Städtische Haushaltsbildungseinrichtung

zusätzliche Ausbildung Kinder

Kinderkunstschule

Methodische Botschaft

zum Thema „Möglichkeiten des Aquarellierens im künstlerischen Unterricht an der Kunstabteilung der Kinderschule der Künste“

vom Lehrer vorbereitet

Kunstabteilung der Kunsthochschule

Silwanowitsch Anastasia Sergejewna

Jasnogorsk 2015

Inhalt

Einführung

Der Einsatz verschiedener Aquarelltechniken und -techniken im Mal-, Bildenden- und Staffeleiunterricht

1. Malerei "roh"

   Technik A la Prima

   Mehrschichtiges Aquarell

   Grisaille

   gemischte Medien

   "Spezialeffekte"

Fazit

Literaturverzeichnis

Anwendungen (der Antrag enthält Fotografien von Werken aus dem persönlichen Archiv)

Einführung

Seitdem sind Aquarellfarben bekannt antikes Ägypten, in antikes China und Länder der Antike. Aquarellschrift galt lange Zeit nur als eine der Komponenten einer grafischen Zeichnung. Die Malerei in ihrer modernen Sicht entstand relativ neu: Ende des 18. bis Anfang des 19. Jahrhunderts. Dann erlangte sie Unabhängigkeit und wurde zu einer der schwierigsten Zeichentechniken.

Das wichtigste Merkmal von Aquarellfarben ist ihre Transparenz. Diese Eigenschaft des Materials ermöglicht es Ihnen, die Raumtiefe der Licht-Luft-Umgebung, die Variabilität und Beweglichkeit der umgebenden Welt, die Vielfalt der Farb- und Tonverhältnisse zu vermitteln.

Gleichzeitig ist Aquarell ein tragbares und ziemlich erschwingliches Material. Es ist praktisch, es sowohl bei der Arbeit im Freien im Freien als auch unter den Bedingungen des Klassenzimmers zu verwenden.

Aquarell hat eine große Bandbreite an technischen Möglichkeiten. Aquarellarbeiten können auf dünnsten Farbübergängen einer transparenten Malschicht oder tief saftigen Farbflecken aufgebaut werden.

Es kann gleichmäßig gefärbt oder mit einzigartigen Streifen befleckt werden, verschiedene Formen bunte Striche und Linien.

Es gibt noch ein weiteres Merkmal des Aquarells. Korrekturen mag sie nicht. Und das erfordert vom Ausführenden nicht nur die Beherrschung der technischen Methoden der Aquarellmalerei, sondern auch die Fähigkeit, souverän zu zeichnen. Deshalb ist das Aquarellieren einer der schwierigsten Maltechniken zuzurechnen. Natürlich erfordert der Prozess der Beherrschung der Techniken des Aquarellschreibens ernsthafte und zielgerichtete Arbeit.

Es stellt sich die Frage nach der Zweckmäßigkeit des Studiums der Aquarellmalerei in der Anfangsphase des Lehramts Bildende Kunst. Bei der Beantwortung kann man viele Argumente „für“ und „gegen“ die Verwendung dieses Materials anführen, um Kindern in der Kunstabteilung der Kinderschule für Kunst die bildende Kunst beizubringen.

Materialien und Mittel der Aquarellmalerei

Der ideale Raum für die Arbeit mit Aquarellfarben – wie bei den meisten anderen Materialien – ist ein helles, geräumiges Klassenzimmer (Werkstatt) mit guter Tageslichtbeleuchtung am Tag und kompetenter, gleichmäßiger Kunstbeleuchtung am Abend. Vorhänge und Jalousien helfen, den Tageslichtfluss zu regulieren, und gute Lampen, einschließlich Tischlampen, sorgen abends für eine gute Beleuchtung.

Aquarelle funktionieren am besten auf einer Staffelei oder auf einem Tisch mit einer Neigung. Auf einer ebenen Fläche sammeln sich Farbe und Wasser an einer Stelle der Zeichnung an und bilden Pfützen. Der Tisch zum Arbeiten mit Aquarellen sollte groß genug sein - Sie müssen nicht nur ein Blatt Papier darauf legen, sondern auch alle Werkzeuge, die für die Arbeit benötigt werden. Dies ist ein Glas mit Wasser, Farben, Pinseln usw.

Wasser wird in Gläser mit einem Volumen von etwa 250 ml gegossen. oder mehr. Die Praxis zeigt, dass die „auslaufsicheren“ Gläser, die Eltern gerne für Schüler kaufen, bei der Arbeit sehr unpraktisch sind - das Volumen der Gläser ist gering, sodass das Wasser schnell verunreinigt wird und es häufiger gewechselt werden muss - und es ist schwierig für ein Kind, ein Glas zu öffnen, ohne Wasser zu verschütten.

Es gibt verschiedene Arten von Aquarellfarben:

Fest. In Kunststoff- oder Porzellanbehältern platziert. Die Farbe ist stark komprimiert, daher ist es nicht einfach, den Pinsel damit zu tränken.

Halbweich. Sie werden in Form von Kacheln (Cuvetten) mit einem hohen Gehalt an Glycerin und Honig hergestellt, was sie weicher macht. Diese Farben lösen sich gut in Wasser auf und werden häufig von professionellen Künstlern verwendet.

Sanft. Sie sind in Zinntuben in Form einer Paste erhältlich.

Flüssig. Am häufigsten in Buchgrafiken verwendet. Sie haben ziemlich gesättigte Farben und werden in Glasflaschen verkauft.

Im Unterricht an der Kinderkunstschule sollte man besser nur halbweiche Farben (in Küvetten) verwenden. Zu beachten ist, dass in der Farbkiste kein Weiß ist. In der Aquarellmalerei werden helle Farben durch Zugabe von Wasser erzielt; Tünche gibt nur einen schmutzigen Farbton. Es muss sichergestellt werden, dass die Schüler in den höheren Klassen der Schule (Klassen 4-8) nur mit professionellen Farben arbeiten - Leningrad, Ladoga, White Nights (Kunstfarbenfabrik St. Petersburg). Die Qualität ihrer Arbeit ist viel höher als das übliche Honigaquarell ("Gamma", "Yaroslavl Plant"). Im Gebrauch ist es am bequemsten, eine Plastikbox zu verwenden, eine Pappschachtel, die mit Wasser getränkt ist. Aquarellfarben werden ungleichmäßig verbraucht: Gold, Rot, Ultramarin und Kobaltblau werden am schnellsten fertig. Bei Bedarf können Sie einzelne Farben in Küvetten kaufen, um gebrauchte zu ersetzen.

Cadmiumgelb mittel

Golden

Lack orange oder kadmiumorange

Siena verbrannt

Kadmiumrot hell oder scharlachrot

Rotlichtkraplak

Gelbgrün

Smaragdgrün

Ceruleum oder Kobaltblau

Ultramarin oder Lacblau

Umber

Neutrales Schwarz

Es gibt viele Pinsel für die Aquarellmalerei. Die Qualität einer Bürste wird durch das Haar bestimmt.

Kolinsky-Pinsel gelten als professionell, aber für Schulkinder empfiehlt es sich, Pinsel aus Fehhaar zu kaufen. Sie sind ideal für die Arbeit mit Aquarellfarben. Es ist nicht schwierig, die Qualität eines solchen Pinsels zu überprüfen: Sie sollten den Pinsel mit Wasser benetzen - er sollte „an einem Haar vorbeigehen“, dh eine scharfe Spitze behalten. Dies sollte Kindern beigebracht werden, damit sie beim Kauf die Qualität der Bürste selbst überprüfen können. Eine Bürste mit synthetischen Borsten ist sehr praktisch, sie ist haltbarer als ein Kolinsky und ein Eichhörnchen. Da Synthetik ein modernes künstliches Material ist, sind sie etwas günstiger als Naturbürsten. Der einzige Nachteil ist, dass es weniger Wasser zieht.

Pony-, Fuchs-, Ziegenpinsel sind für die Aquarellmalerei nicht geeignet - sie bilden nicht die scharfe Spitze, die für das Arbeiten mit Aquarellfarben notwendig ist. Es wird nicht empfohlen, sie bei der Arbeit zu verwenden.

Beim Aquarellieren ist die Qualität des Papiers entscheidend. Auf keinen Fall sollten Kinder (weder in der Schule noch zu Hause) mit Wasserfarben auf dünnem Papier malen dürfen - Schreiben, Büro usw. Solches Papier verzieht sich schon bei geringer Wassermenge und ist für Aquarellfarben völlig ungeeignet. Das Papier muss dick genug sein. In der Regel erledigen Studenten ihre Arbeiten meist auf glattem Papier (Zeichenpapier), da es am günstigsten und günstigsten ist. Aber so weit wie möglich können Sie mit Kindern auf Papier mit unterschiedlichen Texturen arbeiten - dicht, unterschiedliche Körnigkeit.Das Malen auf Aquarellpapier sieht durch das Lichtspiel gleich viel interessanter aus, während die Farbe auf Whatman-Papier oft verwelkt.

Es ist notwendig, Kindern (und ihren Eltern) aus den Grundschulklassen der Kinderkunstschule beizubringen, mit hochwertigen Materialien - Farben, Pinseln, Papier - zu arbeiten. Für erfolgreiche Arbeit Aquarellfarben müssen hochwertige Materialien verwenden. Die Hauptanforderung ist, dass die Farben nach dem Trocknen der Arbeit nicht verwelken, trüb werden.

3. Die Anwendung verschiedener Aquarelltechniken und -techniken im Mal-, Bildenden- und Staffeleiunterricht.

Da sind viele verschiedene Tricks Aufführung von Aquarellen. Diese Methoden lassen sich nur bedingt unterscheiden und einordnen, abhängig von bestimmten Faktoren ( Anhang 1). Viele davon versuchen die Schüler zu meistern oder versuchen es zumindest in den Unterrichtsstunden Malerei, Staffeleikomposition und die Grundlagen der visuellen Bildung.

Je nach Feuchtigkeitsgrad des Papiers kann man Aquarelltechniken wie „Nassarbeit“ („engl.“ Aquarell) und „Trockenarbeit“ („italian watercolour“) unterscheiden. Darüber hinaus können auch Kombinationen dieser Techniken gefunden werden.

3.1. Malerei "roh"

Eine der ersten Techniken, die Schulkinder in der Grundschule beherrschen können, ist die „Rohtechnik“. Das Wesen dieser Technik besteht darin, dass die Farbe auf ein zuvor mit Wasser angefeuchtetes Blatt aufgetragen wird. Der Feuchtigkeitsgrad hängt von der kreativen Idee ab, aber normalerweise beginnen sie zu arbeiten, nachdem das Wasser auf dem Papier nicht mehr im Licht „glänzt“.

Diese Arbeitsweise ermöglicht helle, transparente Farbnuancen mit weichen Übergängen. Diese Methode wird besonders erfolgreich von jüngeren Schülern bei der Erarbeitung einer Handlungskomposition angewendet ( Anlage 2). Die Hauptschwierigkeit beim Arbeiten "roh" liegt genau im Hauptvorteil der Aquarellfarbe - der Duktilität. Beim Auftragen von Farbe mit dieser Methode hängt das Ergebnis oft von den Launen von Schlieren ab, die sich auf nassem Papier ausbreiten, was sich im kreativen Prozess als weit von dem herausstellen kann, was Sie ursprünglich wollten. Bei unvorsichtiger Korrektur kann eine gewisse Verschmutzung und Verschmutzung auftreten. Daher fördert diese Arbeitsmethode die Selbstbeherrschung der Schüler, die Fähigkeit, einen Pinsel frei zu verwenden, und lehrt sie, harmonische Farbkombinationen zu erkennen und diese sofort zu Papier zu bringen.

3.2. Technik EIN la prima

Sehr gute Technik EIN la prima bei der Arbeit an Kurzzeitstudien ( Anhang 3). Sie sind sehr schnell geschrieben, „in einem Atemzug“, in 1-3 Trainingsstunden. Es empfiehlt sich, solche Skizzen zwischen langen Malproduktionen abzuwechseln. Die A-la-Prima-Methode ist unverzichtbar, wenn Sie schnelle Skizzen aus der Natur und Skizzen anfertigen. Es ist auch geeignet, um Landschaftsstudien während des Übens im Freien durchzuführen, wenn unbeständige Wetterbedingungen eine schnelle Technik erfordern.

Bei dieser Technik lernen Kinder, Mischungen aus zwei, maximal drei Farben herzustellen, da überschüssige Farbe in der Regel zu Trübungen, zum Verlust von Frische und Helligkeit sowie zur Farbdefinition führt. Sie lernen auch, jeden Strich bei der Arbeit genau für seinen Zweck zu platzieren - um mit der Form und dem Muster abzustimmen. Daher erfordert diese Methode außergewöhnliche Konzentration, scharfes Schreiben und ein gutes Kompositionsgefühl. Nach Durchführung von Etüden in Technik a la prima ist es für Schüler einfacher, Farben und Töne während langer pädagogischer Darbietungen zu analysieren.

3.3 Mehrschichtiges Aquarell

Bei der Technik des Schichtaquarellierens oder Lasurierens wird eine Farbschicht übereinander gelegt. Die Striche werden sorgfältig ausgeführt, um bereits getrocknete malerische Bereiche nicht zu beschädigen oder auszuwaschen. Das Verglasen ist die Hauptarbeitsweise bei der Durchführung von langfristigen Schulungsproduktionen. Bei der Arbeit mit dieser Aquarelltechnik lernen Kinder, die Natur so genau wie möglich wiederzugeben, versuchen, den ganzen Reichtum der Farbumgebung so genau wie möglich zu vermitteln, sei es ein Stillleben oder eine Handlungskomposition. Sie erarbeiten Methoden zur Übertragung des geplanten Raums, der Materialität von Objekten. Gleichzeitig behält das Werk trotz mehrerer Farbschichten die Transparenz und Klangfülle der Aquarellfarben. Einer der Vorteile dieser Technik ist, dass man sich nicht beeilen muss, Zeit hat, ohne Eile zu denken, die Natur zu analysieren. Die Arbeit an einer Komposition oder einem Stilleben ohne Schaden für die Gesamtidee kann in mehrere Sitzungen (9,12,15 Unterrichtsstunden) aufgeteilt werden. Dies ist besonders wichtig bei einem großen Bildformat. Darüber hinaus erarbeiten sich die Studierenden von Zeit zu Zeit die Fähigkeit, konsequent und stufenweise zu arbeiten, vom Allgemeinen zum Besonderen und vom Besonderen zum Allgemeinen, um am Ende das Gesamtwerk zusammenzufassen, es zur Ganzheit zu bringen.

Der Hauptnachteil dieser Technik besteht darin, dass die Schüler es mit bunten Schichten übertreiben und das Bild mit Farbe "füllen" können. Daher sollte ihnen beigebracht werden, subtil und genau zu arbeiten und jede Farbschicht zu analysieren.

3.4. Grisaille

Je nach verwendeter Farbpalette kann man mehrfarbiges klassisches und monochromes Aquarell - Grisaille - bedingt unterscheiden. Grisaille verwendet verschiedene Töne derselben Farbe, sodass diese Technik hilft, den Schülern visuell zu zeigen, was Ton, Sättigung und Kontrast sind. Der Lehrplan für Malen in jeder Klasse sieht eine Aufgabe pro Jahr in dieser Technik vor.

Das Studium dieser Technik ermöglicht es Ihnen, Kindern beizubringen, in begrenztem Umfang zu arbeiten Farbschema und konzentrieren Sie sich mehr auf die Form und das Volumen von Objekten. Entwickeln Sie außerdem die Feinmotorik und stärken Sie die Hand, denn Grisaille erfordert aufgrund seiner monochromen Natur besondere Sorgfalt und Genauigkeit.

Die Grisaille-Technik kann nicht nur in der Malerei, sondern auch in Plotarbeiten zur Staffeleikomposition verwendet werden. Solche Arbeiten verleihen Charme, dass Sie erraten möchten, welche Farben der Autor versteckt hat. Dorf- und Stadtlandschaften sind ungewöhnlich ausdrucksstark und verlässlich ( Anlage 4).

3.5 Gemischte Medien

Sie existieren und werden von Kindern häufig im Staffelei-Kompositionsunterricht und in den Grundlagen der visuellen Bildung verwendet, wenn Aquarell mit anderen Farbmaterialien gemischt wird - Tünche (Gouache), Aquarellstifte, Pastelle, Tinte. Obwohl die Ergebnisse ziemlich beeindruckend sind, sind solche Techniken nicht "sauber". Sie können verschiedene Optionen mit Kindern ausprobieren. Die Technik wird in der Regel durch das allgemeine kreative Konzept der Arbeit und die Veranlagung des Kindes für das eine oder andere Material bestimmt. Die Bilder sind einprägsam und lebendig, außerdem experimentieren Kinder sehr gerne und probieren etwas Neues aus ( Anhang 5).

