Methodische Botschaft - Seite Nr. 1/1

METHODISCHE BOTSCHAFT

„Die Kenntnis der musikalischen Grundbildung ist die Grundlage für die Bildung und Erziehung eines jungen Musikers“

Lehrer MAOU DOD MO "SGO"

"Kunstschule für Kinder in Svetly"

Methodischer Teil

Die Hauptaufgabe des Studierenden als Interpret besteht darin, erstens die Intention des Komponisten zu verstehen und zweitens diese Intention dem Publikum technisch zu vermitteln. emotionale Ebene zum Zuhörer. Es ist klar, dass sowohl die erste als auch die zweite vom Schüler nicht alleine abgeschlossen werden können, nicht nur im Alter von sechs oder sieben Jahren, sondern sogar im Alter von 13-14 Jahren.

Der Fachlehrer ist dafür verantwortlich, das gesamte theoretische Wissen des Schülers in die Vorbereitung auf die Aufführung zu integrieren, da eine der Hauptschwierigkeiten aus Sicht des Musizierens die Uneinigkeit aller Fächer ist

Arbeit mit Anfängern:

Die Anfangsphase des Erlernens des Instruments ist die schwierigste und verantwortungsvollste: In dieser Zeit wird der Grundstein für die Entwicklung des zukünftigen Musikers gelegt, wenn sich die musikalischen Vorlieben und die berufliche Motivation der Schüler noch herausbilden. Denken Sie daran, dass nicht alle Studenten Profis werden. Zur vollen Persönlichkeitsbildung gehört aber in jedem Fall nicht nur die geistige und körperliche Entwicklung, sondern auch die geistige, künstlerische und vor allem die Erziehung zur Liebe zur Musik. Vor diesem Hintergrund ist es notwendig, die allmähliche Entwicklung verschiedener Arten von Schwierigkeiten durch die Schüler einzuhalten.

Die Pädagogik betrachtete und betrachtet Folklore und vor allem Volkslieder als einen der wichtigsten Bereiche des musikalischen Unterrichtsmaterials. Hier ist es notwendig, sich an folgenden Prinzipien zu orientieren: 1) Helligkeit und Emotionalität; 2) Vielfalt in Genre, Charakter; 3) Zugänglichkeit, Einheitlichkeit der Darstellung.

Die Arbeit an einem künstlerischen Bild sollte mit den ersten Schritten des Erlernens des Instruments und der Beherrschung beginnen Musikalische Notation. Deshalb ist es besser, Material mit einem poetischen Text zu nehmen, der gleich zu Beginn der Ausbildung das figurative Denken von Anfängern - Instrumentalisten - anregen soll.

Den Liedtext zu kennen, trägt nicht nur zu seiner aussagekräftigeren Darbietung bei – in das richtige Tempo, Charakter, mit richtiger Artikulation, weckt aber auch Interesse daran, den Wunsch, es mit Worten auszuführen; hilft dem Schüler, die Vollständigkeit musikalischer Strukturen zu bestimmen - Sätze, Phrasen, die in musikalischen und poetischen Werken kleiner Formen mit der Vollständigkeit poetischer Konstruktionen übereinstimmen.

Der Student sollte die Analyse mit dem Titel des Werks beginnen, der seinen allgemeinen Charakter weitgehend bestimmt - "Lullaby", "Bunny" usw. BEIM niedrigere Noten gleichzeitig beinhaltet es: Verständnis von Größe, Modus, Tonalität; Definition Bestandteile Melodien (Sätze, Phrasen, Zäsuren); Fixierung in musikalischen Konstruktionen von rhythmischer, melodischer und harmonischer Wiederholung (unter harmonischer Wiederholung in Bezug auf Erstphase das Lernen sollte den Wechsel von identischen Bässen und „bereiten Akkorden“ beinhalten); Identifizieren der charakteristischen Merkmale der Melodie - Bewegen Sie sich entlang der Stufen der Tonleiter entlang der Klänge der Triade, springen Sie zu stabilen und instabilen Klängen des Modus; Definition der Phrasierung, ungefähre Klangdynamik.

Arbeit an einer Arbeit in der High School:

Trotz der Vielfalt musikalischer Literatur basiert die Arbeit an einem Werk auf allgemeinen Prinzipien.

In der ersten Phase besteht die Hauptaufgabe darin, eine allgemeine Vorstellung von der Arbeit und ihrer emotionalen Wahrnehmung als Ganzes zu schaffen. Der Inhalt der Arbeit ist eine Bekanntschaft mit den Materialien über die Arbeit und mit der Arbeit selbst.

Zunächst erzählt der Lehrer dem Schüler den Schöpfer des Werkes (sei es ein Komponist oder ein Volk); über die Ära, in der es entstand; über die stilistischen Merkmale der Musiksprache und die geforderte Art der Aufführung; über seinen Inhalt, Charakter, Handlung; Grundtempo; über Form, Struktur, Zusammensetzung. Dieses Gespräch sollte lebendig und interessant aufgebaut werden, indem das Werk als Ganzes und seine Fragmente zitiert werden, besser - in der eigenen Darbietung des Lehrers. Abiturienten können Literatur über den Komponisten oder das Werk empfohlen werden. Hier muss der Lehrer, während er sich mit dem Stück vertraut macht, den Schüler vor den künstlerischen und technischen Schwierigkeiten warnen, auf die er darin stoßen wird, und es mitteilen allgemein gesagtüber Möglichkeiten, sie zu überwinden. Als Ergebnis der ersten Bekanntschaft mit dem Werk soll der Student also möglichst viel darüber erfahren, die anstehenden technischen und künstlerischen Aufgaben verstehen und sich den endgültigen Klang des Stücks vorstellen. Die Auswahl von Ausdrucksmitteln und deren Bearbeitung ist die nächste Aufgabe in der Arbeit an der Aufführung eines musikalischen Werkes. Die Verwendung verschiedener Methoden der Tonerzeugung wird durch das Urheberrecht bestimmt

Hinweise auf den Charakter des Spiels, Tempo, Schläge, dynamische und agogische Nuancen.

Hier empfiehlt es sich, die Arbeit in Teilen zu bearbeiten. Je besser die einzelnen Details des Stücks herausgearbeitet sind, desto leichter ist es dann, die ganze Aufmerksamkeit des Schülers auf das Schaffen zu richten künstlerische Integrität die Ausführung. Die Aufteilung in Teile sollte auf der Grundlage einer Analyse der Form der Komposition erfolgen: Es ist notwendig, die Anzahl und Grenzen von Teilen, Perioden, Sätzen, Phrasen sowie ihre rhythmische und intonatorische Ähnlichkeit oder Differenz festzustellen. Separate Sätze sollten ausgearbeitet und dann zu Sätzen und Perioden kombiniert werden. Korrekte Phrasierung ist eine der Grundlagen ausdrucksstarker Darbietung. Bei der Arbeit an der Phrasierung müssen nicht nur die Grenzen der Phrasen bestimmt werden, sondern auch die Artikulation der Phrase, das Klangverhältnis der Phrasen, wenn sie zu größeren Konstruktionen kombiniert werden. Beim Aufbau der Artikulation jeder Phrase ist es wichtig, den Ort ihres Höhepunkts, die Herangehensweise daran und den Abschluss der Phrase festzulegen.

richtige Formulierung, hohe Qualität Klang und Ausdruckskraft der Darbietung hängen davon ab, wie gut der Akkordeonspieler Fell besitzt. Darüber hinaus hängt die Ausführung einer Reihe von Schlägen von der Beherrschung der Techniken der Klangerzeugung mit Fell ab (Stronganado, Marcago, Rogateno, einige Arten von Staccato, Teroto usw.).

Bei der Verteilung der Änderung der Bewegungsrichtung des Fells sollte man zunächst von der künstlerischen Zweckmäßigkeit ausgehen, dann - individuelle Eingenschaften die physische Struktur der Hände und des Körpers des Schülers; Design und Qualität der Instrumente.

In der Regel erfolgt die Änderung der Fellbewegung an den Grenzen von Phrasen und anderen Strukturelementen. Es ist wie die natürliche Atmung, die zur ausdrucksstarken Darbietung der Melodie beiträgt. Es sollte betont werden, dass in solchen Fällen der Moment der Änderung der Bewegung des Fells mit dem Gehör wahrnehmbar sein sollte. Innerhalb von Phrasen und sogar bei einem in die Länge gezogenen Ton ist ein Fellwechsel möglich und manchmal notwendig. In diesen Fällen kommt es auf eine unmerkliche, sanfte Veränderung der Fellbewegung an, die die Entwicklung des musikalischen Denkens nicht stören, nicht unterbrechen würde.

Der Schüler soll in der Lage sein, die Luftzufuhr im Knopfakkordeonbalg beim Spielen umsichtig zu nutzen, d.h. die notwendige Kraft und Klangqualität bei sparsamem Luftverbrauch zu erreichen. Um sich vor versehentlichem Luftmangel, Stößen beim Fellwechsel zu schützen, sollten Sie das Fell nicht an die äußersten Grenzen der Kompression und Dehnung bringen.

Einen besonderen Platz in der Arbeit an der Komposition nimmt die Bewältigung technischer Schwierigkeiten ein, deren Überwindung die Hauptbedingung für die Freiheit und Ausdruckskraft der Aufführung ist. Zuerst müssen Sie einen technisch schwierigen Ort zerlegen: um seine Textur und seine Position auf den Tastaturen zu verstehen, um die Elemente der Technologie zu bestimmen. Von dieser Analyse hängt die Wahl der Arbeitsmethode zur Überwindung von Schwierigkeiten und insbesondere des rationalen Fingersatzes ab. Der Fingersatz kann als richtig angesehen werden, wenn er zur Umsetzung einer künstlerischen Aufgabe beiträgt, zweckdienlich ist dieser Schüler, basiert auf dem natürlichen Wechsel der Finger und ihrer normalen Streckung. Aber die Hauptsache ist, dass der Fingersatz zum freien Spiel beitragen soll. Sie sollten nur die etablierten Fingersätze verwenden und nicht einmal versehentlich andere Finger im Spiel verwenden - dies dient als Garant für ein schnelles und dauerhaftes Erlernen technisch schwieriger Stellen. Die Arbeit an technischen Schwierigkeiten erfolgt in der Regel durch wiederholte Wiederholungen in langsamem Tempo kleiner, gleichmäßiger Konstruktionen. Langsames Tempo ermöglicht es Ihnen, die notwendigen Spielbewegungen zu finden und zu festigen; außerdem hat der Schüler Zeit, alle Töne sicher mit dem richtigen Fingersatz zu spielen und, nicht weniger wichtig, die Qualität der Darbietung sorgfältig nach Gehör zu kontrollieren. Nach dem Auftreten von Selbstvertrauen und einem gewissen Bewegungsautomatismus muss das Tempo beschleunigt werden, um es allmählich auf das erforderliche Tempo zu bringen. Treten jedoch nach mehreren Spielen Schwierigkeiten auf, sollten Sie zu einem langsamen Tempo zurückkehren.

Das Ergebnis dieses Arbeitsschrittes soll der freie und selbstbewusste Besitz des Studierenden über alle Mittel sein, den künstlerischen Inhalt der Arbeit zum Ausdruck zu bringen.

Jetzt können wir alles synthetisieren, was zuvor gemacht wurde. Wir stellen die semantische Zuordnung von Phrasen innerhalb von Sätzen, Sätzen innerhalb von Punkten und Punkten innerhalb größerer Konstruktionen her; wir offenbaren den Haupthöhepunkt des Werkes, die Konjugation privater Höhepunkte damit, und von hier aus wird eine einzige Entwicklungslinie des musikalischen Materials bestimmt. Dazu empfiehlt es sich, das gesamte Werk oder dessen zu bearbeiten große Abschnitte, um sie dann zu einem vollständigen Ganzen zusammenzufügen.

