Zusammenfassung des Librettos Troubadour. Die berühmtesten Opern der Welt: Trovatore (Il Trovatore), J.

Am 19. Januar 1853 fand im Apollo-Theater in Rom die Uraufführung von Giuseppe Verdis Oper „Troubadour“ statt.

Die Oper Il trovatore wurde am 19. Januar 1853 in Rom uraufgeführt. Das Werk, das die Prinzipien des Realismus in Verdis Werk bekräftigt, erlangt weltweite Popularität und macht den Namen des Komponisten unsterblich.

Die Handlung ist dem gleichnamigen Theaterstück des spanischen Dramatikers A.G. Gutierrez entlehnt, das 1836 in Madrid erfolgreich aufgeführt wurde. Dies ist ein typisches Liebesdrama mit komplizierten Intrigen und einem blutigen Ende, mit unvermeidlichen Kämpfen, Rache, Gift und tödlichen Geheimnissen. Das romantische Drama faszinierte Verdi mit seinen leuchtenden Farben,
die Schwere von Bühnensituationen.

„Il Trovatore“ ist ein Drama voller scharfer Kontraste, wütender Auseinandersetzungen und starker, romantisch überhöhter Gefühle. Neu erstellen tragische Schicksale Opernfiguren, die ihre Erfahrungen verkörpern, der Komponist großartige Aufmerksamkeit legten Wert darauf, die Hintergründe von Lebensereignissen aufzuzeigen. Die Bilder von Zigeunern, Mönchen, Soldaten und dem Gefolge des Grafen sind farbenfroh. Sie sind in Reliefchorepisoden dargestellt und verleihen der Oper Abwechslung und Lebendigkeit
Aktion. Die Musik des Werkes ist reich an hellen Melodien, die volkstümlichen Melodien ähneln. Einige von ihnen wurden in Italien zu weithin bekannten Revolutionsliedern.

AKT I
DUELL

Szene 1. Der erste Akt, dem der Komponist den Untertitel „Duell“ vorangestellt hat, beginnt mit einem Blick auf die Eingangshalle des Alaferia-Palastes, in dem unsere Heldin Leonora lebt. An der Seite befindet sich die Tür zur Wohnung des Grafen di Luna. Ferrando, der alte Krieger, Chef der gräflichen Wache, und die Diener des Grafen stellten sich an der Tür auf; Mehrere Krieger gehen über die Bühne. Ferrando erzählt mehreren Dienern und Soldaten des Grafen Luna eine Familiengeschichte. Der Graf selbst wandert die ganze Nacht im Garten des Schlosses umher und wartet auf Leonora, für die er vor Liebe brennt und die er verführen will. Der alte Graf (der Vater dessen, auf den jetzt alle warten) hatte zwei Söhne. Einmal, vor zwanzig Jahren, fand die Krankenschwester an der Wiege des Jüngsten, noch ein Baby, eine Zigeunerin, die ihn offenbar verhext hatte – „den bösen Blick auf ihn gerichtet“ hatte: Das Baby begann zu verkümmern. Die alte Zigeunerin wurde gefangen genommen und auf dem Scheiterhaufen verbrannt. Doch ihre Tochter, ebenfalls eine Zauberin namens Azucena, entführte aus Rache dafür das Baby und warf es in das Feuer des Feuers, auf dem ihre Mutter verbrannt wurde. Jeder wollte diese junge Zigeunerin fangen und verbrennen, doch dann erhob sich der Geist der alten Zigeunerin – so die allgemeine Meinung – in Form einer Eule und erschreckte bis heute jeden, dem sie begegnet, zu Tode. Ferrandos abergläubische Zuhörer sind entsetzt. Als die Turmglocke Mitternacht schlägt, verfluchen alle voller Angst die Hexe.

Szene 2. Mondscheinnacht im schattigen Schlossgarten. Auf der rechten Seite führt eine Marmortreppe zur Wohnung. Dicke Wolken verdecken oft den Mond. Leonora gesteht ihrer Vertrauten Ines, dass sie in einen geheimnisvollen Ritter verliebt ist. Vor vielen Jahren krönte sie seinen Kopf als Sieger eines Turniers, doch dann zog er, wie Leonora sagt, in den Krieg und kehrte nicht zurück. Seitdem begann er ihr in Träumen zu erscheinen. Und plötzlich ... Unerwartet sang er ihr letzte Nacht (und hier singt Leonora ihre Liebesarie (Cavatina) „Tasea la notte placida“ – „Die Nacht war ringsum dunkel und der Himmel klar“) ein Ständchen. Frost warnt Leonora vor dieser Liebesleidenschaft, doch vergebens – Leonoras Herz ist für immer dem geheimnisvollen Troubadour gewidmet.

Als sie zum Schloss zurückkehren, hören die beiden Mädchen hinter der Bühne das Lied eines Troubadours, der sich selbst auf einer Laute begleitet (Manricos Romanze). In einem Liebesanfall eilt Leonora zur Treppe und fällt – natürlich aus Versehen – in die Arme des Grafen di Luna, der hier, von Leidenschaft gequält, schon lange auf sie wartet. In diesem Moment erscheint im Mondlicht die Figur eines Sängers – ein Troubadour. Zitternd vor Eifersucht fordert der Graf seinen Gegner sofort zum Duell. Der Ritter hebt sein Visier und der Graf erkennt in dem verhassten Troubadour seinen alten Feind Manrico. Leonora eilt zwischen ihnen hin und her und versucht, Blutvergießen zu verhindern. In einem leidenschaftlichen Terzett fleht sie darum, das Leben des Ritters zu verschonen. Beide Gegner ziehen sich zurück und ziehen ihre Schwerter. Leonora wird bewusstlos.

AKT II
ZIGEUNER

Szene 1. Der Vorhang geht auf. Ruinen eines Hauses an einem Berghang in Vizcaya. In der Tiefe brennt ein großes Feuer, Azucena sitzt in der Nähe des Feuers. In der Nähe liegt Manrico, mit einem Umhang bedeckt. In seiner Hand hält er ein Schwert, auf das er seinen Blick richtete. Zu seinen Füßen liegt ein Helm. Sie sind von Zigeunern umgeben. Es wird hell. Der Zigeunerchor „Sehen Sie, die Morgendämmerung hat begonnen, am Himmel zu spielen“ erklingt, berühmt dafür, dass er von Hammerschlägen auf einen Amboss begleitet wird. In der Arie unmittelbar nach dem Refrain heißt es: „Stride la vampa!“ („Die Flamme brennt!“) Azucena beschreibt den schrecklichen Tag, als sie sah, wie ihre Mutter auf dem Scheiterhaufen verbrannt wurde. Währenddessen wiederholen die Zigeuner erneut ihren freundlichen, fröhlichen Gesang und machen sich damit auf die Suche nach Nahrung. Nun erzählt Azucena ihrem Sohn Manrico, dem Troubadour aus Akt I, ausführlich: Gruselgeschichte. Begeistert erzählt sie, wie sie den jüngsten Sohn des Grafen Luna entführte und wie sie versehentlich ihren eigenen Sohn ins Feuer warf, um ihn ins Feuer zu werfen. So erfahren wir, dass Manrico der Bruder seines Rivalen, des aktuellen Grafen di Luna, ist. Azucena sinkt erschöpft auf die Bank; Manrico ist erstaunt. Als Manrico fragt, wer er wirklich sei, antwortet sie beharrlich, dass er ihr Sohn sei, denn sie habe ihm das Leben gerettet. Manrico bleibt, ebenso wie die Zuhörer, verwirrt. Und nun erzählt er in der entzückenden Arie „Mal reggendo all“ aspro assalto“ („Der Kampf zwischen uns war in vollem Gange“) von seinem Duell mit dem Grafen. Manrico warf ihn entwaffnet zu Boden, aber dabei In diesem Moment hielt eine mysteriöse Macht seine siegreiche Hand zurück und rettete das Leben des Grafen. Nun beschließen Mutter und Sohn, dass es von nun an keine Gnade mehr für ihn geben wird. In diesem Moment ertönt der Klang eines Horns – ein Bote des Prinzen von Biskaya erscheint mit dem Befehl an Manrico, die Burg von Castellore vor den Truppen des Grafen di Luna zu verteidigen. Der Ritter erfährt außerdem, dass Leonora, die ihn für tot hält, in ein Kloster in Castellore gehen wird. Manrico ignoriert Azucenas Proteste und eilt dorthin die Verteidigung seines Prinzen und seiner Geliebten.

Szene 2. Die Handlung findet in der Nähe der Mauern des Klosters in Castellore statt. Nacht. Hier finden wir den Grafen zusammen mit mehreren seiner Mitarbeiter, in Mäntel gehüllt; Er will Leonora entführen, die im Begriff ist, die Mönchsgelübde abzulegen. Auf den richtigen Moment wartend singt er die bekannte Arie „II balen del suo sorriso“ („Das Licht ihres klaren Lächelns“), in der er vom Sturm spricht, der in seinem Herzen tobt. Der Klang einer Glocke ist zu hören. Dies ist der Ruf vor dem Ritus der Tonsur als Mönch. Der aufgeregte Graf späht wachsam in die Richtung, aus der Leonora kommen sollte. Aus dem Gesang der Nonnen, deren Chor hinter der Bühne erklingt, erkennen wir, dass der Ritus der Tonsur beginnt, und als die Nonnen (darunter Leonora und Inae) auf der Bühne erscheinen, versperrt Graf di Luna Leonora den Weg und fordert sie auf, zu gehen mit ihm zum Altar, um zu heiraten. Die Leute des Grafen sind hier. Es scheint, dass es keine Erlösung gibt ... Wie durch Zauber erscheint Manrico unerwartet und zur großen Freude von Leonora, da sie dachte, er sei tot. Bald schließt sich ihm sein Volk an – Ryitz und seine Krieger. Es kommt zu einer Schlacht zwischen den beiden Abteilungen; Graf di Luna wird entwaffnet und beiseite geschoben. Leonora bittet Manrico, den Grafen nicht zu töten. Manrico nimmt Leonora mit. Die Frauen verstecken sich in einem Kloster. Die Handlung endet damit, dass ein großes Ensemble, dominiert von der Stimme Leonoras, das Glück besingt, mit ihrer Geliebten zusammen zu sein.

Akt III
SOHN EINES ZIGEUNERS

Szene 1. Der dritte Akt führt uns zum Militärlager des Grafen Luna (sein Zelt rechts auf der Bühne), der die Burg von Castellore belagerte (ihre Türme sind in der Ferne sichtbar), wohin er Leonora Manrico brachte, um sie zu heiraten . Ein Soldatenchor singt eine entschlossene und energische Marschmelodie („Squilli, echeggi la tromba guerriera“ – „Hey, Trompeter, weckt alle Lebewesen auf“). Der Graf verlässt das Zelt und späht in die Burg von Castellore. Ein Geräusch ist zu hören, es kommt näher. Es sind die Soldaten des Grafen, die Azucena führen und sie grob stoßen. Ihr sind die Hände gebunden. Auf die Frage, wer sie sei, weigert sie sich zu antworten, doch der alte Krieger Fernando erkennt in ihr die geheimnisvolle Frau, die sie vor vielen Jahren ins Feuer geworfen hat. jüngerer Bruder Graph. In ihrer Verzweiflung ruft sie Manrico um Hilfe. Der Graf hat nun zwei Gründe, die alte Frau zu hassen: Sie hat seinen Bruder getötet und sie ist die Mutter seines Rivalen. Er schwört schreckliche Rache. Auf ein Zeichen des Grafen führen die Soldaten sie ab. So endet diese Szene.

Szene 2. Die kurze zweite Szene spielt im Schloss, wo Manrico sich auf zwei wichtige Ereignisse vorbereitet – den bevorstehenden Angriff der Truppen des Grafen di Luna auf das Schloss und seine Hochzeit mit Leonora. In einer betörend zärtlichen Arie beruhigt er seine Geliebte. Im nächsten Moment, gleich nach den Klängen der Orgel aus der Schlosskapelle, rennt der außer Atem geratene Ryitz herein. Er berichtet, dass Azucena von den Soldaten des Grafen gefangen genommen wurde und bereits ein Feuer angezündet wird, um sie zu verbrennen. Manrico befiehlt seinen Kameraden sofort, seine Mutter zu retten. Er singt die energiegeladene Arie „Di quella pira“ („Mit dem Feuer der Hölle, das alles verbrennt…“), in der er seine Krieger zum Kampf anspornt. Manrico rennt weg, gefolgt von Ryitz und den Kriegern. Hinter der Bühne herrscht Lärm und Waffenklirren.

