseram que a regularidade proporcional do corpo humano em sua unidade cria a harmonia da beleza. O principal princípio dos sofistas era: "O homem é a medida de todas as coisas". Esta posição formou a base de toda a arte da Grécia Antiga.

Métodos de ensino de desenho na Roma Antiga. Os romanos gostavam muito de belas artes, especialmente as obras de artistas gregos. A arte do retrato está se difundindo, mas os romanos não trouxeram nada de novo à metodologia e ao sistema de ensino, continuando a usar as conquistas dos artistas gregos. Além disso, eles perderam muitas provisões valiosas do desenho, deixando de salvá-los. Os artistas de Roma copiaram principalmente as obras dos artistas da Grécia. A configuração do ensino era diferente do que nas escolas gregas.

A sociedade romana exigia um grande número de artesãos para decorar instalações, edifícios públicos, o período de treinamento era curto. Portanto, o método de ensino do desenho não era científico, o desenho tornou-se condicional e esquemático. Ao ensinar desenho, cópia de amostras, prevaleceu a repetição mecânica dos métodos de trabalho, o que por sua vez obrigou os artistas-professores romanos a se afastar cada vez mais dos métodos de ensino usados ​​pelos artistas-professores da Grécia. Muitos nobres nobres e patrícios estavam envolvidos em desenho e pintura (por exemplo, Fabius Pictor, Pedius, Júlio César, Nero, etc.). Na técnica de desenho, os romanos começaram a usar sangue como material de desenho.

O papel da cultura antiga no desenvolvimento da arte realista, na formação e desenvolvimento do sistema acadêmico de ensino de desenho é grande. Ainda hoje nos inspira a buscar métodos mais eficazes de ensino de artes plásticas, desenvolver cientificamente métodos de ensino de desenho.

Desenho na Idade Média. Na Idade Média, as realizações da arte realista foram relegadas ao esquecimento. Os artistas não conheciam os princípios de construção de uma imagem em um plano, que eram usados ​​na Grécia Antiga. A base do treinamento é a cópia mecânica de amostras e não o desenho da natureza.

Os pintores dos primeiros séculos do cristianismo ainda usavam as formas artísticas da pintura antiga. Em pouco tempo, as tradições da arte realista foram esquecidas e perdidas, o desenho tornou-se condicional e esquemático. Os manuscritos pereceram - as obras teóricas de grandes artistas, assim como muitas obras famosas que poderiam servir de modelo. O estudo da natureza e da natureza no sentido acadêmico não era praticado, pois a natureza realista evocava um sentimento “terrestre”, que nesta época foi substituído por buscas espirituais. Os artistas medievais não trabalhavam a partir da natureza, mas de acordo com amostras que foram costuradas em cadernos, eram esboços de contornos de composições de vários temas da igreja, figuras individuais, motivos de cortinas etc. O desenho era ensinado por um mestre que não seguia um sistema rígido ou métodos de ensino claros. A maioria dos alunos estudava por conta própria, observando atentamente o trabalho do mestre.

Preisler coloca a geometria na base do ensino do desenho. A geometria ajuda o desenhista a ver e entender a forma de um objeto e, quando representada em um plano, facilita o processo de construção. No entanto, adverte Preisler, o uso de figuras geométricas deve ser combinado com o conhecimento das regras e leis da perspectiva e da anatomia plástica.

O manual de Preisler foi muito apreciado por seus contemporâneos, foi reimpresso várias vezes no exterior e na Rússia. Não havia desenvolvimento metodológico mais completo e claro no desenho educacional naquela época, então o trabalho de Preisler na Rússia foi usado por muito tempo não apenas em instituições educacionais gerais, mas também em escolas especiais de arte.

Claro, hoje você pode encontrar falhas no livro de Preisler, mas por uma questão de verdade histórica, deve-se ressaltar que para a época era o melhor guia. O conhecimento que o aluno recebeu com base no curso de Preisler o ajudou a desenhar da vida no futuro, bem como da memória e da imaginação, o que é tão importante para o artista.