Um eine zusammenhängende Komposition zu schaffen und das künstlerische Bild eines musikalischen Werkes tiefer zu enthüllen, muss man sich auf die Anweisungen des Autors im Notentext verlassen. Die richtige Interpretation des Werkes hängt vom genauen Lesen des Notentextes in all seinen Details ab. Natürlich kann jeder Bajanist seine eigene Interpretation der Komposition und individuelle Art der Aufführung haben, aber dies sollte nicht im Widerspruch zu dem stehen, was der Komponist in den Noten niedergeschrieben hat. So wird die Hauptmethode zum Studium eines musikalischen Werks offenbart: vom Allgemeinen (Schaffung einer musikalischen und auditiven Vorstellung vom Werk als Ganzes) - zum Besonderen (Ausarbeiten der Elemente) und wieder - zum Allgemeinen, aber in einer neuen Qualität (Schaffung eines ganzheitlichen künstlerischen Bildes).

Das Studium polyphoner Kompositionen erfordert besondere Aufmerksamkeit und Sorgfalt des Lehrers. Polyphonie klingt großartig auf dem Knopfakkordeon. Aber auch die virtuose Technik des Akkordeonisten füllt nicht die Lücken in der Entwicklung des polyphonen Denkens. Die Entwicklung des Intellekts und des Gehörs des Schülers zum Verständnis polyphoner Musik sollte schrittweise und auf einer großen Anzahl von Werken erfolgen. Und natürlich müssen Sie mit den einfachsten polyphonen Stücken beginnen, die einem Schüler der 1. Klasse der Schule bereits zur Verfügung stehen. Welche konkreten Methoden zur Bearbeitung polyphoner Stücke können in der Schule empfohlen werden? Erstens spielt der Lehrer dem Schüler nicht nur das ganze Stück als Ganzes vor, sondern auch jede Stimme einzeln. Dann - die Analyse des Stückes durch den Schüler mit jeder Hand getrennt; gemeinsamer Auftritt eines Schülers einer Stimme und eines Lehrers einer anderen (und umgekehrt); Aufführung des gesamten polyphonen Stoffs des Stücks durch den Lehrer und durch den Schüler - eine der Stimmen. Ein sehr gutes Ergebnis beim Studium polyphoner Stücke wird auch durch folgende Methode erzielt: Der Lehrer stellt dem Schüler die Aufgabe, das Thema von Anfang bis Ende zu spielen, egal in welcher Stimme es vorübergeht; dann vervollständigt der Lehrer das Thema, von einem Schüler durchgeführt, ein Spiel mit Untertönen und Kontrapunkten. Und umgekehrt: Der Lehrer spielt das Thema, der Schüler - die restlichen Stimmen. Natürlich erschöpfen die vorgeschlagenen Techniken zur Bearbeitung der Polyphonie nicht ihre ganze Vielfalt. Hier sollte es erscheinen kreative Fantasie Lehrer auf der Suche nach Methoden, um dem Schüler die Fähigkeiten des polyphonen Denkens beizubringen.

Die Auswahl des künstlerischen Materials sollte sich an den Anforderungen einer konsequenten und vielseitigen Entwicklung des Schülers orientieren: seinem künstlerischen Geschmack, seinem Denken, seiner emotionalen Struktur, seinem technischen Können. Je breiter die Palette musikalischer Bilder, desto vielfältiger stilistische Merkmale, die Sprache der aufgeführten Werke, desto mehr Bedingungen für die Lösung dieses Problems.

Die Aufgabe eines Musiklehrers ist es, das Problem der musikalischen Erziehung und Bildung nicht auf Information zu reduzieren, sondern mittels Kunst Denken, Fühlen, Einfühlen zu lehren, damit die Schüler nicht nur den Intellekt, sondern auch die Seele entwickeln. Der Lehrer soll die Schüler in der Welt der Musik orientieren, auf den Geschmack bringen und sie mit den Mitteln der Kunst an die höchsten geistigen Werte heranführen, deren häufige Wiederholung als Wahrheit empfunden werden soll, die durch den Sinn für Schönheit in der Kunst den Weg weist Liebe, Mitgefühl, Barmherzigkeit, Pflichtgefühl gegenüber dem Leben...

Illustratoren - Schüler der Klasse:

Kharchenko Denis 1-7 R.n.p. "Und ich bin auf der Wiese"

Popov Sasha 3 -7 r.n.p. "Ich sitze auf einem Stein"

Dolgikh Anton 4-7 G. Belyaev "Jazz March"

Zagonova Alena 5-5 E. Derbenko "Emelya auf dem Herd", A. Popov "Oben

Monatsfenster "

Ershov Denis 7-7 G.Ketsshler „Prelude and Fughetta for

Akkordeon"

Gebrauchte Bücher

• 
  V. Semenov Moderne Schule des Bajanspiels Yu. Akimov Schule des Bajanspiels

• 
  Reader Accordion Grade 1-3 B. Milic Ausbildung eines Pianistenschülers

Erscheinungsdatum: 07.04.17

Komitee für Kultur und Tourismus der Verwaltung von Tobolsk

Städtische autonome Einrichtung für zusätzliche Bildung für Kinder

„Children's School of Arts, benannt nach A.A. Alyabyeva" aus der Stadt Tobolsk

Methodische Botschaft zum Thema:

„Intensität der theoretischen Ausbildung. So lösen Sie die Probleme des Solfeggio-Unterrichts an der Kinderkunstschule"

Erstellt von: Lehrer

Schumilova I. N.

Tobolsk 2017

• Einführung. Das Thema Solfeggio – Krise oder Wiederbelebung?
• Was ist Solfeggio?
• Wie man die Probleme des Unterrichtens von Solfeggio in der Musikschule löst.
• Fazit.
• Literatur.

Blockmodulare Lerntechnologie Shaikhutdinova D.I.

1. In den letzten zwei Jahrhunderten haben das Talent und die Bemühungen der verstorbenen Generationen von Musikern und Lehrern ein solides Gebäude der heimischen Musikausbildung aufgebaut. Das Gebäude ist mehrgeschossig, entsprechend dem Niveau der Aufgaben, die die nationale Musikkultur insgesamt zu lösen hatte. Wir haben etwas, worauf wir stolz sein können, und etwas, das wir verlieren können: Die Qualität der russischen Musikausbildung wird auf der ganzen Welt anerkannt. Und deshalb scheint es klar: Dieses Erbe sollte als Kulturdenkmal behandelt werden, es fachmännisch restaurieren und nicht versuchen, Reparaturen im europäischen Stil vorzunehmen.

Heutzutage gibt es in allen Bereichen eine Tendenz zur pragmatischen Interpretation der Bedeutung akademischer Disziplinen - und die musikalischen Fächer sind keine Ausnahme. Die Frage nach dem Überleben musiktheoretischer Disziplinen (einschließlich Solfeggio) auf allen Ebenen der Musikausbildung ist heute aktueller denn je.

Es ist klar, dass in den modernen Herausforderungen der Zeit sowohl der Inhalt des Fachs als auch die Methodik seiner Lehre ihre Wirksamkeit beweisen müssen. Daher ist es notwendig, die praktische Anwendbarkeit des Fachs nicht nur für brancheninterne Zwecke, sondern auch für Zwecke der allgemeinen Persönlichkeitsentwicklung und für eine erfolgreichere Lösung interdisziplinärer Probleme ständig zu finden.

Eine der Hauptfragen des Solfeggio-Unterrichts im 21. Jahrhundert lautet daher: Wie kann man Solfeggio attraktiv und für eine neue Generation von Studenten persönlich nachgefragt machen, ohne das Wesentliche des Fachs zu vereinfachen? Wie verbindet man Poetik und Pragmatik in der heutigen Musikpädagogik?

Was passiert heute mit dem Thema?

Solfeggio als ein Fach, das direkt auf eine diversifizierte Entwicklung abzielt musikalisches Ohr, sollte eigentlich zwei Hauptfragen entsprechen:

a) professionell - Solfeggio sollte helfen, einen darstellenden Musiker auszubilden;

b) sozialpsychologisch - Solfeggio sollte zur Bildung des Hörers beitragen, dh sowohl Amateurmusikern als auch Nichtmusikern die Grundlagen der auditiven Wahrnehmung von Musik beibringen, und sollte daher helfen, das Problem der Ankunft von zu lösen breites Publikum in akademischen Konzertsälen.

Den Aussagen namhafter Solfegisten nach zu urteilen, befindet sich Solfeggio heute wirklich in Krisenzeiten. Viele Autoren von Artikeln schreiben über die Isolierung der Solfeggio von den Bedürfnissen der modernen Konzertpraxis und über das komplexe Verhältnis zwischen allgemeiner und spezieller musikalischer Bildung. So wirft L. Maslenkova dem aktuellen Solfeggio ein übermäßiges Verlangen nach einfacher Sprachausgabe vor elementare Theorie Musik. V. Sereda beklagt das Fehlen einer Zielvorgabe für semantische Analyse Melodien. G. Taraeva, E. Lerner, die Kamaevs diskutieren das Problem der „Opferkrise“ im aktuellen Prozess des Unterrichtens von Solfeggio und Möglichkeiten, es zu überwinden.

Worauf kann man sich verlassen, um die Krise zu meistern?

Eine der tragenden Säulen ist die Ausbildung eines offenen Ohrs, das in der Lage ist, Musik verschiedener Stilrichtungen, einschließlich der Musik des 20. und 21. Jahrhunderts, flexibel wahrzunehmen und darauf umzustellen.

Eine weitere Stütze ist die Entwicklung der Solfeggio-Methodik basierend auf den Errungenschaften der modernen Psychologie. Tatsächlich ist der interdisziplinäre Ansatz heute nicht nur im Bereich der Wissenschaft, sondern auch im Bereich der Methodik zunehmend fruchtbar.

Die dritte Säule ist die gegenseitige Bereicherung der Methoden verschiedener Schulen.

2. Was ist Solfeggio?

Die Frage ist nicht müßig. Ein erheblicher Teil der einheimischen Solfeggio-Lehrer ist sich des wahren Zwecks dieser Disziplin beim Unterrichten eines professionellen Musikers nicht vollständig bewusst. Die konservativ-traditionelle Auffassung von Solfeggio als Disziplin zur Intonation von Musiktheorie hat sich bis heute erhalten. Dies zeigt sich, wenn man sich mit den Handbüchern vertraut macht, die in den Regalen von Musikgeschäften präsentiert werden.

Weit verbreitete Programme geben nicht an, welches Stilmaterial als Gegenstand der Hörentwicklung dient. Dem Fachmann ist jedoch klar: Das ist überwiegend der Stil des Klassizismus. Und daraus folgt, dass acht Jahre Schule plus vier Jahre College einem Bewerber, dessen Gehör den Normen der Klassik so versklavt ist, dass es sich bei Hausarbeiten mit anderem Intonationsmaterial oft als hilflos erweist, auf die Zulassung an einer Universität vorbereiten .

Hinter letzte Jahrzehnte Es gibt keine wesentlichen Änderungen in der Methodik der Vermittlung theoretischer Disziplinen. Was das Solfeggio-Programm betrifft, so gab es bis vor kurzem eine Anordnung, nach der ein stereotypes, einheitliches Solfeggio-Programm strikt eingehalten werden musste. Neueste Ausgabe Programm stammt aus dem Jahr 1984.

Solfeggio als akademische Disziplin steht in direktem Zusammenhang mit der Psychologie. Die Grundkategorien der Psychologie, wie Wahrnehmung, Aufmerksamkeit, Gedächtnis, Denken, sollten ständig im Blickfeld eines solfegistischen Lehrers sein und alle Formen der Arbeit beeinflussen. Dann wird klar, dass die eigentliche Aufgabe von Solfeggio nicht die Fähigkeit ist, Intervalle, Akkorde usw. zu bauen, zu singen und zu hören. (obwohl diese Fertigkeit notwendig ist, da sie bereitstellt technische Basis), sondern die Entwicklung besonderer Hörqualitäten: Höraufmerksamkeit, Hörschärfe, Hörgeschwindigkeit, Hörreaktion, Erinnerungsfähigkeit, Gedächtnisfähigkeit, Wiedergabe eines Notentextes, Erkennung von Fehlern bei der Darbietung bekannter Musik oder in einem Notentext, einen Notentext stilgerecht rekonstruieren und vieles mehr, was Fähigkeiten offenbart, die durch ein professionell entwickeltes Gehör kontrolliert werden.

Für eine lange Zeit Lehrtätigkeiten Mir wurde klar, dass diese Disziplin das Potenzial noch lange nicht ausgeschöpft hat und der Solfeggio-Lehrer spielt Schlüsselrolle im System der musikalischen Grundausbildung.

