Einführung

Wie L. S. Auer in dem Buch „Meine Schule des Geigenspiels“ schrieb: Auer L. S. Meine Schule des Geigenspiels. Interpretation von Werken der Geigenklassiker. M., 1965.: „So sehr Sie die Bedeutung der ersten einfachen Schritte im komplexen Prozess der Beherrschung der Geige betonen, es besteht keine Gefahr, sie zu übertreiben. Zum Guten oder zum Schlechten entwickelten sich die Gewohnheiten frühe Periode Lernen direkt alle betreffen weitere Entwicklung Schüler."

Tatsächlich ist das anfängliche Erlernen des Geigenspiels mit einer ganzen Reihe von Problemen und Einschränkungen verbunden. größter Erfolg Erzieher findet individueller Ansatz dem Kind die Fähigkeit, es für Musik zu interessieren und gleichzeitig (von den ersten Unterrichtsstunden an) den Umgang mit dem Instrument richtig zu lernen.

Nicht umsonst haben wir vorhin von der Leidenschaft für Musik gesprochen. Als über das richtige Spiel. Für kleine Kinder ist es ihrer Wahrnehmung nach sehr wichtig, die Lust am Lernen nicht zu verlieren. So schreiben S. Afanasenko und L. Gabysheva darüber, wie man das Geigenspiel lehrt Musikschule. - M.: Verlag „Classics XXI“, 2006.: „Ein Kind, das mit einem mehr oder weniger geäußerten Wunsch, Geige zu spielen, zu uns kommt, muss zunächst geduldig warten, bis dies möglich wird. Und davor lässt er sich einen sehr langweiligen Job gefallen – monoton andauernde Sounds zu spielen offene Saiten und spielen wie eine Balalaika. Auch wenig später, wenn der Schüler schon mit dem Bogen und allen Fingern der linken Hand spielt, kommt er auf Bitten des Lehrers hin und wieder zu solcher „Musik“, die wenig Ähnlichkeit mit dem realen Spiel hat von Geigern.

In diesem Artikel werden wir die Hauptmerkmale des Unterrichts von Kindern, die mit dem Geigenspiel beginnen, analysieren und mit methodischem Material zu diesem Thema arbeiten. Getrennt davon werden wir der traditionellen und modernen Schule des Geigenunterrichts Kapitel widmen und auch auf die Probleme eingehen, die mit den psychologischen und methodischen Merkmalen dieses Themas verbunden sind.

Abschließend fassen wir die Erfahrungen der Forschung zu diesem Thema zusammen und versuchen, die Stärken und Schwächen jeder Schule zu identifizieren.

Frühere Lehrmethoden für Violine

M. Berlyanchik Berlyanchik MM Grundlagen der Ausbildung eines angehenden Geigers: Denken. Technologie. Kreativität: Lehrbuch. - St. Petersburg: Verlag „Lan“, 2000. schreibt in seinem Werk „Grundlagen der Ausbildung eines Anfängergeigers“: „Gegenwärtig umfangreicher Unterricht von Kindern im Geigenspiel, bezogen auf erreichtes Niveau Binnenleistung, befindet sich in einer Krise. Unter den vielen und verschiedene Gründe Lassen Sie uns die Tatsache hervorheben, dass die Lehrer immer noch keine verallgemeinernde Arbeit haben moderne Theorie und die Methodik der Erstausbildung des Geigers. In Ermangelung sogar eines Lehrbuchs zum Methodenlehrgang z Musikuniversitäten und Schulen kann sich die pädagogische Praxis nur auf relativ wenige Werke stützen. Bestimmten Aspekten des Geigenspiels gewidmet - Intonation, Klangerzeugung, Fingersatz, Schlagtechnik usw. (Werke von I. A. Lesman, K. G. Mostras, V. Yu. Grigoriev, I. M. Yampolsky, M. B. Lieberman, A. A. Shirinsky und andere), as sowie die ersten Versuche, die kreative Tätigkeit hervorragender Hauslehrer zu verallgemeinern - L. Auer, L. Zeitlin, A. Yampolsky, Yu. Eidlin, Yu. Yankelevich, B. Belenky und Darsteller - Lehrer D. Oistrach, L. Kogan, M. Vayman, B. Gutnikov, E. Grach. Aber in diesen Veröffentlichungen, die jetzt für neue Generationen von Geigern zugänglich sind, werden die Themen der Grundschulbildung nicht herausgegriffen.“

Tatsächlich können wir nur drei Werke nennen, die dem direkten anfänglichen Erlernen des Geigenspiels gewidmet sind: das Werk von B. A. Struve „Wege der anfänglichen Entwicklung junger Geiger und Cellisten“ (1952), das pädagogische und methodologische Handbuch von T. V. Pogozheva „Issues Lehrmethoden für das Geigenspiel“ (1963) und das übersetzte Werk von C. Flesh „The Art of Violin Playing“, dessen erster Teil 1964 in russischer Übersetzung veröffentlicht wurde.

Struves Arbeit bleibt trotz vieler veralteter Bestimmungen und Aussagen (insbesondere zu Fragen ideologischer Natur) vielleicht fast der einzige Versuch in unserer Literatur, die Aufmerksamkeit des Leselehrers auf unabhängige Reflexionen über die grundlegenden Probleme des Unterrichtens von Kindern zu lenken die Geige spielen. Leider wurden einige aufschlussreiche Bemerkungen des Autors (z. B. Arbeiten zur Handaufstellung, Tonextraktion, Intonation) nicht weiter entwickelt.

Die methodischen Positionen von Pogozhevas Handbuch sind heute weitgehend veraltet. Insbesondere aufgrund der offensichtlichen „Vorschrift“ von Empfehlungen besteht die Tendenz, die Ausbildung von Leistungsfähigkeiten in Übereinstimmung mit zu betrachten Reflex Theorie, der Wunsch, den Entwicklungsprozess eines Geigers zu regulieren, indem er die Komponenten seines Könnens in Stufenklassen verteilt, unabhängig davon individuelle Merkmale Geschenke von Kindern.

Was das Hauptwerk von Flesch angeht, darin, wie in den oben erwähnten Arbeiten, die bestimmten Aspekten der Aufführung gewidmet sind, theoretische und methodische Bestimmungen werden ohne Berücksichtigung der Altersmerkmale des Schülers angegeben, was es uns nicht erlaubt, uns ein Bild von der Existenz eines vollständigen Systems der primären Geigerausbildung beim größten ausländischen Lehrer zu machen.

Es ist anzumerken, dass in der breiten Praxis die Methodik für die Erstausbildung von Geigern während historische Entwicklung rein empirisch entwickelt. Bisher hat sich herausgestellt, dass es einerseits von der wissenschaftlichen Analyse und Verallgemeinerung der besten Praktiken in- und ausländischer darstellender Schulen und andererseits von den Errungenschaften getrennt ist moderne Wissenschaft: Daten aus Kunstgeschichte und Ästhetik, Psychologie und Physiologie, theoretischer und darstellender Musikwissenschaft, die für die Kindergeigenpädagogik methodisch wichtig sind.

Praktische Beobachtungen und Analysen der verfügbaren (sehr bescheidenen) methodischen Literatur überzeugen uns davon, dass die wesentlichsten Fragen des Inhalts und der Konstruktion der ersten Bildungsstufen noch ungeklärt sind. Mittlerweile ist bekannt, dass schon die Anfänge des Geigenunterrichts seine Ziele, professionelles Niveau und echte Erfolge bestimmen das Schicksal des Geigers in allen weiteren Phasen der Vorbereitung.

Lassen Sie uns näher auf die Prinzipien der Arbeit mit Schülern der "alten" Schule eingehen.

In der Vergangenheit folgte die Entwicklung der Technik des Geigers dem Weg der Anwendung riesige MengeÜbungen für die linke und rechte Hand (denken Sie daran berühmte Zusammenstellungen Genkel, O. Shevchik und andere). Ihre endlose und mechanische Wiederholung stumpfte nicht nur ab musikalisches Gefühl, brachte aber der technischen Entwicklung keinen großen Nutzen, weil es gleichzeitig eine bewusste Einstellung zur Übung durchführte, es gab keine genaue und zuverlässige Erklärung des Wesens einer bestimmten Spieltechnik.

Die Methode des "unzusammenhängenden Händesetzens" (als eines der Postulate des Prinzips der "Aufgabentrennung") - Übungen für jede Hand wurden separat durchgeführt. Es ist merkwürdig, dass bereits in den dreißiger Jahren berechtigte Einwände gegen diese Methode erhoben wurden, beispielsweise von V. N. Rimsky-Korsakov. Moderne vorwegnehmen wissenschaftliche Ideen, schrieb er damals zu Recht, dass einzelne mechanische Techniken „niemals das Endergebnis – die musikalische Darbietung – ergeben und sich für sich genommen nicht einmal in den Gesamtprozess des Spiels eingliedern, wenn sie nicht einem ganz bestimmten Höheren im Vergleich zu ihnen unterliegen , psychophysiologische (nervöse) Arbeit“ Rimsky-Korsakov V. N. Zur Frage eines stabilen Lehrbuchs für Saiteninstrumente in der Schule // Sov. Musik. 1934. Nr. 10..

Der Arbeit des Unterarms der rechten Hand wurde nicht genügend Bedeutung beigemessen, es wurde nur auf die Bewegungen der Hand geachtet, die von den Bewegungen des ganzen Arms isoliert waren, der sich, an den Körper gedrückt, ständig in einer niedrigen Position befand . Für. Damit die Hand den Körper nicht verlässt, wurden verschiedene Gegenstände platziert: Bücher, Pinsel, Teller usw.

Diese Position der rechten Hand in Ermangelung einer natürlichen Drehbewegung Unterarme (die sogenannte Pronation) bestimmten seine fast vertikale Bewegung und die schiere Position der Hand. Das Ergebnis davon war ein schwaches Geräusch an der Spitze des Bugs.

Um die Tonstärke über den gesamten Bogen auszugleichen, wurde der Ton am Block mit wenig Haaren künstlich gedämpft und im oberen Teil des Bogens mit seiner ganzen Breite gespielt.

Aktuell gibt es viele innovative Ideen zur Geigenerstausbildung. Dies ist nicht nur auf den Einfluss der Zeit zurückzuführen, sondern auch auf Entdeckungen in den mit der Pädagogik verbundenen Wissenschaften wie Psychologie und Physiologie. Die pädagogische Psychologie hilft, die Entwicklungsreserven der Schüler zu verstehen und sie so effizient wie möglich zu nutzen, den Lernprozess auf der Grundlage der Merkmale der mentalen Prozesse von Kindern in verschiedenen Altersstufen aufzubauen. Die Physiologie hingegen rechtfertigt die Notwendigkeit einiger Änderungen in der Einstellung des Spielautomaten in Übereinstimmung mit dem natürlichen, inhärenten menschlicher Körper Bewegungen, die die Erhaltung der Gesundheit garantieren.

Mit anderen Worten, das Überdenken der gesammelten Erfahrungen in Verbindung mit den neuesten Forschungsergebnissen ist ein ständiger Ansporn, neue Ansätze zu entwickeln, die das Beste aus aufeinander folgenden Methoden und modernen Entwicklungen kombinieren. Es geht um solche Methoden, die am weitesten verbreitet sind und daher zu den effektivsten und interessantesten gehören, die in Zukunft diskutiert werden.

Das Konzept und die Philosophie der frühen musikalischen Entwicklung verdienen besondere Aufmerksamkeit. Suzuki"Raised with Love", das nicht nur weltweit anerkannt ist, sondern auch in der Arbeit mit kleinen Kindern weit verbreitet ist. Der Autor versteht sein Konzept nicht nur als methodische Anleitung zum Erlernen des Geigenspiels, sondern als Philosophie, die dem Kind hilft, seinen Platz im Leben zu finden.

Der Autor sieht das Ziel musikalischer Bildung nicht in der Ausbildung professioneller Musiker, sondern in der Beeinflussung der kindlichen Persönlichkeitsbildung auf der Grundlage von Liebe und Respekt. Daher abgesehen von Leistungsfähigkeiten, wird der Bildung solcher viel Aufmerksamkeit geschenkt wichtige Qualitäten menschlichen Charakter, wie Geduld, Selbstbeherrschung, Konzentrationsfähigkeit.

Das Hauptprinzip der Methode Suzuki: "Musikalität ist kein angeborenes Talent, sondern eine Fähigkeit, die wie jede andere entwickelt werden kann." Die Beherrschung eines Instruments beginnt erst, wenn das Kind es selbst will, so dass es unmöglich sein wird, es zu behalten. In der Bildung eines solchen Wunsches liegt die pädagogische Innovation der Suzuki-Methode.

Diese Technik beinhaltet in den ersten Lernphasen kein Blattlesen, und Positionen werden studiert, wenn das Kind die Grundtechniken des Spiels bereits beherrscht. Es wird angenommen, dass das Studium der Positionen zweckmäßiger ist, um mit der Entwicklung der vierten Position zu beginnen. Von den ersten Unterrichtsstunden an beherrschen die Schüler die Technik des Bogenführens parallel zur Technik der linken Hand. Der Autor der Technik glaubt, dass das separate Training von Handtechniken nicht das richtige Ergebnis liefert. Und zur besseren Orientierung der linken Hand wird in der Anfangsphase des Trainings das Griffbrett temporär mit Streifen belegt, die der Position der Finger auf den Saiten entsprechen.

Sh. Suzuki schlägt die Verwendung der "Muttersprache"-Methode vor, die durch die Bereitstellung der folgenden Bedingungen implementiert wird:

Angemessenes Umfeld;

Unterrichten des Kindes durch ständige Wiederholung.

Natürlicher Erfolg durch tägliches Üben.

Es ist bekannt, dass Kindern empfohlen wird, das Lesen in dem Moment zu lernen, in dem sie über ausreichend entwickelte Sprachkenntnisse verfügen. Daher wird bei der Suzuki-Methode der Lernphase vor der Note viel Aufmerksamkeit geschenkt: Zu dieser Zeit versucht das Kind, die richtige Positionierung der Hände, die genaue Intonation, den schönen Klang und die Integrität musikalischer Phrasen zu beherrschen.