Em 1834 o primeiro livro de A.P. Sapozhnikov - uma publicação fatídica para a arte russa. O curso de desenho de A. P. Sapozhnikov começa com o conhecimento de várias linhas, depois ele apresenta ângulos, após o que ele domina várias formas geométricas. Antes de começar a desenhar objetos tridimensionais, Sapozhnikov sugere demonstrar a lei da perspectiva aos alunos usando modelos especiais, novamente começando com linhas, depois passando para várias superfícies e, finalmente, para corpos geométricos. Em seguida, vem o conhecimento das leis do claro-escuro, também com a ajuda de modelos de demonstração. Quando o desenho de corpos geométricos simples é bem dominado, Sapozhnikov sugere passar para desenhar corpos complexos: primeiro, grupos de corpos geométricos são dados, então as tarefas aumentam gradualmente em complexidade até desenhar cabeças de gesso. Para mostrar a construção de uma cabeça humana, o autor propõe a utilização de um modelo de arame feito especialmente por ele, que deve estar sempre próximo à cabeça de gesso, em giro e posição semelhantes.

O valor do método de Sapozhnikov está no fato de ser baseado no desenho da natureza, e isso não é apenas uma cópia da natureza, mas uma análise da forma. Sapozhnikov estabeleceu como seu objetivo ensinar aqueles que extraem da vida a pensar, analisar, raciocinar.

Os aspectos positivos dos métodos de ensino de A.P. Sapozhnikov não perderam seu significado em nosso tempo, eles são usados ​​por metodologistas domésticos. Conciso e simples de maneira militar, o sistema formou a base dos métodos da escola soviética e tornou-se estatal.

Estudando a história das técnicas de desenho, você precisa se familiarizar com a obra de G. A. Gippius . Em 1844 publicou a obra "Ensaios sobre a Teoria do Desenho como Assunto Geral". Foi o primeiro grande trabalho sobre a metodologia de ensino de desenho em uma escola secundária. Todas as ideias avançadas da pedagogia da época estavam concentradas aqui. O livro é dividido em duas partes - teórica e prática. A parte teórica descreve as principais disposições da pedagogia e das artes plásticas. Na parte prática, revela-se a metodologia de ensino.

Gippius se esforça para fundamentar científica e teoricamente cada posição do método de ensino do desenho. De uma maneira nova, ele considera o próprio processo de ensino. Os métodos de ensino, diz Gippius, não devem seguir um determinado padrão; métodos de ensino diferentes podem trazer bons resultados. Para aprender a desenhar corretamente, você precisa aprender a raciocinar e pensar, diz Gippius, e isso é necessário para todas as pessoas, e isso deve ser desenvolvido desde a infância. Gippius dá muitos conselhos e recomendações metodológicas valiosas na segunda parte de seu livro. A metodologia de ensino, segundo Gippius, deve basear-se não apenas nos dados do trabalho prático, mas também nos dados da ciência e, sobretudo, da psicologia. Gippius exige muito do professor. O professor não deve apenas saber e ser capaz de fazer muito, mas também falar com os alunos como um ator. O trabalho de cada aluno deve estar no campo de visão do professor. Gippius relaciona de perto a oferta de aulas com equipamentos e materiais com questões de metodologia.

A obra de G. A. Gippius foi uma contribuição significativa para a teoria e a prática do ensino do desenho como disciplina educacional geral, pois enriqueceu muito a metodologia de ensino. Não encontramos um estudo tão sério e aprofundado sobre as questões da metodologia de ensino naquele período em nenhum, nem mesmo no mais destacado representante do pensamento pedagógico.

Em 1804, os regulamentos escolares introduziram o desenho em todas as escolas e ginásios distritais. Devido à falta de professores em 1825 em Moscou, por iniciativa do Conde S. G. Stroganov, foi fundada a Escola de Desenho Técnico, onde havia um departamento que formava professores de desenho para uma escola de ensino geral. Em 1843, o Ministério da Educação Pública emitiu uma proposta circular para substituir os professores de desenho, desenho e caligrafia que não tinham uma educação artística especial nas escolas do condado por alunos da escola Stroganov. Até 1879, esta escola era a única instituição de ensino que formava especialmente professores de desenho.

Desde a segunda metade do século XIX, não apenas excelentes artistas-professores, mas também professores de escolas comuns começaram a prestar atenção especial aos métodos de ensino. Eles entenderam que sem treinamento metodológico especial é impossível realizar com sucesso o trabalho pedagógico.