3.6. "Spezialeffekte"

Beim Arbeiten mit Wasserfarben können Sie verschiedene „Spezialeffekte“ verwenden. Die beliebtesten und von Schülern unserer Schule am häufigsten verwendeten sind die Verwendung von Salz, Frischhaltefolie und Spray. In den unteren Klassen, im Unterricht der visuellen Bildung, findet die Bekanntschaft mit ihnen auf spielerische Weise statt, in den oberen Klassen schlagen die Schüler, die bereits Erfahrung haben, selbst vor, welche Technik in jeder spezifischen Arbeit angewendet werden kann. Die Verwendung solcher "Spezialeffekte" macht den Prozess der kreativen Arbeit für Kinder interessanter und spannender. Sie sind überrascht, dass man beim Erstellen eines künstlerischen Bildes nicht nur Farben und Pinsel verwenden kann, sondern auch Gegenstände, die scheinbar weit von der bildenden Kunst entfernt sind - Salz, Folie, Zahnbürste usw. Solche Lektionen bleiben lange in Erinnerung und verursachen einen Sturm von Emotionen bei Kindern. Sie lernen zu finden künstlerisches Bild Entwickeln Sie in einer chaotischen Verteilung von Farbflecken Fantasie, Vorstellungskraft und kreatives Denken.

Zum Beispiel absorbieren grobe Salzkristalle, die über eine nasse Farbschicht aufgetragen werden, einen Teil des Pigments, hinterlassen einzigartige Flecken auf dem Papier und bewegen Tonübergänge. So können Sie in Ihrer Arbeit eine Luftumgebung schaffen, die Wiese mit Blumen schmücken, den Himmel mit Sternen, Wasserspritzer zeigen usw.

Ein interessanter Effekt wird durch die übliche Frischhaltefolie erzielt. Das Blatt wird mit einer farbigen Schicht bedeckt, und bis es trocken ist, wird die zerknitterte Folie fest angedrückt. Als Ergebnis erhält man einzigartige Flecken – Grün, Himmel, Meer oder einfach eine abstrakte Komposition, in der Kinder versuchen, einige Bilder zu erkennen und hervorzuheben (Anhang 6).

Sprühen ist die einfachste Technik, die vielen Kindern aus dem Malunterricht im Kindergarten bekannt ist. Aber in der Kunstschule werden die Kompositionen der Werke komplizierter, die Farbkombinationen reicher. Weit verbreitet in Grundschulklassen im Schablonen-Splatter-Unterricht, in der High School kann Splatter verwendet werden, um ein Poster zu erstellen. Bei komplexen Handlungskompositionen oder Landschaften können Sie diese Technik ebenfalls verwenden, aber Sie müssen sicherstellen, dass die Schüler äußerst vorsichtig sind. Partikel der Tintenlösung streuen fast unkontrolliert über das Papier und man kann sich leicht die Arbeit verderben, wenn man mit der Intensität dieses Effekts übertreibt.

4. Fazit

Das wichtigste Argument für die Verwendung von Aquarell ist, dass Aquarell ein komplexeres Medium ist und Kinder daher zu ernsthafter, durchdachter kreativer Aktivität anleitet. Aquarell trägt zur Entwicklung der Fähigkeit zum genauen Arbeiten bei, entwickelt die Fähigkeit, feinste Farbübergänge zu sehen, lehrt eine nicht standardmäßige Wahrnehmung des Bildes der umgebenden Realität sowie deren Übertragung.

Darüber hinaus bildet die Aquarellmalerei im Allgemeinen die Eleganz der Wahrnehmung der Welt und die subtile geistige Organisation der Persönlichkeit des jungen Künstlers.

Referenzliste

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Kunz, D. Grundlagen der Aquarellmalerei. Farbe. -M.: Potpourri, 2006. - 169 S.

Nazarov, A.K. Grundtechniken der Aquarellmalerei. – M.: Orbita-M, 2011.

Revyakin, P.P. Technik der Aquarellmalerei. -M.: "AST", 2009.

William Newton, Aquarellmalerei. - M.: "Christina - Neues Zeitalter“, 2007.

Shitov, L.A., Larionov, V.N. Malen. Kunstunterricht. - M.: "Aufklärung", 2005.

Anhang 1

Techniken und Techniken des Aquarells

Je nach Papierfeuchte:

trocken Roh Kombinierte Technik

Nach der Anzahl der bunten Schichten:

Einschichtiges Aquarell ( a la prima) Schichtaquarell (Lasur)

Nach Farbpalette:

Monochromes Aquarell (Grisaille) Mehrfarbiges Aquarell

Durch Färben von Materialien (Sauberkeit der Technik):

"reine" Aquarelltechnik Mischtechnik: Aquarell + Weiß

Aquarell + Pastell Aquarell + Aquarellstifte Aquarell + Tusche ( der Gelstift)

"Spezialeffekte":

Sprühen Frischhaltefolie Salz Sonstiges

Anlage 2

Nasse Aquarellarbeiten

Anhang 3

A la Prima

Anhang 4

Grisaille

Anhang 5

Aquarell + Gelstift Aquarell + Pastell

Anhang 6

Erscheinungsdatum: 07.04.17

Komitee für Kultur und Tourismus der Verwaltung von Tobolsk

Städtische autonome Einrichtung für zusätzliche Bildung für Kinder

„Children's School of Arts, benannt nach A.A. Alyabyeva" aus der Stadt Tobolsk

Methodische Botschaft zum Thema:

„Intensität der theoretischen Ausbildung. So lösen Sie die Probleme des Solfeggio-Unterrichts an der Kinderkunstschule"

Erstellt von: Lehrer

Schumilova I. N.

Tobolsk 2017

• Einführung. Das Thema Solfeggio – Krise oder Wiederbelebung?
• Was ist Solfeggio?
• Wie man die Probleme des Unterrichtens von Solfeggio in der Musikschule löst.
• Fazit.
• Literatur.

Blockmodulare Lerntechnologie Shaikhutdinova D.I.

1. Für zwei letzten Jahrhunderten Das Talent und die Bemühungen der verstorbenen Generationen von Musikern und Lehrern errichteten ein solides Gebäude der nationalen Musikausbildung. Das Gebäude ist mehrgeschossig, entsprechend dem Niveau der Aufgaben, die die nationale Musikkultur insgesamt zu lösen hatte. Wir haben etwas, worauf wir stolz sein können, und etwas, das wir verlieren können: Die Qualität der russischen Musikausbildung wird auf der ganzen Welt anerkannt. Und deshalb scheint es klar: Dieses Erbe sollte als Kulturdenkmal behandelt werden, es fachmännisch restaurieren und nicht versuchen, Reparaturen im europäischen Stil vorzunehmen.

Heutzutage gibt es in allen Bereichen eine Tendenz zur pragmatischen Interpretation der Bedeutung akademischer Disziplinen - und die musikalischen Fächer sind keine Ausnahme. Die Frage nach dem Überleben musiktheoretischer Disziplinen (einschließlich Solfeggio) auf allen Ebenen der Musikausbildung ist heute aktueller denn je.

Es ist klar, dass in den modernen Herausforderungen von Zeit und Inhalt Gegenstand, und die Methodik ihrer Lehre muss sich als wirksam erweisen. Daher ist es notwendig, die praktische Anwendbarkeit des Themas ständig zu finden, nicht nur für brancheninterne Zwecke, sondern auch für allgemeine Zwecke persönliche Entwicklung, und für mehr erfolgreiche Lösung interdisziplinäre Aufgaben.

Eine der Hauptfragen des Solfeggio-Unterrichts im 21. Jahrhundert lautet daher: Wie kann Solfeggio, ohne das Wesen des Fachs zu vereinfachen, für eine neue Generation von Studenten attraktiv und persönlich nachgefragt werden? Wie verbindet man Poetik und Pragmatik in der heutigen Musikpädagogik?

Was passiert heute mit dem Thema?

Solfeggio als ein Fach, das direkt auf die vielseitige Entwicklung des musikalischen Gehörs abzielt, sollte eigentlich zwei Hauptfragen entsprechen:

a) professionell - Solfeggio sollte helfen, einen darstellenden Musiker auszubilden;

b) sozialpsychologisch - Solfeggio sollte zur Bildung des Hörers beitragen, dh sowohl Amateurmusikern als auch Nichtmusikern die Grundlagen der auditiven Wahrnehmung von Musik beibringen, und sollte daher helfen, das Problem der Ankunft von zu lösen breites Publikum in akademischen Konzertsälen.

Den Aussagen namhafter Solfegisten nach zu urteilen, befindet sich Solfeggio heute wirklich in Krisenzeiten. Über die Isolierung des Solfeggio von den Bedürfnissen der modernen Konzertpraxis und über das komplexe Verhältnis von Allgemeinem und Besonderem Musikalische Bildung von vielen Autoren geschrieben. So wirft L. Maslenkova dem aktuellen Solfeggio ein übertriebenes Verlangen nach einer einfachen Sprachausgabe der elementaren Musiktheorie vor. V. Sereda beklagt das Fehlen einer Zielvorgabe für die semantische Analyse der Melodie im Rahmen von Solfeggio. G. Taraeva, E. Lerner, die Kamaevs diskutieren das Problem der „Opferkrise“ im aktuellen Prozess des Unterrichtens von Solfeggio und Möglichkeiten, es zu überwinden.

Worauf kann man sich verlassen, um die Krise zu meistern?

Eine der tragenden Säulen ist die Ausbildung eines offenen Ohrs, das Musik flexibel wahrnimmt und auf sie umschaltet. verschiedene Stilrichtungen, einschließlich Musik des 20. und 21. Jahrhunderts.

Eine weitere Stütze ist die Entwicklung der Solfeggio-Methodik basierend auf den Errungenschaften der modernen Psychologie. Tatsächlich ist der interdisziplinäre Ansatz heute nicht nur im Bereich der Wissenschaft, sondern auch im Bereich der Methodik zunehmend fruchtbar.

Die dritte Säule ist die gegenseitige Bereicherung der Methoden verschiedener Schulen.

2. Was ist Solfeggio?

Die Frage ist nicht müßig. Ein erheblicher Teil der einheimischen Solfeggio-Lehrer ist sich des wahren Zwecks dieser Disziplin beim Unterrichten eines professionellen Musikers nicht vollständig bewusst. Die konservativ-traditionelle Auffassung von Solfeggio als Disziplin zur Intonation von Musiktheorie hat sich bis heute erhalten. Dies zeigt sich, wenn man sich mit den Handbüchern vertraut macht, die in den Regalen von Musikgeschäften präsentiert werden.

Weit verbreitete Programme geben nicht an, welches Stilmaterial als Gegenstand der Hörentwicklung dient. Dem Fachmann ist jedoch klar: Das ist überwiegend der Stil des Klassizismus. Und daraus folgt, dass acht Jahre Schule plus vier Jahre College einem Bewerber, dessen Gehör den Normen der Klassik so versklavt ist, dass es sich bei Hausarbeiten mit anderem Intonationsmaterial oft als hilflos erweist, auf die Zulassung an einer Universität vorbereiten .

In den letzten Jahrzehnten gab es keine wesentlichen Änderungen in den Methoden der Vermittlung theoretischer Disziplinen. Was das Solfeggio-Programm betrifft, so gab es bis vor kurzem eine Anordnung, nach der ein stereotypes, einheitliches Solfeggio-Programm strikt eingehalten werden musste. Neueste Ausgabe Programm stammt aus dem Jahr 1984.

Solfeggio als akademische Disziplin steht in direktem Zusammenhang mit der Psychologie. Die Grundkategorien der Psychologie, wie Wahrnehmung, Aufmerksamkeit, Gedächtnis, Denken, sollten ständig im Blickfeld eines solfegistischen Lehrers sein und alle Formen der Arbeit beeinflussen. Dann wird klar, dass die eigentliche Aufgabe von Solfeggio nicht die Fähigkeit ist, Intervalle, Akkorde usw. zu bauen, zu singen und zu hören. (obwohl diese Fähigkeit notwendig ist, weil sie eine technische Grundlage bietet), sondern die Entwicklung besonderer Hörqualitäten: Höraufmerksamkeit, Hörschärfe, Hörgeschwindigkeit, Hörreaktion, Erinnerungsfähigkeit, Gedächtnis behalten, einen musikalischen Text wiedergeben, erkennen Fehler in der Aufführung vertrauter Musik oder in der Notenschrift, Notentexte stilgerecht rekonstruieren und vieles mehr, was die Fähigkeiten eines professionell entwickelten Gehörs offenbart.

Über den langen Zeitraum meiner Lehrtätigkeit habe ich erkannt, dass diese Disziplin ein weit unerschöpfliches Potential hat, und der Solfeggio-Lehrer spielt Schlüsselrolle im System der musikalischen Grundausbildung.

Vor einem halben Jahrhundert formulierte A. Ostrovsky in seinen „Essays“ wichtige Bedingungen für die erfolgreiche Arbeit eines Solfegisten: „Pädagogische Fähigkeiten sind notwendig, um Solfeggio zu unterrichten, aufgrund der unabdingbaren Verpflichtung, das Interesse der Schüler am Unterricht zu wecken. Wo Langeweile und der formale Übergang von Solfeggio herrschten, war es nie möglich, signifikante Ergebnisse zu erzielen. Gleichzeitig ist es notwendig, die richtige Richtung des Prozesses der Gehörbildung für Musik sicherzustellen, damit praktische Fähigkeiten vermittelt werden und Sie nicht lernen, formale Aufgaben auszuführen, die für die Prüfung erforderlich sind, aber nicht verwendet werden können in der musikalischen Praxis.

Primär Musikalische Bildung unser land durchlebt eine schwierige zeit. In den letzten 15-20 Jahren hat sich die soziale und kulturelle Situation im Land verändert. Die musikalische Kindererziehung in ihrer bisherigen Form ist nicht mehr gefragt. Daher über Jahrzehnte entwickelt Bildungssystem nicht in der Lage, sich an neue Realitäten anzupassen.

Erschwerend kommt hinzu, dass sich die Kinder von heute gesundheitlich stark von ihren Altersgenossen der 1960er bis 1980er Jahre unterscheiden.

Die Folge sozialer Prozesse im Land war ein spürbarer Rückgang der Indikatoren für die körperliche und geistige Gesundheit der Kinderbevölkerung. In seiner Zusammensetzung nimmt der Anteil der Problemkinder mit grenzwertigen Formen der intellektuellen Insuffizienz, mit Aufmerksamkeitsschwäche und mit Lernschwierigkeiten stetig zu. Hinzu kommt eine zunehmende Arbeitsbelastung in einer weiterführenden Schule, das Vorhandensein vieler „ablenkender“ Faktoren in der Form Computerspiele, Internet und mehr.

Es überrascht nicht, dass viele Kinder, die heute eine Musikschule besuchen, Schwierigkeiten haben, sich musikalisches und theoretisches Wissen anzueignen. Daher steht der Lehrer dieser Disziplinen gegenüber ernstes Problem. Einerseits hat er es mit einem Schüler zu tun, der wenig motiviert, informationsüberladen, körperlich von Natur aus nicht ganz gesund, ziemlich müde ist, wenn er eine Musikschule besucht. Andererseits muss er in der Lage sein, dem Kind in 40 Minuten Unterrichtsstunde ein gewisses Maß an theoretischem Wissen zu vermitteln, sowie Zeit haben, Übungen zur Entwicklung des Hörvermögens auszuarbeiten.

Es ist klar, dass in einer solchen Situation der traditionelle akademische Unterrichtsstil nicht immer erfolgreich ist. Darauf aufbauend entwickeln viele Lehrkräfte neue Methoden für den Unterricht theoretischer Disziplinen, Hauptmerkmal das ist Anpassungsfähigkeit, das heißt die Fähigkeit, sich flexibel anzupassen spezifische Aufgaben je nach Alter, Vorbereitungsgrad, psychologischen Eigenschaften der Schüler.

Wie die Praxis zeigt, nehmen Kinder leicht und schnell wahr und assimilieren, woran sie emotional interessiert sind. Es ist die bewusste und emotional erfüllte Motivation des Kindes, die ein effektiver Motor für sein Lernen ist. Der beste Weg, diesen psychisch angenehmen Zustand für das Kind zu erreichen, ist das Spiel als natürliche Form seines Daseins. Der Einsatz von Spiel- und visuellen Techniken im Solfeggio-Unterricht ist sowohl bei jüngeren Schülern als auch bei älteren Kindern produktiv.

Aufgrund der Eigenschaften Entwicklungspsychologie abstraktes Denken bei Kindern im Alter von 6-8 Jahren ist es noch schlecht entwickelt, daher wird theoretisches Wissen besser in einer visuellen Spielform gelernt.

Das Vertrauen in das Lernen auf dem Spiel nimmt das Kind aus dem didaktischen Druck heraus, Bildungsprozess wird für ihn psychisch angenehm und beeinträchtigt die Qualität der Assimilation des Materials.

All diese Probleme, mit denen die musikalische und pädagogische Gemeinschaft heute konfrontiert ist, ermutigen sofegistische Lehrer, alternative Methoden und pädagogische Technologien zu entwickeln.

3. Ich wurde interessiert blockmodulare Lerntechnologie Shaikhutdinova D.I. Nach dieser Technologie treten die Schüler als aktive Teilnehmer am Bildungsprozess auf: Sie erhalten nicht nur fertiges Wissen, sondern es werden pädagogische Voraussetzungen für deren selbstständigen Erwerb geschaffen. Der Unterricht ist ein Problemunterricht, der Forschungstechniken zum Studium des Materials verwendet. Die Bemühungen des Lehrers zielen darauf ab, den Schülern praktische Fähigkeiten zu vermitteln - dies ist die Beherrschung der Tastatur, die freie Konstruktion von Intervallen und Akkorden darauf, die Orientierung in verschiedenen Tonarten, die Transposition von Melodien, die Transposition von Akkordfolgen in verschiedene Arten von strukturierter Präsentation. Bei dieser Technik ist eine Voraussetzung für die Arbeit im Klassenzimmer die Abhängigkeit von der Klaviertastatur.