Einen wichtigen Platz in der Schule von Sh. Suzuki nimmt ein Gruppenunterricht, weil sie die Reaktionsfähigkeit und die musikalischen und auditiven Fähigkeiten des Kindes erheblich steigern. Zweimal im Monat treffen sich die Kinder zum Gruppenunterricht. Alle Schüler der Schule werden auf der Grundlage eines musikalischen Materials ausgebildet, und die Wiederholung zuvor einstudierter Werke ist obligatorisch, was die Voraussetzungen dafür schafft Gruppenunterricht wo Kinder gemeinsam spielen. In solchen Lektionen werden verschiedene Möglichkeiten zum Lernen schwieriger Orte verwendet, um melodische Diktate nach Gehör zu spielen: ähnlich wie bei einem Echo, wenn ein Schüler nach einem Lehrer wiederholt oder die ganze Gruppe das zu lernende Material wiederholt oder einer beginnt und der nächste man fährt fort. Der Geist des Wettbewerbs, der ständige Vergleich mit anderen, erhöht das Interesse am Unterricht und lässt einen nach besseren Ergebnissen streben. Eine große Rolle in diesem System spielen auch die Eltern, die im Unterricht Notizen machen und die Hausaufgaben des Kindes überwachen, die je nach Alter zwischen 15 und 30 Minuten pro Tag betragen sollten.

Einzelunterricht findet immer in Anwesenheit von 3-4 Schülern statt, mit einem von ihnen arbeitet der Lehrer einzeln, während andere Beobachter sind.

Suzuki-Technik kann als eigenständige oder als Ergänzung zu anderen Methoden eingesetzt werden, denn diese Technik ist eher eine Philosophie und praktische Methode eher als eine rein darstellende, auf die die Anhänger der Suzuki-Schule aktiv aufmerksam machen.

Im Gegensatz zur Suzuki-Methode, bei der die Eltern aktiv an der Erziehung des Kindes beteiligt sind, sieht Rolland dies nicht als zwingend an und überlässt die Wahl den Eltern selbst, sondern glaubt, dass sie das Kind unterstützen müssen.

Nach der Methode von P. Rolland beginnen die Schüler in den frühen Lernphasen, von einem Blatt zu lesen. Viel Aufmerksamkeit wird bei dieser Technik der Inszenierung des Geigers und der Vermeidung von Muskelverspannungen geschenkt. In diesem Zusammenhang entwickelte Rolland Übungen, die die Muskelentspannung fördern. Diese Übungen helfen beim Aufbau richtige Einstellung und freie Bewegungen beim Spielen des Instruments, wodurch der Körper natürlichere Positionen einnehmen kann. Eine dieser Übungen ist das "fliegende Pizzecato" - von Fuß zu Fuß schwingen und mit einer gezwickten Bewegung der rechten Hand sollte der Körper in die gleiche Richtung gehen. Um das Auftreten von Spannungen in den Muskeln während des Spiels zu vermeiden, empfiehlt Rolland außerdem, auf leichte, nicht aufdringliche Bewegungen von Körperteilen zurückzugreifen, die nicht mit dem Spielautomaten in Verbindung stehen. In seinem Urteil lässt sich Rolland von der Tatsache leiten, dass die Unbeweglichkeit und Gleichgültigkeit eines Körperteils zur Entstehung von Spannungen führt, die verhindern natürliche Bewegungen und Koordination und verursacht ein unangenehmes Gefühl. Solche Spannungen treten oft in Bereichen auf, die der Spieler während des Spiels nicht wahrnimmt – Knöchel, Knie, Taille, Schultern und Nacken. Das Auftreten von Spannungen in einem dieser Körperteile wirkt sich in der Regel negativ auf das Hauptaktionsinstrument aus - die Hände und Finger.

So führt laut Rolland die Verlagerung des Körpergewichts von einem Bein auf das andere während des Spiels zur Beseitigung statischer Belastungen und ermöglicht es dem Spieler, das natürliche Gleichgewicht des Körpers aufrechtzuerhalten. Es sollte jedoch sein, dass zu diesem Zeitpunkt bereits Intonationsfähigkeiten ausgebildet sind, sodass Sie sich auf Körperbewegungen und Bogenkontrolle konzentrieren können. Die Richtung, in die der Körper schwingt, hängt von der Dauer des Bogenhubs (Schlaglänge) ab. Beschleunigte Bewegung der Bogen bewirkt ein Schwingen des Körpers gegen die Schlagrichtung, da dies zur Schlagverkürzung beiträgt. Bei lang anhaltenden Tönen wird durch diese Vorgehensweise jedoch der Hub unnötig verkürzt; und deshalb bewegt sich der Körper in einem solchen Fall instinktiv mit dem Bogen.

In seinem Trainingssystem verwendet Rolland Punkte am Hals, die in der Anfangsphase helfen, besser zu navigieren und sich leichter in Positionen zu bewegen.

Rolland vertritt in Bezug auf den Korpussatz die Position, dass, da nicht nur Finger und Hände beim Spielen des Instruments involviert sind, bei der Gestaltung eines Geigensatzes auf den gesamten Korpus geachtet werden muss. Rolland hält es für sinnvoller, die Technik der linken und rechten Hand nicht zu trennen, sondern die Bewegungen der Hände des Geigers als Teil der Technik des ganzen Körpers als Ganzes wahrzunehmen.

Der Schüler sollte auch in der Lage sein, seinen Kopf während des Spiels zu bewegen. Der größte Teil des Gewichts des Instruments wird vom Kinn getragen, linke Hand bietet etwas Halt für das Instrument unter dem Hals, was mehr Freiheit in der Schulter gibt.

Der vielleicht destruktivste Einfluss ist die Spannung und Steifheit im linken Arm und in der linken Schulter. Darauf aufbauend werden bei der Rolland-Methode Positionen von Anfang an untersucht. Denn dies sichert die Beweglichkeit der linken Hand und lässt sie nicht eingespannt bleiben. Die erste, dritte und fünfte Position des Halses werden mit erkundet einfache Übungen Bewegen Sie die linke Hand am Hals entlang und verwenden Sie das Pizzicato der rechten Hand. Es sind diese Positionen, die Rolland für die erste Studienzeit als am bequemsten ansieht.

Rolland schlägt auch vor, die rechte Hand und den Bogen als Schaukel darzustellen, deren Drehpunkt auf der Sehne liegt. Durch Anheben oder Absenken des Ellbogens können Sie den Bogen auf einer bestimmten Saite positionieren. Erhöhender Druck auf den Bogen mit dem Zeigefinger ist rücksichtslos, da er die Spannung in der Hand lokalisiert. Die rechte Hand muss gleichzeitig den Bogen beim Aufwärtsbewegen mit dem Bogen abstützen und beim Abwärtsbewegen mit dem Bogen das Gewicht der Hand entlasten. Eine solche Aktion ist nur durch Rotationsbewegungen (Pronation-Supination) möglich.

Roland gründet seine Pädagogik auf den Ähnlichkeiten zwischen natürlichen Alltagsbewegungen und den Bewegungen, die zum Geigenspiel erforderlich sind. Ein kleines Kind kann lernen, schöne tonale Klänge zu spielen, indem es eine gute Körperbalance verwendet und Muskelverspannungen beim Spielen des Instruments vermeidet.

Unter den verschiedenen Methoden zur Erstausbildung von Kindern auf dem Instrument ist auch die von G. Zilvey entwickelte „Colored Strings“-Methode hervorzuheben. Die Methodik ist auf die anfängliche Beherrschung der Grundfertigkeiten des Geigenspiels innerhalb von drei Jahren ausgelegt.

Eines der Hauptmerkmale der Methodik ist die Verwendung von Farben und visuellen Präsentationen im Lernprozess. Rhythmus, Tonhöhe, Intervalle und andere Elemente musikalischer Bildung werden entsprechend den Merkmalen visuell dargestellt kindliche Wahrnehmung.

G. Zilvey hat für jede Saite sein eigenes visuelles Bild festgelegt: Die Sol-Saite entspricht dem Bild eines Bären, Red - Papa, La - Mama, Mi - Vögel. Zusätzlich zum visuellen Bild hat jede Saite eine entsprechende Farbe: G ist grün, D ist rot, A ist blau und E ist gelb. Visuelle Präsentationen ermöglichen es dem Kind, bereits bei der ersten Bekanntschaft mit Geige und Streichern nicht nur die Fähigkeiten des Lesens von einem Blatt zu beherrschen, sondern auch zu machen dieser Prozess sehr angenehm und interessant. Dadurch werden erste Verbindungen zwischen Spielen, Blattlesen und dem eigenen Spielhören hergestellt, das die Grundlage aller späteren Arbeiten zur Beherrschung der Geige ist.

Trotz Verfügbarkeit Bildungsprozess Für ein Kind löst der Autor der Methodik aus den ersten Lektionen eine schwierige Aufgabe - die Schaffung der Grundlage für hochwertige Instrumententechnologie. In der Geschichte des Erlernens des Geigenspiels ist dies also der erste Versuch, das Pizzicato der linken Hand einzusetzen Grundschulunterricht, sowie die Einführung der innovativen Idee eines „nummerierten“ Pizzicato (Pizzicato mit allen Fingern der linken Hand). Viel Wert wird auf die Beherrschung des Spiels in verschiedenen Lagen gelegt, wobei sowohl in der Mitte des Griffbretts als auch in den höchsten Lagen natürliche Oktavharmonien gespielt werden. Nach dieser Methode lernen Kinder zuerst, natürliche Harmonien zu spielen und gehen erst dann zur Bildung von Fingern auf dem Griffbrett in der ersten Position über. Neben dem freien Besitz des gesamten Griffbretts können Sie mit den Obertönen das Gehör des Kindes auf einen hochwertigen Klang einstellen: Obertöne erklingen nur bei guter Klangerzeugung.

Wir beachten die Prinzipien von Z. Kodaly, auf denen diese Technik basiert:

Liebe zur Musik: Jedes Kind muss durch Musikunterricht die Liebe zur Musik vermitteln;

Abdeckung verschiedener Zielgruppen: Die Musikausbildung sollte nicht nur zukünftige Profis, sondern auch Amateure vorbereiten - diejenigen, die Musikkonzerte besuchen werden;

Musikalische Grundbildung meistern: "... höre, was du in den Noten siehst, und sieh, was du hörst ...";

Frühe musikalische Entwicklung: Musikalische Bildung sollte so früh wie möglich beginnen;

Die Regelmäßigkeit und Abstufung des Musikunterrichts;

Singen ist die Grundlage musikalischer Bildung. Singen hat eine tiefgreifende Wirkung auf das Kind: es beeinflusst die körperliche, soziale, emotionale und intellektuelle Entwicklung und ist das zugänglichste Musikinstrument für Kinder;

Muttersprachenprinzip: Der Unterricht sollte auf der Muttersprache, der Folklore des Landes, in dem das Kind lebt, basieren.

Es sei darauf hingewiesen, dass in der Methodik von G. Zilvey der Schwerpunkt von der Beherrschung der Geige auf das Kind selbst verlagert wird, was ihm hilft, die Bedürfnisse der musikalischen Entwicklung zu erfüllen. „Mein Wunsch, eine kindgerechte Geigentechnik zu schaffen, die die Traditionen der Musikpädagogik von Z. Kodaly fortsetzt: ein harmonisches Gleichgewicht zwischen der Entwicklung der musikalischen Wahrnehmung und Instrumentaltechnik, der Beherrschung der Musiktheorie und der Entwicklung der kindlichen Emotionalität, also des Singens , Zuhören, Instrument spielen, Notenschrift sind in der Methodik untrennbar miteinander verbunden." Unserer Meinung nach innovativ und Kreativität in der Methodik ist die Unterteilung in drei Phasen: Vorbereitung auf das Erlernen des Geigenspiels; Erlernen des Geigenspiels auf der Grundlage des relativen Solfeggio; Erlernen des Geigenspiels auf der Grundlage des absoluten Systems.

Um das Interesse der Kinder zu steigern Musikstunden Zilvey entwickelte eine Serie Musikalische Märchen, Geschichten, Bücher mit Notation und aufgezeichnete Musikwerke zum Hören zu Hause. Die vorinstrumentale Vorbereitung umfasst daher das Singen von Liedern, das Aufführen von Übungen und das Kennenlernen der Notenschrift.

Erleichtert dem Kind die Beherrschung der musikalischen Notation erheblich durch Notation, die mit Hilfe von Abbildung 1-2 die Eigenschaften des musikalischen Klangs modelliert. In den von G. Zilveyam mit der Notation entwickelten Notizbüchern findet ein allmählicher Übergang vom Abbild der Melodie mit Hilfe einer Zeichnung zu ihrer Annäherung an die reale Notenschrift statt. Auch bei Notizbüchern bewegen sich Kinder allmählich vom einfachen Ausmalen von Bildern zum Selbstaufnehmen von Melodien.

Der Hauptteil der Methodik ist das Training auf der Grundlage des relativen Solfeggio. Vier Bücher - "A", "B", "C", "D" - bieten Material, um die ersten Fähigkeiten des Kindes im Geigenspiel zu meistern, ein Gehör für Musik, ein rhythmisches Gefühl zu entwickeln und die Grundlagen des Musizierens im Ensemble zu beherrschen. Eines der Hauptmerkmale dieser Bücher ist die Verwendung von Farben und visuellen Präsentationen. Mit Hilfe von Farbe wird der Lernprozess aktiviert, es wird einfacher und angenehmer. Rhythmus, Tonhöhe, Intervalle, Elemente musikalischer Bildung werden visuell dargestellt, in Übereinstimmung mit den Merkmalen der kindlichen Wahrnehmung. Neben der Beherrschung der Fähigkeiten des Instrumentalspiels legt G. Zilvey in seiner Methodik besonderen Wert auf die Entwicklung der Fähigkeiten des Schülers zur reinen Intonation der Melodie mit seiner Stimme, daher enthält jede Lektion das Singen von Liedern mit Worten und Solfegging. Die Manuale verwenden eher einfache Melodien; zunächst sind es Lieder auf ein oder zwei Tönen, allmählich erfolgt ein Übergang zu pentatonischen und diatonischen Melodien.