Em 1864, o desenho foi excluído do número de disciplinas obrigatórias pela carta dos estabelecimentos de ensino secundário. Em 1872, o desenho voltou a integrar o leque de disciplinas das escolas reais e da cidade. No mesmo ano, 1872, foram estabelecidas as "Aulas de Desenho aos Domingos Gratuitas para o Povo". O ensino nessas aulas foi realizado inicialmente sob a supervisão do professor de pintura V.P. Vereshchagin e do acadêmico de arquitetura A.M. Gornostaev. Para desenvolver métodos de ensino de desenho nas escolas de ensino geral, foi criada uma comissão especial na Academia de Artes. Esta comissão incluiu artistas de destaque: N.N. Ge, I. N. Kramskoy, P. P. Chistyakov. A comissão esteve também envolvida na elaboração de um programa para as escolas secundárias.

Características da escola de arte de desenho P. P. Chistyakov. Artista russo e professor da Academia de Artes P. P. Chistyakov acreditava que a Academia de Artes da época de seu ensino (1872-1892) precisava de reforma e novos métodos de trabalho com os alunos, era necessário melhorar os métodos de ensino de desenho, pintura , e composição.

O sistema de ensino de Chistyakov cobria vários aspectos do processo artístico: a relação entre natureza e arte, artista e realidade, psicologia da criatividade e percepção, etc. O método de Chistyakov criou não apenas um artista-mestre, mas um artista-criador. Chistyakov deu importância decisiva ao desenho em seu sistema, instado a penetrar na própria essência das formas visíveis, a recriar seu modelo construtivo convincente no espaço condicional da folha. .

A vantagem do sistema de ensino de Chistyakov era a integridade, a unidade no nível metodológico de todos os seus elementos, o seguimento lógico de um estágio para outro: do desenho ao claro-escuro, depois à cor, à composição (composição).

Atribuiu grande importância à cor, vendo na cor o meio mais importante de expressão figurativa, revelando o conteúdo da obra.

A composição do quadro é resultado do treinamento do artista, quando já era capaz de compreender os fenômenos da vida ao seu redor, resumir suas impressões e conhecimentos em imagens convincentes “De acordo com o enredo e a técnica” era a expressão favorita de Chistyakov.

Analisando a atividade pedagógica de P. P. Chistyakov, pode-se identificar os principais componentes do sistema de seu trabalho, graças aos quais foi alcançado um alto nível de qualidade no ensino de desenho. Consistia na interação dos seguintes componentes:

· metas e objetivos do ensino como ponto de partida do sistema pedagógico;

conteúdo cientificamente fundamentado do material educativo;

A utilização de vários tipos e formas de condução das aulas, graças às quais foram organizadas as atividades dos alunos no domínio da literacia artística no desenho;

várias formas de controle, com as quais foram evitados possíveis desvios das tarefas definidas ao realizar o desenho;

· o auto-aperfeiçoamento constante do próprio P. P. Chistyakov, que visava principalmente melhorar o impacto positivo nos estagiários.

Além disso, parte integrante do sistema de trabalho de Pavel Petrovich Chistyakov foi construído relações com os alunos, visando a comunicação com alas, diálogo e respeito ao indivíduo. “Um professor de verdade, desenvolvido e bom não sopra a vara do aluno, em caso de erro, reprovação, etc., ele tenta explicar cuidadosamente a essência do assunto e habilmente levar o aluno ao verdadeiro caminho.” Ao ensinar os alunos a desenhar, deve-se esforçar para intensificar sua atividade cognitiva. O professor deve dar direção, prestar atenção ao principal, e o aluno deve resolver esses problemas sozinho. Para resolver corretamente esses problemas, o professor precisa ensinar o aluno não apenas a prestar atenção ao assunto, mas também a ver seus lados característicos. Os métodos de Chistyakov, sua capacidade de adivinhar a linguagem especial de cada talento, sua atitude cuidadosa em relação a qualquer talento deram resultados surpreendentes. Seu sistema de ensino educou o artista no verdadeiro sentido da palavra. A variedade de personalidades criativas dos alunos do mestrado fala por si - eles são V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. D. Polenov, I. E. Repin, A. P. Ryabushkin, V. A. Serov, V. I. Surikov e outros.

