Laut dem Physiologen Sechenov ist jede menschliche Aktivität das Ergebnis von Muskelbewegungen. Diese Aussage gilt auch für stimmtechnische Fähigkeiten, da stimmtechnische Fähigkeiten auch motorische Fähigkeiten sind. Und motorische Fähigkeiten sind konditionierte Reflexe, die entwickelt und gefestigt werden müssen.

Die entscheidende Rolle im Prozess der Bildung von stimmlichen und technischen Fähigkeiten kommt dem Lehrer zu, der die Handlungen des Schülers mit seinem eigenen Wort bewertet, erklärt, korrigiert und den richtigen Klang vorlebt. Und als Ergebnis entwickelt und entwickelt der Schüler Hör- und Muskelempfindungen.

Alle Bewegungen, einschließlich der Bewegungen des Stimmapparates, werden von der Großhirnrinde analysiert und synthetisiert. Das Gehirn steuert den Stimmapparat mit Hilfe von Nervenimpulsen. Nervenimpulse korrigieren Sie die Muskelbewegungen des Stimmapparates. Das heißt, die Bildung von stimmlichen und technischen Fähigkeiten hat eine physiologische Grundlage und hängt weitgehend vom Nervensystem und seiner Aktivität ab, von der Entwicklung der Beziehungen zwischen den Hör- und Muskelempfindungen des Stimmapparates.

Jede Art von Aktivität ist mit der Entwicklung bestimmter technischer Fähigkeiten verbunden. Stimmbildung, Gesangsausbildung ist die Entwicklung von stimmlichen und technischen Fähigkeiten. Für die Bildung dieser Fähigkeiten großen Einfluss die Anatomie der Struktur des Stimmapparates und die Einstellung des Schülers zum Lernen - Fähigkeiten, Wunsch, Interesse, Ausdauer und Leistung.

Beim Gesangslernen ist es sehr wichtig, dass Sie Ihre Empfindungen beim Singen kontrollieren und analysieren können – muskulös, auditiv, vibrierend. Dies sind Empfindungen am harten Gaumen, Gaumenvorhang, Kehlkopf, Luftröhre, Brust und Gesicht, Bauchhöhle.
Die Empfindungen des Sängers sind mit Beobachtung, Aufmerksamkeit und Erinnerung verbunden, dh der Darsteller muss die Aufführung immer analysieren und aufmerksam sein.

Wie wir wissen, haben sich Kinder - unerfahrene Darsteller - entwickelt unwillkürliche Aufmerksamkeit Sie sind oft abgelenkt und tun, was sie interessiert. Willkürliche Aufmerksamkeit zu entwickeln ist die Aufgabe des Lehrers. Es ist notwendig, die Aufmerksamkeit ständig zu entwickeln und die Schüler konsequent daran zu gewöhnen, aufmerksam zu sein, wenn sie eine kleine und spezifische Aufgabe ausführen. Die Aufmerksamkeit ist morgens aktiver, nach einer Nacht voller Schlaf und Ruhe. Es gibt einen Ausdruck " Bester Urlaub- Änderung der Tätigkeit. Diesen Ausdruck gilt es zu übernehmen und im Lernprozess verschiedene Arbeitsformen anzuwenden, um die Aufmerksamkeit zu lenken.

Wenn Sie Gesang machen, müssen Sie sich daran erinnern große Menge Texte. Das Auswendiglernen basiert auf Wiederholung. Aber unbewusste Wiederholungen müssen vermieden werden. Beim Lernen von Texten sollten Logik und Bildsprache verbunden werden. Und dann werden wir ein gutes Gedächtnis entwickeln, nämlich schnell auswendig lernen, lange speichern und das Gelernte genau wiedergeben. Im Prozess des Musikstudiums entwickelt sich insbesondere das vokale, visuelle, auditive, logische und musikalische Gedächtnis.

In der Arbeit des Sängers sehr wichtig Theaterstücke emotionaler Zustand. In einem depressiven Zustand kann es keine Qualitätsarbeit geben – sowohl das Gedächtnis als auch das Denken weigern sich, in diesem Zustand zu arbeiten. Daher sollte im Klassenzimmer eine Atmosphäre des guten Willens und des Optimismus herrschen.

Aber es kommt vor, dass der Student sich zu sehr anstrengt, um eine technische Aufgabe zu lösen, die noch nicht in seiner Macht steht. Und das erzeugt Angst und Spannung. Es sollte daran erinnert werden, dass Lernen ein langer Prozess ist und Schwierigkeiten allmählich überwunden werden.

Es gibt Fälle von Spannungen, wenn der Schüler sich seiner Fähigkeiten nicht sicher ist, er ist schüchtern, schüchtern. Auch dieses Manko wird nach und nach beseitigt: Durch Konzertauftritte und mit Hilfe eines Lehrers - seiner Zustimmung und Unterstützung - wird Vertrauen aufgebaut.

Bei der Entwicklung und Verbesserung der stimmlichen und technischen Fähigkeiten muss der Lehrer den Schülern realisierbare Aufgaben stellen und die spezifische Aufgabe bestimmen, die der Schüler erfüllen muss. Die Arbeit sollte auf der positiven Erfahrung des Schülers basieren.

Für die Entwicklung von stimmlichen und technischen Fähigkeiten ist es wichtig, die durchgeführten Handlungen zu verstehen und den Lernprozess bewusst zu gestalten. Und für ein positives Ergebnis sind die Lust, der Wille und die Lust, Neues zu lernen, wichtig. Und das alles ist Arbeit, ohne die es keine Kreativität geben kann. Stimmliche Kreativität impliziert die Notwendigkeit, stimmliche und technische Fähigkeiten zu beherrschen und sie in der Praxis anzuwenden.

Aber selbst wenn er diese Fähigkeiten beherrscht, wird jeder Darsteller sein eigenes Ergebnis haben, denn natürliche Daten und Merkmale der Aktivität des Nervensystems sind von großer Bedeutung, die ein solches Konzept als "Talent" charakterisieren - also einen Komplex entwickelten Fähigkeiten ohne die Kreativität nicht möglich ist.

Kapitel 2. Entwicklung von Gesangs- und Chorfähigkeiten im Musikunterricht in Grundschule.

Die Anfangsphase der Arbeit im Musikunterricht mit Gesangs- und Chorfähigkeiten.

In der modernen methodologischen Literatur findet man sie in jedem Absatz, der sich auf Chorgesang bezieht nächsten Revolutionen:

Pädagogische Arbeit.

Musikalische Arbeit,

Gesangs- und Chorarbeit,

Gesangs- und Chortätigkeit.

Mit einer einzigen Ausnahme (L. Shkolyar) werden die Konzepte „Arbeit“ und „Aktivität“ im Handbuch nicht getrennt, aber tatsächlich gibt es einen großen Unterschied zwischen ihnen. Vor allem, wenn wir über Kunstunterricht sprechen, wo „es keine Regeln und Übungen geben sollte, die von Live-Musik abstrahiert sind und das Auswendiglernen und wiederholte Wiederholungen erfordern“ (D. Kabalevsky). Mit anderen Worten: „Auswendiglernen“ und „Mehrfachwiederholung“, also Gesangs- und Chorarbeit, also Schulkinder von der Chorkunst trennen und deren Begreifen durch mühsames und unsensibles Coaching ersetzen, lassen das Formale entstehen. gleichgültige Leistung. die durch keine Arbeit an der Schaffung eines künstlerischen Bildes wiederbelebt werden kann.

Von einer vollwertigen Tätigkeit im Kunstunterricht kann gesprochen werden, wenn „Schulkinder den Entstehungsprozess der Musik selbst reproduzieren, die künstlerische Bedeutung von Werken als ihre eigenen begreifen und eine kreative Mittelauswahl treffen. was ihrer Meinung nach. Enthüllen die künstlerische Absicht der Arbeit am vollständigsten und genauesten. Gleichzeitig durchdringen Kinder die Natur selbst. musikalische Kreativität. Versetzen Sie sich in die Lage eines Komponisten, Performers, Zuhörers “(L. Shkolyar). Natürlich ist es für einen Musiklehrer gar nicht so einfach, Kindern dabei zu helfen, den „Geburtsprozess der Musik“ nachzuvollziehen und ins Allerheiligste – den Ursprung der Gesangskunst – vorzudringen.

Natürlich müssen Sie es zuerst selbst ausprobieren und erst dann den Schülern die Möglichkeit geben, zu kreieren, zu erleben, zu verstehen, d.h. ein Musikstück aufführen. Immer daran denkend, dass jedes Kind „erst die Musik in sich selbst hören muss, … und … erst dann, wenn es nicht mehr möglich ist, vor sich hin zu „singen“, ohne die Melodie zu brechen, für die Menschen zu singen, ohne falschen Schrei, ohne eine hysterische Anspannung, aber in der Art und Weise klingt ein vom Leben herausgerissenes und vom menschlichen Herzen geäußertes Wort“ (V. Astafjew).

Und es wird keine Notwendigkeit für endlose Wiederholungen und Vertiefungen geben – die Erfahrung hinterlässt Spuren in der Seele und im Bewusstsein des Kindes und in der Erinnerung, denn „man kann sich in der Musik nur an das erinnern, was verständlich und emotional empfunden ist“ (D. Kabalewski). Und der Schüler, der fühlt, denkt und hört, versteht, wovon er singen will, und vielleicht wird seine Rede dann nicht müßig und leer sein. Vielleicht machen beide Taten und das Leben selbst Sinn. Was ist er...? Lassen Sie jedes Kind für sich selbst suchen.

Der Schwerpunkt des Musikunterrichts im System der massenmusikalischen Erziehung und Bildung sollte meiner Meinung nach weniger auf den Erwerb gelegt werden Theoretisches Wissen, wie viel davon, das Intonations-figurative Gepäck des Kindes zu lösen, seine nationale Reaktion auf Musik zu entwickeln, ein nachhaltiges Interesse an musikalischer Kunst als Teil des Lebens um es herum zu entwickeln. Die Hauptsache ist nicht so sehr das Wissen über Musik, sondern das Eintauchen der Kinder in die Musik selbst, das Wissen über die Musik selbst. Dies wird vor allem durch die Aufführungsaktivitäten von Schulkindern, die Entwicklung kollektiver Fähigkeiten zum Musizieren - Singen, Spielen von Musikinstrumenten, plastische Intonation, einfache Improvisationen und andere - erleichtert.

Besitz der Methodik zur Organisation verschiedener Arten musikalischer Aktivitäten von Schülern in einem Musikunterricht.

Gesangs- und Chorarbeit:

a) Klarheit der Darstellung der Ziele und Zielsetzungen der Gesangstätigkeit der Studierenden unter Berücksichtigung ihrer Altersmerkmale;

b) Angemessenheit der Auswahl Musikalisches Material für Singen und Lernen, sein künstlerischer Wert;

c) die Qualität der stimmlichen Darbietung des Liedrepertoires;

d) die Klarheit der Festlegung von Bildungsaufgaben für Schüler und die Fähigkeit, ihre Umsetzung zu erreichen;

e) Besitz von Arbeitsmethoden in verschiedenen Stadien des Erlernens eines Liedes (Einführung, Grundlagen, Abschluss) und ihre Entsprechung zu jedem von ihnen;

f) Die Aufmerksamkeit der Schüler auf ihr eigenes Singen lenken und die Schüler in seine Analyse einbeziehen;

g) Besitz von Methoden zur Bearbeitung der Elemente der Gesangs- und Chortechnik (Atmung, Klangbildung, Klangwissenschaft, System, Ensemble, Diktion), künstlerische und expressive Darbietung;

h) die Zweckmäßigkeit der Kommentare und Methoden, die verwendet werden, um die Mängel des Chorklangs zu korrigieren;

i) Die Fähigkeit, Schulkindern beizubringen, nach der Hand des Dirigenten zu singen, mögliche Ungenauigkeiten und Schwierigkeiten des Vortrags mit einer Geste zu antizipieren, das Tempo, die Agogik, die Dynamik, die Phrasierung, ihre Schläge usw. zu kontrollieren;

j) Die Fähigkeit, den Grad der musikalischen und sängerischen Entwicklung der Schüler zu diagnostizieren, die Wirksamkeit der Arbeit des Chorleiters zu analysieren und zu bewerten.

Kapitel 1. Theoretische Grundlagen der Chororganisation im Musikunterricht der Grundschule.

Gesangs- und Chorpädagogik. Das Konzept der Gesangs- und Chorfähigkeiten.

Die musikalische Grundschulerziehung zielt darauf ab, bei Kindern ein ganzheitliches Verständnis der Musikkunst zu entwickeln, ihnen grundlegende Schlüsselkenntnisse, Fertigkeiten und Fähigkeiten musikalischen Handelns in einem System zu vermitteln, das den Grundschülern in ihrer Gesamtheit eine Grundlage für ihre Weiterentwicklung bietet . selbstständige Kommunikation mit musikalischer Kunst, zur Selbstbildung und Selbstbildung.

Thema„Musik“ in der Grundschule hat folgende Aufgaben:

* mit Musik fesseln, Interesse und Liebe für Musik entwickeln, die Fähigkeit, ihre Schönheit zu schätzen, eine musikalische und ästhetische Reaktion auf Werke hervorrufen, ein Gefühl der Empathie mit musikalischen Bildern, d.h. die emotionale Sphäre der Schüler entwickeln;

* Musikalisch-figuratives Denken entwickeln, die Gesetze der Kunst verstehen, Musik wahrnehmen, die Fähigkeit, darüber in Verbindung mit dem Leben und anderen Künsten nachzudenken;

* kreative musikalische Fähigkeiten entwickeln, praktische Fähigkeiten und Fähigkeiten im Prozess des Aufführens, Hörens und Komponierens von Musik (Improvisation), Bewegen zur Musik und ihrer plastischen Intonation;

* entwickeln musikalischen und ästhetischen Geschmack und die Notwendigkeit, mit musikalischen Meisterwerken und musikalischer Selbstbildung zu kommunizieren.

Methoden und Prinzipien in der Arbeit mit einem Kinderchor haben, wie Sie wissen, Besonderheiten. Die Hauptsache ist, dass das Alter der Kinder und ihre Interessen berücksichtigt werden müssen. Die Reaktionsfähigkeit der Seele eines Kindes ist so direkt und unberechenbar, dass es einfach undenkbar ist, mit einem "vorgefertigten Rezept" zu einer Probe mit einem Kinderchor zu gehen, mit einem Verständnis für die psychologische, physikalische Eigenschaften Kinder, gleichzeitig ihr Lehrer, Erzieher und nur ein Freund zu sein. Für einen Dirigenten ist es äußerst schwierig, eine Form der Kommunikation mit Kindern zu finden, in der Gesangs- und Choraufgaben erfüllt werden. Freude die Kreativität der Kinder einzigartig und unwiederholbar in der Natur. E. B. Abdulin identifizierte drei solcher Phasen beim Studium eines Musikwerks:

1) Bekanntschaft mit einem Musikstück, seine emotionale und bildliche Wahrnehmung; Verständnis aus der Sicht des behandelten Themas;

2) eine detailliertere Analyse, die Bildung musikalischer und auditiver Darstellungen, Darbietungsfähigkeiten;

3) ganzheitlich, vollständiger als die anfängliche Wahrnehmung der Arbeit.

Die angegebenen Stufen sind von Natur aus nah an den drei Hauptarten des Musikunterrichts:

a) Lektion zur Einführung in das Thema (das Vorhandensein der anfänglichen verallgemeinerten Merkmale des neuen Schlüsselwissens im Inhalt der Lektion);

b) eine Lektion zur Vertiefung des Themas (das Vorhandensein eines neuen Merkmals des Schlüsselwissens in der Lektion);

c) eine Lektion zur Verallgemeinerung des Themas (das Vorhandensein eines ganzheitlichen, aber bereits bereicherten Unterrichts im Vergleich zur Lektion, in der die Merkmale des Schlüsselwissens in das Thema eingeführt werden).