Vor einem halben Jahrhundert formulierte A. Ostrovsky in seinen „Essays“ wichtige Bedingungen für die erfolgreiche Arbeit eines Solfegisten: „Pädagogische Fähigkeiten sind notwendig, um Solfeggio zu unterrichten, aufgrund der unabdingbaren Verpflichtung, das Interesse der Schüler am Unterricht zu wecken. Wo Langeweile und der formale Übergang von Solfeggio herrschten, war es nie möglich, signifikante Ergebnisse zu erzielen. Gleichzeitig ist es notwendig, die richtige Richtung des Prozesses der Gehörbildung für Musik sicherzustellen, damit praktische Fähigkeiten vermittelt werden und Sie nicht lernen, formale Aufgaben auszuführen, die für die Prüfung erforderlich sind, aber nicht verwendet werden können in der musikalischen Praxis.

Die musikalische Grundausbildung in unserem Land durchläuft eine schwierige Zeit. In den letzten 15-20 Jahren haben die sozialen und kulturelle Situation im Land. Die musikalische Kindererziehung in ihrer bisherigen Form ist nicht mehr gefragt. Daher kann sich das über Jahrzehnte entwickelte Bildungssystem nur an neue Realitäten anpassen.

Die Situation wird durch die Tatsache verschlimmert, dass sich moderne Kinder in Bezug auf die Gesundheit erheblich von ihren Altersgenossen der 1960-1980er Jahre unterscheiden.

Die Folge sozialer Prozesse im Land war ein spürbarer Rückgang der Indikatoren für die körperliche und geistige Gesundheit der Kinderbevölkerung. In seiner Zusammensetzung nimmt der Anteil der Problemkinder mit grenzwertigen Formen der intellektuellen Insuffizienz, mit Aufmerksamkeitsschwäche und mit Lernschwierigkeiten stetig zu. Hinzu kommt eine zunehmende Arbeitsbelastung in einer weiterführenden Schule, das Vorhandensein vieler „ablenkender“ Faktoren in der Form Computerspiele, Internet und mehr.

Es überrascht nicht, dass viele Kinder, die heute eine Musikschule besuchen, Schwierigkeiten haben, sich musikalisches und theoretisches Wissen anzueignen. Daher steht der Lehrer dieser Disziplinen gegenüber ernstes Problem. Einerseits hat er es mit einem Schüler zu tun, der wenig motiviert, informationsüberladen, körperlich von Natur aus nicht ganz gesund, ziemlich müde ist, wenn er eine Musikschule besucht. Andererseits muss er in der Lage sein, dem Kind in 40 Minuten Unterrichtsstunde ein gewisses Maß an theoretischem Wissen zu vermitteln, sowie Zeit haben, Übungen zur Entwicklung des Hörvermögens auszuarbeiten.

Es ist klar, dass in einer solchen Situation der traditionelle akademische Unterrichtsstil nicht immer erfolgreich ist. Darauf aufbauend entwickeln viele Lehrkräfte neue Methoden des Unterrichts theoretischer Fächer, deren Hauptmerkmal die Anpassungsfähigkeit ist, d. h. die Fähigkeit, sich je nach Alter, Vorbereitungsgrad, psychologische Eigenschaften Studenten.

Wie die Praxis zeigt, nehmen Kinder leicht und schnell wahr und assimilieren, woran sie emotional interessiert sind. Es ist die bewusste und emotional erfüllte Motivation des Kindes, die ein effektiver Motor für sein Lernen ist. die beste Weise diesen psychisch angenehmen Zustand für das Kind zu erreichen, ist das Spiel als natürliche Form seines Daseins. Der Einsatz von Spiel- und visuellen Techniken im Solfeggio-Unterricht ist sowohl mit als auch mit produktiv jüngere Schüler sowie mit älteren Kindern.

Aufgrund der Besonderheiten der Alterspsychologie abstraktes Denken bei Kindern im Alter von 6-8 Jahren ist es noch schlecht entwickelt, daher wird theoretisches Wissen besser in einer visuellen Spielform gelernt.

Das Setzen auf das Spiel beim Lernen nimmt das Kind aus der didaktischen Presse heraus, der Bildungsprozess wird für es psychologisch angenehm und wirkt sich auf die Lernqualität aus.

All diese Probleme, mit denen die musikpädagogische Gemeinschaft heute konfrontiert ist, ermutigen sofegistische Lehrer, alternative Methoden zu entwickeln und zu entwickeln Pädagogische Technologien.

3. Ich wurde interessiert blockmodulare Lerntechnologie Shaikhutdinova D.I. Gemäß dieser Technologie treten die Schüler als aktive Teilnehmer am Bildungsprozess auf: Sie erhalten nicht nur fertiges Wissen, sondern werden geschaffen pädagogische Bedingungen um sie selbst zu bekommen. Der Unterricht ist ein Problemunterricht, der Forschungstechniken zum Studium des Materials verwendet. Die Bemühungen des Lehrers zielen darauf ab, den Schülern praktische Fähigkeiten zu vermitteln - dies ist die Beherrschung der Tastatur, die freie Konstruktion von Intervallen und Akkorden darauf, die Orientierung in verschiedenen Tonarten, die Transposition von Melodien, die Transposition von Akkordfolgen in verschiedene Arten von strukturierter Präsentation. Bei dieser Technik ist eine Voraussetzung für die Arbeit im Klassenzimmer die Abhängigkeit von der Klaviertastatur.

Die Tastatur dient als effektive visuelle Hilfe beim Studium und der praktischen Aneignung von Unterrichtsmaterial. Erstens ist das alles drin die notwendigen Informationen in musikalischer Bildung. Zweitens bietet das Vorhandensein einer persönlichen Tastatur auf dem Schreibtisch jedem Schüler die Möglichkeit, an praktischen Arbeitsformen teilzunehmen. Alle Konzepte Technik Auf solchen Klaviaturen werden zunächst Übungen simultan mit dem klingenden Originalinstrument bewältigt, erst danach werden schriftliche Aufgaben bearbeitet.

Eine ebenso wichtige Voraussetzung für eine solide Aneignung theoretischen Wissens ist die Intonation der am Instrument ausgeführten Aufgaben. Das heißt, die Namen von Klängen werden gesungen, während auf dem Klavier Töne und Halbtöne, Intervalle, Akkorde, Tonleitern usw. aufgebaut werden. Diese methodische Technik entwickelt ziemlich starke musikalische und auditive Darstellungen, die Fähigkeit der reinen Intonation und visuell-auditive Assoziationen. Diese methodische Technik entwickelt starke musikalische und auditive Darstellungen, die Fähigkeit der reinen Intonation sowie visuelle und auditive Assoziationen. Als Ergebnis der Anwendung einer solchen Technik wird sowohl die Trainingsintensivierung als auch die Sicherheit der Psychische Gesundheit Kind. Studenten für kurzfristig Sie lernen eine ziemlich große Menge und Komplexität von Unterrichtsmaterial, während sie keine geistige, körperliche, vorübergehende Überlastung und emotionale Überanstrengung erfahren.

Der Prozess der Erkenntnis kann nicht unter autoritären Bedingungen organisiert werden pädagogische Wirkung. Mit einem toleranten Interaktionsmodell zwischen Lehrenden und Lernenden ist eine fruchtbare kollektive praktische Tätigkeit möglich.

Das Konzept von P. Ya Galperin, seine Theorie der schrittweisen Bildung mentaler Handlungen, die die Einheit der Psyche und der menschlichen Aktivität betont, wurde der modularen Ausbildung zugrunde gelegt.

Bei einem blockmodularen Ansatz bereitet sich der Lehrer nicht darauf vor, wie er den Stoff am besten erklärt, sondern darauf, wie er die Aktivitäten der Schüler am besten handhabt. Der Schüler muss selbst lernen, und der Lehrer übt ein motivierendes Management seines Unterrichts aus: Dies ist eine Suche, ein Studium des Kollektivs und gleichzeitig des Individuums.

Modulares Lernen ermöglicht es Ihnen, eine große Menge an Unterrichtsmaterial zu systematisieren, zu strukturieren und innerhalb der erforderlichen Grenzen zu verdichten. Informationen werden verdaut kleine Dosen wird jedes Element des Inhalts zu einem Modul geformt und um die zuvor erlernten Informationen erhöht. So werden neue Informationen nahtlos angebunden Grundwissen im Prozess des gemeinsamen Handelns.

Die Planung und Durchführung des theoretischen Unterrichts auf der Grundlage der modularen Technologie drückt sich also wie folgt aus:

• Das Material wird zu großen thematischen Blöcken zusammengefasst, verdichtet und nach dem Prinzip der konzentrischen Kreise studiert.
• Die Informationen innerhalb der Blöcke werden zu Modulen geformt und zu den zuvor erlernten Informationen inkrementiert, die zum eigenen Wissen geworden sind.
• Der Lehrer organisiert das Selbststudium der Schüler im Kollektiv praktische Tätigkeiten, demonstriert Vertrauen, motiviert zum Forschen, zum Suchen nach Antworten, führt Kinder zu eigenständigen Schlussfolgerungen zum Unterrichtsthema.
• Das Hauptinstrument der pädagogischen Tätigkeit ist die Klaviertastatur. Beim Duplizieren auf der Klaviatur werden alle Übungen, alle Konzepte intoniert.
• Die Schülerinnen und Schüler üben im Unterricht freie Selbstkontrolle und gegenseitige Hilfestellung aus, die Noten für die Arbeitsergebnisse werden nach der Abschlusskontrolle festgesetzt. Während des Unterrichts gibt der Lehrer eine aussagekräftige Bewertung der Leistung des Schülers ab und gibt jedem Schüler die Möglichkeit, seine Endergebnisse zu verbessern.

Fazit.

Solfeggio - XXI, oder was verlangt die neue Zeit vom Subjekt?

Sie erfordert vor allem die Fähigkeit zur multilateralen Anwendbarkeit. Solfeggio wird zweifellos den Status einer angewandten akademischen Disziplin behalten. Es ist notwendig, dass jeder Schüler, der zu einer Solfeggio-Stunde kommt, versteht, dass er in diesem Fach Fähigkeiten erwerben kann schnelle Konzentration Aufmerksamkeit, entwickeln Sie Ihr Gedächtnis, assoziative Basis - alles, was ihm am nützlichsten ist verschiedene Bereiche seine zukünftigen Aktivitäten, ob er ein professioneller Musiker wird oder nicht. Dazu muss Solfeggio im 21. Jahrhundert so gelehrt werden, dass der Schüler tatsächlich von den wirklich erstaunlichen Möglichkeiten dieses Fachs überzeugt wird.

LITERATUR

• Alekseeva L.N. Wie man bei jungen Musikern ein professionelles Gehör für Musik erzieht //Erziehung eines musikalischen Gehörs. Ausgabe. 4., - M., 1999.
• Andreev V.I. Pädagogik. Trainingskurs zur Selbstentwicklung. - Kasan: Zentrum für innovative Technologien, 2003.
• Galperin P. Ya. Bildung von Wissen und Fähigkeiten basierend auf der Theorie der allmählichen Assimilation geistiger Handlungen // Psychologische Wissenschaft in der UdSSR, - M., 1976.
• Karaseva M.V. Solfeggio – XX: Zwischen Traum und Pragmatik // Verlag „Classics – XXI“, 2006.
• Lerner E. Solfeggio, die wir verlieren können // Verlag "Classics - XXI", 2006.
• Maslenkova L. Was ist Solfeggio? // Verlag "Classics - XXI", 2006.
• Shaikhutdinova D.I. Wie man die Probleme des Solfeggio-Unterrichts in der Musikschule löst//Pädagogische Zeitung, 2011.

Städtische Autonomie Bildungseinrichtung

Zusatzausbildung für Kinder Kinderkunstschule

Stadtbezirk Losino-Petrovsky, Moskauer Gebiet

Methodische Botschaft

THEMA: „Förderung der selbstständigen Arbeitsfähigkeit in einer speziellen Klavierklasse“

Aufgeführt:

Lehrerin der ersten Qualifikationskategorie Trusova O.N.

„Liebe und studiere die große Kunst der Musik. Es wird Ihnen eine ganze Welt voller Hochgefühle, Leidenschaften und Gedanken eröffnen. Es wird Sie spirituell reicher, reiner und vollkommener machen. Du wirst das Leben in verschiedenen Tönen und Farben sehen…‘‘ – so sagte D.D. Schostakowitsch.