As visões pedagógicas de P. P. Chistyakov já eram reconhecidas nos tempos soviéticos. Seu sistema pedagógico, revolucionário por natureza, não tem analogias na teoria e na prática de outras escolas de arte nacionais.

Como ensinar desenho, Chistyakov divide a ciência da pintura em várias etapas.

Primeira etapa- este é o domínio da natureza figurativa da cor, o desenvolvimento de um jovem artista, a capacidade de ser preciso na determinação da tonalidade da cor e em encontrar sua posição espacial correta. Segunda fase deve ensinar o aluno a compreender o movimento da cor na forma como o principal meio de transmissão da natureza, o terceiro- ensinar a resolver essas outras tarefas de plotagem plástica com a ajuda da cor. Chistyakov foi um verdadeiro inovador que transformou a pedagogia em alta criatividade.

Tópico 7. Sistema acadêmico de educação artística na Rússia

· Academia Imperial de Artes na Rússia XVIII - na primeira metade do século XIX. e Escola Educacional.

A.P. Losenko, A.E. Egorov, V.K. Shebuev.

Desde 1758, a "Academia das Três Mais Nobres Artes" tornou-se o centro científico e metodológico da educação artística e, ao longo de sua história, a Academia de São Petersburgo tem sido o principal centro russo de educação artística. Os maiores arquitetos, escultores, pintores e gravadores russos passaram por um treinamento rigoroso e exigente na Academia.

Desde o início, a Academia das Artes não era apenas uma instituição educacional e educacional, mas também um centro de educação artística, pois organizava regularmente exposições. Sob ela, foram fundados museus e uma biblioteca científica. Para desenvolver um bom gosto artístico nos alunos e despertar o interesse pelas artes, o fundador e primeiro diretor-chefe I.I. Shuvalov decidiu cercar os alunos com obras brilhantes. Doa à academia sua coleção de pinturas e desenhos, além de sua biblioteca pessoal. Depois de Shuvalov, a academia manteve essa tradição por muitos anos, e trouxe grande sucesso à causa, incutindo nos alunos um sentimento de profundo respeito pela arte e pela academia. A Academia forneceu aos alunos todos os materiais necessários para o trabalho: papel de todos os graus, tintas, lápis, telas, macas, pincéis e vernizes.

O assunto principal na academia era o desenho. Para os melhores desenhos educacionais, o Conselho da Academia concedeu prêmios aos autores - pequenas e grandes medalhas de prata. Por iniciativa do escultor Gillet, em 1760, foi organizada uma aula em grande escala na academia, onde se dedicou séria atenção ao estudo da estrutura anatômica do corpo humano. Aqui, o esqueleto e a “figura esfarrapada”, como era então chamado o modelo anatômico, são cuidadosamente estudados.

As aulas de desenho foram estruturadas da seguinte forma: “As aulas eram divididas em matutino, das 9 às 11, e vespertino, das 5 às 7 horas. No turno da manhã, todos se dedicavam à sua especialidade e, no turno da noite, todos, independente da turma. eram, desenhados com um lápis francês. Após um mês, os desenhos foram expostos nas salas de aula para consideração dos professores; era como um exame. Além disso, todas as semanas eram exibidas figuras, cabeças de gesso, em relação às quais se exigia que os contornos delas fossem os mais fiéis, embora o sombreamento não fosse concluído ao mesmo tempo. Para exames mensais, ou exames, esses trabalhos semanais podem não ter sido apresentados pelos alunos, pois o professor os examinava durante a semana, mas alguns trabalhos, elaborados exclusivamente para o exame mensal, já eram exibidos na data marcada sem falta.

Os alunos da academia foram divididos em grupos de acordo com a idade:

1º grupo - dos 6 aos 9 anos,

2º - das 9 às 12,

3º - dos 12 aos 15 anos,

4º - dos 15 aos 18 anos.