Beim Hören sollte man die Qualität der Stimme (Typ, Tonumfang), das musikalische Gehör, das Rhythmusgefühl, das musikalische Gedächtnis und auch die musikalische Ausbildung feststellen: Kenntnis der Notenschrift, Besitz einer solchen Musikinstrument, die Erfahrung des Singens im Chor. Es gibt verschiedene Methoden, Chorbewerbern zuzuhören. In der Regel wird der Bewerber zu Vorführungen eingeladen Gesangsarbeit; Lied, Romanze, Arie. Danach wird der Stimmumfang, die Stimmart (Tenor, Bariton, Bass etc.) bestimmt. An einfachen Übungen wird die Qualität des musikalischen Gehörs ermittelt. Beispielsweise wird vorgeschlagen, Töne unterschiedlicher Höhe nach einem Instrument oder einer Stimme innerhalb des mittleren Segments des ankommenden Stimmbereichs zu wiederholen, um eine einfache Konstruktion von drei bis fünf Tönen, die auf einem Instrument gespielt werden, mit einer Stimme zu wiederholen. Wenn der Bewerber eine musikalische Ausbildung oder Erfahrung im Chorsingen hat, können die Übungen etwas kompliziert sein. Beispielsweise wird ein Bewerber aufgefordert, nach Gehör einfache Intervalle in melodischer und dann in harmonischer Form zu bestimmen, um verschiedene Intervalle mit einer Stimme aus einem gegebenen Klang zu konstruieren. Es ist ratsam, chromatische Konstruktionen in das Hören einzubeziehen.

Die Beherrschung unterschiedlichster musikalischer und sängerischer Kenntnisse, Fertigkeiten und Fähigkeiten jedes einzelnen Chormitglieds trägt zur Bildung der Chorkultur bei, hilft bei der Beherrschung der Singstimme, ausdrucksstarken künstlerischen Darbietung von Liedern und Chorwerke. Die individuelle Gesangsentwicklung ist die Grundlage, auf der die Chorpädagogik aufgebaut ist, jede Kinder- oder Jugendchorgruppe wird gebildet. Das unterscheidet ihn grundlegend von einem professionellen Erwachsenenchor.

Die erste Bedingung für eine korrekte Stimm- und Chorausbildung ist die emotionale und ästhetische Stimmung des Chores, d.h. die Schaffung einer entspannten Atmosphäre durch den Leiter, die auf natürliche Weise harte Arbeit mit aufregender Kreativität verbindet, die das Interesse und die Neugier der Kinder aktiviert, Optimismus und hohe Effizienz erzeugt. Diese Haltung sollte während des gesamten Unterrichts beibehalten werden.

Für die Aktivität des Stimmapparates ist es wichtig, die Gesangsinstallation zu beobachten, egal ob die Kinder sitzend oder stehend singen. Die Regeln der Singanlage sind den Leitern bekannt und die Schüler müssen sie beim Singen beachten. Daran müssen sie regelmäßig erinnert werden.

1. basierend auf der Entwicklung des musikalischen Gehörs,

2. Akkumulation musikalischer und auditiver Darstellungen.

Alle Gesangs- und Chorarbeit mit Kindern basiert auf der umfassenden Entwicklung des musikalischen und vokalen Hörens: melodisch, harmonisch, polyphon, modal, dynamisch, Klangfarbe.

Die Hauptmethode der Klangerzeugung in der Arbeit mit Kindern, Jugendlichen und Jugendlichen sollte sein weicher Angriff. Ein harter Angriff ist für kleine Kinder nicht akzeptabel. Ein solider Angriff ist nur manchmal als separates Bildmittel möglich. Die Verwendung eines harten Angriffs als konstante Methode der Klangerzeugung stört die gleichmäßige Atemarbeit und wirkt sich negativ auf die Arbeit der Stimmbänder aus.

Besonderes Augenmerk sollte auf die Arbeit an der Klangqualität einer Kinderstimme gelegt werden - der Entwicklung der grundlegenden Eigenschaften einer singenden Klangfarbe: Klangfülle, Flug, Vibrato, Verständlichkeit, Gleichmäßigkeit. Es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass erzwungenes Singen der Singstimme von Kindern großen Schaden zufügt. Es verhindert die Entwicklung seiner Haupteigenschaften, verursacht verschiedene Störungen und Erkrankungen des Stimmapparates. Erzwungenes, lautes Singen widerspricht den Anforderungen künstlerischer Darbietung.

Der Erhalt der Individualität des Klanges einer Kinderstimme im Unterricht im Chor ist von besonderer Bedeutung. Wie Sie wissen, ist ein professioneller Chor erforderlich, um den Klang in seiner Farbe zu verschmelzen, und nicht nur in Stärke, Intonation, Formation usw. Da sich die Stimmen der Chormitglieder in der einen oder anderen Formationsstufe befinden, ist es notwendig, Bedingungen zu schaffen, die zu ihrer maximalen Entfaltung und nicht zu ihrer Nivellierung beitragen.

Individualität in Kinderstimmen kommt in den meisten Fällen nicht klar zum Ausdruck. Und wenn ihre Gesangsentwicklung normal verläuft, die Kinder nicht mit forciertem Ton singen, in ihren Stimmen kein Nasen- oder Kehloberton vorhanden ist, dann verletzt die Individualität des Klangs nicht nur nicht den allgemeinen Chorklang, sondern bereichert ihn auch. Entfernen großartige Aufmerksamkeit Erhaltung der individuellen Klangfarbe, sollte man von den Chorteilnehmern fordern, nicht nach Klangfarbe, sondern nur nach Tonhöhe zu verschmelzen. Die Bewahrung der Individualität des Klangs beeinträchtigt nicht die Entwicklung objektiv charakteristischer Eigenschaften in der Stimme Singstimme. Die Erhaltung der Individualität des Klanges einer gesunden Stimme ist eine der Voraussetzungen für ihre richtige Ausbildung.

Die Essenz der Arbeit an der Klangqualität der Schülerstimme bei der Arbeit mit dem Chor kann zusätzlich zu den oben genannten durch Folgendes ergänzt werden: 1, eine ständige Demonstration des Klangs, bei der die wichtigsten Gesangseigenschaften auftreten würden anwesend sein (Vorführung eines Lehrers oder Beispiel eines Schülers);

Dabei ist zu bedenken, dass sich stimmliche Fähigkeiten allmählich bilden und sich dies in der Qualität des Stimmtimbres widerspiegelt: Klangfülle, Flug, Vibrato sind objektive Indikatoren für die Entwicklung einer Singstimme, aber auch objektive Richtwerte – Signale, die auf deren Aktivität bestehen der Stimmapparat.

Alle Arbeiten sollten unter Berücksichtigung der Altersfähigkeiten und individuellen Merkmale von Kindern aufgebaut werden. Es muss betont werden, dass nicht nur Jungen, sondern auch Mädchen ein spezielles Gesangs-Mutations-Regime benötigen.

Große Rolle Beim Unterrichten von gutem Singen wird das Singen ohne Instrumentalbegleitung (a cappella) und ohne Unterstützung durch die Stimme des Lehrers gespielt. Diese Form ist spezifisch für das Vorsingen. Nomineller Gesang ohne Begleitung, wie keine andere Art Musikstunden, trägt zur Entwicklung des musikalischen Gehörs bei, seinen verschiedenen Seiten. Das Bedürfnis, den eigenen Gesang und den Gesang der Kameraden ständig zu kontrollieren, schärft die auditive Aufmerksamkeit und entwickelt auditive Selbstbeherrschung. Es sorgt für eine sauberere und "schärfere" Intonation, trägt zur Entwicklung der Einheit in der Aufführung von Rhythmen und der Aussprache eines literarischen Textes bei und lehrt Kinder, die besondere Schönheit des reinen, perfekten Klangs menschlicher Stimmen zu verstehen, aus denen der Chor besteht . Obwohl der Gesang A cappella- es ist nicht nur höchste Form Chorkunst, sondern auch ihre organischste, reinste, natürlichste Manifestation, gleichzeitig ist sie die höchste harte Art Choraufführung.

Gesangs- und Chorpädagogik findet hauptsächlich in der Arbeit an musikalischen Werken statt. Mit ihrer Wahrnehmung und Wiedergabe im Lernprozess wird der Grundstein für die Gesangskultur der Chormitglieder gelegt. Unter dem Einfluss der Arbeit selbst, der Art der Arbeit daran, abhängig von der Persönlichkeit des Lehrers und seinen Fähigkeiten und anderen Faktoren, werden besondere Fähigkeiten gebildet, Aufmerksamkeit, Gedächtnis und andere Qualitäten der Schüler verbessert.

Wichtige Rolle in der Vokal- und Chorarbeit werden Lehr- und Übungsmaterial und Übungen gespielt. Sie können darauf abzielen, alle Fähigkeiten und Fertigkeiten, alle Eigenschaften zu entwickeln und zu festigen. Gleichzeitig ist es wichtig, dass sie ein "ästhetisches Korn" enthalten, dass sie nicht "mechanistisch" sind. Um Zeit zu sparen, ist es auch ratsam, Lehr- und Schulungsmaterial so auszuwählen und zu gestalten, dass nicht nur ein pädagogisches Problem gelöst wird, obwohl der Schwerpunkt auf der Hauptsache liegen sollte. Zu den Übungen gehört auch das Singen. Ihr Zweck: erstens den Stimmapparat zu Beginn des Unterrichts "aufzuwärmen" und zweitens die Probleme der Stimmentwicklung von Kindern "in ihrer reinsten Form" zu lösen und ihre Aufmerksamkeit nur auf diese Aufgaben zu konzentrieren.

Neben der Tatsache, dass das Erlernen von Stücken bis zu einem gewissen Grad nach Gehör möglich ist (das fördert das Gedächtnis und die Fähigkeit, sich schnell in einem Stück zurechtzufinden), wird immer mehr Wert darauf gelegt, Kindern das Notenlesen beizubringen. Sehr günstig für dieses jüngere Alter. Daher sollte die Formulierung dieses Anliegens im Nachwuchschor angegangen werden Besondere Aufmerksamkeit. Der Chorleiter sollte sich gründlich mit dem Solfeggio-Programm vertraut machen und sich bei seiner Arbeit auf diesen Kurs stützen.

Alle Klassen, insbesondere in der ersten Stufe, sollten dem Hauptziel untergeordnet sein: Kinder mit Chorgesang zu fesseln, Kollektive Kreativität, die Musik selbst. Um dieses Ziel zu erreichen, ist die kreative Atmosphäre im Team besonders wichtig. Es ist notwendig, das Interesse an dem zu lernenden Lied, an seinen Schöpfern zu wecken. Es ist sehr wichtig, Kindern die Liebe für den Prozess des gemeinsamen Singens zu vermitteln. Daher sollte jede Probe zuallererst eine Aktivität sein, bei der der Leiter auf jede erdenkliche Weise versucht, ein Team von Gleichgesinnten (Musik-Empathisanten) zu bilden.

Die Arbeit mit dem Nachwuchschor soll möglichst abwechslungsreich gestaltet werden. Beispielsweise können Kinder neben gewöhnlichen Liedern auch eine ganze Suite zu einem Thema oder mehrere damit zusammenhängende Lieder vortragen Literarischer Text. Sie können auch eine thematische musikalische und literarische Komposition machen.

Beim Unterrichten von Chorgesang wird auch berücksichtigt, dass der Stimmapparat und die Eigenschaften der Stimme eines jüngeren Schülers auch seine eigenen Eigenschaften haben, die der Lehrer in seiner Arbeit berücksichtigen muss. Kinderstimmen entsprechen in etwa den Stimmen des Frauenchores. Der Unterschied liegt in der Breite des Bereichs (er ist etwas kleiner) und auch in der unterschiedlichen Art des Klangs. Kinderstimmen sind "leichter", "silberner" als Frauenstimmen. Sopran des Kinderchores von "bis" I Oktave - bis "sol" II Oktave. Alt-Kinderchor von „la“ klein bis „re“ II. Oktave.

Kinder haben einen spezifischen Stimmapparat (kurze und dünne Stimmbänder, kleine Lungen). Typisch sind hoher Kopfton, charakteristische Leichtigkeit, „silbriges“ Timbre (insbesondere für Knaben), aber keine Timbresättigung. Herkömmlicherweise können die Kinderstimmen im Chor je nach Alter in 3 Gruppen eingeteilt werden: die jüngere Gruppe, die Mittelschüler und die Seniorengruppe. Die jüngere Kindergruppe - von den Jüngsten bis 10-11 Jahre. Falsche Tonerzeugung. Ein ziemlich kleiner Bereich, wenn auch maximal: bis zur I-Oktave - bis zur II-Oktave oder re I - re II-Oktaven. Das sind die Kinder der Jüngeren Schulalter(Klassen 1-4). Geringe Lautstärke. Und außerdem gibt es keine signifikante Entwicklung zwischen Jungen und Mädchen. Im Repertoire solcher Chöre gibt es im Wesentlichen 1-2 Werke. Darauf Erstphase Chorausbildung professionelle sängerische Fähigkeiten werden vermittelt: Intonation, Gesangstechnik, Ensemble.

Die Gesangsarbeit in einem Kinderchor hat ihre eigenen Besonderheiten im Vergleich zur Arbeit in einem Erwachsenenchor. Diese Besonderheit ist vor allem darauf zurückzuführen, dass sich der Körper des Kindes im Gegensatz zum Erwachsenen ständig weiterentwickelt und sich folglich verändert. Es hat sich durch langjährige Praxis bewährt, dass Singen in Kindheit nicht nur nicht schädlich, sondern auch vorteilhaft. Die Rede ist von stimmlich korrektem Singen, was möglich ist, wenn gewisse Prinzipien eingehalten werden. Singen trägt zur Entwicklung der Stimmbänder, des Atmungs- und des Artikulationsapparates bei; Richtig durchgeführtes Singen stärkt die Gesundheit von Kindern.

Spezieller Ort unter den Chören ist der Knabenchor. Leider ist diese traditionelle Form der Chorpädagogik in der Praxis der musikalischen Breitenpädagogik nicht gefragt. BEI allgemeinbildende Schulen heute gibt es praktisch keine Knabenchöre mehr.

Dies liegt vor allem daran, dass Musiklehrer in der Schule nicht genügend psychologisches und pädagogisches Wissen über die Geschichte und Theorie der Gesangs- und Choraufführung, die Methodik zur Organisation der Gesangs- und Chorarbeit mit den Stimmen von Jungen und das Singen haben der häufigste Beruf unter ihnen. Jungen werden oft von der Musik ausgeschlossen. Für viele von ihnen ist nichts wichtiger als Fußball, der Computer oder die Straße. Außerdem haben Jungen oft eine erhöhte Motorik, "übermäßige" Mobilität, nervöse Erregbarkeit, Störungen in der Sprachentwicklung. Jungen brauchen länger als Mädchen, um alle mentalen Funktionen, Sprachmechanismen, Sprachdenken, Gedächtnis, soziale Emotionen und Kontrolle zu entwickeln willkürliche Bewegungen. Jungen zeichnen sich durch eine stark ausgeprägte Such- und Forschungstätigkeit aus, sie sind weniger diszipliniert, ihr Interesse an etwas schwindet schnell, besonders wenn etwas nicht klappt. Bei Jungen kommt es häufiger zu einer Diskrepanz zwischen Gehör und Stimme, unter ihnen gibt es mehr "Hupen" mit einem guten Gehör für Musik.