Die Tastatur dient als effektive, visuelle Hilfe beim Lernen und praktischen Aneignen Unterrichtsmaterial. Erstens sind darin alle notwendigen Informationen zur musikalischen Grundbildung „verschlüsselt“. Zweitens bietet das Vorhandensein einer persönlichen Tastatur auf dem Schreibtisch jedem Schüler die Möglichkeit, an praktischen Arbeitsformen teilzunehmen. Alle Konzepte, Techniken, Übungen werden auf solchen Keyboards zunächst simultan mit dem klingenden Originalinstrument bewältigt, erst danach werden schriftliche Aufgaben bearbeitet.

Eine ebenso wichtige Voraussetzung für eine solide Aneignung theoretischen Wissens ist die Intonation der am Instrument ausgeführten Aufgaben. Das heißt, die Namen von Klängen werden gesungen, während auf dem Klavier Töne und Halbtöne, Intervalle, Akkorde, Tonleitern usw. aufgebaut werden. Diese methodische Technik entwickelt ziemlich starke musikalische und auditive Darstellungen, die Fähigkeit der reinen Intonation und visuell-auditive Assoziationen. Diese methodische Technik entwickelt starke musikalische und auditive Darstellungen, die Fähigkeit der reinen Intonation sowie visuelle und auditive Assoziationen. Durch den Einsatz einer solchen Technik wird sowohl die Lernintensivierung als auch die Erhaltung der psychischen Gesundheit des Kindes sichergestellt. In kurzer Zeit lernen die Schüler eine ziemlich große Menge und Komplexität des Unterrichtsmaterials, während sie keine geistige, körperliche, vorübergehende Überlastung und emotionale Überanstrengung erfahren.

Der Prozess der Erkenntnis kann nicht unter Bedingungen autoritärer pädagogischer Einflussnahme organisiert werden. Mit einem toleranten Interaktionsmodell zwischen Lehrenden und Lernenden ist eine fruchtbare kollektive praktische Tätigkeit möglich.

Das Konzept von P. Ya Galperin, seine Theorie der schrittweisen Bildung mentaler Handlungen, die die Einheit der Psyche und der menschlichen Aktivität betont, wurde der modularen Ausbildung zugrunde gelegt.

Bei einem blockmodularen Ansatz bereitet sich der Lehrer nicht darauf vor, wie er den Stoff am besten erklärt, sondern darauf, wie er die Aktivitäten der Schüler am besten handhabt. Der Schüler muss selbst lernen, und der Lehrer übt ein motivierendes Management seines Unterrichts aus: Dies ist eine Suche, ein Studium des Kollektivs und gleichzeitig des Individuums.

Modulares Lernen ermöglicht es Ihnen, eine große Menge an Unterrichtsmaterial zu systematisieren, zu strukturieren und innerhalb der notwendigen Grenzen zu verdichten. Informationen werden in kleinen Dosen aufgenommen, jedes Element des Inhalts wird zu einem Modul geformt und zu zuvor erlernten Informationen inkrementiert. So werden im Prozess gemeinsamer Aktionen neue Informationen nahtlos mit dem unterstützenden Wissen verknüpft.

Die Planung und Durchführung des theoretischen Unterrichts auf der Grundlage der modularen Technologie drückt sich also wie folgt aus:

• Das Material wird zu großen thematischen Blöcken zusammengefasst, verdichtet und nach dem Prinzip der konzentrischen Kreise studiert.
• Die Informationen innerhalb der Blöcke werden zu Modulen geformt und zu den zuvor erlernten Informationen inkrementiert, die zum eigenen Wissen geworden sind.
• Der Lehrer organisiert die Selbstbildung der Schüler unter den Bedingungen der kollektiven praktischen Tätigkeit, demonstriert Vertrauen, motiviert sie zur Forschung, zur Suche nach Antworten und führt die Kinder zu unabhängigen Schlussfolgerungen zum Thema des Unterrichts.
• Das Hauptinstrument der pädagogischen Tätigkeit ist die Klaviertastatur. Beim Duplizieren auf der Klaviatur werden alle Übungen, alle Konzepte intoniert.
• Die Schülerinnen und Schüler üben im Unterricht freie Selbstkontrolle und gegenseitige Hilfestellung aus, die Noten für die Arbeitsergebnisse werden nach der Abschlusskontrolle festgesetzt. Während des Unterrichts gibt der Lehrer eine aussagekräftige Bewertung der Leistung des Schülers ab und gibt jedem Schüler die Möglichkeit, seine Endergebnisse zu verbessern.

Fazit.

Solfeggio - XXI, oder was verlangt die neue Zeit vom Subjekt?

Sie erfordert vor allem die Fähigkeit zur multilateralen Anwendbarkeit. Solfeggio wird zweifellos den Status einer angewandten akademischen Disziplin behalten. Es ist notwendig, dass jeder Schüler, der zu einer Solfeggio-Stunde kommt, versteht, dass er in diesem Fach die Fähigkeiten der schnellen Konzentration der Aufmerksamkeit erwerben, sein Gedächtnis entwickeln, seine assoziative Basis entwickeln kann - alles, was ihm in verschiedenen Bereichen von Nutzen sein wird zukünftige Tätigkeit, unabhängig davon, ob er Berufsmusiker wird oder nicht. Dazu muss Solfeggio im 21. Jahrhundert so gelehrt werden, dass der Schüler tatsächlich von den wirklich erstaunlichen Möglichkeiten dieses Fachs überzeugt wird.

LITERATUR

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• Maslenkova L. Was ist Solfeggio? // Verlag "Classics - XXI", 2006.
• Shaikhutdinova D.I. Wie man die Probleme des Solfeggio-Unterrichts in der Musikschule löst//Pädagogische Zeitung, 2011.

Städtische autonome Bildungseinrichtung für Kultur der zusätzlichen Bildung der Gemeinde der Stadt Nyagan "Children's School of Arts"

Methodische Botschaft

« Bildung und Entwicklung von Fähigkeiten unabhängige Arbeit Studenten»

Zusammengestellt von: Akkordeonlehrer

Nikiforova E. V.

Nyagan. 2014

Planen:

• Einführung.
• 
  bei der Arbeit an einem Musikstück.
• Fazit.

Einführung

Bisherige Beobachtungen zeigen, dass das sogenannte „Training“ immer noch im pädagogischen Umfeld lebt, in dem Schüler ihren Lehrer blind nachahmen und seinen Anweisungen mechanisch folgen. In der selbstständigen Arbeit dieser (oft sehr begabten) Schüler zeigt sich völlige Hilflosigkeit. Diese Situation ist in keiner Weise als normal zu erkennen, daher halten wir die angesprochene Thematik für relevant, zumal Fälle von musikalischer „Abhängigkeit“ von Studierenden in pädagogische Praxis alles andere als einzigartig. Fähigkeit, aktiver Wunsch, Fähigkeiten, Fertigkeiten und Wissen zu erwerben, entwickelt sich vor allem in der unabhängigen Arbeit des Schülers. Was ist dieser Prozess?

Die selbstständige Arbeit der Schüler ist ein Teil des Bildungsprozesses, der aus zwei Abschnitten besteht:

Sein erster Abschnitt- dies ist eine eigenständige Arbeit eines Pianistenschülers direkt im Unterricht;

Zweiter Abschnitt - Hausaufgaben zu den im Unterricht erhaltenen Aufgaben.

Hinzuzufügen ist, dass beide Teile dieser Arbeit eng miteinander verflochten und ihre Abgrenzung rein willkürlich ist. Je intensiver die selbstständige Arbeit der Schüler im Unterricht ist, desto effektiver ist sie zu Hause und umgekehrt. Entscheidende Voraussetzung für produktives und qualitativ hochwertiges selbstständiges Arbeiten des Studierenden ist eine klare Aussage über die ihm zustehenden Aufgaben. Der Erfolg der Hausaufgaben des Schülers hängt davon ab, wie klar der Lehrer sie formuliert, die Reihenfolge der Ausführung bestimmt und vorgibt.

Es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass erstens die Fähigkeit zum selbstständigen Arbeiten im Klassenzimmer gelehrt werden sollte und zweitens jede neue Aufgabe, für die vorgeschlagen wird Selbststudium sollte auf dem basieren, was zuvor unter Anleitung eines Lehrers gelernt wurde.

„Alle Klassen sollten so angeordnet werden, dass die nächste immer auf der vorherigen aufbaut und die vorherige durch die nächste gestärkt wird“ – Kamensky Ya.

Auf der Grundlage des Vorstehenden wird das Ziel unserer Arbeit die Gestaltung eines Bildungsprozesses sein, der zur Entwicklung unabhängiger Arbeitsfähigkeiten bei Klavierschülern beiträgt.

Lassen Sie uns die Aufgaben definieren, die uns helfen, unser Ziel zu erreichen:

• Bestimmung der wichtigsten Bedingungen, die der Steigerung der Effektivität der selbstständigen Arbeit des Schülers förderlich sind;
• das erworbene Wissen durch Anwendung in der Arbeit an der Arbeit im Unterricht zu festigen;
• Selbständige Arbeit zu Hause geben.

Grundvoraussetzungen für die Entwicklung von Fähigkeiten
selbstständiges Arbeiten der Schüler.

Fangen wir also damit an, dass der Lehrer dem Schüler erklären sollte, wie wichtig die selbstständige häusliche Vorbereitung auf den Unterricht ist und welche Rolle sie für die Weiterentwicklung und Verbesserung des Schülers spielt. Klavierunterricht zu Hause sollte in den allgemeinen Studienkreis des Schülers und in seinen Tagesablauf aufgenommen werden. Gute Ergebnisse sind nicht zu erwarten, wenn Hausaufgaben nicht regelmäßig stattfinden, wenn ein Schüler heute eine halbe Stunde und morgen vier Stunden spielt, wenn sich die Unterrichtszeit täglich ändert.

Es ist extrem wichtig zu machen richtigen Modus. Der Lehrer sollte hier eine große Hilfe sein. Für selbstständiges Arbeiten müssen Sie jeden Tag mehr oder weniger konstante Zeit einplanen. Ein wichtiges Thema ist die Verteilung der Arbeitszeit.

Die Leningrader Pianistin und Lehrerin N. Golubovskaya sagte: „Menschen, die zehn Stunden am Tag spielen, sind die größten Faulpelze. Zehn Stunden lang mit voller Aufmerksamkeit zu spielen, steht nur wenigen zur Verfügung. Normalerweise ist eine solche „Beharrlichkeit“ nichts anderes als der Wunsch, die Arbeit des Bewusstseins durch eine mechanische Aktion zu ersetzen, die keine konzentrierte Aufmerksamkeit erfordert.

Um die Effektivität der selbstständigen Hausaufgaben des Schülers zu erhöhen, besprechen und verteilen wir zunächst die Zeit, die der Schüler für jede Art von Hausaufgaben im Unterricht aufwenden sollte. Zum Beispiel: Skalen - 20.30 Min., Etüden - 30.40 Min., künstlerisches Material - 1 Stunde.

Diese Verteilung der Studienzeit ist sehr bedingt. Letztendlich wird es durch das Unterrichtsmaterial, seine Schwierigkeit und eine Reihe anderer Gründe bestimmt. Darüber hinaus richtet sich die Zeiteinteilung nach den individuellen Bedürfnissen und Fähigkeiten des Schülers. Mit Mängeln im Technisches Equipment Tonleitern, Übungen und Etüden sollte mehr Zeit gewidmet werden. Und umgekehrt, wenn man das erforderliche technische Niveau erreicht hat, kann man den Unterricht an den Stücken vertiefen. Es empfiehlt sich, die für das Selbststudium vorgesehene Zeit in zwei Teile aufzuteilen, z. B. zu halbieren.

Es wird nicht empfohlen, ununterbrochen länger als eine Stunde zu trainieren. Beobachtungen zeigen, dass die Vielfalt der Arbeit - Notwendiges Werkzeug Ermüdung vorbeugen. Langes Arbeiten an homogenen Übungen und monotone Stücke sollten vermieden werden.

Neben der Arbeit mit Schülerinnen und Schülern führe ich Aufklärungsarbeit mit ihren Eltern durch: Ich vermittle ihnen, wie wichtig ihre Beteiligung, Hilfe und Kontrolle ist und wie sie das tun können.

Zunächst können die Eltern den Schüler daran erinnern, dass Unterrichtszeit ist, und sicherstellen, dass der Schüler tatsächlich in der vorgeschriebenen Zeit lernt. In Zukunft muss sich das Kind selbst daran erinnern. Während des Klavierunterrichts ist Stille zu wahren; nichts sollte den Schüler ablenken. Zu Hause müssen Sie bedenken, dass der Musikunterricht viel Aufmerksamkeit erfordert, was nicht einfach zu erarbeiten ist.

In seinen Gesprächen mit den Eltern des Schülers hat der Lehrer immer Recht und betont, wie wichtig es ist, das notwendige Regime für die Hausaufgaben zu erstellen. Letztendlich sollte eine solche Zeitverteilung den Schüler disziplinieren, organisieren und zu einem positiven Ergebnis führen.

Der Prozess der selbstständigen Arbeit des Schülers soll möglichst bewusst erfolgen. Notwendige Bedingung es sollte das Vorhandensein von auditiver Selbstbeherrschung, „Selbstkritik“ und die sofortige Beseitigung der festgestellten Mängel sein. „Während Ihres Spiels“, sagte die herausragende russische Pianistin und Lehrerin A. N. Esipova, „hören Sie ihr die ganze Zeit zu, als ob Sie das Spiel eines anderen hören und es kritisieren sollten.“

Vor Beginn des Unterrichts muss sich der Schüler immer vorstellen, wie diese oder jene Passage des zu studierenden Werkes oder der gesamten Komposition klingen soll. Mit der Arbeit direkt hinter dem Werkzeug zu beginnen und diese Phase zu umgehen, "ist dasselbe, als würde man mit dem Bau eines Hauses beginnen, ohne sein Projekt zu haben." Damit sich der Schüler den Klang des Werkes vorstellen kann, spiele ich das Stück im Unterricht und gemeinsam mit dem Kind analysieren wir die Beschaffenheit der einzelnen Teile und der gesamten Komposition, wie der Schüler am Ende werden muss führe es aus.

Beim selbstständigen Arbeiten ist die kontinuierliche „Kommunikation“ mit dem Text des Lernstoffs sehr wichtig. Durch das Studium des Notentextes versteht der Schüler nach und nach Wesen, Inhalt und Form des Werkes. Die Analyse der Notenschrift des Stückes bestimmt maßgeblich den Verlauf der weiteren Arbeit daran. „Ich schlage vor, dass der Student“, schreibt G. G. Neuhaus, „das Klavierwerk, seine Notenschrift studiert, wie ein Dirigent die Partitur studiert – nicht nur als Ganzes, sondern auch im Detail, indem er die Komposition in ihre Bestandteile zerlegt – die harmonische Struktur , polyphon, schauen Sie sich die Hauptsache separat an - zum Beispiel eine Melodielinie, "sekundär" - zum Beispiel eine Begleitung ... der Schüler beginnt zu verstehen, dass jedes "Detail" Bedeutung, Logik, Ausdruckskraft hat, dass es eine ist organisches „Teilchen des Ganzen“. Bei langsamer Arbeit an den Details der Arbeit sollte man ihre figurative und emotionale Seite nie vergessen. Einfach gesagt, das zugrunde liegende Tempo und der Charakter. Sonst geht es verloren Hauptkriterium Führung der Arbeit an den Details.

Eine interessante Bemerkung von A.B. Goldenweiser zur Wiedergabe von Notentext. Er schreibt: „ Allgemeines Eigentum viele Menschen, die Klavier spielen - von Musikschülern bis hin zu reifen Pianisten, die auf der Bühne auftreten -, dass sie mit großer Genauigkeit Notizen machen, wo sie geschrieben sind, und sie mit der gleichen Ungenauigkeit entfernen. Sie machen sich auch nicht die Mühe, die dynamischen Angaben des Autors zu studieren.

Solche Aussagen herausragender Lehrer lassen uns über die Bedeutung einer korrekten und gründlichen Bearbeitung des Notentextes nachdenken.

Besonderes Augenmerk sollte beim selbstständigen Arbeiten auf rhythmische Disziplin gelegt werden. Der Schüler muss wissen, dass Rhythmus das Grundprinzip ist, das das lebendige Leben der Musik bestimmt. A. N. Rimsky-Korsakov betonte, dass „Musik ohne Harmonie und sogar ohne Melodie sein kann, aber niemals ohne Rhythmus“.