Wichtig ist auch, dass die Methodik die Formen des Einzel- und Gruppenlernens kombiniert. Von den ersten Unterrichtsstunden an beherrscht das Kind die Grundlagen der Kammermusik und des Ensemblespiels, indem es verschiedene Duette, Trios, Quartette und Stücke für Kammerorchester spielt. Ein solch vielfältiges Ensemblespiel trägt zur Sozialisation des Kindes und zur Manifestation seiner Führungs- und Kommunikationsqualitäten bei.

Der Unterricht zu dieser Technik sollte kreativ sein und die folgenden Elemente umfassen: Verwendung von Farben und visuellen Präsentationen, Blattlesen; Beherrschung des Geigenspiels durch Nachahmung, Erstellen eigener Melodien und Aufnehmen dieser; Umsetzung basierend auf dem relativen System; Improvisation; Singen. Lassen Sie uns näher auf den Inhalt und das musikalische Material der vier Hauptbücher der „Colored Strings“-Methodik eingehen. Das Musikmaterial „Buch A“ konzentriert sich auf die Beherrschung der Produktion und führt das Kind in die Grundbewegungen der rechten und linken Hand ein. G. Zilvey vermeidet in der Anfangsphase bewusst Intonationsprobleme durch die Verwendung von leeren Saiten und natürlichen Obertönen.
Die Melodien in diesem Buch sind auf der pentatonischen Tonleiter aufgebaut, und die Intervalle werden mit verschiedenen Kombinationen aus natürlichen Obertönen und leeren Saiten gespielt. Die ersten Seiten des Buches sind der Bekanntschaft mit rhythmischen Notendauern gewidmet (eine Viertelnote - "TA", zwei Achtelnoten "TI-TI", eine halbe Note "TA-A", eine Viertelpause). Von den ersten Stunden an wird Pizzicato sowohl mit der linken als auch mit der rechten Hand verwendet. Verbeugen wird auch von Anfang an angewendet, aber es wird empfohlen, dass der Lehrer dem Schüler hilft, den Bogen zu halten und die richtige Position der Finger auf dem Bogen beizubehalten.

Beachten Sie, dass dieses Buch Material für das Ensemblespiel enthält. Einfache Duette auf leeren Saiten konzentrieren sich hauptsächlich auf die rhythmische Seite der Darbietung. Duette können auf verschiedene Weise aufgeführt werden, abhängig von den Bedürfnissen des Schülers und seinen technischen Fähigkeiten. Wenn ein Kind also bereits seine Finger auf das Griffbrett legt, kann es eine Melodie in einem bestimmten Rhythmus improvisieren sowie offene Saiten und Obertöne kombinieren, Pizzicato mit seiner linken und rechten Hand.

"Buch B" hilft dem Kind, die Platzierung der Finger am Hals zu meistern, was allmählich erfolgt, beginnend mit dem ersten Finger. Das Studium eines neuen Pentachord-Sounds erfolgt in drei Schritten: Der Sound wird gesungen, wahrgenommen und erst dann wiedergegeben. Eine solche Abfolge ermutigt das Kind, Intonationsfehler zu korrigieren, denn wenn der gespielte Ton von dem gesungenen abweicht, muss das Kind die Intonation korrigieren. Fingerboarding wird auch zusammen mit dem Übergang zu und von der Oktavharmonie geübt. Solche Übungen helfen dem Schüler, übermäßigen Fingerdruck auf den Hals zu beseitigen, da die Obertöne einen sehr sanften Anschlag erfordern. Das Heruntergehen von einer Oktavharmonie zu einem Finger in der ersten Position hilft dabei, die richtige Position sowohl der gesamten Hand als auch eines einzelnen Fingers zu finden und sich daran zu erinnern.

Auch in diesem Buch sind Übungen zur Transposition. Das Kind lernt, Melodien nach Gehör zu spielen, sie mit verschiedenen Fingersätzen in verschiedenen Positionen zu spielen. Die Aufgaben zur Transposition verwenden kurze Lieder, die technisch einfach genug sind und die das Kind auswendig kennt. Beachten Sie, dass die Umsetzung zunächst unter Anleitung eines Lehrers durchgeführt werden sollte.

Es ist auch wichtig zu bedenken, dass diese Übungen nicht darauf abzielen, eine neue Position oder Position der Finger bewusst zu erlernen: Sie bereiten den Schüler unbewusst darauf vor, in jeder Position und mit unterschiedlichen Fingersätzen zu spielen.
Das Material in Buch C konzentriert sich auf die Verbesserung der Technik der rechten Hand. Der Schüler lernt die Notation der Bogenrichtung und die bewusste Bogenverteilung kennen, beginnt das Legato-Spiel zu beherrschen. Beachten Sie das in frühere Bücher Der Autor konzentrierte sich bewusst nicht auf die Verteilung des Bogens: Der Schüler spielte in dem Teil des Bogens, in dem es für ihn bequem war, und benutzte hauptsächlich das Spiel mit dem gesamten Bogen in verschiedenen Geschwindigkeiten (wenn es notwendig ist, das vierte und das vierte zu spielen). Achtelnoten über den ganzen Bogen). Die Bekanntschaft mit der Verteilung des Bogens erfolgt mit Hilfe spezieller Markierungen der Bogenteile (obere Hälfte, untere Hälfte, Mitte) und Spielübungen auf offenen Saiten. Auch in diesem Buch wird der Schüler an Doppeltöne herangeführt, die zunächst auf offenen Saiten gespielt werden, wodurch er die drei für Doppeltöne erforderlichen Ellbogenpositionen beherrschen kann.
„Buch D“ beginnt mit der Einführung des Kindes in die neue Anordnung der Finger der linken Hand – das Moll-Pentachord, diatonische Dur- und Moll-Tonleitern werden eingeführt. Beachten Sie, dass dieses Buch einen weiteren Schritt in Richtung traditioneller Notation macht. In diesem Buch verschwinden die Farben allmählich, und am Ende wird alles Material in Schwarzweiß präsentiert. Nach diesem Buch erfolgt der Übergang von der relativen zur absoluten Notation. Nach dem Instrumentalmaterial "Colored Strings" können Sie zum Traditionellen übergehen Lernmaterial, spielt Konzerte, Sonaten und Theaterstücke.

Als Zusammenfassung der Analyse der „Colored Strings“-Methodik von G. Zilvey stellen wir ihre innovativen Aspekte fest: den Prozess des Erlernens des Geigenspiels in drei Phasen zu unterteilen (vorinstrumentale Vorbereitung, Spiel auf der Grundlage eines relativen Systems, Spiel auf der Grundlage der absoluten Notation). ); Intensivierung der Beherrschung der Notenschrift und Entwicklung des musikalischen Gehörs durch den Einsatz von Farbe und visuelle Bilder, relative Solmisierung; Optimierung der Beherrschung des Geigenspiels, Verwendung von "nummeriertem" Pizzicato, Spielen natürlicher Harmonien auf dem gesamten Griffbrett, Transponieren und Improvisieren von Melodien. Diese Aspekte ermöglichen es, die Effektivität der Anfangsphase der Geigenbeherrschung deutlich zu steigern und eine solide Grundlage für die Musikalität jedes Kindes zu legen. Es sei darauf hingewiesen, dass die Technik der „Farbigen Saiten“ zur Entwicklung jedes Kindes nicht nur zu den musikalischen Fähigkeiten, sondern auch zu Konzentration, Gedächtnis, Koordination, Kommunikationsfähigkeit und Disziplin beiträgt und somit beim Unterrichten aller anderen Fächer hilft.

Einen wichtigen Platz unter den Methoden des primären Erlernens des Geigenspiels nimmt die Methode von E. Dalcroze ein. Heute wird der Rhythmus von E. Dalcroze eingeführt Kunstunterricht viele Länder.

Eine der Voraussetzungen für die erfolgreiche Beherrschung eines Instruments ist die Entwicklung eines musikalischen Rhythmusgefühls.

Rhythmus entstand im Verlauf von Dalcrozes Suche nach dem Meisten effektive Wege die Bildung eines Rhythmusgefühls, die Entwicklung einer Sensibilität für die Elemente der Musik sowie die musikalische Vorstellungskraft. Nach den Ergebnissen seiner pädagogische Tätigkeit Jacques-Dalcroze kam zu dem Schluss, dass die Hauptnachteile der traditionellen Methoden der Musikerausbildung in der Isolierung von Aktivitäten und der Aufteilung des Prozesses des Musikverständnisses in mehrere akademische Disziplinen liegen, wodurch die musikalische Bildung ihrer wesentlichen Grundlage - der Emotionalität - beraubt wird.

Dalcroze wollte Musikalität als Grundprinzip der Musik erziehen, die Dreieinigkeit von Musik, Wort und Bewegung als Mittel zur Bildung einer harmonisch entwickelten Persönlichkeit wiederherstellen. Er hielt die Entwicklung von rein nachahmenden Fähigkeiten bei Kindern für inakzeptabel. Der Lehrerin ist zum Beispiel aufgefallen, dass sich Kinder ein Lied viel leichter einprägen, wenn das Singen von Bewegung begleitet wird.

Die Koordination von Bewegungen mit dem Rhythmus der Musik bereitet ihnen besondere Freude, ästhetisches Vergnügen, ein Gefühl von Lockerheit und Freiheit. Aus diesem Grund begann Dalcroze, in direktem Zusammenhang mit der Musik, ihrem Tempo, rhythmischen Muster, ihrer Phrasierung, Dynamik und Strichführung, verschiedene spezielle Bewegungen zu verwenden. Die Fähigkeit, sich schnell auf Bewegungen einzulassen, sie zu unterbrechen oder zu verändern, wurde durch Übungen entwickelt, die darauf ausgerichtet waren, eine schnelle Reaktion zu bilden. Mit Hilfe verschiedener Bewegungen nimmt das Kind musikalische Werke viel tiefer wahr.

Musikalischer Rhythmus ist "eine regelmäßige zeitliche Verteilung von rhythmischen Einheiten (rhythmisches Muster), die einem regelmäßigen Wechsel von starken und schwachen Schlägen (Meter) unterliegt, der in einer bestimmten Geschwindigkeit (Tempo) ausgeführt wird". Das Konzept des musikalischen Rhythmus ist mehrkomponentig, es enthält Komponenten wie Tempo, Metrum, rhythmisches Muster.

Der Sinn für Rhythmus ist laut Psychologen primär, elementar, daher wird er vielleicht von Musiklehrern als die wichtigste Eigenschaft der Musikalität anerkannt.

Anfänger Geiger sind durch eine Verzögerung in der Bildung und Entwicklung rhythmischer Fähigkeiten gekennzeichnet. Dieser typische Nachteil liegt darin begründet, dass die metrisch-rhythmische Seite der musikalischen Notation für ein Kind viel abstrakter ist im Vergleich zu den Tonhöhenbezeichnungen, die durch den Namen des Klangs und den entsprechenden Fingersatz der ersten Lage festgelegt sind. Daher ist in der Arbeit mit Anfängern zunächst höchstes Augenmerk auf die Kultivierung von Rhythmusgefühl und rhythmischen Fähigkeiten zu legen.

Folgende Übungen zur Entwicklung des Rhythmusgefühls helfen, diese Anforderung zu erfüllen:

Schritte beim Klatschen eines rhythmischen Musters

Bewegungen zur Musik: Schritte - Viertel, Laufen - Achtel, Sprünge - der Achtel mit einem Punkt und der Sechzehntel;

Anzeige der metrischen Pulsation: Bei starkem Schlag klatschen, bei schwachem Schlag - Arme seitlich spreizen; stampfe mit dem Fuß auf einen starken Schlag oder konzentriere dich beim Gehen darauf;

Bestimmen Sie das rhythmische Muster;

Nehmen Sie den Rhythmus mit Stöcken auf unterschiedliche Längen;

Führen Sie Übungen mit rhythmischen Lagern und rhythmischen Gesten durch.

Igor Bursky schlug einige interessante Techniken in Bezug auf die elementare Violinpädagogik vor.

Sein Bildungssystem unterscheidet sich grundlegend von bestehenden Schulen. Das ist vor allem die Präsentation des Stoffes „nach Gehör“, die Nutzung der Musik des Schülers von den ersten Schritten an.

Schon bei den ersten Klängen soll der Schüler Künstler sein, also mit Klängen darstellen. Daher sollte jede Übung (beginnend mit den ganz, ganz einfachen) zuerst eine künstlerische Aufgabe verfolgen, dann eine technische, sonst ist es nicht mehr Musikunterricht. Trotzdem sollten alle Übungen (oder besser gesagt musikalische figurative Skizzen, "Bilder") in der Reihenfolge aufgebaut werden, in der die Grundfertigkeiten des Spielens eines Musikinstruments beherrscht werden.

Der Lehrer sollte nicht nur irgendwelche Spieltechniken auf dem Instrument zeigen, sondern er selbst sollte mit dem Schüler zusammen spielen, damit der Schüler dies aufnimmt Musikwelt, musikalische Sprache unterbewusst. Nicht auf der Ebene der Wissenschaft (in Symbolen und Erklärungen), sondern auf der Ebene der Kunst (in Gefühlen und intuitiven Empfindungen). Der Schüler wird unwissentlich den Lehrer kopieren, ihn imitieren. Es gibt eine andere Seite der Notwendigkeit, mit dem Lehrer zu spielen. Sie besteht darin: Beim gemeinsamen Spiel mit dem Lehrer stellt sich der Schüler vor, er spiele gleichsam mit dem Klang des Lehrers, als würde er sich darin auflösen. Von den ersten Schritten an wird es dem Schüler nicht peinlich sein, weil er (mangels starker Fähigkeiten) mit einem knarrenden Ton spielt, dass er manchmal Fehler macht. Laut I. Bursky ist es ratsam, mit der Wiedergabe solcher Musikbilder zu beginnen, die einen knarrenden Klang und falsche Töne suggerieren ("Bar-Orgel").