Laut Psychologen leiden Jungen bereits im Vorschulalter stärker unter sozialer Instabilität, ihnen fehlt es eindeutig positive Gefühle weder zu Hause noch drinnen Kindergarten. Wenn einem solchen Kind nicht Sympathie, Empathie, Unterstützung beigebracht wird, kann es narzisstisch, gefühllos und eingeschränkt aufwachsen. Der Unterricht im Knabenchor kann durch die Berücksichtigung der Entwicklungsmerkmale der Knaben durch die Lehrkräfte wesentlich zur Verbesserung der Situation bei diesen Problemen beitragen. Deshalb ist diese Form der Arbeit in der Praxis der Schulmusikerziehung vorzuziehen.

Beginnend mit der Gesangs- und Chorarbeit mit Jungen muss der Lehrer die Eigenschaften der Kinderstimme gut kennen und die Methodik für ihre Entwicklung beherrschen. Er muss mit den Grundlagen der Gesangsarbeit, den Erfahrungen der Meister der Gesangs- und Chorkunst, Fachliteratur, vergleichen verschiedene Punkte Vision, sammeln Sie Ihre eigene praktische Erfahrung(als Chorsänger, Dirigent, Lehrer) und auf dieser Basis den Chor leiten, Kinder lieben, ihre Probleme verstehen und ihnen mit Respekt begegnen.

Bei der Auswahl am meisten effektive Techniken Gesangsarbeit mit Kindern sollte auf der Erfahrung fortschrittlicher Methodiker der Vergangenheit und Gegenwart beruhen. Die am weitesten verbreitete und bevorzugte in der Praxis des Gesangs- und Chorunterrichts ist die konzentrische Methode, die von M.I. Glinka. Damit können Sie die mittleren und mittleren Töne des Bereichs und dann die oberen und unteren Töne verstärken. Nützliche Tipps sind auch Komplette Schule singen "A. V. Varlamov, der es erlaubt, sonore, silbrig sanfte Kinderstimmen zu einer freien, natürlichen Stimmbildung mit mittlerer Klangstärke auch vom ersten bis zum letzten Ton zu formen. Eine interessante Technik I.P. Ponomarkov, aufgebaut auf der Berücksichtigung der klanglichen Eigenschaften einer Kinderstimme, Gesangsübungen von oben nach unten, die einen natürlichen, sonoren kindlichen Stimmklang hervorrufen, eine individuelle Herangehensweise an jeden Gesang im Chor.

In der Anfangsphase der Arbeit sollte der Ausbildung von Gesangs- und Chorfähigkeiten jüngerer Schüler besondere Aufmerksamkeit geschenkt werden, da diese Fähigkeiten die Grundlage für weitere sind musikalische Entwicklung Chormitglieder. Bei der Organisation dieser Arbeit ist es wichtig, solche Methoden der Stimmbildung zu verwenden, die dies ermöglichen positiver Einfluss für persönliche u psychische Entwicklung jedes Teilnehmers und der Aufbau organischer Beziehungen im Team.

In der Anfangsphase der Arbeit besteht eine wichtige Aufgabe des Lehrers darin, den Chor auf einen gemeinsamen Ton zu bringen, d.h. Unisono-Produktion. Die Arbeit des Lehrers in dieser Richtung sollte sich zu Beginn auf die Beherrschung der natürlichen Stimmregister der Schüler konzentrieren, beginnend mit dem Registermodus, zu dem sich die natürlichen Neigungen des Kindes manifestieren. In Zukunft ist es notwendig, die Fähigkeit des bewussten Gebrauchs von Schülern von Registern in dem ihnen entsprechenden Bereich zu formen. In der dritten Stufe ist es neben dem willkürlichen Umschalten und Springen von einem Register zum anderen erforderlich, die Fähigkeit zu entwickeln, sich allmählich und reibungslos vom Falsettregister durch das gemischte Register zur Brust zu bewegen.

In der nächsten Stufe sollte man die Fähigkeit des Schülers festigen und verbessern, Stimmregister beim Singen willkürlich zu verwenden. Die Entwicklung der Singstimme von Kindern kann auf der Grundlage des richtigen Singens effektiv sein, wobei auch die richtigen Gesangsfähigkeiten ausgebildet werden sollten. Die Dauer der einzelnen Stufen wird unterschiedlich festgelegt, je nach Unterrichtshäufigkeit, pädagogischer Wirkung, Aufnahmefähigkeit des Schülers, musikalischer Begabung. Um alle beschriebenen Probleme zu lösen, reicht es nicht aus, nur eine kollektive Bildungsform zu verwenden, sie muss mit kombiniert werden individuelle Form Arbeit mit Kindern. Im kollektiven Gesangsunterricht wäre es sinnvoller, alle Registerklangarten in der Arbeit einzusetzen. Neben stimmlichen Fähigkeiten ist es notwendig, chorische Fähigkeiten zu entwickeln, die parallel zum Singen ausgebildet werden und sich gegenseitig beeinflussen.

Die Arbeit an der Bildung von Stimm- und Chorfähigkeiten löst eine Reihe von Bildungschancen. Während des Studiums im Chor entwickeln die Schüler Ausdauer, die Fähigkeit, einander zuzuhören, eine positive Reaktion auf Leistungsmängel, den Abbau von Aggressionen, Selbstwertgefühl, Selbstachtung und Geduld.

Der Prozess der Stimm- und Chorbildung bei Knaben im Chorunterricht basiert auf einer Kombination aus allgemeiner Didaktik und speziellen Methoden. Unter den allgemeindidaktischen Methoden werden erklärend-illustrative und bevorzugt Suchmethoden. Zu den besonderen gehören: konzentrisch, phonetisch, die Methode des mentalen Singens, vergleichende Analyse. Jede Methode stellt ein System von Techniken dar, die durch gemeinsame Aufgaben und Lösungsansätze vereint sind. Die Anwendung einer Reihe dieser Methoden und Techniken sollte sich auf die Entwicklung der Grundqualitäten der Singstimme von Jungen konzentrieren, indem vor allem ihre auditive Aufmerksamkeit und Aktivität, ihr Bewusstsein und ihre Unabhängigkeit stimuliert werden. Eine besondere Rolle in der Jungenarbeit spielt der Einsatz von Suchsituationen und Leitfragen. Sie helfen den Jungen, die geeigneten Aufführungstechniken zu finden, die Initiative zu ergreifen, was hilft, das Denken zu entwickeln, Unabhängigkeit zu zeigen und kreativ bei der Aufführung von Werken zu sein.

Daher sollte die Gesangs- und Chorarbeit im Rahmen der außerschulischen Choraktivitäten mit Jungen auf den Hauptbestimmungen basieren Allgemeine Methodik Arbeit mit dem Chor. Seine Bedeutung wird durch die Notwendigkeit bestimmt, alle Chormitglieder mit den richtigen und einheitlichen Fähigkeiten der Gesangsatmung, der Klangerzeugung und der Klangkultur zu erziehen. Alle Elemente der Chorklanglichkeit und das Niveau der künstlerischen Darbietung von Chorwerken hängen von der Qualität der Gesangsarbeit ab.

Die Hauptaufgabe des Chorleiters im Klassenzimmer im Chor besteht darin, die geistige Welt des Jungen zu bereichern, der in den Chor kam. Der Lehrer hilft ihm, an seine Fähigkeiten nicht nur als Sänger, sondern auch als Organisator und Assistent zu glauben. Neben dem Chor besuchen die Schüler auch Sologesangsklassen. Sie erfüllen eine Hilfsfunktion für die Chorklasse, da die Klangqualität des Chores vom individuellen Klang jedes Chorsängers abhängt. Die Erfahrung vieler Chorleiter in der Arbeit mit Knaben zeigt, dass sie ihre Aufmerksamkeit in jungen Jahren stärker nicht auf auditive, sondern auf visuelle Eindrücke richten und daher nicht gut intonieren. Die Entdeckung eines Kindes, dass es in der Lage ist, gemeinsam mit anderen Kindern eine Melodie richtig vorzutragen, verändert die Einstellung von Schulkindern zum Singen zum Besseren.

Der Unterricht mit Jungen begann mit einfachen Übungen, immer auf spielerische Weise; das Repertoire entsprach ihrem Alter und ihren psychologischen Eigenschaften, berücksichtigte ihre Interessen und war pädagogisch orientiert. Um in der Arbeit mit Erstklässlern in den Chorklassen positive Dynamiken in der Ausbildung von Gesangs- und Chorfähigkeiten zu erkennen, wurden das ganze Jahr über speziell ausgewählte Gesangs- und Chorfähigkeiten eingesetzt. Als Hauptmethoden wurden folgende Methoden ausgewählt, die es ermöglichen, den Ablauf des Chorunterrichts entsprechend den Merkmalen der Entwicklung von Jungen aufzubauen: Spiel, Wettbewerb, Improvisation, Vergleich und Bewertung, eine Kombination von Probenarbeit mit Konzertpraxis, Methoden und Techniken.

Unter den Methoden der musikalischen Bildung (aus dem Griechischen bedeutet „methodos“ wie „der Weg zu etwas“) werden bestimmte Handlungen von Lehrern und Schülern verstanden, die darauf abzielen, das Ziel der musikalischen Bildung jüngerer Schüler zu erreichen.

Von den allgemeinen pädagogischen Methoden wird eine Gruppe von Methoden verwendet:

a) je nach Wissensquelle (praktisch, visuell, verbal, Arbeit mit einem Buch, Videomethode),

b) nach Zweck (Erwerb von Wissen, Bildung von Fähigkeiten, Anwendung von Wissen, kreative Tätigkeit, Festigung, Prüfung von Wissen, Fähigkeiten),

c) von Natur aus kognitive Aktivität(erklärend illustriert, reproduktiv, heuristisch, forschen, spielen),

d) für didaktische Zwecke (Methoden, die dazu beitragen primäre Assimilation Material, Festigung und Verbesserung des erworbenen Wissens).

Die Zusammenfassung von Jungen in einem eigenen Chorteam ermöglicht eine außerschulische Chorarbeit unter maximaler Berücksichtigung aller Merkmale ihrer Entwicklung. Es ist sehr wichtig, dass heute in jeder Schule ein Knabenchor organisiert wird, da das Chorsingen gegenüber allen Aktivitäten eine Reihe von offensichtlichen Vorteilen hat. Das Liedprinzip liegt dem ursprünglichen Lager der russischen Nationalkultur zugrunde, und in unserer Zeit lohnt es sich wirklich, die Tradition der Existenz eines Knabenchors in der Schule und nicht nur wiederzubeleben.

Grundlegende Gesangsfähigkeiten

SINGENDE INSTALLATION

Ein wichtiger Punkt Für die richtige Atmung, gerade zu Beginn des Trainings, ist die Singhaltung, d.h. richtige Haltung von Kopf und Körper. Wenn Sie im Stehen singen, müssen Sie Ihren Kopf gerade halten, ihn nicht zurückwerfen und nicht senken, auch Ihren Körper gerade halten, ohne Spannung, fest auf beiden Beinen stehen, das Körpergewicht gleichmäßig verteilen, Ihre Arme frei senken . Wenn Sie im Sitzen singen (während des Chorunterrichts), müssen Sie gerade sitzen, ohne den Rücken zu beugen, die Hände auf den Knien zu halten, die Beine zusammenzulegen und sie im rechten Winkel zu beugen.

Alles oben Gesagte gilt für die Arbeit am Atem derer, die sowohl solo als auch im Chor singen. Auch die Atemarbeit im Chor wird von einer Dirigentengeste begleitet, die nicht nur einen emotionalen Anfang, sondern auch eine Demonstration von Technik, Atemwesen und Klang beinhaltet.

Die Zusammensetzung umfasst:

Mund- und Nasenhöhlen mit Nebenhöhlen

Rachen

Luftröhre

Bronchien

Lunge

Thorax mit Atemmuskulatur und Zwerchfell

Bauchmuskeln

Nervensystem: die entsprechenden Nervenzentren des Gehirns mit motorischen und sensorischen Nerven, die diese Zentren mit all diesen Organen verbinden (Die Arbeit der Stimmbildungsorgane kann nicht getrennt vom zentralen betrachtet werden nervöses System der ihre Funktionen in einem einzigen, integralen Gesangsprozess organisiert, der der komplexeste psychophysische Akt ist)

DIKTION

DIKTION - Aussprache, der Grad der Deutlichkeit des Sprechens. Eine klare Aussprache einzelner Sätze, Lautkombinationen als Ganzes ist ein Indikator für die Sprachkultur. Nachteile der Diktion: Grat, Nasalität, Monotonie, Hast, Verschlucken von Wortenden, Undeutlichheit. Die Verbesserung der Aussprache ist beispielsweise für Lehrer, Schüler usw. von großer Bedeutung. Grundlage der Aussprache ist die eindeutige Aussprache der einzelnen Laute und Lautkombinationen. Bevor eine Rede verstanden werden kann, muss sie gehört, mit dem Ohr wahrgenommen werden. Je klarer die Wörter ausgesprochen werden, desto einfacher ist es, sie zu verstehen. Der Schlüssel zu einer guten Diktion ist die richtige Artikulation von Lauten. Die Grundlage der Artikulation ist eine Reihe von Aussprachebewegungen Sprechorgane, zu denen die Zunge, die Lippen und der weiche Gaumen mit einer Zunge (aktive Organe) sowie die Zähne und der harte Gaumen (passive Organe) gehören. Oft werden die Mängel der Diktion durch Lethargie, Passivität der Artikulation erklärt. Eine träge und damit unscharfe Aussprache ist das Ergebnis falscher Spracherziehung

ARTIKULATION

Artikulation - Koordination der Aktion der Sprechorgane beim Aussprechen der Sprachlaute, die ausgeführt werden Sprachzonen Kortex und subkortikale Formationen des Gehirns. Beim Aussprechen eines bestimmten Klangs, auditiv und kinästhetisch oder sprachmotorisch, wird die Kontrolle realisiert. In Entwicklung Phonemisches Hören(z. B. bei Hörgeschädigten) macht es schwierig, die richtige Artikulation zu beherrschen.

SINGENDE RESONATOREN

Der Resonator ist in erster Linie ein Schallverstärker. Es wird allgemein gesagt, dass die Resonatoren des Sängers dazu dienen, Vokale zu bilden. Dies ist eine wichtige, aber bei weitem nicht ihre einzige Rolle. Die Vokaltraktresonatoren des Sängers transformieren nicht nur das Spektrum der Stimmquelle (Falten), sondern können den Klang insgesamt erheblich verstärken.

Durch ein einfaches Experiment lässt sich feststellen, dass der schwache Klang einer Stimmgabel um ein Vielfaches verstärkt wird, wenn ein Resonator daran befestigt wird, beispielsweise wenn man einen Fuß auf den Resonanzboden eines Klaviers setzt. Durch spezielle Auswahl eines Resonators für eine gegebene Stimmgabel ist es möglich, eine sehr große Tonverstärkung zu erreichen. In diesem Fall liegt keine Verletzung des Energieerhaltungssatzes vor. Es ist bekannt, dass jeder schwingende Körper seine Schwingungsenergie nicht vollständig in Schall umwandelt: Ein Teil davon wird zwangsläufig für die Überwindung von Reibung aufgewendet, geht in Wärme über usw. Die Beteiligung des Resonators manifestiert sich darin, dass der größte Teil davon Schwingungsenergie Vibrator geht in Ton. Somit erhöht der Resonator die Effizienz der Schallquelle, dh ihre nutzbare Schallleistung. Das bedeutet, dass der Resonator den Schall verstärkt, ohne zusätzliche Energie von der Schallquelle zu benötigen.

Das ist das Wichtigste theoretische Stellung ist für die Gesangspraxis von großer Bedeutung, da der Stimmapparat des Sängers als akustisches Gerät allen Gesetzen der Akustik (natürlich auch den Gesetzen der Psychophysiologie) gehorcht.