Wir lenken die Aufmerksamkeit der Schüler auf eine Reihe von Wahrheiten, die bei der Arbeit am Rhythmus nicht vergessen werden sollten:

• Zu Beginn der Arbeit an einem Werk muss der Text auf präzise rhythmische „Schienen“ gesetzt werden. Andernfalls ist rhythmische Instabilität unvermeidlich;
• der rhythmische Puls liegt in der Regel in der Hand, wo es weniger Töne gibt.
  „Man muss die Flüssigkeit, den Rhythmus der Bewegung in sich selbst spüren und, nachdem man ihn erst gespürt hat, anfangen, das Stück aufzuführen. Andernfalls erhalten Sie zunächst definitiv eine Reihe chaotischer Sounds und keine Live-Linie.“ – Goldenweiser A .;
• ein triolischer Rhythmus sollte niemals zu einem punktierten Rhythmus werden und ein punktierter Rhythmus zu einer Triole;
• man sollte sich an den weisen Rat von E. Petri erinnern: „Spielen Sie das Ende der Passage, als ob Sie ein Ritenuto machen wollten, - dann kommt es genau im Tempo heraus“ - Eile ist in Höhepunkten nicht akzeptabel;
• eine Pause ist nicht immer eine Geräuschunterbrechung, sie kann Stille, verzögertes und unruhiges Atmen usw. bedeuten. Sein rhythmisches Leben hängt immer von der Art des Werkes, seiner figurativen Struktur ab. Die Dauer einer Pause ist normalerweise länger als die Dauer einer ähnlichen Note.

Dynamische Angaben sollten immer in organischer Einheit mit anderen Ausdrucksmitteln (Tempo, Textur, Harmonie usw.) betrachtet werden, dies hilft, den figurativen und semantischen Inhalt von Musik besser zu verstehen und zu vertiefen.

Es muss daran erinnert werden, dass die Grundlage der dynamischen Ausdruckskraft nicht die absolute Stärke des Klangs (laut, leise) ist, sondern das Verhältnis der Stärke. Typisch ist die Unfähigkeit, den Unterschied zwischen p und pp, f und ff zu zeigen, bei manchen Kindern klingen f und p irgendwo in der gleichen Ebene, in der durchschnittlichen Dynamikzone. Daher die Stumpfheit, Gesichtslosigkeit der Aufführung. N. Medtner betonte die Bedeutung des Verhältnisses der Klangstärken: „Der Verlust des Klaviers ist der Verlust des Forte und umgekehrt! Vermeiden Sie träge Geräusche; mezzo forte ist ein Symptom für Schwäche und Verlust der Tonkontrolle.

Beim Auswendiglernen eines Werkes ist es notwendig, es langsam zu spielen, um technische Schwierigkeiten zu vermeiden, die die Aufmerksamkeit vom Hauptziel ablenken. In jedem gegebenen Moment muss man nicht das Schwierige, sondern das Leichte auswendig lernen, und um leicht zu sein, sollte man langsam lernen. Es ist notwendig, das auswendig zu lernen, was mit dem Bewusstsein vollständig erfasst werden kann und was keine Hindernisse darstellt. In keinem Fall dürfen technische Arbeiten nach Hinweisen ausgeführt werden. Bei der Überwindung technischer Schwierigkeiten spielt das Gehör- und Fingergedächtnis manchmal eine entscheidende Rolle.

Ohne ausreichende Kenntnis des Werktextes sollte man Emotionen nicht „verbinden“, denn außer einem primitiven „Halbzeug“, „Entwurf mit Gefühlen“, bekommt man nichts. Bei der Arbeit an Kantilenenstücken sollte der Pianist darauf achten, die Idee der Vokalität zu bewahren. Es ist notwendig, sich zu bemühen, in sich selbst ein Gefühl der Stimmelastizität und der Spannung melodischer Intervalle zu kultivieren.

In motorischen Werken, bei denen beide Hände gleich spielen schnelles Tempo Es ist notwendig, einen von ihnen (vorzugsweise den linken) wie durch ein „Antriebsrad“ zu fühlen. Bevor Sie mit dem detaillierten Studium eines polyphonen Werks beginnen, ist es äußerst wichtig, sich jede Stimme sorgfältig einzuprägen.

Die Vorbereitung für ein Konzert, auch ein wiederholtes Repertoire, muss nach den Noten erfolgen. Diese Art von Training ermöglicht es Ihnen, die Ungenauigkeiten und Nachlässigkeiten, die das Werk im Laufe der Zeit annimmt, loszuwerden und einen neuen "Atem" des musikalischen Bildes zu entdecken und zu spüren.

Es muss daran erinnert werden, dass es möglich ist, durch Zufall schlechte Leistungen zu erbringen, aber es ist unmöglich, durch Zufall gut zu spielen. Es fordert ständige Selbstverbesserung. Nicht selten stellt sich in der Vorkonzertzeit vor dem Schüler die Frage: Soll auf der Bühne strenge Selbstkontrolle herrschen? Selbstverständlich ist das Vorhandensein von Selbstbeherrschung auf der Bühne notwendig, aber ihr Charakter sollte eher "regulierend", die Musik lenkend sein. Daher haben wir die Hauptbedingungen untersucht, die zur Entwicklung unabhängiger Arbeitsfähigkeiten bei Schülern beitragen. Kommen wir nun zur praktischen Seite unserer Arbeit, um dies anhand eines Beispiels anschaulich zu demonstrieren Musikstück wie diese Bedingungen im Fachunterricht gemeistert werden.

Bildung von Fähigkeiten zur selbstständigen Arbeit des Schülers
bei der Arbeit an einem Musikstück

Wir wählen ein Werk aus, das den Fähigkeiten des Schülers, seinem musikalischen Niveau entspricht und natürlich so, dass es dem Kind gefällt. Für jeden Studententyp essentielle Rolle spielt ein ausgewähltes Repertoire. Es ist notwendig, Stücke auszuwählen, die ihnen im Geiste nahe stehen, Interesse wecken und den Wunsch wecken, sie zu meistern.

Ich spiele das Stück so, dass der Schüler versteht, wie es klingen soll. Gemeinsam mit dem Schüler erstellen wir einen Plan, nach dem er zu Hause arbeiten wird. Dieser Plan wird eine Art Hilfsmittel für die Entwicklung der Selbständigkeit bei den Hausaufgaben des Schülers sein. Zunächst gebe ich einen allgemeinen Arbeitsplan:

• Wir bestimmen die Tonalität, Größe, schauen uns die Zeichen an und finden sie auf der Klaviatur, welche Spieltechniken verwendet werden, Dynamik, Tempo und charakteristische Begriffe, wir finden das Bild.
• Wir finden Teile, wie viele es gibt, wir teilen jeden Teil in Sätze und Phrasen.
• Wir bestimmen, in welche Hand die Melodielinie geht und in welche - die Begleitung. Wenn es sich um ein polyphones Werk handelt, analysieren wir es nach Stimmen, finden das Hauptthema, Echos usw.
• Berechnen und schlagen Sie den Rhythmus an schwierigen Stellen genau, wie z. B. punktierter Rhythmus, nicht übereinstimmende Schläge in jeder Hand, Synkopen, gebundene Noten.
• Wenn es Akkorde gibt, bestimmen wir, was diese Funktionen sind und wie sie aufgebaut sind.
• Wir schauen uns den Fingersatz an und finden seine Bequemlichkeit heraus, wenn er nicht in den Noten steht - wir setzen unsere eigenen ein, wir finden Stellen, an denen es eine schrittweise Bewegung nach oben oder unten, eine Bewegung entlang von Dreiklängen, Sprünge um eine Oktave gibt.
• Wir beginnen die Analyse mit jeder Hand, zählen laut und langsam, während wir versuchen, Striche und Fingersätze zu beobachten. Es ist sehr wichtig, die Qualität des Tons ständig zu überwachen, deshalb fordere ich das Kind auf, seinem Spiel die ganze Zeit aufmerksam zuzuhören, um Selbstbeherrschung zu üben.
• Wenn der Schüler den Text in jeder Hand gut kennt, verbinden wir beide Hände in Sätzen, dann in Sätzen, in Teilen und im Ganzen, wobei wir nicht vergessen, alles zuvor Gelernte zu tun, die Dauer genau einzuhalten und die Hände am Ende genau zu entfernen der Phrasen.

9 Wenn der Text sicher genug gespielt wird, können wir Dynamik, Emotionen, Bilder verbinden, mit dem Tempo arbeiten. Wenn der Text sicher genug gespielt wird, können Sie mit beiden Händen spielen. Auch hier müssen Sie versuchen, kein einziges Detail zu übersehen, lange Noten zu hören, sie nicht fallen zu lassen, die Sätze sorgfältig zu vervollständigen und die Klangqualität zu überwachen.

10. Abschließend wird der Text mit zwei Händen verbunden, souverän nach den Noten gespielt. Jetzt arbeiten wir im Tempo und lernen gleichzeitig den ersten Satz auswendig.

11. Auch hier werden Hausaufgaben aufgegeben, um das Gelernte zu festigen und den zweiten Satz selbstständig auswendig zu lernen.

12. Der nächste Schritt ist das „Einspielen“ in die Arbeit, das Gewinnen von Sicherheit für die Aufführung durch systematische Hausaufgaben und Proben auf der Bühne.

13. Wir beginnen auswendig zu lernen und bereiten uns auf die Aufführung vor.
Voraussetzung für eine erfolgreiche selbstständige Arbeit zu Hause ist die Spezifität der im Unterricht gestellten Aufgaben „Dominanz der Anforderungen“.
Wenn der Student und ich an diesem Plan arbeiten, wenn die Abfolge der Aktionen klar wird, dann beauftrage ich die selbstständige Arbeit zu Hause.

Nach und nach gewöhnt sich der Schüler an diese Reihenfolge und arbeitet ohne Plan – in Eigenregie.

Wenn der Schüler noch klein ist und es ihm schwer fällt, eine so große Menge an Aufgaben zu bewältigen, können Sie nach und nach selbstständige Aufgaben zuweisen, z.

Fazit

Es ist wichtig, dass die Aktivität des Lehrers die Aktivität des Schülers selbst anregt: Wenn der Schüler schöpferisch passiv ist, besteht die erste Aufgabe des Lehrers darin, seine Aktivität zu wecken, ihn zu lehren, Leistungsaufgaben für sich selbst zu finden und zu stellen.

Wenn das Kind diese Fähigkeiten beherrscht, helfen sie ihm letztendlich bei der Vorbereitung auf die Prüfung, bei der Sie eine selbst erlernte Arbeit zeigen müssen, bei der die Hilfe des Lehrers ausgeschlossen ist.

Der Unterricht sollte den Schüler mit klaren Vorstellungen über die Methoden ausstatten, die er in dieser Phase der Arbeit an einem Theaterstück anwenden sollte. In vielen Fällen – aber keineswegs immer – ist es notwendig, dass die neu gestellten Aufgaben teilweise im Unterricht mit Hilfe eines Lehrers gelöst werden: Dann fällt es dem Schüler leichter, selbstständig weiterzuarbeiten. Sehr oft soll der Unterrichtsverlauf ein Prototyp der späteren selbstständigen Arbeit des Schülers sein. Es ist absolut inakzeptabel, dass ein Unterricht das selbstständige Arbeiten ersetzt, so dass es nur noch um die Wiederholung und Festigung des im Unterricht Erreichten geht. Steht zu Beginn der Arbeit am Stück fest, dass der Schüler die an ihn gestellten Aufgaben klar verstanden hat, wäre es zielführender, ihn zu Hause selbstständig weiterarbeiten zu lassen.

Pädagogische Assistenz im Unterricht darf nicht zum sogenannten „Training“ werden, sie unterdrückt die Aktivität des Schülers. Wenn der Lehrer zu viel vorschlägt, mitsingt, mitzählt, mitspielt; in diesem Fall hört der Schüler auf, eine unabhängige Person zu sein, und verwandelt sich sozusagen in einen technischen Apparat, der den Plan des Lehrers umsetzt.

Das Endergebnis eines komplexen Bildungsprozesses ist die Ausbildung eines darstellenden Musikers, der den hohen Zweck der Kunst versteht. Der Lehrer ist gefordert, heute nicht nur das Offensichtliche zu sehen, sondern auch das Schüchterne, Unauffällige einzufangen – was sich heute kaum noch durchsetzt, was vielleicht der Zukunft gehört. Es hängt mehr vom Lehrer ab, ob diese Sprösslinge des Neuen gedeihen oder unbemerkt und ungemutigt verwelken.

Verzeichnis der verwendeten Literatur:

1. Barsukova, S.B. Lustige Notizen 1 Klasse. Sammlung von Klavierstücken. [Notizen]: (F.Jean, K.Jean Invention für zwei Stimmen) / S.B.Barsukova. - Lehrhilfe. - Rostov n / Don.: Phoenix 2006.43p.
2. Kogan, G. Die Arbeit eines Pianisten. [Text] / G. Kogan. - Lernprogramm. – M.: Musik, 1979.–256s.
3. Medtner, N.K. Tägliche Arbeit eines Pianisten und Komponisten. [Text] / N. K. Medtner. - Lehrhilfe. – M.: Musik, 1963.-157p.
4. Natanson, V.A. Fragen der Musikpädagogik. [Text] / V. A. Natanson, L. V. Roshchina. - Werkzeugkasten. – M.: Musik. 1984.–133p.
5. Neuhaus, G. Über die Kunst des Klavierspiels. [Text] / G. Neuhaus. - Methodischer Leitfaden - M .: Music, 1988. - 187 p.
6. Timakin, E.M. Die Ausbildung eines Pianisten. [Text] / E. M. Timakin. - Werkzeugkasten. – M.: Sowjetischer Komponist. 1989. - 143p.
7. Khalabuzar, P.V. Methodik Musikalische Bildung. [Text] / E. M. Khalabuzar, V. S. Popov, N. N. Dobrovolskaya. - Lernprogramm. - M.: Musik 1990-173er.
8 Shchapov, A.P. Klavierpädagogik. [Text] / A. P. Shchapov. - Werkzeugkasten. - M.: Sowjetrussland, 1960. - 169p.

PLANEN

I. EINFÜHRUNG………………………………………………………………………...3

II. ORGANISATION DES BILDUNGSPROZESSES UNTER MODERNEN BEDINGUNGEN……………………………………………………………………………….6

2.1. Das Bild der Schule erstellen ………………………………………………………….6

2.2. Ziele und Ziele, Inhalte, verschiedene Formen der Unterrichtsdurchführung ………...7

2. 3. Vorbereitung des Lehrers auf den Unterricht……………………………………………………….8

2.4. Prüfung des Jobs ……………………………………………………………………………………………………………………………… ……………………………………………………………………………………………………………………………………… ……………………………………………………………………………………………………………………………………… ……………………………………………………

14

2.6. Zusammenfassung der Arbeit, Hausaufgaben ……………………………...16

2.7. Harmonie der Kommunikation………………………………………………………………………………..17

2.8. Organisation der selbstständigen Arbeit des Studierenden ……………………………..19

2.9. Zur Rolle der Familie in der musikalischen Erziehung von Kindern ……………………………20

2.10 . Kommunikationsregeln "Lehrer - Elternteil"…………………………………...22

2.11. Formen der Einbindung der Eltern in die Aktivitäten der Kindermusikschulen……………………24

III. SCHLUSSFOLGERUNGEN……………………………………………………………………….....29

IV. LITERATUR……………………………………………………………………….32

EINLEITUNG

Oft kommt es vor, dass Kinder, die mit dem Wunsch zu lernen in eine Musikschule kommen, nach und nach die Lust am Unterricht verlieren. Sie verlassen die Musikschule oft unterrichtsähnlich nur für ein Jahr, manchmal auch nur für ein paar Monate. Der Studienabbruch von Studierenden während des Studienjahres kann bis zu 10 % betragen. Darüber hinaus spielen viele der Absolventen nach 5-7 Jahren hartnäckiger Arbeit nicht zu Hause, besuchen keine Musikkonzerte und nehmen nicht an Amateuraufführungen teil.

Wie organisiert man also die Arbeit eines Lehrers, einer Schule, damit es solche Probleme nicht gibt?

Schauen wir uns die Gründe für dieses aktuelle Thema an.

Warum lieben Kinder modernen Tanz, haben aber Schwierigkeiten mit Ballett? Auch in der Musikschule – schließlich ist das eine harte Schule des Lebens und kein Urlaub. Stellen Sie einen Privatlehrer ein, der sein Fach liebt, und Sie werden ein reges Interesse in den Augen des Kindes sehen, da es nur das unterrichten darf, was ihm gefällt, und die Anforderungen seinen Fähigkeiten entsprechen. Aber nicht immer arbeiten Menschen, die von ihrer Arbeit begeistert sind, in der Kindermusikschule. Der erste Grund ist also einfach - Kinder mögen keine Musikschulen, weil sie ziemlich streng sind: Weit entfernt davon, dass jedes Kind Prüfungen und Tests vor Publikum bestehen kann, braucht man hier eine gute Nervensystem.

Musik lernen ist keine leichte Aufgabe, es erfordert tägliche Arbeit und Anstrengung. Dies ist selbst für einen Erwachsenen schwierig, was bedeutet, dass das Kind dazu gezwungen werden muss. Leider verstehen nicht alle Schüler und Eltern, dass das tägliche Training das Gehirn und die Kommunikationsfähigkeiten entwickelt, hilft, Faulheit zu überwinden und Charakterstärke zu entwickeln.
Der zweite Grund sind schwache Musikdaten. Die Arbeit mit begabten, berufsorientierten Kindern fällt dank einer starken und berechtigten Motivation, sich Wissen anzueignen, leicht. Solche Kinder brechen die Schule nicht auf halber Strecke ab. Unter denen, die „für sich selbst“ studieren wollen, gibt es auch Studierende mit guten Daten. Da die modernen Bedingungen für die Einschreibung in Kindermusikschulen keine Auswahl nach musikalischen Fähigkeiten beinhalten, steht der Lehrer zwar zunehmend vor dem Problem, Kinder ohne entsprechende Daten zu unterrichten. Für solche Schüler ist es schwierig, dem Lehrplan zu folgen. Sie müssen einen anderen, personenzentrierten Ansatz wählen.