Akt IV
AUSFÜHRUNG

Szene 1. Dunkle Nacht. Zwei verhüllte Gestalten nähern sich dem Gefängnisturm der Burg Alaferia: Leonora und Ryitz. Leonora trauert um Manrico, der im Kampf gefangen genommen wurde und bald enthauptet werden soll. Ein Mönchschor im Gefängnisturm singt „Miserere“, ein Gebet für diejenigen, die dazu bestimmt sind, diese Welt zu verlassen. Manrico (im Turm) singt sein Abschiedslied vom Leben und von Leonora und begleitet sich selbst auf der Laute. Leonora macht ihrer Verzweiflung Luft und sieht voraus, was nun unweigerlich passieren muss. Dies ist eine der denkwürdigsten – und zugleich banalsten – Episoden der Oper.

Der Graf erscheint und Leonora bittet ihn, das Leben ihres Geliebten zu schonen, sie bietet sich sogar als Opfer für ihn an. Der erfreute Graf stimmt diesem Deal zu. Leonora verlangt, dass die Kerkertür geöffnet wird. Ein Wächter erscheint und der Graf flüstert ihm etwas ins Ohr. Einen Moment später (währenddessen es Leonora gelingt, das in ihrem Ring aufbewahrte Gift heimlich zu trinken) teilt ihr der Graf mit, dass Manrico frei ist. Leonora freut sich: Sie hat Manrico gerettet, er wird leben! Auch der Graf freut sich ... Aber Leonora wird niemals in die Hände des Mannes fallen, den sie hasst. Er wird die kalte Leiche umarmen!

Szene 2. Düsterer Kerker; In der Ecke befindet sich ein Sprossenfenster und hinten eine Tür. Die Lampe flackert. Azucena liegt auf der Matte; Manrique kümmert sich gut um sie. Er singt von ihrer Heimat in den Bergen, wohin sie zurückkehren werden. Dabei handelt es sich um ein melodisch äußerst ausdrucksstarkes Duett „Ai nostri monti“ („Wir kehren in unsere heimischen Berge zurück“). Die Tür öffnet sich und Leonora kommt herein, sie versucht Manrico zur Flucht zu überreden. Er vermutet, dass Leonora seine Erlösung durch ein Bündnis mit dem Grafen erkauft hat, und gerät in Wut. „Oh, wie unehrlich hast du die Liebe verraten!“ - ruft er aus. In diesem Moment beginnt das Gift zu wirken und dann begreift Manrico, was passiert ist. Während ihres Duetts ist Azucena halb bewusstlos und singt weiter über ihre alte Heimat in den Bergen.

Leonora stirbt. Der Graf kommt herein, blickt voller Erstaunen auf die tote Leonora, die in Manricos Armen liegt, und stellt fest, dass die Frau, die er liebte, ihm um den Preis ihres Todes entkommen ist. Wütend befiehlt er, Manrico sofort hinzurichten, und er stößt Azucena ans Fenster, damit sie den Tod ihres Sohnes sehen kann, wie Graf di Luna glaubt. Manrico wird hingerichtet. Und der Zigeuner wirft ihm hasserfüllt und triumphierend ein schreckliches Geständnis ins Gesicht: „Egli era tuo Fratello!“ („Er war dein Bruder!“). Azucenas Rache ist vollbracht. Der Vorhang fällt zu den Klängen tragischer Orchesterakkorde.

Name: Troubadour
Originalname: Der Trovatore
Jahr: 2006 (Videopremiere – 26. August 2007)
Genre: Oper in vier Aktionen
Komponist: Giuseppe Verdi
Libretto: Salvatore Commarano
Regisseur: Robert Carsen
Wiener Symphoniker(Wiener Symphoniker)
Musikalischer Leiter und Dirigent: Thomas Rosner
Moskauer Kammerchor(Moskauer Kammerchor), Chor der Bregenzer Festspiele
Szenografie: Paul Steinberg
TV-Regisseur: François Roussillon
Freigegeben: Frankreich, Deutschland, Österreich
Sprache: Italienisch mit französischen Untertiteln

Darsteller und Charaktere:
Iano Tamar (Leonora),
Marianne Cornetti (Azucena),
Zeljko Lucic (il Conte di Luna),
Carl Tanner (Manrico),
Giovanni Batista Parodi (Ferrando),
Jose Luis Ordonez (Ruiz),
Deanne Meek (Ines)

Seit seiner Uraufführung in Rom in einer ungewöhnlich dunklen und stürmischen Nacht vor anderthalb Jahrhunderten ist Il Trovatore eine der beliebtesten Opern im Weltrepertoire geblieben. Der Grund für diese Popularität ist mindestens Zum Teil mag es daran liegen, dass darin so viele Melodien stecken, die jeder aus seiner Kindheit kennt. Chor „Miserere“, „Wir kehren in unsere heimischen Berge zurück“, Zigeunerchor mit Hammerschlägen auf Amboss, Arie des Grafen Luna „II balen del suo sorriso“ („Das Licht ihres klaren Lächelns“) – das sind nur einige davon der wunderbaren Melodien, die unsere Kultur prägen und die sogar Schulkinder und auf mechanischen Orgeln hören.

Diese Version Die Oper wurde bei den 60. Bregenzer Festspielen 2006 auf Video aufgezeichnet.

Über das Festival

Bregenzer Festspiele(Bregenzer Festspiele) sind ein Festival der darstellenden Künste, das jedes Jahr von Juli bis August in Bregenz, Österreich, stattfindet.

Bregenz (deutsch: Bregenz, lateinisch: Brigantium) ist eine alte österreichische Stadt im Westen des Landes, im Bundesland Vorarlberg. Liegt am Ufer des Bodensees im Oberrheintal in unmittelbarer Nähe zur Grenze zu Deutschland und der Schweiz. Bevölkerung 26.752 nach Angaben von 2006. Bregenz ist die Hauptstadt Vorarlbergs.

Das Festival wurde 1946 gegründet und umfasst Theateraufführungen verschiedener Musikgenres von der Oper bis zum Musical.

Die Open-Air-Konzerthalle Seebühne mit 7.000 Sitzplätzen liegt am Ufer des Bodensees und ist ein Ort für große Opern- und Musicalproduktionen auf der Bühne und auf dem Wasser.

Bei Aufführungen auf dem See handelt es sich in der Regel überwiegend um populäre Opernrepertoires, oft jedoch auf extravagante, originelle, innovative Art und Weise, oft unter Nutzung der Wasseroberfläche des Sees. Zu den jüngsten Produktionen gehörten Giuseppe Verdis Aida in den Jahren 2009–2010; „Tosca“ von Giacomo Puccini 2007-2008; „Il Trovatore“ von Giuseppe Verdi 2005-2006; „West Side Story“ von Leonard Bernstein 2003-2004; „La Bohème“ von Giacomo Puccini in den Jahren 2001–2002 und „Un ballo in maschera“ von Giuseppe Verdi in den Jahren 1999–2000.

Leiter des Festivals ist seit Dezember 2003 David Pountney, ein in Frankreich lebender englischer Theater- und Opernregisseur.

Apropos Popularität: Im Jahr 2004 bot das Festival etwa 80 Vorstellungen, die ein Publikum von mehr als 215.000 Menschen anzogen.

Offizielle Website des Festivals: http://www.bregenzerfestspiele.com/de/

Über das Produkt

Troubadour(Italienisch: Il trovatore) ist eine Oper in vier Akten von Giuseppe Verdi mit einem Libretto von Salvatore Cammarano. Die Uraufführung fand am 19. Januar 1853 im Apollo-Theater in Rom statt. Il Trovatore gilt neben La Traviata und Rigoletto als eines der Hauptwerke Verdis aus den 1850er Jahren.

Geschichte der Schöpfung

Verdi beschloss Anfang 1850, eine Oper über diese Handlung zu schreiben, kurz nachdem er die Arbeit an Louise Miller beendet hatte. In einem Brief vom 2. Januar 1850 an Cammarano bittet er darum, ein Libretto zu schreiben, das auf dem Drama „Il Trovatore“ des spanischen Dramatikers Antonio Garcia Gutierrez (1813-1884) basiert. Cammarano antwortete nicht sofort: Die Verschwörung sei ihm peinlich, da die Zensoren sie als aufrührerisch betrachten könnten. Unterdessen fordert Verdi, der 1851 die Oper „Rigoletto“ vollendet hatte, erneut eine Antwort von Cammarano. Schließlich schickte Cammarano im April 1851 Verdi eine Fassung des Librettos, die dem Komponisten jedoch nicht gefiel. Neuer Text Cammarano hatte keine Zeit, es fertigzustellen: Im Sommer 1852 starb er und das verbleibende Werk wurde vom Dichter Leone Bardare übernommen. Schockiert über den Tod seines Freundes Cammarano schrieb Verdi dennoch weiter an der Oper und vollendete das Werk Ende 1852.

Figuren

Graf di Luna – Bariton;
Leonora, Herzogin – Sopran;
Azucena, Zigeunerin – Mezzosopran;
Manrico, Troubadour, sie Pflegesohn und der Bruder des Grafen ist Tenor;
Ferrando, Chef der gräflichen Garde – Bass;
Ines, Leonoras Freundin – Sopran;
Ruiz, Manricos Freund – Tenor;
Old Gypsy – Bass;
Messenger - Tenor;
Leonoras Freunde, Nonnen, enge Mitarbeiter des Grafen, Krieger, Zigeuner.

Die Handlung spielt im 15. Jahrhundert in Vizcaya und Aragon (Spanien).

Libretto

Akt eins „Duell“

Bild eins. Ein Wachposten am Eingang zum Schloss des jungen Grafen von Luna. Ferrando, der Chef der Wache, weckt die schlafenden Wachen. Er warnt sie, dass sie vom Grafen erwischt werden könnten, der oft nachts hier unter dem Fenster der Herzogin Leonora umherirrt. Die Soldaten bitten dich, es ihnen zu sagen geheimnisvolle Geschichteüber den Bruder des Grafen. Um ihren Schlaf zu zerstreuen, stimmt Ferrando bereitwillig zu und sagt:

„Der alte Graf di Luna hatte zwei Söhne. Eines Nachts, als alle im Schloss schliefen, schlich sich ein Zigeuner in das Zimmer des jüngsten Sohnes und verhexte ihn. Die Zigeunerin wurde vertrieben, obwohl sie versicherte, dass das Glück auf die Kleine wartete. Bald begann das Kind zu verkümmern. Die Hexe wurde gefangen und auf dem Scheiterhaufen verbrannt. Ihre Tochter, die junge Zigeunerin Azucena, schwor, ihre Mutter zu rächen. In der Nacht der Hinrichtung schlich sie mit ihrem Sohn auf dem Arm ins Schloss, stahl das Kind des Grafen aus der Wiege und warf es ins Feuer, in dem ihre Mutter verbrannte. Der alte Graf lebte danach nicht mehr lange und glaubte bis zu seinem Tod nicht an den Tod seines jüngsten Sohnes. Vor seinem Tod vermachte der Graf seinem ältesten Sohn, um seinen Bruder zu rächen. Seitdem sucht er überall nach dem Zigeuner, doch seine Suche ist vergeblich.“ Ferrando fügt hinzu, dass die Seele der alten Zauberin immer noch um die Welt wandert und verschiedene Formen annimmt. Die Glocke schlägt Mitternacht, die verängstigten Soldaten und Ferrando ziehen ab.

Bild zwei. Leonoras Garten. Nacht. Leonora freut sich auf ihren Geliebten, den Troubadour Manrico. Sie erzählt ihrer Freundin Ines von ihrer Liebe zu ihm. Beim letzten Gesangsturnier besiegte er alle seine Rivalen und singt nun jeden Abend unter ihren Fenstern. Ines rät ihr, dieses Hobby zu vergessen, da ihre Vorahnung ihr sagt, dass es Leonora zerstören wird. Die Mädchen gehen zum Schloss. Aus dem Dickicht erklingt das Ständchen eines Troubadours. Als di Luna sie hört, betritt sie, verliebt in Leonora, den Garten. In der Dunkelheit verwechselt Leonora den Grafen mit ihrem geliebten Troubadour und rennt ihm entgegen, doch der Mond erscheint hinter den Wolken und sie ist von ihrem Irrtum überzeugt. Hinter den Bäumen taucht ein Troubadour auf, in dem der Graf seinen Erzfeind Manrico erkennt, der zum Tode verurteilt und aus Aragonien vertrieben wurde. Di Luna verkündet ihm, dass seine Todesstunde gekommen sei und fordert ihn zum Duell. Beide Rivalen gehen mit gezogenen Schwertern davon, Leonora wird bewusstlos.

Zweiter Akt „Zigeuner“

Bild eins. Tal im Vizcaya-Gebirge. Zigeunerlager, Feuer brennen. Es dämmert noch nicht und die Menschen sind bereits auf den Beinen. Sie arbeiten, rufen sich an, scherzen, singen heiß Sonnenstrahlen, Sekt, gewünschte Schönheit.

