A Idade de Prata é a era do modernismo, capturada na literatura russa. Este é o período em que ideias inovadoras capturaram todas as esferas da arte, incluindo a arte da palavra. Embora tenha durado apenas um quarto de século (começando em 1898, terminando por volta de 1922), seu legado é o vau dourado da poesia russa. Até agora, os poemas da época não perdem seu charme e originalidade, mesmo no contexto da criatividade moderna. Como sabemos, as obras dos futuristas, imagistas e simbolistas tornaram-se a base de muitas canções famosas. Portanto, para entender as realidades culturais atuais, é necessário conhecer as fontes primárias que listamos neste artigo.

A Idade de Prata é um dos principais e importantes períodos da poesia russa, abrangendo o período final do XIX- início do século XX. O debate sobre quem foi o primeiro a usar esse termo ainda está em andamento. Alguns acreditam que a "Idade de Prata" pertence a Nikolai Avdeevich Otsup, um crítico conhecido. Outros estão inclinados a acreditar que o termo foi introduzido graças ao poeta Sergei Makovsky. Mas também há opções em relação a Nikolai Alexandrovich Berdyaev, um famoso filósofo russo, Razumnikov Vasilyevich Ivanov, um crítico literário russo, e o poeta Vladimir Alekseevich Piast. Mas uma coisa é certa: a definição foi inventada por analogia com outra, não menos período importante- A idade de ouro da literatura russa.

Quanto ao recorte temporal do período, eles são arbitrários, pois é difícil estabelecer as datas exatas para o nascimento da Idade de Prata da poesia. O início é geralmente associado ao trabalho de Alexander Alexandrovich Blok e seu simbolismo. O fim é atribuído à data da execução de Nikolai Stepanovich Gumilyov e à morte do mencionado Blok. Embora os ecos desse período possam ser encontrados no trabalho de outros poetas russos famosos - Boris Pasternak, Anna Akhmatova, Osip Mandelstam.

Simbolismo, Imagismo, Futurismo e Acmeísmo são as principais correntes da Idade de Prata. Todos eles pertencem a uma direção na arte como o modernismo.

A principal filosofia do modernismo era a ideia do positivismo, ou seja, esperança e fé no novo - em um novo tempo, em uma nova vida, na formação do mais novo/moderno. As pessoas acreditavam que nasceram para algo alto, têm seu próprio destino, que devem cumprir. Agora a cultura visa o desenvolvimento eterno, o progresso constante. Mas toda essa filosofia entrou em colapso com o advento das guerras. Foram eles que mudaram para sempre a visão de mundo e a atitude das pessoas.

Futurismo

O futurismo é uma das direções do modernismo, que é parte integrante da vanguarda russa. Pela primeira vez este termo apareceu no manifesto "Slap in the face gosto público”, escrito por membros do grupo de São Petersburgo “Gilea”. Incluiu Vladimir Mayakovsky, Vasily Kamensky, Velimir Khlebnikov e outros autores, que eram mais frequentemente chamados de "budetlyane".

Paris é considerada a ancestral do futurismo, mas seu fundador vem da Itália. No entanto, foi na França, em 1909, que o manifesto de Filippo Tommaso Marinetti foi publicado, omitindo o lugar desse movimento na literatura. Além disso, o futurismo "veio" para outros países. Marinetti moldou atitudes, ideias e pensamentos. Ele era um milionário excêntrico, principalmente apaixonado por carros e mulheres. No entanto, após o acidente, quando o homem ficou deitado ao lado do coração pulsante do motor por várias horas, decidiu cantar a beleza de uma cidade industrial, a melodia de um carro roncando, a poética do progresso. Agora o ideal para o homem não era o mundo natural circundante, mas a paisagem urbana, o barulho e o rugido da agitada metrópole. O italiano também admirava as ciências exatas e teve a ideia de compor poesia usando fórmulas e gráficos, criou um novo tamanho de “escada”, etc. No entanto, sua poesia acabou sendo algo como outro manifesto, uma rebelião teórica e sem vida contra velhas ideologias. Do ponto de vista artístico, um avanço no futurismo foi feito não por seu fundador, mas pelo admirador russo de sua descoberta - Vladimir Mayakovsky. Em 1910, uma nova tendência literária chega à Rússia. Aqui ela é representada pelos quatro grupos mais influentes:

• Grupo de Moscou "Centrifuge" (Nikolai Aseev, Boris Pasternak, etc.);
• O grupo de São Petersburgo mencionado anteriormente "Gileya";
• Petersburg grupo "Moscow Egofuturistas" sob o controle da editora "Petersburg Herald" (Igor Severyanin, Konstantin Olimpov, etc.);
• Grupo de Moscou "ego-futuristas de Moscou" sob o controle da editora "Mezanino de Arte" (Boris Lavrenev, Vadim Shershenevich, etc.).

Como todos esses grupos tiveram uma enorme influência no futurismo, ele se desenvolveu de forma heterogênea. Havia ramificações como egofuturismo e cubofuturismo.

O futurismo influenciou não apenas a literatura. Ele também teve uma grande influência na pintura. Uma característica dessas telas é o culto ao progresso e o protesto contra os cânones artísticos tradicionais. Esta tendência combina as características do cubismo e do expressionismo. A primeira exposição ocorreu em 1912. Então, em Paris, eles mostraram fotos que retratavam vários meios de transporte (carros, aviões, etc.). Artistas futuristas acreditavam que a tecnologia assumiria a liderança no futuro. O principal movimento inovador foi uma tentativa de representar o movimento em estática.

As principais características desta tendência na poesia são as seguintes:

• a negação de tudo o que é velho: o velho modo de vida, a velha literatura, a velha cultura;
• orientação para o novo, o futuro, o culto da mudança;
• sensação de mudança iminente;
• criação de novas formas e imagens, inúmeras e radicais experiências:
• invenção de novas palavras fala vira, tamanhos.
• dessemantização da fala.

Vladimir Mayakovsky

Vladimir Vladimirovich Mayakovsky (1893-1930) é um famoso poeta russo. Um dos maiores representantes do futurismo. Ele começou experimentos literários em 1912. Graças ao poeta, neologismos como “nate”, “hollow-shtanny”, foice” e muitos outros foram introduzidos na língua russa. Vladimir Vladimirovich também fez uma grande contribuição para a versificação. Sua "escada" ajuda a colocar corretamente os acentos durante a leitura. E os versos líricos na criação “Lilichka! (Em vez de uma carta) "tornou-se as confissões de amor mais pungentes na poesia do século 20. Discutimos isso em detalhes em um artigo separado.

As obras mais famosas do poeta incluem seguintes exemplos futurismo: o já mencionado "", "V.I. Lenin", "", poemas "Eu saio de calças largas", "Você poderia? (Ouça!) ”,“ Poemas sobre o passaporte soviético ”,“ Marcha à esquerda ”,“ ”, etc.

Os principais temas de Mayakovsky incluem:

• o lugar do poeta na sociedade e seu propósito;
• patriotismo;
• glorificação do sistema socialista;
• tema revolucionário;
• sentimentos de amor e solidão;
• propósito no caminho para um sonho.

Depois de outubro de 1917, o poeta (com raras exceções) se inspirou apenas em ideias revolucionárias. Ele canta sobre o poder da mudança, a ideologia bolchevique e a grandeza de Vladimir Ilyich Lenin.

Igor Severyanin

Igor Severyanin (1887 - 1941) é um famoso poeta russo. Um dos representantes do egofuturismo. Em primeiro lugar, ele é conhecido por sua poesia ultrajante, onde sua própria personalidade é cantada. O Criador tinha certeza de que ele era uma pura encarnação de gênio, então muitas vezes ele se comportava de forma egoísta e arrogante. Mas isso foi apenas em público. Na vida cotidiana comum, Severyanin não era diferente dos outros e, depois de emigrar para a Estônia, ele se “amarrou” completamente com experimentos modernistas e começou a se desenvolver de acordo com poesia clássica. Suas obras mais famosas são os poemas "!", "Nightingales of the mosteiro garden", "Classic roses", "Nocturne", "A girl chorou in the park" e as coleções "The Thundering Cup", "Victoria regia", "Zlatolira". Nós cobrimos isso em detalhes em outro artigo.

Os principais temas da obra de Igor Severyanin:

• progresso técnico;
• próprio gênio;
• o lugar do poeta na sociedade;
• Tema de amor;
• sátira e flagelação dos vícios sociais;
• política.

Ele foi o primeiro poeta na Rússia a se chamar ousadamente de futurista. Mas em 1912, Igor Severyanin fundou uma nova e própria tendência - o egofuturismo, que se caracteriza pelo uso palavras estrangeiras e ter um senso de egoísmo.

Alexey Kruchenykh

Alexey Eliseevich Kruchenykh (1886 - 1968) - poeta russo, jornalista, artista. Um dos representantes do futurismo russo. O criador ficou famoso por trazer “zaum” para a poesia russa. “Zaum” é um discurso abstrato, desprovido de qualquer significado, que permite ao autor utilizar quaisquer palavras (combinações estranhas, neologismos, partes de palavras, etc.). Aleksey Kruchenykh ainda emite sua própria “Declaração da linguagem abstrusa”.

O poema mais famoso do poeta é "Dyr bul shchyl", mas existem outras obras: "Pesos de concreto reforçado - em casa", "Esquerda", "Floresta tropical", "Na casa de jogos", "Inverno", "Morte do artista, “Rus” e outros.

Os principais temas do trabalho de Khlebnikov incluem:

• o tema do amor;
• o tema da linguagem;
• criação;
• sátira;
• tema de comida.

Velimir Khlebnikov

Velimir Khlebnikov (1885 - 1922) - um famoso poeta russo, uma das principais figuras da vanguarda na Rússia. Ficou famoso, antes de tudo, por ser o fundador do futurismo em nosso país. Além disso, não se deve esquecer que foi graças a Khlebnikov que começaram os experimentos radicais no campo da “criatividade da palavra” e do já mencionado “zaumi”. Às vezes, o poeta também era chamado de "o presidente do globo". As principais obras são poemas, poemas, superhistórias, materiais autobiográficos e prosa. Exemplos de futurismo na poesia incluem:

• "Pássaro em uma gaiola";
• "Vremysh - juncos";
• "Fora do saco";
• "Gafanhoto" e outros.

Para poemas:

• "Menagerie";
• "Saudade da floresta";
• “O amor vem como um terrível turbilhão”, etc.

Super histórias:

• "Zangez";
• "Guerra na Ratoeira".

• "Nikolai";
• “Grande é o dia” (Imitação de Gogol);
• "Penhasco do futuro".

Materiais autobiográficos:

• "Nota autobiográfica";
• "Respostas ao questionário de S. A. Vegnerov."

Os principais temas da obra de V. Khlebnikov:

• o tema da revolução e sua glorificação;
• o tema da predestinação, rock;
• conexão de tempos;
• o tema da natureza.

Imagismo

O imagismo é uma das correntes da vanguarda russa, que também surgiu e se difundiu na Idade da Prata. O conceito vem da palavra inglesa "imagem", que se traduz como "imagem". Essa direção é um desdobramento do futurismo.

O imagismo apareceu pela primeira vez na Inglaterra. Os principais representantes foram Ezra Pound e Percy Wyndham Lewis. Somente em 1915 essa tendência chegou ao nosso país. Mas o imagismo russo diferia significativamente do inglês. Na verdade, apenas o nome permaneceu dele. Pela primeira vez o público russo ouviu as obras do Imagismo em 29 de janeiro de 1919 no prédio da União de Poetas de Toda a Rússia em Moscou. Prevê que a imagem da palavra se eleve acima da ideia, da ideia.

Pela primeira vez o termo "Imagismo" aparece na literatura russa em 1916. Foi então que o livro de Vadim Shershenevich "Green Street ..." foi publicado, no qual o autor anunciou o surgimento de uma nova tendência. Mais extenso que o futurismo.

Assim como o Futurismo, o Imagismo influenciou a pintura. Os artistas mais populares são: Georgy Bogdanovich Yakulov (artista de vanguarda), Sergey Timofeevich Konenkov (escultor) e Boris Robertovich Erdman.

As principais características do Imagismo:

• dominância da imagem;
• uso extensivo de metáforas;
• conteúdo da obra = desenvolvimento da imagem + epítetos;
• epíteto = comparações + metáforas + antítese;
• os poemas cumprem, sobretudo, uma função estética;
• uma obra = um catálogo figurativo.

Sergey Yesenin

Sergei Alexandrovich Yesenin (1895 - 1925) - um famoso poeta russo, um dos representantes mais populares do Imagismo, um excelente criador de letras camponesas. descrevemos em um ensaio sobre sua contribuição para a cultura da Idade de Prata.

Durante sua curta vida, ele conseguiu se tornar famoso por sua notável criatividade. Todos liam seus poemas sinceros sobre o amor, a natureza, a aldeia russa. Mas o poeta também ficou conhecido por ser um dos fundadores do Imagismo. Em 1919, ele, juntamente com outros poetas - V.G. Shershenevich e A. B. Mariengof - pela primeira vez contou ao público sobre os princípios desse movimento. A principal característica era que os poemas dos imagistas podem ser lidos de baixo para cima. Ao mesmo tempo, a essência do trabalho não muda. Mas em 1922, Sergei Alexandrovich percebeu que esta era uma inovação associação criativa muito limitado, e em 1924 escreveu uma carta anunciando o fechamento do grupo Imagist.

As principais obras do poeta (note-se que nem todas são escritas no estilo do Imagismo):

• “Goy você, Rússia, minha querida!”;
• "Carta a uma mulher";
• "Vândalo";
• “Você não me ama, não se arrepende...”;
• "Me resta uma diversão";
• Poema "";

Os principais temas do trabalho de Yesenin:

• tema da Pátria;
• o tema da natureza;
• letras de amor;
• saudade e crise espiritual;
• nostalgia;
• repensando as transformações históricas do século XX

Anatoly Mariengof

Anatoly Borisovich Mariengof (1897 - 1962) - poeta imaginista russo, dramaturgo, prosador. Juntamente com S. Yesenin e V. Shershenevich, ele fundou uma nova direção de vanguarda - o imaginismo. Em primeiro lugar, ele se tornou famoso por sua literatura revolucionária, já que a maioria de suas obras elogia esse fenômeno político.

As principais obras do poeta incluem livros como:

• "Um romance sem mentiras";
• "" (1991 uma adaptação cinematográfica deste livro foi lançada);
• "Homem Barbeado";
• "Trilogia Imortal";
• "Anatoly Mariengof sobre Sergei Yesenin";
• "Sem folha de figueira";
• "Mostra do Coração"

Aos poemas-exemplos do Imagismo:

• "Reunião";
• "Jarros da Memória";
• "Marcha das revoluções";
• "Mãos com gravata";
• "Setembro" e muitos outros.

Temas das obras de Mariengof:

• revolução e seu canto;
• o tema da "russianidade";
• vida boêmia;
• idéias socialistas;
• protesto anticlerical.

Juntamente com Sergei Yesenin e outros imagistas, o poeta participou da criação das edições da revista "Hotel para Viajantes em Beleza" e do livro "Imagistas".

Simbolismo

- uma tendência liderada por um símbolo-imagem inovador que substituiu o artístico. O termo "simbolismo" vem do francês "symbolisme" e do grego "symbolon" - um símbolo, um sinal.

A França é considerada o ancestral dessa direção. Afinal, foi lá, no século XVIII, que o famoso poeta francês Stéphane Mallarmé se uniu a outros poetas para criar um novo movimento literário. Então o simbolismo "migrou" para outros países europeus e já no final do século XVIII chegou à Rússia.

Pela primeira vez este conceito aparece nas obras do poeta francês Jean Moreas.

As principais características do simbolismo incluem:

• mundo dual - divisão em realidade e mundo ilusório;
• musicalidade;
• psicologismo;
• a presença de um símbolo como base de significado e ideia;
• imagens e motivos místicos;
• confiança na filosofia;
• culto da individualidade.

Alexandre Blok

Alexander Alexandrovich Blok (1880-1921) é um famoso poeta russo, um dos mais importantes representantes do simbolismo na poesia russa.

O bloco pertence ao segundo estágio de desenvolvimento dessa tendência em nosso país. Ele é um "simbolista júnior", que incorporou em suas obras as ideias filosóficas do pensador Vladimir Sergeevich Solovyov.

As principais obras de Alexander Blok incluem os seguintes exemplos de simbolismo russo:

• "Na ferrovia";
• "Fábrica";
• “Noite, rua, lampião, farmácia...”;
• "Eu entro em templos escuros";
• "A menina cantou no coro da igreja";
• "Estou com medo de conhecê-lo";
• "Ah, eu quero viver louco";
• poema "" e muito mais.

Temas do Blok:

• o tema do poeta e seu lugar na vida da sociedade;
• o tema do amor sacrificial, amor-adoração;
• o tema da Pátria e a compreensão de seu destino histórico;
• a beleza como ideal e a salvação do mundo;
• o tema da revolução;
• motivos místicos e folclóricos

Valery Bryusov

Valery Yakovlevich Bryusov (1873 - 1924) - poeta simbolista russo, tradutor. Um dos mais representantes conhecidos Idade de Prata da Poesia Russa. Ele esteve nas origens do simbolismo russo junto com A.A. Quadra. O sucesso do criador começou com o escândalo associado ao monostich "Oh, feche suas pernas pálidas". Então, após a publicação de obras ainda mais desafiadoras, Bryusov se encontra no epicentro da fama. Ele é convidado para várias noites seculares e poéticas, e seu nome se torna uma verdadeira marca no mundo da arte.

Exemplos de versos simbolistas:

• "Seu fim";
• "No passado";
• "Napoleão";
• "Mulher";
• "Sombras do Passado";
• "Pedreiro";
• "Presente atormentador";
• "Nuvens";
• "Imagens do Tempo".

Os principais temas da obra de Valery Yakovlevich Bryusov:

• misticismo e religião;
• problemas de personalidade e sociedade;
• partida para um mundo ficcional;
• a história da pátria.

Andrey Bely

Andrey Bely (1880 - 1934) - poeta, escritor, crítico russo. Assim como Blok, Bely é considerado um dos mais famosos representantes do simbolismo em nosso país. Vale destacar que o criador apoiou as ideias de individualismo e subjetivismo. Ele acreditava que o simbolismo representa uma certa visão de mundo de uma pessoa, e não apenas uma tendência na arte. Ele considerava a linguagem dos sinais a mais alta manifestação da fala. O poeta também era da opinião de que toda arte é uma espécie de espírito, a energia mística de poderes superiores.

Ele chamou suas obras de sinfonias, incluindo "Dramatic", "Northern", "Symphonic" e "Return". Poemas famosos incluem: “E a água? O momento é claro ... "," Asya (Azure é pálido), "Balmont", "Madman" e outros.

Os temas da obra do poeta são:

• o tema do amor ou paixão por uma mulher;
• luta contra a vulgaridade pequeno-burguesa;
• aspectos éticos e morais da revolução;
• motivos místicos e religiosos;

Konstantin Balmont

Konstantin Dmitrievich Balmont (1867 - 1942) - poeta simbolista russo, crítico literário e escritor. Ele ficou famoso por seu "narcisismo otimista". De acordo com o famoso poeta russo Anninsky, ele levantou as questões filosóficas mais importantes em suas obras. As principais obras do poeta são as coleções “Sob o céu do norte”, “Seremos como o sol” e “Prédios em chamas” e todas poemas famosos"Borboleta", "No templo azul", "Não há um dia em que eu não pense em Você...". Estes são exemplos muito ilustrativos de simbolismo.

Os principais temas da obra de Balmont:

• o lugar sublime do poeta na sociedade;
• individualismo;
• o tema do infinito;
• questões de ser e não-ser;
• beleza e mistério do mundo circundante.

Viatcheslav Ivanov

Vyacheslav Ivanovich Ivanov (1866 - 1949) - poeta, crítico, dramaturgo, tradutor. Embora tenha sobrevivido muito ao apogeu do simbolismo, ele ainda permaneceu fiel aos seus princípios estéticos e literários. O criador é conhecido por sua ideia de simbolismo dionisíaco (ele foi inspirado no antigo deus grego da fertilidade e do vinho, Dionísio). Sua poesia era dominada por imagens antigas e questões filosóficas colocadas por antigos filósofos gregos como Epicuro.

Principais obras de Ivanov:

• "Alexandre Blok";
• "A arca";
• "Notícia";
• "Escalas";
• "Contemporâneos";
• "Vale - templo";
• "O Céu Vive"

Temas de criatividade:

• o segredo da harmonia natural;
• o tema do amor;
• o tema da vida e da morte;
• motivos mitológicos;
• verdadeira natureza da felicidade.

Acmeísmo

Acmeísmo é a última tendência que compôs a poesia da Idade de Prata. O termo vem da palavra grega "acme", que significa o alvorecer de algo, o pico.

Como manifestação literária, o acmeísmo foi formado no início do século XX. A partir de 1900, jovens poetas começaram a se reunir no apartamento do poeta Vyacheslav Ivanov em São Petersburgo. Em 1906-1907 um pequeno grupo se separou de todos e formou um "círculo de jovens". Ele se distinguiu pelo desejo de se afastar do simbolismo e formar algo novo. Também enorme contribuição o grupo literário "Oficina dos Poetas" contribuiu para o desenvolvimento do acmeísmo. Incluiu poetas como Anna Akhmatova, Osip Mandelstam, Georgy Adamovich, Vladimir Narbut e outros. A oficina foi liderada por Nikolay Gumilyov e Sergey Gorodetsky. Após 5 a 6 anos, outra parte se separou desse grupo, que passou a se autodenominar acmeístas.

Acmeísmo também se reflete na pintura. A opinião de artistas como Alexandra Benois(“The Marquise’s Bath” e “The Venetian Garden”), Konstantin Somov (“The Mocked Kiss”), Sergei Sudeikin e Leon Bakst (todos eles foram grupo artístico final do século XIX "O Mundo das Artes") eram semelhantes às opiniões dos escritores acmeístas. Em todas as fotos podemos ver como o mundo moderno se opõe ao mundo do passado. Cada tela é uma espécie de decoração estilizada.

As principais características do acmeísmo:

• rejeição das ideias de simbolismo, oposição a elas;
• retorno às origens: conexão com poetas e movimentos literários do passado;
• o símbolo deixa de ser uma forma de influenciar/influenciar o leitor;
• a ausência de tudo místico;
• conexão da sabedoria fisiológica com mundo interior pessoa.
• Esforçando-se pela simplicidade e clareza final da imagem, tema, estilo.