Wichtig ist auch, von Anfang an zu lernen, nicht nur zu versuchen, diese oder jene Technik des Instrumentalspiels vor sich hin zu reproduzieren (und letztlich dieses oder jenes Bild zu reproduzieren), sondern sich auch davor nicht verlieren zu können des Publikums, alles so aufzuführen, dass es nicht nur Ihnen, sondern auch den Zuhörern klar ist. Um diese Fähigkeit zu erwerben, müssen Sie daher so oft wie möglich vor Publikum spielen. Es können Konzerte vor Eltern und Klassenkameraden stattfinden. Die bevorstehende Aufführung ist ein guter positiver Ansporn für die Arbeit.

I. Bursky hält es für sinnvoll, zu Hause zuzuhören Tonbandaufnahmen jene Stücke, die in Arbeit sind gegebene Zeit(sogar mit Tonbandbegleitung zu spielen) sowie die Stücke, die in naher Zukunft in Arbeit sein werden, damit dieses Material so "aufs Ohr" geht wie möglich.

Gleichzeitig müssen Sie lernen technischer Stoff, aber wiederum nur zur Vorbereitung auf die Bewältigung konkreter künstlerischer Aufgaben. Technische Übungen werden im Stück zunächst ganz der Party untergeordnet.

Allgemeines Schema Der Unterricht ist wie folgt: Zuerst wird mit dem Schüler eine Technik oder eine rhythmische Figur oder ein oder zwei Töne "nach Gehör" einstudiert und dann (vielleicht auch nach mehreren Unterrichtsstunden) gezeigt, wie es aussieht musikalisches Papier.

Der Lehrer hält es für sinnvoller, das Lernen mit der Entwicklung von Doppeltönen zu beginnen, geleitet von der Tatsache, dass zwei Finger die Position der linken Hand auf dem Griffbrett besser fühlen können als einer. Und die lange Führung einer Doppelnote ermöglicht es dem Anfänger, sich auf eine machbare Aufgabe zu konzentrieren und sich daran zu gewöhnen, die Geige mit dem Bogen zu halten und den gewünschten Klang und die gewünschte Farbe zu extrahieren. Wenn eine ungeübte Hand eine Note spielt (dh mit einem Finger und auf einer Saite spielt), fängt der Bogen außerdem oft andere Saiten und daher werden dem Hauptklang Nicht-Akkord-Noten hinzugefügt.

Ostinata-Doppelnoten, sowie viele andere Übungen, sind sinnvoll in verschiedenen Lagen zu spielen, was sich positiv auf die Produktion auswirkt. Der Autor empfiehlt, mit dem 1., 2. und 3. Finger zu spielen und erst dann mit dem 4. Finger fortzufahren. Dies ist notwendig, um die Position des Daumens der linken Hand sicher zu fühlen.

Stücke für Kinder, die gerade anfangen, Geige zu spielen, müssen mindestens drei Anforderungen erfüllen.

1. Sie müssen im übertragenen Sinne hell sein, damit es interessant wäre, sie zu spielen.

2. Die Schülerstimme sollte sehr leicht sein (am besten ist natürlich eine Ostinato-Figur), damit der Schüler sie vom ersten oder zweiten Mal „darstellen“ kann.

3. Im Studierendenteil soll eine bestimmte, möglichst grundlegende fachliche Aufgabenstellung gestellt werden.

Für die Hausaufgaben verwendet der Lehrer Videoaufnahmen - „klingende Fantasien“, auf denen er seinen Teil des Stücks spielt und die von hellen Animationen begleitet werden, die es dem Kind ermöglichen, den Rhythmus beizubehalten. Im Selbststudium spielen die Studierenden begleitet von diesem Video, was den Prozess spannend macht und Ihnen ermöglicht, die notwendigen Techniken in Kombination mit der figurativen Wahrnehmung von Musik und der künstlerischen Verkörperung dieser Bilder zu erarbeiten.

Wie man mit "klingenden Fantasien" arbeitet:

1. Zuerst müssen Sie sich die Tondatei des Duetts anhören, sich den Charakter und das Bild des Stücks anhören.

2. Versuchen Sie, die Rolle des Schülers in der Videodatei des Schülers zu spielen. Sie können auch versuchen, den Schüler die Audiodatei mitspielen zu lassen, während er sich das Stück mit Kopfhörern anhört, sodass Sie sowohl das Stück als auch Ihr Spiel hören können.

3. Schließlich spielen (wie Karaoke) zusammen mit der Sounddatei des Duetts selbst.

4. Sehen Sie zuletzt, wie es in den Noten aussieht, und versuchen Sie, die Noten zu spielen.

Es wird in der Praxis gelernt, nicht aus Büchern. Dennoch können Geigenführer, die von bedeutenden Geigern und Lehrern geschrieben wurden, gute Arbeit leisten, wenn Sie Ihren eigenen Weg in der Musik wählen: Sie helfen Ihnen, „über die Grenzen“ des einen oder anderen hinauszuschauen.

Einige davon werden hier gesammelt.

Lesen Sie ohne Fanatismus und versuchen Sie nicht, alles, was in den Büchern gesagt wird, buchstäblich zu wiederholen.

• Leopold Mozart. Geigenschule Versuch einer gründlichen Violinschule - download Ausgabe 1787, in deutscher Sprache. Es ist vor sehr langer Zeit in russischer Sprache erschienen, ist in den Bibliotheken unter dem Namen zu finden: Mozart L. Grundlegende Violinschule. Akademie der Wissenschaften, St. Petersburg, 1804. (UPD Der alte Link funktioniert nicht, siehe oder )
• Karl Blitz. Die Kunst des Geigenspiels — (Link entfernt, siehe später)
• J. Szigeti. Erinnerungen. Notizen des Geigers. Musik, M., 1969. (Link erscheint hier, sobald ich diesen Text finde)
• K. Mostras. Violine Intonation. Musgiz, 1962.
  (Beachtung! Schwere PDF-Datei, wiegt 52 MB.)
• K. Mostras. Heimübungssystem für Violinisten. Muzgiz, 1956. pdf-Datei (25 Mb.)
• V. Yu. Grigoriev - Methoden des Geigenunterrichts. ()
  
• Sechs Lektionen mit Yehudi Menuhin (mit einem Vorwort von I. Bochkova).()
  [Vielen Dank für die PDF-Datei von Menuhins Buch, die mir von Aleksey geschickt wurde, der auch ein Comicheft geschickt hat]

Vielen Dank!!! Nicht alle Bücher sind sogar in der Bibliothek, um es nicht irgendwo zu bekommen! Vielen Dank! 🙂

Kommentar von Diana — 07.04.2010 @

Diana, nicht alle Bücher auf dieser Seite wurden von mir persönlich gescannt: Einige der Links hier führen bei genauem Hinsehen zu anderen Seiten. Daher kann ich Ihre Komplimente nicht annehmen :) Nun, vielleicht eines Tages in der Zukunft, wenn ich mehr Bücher scanne :)) Aber ich scanne und erkenne wirklich, und es wird eine Fortsetzung geben!

Kommentar von annablagaya - 13.07.2010 @

vielen Dank für Ihre Seite, es war schön, so viel nützliche Literatur zu finden :)

Kommentar von artem — 13/09/2010 @

Danke, Anna! Wir werden die jüngere Generation an das Schöne heranführen und uns selbst mit deren Hilfe auskennen wunderbare Bücher freundlicherweise von Ihnen zur Verfügung gestellt!

Kommentar von Alexey — 04.06.2011 @

Hallo, hat jemand "16 Gespräche mit einem jungen Musiker" S. Shalman, danke

Kommentar von Ivan — 27.02.2012 @

Vielen Dank!

Kommentar von tatiana — 27.06.2012 @

"Technik für den Violinunterricht" Der Link ist nicht mehr funktionsfähig. Von woanders heruntergeladen. Habe das Buch auf Dropbox hochgeladen. Sie können es über einen direkten Link im PDF-Format herunterladen.
Verknüpfung

Kommentar von Yanchik – 13.07.2012 @

Danke! (allerdings habe ich hier auch einen freien Link bereitgestellt - es funktioniert immer noch).

Kommentar von annablagaya - 13.07.2012 @

Vielen Dank! Ich habe das Internet nach Literatur durchforstet. Höchst notwendige Zulagen. Dankbar!

Kommentar von Anonym — 08.07.2012 @

Hallo! Bitte aktualisieren Sie den Link zu L. Mozarts "Schule". Vielen Dank im Voraus.

Kommentar von Nata — 23.06.2013 @

Danke fürs Informieren! Schade, dass die Datei verschoben wurde (hier besteht die Gefahr, Links zu anderen Seiten zu geben..) In naher Zukunft werde ich einen funktionierenden Link finden (oder ich werde auf meinem Computer nachsehen - ich hoffe, ich habe dieses Dokument gespeichert mein eigenes).

Zawalko Jekaterina Wladimirowna,

Kandidat Pädagogische Wissenschaften, Doktorand
Nationale Pädagogik
Universität. M. P. Dragomanova, Kiew
[E-Mail geschützt]

Das Problem der Erziehung der spirituellen Kultur einer Person verwirklicht die Suche nach den effektivsten Ansätzen und Methoden der Erziehung. In Anbetracht dessen letzte Jahrzehnte Das Erlernen verschiedener Instrumente von klein auf ist weit verbreitet, die Erneuerung bestehender traditioneller Formen und Methoden entsprechend den Altersmerkmalen von Kindern und den Anforderungen der modernen Gesellschaft wird zu einer dringenden Forderung der Zeit. Diese Erneuerung ist in erster Linie mit der Einführung innovativer Methoden des Geigenunterrichts verbunden.
In der Geigenpädagogik versteht man unter Methodik die Theorie des Geigenspiels und Geigenlernens, jene Muster, Methoden, Wege zur Erreichung der von der Gesellschaft gesetzten Ziele für den Geiger-Ausführenden und -Lehrer, die auf dem aktuellen Stand des Wissens beruhen und deren Wirksamkeit.
In der modernen wissenschaftlichen und pädagogischen Literatur begegnet man zunehmend dem Begriff „Innovation“, der von Forschern unterschiedlich interpretiert wird. Nachdem wir die Definition dieses Konzepts analysiert haben, können wir die Schlüsselaspekte hervorheben, denen die meisten Wissenschaftler zustimmen:
- Innovation sind neue Implementierungen in einem bestimmten System, die Einführung von Innovationen oder Neuerungen;
- nicht alles Neue kann als innovativ angesehen werden, sondern nur was einen fortschrittlichen Inhalt hat, entwickelt, verbessert das System;
- Verbesserungen können sowohl durch die Einführung neuer Verknüpfungen und Elemente in das System als auch durch die Optimierung der bestehenden Struktur erfolgen.
Pädagogische Innovation ist eine Bildungsaktivität, die mit einem anderen Prozess verbunden ist als in der Massenpraxis und kulturellen Tradition, dem Prozess der Personwerdung, mit einer anderen Sichtweise und Herangehensweise an den Bildungsprozess. Somit ist die innovative Geigenlehrmethodik ein innovatives System von Ansichten und Methoden, die durch eine einzige Grundidee vereint sind und eine effektivere Umsetzung des musikalischen Lernprozesses ermöglichen.
Seit mehr als dreißig Jahren ist die innovative Methode des Geigenlernens „Colourstrings“ („Farbige Saiten“) weltweit bekannt. Die Methodik wurde von dem ungarischen Geigenlehrer G. Szilvey entwickelt und basiert auf den Prinzipien des musikalischen Erziehungssystems von Zoltan Kodály. Dank der Coloured-Strings-Technik sind viele Generationen von Kindern sowohl zu professionellen als auch zu Amateurmusikern geworden. Diese Technik des primären Geigenunterrichts wird in vielen Ländern erfolgreich eingesetzt und ist in der Ukraine und in Russland leider fast unbekannt.
Der Zweck dieses Artikels ist es daher, die Technik von G. Zilvey „Colored Strings“ zu analysieren und ihre innovativen Aspekte hervorzuheben, die es ermöglichen, den Prozess des anfänglichen Erlernens des Geigenspiels zu intensivieren.
Die Methodik basiert auf den Prinzipien der Musikpädagogik von Z. Kodaly, darunter stellen wir fest:
- Liebe zur Musik: Jedes Kind muss durch Musikunterricht die Liebe zur Musik vermitteln;
- Abdeckung verschiedener Zielgruppen: Die Musikausbildung sollte nicht nur zukünftige Profis, sondern auch Amateure vorbereiten - diejenigen, die Musikkonzerte besuchen werden;
- Beherrschung der musikalischen Grundbildung: "... höre, was du in den Noten siehst, und sieh, was du hörst ...";
- musikalische Frühförderung: Die musikalische Ausbildung sollte so früh wie möglich beginnen - "neun Monate vor der Geburt der Mutter";
- Regelmäßigkeit und Abstufung des Musikunterrichts;
Singen ist die Grundlage musikalischer Bildung. Singen hat eine tiefgreifende Wirkung auf das Kind: es beeinflusst die körperliche, soziale, emotionale und intellektuelle Entwicklung und ist das am leichtesten zugängliche Musikinstrument für Kinder;
- das Prinzip der Muttersprache: Der Unterricht sollte auf der Muttersprache basieren - der Folklore des Landes, in dem das Kind lebt.
Es sei darauf hingewiesen, dass in der Methodik von G. Zilvey der Schwerpunkt von der Beherrschung der Geige auf das Kind selbst verlagert wird, was ihm hilft, die Bedürfnisse der musikalischen Entwicklung zu erfüllen. „Mein Wunsch, eine kindgerechte Geigentechnik zu schaffen, die die Traditionen der Musikpädagogik von Z. Kodaly fortsetzt: ein harmonisches Gleichgewicht zwischen der Entwicklung der musikalischen Wahrnehmung und Instrumentaltechnik, der Beherrschung der Musiktheorie und der Entwicklung der kindlichen Emotionalität, also des Singens , Zuhören, Instrument spielen, Notenschrift sind in der Methodik untrennbar miteinander verbunden."
Ein innovativer und kreativer Ansatz in der Methodik ist unserer Meinung nach die Aufteilung in drei Stufen: „Musikkindergarten“ („Musik für Vorschulkinder“) – Vorbereitung auf das Erlernen des Geigenspiels; Erlernen des Geigenspiels auf der Grundlage des relativen Solfeggio; Erlernen des Geigenspiels auf der Grundlage des absoluten Systems (siehe Tabelle 1 für die Struktur des pädagogischen und methodischen Materials).