Die Aktivität von Resonatoren manifestiert sich nicht nur in der Verstärkung des Klangs, sondern auch in der Verstärkung der Vibration (Zittern) ihrer Wände unter dem Einfluss der Resonanz. Wir nehmen diese Schwingung in Form von charakteristischen Empfindungen der Brust- oder Kopfresonanz beim Singen wahr. Wir haben die Aktivität singender Resonatoren mit Hilfe spezieller Schwingungssensoren untersucht, die es ermöglichen, die Intensität ihrer Schwingung zu messen. Studien haben gezeigt, dass die Resonanzschwingung bei guten Sängern selbst bei gleicher Lautstärke stärker ausgeprägt ist als bei schlechten oder Nicht-Sängern.

ATEM

Die Atmung ist einer der Hauptfaktoren der Stimmbildung. In unserer gewöhnliches Leben Wir denken nicht darüber nach, wie wir atmen. Der Körper vollzieht diesen Vorgang automatisch und umgangssprachlich: beim Einatmen die Lautstärke Truhe steigt und sich die Lungen mit Luft füllen, erfolgt die Ausatmung auch automatisch, wenn der Körper Kohlendioxid loswerden muss.

Beim Singen ist der Atemvorgang anders organisiert. Der Sänger stellt sich den Aufgaben einer verlängerten Phonation, die normalerweise viel lauter ist als beim Sprechen. Dementsprechend fallen unvergleichlich große Belastungen auf die Muskulatur des Atemapparates. Die Atmung ist die treibende Kraft, die den Stimmapparat aktiviert. Alle Arten von Gesangstechniken hängen direkt vom Atembesitz ab.

ARTEN DES ATEMZUGS

Die Atmung ist die treibende Kraft, die den Stimmapparat aktiviert. Normalerweise verwenden Menschen eine gemischte Atmung, die Brust und Zwerchfell einbezieht. Beim Singen stehen die Interpreten vor besonderen Aufgaben der Stimmbildung, Sänger stellen ihre Atmung auf die beste Atemunterstützung ein. Männer verwenden in den meisten Fällen eine tiefere, tiefe Atmung unter Beteiligung des Zwerchfells und der Bauchmuskeln. Frauen atmen oft flach und nutzen die großen Muskeln der oberen Brust. Trotz des einheitlichen Aufbaus des Atemapparates ist es üblich, zwischen mehreren Arten der Atmung zu unterscheiden:

Brustatmung

(Schlüsselbein, Schlüsselbein)

Die Atmung erfolgt durch Ausdehnung des oberen Teils der Brust, das Zwerchfell wird vom Aktiven abgeschaltet Atmungsfunktion und folgt passiv ihren Bewegungen. Bei dieser Art der Atmung heben sich die Schlüsselbeine und Schultern (oberer Brustkorb) merklich an und der Bauch wird eingezogen.

Bauchatmung

(Zwerchfell, Bauch)

Beim Einatmen bleibt die Brust bewegungslos und der Magen bewegt sich etwas nach vorne. Es gibt einen Kampf zwischen dem Zwerchfell (einatmen) und den Bauchmuskeln (ausatmen). Unterscheiden Sie zwischen oberer und unterer Bauchatmung. In beiden Fällen wird die Einatmung durch Kontraktion des Zwerchfells und eine Spannungsänderung in dem Teil der Bauchpresse erzeugt, der während der Ausatmung aktiver arbeitet. Bei der Oberbauchatmung ist dies der Oberbauch, bei der Unterbauchatmung der Unterbauch.

Thorakale Zwerchfellatmung

(gemischt, costoabdominal)

Am Atmungsprozess sind Brust und Zwerchfell beteiligt gleichermaßen. Bei dieser Art der Atmung dehnen sich Lunge und untere Rippen zu den Seiten aus, das Zwerchfell kontrahiert, senkt sich ohne Spannung und die Bauchdecken bewegen sich etwas nach vorne; Die Bauchmuskeln werden aktiviert, die helfen, tiefer einzuatmen, um genügend Luft zu tanken. Die Schultern und die obere Brust bleiben bewegungslos.

Diese Art der Atmung ist die häufigste, da durch die gleichzeitige aktive Arbeit von Brust und Zwerchfell das aufgenommene Luftvolumen zunimmt; Bauchmuskeln unterstützen die Atmung, verleihen ihr Elastizität und Kraft; es wird möglich, die Luftzufuhr auf natürliche Weise mit anderen Teilen des Stimmapparats zu koordinieren.

Beim Singen ist das Ausatmen immer länger als das Einatmen, da die musikalische Phrase eine gewisse Zeit braucht, um ausgeführt zu werden, und das Einatmen normalerweise sofort erfolgt. Gleichzeitig bleibt das Zwerchfell aktiv, um die Ausatmung zu verlangsamen, also zu verlängern. Das hilft der Bauchvorderwand, die beim Ausatmen eingezogen wird.

ORGANISATION DES SINGENS EINATMEN UND AUSPUFF

Wie oben erwähnt, besteht die Atmung aus zwei Phasen, die sich in ihrer Funktion unterscheiden, aber in ihrer Bedeutung gleich wichtig sind.

Das Einatmen (die erste Phase) erfüllt zwei Funktionen: die Lungen mit Luft zu füllen und den Stimmapparat in einen Bereitschaftszustand vor einem Schallangriff zu bringen. Die Inhalation sollte gemischt (durch Nase und Mund), kräftig, schnell genug, tief, voll und leise erfolgen. Die Rippen sollten sich schnell auseinander bewegen, das Zwerchfell sinken (schrumpfen) und die Vorderwand des Bauches leicht nach vorne drücken. Das Einatmen öffnet den Kehlkopf für den Durchgang der eingeatmeten Luft.

Der Singatem wird mit einem Gefühl eines halben Gähnens aufgenommen, was einen großen Einfluss auf die Gesangsphonation hat. Mit Hilfe eines halben Gähnens dehnt sich der Rachenraum aus und seine Resonatorkapazität nimmt zu, der weiche Gaumen steigt an, was die Voraussetzung für die richtige Stimmbildung schafft - seine Rundung und hohe Position. Sie sollten nicht denken, dass Sie beim Singen so viel wie möglich wählen müssen mehr Luft. Die Inhalation sollte mäßig und entspannt sein. Gleichzeitig können Sie sich vorstellen, dass Sie den wunderbaren Blumenduft einatmen, bevor Sie anfangen zu singen.

Anfänger müssen zunächst schädliche Bewegungen eliminieren, die die erfolgreiche Entwicklung der Singatmung beeinträchtigen können (die Gewohnheit, beim Einatmen die Schultern zu beugen oder zu heben). Es ist notwendig, ungestüme, krampfhafte Atemzüge und geräuschvolles Atmen zu verlernen. Geräusche beim Einatmen entstehen durch eine schlechte Ausdehnung der Luftröhre und der Bronchien sowie durch die Reibung der vorbeiströmenden Luft an unzureichend geöffneten Stimmbändern. Lautes Atmen ist hässlich und schädlich für die Bänder. Um diesen Mangel zu beseitigen, ist es notwendig, an einer tiefen, ruhigen Atmung und dem Gefühl eines "halben Gähnens" zu arbeiten, während die Aufmerksamkeit des Sängers auf das Geräusch gerichtet wird, das den Atem begleitet. Manchmal kommt es bereits zu Beginn des Singens einer musikalischen Phrase zu einem schnellen „Fallen“ der Brustwände. Dies weist darauf hin, dass der Sänger beim Singen keine Atemposition einnimmt und daher keine Unterstützung vorhanden ist.

Die Inhalation muss bewusst gesteuert werden.

Der Körper muss die richtige Unterstützung nehmen.

Das Einatmen sollte aktiv sein, mit einem Gefühl eines halben Gähnens.

Es sollte kein Unbehagen durch einen Luftüberschuss in der Lunge entstehen.

Das Einatmen sollte für die Augen und das Gehör der Zuhörer nicht wahrnehmbar sein.

Die Inhalation erfolgt nicht im letzten Moment vor der Phonation, sondern etwas früher.

Die Ausatmung (zweite Phase) ist von großer Bedeutung für die Bildung einer hochwertigen Phonation. Die Gleichmäßigkeit der Schallübertragung und die Dichte des Schallangriffs hängen von der Art der Ausatmung ab. Der singende Ton erscheint im Moment des Ausatmens, und das weitere Singen kommt mit Hilfe des Ausatmens. Beim Ausatmen sollte die Luft gleichmäßig und ruckfrei aus der Lunge austreten. Zu diesem Zeitpunkt hebt sich das Zwerchfell und die Vorderwand des Bauches zieht sich zurück.

In dem Moment vor dem Beginn des Tons muss der obere Teil des Stimmapparates - der Rachen und die Mundhöhle (Verlängerungsrohr) - die Form der zukünftigen Phonation annehmen. Der Unterkiefer lässt sich leicht absenken, der Rachen (Pharynx) öffnet sich durch reflexartiges (willkürliches) Anheben des Gaumenvorhangs mit einer kleinen Zunge. Die gut vorbereitete offene Form des Verlängerungsschlauchs nimmt die aus der Lunge austretende Luft auf. So werden Voraussetzungen für die Bildung des korrekten verdeckten Lautes mit dem Gefühl des Vokals "O" geschaffen.

Der Ausatmungsprozess wird von den interkostalen Atemmuskeln sowie den Muskeln des Zwerchfells und des Bauches (Bauchdruck) durchgeführt. Die Bauchmuskeln und das Zwerchfell regulieren die singende Ausatmung, und die Brust macht sie voluminös und kraftvoll. In der stimmlichen und pädagogischen Praxis nennt man das die Schallunterstützung am Zwerchfell und den Einsatz eines Brustresonators.

Die wichtigste Aufgabe Singendes Atmen - die maximale Umwandlung von Luft in Schallwellen. Dadurch wird eine kontrollierte und geregelte Ausatmung gewährleistet. Der Atem muss aufgewendet werden, damit sich alles in Klang verwandelt. Es ist notwendig, sanft zu atmen, ohne es zu schwächen und ohne zu drücken, um die gefundene Koordination nicht zu zerstören. In einer Phrase ist es wichtig, den Atem so zu verteilen, dass der Klang die ganze Zeit gut von ihm unterstützt wird und dass am Ende der Phrase genügend Atem vorhanden ist. Das Paradox des singenden Atmens liegt in der Tatsache, dass das Volumen der Brust nicht abfällt, während das Atmen verbraucht wird.

Sie können den Atem nicht sortieren, da dies es nicht ermöglicht, einen korrekten Tonanschlag und eine reibungslose Stimmführung zu organisieren.

Die Phonation sollte nicht ohne ausreichende Atmungsunterstützung eingeleitet werden. Um dies zu vermeiden, müssen Sie nach einem mäßigen Atemzug sofort "Atem anhalten".

Sie müssen gleichmäßig mit einem gesammelten Strahl und gutem Druck ausatmen.

Das Singvolumen der Brust sollte beim Ausatmen nicht abfallen.

Es ist nützlich, überschüssigen Atem am Ende einer musikalischen Phrase auszuatmen, bevor Sie einen neuen Atemzug beginnen.

DEN ATEM ANHALTEN

Der wichtigste ist der Moment des Atemanhaltens. Die normale Atmung wird wie folgt durchgeführt: Einatmen - Ausatmen - Pause. Beim singenden Atmen verändert sich dieser Ablauf: Einatmen – Verzögern – Ausatmen – Ausatmen. Das heißt, kurz vor der Ausatmung (Schallattacke) folgt eine Pause, während der der Körper möglichst aktiv sein muss, sonst wird der Ton träge.

Den Atem anzuhalten ist eine aktive Pause. Es wird wie folgt erzeugt: Es wird ein kurzer Atemzug genommen, danach wird die Luft nicht sofort abgelassen, sondern für einen Moment in der Lunge gehalten. Die unteren Rippen werden gespreizt, das Zwerchfell wird abgesenkt, die Vorderwand des Bauches wird zur Kontraktion vorbereitet. Es gibt sozusagen eine vollständige Unterbrechung des Atemvorgangs vor dem Einsetzen des Ausatmens - dem Moment des Schallangriffs. Zu diesem Zeitpunkt gibt es einen Kampf zwischen dem Willen und dem Verlangen des Körpers, die recycelte Luft loszuwerden. Gleichzeitig ist die Atmung in der „Inhalationseinheit“, dem Kehlkopf, und den Organen des Verlängerungsschlauches frei, nicht angespannt. Bei dieser Verzögerung sollten Sie den Sound attackieren, indem Sie den Attack anwenden, der in diesem Fall am besten geeignet ist und dem gewünschten Sound entspricht. Der während eines Angriffs auftretende Zustand (Koordination) muss während des gesamten nachfolgenden Tons aufrechterhalten werden. Um dies zu tun, schwächen Sie den Atem nicht ab, drücken Sie nicht, sondern halten Sie die Ausatmung gleichmäßig aufrecht.

Das Anhalten des Atems aktiviert vor dem Moment der Schallattacke den gesamten Atemapparat und erzeugt beim Sänger das Gefühl einer „Atemunterstützung“. Die Pause zwischen Einatmen und Ausatmen (Klangattacke) sollte augenblicklich sein, aber es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass dieses momentane „Anhalten“ des Atems sehr wichtig ist:

Das Anhalten des Atems aktiviert die Ausatmung.

Beseitigt Atemnot am Anfang einer Phrase.

Es ist der Moment der Bereitschaft, Koordination aller an der Klangerzeugung beteiligten Organe.

Es ist der Moment der Fixierung der Inhalationseinheit.

Die Singatmung ist mit einem der ältesten, am weitesten verbreiteten und zugleich einem der am wenigsten entschlüsselten Begriffe verbunden – der sogenannten Singunterstützung. Der Begriff kommt aus dem Italienischen und bedeutet „die Stimme halten“. Es ist die singende Unterstützung, die der Stimme ihre große Kraft, ihren Flug, singende Klangfarbe, und vor allem - Unermüdlichkeit, das ist das Wichtigste professionelle Qualität. Beim Singen „ohne Unterstützung“ sacken die Brustwände schnell ab, das heißt, die Ausatmung ist hemmungslos, forciert, der Ton ist leblos, dumpf, oft ohne Vibrato. Beim Singen „auf einer Unterlage“ kommt ein hoher Gesangsformant gut zum Ausdruck, die Stimme ist hell, sonor, fliegend, obertongesättigt.

Die Gesangsunterstützung ist also eine besondere Organisation des Ausatmungsvorganges während der Phonation, dh seine aktive Hemmung, die sich in einer willkürlichen Behinderung der Brustwand am Herunterfallen ausdrückt. Gleichzeitig wird ein Atemzug wie bei einer Phonationsausatmung (Inhalationseinstellung) empfunden, der Atem wird jedoch nicht blockiert, sondern gehemmt. Die Atemmuskulatur darf nicht eingeengt, die Atmung nicht versklavt werden. Wenn beim Sänger nach dem Einatmen und Anhalten des Atems ein Gefühl der Atemunterstützung erzeugt wird, erfolgt das Ausatmen sanft, die unteren Rippen sollten allmählich und nicht sofort abfallen, das Gefühl der Hemmung bleibt infolgedessen bis zum Ende des Ausatmens bestehen , die Atmung wird gespeichert. Die Luft wird nicht sofort freigesetzt, sondern allmählich und während der Phonation zu Schall. Durch den Einsatz der „Hold“-Technik entsteht ein Gefühl der „Atemunterstützung“, das, wenn es im weiteren Singprozess erhalten bleibt, wiederum die Voraussetzungen für die Entwicklung einer „Klangunterstützung“ schafft.