Nur mit dieser Einstellung zur Musikkunst kann man sein Leben der Musikpädagogik widmen. Nachdem der Lehrer diesen Weg eingeschlagen hat, sollte er danach streben, die außergewöhnliche Natur der Musik vollständig zu spüren, alle Kräfte ihres Einflusses auf eine Person, alle ihre Geheimnisse zu kennen. Und gleichzeitig, auf der ständigen Suche, lernen Sie beharrlich, wie Sie diese Geheimnisse an Ihre Schüler weitergeben können.

Der Klavierlehrer ist der Hauptlehrer der Schüler. Er ist es, der in erster Linie dafür bekannt ist, den ästhetischen und künstlerischen Geschmack von Kindern zu formen und zu entwickeln, sie in die Welt der Musik einzuführen und die Kunst des Instrumentalspiels zu lehren.

Sich mit Kindern auseinanderzusetzen, genauer gesagt - sie an die Kunst heranzuführen - sollte schon in einem sehr frühen Alter sein. Buchstäblich jedes Kind, unabhängig vom Begabungsgrad (und auch wenn es anfangs noch kein merkliches Verlangen nach Musik zeigt), kann einen geeigneten Ansatz finden, „die Tasten in die Hand zu nehmen“, um in das Land der Musik einzusteigen. Zum Zeitpunkt der Ausbildung verfügt das Kind bereits über einen gewissen Vorrat an musikalischen Eindrücken; er singt, so gut er kann, tanzt und marschiert zur Musik. Die Aufnahme eines Kindes in zwei Schulen gleichzeitig (Allgemeinbildung und Musik) bewirkt grundlegende Veränderungen in seinem Leben. Es gibt einen scharfen Übergang von Spielaktivitäten, die für Kinder in der Vorschulzeit typisch sind, zu akademische Arbeit was dem Kind viel geistige und körperliche Anstrengung abverlangt. Konfrontiert mit hoher Lautstärke Schulaufgaben, und der ganze Stream neue Informationen beginnen die Kinder zu verstehen, dass das Unterrichten in erster Linie eine Arbeit ist, die ihnen viel Geduld, Aufmerksamkeit, geistige Anstrengung und diverse Selbstbeherrschung abverlangt. Nicht alle Kinder können sich sofort an ein solches Regime gewöhnen, so dass viele von ihnen frustriert sind. Der Lehrer muss diesen kritischen Moment verhindern und dem Kind im Voraus den Wunsch nach einem Musikschulstudium vermitteln. Sollte dennoch ein Nachlassen des Interesses des Schülers am Unterricht festgestellt werden, muss dringend nach einem neuen gesucht werden. individuelle Form Unterricht bei ihm. Das nachlassende Interesse am Unterricht liegt an der Monotonie der zu studierenden Werke, dem Überwiegen von theoretischen Aufgaben, die vom praktischen Unterricht am Instrument losgelöst sind, und zu hohen Anforderungen an das Kind. Daher sollte man sich nur in besonderen Fällen von einem zu intensiven Fortschritt des Schülers hinreißen lassen.

Von der ersten Bekanntschaft mit dem Instrument an muss der Lehrer den Schüler lehren, den Beginn, die Dauer und das Abklingen des Tons zu hören und sich durch Hören zu testen.

Die Annäherung der Musikausbildung an die Anforderungen des Lebens macht es notwendig, die kreativen Neigungen der Kinder zu erkennen und zu entwickeln, ihnen einen Komplex der wichtigsten kreativen Fähigkeiten beizubringen; Spiele nach Gehör, Transposition, Blattspiel, Spiel im Ensemble, Begleitung. Eines der wichtigsten Probleme ist die Entwicklung eigenständiger Fähigkeiten in der Arbeit mit Studierenden. Selbständigkeit kann nur erreicht werden, wenn Sie die richtigen Fähigkeiten haben.

Einer von kritische Aufgaben Lehrerentwicklung der Initiative des Schülers, die Fähigkeit zur Verallgemeinerung. Es ist sehr wichtig, dass der Lehrer die Arbeit des Schülers auf typische Schwierigkeiten ausrichtet. Es kommt oft vor, dass ein Schüler, der eine schwierige Stelle in einem Werk gemeistert und perfekt gespielt hat, mit ähnlichen Schwierigkeiten in einem anderen Werk nicht fertig wird. Dazu ist es wichtig, dem Schüler beizubringen, musikalisches Material zu erkennen und zu vergleichen, um daran zu erinnern, dass dieser Ort bereits in einem anderen Werk erlernt wurde. Dies soll dem Kind die Aufgabe erleichtern, Freude an zuvor erzielten Erfolgen zu wecken.

Wo soll die Arbeit am Werk beginnen?

„Sie müssen den ersten Takt oder die erste Phrase lernen, dann den zweiten Takt oder die zweite Phrase, ohne mit dem nächsten Stück fortzufahren, bis Sie das vorherige gut gelernt haben.“ Diese Antwort ist falsch. Der Künstler schreibt Ohr, Wange, Auge nicht getrennt auf die Leinwand. Er wirft Gesamtkomposition Porträt, die wichtigsten Details dieser Skizze herausfinden, bevor sie mit dem Zeichnen beginnen.

Vor dem Erlernen der ersten Sätze muss sich der Schüler mit der Arbeit als Ganzes vertraut machen. Dies kann als Überprüfungsphase bezeichnet werden. Mit dem vollständigen Spielen - das nennt man "vom Blatt lesen". Der Lehrer lenkt die Aufmerksamkeit des Schülers auf Schlüsselaspekte Notentext: Ladotonalität (in diesem Fall müssen Sie den Tonika-Dreiklang nehmen und die Tonleiter spielen); Größe und Rhythmus (Dirigent und Klatschen); Momente deutlicher Tonalitäts-, Rhythmus-, Tonartwechsel usw. Die häufige Fülle von Vortragsanweisungen im Text erschwert den Schülern jedoch das Verständnis: In diesem Fall macht der Lehrer auf die wichtigsten Anweisungen aufmerksam, die ausgeführt werden müssen schon bei der ersten Wiedergabe. Die Arbeit an musikalischen Werken nimmt einen besonders bedeutenden Platz bei der Lösung der Probleme der Erziehung und Bildung von Studenten ein. Dabei werden z wesentliche Qualitäten Interpret, als die Fähigkeit, in den Inhalt der einstudierten Werke einzudringen und ihn dann dem Zuhörer vielleicht künstlerischer zu vermitteln. Von Beginn der Arbeit an der Arbeit an ist es wichtig, das Kind damit zu fesseln. Dazu können Sie das ihm angebotene Stück spielen, kurz über die Funktionen sprechen, darüber, wie man es unterrichtet. Bei einem Schüler der Grundschulklassen empfiehlt es sich, die Arbeit im Unterricht überwiegend zu zerlegen, um ihm ein kompetentes und aussagekräftiges Lesen von Notentexten beizubringen. Damit wird der Grundstein für das spätere selbstständige Arbeiten der Studierenden gelegt. Auch ist zu bedenken, dass die Korrektur von beim Parsing begangenen Nachlässigkeiten, insbesondere die Beseitigung falscher Noten, in Zukunft viel Aufwand erfordern wird. Im Laufe der Zeit sollten den Schülern auch Aufgaben zur Analyse des Notentextes gestellt werden, damit sie am Ende der Schule diesbezüglich ausreichende Erfahrungen gesammelt haben. Beim Studium des pädagogischen Repertoires mit dem Studenten ist es notwendig, die typischen Muster der Arbeit an Kompositionen verschiedener Genres und ihre charakteristischen Ausdrucksmittel zu verallgemeinern. Für die Entwicklung von ähnlichem Denken und logischem Gedächtnis können wir empfehlen die folgenden Formulare Arbeit mit dem Schüler: 1. Mündlicher Bericht über die Erstellung der Hausaufgaben: Der Schüler erzählt, was schwierig war, wie die aufgetretenen Schwierigkeiten beseitigt wurden usw. 2. Unabhängige Analyse der Darbietung: Der Schüler bewertet sein Spiel, notiert die gemachten Fehler, macht eine Analyse seines Freundes, insbesondere der Stücke, die er zuvor gespielt und gut gelernt hat. 3. Selbstanalyse- mündlich und instrumental - gegebenes Produkt im Klassenzimmer unter Aufsicht des Lehrers.

Um die Studierenden auf das selbstständige Erlernen von Werken vorzubereiten, sollten sie an diese herangeführt werden wesentliche Prinzipien Selbstbeherrschung, deren Einsatz ihnen hilft, die häufigsten Fehler zu vermeiden. In den unteren Klassenstufen werden die wichtigsten Empfehlungen zur Arbeit an Werken, sowohl häufige als auch allgemeine, von den Schülern in einem Tagebuch festgehalten. Bei der Arbeit mit einem Schüler an einer Arbeit ist es für den Lehrer ratsam, sich konsequent darauf zu konzentrieren verschiedene Aufgaben. Zu Beginn ist es neben einer gründlichen Analyse des Textes wichtig, einen guten Fingersatz zu wählen, der für den Schüler am besten geeignet ist.

Hierauf ist in einem frühen Stadium der Arbeit genau zu achten, da ein fundierter Fingersatz dazu beiträgt beste Lösung die erforderlichen künstlerischen Aufgaben und die schnelle Automatisierung von Spielbewegungen, und das Umlernen ist mit der Gefahr des späteren Zögerns behaftet. In der Mitte der Arbeit findet eine zunehmende Vertiefung der Ausführung einzelner Formteile und Kompositionselemente statt. Die Aufmerksamkeit der Schüler konzentriert sich auf das Erreichen der gewünschten Ausdruckskraft in der Intonation der Stimme, im Klangverhältnis der Stimmen, im Rhythmus, in der Dynamik sowie auf der Überwindung aller technischen Schwierigkeiten. Die zweite Stufe der Arbeit an einem Werk ist die Aufteilung in Stücke, deren technische Entwicklung und künstlerische Vollendung. Das Ganze tritt hier vorübergehend in den Hintergrund. Nach welchem ​​Prinzip erfolgt die Aufteilung der Arbeit in „Stücke“? Die Einteilung basiert auf der musikalischen Logik des Werkes, der natürlichen Einteilung des letzteren in Teile, Abschnitte, Perioden, Sätze etc., bis hin zu einer eigenen Intonation in einer melodischen Phrase, zu einer eigenen Figur in einer schnellen Passage. Auf keinen Fall sollten Sie die Komposition in Takte unterteilen und ein Stück am Taktstrich beginnen und abbrechen, der in die Mitte des musikalischen Gedankens fällt. Von Zeit zu Zeit ist es notwendig, die sogenannte Imposition zu üben, dh dieses Stück zu lernen, das Ende des vorherigen und den Anfang des nächsten Stücks festzuhalten. Von Beginn der Ausbildung an ist es wichtig, dem Schüler das richtige Notenlesen beizubringen. Wenn vom ersten kleinen Beispiel an vom Studenten eine genaue Analyse der Arbeit verlangt wird. Um ihm beizubringen, sich strikt an das zu halten, was im Notentext geschrieben steht, gibt ihm diese Fähigkeit in Zukunft die Möglichkeit, das Werk schnell und genau zu analysieren. Die Arbeit an Stücken des langsamen Typs läuft hauptsächlich darauf hinaus, mit Klang zu arbeiten. Die Arbeit mit Ton wiederum ist in erster Linie Qualitätsarbeit. Die Wohlklingendheit des Klangs wird beim Klavier in besonderer Weise durch Anschlagen bzw. Drücken erreicht. Seine Essenz besteht darin, zuerst seine Oberfläche zu „fühlen“, sich „anzuschmiegen“, daran zu „kleben“, nicht nur mit den Fingern. Aber auch - mit Hilfe eines Fingers, mit der ganzen Hand, mit dem ganzen Körper in die Taste nach "unten" "eintauchen" - mit einer solchen Bewegung, wenn sie sich auf den Tisch lehnen. Die Finger sollten möglichst zusammengehalten und nicht gespreizt werden; insbesondere sollte eine übermäßige Abduktion des Zeigefingers nicht erlaubt sein. So früh wie möglich müssen Sie dem Schüler die Kunst der Phrasierung beibringen, über die Analogie zwischen einer umgangssprachlichen und einer musikalischen Phrase sprechen, zeigen, wie Klänge eine melodische Linie bilden und kurze und lange Phrasen bilden, lernen, auf jeden Ton zu hören.