Und es gibt auch eine Kategorie von Eltern, die eine Musikschule als „Begleitprogramm“ wahrnehmen, wo man sein Kind hinbringen kann, damit es „nicht auf der Straße rumhängt“. In diesem Fall wird nicht über den Kauf eines Instruments, den sorgfältigen Besuch und die Erledigung von Aufgaben gesprochen, da dies in solchen Familien der Fall ist niedriges Niveau Kultur gibt es keine Arbeitsorientierung. Und es wirkt sich auch auf den Lernprozess aus.

Was passiert also? Kinder mit unterdurchschnittlichen Fähigkeiten beginnen zu lernen. Aber Probleme zeigen sich ziemlich früh. Mit zunehmenden Schwierigkeiten fühlen sich Schüler mit dem Bildungsprozess überfordert, Lehrer machen weiter, Eltern sind unzufrieden. Diese ersten Fehlschläge Kindheit fallende Hände, mangelnde Bereitschaft, zur Musikschule zu gehen, Depressionen mit sich.

Bei der Aufnahme von Kindern ohne ausgeprägte musikalische Fähigkeiten müssen wir verstehen, dass wir Verantwortung für ihre körperlichen und körperlichen Fähigkeiten übernehmen Psychische Gesundheit, und daher entweder aufhören müssen, sie zu akzeptieren, oder den Bildungsprozess anpassen und neue Programme entwickeln müssen, nach einem modernen Ansatz für den Lernprozess suchen.
Ein weiterer Grund für das Verlassen der Kindermusikschulen ist die hohe Arbeitsbelastung an der allgemeinbildenden Schule. Laut Eltern haben Kinder „keine Zeit, ihre Hausaufgaben zu machen“, weil sie „zur Musik“ laufen müssen, wo auch Unterricht gegeben wird, und die müssen erledigt werden. Es fehlt an Zeit. Aus diesem Grund verlassen auch überdurchschnittlich begabte Jungs die Musikschule.
Einige ambitionierte Eltern streben danach, für ihr Kind zahlreiche Clubs zu besuchen. Infolgedessen kann der Schüler die Menge an Wissen aufgrund einer unmenschlichen Arbeitsbelastung nicht bewältigen, und auch der Besuch der Musikschule bricht ab.
BEIM In letzter Zeit In den Provinzstädten des Landes sinkt das Prestige des akademischen Musikerberufs katastrophal. Was kann eine eigene Musikschule oder Kinderkunstschule für sich tun?

Auf diese Fragen gibt es Antworten. Erstens müssen Sie das Image Ihrer Institution verbessern; zweitens ist es notwendig, dass Lehrer moderne, innovative Formen Arbeit; Drittens ist es notwendig, kompetent mit den Hauptkunden unserer Aktivitäten - den Eltern - zusammenzuarbeiten.

II. ORGANISATION DES BILDUNGSPROZESSES UNTER MODERNEN BEDINGUNGEN
2. 1. Das Image der Schule schaffen

Unter den Uneingeweihten gibt es den Mythos, dass Lehrer von Zusatzbildungseinrichtungen Menschen sind, die weder eine Ausbildung noch eine Berufsausbildung oder angemessene Qualifikationen haben. Auf dieser Grundlage entsteht die Idee der Kindermusikschule sowie einer besonderen Schule im Besonderen.

Wie soll das Image der Weiterbildungseinrichtung aussehen?

Die Außendarstellung ist die Notwendigkeit, die Ziele und Aktivitäten der Schule für alle Gruppen des Zielpublikums ständig zu verbreiten. Dies ist die Erstellung der Schulwebsite, ihre regelmäßige Auffüllung, dies ist die Notwendigkeit, den "externen Verbraucher" durch die Veröffentlichung von Broschüren, Artikeln in Zeitungen, Zeitschriften zu informieren, dies ist die Teilnahme an Veranstaltungen, die eine breite öffentliche Resonanz finden.

Das innere Bild ist die Einstellung der Mitarbeiter und Schüler zur Schule.

Immaterielles Bild - die Atmosphäre der Schule mit ihren etablierten Traditionen sowie emotionale Stimmung Arbeitskräfte.
Das Bild der Schule kann auch aus Details bestehen, die auf den ersten Blick wie Kleinigkeiten wirken: Aussehen Mitarbeiter, deren Freundlichkeit, Höflichkeit sowie die ästhetische Gestaltung von Klassenzimmern, Fluren, Ordnung in der Garderobe, Sauberkeit und gepflegte Treppenläufe, Landschaftsgestaltung der Schule.

Ziel der Schulleitung ist es, das Image der Einrichtung zielgerichtet zu gestalten und sich dabei auf die Zielgruppe – Eltern der Schüler, Schüler selbst, Sozialpartner und Medien – zu konzentrieren.

2.2. Ziele und Ziele, Inhalte, verschiedene Formen des Unterrichts Ein Unterricht in Kindermusikschule und Kinderkunstschule ist besondere Art Aktivitäten, die dem Unterricht in einer Gesamtschule nicht ähneln. Dies ist eine Einzelstunde eines Lehrers mit einem Schüler, deren Ziel es ist, das Spielen eines Musikinstruments zu beherrschen, und die Aufgaben darin bestehen, die Liebe zur Musik einzuschärfen und zu offenbaren Kreativität, Horizonte erweitern, die Intelligenz des Schülers steigern.

Jede Lektion sollte der Erledigung einer Aufgabe gewidmet sein. Je nach Aufgabenstellung kann der Unterricht in folgende Typen eingeteilt werden:

1. Lektion, die dem Studium von neuem Material gewidmet ist,

2. Lektion - Fehler korrigieren,

3. Lektion - Vertiefung des behandelten Stoffes.

4. Kombinierter Unterricht.

Die letzte Unterrichtsform ist für eine Musikschule am besten geeignet.

In modernen allgemeinbildenden Schulen die folgenden Arten Unterricht: theoretischer Unterricht, praktischer Unterricht, selbstständiges Arbeiten, Vortrag, Gespräch, Seminar, Exkursion, Konzert, Filmunterricht, Konferenz, Kollektivanalyse, Kontrollunterricht. Je mehr Möglichkeiten aus dieser Vielfalt der Musiklehrer im Fachunterricht nutzen kann, desto länger bleibt das Interesse des Schülers am Instrument erhalten.

Der Inhalt des Unterrichts und seine Struktur hängen von vielen Faktoren ab: vom Zweck der Ausbildung - berufsorientiert oder im Rahmen der allgemeinen Musikausbildung durchgeführt, davon, ob es sich um ein spezielles oder zusätzliches Instrument handelt.

Der Inhalt des Unterrichts wird durch den individuellen Stil des Lehrers bestimmt. Gleichzeitig beschäftigt sich letztere nicht nur mit unterschiedlichen Schülern auf unterschiedliche Weise: Die Techniken und Arbeitsmethoden bleiben während des Unterrichts mit demselben Schüler nicht unverändert.

Die Organisation des Unterrichts hängt von vielen anderen Dingen ab: von wem er gegeben wird, wann er abgehalten wird, auf welchem ​​Repertoire in Arbeit. Hausaufgaben anhören, mit dem Schüler am Programm arbeiten und eine neue Aufgabe - das sind die festen Teile des Unterrichts, sein Hauptinhalt, aber seine Struktur ist sehr unterschiedlich.

Der Unterrichtsverlauf hängt von vielen Umständen ab. Zum Beispiel, in welcher mentalen und körperlichen Verfassung sich der Student befindet. Wenn er beispielsweise müde geworden ist, ist es besser, mit einfachen Aufgaben zu beginnen und sich allmählich „aufzuwärmen“. Mit denen, die in guter Verfassung sind, können Sie sofort zum Schwierigsten übergehen. Die Reihenfolge der Arbeit hängt von der Art und dem Umfang des Schulungsmaterials ab. Und schließlich kommt es auch darauf an, wann der Unterricht stattfindet (ob Kennenlernen eines neuen Repertoires oder der letzte Unterricht vor der Prüfung).

Im Unterricht sollte es Raum geben, über Musik zu sprechen und nicht nur darüber. Im Prozess der Kommunikation mit dem Schüler hat der Lehrer einen vielseitigen Einfluss auf die Bildung seiner Persönlichkeit, trägt zur Entwicklung des ästhetischen Geschmacks bei, erweitert seinen Horizont und bildet den Charakter. Dann wird der Unterricht, so Arthur Rubinstein, „zu einer Form menschlicher Kommunikation“, bei der aus Schülern Gleichgesinnte und Freunde werden.

2. 3. Vorbereitung des Lehrers auf den Unterricht

Die Unterrichtsplanung durch den Lehrer in der gegenwärtigen Phase ermöglicht es, Zeit zu sparen. Dazu ist es notwendig, sich vorzustellen, in welcher Reihenfolge er das musikalische Material bearbeiten wird, welche pädagogischen Techniken er anwenden wird, was er mit dem Schüler nicht nur in dieser Unterrichtsstunde erreichen, sondern auch das Endergebnis aller Arbeit darstellen möchte .

Eines der wichtigsten Anliegen des Lehrers ist die Wahl des Programms für den Schüler. Die darin enthaltenen Arbeiten sollten im Rahmen der Kräfte des Schülers liegen. Und damit die vom Lehrer ausgewählten Musikwerke dem Geschmack des Schülers entsprechen, müssen seine Wünsche berücksichtigt werden. Oft sprechen Kinder, die im Unterricht oder in der Prüfung ein interessantes Stück gehört haben, von ihrem Wunsch, es auch zu spielen. Es ist notwendig, diese Arbeit zur Kenntnis zu nehmen und im Voraus in einen individuellen Plan einzutragen.

Es ist notwendig, individuelle Pläne sehr sorgfältig zu erstellen. Schieben Sie die Arbeit an ihnen nicht auf! Aus pädagogischer „Faulheit“ muss man dann entweder viel ändern oder sich mit einer erfolglosen Auswahl einiger Stücke abfinden, die der Schüler nicht kann.

Ein individueller Plan muss wirklich individuell sein und der Aufgabe entsprechen, einen bestimmten Schüler zu erziehen. Fügen Sie Kompositionen in den Plan ein, die helfen würden, den Schüler lebendiger und früher zu offenbaren, um alle besten Neigungen seiner Natur zu entwickeln.

Einige Schüler beginnen, nachdem sie lange Zeit Werke gespielt haben, die ihnen nicht gelingen, ohne Interesse zu arbeiten und verlieren das Vertrauen in ihre Stärke. Um Mängel zu beseitigen, ist es in der Regel ratsam, eine Arbeit zu wählen, die der Individualität des Schülers nicht zu fremd ist, ihr aber in gewissem Maße nahe kommt, aber gleichzeitig die Möglichkeit bietet, an ihrer Beseitigung zu arbeiten. Dann fühlt er sich sicherer und kann die bestehenden Schwierigkeiten leichter bewältigen.

Nachdem der Lehrer ein Programm für die Klasse ausgewählt hat, muss er es selbst beherrschen. Meistern bedeutet, den Text gründlich zu überdenken: über die Merkmale der Werkstruktur, seine harmonische, rhythmische Sprache, über die Ausdrucksmittel. Und auch abzuschätzen, was für den Schüler schwierig sein kann und wie man ihm helfen kann.

Das Programm zu beherrschen bedeutet auch, es selbst ausführen zu können. Denken wir an den Ausdruck „pädagogisches Repertoire“. Im Gegensatz zum Konzertrepertoire ist das pädagogische Repertoire eine Goldreserve, die der Lehrer-Musiker anhäuft, um sie vor dem verantwortungsbewusstesten Publikum – seinen Schülern – einzusetzen. Leider sind viele Lehrer in der Lage, nur die wichtigsten thematischen Materialien, die im Unterricht gelernt wurden, „durchzuspielen“. Ohne die Musik richtig durch seine Finger, Muskeln und Nerven zu führen, kennt der Lehrer sie nur oberflächlich und kann sie daher nicht vollständig unterrichten. Schüler, die ein Musikstück, das von einem solchen Lehrer vorgetragen wird, nicht vollständig hören, werden der Möglichkeit beraubt, zu beobachten, wie es aus einem Notentext nachgebildet wird. So geht der Kontakt zum Lehrer verloren, Misstrauen entsteht und das Desinteresse wächst.

Das Repertoire der Schüler in der Musikschule wird nach und nach gebildet. Oft neigen junge Pelagogen, die gerade ihr eigenes Studium abgeschlossen haben, dazu, die Schüler lernen zu lassen, was sie, wie sie sagen, „in den Fingern“ haben. Daher die Überschätzung der Schwierigkeit von Studentenprogrammen und langweiligen Darbietungen.

Ein weiteres häufiges negatives Phänomen ist die Monotonie des Bildungsrepertoires. Dies geschieht, wenn der Lehrer den Schülern die gleichen "Markenstücke" gibt. Vergessen wir nicht, dass die ständige Aktualisierung des pädagogischen Repertoires ein sicheres Zeichen für ein hohes professionelles Niveau eines Lehrers ist. Machen Sie sich Notizen von Standorten, tauschen Sie sich mit Kollegen aus, suchen Sie nach etwas Neuem, Ungewöhnlichem!

Auch das Nachdenken über Inhalte und Ablauf des Unterrichts gehört zur Unterrichtsvorbereitung. Das Leben wird sicherlich Anpassungen am ursprünglich entwickelten Plan vornehmen, aber wie die Erfahrung zeigt, erweisen sich improvisatorische Abweichungen vom bereits Geplanten als umso produktiver, je besser der vorgeplante Plan durchdacht ist. Schablonenunterricht ist einfach nicht geplant, nicht im Voraus durchdacht. Wie S. Savshinsky sagte, beinhaltet Improvisation "ein bestimmtes Thema und nicht das Segeln ohne Ruder und Segel im Meer der Gelehrsamkeit". Wenn Sie an die bevorstehende Lektion denken, müssen Sie sich daran erinnern, worum es in der vorherigen Lektion ging und wie sie gelaufen ist, und sie kritisch bewerten. Der Stimulus des Neuen impliziert, dass es im Unterricht immer etwas Neues gibt: Begeisterung, eine Spielsituation, das Unerwartete eines bestimmten Moments im Unterricht.

Das Repertoire sollte nicht nur interessant, sondern für den Schüler zugänglich und bequem sein. Die Bequemlichkeit des Repertoires liegt in seiner Wiedergabe auf der Bühne. Und wenn es für den Schüler schwierig oder umgekehrt einfach und uninteressant ist, fühlt sich das Kind auf der Bühne unwohl, dann lässt seine Aktivität im Klassenzimmer nach und die Aufmerksamkeit wird zerstreut. Daher ist der Erfolg auf der Bühne ein weiterer Anreiz, Interesse zu entwickeln. Es kann jedoch unter folgenden Bedingungen erreicht werden: ein klares Bewusstsein für die Werke, die auf der Bühne erklingen; ein Gefühl für die Zuverlässigkeit ihres Wissens, ihrer Fähigkeiten; ein klares Verständnis der Ursprünge ihres Versagens.

Schüler werden auf der Bühne nach Erfolg streben, wenn der Lehrer oder ein Lehrerteam für sie verschiedene Arten von Wettbewerben organisieren würde, darunter ein Konzert oder einen Wettbewerb. Bei einem Konzert oder Wettbewerb versuchen die Schüler, ihre Rivalen zu schlagen, was zu einer Steigerung ihrer Fähigkeiten führt. Deshalb soll Musikunterricht unterhaltsam sein. Der Lehrer wird daher bei Kindern ständig emotionale Reaktionen hervorrufen, denn wenn dies nicht der Fall ist, werden die Schüler keinen Stoff gut beherrschen.

Bei der Auswahl eines musikalischen Repertoires muss der Lehrer berücksichtigen, welche Art von emotionaler Reaktion das Kind haben wird. Für den Schüler ist also nicht jedes Element der Arbeit einzeln wichtig, sondern welche Emotionen sollen durch die Gesamtheit solcher Elemente geweckt werden. Ausgewählte Werke spielen eine entscheidende Rolle bei der musikalischen Geschmacksbildung und Entwicklung Leistungsfähigkeiten junge Musiker.

Ein Eindruck ist eine Erfahrung, in der die Welt mit einer emotionalen Essenz erfasst wird. Eindrücke allein spielen in der Bildung jedoch keine entscheidende Rolle. Außerdem kann im Klassenzimmer nicht alles Kinder beeindrucken. Deshalb muss der Lehrer ein lebendiges Repertoire wählen, damit zumindest ein Teil des Unterrichts reich an Eindrücken ist.
Im Unterricht ist es notwendig, eine freundliche, kreative Atmosphäre zu schaffen, in der das Kind seine Fähigkeiten voll entfalten kann. Der Student sollte alles über die aufgeführten Werke wissen: zu welcher Zeit der Komponist lebte, welche Werke er geschrieben hat, zu welcher Gattung dieses Werk gehört, und wenn es sich um ein Volkswerk handelt, dann kann es mit einigen Ritualen, Feiertagen oder Ereignissen in Verbindung gebracht werden das sind auch notwendige wissen. Der große russische Schriftsteller L.N. Tolstoi sagte zu Recht: "Damit ein Student gut lernen kann, muss er bereitwillig lernen." Und wenn es ein stetiges Interesse eines jüngeren Musikers gibt - eines Schülers im Unterricht und es wird von einem Lehrer unterstützt, kann sich das Kind harmonisch entwickeln und in Zukunft ein professioneller Künstler werden.