Das Atmen ist einer der Hauptmomente beim Singen, daher kann es keine „Klangunterstützung“ ohne „Atemunterstützung“ geben. Aber der Klang selbst bestimmt noch nicht das Gefühl des „Klangträgers“, da der Klang auf dem Träger einen anderen Charakter haben kann: offen sein, Attack haben, Artikulation usw. Um eine solide Unterstützung zu schaffen, ist es notwendig, nach dem Anhalten des Atems den Unterkiefer zu senken und sozusagen den Gaumenvorhang anzuheben, der nachgibt korrekte Form Verlängerungsrohr. Der Klang wird gedeckter und elastischer, und der Attack wird aktiver, ohne Einsätze. „Klangunterstützung“ wird durch das Zusammenspiel aller Teile des Stimmapparates erreicht, d.h. Atem, Attacke, Artikulation. Unter dem Gefühl der Unterstützung der Stimme muss man eine besondere Empfindung verstehen, die die richtige „unterstützte“ Singstimmenbildung begleitet, die richtige Koordination in der Arbeit des Stimmapparates, wodurch ein unterstützter Klang entsteht. Das Gefühl der Unterstützung bei verschiedenen Sängern drückt sich auf unterschiedliche Weise aus. Einige glauben, dass dies eine Art Empfindung einer Luftsäule ist, die von unten durch die Bauchmuskeln gestützt wird und gegen das Gaumengewölbe ruht. Andere verstehen das Stützgefühl als eine gewisse Anspannung der Atemmuskulatur, die den Stimmbändern den nötigen Luftdruck zuführt. Wieder andere - die Betonung des Klangs in den Frontzähnen oder im Gaumengewölbe.

Das Konzept der Schallunterstützung umfasst Empfindungen von erhöhtem subglottischem Druck, Anspannung der Atem- und Kehlkopfmuskulatur, Resonatorempfindungen. Das Gefühl der Unterstützung ist beim Singen wesentlich, da es ein Gefühl von Selbstvertrauen und Leichtigkeit der Klangerzeugung schafft. Die Aufzeichnung der Besonderheiten der Arbeit des Atemapparats beim Singen durch den Sänger, die Fähigkeit, die eigenen Atemempfindungen zu analysieren und darauf basierend die Klangbildung zu steuern, ist eine der Möglichkeiten, den Gesangsklang zu beherrschen.

Die Gesangsatmung entwickelt sich langsam, zusammen mit der Organisation von Teilen des Gesangsapparats. Ruhig, mäßig in der Menge, tiefes Einatmen, ein leichtes „Anhalten“ des Atems vor einem Schallangriff, sanfte Abgabe des Atems und die Fähigkeit, ihn richtig zu verteilen, sind die Grundprinzipien der Atmung, die die Schüler anwenden sollten. Um eine solche Atmung zu entwickeln, sind klangliche (Gesangs-)Übungen notwendig. Das Training sollte täglich erfolgen, bis Sie die Technik vollständig beherrschen. Still Atemübungen sind ein gutes Hilfsmittel zur Stärkung der Atemmuskulatur. Nur eine strenge Disziplin und Organisation der Atmung führt zu der gewünschten Freiheit und Leichtigkeit, sie beim Singen zu kontrollieren. Bei der Aufführung von Werken sollten Sänger nach Techniken und Atemfarben suchen, die diesem Werk entsprechen.

ARTIKULATIONSVORRICHTUNG

Der Artikulationsapparat ist ein anatomisches und physiologisches System von Organen, einschließlich Kehlkopf, Stimmlippen, Zunge, weichem und hartem Gaumen (Oropharynx), Zähnen des Oberkiefers und Unterkiefer(siehe Biss), Lippen, Nasopharynx (der obere Teil des Pharynx, der sich hinter der Nasenhöhle befindet, mit ihm durch die Choanen kommuniziert und bedingt vom oralen Teil des Pharynx durch eine Ebene begrenzt ist, in der der harte Gaumen liegt) und Resonator Hohlräume, die an der Erzeugung von Sprach- und Stimmlauten beteiligt sind.

Dies methodisches Arbeiten Es richtet sich an angehende Leiter von Kinderchören, insbesondere an jüngere. Die in dieser methodischen Arbeit behandelten Fragestellungen können Musikpädagogen, Gesangspädagogen, Sängern zum Selbstunterricht und Kindern angeboten werden.

Die Probleme der Chor- und Gesangsarbeit im Kinderchor sind noch nicht untersucht und gelöst. Schließlich ist es eine der schwierigsten Aufgaben eines Gesangslehrers oder Chorleiters, Kindern ausnahmslos das Singen beizubringen. Und dies kann nur von einem Spezialisten durchgeführt werden, der die Besonderheiten einer Kinderstimme kennt, die Arbeit des Stimmapparats nachdenklich und kompetent überwacht, ohne seine natürliche Essenz zu verletzen. Nicht jedes Kind hat hervorragende Hördaten und eine natürlich schöne Stimme. Die Leiter von Kinderchören in Schulen, Gesangs- und Chorstudios in den Kulturpalästen stehen vor Problemen - wie man Kinder für den Chor rekrutiert, wie man mit ihnen zu arbeiten beginnt, welches Repertoire man wählt, wie man eine Chorstunde aufbaut um die Trainingszeit zu maximieren und effektiv zu nutzen.

Die Frage ist: Können alle Kinder für den Chor rekrutiert werden? Dafür gibt es eine zweite Stufe in der Arbeit des Chorleiters - dies ist die Entwicklung des Gehörs und der Stimme des Kindes mit verschiedenen Methoden: A.V. Sveshnikova, K.K. Pigrov, G.A. Dmitrevsky, phonopädische Methode der Arbeit mit einer Kinderstimme von V.V. Emeljanow. Die Unfähigkeit, bestimmte Methoden in der Praxis richtig anzuwenden, hilft nicht nur nicht, sondern stört, d.h. schadet der Arbeit. Letztendlich hängt alles vom Lehrer, seinem Talent und seiner Ausbildung ab. Der Chorleiter muss über genügend Stimme und künstlerisches Talent verfügen, um den Inhalt des Chorwerkes zu enthüllen, damit diese Kreativität am Ende Eigentum der Zuhörer wird.

Die Hauptaufgaben des Chorgesangs im System der Musikerziehung

Chorgesang ist eine der aktivsten Arten musikalischer und praktischer Aktivitäten von Schülern und hat in der ästhetischen Erziehung von Kindern immer einen positiven Anfang. Dies wurde von prominenten Persönlichkeiten der Kultur, Philosophie aller Zeiten und Länder festgestellt.

In Russland ist die Idee des Primats, d.h. Die grundlegende Rolle des Chorgesangs liegt im ursprünglichen Lagerhaus der russischen Musikkultur, überwiegend vokal. Die Aufrechterhaltung der besten einheimischen Traditionen der Gesangs- und Choraufführung ist immer der Schulbildung zu verdanken.

In Bezug auf die musikalische Bildung und Erziehung erfüllt der Chorgesang mehrere Funktionen:

Zunächst lernen die Studierenden durch das Erlernen und Aufführen von Werken des Chorrepertoires verschiedene Kompositionen kennen, bekommen eine Vorstellung davon Musikgenres, Entwicklungsmethoden, die Beziehung zwischen Musik und Wort in Vokalwerken, beherrschen einige Merkmale der Folklore und der musikalischen Sprache der Werke professioneller Komponisten.

Chorgesang erweitert den Horizont der Schüler, Formen positive Einstellung Kinder an die Musikkunst heranzuführen, fördert die Entwicklung des Interesses am Musikunterricht.

Zweitens löst der Chorgesang die Probleme der Entwicklung des Gehörs und der Stimme der Schüler, bildet ein gewisses Maß an Gesangsfähigkeiten, Fähigkeiten, die für ausdrucksstarke, emotionale und sinnvolle Darbietungen erforderlich sind.

Drittens entwickelt der Chorgesang als eine der zugänglichsten Arten von Aufführungsaktivitäten für Kinder allgemeine pädagogische Fähigkeiten und Fertigkeiten, die für ein erfolgreiches Lernen im Allgemeinen erforderlich sind: Gedächtnis, Sprache, Hören, emotionale Reaktion auf verschiedene Phänomene Leben, analytische Fähigkeiten, Fähigkeiten der kollektiven Aktivität usw.

Viertens zielt der Inhalt des Gesangsrepertoires darauf ab, eine positive Einstellung des Kindes gegenüber der Welt um es herum durch sein Verständnis der emotionalen und moralischen Bedeutung jedes Musikstücks zu entwickeln, durch die Bildung einer persönlichen Einschätzung der dargebotenen Musik.

Während der Ausbildung beherrschen die Schüler Gesangs- und Chorfähigkeiten, beherrschen das Chorrepertoire verschiedener Stile und Epochen, lernen, sich auf die Qualität des Gesangsklangs zu konzentrieren, sammeln Erfahrungen im Chorgesang, Konzertauftritte.

Im Kinderchor sind Kombinationen von individuellen und kollektiven Arbeitsformen, der Einsatz von gemeinsamem Singen und individueller Vorbereitung der jungen Sängerinnen und Sänger auf die Proben, die Praxis der Arbeit in kleinen Ensembles (Chorgruppe) wichtig. Obwohl die Hauptform im Chor die Gruppe ist, ist daher die Möglichkeit, „Sologesang“-Klassen einzuführen, von großer Bedeutung, die es ermöglichen, die Entwicklung der Stimme jedes Sängers im Chor, altersbedingte Veränderungen und zu verfolgen schnell mit dem Kind lernen, was es im Gruppenunterricht nicht bewältigen konnte.

Der kollektive Charakter des Chormusizierens korrigiert die Gesangstechnik der Sänger und bestimmt den Einsatz spezifischer Methoden des Singens und der Stimmbildung durch die Methode der gezielten Beeinflussung der chorischen Klangfülle auf die individuelle Stimmentwicklung, die die Grundlage für den nachfolgenden Gesang legt - Theoretische Fähigkeiten:

1. Korrekte Gesangshaltung,

2. Hohe Gesangsposition.

3. Singende Atmung und Klangunterstützung.

4. Arten von Schallattacken beim Singen.

5. Singende Artikulation und Diktion.

6. Methoden der Klangextraktion (legato, staccato).

Wie werden junge Musiker sein, wenn sie erwachsen sind? Sie können für die Hauptsache bürgen: Sie werden gute Menschen werden. Das ist teuer. Darüber und P.I. Tschaikowsky sagte zu seinem Neffen: "Was auch immer Sie werden wollen, - werden Sie zuallererst ein guter Mensch." Musik, mit der sie verwandt ist, aus der die Seele des Kindes erzogen wurde, wird es nicht zulassen, schlechte, böse, unfreundliche Dinge zu tun.

Die Hauptaufgaben des Lehrens und Erziehens von Stimm- und Chorfähigkeiten. Jugendchor

1. Beherrschung der Fähigkeiten des Singens im Sitzen und Stehen.

2. Den Atem beim Singen beherrschen.

3. Arbeiten Sie an einem natürlichen, freien Klang, ohne zu forcieren.

5. Entwicklung von A-cappella-Fähigkeiten.

6. Vorbereitung des Teams auf Konzertauftritte und professionelle Shows (offener Unterricht, methodische Botschaften usw.)

stimmliche Fähigkeiten

1. Singende Installation.

Die richtige Haltung von Körper, Kopf, Schultern, Armen und Beinen beim Singen im Sitzen und Stehen. Jeder Sänger hat einen festen Singplatz.

2. Arbeiten Sie an der Atmung. Richtiges Atmen beim Singen.

Ruhiges, geräuschloses Einatmen, korrekter Atemeinsatz für eine musikalische Phrase (allmähliches Ausatmen), Atemwechsel zwischen den Phrasen, Atem anhalten, gleichmäßiger Klang, gleichzeitiges Einatmen vor dem Singen, längere Phrasen ohne Atemwechsel singen, schneller Atemwechsel zwischen den Phrasen bei ein bewegtes Tempo.

Die unterschiedliche Art der Atmung vor dem Beginn des Singens, je nach Art der ausgeführten Arbeit: langsam, schnell. Atemwechsel beim Singen (kurz und aktiv bei schnellen Stücken, ruhiger, aber auch aktiv bei langsamen).

Zäsuren. Bekanntschaft mit den Fähigkeiten des „Kettenatmens“ (Singen eines anhaltenden Tons am Ende eines Stücks. Vorführen langer musikalischer Phrasen).

3. Arbeiten Sie am Ton.

Mäßig offener Wuchs, natürliche Klangbildung, spannungsfreier Gesang, korrekte Bildung und Rundung der Vokale. Solider Angriff. gleichmäßige Tonführung Die Länge einzelner Töne, Singen mit geschlossenem Mund, Erzielen von reinem, schönem, ausdrucksstarkem Singen. Arbeiten Sie an einem natürlichen, freien Klang, ohne zu forcieren. Vorwiegend weicher Tonanschlag, Rundung der Vokale.

Singen mit verschiedenen Anschlagarten: legato, staccato, non legato. Das Studium verschiedener Nuancen, die allmähliche Erweiterung des allgemeinen Bereichs innerhalb: bis zur ersten Oktave - fa, Salz der zweiten Oktave.

4. Arbeiten Sie an der Diktion.

Die Aktivität der Lippen ohne Anspannung der Gesichtsmuskulatur, elementare Artikulationstechniken. Eindeutige Aussprache von Konsonanten aufgrund von Vokalen, Zuordnung von Konsonanten zur nächsten Silbe, kurze Aussprache von Konsonanten am Ende eines Wortes, getrennte Aussprache identischer Vokale, die am Ende eines Wortes und am Anfang eines anderen Wortes stehen. Perfekte Aussprache des Textes, Hervorhebung der logischen Betonung. Übungen zum Wörterbuch.

5. Stimmübungen.

Singen einfache Stimmübungen, die dabei helfen, die Kinderstimmen zu stärken, die Klangbildung zu verbessern, den Tonumfang zu erweitern und gleichzeitig das Repertoire besser aufzunehmen. Zum Beispiel:

Absteigende Drei-Fünf-Takt-Konstruktionen, ausgehend von der Mitte des Registers, das gleiche in einer Abwärtsbewegung, ausgehend von den tieferen Tönen des Registers.

Vokalwechsel bei einem wiederholten Ton;

Gamma in absteigender und aufsteigender Bewegung (nachdem er seine kleinen Segmente gemeistert hat);

Triade in einer geraden Linie und einer unterbrochenen Linie nach unten und oben;

Kleine melodische Wendungen (Auszüge aus Liedern, unbewusste Anpassung der Intonation von Ton und Halbton, Übergang von instabilen Klängen in stabile Melodien).

Die aufgeführten Übungen und andere (nach Ermessen des Chorleiters) müssen sowohl innerhalb der Grenzen der Tonart als auch mit Tonartwechsel in chromatischer Reihenfolge gesungen werden.

6. Übungen zur Entwicklung des Modalgefühls.

Singen von Einzelschritten, Intervallen, Dreiklängen, Tonleitern und Skalen.

Melodische und harmonische Sequenzen aus Intervallen.

Bewusste Anpassung der Intonation von Ton und Halbton, Übergang von instabilen in stabile Töne.

Von großer Bedeutung für eine erfolgreiche Arbeit mit jungen Chorsängern ist die Analyse eines Musikstücks. Dies ist eine allgemeine Beschreibung des Inhalts der Arbeit. Parsing von Text und Musik in einer für Studierende zugänglichen Form: Anpassen von musikalischen Phrasen in Richtung der Melodie und ihrer Struktur. Analyse der Ausdrucksmittel: Tempo, Größe, Rhythmuscharakteristik, dynamische Schattierungen.