Zigeunerlager in den Bergen. Dämmerung. Am Feuer stehen die Zigeunerin Azucena und ihr Adoptivsohn Manrico, den sie gerade geheilt hat, nachdem er im Duell mit dem Grafen schwer verwundet worden war. In einem traurigen Lied erinnert Azucena an ihre Mutter, die von grausamen Menschen auf dem Scheiterhaufen verbrannt wurde. Von Rachegelüsten geblendet, warf Azucena fälschlicherweise nicht den Sohn des alten Grafen, sondern ihr eigenes Kind ins Feuer. Azucena erzog den Sohn des Grafen, Manrico, als ihren eigenen Sohn. Der Tod ihrer Mutter blieb ungerächt, Manricos Pflicht ist es, dies zu tun. Manricos Freund Ruiz erzählt ihm, dass Leonora sich in ein Kloster zurückziehen will und beschließt, dass der Troubadour tot ist. Manrico verabschiedet sich von Azucena und eilt zu Leonora.

Bild zwei. Nacht. Eine Abteilung Soldaten unter dem Kommando von Graf di Luna und Ferrando nähert sich dem Kloster. Sie wollen Leonora entführen, bevor sie die Mönchsgelübde ablegt. Sobald sie die Kapelle verlässt, stürmt der Graf auf sie zu, doch Manrico und seine Freunde versperren ihm den Weg. Die Abteilung des Grafen wird besiegt und flieht. Leonora traut ihren Augen nicht und stürzt sich in die Arme von Manrico, den sie für tot hielt.

Dritter Akt „Sohn eines Zigeuners“

Bild eins. Lager des Grafen von Luna. Seine Truppen belagern die Festung, in der Manrico Leonora versteckt. Die Soldaten erwischten eine alte Frau, die im Lager umherirrte. Ferrando erkennt in ihr dieselbe Zigeunerin, die einst den jüngeren Bruder des Grafen ins Feuer geworfen hat. Azucena ruft Manrico verzweifelt an. Der Graf befiehlt, den Zigeuner ins Gefängnis zu bringen und auf dem Scheiterhaufen zu verbrennen.

Bild zwei. Kapelle im Schloss. Manrico und Leonora sind bereit, den Gang entlang zu gehen. Ruiz rennt herein und berichtet, dass der Graf Azucena gefangen genommen hat und sie hinrichten wird. Manrico eilt zusammen mit Ruiz und seinen Soldaten zur Rettung; Waffenlärm ist zu hören. Leonora ist verzweifelt.

Vierter Akt „Hinrichtung“

Bild eins. Vor dem Gefängnis im Schloss Castellore. Dunkle Nacht. Ruiz und Leonora erscheinen, in Umhänge gehüllt. Ruiz weist sie auf den Gefängnisturm, wo der besiegte Gefangene des Grafen, Manrico, schmachtet. Um ihren Geliebten zu retten, willigt Leonora ein, die Frau des Grafen zu werden, wenn er Mitleid mit Manrico hat. Der Graf stimmt zu, doch Leonora trinkt heimlich das Gift.

Bild zwei. Verlies. Manrico tröstet Azucena, die zur Hinrichtung verurteilt wird. Sie schwelgen in bitteren Erinnerungen an vergangene Tage, an das freie Leben in den Bergen. Die Tür öffnet sich und Leonora tritt ein, von der Manrico erfährt, dass er begnadigt wurde. Er ruft Leonora zu sich, aber sie antwortet, dass sie zum Schloss zurückkehren muss. Manrico erkennt, dass sie sich mit ihrer Schande Gnade erkauft hat und verflucht sie. Beleidigt über Manricos Grausamkeit versichert Leonora ihm ihre Unschuld und fleht ihn zur Flucht an. Manrico vertreibt sie. Das Gift, das Leonora eingenommen hat, beginnt zu wirken und das Mädchen fällt tot in seine Arme. Graf di Luna kommt herein und findet Leonora, die gerade seine Frau geworden ist, tot in den Armen des Feindes. Wütend über die Täuschung befiehlt er, Manrico auf den Block zu bringen, und er verspottet Azucena, bringt die Zigeunerin ans Fenster und weist sie auf den hingerichteten Manrico hin. Azucena ruft: „Finde alles heraus – es ist dein Bruder!“ Mutter, jetzt bist du gerächt!“ und fällt tot um.

„Il Trovatore“ ist ein Drama voller scharfer Kontraste, stürmischer Auseinandersetzungen, starker, romantisch überhöhter Gefühle. Indem er die tragischen Schicksale der Helden der Oper nachstellte und ihre Erfahrungen verkörperte, legte der Komponist großen Wert darauf, den Lebenshintergrund der sich abspielenden Ereignisse aufzuzeigen. Farbenfrohe Reliefdarstellungen von Zigeunern, Mönchen, Soldaten und Gefolgsleuten des Grafen sowie einprägsame Chöre verleihen der Oper Abwechslung und beleben das Geschehen. Die Musik von „Troubadour“ ist reich an wunderschönen, frei fließenden Melodien, die an Volkslieder erinnern. Es ist kein Zufall, dass viele von ihnen in Italien zu weithin bekannten und beliebten Revolutionsliedern wurden.

Der erste Akt ist „Duell“. Das erste Bild vermittelt die düstere, bedrückende Atmosphäre einer mittelalterlichen Burg und nimmt die darauf folgende Grausamkeit vorweg blutige Ereignisse. In der Bildmitte steht Ferrandos Geschichte mit dem Chor „Der Graf hatte zwei süße Söhne“. Die Geschichte beginnt in einer ruhigen Erzählweise, wird aber zunehmend von einem ängstlichen Gefühl und aufgeregtem Ungestüm durchdrungen.

Das zweite Bild bringt die Handlung auf eine andere Ebene: Es beginnt mit Leonoras heller, heiterer Cavatina „Voller luxuriöser Charme, die Nacht stand still“; Eine schöne, nachdenkliche Melodie weicht fröhlichen Tanzmotiven, verziert mit Koloraturen. Manricos Lied „Eternally Alone with Longing“ offenbart die lyrischen Merkmale des Bildes; Die Harfe im Orchester imitiert den Klang der Laute, auf der der verliebte Troubadour improvisiert. Im Terzett, marschartig, kämpferisch Titellied Der Zählung wird die wohlklingende Melodie von Leonora und Manrico gegenübergestellt.

Zu Beginn der zweiten Szene des zweiten Aktes erklingt eine große Arie des Grafen Luna „Ihr einladender, klarer Blick“. Die zentrale Episode des Finales ist ein umfangreiches Ensemble mit Chor, das die Benommenheit der staunenden Helden vermittelt unerwartetes Treffen.

Der dritte Akt ist „Son of a Gypsy“. Im ersten Bild gibt es eine kriegerische Animation; Energische Ausrufe des Chores, brillante Fanfaren leiten zur Marschmelodie „Hier ruft uns die Regimentstrompete.“ In der Terzeta von Azucena, Graf und Ferrando dominieren Azucenas Melodien. Ihr trauriges Lied „Ich lebte in schrecklicher Armut“ vermittelt zärtliche Liebe zu ihrem Sohn und der heroische Gesang „Warum bist du so rücksichtslos“ vermittelt Hass und stolze Verachtung gegenüber ihren Feinden.

In der Mitte des zweiten Bildes befindet sich das Bild von Manrico. Seine Arie „Als du vor dem Altar schworst, für immer mein zu sein“ zeichnet sich durch die Schönheit und Erhabenheit der Melodie aus. Die vom Chor aufgegriffene berühmte Cabaletta „Nein, die verwegenen Bösewichte werden keinen Erfolg haben“ ist voller Willenskraft und heroischem Impuls.

Der vierte Akt ist „Hinrichtung“. Leonoras Arie „Seufzer der Liebe und des Kummers“ entwickelt sich zu einer großen dramatischen Szene; Die gefühlvolle Melodie voller leidenschaftlicher Gefühle wird mit den bedrohlichen Melodien eines Trauergebetes und Manricos Abschiedslied kombiniert. Das Duett von Leonora und dem Grafen von Luna basiert auf der Kollision kontrastierender musikalischer Themen – der schnellen, fliegenden Melodie der Heldin und den hartnäckigen, hartnäckigen Bemerkungen des Grafen; Die zweite Episode des Duetts (Leonora verspricht, die Frau des Grafen von Luna zu werden) ist von begeisterter Freude erfüllt (mit ihrem Tod hofft die selbstlose Leonora, ihren geliebten Manrico zu retten).

Dieser jubelnden Musik steht ein düsterer Anfang gegenüber letztes Bild Opern. Duettino Azucena und Manrico vermitteln den Wechsel trauriger Stimmungen; das Orchester spielt die Motive von Azucenas erstem Lied und zeichnet unheimliche Visionen der Hinrichtung; Der melodische Appell der Zigeunerin an ihren Sohn: „Ja, ich bin müde, meine Kräfte sind geschwächt“, ist von stiller Traurigkeit durchdrungen; Ihre Träume werden in einem schlichten Schlaflied verkörpert. Die kurze Ruhe wird durch das Erscheinen Leonoras unterbrochen – ein aufgeregtes Ensemble entsteht; Auf Manricos zornige Rede antworten die flehenden Sätze Deonoras, mit denen sich das erleuchtete Lied Azucenas verflechtet, das von freien Räumen träumt.

Datei
Qualität: SATRip
Format: AVI
Video: DivX 5 704x416 25,00fps 1000kbps
Audio: MPEG Audio Layer 3 48000 Hz Stereo 256 kbps
Dauer: 02:18:02
Größe: 1250 MB

Originaltitel: Il trovatore

Eine Oper in vier Akten von Giuseppe Verdi mit einem Libretto (auf Italienisch) von Salvatore Cammarano, basierend auf dem gleichnamigen Drama von Antonio García Gutiérrez, das wiederum einige der tatsächlichen Ereignisse beschreibt.

Figuren:

LEONORA, Trauzeugin der Prinzessin von Aragon (Sopran)
AZUCENA, Biskaya-Zigeunerin (Mezzosopran)
MANRICO, Kommandant des Fürsten von Biskaya, gilt als Sohn von Azucena, Troubadour (Tenor)
COUNTA DI LUNA, junger aragonesischer Aristokrat (Bariton)
FERRANDO, Chef der gräflichen Garde (Bass)
INES, Leonoras Vertraute (Sopran)
RUIC, Offizier im Manrico-Regiment (Tenor)

Zeitraum: 15. Jahrhundert.
Standort: Vizcaya und Aragon (Spanien).
Uraufführung: Rom, Apollo Theater, 19. Januar 1853.

Seit seiner Uraufführung in Rom in einer ungewöhnlich dunklen und stürmischen Nacht vor anderthalb Jahrhunderten ist Il Trovatore eine der beliebtesten Opern der Welt geblieben. Der Grund für diese Beliebtheit könnte zumindest teilweise darin liegen, dass es so viele Melodien gibt, die jeder aus seiner Kindheit kennt. Chor „Miserere“, „Wir kehren in unsere heimischen Berge zurück“, Zigeunerchor mit Hammerschlägen auf Amboss, Arie des Grafen Luna „II balen del suo sorriso“ („Das Licht ihres klaren Lächelns“) – das sind nur einige davon der wunderbaren Melodien, die unsere Kultur prägen und die sogar Schulkinder und auf mechanischen Orgeln hören. Die Handlung der Oper basiert auf echte Fakten, die tatsächlich im 15. Jahrhundert in Spanien stattfand, aber die Episoden der Oper sind so angeordnet, dass viele Schlüsselumstände entweder vor Beginn der Haupthandlung der Oper oder während der Zeitspanne, die zwischen ihren Handlungen vergehen soll, eintreten . Und noch etwas: Da die Musik der Oper ungewöhnlich ausdrucksstark ist, ist immer völlig klar, ob die Figur glücklich oder traurig ist, ob sie liebt oder hasst. Und die Intensität der Leidenschaften in „Troubadour“ lässt keine Minute nach.

AKT I
DUELL

Szene 1. Der erste Akt, dem der Komponist den Untertitel „Duell“ vorangestellt hat, beginnt mit einem Blick auf die Eingangshalle des Alaferia-Palastes, in dem unsere Heldin Leonora lebt. An der Seite befindet sich die Tür zur Wohnung des Grafen di Luna. Ferrando, der alte Krieger, Chef der gräflichen Wache, und die Diener des Grafen stellten sich an der Tür auf; Mehrere Krieger gehen über die Bühne. Ferrando erzählt mehreren Dienern und Soldaten des Grafen Luna eine Familiengeschichte. Der Graf selbst wandert die ganze Nacht im Garten des Schlosses umher und wartet auf Leonora, für die er vor Liebe brennt und die er verführen will. Der alte Graf (der Vater dessen, auf den jetzt alle warten) hatte zwei Söhne. Einmal, vor zwanzig Jahren, fand die Krankenschwester an der Wiege des Jüngsten, noch ein Baby, eine Zigeunerin, die ihn offenbar verhext hatte – „den bösen Blick auf ihn gerichtet“ hatte: Das Baby begann zu verkümmern. Die alte Zigeunerin wurde gefangen genommen und auf dem Scheiterhaufen verbrannt. Doch ihre Tochter, ebenfalls eine Zauberin namens Azucena, entführte aus Rache dafür das Baby und warf es in das Feuer des Feuers, auf dem ihre Mutter verbrannt wurde. Jeder wollte diese junge Zigeunerin fangen und verbrennen, doch dann erhob sich der Geist der alten Zigeunerin – so die allgemeine Meinung – in Form einer Eule und erschreckte bis heute jeden, dem sie begegnet, zu Tode. Ferrandos abergläubische Zuhörer sind entsetzt. Als die Turmglocke Mitternacht schlägt, verfluchen alle voller Angst die Hexe.