2.4. Job-Verifizierung

Der erste Bestandteil des Unterrichts ist die Überprüfung der Hausaufgaben. Wie sollen Hausaufgaben kontrolliert werden?

Hören Sie sich bis zum Ende alles an, was der Schüler zum Unterricht mitgebracht hat. Erstens können Sie sich auf diese Weise eine klarere Vorstellung von seinen Hausaufgaben machen; zweitens gewöhnt sich der Schüler, der sich psychisch an die Notwendigkeit des ununterbrochenen Spielens gewöhnt, daran, alle seine Kräfte auf diese Aufgabe zu konzentrieren, und entwickelt so die notwendigen Spielqualitäten in sich.

Wenn klar ist, dass das Kind an dem Stück gearbeitet hat, ist es sinnvoll, die Leistungen zu notieren, um es zu ermutigen. Überfordern Sie die Aufmerksamkeit des Schülers nicht mit zu vielen Bemerkungen!

In der methodischen Entwicklung wurde zu Recht immer wieder die Methode der sogenannten "Passing Corrections" verurteilt, bei der der Lehrer, dem Schüler zuhörend, anfängt, ihn zu unterbrechen und Anweisungen zu geben. Die „Methode des Passierens von Korrekturen“ ist unökonomisch im Zeitaufwand und irrational. Nicht verwandte Anweisungen werden viel schwieriger gelernt und weniger erinnert. Erfahrener Lehrer lenkt die Aufmerksamkeit des Schülers auf das Wichtigste allgemeinen Charakter Ausführung, an wichtige Details, für grobe Fehler. Und erst später, allmählich, geht er zu weniger wichtigen Einzelheiten über.

Zu häufiges Aufführen durch den Lehrer oder das obligatorische Spielen jedes neuen Stückes kann die Entwicklung der Schülerinitiative verlangsamen. Die Aufführung der Komposition als Ganzes ist nützlich, entweder in der Anfangsphase ihres Studiums, um das Kind zu interessieren, oder am Ende, wenn sie helfen kann, das Stück zusammenzusetzen, die Form besser zu fühlen, tiefer in die Musik einzudringen Bild. Die Aufführung des Werkes vor Beginn der Arbeit erfolgt, da es für den Schüler schwierig ist, einige Kompositionen selbstständig zu verstehen, und das Studium ohne vorheriges Kennenlernen langsam und träge voranschreitet. Wir müssen auch den großen pädagogischen Wert von Noten berücksichtigen. Bewertungen abgeben, moderne Pädagogen Es muss ganz sicher sein, dass der Schüler versteht, warum er eine bestimmte Punktzahl erhalten hat.

Um das Interesse aufrechtzuerhalten, ist es notwendig, die Hausaufgabenprüfungen zu diversifizieren. Lassen Sie in Ihrer Praxis einen Unterricht erscheinen, in dem der Schüler die Rolle eines Lehrers „bekommt“, sich selbst bewertet und den Unterricht anstelle des Lehrers „leitet“. Natürlich ist dies nur ein Spiel. Aber mit dieser „Gewöhnung“ wird das Kind sowohl die Probleme als auch die Schwierigkeiten der Arbeit des Lehrers verstehen und in Zukunft verantwortungsvoller in seiner Arbeit werden und sie besser ausführen.

2.5 Arbeiten an Werken

Diese gemeinsame Arbeit am Programm – der zweite Bestandteil des Unterrichts – nimmt einen großen Teil ein.

Der Unterricht verwendet verschiedene Methoden, um dem Schüler zu helfen, die Natur der gespielten Musik zu verstehen und gute Ergebnisse zu erzielen. Meistens ist dies der Lehrer, der eine Musikkomposition vollständig oder in Fragmenten und verbalen Erklärungen spielt.

Die fruchtbarste und natürlichste Methode, hinter dem Instrument zu zeigen, ist, wenn der Lehrer dem Schüler das zu bearbeitende Stück ganz oder in Fragmenten vorspielt. „Wiederhole“, sagt der Lehrer, und der Schüler versucht, den Vorschlag nachzuahmen. Das Kopieren ist eine notwendige Form der Arbeit, um pianistische (und nicht nur) Fähigkeiten zu meistern. Beim Nachahmen können Sie Erfahrungen sammeln und sich mit verschiedenen Spieltechniken vertraut machen, wie sie sagen, "holen Sie sich Ihre Hand".

Wenn Sie über die Show sprechen, können Sie noch eine Sache ansprechen. Wie soll der Schüler spielen? Mit voller Kraft und so gut wie möglich? Wir müssen uns daran erinnern, dass die Unzugänglichkeit des Modells dem Kind die Lust am Lernen nehmen kann („Ich kann immer noch nicht so spielen ...“). Ohne die hohe Qualität der Darbietung zu verlieren, muss der Lehrer die Fähigkeiten des Schülers berücksichtigen und ihm die künstlerische Höhe demonstrieren, zu der er durchaus fähig ist.

Eine Variation der Anzeige, die sich auf einen bestimmten Schüler konzentriert, ist die Anzeige, auf die in Bezug genommen wird Methodische Literatur"Führer". Ausgehend von den Besonderheiten des Spiels des kleinen Musikers hebt der Lehrer die Momente, auf die er aufmerksam machen möchte, gezielt hervor, stellt sie besonders prominent dar. Zum Beispiel übertreibt es dynamische Nuancen, die vom Schüler unzureichend erkannt werden, betont stimmlose Bässe, lässt Tempofreiheit zu, wenn das Kind zu metrisch spielt, und so weiter. Die Effektivität eines solch hellen Displays ist extrem groß.

Eine solche methodische Technik ist auch möglich, wenn der Lehrer absichtlich falsch spielt und fragt: „Warum hat sich das schlecht angehört? Was habe ich falsch gemacht?" Sie können auch gelegentlich den Spielstil des Schülers nachahmen und ihn in übertriebener Form darstellen. Das ist sehr starkes Heilmittel aber mit Vorsicht zu verwenden. Und der Punkt ist nicht nur, dass dies den Stolz eines jungen Musikers verletzen kann. Die von außen vernommenen „Unregelmäßigkeiten“ des eigenen Spiels können sich einprägen auditives Gedächtnis, und das Ergebnis wird genau das Gegenteil sein.

Eine andere Technik scheint N. Korykhalova äußerst effektiv zu sein. Wir sprechen von der Transformation des Notentextes, um die Bedeutung von Musik besser zu verstehen. A. Schnabel verwendete diese Technik oft, er bot dem Studenten an, verschiedene (melodische, rhythmische, harmonische) Optionen auszuprobieren, stellte sich vor, wie der Komponist seine musikalischen Gedanken auf andere Weise ausdrücken könnte, und versuchte zu verstehen, warum er eine solche Lösung gewählt hatte.

Die moderne Musikpädagogik zeichnet sich durch folgende Haupttendenzen aus: die Einbeziehung der Musik in das Gesamtsystem der harmonischen Erziehung des Einzelnen, die Erweiterung der Repertoiremöglichkeiten, die Bereicherung des Repertoires durch Alte Musik, moderne Musik, große Aufmerksamkeit für die Entwicklung der Hörbildung und der kreativen Fähigkeiten der Schüler, die Schaffung eines besonderen musikalischen Umfelds für die umfassende Bildung des Kindes, die Stärkung der Intensivierung des pädagogischen Prozesses, Spezialbehandlung Traditionen im Bereich Musikpädagogik. Daher ist es heute ratsam, verschiedene Methoden im Unterricht anzuwenden - traditionelle und innovative (Gnessina, Feigin-Kalantarova, Isenko, Smirnova, Maltsev, Autorenmethoden von Artobolevskaya, Bryansk, Krivitsky, Maltsev, Mylnikova, Smirnova, Timakin, Turgenev und andere) . Damit der Schüler das Interesse am Unterricht nicht verliert, sollten die sogenannten "unterhaltsamen" Methoden (Green, Nikolskaya, Bogino, Malakhova) einbezogen werden.

2.6. Zusammenfassung der Arbeit, Hausaufgaben

Die dritte und letzte Komponente des Unterrichts ist die Formulierung einer neuen Aufgabe, die dem Schüler Hausaufgaben bereitstellt.

Ein moderner Lehrer muss sich daran erinnern, dass die Aufgabe für den Schüler machbar, verständlich und interessant sein sollte. Ob es gelungen ist, die Aufgabe so zu formulieren, dass die Arbeit zu Hause nicht umsonst war, ob das Kind produktiv war, wird sich in der nächsten Stunde daran zeigen, wie es spielen wird. Stellt sich der Schüler nicht nur die Menge des zu lernenden Stoffes klar vor, sondern auch die Art der Bearbeitung. Zu diesem Zweck und auch um das Wichtigste von dem, was zu ihm gesagt wurde, im Gedächtnis des Kindes festzuhalten, ist es nützlich, am Ende der Stunde geeignete Fragen zu stellen. Und lassen Sie das Kind sich selbst eine Note für die Hausaufgaben geben und das Ergebnis in der nächsten Stunde melden. Die Fähigkeit, sich selbst einzuschätzen, trägt zu einem besseren Unterricht bei, entwickelt die Verantwortung und Ehrlichkeit des Kindes und fördert natürlich das Interesse.

Der Reiz der Noten wirkt sich auch auf den Schüler aus. Die Bewertung durch den Lehrer kann beim Schüler unterschiedliche Emotionen hervorrufen. Daher muss der Lehrer bei der Benotung äußerst vorsichtig sein und die Persönlichkeit des Schülers berücksichtigen, da sie die Frucht seiner Bemühungen sind. Warum mögen Studenten - Verlierer schließlich kein Fach? Denn in ihnen kann sich das Bewusstsein etablieren, dass sie nichts wissen und zu nichts fähig sind. In diesem Fall hören sie in der Regel auf, dieses Geschäft zu machen. Daher muss sich der Lehrer unbedingt auch auf kleine Siege konzentrieren.

2.7. Kommunikationsharmonie.

Kinder, Eltern, Lehrer – alle sind Teilnehmer am Bildungsprozess. Und die Qualität unserer Kommunikation beeinflusst die Qualität der Bildung, das günstige Umfeld in der Schule.

Voraussetzungen für eine harmonische Kommunikation sind Offenheit, Vertrauen, Vergebungsfähigkeit, Weisheit, gegenseitiges Verständnis, die Fähigkeit zuzuhören und dem anderen zuzuhören. Die Eigenschaften eines Lehrers, die für eine erfolgreiche Kommunikation mit Schülern notwendig sind, sind Ehrlichkeit, Toleranz, Freundlichkeit, Toleranz, Konfliktfreiheit. Persönlichkeitsmerkmale, die behindern gelungene Kommunikation- Reizbarkeit, schlechte Manieren, Inkontinenz, Konflikte, Betrug.

Wie organisieren Sie die Kommunikation Ihrer Schüler mit dem Klassenlehrer in der Musikschule?

Heute beschweren wir uns oft, dass Kinder gleichgültig, wütend, egoistisch geworden sind. Aber sie werden nicht so geboren, wir Erwachsenen erziehen sie so. Daher müssen wir bei unserer Arbeit besonders auf „Kommunikationsstunden“ achten, in denen Sie mit den Jungs die Interessen und Probleme verschiedener Altersgruppen diskutieren können.

Entwickeln Sie "Klassenregeln" bei allgemeinen Klassentreffen, studieren Sie die Memos, Schulempfehlungen. Versuchen Sie sicherzustellen, dass diese außerschulischen Aktivitäten das Klassenteam vereinen, damit sich jeder Ihrer Schüler in der Schule wohlfühlt.

Durch Fragebögen untersuchen Sie nicht nur Schüler und ihre Eltern, sondern auch die psychologische Situation in der Familie. Aber niemals Geheimnisse preisgeben! Dann werden Kinder ihre Seelen für Sie öffnen und Sie werden viel mehr über sie lernen können.

Dem Lehrer stehen viele Mittel und Wege zur Verfügung, den Schüler bei der Arbeit im Unterricht an seinem zu beeinflussen Spielprogramm. Ausdrucksstarke Gesten und Gesichtsausdrücke können die Leistung des Schülers während des Spiels leicht kontrollieren. Obwohl das stärkste Mittel, ein Kind zu beeinflussen, natürlich das Wort ist. Es ist keine Sünde für alle Lehrer, der Korrektheit ihrer Sprache zu folgen. Umgangssprachliche Ausdrücke, Prosaismen und jegliche Gewalt gegen die russische Sprache sind im Unterricht unangebracht (Beispiel: „mit getrennten Händen spielen“ statt „jede Hand einzeln“).

Was sollte die Rede des Lehrers unserer Zeit sein? Kompetent, prägnant, klar, hell, nicht buchstäblich, nicht trocken, bildhaft, lexikalisch reich. Man muss in der Lage sein, jene Worte zu finden, die in der Lage sind, die Art der Arbeit zu bestimmen, und eine Vorstellung von der Klangfarbe zu geben und die Wirkung bei der Verwendung des Pedals zu vermitteln.

Die Fähigkeit, über Musik zu sprechen, hilft, ihre schwierige Sprache zu verstehen. Mit nur einem richtig gefundenen Wort-Extrakt ist es möglich, der Aufführung den gewünschten Charakter zu geben („erschreckend“, „jubelnd“, „traurig“, „triumphierend“, „schüchtern“, „stolz“ usw.). Ein gezieltes Wort kann das Wesentliche ausdrücken technischer Empfang, weisen auf die notwendigen Muskelempfindungen hin, vermitteln die Art der Bewegung.

Bei all dem muss daran erinnert werden, dass der Unterricht kein Monolog des Lehrers ist. Wäre er dreimal Chrysostomus, aber Reden bringen nicht den gewünschten Nutzen, wenn die Antwort das Schweigen des Kindes ist. Es ist notwendig, mit dem Schüler nicht nur für Feedback mit ihm zu sprechen. Natürlich wird der Dialog zwischen Lehrer und Schüler ständig in der Sprache der Musik geführt, aber das „Gespräch“ zweier Klaviere reicht nicht aus, es bedarf auch des Austauschs von Gedanken, Gefühlen und Überlegungen zu den einstudierten Werken.

2.8. Organisation der selbstständigen Arbeit des Studierenden.

Häufiger beginnen Kinder zeitgleich mit dem Musikstudium an einer Gesamtschule und wissen mangels ausreichender Erfahrung nicht, wie sie den notwendigen Tagesablauf organisieren sollen. Wie kann ein Musikschullehrer in diesem Fall helfen?
Für den Musikunterricht sollten bestimmte, konstante Stunden eingeplant werden, wobei zu berücksichtigen ist, dass das Kind 2-3 mal täglich 20-30 Minuten beschäftigt ist. Eltern müssen erklären, dass sie sich nicht in den Unterrichtsablauf einmischen sollten, denn unprofessionelle Bemerkungen können der Arbeit nur schaden.

Im Tagebuch spiegelt sich der Bildungsprozess in spezifischer Form wider, die Schwerpunkte der Arbeit des Lehrers werden sichtbar. Die Noten werden im Tagebuch eingetragen. Im Fall von schlechte Note, sollten die Eltern auf dieses „Alarm“-Signal reagieren und sofort den Lehrer kontaktieren, um dem Kind zu helfen, etwaige Versäumnisse rechtzeitig zu korrigieren.

Es gibt Kinder, die sind faul und erfüllen nicht immer die Anforderungen des Lehrers. Manchmal schreibt der Lehrer also, dass jedes Lied 10 Mal gespielt werden muss, aber „Ich möchte nicht 10 Mal spielen“. Hier können die Eltern helfen, die Aufgabe zu erledigen, ohne auf Zwangsmaßnahmen zurückzugreifen, und tun dies vom Kind unbemerkt (wie ein schlecht essendes Kind, um sich zu sättigen, bitten sie es, für seinen Vater, seine Mutter, seine Großmutter usw. zu essen). Nutzen Sie diese Möglichkeit!

Oft haben Eltern keine Zeit, neben einem kleinen Musiker zu sitzen, dann können Sie Spielzeug verwenden, für das er spielen wird, oder Buntstifte, um die gespielte Menge zu zählen.

Das Kind arbeitet mit großem Verlangen, wenn es Interesse an seiner Arbeit zeigt, daher ist es notwendig, zu Hause regelmäßige Musikaufführungen der gelernten Lieder zu arrangieren.

Lassen Sie die Eltern ihre eigene Musikbibliothek aus Noten und anderer Musikliteratur, einem Ordner mit gedruckten Noten, den eigenen Kompositionen des kleinen Musikers aufbauen.
All dies zusammen entwickelt und führt Kinder in die Musik ein und erhöht das Interesse am Unterricht.

2.9. Zur Rolle der Familie in der musikalischen Erziehung der Kinder.

„Gute Eltern (für ein Kind) sind wichtiger als gute Lehrer», - bemerkte der herausragende Pianist Heinrich Neuhaus in einer seiner Studien. In der Tat sind die Bemühungen selbst der größten Lehrer erfolglos, wenn die Eltern eines Kindes, das an der Kindermusikschule studiert, der Musik gleichgültig gegenüberstehen. Aber es sind die Väter und Mütter, die das Baby mit Liebe für diese Art von Kunst „anstecken“ können, Interesse wecken, indem sie zu Hause Musik hören, Musik spielen, Konzerte besuchen. Heutzutage ist das persönliche Interesse an der Fortsetzung der gesamten musikalischen Bildung des Kindes sehr wichtig.