Die Anfangszeit des Chores

Bei der Auswahl der Kinder für den Chor muss der Leiter besonders auf die physiologischen Eigenschaften der Stimmen achten, die Registereigenschaften für sich selbst festlegen, dh den Klang der Stimmen in verschiedenen Bereichen. Bei der ersten Probe muss der Chorleiter alle organisatorischen Fragen klären, die Kinder in dieser Arbeitsphase in die Studienbedingungen, die Verhaltensregeln bei den Proben, die Gesänge und das Repertoire des Chores einführen.

Ein ebenso wichtiger Punkt in der Arbeit des Chorleiters ist die Auswahl des Repertoires. Die Hauptaufgabe des Leiters besteht darin, Kindern das Singen beizubringen, und dafür muss er Mittel finden, die für die Umsetzung machbar, für die Entwicklung von Stimme und Gehör nützlich und auch für die Erziehung und Entwicklung des Musikgeschmacks förderlich sind.

Die richtige Auswahl des Repertoires ist eine wichtige Voraussetzung für die erfolgreiche Tätigkeit des Chores. Das Repertoire soll künstlerisch wertvoll, abwechslungsreich und interessant, pädagogisch sinnvoll sein, d.h. zum künstlerischen Wachstum des Chores beitragen, die musikalische Ideenwelt der Kinder entwickeln und bereichern. Im Repertoire des Kinderchores muss ein Gleichgewicht zwischen der Anzahl einfacher und komplexer Stücke gewahrt werden. Bei der Auswahl des Repertoires muss der Chorleiter daran denken, dass klassische Werke mit Liedern moderner einheimischer Komponisten, Volksliedern, kombiniert werden müssen. Seit den 90er Jahren des 20. Jahrhunderts ist eine neue Ebene der Chormusik in unsere Darbietung eingedrungen – russische Chormusik des Alltags und der kirchlichen Feiertage Weihnachten und Ostern, die heute weithin gefeiert werden. Allmählich wird das Repertoire mit der Anhäufung von Erfahrung in der Choraufführung, der Beherrschung der Gesangs- und Chorfähigkeiten komplexer. Die Studierenden werden an polyphone Formen herangeführt. Kanons als natürlicher Weg zur Polyphonie sollten ab der 1. Klasse eingeführt werden.

In der Praxis des Schulchorgesangs muss man auf eine besondere Form der Amusie stoßen: amusikalische Kinder - „Hupen“. Wichtige Gründe für schlechtes „amusikalisches Singen“ sind erstens Schädigungen des Stimmapparates, zweitens Mängel im musikalischen Gehör, drittens die fehlende Fähigkeit, Tonhöhen wahrzunehmen, zu differenzieren und zu analysieren, und schließlich viertens die Unfähigkeit dazu den ersten Ton des Motivs richtig intonieren. Eine der Hauptursachen für diese Art von Amusie ist der Mangel an Koordination zwischen ihnen Ohr für Musik und Singstimme. Kinder, deren Intonation akzeptabel, aber ungenau ist, können die Qualität ihres Gesangs im Lernprozess verbessern. Im Laufe einiger Jahre entwickeln sie ihr Gehör so weit, dass sie die Fähigkeit zum Singen erwerben, wobei sie sich auf den korrekten Gesang der anderen Mitglieder des Klassenchors verlassen können. Allerdings intonieren sie immer noch ungenau, ihre Versuche, solo zu singen, sind in den allermeisten Fällen erfolglos. Obwohl es in der Praxis mehrere Beispiele gab, bei denen solche Schüler dank eines starken Willens und Verlangens zum Singen recht zufriedenstellende Gesangsergebnisse erzielten. Hauptsache, es gibt viele Kinder, die sich trotz Hör- und Stimmschwäche zeigen großes Verlangen im Schulchor zu singen, und dabei sind wir Musikerlehrer aufgerufen, ihnen zu helfen.

Aufgrund meiner langjährigen Erfahrung in der Arbeit mit dem Jugendchor kann ich mit Zuversicht sagen, dass Schüler des Jugendchors drei wichtige stimmliche und chorische Fähigkeiten beherrschen müssen: Singen Atmung, Diktion und Intonation. Diese Kette ist das Hauptglied in der Arbeit mit dem Chor in der Anfangsphase. Betrachten Sie nun jede Substanz dieser Kette.

singender Atem

In der ersten Phase der Chorarbeit werden oft Atemübungen außerhalb des Singens durchgeführt. Über die Zweckmäßigkeit der Anwendung dieser Übungen gibt es unterschiedliche Standpunkte. Die meisten Pädagogen halten sie immer noch für notwendig. Zu diesem Zweck werden verschiedene Atemgymnastikkomplexe verwendet.

Übung eins.

Ein kurzer Atemzug durch die Nase entlang der Hand des Dirigenten und ein langes langsames Ausatmen mit einer Partitur. Mit jeder Wiederholung der Übung verlängert sich die Ausatmung aufgrund einer Erhöhung der Anzahl der Zahlen und einer allmählichen Verlangsamung des Tempos.

Übung zwei.

Ein kurzer Atemzug durch die Nase, während die Bauchdecke nach vorne geschoben wird, die Rückenmuskulatur im Gürtelbereich aktiviert und die unteren Rippen leicht gespreizt werden und die Aufmerksamkeit der Chorsänger darauf richten. Jeder Schüler kontrolliert seine Bewegungen, indem er seine Handflächen auf die schrägen Bauchmuskeln legt. Die Ausatmung ist so lang und gleichmäßig wie möglich mit einem Zählimpuls. Wenn die Übung wiederholt wird, verlängert sich die Ausatmung.

Übung drei.

Kurzes Einatmen durch die Nase, Atem anhalten und langsames Ausatmen mit Zählen, aber jetzt werden die Schüler zum ersten Mal aufgefordert, die Position des Einatmens während des gesamten Ausatmens beizubehalten. Dazu müssen Sie lernen, das Zwerchfell entlang seines gesamten Umfangs von innen an den Körperwänden anzulegen, als ob Sie versuchen würden, im Bereich des Gürtels dicker zu werden.

Übung vier.

Ein kurzes und tiefes Atmen durch die Nase, während Sie die Bauchdecke nach vorne schieben, den Atem anhalten, an der Hand des Dirigenten entlang, mit geschlossenem Mund sanft den Ton einer bestimmten Tonhöhe in der Mitte des Bereichs wiedergeben und gleichmäßig und mäßig ziehen Stimme. Die Spielzeit erhöht sich dann allmählich. Gleichzeitig ist eine ständige Selbstbeherrschung der Schüler notwendig, um die Inspirationsposition beim Singen aufrechtzuerhalten.

Auf die richtige Inhalation ist besonders zu achten. Beim Einatmen können Sie nicht absichtlich Luft in sich ziehen. Beginnen Sie mit einer vollen Ausatmung. Dann müssen Sie nach einer Pause auf den Moment warten, in dem Sie einatmen möchten. Nur in diesem Fall wird der Atem begrenzt: tief genug und optimal in der Lautstärke.

Zur schnellen Ausbildung einer starken Fertigkeit richtiger Atembewegungen sollten regelmäßig Übungen durchgeführt werden. Die richtige Fähigkeit des Singatems wird im Prozess des Singens selbst festgelegt und durch die Art des Klangs überprüft. Die Art der Atmung beeinflusst die Klangqualität und der Klang wiederum beeinflusst die Qualität der Singatmung. Diese Schaltung arbeitet nach dem Prinzip der Rückkopplung. Und tatsächlich, wenn ein Sänger mit leiser oder lauter Stimme, ruhig, leise oder aufgeregt, fest singt, lange zieht oder abrupt singt, dann ändert sich die Art der Einatmung und der Ausatmung der Phonation entsprechend. Durchführung einer Übung. Auf einer absteigenden Skala aufgebaut, mit gleichmäßiger Stimme, schult es die Geschmeidigkeit und Allmählichkeit der Ausatmung, und dies ist eine unabdingbare Voraussetzung für die Ausbildung einer guten singenden Atemfähigkeit.

Die Bedingung für die Entwicklung korrekter Atembewegungen sollte die Einhaltung der Gesangsinstallation sein. Bei Proben können Kinder oft nicht lange die nötige Fitness aufrechterhalten. In diesem Fall ist es ratsam, tief durchzuatmen und dann die Hände zu heben. Nachdem Sie den Atem einige Sekunden lang angehalten haben, atmen Sie langsam aus und senken Sie Ihre Arme. Beim Unterricht mit Kindern ist es notwendig, abwechselnd im Sitzen und Stehen zu singen. Ein lustiger Witz, Lob lindert auch Müdigkeit, muntert Kinder auf, steigert ihre Leistungsfähigkeit.

Junge Chorsänger sollten mit den Regeln der Kettenatmung vertraut sein, die es ermöglicht, musikalische Phrasen beliebiger Länge und sogar ganze Werke vorzutragen.

Grundregeln der Kettenatmung

Atmen Sie nicht gleichzeitig mit einem neben Ihnen sitzenden Nachbarn ein.

Atmen Sie nicht an der Kreuzung von musikalischen Phrasen, sondern möglichst innerhalb langer Noten.

Atmen Sie unmerklich und schnell ein.

Aufgehen in den Gesamtklang des Chores ohne Druck, mit sanftem Klangeinsatz, intonationsrichtig, d.h. ohne „Eintritt“ und in Übereinstimmung mit der Nuance der gegebenen Stelle in der Partitur.

Hören Sie aufmerksam auf den Gesang Ihrer Nachbarn und den allgemeinen Klang des Chores.

Nur wenn diese Regeln von jedem Sänger eingehalten werden, kann die erwartete Wirkung erzielt werden: die Kontinuität und Länge des Gesamtklangs des Chores.

Um die Fähigkeit der Kettenatmung zu entwickeln, müssen Sie zunächst lernen, wie Sie die Atmung innerhalb langer Noten schnell und unmerklich ändern können. Zu diesem Zweck können wir empfehlen, eine Übung zu singen, die auf einer absteigenden oder aufsteigenden Tonleiter mit langer Dauer, ohne Pausen und Zäsuren aufgebaut ist.

Wörterbuch-orthoepisches Ensemble

b

Laut der treffenden Bemerkung von A. M. Pazovsky „ist eine gute Ausdrucksweise beim Singen, insbesondere beim Chorgesang, nicht nur ein Mittel zur ausdrucksvollen Offenlegung des im Wort enthaltenen Gedankens, sondern gleichzeitig auch ein Zerkleinerer des musikalischen Rhythmus.“ In Ordnung Um in einem Diktionsensemble zu arbeiten, muss der Chorleiter die Regeln der Gesangsaussprache gut kennen.

Die Synthese von Musik und Wort ist ein unbestrittenes Verdienst der Chorgattung. Aber dieselbe Synthese schafft auch zusätzliche Schwierigkeiten für Chorsänger, da sie zwei Texte beherrschen müssen – einen musikalischen und einen poetischen. Der Text soll von den Interpreten nicht nur leserlich, sondern sinnvoll und logisch korrekt ausgesprochen werden, denn die Bestandteile sowohl der literarischen als auch der vokal-chorischen Rede sind nicht nur Diktion, sondern auch Orthoepie (korrekte Aussprache des Textes).

Die Chordiktion hat ihre eigenen Besonderheiten.

Erstens ist es singend, stimmlich, was es von der Sprache unterscheidet; zweitens ist es kollektiv. Es ist notwendig, ihnen nicht nur beizubringen, Konsonanten klar auszusprechen, sondern auch Vokale richtig zu bilden und auszusprechen (insbesondere, ihnen beizubringen, wie man Vokale reduziert). Reduktion - Schwächung der Tonartikulation; reduzierter Vokal - geschwächt, undeutlich ausgesprochen.

Die Besonderheit der Aussprache von Vokalen beim Singen liegt in ihrer gleichmäßig abgerundeten Formgebung. Dies ist notwendig, um die klangliche Gleichmäßigkeit des Chores zu gewährleisten und einen guten Unisono zu erreichen.

Es gibt zehn Vokale auf Russisch, sechs davon sind einfach - und. e. a, o, y, s, vier komplexe Einsen - i, e, u, e (jotiert) Beim Singen komplexer Vokale wird der erste Ton - y sehr kurz ausgesprochen, der darauf folgende einfache Vokal hält lange an.

Laute Aussprache:

Yo - gerundet, mit dem Zusatz O.

A - gerundet, mit dem Zusatz O.

Und - wie das französische U.

E - wie E, gesammelt.

O - nicht schmal, abgerundet, breit, U - fliegend.

Wir singen A - wir denken an O und umgekehrt.

Wir singen I - wir denken an Yu, U und umgekehrt.

Wir singen E - wir denken an E und umgekehrt.

Wir singen Yo - wir denken an Oh und umgekehrt

„Ich liege in der Sonne und schaue in die Sonne.“ Der Vokal „I“, der in „e“ übergeht, rechtfertigt sich mit einer kurzen Aussprache im schnellen Gesang. Vokale werden rein ausgesprochen, hauptsächlich in betonter Position und auf langen Lauten. Vokale sind jene Laute, auf denen sich die Gesangsmöglichkeiten der Stimme offenbaren.

Wenn in einem Wort oder an der Verbindung von Wörtern zwei Vokale nebeneinander stehen, können sie nicht beim Singen zusammengeführt werden - der zweite Vokal muss bei einem neuen Angriff gesungen werden, als ob er erneut ausgesprochen werden soll, zum Beispiel: aber blieb; kein Feuer; alleine rüberkommen.

"Y" - bezieht sich auf Konsonanten und verbindet sich mit ihnen. Zum Beispiel: „Yes-le-ki-ymo-idru-gtvo-yra-to-stny-ylight“.

Im Gegensatz zu Vokalen, die möglichst lange gesungen werden, müssen Konsonanten im allerletzten Moment ausgesprochen werden. Der Konsonant, der die Silbe beendet, schließt sich der nächsten Silbe an, und derjenige, der das Wort an einer engen Wortverbindung beendet, schließt sich dem nächsten Wort an. Diese Regel gilt in erster Linie für Werke, die legato aufgeführt werden; Staccato trägt keine Konsonanten.

Konsonanten beim Singen werden auf der Höhe der Vokale ausgesprochen, an die sie angrenzen. Die Nichtbeachtung dieser Regel führt in der Chorpraxis zu sogenannten „Eingängen“ und manchmal zu unsauberer Intonation. Um den poetischen Text den Zuhörern besser zu vermitteln und mehr zu erreichen künstlerische Ausdruckskraft Gesang, ist es manchmal sinnvoll, eine leicht betonte Artikulation von Konsonanten zu verwenden. Diese Technik ist jedoch nur in besonderen Fällen (dramatische Werke, feierliche Hymnen) angebracht. Bei der Aufführung von Chorstücken in schnelles Tempo Wörter sollten leicht, „nah“ und sehr aktiv mit minimalen Bewegungen ausgesprochen werden Artikulationsapparat. Zum Beispiel. PI. Tschaikowsky, Text von G. Ivashchenko "Neapolitan Song". Anwendung Nr. 2

Einige Regeln der Orthopädie

Ist geschrieben	Ausgesprochen
b, d, c, e, g, h am Ende des Wortes	p, k, f, t, w, s.
o unbetont	a
e, h, s, t vor weichen Konsonanten	d, s, s, t.
ich bin stressfrei	ja
n, nn vor weichen Konsonanten	Sanft
w und w vor weichen Konsonanten	fest
w verdoppelt (lzh)	leise
sya und s - Partikel zurückgeben	sa und s
h. do	schn, stk
h und n durch Vokale getrennt	h und n
stn, zdn	sn, zn; Ich würde herausfallen
ssh und zsh	sh fest und lang
Mitte und Mitte	du lange
kk, tt (Doppelkonsonanten)	k, t (der zweite Konsonant entfällt).

Konsonanten werden je nach Grad der Stimmbeteiligung an ihrer Bildung in stimmlose und stimmhafte Konsonanten unterteilt.