Anna Akhmatova

Anna Andreevna Akhmatova (1889 - 1966) - poetisa russa, crítica literária, tradutora. Ela também é indicada ao Prêmio Nobel de Literatura. Como uma talentosa poetisa, o mundo a reconheceu em 1914. Foi neste ano que foi lançada a coleção “Rosário”. Além disso, sua influência nos círculos boêmios só aumentou, e o poema "" deu-lhe fama escandalosa. Na União Soviética, as críticas não favoreceram seu talento, principalmente sua fama passou à clandestinidade, para samizdat, mas as obras de sua caneta foram copiadas à mão e aprendidas de cor. Foi ela quem patrocinou Joseph Brodsky nos estágios iniciais de seu trabalho.

Criações significativas incluem:

• “Aprendi a viver com simplicidade, com sabedoria”;
• “Ela cerrou as mãos sobre um véu escuro”;
• “Perguntei pro cuco…”;
• "Rei de olhos cinzentos";
• "Não estou pedindo seu amor";
• “E agora você está pesado e sem graça”, e outros.

Os temas da poesia incluem:

• o tema do amor conjugal e materno;
• o tema da verdadeira amizade;
• o tema das repressões stalinistas e do sofrimento do povo;
• o tema da guerra;
• o lugar do poeta no mundo;
• reflexão sobre o destino da Rússia.

Basicamente, as obras líricas de Anna Akhmatova são escritas na direção do acmeísmo, mas às vezes há manifestações de simbolismo, na maioria das vezes no contexto de algum tipo de ação.

Nikolay Gumilyov

Nikolai Stepanovich Gumilev (1886 - 1921) - poeta russo, crítico, prosador e crítico literário. No início do século XX, ele já fazia parte da “Oficina dos Poetas” já conhecida por vocês. Foi graças a este criador e seu colega Sergei Gorodetsky que o acmeísmo foi fundado. Eles lideraram essa separação pioneira do grupo geral. Os poemas de Gumilyov são compreensíveis e transparentes, não contêm pompa e zaum, por isso ainda são ensaiados e tocados em palcos e faixas de música. Ele fala de forma simples, mas bela e sublime sobre sentimentos e pensamentos complexos. Por sua conexão com os Guardas Brancos, ele foi fuzilado pelos bolcheviques.

As principais obras incluem:

• "Girafa";
• "O Bonde Perdido";
• “Lembrar mais de uma vez”;
• "De um buquê de um lilás inteiro";
• "Conforto";
• "A fuga";
• "Eu ri de mim mesmo";
• "Meus Leitores" e muito mais.

O tema principal da poesia de Gumilyov é superar os fracassos e obstáculos da vida. Ele também tocou em tópicos filosóficos, amorosos e militares. Sua visão da arte é curiosa, pois para ele a criatividade é sempre um sacrifício, sempre uma angústia, à qual você se entrega sem deixar vestígios.

Osip Mandelstam

Osip Emilievich Mandelstam (1891 - 1938) - um famoso poeta, crítico literário, tradutor e prosador. Ele é o autor do original letras de amor, dedicou muitos poemas à cidade. Sua obra se distingue por uma orientação satírica e claramente oposicionista em relação às autoridades vigentes na época. Ele não tinha medo de tocar em questões atuais e fazer perguntas desconfortáveis. Por sua "dedicação" cáustica e insultuosa a Stalin, ele foi preso e condenado. O mistério de sua morte no campo de trabalho permanece sem solução até hoje.

Exemplos de acmeísmo podem ser encontrados em suas obras:

• Nossa Senhora;
• “Vivemos sem sentir o país sob nós”;
• "Insônia. Homero. Velas apertadas…”;
• Silêncio;
• "Auto-retrato";
• “A noite é suave. Crepúsculo é importante…”;
• "Você sorri" e muito mais.

Temas na obra de Mandelstam:

• a beleza de Petersburgo;
• o tema do amor;
• o lugar do poeta na vida pública;
• o tema da cultura e liberdade de criatividade;
• protesto político;
• poeta e poder.

Sergei Gorodetsky

Sergei Mitrofanovich Gorodetsky (1884 - 1967) - poeta russo - acmeist, tradutor. Seu trabalho é caracterizado pela presença de motivos folclóricos, ele gostava de épico folclórico e a cultura russa antiga. Depois de 1915 tornou-se um poeta camponês, descrevendo os costumes e a vida da aldeia. Enquanto trabalhava como correspondente de guerra, criou um ciclo de poemas dedicado ao genocídio armênio. Após a revolução, dedicou-se principalmente às traduções.

Obras significativas do poeta, que podem ser consideradas exemplos de acmeísmo:

• "Armênia";
• "Bétula";
• ciclo "Primavera";
• "Cidade";
• "Lobo";
• “Meu rosto é um esconderijo de nascimentos”;
• "Lembre-se, a nevasca veio";
• "Lilás";
• "Neve";
• "Series".

Os principais temas nos poemas de Sergei Gorodetsky:

• o esplendor natural do Cáucaso;
• o tema do poeta e da poesia;
• Genocídio armênio;
• o tema da revolução;
• o tema da guerra;
• amor e letras filosóficas.

Criatividade de Marina Tsvetaeva

Marina Ivanovna Tsvetaeva (1892-1941) é uma conhecida poetisa, tradutora e prosadora russa. Em primeiro lugar, ela é conhecida por sua poemas de amor. Ela também tendia a refletir sobre os aspectos éticos da revolução, e a nostalgia dos velhos tempos foi traçada em suas obras. Talvez seja por isso que ela foi forçada a deixar o país dos soviéticos, onde seu trabalho não foi apreciado. Ela conhecia outras línguas brilhantemente, e sua popularidade se espalhou não apenas pelo nosso país. O talento da poetisa é admirado na Alemanha, França e República Checa.

As principais obras de Tsvetaeva:

• "Venha, você se parece comigo";
• “Eu vou reconquistar você de todas as terras, de todos os céus ..”;
• "Saudade! Por muito tempo…";
• “Gosto que você não esteja doente comigo”;
• "Gostaria de morar com você";

Os principais temas da obra da poetisa:

• tema da Pátria;
• o tema do amor, ciúme, separação;
• tema do lar e da infância;
• o tema do poeta e seu significado;
• o destino histórico da pátria;
• relacionamento espiritual.

Uma característica surpreendente de Marina Tsvetaeva é que seus poemas não pertencem a nenhum movimento literário. Todos eles estão fora de qualquer direção.

A obra de Sofia Parnok

Sofia Yakovlevna Parnok (1885 - 1933) - poetisa russa, tradutora. Ela ganhou fama graças a uma amizade escandalosa com a famosa poetisa Marina Tsvetaeva. O fato é que a comunicação entre eles foi atribuída a algo mais do que relações amigáveis. Parnok também recebeu o apelido de "Russian Sappho" por suas declarações sobre o direito das mulheres ao amor não tradicional e direitos iguais aos dos homens.

Principais trabalhos:

• "Noite clara";
• “Numa terra estéril nenhum grão pode crescer”;
• “Ainda não é espírito, quase não é carne”;
• "Te amo no seu espaço";
• "Quão brilhante é a luz hoje";
• "Adivinhação";
• "Os lábios estavam muito apertados."

Os principais temas da obra da poetisa são o amor sem preconceitos, a conexão espiritual entre as pessoas, a independência da opinião pública.

Parnok não pertence a uma determinada direção. Durante toda a sua vida, ela tentou encontrar seu lugar especial na literatura, não vinculada a uma tendência específica.

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A primeira década do século 20 entrou na história da cultura russa sob o nome "Idade de Prata". Foi uma época de florescimento sem precedentes de todos os tipos de atividade criativa, o nascimento de novas tendências na arte, o aparecimento de uma galáxia de nomes brilhantes que se tornaram o orgulho não apenas da cultura russa, mas também do mundo.

A cultura artística da virada do século é uma página importante no patrimônio cultural da Rússia. A inconsistência ideológica e a ambiguidade eram inerentes não apenas às tendências e tendências artísticas, mas também ao trabalho de escritores, artistas e compositores individuais. Foi um período de renovação de vários tipos e gêneros de criatividade artística, repensando, “reavaliação geral de valores”, nas palavras de M. V. Nesterov. A atitude em relação à herança dos democratas revolucionários tornou-se ambígua mesmo entre figuras culturais de pensamento progressivo. A primazia da sociabilidade nos Wanderers foi seriamente criticada por muitos artistas realistas.

Na cultura artística russa do final do século XIX - início do século XX. espalhar « decadência» , denotando fenômenos na arte como a rejeição dos ideais cívicos e a fé na razão, a imersão na esfera das experiências individualistas. Essas ideias eram uma expressão da posição social de uma parte da intelectualidade artística, que tentava "fugir" das complexidades da vida para o mundo dos sonhos, da irrealidade e, às vezes, do misticismo. Mas mesmo assim, ela refletiu em seu trabalho os fenômenos de crise da vida social da época.

Os humores decadentes capturaram as figuras de vários movimentos artísticos, incluindo o realista. No entanto, mais frequentemente essas ideias eram inerentes aos movimentos modernistas.

conceito "modernismo"(francês temerpe - moderno) incluiu muitos fenômenos da literatura e da arte do século XX, nascidos no início deste século, novos em comparação com o realismo do século anterior. No entanto, novas qualidades artísticas e estéticas também apareceram no realismo dessa época: o “quadro” de uma visão realista da vida estava se expandindo e a busca por formas de autoexpressão do indivíduo na literatura e na arte estava em andamento. Os traços característicos da arte são a síntese, um reflexo mediado da vida, em contraste com o realismo crítico do século XIX, com sua inerente reflexão concreta da realidade. Essa característica da arte está associada à ampla disseminação do neo-romantismo na literatura, pintura, música, o nascimento de um novo realismo de palco.

No início do século XX. houve muitos movimentos literários. Isso é simbolismo, e futurismo, e até mesmo o ego-futurismo de Igor Severyanin. Todas essas direções são muito diferentes, têm ideais diferentes, perseguem objetivos diferentes, mas convergem em uma coisa: trabalhar o ritmo, em uma palavra, levar o jogo à perfeição com sons.

Ao mesmo tempo, a voz de uma nova geração de realistas que apresentou sua conta aos representantes do realismo começou a soar, protestando contra o principal princípio da arte realista - a representação direta do mundo circundante. Segundo os ideólogos desta geração, a arte, sendo uma síntese de dois princípios opostos – matéria e espírito, é capaz não apenas de “exibir”, mas também de “transformar”. mundo existente para criar uma nova realidade.

Capítulo 1.Educação

O processo de modernização incluiu não só mudanças fundamentais nas esferas socioeconômicas e políticas, mas também um aumento significativo da alfabetização e do nível educacional da população. Para crédito do governo, essa necessidade foi levada em consideração. Gastos do governo com Educação pública desde 1900 para 1915 aumentado em mais de 5 vezes.

O foco era o ensino fundamental. O governo pretendia introduzir a educação primária universal no país. No entanto reforma escolar realizado de forma inconsistente. Vários tipos sobrevivem escola primária, os mais comuns eram paroquiais (em 1905 eram cerca de 43 mil). O número de escolas primárias zemstvo aumentou (em 1904 havia 20,7 mil e em 1914 - 28,2 mil). mais de 2,5 milhões de alunos estudavam nas escolas primárias do Ministério da Educação Pública, e em 1914. - cerca de 6 milhões.

A reestruturação do sistema de ensino secundário começou. Cresceu o número de ginásios e escolas reais. Nos ginásios, aumentou o número de horas dedicadas ao estudo de assuntos do ciclo natural e matemático. Aos graduados de escolas reais foi dado o direito de ingressar em instituições de ensino técnico superior e, após passar no exame de latim, nos departamentos de física e matemática das universidades.

Por iniciativa dos empresários, foram criadas escolas comerciais (7-8 anos), que ofereciam educação geral e formação especial. Neles, ao contrário de ginásios e escolas reais, foi introduzida a educação conjunta de meninos e meninas. Em 1913 em 250 escolas comerciais, que estavam sob o patrocínio do capital comercial e industrial, 55 mil pessoas estudaram, incluindo 10 mil meninas. O número de estabelecimentos de ensino secundário especializado aumentou: industrial, técnico, ferroviário, mineiro, topográfico, agrícola, etc.

A rede de instituições de ensino superior se expandiu: novas universidades técnicas surgiram em São Petersburgo, Novocherkassk e Tomsk. Uma universidade foi aberta em Saratov, novas universidades técnicas surgiram em São Petersburgo, Novocherkassk e Tomsk. Para garantir a reforma do ensino fundamental, foram abertos institutos pedagógicos em Moscou e São Petersburgo, além de mais de 30 cursos superiores para mulheres, que marcaram o início do acesso em massa das mulheres ao ensino superior. Em 1914 havia cerca de 100 instituições de ensino superior, nas quais estudavam aproximadamente 130 mil pessoas. Ao mesmo tempo, mais de 60% dos alunos não pertenciam a nobreza. Os funcionários superiores do Estado foram formados em instituições de ensino privilegiadas - liceus.

No entanto, apesar dos avanços na educação, 3/4 da população do país permaneceu analfabeta. Média e pós-graduação devido às altas taxas de matrícula, uma parte significativa da população era inacessível. 43 copeques foram gastos em educação. per capita, enquanto na Inglaterra e na Alemanha - cerca de 4 rublos, nos EUA - 7 rublos. (em termos de nosso dinheiro).

Capítulo 2A ciência

A entrada da Rússia na era da industrialização foi marcada pelo sucesso no desenvolvimento da ciência. No início do século XX. o país contribuiu significativamente para o progresso científico e tecnológico mundial, o que foi chamado de "revolução nas ciências naturais", pois as descobertas feitas nesse período levaram a uma revisão das ideias estabelecidas sobre o mundo ao redor.

O físico P. N. Lebedev estabelecido pela primeira vez no mundo padrões gerais, inerente aos processos de ondas natureza diferente(sônico, eletromagnético, hidráulico, etc.), fez outras descobertas no campo da física ondulatória. Ele criou a primeira escola de física na Rússia.

N. E. Zhukovsky fez uma série de descobertas notáveis ​​na teoria e na prática da construção de aeronaves. O notável mecânico e matemático S. A. Chaplygin foi aluno e colega de Zhukovsky.

Nas origens da astronáutica moderna estava uma pepita, um professor do ginásio Kaluga Tsiolkovsky K.E. Em 1903. publicou uma série de trabalhos brilhantes que fundamentaram a possibilidade de voos espaciais e determinaram os caminhos para atingir esse objetivo.

O notável cientista V. I. Vernadsky ganhou fama mundial graças às suas obras enciclopédicas, que serviram de base para o surgimento de novas direções científicas em geoquímica, bioquímica e radiologia. Seus ensinamentos sobre a biosfera e a noosfera lançaram as bases para a ecologia moderna. A inovação das ideias por ele expressas só se realiza plenamente agora, quando o mundo está à beira de uma catástrofe ecológica.

Um surto sem precedentes foi caracterizado por pesquisas no campo da biologia, psicologia e fisiologia humana. Pavlov IP criou a doutrina da atividade nervosa superior, dos reflexos condicionados. Em 1904 Ele foi agraciado com o Prêmio Nobel de pesquisa na fisiologia da digestão. Em 1908 O biólogo II Mechnikov recebeu o Prêmio Nobel por seu trabalho em imunologia e doenças infecciosas.

O início do século 20 é o auge da ciência histórica russa. Os maiores especialistas no campo da história nacional foram Klyuchevsky V.O., Kornilov A.A., Pavlov-Silvansky N.P., Platonov S.F. Vinogradov P.G., Vipper R. Yu., Tarle E. V. A escola russa de estudos orientais ganhou fama mundial.

O início do século foi marcado pelo aparecimento das obras de representantes do pensamento religioso e filosófico russo original (N. A. Berdyaev, N. I. Bulgakov, V. S. Solovyov, P. A. Florensky, etc.). ótimo lugar nas obras dos filósofos, a chamada idéia russa foi ocupada - o problema da originalidade do caminho histórico da Rússia, a originalidade de sua vida espiritual, o propósito especial da Rússia no mundo.

No início do século 20, as sociedades científicas e técnicas eram populares. Eles uniram cientistas, praticantes, entusiastas amadores e existiram nas contribuições de seus membros, doações privadas. Alguns receberam pequenos subsídios do governo. As mais famosas foram: a Sociedade Econômica Livre (fundada em 1765), a Sociedade de História e Antiguidades (1804), a Sociedade dos Amantes da Literatura Russa (1811), Geográfica, Técnica, Física e Química, Botânica, Metalúrgica , vários médicos, agrícolas, etc. Essas sociedades não eram apenas os centros de trabalho de pesquisa, mas também amplamente difundiam o conhecimento científico e técnico entre a população. Um traço característico da vida científica da época eram os congressos de cientistas naturais, médicos, engenheiros, advogados, arqueólogos, etc.

Capítulo 3Literatura

A imagem mais reveladora "idade de prata" apareceu na literatura. Por um lado, nas obras dos escritores, foram preservadas tradições estáveis ​​de realismo crítico. Tolstoi, em suas últimas obras literárias, levantou o problema da resistência do indivíduo às rígidas normas da vida ("O cadáver vivo", "Padre Sérgio", "Depois do baile"). Suas cartas de apelo a Nicolau II, artigos jornalísticos estão impregnados de dor e ansiedade pelo destino do país, o desejo de influenciar as autoridades, bloquear o caminho do mal e proteger todos os oprimidos. A ideia principal do jornalismo de Tolstoi é a impossibilidade de eliminar o mal pela violência. Anton Pavlovich Chekhov durante esses anos criou as peças "Três Irmãs" e "O Pomar de Cerejeiras", nas quais refletiu as importantes mudanças que ocorrem na sociedade. As tramas socialmente apontadas também foram homenageadas entre os jovens escritores. Ivan Alekseevich Bunin explorou não apenas o lado externo dos processos que ocorreram no campo (a estratificação do campesinato, o desaparecimento gradual da nobreza), mas também as consequências psicológicas desses fenômenos, como eles influenciaram as almas dos russos. pessoas (“Village”, “Sukhodol”, ciclo “histórias camponesas). Kuprin A. I. mostrou o lado feio da vida militar: a privação de direitos dos soldados, o vazio e a falta de espiritualidade dos “cavalheiros dos oficiais” (“Duel”). Um dos fenômenos novos na literatura foi o reflexo nela da vida e da luta do proletariado. O iniciador deste tema foi Maxim Gorky ("Inimigos", "Mãe").

As letras da "Era de Prata" são diversas e musicais. O próprio epíteto "prata" soa como um sino. A Idade de Prata é toda uma constelação de poetas. Poetas - músicos. Poemas da Idade de Prata são a música das palavras. Nesses versos não havia um único som supérfluo, nem uma única vírgula desnecessária, fora de lugar, pondo um ponto final. Tudo é pensativo, claro e musicalmente.

Na primeira década do século 20, toda uma galáxia de talentosos poetas "camponeses" chegou à poesia russa - Sergei Yesenin, Nikolai Klyuev, Sergei Klychkov.

Os iniciadores de uma nova tendência na arte foram poetas simbolistas que declararam guerra à visão de mundo materialista, argumentando que a fé e a religião são a pedra angular da existência humana e da arte. Eles acreditavam que os poetas eram dotados da capacidade de se unir ao mundo do outro mundo por meio de símbolos artísticos. O simbolismo inicialmente assumiu a forma de decadência. Este termo implicava um clima de decadência, melancolia e desesperança, um individualismo pronunciado. Essas características eram características da poesia inicial de Balmont K.D., Alexander Blok, Bryusov V. Ya.

Depois de 1909 começa uma nova etapa no desenvolvimento do simbolismo. É pintado em tons eslavófilos, demonstra desprezo pelo Ocidente "racionalista", pressagia a morte da civilização ocidental, representada, inclusive pela Rússia oficial. Ao mesmo tempo, ele se volta para as forças elementares do povo, para o paganismo eslavo, tenta penetrar nas profundezas da alma russa e vê no russo vida popular as raízes do "segundo nascimento" do país. Esses motivos soaram especialmente brilhantes nas obras de Blok (os ciclos poéticos "On the Kulikovo Field", "Motherland") e A. Bely ("Silver Dove", "Petersburg"). O simbolismo russo tornou-se um fenômeno global. É com ele que, em primeiro lugar, se liga o conceito de “Idade de Prata”.

Os oponentes dos simbolistas eram os acmeístas (do grego "acme" - o mais alto grau de algo, poder florescente). Negaram as aspirações místicas dos simbolistas, proclamaram o valor inerente da vida real, clamaram pelo retorno das palavras ao seu significado original, libertando-as das interpretações simbólicas. O principal critério para avaliar o trabalho dos acmeístas (Gumilyov N. S., Anna Akhmatova, O. E. Mandelstam)

gosto estético impecável, beleza e refinamento da palavra artística.

A cultura artística russa no início do século 20 foi influenciada pelo vanguardismo que se originou no Ocidente e abraçou todos os tipos de arte. Essa tendência absorveu vários movimentos artísticos que anunciaram sua ruptura com os valores culturais tradicionais e proclamaram as ideias de criação de uma “nova arte”. Os representantes proeminentes da vanguarda russa eram os futuristas (do latim "futurum" - o futuro). Sua poesia se distinguiu pela atenção crescente não ao conteúdo, mas à forma de construção poética. As instalações de software dos futuristas foram orientadas para um anti-esteticismo desafiador. Em suas obras, usaram vocabulário vulgar, jargão profissional, linguagem de documentos, cartazes e cartazes. Coleções de poemas dos futuristas tinham títulos característicos: "Um tapa na cara do gosto do público", "Lua morta" e outros.O futurismo russo foi representado por vários grupos poéticos. Os nomes mais brilhantes foram coletados pelo grupo de São Petersburgo "Gilea" - V. Khlebnikov, D. D. Burliuk, Vladimir Mayakovsky, A. E. Kruchenykh, V. V. Kamensky. Coleções de poemas e discursos públicos de I. Severyanin foram um sucesso impressionante

Especialmente, os futuristas conseguiram isso. O futurismo abandonou completamente o velho tradições literárias, "língua antiga", "palavras antigas", proclamou nova forma palavras, independente do conteúdo, ou seja, literalmente inventou uma nova linguagem. Trabalhando na palavra, os sons tornaram-se um fim em si mesmo, enquanto o significado dos versos foi completamente esquecido. Tomemos, por exemplo, o poema de V. Khlebnikov "The Turnover":

Cavalos, atropelamento, monge.

Mas não fala, mas ele é negro.

Nós vamos jovens, para baixo com cobre.

Chin é chamado de espada para trás.

Fome do que a espada é longa?

Caiu um temperamento fino e o espírito das patas de um corvo...

Não há significado neste poema, mas é notável que cada linha seja lida tanto da esquerda para a direita quanto da direita para a esquerda.

Novas palavras surgiram, inventadas, compostas. Da palavra "riso" sozinha, nasceu um poema inteiro "O Feitiço do Riso":

Ah, ri alto!