Arbeiten an Musikstück Zuallererst müssen Sie dem Schüler die Melodie als Grundlage eines Musikstücks und die Phrasen (Anfang, Anfang und Ende einer Phrase) erklären. Der Schüler muss klar verstehen, dass eine musikalische Phrase eine semantische Einheit der Musik ist. Der Lehrer erklärt die Struktur einer bestimmten musikalischen Phrase und führt unwillkürlich eine musikalische Analyse durch. Der typische Ausdruck ähnelt einer Welle, die an die Küste rollt und dann davon wegrollt. Der Lehrer hilft dem Schüler, den logischen Akzent in diesem Satz zu bestimmen, und schlägt dazu vor, die Richtung der Melodie, ihre Intervallzusammensetzung, zu verfolgen. Der höchste Ton in einer Melodie ist normalerweise der Höhepunkt. Nachdem der Lehrer die ausdrucksstärkste Darbietung einer musikalischen Phrase erreicht hat, muss er den Schüler weiterführen, das Gesetz der Verknüpfung von Phrasen zu einem Ganzen zeigen und erklären – das heißt, das Konzept der Phrasierung als sinnvolles Lesen eines musikalischen Textes enthüllen. Es ist wichtig, dem Schüler beizubringen, über die Arbeit an der Arbeit nachzudenken, sich auf die Nuancen, Striche und Pedale zu konzentrieren und auch über den Komponisten, über Form und Stil, über das künstlerische Bild zu erzählen. Beginnend mit den kleinsten Werken müssen wir den Schüler lehren, die melodische Linie jeder Stimme zu verfolgen, sie zu Ende zu bringen, ihr zuzuhören, ihren Charakter zu enthüllen, ihre Ausdruckskraft zu erreichen. Die Polyphonie der Musik hilft bei dieser Arbeit sehr. Bei der Arbeit an der Polyphonie sollte jede Stimme mit einem anderen Gefühl gespielt werden. Zum Beispiel: Die obere Stimme ist legato auf F, die untere Stimme ist nicht legato auf P. All dies, was in der Lektion gezeigt wird, sollte vom Schüler in der täglichen unabhängigen Arbeit angewendet werden. Für das auditive Verständnis eines Werks ist es also wichtig, das Werk in mehrere Richtungen zu lenken: a) Hören auf die Farbe der Melodie, Ausdrucksstärke und ihre Geschmeidigkeit, b) Hören auf Gleichmäßigkeit und Genauigkeit, c) Hören auf die Melodie und gemeinsame Begleitung, d) Hören auf die harmonische Struktur des Werkes. Einer der wichtigsten Momente der selbstständigen Arbeit des Schülers ist das Auswendiglernen. Hier ist es wichtig, dem Schüler zu helfen, die Arbeit am Auswendiglernen zu systematisieren. Sie müssen in Stücken lernen, und soweit das Gedächtnis ohne Schwierigkeiten reicht, bauen Sie diese Stücke allmählich auf und fügen Sie sie zu einem Ganzen zusammen. Beim Auswendiglernen ist es wichtig, nicht mechanisch mit den Fingern auswendig zu lernen, sondern die Textur sorgfältig zu studieren: Bassbewegung, theoretische Analyse schwieriger Passagen, harmonische Analyse. Es ist sinnvoll, all dies in einer Klasse anhand eines konkreten Beispiels zu tun. Dies wird ihm helfen, diese oder jene Schwierigkeit selbst zu überwinden. Es ist wichtig, dem Schüler beizubringen, die ihm übertragene Aufgabe zu verstehen. Eine wichtige pianistische Aufgabe ist es, an der Technik zu arbeiten. Die technische Seite ganz am Anfang der Ausbildung hängt mit der allgemeinen musikalischen Entwicklung zusammen. Der Student muss in Technologie ausgebildet werden, um ein künstlerisches Ziel zu erreichen. Dies ist zunächst die Organisation von Spielbewegungen, dann Möglichkeiten zur Stärkung der Finger, Fingersatzprinzipien. Es ist ratsam, den Schüler aufzufordern, den Fingersatz aufzuschreiben, mit dem er sich entscheidet, eine bestimmte Stelle zu spielen. Die Anfangsfertigkeiten des Findens des Fingersatzes helfen dem Schüler und dem selbstständigen Arbeiten im Alltag. In den unteren Klassen ist der Wechsel des Spiels mit lauter Partitur und zu sich selbst von großer Bedeutung. Es ist auch notwendig, Stücke mit einer Partitur laut in der High School zu spielen. Zählen hilft, rhythmische Fehler zu vermeiden. Oft halten die Schüler kein einheitliches Tempo der Arbeit ein, hier ist es wichtig, gemeinsam mit dem Schüler zu verfolgen, ab welcher Stelle er beginnt, schneller oder langsamer zu werden. Es ist nützlich, ein Stück mit einem Metronom zu lernen. Das Pedal sollte eingesetzt werden, wenn der Schüler das Stück ziemlich gut gelernt hat und gut hört. Das Arbeiten am Pedal erfordert ein genaues Gehör. Die Bedeutung des Pedals sollte dem Schüler erklärt werden: Erzählen Sie von der Klangfarbe des Klangs; wie das Pedal dabei hilft, perfektes Legato zu erreichen.“ Neuhaus sagte in seinem Buch „Über die Kunst des Klavierspiels“: „Eine der Hauptaufgaben des Pedals ist es, dem Klavier etwas von der Trockenheit und Kürze des Klangs zu nehmen, die es auszeichnet es so ungünstig von allen anderen Instrumenten.“ Ästhetische Bildung der Studenten ist von großer Bedeutung. Der Lehrer, der sich die Aufgabe stellt, den künstlerischen Geschmack des Schülers zu formen, muss auf das Schöne in der Kunst nicht nur emotional reagieren, sondern sich auch bemühen, zu erklären. Warum ist es großartig. Denn wenn dem Lehrer diese oder jene Arbeit gefällt, gefällt sie in der Regel auch dem Schüler. Ich habe einmal einen Schüler der 2. Klasse von Partskhaladzes Stück „Das lustige Mädchen“ gefragt. Dieses Stück ist inhaltlich interessant, mit lebhaft. Ohne Begeisterung begann der Student, das Stück zu lernen. Ich habe ihn nicht gehetzt, aber jedes Mal, wenn ich im Unterricht „The Prankster“ gespielt habe, habe ich über den Charakter, das Bild gesprochen. Und hier wurden meine Erwartungen von Erfolg gekrönt. In einer der Unterrichtsstunden sagt der Schüler: „Du hast keine Ahnung, wie sehr ich dieses Stück mag. Ich repräsentiere ein kleines Mädchen, sehr schelmisch und fröhlich.“ Das Stück klang charakterlich, das Kind spielte mit leichtem Ton, provozierend, interessant. Ein langfristiges Interesse an Musik zu wecken, ist eine der wichtigsten Aufgaben eines Lehrers. Der Lehrer muss die Autorität des Kindes gewinnen. Die Bindung an den Lehrer erleichtert die Herstellung eines menschlichen und kreativen Kontakts zwischen dem Lehrer und dem Schüler und erhöht das Interesse des Kindes am Unterricht. Kinder sollten von Kindheit an unterrichtet werden Musikstunden erfordert ständige und harte Arbeit. Die Arbeit soll den Schüler fesseln. Und hier besteht zunächst die Aufgabe des Lehrers darin, Bilder zu finden, um zu zeigen, wie die Arbeit klingen soll. Es ist notwendig, die Persönlichkeit des Schülers zu studieren, seine Interessen, Ansichten, Hobbys, die Umgebung, in der er aufwächst und aufwächst, sowie die häuslichen Bedingungen zu kennen. In der pädagogischen Praxis gibt es sehr oft Kinder, die schüchtern und schüchtern sind. Sie sind normalerweise emotional eingeschränkt und haben kein Vertrauen in ihre Fähigkeiten. Mit solchen Kindern muss so gearbeitet werden, dass ihnen die musikalische Darbietung Freude bereitet, das Repertoire muss so ausgewählt werden, dass ein „Zusammenbruch“ auf der Bühne vermieden wird. Ermutigen Sie jedes Glück (egal wie klein es ist). Für einen solchen Schüler ist es notwendig, sein Wachstum zu spüren. Daraus lässt sich schließen, dass auch die weniger Begabten u faule Schüler Sie können mit Musik fesseln, Sie lehren, ihr zuzuhören, sie zu verstehen, sie aufzuführen. Der Schüler weiß noch nicht ganz, wie er zu Hause alleine lernen soll, Sie sollten ihm ein oder zwei Stücke im Unterricht beibringen und dann die Arbeit an der Arbeit teilweise selbst anvertrauen, indem Sie die erworbenen Fähigkeiten anwenden. Sie sollten nicht viele verschiedene Anweisungen geben, die Aufgabe sollte klein und vor allem machbar sein. Natürlich garantiert keine pädagogische Technik, dass der Schüler bald intelligent und produktiv zu Hause arbeitet, aber dies kann nach und nach jedem beigebracht werden. Bei der Vorbereitung eines Schülers auf das öffentliche Reden ist es notwendig, in ihm die Fähigkeit zu kultivieren, sich zu konzentrieren, die Natur der Musik zu spüren und ein Gefühl freudiger Kommunikation mit dem Publikum hervorzurufen. Es ist wichtig, dass das Kind mit der Zeit immer mehr von der Notwendigkeit überzeugt wird, das, was es in der Musikschule gelernt hat, an andere weiterzugeben, damit das Verantwortungsbewusstsein gegenüber dem Publikum, der Wunsch, ihm die Intention des Komponisten zu vermitteln, entsteht fesseln Sie das Publikum werden Sie stärker als Angst, unnötige Ängste um sich selbst. Nach der Aufführung sollte die Aufführung in der nächsten Stunde mit dem Schüler besprochen werden, was bei der Prüfung besser herausgekommen ist und was verloren gegangen ist. Wenn sich die Aufregung ungünstig auf das Spiel ausgewirkt hat, sollten Sie ihre Ursachen verstehen und bestimmte Schlussfolgerungen ziehen. Solche Diskussionen bilden eine kritische Haltung der Schüler zu ihren Leistungen, tragen zur Etablierung der hohen Autorität der Bewertung und der Kommentare des Lehrers bei. Werke, die in der Reihenfolge der Einarbeitung skizzenhaft einstudiert werden, werden nicht auswendig gelernt; sie können langsamer laufen angegebenen Text. Es ist jedoch notwendig, die Hauptfigur des Werks zu identifizieren und auf den Notentext zu achten. Die Aufführung einer selbst erlernten Arbeit durch den Schüler zeigt, was er über einen bestimmten Zeitraum im Unterricht gelernt hat. Durch die Art und Weise, wie er selbstständig den Text versteht, wie er das künstlerische Bild verkörpert, wie er auf sich selbst hört, wird während der Aufführung deutlich, auf welche Teile der Arbeit der Lehrer achten muss. Verschiedene Formen Das Studium von Werken erweitert das Repertoire der Studierenden, was für ihre umfassende Entwicklung wichtig ist. Um ein Repertoire anzusammeln, ist es notwendig, mit dem Schüler vor allem bestimmte Werke öfter zu wiederholen, die von ihm besonders geliebt und erfolgreich in der Öffentlichkeit aufgeführt werden.

Literaturverzeichnis:

G. Kogan „Das Werk eines Pianisten“.

G. Neuhaus „Über die Kunst des Klavierspiels“.

A. Feigin „Die Individualität des Schülers und die Kunst des Lehrers“.

A. Shchapov „Klavierpädagogik“.

Kommunale autonome Bildungseinrichtung für Kultur der Zusatzausbildung Gemeinde Stadt Nyagan "Kinderschule der Künste"

Methodische Botschaft

« Bildung und Entwicklung von selbstständigen Arbeitsfähigkeiten bei Studenten»

Zusammengestellt von: Akkordeonlehrer

Nikiforova E.V.