1º grupo: No primeiro grupo, além das disciplinas de ensino geral, praticava-se o desenho a partir de originais, emplastros e da natureza. O desenho começou com um conhecimento da técnica e da tecnologia. O lápis tinha que ficar mais afastado da ponta descascada, o que dava mais liberdade e mobilidade à mão. Gravuras dos desenhos de mestres notáveis, desenhos de professores da academia, bem como desenhos de alunos particularmente ilustres serviram como amostras nas aulas originais. Os desenhos de Grez eram especialmente populares entre professores e alunos. A expressividade das linhas em seus desenhos ajudou os alunos a ver e compreender visualmente a plasticidade das formas.

2º grupo: O segundo grupo se baseou em originais, gessos e na natureza. No final do ano, os alunos começaram a copiar dos originais desenhos de cabeças, partes do corpo humano e figuras humanas nuas (academias), primeiro em gesso e depois vivos. Ornamentos e cabeças de gesso foram retirados da natureza.

3º grupo: O terceiro grupo estudou perspectiva, desenho a partir de originais, gessos e da vida, pintura, escultura, arquitetura, gravura. Figuras de gesso de Antínoo, Apolo, Germânico, Hércules, Hércules, Vênus Medicea foram pintadas da natureza. Aqui o aluno pintou a partir de moldes de gesso até ter as habilidades profissionais necessárias. Depois disso, ele poderia passar a desenhar a natureza viva em uma aula natural.

Para memorizar completamente a figura, o aluno teve que desenhar a mesma configuração várias vezes. Para memorizar completamente a figura, o aluno teve que desenhar a mesma configuração várias vezes. Sabe-se que K. P. Bryullov fez quarenta desenhos do grupo Laocoonte. A habilidade era tão grande que alguns acadêmicos podiam começar a desenhar de qualquer lugar.

Ao ensinar desenho, grande importância foi dada à demonstração pessoal. As instruções da época indicavam que os professores da academia deveriam desenhar a mesma natureza que os alunos - para que os alunos vissem como deveria proceder o processo de construção de um desenho e qual qualidade deveria ser alcançada.

Em um dos documentos de arquivo lemos: “Prescrever aos professores e professores de adjuntos que todos os adjuntos estejam em seus horários designados para desenhar a natureza, também para observar como funciona o Fontebasse”. Lemos o mesmo nas instruções de A.I. Musin-Pushkin: artistas, dos quais um é definir a natureza e corrigir o trabalho dos alunos, e o outro ao mesmo tempo desenhar ou esculpir com eles.

Infelizmente, esse método progressivo de formação de futuros artistas caiu em desuso na prática pedagógica. Se nas instituições educacionais modernas um aluno é obrigado a concluir o programa do curso durante o ano, independentemente do sucesso, na academia do século XVIII, assim como na primeira metade do século XIX, o aluno pode passar de uma classe para outro, por exemplo, da figura de gesso à escala real, só tendo alcançado certo sucesso. .

4º grupo: Os alunos do quarto grupo desenhavam a natureza viva nua e estudavam anatomia. Depois veio a aula de manequim e composição, além de copiar pinturas em l'Hermitage.

Uma grande contribuição para a metodologia de ensino de desenho foi feita por artistas e professores da Academia de Artes A. P. Losenko e V. K. Shebuev.

AP Losenko começou a ensinar na academia em 1769. Um excelente desenhista e um professor maravilhoso, que prestou muita atenção não só à prática, mas também à teoria do desenho. Sua brilhante atividade pedagógica logo ganhou reconhecimento universal. Começando com Losenko, a escola acadêmica russa de desenho recebeu sua própria direção especial.

Losenko encarregou-se de dar uma fundamentação científica e teórica de cada disposição do desenho acadêmico e, sobretudo, do desenho da figura humana. Para isso, começou a estudar minuciosamente a anatomia plástica, procurar regras e leis de divisão proporcional de uma figura em partes, desenhar diagramas e tabelas para demonstração visual a seus alunos. Desde aquela época, o método de ensino do desenho foi baseado em um estudo sério da anatomia, das proporções da figura humana e da perspectiva. Todo esse conhecimento científico, necessário ao artista, Losenko conseguiu transferir para seus alunos com grande persuasão e brilhante talento pedagógico. Percebendo a complexidade e a dificuldade de combinar duas coisas diferentes - trabalho criativo independente e ensino, Losenko não poupou tempo nem esforço pela causa que serviu. Observando essa característica de Losenko como artista e professor, A. N. Andreev escreveu: “Ele passou dias e noites inteiros com eles (alunos), ensinou-os em palavras e ações, ele mesmo desenhou estudos acadêmicos e desenhos anatômicos para eles, publicados para a liderança da academia a anatomia e proporção do corpo humano, que foi e ainda é usada por toda a escola que a seguiu; começou as aulas em grande escala, ele mesmo escrevia na mesma bancada com seus alunos e seus trabalhos ajudaram ainda mais a melhorar o gosto dos alunos da academia.