Ah, risos risos!

Que riem de rir, que riem de rir,

Oh, ria maliciosamente!

Oh, riso zombeteiro - o riso dos risos inteligentes!

Oh, ria de rir com esses zombadores!

Smeivo, smeivo,

Rir, rir, rir, rir,

Ri, ri.

Ah, risos, risos!

Ah, risos, risos.

Glava 4.Quadro

Processos semelhantes ocorreram na pintura russa. Posições fortes foram mantidas por representantes da escola realista, a Sociedade dos Andarilhos estava ativa. Repin IE formou-se em 1906. tela grandiosa "Reunião do Conselho de Estado". Ao revelar os eventos do passado, V. I. Surikov estava interessado principalmente no povo como uma força histórica, um princípio criativo no homem. Os fundamentos realistas da criatividade também foram preservados por Nesterov M.V.

No entanto, o trendsetter foi o estilo, chamado de "moderno". As buscas modernistas afetaram o trabalho de grandes artistas realistas como Korovin K. A., Serov V. A.. Apoiadores dessa tendência unidos na sociedade do Mundo da Arte. Assumiam uma postura crítica contra os Andarilhos, acreditando que estes, desempenhando uma função não inerente à arte, prejudicavam a pintura. A arte, em sua opinião, é um campo de atividade independente, e não deve depender de influências sociais. Por um longo período (de 1898 a 1924), o Mundo da Arte incluiu quase todos os principais artistas - Benois A.N., Bakst L.S., Kustodiev B.M., Lansere E.E., Malyavin F.A. ., Roerich N. K., Somov K. A .. "The World da Arte" deixou uma marca profunda no desenvolvimento não só da pintura, mas também da ópera, balé, arte decorativa, crítica de arte, negócio de exposições. Em 1907 em Moscou, foi aberta uma exposição chamada "Blue Rose", da qual participaram 16 artistas (Kuznetsov P.V., Sapunov N.N., Saryan M.S., etc.). Era uma juventude em busca, esforçando-se para encontrar sua individualidade na síntese da experiência ocidental e das tradições nacionais. Representantes da "Rosa Azul" estavam associados a poetas simbolistas, cuja atuação era um atributo moderno dos dias de abertura. Mas o simbolismo na pintura russa nunca foi uma tendência única. Incluiu, por exemplo, artistas tão diferentes como Vrubel M.A., Petrov-Vodkin K.S. e outros.

Vários dos maiores mestres - Kandinsky V.V., Lentulov A.V., Chagall M. 3., Filonov P.N. e outros - entrou na história da cultura mundial como representante de estilos únicos que combinavam tendências de vanguarda com tradições nacionais russas.

capítulo 5Escultura

A escultura também experimentou um aumento criativo. Seu despertar foi em grande parte devido às tendências do impressionismo. P. P. Trubetskoy alcançou um sucesso significativo no caminho da renovação. Seus retratos escultóricos de Tolstoi, Witte, Chaliapin e outros eram amplamente conhecidos. Um marco importante na história da escultura monumental russa foi o monumento a Alexandre III, inaugurado em São Petersburgo em outubro de 1909. Foi concebido como uma espécie de antípoda de outro grande monumento - "O Cavaleiro de Bronze" de E. Falcone.

A combinação das tendências do impressionismo e da modernidade caracteriza a obra de A. S. Golubkina. Ao mesmo tempo, a principal característica de suas obras não é a exibição de uma imagem específica, mas a criação de um fenômeno generalizado: "Velhice" (1898 ), "Walking Man" (1903), "Soldier" (1907) "Sleepers" (1912), etc.

Konenkov S.T. deixou uma marca significativa na arte russa. Sua escultura tornou-se a personificação da continuidade das tradições do realismo em novas direções. Ele passou por uma paixão pelo trabalho de Michelangelo ("Sansão"), escultura folclórica russa de madeira ("Lesovik"), tradições itinerantes ("Stone Fighter"), retrato realista tradicional ("A.P. Chekhov"). E com tudo isso, Konenkov permaneceu um mestre de uma brilhante individualidade criativa. Em geral, a escola escultórica russa foi pouco afetada pelas tendências de vanguarda e não desenvolveu uma gama tão complexa de aspirações inovadoras, características da pintura.

Capítulo 6Arquitetura

Na segunda metade do século XIX, novas oportunidades se abriram para a arquitetura. Isso se deveu ao progresso tecnológico. O rápido crescimento das cidades, seus equipamentos industriais, o desenvolvimento dos transportes, as mudanças na vida pública exigiram novas soluções arquitetônicas. Estações, restaurantes, lojas, mercados, teatros e prédios bancários foram construídos não apenas nas capitais, mas também nas cidades provinciais. Ao mesmo tempo, a construção tradicional de palácios, mansões e quintas continuou. O problema principal arquitetura começou a procurar um novo estilo. E assim como na pintura, uma nova direção na arquitetura foi chamada de "moderna". Uma das características dessa tendência foi a estilização de motivos arquitetônicos russos - o chamado estilo neo-russo.

O arquiteto mais famoso, cujo trabalho determinou em grande parte o desenvolvimento do russo, especialmente da Art Nouveau de Moscou, foi F. O. Shekhtel. No início de seu trabalho, ele se baseou não no russo, mas em amostras góticas medievais. A mansão do fabricante S.P. Ryabushinsky (1900-1902) foi construída nesse estilo. No futuro, Shekhtel voltou-se repetidamente para as tradições da arquitetura de madeira russa. A este respeito, a construção da estação ferroviária de Yaroslavsky em Moscou (1902-1904) é muito indicativa. Posteriormente, o arquiteto está cada vez mais se aproximando da direção chamada de “moderno racionalista”, que se caracteriza por uma significativa simplificação das formas e estruturas arquitetônicas. Os edifícios mais significativos que refletem essa tendência foram o Ryabushinsky Bank (1903), a gráfica do jornal Morning of Russia (1907).

Ao mesmo tempo, juntamente com os arquitetos da “nova onda”, os admiradores do neoclassicismo (I. V. Zholtovsky), bem como os mestres que usam a técnica de misturar diferentes estilos escultóricos (ecletismo), ocuparam posições significativas. O mais indicativo disso foi o projeto arquitetônico do edifício do Metropol Hotel em Moscou (1900), construído de acordo com o projeto de V. F. Valkot.

Capítulo 7Música, balé, teatro, cinema

O início do século 20 é o momento da ascensão criativa dos grandes compositores inovadores russos A. N. Scriabin. I. F. Stravinsky, S. I. Taneyev, S. V. Rachmaninov. Em seu trabalho, eles tentaram ir além da música clássica tradicional, para criar novas formas e imagens musicais. A cultura da performance musical também floresceu significativamente. A escola vocal russa foi representada pelos nomes dos notáveis ​​cantores de ópera F. I. Chaliapin, A. V. Nezhdanova, L. V. Sobinov,3. Ershov.

Até o início do século XX. O balé russo assumiu uma posição de liderança no mundo da arte coreográfica. A escola russa de balé baseou-se nas tradições acadêmicas do final do século 19, em produções teatrais do notável coreógrafo M. I. Petipa que se tornaram clássicos. Ao mesmo tempo, o balé russo não escapou das novas tendências. Os jovens diretores A. A. Gorsky e M. I. Fokin, em oposição à estética do academicismo, apresentaram o princípio do pitoresco, segundo o qual não apenas o coreógrafo, compositor, mas também o artista se tornaram autores de pleno direito da performance. Os balés de Gorsky e Fokine foram encenados em walkie-talkies por K. A. Korovin, A. N. Benois, L. S. Bakst, N. K. Roerich.

A escola de balé russa da "Idade de Prata" deu ao mundo uma galáxia de dançarinos brilhantes - Anna Pavlova, T. Karsavin, V. Nijinsky e outros.

Uma característica notável da cultura do início do século XX. foram obras de destacados diretores de teatro. K. S. Stanislavsky, o fundador da escola de atuação psicológica, acreditava que o futuro do teatro estava no profundo realismo psicológico, na resolução das tarefas mais importantes da transformação da atuação. V. E. Meyerhold buscou no campo da convencionalidade teatral, a generalização, o uso de elementos de um espetáculo folclórico e

teatro de máscaras.

© Museu. A. A. BakhrushinaA. Sim. Golovin. Jogo terrível. Esboço de cenário para o drama de M. Yu. Lermontov

E. B. Vakhtangov preferia performances expressivas, espetaculares e alegres.

No início do século XX, a tendência de combinar vários tipos atividade criativa. À frente desse processo estava o "Mundo da Arte", reunindo em suas fileiras não só artistas, mas também poetas, filósofos, músicos. Em 1908-1913. S. P. Diaghilev organizou em Paris, Londres, Roma e outras capitais da Europa Ocidental "Russian Seasons", apresentado por apresentações de balé e ópera, pintura teatral, música, etc.

Na primeira década do século 20 na Rússia, seguindo a França, apareceu o novo tipo arte - cinema. Em 1903 surgiram os primeiros "eletroteatros" e "ilusões", e em 1914 já haviam sido construídos cerca de 4.000 cinemas. Em 1908 o primeiro longa-metragem russo "Stenka Razin e a Princesa" foi filmado, e em 1911 o primeiro longa-metragem "A Defesa de Sebastopol" foi filmado. A cinematografia desenvolveu-se rapidamente e tornou-se muito popular. Em 1914 Na Rússia, havia cerca de 30 empresas cinematográficas nacionais. E embora a maior parte da produção cinematográfica fosse composta por filmes com tramas melodramáticas primitivas, apareceram figuras do cinema mundialmente famosas: o diretor Ya. A. Protazanov, os atores I. I. Mozzhukhin, V. V. Kholodnaya, A. G. Koonen. O mérito indiscutível do cinema era sua acessibilidade a todos os segmentos da população. Os filmes russos, criados principalmente como adaptações de obras clássicas, tornaram-se os primeiros sinais na formação de " cultura de massa"- um atributo indispensável da sociedade burguesa.

Conclusão

Quanta novidade a "idade de prata" da poesia trouxe para a música da palavra, quanto trabalho foi feito, quantas palavras e ritmos novos foram criados, parece que a música e a poesia se uniram. Isso é verdade, porque muitos poemas dos poetas da Idade de Prata foram musicados, e nós os ouvimos e cantamos, rimos e choramos sobre eles. . .

Grande parte do crescimento criativo daquela época foi desenvolvimento adicional cultura russa e agora é propriedade de todas as pessoas cultas russas. Mas então houve intoxicação com criatividade, novidade, tensão, luta, desafio.

Concluindo, com as palavras de N. Berdyaev, gostaria de descrever todo o horror, toda a tragédia da situação em que se encontravam os criadores da cultura espiritual, a cor da nação, as melhores mentes não só na Rússia, mas também no mundo.

“A desgraça do renascimento cultural do início do século XX foi que nele a elite cultural estava isolada em um pequeno círculo e cortada das amplas correntes sociais da época. Isso teve consequências fatais no caráter que a revolução russa assumiu... O povo russo daquela época vivia em andares diferentes e até em séculos diferentes. O renascimento cultural não teve ampla irradiação social... Muitos partidários e porta-vozes do renascimento cultural permaneceram esquerdistas, simpatizantes da revolução, mas houve um esfriamento nas questões sociais, houve uma absorção em novos problemas de cunho filosófico, natureza estética, religiosa, mística, que permaneceu alheia às pessoas que participaram ativamente do movimento social... A intelectualidade cometeu um ato de suicídio. Na Rússia, antes da revolução, duas raças foram formadas, por assim dizer. E a culpa foi de ambos os lados, ou seja, das figuras do Renascimento, de sua indiferença social e moral ...

O cisma característico da história russa, o cisma que cresceu ao longo do século XIX, o abismo que se desenrolou entre a camada cultural refinada superior e os amplos círculos, folclóricos e intelectuais, levaram o renascimento cultural russo a cair nesse abismo aberto. A revolução começou a destruir esse renascimento cultural e a perseguir os criadores da cultura... Figuras da cultura espiritual russa em grande parte foram forçadas a se mudar para o exterior. Em parte, isso foi uma retribuição pela indiferença social dos criadores da cultura espiritual.

Bibliografia

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O século 19, que se tornou um período de extraordinária ascensão da cultura nacional e grandiosas conquistas em todas as áreas da arte, foi substituído por um complexo, cheio de eventos dramáticos e pontos de virada do século 20. A idade de ouro da vida social e artística foi substituída pela chamada de prata, que deu origem ao rápido desenvolvimento da literatura, poesia e prosa russas em novas tendências brilhantes e, posteriormente, tornou-se o ponto de partida de sua queda.

Neste artigo, vamos nos concentrar na poesia da Idade de Prata, considerar suas características distintivas, falar sobre as principais direções, como simbolismo, acmeísmo e futurismo, cada um dos quais se distinguiu pela música especial do verso e uma expressão vívida das experiências e sentimentos do herói lírico.

Poesia da Idade de Prata. Um ponto de virada na cultura e arte russas

Acredita-se que o início da Idade de Prata da literatura russa cai em 80-90 anos. século 19 Nessa época, apareceram as obras de muitos poetas notáveis: V. Bryusov, K. Ryleev, K. Balmont, I. Annensky - e escritores: L. N. Tolstoy, F. M. Dostoiévski, M. E. Saltykov-Shchedrin. O país está passando por momentos difíceis. Durante o reinado de Alexandre I, primeiro há um forte levante patriótico durante a guerra de 1812 e, em seguida, devido a uma mudança brusca na política anteriormente liberal do czar, a sociedade experimenta uma dolorosa perda de ilusões e graves perdas morais.

A poesia da Idade de Prata atinge seu apogeu em 1915. A vida pública e a situação política são caracterizadas por uma crise profunda, uma atmosfera inquieta e fervilhante. As manifestações em massa estão crescendo, a vida está sendo politizada e, ao mesmo tempo, a autoconsciência pessoal está sendo fortalecida. A sociedade está fazendo árduas tentativas de encontrar um novo ideal de poder e ordem social. E poetas e escritores acompanham os tempos, dominando novas formas de arte e oferecendo ideias ousadas. A personalidade humana começa a se realizar como uma unidade de muitos princípios: natural e social, biológico e moral. Durante as revoluções de fevereiro e outubro e guerra civil A poesia da Idade de Prata está em crise.

O discurso de A. Blok "Sobre a nomeação do poeta" (11 de fevereiro de 1921), proferido por ele na Câmara dos Escritores em uma reunião por ocasião do 84º aniversário da morte de A. Pushkin, torna-se o acorde final de a Idade de Prata.

Características da literatura do século XIX - início do XX.

Vejamos as características da poesia da Idade de Prata. Em primeiro lugar, uma das principais características da literatura da época era o grande interesse por temas eternos: a busca do sentido da vida de um indivíduo e de toda a humanidade como como um todo, os enigmas do caráter nacional, a história do país, a influência mútua do mundano e espiritual, a interação humana e a natureza. Literatura no final do século XIX torna-se cada vez mais filosófica: os autores revelam os temas da guerra, revolução, tragédia pessoal de uma pessoa que, devido às circunstâncias, perdeu a paz e harmonia interior. Nas obras de escritores e poetas, nasce um novo herói ousado, extraordinário, resoluto e muitas vezes imprevisível, que supera obstinadamente todas as dificuldades e dificuldades. Na maioria das obras, presta-se muita atenção a precisamente como o sujeito percebe eventos sociais trágicos através do prisma de sua consciência. Em segundo lugar, uma característica da poesia e da prosa era uma busca intensiva por formas artísticas originais, bem como meios de expressar sentimentos e emoções. A forma poética e a rima desempenharam um papel particularmente importante. Muitos autores abandonaram a apresentação clássica do texto e inventaram novas técnicas, por exemplo, V. Mayakovsky criou sua famosa "escada". Muitas vezes, para conseguir um efeito especial, os autores usavam anomalias de fala e linguagem, fragmentação, alogismos e até permitiam

Em terceiro lugar, os poetas da Idade de Prata da poesia russa experimentaram livremente as possibilidades artísticas da palavra. Em um esforço para expressar impulsos espirituais complexos, muitas vezes contraditórios e "voláteis", os escritores começaram a tratar a palavra de uma nova maneira, tentando transmitir os mais sutis matizes de significados em seus poemas. As definições padrão e padrão de objetos objetivos claros: amor, maldade, valores familiares, moralidade - foram substituídas por outras abstratas. descrições psicológicas. Conceitos precisos deram lugar a dicas e eufemismos. Tal flutuação, fluidez do significado verbal foi alcançada através das metáforas mais brilhantes, que muitas vezes passaram a se basear não na semelhança óbvia de objetos ou fenômenos, mas em signos não óbvios.

Em quarto lugar, a poesia da Idade de Prata é caracterizada por novas formas de transmitir pensamentos e sentimentos do herói lírico. Os poemas de muitos autores começaram a ser criados a partir de imagens, motivos de diferentes culturas, além de citações ocultas e explícitas. Por exemplo, muitos artistas de palavras incluíram cenas de mitos e tradições gregos, romanos e um pouco posteriores eslavos em suas criações. Nas obras de M. Tsvetaeva e V. Bryusov, a mitologia é usada para construir modelos psicológicos universais que permitem compreender a personalidade humana, em particular seu componente espiritual. Cada poeta da Idade de Prata é brilhantemente individual. É fácil entender qual deles pertence a determinados versículos. Mas todos tentaram tornar suas obras mais tangíveis, vivas, cheias de cores, para que qualquer leitor pudesse sentir cada palavra e linha.

As principais direções da poesia da Idade de Prata. Simbolismo

Escritores e poetas que se opunham ao realismo anunciaram a criação de uma nova arte contemporânea - o modernismo. Há três poesias principais da Idade de Prata: simbolismo, acmeísmo, futurismo. Cada um deles tinha suas próprias características marcantes. O simbolismo surgiu originalmente na França como um protesto contra a exibição cotidiana da realidade e a insatisfação com a vida burguesa. Os fundadores desta tendência, incluindo J. Morsas, acreditavam que apenas com a ajuda de uma dica especial - um símbolo, pode-se compreender os segredos do universo. O simbolismo apareceu na Rússia no início da década de 1890. O fundador dessa tendência foi D. S. Merezhkovsky, que proclamou em seu livro três postulados principais da nova arte: simbolização, conteúdo místico e "expansão da impressionabilidade artística".

Simbolistas sênior e júnior

Os primeiros simbolistas, mais tarde nomeados seniores, foram V. Ya. Bryusov, K. D. Balmont, F. K. Sologub, Z. N. Gippius, N. M. Minsky e outros poetas. Seu trabalho foi muitas vezes caracterizado por uma negação aguda da realidade circundante. Eles retratavam a vida real como chata, feia e sem sentido, tentando transmitir os tons mais sutis de suas sensações.

Período de 1901 a 1904 marca o início de um novo marco na poesia russa. Os poemas dos simbolistas estão imbuídos de um espírito revolucionário e uma premonição de mudanças futuras. Os simbolistas mais jovens: A. Blok, V. Ivanov, A. Bely - não negam o mundo, mas utopicamente aguardam sua transformação, elogiando a beleza divina, o amor e a feminilidade, que certamente mudarão a realidade. É com o aparecimento dos simbolistas mais jovens na arena literária que o conceito de símbolo entra na literatura. Os poetas a entendem como uma palavra multifacetada que reflete o mundo do "céu", a essência espiritual e ao mesmo tempo o "reino terrestre".

Simbolismo durante a Revolução

Poesia da Idade da Prata Russa em 1905-1907. está passando por mudanças. A maioria dos simbolistas, concentrando-se nos eventos sócio-políticos que ocorrem no país, está reconsiderando suas visões sobre o mundo e a beleza. Este último é agora entendido como o caos da luta. Poetas criam imagens de um novo mundo que vem substituir o moribundo. V. Ya. Bryusov cria o poema "The Coming Huns", A. Blok - "The Barge of Life", "Rising from the dark of the cells ...", etc.

O simbolismo também muda. Agora ela não se volta para a herança antiga, mas para o folclore russo, bem como para a mitologia eslava. Após a revolução, há uma demarcação dos simbolistas, que querem proteger a arte dos elementos revolucionários e, ao contrário, estão ativamente interessados ​​na luta social. Depois de 1907, as disputas dos simbolistas se esgotaram, e a imitação da arte do passado a substituiu. E desde 1910, o simbolismo russo está em crise, refletindo claramente sua inconsistência interna.

Acmeísmo na poesia russa

Em 1911, N. S. Gumilyov organizou um grupo literário - a Oficina de Poetas. Incluiu os poetas O. Mandelstam, G. Ivanov e G. Adamovich. Essa nova direção não rejeitou a realidade circundante, mas aceitou a realidade como ela é, afirmando seu valor. A "Oficina dos Poetas" passou a publicar sua própria revista "Hyperborea", além de trabalhos impressos em "Apollo". O Acmeísmo, originado como uma escola literária para encontrar uma saída para a crise do simbolismo, reuniu poetas muito diferentes em cenários ideológicos e artísticos.

Características do futurismo russo

A Idade de Prata na poesia russa deu origem a outra tendência interessante chamada "futurismo" (do latim futurum, ou seja, "futuro"). A busca de novas formas artísticas nas obras dos irmãos N. e D. Burlyukov, N. S. Goncharova, N. Kulbina, M. V. Matyushin tornou-se um pré-requisito para o surgimento dessa tendência na Rússia.

Em 1910, foi publicada a coleção futurista "O Jardim dos Juízes", na qual foram coletadas as obras de poetas mais brilhantes como V. V. Kamensky, V. V. Khlebnikov, os irmãos Burliuk, E. Guro. Esses autores formaram o núcleo dos chamados Cubo-Futuristas. Mais tarde, V. Mayakovsky se juntou a eles. Em dezembro de 1912, foi publicado um almanaque - "A Slap in the Face of Public Taste". Os versos dos Cubo-Futuristas "Buch of the Forest", "Dead Moon", "Roaring Parnassus", "Gag" tornaram-se objeto de inúmeras disputas. A princípio eles foram percebidos como uma forma de provocar os hábitos do leitor, mas com mais leitura cuidadosa revelou um desejo ardente de mostrar uma nova visão do mundo e um envolvimento social especial. O antiesteticismo se transformou em rejeição da beleza sem alma, falsa, a grosseria das expressões se transformou na voz da multidão.

egofuturistas

Além do cubofuturismo, surgiram várias outras correntes, inclusive o egofuturismo, encabeçado por I. Severyanin. Ele foi acompanhado por poetas como V. I. Gnezdov, I. V. Ignatiev, K. Olimpov e outros. Eles criaram a editora "Petersburg Herald", publicaram revistas e almanaques com nomes originais: "Skycops", "Eagles over the abyss", "Zasakhar Kry", etc. Seus poemas se distinguiam pela extravagância e muitas vezes eram compostos de palavras criadas por eles mesmos. Além dos ego-futuristas, havia mais dois grupos: "Centrifuga" (B. L. Pasternak, N. N. Aseev, S. P. Bobrov) e "Mezanino da Poesia" (R. Ivnev, S. M. Tretyakov, V. G. Sherenevich).