Es ist sehr wichtig, dass der kleine Musiker im Prozess der Beherrschung musikalischer Fähigkeiten nicht mit den auftretenden Schwierigkeiten allein gelassen wird. Mama, Papa, Schwester, Bruder, Oma, Opa können zu unentbehrlichen Helfern im täglichen Lernen werden, auch wenn sie selbst kein Musikstudium absolviert haben und kein Musikinstrument spielen können. Wir betonen die Worte „tägliches Lernen“, weil der Schüler vom ersten Schritt an tägliche Hilfe braucht, um neue Dinge zu meistern. Nur mit solcher Hilfe wird die Musik für ihn zum Leben und nicht nur zum Unterricht.

Aufnahme in eine Musikschule große Veranstaltung für ein Kind. Eltern sollten jedoch gewarnt werden, dass sie Geduld haben und zusammen mit ihren Kindern lernen müssen, um dem Schüler rechtzeitig helfen zu können, insbesondere in einem frühen Stadium. Es ist notwendig, sich persönlich an der Schaffung eines musikalischen und pädagogischen Umfelds zu Hause zu beteiligen. Es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass das Kind mit Freude und Interesse musizieren sollte.
Ein weiteres Problem für Kinder des ersten und sogar des zweiten Studienjahres ist der Stundenplan. Immerhin trägt die Kindermusikschule zwar die Funktion der zusätzlichen Bildung, aber hier der gleiche Bildungsprozess wie in der Hauptschule. Und Unterricht und Stundenplan und Unterrichtsmaterial. Kinder kommen mal zu spät, mal vergessen sie zu kommen, verwirren den Unterricht, vergessen Notizen für eine Unterrichtsstunde und dergleichen, und hier ist natürlich die Hilfe der Eltern gefragt. Es ist notwendig, den Stundenplan mit den Kindern zu lernen und gemeinsam einen Zeitplan für den Musikunterricht für jeden Tag zu erstellen. Der Lehrer kann mit seinem Telefon die allgemeinen Telefonnummern der Einrichtung in einem Stundenplanformular angeben. Die Eltern müssen das Kind pünktlich zum Unterricht schicken, prüfen, ob es alles Notwendige für den Unterricht mitgenommen hat, das Tagebuch überprüfen. Natürlich reicht der Lernwunsch des Kindes allein nicht aus. Mütter und Väter müssen mehr Interesse an dem zeigen, was Ihr Kind tut. Er sollte sich unterstützt und an seinem Erfolg interessiert fühlen. Dies wird in ihm den Wunsch stärken, fleißig Musik zu studieren.
Das vielleicht Schwierigste beim Lernen an einer Kindermusikschule ist die Organisation des Selbststudiums. Kinder lernen in zwei Schulen, und meistens sind sie Aktivisten bei anderen gesellschaftlichen Veranstaltungen. Deshalb ist es sehr wichtig, sich zu organisieren Freizeit damit der Schüler sich entspannen und Zeit für die musikalische Vorbereitung finden kann. Lassen Sie es mindestens eine halbe Stunde sein - eine Stunde, aber es wird täglich sein. Und vor allem muss es effektiv sein. Schützen Sie Ihr Kind für diese Zeit vor allem, was es ablenken könnte (Fernseher, Computer, Nebengeräusche). Achten Sie darauf, dass nichts die Aufmerksamkeit des Kindes während des Unterrichts ablenkt, der Unterricht sollte ruhig und möglichst gleichzeitig verlaufen.
Das Thema Freizeitgestaltung ist für Gymnasiasten sehr akut. Abschlussschüler bereiten während des Schuljahres das Abschlussprogramm vor und glauben, dass noch viel Zeit vor ihnen liegt. Aber eine solche Meinung ist falsch. Das Programm ist sowohl für die Ausführung als auch für die Dauer sehr schwierig. Deshalb müssen Sie es souverän vorbereiten, alles zum Automatismus bringen, damit keine Aufregung die letzte Aufführung stört. Und dafür ist es notwendig, sich von den ersten Tagen an ernsthaft auf die Abschlussprüfung vorzubereiten.

Wie die Erfahrung zeigt, ist bei den Absolventen eine ständige Kontrolle unter Einbeziehung der Eltern notwendig.
Auf diese Weise können Eltern gleichgesinnte Lehrer-Musiker von Kindermusikschulen werden, wenn sie das Kind an die Musik heranführen.
Die Familie ist der erste und wichtigste Schritt auf dem Weg eines Kindes in die Welt der Musik. Es sind die Eltern, die den Grundstein für die Weltanschauung, die Moral und den ästhetischen Geschmack ihrer Kinder legen. Wie Studien im In- und Ausland zeigen, begann die Leidenschaft für Musik bei den meisten Amateuren und Berufsmusikern genau unter dem Einfluss der Familie.

2.10. Kommunikationsregeln "Lehrer - Elternteil"

1. Die Verantwortung für das Scheitern oder den Erfolg des Treffens liegt beim Lehrer, da er ein Fachmann ist. Das gegenseitige Verständnis verbessert sich schneller, wenn der Lehrer nicht am Tisch sitzt und die Position der Behörden zum Ausdruck bringt, sondern in der Nähe ist und Kooperationsbereitschaft zeigt.

2. Eine unabdingbare Voraussetzung für erfolgreiche Kommunikation ist gegenseitiger Respekt. Wenn Eltern aggressiv sind oder mit der Absicht kommen, dem Lehrer etwas zu sagen oder sich zu rechtfertigen, sind sie nicht in der Lage, ihm zuzuhören, Ratschläge und Empfehlungen anzunehmen.

3. Um einen Vater oder eine Mutter effektiv zu unterstützen, ist es notwendig, den Eltern die Fähigkeiten ihres Kindes aufzuzeigen (z. B.: „ein tüchtiger Junge“, „hat Willenskraft“, „kann Charakter zeigen“) und überzeugen Sie die Eltern, sich darauf zu verlassen gute Eigenschaften weiter.

4. Beide Parteien sollten für die Kommunikation dankbar sein. Hier ist eine Formel, an der man sich bei der Kommunikation orientieren könnte: „Wir beide und jeder von uns ist daran interessiert, dass er aufwächst, freundlich, klug ist und all seine Fähigkeiten offenbart.“

5. Beide Seiten sollten sich offen für alles einsetzen, was hilft, das Kind und die mit seiner Erziehung verbundenen Probleme zu verstehen.

6. Im Lehrer-Eltern-Gespräch sind scharfe Ironie, Spitzfindigkeit über ein erfolglos gewähltes Wort, sarkastische Bemerkungen sowie allgemeine Nachlässigkeit nicht akzeptabel.

7. Der Lehrer wird das Verhalten des Kindes nicht verstehen können, bevor er die Einstellung der Eltern ihm gegenüber versteht.

Lassen Sie jede Entscheidung das Ergebnis gegenseitiger Reflexion und seitens der Eltern eine Anleitung zum Handeln sein. Und, vielleicht am wichtigsten, sollten wir uns alle daran erinnern Hauptziel Kommunikation ist ein Kind. Wenn zwischen den Eltern und dem Lehrer Feindschaft besteht, muss diese im Namen des Kindes überwunden werden.

2.11. Formen der Einbindung der Eltern in die Aktivitäten der Kindermusikschulen.

Aus den Erfahrungen der Schulen können wir schließen, dass einerseits nicht alle Mütter und Väter auf den Wunsch der Lehrer nach einer Zusammenarbeit mit ihnen reagieren, andererseits die Lehrer selbst oft nicht gerne mit den Eltern arbeiten von Gründen. Einige Leute denken, dass es schwierig ist, mit jungen Eltern zu arbeiten, weil sie entweder „alles wissen“ oder Erziehungsfragen gleichgültig sind und oft versuchen, sie zu ersetzen direkte Kommunikation mit Elterninformationsankündigungen. Andere würden gerne Kontakt zu den Eltern ihrer Schüler aufnehmen, wissen aber nicht, wie sie das umsetzen sollen.

Eltern brauchen wirklich Hilfe und Unterstützung bei der Erziehung ihrer eigenen Kinder. Ist es nicht ein Paradoxon? Ja das stimmt. Wer hilft ihnen? Einer der aktuellen und eigentliche Aufgaben unserer Zeit ist die Interaktion und Annäherung von Bildungseinrichtung und Familie sowie die Verbreitung der in dieser Richtung gesammelten Erfahrungen.
Niemand kennt den Charakter und das Temperament seines Kindes besser als die Eltern, und deshalb kann niemand außer ihnen einem kleinen Menschen helfen, einen neuen Beruf kennenzulernen und zu festigen, der sich (wer weiß?) mit der Zeit sogar zu einem Beruf entwickeln kann . Daher sollte der Lehrer die Eltern so weit wie möglich in den Bildungsprozess einbeziehen.

Elternarbeit sollte nicht nur auf Klassenebene einer Lehrkraft, sondern auch auf Schulebene durchgeführt werden. Und hier große Rolle Spiele und die Position der Verwaltung sowie die Einstellung zur Arbeit der Lehrer für Gruppenfächer. Ein spezieller Instrumentallehrer ist verantwortlich für die Durchführung der Elterngespräche seiner Klasse, der Unterrichtsstunden und kann die Eltern dabei aktiv einbeziehen. Aber bei allgemeinen Elternversammlungen kann die Verwaltung die Eltern mit rechtlichen Dokumenten, internen Vorschriften, der Satzung der Schule, Mindestanforderungen, Perspektiven für die Entwicklung der Institution, Perspektiven für weitere spezialisierte Ausbildung, sich für das Prestige des Musikunterrichts einsetzen, als Beispiel vielversprechende Studenten, Preisträger und Diplomaten nennen, auf die die Schule stolz ist, und auch Treffen mit den Eltern dieser Kinder organisieren , mit einem Wort, schaffen unbegründete Motivation. Sie können regelmäßige Umfragen durchführen, um die Elternanfrage zu studieren und die Lernergebnisse zu analysieren.
Wenn alle Schulmitarbeiter, kompetent vereint durch ein einziges Ziel, gemeinsame Anstrengungen unternehmen, können wir versuchen, über die Wiederbelebung der Popularität der Musikausbildung zu sprechen, zumindest auf lokaler Ebene der Schule, weil das Interesse im Bereich der musikalischen akademischen Kunst besteht wird in der Welt nach wie vor allgemein als Indikator für den Grad der kulturellen Entwicklung der Gesellschaft anerkannt.
Die Zusammenarbeit von Lehrern und Eltern ermöglicht es Ihnen, das Kind besser kennenzulernen, sich in verschiedene Situationen hineinzuversetzen und so dabei zu helfen, seine individuellen Eigenschaften zu verstehen, Fähigkeiten zu entwickeln und wertvolle Lebensorientierungen zu bilden. Erzieher mit Eltern sollten am besten gemeinsam suchen effektive Wege Problemlösung, bestimmen die Inhalte und Formen der diesbezüglichen pädagogischen Bildung.

Also was sind Aufgaben, Formen der Zusammenarbeit mit den Eltern zu finden?

Schaffung günstiger Bedingungen, um Eltern für eine aktive Teilnahme an den Aktivitäten einer Vorschuleinrichtung zu gewinnen;

Das Studium der Familienerfahrung bei der Erziehung und Erziehung von Kindern;

Elternbildung im Bereich Pädagogik und Kinderpsychologie.

Welche Möglichkeiten gibt es, diese Probleme zu lösen?

Entwickeln Sie einen theoretischen Algorithmus zur Lösung des Problems.

Bestimmen Sie den Arbeitsumfang jedes Spezialisten und Erziehers.

Ausgewählte Fragebögen, Tests für Lehrer und Eltern.

Auswahl und Erprobung von Formen und Inhalten der Arbeit zur Einbindung von Eltern in die Aktivitäten von Einrichtungen der Weiterbildung.

Die Mehrheit der Eltern hat keine besonderen Kenntnisse im Bereich der Erziehung und Bildung von Kindern und hat oft Schwierigkeiten, Kontakte zu Kindern herzustellen. Daher streben wir bei der Zusammenarbeit mit den Eltern eine unterstützende Position an, berücksichtigen die emotionalen und persönlichen Merkmale sowohl des Kindes als auch seiner Verwandten, entwickeln Wege, um die Eltern in den Bildungsprozess einzubeziehen, und geben ihnen das Recht auf freie, nach eigenem Ermessen das Leben des Kindes in verschiedenen Aktivitäten kennenlernen: im Spiel, bei der Arbeit, beim Essen, Gehen und so weiter. Solche Beobachtungen sind eine Quelle neuer, manchmal unerwarteter Erkenntnisse über das Kind.

Die Beziehung zwischen Lehrern und Eltern ist nur möglich, wenn Lehrer Berater sind und gemeinsame Aktionen vereinbaren. Um die Bildungschancen der Eltern zu aktivieren, empfiehlt es sich, dass die Lehrkraft vielfältige aktive Formen der Kommunikation mit ihnen nutzt: Gesprächstreffen, Workshops, gemeinsame Freizeit Erwachsene und Kinder, Folklore-Familienabende, Lernspiel-Quiz.

Welche Formen der Elternarbeit in Kindermusikschulen können zum jetzigen Zeitpunkt genutzt werden?

1. „Tag der offenen Tür“. An einem solchen Tag haben Eltern die Möglichkeit, Unterricht und andere Veranstaltungen mit Beteiligung von Kindern zu besuchen, Fragebögen auszufüllen, Rezensionen zu schreiben, Wünsche für Lehrer. Die Möglichkeit, Ihr Kind unter anderen Bedingungen als zu Hause zu sehen, hilft den Eltern, ihre Methoden und Methoden der Erziehung zu überdenken. „Eintauchen“ in das Leben einer Vorschuleinrichtung ist tatsächlich möglich mehr um Müttern und Vätern die Besonderheiten der Kindererziehung und -erziehung zu demonstrieren. Die langfristige Beobachtung des Kindes in einer neuen Umgebung ermöglicht es ihm, einen anderen Blick auf ihn und die Erziehung zu Hause zu werfen. Diese Form der Arbeit ist für alle besonders wichtig, da man so die wirklichen Leistungen jedes Kindes sehen kann.

2. Zu Beginn des Schuljahres an der Musikschule ist es erforderlich, ein Treffen mit den Eltern der Erstklässler zu organisieren und mit ihnen über die Besonderheiten der Arbeit einer musikpädagogischen Einrichtung, Verfahren, Bedingungen zu sprechen und Aufgaben. Ein solches Treffen hilft, die Familie jedes Schülers kennenzulernen, das kulturelle Niveau kennenzulernen und diesbezüglich bestimmte Pläne zu schmieden.
3. Es ist ratsam, Informationen über die von der Schule angebotenen Dienstleistungen über die „Website des Lehrers“ unter den Eltern zu verbreiten.

4. Um Eltern für eine aktive Teilnahme an Aktivitäten zu gewinnen, ist es notwendig, gemeinsame Musikferien zu organisieren (z. B.: „Unsere Familie und Musik“, „Lasst uns singen!“)

5. Produzieren Sie gemeinsam einen Stand in der Klasse „Musikalische Information“, da die besten Erfahrungen der Familienbildung regelmäßig in Form von Fotozeitungen, Sammelwerken, Fotomontagen präsentiert werden.

6. Nicht schlecht, wenn Eltern bei der Gestaltung und Befüllung der „Klassenseite“ mithelfen, wo am meisten Material veröffentlicht wird aktuelle Themen, Wünsche der Eltern, über die Aktivitäten der Schule, über die Erfahrungen mit der pädagogischen Arbeit in der Schule. Durch die Teilnahme an einer solchen Aktion erhalten Kinder, Eltern und Lehrer einen kreativen Impuls, ihre Fähigkeiten zu entwickeln, sowie emotionale und spirituelle Unterstützung. Die Schüler bekommen die Möglichkeit, diese oder jene Informationen zu verstehen, und die Eltern geben ihr Wissen und ihre Erfahrung begeistert weiter.

7. Die Implementierung des Projekts "Elternpost" auf den Seiten der Website schafft ein dynamisches und effektives Feedback zwischen dem Lehrer und der Familie.

8. Eine ebenso interessante Form der Zusammenarbeit ist die Einbindung der Eltern beim Ausfüllen des „Klassenfotoalbums“ (auf der Website oder an den Ständen).

9. Die Einbeziehung der Eltern in das Ausfüllen von Fragebögen, Rückmeldungen und Wünschen ist ein sehr wichtiger Bestandteil der Kommunikation mit den Angehörigen der Schüler.

Wenn Sie eine effektive Technologie der Interaktion mit Eltern aufbauen, indem Sie interessante Arbeitsformen organisieren, die Aktivitäten des gesamten Lehrpersonals koordinieren und optimale Beziehungen zwischen Lehrern und Eltern schaffen, können Sie die Beteiligung der Eltern an Aktivitäten erhöhen musikalische Institution. Und dann:

Eltern haben Interesse an der Arbeit der Schule und der Erziehung der Kinder.

Die Art der Fragen der Eltern an die Lehrer der Einrichtung wird sich ändern. Die Eltern haben das Notwendige praktische Fähigkeiten und Fähigkeiten in der Erziehung und Erziehung von Kindern.

Verstärkte Teilnahme von Eltern an Veranstaltungen zur pädagogischen Bildung, deren Tätigkeit; Teilnahme an Wettbewerben, Freizeitaktivitäten, Urlauben usw.