Tabelle 1

Die Struktur des pädagogischen und methodischen Materials

Abschnitt Methodik	Didaktisches Material	Hauptinhalt
Vorbereitend "Musikkindergarten"	Reihe „Gesang – Rhythmus-Rascals“: Farbhefte, Hefte und Notenmaterial auf CD: "Singende Rascals pentatonisch" "Singende Rascals L.A." "Singende Schlingel tun" Rhythmus-Rascals T.A. "Rhythmus-Rascals TI-TI"	Lehrmaterial motiviert und bereitet das Kind auf die weitere Beherrschung des Instrumentalspiels vor
Erlernen des Geigenspiels auf der Grundlage des relativen Solfeggio	Buche ein" "Düttini"	Beherrschung der Handhaltung, Grundfertigkeiten des Geigenspiels
	Buch "B" "Düttini" "Sonatin" Sonate I "Buntes Ich"	Beherrschen grundlegender rhythmischer Formeln und Spielen von Melodien basierend auf der Pentatonik
	Buch "C" "Sonatin" Sonate I "Buntes Ich"	Weitere Verbesserung der elementaren Geigenfertigkeiten
	Buch "D" "Sonate II" "Leichte Kammermusik"	Melodien spielen, die auf der Diatonik basieren
Erlernen des Geigenspiels nach dem absoluten System	"Waage I" "Waage II" "Sonate IV"	Übergang zum absoluten Notationssystem
	Buch "E" "Sonate III" "Sonate V" "Leichte Kammermusik" "Bunt II"	Erlernen der Grundmuster der Fingerplatzierung auf dem Griffbrett
	Buch "F" "Sonate VII" "Duos III" "Waage III" "Bunt III" "Leichte Kammermusik"	Verbesserung der Geigentechnik
	"Gelbe Seiten I" "Duos II"	Meistern verschiedener rhythmischer Schwierigkeiten
	"Gelbe Seiten II" "Duos II"	Beherrschung komplexer Rhythmen und Verzierungen
	"Gelbe Seiten III" "Sonate VI"	Beherrschung und Verbesserung der Grundschläge

Ja, schon dran Vorbereitungsphase Die Methodik setzt die Grundgedanken des musikalischen Bildungssystems von Z. Kodaly umfassend um – insbesondere seinen Grundgedanken: „Musik gehört allen.“ Mit Hilfe von speziell entworfenem Musikmaterial – „Singing Rascals“ und „Rhythm Rascals“ – strebt G. Zilvey danach, in jedem Zuhause, in dem Kinder aufwachsen, eine kreative musikalische Umgebung zu schaffen. Um das Interesse der Kinder am Musikunterricht zu steigern, entwickelte er eine Reihe von musikalischen Märchen, Geschichten, Büchern mit Phono-Notation und aufgenommenen Musikwerken zum Hören zu Hause. Die vorinstrumentale Vorbereitung umfasst daher das Singen von Liedern, das Aufführen von Übungen und das Kennenlernen der Notenschrift.
Erleichtert dem Kind die Beherrschung der musikalischen Notation erheblich durch Notation, die mit Hilfe von Abbildung 1-2 die Eigenschaften des musikalischen Klangs modelliert. In den von G. Zilveyam entwickelten Notizbüchern gibt es einen allmählichen Übergang von der Darstellung einer Melodie mit Hilfe einer Zeichnung zu einer Annäherung an ihre echte Notenschrift. Auch bei Notizbüchern bewegen sich Kinder allmählich vom einfachen Ausmalen von Bildern zum Selbstaufnehmen von Melodien.

Der Hauptteil der Methodik ist das Training auf der Grundlage des relativen Solfeggio. Vier Bücher - "A", "B", "C", "D" - bieten Material, um die ersten Fähigkeiten des Kindes im Geigenspiel zu meistern, ein Gehör für Musik, ein rhythmisches Gefühl zu entwickeln und die Grundlagen des Musizierens im Ensemble zu beherrschen. Eines der Hauptmerkmale dieser Bücher ist die Verwendung von Farben und visuellen Präsentationen. Mit Hilfe von Farbe wird der Lernprozess aktiviert, einfacher und angenehmer gestaltet. Rhythmus, Tonhöhe, Intervalle, Elemente musikalischer Bildung werden visuell dargestellt, in Übereinstimmung mit den Merkmalen der kindlichen Wahrnehmung.
Auch ein Kind, das gerade erst anfängt, Geige zu spielen, spürt und unterscheidet sofort die ausgeprägte Klangfarbe jeder Saite. Basierend auf diesem Merkmal hat G. Zilvey sein eigenes visuelles Bild für jede Saite festgelegt: Die Sol-Saite entspricht dem Bild eines Bären, Red - Papa, La - Mutter, Mi - Vögel. Zusätzlich zum visuellen Bild hat jede Saite eine entsprechende Farbe: G ist grün, D ist rot, A ist blau und E ist gelb.

Visuelle Präsentationen ermöglichen es dem Kind, bereits bei der ersten Bekanntschaft mit Geige und Streichern nicht nur die Fähigkeiten des Blattspiels zu beherrschen, sondern diesen Prozess auch sehr angenehm und interessant zu gestalten. So werden erste Verbindungen hergestellt zwischen dem Spielen, dem Ablesen von einem Blatt und dem Versuch, dem eigenen Spiel zuzuhören, das die Grundlage aller weiteren Arbeit an der Beherrschung der Geige ist.
Trotz der Freude und Zugänglichkeit des Bildungsprozesses für das Kind löst der Autor der Methodik eine schwierige Aufgabe von den ersten Lektionen an - die Schaffung der Grundlage für hochwertige Instrumententechnologie. In der Geschichte des Erlernens des Geigenspiels ist dies also der erste Versuch, das Pizzicato der linken Hand in den Anfangsstunden zu verwenden, sowie die Einführung der innovativen Idee des „nummerierten“ Pizzicato (Pizzicato mit alle Finger der linken Hand). Viel Wert wird auf die Beherrschung des Spiels in verschiedenen Lagen gelegt, wobei sowohl in der Mitte des Griffbretts als auch in den höchsten Lagen natürliche Oktavharmonien gespielt werden. Beachten Sie, dass Kinder zuerst lernen, natürliche Harmonien zu spielen, und erst dann mit der Bildung von Fingern auf dem Griffbrett in der ersten Position fortfahren. Neben dem freien Besitz des gesamten Griffbretts können Sie mit den Obertönen das Gehör des Kindes auf einen hochwertigen Klang einstellen: Obertöne erklingen nur bei guter Klangerzeugung.
Neben der Beherrschung der Fähigkeiten des Instrumentalspiels legt G. Zilvey in seiner Methodik besonderen Wert auf die Entwicklung der Fähigkeiten des Schülers zur reinen Intonation der Melodie mit seiner Stimme, daher enthält jede Lektion das Singen von Liedern mit Worten und Solfegging. Die Manuale verwenden eher einfache Melodien; zunächst sind es Lieder auf ein oder zwei Tönen, allmählich erfolgt ein Übergang zu pentatonischen und diatonischen Melodien.
Z. Kodalys Methode der relativen Solmisierung, die zur Grundlage dieser Technik wurde, wird nicht nur zur Beherrschung des Gesangs und der Notenschrift verwendet, sondern auch zur Entwicklung der Geigenspielfähigkeiten. So ermöglicht die Verwendung der DO-Taste (Tonika) einem jungen Interpreten, mit Hilfe der Transponierung Songs aus beliebigen Klangfarben zu spielen und so bereits in der Anfangsphase des Trainings das gesamte Griffbrett zu beherrschen.
Beachten Sie auch, dass die Methodik die Formen des Einzel- und Gruppenlernens kombiniert. Von den ersten Unterrichtsstunden an beherrscht das Kind die Grundlagen der Kammermusik und des Ensemblespiels, indem es verschiedene Duette, Trios, Quartette und Stücke für Kammerorchester spielt. Ein solch vielfältiges Ensemblespiel trägt zur Sozialisation des Kindes und zur Manifestation seiner Führungs- und Kommunikationsqualitäten bei.
Der Unterricht zu dieser Technik sollte kreativ sein und die folgenden Elemente umfassen: Verwendung von Farben und visuellen Präsentationen, Blattlesen; Beherrschung des Geigenspiels durch Nachahmung, Erstellen eigener Melodien und Aufnehmen dieser; Umsetzung basierend auf dem relativen System; Improvisation; Singen.
Lassen Sie uns näher auf den Inhalt und das musikalische Material der vier Hauptbücher der „Colored Strings“-Methodik eingehen. Das Musikmaterial „Buch A“ konzentriert sich auf die Beherrschung der Produktion und führt das Kind in die Grundbewegungen der rechten und linken Hand ein. G. Zilvey vermeidet in der Anfangsphase bewusst Intonationsprobleme durch die Verwendung von leeren Saiten und natürlichen Obertönen.
Die Melodien in diesem Buch sind auf der pentatonischen Tonleiter aufgebaut, und die Intervalle (so-mi, la-so, la-so-mi, so-mi-do, la-so-mi-do) werden in verschiedenen Kombinationen von gespielt natürliche Obertöne und offene Saiten. Die ersten Seiten des Buches sind der Bekanntschaft mit rhythmischen Notendauern gewidmet (eine Viertelnote - "TA", zwei Achtelnoten "TI-TI", eine halbe Note "TA-A", eine Viertelpause). Von den ersten Stunden an wird Pizzicato sowohl mit der linken als auch mit der rechten Hand verwendet. Verbeugen wird auch von Anfang an angewendet, aber es wird empfohlen, dass der Lehrer dem Schüler hilft, den Bogen zu halten und die richtige Position der Finger auf dem Bogen beizubehalten.
Beachten Sie, dass dieses Buch Material für das Ensemblespiel enthält. Einfache Duette auf leeren Saiten konzentrieren sich hauptsächlich auf die rhythmische Seite der Darbietung. Duette können auf verschiedene Weise aufgeführt werden, abhängig von den Bedürfnissen des Schülers und seinen technischen Fähigkeiten. Wenn ein Kind also bereits seine Finger auf das Griffbrett legt, kann es eine Melodie in einem bestimmten Rhythmus improvisieren sowie offene Saiten und Obertöne kombinieren, Pizzicato mit seiner linken und rechten Hand.
"Buch B" hilft dem Kind, die Platzierung der Finger auf dem Griffbrett zu beherrschen, was allmählich erfolgt, beginnend mit dem ersten Finger (die Note re bzw. die relative Solmisierung, die leere Saite ist die Note do), das gesamte Pentachord ist Schritt für Schritt gemeistert (do-re-mi-fa -so) und alle Finger eingesetzt werden. Das Studium eines neuen Pentachord-Sounds erfolgt in drei Schritten: Der Sound wird gesungen, wahrgenommen und erst dann wiedergegeben. Eine solche Abfolge ermutigt das Kind, Intonationsfehler zu korrigieren, denn wenn der gespielte Ton von dem gesungenen abweicht, muss das Kind die Intonation korrigieren.
Fingerboarding wird auch zusammen mit dem Übergang zu und von der Oktavharmonie geübt. Solche Übungen helfen dem Schüler, übermäßigen Fingerdruck auf den Hals zu beseitigen, da die Obertöne einen sehr sanften Anschlag erfordern. Das Heruntergehen von einer Oktavharmonie zu einem Finger in der ersten Position hilft dabei, die richtige Position sowohl der gesamten Hand als auch eines einzelnen Fingers zu finden und sich daran zu erinnern.
Auch in diesem Buch sind Übungen zur Transposition. Das Kind lernt, Melodien nach Gehör zu spielen, sie mit verschiedenen Fingersätzen in verschiedenen Positionen zu spielen. Die Aufgaben zur Transposition verwenden kurze Lieder, die technisch einfach genug sind und die das Kind auswendig kennt. Beachten Sie, dass die Umsetzung zunächst unter Anleitung eines Lehrers durchgeführt werden sollte. Es ist auch wichtig zu bedenken, dass diese Übungen nicht darauf abzielen, eine neue Position oder Position der Finger bewusst zu erlernen: Sie bereiten den Schüler unbewusst darauf vor, in jeder Position und mit unterschiedlichen Fingersätzen zu spielen.
Das Material in Buch C konzentriert sich auf die Verbesserung der Technik der rechten Hand. Der Schüler lernt die Notation der Bogenrichtung und die bewusste Bogenverteilung kennen, beginnt das Legato-Spiel zu beherrschen. Es sei darauf hingewiesen, dass sich der Autor in früheren Büchern bewusst nicht auf die Verteilung des Bogens konzentriert hat: Der Schüler spielte in dem Teil des Bogens, wo es für ihn bequem war, hauptsächlich mit dem ganzen Bogen in verschiedenen Geschwindigkeiten (wenn es nötig war vierte und achte Note auf dem ganzen Bogen zu spielen). Die Bekanntschaft mit der Verteilung des Bogens erfolgt mit Hilfe spezieller Markierungen der Bogenteile (obere Hälfte, untere Hälfte, Mitte) und Spielübungen auf offenen Saiten. Auch in diesem Buch wird der Schüler an Doppeltöne herangeführt, die zunächst auf offenen Saiten gespielt werden, wodurch er die drei für Doppeltöne erforderlichen Ellbogenpositionen beherrschen kann.
„Buch D“ beginnt mit der Einführung des Kindes in die neue Anordnung der Finger der linken Hand – das Moll-Pentachord, diatonische Dur- und Moll-Tonleitern werden eingeführt. Beachten Sie, dass dieses Buch einen weiteren Schritt in Richtung traditioneller Notation macht. In diesem Buch verschwinden die Farben allmählich, und am Ende wird alles Material in Schwarzweiß präsentiert. Nach diesem Buch erfolgt der Übergang von der relativen zur absoluten Notation. Nach dem Instrumentalmaterial "Colored Strings" können Sie zum traditionellen Unterrichtsmaterial übergehen und Konzerte, Sonaten und Theaterstücke spielen.
Als Zusammenfassung der Analyse der „Colored Strings“-Methodik von G. Zilvey stellen wir ihre innovativen Aspekte fest: den Prozess des Erlernens des Geigenspiels in drei Phasen zu unterteilen (vorinstrumentale Vorbereitung, Spiel auf der Grundlage eines relativen Systems, Spiel auf der Grundlage der absoluten Notation). ); Intensivierung der Beherrschung der Notenschrift und Entwicklung des musikalischen Gehörs durch den Einsatz von Farbe und visuellen Bildern, relative Solmisierung; Optimierung der Beherrschung des Geigenspiels, Verwendung von "nummeriertem" Pizzicato, Spielen natürlicher Harmonien auf dem gesamten Griffbrett, Transponieren und Improvisieren von Melodien. Diese Aspekte ermöglichen es, die Effektivität der Anfangsphase der Geigenbeherrschung deutlich zu steigern und eine solide Grundlage für die Musikalität jedes Kindes zu legen. Es sei darauf hingewiesen, dass die Technik der „Farbigen Saiten“ zur Entwicklung jedes Kindes nicht nur zu den musikalischen Fähigkeiten, sondern auch zu Konzentration, Gedächtnis, Koordination, Kommunikationsfähigkeit und Disziplin beiträgt und somit beim Unterrichten aller anderen Fächer hilft.