Em vez de uma conclusão

A Idade de Prata da poesia russa durou pouco, mas uniu uma galáxia dos poetas mais brilhantes e talentosos. Muitas de suas biografias se desenvolveram tragicamente, porque pela vontade do destino tiveram que viver e trabalhar em um momento tão fatal para o país, um ponto de virada nas revoluções e caos dos anos pós-revolucionários, a guerra civil, o colapso da esperanças e renascimento. Muitos poetas morreram após os trágicos acontecimentos (V. Khlebnikov, A. Blok), muitos emigraram (K. Balmont, Z. Gippius, I. Severyanin, M. Tsvetaeva), alguns tiraram a própria vida, foram fuzilados ou desapareceram nos campos de Stalin . Mas todos eles conseguiram dar uma enorme contribuição à cultura russa e enriquecê-la com suas obras expressivas, coloridas e originais.

Quem foi o primeiro a começar a falar sobre a “Idade de Prata”, por que esse termo era tão repugnante para os contemporâneos e quando finalmente se tornou lugar comum- Arzamas reconta os pontos-chave da obra de Omri Ronen "A Idade de Prata como Intenção e Ficção"

Aplicado na virada dos séculos XIX-XX, o conceito de "Idade de Prata" é um dos fundamentais para descrever a história da cultura russa. Hoje, ninguém pode duvidar da coloração positiva (pode-se até dizer “nobre”, como a própria prata) dessa frase – oposta, aliás, a características tão “decadentes” do mesmo período histórico na cultura ocidental como fin de siècle (“o fim do século”) ou “o fim de uma bela era”. O número de livros, artigos, antologias e antologias, onde a "Idade de Prata" aparece como uma definição estabelecida, simplesmente não pode ser contado. No entanto, a aparência da frase e o significado que os contemporâneos atribuem a ela não é nem um problema, mas toda uma história de detetive.

Pushkin no exame do liceu em Tsarskoye Selo. Pintura de Ilya Repin. 1911 Wikimedia Commons

Cada vez tem seu próprio metal

Vale a pena começar de longe, nomeadamente, com dois exemplos significativos quando as propriedades dos metais são atribuídas a uma época. E aqui vale a pena mencionar os clássicos antigos (principalmente Hesíodo e Ovídio), por um lado, e o amigo e co-editor de Pushkin em Sovremennik, Pyotr Aleksandrovich Pletnev, por outro.

O primeiro imaginava a história da humanidade como uma sucessão de várias raças humanas (em Hesíodo, por exemplo, ouro, prata, cobre, heróico e ferro; Ovídio abandonaria posteriormente a era dos heróis e preferiria a classificação apenas “segundo os metais”) , alternadamente criado pelos deuses e eventualmente desaparecendo da face da terra.

O crítico Pyotr Alexandrovich Pletnev primeiro chamou a era de Zhukovsky, Batyushkov, Pushkin e Baratynsky a "idade de ouro" da poesia russa. A definição foi rapidamente aceita pelos contemporâneos e em meados do século 19 tornou-se um lugar-comum. Nesse sentido, chamar a próxima grande onda de cultura poética (e não apenas) de idade da “prata” não passa de humilhação: a prata é um metal muito menos nobre que o ouro.

Assim fica claro por que os estudiosos das humanidades, que emergiram do caldeirão cultural da virada do século, ficaram profundamente enojados com a frase “idade de prata”. Estes foram o crítico e tradutor Gleb Petrovich Struve (1898-1985), o linguista Roman Osipovich Yakobson (1896-1982) e o historiador literário Nikolai Ivanovich Khardzhiev (1903-1996). Todos os três falaram da "Idade de Prata" com considerável irritação, chamando diretamente esse nome de errôneo e incorreto. Entrevistas com palestras de Struve e Jacobson em Harvard inspiraram Omri Ronen (1937-2012) a explorar as fontes e razões para o surgimento do termo "Idade de Prata" de uma maneira fascinante (quase detetive). Esta nota apenas afirma ser uma releitura popular do trabalho do notável erudito erudito "A Idade de Prata como intenção e ficção".

Berdyaev e o erro do memorialista

Dmitry Petrovich Svyatopolk-Mirsky (1890-1939), um dos críticos mais influentes da diáspora russa e autor de uma das melhores "História da Literatura Russa", preferiu chamar a abundância cultural que o cercava de "segunda idade de ouro" . De acordo com a hierarquia dos metais preciosos, Mirsky chamou a era de Fet, Nekrasov e Alexei Tolstoy de “Idade de Prata”, e aqui ele coincidiu com os filósofos Vladimir Solovyov e Vasily Rozanov, que designaram para a “Idade de Prata” um período de aproximadamente 1841 a 1881.

Nikolai Berdyaev Wikimedia Commons

É ainda mais importante salientar que Nikolai Alexandrovich Berdyaev (1874-1948), a quem tradicionalmente é creditado a autoria do termo "Idade de Prata" em relação à virada dos séculos XIX-XX, na verdade imaginou desenvolvimento cultural quase o mesmo que seus colegas na oficina filosófica. De acordo com a tradição estabelecida, Berdyaev chamou a era Pushkin de idade de ouro e o início do século 20, com seu poderoso surto criativo, o renascimento cultural russo (mas de forma alguma religioso). É característico que a frase "idade de prata" não seja encontrada em nenhum dos textos de Berdyaev. Ao atribuir a Berdyaev a fama duvidosa do descobridor do termo, várias linhas das memórias do poeta e crítico Sergei Makovsky "On the Parnassus of the Silver Age", publicadas em 1962, são as culpadas:

“A languidez do espírito, o desejo do “além” permeou nossa época, a “Idade de Prata” (como Berdyaev a chamou, em oposição à “Idade de Ouro” de Pushkin), parcialmente sob a influência do Ocidente.”

O misterioso Gleb Marev e o surgimento do termo

O primeiro escritor que trabalhou na virada do século e declarou sua própria era a "Idade de Prata" foi o misterioso Gleb Marev (quase nada se sabe sobre ele, então é possível que o nome fosse um pseudônimo). Em 1913, sob seu nome, o panfleto “Vsedury. Gauntlet with Modernity”, que incluía o manifesto do “Fim da Era de Poesi”. É aí que está contida a formulação das metamorfoses metalúrgicas da literatura russa: “Pushkin é ouro; simbolismo - prata; a modernidade é uma tola de cobre sem graça.”

R. V. Ivanov-Razumnik com filhos: filho Leo e filha Irina. década de 1910 Biblioteca Nacional Russa

Se levarmos em conta a natureza paródica bastante provável da obra de Marev, fica claro o contexto em que a frase "Idade de Prata" foi originalmente usada para descrever a era moderna para os escritores. Foi em uma veia polêmica que o filósofo e publicitário Razumnik Vasilyevich Ivanov-Razumnik (1878-1946) falou, no artigo de 1925 "Olhe e Algo" zombando venenosamente (sob o pseudônimo de Griboedov Ippolit Udushyev) sobre Zamyatin, "Irmãos Serapião" "Irmãos Serapião" - uma associação de jovens prosadores, poetas e críticos, que surgiu em Petrogrado em 1º de fevereiro de 1921. Os membros da associação eram Lev Lunts, Ilya Gruzdev, Mikhail Zoshchenko, Veniamin Kaverin, Nikolai Nikitin, Mikhail Slonimsky, Elizaveta Polonskaya, Konstantin Fedin, Nikolai Tikhonov, Vsevolod Ivanov., acmeístas e até formalistas. O segundo período do modernismo russo, que floresceu na década de 1920, Ivanov-Razumnik desdenhosamente apelidou de “Idade de Prata”, prevendo o declínio ainda maior da cultura russa:

Quatro anos depois, em 1929, o poeta e crítico Vladimir Pyast (Vladimir Alekseevich Pestovsky, 1886-1940), no prefácio de suas memórias "Encontros", falou seriamente sobre a "idade de prata" da poesia contemporânea (é possível que ele fez isso na ordem da disputa com Ivanov-Razumnik) - embora de forma muito inconsistente e prudente:

“Estamos longe de pretender comparar nossos pares, “oitenta” de nascimento, com representantes de algum tipo de “Idade de Prata” da Rússia, digamos, “modernismo”. No entanto, em meados dos anos oitenta, nasceu um número bastante significativo de pessoas que foram chamadas para "servir as musas".

Piast também encontrou as idades "ouro" e "prata" na literatura clássica russa - ele tentou projetar o mesmo esquema de dois estágios na cultura contemporânea, falando de diferentes gerações de escritores.

A Era de Prata está ficando maior

Revista "Números" imwerden.de

A expansão do escopo do conceito de "Idade de Prata" pertence aos críticos da emigração russa. O primeiro a difundir o termo, aplicando-o à descrição de toda a era pré-revolucionária do modernismo na Rússia, foi Nikolai Avdeevich Otsup (1894-1958). Inicialmente, ele apenas repetiu os pensamentos conhecidos de Piast em um artigo de 1933 intitulado "A Idade de Prata da Poesia Russa" e publicado na popular revista de emigrantes parisienses Chisla. Otsup, sem mencionar Piast de forma alguma, na verdade emprestou deste último a ideia de dois séculos de modernismo russo, mas jogou fora a “idade de ouro” do século XX. Aqui está um exemplo típico do raciocínio de Otsup:

“Atrasada em seu desenvolvimento, a Rússia, por uma série de razões históricas, foi forçada a realizar em pouco tempo o que havia sido feito na Europa por vários séculos. A ascensão inimitável da "idade de ouro" é parcialmente explicada por isso. Mas o que chamamos de “Idade de Prata”, em termos de força e energia, bem como a abundância de criaturas incríveis, quase não tem analogia no Ocidente: são, por assim dizer, fenômenos espremidos em três décadas, que ocuparam , por exemplo, na França ao longo do século XIX e início do XX."

Foi este artigo de compilação que introduziu a expressão "idade de prata" no léxico da emigração literária russa.

Um dos primeiros a captar esta frase foi o conhecido crítico parisiense Vladimir Vasilievich Veidle (1895-1979), que escreveu em seu artigo “Três Rússias” publicado em 1937:

“A coisa mais impressionante na história recente da Rússia é que aquela era de prata da cultura russa, que precedeu seu colapso revolucionário, acabou sendo possível.”

Membros do Sounding Shell Studio. Foto de Moses Nappelbaum. 1921À esquerda - Frederica e Ida Nappelbaum, no centro - Nikolai Gumilyov, à direita - Vera Lurie e Konstantin Vaginov, abaixo - Georgy Ivanov e Irina Odoevtseva. Crimeia Literária / vk.com

Aqui o novo termo para a época está apenas começando a ser usado como algo óbvio, embora isso não signifique que foi a partir de 1937 que a ideia da “Idade de Prata” já se tornou de domínio público: o ciumento mórbido Otsup em um versão revisada de seu artigo, publicada após a morte do crítico , acrescentou especialmente as palavras de que foi ele quem primeiro possuiu o nome "para caracterizar a literatura russa modernista". E aqui surge uma pergunta razoável: o que as "figuras" da era da "Idade de Prata" pensavam sobre si mesmas? Como os próprios poetas se definiam, representando essa época? Por exemplo, Osip Mandelstam aplicou o conhecido termo “Sturm und Drang” (“Tempestade e Drang”) à era do modernismo russo.

A frase "Idade de Prata" aplicada ao início do século 20 é encontrada apenas em dois grandes poetas(ou melhor, poetisa). No artigo de Marina Tsvetaeva "O Diabo", publicado em 1935 na principal revista de emigrantes parisienses "Notas Modernas", as seguintes linhas foram removidas durante a publicação (mais tarde foram restauradas por pesquisadores): nós, as crianças da idade de prata, precisamos de cerca de trinta moedas de prata”.

Desta passagem segue-se que Tsvetaeva, primeiramente, estava familiarizado com o nome "Idade de Prata"; em segundo lugar, ela o percebeu com um grau suficiente de ironia (é possível que essas palavras fossem uma reação ao raciocínio acima de Otsup em 1933). Finalmente, talvez os mais famosos sejam os versos do Poema Sem Herói de Anna Akhmatova:

No arco de Galernaya escurecido,
No verão, o cata-vento cantava sutilmente,
E a lua prateada é brilhante
Congelado durante a Idade de Prata.

Compreender essas linhas é impossível sem se referir ao contexto mais amplo da obra do poeta, mas não há dúvida de que a "Idade de Prata" de Akhmatova não é uma definição de uma época, mas uma citação comum que tem sua própria função em um texto literário. Para o autor de “Um Poema Sem Herói”, dedicado a resumir os resultados, o nome “Idade de Prata” não é uma característica da época, mas um de seus nomes (obviamente não indiscutível) dado por críticos literários e outros figuras.

No entanto, a frase em discussão rapidamente perdeu seu significado original e começou a ser usada como termo de classificação. Mikhail Leonovich Gasparov escreveu no prefácio da antologia poética da virada do século: “A poética da Idade de Prata em questão é, antes de tudo, a poética do modernismo russo. É costume chamar três tendências poéticas, que anunciaram sua existência entre 1890 e 1917 ... ”Assim, a definição rapidamente se consolidou e foi aceita por leitores e pesquisadores (é possível que por falta de uma melhor) e estendida à pintura, escultura, arquitetura e outras áreas da cultura.

Idade de Prata na Literatura Russa
A “idade de prata” poética russa tradicionalmente se encaixa no início do século 20, na verdade, sua fonte é o século 19, e tem todas as suas raízes na “idade de ouro”, na obra de A.S. Pushkin, no legado da galáxia de Pushkin, na filosofia de Tyutchev, nas letras impressionistas de Fet, nos prosismos de Nekrasov, nas linhas de K. Sluchevsky, cheias de psicologismo trágico e vagos pressentimentos. Em outras palavras, a década de 1990 começou a folhear rascunhos de livros que logo formaram a biblioteca do século XX. A partir dos anos 90, começou a semeadura literária, que trouxe brotos.
O próprio termo “Idade de Prata” é muito condicional e abrange um fenômeno com contornos controversos e relevo irregular. Pela primeira vez este nome foi proposto pelo filósofo N. Berdyaev, mas finalmente entrou na circulação literária nos anos 60 deste século.
A poesia deste século foi caracterizada principalmente pelo misticismo e uma crise de fé, espiritualidade e consciência. As linhas se tornaram a sublimação da doença mental, desarmonia mental, caos interno e confusão.
Toda a poesia da Idade de Prata, absorvendo avidamente o legado da Bíblia, a mitologia antiga, a experiência da literatura europeia e mundial, está intimamente ligada ao folclore russo, com suas canções, lamentações, lendas e cantigas.
No entanto, às vezes eles dizem que a "Idade de Prata" é um fenômeno ocidental. De fato, ele escolheu como diretrizes o esteticismo de Oscar Wilde, o espiritualismo individualista de Alfred de Vigny, o pessimismo de Schopenhauer, o super-homem de Nietzsche. A "Idade de Prata" encontrou seus ancestrais e aliados em vários países europeus e em diferentes séculos: Villon, Mallarmé, Rimbaud, Novalis, Shelley, Calderón, Ibsen, Maeterlinck, d'Annuzio, Gauthier, Baudelaire, Verharne.
Ou seja, no final do século XIX - início do século XX houve uma reavaliação dos valores do ponto de vista do europeísmo. Mas à luz da nova era que chegou completamente o oposto aquele que ela substituiu, tesouros nacionais, literários e folclóricos apareceram sob uma luz diferente, mais brilhante do que nunca.
Era um espaço criativo cheio de sol, brilhante e vivificante, ansiando por beleza e auto-afirmação. E embora chamemos essa época de "prata" e não de "idade de ouro", talvez tenha sido a era mais criativa da história russa.

“Silver Age” é percebido pela maioria dos leitores como uma metáfora para bons e amados escritores do início do século 20. Dependendo do gosto pessoal, pode haver A. Blok e V. Mayakovsky, D. Merezhkovsky e I. Bunin, N. Gumilyov e S. Yesenin, A. Akhmatova e A. Kruchenykh, F. Sologub e A. Kuprin.
“Estudos Literários Escolares” para completar o quadro, eles adicionam a lista nomeada de M. Gorky e linha inteira Escritores de "conhecimento"
(artistas agrupados em torno da editora Gorky "Knowledge").
Com esse entendimento, a Idade da Prata torna-se sinônimo do conceito antigo e muito mais científico de “literatura do final do século XIX - início do século XX”.
A poesia da Idade de Prata pode ser dividida em várias correntes principais como: SIMBOLISMO. (D. Merezhkovsky,
K. Balmont, V. Bryusov, F. Sologub, A. Blok, A. Bely), PRÉ-ACMEISM. ACMEISM. (M. Kuzmin, N. Gumilyov,
A. Akhmatova, O. Mandelstam),
“LITERATURA CAMPONESA” (N. Klyuev, S. Yesenin)
FUTURISTAS DA IDADE DE PRATA (I. Severyanin, V. Khlebnikov)

SIMBOLISMO

O simbolismo russo como uma tendência literária desenvolvida na virada dos séculos 19 e 20.
As raízes teóricas, filosóficas e estéticas e as fontes de criatividade dos escritores-simbolistas eram muito diversas. Então V. Bryusov considerou o simbolismo uma direção puramente artística, Merezhkovsky baseou-se no ensino cristão, Vyach. Ivanov buscava suporte teórico na filosofia e na estética do mundo antigo, refratada pela filosofia de Nietzsche; A. Bely gostava de Vl. Solovyov, Schopenhauer, Kant, Nietzsche.
O órgão artístico e jornalístico dos simbolistas foi a revista Scales (1904-1909). Para nós, não pode haver nenhuma questão de conciliar o caminho de um indivíduo heróico individual com os movimentos instintivos das massas, sempre subordinados a motivos estritamente egoístas e materiais.
Essas atitudes determinaram a luta dos simbolistas contra a literatura e a arte democráticas, que se expressou na calúnia sistemática de Górki, em um esforço para provar que, tendo chegado às fileiras dos escritores proletários, acabou como artista, na tentativa de desacreditar a crítica democrática revolucionária e a estética, seus grandes criadores - Belinsky, Dobrolyubov, Chernyshevsky. Os simbolistas tentaram de todas as maneiras possíveis fazer Pushkin, Gogol, chamado Vyach. Ivanov "um espião assustado da vida", Lermontov, que, de acordo com o mesmo Vyach. Ivanov, o primeiro tremeu com “um pressentimento do símbolo dos símbolos - Feminilidade Eterna” c.
Uma forte oposição entre simbolismo e realismo também está ligada a essas atitudes. “Enquanto os poetas realistas”, escreve K. Balmont, “vêem o mundo ingenuamente, como simples observadores, obedecendo à sua base material, os poetas simbolistas, recriando a materialidade com sua complexa impressionabilidade, dominam o mundo e penetram em seus mistérios”. opor razão e intuição: "... A arte é a compreensão do mundo de outras maneiras não racionais", diz V. Bryusov e chama as obras dos simbolistas de "chaves místicas de segredos" que ajudam uma pessoa a alcançar a liberdade ."
O legado dos simbolistas é representado pela poesia, prosa e drama. No entanto, a mais característica é a poesia.
Complexo e jeito difícil V. Ya. Bryusov (1873 - 1924) passou por buscas ideológicas. A revolução de 1905 despertou a admiração do poeta e contribuiu para o início de seu afastamento do simbolismo. No entanto, Bryusov não chegou imediatamente a uma nova compreensão da arte. A atitude de Bryusov em relação à revolução é complexa e contraditória. Ele saudou as forças de limpeza que se levantaram para lutar contra o velho mundo, mas acreditava que elas apenas trazem o elemento de destruição:

Vejo uma nova luta em nome de uma nova vontade!
Break - eu estarei com você! construir não!

A poesia de V. Bryusov desta época é caracterizada pelo desejo de uma compreensão científica da vida, o despertar do interesse pela história. A. M. Gorky valorizou muito a educação enciclopédica de V. Ya. Bryusov, chamando-o de o escritor mais culto da Rússia. Bryusov recebeu e deu boas-vindas revolução de outubro e participou ativamente da construção da cultura soviética.
As contradições ideológicas da época (de uma forma ou de outra) influenciaram escritores realistas individuais. No destino criativo de L. N. Andreev (1871 - 1919), eles se refletiram em um conhecido afastamento do método realista. No entanto, o realismo como uma tendência na cultura artística manteve sua posição. Os escritores russos continuaram interessados ​​na vida em todas as suas manifestações, no destino do homem comum e nos importantes problemas da vida social.
As tradições do realismo crítico continuaram sendo preservadas e desenvolvidas na obra do grande escritor russo I. A. Bunin (1870 - 1953). Suas obras mais significativas da época são os contos “Village” (1910) e “Dry Valley” (1911).
1912 foi o início de um novo surto revolucionário na vida social e política da Rússia.
D. Merezhkovsky, F. Sologub, Z. Gippius, V. Bryusov, K. Balmont e outros são um grupo de simbolistas “sênior” que foram os iniciadores do movimento. No início dos anos 900, surgiu um grupo de simbolistas "mais jovens" - A. Bely, S. Solovyov, Vyach. Ivanov, "A. Blok e outros.
A plataforma dos simbolistas “mais jovens” é baseada em filosofia idealista Vl. Solovyov com sua ideia do Terceiro Testamento e o advento da Eterna Feminilidade.Vl. Solovyov argumentou que a mais alta tarefa da arte é “... a criação de um organismo espiritual universal”, que uma obra de arte é uma imagem de um objeto e fenômeno “à luz do mundo futuro”, o que explica a compreensão de o papel do poeta como teurgo, um clérigo. Isso, segundo A. Bely, "combina as alturas do simbolismo como arte com o misticismo".
O reconhecimento de que existem “outros mundos”, que a arte deve se esforçar para expressá-los, determina a prática artística do simbolismo como um todo, cujos três princípios são proclamados na obra de D. Merezhkovsky “Sobre as causas do declínio e novas tendências na literatura russa moderna”. É “... conteúdo místico, símbolos e expansão da impressionabilidade artística”.
Com base na premissa idealista da primazia da consciência, os simbolistas argumentam que a realidade, a realidade é criação do artista:

Meu sonho - e todos os espaços
E todas as linhas
O mundo inteiro é uma das minhas decorações,
Minhas pegadas
(F. Sologub)

“Ter rompido os grilhões do pensamento, ser algemado é um sonho”, chama K. Balmont. A vocação do poeta é conectar o mundo real com o mundo além.