O mérito de Losenko reside não apenas no fato de ter feito um bom trabalho de ensino de desenho na Academia de Artes, mas também no fato de ter cuidado de seu desenvolvimento. Nisso, seus trabalhos teóricos e auxiliares de ensino deveriam ter desempenhado seu papel.

No início do século 19, o desenho como um assunto educacional geral começou a se difundir. Muito foi feito durante este período no campo da publicação de vários manuais, manuais e tutoriais sobre desenho.

Atividades principais

A imagem no plano e no volume (da natureza, da memória e da representação); trabalhos decorativos e construtivos;

inscrição;

· modelagem volume-espacial;

projeto e atividade construtiva;

fotografia artística e filmagem de vídeo; percepção dos fenômenos da realidade e das obras de arte;

discussão do trabalho dos companheiros, dos resultados da criatividade coletiva e do trabalho individual em sala de aula;

estudo do património artístico;

ouvir música e literatura

Apoio pedagógico e metodológico - kits metodológicos para o programa, incluindo livros didáticos, cadernos para crianças em idade escolar e material didático para professores. Todas as publicações são editadas por B.M. Nemensky.

Fase I - ensino fundamental.

Grau 1 - fundamento - familiaridade com as formas de trabalhar, vários materiais artísticos, o desenvolvimento da vigilância e domínio do material. "Você retrata, decora e constrói."

Grau 2 - "Você e Arte" - introduzindo as crianças ao mundo da arte, emocionalmente conectada com o mundo das observações pessoais, experiências, pensamentos. Formação de ideias sobre o conteúdo e o papel da arte

Grau 3 - "Arte ao seu redor" - introduzindo as crianças ao mundo da beleza circundante.

Grau 4 - "Toda nação é um artista" - a formação de uma ideia da diversidade e fascínio da arte. criatividade em todos os cantos

terra e todas as nações.

II etapa - ensino médio. Fundamentos do pensamento e do conhecimento artístico. Um estudo aprofundado de vários tipos e gêneros de arte no contexto do desenvolvimento histórico, as conexões interdisciplinares com as aulas de história são fortalecidas.

Grau 5 - Conexões do grupo de artes decorativas com a vida. Sentindo-se em harmonia com o material

Grau 6 - 7 - Conexões do grupo de artes visuais com a vida. Dominar os padrões artísticos e figurativos da arte e a sua sistematização. Criatividade dos artistas.

Grau 8 - "Conexões do grupo construtivo das artes com a vida." A arquitetura é uma síntese de todas as formas de arte.

Grau 9 - uma generalização dos aprovados. "Síntese de Artes Espaciais e Temporais".

III etapa. Fundamentos da consciência artística. Divisão dos trabalhos práticos e teóricos em disciplinas paralelas.

10-11 aulas - Conexões históricas das artes.

SEÇÃO 3. ORGANIZAÇÃO E PLANEJAMENTO

Executando foreskets.

Foreskets são esboços de composição de um desenho futuro que precede o trabalho na folha principal. Para fazer isso, você pode usar o visor - um pedaço de papelão ou papel, no qual um pequeno orifício retangular é cortado. O aluno, olhando pelo visor, deve, por assim dizer, ver o quadro da foto futura. O tamanho do quadro é definido dependendo do tamanho da folha de papel principal. Tendo feito vários esboços de composição com a ajuda do visor, o aluno escolhe aquele que melhor satisfaz a tarefa e começa a trabalhar na folha principal.