Szene 2. Mondscheinnacht im schattigen Schlossgarten. Auf der rechten Seite führt eine Marmortreppe zur Wohnung. Dicke Wolken verdecken oft den Mond. Leonora gesteht ihrer Vertrauten Ines, dass sie in einen geheimnisvollen Ritter verliebt ist. Vor vielen Jahren krönte sie seinen Kopf als Sieger eines Turniers, doch dann zog er, wie Leonora sagt, in den Krieg und kehrte nicht zurück. Seitdem begann er ihr in Träumen zu erscheinen. Und plötzlich ... Unerwartet sang er ihr letzte Nacht (und hier singt Leonora ihre Liebesarie (Cavatina) „Tasea la notte placida“ – „Die Nacht war ringsum dunkel und der Himmel klar“) ein Ständchen. Frost warnt Leonora vor dieser Liebesleidenschaft, doch vergebens – Leonoras Herz ist für immer dem geheimnisvollen Troubadour gewidmet.

AKT II
ZIGEUNER

Szene 1. Der Vorhang geht auf. Ruinen eines Hauses an einem Berghang in Vizcaya. In der Tiefe brennt ein großes Feuer, Azucena sitzt in der Nähe des Feuers. In der Nähe liegt Manrico, mit einem Umhang bedeckt. In seiner Hand hält er ein Schwert, auf das er seinen Blick richtete. Zu seinen Füßen liegt ein Helm. Sie sind von Zigeunern umgeben. Es wird hell. Der Zigeunerchor „Sehen Sie, die Morgendämmerung hat begonnen, am Himmel zu spielen“ erklingt, berühmt dafür, dass er von Hammerschlägen auf einen Amboss begleitet wird. In der Arie unmittelbar nach dem Refrain heißt es: „Stride la vampa!“ („Die Flamme brennt!“) Azucena beschreibt den schrecklichen Tag, als sie sah, wie ihre Mutter auf dem Scheiterhaufen verbrannt wurde. Währenddessen wiederholen die Zigeuner erneut ihren freundlichen, fröhlichen Gesang und machen sich damit auf die Suche nach Nahrung. Nun erzählt Azucena ausführlich ihrem Sohn Manrico – dem Troubadour aus Akt I – eine schreckliche Geschichte. Begeistert erzählt sie, wie sie den jüngsten Sohn des Grafen Luna entführte und wie sie versehentlich ihren eigenen Sohn ins Feuer warf, um ihn ins Feuer zu werfen. So erfahren wir, dass Manrico der Bruder seines Rivalen, des aktuellen Grafen di Luna, ist. Azucena sinkt erschöpft auf die Bank; Manrico ist erstaunt. Als Manrico fragt, wer er wirklich sei, antwortet sie beharrlich, dass er ihr Sohn sei, denn sie habe ihm das Leben gerettet. Manrico bleibt, ebenso wie die Zuhörer, verwirrt. Und nun erzählt er in der entzückenden Arie „Mal reggendo all` aspro assalto“ („Der Kampf zwischen uns war in vollem Gange“) von seinem Duell mit dem Grafen. Manrico warf ihn entwaffnet zu Boden, doch in diesem Moment hielt eine mysteriöse Kraft seine siegreiche Hand und rettete dem Grafen das Leben. Nun beschließen Mutter und Sohn, dass es von nun an keine Gnade mehr für ihn geben wird. In diesem Moment ist der Klang eines Horns zu hören – ein Bote des Prinzen von Biskaya erscheint mit dem Befehl an Manrico, zu kommen, um die Burg Castellore vor den Truppen des Grafen von Luna zu verteidigen. Der Ritter erfährt außerdem, dass Leonora, die ihn für tot hält, in ein Kloster in Castellore gehen wird. Manrico ignoriert Azucenas Proteste und eilt zur Verteidigung seines Prinzen und seiner Geliebten.

Szene 2. Die Handlung spielt sich in der Nähe der Mauern des Klosters in Castellore ab. Nacht. Hier finden wir den Grafen zusammen mit mehreren seiner Mitarbeiter, in Mäntel gehüllt; Er will Leonora entführen, die im Begriff ist, die Mönchsgelübde abzulegen. Auf den richtigen Moment wartend singt er die bekannte Arie „II balen del suo sorriso“ („Das Licht ihres klaren Lächelns“), in der er vom Sturm spricht, der in seinem Herzen tobt. Der Klang einer Glocke ist zu hören. Dies ist der Ruf vor dem Ritus der Tonsur als Mönch. Der aufgeregte Graf späht wachsam in die Richtung, aus der Leonora kommen sollte. Aus dem Gesang der Nonnen, deren Chor hinter der Bühne erklingt, erkennen wir, dass der Ritus der Tonsur beginnt, und als die Nonnen (darunter Leonora und Inae) auf der Bühne erscheinen, versperrt Graf di Luna Leonora den Weg und fordert sie auf, zu gehen mit ihm zum Altar, um zu heiraten. Die Leute des Grafen sind hier. Es scheint, dass es keine Erlösung gibt ... Wie durch Zauber erscheint Manrico unerwartet und zur großen Freude von Leonora, da sie dachte, er sei tot. Bald schließt sich ihm sein Volk an – Ryitz und seine Krieger. Es kommt zu einer Schlacht zwischen den beiden Abteilungen; Graf di Luna wird entwaffnet und beiseite geschoben. Leonora bittet Manrico, den Grafen nicht zu töten. Manrico nimmt Leonora mit. Die Frauen verstecken sich in einem Kloster. Die Handlung endet damit, dass ein großes Ensemble, dominiert von der Stimme Leonoras, das Glück besingt, mit ihrer Geliebten zusammen zu sein.

Akt III
SOHN EINES ZIGEUNERS

Szene 1. Der dritte Akt führt uns zum Militärlager des Grafen von Luna (sein Zelt rechts auf der Bühne), der die Burg von Castellore belagerte (ihre Türme sind in der Ferne sichtbar), wohin er Leonora Manrico brachte, um sich vorzubereiten um sie zu heiraten. Der Soldatenchor singt eine entschlossene und energische Marschmelodie („Squilli, echeggi la tromba guerriera“ – „Hey, Trompeter, weckt alle Lebewesen auf“). Der Graf verlässt das Zelt und späht in die Burg von Castellore. Ein Geräusch ist zu hören, es kommt näher. Es sind die Soldaten des Grafen, die Azucena führen und sie grob stoßen. Ihr sind die Hände gebunden. Auf die Frage, wer sie sei, weigert sie sich zu antworten, doch der alte Krieger Fernando erkennt in ihr die geheimnisvolle Frau, die vor vielen Jahren den jüngeren Bruder des Grafen ins Feuer geworfen hat. In ihrer Verzweiflung ruft sie Manrico um Hilfe. Der Graf hat nun zwei Gründe, die alte Frau zu hassen: Sie hat seinen Bruder getötet und sie ist die Mutter seines Rivalen. Er schwört schreckliche Rache. Auf ein Zeichen des Grafen führen die Soldaten sie ab. So endet diese Szene.

Szene 2. Eine kurze zweite Szene spielt sich im Schloss ab, wo Manrico sich auf zwei wichtige Ereignisse vorbereitet – den bevorstehenden Angriff der Truppen des Grafen di Luna auf das Schloss und seine Hochzeit mit Leonora. In einer betörend zärtlichen Arie beruhigt er seine Geliebte. Im nächsten Moment, gleich nach den Klängen der Orgel aus der Schlosskapelle, rennt der außer Atem geratene Ryitz herein. Er berichtet, dass Azucena von den Soldaten des Grafen gefangen genommen wurde und bereits ein Feuer angezündet wird, um sie zu verbrennen. Manrico befiehlt seinen Kameraden sofort, seine Mutter zu retten. Er singt die energiegeladene Arie „Di quella pira“ („Mit dem Feuer der Hölle, das alles verbrennt…“), in der er seine Krieger zum Kampf anspornt. Manrico rennt weg, gefolgt von Ryitz und den Kriegern. Hinter der Bühne herrscht Lärm und Waffenklirren.

Akt IV
AUSFÜHRUNG

Szene 1. Dunkle Nacht. Zwei verhüllte Gestalten nähern sich dem Gefängnisturm der Burg Alaferia: Leonora und Ryitz. Leonora trauert um Manrico, der im Kampf gefangen genommen wurde und bald enthauptet werden soll. Ein Mönchschor im Gefängnisturm singt „Miserere“, ein Gebet für diejenigen, die dazu bestimmt sind, diese Welt zu verlassen. Manrico (im Turm) singt sein Abschiedslied vom Leben und von Leonora und begleitet sich selbst auf der Laute. Leonora macht ihrer Verzweiflung Luft und sieht voraus, was nun unweigerlich passieren muss. Dies ist eine der denkwürdigsten – und zugleich banalsten – Episoden der Oper.

Szene 2. Düsterer Kerker; In der Ecke befindet sich ein Sprossenfenster und hinten eine Tür. Die Lampe flackert. Azucena liegt auf der Matte; Manrique kümmert sich gut um sie. Er singt von ihrer Heimat in den Bergen, wohin sie zurückkehren werden. Dabei handelt es sich um ein melodisch äußerst ausdrucksstarkes Duett „Ai nostri monti“ („Wir kehren in unsere heimischen Berge zurück“). Die Tür öffnet sich und Leonora kommt herein, sie versucht Manrico zur Flucht zu überreden. Er vermutet, dass Leonora seine Erlösung durch ein Bündnis mit dem Grafen erkauft hat, und gerät in Wut. „Oh, wie unehrlich hast du die Liebe verraten!“ - ruft er aus. In diesem Moment beginnt das Gift zu wirken und dann begreift Manrico, was passiert ist. Während ihres Duetts ist Azucena halb bewusstlos und singt weiter über ihre alte Heimat in den Bergen.

Henry W. Simon (übersetzt von A. Maikapara)

Nach der Inszenierung von Rigoletto kehrte Verdi nach Busseto zurück, um an einer neuen Oper zu arbeiten. Das vom Komponisten gewählte Stück „Il Trovatore“ war das Debüt des jungen spanischen Dramatikers García Antonio Gutierrez. Noch bevor er Rigoletto komponierte, bat Verdi Cammarano, über dieses romantische Drama nachzudenken, „reich an Ideen und starke Situationen"(2. Januar 1850). Besonders faszinierte ihn das Bild der Zigeunerin Azucena.

Die Korrespondenz über den Troubadour wurde wieder aufgenommen. „Ich verstehe nicht, was Sie mit Schwierigkeiten sowohl für den gesunden Menschenverstand als auch für das Theater meinen!! - Verdi schrieb an Cesare de Sanctis: „Je mehr Neuheit und Formfreiheit Cammarano mir gibt, desto besser werde ich schreiben“ (29. März 1851). Das Drehbuch wurde bald verschickt, aber dem Komponisten gefiel es nicht. Laut Verdi ist es besser, die Handlung ganz aufzugeben, wenn sie nicht „mit der ganzen Neuheit und Vielfalt des spanischen Dramas“ entwickelt werden kann (9. April 1851). In Cammarano „erwiesen sich einige Bestimmungen als (.) ihrer ursprünglichen Stärke und Originalität beraubt, und, was am wichtigsten ist, Azucena behielt seinen ungewöhnlichen und neuen Charakter nicht bei“ (ebd.).
Verdi skizziert das Drehbuch mit detaillierten Anweisungen für die wichtigsten Episoden der Oper. Um den Anforderungen des Komponisten gerecht zu werden, überarbeitete Cammarano das Libretto. Ihre Arbeit wurde den ganzen Sommer über fortgesetzt, obwohl sie durch verschiedene soziale und persönliche Umstände behindert wurde.
Die Atmosphäre der politischen Reaktion, die nach der Niederlage der Revolution im Land herrschte, wirkte sich deprimierend auf den Komponisten aus: Verhaftungen und Repressionen hörten nicht auf. „Rigoletto“ war bei seiner Aufführung in Rom großen Verzerrungen ausgesetzt.