A declaração poética do simbolismo é claramente expressa no poema de Vyach. Ivanov "Entre as Montanhas Surdas":

E eu pensei: “Oh gênio! Como este chifre
Você deve cantar a canção da terra, para que nos corações
Acorde outra música. Bem-aventurado aquele que ouve."
.E por detrás das montanhas ouviu-se uma voz respondendo:
“A natureza é um símbolo, como este chifre. Ela é
Parece um eco. E o som é deus.
Bem-aventurado aquele que ouve a canção e ouve o eco.”

A poesia simbolista é poesia para a elite, para os aristocratas do espírito.
Um símbolo é um eco, uma dica, uma indicação; ele transmite um significado oculto.

Os simbolistas se esforçam para criar uma metáfora complexa, associativa, abstrata e irracional. Este é o “silêncio sonoro” de V. Bryusov, “E olhos brilhantes são rebeldia escura” de Vyach. Ivanov, “desertos secos do amanhecer” por A. Bely e por ele: “Dia - pérolas sem brilho - uma lágrima - flui do nascer ao pôr do sol”. Com bastante precisão, esta técnica é revelada no poema 3. Gippius "Costureira".

Em todos os fenômenos há um selo.
Um parece fundir-se com o outro.
Tendo aceitado um - tento adivinhar
Atrás dele está outra coisa, algo que está escondido."

A expressividade sonora do verso adquiriu uma importância muito grande na poesia dos simbolistas, por exemplo, em F. Sologub:
E dois copos profundos
Do vidro de voz fina
Você substituiu o copo de luz
E doce espuma de lila,
Lila, lila, lila, arrasou
Dois óculos escuros escarlates.
Mais branco, lírio, beco deu
Bela era você e alá..."

A revolução de 1905 encontrou uma refração peculiar na obra dos simbolistas.
Merezhkovsky saudou o ano de 1905 com horror, tendo presenciado com seus próprios olhos a chegada do “bobing vindo” por ele previsto. animadamente, com desejo afiado entender abordou os eventos do Bloco. V. Bryusov saudou a tempestade de limpeza.
Nos dez anos do século XX, o simbolismo precisava ser atualizado. “Nas profundezas do próprio simbolismo”, escreveu V. Bryusov no artigo “O significado da poesia moderna”, surgiram novas tendências que tentaram infundir novas forças em um organismo decrépito. Mas essas tentativas foram muito parciais, seus iniciadores muito imbuídos das mesmas tradições da escola, para que a renovação tivesse algum significado.
A última década pré-outubro foi marcada por buscas na arte modernista. A polêmica em torno do simbolismo que ocorreu em 1910 entre a intelectualidade artística revelou sua crise. Como disse N. S. Gumilyov em um de seus artigos, “o simbolismo completou seu círculo de desenvolvimento e agora está caindo”. Foi substituído por akmeizl ~ (do grego “acme” - o mais alto grau de algo, o tempo de floração). N. S. Gumilyov (1886 - 1921) e S. M. Gorodetsky (1884 - 1967) são considerados os fundadores do acmeísmo. O novo grupo poético incluía A. A. Akhmatova, O. E. Mandelstam, M. A. Zenkevich, M. A. Kuzmin e outros.

ACMEÍSMO
Acmeístas, em contraste com a nebulosa simbolista, proclamavam o culto da existência terrena real, "uma visão corajosamente firme e clara da vida". Mas, ao mesmo tempo, tentaram afirmar, antes de tudo, a função estético-hedonista da arte, fugindo Problemas sociais em sua poesia. Na estética do acmeísmo, as tendências decadentes foram claramente expressas, e o idealismo filosófico permaneceu sua base teórica. No entanto, entre os acmeístas havia poetas que em seu trabalho foram capazes de ir além dessa “plataforma” e adquirir novas qualidades ideológicas e artísticas (A. A. Akhmatova, S. M. Gorodetsky, M. A. Zenkevich).

Em 1912, com a coletânea “Hyperborea”, declara-se uma nova corrente literária, que se apropriou do nome acmeísmo (do grego acme, que significa o mais alto grau de algo, o tempo da prosperidade). A “loja dos poetas”, como seus representantes se autodenominavam, incluía N. Gumilyov, A. Akhmatova, O. Mandelstam, S. Gorodetsky, G. Ivanov, M. Zenkevich e outros. M. Kuzmin, M. Voloshin também se juntaram a este direção. , V. Khodasevich e outros.
Acmeístas se consideravam herdeiros de um "pai digno" - simbolismo que, nas palavras de N. Gumilyov, "... completou seu círculo de desenvolvimento e agora está caindo". Aprovando o princípio bestial e primitivo (também se autodenominavam Adamistas), os Acmeístas continuaram a “lembrar o incognoscível” e em seu nome proclamaram qualquer recusa em lutar pela mudança de vida. “Rebelar-se em nome de outras condições de estar aqui, onde há morte”, escreve N. Gumilyov em sua obra “A herança do simbolismo e do acmeísmo”, “é tão estranho quanto um prisioneiro quebrando uma parede quando há uma abertura porta na frente dele.”
S. Gorodetsky também afirma o mesmo: “Depois de todas as “rejeições”, o mundo é irrevogavelmente aceito pelo acmeísmo, na totalidade de belezas e feiuras”. O homem moderno sentia-se como um animal, “privado de garras e lã” (M. Zenkevich “Porfírio Selvagem”), Adam, que “... à vida e ao mundo".

E, ao mesmo tempo, notas de desgraça e saudade soam constantemente entre os acmeístas. A obra de A. A. Akhmatova (A. A. Gorenko, 1889 - 1966) ocupa um lugar especial na poesia do acmeísmo. Sua primeira coleção de poesias “Evening” foi publicada em 1912. Os críticos imediatamente notaram as características distintivas de sua poesia: contenção de entonações, ênfase na intimidade dos temas, psicologismo. A poesia inicial de Akhmatova é profundamente lírica e emocional. Com seu amor pelo homem, sua fé em seus poderes e possibilidades espirituais, ela claramente se afastou da ideia acmeísta de “Adão original”. A parte principal do trabalho de A. A. Akhmatova cai no período soviético.
As primeiras coleções de A. Akhmatova "Noite" (1912) e "Rosário" (1914) trouxeram-lhe grande fama. Um mundo íntimo fechado e estreito é exibido em sua obra, pintado em tons de tristeza e tristeza:

Não peço sabedoria ou força.
Oh, deixe-me apenas me aquecer perto do fogo!
Estou com frio... Alado ou sem asas,
O deus alegre não me visitará."

O tema do amor, o principal e único, está diretamente relacionado ao sofrimento (o que se deve aos fatos da biografia da petess):

Deixe-o deitar como uma lápide
Na vida do meu amor."

Descrevendo o trabalho inicial de A. Akhmatova, Al. Surkov diz que ela aparece “... como uma poetisa de uma individualidade poética bem definida e forte talento lírico... experiências líricas íntimas enfaticamente “femininas” ...”.
A. Akhmatova entende que “vivemos solenemente e com dificuldade”, que “em algum lugar há uma vida simples e luz”, mas ela não quer desistir dessa vida:

Sim, eu os amava, essas reuniões da noite -
Copos de gelo em uma pequena mesa,
Sobre café preto cheiroso, vapor fino,
Lareira vermelha pesada, calor do inverno,
A alegria de uma piada literária cáustica
E o primeiro olhar de um amigo, indefeso e assustador."

Os acmeístas buscavam devolver à imagem sua concretude viva, objetividade, para libertá-la da cifragem mística, sobre a qual O. Mandelstam falava com muita raiva, assegurando que os simbolistas russos “... selaram todas as palavras, todas as imagens, destinando-as exclusivamente para uso litúrgico. Acabou sendo extremamente desconfortável - nem passar, nem levantar, nem sentar. Você não pode jantar em uma mesa, porque não é apenas uma mesa. É estúpido acender uma fogueira, porque isso, talvez, signifique que você mesmo não será feliz mais tarde. ”
E, ao mesmo tempo, os acmeístas argumentam que suas imagens são nitidamente diferentes das realistas, porque, nas palavras de S. Gorodetsky, eles “... nascem pela primeira vez” “como até então desconhecidos, mas a partir de agora fenômenos reais". Isso determina a sofisticação e o maneirismo peculiar da imagem acmeísta, em qualquer selvageria bestial deliberada que apareça. Por exemplo, Voloshin:
Pessoas são animais, pessoas são répteis,
Como uma aranha maligna de cem olhos,
Eles entrelaçam seus olhares."

O alcance dessas imagens é reduzido, o que atinge extrema beleza e permite alcançar uma sofisticação cada vez maior ao descrevê-la:

Colmeia de neve mais lenta
Mais transparente que as janelas de cristal,
E um véu turquesa
Descuidado jogado em uma cadeira.
Tecido intoxicado consigo mesmo
Entregue-se à carícia da luz,
Ela experimenta o verão
Como se não tivesse sido tocado pelo inverno.
E se em diamantes de gelo
A geada da eternidade flui,
Aqui está a vibração das libélulas
Vida rápida, olhos azuis."
(O. Mandelstam)
Significativo em seu valor artístico herança literária N. S. Gumilev. Temas exóticos e históricos prevaleceram em seu trabalho, ele era um cantor de “personalidade forte”. Gumilyov desempenhou um grande papel no desenvolvimento da forma do verso, que se distinguiu por sua nitidez e precisão.

Em vão os Acmeístas se dissociaram tão nitidamente dos Simbolistas. Encontramos os mesmos “outros mundos” e ansiamos por eles em sua poesia. Assim, N. Gumilyov, que saudou a guerra imperialista como uma causa “santa”, afirmando que “serafins, claros e alados, visíveis por trás dos ombros dos guerreiros”, um ano depois escreveu poemas sobre o fim do mundo, sobre a morte da civilização:

Monstros são ouvidos rugidos pacíficos,
De repente, a chuva está caindo,
E todo mundo aperta os gordos
Cavalinhas verdes claras.

Uma vez que um conquistador orgulhoso e corajoso entende o destruidor
a destrutividade da inimizade que engolfou a humanidade:

Não é tudo igual? Deixe o tempo rolar
Nós te entendemos, terra:
Você é apenas um porteiro sombrio
Na entrada dos campos de Deus.

Isso explica sua rejeição da Grande Revolução Socialista de Outubro. Mas seu destino não foi uniforme. Alguns deles emigraram; N. Gumilyov supostamente "participou ativamente da conspiração contra-revolucionária" e foi baleado. No poema "Trabalhador" ele previu seu fim nas mãos do proletário, que lançou uma bala, "que me separará da terra".

E o Senhor me recompensará plenamente
Para o meu curto e curto século.
Eu fiz isso em uma blusa cinza claro
Um velho baixinho.

Poetas como S. Gorodetsky, A. Akhmatova, V. Narbut, M. Zenkevich não puderam emigrar.
Por exemplo, A. Akhmatova, que não entendia e não aceitava a revolução, recusou-se a deixar sua terra natal:

Eu tinha uma voz. Ele chamou confortavelmente
Ele disse: "Venha aqui,
Deixe sua terra surda e pecadora,
Deixe a Rússia para sempre.
Lavarei o sangue de suas mãos,
Vou tirar a vergonha negra do meu coração,
Vou cobrir com um novo nome
A dor da derrota e do ressentimento.
Mas indiferente e calmo
Eu cobri meus ouvidos com minhas mãos

Ela não retornou imediatamente à criatividade. Mas a Grande Guerra Patriótica novamente despertou nela um poeta, um poeta patriota, confiante na vitória de sua pátria (“My-zhestvo”, “Juramento”, etc.). A. Akhmatova escreveu em sua autobiografia que para ela em versos "... minha conexão com o tempo, com a nova vida do meu povo".

FUTURISMO
Simultaneamente com acmeísmo em 1910 - 1912. surgiu o futurismo. Como outras correntes modernistas, era internamente contraditória. O mais significativo dos grupos futuristas, que mais tarde recebeu o nome de cubo-futurismo, uniu poetas como D. D. Burliuk, V. V. Khlebnikov, A. Kruchenykh, V. V. Kamensky, V. V. Mayakovsky e alguns outros. Uma variedade de futurismo foi o ego-futurismo de I. Severyanin (I. V. Lotarev, 1887 - 1941). Em um grupo de futuristas chamado "Centrifuge" eles iniciaram seu caminho criativo poetas soviéticos N. N. Aseev e B. L. Pasternak.
O futurismo proclamou uma revolução da forma, independente do conteúdo, a liberdade absoluta do discurso poético. Os futuristas abandonaram as tradições literárias. Em seu manifesto com o chocante título "Um tapa na cara do gosto público", publicado em uma coletânea com o mesmo nome em 1912, eles pediam que Pushkin, Dostoiévski, Tolstoi fossem jogados do "barco a vapor da modernidade". A. Kruchenykh defendeu o direito do poeta de criar uma linguagem “abtrusa” que não tenha um significado específico. Em seus escritos, a fala russa foi de fato substituída por um conjunto de palavras sem sentido. No entanto, V. Khlebnikov (1885 - 1922), V.V. Kamensky (1884 - 1961) conseguiu em sua prática criativa realizar experimentos interessantes no campo da palavra, que tiveram um efeito benéfico na poesia russa e soviética.
Entre os poetas futuristas, começou o caminho criativo de V. V. Mayakovsky (1893 - 1930). Seus primeiros poemas foram impressos em 1912. Desde o início, Mayakovsky se destacou na poesia do futurismo, introduzindo seu próprio tema nela. Ele sempre falou não apenas contra "todo tipo de lixo", mas também pela criação de um novo na vida pública.
Nos anos que antecederam a Grande Revolução de Outubro, Mayakovsky foi um romântico revolucionário apaixonado, um acusador do reino dos "gordos", prevendo uma tempestade revolucionária. O pathos de negar todo o sistema de relações capitalistas, a fé humanista em uma pessoa com enorme força soou em seus poemas "A Cloud in Pants", "Flute-Spine", "War and Peace", "Man". O tema do poema "A Cloud in Pants", publicado em 1915 de forma truncada pela censura, Mayakovsky definiu mais tarde como quatro gritos de "abaixo": "Abaixo seu amor!", "Abaixo sua arte!", " Abaixo seu sistema!" , "Abaixo sua religião!" Ele foi o primeiro dos poetas que mostrou em suas obras a verdade da nova sociedade.
Na poesia russa dos anos pré-revolucionários havia individualidades brilhantes que são difíceis de atribuir a uma determinada tendência literária. Tais são M. A. Voloshin (1877 - 1932) e M. I. Tsvetaeva (1892 - 1941).

Depois de 1910, surgiu outra tendência - o futurismo, que se opôs fortemente não apenas à literatura do passado, mas também à literatura do presente, que entrou no mundo com o desejo de derrubar tudo e tudo. Esse niilismo também se manifestava no design externo de coleções futuristas, que eram impressas em papel de embrulho ou lado reverso papel de parede e nos títulos - "Leite de Égua", "Lua Morta", etc.
Na primeira coletânea “Um tapa na cara do gosto público” (1912), foi publicada uma declaração assinada por D. Burliuk, A. Kruchenykh, V. Khlebnikov, V. Mayakovsky. Nela, os futuristas afirmavam-se e somente a si mesmos como os únicos porta-vozes de sua época. Eles exigiam “Desista de Pushkin, Dostoiévski, Tolstoi e assim por diante. e assim por diante. do Steamboat do nosso tempo”, negaram ao mesmo tempo “a fornicação da perfumaria de Balmont”, falaram sobre o “muco sujo dos livros escritos pelos intermináveis ​​Leonid Andreevs”, descontando indiscriminadamente Gorky, Kuprin, Blok, etc.
Rejeitando tudo, eles afirmaram “O relâmpago da nova vinda Beleza do Verbo Autovalorizado (autossuficiente)”. Ao contrário de Mayakovsky, eles não tentaram derrubar o sistema existente, mas apenas procuraram atualizar as formas de reprodução da vida moderna.
A base do futurismo italiano com seu slogan “a guerra é a única higiene do mundo” foi enfraquecida na versão russa, mas, como V. Bryusov observa no artigo “O significado da poesia moderna”, essa ideologia “.. apareceu nas entrelinhas, e as massas de leitores instintivamente evitaram essa poesia."
“Pela primeira vez, os futuristas elevaram a forma à altura adequada”, afirma V. Shershenevich, “dando-lhe o valor de um fim em si mesmo, o elemento principal de uma obra poética. Eles rejeitaram completamente os versos que foram escritos para a ideia.” Isso explica o surgimento de um grande número de princípios formais declarados, como: “Em nome da liberdade de um caso pessoal, negamos a ortografia” ou “Destruímos os sinais de pontuação - em vez do papel da massa verbal - colocados adiante e realizado pela primeira vez” (“O Jardim dos Juízes”).
O teórico futurista V. Khlebnikov proclama que a linguagem do futuro do mundo "será uma linguagem 'transracional'". A palavra perde seu significado semântico, adquirindo uma coloração subjetiva: “Entendemos vogais como tempo e espaço (a natureza da aspiração), consoantes - tinta, som, cheiro”. V. Khlebnikov, buscando ampliar os limites da língua e suas possibilidades, propõe a criação de novas palavras a partir do traço raiz, por exemplo:

(raízes: chur... e charme...)
Somos encantados e tímidos.
Encantado ali, evitando aqui, Agora churahar, depois charahar, Aqui churil, ali Charil.
Do churyn, o olhar do charyn.
Existe um churavel, existe um charavel.
Charari! Churari!
Churel! Charel!
Chares e chures.
E se afaste e se afaste."

Os futuristas opõem a desestetização deliberada ao esteticismo enfatizado da poesia dos simbolistas e especialmente dos acmeístas. Assim, em D. Burliuk, “a poesia é uma menina desgastada”, “a alma é uma taberna e o céu é uma lágrima”, em V. Shershenevich “em um parque cuspidor”, uma mulher nua quer “espremer o leite de seus seios flácidos”. Na resenha “O Ano da Poesia Russa” (1914), V. Bryusov, observando a deliberada grosseria dos poemas dos futuristas, observa com razão: “Não é suficiente vilipendiar tudo o que foi e tudo o que está fora do seu círculo com palavrões, para já encontrar algo novo.”
Ele ressalta que todas as suas inovações são imaginárias, porque encontramos alguns deles entre os poetas do século 18, com outros em Pushkin e Virgílio, que a teoria dos sons - cores foi desenvolvida por T. Gauthier.
É curioso que com todas as negações de outras tendências da arte, os futuristas sintam sua continuidade a partir do simbolismo.
É curioso que A. Blok, que acompanhou com interesse o trabalho de Severyanin, diga com preocupação: “Ele não tem tema”, e V. Bryusov, em um artigo de 1915 dedicado a Severyanin, ressalte: “Falta de conhecimento e incapacidade de pensar menosprezar a poesia de Igor Severyanin e estreitar extremamente seu horizonte. Ele recrimina o poeta por mau gosto, vulgaridade e, principalmente, critica duramente seus poemas militares, que causam uma “impressão dolorosa”, “quebrando o aplauso barato do público”.
A. Blok duvidou em 1912: "Tenho medo dos modernistas de que eles não têm núcleo, mas apenas cachos talentosos ao redor, vazios".
. A cultura russa às vésperas da Grande Revolução de Outubro foi o resultado de uma longa e complexa jornada. Suas características distintivas sempre foram a democracia, o alto humanismo e a nacionalidade genuína, apesar dos períodos de reação cruel do governo, quando o pensamento progressista e a cultura avançada foram suprimidos de todas as maneiras possíveis.
A mais rica herança cultural do período pré-revolucionário, os valores culturais criados ao longo dos séculos constituem o fundo dourado da nossa cultura nacional

Velimir Khlebnikov
(Viktor Vladimirovich Khlebnikov)
28.X. (09.XI.)1885-28.VI.1922
Khlebnikov atraiu a atenção e despertou interesse com sua personalidade original, impressionada por sua visão de mundo e independência de pontos de vista, raras para sua idade. Ele se familiariza com o círculo de poetas modernistas metropolitanos (incluindo Gumilyov e Kuzmin, a quem ele chama de "seu professor"), visita o "banho" Vyach, famoso na vida artística de São Petersburgo daqueles anos. Ivanov, onde escritores, filósofos, artistas, músicos, artistas se reuniam.
Em 1910-1914, seus poemas, poemas, dramas, prosa foram publicados, incluindo alguns conhecidos como o poema "Crane", o poema "Maria Vechora", a peça "Marquise Deses". Em Kherson, foi publicada a primeira brochura do poeta com experimentos matemáticos e linguísticos "Professor e Aluno". Cientista e escritor de ficção científica, poeta e publicitário, ele está completamente absorto no trabalho criativo. Os poemas "Encanto Rural", "Horror da Floresta", etc., a peça "Erro da Morte" foram escritos. Os livros “Rugido! Luvas. 1908 - 1914", "Criações" (Volume 1). Em 1916, juntamente com N. Aseev, ele emitiu uma declaração "A trombeta dos marcianos", na qual a divisão da humanidade de Khlebnikov em "inventores" e "compradores" foi formulada. Os personagens principais de sua poesia eram o Tempo e a Palavra, foi através do Tempo, fixado pela Palavra e transformado em fragmento espacial, que a unidade filosófica do “espaço-tempo” se concretizou para ele. O. Mandelstam escreveu: “Khlebnikov brinca com palavras como uma toupeira, enquanto isso ele cavou passagens na terra para o futuro por um século …” Em 1920 ele mora em Kharkov, escreve muito: “Guerra em uma ratoeira”, “Ladomir”, “Três Irmãs”, “Scratch in the Sky”, etc. No teatro da cidade de Kharkov, Khlebnikov foi eleito “Presidente do Globo”, com a participação de Yesenin e Mariengof.
A obra de V. Khlebnikov é dividida em três partes: estudos teóricos no campo do estilo e ilustrações para eles, criatividade poética e poemas cômicos. Infelizmente, os limites entre eles são traçados de forma extremamente descuidada e muitas vezes Belo poema estragado por uma mistura de uma piada inesperada e desajeitada ou ainda longe de formações de palavras pensadas.
Muito sensível às raízes das palavras, Viktor Khlebnikov negligencia deliberadamente as inflexões, às vezes descartando-as completamente, às vezes mudando-as além do reconhecimento. Ele acredita que cada vogal contém não apenas uma ação, mas também sua direção: assim, o touro é quem bate, o lado é o que é atingido; castor - o que eles caçam, babr (tigre) - aquele que caça, etc.
Tomando a raiz de uma palavra e adicionando inflexões arbitrárias a ela, ele cria novas palavras. Então, da raiz "sme", ele produz "smekhachi", "smeevo", "smeyunchiki", "rir", etc.
Como poeta, Viktor Khlebnikov ama a natureza de forma incansável. Ele nunca está satisfeito com o que tem. Seu veado se transforma em uma fera carnívora, ele vê pássaros mortos ganharem vida nos chapéus das senhoras no "dia de abertura", como as roupas caem das pessoas e se transformam - lã em ovelhas, linho em flores azuis de linho.