Literatur

1. Grigoriev V.Ju. Methoden zum Erlernen des Geigenspiels. - M.: Verlag "Classic-XXI", 2006. - 256 p.
2. Zavalko K.V. Das Kind der Violinpädagogik: Innovatives Pidkhid / K.V. Zawalko. Monographie. - Ch.: TsTNI, 2011. - 324 p.
3. Kodai Z. Ausgewählte Artikel. -M., 1983.
4. Chodanovich A.I. Innovative Aspekte moderner Bildungstechnologien // Innovationen. 2003. Nr. 2-3, S. 73-75.
5. Micheal Houlahan, Philip Tacka Kodaly Today: A Cognitive Approach to Elementary Music Education - Oxford University Press, USA, 2008 - 632 p.
6. Szilvay G Singing Rascals Pentatonic – Übungsbuch für elementares „Lesen“ von Musik. Veröffentlicht von Tammi, 1991.
7. Szilvay G. Singing Rascals Pentatonik / Geza Szilvay, Tuulia Hyrske, Angela Ailes. – Ebenezer Baylis & Son Ltd, Worcester, 1991.
8. Szilvay G. Violin ABC Buch A. - Fennica Genrman, 2001.
9. Szilvay G. Violin ABC Buch C. - Fennica Genrman, 2001.
10. Szilvay G. Violine ABC Buch D. - Fennica Genrman, 2001.
11. Szilvay G. Violin ABC Book B. - Fennica Genrman, 2001.
12. Szilvay G. Violin ABC Handbuch für Lehrer und Eltern. – Fennica Genrman, 2002.

Fishina Alina Igorewna

Merkmale der Untersuchung von Schlaganfällen in der Initiale

Zeit des Erlernens des Geigenspiels

Einführung

Der gesamte Weg der jahrhundertealten Geschichte der Geigenkunst war untrennbar mit der Entwicklung und Verbesserung der Schlagtechnik verbunden.

Die Beherrschung des Bogens ist das wichtigste Mittel zur künstlerischen Beeinflussung des Zuhörers. B. Asafiev schrieb: „Wenn sie über einen Geiger sprechen, singt seine Geige - das ist sein höchstes Lob. Dann hören sie ihm nicht nur zu, sondern bemühen sich auch, dem zuzuhören, wovon die Geige singt.

Eine solche Wirkung hängt von der meisterhaften Anwendung verschiedener gestrichener Methoden zum Aussprechen der Melodie ab. Der Besitz von Schlagtechnik, wie die klare Sprache einer inszenierten menschlichen Stimme, macht die musikalische Darbietung ausdrucksstark. Es steht auch in direktem Zusammenhang mit dem Hören des Komponisten auf die Melodie, der Umsetzung seiner schöpferischen Absicht.

In der gegenwärtigen Phase erfordert die musikalische Praxis vom Geiger-Ausführenden eine höchst perfekte universelle Beherrschung der Schlagtechnik, nicht nur im Solo-, Ensemble-, sondern auch im Orchesterspiel. Dies weist auf die Notwendigkeit hin, das Ausbildungsniveau professioneller Geiger ständig zu verbessern.

Es ist in der ersten Zeit der Ausbildung, dass die die Grundlagen der Tonerzeugung und Schlagtechnik des Geigers. Diese Phase ist die wichtigste und bestimmt maßgeblich den gesamten Weg der weiteren Entwicklung des Musikers.

Modern methodische Literatur zu diesem Thema wird ausführlich präsentiert, enthält Empfehlungen und Entwicklungen jeder Generation erfahrener Musiker. Die Praxis zeigt, dass Methoden, Techniken, Leistungskriterien in ständiger Dynamik sind, es gibt eine Fülle von Schulen, Einstellungsprinzipien. Infolgedessen besteht die Aufgabe jedes Lehrers darin, aus der Vielfalt am meisten auszuwählen bester Weg Lehre, um so schnell wie möglich zu erreichen hohe Ergebnisse. Dieser Weg ist besonders schwierig für angehende Lehrer, die noch keine Unterrichtserfahrung haben. Diese Arbeit stellt einen Versuch dar, die Art und Weise der Bildung der Schlagtechnik in der Anfangsphase des Trainings durch das Prisma des Klangs des Instruments zu verstehen. Eine klare Vision der Aufgabe, ihre Spezifität kann den Prozess der Erfüllung erheblich vereinfachen. Daher ist diese Arbeit relevant.

Ziel Arbeit - die Besonderheiten und Methoden der Arbeit an der Schlagtechnik in der Anfangsphase des Erlernens des Geigenspiels zu berücksichtigen.

Aufgaben:

– entdecken Ziele und Zielsetzungen der ersten Phase des Geigenlernens

– in Betracht ziehen Stadien der Entstehung der Schlagtechnik

– analysieren Merkmale der Arbeit an Detailstrichen, Legato und Martel.

Ein Objekt Studium - die Anfangsphase des Erlernens des Geigenspiels.

Sache Studien - Schlagtechnik in der Anfangsphase des Geigenlernens.

Forschungsmethoden:

– Studium von Fachliteratur zu Forschungsfragen;

– Verallgemeinerung und Analyse musikalische und darstellerische Erfahrung verbunden mit der Lösung künstlerisch-stilistischer, klangfarblicher und motortechnischer Besonderheiten der Darbietung;

Billigung- Die Ergebnisse der Studie wurden während der Diskussion in der Abteilung für Orchesterstreichinstrumente durchgeführt, während sie auf einer Sitzung der SRRS-Sektion der Abteilung für Orchesterstreichinstrumente präsentiert wurden.

Praktische Bedeutung Die Ergebnisse der Studie können für Praktiker von Kindermusikschulen und Kinderkunstschulen sowie für Studenten und Lehrer von Hochschulen und Universitäten bei der Lektüre von Kursen zu Lehrmethoden des Geigenspiels nützlich sein.

Ziele und Ziele der ersten Phase des Erlernens des Geigenspiels

Die erste Phase der Ausbildung eines Geigers ist die wichtigste und bestimmt sein gesamtes zukünftiges Schicksal. D. Oistrach glaubte, dass „Fehler in grundlegende Bildung können in späteren Lernphasen nur schwer überwunden werden. Was sich bei den ersten Berührungen mit der Geige in das kindliche Gedächtnis einprägt, wird so stark, dass es die weitere Entwicklung merklich beschleunigt oder im Gegenteil beschleunigt.

Die Grenzen des Alters der Grundschulbildung variieren von der Zeit der frühe Kindheit(im Alter von 3-4 Jahren begannen sie, Geige zu spielen, z. B. J. Heifets, F. Kreisler, P. Sarasate usw.) bis zu 8, selten 9 Jahren. Das optimale Alter für den Einstieg ins Training liegt zwischen 5 und 6 Jahren. In diesem Alter ist das Kind bereits gesellig, hat eine ziemlich reiche motorische Erfahrung, es kann aufgrund der Anwesenheit von anhaltender Aufmerksamkeit und der Entwicklung von Willensprozessen trainiert werden. Gleichzeitig nimmt das Kind die Welt immer noch ganzheitlich wahr, Intuition, unbewusste Prozesse der Psyche und das genetische Gedächtnis funktionieren eindeutig.

In der häuslichen Psychologie gibt es klar definierte Altersperioden in der Entwicklung des Kindes, die jeweils durch einen eigenen führenden Aktivitätstyp gekennzeichnet sind. Wenn einem Kind aus irgendeinem Grund eine Umgebung vorenthalten wird, die ihm eine führende Aktivität bietet, dann ist seine " persönliche Entwicklung irreparabler Schaden wird angerichtet."

Der Lehrer muss die Besonderheiten der kindlichen Aktivitäten in den verschiedenen Kindheitsphasen kennen und bei seiner Arbeit berücksichtigen. Daher müssen ihm Informationen über die Welt um das Kind im Allgemeinen und über die Geige und Musik im Besonderen vermittelt werden charakteristisch für sein Alter Aktivitäten.

Die Anfangsphase des Erlernens des Geigenspiels ist Vorschulzeit(3-7 Jahre). Zu diesem Zeitpunkt sind die Aktivitäten des Kindes vielfältiger, dies ist die Zeit, in der die elementaren Fähigkeiten des Schülers gemeistert werden. Die führende Aktivität des Kindes in der Vorschulzeit ist ein Spiel. Das Kind liebt es zu zeichnen, zu tanzen, zu phantasieren, zu entwerfen, mit Gleichaltrigen zu spielen, es ahmt die Aktivitäten von Erwachsenen in allem nach. Das Kind nimmt gerne am Rollenspiel teil Spiele, Modellierung der "Erwachsenenwelt", die so vielfältig, unfassbar ist und deren Teil er selbst zu spüren und zu verwirklichen beginnt.

In der Grundschule „wird es nicht nur gefordert maximale Aufmerksamkeit Lehrer zum Kind, seine volle "Inklusion", aber auch eine besondere "Klugheit" in Bezug auf das Individuum innere Qualitäten kleiner Musiker, sein Charakter, Reaktion, gesammelte Erfahrung. Die Ausbildung eines jungen Geigers hängt davon ab, wie genau und tief der Lehrer beim Schüler die Merkmale seiner Begabung erraten und diese dann sorgfältig entwickeln kann.

Die Erststudienzeit umfasst Folgendes Ziele und Zielsetzungen:

Musikalische Entwicklung, die Entwicklung des inneren Gehörs.

Bildung von Fähigkeiten, Hände auf das Instrument zu legen.

Entwicklung elementarer Gaming-Fähigkeiten.

Das Studium der elementaren Schläge (Detach, Legato, Beginn der Arbeit am Martel und deren Wechsel).

Die erste Phase der Arbeit mit Anfängern ist die wichtigste. Der Lehrer sollte versuchen, den Schüler für „die prosaischsten Momente des Setzens von Armen, Beinen, Kopf usw.“ zu interessieren.

In der Erstausbildung von Geigern stößt der Lehrer oft auf ein fast oder völlig unterentwickeltes Gehör für Musik. „Es mag paradox erscheinen, aber oft werden Kinder mit einem schlechteren Gehör für Musik in die Geigenklasse aufgenommen als in die Klavierklasse, und ein Lehrer in der Spezialität muss parallel zum Auflegen der Hände das musikalische Gehör entwickeln und sich mit der musikalischen Bildung vertraut machen , das seine eigenen Besonderheiten für Geiger hat.“ . Die Besonderheit der Arbeit mit solchen Schülern besteht darin, dass ein Teil des Unterrichts der Entwicklung des musikalischen Gehörs mit Hilfe von gewidmet werden muss Singen zunaechst individuelle Klänge, dann Motive, die die Aufgaben allmählich erschweren.

Einfach und sehr wichtiger Punkt ist ein separate Handplatzierung.

Besonderes Augenmerk sollte darauf gelegt werden die Position der Beine und des Körpers des Geigers. Die Füße sollten schulterbreit auseinander stehen und die Zehen leicht zur Seite gedreht sein. Dies ist notwendig für die richtige Position der Wirbelsäule, Komfort und Stabilität während des Spiels. Der linke Fuß kann bei korrekter Positionierung zunächst als Orientierungshilfe für die Position der Geige dienen: Der Kopf der Geige sollte in die gleiche Richtung wie die Spitze des linken Fußes gerichtet sein, ohne nach links oder nach links abzuweichen das Recht

wichtiges Detail Es wird ein Kissen auf dem Schlüsselbein geben. Es sollte für jedes Kind in Form, Größe und Dichte optimal sein. Bänder sollten bequem sein, damit sie nicht in den Hals einschneiden und sich nicht lösen.

Eine getrennte Ausbildung in der Anfangszeit beinhaltet parallel Arbeiten Sie an der Einstellung der linken und rechten Hand. Im Verlauf des Unterrichts ist es ratsam, alle diese Aufgaben häufig zu ändern, um die Aufnahme zu erleichtern und das Interesse des Schülers am Unterricht zu steigern.