Sie werden so genannt, weil sie sich auch dehnen können und oft als Vokale verwendet werden.

Die Grundregel der Ausdrucksweise beim Singen ist die schnelle und klare Bildung von Konsonanten und die maximale Länge von Vokalen. Dies wird vor allem durch die aktive Arbeit der Muskeln des Artikulationsapparates, hauptsächlich der Bukkal- und Lippenmuskulatur, sowie der Zungenspitze gewährleistet. Wie alle Muskeln müssen sie trainiert werden.

Für die Entwicklung des Artikulationsapparates schlage ich vor, den ersten und zweiten Zyklus der phonopädischen Methode nach dem System von V.V. Emeljanow. Nur sechs Zyklen.

Ich radle - Aufwärmen, Gesichtsmassage, Vorbereitung des Gesangsapparates für die Arbeit im Chor.

a) - Sitzend sollten die Kinder den „Flug eines Vogels“ darstellen, d. H. Der Bauch ist eingezogen, die Brust ist nach vorne gerichtet, diese Position ähnelt einem fliegenden Vogel. Hinter dieser Position muss der Chorleiter die Kinder ständig daran erinnern.

b) - Wir massieren das Gesicht, indem wir mit den Fingern auf das Gesicht klopfen, beginnend mit den Haarwurzeln, der Stirn, den Wangen und dem Kinn, damit das Gesicht „aufleuchtet“.

c) - Beißen der Zungenspitze bis zum Speicheln, danach „zerreißen“ wir die Zunge, ziehen sie nach vorne, beißen zum Wurzelteil und auch zurück. Stellen Sie sicher, dass sich die Zunge sanft in einen entspannten Zustand bewegt.

d) - die „Nadel“ -Übung, eine scharfe Zunge zu machen und wie eine Nadel die Oberlippe, dann die Unterlippe und die Wangen zu durchbohren. All dies geschieht aktiv.

e) - Übung „Pinsel“, wir führen die Zunge zwischen Lippen und Zähnen, als würden wir uns die Zähne putzen.

f) - Übung „Kreuz und Null“, die Lippen mit einer Röhre nach vorne strecken, zuerst eine Null mit unseren Lippen zeichnen (viermal in die eine und die andere Richtung), dann ein Kreuz zeichnen, die Lippen nach oben, unten und nach oben heben Seiten. Bei der Aufführung ist darauf zu achten, dass die Kinder den Kopf nicht bewegen, nur die Lippen sollten arbeiten.

g) - eine beleidigte und fröhliche Grimasse wird gemacht. Beleidigt - die Unterlippe ist nach außen gedreht, so dass die unteren Zähne offen sind. Fröhlich - die Oberlippe hebt sich, um die oberen Zähne zu öffnen. Dann führen wir beide Positionen nacheinander aus.

h) – Übung „Angry Cat Pose“. Die Hauptempfindungen des muskulösen Zustands des Gesichts - Zähne sind offen, die Nase ist angehoben und hilft, die oberen Zähne zu öffnen, rund große Augen und der Mund ist offen, so dass drei Finger senkrecht zwischen den Zähnen platziert sind. Es ist wünschenswert, vor einem Spiegel zu arbeiten.

i) - wir sprechen den Text „Ich habe einen kleinen Mund“ aus, während die Lippen fest geschlossen und nach vorne gestreckt sind. Auf den Silben „Ich habe einen Mund“ sollten sich die Lippen nicht bewegen, nur die Zunge arbeitet. Beim Wort „klein“ öffnet sich der Mund abrupt in die „wütende Katzenpose“ und das Wort wird aktiv ausgesprochen, damit die Kiefer ihre Arbeit so gut wie möglich aktivieren. Dehne die Silbe „A“ mit lauter Resonanz und sprich kurz die Silben „-faul“. Alle Konsonanten werden hart und aktiv ausgesprochen.

Die Hauptaufgabe des ersten Zyklus besteht darin, die Gesichtsmuskeln für die Arbeit aufzuwärmen und zu lernen, wie man den Mund öffnet.

Der II. Zyklus beinhaltet Intonations-Phonetik-Übungen.

A) - die Aussprache von tauben Konsonanten - Sh-S-F-K-T-P. Sie werden so ausgesprochen. Merken Sie sich dazu die Position des geöffneten Mundes. Dies ist die Hauptausgangsposition, wir sprechen den Konsonanten „sh“ aus, wir schließen die Kiefer und kehren sofort scharf in die Ausgangsposition des offenen Mundes zurück. Es stellt sich ein sehr kurzes "w" heraus. Wir sprechen auch den Konsonanten „s“ aus, während die Sprache eine Rolle spielt. Beim Aussprechen des Vokals „f“ schließen sich die Lippen. Die Aussprache des Konsonanten „k“ ist wichtig. Der Mund in der Pose einer wütenden Katze, ohne sich zu schließen und ohne die Position zu ändern, wird mit der Zungenwurzel ausgesprochen, die Kiefer sollten sich nicht bewegen - dies ist die Hauptbedingung. Es stellt sich sozusagen als „Schuss“ heraus: Der Konsonant „p“ wird aktiv mit den Lippen ausgesprochen und „t“ durch Beißen auf die Zungenspitze. Die Hauptanforderung für das Aussprechen von tauben Konsonanten ist „taub muss taub sein“, d.h. es darf kein Vokal nach dem Konsonanten erklingen, und wenn der Mund nach dem tauben Konsonanten in seine ursprüngliche Position zurückkehrt, sollte ein Gefühl des Einatmens entstehen.

B) - Aussprache stimmhafter Konsonanten - W-W-W-T-T-B. In der gleichen Form der Mundstellung, wie bei der Aussprache von tauben Konsonanten. Die Beteiligung der Zungen- und Lippenmuskulatur entspricht "zh-sch". „s-s“, „v-f“, „g-k“, „d-t“, „b-p“. Wenn Sie diese Konsonanten aussprechen, sollte das Gefühl sein, dass Sie von den Konsonanten ausgehen und sie jeweils viermal aussprechen. Achten Sie darauf, dass nach jedem Konsonanten das Gefühl eines aktiven Atems entsteht. Die Möglichkeiten zur Durchführung dieser beiden Übungen sind unterschiedlich.

C) - Übung "schreckliche Geschichte". In dieser Übung zur Aussprache von Vokalen "U-O-A-E-S". Mundposition - „Wütende Katzenhaltung“, d.h. der Mund ist gut geöffnet, alle Vokale werden nur mit den Lippen gebildet, so dass der Klang tief und voluminös ist. Zuerst sprechen wir den Vokal „u“ aus, dann fügen wir „o“ hinzu, so bekommen wir einen gedehnten Ton "umwerben" und so fügen wir jedes Mal, wenn wir von Anfang an wiederholen, nachfolgende Vokale hinzu. Obligatorisch

Voraussetzung für diese Übung ist das Sprechen Vokale U-O-A-E-S in einem Atemzug, ohne die Kette der gesprochenen Laute zu unterbrechen. Die Übung sollte einem einschüchternden, beängstigenden Bild ähneln. Vokale können auch in umgekehrter Reihenfolge ausgesprochen werden. Muss Folgen

hinter der Position des Mundes. Die Kiefer sollten ihre Position nicht verändern und nur die Lippen sollten in Formation aktiv sein.

D) - Die Übung heißt „Frage und Antwort“. Diese Übung verwendet die gleichen Vokale wie in der vorherigen Übung. Zum Beispiel: Der Vokal „y“ wird im Stimmumfang so tief wie möglich genommen, also in einer rauhen, tiefen Stimme und Glissando wird bis zum höchsten, extremsten Ton des Stimmumfangs nachgeholt, als würde man den gesamten Stimmumfang hinaufgleiten und auch schnell wieder von oben nach unten rutschen. Diese Übung ähnelt oben - einer Frage, unten - einer Antwort. Die Struktur der Verwendung von Vokalen ist wie folgt:

Hoch. U-U, U-O, O-A, A-E, E-S.

Abstieg. U-U. U-O, O-A, A-E. E-S.

Das heißt, auf U-U und runter U-U; hoch U-O und runter U-O. Der Mund wird während der Übung so weit wie möglich geöffnet, um einen Zusammenbruch der Stimme zu vermeiden.

D) - Die Bedingungen für die Durchführung dieser Übung sind die gleichen wie in der vorherigen. Die stimmlosen und stimmhaften Konsonanten, die in den Abschnitten A und B verwendet wurden, werden zu den Klassenkonsonanten hinzugefügt. Die Struktur ist wie folgt:

Doppelte Kombinationen - woo, woo. woo, woo, woo.

Woo, woo, woo, woo, woo.

Woo, woo, woo, woo. Beeindruckend.

Im zweiten Lagerhaus gehen wir nach oben und nach unten gehen wir auf den ersten Vokal und sprechen die zweite Silbe darunter aus.

Dreifache Kombinationen - u-shu-zhu, u-sho-zho, u-sha-zha, ushe-zhe, u-shy-zhy.

U-su-zu, u-so-zo, u-sa-za, u-se-ze, u-sy-zy.

Woo-woo, woo-woo. U-fa-va, u-fe-ve. Beeindruckend.

Kombinationen können auf unterschiedliche Weise verwendet werden.

Die ausdrucksstarke Darstellung des Textes hängt nicht nur von der klaren Aussprache der Wörter ab. Wenn Sie den Text und die Musik eines Musikstücks lesen, sollten Sie immer die Frage beantworten: Wie man eine Phrase oder ein Wort ausführt - liebevoll, freudig, ruhig, nachdenklich. Ängstlich, traurig, böse, traurig, feierlich, spöttisch, traurig, verängstigt usw.

Bei der Lösung der Probleme der guten Diktion im Chor muss also daran gearbeitet werden Verständlichkeit Aussprache unterliegt den Regeln der Orthopädie; Aussagekraft basierend auf der Auswahl logischer Knoten in Phrasen; expressive Aussprache von Wörtern basiert auf der Einheit von Musik und dem Inhalt der dargebotenen Komposition von ihrem emotionalen Gehalt.

Tonhöhe

Das Problem der Intonation im Chor, bei dem es sich um ein Instrument mit nicht fester Tonhöhe handelt, war schon immer eines der akutesten und schmerzhaftesten. Das Chorsystem ist ohne den reinen Unisono nicht möglich, der durch die bewusste Intonation musikalischer Klänge mit der Stimme entsteht. Der Stimmapparat und das Ohr sind zwei untrennbare Teile eines einzigen Schallübertragungssystems. Hören ist ein Sinnesorgan, das die Geräuschphänomene, die in der Umgebung des Körpers auftreten, zum Gehirn bringt. Der Stimmapparat kann nur ausdrücken, was durch das Hören ins Gehirn gelangt ist oder aufgrund dieser Höreindrücke im Gehirn entstanden ist. spielt eine wichtige Rolle bei der Intonation. Aufmerksamkeit Kind. Mit Aufmerksamkeit argumentiert jede Arbeit: Die Bewegungen sind genau, genau, es gibt nichts Überflüssiges, die Gedanken sind klar, das Gehirn analysiert gut, alles ist gut in Erinnerung. „Es ist besser zwanzig Minuten aufmerksam zu singen als zwei Stunden unaufmerksam“, sagte die berühmte Sängerin und Lehrerin Pauline Viardot. Ein anderer wunderbarer russischer Lehrer, Ushinsky, sagte, dass Pädagogik die Wissenschaft des Interesses sei. Nachdem wir den Unterricht interessant gemacht haben, lenken wir dadurch die Aufmerksamkeit des Schülers darauf, und alles, was wir mit Aufmerksamkeit behandeln, wird gut aufgenommen.

In der Chorstudienliteratur wird das Chorsystem üblicherweise in zwei Typen eingeteilt: melodisch und harmonisch. In der Anfangsphase, Kindern das Singen beizubringen, arbeitet der Chorleiter am melodischen System, das eine Kombination aus Intonation der Tonleiterschritte und melodischen Intervallen ist. Kurz gesagt, sie sehen so aus.

In der Dur-Tonart wird die erste Stufe stetig intoniert. Der zweite Schritt im aufsteigenden zweiten Satz sollte hoch intoniert werden. Und im Abstieg - niedrig. Der dritte Schritt wird immer hoch intoniert, unabhängig von dem Intervall, das er mit dem vorherigen Ton bildet, da er der Terz des Tonika-Dreiklangs ist. Stufe IV erfordert beim Aufwärtsbewegen eine gewisse Zunahme und beim Abwärtsbewegen eine Abnahme. Der fünfte Schritt wird stetig mit einer gewissen Tendenz zur Steigerung intoniert, da es sich um eine Quinte des Modus- und Tonika-Dreiklangs handelt. Der VI-Schritt im aufsteigenden zweiten Satz (d. h. ab dem fünften Schritt) muss hoch intoniert werden. und im absteigenden - (ab der siebten Stufe) - tief. Der 7. Schritt wird als Einführungston sehr hoch intoniert. Die VI-Stufe des harmonischen Durs, die im Verhältnis zur gleichen Stufe des natürlichen Durs abgesenkt ist, sollte mit einer Tendenz zur Abnahme intoniert werden

In der Moll-Tonart sollte die erste Stufe, obwohl sie der Hauptton der Tonika ist, hoch intoniert werden. Stufe III - niedrig. Der vierte Schritt wird von unten (ab dem dritten Schritt) hoch intoniert, und von oben (ab dem fünften Schritt) wird er tief intoniert. Der V-Schritt, der dritte Schritt des Parallel-Dur, muss hoch intoniert werden. VI Schritt melodisch - hoch. Der siebte Schritt des natürlichen Molls sollte tief intoniert werden, und derselbe Schritt des melodischen und harmonischen Molls sollte hoch sein.

Jede Veränderung, die die Höhe der einen oder anderen Stufe der natürlichen Tonart (Dur oder Moll) verändert, erweckt die entsprechende Intonationsmethode zum Leben: Eine Veränderung, die den Ton erhöht, erfordert eine Verschlechterung der Intonation, und eine Veränderung, die den Ton senkt, erfordert etwas Abnahme darin.

Der harmonische Gesang der Chorstimme basiert auf der korrekten Ausführung von Intervallen. Es ist bekannt, dass das Intervall der Abstand (Lücke) zwischen zwei Tönen in der Höhe ist. Nacheinander aufgenommene Klänge bilden ein melodisches Intervall; gleichzeitig genommen ist das harmonische Intervall. Der untere Ton eines Intervalls wird normalerweise als Base bezeichnet, der obere als Top.

In einer temperierten Tonleiter sind alle gleichnamigen Intervalle einander gleich. Eine andere Sache ist das Singen und Spielen von Instrumenten ohne feste Tonhöhe. Hier variiert der Wert des Intervalls normalerweise innerhalb Zonen abhängig vom modalen Wert der im Intervall enthaltenen Klänge. Damit verbunden sind einige Merkmale der Intonation verschiedener Intervalle, die der Chorleiter beachten sollte.