Osip Mandelstam nasceu em 1891 em uma família judia. De sua mãe, Mandelstam herdou, junto com uma predisposição para doenças cardíacas e musicalidade, um senso aguçado dos sons da língua russa.
Mandelstam, sendo um judeu, escolhe ser um poeta russo - não apenas "falando russo", mas precisamente russo. E essa decisão não é tão evidente: o início do século na Rússia é uma época de rápido desenvolvimento da literatura judaica, tanto em hebraico quanto em iídiche e, até certo ponto, em russo. Combinando judeus e Rússia, a poesia de Mandelstam carrega o universalismo, combinando a ortodoxia russa nacional e a prática nacional dos judeus.

Meu cajado, minha liberdade -
núcleo da vida,
Em breve a verdade do povo
Minha verdade se tornará?

Eu não me curvei à terra
Antes de me encontrar
A equipe tomou, aplaudiu
E foi para a distante Roma.

E a neve nos campos negros
Nunca vai derreter
E a tristeza da minha família
Eu ainda sou um estranho.

A primeira revolução russa e os eventos que a acompanharam, para a geração Mandelstam, coincidiram com a entrada na vida. Durante esse período, Mandelstam se interessou pela política, mas depois, na virada da adolescência para a juventude, deixou a política pela poesia.
Mandelstam evita palavras demasiado evidentes: não tem nem a folia de arcaísmos requintados, como Vyacheslav Ivanov, nem a injeção de vulgarismos, como o de Mayakovsky, nem a abundância de neologismos, como o de Tsvetaeva, nem o influxo de frases e bordões cotidianos, como o de Pasternak. .
Há encantos castos -
Caminho alto, mundo profundo,
Longe de liras etéreas
Lars instalado por mim.

Em nichos cuidadosamente lavados
Em pores do sol vigilantes
Eu escuto meus penates
Silêncio sempre extático.

O início da Primeira Guerra Mundial - a virada dos tempos:

Minha idade, minha besta, quem pode
olhe para seus alunos
E cola com seu sangue
Dois séculos de vértebras?

Mandelstam observa que já passou o tempo da despedida final da Rússia de Alexandre (Alexandre III e Alexandre Pushkin), Rússia européia, clássica e arquitetônica. Mas antes de seu fim, é justamente a “grandeza” condenada, ou seja, as “formas e ideias históricas” que cercam a mente do poeta. Ele deve certificar-se de seu vazio interior - não de eventos externos, mas a partir da experiência interior de esforços para simpatizar com o “mundo soberano”, para sentir em seu sistema. Ele se despede dele à sua maneira, vasculhando velhos motivos, ordenando-os, compilando um catálogo para eles por meio da poesia. No sistema de cifras de Mandelstam, a condenada Petersburgo, precisamente na sua qualidade de capital imperial, é equivalente àquela Judéia, sobre a qual se diz que, tendo crucificado Cristo, “petrificou” e está associada à santa apóstata e perecendo Jerusalém. As cores que caracterizam a base do judaísmo da graça são o preto e o amarelo. Então essas são as cores que caracterizam o “mundo soberano” de São Petersburgo (as cores do padrão imperial russo).
A mais significativa das respostas de Mandelstam à revolução de 1917 foi o poema "O Crepúsculo da Liberdade". É muito difícil trazê-lo sob a rubrica de "aceitar" ou "não aceitar" a revolução em um sentido trivial, mas o tema do desespero é muito alto nele:

Glorifiquemos, irmãos, o crepúsculo da liberdade,
Grande ano de crepúsculo!
Nas águas ferventes da noite
A floresta pesada é abaixada.
Você se levanta em anos surdos, -
Ó sol, juiz, povo.

Vamos glorificar o fardo fatal
Que o líder do povo toma em lágrimas.
Glorifiquemos o poder do fardo sombrio,
Sua opressão insuportável.
Quem tem coração - ele deve ouvir o tempo,
Enquanto seu navio afunda.

Estamos lutando contra legiões
Amarraram as andorinhas - e agora
O sol não é visível; todos os elementos
Twittering, movendo-se, vivendo;
Através das redes - crepúsculo espesso -
O sol não é visível, e a terra está flutuando.

Bem, vamos tentar: enorme, desajeitado,
Volante barulhento.
A terra está flutuando. Coragem, homens.
Como um arado, dividindo o oceano,
Vamos lembrar no frio letey,
Que a terra nos custou dez céus.

Neste relatório, tentei falar sobre os escritores mais interessantes e suas obras. Escolhi deliberadamente escritores não tão famosos como, por exemplo: I. Bunin e N. Gumilyov, A. Blok e V. Mayakovsky, S. Yesenin e A. Akhmatova, A. Kuprin. Mas não menos brilhante e famoso em seu tempo.

Poetas da Era de Prata (Nikolai Gumilyov)
A "Idade de Prata" na literatura russa é o período de criatividade dos principais representantes do modernismo, o período do surgimento de muitos autores talentosos. Convencionalmente, o ano de 1892 é considerado o início do "jugo de prata", mas seu fim real veio com a Revolução de Outubro.
Os poetas modernistas negaram os valores sociais e tentaram criar poesias destinadas a promover o desenvolvimento espiritual do homem. Uma das tendências mais famosas da literatura modernista foi o acmeísmo. Acmeístas proclamaram a libertação da poesia dos impulsos simbolistas para o "ideal" e clamaram por um retorno da ambiguidade das imagens ao mundo material, objeto, "natureza". Mas sua poesia também se caracterizava por uma tendência ao esteticismo, à poetização dos sentimentos. Isso é visto claramente na obra de um proeminente representante do acmeísmo, um dos melhores poetas russos do início do século 20, Nikolai Gumilyov, cujos poemas nos surpreendem com a beleza da palavra, a grandeza das imagens criadas.
O próprio Gumilyov chamou sua poesia de musa de andanças distantes, o poeta foi fiel a ela até o fim de seus dias. A famosa balada "Capitães" da coleção de poemas "Pérolas", que trouxe grande fama a Gumilyov, é um hino às pessoas que desafiam o destino e os elementos. O poeta aparece diante de nós como um cantor do romance das andanças distantes, coragem, risco, coragem:

Os de asas rápidas são liderados por capitães -
Descobridores de novas terras
Quem não tem medo de furacões
Quem conheceu os turbilhões e encalhado.
De quem não é a poeira das cartas perdidas -
O peito está encharcado com o sal do mar,
Quem é a agulha no mapa rasgado
Marca seu caminho audacioso.

Mesmo nas letras militares de Nikolai Gumilyov, pode-se encontrar motivos românticos. Aqui está um trecho de um poema incluído na coleção Quiver:

E semanas sangrentas
Deslumbrante e leve
Acima de mim, estilhaços são rasgados,
As lâminas dos pássaros decolam mais rápido.
Eu grito e minha voz é selvagem
É cobre batendo em cobre
Eu, portador de um grande pensamento,
Não posso, não posso morrer.
Como martelos de trovão
Ou as águas dos mares revoltos,
Coração de ouro da Rússia
Bate ritmicamente no meu peito.

A romantização da batalha, a façanha foi uma característica de Gumilyov - um poeta e um homem com um início cavalheiresco raro e pronunciado, tanto na poesia quanto na vida. Os contemporâneos chamavam Gumilyov de poeta-guerreiro. Um deles escreveu: "Ele aceitou a guerra com simplicidade... com fervor direto. Ele foi, talvez, uma daquelas poucas pessoas na Rússia cuja alma a guerra encontrou na maior prontidão de combate." Como você sabe, durante a Primeira Guerra Mundial, Nikolai Gumilyov se ofereceu para ir ao front. De sua prosa e poesia, podemos julgar que o poeta não apenas romantizou a façanha militar, mas também viu e percebeu todo o horror da guerra.
Na coleção "Kolchan" começa a surgir um novo tema para Gumilyov - o tema da Rússia. Motivos completamente novos soam aqui - as criações e genialidade de Andrei Rublev e o bando sangrento de cinzas da montanha, gelo no Neva e Rússia antiga. Ele gradualmente expande seus temas e, em alguns poemas, atinge o insight mais profundo, como se estivesse prevendo seu próprio destino:

Ele está diante de uma montanha de fogo,
Um velho baixinho.
Um olhar calmo parece submisso
Do piscar de pálpebras avermelhadas.
Todos os seus companheiros adormeceram,
Só que ele ainda não dorme sozinho:
Ele está todo ocupado lançando uma bala,
Isso me separará da terra.

Mais recentes coleções vitalícias poemas de N. Gumilyov foram publicados em 1921 - estes são "Tent" (versos africanos) e "Pillar of Fire". Neles vemos um novo Gumilyov, cuja arte poética foi enriquecida pela simplicidade da alta sabedoria, cores puras e o uso magistral de detalhes prosaicos cotidianos e fantásticos. Na obra de Nikolai Gumilyov, encontramos um reflexo do mundo ao nosso redor em todas as suas cores. Em sua poesia - paisagens exóticas e costumes da África. O poeta penetra profundamente no mundo das lendas e tradições da Abissínia, Roma, Egito:

Conheço contos engraçados de linhas misteriosas
Sobre a donzela negra, sobre a paixão do jovem líder,
Mas você inalou a névoa pesada por muito tempo,
Você não quer acreditar em nada além de chuva.
E como posso falar sobre o jardim tropical,
Sobre palmeiras esguias, sobre o cheiro de ervas inimagináveis.
Você chora? Ouça... longe, no Lago Chade
Girafas requintadas vagueiam.

Cada poema de Gumilyov abre uma nova faceta das visões do poeta, seus humores, sua visão do mundo. O conteúdo e o estilo refinado dos poemas de Gumilyov nos ajudam a sentir a plenitude da vida. Eles são a confirmação de que a própria pessoa pode criar um mundo brilhante e colorido, deixando a vida cotidiana cinza. Excelente artista, Nikolai Gumilyov deixou um legado interessante e teve um impacto significativo no desenvolvimento da poesia russa.

Gumilyov Nikolay Stepanovitch
N. S. Gumilyov nasceu em Kronstadt na família de um médico militar. Em 1906, ele recebeu um certificado de graduação do ginásio Nikolaev Tsarkoselskaya, cujo diretor era I. F. Annensky. Em 1905, foi publicada a primeira coleção do poeta, O Caminho dos Conquistadores, que atraiu a atenção de V. Ya. Bryusov. Os personagens da coleção parecem ter saído das páginas de romances de aventura da época da conquista da América, que o poeta leu na adolescência. Identifica-se com eles herói lírico- "um conquistador em uma concha de ferro." A originalidade da coleção, saturada de passagens literárias comuns e convenções poéticas, foi dada pelas características que prevaleceram no comportamento de vida de Gumilyov: o amor pelo exótico, o romance de uma façanha, a vontade de viver e criar.
Em 1907, Gumilyov partiu para Paris para continuar seus estudos na Sorbonne, onde ouviu palestras sobre Literatura francesa. Ele segue com interesse a vida artística da França, estabelece correspondência com V. Ya. Bryusov e publica a revista Sirius. Em Paris, em 1908, foi publicada a segunda coletânea Flores Românticas de Gumilyov, onde se esperava novamente que o leitor encontrasse o exotismo literário e histórico, mas a sutil ironia que tocava poemas individuais traduz os métodos convencionais do romantismo em um plano lúdico e, assim, delineia o contornos das posições do autor. Gumilyov trabalha duro na poesia, alcançando sua "flexibilidade", "rigor confiante", como escreveu em seu poema-programa "Ao Poeta", e na maneira de "introduzir o realismo das descrições nas tramas mais fantásticas", ele segue as tradições de Leconte de Lisle, poeta parnasiano francês, considerando tal caminho "salvação" das "nebulosas" simbolistas. Segundo I. F. Annensky, este "livro refletia não apenas a busca pela beleza, mas também a beleza da busca".
No outono de 1908, Gumilev fez sua primeira viagem à África, ao Egito. O continente africano cativou o poeta: ele se torna o descobridor do tema africano na poesia russa. O conhecimento da África "por dentro" acabou sendo especialmente frutífero durante as próximas viagens, no inverno de 1909-1910 e 1910-1911. na Abissínia, cujas impressões foram refletidas no ciclo "Canções Abissínias" (coleção "Alien Sky").
Desde setembro de 1909, Gumilyov tornou-se estudante da Faculdade de História e Filologia da Universidade de São Petersburgo. Em 1910, a coleção "Pérolas" foi publicada com uma dedicatória ao "professor" - V. Ya. Bryusov. O venerável poeta respondeu com uma crítica, onde observou que Gumilyov "vive em um mundo imaginário e quase fantasmagórico ... ele cria países para si e os habita com criaturas criadas por ele: pessoas, animais, demônios". Gumilyov não deixa os heróis de seus primeiros livros, mas eles mudaram notavelmente. Em sua poesia, intensifica-se o psicologismo, em vez de “máscaras” aparecem pessoas com personagens e paixões próprias. A atenção também foi atraída para a confiança com que o poeta passou a dominar a habilidade da poesia.
No início da década de 1910, Gumilyov já era uma figura proeminente nos círculos literários de São Petersburgo. Ele é membro do escritório editorial "jovem" da revista "Apollo", onde publica regularmente "Cartas sobre a poesia russa" - estudos críticos literários, que representam um novo tipo de revisão "objetiva". No final de 1911, chefiou a "Oficina dos Poetas", em torno da qual se formou um grupo de pessoas afins, e atuou como inspirador ideológico de uma nova corrente literária - o acmeísmo, cujos princípios básicos proclamou no manifesto artigo "A herança do simbolismo e do acmeísmo". Sua coleção Alien Sky (1912), o auge das letras "objetivas" de Gumilyov, tornou-se uma ilustração poética para cálculos teóricos. Segundo M. A. Kuzmin, o mais importante da coleção é a identificação do herói lírico com Adão, o primeiro homem. O poeta acmeísta é como Adão, o descobridor do mundo das coisas. Ele dá às coisas "nomes virgens", frescos em sua originalidade, livres dos antigos contextos poéticos. Gumilyov formulou não apenas um novo conceito da palavra poética, mas também sua compreensão do homem como um ser que está ciente de sua doação natural, "fisiologia sábia" e aceita a plenitude do ser circundante.
Com a eclosão da Primeira Guerra Mundial, Gumilyov se ofereceu para a frente. No jornal "Birzhevye Vedomosti", ele publica ensaios de crônica "Notas de um cavaleiro". Em 1916, foi publicado o livro "Quiver", que se diferenciava dos anteriores principalmente por ampliar o leque temático. italiano esboços de viagem lado a lado com poemas meditativos de conteúdo filosófico e existencial. Aqui, pela primeira vez, o tema russo começa a soar, a alma do poeta responde à dor de seu país natal, devastado pela guerra. Seu olhar, voltado para a realidade, adquire a capacidade de ver através dela. Os poemas incluídos na coletânea "Fogueira" (1918) refletiam a intensidade da busca espiritual do poeta. À medida que a natureza filosófica da poesia de Gumilyov se aprofunda, o mundo em seus poemas aparece cada vez mais como um cosmos divino ("Árvores", "Natureza"). Ele é perturbado por temas "eternos": vida e morte, a perecibilidade do corpo e a imortalidade do espírito, a alteridade da alma.
Gumilyov não foi testemunha ocular dos acontecimentos revolucionários de 1917. Naquela época, ele estava no exterior como parte da força expedicionária russa: em Paris, depois em Londres. Suas atividades criativas desse período foram marcadas por um interesse pela cultura oriental. Gumilev compilou sua coleção The Porcelain Pavilion (1918) a partir de transcrições gratuitas de traduções francesas de poesia clássica chinesa (Li Bo, Du Fu e outros). O estilo "oriental" foi percebido por Gumilyov como uma espécie de escola de "economia verbal", poética "simplicidade, clareza e autenticidade", que correspondia às suas atitudes estéticas.
Retornando à Rússia em 1918, Gumilyov imediatamente, com sua energia característica, é incluído na vida literária de Petrogrado. É membro do conselho editorial da editora "World Literature", sob sua direção e em sua tradução do épico babilônico "Gilgamesh", são publicadas as obras de R. Southey, G. Heine, S. T. Coleridge. Ele dá palestras sobre teoria do verso e tradução em várias instituições e dirige o estúdio "Sounding Shell" para jovens poetas. Segundo um dos contemporâneos do poeta, o crítico A. Ya. Pedra filosofal poesia..."
Em janeiro de 1921, Gumilyov foi eleito presidente da filial de Petrogrado da União dos Poetas. No mesmo ano, o último livro, Pillar of Fire, foi publicado. Agora o poeta está mergulhando na compreensão filosófica dos problemas da memória, da imortalidade criativa, do destino da palavra poética. A força vital individual que antes alimentava a energia poética de Gumilyov se funde com o supra-individual. O herói de suas letras reflete sobre o incognoscível e, enriquecido com a experiência espiritual interior, corre para a "Índia do Espírito". Isso não foi um retorno aos círculos do simbolismo, mas é claro que Gumilyov encontrou em sua visão de mundo um lugar para essas conquistas do simbolismo, que, como lhe parecia na época do acmeísta "Sturm und Drang" a, levaram "no reino do desconhecido", soando em últimos versos Gumilyov, realça os motivos de empatia e compaixão e dá-lhes um significado universal e ao mesmo tempo profundamente pessoal.
A vida de Gumilyov foi tragicamente interrompida: ele foi executado como participante de uma conspiração contra-revolucionária que, como agora ficou conhecida, foi fabricada. Nas mentes dos contemporâneos de Gumilyov, seu destino evocou associações com o destino do poeta de outra época - Andre Chenier, executado pelos jacobinos durante a Revolução Francesa.

"Idade de Prata" da literatura russa
A escrita
V. Bryusov, N. Gumilyov, V. Mayakovsky
O século 19, a "idade de ouro" da literatura russa, estava terminando, e o século 20 começou. Este ponto de virada entrou para a história sob o belo nome de "Idade de Prata". Ele deu origem à grande ascensão da cultura russa e tornou-se o início de sua trágica queda. O início da "Era de Prata" é geralmente atribuído aos anos 90. século 19 quando os poemas de V. Bryusov, I. Annensky, K. Balmont e outros poetas notáveis ​​apareceram. O apogeu da "Idade de Prata" é considerado 1915 - a época de sua maior ascensão e fim. A situação sociopolítica da época era caracterizada por uma profunda crise do governo existente, um clima tempestuoso e inquieto no país, exigindo mudanças decisivas. Talvez por isso os caminhos da arte e da política se cruzaram. Assim como a sociedade procurava intensamente caminhos para uma nova ordem social, escritores e poetas se esforçavam para dominar novas formas artísticas e apresentar ideias experimentais ousadas. A representação realista da realidade deixou de satisfazer os artistas e, na polêmica com os clássicos do século XIX, novas tendências literárias se estabeleceram: simbolismo, acmeísmo, futurismo. Eles ofereciam diferentes maneiras de compreender o ser, mas cada um deles se distinguia pela extraordinária música do verso, a expressão original dos sentimentos e experiências do herói lírico e a aspiração ao futuro.
Um dos primeiros movimentos literários foi o simbolismo, que uniu tais poetas diferentes, como K. Balmont, V. Bryusov, A. Bely e outros. Os teóricos simbolistas acreditavam que o artista deveria criar uma nova arte com a ajuda de imagens simbólicas que ajudassem a expressar os humores, sentimentos e pensamentos do poeta de uma forma mais refinada. e de forma generalizada. Além disso, a verdade, o insight podem aparecer no artista não como resultado da reflexão, mas no momento do êxtase criativo, como se lhe fossem enviados do alto. Poetas simbolistas foram levados pelo sonho, fazendo perguntas globais sobre como salvar a humanidade, como restaurar a fé em Deus, alcançar a harmonia, fundir-se com a Alma do Mundo, Feminilidade Eterna, Beleza e Amor.
V. Bryusov, que incorporou em seus poemas não apenas as realizações formais inovadoras dessa tendência, mas também suas idéias, torna-se um reconhecido medidor de simbolismo. Uma espécie de manifesto criativo de Bryusov era um pequeno poema " Ao jovem poeta", que foi percebido pelos contemporâneos como um programa de simbolismo.

Um jovem pálido com olhos ardentes,
Agora eu te dou três alianças:
Primeiro aceite: não viva no presente,
Só o futuro é o reino do poeta.

Lembre-se do segundo: não simpatize com ninguém,
Ame-se infinitamente.
Guarde o terceiro: cultuar a arte,
Apenas para ele, de forma imprudente, sem rumo.
É claro que a declaração criativa proclamada pelo poeta não se esgota no conteúdo deste poema. A poesia de Bryusov é multifacetada, multifacetada e polifônica, como a vida que reflete. Ele possuía um dom raro para transmitir com precisão cada humor, cada movimento da alma. Talvez a principal característica de sua poesia esteja na combinação precisamente encontrada de forma e conteúdo.

E eu quero todos os meus sonhos
Alcançado à palavra e à luz,
Encontrei as características que você deseja.
O difícil objetivo expresso por Bryusov em "Sonnet to Form", eu acho, foi alcançado. E isso é confirmado por sua incrível poesia. No poema "Criatividade", Bryusov conseguiu transmitir a sensação do primeiro estágio ainda semiconsciente da criatividade, quando o trabalho futuro ainda paira "através do cristal mágico".

Sombra de Criaturas Incriadas
Balançando em um sonho
Como lâminas de remendo
Na parede de esmalte.

mãos roxas
Na parede de esmalte
Sons de desenho sonolento
Em silêncio retumbante.
Os simbolistas viam a vida como a vida do Poeta. A concentração em si mesmo é característica da obra do notável poeta simbolista K. Balmont. Ele mesmo era o sentido, o tema, a imagem e o propósito de seus poemas. I. Ehrenburg notou com muita precisão essa característica de sua poesia: "Balmont não notou nada no mundo, exceto sua própria alma". De fato, o mundo externo existia para ele apenas para que pudesse expressar seu "eu" poético.

eu odeio a humanidade
Eu fujo dele, com pressa.
Minha pátria unida -
Minha alma do deserto
O poeta não se cansou de acompanhar as reviravoltas inesperadas de sua alma, suas impressões cambiantes. Balmont tentou captar na imagem, em palavras, os momentos corridos, o tempo voador, elevando a transitoriedade a um princípio filosófico.