- In der Anfangsphase werden die Grundlagen für die Ausbildung der Technik des Instrumentalspiels gelegt;

- Alter der Schüler - 5-7 Jahre - Vorschulzeit, leitende Tätigkeit - ein Spiel, was berücksichtigt werden muss psychologische Merkmale diese Altersperiode in der Lehrpraxis;

- In der Unterrichtspraxis wird zu dieser Zeit parallel an der Einstellung jeder Hand separat gearbeitet, elementare Schlagspielfähigkeiten werden gelegt.

Ausbildung der Schlagtechnik eines angehenden Geigers

Die Arbeit an der Schlagtechnik beginnt mit der Beherrschung der Fähigkeiten rationelle Einstellung der rechten Hand.

Wort "Rationalität"(von lat. ratio – Vernunft) – „Vernünftigkeit, Sinnhaftigkeit, Zweckmäßigkeit.“ In Bezug auf das Geigenspiel bedeutet dies, den Prozess der Aktion der Hände auf dem Instrument zu verstehen, um die harmonische Anpassung der Hände und des Körpers des Spielers zu erreichen der perfekteste Klang des Instruments, die Umsetzung künstlerischer und ausdrucksstarker Aufgaben.

Das Problem des Bogenbesitzes ist weitgehend ein Problem der klanglichen Verkörperung der Intention des Komponisten und der Verwirklichung der Klangmöglichkeiten sowohl des Instruments als auch des Interpreten.

Das Konzept der „Rechte-Hand-Technik“ beinhaltet folgende Fragen:

- Tonextraktion;

– Bogenverteilung;

- verschiedene Arten des Übergangs des Bogens von Saite zu Saite;

- ein Haufen verschiedene Sorten Schläge: benachbart, ruckartig, springend, kombiniert usw.;

- Besitz künstlerischer Ausdrucksmittel wie Akzente, dynamische Schattierungen usw.

Fähigkeiten der rechten Hand und Grundlagen der Schallextraktion werden in der ersten Ausbildungszeit gelegt. Eine der Hauptaufgaben in der Anfangsphase des Trainings besteht darin, die angeborenen Greifreflexe der Schüler zu überwinden, die Muskeln von übermäßiger Spannung zu befreien und den freien Besitz aller Gelenke der rechten Hand zu entwickeln.

Es ist notwendig, von den ersten Lektionen an an der Muskelentspannung zu arbeiten, das Hauptkriterium ist die Bequemlichkeit. Hier ist alles wichtig, sowohl vorbereitende Übungen als auch die psychologische Atmosphäre. Im Unterricht ist es besser, Sätze zu vermeiden wie - "Nehmen Sie den Bogen in die Hand", viel besser und richtiger, - "Legen Sie Ihre Finger auf den Bogen", - dieser Satz fordert Muskelentspannung.

Die Fähigkeiten zum Halten des Bogens beginnen sich auf einem Bleistift zu entwickeln, da er praktisch kein Gewicht hat. Es ist notwendig, dass der Schüler den Namen der Finger bereits kennt. Dann legt der Lehrer selbst seine Finger auf dem Stift wie auf einem Bogen. Es ist besser, es auf spielerische Weise zu tun. Das Kind beginnt zu phantasieren und wird besser in den Prozess einbezogen, es ist einfacher, sich an alles zu erinnern. Im Spiel ist es einfacher, den "Greif"-Reflex zu überwinden.

Wenn der Schüler gelernt hat, den Bleistift richtig zu halten, merken Sie sich leicht die Position der Finger, Sie können mit dem Bogen weiter lernen.

Der Bogen muss sehr leicht gehalten werden, ohne ihn zu quetschen, sondern so, als würde er ihn nur unterstützen. „Jeder Finger des Bogens führt sein eigenes aus wichtige Rolle zur Klangbildung benötigt.

Lassen Sie uns genauer analysieren Legen Sie die Finger der rechten Hand auf das Bogenblatt.

Daumen und Mittelfinger bilden den Hauptring um den Stock. Der Daumen liegt den restlichen Fingern gegenüber, die auf dem Stock liegen. Es sollte leicht abgerundet sein, wenn sich der Bogen nach oben zum Block bewegt, und sich bei der Bewegung nach unten zum Ende des Bogens hin etwas aufrichten, dh flexibel, plastisch sein. Der Zeigefinger überträgt die Stütze auf den Stock, das Gewicht der Hand während der Bewegung des Bogens in der oberen Hälfte. Der Ringfinger hilft bei der Aufwärtsbewegung des Bogens, als würde er am Rohrblatt ziehen. Der kleine Finger ist das wichtigste Gegengewicht beim Blockspiel. Er spürt mehr als andere Finger das Gewicht des Bogens am Block und verhindert übermäßigen Druck in diesem Teil des Bogens und verhindert so die Möglichkeit des Quietschens bei Anfängern. Die Finger sollten in ihrer natürlichen Position auf der Bogenstange aufliegen, d.h. sie sollten weder zusammengedrückt noch rechenartig gespreizt sein.

Wenn sie ruhig und natürlich gerundet liegen, ragen die "Knochen" - die Fingeransätze - nicht hervor und müssen nicht künstlich entfernt werden. Ist der sogenannte „Griff“ des Bogens unnatürlich, dann kann weder eine normale Tonerzeugung noch ein normaler Schlag erzielt werden.

Nachdem der Schüler gelernt hat, den Bogen zu halten, ist es notwendig, an seinem Verhalten zu arbeiten.

Zunächst ist es sehr sinnvoll, damit zu beginnen, einen unkontaktierten Bogen entlang der Ellenbogenbeuge der linken Hand zu fahren. Wir markieren die Mitte des Bogens mit einem weißen Faden und zählen eins - stopp - zwei, während der Bogen stoppt, müssen Sie Ihre Hand entspannen und die Position der Finger am Stock überprüfen. Der Bogen wird gleichmäßig gehalten, die Hand „öffnet“ nach vorne. Ein häufiger Fehler ist es, den Bogen „am Ohr“ und „hinter dem Rücken“ zu halten. Bereits in dieser Übung wird die Fähigkeit trainiert, den Bogen selbst zu halten.

Dann ist es sinnvoll, die Übung zu erschweren. Wir legen den Bogen mit dem von uns weg geneigten Stock auf den Block, während er sich bewegt, verwandelt die Bürste ihn in ein volles Haarband. Allmählich ist es notwendig, eine glatte und einfache Führung des Bogens zu erreichen. Alle Bewegungen sollten bequem und natürlich werden.

Es ist notwendig, dass die Schüler eine sehr klare Vorstellung davon haben, welche Gelenke und Muskeln der Hand am meisten beansprucht werden, wenn sie in dem einen oder anderen Teil des Bogens spielen. Es muss erklärt werden, dass beim Spiel in der unteren Bogenhälfte das Schultergelenk und beim Spiel in der oberen Bogenhälfte das Ellbogengelenk die Hauptrolle in der Bewegung spielt. Das Handgelenk (Karpalgelenk) spielt eine Hilfsrolle beim Spielen in irgendeinem Teil des Bogens.

Auch Schulter und Schultergelenk müssen klar abgegrenzt werden: Es ist möglich und oft notwendig, die Schulter anzuheben (z. B. beim Spielen der G-Saite), ohne jedoch das Schultergelenk anzuheben.

Wenn sich der Bogen nach unten bewegt, senkt sich das Handgelenk allmählich, wenn sich der Bogen nach oben bewegt, hebt es sich allmählich und die Hand scheint zu schweben. Die Bewegungen des Handgelenks sollten gleichmäßig und nicht übermäßig sein. Ein häufiger Fehler bei Schülern ist die seitliche Auslenkung des Handgelenks. Dies zeigt die Spannung der Unterarmmuskulatur an und trägt nicht zur Entwicklung der Schlagtechnik bei.

Schlagtechnik des Geigers.

Luke(deutsch Strich - Linie, Linie) - „eine ausdrucksstarke Art der Darbietung, das Extrahieren eines bestimmten Klangcharakters mit einem Bogen, musikalische Artikulation. Diese Art der Bogentechnik erhielt ihren Namen von den Strichen und Linien, die über den Noten platziert wurden, um die Methode zum Zeichnen des Bogens anzuzeigen. S. Feinberg schrieb, dass „die Anschläge von Streichinstrumenten als der „sichtbare Atem“ der Musik bezeichnet werden können. Ohne den Blick von der rechten Hand des Geigers abzuwenden, für Spannung, Verfall und Wechsel klingender Bilder.

In der Anfangsphase der Ausbildung ist es falsch, das Schlaganfallstudium lange aufzuschieben. Dies führt dazu, dass der Schüler im Spiel nicht ausreichend hochwertige motorische Fähigkeiten einsetzt und kann die Beherrschung der Schlagtechnik weiter verlangsamen. Die wichtigsten, allgemeinsten Schlagbewegungen sollten von Anfang an gelehrt werden, und das Studium bestimmter Schlagbewegungen kann beginnen, sobald der Schüler die Prinzipien des Aufstellens beherrscht oder die darin enthaltenen Mängel beseitigt. Die Praxis zeigt, dass, wenn sich der Schüler an die monotonen Bewegungen der rechten Hand gewöhnt, es schwieriger sein wird, zu der Vielfalt der Striche zu kommen, als wenn Sie die kontrastierenden Bewegungen sofort beherrschen.

Das Studium der Schlagtechniken muss in durchgeführt werden bestimmte Reihenfolge- vom Verständnis grundlegender Schlagbewegungen bis hin zu komplexeren. Die Geschwindigkeit, verschiedene Schläge zu beherrschen, ist sehr individuell und hängt von den Fähigkeiten des Schülers ab (gleichzeitig kann die Fähigkeit, die komplexesten Schläge auszuführen, nicht mit allgemeinem musikalischem Talent kombiniert werden).

Bei der Arbeit an Schlaganfällen sollte man zunächst von ihnen ausgehen künstlerischer Zweck , für deren Umsetzung es notwendig ist, eine Art Schlaganfall zu entwickeln. Das künstlerische Ziel sollte klar, in einer dem Alter des Schülers zugänglichen Form, vor ihn gestellt werden, das Vorhandensein eines Inneren Hören das gewünschte Klangergebnis.

Hohe künstlerische Ansprüche sollten da schon an gestellt werden Kindheit, ab Ausbildungsbeginn. Die Demonstrationen des Lehrers, das Spielen älterer Schüler, der Besuch von Geigenkonzerten, das Anhören von Schallplatten können entwickelte künstlerische Ideen zu verschiedenen Schlägen bilden. A. Yampolsky, P. Stolyarsky bemerkten, dass es nützlich ist, sich die Darbietungen aller Geiger anzuhören, nicht unbedingt nur der besten, da „man von jedem Interpreten etwas lernen kann, einschließlich dessen, was man nicht tun sollte, weil es Mängel bei den Darbietungen gibt erleichtert heraus.

Yu Jankelevich sagte: "Eine schöne Bewegung erzeugt einen schönen Klang." Das heißt, um ein qualitativ hochwertiges Klangergebnis zu erzielen, muss die Schlagbewegung in sein der höchste Grad poliert, verifiziert und frei von allen unnötigen Elementen. Gleichzeitig erlangt es äußerlich Harmonie, Schönheit, erzeugt ein Gefühl von Freiheit und Leichtigkeit. Ein Schlaganfall kann jedoch nicht enthalten absolute Freiheit Hände (in diesem Zustand kann sie keine einzige Bewegung ausführen), aber es gibt ein notwendiges Maß an Mindestspannung bestimmter Muskeln, die diese Bewegung ausführen. Wird dieser Grad überschritten, oder werden zusätzliche Muskeln angespannt, dann bemerken wir von außen leicht, dass die Bewegung des Geigers geklemmt.

Bei der Arbeit an Schlagbewegungen ist es wichtig zu erkennen, dass jede von ihnen, wie V. Grigoriev feststellt, "eine bestimmte, mehr oder weniger breite Zone hat, in der sie am besten ausgeführt werden kann". Es ist wichtig, dass der Schüler von Anfang an beim Studium einer bestimmten Bewegung die Extrempunkte dieser Zone spürt. Dann findet er „drin drin“ in Zukunft viele Möglichkeiten für die Bewegung, die bei der Suche nach einem Schlaganfall benötigt wird.

Bei der Ausführung von Schlagbewegungen sollte die Arbeit der Muskeln am wirtschaftlichsten sein. In diesem Fall können die Muskeln nicht nur zwischen den Schlägen, sondern auch innerhalb einer Schlagbewegung Zeit zum Ausruhen bekommen. Ermüdung der Muskeln und ihr „Wiederholen“ werden gerade wegen ihrer Überanstrengung nicht so sehr durch stundenlanges Training, sondern durch ein physiologisch falsches Regime, Mangel an notwendiger Ruhe, erreicht.

Es wird empfohlen, die Striche auf verschiedene Arten zu bearbeiten: auf offenen Saiten, auf dem Material von Tonleitern, Etüden, Theaterstücken. Allerdings sollte die Arbeit an den Strichen ihrer Verwendung in Kunstwerken etwas voraus sein, wo es wünschenswert ist, einen etablierten, polierten Strich zu verwenden, und diesen bereits im Lichte der konkreten künstlerischen Aufgaben dieser Arbeit bearbeiten.

Aus all dem folgt:

- rationelles Einstellen bedeutet, den Prozess der Aktion der Hände auf dem Instrument zu verstehen;

- Die Arbeit an der Schlagtechnik beginnt mit der Beherrschung der Fähigkeiten des rationalen Setzens der rechten Hand;

– die Untersuchung von Schlaganfällen in der Anfangsphase der Ausbildung kann nicht zu lange aufgeschoben werden, führt dies dazu, dass der Schüler motorische Fähigkeiten nicht ausreichend hoher Qualität einsetzt, und kann in Zukunft die Beherrschung der Schlaganfälle verlangsamen;

- das Studium der Schlagbewegungen muss in einer bestimmten Reihenfolge durchgeführt werden - von einfach bis komplexer;

- bei der Erarbeitung der Strichtechnik sollte zunächst einmal genau von ihrem künstlerischen Ziel ausgegangen werden, das in einer dem Alter des Schülers zugänglichen Form klar formuliert sein sollte. Der Schüler muss haben inneres Hören das zu erzielende stichhaltige Ergebnis;

- in Kunstwerken ist es wünschenswert, einen bewährten, geschliffenen Strich anzuwenden und diesen bereits im Lichte der konkreten - künstlerischen Aufgaben dieser Arbeit zu bearbeiten.