Nyagan. 2014

Planen:

• Einführung.
• 
  bei der Arbeit an einem Musikstück.
• Fazit.

Einführung

Bisherige Beobachtungen zeigen, dass das sogenannte „Training“ immer noch im pädagogischen Umfeld lebt, in dem Schüler ihren Lehrer blind nachahmen und seinen Anweisungen mechanisch folgen. In der selbstständigen Arbeit dieser (oft sehr begabten) Schüler zeigt sich völlige Hilflosigkeit. Diese Situation kann in keiner Weise als normal angesehen werden, daher halten wir die angesprochene Thematik für relevant, zumal Fälle von musikalischer „Abhängigkeit“ von Studierenden in der pädagogischen Praxis keineswegs Einzelfälle sind. Fähigkeit, aktiver Wunsch, Fähigkeiten, Fertigkeiten und Wissen zu erwerben, entwickelt sich vor allem in der unabhängigen Arbeit des Schülers. Was ist dieser Prozess?

Die selbstständige Arbeit der Schüler ist ein Teil des Bildungsprozesses, der aus zwei Abschnitten besteht:

Sein erster Abschnitt- dies ist eine eigenständige Arbeit eines Pianistenschülers direkt im Unterricht;

Zweiter Abschnitt - Hausaufgaben zu den im Unterricht erhaltenen Aufgaben.

Hinzuzufügen ist, dass beide Teile dieser Arbeit eng miteinander verflochten und ihre Abgrenzung rein willkürlich ist. Je intensiver die selbstständige Arbeit der Schüler im Unterricht ist, desto effektiver ist sie zu Hause und umgekehrt. Entscheidende Voraussetzung für produktives und qualitativ hochwertiges selbstständiges Arbeiten des Studierenden ist eine klare Aussage über die ihm zustehenden Aufgaben. Der Erfolg der Hausaufgaben des Schülers hängt davon ab, wie klar der Lehrer sie formuliert, die Reihenfolge der Ausführung bestimmt und vorgibt.

Es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass erstens die Fähigkeit zum selbstständigen Arbeiten im Klassenzimmer gelehrt werden sollte und zweitens jede neue Aufgabe, für die vorgeschlagen wird Selbststudium sollte auf dem basieren, was zuvor unter Anleitung eines Lehrers gelernt wurde.

„Alle Klassen sollten so angeordnet werden, dass die nächste immer auf der vorherigen aufbaut und die vorherige durch die nächste gestärkt wird“ – Kamensky Ya.

Auf der Grundlage des Vorstehenden wird der Zweck unserer Arbeit die Gestaltung eines Bildungsprozesses sein, der zur Entwicklung unabhängiger Arbeitsfähigkeiten bei Klavierschülern beiträgt.

Lassen Sie uns die Aufgaben definieren, die uns helfen, unser Ziel zu erreichen:

• Bestimmung der wichtigsten Bedingungen, die der Steigerung der Effektivität der selbstständigen Arbeit des Schülers förderlich sind;
• das erworbene Wissen durch Anwendung in der Arbeit an der Arbeit im Unterricht zu festigen;
• Selbständige Arbeit zu Hause geben.

Grundvoraussetzungen für die Entwicklung von Fähigkeiten
selbstständiges Arbeiten der Schüler.

Fangen wir also damit an, dass der Lehrer dem Schüler erklären sollte, wie wichtig die selbstständige häusliche Vorbereitung auf den Unterricht ist und welche Rolle sie für die Weiterentwicklung und Verbesserung des Schülers spielt. Klavierunterricht zu Hause sollte in den allgemeinen Studienkreis des Schülers und in seinen Tagesablauf aufgenommen werden. Kann nicht erwartet werden gute Ergebnisse, wenn Hausaufgaben nicht regelmäßig sind, wenn der Schüler heute eine halbe Stunde und morgen vier Stunden spielt, wenn sich die Unterrichtszeit täglich ändert.

Es ist äußerst wichtig, das richtige Regime zu machen. Der Lehrer sollte hier eine große Hilfe sein. Für selbstständiges Arbeiten müssen Sie jeden Tag mehr oder weniger konstante Zeit einplanen. Ein wichtiges Thema ist die Verteilung der Arbeitszeit.

Die Leningrader Pianistin und Lehrerin N. Golubovskaya sagte: „Menschen, die zehn Stunden am Tag spielen, sind die größten Faulpelze. Zehn Stunden lang mit voller Aufmerksamkeit zu spielen, steht nur wenigen zur Verfügung. Normalerweise ist eine solche „Beharrlichkeit“ nichts anderes als der Wunsch, die Arbeit des Bewusstseins durch eine mechanische Aktion zu ersetzen, die keine konzentrierte Aufmerksamkeit erfordert.

Um die Effektivität der selbstständigen Hausaufgaben des Schülers zu erhöhen, besprechen und verteilen wir zunächst die Zeit, die der Schüler für jede Art von Arbeit im Unterricht aufwenden sollte. Hausaufgaben. Zum Beispiel: Skalen - 20.30 Min., Etüden - 30.40 Min., künstlerisches Material - 1 Stunde.

Diese Verteilung der Studienzeit ist sehr bedingt. Letztendlich wird es durch das Unterrichtsmaterial, seine Schwierigkeit und eine Reihe anderer Gründe bestimmt. Darüber hinaus richtet sich die Zeiteinteilung nach den individuellen Bedürfnissen und Fähigkeiten des Schülers. Mit Mängeln im Technisches Equipment Tonleitern, Übungen und Etüden sollte mehr Zeit gewidmet werden. Und umgekehrt, wenn man das erforderliche technische Niveau erreicht hat, kann man den Unterricht an den Stücken vertiefen. Die vorgesehene Zeit Selbststudium, ist es ratsam, es in zwei Teile zu teilen, zum Beispiel in zwei Hälften.

Es wird nicht empfohlen, ununterbrochen länger als eine Stunde zu trainieren. Beobachtungen zeigen, dass die Vielfalt der Arbeit das wichtigste Mittel zur Vorbeugung von Ermüdung ist. Langes Arbeiten an homogenen Übungen und monotone Stücke sollten vermieden werden.

Neben der Arbeit mit Schülerinnen und Schülern führe ich Aufklärungsarbeit mit ihren Eltern durch: Ich vermittle ihnen, wie wichtig ihre Beteiligung, Hilfe und Kontrolle ist und wie sie das tun können.

Zunächst können die Eltern den Schüler daran erinnern, dass Unterrichtszeit ist, und sicherstellen, dass der Schüler tatsächlich in der vorgeschriebenen Zeit lernt. In Zukunft muss sich das Kind selbst daran erinnern. Während des Klavierunterrichts ist Stille zu wahren; nichts sollte den Schüler ablenken. Heimarbeiter müssen daran denken, dass Musikunterricht erforderlich ist großartige Aufmerksamkeit was nicht leicht zu entwickeln ist.

In seinen Gesprächen mit den Eltern des Schülers hat der Lehrer immer Recht und betont, wie wichtig es ist, das notwendige Regime für die Hausaufgaben zu erstellen. Letztendlich sollte eine solche Zeitverteilung den Schüler disziplinieren, organisieren und zu einem positiven Ergebnis führen.

Der Prozess der selbstständigen Arbeit des Schülers soll möglichst bewusst erfolgen. Notwendige Bedingung es sollte das Vorhandensein von auditiver Selbstbeherrschung, „Selbstkritik“ und die sofortige Beseitigung der festgestellten Mängel sein. „Während Ihres Spiels“, sagte die herausragende russische Pianistin und Lehrerin A. N. Esipova, „hören Sie ihr die ganze Zeit zu, als ob Sie das Spiel eines anderen hören und es kritisieren sollten.“

Vor Beginn des Unterrichts muss sich der Schüler immer vorstellen, wie diese oder jene Passage des zu studierenden Werkes oder der gesamten Komposition klingen soll. Mit der Arbeit direkt hinter dem Werkzeug zu beginnen und diese Phase zu umgehen, "ist dasselbe, als würde man mit dem Bau eines Hauses beginnen, ohne sein Projekt zu haben." Damit sich der Schüler den Klang des Werkes vorstellen kann, spiele ich das Stück im Unterricht und zusammen mit dem Kind analysieren wir die Beschaffenheit jedes Teils und der gesamten Komposition, wie der Schüler am Ende werden muss führe es aus.

Beim selbstständigen Arbeiten ist die kontinuierliche „Kommunikation“ mit dem Text des Lernstoffs sehr wichtig. Durch das Studium des Notentextes versteht der Schüler nach und nach Wesen, Inhalt und Form des Werkes. Die Analyse der Notenschrift eines Stückes bestimmt maßgeblich den Verlauf weitere Arbeitüber ihr. „Ich schlage vor, dass der Student“, schreibt G. G. Neuhaus, „das Klavierwerk, seine Notenschrift studiert, wie ein Dirigent die Partitur studiert – nicht nur als Ganzes, sondern auch im Detail, indem er die Komposition in ihre Bestandteile zerlegt – die harmonische Struktur , polyphon, schauen Sie sich die Hauptsache separat an - zum Beispiel eine Melodielinie, "sekundär" - zum Beispiel eine Begleitung ... der Schüler beginnt zu verstehen, dass jedes "Detail" Bedeutung, Logik, Ausdruckskraft hat, dass es eine ist organisches „Teilchen des Ganzen“. Bei langsamer Arbeit an den Details der Arbeit sollte man ihre figurativ-emotionale Seite nie vergessen. Einfach gesagt, das zugrunde liegende Tempo und der Charakter. Andernfalls geht das Hauptkriterium verloren, das die Arbeit an den Details leitet.

Eine interessante Bemerkung von A.B. Goldenweiser zur Wiedergabe von Notentext. Er schreibt: „Eine gemeinsame Eigenschaft vieler Menschen, die Klavier spielen, von Schülern an Musikschulen bis hin zu reifen Pianisten, die auf der Bühne auftreten, ist, dass sie Notizen mit großer Genauigkeit machen, wo sie geschrieben sind, und sie mit der gleichen Ungenauigkeit entfernen. Sie machen sich auch nicht die Mühe, die dynamischen Angaben des Autors zu studieren.

Solche Äußerungen herausragender Lehrer lassen uns über die Bedeutung einer korrekten und gründlichen Arbeit an einem Notentext nachdenken.

Besonderes Augenmerk sollte beim selbstständigen Arbeiten auf rhythmische Disziplin gelegt werden. Der Schüler muss wissen, dass der Rhythmus das bestimmende Grundprinzip ist Das Leben leben Musik. A. N. Rimsky-Korsakov betonte, dass „Musik ohne Harmonie und sogar ohne Melodie sein kann, aber niemals ohne Rhythmus“.

Wir lenken die Aufmerksamkeit der Schüler auf eine Reihe von Wahrheiten, die bei der Arbeit am Rhythmus nicht vergessen werden sollten:

• Zu Beginn der Arbeit an einem Werk muss der Text auf präzise rhythmische „Schienen“ gesetzt werden. Andernfalls ist rhythmische Instabilität unvermeidlich;
• der rhythmische Puls liegt in der Regel in der Hand, wo es weniger Töne gibt.
  „Man muss die Flüssigkeit, den Rhythmus der Bewegung in sich selbst spüren und, nachdem man ihn erst gespürt hat, anfangen, das Stück aufzuführen. Andernfalls erhalten Sie zunächst definitiv eine Reihe chaotischer Sounds und keine Live-Linie.“ – Goldenweiser A .;
• ein triolischer Rhythmus sollte niemals zu einem punktierten Rhythmus werden und ein punktierter Rhythmus zu einer Triole;
• sollte erinnert werden Weiser Ratschlag E. Petri: „Spiel das Ende der Passage so, als ob du ein Ritenuto machen willst – dann kommt es genau im Tempo heraus“ – Eile ist in Höhepunkten nicht akzeptabel;
• eine Pause ist nicht immer eine Geräuschunterbrechung, sie kann Stille, verzögertes und unruhiges Atmen usw. bedeuten. Sein rhythmisches Leben hängt immer von der Art des Werkes, seiner figurativen Struktur ab. Die Dauer einer Pause ist normalerweise länger als die Dauer einer ähnlichen Note.