3. Etapas do trabalho no formato.

Primeira etapa começa com a colocação composicional da imagem em uma folha de papel. Em seguida, as principais proporções são estabelecidas e a visão geral da natureza é delineada. A característica plástica das massas principais é determinada. Para que os detalhes não distraiam a atenção do iniciante do personagem principal da forma, propõe-se apertar os olhos para que a forma pareça uma silhueta, como um ponto comum, e os detalhes desapareçam. A imagem começa com traços leves. É necessário evitar o carregamento prematuro da folha com manchas e linhas desnecessárias. A forma é desenhada de forma muito geral e esquemática. O personagem principal da forma grande é revelado. Se este é um grupo inteiro de objetos (natureza morta), então o aluno deve ser capaz de equacioná-los (inscrevê-los) em uma única figura, ou seja, generalizar.

Segunda fase- identificação construtiva da forma dos objetos por meio de linhas. A diferente espessura da linha contrastante revela a leveza da perspectiva, da construção. Os objetos devem parecer transparentes, vítreos.

Terceiro estágio- modelagem plástica da forma em tom e estudo detalhado do desenho.

A elaboração de detalhes também requer um certo padrão - cada detalhe deve ser desenhado em conexão com os outros. Ao desenhar um detalhe, você precisa ver o todo.

As etapas de elaboração dos detalhes de uma análise ativa das formas, revelando a materialidade da natureza e a relação dos objetos no espaço é uma etapa crucial. Usando as leis da perspectiva (tanto linear quanto aérea), é necessário construir imagens com base em uma análise precisa das relações entre todos os elementos da forma. Nesta fase do trabalho, ocorre uma caracterização detalhada da natureza: a textura do modelo é revelada, a materialidade dos objetos (gesso, tecido) é transferida, o desenho é cuidadosamente trabalhado em relações tonais. Quando todos os detalhes são desenhados e o desenho é cuidadosamente modelado em tom, inicia-se o processo de generalização.

Quarta etapa- resumindo. Esta é a última e mais importante etapa do trabalho no desenho. Nesta fase, o aluno resume o trabalho realizado: verifica o estado geral do desenho, subordina os detalhes ao todo, afina o desenho em tom (subordina luz e sombras, realces, reflexos e meios-tons ao tom geral). Na fase final do trabalho, é aconselhável regressar a novos

percepção inicial.

Trabalho de pintura consistente

Começando a pintar, você precisa, antes de tudo, perscrutar a natureza, determinando as principais relações tonais e de cores.

esboço preliminar

procurar uma composição (cor, organização colorística) -

procurar uma solução para a forma, proporções, estrutura estrutural

procure por grandes relações tonais-cores (cores quentes e frias, saturadas e fracamente saturadas, claras e escuras)

determinação final do formato e tamanho do estudo futuro

É necessário realizar pelo menos três esboços, diferentes entre si, para escolher a melhor opção, com base na qual o trabalho será executado. O esboço deve ser preservado até o final do trabalho no estudo principal.

2. Desenho preparatório para pintura

Transferindo a composição do esboço para a tela principal. O desenho para pintura deve ser preciso e definido, mas não deve ser detalhado

Trabalhando nos detalhes

A transição das relações gerais de cores para esculpir a forma com cores. O registro do formulário deve ser feito de maneira uniforme em todo o plano da imagem.

Generalização

O estágio de generalização simultânea e ênfase dos momentos característicos para a unidade geral de cores

O resultado de cada um dos dois semestres deve ser pelo menos uma composição finalizada em cores ou gráficos, talvez uma série de folhas coloridas ou gráficas. A técnica de execução e o formato do trabalho são discutidos com o professor.

Trabalhos independentes sobre composição são revisados ​​pelo professor semanalmente. O trabalho independente (extracurricular) pode ser usado para fazer trabalhos de casa pelas crianças, visitar instituições culturais (exposições, galerias, museus, etc.), participação das crianças em eventos criativos, concursos e atividades culturais e educativas de uma instituição de ensino. A avaliação marca todas as etapas do trabalho: coleta de material, esboço, papelão, trabalho final. É preciso capacitar o aluno a penetrar mais profundamente no tema da imagem, criando condições para a manifestação de sua individualidade criativa.

Tipos de lição.

A classificação mais comum e usada na prática foi introduzida por B.P. Esipov e identificou os seguintes tipos de aulas:

1 tipo: Aprendendo novos materiais.

Tipo de lição.