Eu não conheço a sabedoria adequada para os outros,
Só transitoriedades componho em versos.
Em cada evanescência vejo mundos,
Cheio de jogo de arco-íris mutável.
O significado dessas linhas, provavelmente, é que uma pessoa deve viver cada momento em que a plenitude de seu ser se revela. E a tarefa do artista é arrancar este momento da eternidade e capturá-lo em palavras. Os poetas simbolistas conseguiram expressar sua época na poesia com sua instabilidade, instabilidade, transitividade.
Assim como a rejeição do realismo deu origem ao simbolismo, um novo movimento literário - o acmeísmo - surgiu no curso da polêmica com o simbolismo. Ele rejeitou o desejo de simbolismo pelo desconhecido, concentrando-se no mundo de sua própria alma. Acmeísmo, de acordo com Gumilyov, não deve lutar pelo incognoscível, mas voltar-se para o que pode ser entendido, ou seja, para a realidade, tentando capturar a diversidade do mundo da forma mais completa possível. Com tal visão, o artista acmeísta, ao contrário dos simbolistas, envolve-se no ritmo do mundo, embora faça uma avaliação dos fenômenos retratados. Em geral, quando você tenta entender a essência do programa de acmeísmo, você encontra contradições e inconsistências óbvias. Na minha opinião, Bryusov está certo quando aconselhou Gumilyov, Gorodetsky e Akhmatova "a abandonar a pretensão infrutífera de formar algum tipo de escola de acmeísmo" e escrever boa poesia. De fato, agora, no final do século 20, o nome de acmeísmo foi preservado apenas porque o trabalho de poetas notáveis ​​como N. Gumilyov, A. Akhmatova, O. Mandelstam está associado a ele.
Os primeiros poemas de Gumilyov surpreendem com a masculinidade romântica, a energia do ritmo, tensão emocional. Em seus famosos "Capitães" o mundo inteiro aparece como uma arena de luta, de risco constante, a maior tensão de forças à beira da vida e da morte.

Deixe o mar se enfurecer e açoitar
As cristas das ondas subiram ao céu -
Ninguém treme diante de uma tempestade,
Nenhum vai virar as velas.
Nestas linhas ouve-se um desafio ousado aos elementos e ao destino, eles se opõem a correr riscos, coragem e destemor. Paisagens exóticas e costumes da África, selvas, desertos, animais selvagens, o misterioso Lago Chade - todo esse mundo maravilhoso está incorporado na coleção "Flores Românticas". Não, isso não é romance de livro. Tem-se a impressão de que o próprio poeta está invisivelmente presente e envolvido nos versos. Tão profunda é sua penetração no mundo de lendas e lendas da Abissínia, Roma, Egito e outros países exóticos para um europeu. Mas apesar de todo o virtuosismo da representação da realidade, os motivos sociais são extremamente raros em Gumilyov e outros poetas acmeístas. Acmeísmo foi caracterizado por extrema apoliticidade, completa indiferença aos problemas atuais do nosso tempo.
É provavelmente por isso que o acmeísmo teve que dar lugar a uma nova tendência literária - o futurismo, que se distinguia pela rebelião revolucionária, disposição oposicionista contra a sociedade burguesa, sua moralidade, gostos estéticos, todo o sistema de relações sociais. Não é à toa que a primeira coleção de futuristas, que se consideram poetas do futuro, ostentava o título obviamente desafiador "Bofetada na cara do gosto público". Os primeiros trabalhos de Mayakovsky foram associados ao futurismo. Em seus poemas juvenis, pode-se sentir o desejo do poeta iniciante de surpreender o leitor com a novidade, a inusitada de sua visão do mundo. E Mayakovsky realmente conseguiu. Por exemplo, no poema "Noite" ele usa uma comparação inesperada, comparando as janelas iluminadas à mão do jogador com um leque de cartas. Assim, na mente do leitor, surge a imagem de um citadino, obcecado por tentações, esperanças e sede de prazer. Mas a aurora, apagando as lanternas, "reis na coroa de gás", dissipa a miragem noturna.

Carmesim e branco descartados e amassados,
punhados de ducados foram jogados no verde,
E as palmas negras das janelas descontroladas
distribuiu cartões amarelos em chamas.
Sim, essas linhas não são nada parecidas com os versos dos poetas clássicos. Eles mostram claramente a declaração criativa dos futuristas, que negam a arte do passado. Poetas como V. Mayakovsky, V. Khlebnikov, V. Kamensky adivinharam o estado espiritual especial de seu tempo na união de poesia e luta e tentaram encontrar novos ritmos e imagens para encarnação poética vida revolucionária fervilhante.
Os destinos dos poetas notáveis ​​da "Idade de Prata" se desenvolveram de maneira diferente. Alguém não poderia suportar a vida em uma pátria inóspita, alguém, como Gumilyov, foi baleado sem culpa, alguém, como Akhmatova, permaneceu em sua terra natal até seus últimos dias, tendo experimentado todos os problemas e tristezas com ela, alguém colocou "uma bala apontar para o seu fim" como Mayakovsky. Mas todos eles criaram um verdadeiro milagre no início do século 20 - a "idade de prata" da poesia russa.

Análise do poema de N. Gumilyov "Girafa"
Nikolai Gumilyov combinou coragem, coragem, capacidade poética de prever o futuro, curiosidade infantil pelo mundo e paixão por viagens. O poeta conseguiu colocar essas qualidades e habilidades em uma forma poética.
Gumilyov sempre foi atraído por lugares exóticos e belos nomes musicais, pinturas brilhantes e quase incolores. Foi na coleção "Flores Românticas" que o poema "Girafa" (1907) foi incluído, que por muito tempo se tornou o "cartão de visita" de Gumilyov na literatura russa.
Nikolai Gumilyov desde a juventude atribuiu uma importância excepcional à composição do trabalho, sua completude de enredo. O poeta chamava a si mesmo de "mestre de um conto de fadas", combinando em seus poemas imagens deslumbrantemente brilhantes e que mudam rapidamente com uma extraordinária melodia e musicalidade da narração.

Girafas requintadas vagueiam.


Voltando-se para uma mulher misteriosa, que só podemos julgar pela posição do autor, o herói lírico está em diálogo com o leitor, um dos ouvintes de seu conto exótico. Uma mulher imersa em suas preocupações, triste, não quer acreditar em nada - por que não uma leitora? Lendo este ou aquele poema, expressamos, queira ou não, nossa opinião sobre a obra, criticamos de uma forma ou de outra, nem sempre concordamos com a opinião do poeta e às vezes não a entendemos. Nikolai Gumilyov dá ao leitor a oportunidade de observar o diálogo entre o poeta e o leitor (ouvinte de seus poemas) de fora.
Em seu poema de conto de fadas, o poeta compara dois espaços distantes em escala. consciência humana e muito próximo na escala da Terra. Sobre o espaço que está “aqui”, o poeta não diz quase nada, e isso não é necessário. Há apenas uma "névoa pesada" que inalamos a cada minuto. No mundo em que vivemos, apenas tristeza e lágrimas permanecem. Isso nos leva a acreditar que o céu na Terra é impossível. Nikolai Gumilyov tenta provar o contrário: "... longe, muito longe, no Lago Chade // Uma girafa requintada vagueia." Normalmente a expressão "longe, longe" é escrita com um hífen e se refere a algo que é completamente inatingível. No entanto, o poeta, talvez com algum grau de ironia, concentra a atenção do leitor em saber se esse continente está realmente tão distante. Sabe-se que Gumilev teve a chance de visitar a África, de ver com seus próprios olhos as belezas que descreveu (o poema "Girafa" foi escrito antes da primeira viagem de Gumilev à África).
O mundo em que o leitor vive é completamente incolor, a vida aqui parece fluir em tons de cinza. No Lago Chade, como um diamante precioso, o mundo brilha e brilha. Nikolai Gumilyov, como outros poetas acmeístas, usa objetos em suas obras, não cores específicas, dando ao leitor a oportunidade de imaginar uma ou outra tonalidade em sua imaginação: a pele de uma girafa, decorada com um padrão mágico, me parece laranja brilhante com manchas marrom-avermelhadas, a cor azul escura da superfície da água, na qual o brilho do luar se espalha como um leque dourado, velas laranja brilhantes de um navio navegando durante o pôr do sol. Ao contrário do mundo a que estamos acostumados, neste espaço o ar é fresco e limpo, absorve os vapores do Lago Chade, o "cheiro de ervas inconcebíveis"...
Nikolai Gumilyov não escolheu acidentalmente a girafa neste poema. De pé firme, com um pescoço comprido e um "padrão mágico" na pele, a girafa se tornou a heroína de muitas canções e poemas. Talvez se possa traçar um paralelo entre este animal exótico e o homem: ele é igualmente calmo, imponente e graciosamente construído. Também é da natureza humana exaltar-se acima de todos os seres vivos. No entanto, se paz, "harmonia graciosa e bem-aventurança" são dadas a uma girafa por natureza, então uma pessoa por natureza é criada para lutar principalmente com sua própria espécie.

Análise do poema de N.S. Gumilyov "Girafa"
Em 1908, o segundo livro de Nikolai Gumilyov, Romantic Flowers, foi publicado em Paris, que foi avaliado favoravelmente por Valery Bryusov. Foi neste livro que o poema "Girafa" foi publicado pela primeira vez.
O poema consiste em cinco quadras (vinte linhas). A ideia do poema é descrever as belezas e maravilhas da África. Gumilyov fala detalhadamente, multicolorido e visivelmente sobre as paisagens de um país quente. Nikolai Stepanovich realmente observou esse esplendor, porque visitou a África três vezes!
Em seu poema, o autor utiliza a técnica da antítese, mas não específica, mas implícita. Uma pessoa cujos olhos estão acostumados com a paisagem russa pinta um retrato de um país exótico de forma tão visível.
A história é sobre uma "girafa refinada". A girafa é o epítome da bela realidade. Gumilyov usa epítetos vívidos para enfatizar a singularidade da paisagem africana: uma girafa requintada, harmonia graciosa, um padrão mágico, uma gruta de mármore, países misteriosos, gramíneas impensáveis. A comparação também é usada:
“Fora, ele é como as velas coloridas de um navio,
E sua corrida é suave, como um alegre vôo de pássaro.
O autor dirige todo o poema à sua amada para melhorar seu humor, para distraí-la de pensamentos tristes em tempo chuvoso. Mas não funciona. Não só não distrai, mas, ao contrário, potencializa a tristeza justamente pelo sentimento do contrário. O conto exacerba a solidão dos personagens.
Isso é especialmente enfatizado pela última estrofe. A disposição dos sinais de pontuação sugere que o autor não conseguiu animar a menina:
"Ouça: Muito, muito longe no Lago Chade
Girafas requintadas vagueiam.
"Você chora? Ouça... longe, no Lago Chade
Girafas requintadas vagueiam.
A pessoa faz uma pausa sem motivo. Isso sugere que ele não está mais com vontade de falar.

Criatividade de Nikolai Stepanovich Gumilyov.
N. S. Gumilyov nasceu em 1886 na cidade de Kronstadt na família de um médico militar. Aos vinte anos, ele recebeu um certificado (triplo em todas as ciências exatas, quatro em humanidades, cinco apenas em lógica) na conclusão do Nikolaev Ginásio Tsarskoye Selo, cujo diretor foi Innokenty Fedorovich Annensky. Por insistência de seu pai e por sua própria vontade, ingressou no Corpo Naval.
Ainda estudante do ensino médio, Gumilyov publicou sua primeira coleção de poemas, O Caminho dos Conquistadores, em 1905. Mas ele preferiu não se lembrar dele, nunca o republicou e até o omitiu ao contar suas próprias coleções. Neste livro, são visíveis traços de uma grande variedade de influências: de Nietzsche, que glorificou um homem forte, um criador que orgulhosamente aceita um destino trágico, ao contemporâneo de Gumilyov, o escritor francês André Gide, cujas palavras “tornei-me um nômade em para tocar voluptuosamente tudo o que vagueia!” tomado como epígrafe.
Os críticos acreditavam que havia muitos clichês poéticos em O Caminho dos Conquistadores. No entanto, por trás de uma variedade de influências - estetas ocidentais e simbolistas russos - podemos distinguir a voz do nosso próprio autor. Já neste primeiro livro, o constante herói lírico de Gumilyov aparece - um conquistador, um andarilho, um sábio, um soldado que aprende o mundo com confiança e alegria. Esse herói opõe tanto a modernidade com sua vida cotidiana quanto o herói dos versos decadentes.
Innokenty Annensky saudou com alegria este livro (“... meu pôr do sol é frio e esfumaçado / Olha o amanhecer com alegria”). Bryusov, cuja influência sobre o poeta novato foi sem dúvida, embora tenha observado em sua resenha “repetições e imitações, longe de sempre bem-sucedidas”, escreveu uma carta encorajadora ao autor.
No entanto, um ano depois deixa a escola naval e vai estudar em Paris, na Universidade de Sorbonne. Tal ato naquele momento é difícil de explicar. Filho de médico de navio, que sempre sonhou com viagens marítimas de longa distância, de repente abandona seu sonho, deixa a carreira militar, embora em espírito e temperamento, hábitos e tradição familiar, Nikolai seja um militar, um ativista, no melhor sentido da palavra, um homem de honra e dever. Claro, estudar em Paris é prestigioso e honroso, mas não para um oficial militar, em cuja família as pessoas em roupas civis eram tratadas com condescendência. Em Paris, Gumilyov não mostrou nenhuma diligência ou interesse particular pelas ciências; posteriormente, por esse motivo, foi expulso de uma instituição educacional de prestígio.
Na Sorbonne, Nikolai escreveu muito, estudou técnica poética, tentando desenvolver seu próprio estilo. Os requisitos do jovem Gumilyov para a poesia são energia, clareza e clareza de expressão, o retorno do significado original e brilho a conceitos como dever, honra e heroísmo.
A coleção, publicada em Paris em 1908, Gumilyov chamou de "Flores Românticas". De acordo com muitos críticos literários, a maioria das paisagens em verso são livrescas, os motivos são emprestados. Mas o amor por lugares exóticos e belos nomes musicais, pinturas brilhantes e quase incolores não são emprestados. Foi em "Flores Românticas" - isto é, antes das primeiras viagens de Gumilev à África - que entrou o poema "Girafa" (1907), que por muito tempo se tornou o "cartão de visita" de Gumilev na literatura russa.
Uma certa fabulosidade no poema "Girafa" se manifesta desde as primeiras linhas:
Ouça: longe, longe, no Lago Chade
Girafas requintadas vagueiam.
O leitor é transferido para o continente mais exótico - África. Gumilyov escreve imagens aparentemente absolutamente irreais:
Ao longe é como as velas coloridas de um navio,
E sua corrida é suave, como um alegre vôo de pássaro...
A imaginação humana simplesmente não se enquadra na possibilidade da existência de tais belezas na Terra. O poeta convida o leitor a olhar o mundo de forma diferente, a entender que "a terra vê muitas coisas maravilhosas", e uma pessoa, se desejar, é capaz de ver a mesma coisa. O poeta nos convida a nos purificar da “névoa pesada” que há tanto tempo inalamos e a perceber que o mundo é imenso e que ainda existem paraísos na Terra.
Voltando-se para uma mulher misteriosa, que só podemos julgar pela posição do autor, o herói lírico está em diálogo com o leitor, um dos ouvintes de seu conto exótico. Uma mulher imersa em suas preocupações, triste, não quer acreditar em nada - por que não uma leitora? Lendo este ou aquele poema, expressamos, queira ou não, nossa opinião sobre a obra, criticamos de uma forma ou de outra, nem sempre concordamos com a opinião do poeta e às vezes não a entendemos. Nikolai Gumilyov dá ao leitor a oportunidade de observar o diálogo entre o poeta e o leitor (ouvinte de seus poemas) de fora.
O enquadramento do anel é típico de qualquer conto de fadas. Via de regra, onde a ação começou, aí ela termina. No entanto, em este caso tem-se a impressão de que o poeta pode falar repetidamente sobre este exótico continente, desenhar imagens magníficas e vívidas de um país ensolarado, revelando cada vez mais características novas e nunca antes vistas em seus habitantes. A moldura do anel demonstra o desejo do poeta de falar repetidamente sobre o "paraíso na Terra" a fim de fazer o leitor olhar o mundo de forma diferente.
Em seu poema de conto de fadas, o poeta compara dois espaços, distantes na escala da consciência humana e muito próximos na escala da Terra. Sobre o espaço que está “aqui”, o poeta não diz quase nada, e isso não é necessário. Há apenas uma "névoa pesada" que inalamos a cada minuto. No mundo em que vivemos, apenas tristeza e lágrimas permanecem. Isso nos leva a acreditar que o céu na Terra é impossível. Nikolai Gumilyov tenta provar o contrário: "... longe, muito longe, no Lago Chade / Uma girafa requintada vagueia." Normalmente a expressão "longe, longe" é escrita com um hífen e se refere a algo que é completamente inatingível. No entanto, o poeta, talvez com algum grau de ironia, concentra a atenção do leitor em saber se esse continente está realmente tão distante. Sabe-se que Gumilev teve a chance de visitar a África, de ver com seus próprios olhos as belezas que descreveu (o poema "Girafa" foi escrito antes da primeira viagem de Gumilev à África).
O mundo em que o leitor vive é completamente incolor, a vida aqui parece fluir em tons de cinza. No Lago Chade, como um diamante precioso, o mundo brilha e brilha. Nikolai Gumilyov, como outros poetas acmeístas, usa em suas obras não cores específicas, mas objetos, dando ao leitor a oportunidade de imaginar uma ou outra tonalidade em sua imaginação: a pele de uma girafa, decorada com um padrão mágico, aparece brilhante laranja com manchas marrom-avermelhadas, a cor azul escura da superfície da água, sobre a qual o brilho lunar se espalha como um leque dourado, as velas laranja brilhantes de um navio navegando ao pôr do sol. Ao contrário do mundo a que estamos acostumados, neste espaço o ar é fresco e limpo, absorve os vapores do Lago Chade, o "cheiro de ervas inconcebíveis"...
O herói lírico parece ser tão apaixonado por este mundo, sua rica paleta de cores, cheiros e sons exóticos, que está pronto para falar incansavelmente sobre as vastas extensões da terra. Este entusiasmo inextinguível é certamente passado para o leitor.
Nikolai Gumilyov não escolheu acidentalmente a girafa neste poema. De pé firme, com um pescoço comprido e um "padrão mágico" na pele, a girafa se tornou a heroína de muitas canções e poemas. Talvez se possa traçar um paralelo entre este animal exótico e o homem: ele é igualmente calmo, imponente e graciosamente construído. Também é da natureza humana exaltar-se acima de todos os seres vivos. No entanto, se paz, "harmonia graciosa e bem-aventurança" são dadas a uma girafa por natureza, então uma pessoa por natureza é criada para lutar principalmente com sua própria espécie.
O exotismo inerente à girafa se encaixa muito organicamente no contexto de um conto de fadas sobre uma terra distante. Um dos meios mais notáveis ​​de criar a imagem deste animal exótico é o método de comparação: o padrão mágico da pele de uma girafa é comparado com o brilho da estrela da noite, "ao longe é como as velas coloridas de um navio", "e seu curso é suave, como o vôo alegre de um pássaro".
A melodia do poema é semelhante à calma e graça de uma girafa. Os sons são artificialmente persistentes, melódicos, complementam a descrição fabulosa, dão à história um toque de magia. Ritmicamente, Gumilyov usa pentâmetro de anfíbraco, rimando linhas com rima masculina (com o acento na última sílaba). Isso, combinado com consoantes sonoras, permite que o autor descreva de forma mais colorida o mundo requintado dos contos de fadas africanos.
Em "Flores Românticas", outra característica da poesia de Gumilyov foi manifestada - um amor por enredos heróicos ou aventureiros em rápido desenvolvimento. Gumilyov é um mestre dos contos de fadas, contos, ele é atraído por enredos históricos famosos, paixões violentas, finais espetaculares e repentinos. Desde a juventude, ele atribuiu excepcional importância à composição do poema, sua completude de enredo. Finalmente, já nesta coleção, Gumilyov desenvolveu seus próprios métodos de escrita poética. Por exemplo, ele se apaixonou pela rima feminina. Normalmente, os poemas russos são construídos na alternância de rimas masculinas e femininas. Gumilyov em muitos poemas usa apenas mulheres. Assim se consegue uma melodiosa monotonia, musicalidade da narração, suavidade:
Seguindo Sinbad, o Marinheiro
Em países estrangeiros eu colecionava peças de ouro
E vagou em águas desconhecidas,
Onde, partindo, o brilho do sol estava queimando [“A Águia de Sinbad”, 1907]
Não é à toa que V. Bryusov escreveu sobre "Flores Românticas" que os poemas de Gumilyov "agora são bonitos, elegantes e, na maior parte, interessantes na forma".
Em sua primeira visita a Paris, Gumilyov enviou poemas a Moscou, à principal revista dos simbolistas, Libra. Ao mesmo tempo, começou a publicar sua própria revista, a Sirius, que promovia “novos valores para uma visão de mundo refinada e valores antigos em um novo aspecto”.
Também é curioso que ele tenha se interessado em viajar, mas não em viagens abstratas por mares distantes, mas em viajar para um país específico - Abissínia (Etiópia). Um país que é normal, empobrecido e com uma situação muito tensa situação militar e política. Então esta parte do continente negro foi dilacerada pela Inglaterra, França e Itália. Em uma palavra, o fundo não era o mais adequado para uma viagem romântica. Mas pode haver várias razões para a explicação: a Abissínia é o país dos ancestrais do grande Pushkin, e os abissínios negros eram principalmente ortodoxos. Embora seu pai se recusasse a fornecer dinheiro, Nicolau fez várias viagens à Abissínia.
Deixando a Sorbonne em 1908, Gumilyov retornou a São Petersburgo e se dedicou completamente à criatividade, comunicando-se ativamente no ambiente literário. Em 1908, ele começou sua própria revista, Ostrov. Pode-se supor que o título deveria enfatizar o afastamento de Gumilyov e outros autores da revista de seus escritores contemporâneos. Na segunda edição a revista estourou. Mas depois, Gumilyov conheceu o crítico Sergei Makovsky, a quem conseguiu inflamar com a ideia de criar uma nova revista. Foi assim que apareceu "Apollo" - uma das revistas literárias russas mais interessantes do início do século, na qual as declarações dos acmeístas logo foram publicadas. Nele publica não apenas seus poemas, mas também atua como crítico literário. Da pena de Gumilyov saem excelentes artigos analíticos sobre o trabalho de seus contemporâneos: A. Blok, I. Bunin, V. Bryusov, K. Balmonte, A. Bely, N. Klyuev, O. Mandelstam, M. Tsvetaeva.
Em 1910, voltando da África, Nikolai publicou o livro "Pérolas". O poema, como costuma acontecer com os simbolistas (e em "Pérolas" segue ainda a poética do simbolismo), tem muitos significados. Podemos dizer que se trata da inacessibilidade de uma vida dura e orgulhosa para aqueles que estão acostumados à felicidade e ao luxo, ou da não realização de qualquer sonho. Também pode ser interpretado como um eterno conflito entre os princípios masculino e feminino: o feminino é errado e mutável, o masculino é livre e solitário. Pode-se supor que na imagem da rainha chamando os heróis, Gumilyov simbolicamente representado poesia moderna que está cansado de paixões decadentes e quer algo vivo, mesmo áspero e bárbaro.
Gumilyov não está categoricamente satisfeito com a realidade cada vez menor e escassa da Rússia e da Europa do início do século. Ele não está interessado na vida cotidiana (as histórias cotidianas são raras e tiradas mais dos livros do que da vida), o amor é mais doloroso. Viajar é outra questão, em que sempre há lugar para o súbito e o misterioso. O verdadeiro manifesto do maduro Gumilyov é "Journey to China" (1910):
Que angústia atormenta nossos corações,
O que estamos tentando ser?
A melhor garota não pode dar
Mais do que ela tem.