Dynamische Angaben sollten immer in organischer Einheit mit anderen betrachtet werden. Ausdrucksmittel(Tempo, Textur, Harmonie usw.) dies hilft, den figurativen und semantischen Inhalt von Musik besser zu verstehen und zu vertiefen.

Es muss daran erinnert werden, dass die Grundlage der dynamischen Ausdruckskraft nicht die absolute Stärke des Klangs (laut, leise) ist, sondern das Verhältnis der Stärke. Typisch ist die Unfähigkeit, den Unterschied zwischen p und pp, f und ff zu zeigen, bei manchen Kindern klingen f und p irgendwo in der gleichen Ebene, in der durchschnittlichen Dynamikzone. Daher die Stumpfheit, Gesichtslosigkeit der Aufführung. N. Medtner betonte die Bedeutung des Verhältnisses der Klangstärken: „Der Verlust des Klaviers ist der Verlust des Forte und umgekehrt! Vermeiden Sie träge Geräusche; mezzo forte ist ein Symptom für Schwäche und Verlust der Tonkontrolle.

Beim Auswendiglernen eines Werkes ist es unbedingt erforderlich, es langsam zu spielen, um technische Schwierigkeiten zu vermeiden, die die Aufmerksamkeit ablenken Hauptziel. In jedem dieser Moment man muss nicht das Schwierige auswendig lernen, sondern das Leichte, und um leicht zu sein, sollte man langsam lernen. Es ist notwendig, das auswendig zu lernen, was mit dem Bewusstsein vollständig erfasst werden kann und was keine Hindernisse darstellt. In keinem Fall dürfen technische Arbeiten nach Hinweisen durchgeführt werden. Bei der Überwindung technischer Schwierigkeiten spielt das Gehör- und Fingergedächtnis manchmal eine entscheidende Rolle.

Ohne ausreichende Kenntnis des Werktextes sollte man Emotionen nicht „verbinden“, denn außer einem primitiven „Halbzeug“, „Entwurf mit Gefühlen“, bekommt man nichts. Bei der Arbeit an Kantilenenstücken sollte der Pianist darauf achten, die Idee der Vokalität zu bewahren. Es ist notwendig, sich zu bemühen, in sich selbst ein Gefühl der Stimmelastizität und der Spannung melodischer Intervalle zu kultivieren.

In motorischen Werken, bei denen beide Hände gleich spielen schnelles Tempo Es ist notwendig, einen von ihnen (vorzugsweise den linken) wie durch ein „Antriebsrad“ zu fühlen. Bevor Sie mit dem detaillierten Studium eines polyphonen Werks beginnen, ist es äußerst wichtig, sich jede Stimme sorgfältig einzuprägen.

Die Vorbereitung für ein Konzert, auch ein wiederholtes Repertoire, muss nach den Noten erfolgen. Diese Art von Training ermöglicht es Ihnen, die Ungenauigkeiten und Nachlässigkeiten, die das Werk im Laufe der Zeit annimmt, loszuwerden und einen neuen "Atem" des musikalischen Bildes zu entdecken und zu spüren.

Es muss daran erinnert werden, dass es möglich ist, durch Zufall schlechte Leistungen zu erbringen, aber es ist unmöglich, durch Zufall gut zu spielen. Es fordert ständige Selbstverbesserung. Nicht selten stellt sich in der Vorkonzertzeit vor dem Schüler die Frage: Soll auf der Bühne strenge Selbstkontrolle herrschen? Selbstverständlich ist das Vorhandensein von Selbstbeherrschung auf der Bühne notwendig, aber ihr Charakter sollte eher "regulierend", die Musik lenkend sein. Daher haben wir die Hauptbedingungen untersucht, die zur Entwicklung unabhängiger Arbeitsfähigkeiten bei Schülern beitragen. Kommen wir nun zu praktische Seite unserer Arbeit, um am Beispiel eines Musikstückes anschaulich zu demonstrieren, wie diese Bedingungen im Unterricht des Fachgebietes gemeistert werden.

Bildung von Fähigkeiten zur selbstständigen Arbeit des Schülers
bei der Arbeit an einem Musikstück

Wir wählen ein Werk aus, das den Fähigkeiten des Schülers, seinem musikalischen Niveau entspricht und natürlich so, dass es dem Kind gefällt. Für jeden Studententyp essentielle Rolle spielt ein ausgewähltes Repertoire. Es ist notwendig, Stücke auszuwählen, die ihnen im Geiste nahe stehen, Interesse wecken und den Wunsch wecken, sie zu meistern.

Ich spiele das Stück so, dass der Schüler versteht, wie es klingen soll. Gemeinsam mit dem Schüler erstellen wir einen Plan, nach dem er zu Hause arbeiten wird. Dieser Plan wird eine Art Hilfsmittel für die Entwicklung der Selbständigkeit bei den Hausaufgaben des Schülers sein. Zunächst gebe ich einen allgemeinen Arbeitsplan:

• Wir bestimmen die Tonalität, Größe, schauen uns die Zeichen an und finden sie auf der Klaviatur, welche Spieltechniken verwendet werden, Dynamik, Tempo und charakteristische Begriffe, wir finden das Bild.
• Wir finden Teile, wie viele es gibt, wir teilen jeden Teil in Sätze und Phrasen.
• Wir bestimmen, in welche Hand die Melodielinie geht und in welche - die Begleitung. Wenn dies ein polyphones Werk ist, analysieren wir es nach Stimmen, finden wir Hauptthema, Echo usw.
• Berechnen und schlagen Sie den Rhythmus an schwierigen Stellen genau, wie z. B. punktierter Rhythmus, nicht übereinstimmende Schläge in jeder Hand, Synkopen, gebundene Noten.
• Wenn es Akkorde gibt, bestimmen wir, was diese Funktionen sind und wie sie aufgebaut sind.
• Wir schauen uns den Fingersatz an und finden seine Bequemlichkeit heraus, wenn er nicht in den Noten steht - wir setzen unsere eigenen ein, wir finden Stellen, an denen es eine schrittweise Bewegung nach oben oder unten, eine Bewegung entlang von Dreiklängen, Sprünge um eine Oktave gibt.
• Wir beginnen die Analyse mit jeder Hand, zählen laut und langsam, während wir versuchen, Striche und Fingersätze zu beobachten. Es ist sehr wichtig, die Qualität des Tons ständig zu überwachen, deshalb fordere ich das Kind auf, seinem Spiel die ganze Zeit aufmerksam zuzuhören, um Selbstbeherrschung zu üben.
• Wenn der Schüler den Text in jeder Hand gut kennt, verbinden wir beide Hände in Sätzen, dann in Sätzen, in Teilen und im Ganzen, wobei wir nicht vergessen, alles zuvor Gelernte zu tun, die Dauer genau einzuhalten und die Hände am Ende genau zu entfernen der Phrasen.

9 Wenn der Text sicher genug gespielt wird, können wir Dynamik, Emotionen, Bilder verbinden, mit dem Tempo arbeiten. Wenn der Text sicher genug gespielt wird, können Sie mit beiden Händen spielen. Auch hier müssen Sie versuchen, kein einziges Detail zu übersehen, lange Noten zu hören, sie nicht fallen zu lassen, die Sätze sorgfältig zu vervollständigen und die Klangqualität zu überwachen.

10. Abschließend wird der Text mit zwei Händen verbunden, souverän nach den Noten gespielt. Jetzt arbeiten wir im Tempo und lernen gleichzeitig den ersten Satz auswendig.

11. Auch hier werden Hausaufgaben aufgegeben, um das Gelernte zu festigen und den zweiten Satz selbstständig auswendig zu lernen.

12. Der nächste Schritt ist das „Einspielen“ in die Arbeit, das Gewinnen von Sicherheit für die Aufführung durch systematische Hausaufgaben und Proben auf der Bühne.

13. Wir beginnen auswendig zu lernen und bereiten uns auf die Aufführung vor.
Voraussetzung für eine erfolgreiche selbstständige Arbeit zu Hause ist die Spezifität der im Unterricht gestellten Aufgaben „Dominanz der Anforderungen“.
Wenn der Student und ich an diesem Plan arbeiten, wenn die Abfolge der Aktionen klar wird, dann beauftrage ich die selbstständige Arbeit zu Hause.

Nach und nach gewöhnt sich der Schüler an diese Reihenfolge und arbeitet ohne Plan – in Eigenregie.

Wenn der Schüler noch klein ist und es ihm schwer fällt, eine so große Menge an Aufgaben zu bewältigen, können Sie nach und nach selbstständige Aufgaben zuweisen, z.

Fazit

Es ist wichtig, dass die Aktivität des Lehrers die Aktivität des Schülers selbst anregt: Wenn der Schüler schöpferisch passiv ist, besteht die erste Aufgabe des Lehrers darin, seine Aktivität zu wecken, ihn zu lehren, Leistungsaufgaben für sich selbst zu finden und zu stellen.

Wenn das Kind diese Fähigkeiten beherrscht, helfen sie ihm letztendlich bei der Vorbereitung auf die Prüfung, bei der Sie eine selbst erlernte Arbeit zeigen müssen, bei der die Hilfe des Lehrers ausgeschlossen ist.

Der Unterricht sollte den Schüler mit klaren Vorstellungen über die Methoden ausstatten, die er in dieser Phase der Arbeit an einem Theaterstück anwenden sollte. In vielen Fällen – aber keineswegs immer – ist es notwendig, dass die neu gestellten Aufgaben teilweise im Unterricht mit Hilfe eines Lehrers gelöst werden: Dann fällt es dem Schüler leichter, selbstständig weiterzuarbeiten. Sehr oft soll der Unterrichtsverlauf ein Prototyp der späteren selbstständigen Arbeit des Schülers sein. Es ist absolut inakzeptabel, dass ein Unterricht das selbstständige Arbeiten ersetzt, so dass es nur noch um die Wiederholung und Festigung des im Unterricht Erreichten geht. Wenn zu Beginn der Arbeit am Stück klar ist, dass der Schüler die ihm gestellten Aufgaben klar verstanden hat, wäre es zielführender, ihn die Arbeit zu Hause alleine weiterführen zu lassen.

Pädagogische Assistenz im Unterricht darf nicht zum sogenannten „Training“ werden, sie unterdrückt die Aktivität des Schülers. Wenn der Lehrer zu viel vorschlägt, mitsingt, mitzählt, mitspielt; in diesem Fall hört der Schüler auf, eine unabhängige Person zu sein, und verwandelt sich sozusagen in einen technischen Apparat, der den Plan des Lehrers umsetzt.

Das Endergebnis eines komplexen Bildungsprozesses ist die Ausbildung eines darstellenden Musikers, der den hohen Zweck der Kunst versteht. Der Lehrer ist gefordert, heute nicht nur das Offensichtliche zu sehen, sondern auch das Schüchterne, Unauffällige einzufangen – was sich heute kaum noch durchsetzt, was vielleicht der Zukunft gehört. Es hängt mehr vom Lehrer ab, ob diese Sprösslinge des Neuen gedeihen oder unbemerkt und ungemutigt verwelken.

Verzeichnis der verwendeten Literatur:

1. Barsukova, S.B. Lustige Notizen 1 Klasse. Sammlung von Klavierstücken. [Notizen]: (F.Jean, K.Jean Invention für zwei Stimmen) / S.B.Barsukova. - Lehrhilfe. - Rostov n / Don.: Phoenix 2006.43p.
2. Kogan, G. Die Arbeit eines Pianisten. [Text] / G. Kogan. - Lernprogramm. – M.: Musik, 1979.–256s.
3. Medtner, N.K. Tägliche Arbeit eines Pianisten und Komponisten. [Text] / N. K. Medtner. - Lehrhilfe. – M.: Musik, 1963.-157p.
4. Natanson, V.A. Fragen der Musikpädagogik. [Text] / V. A. Natanson, L. V. Roshchina. - Werkzeugkasten. – M.: Musik. 1984.–133p.
5. Neuhaus, G. Über die Kunst des Klavierspiels. [Text] / G. Neuhaus. - Methodischer Leitfaden - M .: Music, 1988. - 187 p.
6. Timakin, E.M. Die Ausbildung eines Pianisten. [Text] / E. M. Timakin. - Werkzeugkasten. – M.: Sowjetischer Komponist. 1989. - 143p.
7. Khalabuzar, P.V. Methoden der Musikpädagogik. [Text] / E. M. Khalabuzar, V. S. Popov, N. N. Dobrovolskaya. - Lernprogramm. - M.: Musik 1990-173er.
8 Shchapov, A.P. Klavierpädagogik. [Text] / A. P. Shchapov. - Werkzeugkasten. - M.: Soviet Russland, 1960. - 169p.