Reine Intervalle werden stetig ausgeführt. Dies gilt für Prime, Quarte, Quinte und Oktave. Große und erweiterte Intervalle sollten mit einer Tendenz zur einseitigen oder beidseitigen Erweiterung intoniert werden, und kleine und reduzierte Intervalle mit einer Tendenz zu einseitiger oder beidseitiger Verengung. Wenn man ein großes Intervall aufwärts spielt, sollte man sich bemühen, seine Spitze mit einer Tendenz zur Steigerung zu intonieren, und beim Spielen großes Intervall nach unten - mit einem Abwärtstrend. Bei einem kleinen Aufwärtsintervall hingegen sollte die Decke so tief wie möglich intoniert werden, und bei demselben Abwärtsintervall sollte sie höher sein. Erhöhte Intervalle werden sehr breit intoniert: Der untere Ton wird tief gespielt, der obere Ton hoch. Reduziert - eng: Der untere Ton wird hoch gesungen und der obere Ton ist tief. Ein eigener Bereich in der Intonation von Intervallen ist das reine Singen von großen Sekunden aufwärts und kleinen Sekunden abwärts. W.O. Avranek sagte: "Bringen Sie dem Chor bei, eine reine kleine Sekunde nach unten und eine große nach oben zu singen, und der Chor wird harmonisch singen." In der Arbeit von V. Gavrilin „Winter“ aus dem Vokalzyklus „The Seasons“ besteht die Melodie hauptsächlich aus großen und kleinen Sekunden. Anwendung Nr. 3

Die Arbeit an einem Lied ist kein langweiliges Pauken und keine mechanische Nachahmung eines Lehrers, es ist ein spannender Prozess, der an einen beharrlichen und allmählichen Aufstieg zu einer Höhe erinnert. Der Lehrer macht den Kindern bewusst, dass jedes, auch das einfachste Lied, viel Arbeit braucht. Im Chorunterricht ist es notwendig, eine Regel einzuführen: Wenn der Lehrer mit seiner Stimme ein Aufführungsmuster demonstriert, sollen die Schüler zuschauen, zuhören und gedanklich mitsingen. geistiges Singen lehrt innere Konzentration, entwickelt kreative Vorstellungskraft, die für größere Ausdruckskraft notwendig ist. Dadurch wird die auditive Aufmerksamkeit gelenkt und die Intonation genauer. Die Stimmungsarbeit im Chor beginnt meist schon beim ersten Singen (Lernen) des Stückes. Zu diesem Zeitpunkt sollten Intonationsfehler nicht übersehen werden, da unbemerkte Fehler bei der Wiederholung „singen“ und anschließend schwer zu korrigieren sind.

Der Chorunterricht beginnt normalerweise mit Gesang, der eine doppelte Funktion hat: 1) Aufwärmen und Stimmen des Stimmapparates der Sänger, um sie auf die Arbeit vorzubereiten. 2) Entwicklung von Gesangs- und Chorfähigkeiten, um die Schönheit und Ausdruckskraft des Klangs von Singstimmen bei der Aufführung von Chorwerken zu erreichen.

Für den Betrieb des Stimmapparates im Nicht-Falsett-Register des Stimmumfangs, dh der Brust, verwende ich Gesänge aus dem vierten und sechsten Zyklus der phonopädischen Methode nach dem System von V.V. Emeljanow. Der Bereich der Gesänge hat seine eigenen Verbote: Steige nicht über das MI FLAT der ersten Oktave und der tiefste Ton muss LA FLAT der kleinen Oktave sein. Das musikalische Material basiert auf den einfachsten tonleiterartigen Gesängen der auf- und absteigenden Bewegung der dreistufigen und fünfstufigen Bewegungen. Wir stellen folgende Übungen vor: mit „Vibration der Lippen“ und dem Vokal Y sowie „Stro-Bass“ und den Vokalen A, E.Y, O.U.

„Stro-Bass“ bedeutet auf Deutsch – Stroh – rauschender Bass. Wenn dieses Element ausgeführt wird, wird das Knarren der Tür bildlich dargestellt. Beim Quietschen kommen die Stimmbänder nicht sofort ins Spiel, sondern nach und nach. Diese Übung wird so ausgeführt: Der Mund wird in der Position „böse Katze“ geöffnet, die Zunge wird herausgestreckt, sodass sie entspannt auf der Unterlippe liegt, und der Kehlkopf sollte ein Geräusch erzeugen, das einem Knarren ähnelt. In den meisten Fällen ist bei Kindern während des Quietschens „e“ zu hören. Es ist notwendig, darauf zu achten und jedes Mal daran zu erinnern, dass das Skript mit dem Wunsch ausgeführt werden muss, den Vokal „a“ auszusprechen. Während des Quietschens gibt es keine Intonation und ohne Pause muss es in den Vokal „A“ übersetzt werden. Die Zunge sollte in ihrer ursprünglichen, unbeweglichen und entspannten Position sein. Bei der Durchführung der Übung fällt auf, wie der neutrale Vokal „A“ gebildet wird. es ist notwendig zu hören, wie Vokale ohne Sprache klingen und wie die Schwelle beim Übergang von „Stro-Bass“ zu einem Vokal (a, o, u, e, s) gebildet wird.

Übungen mit „Vibration der Lippen“ und dem Vokal Y in der Falsettlage ab der ersten Oktave in As und darüber ohne besondere Einschränkungen werden wie in der Nicht-Falsettlage durchgeführt. Beim Übergang von der Vibration der Lippen zum Vokal Y sollte sich der Mund sehr schnell in die Pose einer wütenden Katze öffnen. Übergang ohne Stopp oder Pause. Dies ist sehr wichtig, um eine Belastung der Stimmbänder des Kindes zu vermeiden. Alles befindet sich im Hauptresonator.

Beim Singen des Chores verwendet der Chorleiter zahlreiche Gesänge eines melodischen Lagerhauses unter Verwendung von Vokalsilben, Phrasen und Auszügen aus Liedtexten. Gesänge werden mit verschiedenen musikalischen Akzenten aufgeführt: legato, staccato, non legato (non-legato – nicht verwandt). Die Hauptart der Klangwissenschaft im Anfangsstadium ist Kantilene, dh ein glatter, kohärenter, kontinuierlicher, frei fließender Klang. Auch bei der Auswahl des Repertoires für einen Nachwuchschor sollte Kantilenenwerken mehr Beachtung geschenkt werden, um die sprachliche Klangweise beim Singen von Kindern zu eliminieren. Hier sind einige Beispiele für melodische Gesänge.

In der zweiten Hälfte Bildungsprozess und in der weiteren Arbeit zur Entwicklung des harmonischen Hörens bei Kindern können auch harmonische Gesänge schrittweise eingeführt werden. Zum Beispiel: Kinder singen zunächst einen Laut für den Vokal „y“ und bauen anschließend aus diesem Laut Intervalle. Zuvor sollte der Chor bedingt in zwei Gruppen aufgeteilt werden.

Von großer Bedeutung für die Entwicklung des harmonischen Hörens im Anfangsstadium ist das Singen der Kanons. Das Wort „Kanon“ wird aus dem Griechischen mit „Regel, Ordnung“ übersetzt und hat viele Bedeutungen. Ein musikalischer Kanon ist ein Lied, das auf eine bestimmte Weise geschaffen und aufgeführt wird. Alle Teilnehmer des Kanons singen die gleiche Melodie mit dem gleichen Text und treten der Reihe nach, wie verspätet, mit einer Verzögerung ein. Die Schönheit und Originalität des Kanons ist auch sein Ende, da jeder der Sänger, nachdem er die Melodie vollendet hat, wieder an seinen Anfang zurückkehrt, was einen Teufelskreis bildet. Die Vorstellung einer endlosen, kreisförmigen Bewegung von allem auf der Welt ist charakteristisch für viele alte Kulturen. Es ist diese Idee, die Idee einer endlosen Rückkehr zum Anfang, die die Form des Kanons organisiert. Das Weltbild des Menschen, in dem alles den Gesetzen der Zirkulation unterliegt, spiegelte sich in Überzeugungen, Lebensweisen, in Tänzen und Liedern wider. Zum Beispiel. "Sing Baby." In diesem Kanon wird eine kleine Phrase viermal hintereinander in unterschiedlichen Höhen wiederholt. Daher ist es nicht schwierig, sich daran zu erinnern und es überhaupt zu singen. Dieser Kanon kann viele Male gesungen werden, wobei man immer wieder zum Anfang der Melodie zurückkehrt. Es ist möglich, eine kanonische Melodie mit Begleitung (homophon) aufzuführen. Antrag Nr. 7

Der Text des Kanons „Es lebte ein Großvater in der Welt“ (ein mährisches Volkslied) erzählt von einer Flöte, aber die Intonationen einer Trompete oder eines Horns sind in der Melodie mehr zu hören. Es ist nicht einfach, einen solchen Kanon zu singen. Zunächst können Sie zwischen den Sängern und einem Instrument (z. B. einem Klavier) einen Kanon bauen, in dem die Melodie eine Oktave höher oder tiefer erklingt. Eine solche Aufführung wird neue Farben des kontrapunktischen Musizierens schaffen. Die russische Übersetzung der Texte ist sehr lustig. Er stellt vor zusätzliche Aufgaben, nämlich: die Klarheit der Aussprache und die Aktivität der Sprache, was für einen Zungenbrecher charakteristisch ist.

Ungefährer Repertoireplan

1. V.A. Mozarts „Frühling“.

2. O. Fernhelst „Ave Maria“.

3. J. Haydn „Wir sind Freunde der Musik“.

4. N. Rimsky-Korsakov „Winter absehen“.

5. V. Kalinnikov „Kranich“, „Bär“.

6. C. Cui „May Day“, Seifenblasen“.

7. A. Grechaninov „Über das Kalb“.

8. A. Arensky „Sag es mir, Motte“.

9. A. Lyadov „Häschen“, „Wiegenlied“, „Lustig“.

10. A. Lyadov „Häschen“, „Wiegenlied“, „Lustig“.

11. Russische Volkslieder: „Wie unsere am Tor“, 2 Wie deine Freundinnen gingen“, „Ein Weg im feuchten Wald“, „Ein Baby ging“, „Wir gingen in einem Rundtanz“.

12.F. Grubber "Stille Nacht".

13. Volkslied „Muttergottes“.

14. M. Malewitsch Lieder aus Sammlungen über Weihnachten und Ostern.

15. V. Vitlin „Regen“.

16. S. Dubinina „Ziege“, „Grundel“.

17. Yu Chichkov „Herbst“.

18. S. Fadeev „Robin-Bobin“.

19. S. Smirnov „Samowar“.

20. S. Gavrilov „Grüne Schuhe“.

21. E. Zaritskaya „Musiker“.

22. N. Russu-Kozulina „Kuchen“, „Gutes Lied“.

23. S. Banevich „Flieg, mein Schiff, flieg“.

25. O. Khromuschin „Maskerade“.

26. B. Snetkov „Meister“.

27. V. Keller. Rätsellieder: „Eule“, „Eichhörnchen“, „Specht“, „Schildkröte“.

Basierend auf den Fähigkeiten junger Chorsänger sollte man versuchen, nach und nach eine einfache Zweistimmigkeit (nach Ermessen des Chorleiters) einzuführen - Gesänge, Kanons sowie einfache Werke.

1. M. Glinka „Du, Nachtigall, halt die Klappe.“

2. A. Grechaninov „Mohn, Mohn“

3. Yu Litovko „Alte Uhr“.

4. M. Reuterstein „Mutter Frühling“. "Party".

5. M. Shyvereva „Grüner Sommer“.

6. E. Rushansky „Wunderbares Kleid“.

7. N. Karsh „Ein Lied in der Krokodilsprache“, „Nachtgeschichte“, „Fisch“.

1. M. Reutershtein „Chorspaß“, „Oh, okay“, „Hahn“.

2. Kanoniker: „Auf dem Feld war eine Birke“, „Ein Pfad im feuchten Wald“, „Bruder Jakob“, englisch Volkslied„Komm folge“, deutsches Volkslied „Commt und last“.

3. Tschechisches Volkslied „Weiße Taube“ (Kanon)

5. Yu Litovko „Die Nachtigall“ und andere Kanons.

6. Russisches Volkslied „Ich gehe mit Gras“ (arr. And Roganova).

Schülerinnen und Schüler der Chorklasse zu Beginn ihres Studiums und in den Folgejahren sollten vertraut sein mit gebräuchlichen Begriffen und Begriffen wie: a cappella, S (Sopran), A (Alt), T (Tenor). B (Bass). Solo, Agogie, Begleitung, Ensemble, abstrakt, Artikulation, Vibrato, Diktion, Tonumfang, Dynamik, Dirigent, Dirigieren, Dissonanz, Atmung, Genre, Intervall, Stimmgabel, Kanon, Kantilene, Tonart, Konsonanz, Höhepunkt, Tonalität, Modus, Metrum , Rhythmus, Melodie (Stimme, Stimmführung), Mimik, Polyphonie, Mutation, Nuance, Polyphonie, Chorgesang, Register, Resonatoren, Repertoire, Probe, Sequenz, Synkopierung, Solfegging, Stimmung, Klangfarbe, Tessitura, Tutti, Unisono, Musical Form, forcierender Klang, Phrasierung, Chorstimmen und Chorpartitur (Dekodierung und Erklärung), Zäsur, Kettenatmung, Schlaganfall.

Fazit

Der Zweck des Chorunterrichts ist es, den Kindern die Liebe zur Musik und zum Chorgesang zu vermitteln und die Fähigkeiten des gemeinsamen Musizierens zu entwickeln. Es ist notwendig, Kindern das richtige Singen beizubringen und sie in die wunderbare Welt der Vokal- und Chorklassiker, der Volksmusik und der Kreativität moderner Komponisten einzuführen.

Die Schaffung einer Atmosphäre der Kreativität, der gegenseitigen Unterstützung, der Verantwortung jedes Einzelnen für die Ergebnisse einer gemeinsamen Sache im Chorteam trägt zur Persönlichkeitsbildung des Kindes bei, hilft ihm, an sich selbst zu glauben und trägt zur Offenlegung kreativer Potenziale bei.

In Bezug auf Informationen zur Physiologie der Atmungs-, Stimm- und Hörgeräte:

1) Aufmerksamkeit und Willen auf die Beherrschung des Atems richten, die Notwendigkeit, die Momente der Ruhe und Bewegung zu nutzen;

3) Entwickeln Sie vor der Mutation eine Gesangstechnik, berücksichtigen Sie die Anzeichen der Mutation und achten Sie auf die Hygiene der Stimme eines Kindes.

Aus pädagogischer und psychologischer Sicht ist es notwendig:

1) Erforschen Sie die Art und Bandbreite der Wahrnehmung von musikalischen Tönen, Zeichen des musikalischen Gehörs, Begabung und Musikalität;

2) methodische Entwicklung von Gesangsfähigkeiten und Chorgesangsfähigkeiten unter Berücksichtigung der Besonderheiten der kindlichen Wahrnehmung, Entwicklung des Wissens, der Gefühle und des Willens der Kinder sowie ihrer geistigen Eigenschaften.

3) Amusie-Anzeichen analysieren, Gesangsmängel im Training beseitigen, didaktische und pädagogische Grundlagen und technische Mittel anwenden.

Im Hinblick auf die Fertigkeiten des Chorsingens ist es notwendig:

1) Rhythmus und Intonation vom frühen Schulalter an entwickeln;

2) die Anzeichen von musikalischem Talent und Musikalität unter Berücksichtigung der allgemeinen Begabung berücksichtigen;

3) systematisch die Technik des Singens und der musikalischen Vorstellungskraft entwickeln.

Halten Sie sich im Allgemeinen an die Anforderungen der allgemeinen Didaktik und des besonderen didaktischen Systems, berücksichtigen Sie die Besonderheiten des Kinderchorgesangs und erreichen Sie eine Perfektion der Interpretation.

Gebrauchte Bücher

1. Yu.B. Alijew. „Singen im Musikunterricht. Unterrichtsnotizen. Repertoire. Methodik".

2. GP Stulova. „Theorie und Praxis der Arbeit mit einem Kinderchor“.

3. Hinweis: Gontarenko. „ Sologesang". Geheimnisse der Stimmbeherrschung.

4. T.E. Vendrova, I.V. Pigarev. "Musikalische Bildung".

5. V.A. Samarin. "Chorstudien und Chorarrangement".

6. VV Krjukow. „Musikpädagogik“.

7. K.F. Nikolskaya-Beregovskaya. "Russische Vokalchorschule von der Antike bis zum 21. Jahrhundert".

8. K. Pluschnikow. "Die Mechanik des Singens".