Merkmale der Arbeit an Geigenschlägen

Die Anfangsphase des Erlernens des Geigenspiels besteht darin, an der Beherrschung der folgenden Schläge zu arbeiten: Trennen, Legato, Martell. Als nächstes werden wir die Grundprinzipien der Arbeit an jedem dieser Striche separat betrachten.

Trennen(trennen)

Aus dem Französischen wird dieser Strich mit „separat“ übersetzt – es bedeutet „eine separate Bewegung des Bogens neben der Saite, ohne am Ende bei jeder Note anzuhalten“. Dies ist einer der ausdrucksstärksten und am häufigsten verwendeten Striche. Er ist von größter Bedeutung für die Entwicklung aller anderen Schlaganfälle. Je nach Art der Ausführung, der Art des Klangs, hat dieser Schlag viele Variationen, in Verbindung damit ist er sehr weit verbreitet.

Bei der Arbeit " Grundschulbildung Geigerin" A. Barinskaya formuliert eine Reihe spezifischer Bedarf präsentiert für die Ausführung dieses Schlages:

„- ein weicher Kontaktton, d. h. ein Ton, der durch die normale Haftung der Bogenhaare an der Sehne entsteht – ohne Kneifen, aber mit ausreichender Dichte;

- Halten Sie den Bogen zwischen Steg und Hals parallel zum Steg, um die korrekte Schwingung der Saite und damit den natürlichen Klang zu gewährleisten.

- gleichmäßiger Klang über die gesamte Länge des Haarbandes.

Merkmale der Arbeit an einem Schlaganfall.

Von Beginn der Arbeit am Detailstrich an ist es notwendig, die Aufmerksamkeit des Schülers auf die Empfindung zu lenken Last Waffen. Der Bogen soll auf der Sehne aufliegen, die Hand ist frei und weich, die Bewegung entlang der Sehne ist leicht und flüssig. „Das Gewicht des Bogens ist in der unteren Hälfte viel größer als in der oberen. Um über die gesamte Bogenlänge einen gleichmäßigen Klang zu erhalten, muss der Geiger in der oberen Hälfte mit einem etwas stärkeren Bogendruck auf die Saite spielen, als würde er mit der Hand mit Hilfe des Zeigefingers Gewicht hinzufügen. Und wenn Sie am Block spielen und sich ihm nähern, müssen Sie den Druck des Bogens auf die Saite mit Hilfe des kleinen Fingers etwas verringern. Dem gleichen Zweck dient eine leichte Neigung des Blattes zum Hals hin, wenn in der unteren Hälfte des Bogens gespielt wird, was zu einer Verengung des Haarbandes in Kontakt mit der Saite und zu einer Begradigung der Neigung des Blattes beim Spielen führt in der oberen Hälfte des Bogens, was eine Verbreiterung des Haarbandes ergibt. Diese Änderung der Neigung des Stocks ist auf die Arbeit des Handgelenks zurückzuführen.

Es ist ratsam, mit offenen Saiten an der Beherrschung des Anschlags zu arbeiten. Das Handbuch von V. Yakubovskaya enthält eine Reihe wunderschön harmonisierter Stücke auf offenen Saiten, auf deren Material es sehr bequem ist, die anfänglichen Fähigkeiten des Haltens eines Bogens und das Beherrschen des Detache-Schlags zu erlernen.

"Hähnchen"- eines der ersten Stücke, das an der Verteilung des Bogens arbeitete, Es ist auch auf einer leeren Saite geschrieben, das rhythmische Muster ist eine Kombination aus zwei Achteln und einem Viertel. Dadurch ist es möglich, dem Schüler kurze und lange Notizen zu erklären. Um den Rhythmus besser zu beherrschen, sollten Sie zuerst ein Gedicht lernen, rhythmische Übungen durchführen (klatschen, mit Worten stampfen). Wenn der Rhythmus beherrscht wird, spielen wir das Stück auf der Geige. Am achten - eine Hälfte wird gehalten, an einem Viertel - ein ganzer Bogen. Dieses Spiel erfordert oft den Schüler besondere Aufmerksamkeit und Koordination von Bewegungen, da er dazu neigt, das rhythmische Muster zu ignorieren und auf die gleiche Dauer zu gehen. Bei Achtelnoten bewegt sich der Bogen schneller als eine Viertelnote entlang der Saite. Es ist notwendig, die Ebenheit des Bogens zu überwachen, eine qualitativ hochwertige Klangerzeugung.

Stücke auf offenen Saiten sind nützlich, um auf allen vier Saiten der Geige zu spielen, unabhängig davon, auf welcher Saite sie geschrieben sind. Dies wird es dem Schüler ermöglichen, die Besonderheiten der Klangerzeugung auf verschiedenen Saiten zu spüren und die Art des Klangs jeder Saite der Geige zu hören. Zum Beispiel erfordert das Spielen der G-Saite ein größeres Handgewicht als das Spielen der E-Saite. Sein Timbre ist saftig, ähnlich dem Summen einer Hummel. Die Saite „Mi“ hingegen ist „ansprechfreudiger“ und sollte mit „leichtem“ Bogen gespielt werden, ihr Klang ist kalt und transparent. Solche Übungen enthalten ein Element des Spiels, beziehen die Vorstellungskraft des Kindes mit ein und tragen zu einer besseren Aneignung von Spielfähigkeiten bei.

Das Schwierigste für Studenten bei der Arbeit an einem Schlaganfall Detail ist es, einen gleichmäßig starken Klang zu erzielen. Der natürlichste und leichteste Klang ist Diminuendo, wenn es mit einem Bogen nach unten gespielt wird, und Crescendo, wenn es mit einem Bogen nach oben gespielt wird, aufgrund des Gewichts des Bogens.

Die Kraft, mit der der Bogen auf die Saite gedrückt wird, hängt nicht nur vom Spielen in einem bestimmten Teil des Bogens ab, sondern auch von der Geschwindigkeit des Bogens. Je höher die Geschwindigkeit, desto fester sollte der Kontakt der Haare mit der Saite sein und desto stärker sollte der Druck des Bogens auf die Saite sein, um ein oberflächliches „Rascheln“ zu vermeiden. Besonders hervorheben möchte ich die Notwendigkeit einer ausreichenden Freiheit, Emanzipation aller Gelenke und Muskeln der rechten Hand, da schon eine leichte Anspannung unnötig ist und die Klangerzeugung beeinträchtigt.

Legato(legato)

Legato (it. legato - verbunden, verbunden). „Dies ist eine Technik für das zusammenhängende Spiel mehrerer Töne auf einem Bogen“ In den Noten ist es durch das Liga-Symbol gekennzeichnet

"Luke legato- eine der am weitesten verbreiteten Spieltechniken; sie enthüllt die Essenz der Natur der Geige – ihre Fähigkeit, eine endlose Melodie sanft und ausdrucksstark zu „singen“.

Seine Hauptschwierigkeit besteht darin, wie L. Auer schrieb, "das Ideal eines weichen, runden, kontinuierlichen Klangflusses" zu erreichen. Er betrachtete Legato als „die Quintessenz des Kantilenenspiels“, es „ist nichts als die Zerstörung von Winkeln im Geigenspiel“. Yu Jankelevich schrieb über Legato: „Wir haben die Kultur dieses Strichs weitgehend verloren. Glattes Legato ist Farbe. Kantilene, Wohlklang, melodisch lange Linie- dafür ist die Geige stark.

Primäre Anforderungen:

Wie Detail ist Legato ein angrenzender Strich. Daher gelten für Legato im Detail dieselben Anforderungen. Dazu kommen noch:

- präzise Verteilung des Bogens;

- rhythmische und klare Arbeit der Finger der linken Hand;

- gute Artikulation.

Es ist wichtig, dass der Schüler von Anfang an den Impuls der Freiheit erfasst den Bogen führen in Legato beim Folgen präzise seine Verteilung. Wie beim Detailstrich beginnen wir beim Legato mit offenen Saiten zu arbeiten.

Die Verteilung des Bogens im Legato verfolgt das Ziel des gleichmäßigen Klangs, damit es nicht zu Klang-„Tumoren“ durch das Ziehen des nicht rechtzeitig genutzten Bogenendes kommt, oder umgekehrt, damit die Passage „erstickt“ nicht am fehlenden Bogen. Daher ist es bei der Arbeit am Detailstrich notwendig, einen gleichmäßigen, kontinuierlichen Klang der Geige zu erreichen.

Martell(Märtel)

Aus dem Französischen übersetzt - "Schmiede, Hammer, Minze" - ist dies ein ruckartiger Schlag, der in vielerlei Hinsicht einem hell akzentuierten Detail ähnelt, aber seinen eigenen charakteristischen Klang hat, Stopps (Pausen) zwischen den Noten. Es wird durch Punkte (Keile) und Akzente über Noten angezeigt.

Dieser Schlag ist sehr heller Charakter– energisch und elegant zugleich. In der Regel nehmen die Schüler es gut nach Gehör wahr.

Primäre Anforderungen:

- in der oberen Hälfte des Bogens durchgeführt;

- ruckartige Tonattacke;

- das Vorhandensein von Pausen zwischen den Noten.

Merkmale der Arbeit an einem Schlaganfall:

Zwei Momente sind bei der Arbeit an einem Martelé-Schlag gleichermaßen wichtig - der Beginn des Tons - ein heller, scharfer Anschlag, ein aktiver Impuls der Bewegung der Hand entlang der Saite, der es ermöglicht, den Bogen schnell und energisch zu ziehen, und das Ende - ein scharfes Abklingen des Tons, das dem gesamten Schlag einen perkussiven, ruckartigen Charakter verleiht.

A. Yampolsky schrieb: „Ein häufiger Fehler, der beim Studium des Martle-Schlags gemacht wird, ist, dass der Bogen zuerst gegen die Saite gedrückt und dann bewegt wird. Dabei müssen das Andrücken des Bogens an die Saite und seine Anfangsbewegung zwangsläufig gleichzeitig erfolgen.

Um den Strich scharf, kurz und gleichzeitig leicht zu machen, halten Sie den Bogen vor jeder neuen Note an pausiert. In Pausen ist es notwendig, einen "Stich" der nächsten Note vorzubereiten, indem der Zeigefinger mit Hilfe einer kleinen Drehbewegung des Unterarms gleichzeitig mit dem Impuls des horizontalen Haltens des Bogens gedrückt wird. Ein häufiger Fehler, den Schüler machen, ist eine eingeklemmte Schulter. Ein Freiheitsgefühl des ganzen Arms ist notwendig, obwohl der Hauptschlagimpuls aus dem Ellbogen kommt. Nach dem Akzent sollten Sie Ihre Hand sofort loslassen und den Druck des Zeigefingers während des horizontalen Haltens lösen. Der Bogen darf nicht federn, er bleibt auf der Sehne.

In der Anfangsphase der Arbeit am Martelle-Hub ist es ratsam, ziemlich lange standzuhalten pausiert zwischen den Noten, damit der Schüler Zeit hat, seine Hand vorzubereiten und sie allmählich zu reduzieren, wenn er die Spielbewegung beherrscht.

S. Shalman bietet in seinem Handbuch „Ich werde ein Geiger sein, 33 Gespräche mit einem jungen Musiker“ vorbereitende Übungen auf offenen Saiten zur Beherrschung des Martelschlags an.

Fazit

Im Laufe der Studie wurden die Merkmale des Schlagstudiums in der Anfangsphase des Erlernens des Geigenspiels betrachtet - der Phase, in der die Grundlagen der Schlagtechnik gelegt werden.

Linientechnik Geiger - das ist der Besitz verschiedener Ausdrucksmethoden der Klangerzeugung.

diese Arbeit baut auf dem Prinzip der Beherrschung einfacher Spielbewegungen bis hin zu komplexeren auf und beginnt mit der Beherrschung der Fähigkeiten des rationalen Setzens der rechten Hand. Dabei geht es um die Überwindung der angeborenen Greifreflexe der Schüler, die Befreiung der Muskulatur von Überspannung, die natürliche Position der Finger am Stock und die Entwicklung des freien Ballbesitzes aller Gelenke der rechten Hand.

Aus dem Kontext der pädagogischen Praxis lässt sich zum jetzigen Zeitpunkt erkennen, dass die Aufgabe des Lehrers darin besteht, aus der Vielfalt der Methoden die optimale Unterrichtsform auszuwählen, um in möglichst kurzer Zeit hohe Ergebnisse zu erzielen. In der heimischen Geigentechnik gilt es als sinnvoll, an der Entwicklung von drei Schlägen zu arbeiten - Detail,legato und Martell.

Auf dieser Grundlage wurden im dritten Absatz die Merkmale der Arbeit an diesen Strichen betrachtet. Die Definition von jedem von ihnen, die Klangeigenschaften und die wichtigsten Leistungsanforderungen werden angegeben. Es werden Beispiele für vorbereitende Übungen zur Beherrschung dieser Schläge sowie Trainingsspiele gegeben, auf deren Grundlage die Leistungsmerkmale, die Hauptschwierigkeiten bei der Arbeit an einem Schlag und Möglichkeiten zu ihrer Überwindung im Detail betrachtet werden.

Bei der Arbeit an der Schlagtechnik sollte man zunächst von ihrer ausgehen künstlerischer Zweck, die deutlich angegeben werden muss, in einer Form, die dem Alter des Schülers entspricht. Der Schüler muss ein inneres Gehör für das Klangergebnis haben, das erreicht werden soll. Bei Kunstwerken ist es wünschenswert, einen bewährten, geschliffenen Strich anzuwenden und diesen bereits im Hinblick auf die spezifischen künstlerischen Aufgaben dieser Arbeit zu bearbeiten.

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