Methodische Botschaft zum Thema

"Der Einsatz neuer Unterrichtsformen im Solfeggio-Unterricht"

Zusammengestellt von:

Karpenko Natalja Grigorjewna

Lehrer für theoretische Fächer.

Relevanz des Themas:

Intensive Entwicklung und Implementierung von Informationstechnologien in allen Bereichen Menschliche Aktivität führen zu bedeutsame Änderungen und im System der Musikausbildung. Eine Kunstschule ist eine Bildungseinrichtung, in der Kinder erhalten zusätzliche Ausbildung Dies ist jedoch eine sehr wichtige sozialpädagogische Einrichtung, die eine eigene Entwicklungsgeschichte hat ... Die Kinderkunstschule ist heute eine verbesserte, modernisierte Bildungseinrichtung, die ein großes Potenzial und die Fähigkeit hat, einen wesentlichen Beitrag zur Erziehung zu leisten , Weltanschauung und Erziehung von Kindern. Ein Kind, das eine musikalische Ausbildung erhalten hat, sieht die Welt mit anderen Augen, weiß das Schöne zu sehen und zu schätzen, so dass das Studium an einer Musikschule einem Menschen einen unschätzbaren Wert verleiht Lebenserfahrung. Aber seit einigen Jahren gibt es für eine Musikschule ein großes Problem – wie kann man Kinder für Musik begeistern, damit sie lernen wollen? Jedes Jahr gibt es immer weniger Kinder, die Musik studieren wollen, nicht alle Kinder schließen ihr Studium an einer Musikschule zu Ende ab. Viele Kinder wollen nicht an einer Musikschule studieren, weil glauben, dass Musik langweilig ist, nicht interessant. Es ist notwendig, den Bildungsprozess so interessant zu gestalten, dass das Kind daran teilnimmt Musikschule mit Vergnügen, dass das Training hier für ihn keine Belastung war. In unserem modernen Zeitalter der Computerisierung können neue Technologien dem Lehrer helfen, den Lernprozess in der Schule interessant und reichhaltig zu gestalten.

Als Hauptziel des Einsatzes von Informationstechnologie im Klassenzimmer kann eine Solfeggio-Stunde mit Hilfe von elektronischen Tafeln oder Medientastaturen, Computern, von langweilig in sehr unterhaltsam und spannend verwandelt werden spezielle Programme, in dem Sie Melodien komponieren und aufnehmen, die erforderlichen Akkorde und Harmonien auswählen können usw. Die Einführung in den Lernprozess von Musik und Computertechnologien wird den Lernprozess sicherlich verändern und Kinder in die Kreativität einbeziehen.

Wie Sie wissen, sieht die Lektion die Umsetzung in einem Komplex aus Bildung, Entwicklung und Entwicklung vor erzieherische Funktion Lernen. Sie sind mit der Bildung bestimmter Eigenschaften der Persönlichkeit des Schülers verbunden (emotionale Reaktionsfähigkeit, Effizienz usw.)

Der Lehrer kann die Unterrichtsstruktur frei wählen, das Wichtigste dabei ist die hohe Effektivität der Aus- und Weiterbildung. Phasen eines kombinierten Unterrichts: Arbeitsorganisation; Wiederholung des gelernten Materials (Aktualisierung des Wissens); neues Material lernen, neue Fähigkeiten entwickeln; Konsolidierung, Systematisierung, Anwendung; Hausaufgabe.

Ein kombinierter Unterricht ermöglicht es Ihnen, mehrere Ziele zu erreichen, seine ausreichende Flexibilität ermöglicht es Ihnen, die Phasen in beliebiger Reihenfolge zu verbinden. Die Unterrichtszeit sollte angemessen eingeteilt werden: durchschnittliche Dauer verschiedene Sorten Aktivitäten sollten - 10 Minuten nicht überschreiten; die Anzahl der Unterrichtsarten (verbale, visuelle, unabhängige Arbeit) Norm - mindestens drei; Wechsel der Unterrichtsformen spätestens in 10-15 Minuten. Das Vorhandensein positiver Gesundheitsmomente - Sportunterricht, Entspannung, Übungen zur Entwicklung verschiedener Denkweisen (laut Psychologen tragen diese Übungen dazu bei, das Wissen auf dem Gebiet zu festigen, Interesse daran zu wecken).

Beim Unterricht muss der Lehrer den Moment des Einsetzens der Ermüdung bei Kindern berücksichtigen (jüngere Kinder - nach 25 Minuten, mittlere - nach 35 Minuten, ältere Kinder - nach 40 Minuten).

Das Management von Bildungsaktivitäten erfolgt durch die Organisation einer Unterrichtsstunde, die die Motivation für Bildungsaktivitäten stimuliert.

Elektronische Präsentationen, die im Unterricht verwendet werden, ermöglichen es Ihnen, das illustrierte Material für den Unterricht klarer zu visualisieren und die Ideen, die dazu beitragen, in die Praxis umzusetzen effektive Lösung Bildungsziele, um eine neue Qualität des Lernens zu erreichen. Das Zeigen von Präsentationen aktiviert kognitive und Kreative Aktivitäten Studenten.

Bei der Verwendung von Präsentationen müssen Sie das Alter der Kinder berücksichtigen. Ich verwende verschiedene Typen Präsentationen (aktiv, informativ, lehrreich).

Wie die Praxis zeigt, lässt sich die maximale Wirkung im Lernprozess mit Interaktiv erzielen didaktische Spiele und Simulatoren zur Ausbildung beruflicher Fertigkeiten und Fähigkeiten. Das Vorhandensein von Tests und Simulatoren ermöglicht es Ihnen, den Wissensstand zu bestimmten Themen zu bestimmen.

Der Einsatz eines Computers, elektronischer Hilfsmittel für musiktheoretische Disziplinen im Bereich der Prüfungsübungen und der Gehörbildung ist ein wirksames Mittel zur Zeitersparnis. Der unbestrittene Vorteil von Computerprogrammen ist, dass sie die Gehörbildung und eine Form der Wissensüberprüfung zu einem spannenden Prozess machen, der von den Studierenden sehr begrüßt wird.

Der Einsatz von Computerprogrammen trägt zu qualitativen Veränderungen im Wissensbereich der Studierenden bei, insbesondere der Gestaltung bestimmte Bilder abstraktes Wissen verstärken, sinnvoller und persönlich akzeptierter machen. In meinem Unterricht verwende ich Fingerspiele in meiner Arbeit. Fingerspiele entwickeln die Feinmotorik und ihre Entwicklung stimuliert die Entwicklung bestimmter Bereiche des Gehirns, insbesondere der Sprachzentren. Entwicklung Feinmotorik bereitet die Kinderhände auf eine Vielzahl von zukünftigen Aktivitäten vor: Malen, Schreiben, in unserem Fall das Spielen von Musikinstrumenten. Fingerspiele tragen zur Erweiterung des Wortschatzes bei, und wenn das Gedicht nicht gesprochen, sondern gesummt wird, dann musikalisches Ohr. Die Harmonisierung von Körperbewegungen, Feinmotorik der Hände und Sprachorgane trägt zur Bildung einer korrekten Aussprache bei, hilft, die Monotonie der Sprache loszuwerden, normalisiert ihr Tempo, lehrt die Einhaltung von Sprechpausen, reduziert mentaler Stress Schließlich sind solche Aktivitäten bei Kindern in der Regel sehr beliebt. Der Einsatz von Kindergeräusch- und Schlaginstrumenten im Unterricht fördert die musikalischen, rhythmischen und kreativen Fähigkeiten der Schüler. Sich entwickeln individuelle Fähigkeiten Kinder, ihre kreatives Denken. Jedes Kind erhält die Möglichkeit und Chance, sich auszudrücken, seine Einstellung zur Musik in verschiedenen Bewegungen, Gesten und dem Spielen von Musikinstrumenten zu zeigen. Der Einsatz von Geräusch- und Schlaginstrumenten im Unterricht trägt zur Entwicklung musikalischer und rhythmischer Fähigkeiten, zur allgemeinen Entwicklung bei; mentale Kapazität, mentale Prozesse- Denken, Gedächtnis, Aufmerksamkeit, auditive Wahrnehmung, assoziative Fantasie, motorische Reaktion was für Kinder im Grundschulalter sehr wichtig ist.

Zweifellos trägt der Einsatz von Informations- und Kommunikationstechnologien im Solfeggio-Unterricht zur Verbesserung des Bildungsprozesses bei, indem Informationen optimal verteilt und die Funktionen positiv beeinflusst werden kognitive Aktivität Studenten.

Im Unterricht mit jüngeren Schülern verwende ich im Unterricht die Methoden von Ekaterina und Sergey Zheleznov.

Ein charakteristisches Merkmal dieser Technik ist Spielform der Präsentation von Unterrichtsmaterial, Komplexität, Zugänglichkeit und Praktikabilität der Verwendung, die den Unterricht zu einem lustigen Lernspiel macht.
Ich würde gerne sagen, dassh Teilnahme an unterhaltsamen musikalischen und rhythmischen Aktivitäten: entwickeln Gehör für Musik, Rhythmus und Gedächtnis, Sprache, Emotionalität, Achtsamkeit, Kreativität, Fein- und Grobmotorik sowie auditive, visuelle und taktile Fähigkeiten zur Informationswahrnehmung und Konzentration. Sie entwickeln die Fähigkeit, im Team zu interagieren, gegenseitiges Verständnis und Kompromisse zu erreichen. Sie beschleunigen den Informationsaustausch zwischen linker und rechter Hemisphäre, wodurch Wahrnehmungs-, Erkennungs- und Denkprozesse angeregt werden.
Moderne Kinder wachsen mit digitalen Technologien auf. Ein Lehrer, der den Computer nicht beherrscht, wird bald wie ein Neandertaler aussehen, der von seinen Schülern umgeben ist. Und wenn wir jetzt selbst nichts Neues lernen, dann werden wir es in ein paar Jahren nicht mehr finden gemeinsame Sprache mit Kindern.

Die Computerisierung hat den Bildungsprozess weitgehend verändert. Ein moderner Unterricht ist ohne den Einsatz fortschrittlicher pädagogischer und Informationstechnologien nicht möglich, was den Bildungsprozess intensiver macht, die Geschwindigkeit der Wahrnehmung, des Verständnisses und der Assimilation der Wissensmenge erhöht. Um jedoch Unterricht mit einem Computer zu entwickeln, muss der Lehrer selbst zunächst über gute Kenntnisse des Computers, seiner Funktionen und Anwendungen verfügen.

Klassen mit einem Computer wecken ein reges Interesse bei den Schülern und machen daraus ein solches schwieriges Thema als Solfeggio zu einer unterhaltsamen akademischen Disziplin mit den Formen der Bildung, die einem modernen Studenten vertraut sind.

Gleichzeitig bleibt der Computer immer ein Lernmittel im Arsenal eines Lehrers, der in bestimmten Situationen entscheidet, ob er ihm den Vorzug gibt oder nicht. Es ist zu beachten, dass im Bildungsprozess der Erfolg gesichert ist nur eine Kombination aus traditionellen und innovative Formen, Mittel, Lehrmethoden.

Derzeit gibt es eine große Anzahl von Computertrainingsprogrammen für Musik und Simulatoren, die auf verschiedene Aspekte der Entwicklung der musikalischen Kompetenz, des musikalischen Gehörs und des Denkens abzielen.

Der Einsatz von Informations- und Kommunikationstechnologien im Unterricht des Theoriezyklus macht den Unterricht kognitiv, abwechslungsreich und vor allem modern. Kinder werden aktive Teilnehmer am Lernprozess, der sich bildet positive Einstellung zum Thema.

Der Einsatz von IKT trägt nicht nur zur Persönlichkeitsentwicklung von Schülern, sondern auch von Lehrern bei. Es gibt ein Verständnis eigene Erfahrung Verbesserung Ihrer beruflichen Fähigkeiten. All dies trägt zur Optimierung des Bildungsprozesses auf der Grundlage der Informatisierung bei.