„Diese Impresarios haben noch nicht verstanden, dass es besser ist, Opern überhaupt nicht aufzuführen, wenn sie nicht in ihrer ganzen Integrität aufgeführt werden können – wie sie vom Komponisten beabsichtigt waren; Sie wissen nicht, dass die Neuanordnung eines Musikstücks, die Neuanordnung einer einzelnen Szene fast immer zum Scheitern der Oper führt. Stellen Sie sich vor, was passiert, wenn es um die Änderung des Inhalts geht!! Es fiel mir sehr schwer, nicht öffentlich zu erklären, dass „Stiffelio“ und „Rigoletto44“ in der Form, in der sie in Rom aufgeführt wurden, keine von mir geschriebene Musik sind!“ Verdi schreibt an den berühmten italienischen Bildhauer Luccardi. „Was würden Sie?“ Sag mal, wenn einer deiner schönen Statuen ein schwarzer Verband über die Nase gezogen würde?“ (1. Dezember 1851).
Auch Verdi litt unter großer persönlicher Trauer. Am 30. Juni 1851 starb Luigia Verdi in Vidolenza, einem ländlichen Gebiet in der Nähe von Sant'Agata. Der Verlust seiner geliebten Mutter schockierte Verdi zutiefst.
„Viele Schicksalsschläge, darunter auch schwerwiegende, haben mich bis heute davon abgehalten, über „Troubadour44“ nachzudenken. Jetzt bin ich zur Besinnung gekommen und muss mich endlich um meine Kunst und meine Angelegenheiten kümmern“ (9. September 1851).
Verdi befürchtet, dass weder Rom noch Venedig, wo sie eine Oper von ihm erwarten, über eine geeignete Truppe für die Aufführung von „Il Trovatore“ verfügen; und vor allem gibt es keine Schauspielerin für die Rolle der Azucena, „dieser Azucena, die mir so lieb ist“ (9. September 1851).

Die Arbeiten an Il Trovatore verzögerten sich aufgrund von Cammaranos Krankheit. Im Herbst geht Verdi für mehrere Monate nach Paris. Im Frühjahr 1852 kehrte er nach Busseto zurück und nahm die Arbeit an Il Trovatore wieder auf. Das letzte Hindernis für die Entstehung der Oper war der frühe Tod von Cammarano, der keine Zeit hatte, das Libretto vollständig fertigzustellen. „Es ist unmöglich, Ihnen meine tiefe Trauer zu beschreiben“, schrieb Verdi an de Sanctis, den „armen“ Cammarano!! Was für ein Verlust!!" (5. August 1852).
Das Libretto wurde vom venezianischen Librettisten Leon Emanuele Bardare fertiggestellt, und erst im Herbst 1852 konnte sich Verdi ungestört der Arbeit an der Oper widmen, die er innerhalb weniger Monate vollendete.
Historische Ereignisse – die ersten Aufstände spanischer Städte, die zu Beginn des 15. Jahrhunderts in den Kampf gegen die Feudalherren eintraten – bilden im Drama von Gutierrez allgemeiner Hintergrund, woraufhin sich eine fiktive, verdrehte Intrige entwickelt. Ihre Hauptakteure sind die Zigeunerin Azucena, die einst aus Rache für ihre gefolterte Mutter dem Grafen Luna ein Kind entführte; die Söhne des verstorbenen Grafen – Manriko, aufgezogen von Azucena, und der junge Graf di Luna, Feinde, die nicht wissen, dass sie durch Blutsbande verbunden sind, Dona Leonora, Manrikos Geliebte, deren Hand sein Bruder sucht. Das Duell, die Entführung aus dem Kloster, Schlachten, Gefangenschaft und schließlich der Tod aller guten Charaktere, diese tragischen Bilder und unglaublichen Situationen sowie der gesamte düstere und protestierende Ton des Stücks lassen es den romantischen Dramen ähneln von Victor Hugo, der Verdi in seinen kreativen Bestrebungen so nahe stand.

Das Libretto von Il Trovatore, an dessen Entstehung Verdi aktiv beteiligt war, besteht aus einer Reihe erhabener, dramatisch beeindruckender Szenen. Es ist jedoch schwierig, die Entwicklung der Aktion zu verfolgen. Insbesondere die übermäßige Überfrachtung mit Ereignissen zwingt den Librettisten dazu, immer wieder auf die Kunstgriffe zurückzugreifen, dass Charaktere Geschichten über frühere Ereignisse erzählen (Ferrandos Ballade in der Einleitung, Leonoras Geschichte im ersten Akt, Azucenas Liedgeschichte im zweiten Akt).
„Man sagt, die Oper sei zu düster und es stecke zu viel Tod darin“, schrieb Verdi kurz nach der Uraufführung, „aber am Ende ist das Leben voller Tod.“ Was ist sonst noch drin?! (29. Januar 1853). Diese bitteren Worte erinnern an die erstickte Revolution von 1848, das ruinierte Leben italienischer Patrioten und den Tod geliebter Menschen.
In „Troubadour“ gebe es tatsächlich „viel Tod“, viele Seiten erzählen von menschlicher Trauer. Einer von Verdis französischen Zeitgenossen sagte treffend, dass „in dieser Oper die Tränen einer ganzen Generation vergossen wurden.“ 1 Allerdings hörten die Italiener in dieser Oper nicht nur Tränen, sondern auch einen glühenden Aufruf zum Kampf gegen die Sklavenhalter. Und so wie die Chöre aus Verdis Heldenopern in den 40er Jahren die Italiener dazu inspirierten, für die Freiheit ihrer Heimat zu kämpfen, so war es auch die feurige Cabaletta von Manrico, der aus der belagerten Burg eilt, um Azucena vor dem Feuer zu retten (dritter Akt). Diese laut G. Roncaglia größte Cabaletta der gesamten Musikgeschichte mit ihrer einfachen, willensstarken, aufstrebenden Melodie erwächst aus einer einzigen elastischen rhythmischen Formel wie Stahl:

Wie in früheren Opern strebt Verdi auch in Il Trovatore nicht danach, den historischen Schauplatz nachzubilden. Für ihn sind alle Ereignisse auf der Bühne nur ein Grund, sich klarer und tiefer zu offenbaren emotionales Drama Figuren. Und das gelingt ihm mit der ganzen Kraft seines gereiften Talents. MIT besondere Aufmerksamkeit und mit Liebe arbeitet Verdi am Bild der Zigeunerin Azucena. Zunächst wollte er die Oper nach ihr benennen. Die Korrespondenz mit Cammarano zeigt, welche Bedeutung Verdi dieser komplexen Figur beimisst. Der Komponist bestand darauf, dass „die beiden großen Leidenschaften, die diese Frau beherrschen – kindliche Liebe und mütterliche Liebe“, „in ihrer ganzen Größe“ offenbart werden sollten, und der Durst nach Rache wurde mit dem Tod ihrer geliebten Manriko „gigantisch“ (9. 1851).
Den volkstümlichen Bildern von Azucena und der von ihr erzogenen Manriko wird in der Oper die Welt der grausamen Macht des Grafen von Luna gegenübergestellt. Der dramaturgische Konflikt ist bereits auf den ersten Seiten der Oper spürbar. Mit kämpferischer Fanfare wird Ferrando, der Knappe des Grafen, in die düstere Ballade eingeführt, der den Gardesoldaten in der kurzen Nacht von längst vergangenen Ereignissen erzählt – davon, wie eine Zigeunerhexe den Sohn des Grafen aus der Wiege entführt und damit seine Mutter gerächt hat wurde auf dem Scheiterhaufen verbrannt. Der dunkle und bedrohliche Ton der Ballade wird durch scharfe dynamische Kontraste betont – Übergänge vom geheimnisvollen Pianissimo in Ferrandos Erzählung zu Ausbrüchen abergläubischer Angst und Empörung in den Chornachbildungen der Soldaten. Die „zum Scheitern verurteilte“ Hauptmelodie der Ballade, die Azucenas Liedthemen nahe steht, ist einprägsam. Im Wesentlichen ist dies der erste Strich in einem komplexen Porträt einer Zigeunerin und der erste Schatten, der ihr tragisches Schicksal vorwegnimmt.
Das Bild von Azucena kommt in der ersten Szene des zweiten Aktes am deutlichsten zum Ausdruck. Zigeunerlager in den Bergen. Ein arbeitender Zigeunerchor betritt die Szene, dessen männlicher Rhythmus durch das Schlagen von Hämmern auf einen Amboss unterstrichen wird. Im Gegensatz zu diesem lebensbejahenden Refrain steht das traurige Lied von Azucena, die am Feuer sitzt. v In ihrer Nähe steht Manriko, der sich von seinen Wunden erholt. Die wachsende Flamme verursacht den Zigeuner schreckliche Erinnerungenüber den Tod seiner Mutter:

Das Thema von Azucenas Lied taucht ebenso wie der anhaltende Gedanke an Rache für die Mutter in der Oper noch zweimal auf: Es ist im Orchester im selben Bild zu hören, als die Zigeunerin Manriko das letzte Mal vom Tod ihrer Mutter erzählt erscheint in der letzten Szene des letzten Aktes im Gefängnis.
Die freie Form von Azucenas Geschichte wird durch den Verlauf ihrer traurigen Erinnerungen bestimmt. Dieser tragische Monolog, in dem sich melodische Episoden mit ausdrucksstarken Rezitativen abwechseln, vermittelt mit überzeugender Wahrheit Herzenskummer, brennende Melancholie, manchmal wilde Racheausbrüche. Einfühlsam beleuchtet das Orchester die Wechsel der gegensätzlichen Gefühle: Die schmerzlichen Seufzer der Oboe unterstreichen die traurige Ausdruckskraft der Erzählung:

Mit äußerst einfachen Orchestermitteln, wachsender Klangfülle und aufsteigenden Holzblasinstrumenten erzeugt Verdi die großartige Illusion eines lodernden Feuers.
Eine neue Facette von Azucenas Charakter – Selbstlosigkeit Mutterliebe– wird in der Verhörszene (dritter Akt) enthüllt.
Im Gegensatz zum Bild des arroganten, grausamen Grafen und seiner Soldaten wird die schmerzliche Angst und Verwirrung der alten, gequälten Frau deutlich, die unter Einsatz ihres Lebens hierher kam, um ihren Sohn zu suchen.
Das Erscheinungsbild von Manriko ist von großer Originalität und melodischem Reichtum geprägt – ein inspirierter Troubadour und ein furchtloser Held. Der maurisch-orientalische Touch ist in seiner Liebesimprovisation nachts auf Leonoras Balkon (erste Szene des ersten Akts) spürbar. Das Abschiedslied aus Manrikos Leben (Szene aus „Miserere“) voller heller Traurigkeit besticht durch seine inspirierte Einfachheit:

Beide Melodien erklingen zur leichten Begleitung einer Laute (Harfe im Orchester). In diesen Melodien spürt man das Heimweh der Vorläufer der Aida-Romanze.
Die heroischen Züge von Manrikos Auftritt kommen am deutlichsten in Episoden wie seinem Duett mit Azucena zum Ausdruck, das die Szene am Feuer abschließt, in der er entschlossen ist, sich an den Mördern zu rächen, und in seiner berühmten, bereits erwähnten Cabaletta mit dem Chor.
Das poetische und weibliche Bild von Leonora wird ebenso wie die Figur des Grafen von Luna mit konventionelleren Mitteln der Oper umrissen. Dennoch erhält Leonora Seiten voller bezaubernder Lyrik: Dies ist ihre Geschichte über ihre Liebe zum Troubadour – eine verträumte Nocturne (Cavatina des ersten Akts). Ihre von Licht durchdrungene und aus freudigen Aufschwüngen geborene Melodie ist in der Szene im Kloster (zweite Szene des zweiten Aktes) äußerst ausdrucksstark, als sie in der Nähe des Grafen, der sie entführen will, Manriko sieht, den sie für getötet hielt:

Großartig ist auch das gesamte Ensemble, das die Bühne abschließt. Die Empörung und Wut des Grafen, die edle Festigkeit von Manriko, der Jubel von Leonora, die Verwirrung der Nonnen, die kriegerischen Schreie der Wache des Grafen und der Rebellen, die Manriko zu Hilfe kamen – all diese musikalischen Bilder gehen nicht verloren ihre eigenständige Ausdruckskraft im sich ausdehnenden, dynamischen Finale.
Das Bild von Leonora offenbart sich in der Szene mit „Miserere“ (der ersten Szene des letzten Aktes) mit größter Farbvielfalt und Tiefe. Der freie Aufbau dieser Szene (die beiden traditionellen Teile von Leonoras Arie, Adagio und Allegro, werden durch das Ensemble getrennt) wird durch das dramatische Konzept bestimmt: Leonora kam nachts zum Burgturm, wo Manriko und Azucena, zum Tode verurteilt, schmachten. Leonoras trauriger Kantilene geht eine kurze Orchestereinleitung voraus. Die ungewöhnliche, dunkle Klangfarbe – eine Kombination aus tiefen Klarinetten und Fagotten – unterstreicht die Tragik der Situation. Mit nicht weniger Sensibilität findet Verdi in den letzten Takten von Leonoras inspiriertem Adagio die Orchesterfarben: Ihr leidenschaftlicher Appell an ihren Geliebten erklingt vor dem zitternd raschelnden „Nacht“-Hintergrund von Oboen und Klarinetten:

Die Auflösung erfolgt schnell. Di Luna erscheint und befiehlt Manricos Hinrichtung, als sie Leonora tot sieht. Als Azucena aus ihrem Todesschlaf erwacht, offenbart sie dem Grafen eine schreckliche Wahrheit: Er wurde zum Mörder seines eigenen Bruders.
Im Werk Verdis kommt Il Trovatore seinen Opern nach Hugos Erzählungen am nächsten. Die gleiche düstere Farbgebung, scharfe Kontraste, romantische Rebellion finden sich auch in seiner frühen Oper Ernani (1843). Die gleichen Merkmale, aber kombiniert mit einer großen Aufmerksamkeit für die Charaktere der Charaktere, machen „Il Trovatore“ zu „Rigoletto“. Und obwohl „Troubadour“ an musikalischer und dramatischer Integrität seinem unmittelbaren Vorgänger nachsteht, übertrifft es ihn an unerschöpflichem melodischem Reichtum. Es waren die Melodien dieser Oper voller Leidenschaft, Wut, heißer Melancholie und manchmal der zärtlichsten, erhabensten Lyrik; es waren ihre Melodien, durchdrungen von Volkslied-Intonationen, die ihr enorme Popularität einbrachten. Melodien des Troubadour waren sowohl in Konzerten als auch auf der Straße zu hören, sowohl in ihrer ursprünglichen Form als auch in zahlreichen Transkriptionen für verschiedene Instrumente.
Troubadour war einst in Russland äußerst beliebt. „Der „Trovator“ wurde geschenkt“, schreibt Laroche. „Das Verspielteste unter den Gespielten, aber auch in diesem unerschöpflichen Material für die Drehorgeln meiner Kindheit.“ helle Flamme das Genie Verdis brennt.“ Vor allem eine Szene im letzten Akt ist überraschend gut und poetisch“ 3.
Der Erfolg begleitete „Il Trovatore“ von seiner ersten Aufführung an (Rom, Apollo-Theater, 19. Januar 1853). Der Tiber, der über seine Ufer trat und die Straßen neben dem Apollo-Theater überschwemmte, hielt das Publikum nicht davon ab, Verdis neue Oper zu hören. Ab neun Uhr morgens belagerte eine große Menschenmenge die Türen des Theaters. Die Aufführung sorgte für allgemeine Freude. Mit triumphalem Erfolg wurde Il Trovatore bald in Paris, London, St. Petersburg und anderen europäischen Städten aufgeführt. Bisher gehört diese Oper von Verdi zum Repertoire vieler Musiktheater.

Anders verlief das Schicksal der dritten der berühmten Opern derselben Zeit. Verdi arbeitete fast gleichzeitig mit Il Trovatore an La Traviata. In einem der zitierten Briefe an Cammarano schreibt Verdi, dass man, nachdem man „Il Trovatore“ beiseite gelegt hat, wenn dem Librettisten diese Handlung gefällt, eine andere nehmen kann, „einfach und herzlich, von der man sagen kann, dass sie fast fertig ist, wenn.“ Du willst, ich schicke es dir.“ (9. April 1851). Offensichtlich hat Verdi die Handlung von „Die Kameliendame“ von Alexandre Dumas dem Sohn im Sinn. Dumas‘ Roman, der 1848 erschien und den er später zu einem Theaterstück überarbeitete, erregte in Paris ein solches Aufsehen, dass er natürlich der Aufmerksamkeit des zu dieser Zeit in Paris weilenden Verdi nicht entgehen konnte. Laut einem von Verdis Biographen, A. Pugena, war der Komponist auch bei der Aufführung der „Kameliendame“ im Jahr 1852 in Paris anwesend.
Das Thema dieser realistischen Skizze des modernen Lebens ist Kurzgeschichteüber die selbstlose Liebe und den Tod der sogenannten gefallenen Frau. Für die Heldin seines Romans und Theaterstücks wählte Dumas eines dieser armen Bauernmädchen, die nach Paris strömten, um Geld zu verdienen, aber, verführt vom Geld reicher „Gönner“, in die Irre gingen. Der Auftritt von Marguerite Gautier, der Heldin von Dumas‘ Roman und Theaterstück, wurde vom Bild einer realen Person inspiriert: Marie Duplessis war in den 40er Jahren ein bekannter „Star“ der Halbwelt im Paris. Der junge Dumas kannte diese Frau. Ihre Intelligenz und ihr subtiler Charme bewunderten viele ihrer Zeitgenossen, darunter den Komponisten Liszt und den Dichter Théophile Gautier.
Die Aktualität der in „Die Kameliendame“ aufgeworfenen Probleme löste heftige Kontroversen rund um das Werk aus, die Fragen nach dem moralischen Verfall der Gesellschaft aufwarfen. Das Stück, das die Zensur vier Jahre lang nicht auf die Bühne ließ, war ein großer Erfolg.
Das Libretto von La Traviata wurde von Piave unter der Leitung von Verdi geschrieben. Die Uraufführung fand im März 1853 im venezianischen Theater La Tesseb statt.
In einem Brief an Muzio am Tag nach der Premiere schrieb Verdi: „La Traviata war gestern Abend ein Misserfolg. Ist es meine Schuld oder die Sänger? Die Zeit wird entscheiden“ (7. März 1853).
Die Pfiffe, mit denen das Publikum die Uraufführung der Oper begrüßte, erklärten sich nicht nur mit der erfolglosen Aufführung. La Traviata wurde von der Öffentlichkeit zunächst missverstanden und lächerlich gemacht. Dem Komponisten wurde vorgeworfen, er habe dazu beigetragen, den „verderblichen“ Einfluss der französischen Literatur zu verbreiten und eine von der Gesellschaft abgelehnte Frau als Hauptfigur auf die Opernbühne zu bringen. Verdi hielt es sogar für notwendig, dies mit dem Titel der Oper (traviata – auf Italienisch – gefallene Frau) hervorzuheben. Und realistische Bilder des modernen Lebens erschienen vielen wie moderne Kostüme grober Verstoß Operntraditionen.
Trotz des Scheiterns von La Traviata bei der Uraufführung hatte Verdi keinen Zweifel daran, dass seine Oper verstanden und geschätzt werden würde. Der Standpunkt des Komponisten wurde von vielen sensiblen Musikern geteilt. Insbesondere der Korrespondent der Gazzeta Musicale machte allein die Sänger für das Scheitern der Oper verantwortlich; „La Traviata“ war seiner Meinung nach eine würdige Schöpfung des unerschöpflichen Genies, das Europa „Nabucco“, „Ernani“ und „Rigoletto“ bescherte; ein Werk, dessen Musik „mit atemberaubender Erleichterung die Entwicklung der Leidenschaften offenbart“4.
Ein Jahr später wurde La Traviata mit geringfügigen Kürzungen wiederbelebt; Antonio Gallo, ein glühender Verdi-Verehrer, inszenierte es in seinem San Benedetto Theater in Venedig.
Allerdings musste man, um den Gewohnheiten des Publikums nachzugeben, einen Kompromiss eingehen: Der Zeitpunkt der Aktion wurde ins 18. Jahrhundert verschoben und moderne Kostüme wurden durch antike ersetzt. La Traviata wurde von hervorragenden Sängern aufgeführt und war ein durchschlagender Erfolg, der im Laufe der Jahre zunahm. Innerhalb kurzer Zeit reiste es durch ganz Europa und etablierte sich fest im Repertoire der Opernhäuser.
Über die Entstehung der Oper liegen uns nur sehr wenige Informationen vor. Es ist bekannt, dass die Originalversion des Skripts stark komprimiert war. Das dramatische Schema des Librettos ist im Vergleich zum Theaterstück etwas vereinfacht; nur der Hauptteil bleibt intakt Handlung- Drama von Violetta (Marguerite Gautier) und Alfred Germont (Armand Duval).
La Traviata nimmt im Opernwerk Verdis einen besonderen Platz ein. Dies ist die erste und vielleicht einzige seiner Opern, in der es fast keine theatralische Wirkung gibt. Nichts lenkt die Aufmerksamkeit von der Hauptsache der Oper ab – der geistigen Welt der Heldin und ihrem tragischen Schicksal. Mit großer psychologischer Subtilität zeigt die Komponistin die Entwicklung ihres Bildes – die spirituelle Wiedergeburt einer brillanten Kurtisane, in der eine Frau erwacht ist große Seele, indem er im Namen der Liebe das Kunststück der Selbstverleugnung vollbringt.
Musikalisches Bild Violetta wird in der Entwicklung gegeben. Sie hat mehrere Hauptmotive. Sie wirken teilweise merklich verändert. Oft sind es nur Erinnerungen an sie, ähnliche Intonationen und Rhythmen werden eingefangen. Es muss gesagt werden, dass die Musik, die Violetta charakterisiert, mit ihrem Intonationsreichtum und ihrer Ausdruckskraft die musikalischen Eigenschaften anderer Charaktere bei weitem übertrifft. Das bedeutet nicht, dass die Musik, die mit den Bildern von Alfred Germont und seinem Vater verbunden ist, keine beeindruckenden Seiten hat. Aber das Wichtigste daran sind ihre Szenen mit Violetta. Und oft begleiten Violetta die Melodien und Rhythmen, die erstmals in den Rollen von Alfred und dem älteren Germont auftraten, hilfreich psychologische Entwicklung ihr Bild.
In diesem Opernporträt ist alles einfach. Der transparente Orchesterklang, in dem das warme Timbre der Streicher vorherrscht, geht fast nicht über das Klavier hinaus. Bemerkenswert ist, dass der Komponist bei der Aufführung von La Traviata besonderen Wert auf die Beibehaltung dynamischer Farbtöne legte. In einem Brief an Escudier bezüglich der geplanten Aufführung von La Traviata in Paris schrieb Verdi, dass die Oper „gut laufen wird, wenn das Orchester ein für alle Mal versteht, dass es notwendig ist, Klavier zu spielen“ * (5. März 1864) 5. Es Es scheint, dass der unfaire Vorwurf der Trivialität in der „Orgelorgel“, die Verdis Oper mehr als einmal erhielt, nur auf die falsche Interpretation der Interpreten durch nicht ausreichend sensible Musiker zurückzuführen war.
Nicht weniger charakteristisch ist, dass das gesamte musikalische Gefüge von La Traviata, dieser Seite aus dem Leben der einfachen Leute, von alltäglichen Intonationen und Rhythmen von Liedern und Tänzen durchdrungen ist. Auch Rezitativepisoden sind davon durchdrungen und gehen frei in Ariosen über. In einem sanften, gedämpften Klang erhalten diese Melodien und Rhythmen eine besondere Poesie.
Vor dem Hintergrund des Walzers erfolgt die Erklärung von Alfred und Violetta im ersten Akt. Die melancholische walzerartige Melodie ist bezaubernd – Violettas erste Arie; Tanzrhythmen sind auch in den gefühlvollen Melodien des letzten Akts zu hören: in der Arie der einsam sterbenden Violetta und in ihrem letzten Duett mit Alfred.
Zwei Hauptthemen, die mit dem Auftritt von Violetta verbunden sind, erklingen in einem kurzen Orchestervorspiel, das die Oper einleitet. Das erste, im zitternden, gedämpften Klang der Divisi-Geigen, ist das traurige Thema der sterbenden Violetta:

Einen auffälligen Kontrast zum poetischen Vorspiel bildet das Bild des lauten Spaßes auf Violettas Party. In dieser festlichen Atmosphäre verschmilzt die fröhliche und unbeschwerte Violetta mit der Menge der fröhlichen Gäste. Der Höhepunkt des Feiertags ist ein temperamentvolles Bacchic-Trinklied. Es wird durch einen faszinierenden Walzer ersetzt. Vor dem Hintergrund des Walzers erklingt ein aufgeregter Dialog zwischen Alfred und Violetta, der versucht, die Aufregung hinter äußerer Nachlässigkeit zu verbergen. In den Witzen, mit denen sie auf die Bitten des jungen Mannes reagiert, sich um seine Gesundheit zu kümmern und seinen Lebensstil zu ändern, kommt eine verborgene Bitterkeit zum Ausdruck. Als junger Provinzler, der kürzlich in Paris angekommen war, hatte Alfred die Aufrichtigkeit seiner jugendlichen Gefühle noch nicht verloren. Aus Alfreds leidenschaftlichen Bemerkungen geht das gebieterische und umfassende Thema seines Geständnisses hervor:

Dies ist der Beginn des Dramas. In der Seele der jungen Frau entsteht ein gegenseitiges Gefühl.
In der letzten Szene des ersten Aktes wird das Bildnis von Violetta dargestellt. Als Inschrift für sie könnten Zeilen aus Dumas‘ Roman dienen: „In ihr wurde ein makelloses Mädchen gesehen, das ein unbedeutender Zufall zu einer Kurtisane gemacht hatte, und eine Kurtisane, die ein unbedeutender Zufall in die liebevollste und reinste Frau verwandeln konnte.“6 Nacht. Die Gäste gingen. Allein gelassen gibt sich Violetta einem neuen Gefühl hin, das von ihr Besitz ergriffen hat: Zum ersten Mal erlebt sie das Glück des Liebens und Geliebtwerdens. Erinnerungen an die strahlenden Träume einer makellosen Jugend steigen in ihr auf – dies ist der erste Teil der Arie, ein nachdenkliches und zärtliches Lied im Rhythmus eines Walzers. Im Mittelteil erklingt das Thema von Alfreds Geständnis. Von nun an wird dieses schöne Thema, das so nah am zweiten Thema des Präludiums liegt (siehe Beispiel 61), zu einem der Hauptthemen, die über Violettas Liebe sprechen. Im abschließenden Allegro erscheint erneut das Bild eines halbhellen Sterns. Violetta vertreibt müßige Glücksträume, die für sie unzugänglich sind.
Im zweiten Akt zeigt der Komponist mit überzeugender Sensibilität für die Intonation die Entwicklung des Bildes von Violetta. Von nun an gewinnen ihre Intonationen an liedhafter Einfachheit. Vorbei sind die spektakulären Koloraturen. Es gibt keine Anzeichen von äußerem Glanz. Musik wird hier zum beredtesten Beweis für die spirituelle Wiedergeburt einer liebenden Frau.
Violetta und Alfred tauschten die müßige Hektik des Pariser Lebens gegen ruhige ländliche Einsamkeit ein. Doch ihr Glück ist zerbrechlich. Die zentrale Szene des zweiten Aktes wird zu einem Meilenstein im Schicksal und in der Entwicklung des Bildes der Heldin der Oper – der Besuch von Violettas Vater Alfred, der verlangt, dass sie sich von ihrem Sohn trennt. Germont erhebt harte Vorwürfe gegen die Frau, von der er überzeugt ist, dass sie seinen Sohn ruiniert. Als er seinen Fehler erkennt, plädiert er weiter: Alfreds Verbindung mit der Kurtisane könnte das Glück seiner jungen Schwester zerstören. Violetta stößt den Gedanken an eine Trennung mit Entsetzen ab. Doch Alfreds Vater schafft es, Zweifel in ihrer Seele zu wecken: Alfreds Liebe wird nicht ewig währen. Was erwartet sie dann?
Erschöpft mentaler Kampf, beschließt Violetta, ihr Glück für das Wohl von Alfred und seiner Familie zu opfern.
Der Komponist zeigt die tiefe Menschlichkeit von Violettas Bild und stellt ihren spirituellen Reichtum der spießbürgerlichen Mittelmäßigkeit der begrenzten Gefühls- und Gedankenwelt von Pater Alfred gegenüber. Germont ist im Wesentlichen ein guter Mensch; Er ist ein guter Familienvater und hängt aufrichtig an seinen Kindern. Ihn berührt Violettas Trauer, was ihn jedoch nicht davon abhält, ihre Selbstverleugnung bedenkenlos auszunutzen. Die Bandbreite von Violettas Erfahrungen wird in dieser frei konstruierten Szene wahrheitsgetreu und kraftvoll vermittelt und reicht von Angst zu leidenschaftlichem Protest und über schmerzhafte Zweifel und Verzweiflung bis hin zu selbstloser Entschlossenheit.
Es gibt hier keine abgeschlossenen Melodien, aber jede der Episoden dieser neuen Dialogszene ist mit eigenen ausdrucksstarken Melodien und Rhythmen ausgestattet. Immer wieder sind Anklänge an Erkennungsmotive aus Violettas Arie zu hören, die von großer Bedeutung sind weitere Entwicklung Bild. Sie durchdringen sowohl den Gesangspart als auch das Orchester, das für alle emotionalen Bewegungen der Heldin der Oper sensibel ist.
Die anschließende Szene von Violettas Abschiedsbrief und ihrer Trennung von Alfred, den sie heimlich verlassen wollte, ist nicht weniger eindringlich und wahrheitsgetreu. Der tragische Untergang der Briefszene weicht bei Alfreds Auftritt geistigem Aufruhr und Leidenschaftsausbrüchen. Das Thema Liebe erklingt am Ende dieser Szene kraftvoll.
Abend bei Flora (das Finale des zweiten Aktes) erinnert an den ersten Akt. Hier sind die gleichen Freunde von Violetta, der gleiche Lärm und das gleiche fröhliche Treiben. Die Ähnlichkeit der Umgebung unterstreicht den Kontrast zwischen Seelenfrieden eine zutiefst leidende Frau und die Atmosphäre gedankenlosen Spaßes, die bis vor Kurzem noch ihre übliche Umgebung gewesen war. Violetta hatte nicht damit gerechnet, Alfred hier zu sehen, und es war für sie äußerst schwierig, ihn kennenzulernen.
Hervorragende Dramaturgie der Szene Kartenspiel in Floras Wohnzimmer (Finale des zweiten Aktes). Vor dem Hintergrund des leeren Smalltalks am Kartentisch entbrennt Alfreds Streit mit dem Baron, den er für seinen glücklichen Rivalen hält.
Violetta beobachtet sie mit schmerzhafter Aufregung. Der Streit droht in einem Duell zu enden.
Die Musik dieser Szene ist voller unerbittlicher Spannung. Das Orchester entwickelt beharrlich eine bedrohliche Phrase mit einem alarmierend pulsierenden Ostinato-Rhythmus, in dem die Konturen des tragischen Adagio sichtbar werden und Buchstaben in die Szene einführen. Violettas Zeilen voller leidenschaftlicher Melancholie brechen dreimal in diese Musik ein:

Schweigen! Welchen stillen und traurigen Frieden erzeugen die Geräusche!“7
Vor dem Hintergrund der Anklänge des Vorspiels kommt es zu einem traurigen Dialog zwischen einer kranken Frau und einer Magd. Violetta liest Germonts Brief und verspricht ihr die Rückkehr Alfreds, dem er das Geheimnis ihrer Selbstaufopferung verrät (deklamatorische Szene); und im Orchester erklingt wie ein fernes Echo das Thema des Erkennens.
Die Einsamkeit der sehnsüchtigen Violetta wird in ihrer Arie – Abschied vom Leben – mit größter Einfachheit und Wahrhaftigkeit offenbart:

In dieser Melodie finden wir wunderbares Beispiel kreatives Überdenken von Rhythmen: Die Regelmäßigkeit der metrischen Verschiebungen des Liedes (Beginn der Arie) erhält in den letzten Takten eine besondere psychologische Bedeutung, wo diese rhythmischen Merkmale als Ausdruck der spirituellen Sehnsucht der sterbenden Frau wahrgenommen werden:

Festliche Karnevalsklänge erklingen Fenster öffnen, vertiefen die Tragödie der Situation.
Die Freude über die Begegnung mit dem zurückgekehrten Alfred und die aufflammende Lebenslust erhellen kurzzeitig die Atmosphäre des nahenden Todes. Im wunderschönen Duett von Violetta und Alfred weichen strahlende Glücksträume hoffnungsloser Trauer, als die Kraft die sterbende Frau wieder verlässt.
Das Thema der Liebe von Alfred und Violetta im Moment ihres Todes erklingt im transparenten Pianissimo der Streicher auf neue, aufgeklärte Weise.

* Verismus – entstand Ende des 19. Jahrhunderts künstlerische Leitung in der italienischen Literatur und Opernkunst mit auffälligen Zügen des Naturalismus. Der Opernverismus entstand als Reaktion auf den Wagnerismus, der sich im letzten Viertel des 19. Jahrhunderts in Italien verbreitete. Das Kampfbanner des Verismus war das Werk von Verdi und Wiese. Die Anfang der 90er Jahre erschienenen Veristenopern (Mascagnis „Honor Rusticana“, Leoncavallos „Pagliacci“) waren ein großer Erfolg. Obwohl die Veristen Verdi in vielerlei Hinsicht nachahmten, erreichten sie jedoch nicht die gleichen realistischen Höhen. Sie nahmen einige Merkmale Verdis wahr: seine betonte Emotionalität, die Ernsthaftigkeit der Situationen. Gerade diese Merkmale ihrer Kreativität und temperamentvollen und weithin zugänglichen Melodien haben den Veristen enorme Popularität verschafft.
Auch das Werk des herausragendsten italienischen Komponisten des 20. Jahrhunderts, Giacomo Puccini, ist weitgehend mit dem Verismus verbunden.
La Traviata nimmt im Werk Verdis einen besonderen Platz ein. Der Einfluss dieser Oper sowohl auf die französische Lyrik („Manon“ von Massenet; „Louise“ von Charpentier) als auch auf die Opern der Veristen Leoncavallo und Puccini wurde zu Recht festgestellt. Das fragile weibliche Bild der Mimi aus Puccinis „La Bohème“ steht dem Bild von Violetta besonders nahe.

Die berühmtesten Opern der Welt. Originaltitel, Autor und Kurzbeschreibung.

Der Troubadour (Il Trovatore), G. Verdi

Drama in vier Teilen, Libretto von S. Cammarano, mit Ergänzungen von L. E. Bardare, basierend auf der Tragödie „Il Trovatore“ von A. G. Gutierrez.
Uraufführung: Rom, Apollo Theater, 19. Januar 1853.

Figuren:
Count di Luna (Bariton), Leonora (Sopran), Azucena (Alt), Manrico (Tenor), Ferrando (Bass), Ines (Sopran), Ruitz (Tenor), alte Zigeunerin (Bass), Messenger (Tenor). Leonoras Freunde und Nonnen, enge Mitarbeiter des Grafen, Krieger, Zigeuner.

Die Handlung spielt zu Beginn des 15. Jahrhunderts.

Teil eins: „Duell“.
Schloss in Aragon. Nacht. Ferrando, der Chef der Wache im Dienste des Grafen di Luna, ruft alle dazu auf, bis zur Rückkehr des Herrn wach zu bleiben: Er ist in Leonora verliebt und verbringt seine Nächte unter ihren Fenstern. Um die Leute wachzuhalten, erzählt Ferrando ihnen die Geschichte des jüngeren Bruders des Grafen, der in früher Kindheit von einer Zigeunerin „bösartig verhext“ wurde, weshalb sein Vater die Hexe verbrennen ließ. Die Tochter einer Zigeunerin entführte das Kind, um ihre Mutter zu rächen. An der Brandstelle, an der die Zigeunerin verbrannte, wurden verbrannte Kinderknochen gefunden. Der alte Graf vermachte seinem ältesten Sohn, alles über das Schicksal seines Bruders herauszufinden, an dessen Tod er nicht glaubte, aber die Suche führte zu nichts („Di due figli vivea padre beato“; „Der Himmel von Luna schickte zwei herab liebe Söhne“). Ferrando sagt, dass die Seele der Zigeunerhexe immer noch in der Umgebung wandert: Ein gewisser Diener des Grafen starb vor Angst, nachdem er sie um Mitternacht in Gestalt einer Eule gesehen hatte. Zu dieser Zeit schlägt die Turmuhr Mitternacht. Alle rennen voller Angst davon.

Garten vor dem Palast. Leonora erzählt ihrer Vertrauten Ines, dass sie kürzlich in dem Troubadour, der unter ihrem Balkon sang, den Krieger erkannte, den sie einst für den Gewinn eines Turniers auszeichnete („Tacea la notte placida“; „Es war ringsum dunkel“). Leonora gibt zu, dass sie sich in einen Fremden verliebt hat. Die Mädchen gehen zum Palast. Graf di Luna erscheint. Zu diesem Zeitpunkt erklingen Lautenklänge und ein Lied („Deserto sulla terra!“ „Ich bin allein als Waise aufgewachsen“). Leonora rennt auf den Sänger zu, doch im Dunkeln verwechselt sie ihn mit Graf di Luna, dem sie einen Kuss gibt. Im Mondlicht ist sie von ihrem Fehler überzeugt und bittet den Troubadour um Vergebung. Der Graf, der seinen Rivalen als seinen Erzfeind Manrico erkennt, fordert ihn zum Duell heraus (Terzetto „Di geloso amor sprezzato“; „Wer eifersüchtig ist, kennt keine Gnade!“). Sie gehen und ziehen ihre Schwerter.