Todos nós conhecemos a mágoa,
Jogou todo o paraíso querido,
Todos nós, camaradas, acreditamos no mar,
Podemos navegar para a distante China.
O principal para Gumilyov é um desejo mortal por perigo e novidade, um prazer eterno no desconhecido.
A partir de "Pérolas", a poesia de Gumilyov é uma tentativa de ir além do visível e do material. A carne para o herói lírico Gumilyov é uma prisão. Ele diz com orgulho: “Não estou acorrentado à nossa idade, / Se eu vejo através do abismo do tempo”. O mundo visível é apenas uma tela para outra realidade. É por isso que Akhmatova chamou Gumilyov de "visionário" (um contemplador da essência secreta das coisas). O país referido em “Jornada à China” é muito menos a China literal, mas sim um símbolo de mistério, de dessemelhança com o que cerca os heróis do poema.
Seus caçadores do desconhecido favoritos aprenderam a reconhecer os limites de suas capacidades, sua impotência. Eles estão prontos para admitir que
…há outras áreas no mundo
A lua do langor agonizante.
Por poder superior, proeza suprema
Eles são para sempre inatingíveis. ["Capitão", 1909]
No mesmo ano, Anna Akhmatova e Nikolai Gumilyov entraram em uma união matrimonial, eles se conheciam desde Tsarskoye Selo, e seus destinos se cruzaram muitas vezes, por exemplo, em Paris, onde Gumilyov, sendo estudante da Sorbonne, conseguiu publicar uma pequena revista Sirius. Anna Akhmatova publicou nele, embora estivesse muito cética sobre o empreendimento de sua amiga íntima. A revista logo se desfez. Mas este episódio da vida de Gumilyov o caracteriza não apenas como poeta, sonhador, viajante, mas também como uma pessoa que quer fazer negócios.
Imediatamente após o casamento, o jovem fez uma viagem a Paris e retornou à Rússia apenas no outono, quase seis meses depois. E não importa o quão estranho possa parecer, quase imediatamente após retornar à capital, Gumilyov inesperadamente, deixando sua jovem esposa em casa, parte novamente para a distante Abissínia. Este país atrai misteriosamente o poeta, dando origem a vários rumores e interpretações.
Em São Petersburgo, Gumilyov frequentemente visitava a "Torre" de Vyacheslav Ivanov, lia seus poemas lá. Ivanov, o teórico do simbolismo, patrocinava jovens escritores, mas ao mesmo tempo impunha-lhes seus gostos. Em 1911, Gumilyov rompeu com Ivanov, pois o simbolismo, em sua opinião, havia sobrevivido.
No mesmo ano, Gumilyov, juntamente com o poeta Sergei Gorodetsky, criou um novo grupo literário - a Oficina de Poetas. Em seu próprio nome, a abordagem da poesia que era originalmente inerente a Gumilyov foi manifestada. De acordo com Gumilyov, um poeta deve ser um profissional, um artesão e um mineiro de versos.
Em fevereiro de 1912, no escritório editorial da Apollo, Gumilyov anunciou o nascimento de um novo movimento literário, que, após um debate bastante acalorado, recebeu o nome de "Acmeísmo". Na obra “The Heritage of Symbolism and Acmeism”, Gumilyov falou sobre a diferença fundamental entre essa tendência e o simbolismo: “O simbolismo russo direcionou suas principais forças para a área do desconhecido”. Anjos, demônios, espíritos, escreveu Gumilyov, não devem "superar outras... imagens". É com os acmeístas que o êxtase da verdadeira paisagem, arquitetura, gosto e cheiro retorna ao verso russo. Por mais diferentes que sejam os acmeístas entre si, todos tinham em comum o desejo de devolver a palavra ao seu sentido original, de saturá-la de conteúdo concreto, borrado pelos poetas simbolistas.
Nas primeiras coleções de Gumilyov, há muito poucos sinais externos dos anos em que foram escritas. Quase não há problema social, não há indícios de eventos que preocuparam os contemporâneos ... E, ao mesmo tempo, seus poemas acrescentam muito à paleta da “Idade de Prata” russa - eles estão saturados com a mesma expectativa de grande mudanças, o mesmo cansaço do velho, uma premonição da vinda de alguns então uma vida nova, sem precedentes, dura e pura.
O primeiro livro acmeist de Gumilyov é "Alien Sky" (1912). Seu autor é um poeta rigoroso, sábio, que abandonou muitas ilusões, cuja África adquire traços bastante concretos e até cotidianos. Mas o principal é que o livro chamado “Alien Sky” na verdade fala não tanto sobre a África ou a Europa, mas sobre a Rússia, o que antes era bastante raro em seus poemas.
Estou triste do livro, ansiando pela lua,
Talvez eu não precise de um herói
Aqui estão eles andando pelo beco, tão estranhamente ternos,
Um estudante com uma estudante, como Daphnis e Chloe. [“Modernidade”, 1911-1912]
Suas coleções subsequentes (Kolchan, 1915; Pillar of Fire, 1921) não podem prescindir de poemas sobre a Rússia. Se para Blok a santidade e a brutalidade na vida russa eram inseparáveis, mutuamente condicionadas, então Gumilyov, com sua mente sóbria e puramente racional, poderia em sua mente separar a Rússia rebelde e espontânea do estado russo rico, poderoso e patriarcal.
A Rússia elogia Deus, chama vermelha,
Onde você pode ver anjos através da fumaça...
Eles obedientemente acreditam em sinais,
Amando o seu, vivendo o seu. ["Estados Antigos", 1913]
“Eles” são os habitantes da Rússia profunda, que são lembrados pelo poeta na propriedade dos Gumilyovs em Slepnev. Não menos sincera admiração pela Rússia do velho avô e no poema "Gorodok" (1916):
A cruz é levantada sobre a igreja
Um símbolo de poder claro e paternal,
E destrói o anel de framboesa
Discurso sábio, humano.
A selvageria e o esquecimento de si mesmo, a espontaneidade da vida russa aparecem para Gumilyov como a face demoníaca de sua pátria.
Este caminho é claro e escuro,
O apito de ladrões nos campos,
Brigas, lutas sangrentas
Em terríveis, como sonhos, tavernas. ["O Homem", 1917]
Essa face demoníaca da Rússia às vezes faz Gumilyov admirá-la poeticamente (como no poema “O Homem”, que está imbuído de uma premonição de uma grande tempestade, claramente inspirada na imagem de Grigory Rasputin). No entanto, mais frequentemente essa Rússia - selvagem, brutal - causa rejeição e rejeição nele:
Perdoa-nos, fedorentos e cegos,
Perdoe os humilhados até o fim!
Nós deitamos no esterco e choramos
Não querendo o caminho de Deus.
…………………………………………….....
Aqui você está chamando: “Onde está a irmã Rússia,
Onde está ela, amada sempre?
Olhe para cima: na constelação da Serpente
Uma nova estrela se iluminou. ["França", 1918]
Mas Gumilyov também viu outro rosto angelical - a Rússia monárquica, a fortaleza da Ortodoxia e, em geral, a fortaleza do espírito, movendo-se firme e amplamente em direção à luz. Gumilyov acreditava que sua terra natal poderia, depois de passar por uma tempestade purificadora, brilhar com uma nova luz.
Eu sei nesta cidade
A vida humana é real
Como um barco em um rio
Para o objetivo da saída impulsionada. ["Gorodok", 1916]
A Primeira Guerra Mundial parecia a Gumilyov uma tempestade de limpeza. Daí a convicção de que deveria estar no exército. No entanto, o poeta estava preparado para tal passo com toda a sua vida, com todos os seus pontos de vista. E Nikolai, que adoecia em todas as viagens, já em agosto de 1914 foi para a frente como voluntário. O aventureirismo, o desejo de se testar com a proximidade do perigo, o desejo de servir a um ideal elevado (desta vez - a Rússia), pelo desafio orgulhoso e alegre que um guerreiro lança até a morte - tudo o empurrou para a guerra. Ele acabou em um pelotão de reconhecimento de cavalaria, onde os ataques foram feitos atrás das linhas inimigas com risco constante de vida. Ele conseguiu perceber a vida cotidiana da trincheira romanticamente:
E é tão doce vestir a Vitória,
Como uma garota de pérolas
Andando em uma trilha de fumaça
Inimigo em retirada. [“Ofensivo”, 1914]
No entanto, a guerra o retribuiu: ele nunca foi ferido (embora muitas vezes pegasse um resfriado), seus companheiros o adoravam, o comando comemorado com prêmios e novas patentes, e as mulheres - amigas e admiradoras - lembravam que o uniforme lhe convinha mais do que um traje civil.
Gumilyov era um lutador corajoso - no final de 1914, ele recebeu a Cruz de São Jorge do grau IV e o posto de cabo pela coragem e coragem demonstradas na inteligência. Em 1915, por distinção, foi agraciado com a St. George Cross do grau III, e tornou-se um suboficial. Nikolai escreveu ativamente na frente; em 1916, amigos o ajudam a publicar uma nova coleção, Quiver.
Em maio de 1917, Gumilyov foi designado para um corpo expedicionário especial do exército russo estacionado em Paris. Foi aqui, no adido militar, que Gumilyov realizaria várias missões especiais não apenas para o comando russo, mas também prepararia documentos para o departamento de mobilização do quartel-general conjunto das forças aliadas em Paris. Você pode encontrar muitos documentos da época semelhantes em estilo de escrita ao estilo de Gumilev, mas todos eles são rotulados com os misteriosos “4 departamentos”.
No verão do mesmo ano, Gumilyov ficou preso em Paris a caminho de uma das frentes europeias e depois partiu para Londres, onde estava ativamente engajado na criatividade. Em 1918 ele retornou a Petrogrado.
Anseio pelo antigo modo de vida, ordem, lealdade às leis de honra nobre e serviço à Pátria - foi isso que distinguiu Gumilyov nos tempos conturbados do décimo sétimo ano e da Guerra Civil. Falando a marinheiros revolucionários, ele leu desafiadoramente: “Dei-lhe uma pistola belga e um retrato do meu soberano” - um de seus poemas africanos. Mas a insurreição geral apoderou-se dele, queimou-o também. Gumilyov não aceitou o bolchevismo - para o poeta ele era apenas a personificação da face demoníaca da Rússia. Um aristocrata consistente em tudo (no entanto, ele jogou aristocracia - mas, afinal, toda a sua vida foi construída de acordo com as leis da arte!), Gumilyov odiava a "rebelião russa". Mas, de muitas maneiras, ele entendia as razões do levante e esperava que a Rússia eventualmente seguisse seu caminho original, amplo e claro. E, portanto, Gumilyov acreditava, era necessário servir a qualquer Rússia - ele considerava a emigração uma vergonha.
E Gumilyov deu palestras aos trabalhadores, reuniu o círculo “Sounding Shell”, onde ensinou os jovens a escrever e entender poesia, traduzida para a editora “World Literature”, publicada livro após livro. Amigos e estudantes de Gumilyov - K. Chukovsky, V. Khodasevich, A. Akhmatova, G. Ivanov, O. Mandelstam e seus outros contemporâneos - são unânimes: o poeta nunca foi tão livre e ao mesmo tempo harmonioso, ambíguo e claro .
Na virada das épocas, a vida é mais misteriosa do que nunca: tudo é permeado de misticismo. O tema do Gumilyov maduro é o choque da razão, dever e honra com os elementos do fogo e da morte, que o atraíram infinitamente - o poeta, mas também lhe prometiam a morte - o soldado. Essa atitude para com a modernidade - amor-ódio, exultação-rejeição - era semelhante à sua atitude para com uma mulher ("E é doce para mim - não chore, querida - / Saber que você me envenenou").
As coletâneas de poemas “The Bonfire”, “Pillar of Fire”, “To the Blue Star” (1923; preparadas e publicadas postumamente por amigos) estão repletas de obras-primas que marcam uma etapa completamente nova na criatividade de Gumilev. Anna Akhmatova chamou Gumilyov de “profeta” por uma razão. Ele também previu sua própria execução:
De camisa vermelha, com cara de úbere,
O carrasco também cortou minha cabeça,
Ela deitou com os outros
Aqui em uma caixa escorregadia, bem no fundo. ["Elétrico perdido", 1919 (?)]
Este é um dos poemas favoritos de Gumilyov. Pela primeira vez aqui, o herói de Gumilyov não é um viajante conquistador, nem um vencedor, e nem mesmo um filósofo que aceita com firmeza os infortúnios que caem sobre ele, mas um homem chocado com a abundância de mortes, exausto, que perdeu tudo Apoio, suporte. Ele parecia se perder no "abismo do tempo", nos labirintos de crimes e vilanias - e cada golpe se transforma na perda de sua amada. Nunca antes Gumilyov teve uma entonação tão impotente e humanamente simples:
Mashenka, você viveu e cantou aqui,
Eu, o noivo, teci um tapete,
Onde está sua voz e corpo agora
Será que você está morto!
O herói lírico de Gumilyov é servido pela imagem do soberano Petersburgo com a “fortaleza da Ortodoxia” - Isaac e o monumento a Pedro. Mas o que pode se tornar um suporte para um pensador e um poeta não consola uma pessoa:
E, no entanto, para sempre o coração é sombrio,
E é difícil respirar, e dói viver...
Masha, eu nunca pensei
O que pode ser tanto amor e tristeza.
Late Gumilyov está cheio de amor e compaixão, chocante e audácia da juventude estão no passado. Mas não há necessidade de falar sobre paz. O poeta sentiu que uma grande reviravolta estava se formando, que a humanidade estava no limiar de uma nova era, e experimentou dolorosamente a invasão desse desconhecido:
Como uma vez em cavalinhas crescidas
Rugido da consciência da impotência
A criatura está escorregadia, sentindo nos ombros
Asas que ainda não apareceram -

Então, século após século, será em breve, Senhor? —
Sob o bisturi da natureza e da arte
Nosso espírito grita, a carne definha,
Dando à luz um órgão para o sexto sentido. [“O Sexto Sentido”, 1919 (?)]
Esse sentimento de uma grande promessa, um certo limiar, deixa o leitor com toda a vida repentinamente cortada de Gumilyov.
Em 3 de agosto de 1921, Gumilyov foi preso por suspeita de conspiração no “Caso Tagantsev”, e já em 24 de agosto, por decisão de Petrgubchek, ele foi condenado à pena capital - execução.
Então, em agosto de 1921, pessoas famosas de seu tempo se manifestaram em defesa de Gumilyov, que escreveu uma carta à Comissão Extraordinária de Petrogrado, na qual eles pediram a libertação de N. S. Gumilyov sob sua garantia. Mas esta carta não poderia mudar nada, pois foi recebida apenas em 4 de setembro e a decisão de Petrgubchek ocorreu em 24 de agosto.
Por sete décadas, seus poemas foram distribuídos na Rússia em listas e publicados apenas no exterior. Mas Gumilyov alimentou a poesia russa com sua alegria, a força das paixões e sua prontidão para as provações. Por muitos anos, ele ensinou os leitores a manter a dignidade em todas as circunstâncias, a permanecerem eles mesmos, independentemente do resultado da batalha, e enfrentar a vida diretamente:
Mas quando as balas assobiam
Quando as ondas quebram os lados
Eu os ensino a não ter medo
Não tenha medo e faça o que precisa ser feito.
…………………………………………...........
E quando sua última hora chegar,
A névoa vermelha suave cobrirá os olhos,
Eu vou ensiná-los a lembrar imediatamente
Toda a vida cruel e doce
Todos nativos, terra estranha
E de pé diante da face de Deus
Com palavras simples e sábias,
Espere em silêncio pelo Seu julgamento. [“Meus Leitores”, 1921]

GIRAFA
Hoje, vejo que seus olhos estão especialmente tristes
E os braços são especialmente finos, abraçando os joelhos.
Ouça: longe, longe, no Lago Chade
Girafas requintadas vagueiam.

Graciosa harmonia e bem-aventurança é dada a ele,
E sua pele é decorada com um padrão mágico,
Com quem só a lua se atreve a igualar,
Esmagando e balançando na umidade de lagos largos.

Ao longe é como as velas coloridas de um navio,
E sua corrida é suave, como um alegre vôo de pássaro.
Eu sei que a terra vê muitas coisas maravilhosas,
Ao pôr do sol, ele se esconde em uma gruta de mármore.

Conheço histórias engraçadas de países misteriosos
Sobre a donzela negra, sobre a paixão do jovem líder,
Mas você inalou a névoa pesada por muito tempo,
Você não quer acreditar em nada além de chuva.

E como posso falar sobre o jardim tropical,
Sobre palmeiras esguias, sobre o cheiro de ervas inimagináveis.
Você chora? Ouça... longe, no Lago Chade
Girafas requintadas vagueiam.

Cada poema de Gumilyov abre uma nova faceta das visões do poeta, seus humores, sua visão do mundo. O conteúdo e o estilo refinado dos poemas de Gumilyov nos ajudam a sentir a plenitude da vida. Eles são a confirmação de que a própria pessoa pode criar um mundo brilhante e colorido, deixando a vida cotidiana cinza. Excelente artista, Nikolai Gumilyov deixou um legado interessante e teve um impacto significativo no desenvolvimento da poesia russa.

As primeiras linhas do poema revelam um quadro bastante sombrio diante de nós. Vemos uma menina triste, ela provavelmente está sentada na janela, puxando os joelhos até o peito, e através de um véu de lágrimas olha para a rua. Perto está um herói lírico que, tentando consolá-la e entretê-la, conta uma história sobre a África distante, sobre o Lago Chade. Então os adultos, tentando consolar a criança, falam de terras maravilhosas...

Nikolai Stepanovich Gumilyov nasceu em 15 de abril (3 de acordo com o estilo antigo) em Kronstadt em abril de 1886 na família de um médico de navio. Ele passou sua infância em Tsarskoe Selo, onde em 1903 entrou no ginásio, cujo diretor era o famoso poeta Innokenty Annensky. Depois de se formar no ginásio, Gumilev foi para Paris, para a Sorbonne. A essa altura, ele já era o autor do livro "O Caminho dos Conquistadores", notado por um dos legisladores do simbolismo russo, Valery Bryusov. Em Paris, ele publicou a revista Sirius, comunicou-se ativamente com escritores franceses e russos e manteve intensa correspondência com Bryusov, a quem enviou seus poemas, artigos e histórias. Durante esses anos, ele visitou duas vezes a África.

Em 1908, o segundo livro poético de Gumilyov, "Flores Românticas", foi publicado com uma dedicação à sua futura esposa Anna Gorenko (que mais tarde se tornou a poetisa Anna Akhmatova).
Voltando à Rússia, Gumilyov vive em Tsarskoye Selo, estuda na Faculdade de Direito, depois na Faculdade de História e Filologia da Universidade de São Petersburgo, mas nunca termina o curso. Ele entra na vida literária da capital, é publicado em várias revistas. Desde 1909, Gumilyov tornou-se um dos principais colaboradores da revista Apollon, onde mantém a seção Cartas sobre Poesia Russa.

Ele faz uma longa viagem pela África, retorna à Rússia em 1910, publica a coleção "Pérolas", que o tornou um poeta famoso, e se casa com Anna Gorenko. Logo Gumilyov foi novamente para a África, na Abissínia gravou o folclore local, comunicou-se com moradores locais conheceu a vida e a arte.

Em 1911-1912. Gumilyov afasta-se do simbolismo. Juntamente com o poeta Sergei Gorodetsky, ele organizou a "Oficina de Poetas", nas profundezas da qual nasceu o programa de uma nova tendência literária, o acmeísmo. Uma ilustração poética para cálculos teóricos foi a coleção "Alien Sky", que muitos consideraram a melhor no trabalho de Gumilyov.

Em 1912, Gumilyov e Akhmatova deram à luz um filho, Leo.

Em 1914, nos primeiros dias da Guerra Mundial, o poeta se ofereceu para o front, apesar de estar completamente isento do serviço militar. No início de 1915, Gumilyov já havia recebido duas Cruzes de São Jorge. Em 1917, foi parar em Paris, depois em Londres, no adido militar de um corpo expedicionário especial. Exército russo, que fazia parte do comando unificado da Entente. Aqui, de acordo com alguns biógrafos, Gumilyov realizou algumas tarefas especiais. Durante os anos de guerra, ele não parou sua atividade literária: a coleção "Quiver" foi publicada, as peças "Gondla" e "Túnica envenenada", uma série de ensaios "Notas de um cavaleiro" e outras obras foram escritas.

Em 1918, Gumilev retornou à Rússia e tornou-se um dos figuras notáveis na vida literária de Petrogrado. Publica muito, trabalha na editora de Literatura Mundial, dá palestras, dirige a filial de Petrogrado da União dos Poetas, trabalha com jovens poetas no estúdio Sounding Shell.

Em 1918, Gumilyov se divorciou de Akhmatova e, em 1919, casou-se pela segunda vez, com Anna Nikolaevna Engelhardt. Eles têm uma filha, Elena. Anna Engelhardt-Gumilyova é dedicada à coleção de poemas "A Coluna de Fogo", cujo anúncio do lançamento apareceu após a morte do poeta.

Em 3 de agosto de 1921, Gumilyov foi preso sob a acusação de participar da conspiração anti-soviética do professor Tagantsev (este caso, segundo a maioria dos pesquisadores hoje, foi fabricado). De acordo com o veredicto do tribunal, ele foi baleado. A data exata da execução não é conhecida. Segundo Akhmatova, a execução ocorreu perto de Bernhardovka, perto de Petrogrado. O túmulo do poeta não foi encontrado.
Gumilyov morreu em seu auge forças criativas. Na mente dos contemporâneos, seu destino evocou associações com o destino do poeta de outra época - Andre Chenier, executado pelos jacobinos durante a Revolução Francesa. Por sessenta e cinco anos, o nome de Gumilev permaneceu sob a mais estrita proibição oficial.