Zweiter Teil: „Zigeuner“.
Zigeunerlager in den Bergen von Vizcaya. Zigeuner singen, während sie am Feuer sitzen. Eine von ihnen, Azucena, erinnert sich an den Tod ihrer Mutter auf dem Scheiterhaufen (das Lied „Stride la vampa“; „Die Flamme brennt“) und fordert den Troubadour Manrico zur Rache auf. Sie erzählt, wie sie ihn als Kind entführte, um ihn ins Feuer zu werfen, aber aus Aufregung, weil sie nicht verstand, was sie tat, versehentlich ihren eigenen Sohn verbrannte. Manrico muss das Mitleid ablegen, das ihn gezwungen hat, das Leben des Grafen während des Duells zu verschonen (Duett „Mal reggendo all’aspro assalto“; „Der Kampf zwischen uns war in vollem Gange“). Es kommt die Nachricht, dass Leonora, die glaubt, Manrico sei tot, in ein Kloster gegangen ist. Manrico macht sich sofort auf den Weg.

In der Nähe des Klosters bereiten sich Graf di Luna und seine Soldaten darauf vor, Leonora zu entführen („Il balen del suo sorriso“; „Das Licht ihres klaren Lächelns“; mit dem Refrain „Per me ora fatale“; „Es bleibt noch ein wenig zu warten “). Man hört Nonnen singen. Leonora erscheint umgeben von traurigen Freunden („O dolci amiche“; „Oh lieber Freund“). Der Graf versucht, sie mitzunehmen, doch dann stellt sich Manrico dazwischen (Terzetto „E deggio e posso crederlo“; „Ich traue meinen Augen nicht!“). Unterstützt von einer bewaffneten Rebellenabteilung schlägt Manrico den Grafen in die Flucht.

Dritter Teil: „Sohn eines Zigeuners.“
Lager des Grafen von Luna. Für die Burg, in der Manrico und Leonora Zuflucht gesucht haben, wird eine Belagerung vorbereitet („Squilli, echeggi la tromba guerriera“; „Hey, Trompeter, weckt alle Lebewesen auf“). Fernando bringt Azucena, die in der Nähe des Lagers festgehalten wurde. Die Zigeunerin versichert, dass sie nach ihrem Sohn sucht („Giorni poveri vivea“; „Bettelnd ziehe ich meine Tage in die Länge“). Ferrando erkennt sie: Sie war diejenige, die entführt hat kleiner Bruder zählen! Azucena spricht Manricos Namen aus und der Graf ist erfreut, dass er die Mutter seines Rivalen gefangen genommen hat („Tua prole, o turpe zingara“; „Zigeunerbrut!“). Azucena verflucht ihn („Deh, rallentate, o barbari“; „Ich kann die Qual nicht ertragen“). Alle fordern, dass der Zigeuner auf dem Scheiterhaufen verbrannt wird.

Manrico im Schloss tröstet Leonora: Die Liebe wird ihnen helfen („Ah! si, ben mio, coll’essere“; „Oh ja, jetzt gehöre ich für immer dir“). Ryitz warnt ihn vor Azucenas bevorstehender Hinrichtung. Manrico eilt ihr zu Hilfe („Di quella pira“; „Mit dem Feuer der Hölle, das die Mutter verbrennt“).

Vierter Teil: „Ausführung“.
Leonora machte sich im Schutz der Dunkelheit auf den Weg zum Gefängnisturm, in dem Manrico eingesperrt ist („D’amor sull’ ali rosee“; „Oh, lass Manrico die Marshmallows tragen“). Man hört den Klang einer Trauerglocke und Stimmen, die das Trauergebet Miserere murmeln. Manricos Lied kommt vom Turm („Ah, che la morte ognora“; „Die Nacht zieht sich traurig hin ...“). Leonora schwört, ihren Geliebten zu retten („Tu vedrai che amore in terra“; „Das Licht hat nie eine stärkere Liebe gekannt“). Graf di Luna befiehlt im Morgengrauen die Hinrichtung von Manrico und seiner Mutter. Leonora bittet um Gnade: Sie verspricht, die Frau des Grafen zu werden, wenn der Troubadour gerettet wird. Der Graf stimmt zu, während Leonora ruhig das Gift trinkt (Duett „Qual voce!..com!..tu, donna?“; „Wessen Stimme!.. Is it you?“).

Im Kerker beruhigt Manrico Azucena, sie schläft ein (Duett „Ai nostri monti“; „Zu den einheimischen Bergen“). Leonora tritt ein: Manrico ist frei, aber sie kann ihm nicht folgen. Manrico will keine Freiheit zu diesem Preis. Leonora verschwindet in seinen Armen. Nachdem der Graf diese Szene gesehen hat, befiehlt er die Hinrichtung des Troubadours. Azucena wacht auf, nennt sie „Sohn“ und der Graf zerrt sie ans Fenster, damit sie die Hinrichtung sehen kann. „Es war dein Bruder! Du wurdest gerächt, oh Mutter!“ ruft Azucena.

GESCHICHTE DER SCHÖPFUNG.

Die Handlung von „Troubadour“ ist dem gleichnamigen Theaterstück des spanischen Dramatikers A. G. Gutierrez (1812-1884) entlehnt, das 1836 in Madrid erfolgreich aufgeführt wurde. Dies ist ein typisches Liebesdrama mit komplizierten Intrigen und einem blutigen Ausgang, mit unvermeidlichen Kämpfen, Rache, Gift und tödlichen Geheimnissen. Das romantische Drama zog Verdi mit der Helligkeit der Farben, der Strenge der Bühnensituationen und dem Kochen der Leidenschaften an. Die mentale Stärke und der Heldenmut des Kampfes gegen die dunklen Mächte der Unterdrückung, die in Gutierrez‘ Drama zum Ausdruck kommen, beunruhigten Verdis Landsleute – Zeitgenossen und Teilnehmer der Befreiungsbewegungen, die Italien im 19. Jahrhundert erschütterten – zutiefst.

Der Komponist war von der Handlung fasziniert – er dachte sorgfältig über den Plan für die Oper nach und schrieb die Musik für „Troubadour“ in 29 Tagen. Auch wenn sich im Libretto von S. Cammarano (1801-1852) die Intrige als zu kompliziert herausstellte, kommt die befreiende Idee des Werkes mit großem Strich im Relief zum Vorschein. Darüber hinaus werden die Mängel des Librettos durch Verdis Musik, mutig, leidenschaftlich, durchdrungen vom Pathos der Freiheitsliebe, vollständig ausgeglichen.

„Troubadour“ wurde bereits 1850 konzipiert. Die Fertigstellung der Oper wurde durch eine Reihe anderer Werke sowie den plötzlichen Tod des Librettisten verzögert. Basierend auf Cammaranos verbleibenden Skizzen wurde das Ende des dritten und vierten Akts vom jungen Dichter L. E. Bardare fertiggestellt. Die Uraufführung von Il Trovatore fand am 19. Januar 1853 in Rom statt. Die Oper erlangte sofort weltweite Anerkennung. „Il Trovatore“ wurde zu einem der beliebtesten Werke Verdis.

MUSIK

„Il Trovatore“ ist ein Drama voller scharfer Kontraste, stürmischer Auseinandersetzungen, starker, romantisch überhöhter Gefühle. Indem er die tragischen Schicksale der Helden der Oper nachstellte und ihre Erfahrungen verkörperte, legte der Komponist großen Wert darauf, den Lebenshintergrund der sich abspielenden Ereignisse aufzuzeigen. Farbenfrohe Reliefdarstellungen von Zigeunern, Mönchen, Soldaten und Gefolgsleuten des Grafen sowie einprägsame Chöre verleihen der Oper Abwechslung und beleben das Geschehen. Die Musik von „Troubadour“ ist reich an wunderschönen, frei fließenden Melodien, die an Volkslieder erinnern. Es ist kein Zufall, dass viele von ihnen in Italien zu weithin bekannten und beliebten Revolutionsliedern wurden.

Der erste Akt ist „Duell“. Erstes Bild vermittelt die düstere, bedrückende Atmosphäre einer mittelalterlichen Burg und lässt darauf folgende grausame und blutige Ereignisse vorwegnehmen. In der Bildmitte steht Ferrandos Geschichte mit dem Chor „Der Graf hatte zwei süße Söhne“. Die Geschichte beginnt in einer ruhigen Erzählweise, wird aber zunehmend von einem ängstlichen Gefühl und aufgeregtem Ungestüm durchdrungen.

Zweites Bildüberträgt die Handlung auf eine andere Ebene: Sie beginnt mit Leonoras heller, heiterer Cavatina „Voller luxuriöser Charme, es war eine ruhige Nacht“; Eine schöne, nachdenkliche Melodie weicht fröhlichen Tanzmotiven, verziert mit Koloraturen. Manricos Lied „Eternally Alone with Longing“ offenbart die lyrischen Merkmale des Bildes; Die Harfe im Orchester imitiert den Klang der Laute, auf der der verliebte Troubadour improvisiert. Im Terzett wird das marschartige, kriegerische Musikthema des Grafen der wohlklingenden Melodie von Leonora und Manrico gegenübergestellt.

Der zweite Akt – „Gypsy“ – umfasst zwei Szenen. Im ersten Zigeunerchor„Sie sehen, die Morgendämmerung hat begonnen, am Himmel zu spielen“ zeigt eine Welt freiheitsliebender Menschen; Die sanfte Melodie geht in einen fröhlichen, energischen Marsch über, begleitet von klingenden Hammerschlägen auf den Amboss. In diesem Rahmen klingt Azucenas Lied „Die aufsteigende Flamme erleuchtet alles“ traurig; Ihre leidenschaftliche Melodie taucht mehrmals in der Musik der Oper auf. Dem Lied folgt Azucenas traurige, tragische Geschichte „Chained into Fire with a Curse“. Im Duett mit Azucena erhält Manricos Bild neue Züge – in seiner Rolle tauchen einladende, heroische Melodien auf.

Zu Beginn der zweiten Szene des zweiten Aktes- Die große Arie des Grafen di Luna „Ihr einladender, klarer Blick.“ Die zentrale Episode des Finales ist ein umfangreiches Ensemble mit Chor, das die Benommenheit der Charaktere vermittelt, die von der unerwarteten Begegnung überrascht sind.

Der dritte Akt ist „Son of a Gypsy“. Im ersten Bild es herrscht kriegerische Aufregung; Energische Ausrufe des Chores, brillante Fanfaren leiten zur Marschmelodie „Hier ruft uns die Regimentstrompete.“ In der Terzeta von Azucena, Graf und Ferrando dominieren Azucenas Melodien. Ihr trauriges Lied „Ich lebte in schrecklicher Armut“ vermittelt zärtliche Liebe zu ihrem Sohn und der heroische Gesang „Warum bist du so rücksichtslos“ vermittelt Hass und stolze Verachtung gegenüber ihren Feinden.

In der Mitte des zweiten Bildes- Bild von Manrico. Seine Arie „Als du vor dem Altar schworst, für immer mein zu sein“ zeichnet sich durch die Schönheit und Erhabenheit der Melodie aus. Die vom Chor aufgegriffene berühmte Cabaletta „Nein, die verwegenen Bösewichte werden keinen Erfolg haben“ ist voller Willenskraft und heroischem Impuls.

Vierter Akt – „Hinrichtung“. Leonoras Arie „Seufzer der Liebe und des Kummers“ entwickelt sich zu einer großen dramatischen Szene; Die gefühlvolle Melodie voller leidenschaftlicher Gefühle wird mit den bedrohlichen Melodien eines Trauergebetes und Manricos Abschiedslied kombiniert. Das Duett von Leonora und dem Grafen von Luna basiert auf der Kollision kontrastierender musikalischer Themen – der schnellen, fliegenden Melodie der Heldin und den hartnäckigen, hartnäckigen Bemerkungen des Grafen; Die zweite Episode des Duetts (Leonora verspricht, die Frau des Grafen von Luna zu werden) ist von begeisterter Freude erfüllt (mit ihrem Tod hofft die selbstlose Leonora, ihren geliebten Manrico zu retten).

Dieser jubelnden Musik steht der düstere Beginn der letzten Szene der Oper gegenüber. Duettino Azucena und Manrico vermitteln den Wechsel trauriger Stimmungen; das Orchester spielt die Motive von Azucenas erstem Lied und zeichnet unheimliche Visionen der Hinrichtung; Der melodische Appell der Zigeunerin an ihren Sohn: „Ja, ich bin müde, meine Kräfte sind geschwächt“, ist von stiller Traurigkeit durchdrungen; Ihre Träume werden in einem schlichten Schlaflied verkörpert. Die kurze Ruhe wird durch das Erscheinen Leonoras unterbrochen – ein aufgeregtes Ensemble entsteht; Manricos wütende Rede wird von Leonoras flehenden Sätzen beantwortet, mit denen sich das erleuchtete Lied der von freien Räumen träumenden Azucena verflechtet.

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