Den Eltern wird die praktische und erzieherische Bedeutung ihrer Mitwirkung an der Schule in der wirtschaftlichen und pädagogischen Arbeit bewusst.

Es besteht Interesse an einer aktiven Beteiligung an der Planung des Bildungsprozesses.

Gemeinsame kreative Projekte erweitern den Horizont von Kindern und Erwachsenen, füllen sie mit kreativer Energie, tragen zu positiven Veränderungen in der Familie bei, fördern die Interaktion und Zusammenarbeit zwischen der Familie und der Bildungseinrichtung.

III. ERGEBNISSE:

Die Organisation der Bildungsarbeit ist von grundlegender Bedeutung, da sie die Wirksamkeit der Ausbildung, ihre Wirksamkeit bestimmt.

BEIM modernen Bedingungen Lehrer von Kindermusikschulen und Kinderkunstschulen sind verpflichtet, nach den besten pädagogischen Systemen zu suchen, sich zu bewerben letzte Errungenschaften Pädagogik, einschließlich Informations- und Kommunikationstechnologien, folgen dem Weg der Individualisierung der Bildung, erstellen angepasste Versionen von Lehrplänen für Kinder mit unzureichenden musikalischen Fähigkeiten, evaluieren ständig Lernergebnisse, überwachen und identifizieren Lücken rechtzeitig durch Kommunikation mit den Eltern der Schüler.

Musikalische Bildung ist die Grundlage der musikalischen Kultur der Menschen. Die Hauptaufgabe der musikalischen Massenerziehung in der Schule ist nicht so sehr die Erziehung an sich, sondern die Wirkung der Musik auf die gesamte geistige Welt der Schüler und vor allem auf ihre Moral. Kunst kann Menschen faszinieren. Kinder können nur an tiefen Gedanken und Gefühlen interessiert sein. Im Unterricht müssen die Schüler einen musikalischen Geschmack vermitteln, wodurch das Kind die wohltuende Wirkung der Musik spürt und sein spirituelles Leben bereichert. Die Aufgabe des Lehrers besteht darin, zu zeigen, dass der Zweck der Kunst nicht nur darin besteht, die Kreativität zu unterhalten, sondern vor allem die besten geistigen Eigenschaften der kleinen Mitglieder der Gesellschaft zu erziehen und zu stärken. Bei der Persönlichkeitsbildung eines Menschen spielt auch die Selbstbildung eine wichtige Rolle, die auch als zielgerichtete Arbeit an der Herausbildung erwünschter Charaktereigenschaften verstanden wird. Auch wenn ein Kind nicht die Neigung hat, ein guter Musiker zu sein, braucht es für die volle Entfaltung seiner Persönlichkeit dennoch eine musikalische Ausbildung, insbesondere im Grundschulalter. Musikalische Selbsterziehung bestimmt nicht nur die Bildung der gewünschten Charaktereigenschaften beim Schüler, sondern auch den Wunsch, seine spirituellen Bedürfnisse durch das Hören von Musik in Radio, Fernsehen, Kino und Theater zu befriedigen. Musikalische Selbsterziehung - Suche, Assimilation, Ergänzung des musikalischen Wissens des Schülers. Die moderne Pädagogik und Psychologie verlangen, dass der Schüler sich nicht nur mit bestimmten Handlungen erzieht, sondern auch deren Zweck klar versteht. Wenn ein Kind sein „Ich“ verwirklicht, wird seine Persönlichkeit aktiv, und die Aktivität des Schülers manifestiert sich, wenn der Lehrer aktiv ist. Der Lernerfolg hängt vom Interesse an Lernaktivitäten ab. Daher alle mögliche Wege Es ist notwendig, in Kindern ein brennendes Verlangen nach Wissen und Lernen zu entfachen. Wenn Kinder bereitwillig lernen, geht es leichter und erfolgreicher als wenn sie aus der Not heraus lernen. K.D. Ushinsky schrieb, dass "Lehren, ohne jegliches Interesse und nur durch Zwang genommen, im Schüler den Wunsch nach Lernen tötet, ohne den er nicht weit kommen wird." In den letzten Jahren hat sich das Umfeld von Kindern dramatisch verändert, verursacht durch neue Realitäten. öffentliches Leben. Sie sehen die Welt anders als frühere Generationen. Bei den heutigen Kindern gibt es einen Prozess der Bewusstseinsschichtung, der in letzter Zeit auch die Erwachsenen erfasst hat. Aber die Erziehung des Individuums ist seine allmähliche und kontinuierliche Vorbereitung auf die Regulierung aller Arten von Beziehungen, während der das Individuum die gesellschaftliche Skala von Werten, Positionen, Normen, Organisation und Formen der Teilnahme an Konflikten beherrscht. Im Prozess der Aus- und Weiterbildung sollte die Sozialisation des Individuums gewährleistet sein, das heißt: persönliche Zivil- und berufliche Selbstbestimmung Jugendliche. Dies beinhaltet die Entwicklung neuer Realitäten, die Vorbereitung auf die Wirtschaft unabhängiges Leben, die Bildung eines grundlegenden Kulturminimums, das heißt einiger äußerer und innerer allgemeiner kultureller Voraussetzungen, die für die gesunde Existenz eines Menschen und seiner Umwelt notwendig sind, ihre Bedingungen für eine harmonische Entwicklung. Basierend auf den aufgeführten modernen Aufgaben und Richtungen des Bildungssystems aus der Sicht der Einheit Bildungsraum, soll die Kindermusikschule das Zentrum der musikalischen und ästhetischen Massenerziehung sein, da sie Teil des Modells des Bildungssystems von Bildungseinrichtungen verschiedener Art ist. Die in den letzten Jahren erzielten Erfolge bei der Lösung der Probleme der Musikausbildung sprechen für die große Arbeit und die ernsthafte Aufmerksamkeit, die Musikerlehrer der harmonischen Entwicklung der Schüler widmen. Nicht nur auf das Erlernen des Instrumentalspiels beschränkt, bemühen sich die Lehrkräfte darum, den Gedanken eines integrierten Ansatzes in der vielseitigen Kindererziehung zu verkörpern. Nur Schritt für Schritt, indem er die Schüler von den ersten noch oberflächlichen musikalischen Eindrücken zu einem tiefen und ernsthaften Verständnis der Musik führt, wenn die Kunst von einem angenehmen Zeitvertreib zu einem lebenswichtigen menschlichen Bedürfnis wird, wird der Lehrer-Musiker in der Lage sein, seine Schüler in die Welt einzuführen Musikalische Kunst. Es ist nicht einfach, die Ergebnisse der Aktivitäten von Kindermusikschullehrern fair zu bewerten, aber das Kriterium für eine solche Bewertung kann sein Beitrag zur Musikkultur des Landes sein - die musikalische Aktivität von Schülern in verschiedenen Bereichen. LITERATUR 1. Archazhnikova, L. G. Beruf - Musiklehrer: ein Buch für Lehrer / L. G. Archazhnikova - M .: Bildung, 1984. - 111 p. 2. Asafiev, B.V. Ausgewählte Artikel zur Musikalischen Aufklärung und Bildung: Sat. Artikel / B. V. Asafiev - L .: Musik, 1973, hrsg. 2. - 144 S. 3. Barenboim, L. A. Musikalische Pädagogik und Aufführung / L. A. Barenboim - L.: Muzyka, 1974. – 337 S. 4. Bulycheva, L.S. Individueller Ansatz an Schüler als Bedingung für die Verhinderung ihrer schlechten Fortschritte / L. S. Bulycheva - M .: Education, 2004. - 189 p. 3. Ilchenko, E.I. Individuelle Herangehensweise an Schüler bei der Organisation von Hausaufgaben / E. I. Ilchenko - M .: Education, 2004. - 213 p. 4. Kabalevsky, D. B. Erziehung des Geistes und des Herzens. Ein Buch für den Lehrer / D. B. Kabalevsky - M .: Education, 1984. - 206 p. 5. Neuhaus, G. G. Über die Kunst des Klavierspiels: Notizen eines Lehrers / G. G. Neuhaus - M.: Muzyka, 1967. - 309 p. 6. Psychologie der Hochbegabung bei Kindern und Jugendlichen / hg. N. S. Leites - M.: Akademie, 1996. - 416 p. 7. Rabunsky, E.S. Individueller Ansatz beim Unterrichten von Schulkindern / E. S. Rabunsky - M .: Pädagogik, 2000. - 184 p. 8. Teplov, B.M. Psychologie musikalische Fähigkeit/ B. M. Teplov - M .: Pädagogik, 1985. - 328 p. 9. Chomenko, I.A. Schulbild: Bildungsmechanismen und Konstruktionsmethoden //http://www.den-za-dnem.ru/page.php?article=386 10. Kholopova, V. N. Musik als Kunstform: Lehrbuch. Zulage / V. P. Kholopova - St. Petersburg: Lan, 2000. - 320 p. 11. Zypin, G.M. Mann. Talent. Arbeit. Musiker in der modernen Welt. Ein Buch für den Lehrer / G. M. Tsypin - M .: Education, 1992. - 240 p.

Emblem und Hymne der Schule

Team

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Methodische Botschaft - Seite Nr. 1/1

METHODISCHE BOTSCHAFT

„Die Kenntnis der musikalischen Grundbildung ist die Grundlage für die Bildung und Erziehung eines jungen Musikers“

Lehrer MAOU DOD MO "SGO"

"Kunstschule für Kinder in Svetly"

Methodischer Teil

Die Hauptaufgabe des Schülers als Interpret besteht darin, erstens die Intention des Komponisten zu verstehen und zweitens diese Intention auf emotionaler Ebene dem Zuhörer technisch zu vermitteln. Es ist klar, dass sowohl die erste als auch die zweite vom Schüler nicht alleine abgeschlossen werden können, nicht nur im Alter von sechs oder sieben Jahren, sondern sogar im Alter von 13-14 Jahren.

Der Lehrer der Spezialität ist dafür verantwortlich, das gesamte theoretische Wissen des Schülers in die Vorbereitung auf die Aufführung zu integrieren, da eine der Hauptschwierigkeiten aus Sicht des Musizierens die Uneinigkeit aller Fächer ist

Arbeit mit Anfängern:

Die Anfangsphase des Erlernens des Instruments ist die schwierigste und verantwortungsvollste: In dieser Zeit wird der Grundstein für die Entwicklung des zukünftigen Musikers gelegt, wenn sich die musikalischen Vorlieben und die berufliche Motivation der Schüler noch herausbilden. Denken Sie daran, dass nicht alle Studenten Profis werden. Zur vollwertigen Persönlichkeitsbildung gehört aber in jedem Fall nicht nur die geistige und körperliche Entwicklung, sondern auch die geistig-künstlerische Bildung und vor allem die Erziehung zur Liebe zur Musik. Vor diesem Hintergrund ist es notwendig, die allmähliche Entwicklung verschiedener Arten von Schwierigkeiten durch die Schüler einzuhalten.

Die Pädagogik betrachtete und betrachtet die Folklore als einen der wichtigsten Bereiche des musikalischen Unterrichtsmaterials und vor allem Volkslieder. Hier ist es notwendig, sich an folgenden Prinzipien zu orientieren: 1) Helligkeit und Emotionalität; 2) Vielfalt in Genre, Charakter; 3) Zugänglichkeit, Einheitlichkeit der Präsentation.

Die Arbeit an einem künstlerischen Bild sollte mit den ersten Schritten des Erlernens des Instruments und der Beherrschung der Notenschrift beginnen. Deshalb ist es besser, Material mit einem poetischen Text zu nehmen, der gleich zu Beginn der Ausbildung das figurative Denken von Anfängern - Instrumentalisten - anregen soll.

Die Kenntnis des Textes des Liedes trägt nicht nur zu seiner sinnvolleren Aufführung bei – im richtigen Tempo, Charakter, mit der richtigen Artikulation, sondern weckt auch das Interesse daran, den Wunsch, es mit Worten aufzuführen; hilft dem Schüler, die Vollständigkeit musikalischer Strukturen zu bestimmen - Sätze, Phrasen, die in musikalischen und poetischen Werken kleiner Formen mit der Vollständigkeit poetischer Konstruktionen übereinstimmen.

Der Student sollte die Analyse mit dem Titel des Werks beginnen, der seinen allgemeinen Charakter weitgehend bestimmt - "Lullaby", "Bunny" usw. In den unteren Klassenstufen beinhaltet es außerdem: Verstehen von Größe, Modus, Tonalität; Bestimmung der Bestandteile der Melodie (Sätze, Phrasen, Zäsuren); Fixierung in musikalischen Konstruktionen der rhythmischen, melodischen und harmonischen Wiederholung (harmonische Wiederholung in Bezug auf die Anfangsphase des Trainings sollte den Wechsel von identischen Bässen und „vorgefertigten Akkorden“ bedeuten); Identifizieren der charakteristischen Merkmale der Melodie - Bewegen Sie sich entlang der Stufen der Tonleiter entlang der Klänge der Triade, springen Sie zu stabilen und instabilen Klängen des Modus; Definition der Phrasierung, ungefähre Klangdynamik.

Arbeit an einer Arbeit in der High School:

Trotz der Vielfalt musikalischer Literatur basiert die Arbeit an einem Werk auf allgemeinen Prinzipien.

In der ersten Phase besteht die Hauptaufgabe darin, eine allgemeine Vorstellung von der Arbeit und ihrer emotionalen Wahrnehmung als Ganzes zu schaffen. Der Inhalt der Arbeit ist eine Bekanntschaft mit den Materialien über die Arbeit und mit der Arbeit selbst.

Zunächst erzählt der Lehrer dem Schüler den Schöpfer des Werkes (sei es ein Komponist oder ein Volk); über die Ära, in der es entstand; über die stilistischen Merkmale der Musiksprache und die geforderte Art der Aufführung; über seinen Inhalt, Charakter, Handlung; Grundtempo; über Form, Struktur, Zusammensetzung. Dieses Gespräch sollte lebendig und interessant aufgebaut werden, indem das Werk als Ganzes und seine Fragmente zitiert werden, besser - in der eigenen Darbietung des Lehrers. Abiturienten können Literatur über den Komponisten oder das Werk empfohlen werden. Hier muss der Lehrer, während er sich mit dem Stück vertraut macht, den Schüler vor den künstlerischen und technischen Schwierigkeiten warnen, auf die er darin stoßen wird, und es mitteilen allgemein gesagtüber Möglichkeiten, sie zu überwinden. Als Ergebnis der ersten Bekanntschaft mit dem Werk soll der Student also möglichst viel darüber erfahren, die anstehenden technischen und künstlerischen Aufgaben verstehen und sich den endgültigen Klang des Stücks vorstellen. Die Auswahl von Ausdrucksmitteln und deren Bearbeitung ist die nächste Aufgabe in der Arbeit an der Aufführung eines musikalischen Werkes. Die Verwendung verschiedener Methoden der Tonerzeugung wird durch das Urheberrecht bestimmt

Hinweise auf den Charakter des Spiels, Tempo, Schläge, dynamische und agogische Nuancen.

Hier empfiehlt es sich, die Arbeit in Teilen zu bearbeiten. Je besser die einzelnen Details des Stücks ausgearbeitet sind, desto leichter ist es dann, die ganze Aufmerksamkeit des Schülers darauf zu richten, die künstlerische Integrität der Darbietung zu schaffen. Die Aufteilung in Teile sollte auf der Grundlage einer Analyse der Form der Komposition erfolgen: Es ist notwendig, die Anzahl und Grenzen von Teilen, Perioden, Sätzen, Phrasen sowie ihre rhythmischen und intonatorischen Ähnlichkeiten oder Unterschiede festzustellen. Separate Sätze sollten ausgearbeitet und dann zu Sätzen und Perioden kombiniert werden. Korrekte Phrasierung ist eine der Grundlagen ausdrucksstarker Darbietung. Bei der Arbeit an der Phrasierung müssen nicht nur die Grenzen der Phrasen bestimmt werden, sondern auch die Artikulation der Phrase, das Klangverhältnis der Phrasen, wenn sie zu größeren Konstruktionen kombiniert werden. Beim Aufbau der Artikulation jeder Phrase ist es wichtig, den Ort ihres Höhepunkts, die Herangehensweise daran und den Abschluss der Phrase festzulegen.

richtige Formulierung, hohe Qualität Klang und Ausdruckskraft der Darbietung hängen davon ab, wie gut der Akkordeonspieler Fell besitzt. Darüber hinaus hängt die Ausführung einer Reihe von Schlägen von der Beherrschung der Techniken der Klangerzeugung mit Fell ab (Stronganado, Marcago, Rogateno, einige Arten von Staccato, Teroto usw.).

Bei der Verteilung der Änderung der Bewegungsrichtung des Fells sollte man zunächst von der künstlerischen Zweckmäßigkeit ausgehen, dann - den individuellen Merkmalen der physischen Struktur der Hände und des Körpers des Schülers; Design und Qualität der Instrumente.

In der Regel erfolgt die Änderung der Fellbewegung an den Grenzen von Phrasen und anderen Strukturelementen. Es ist wie die natürliche Atmung, die zur ausdrucksstarken Darbietung der Melodie beiträgt. Es sollte betont werden, dass in solchen Fällen der Moment der Änderung der Bewegung des Fells mit dem Gehör wahrnehmbar sein sollte. Innerhalb von Phrasen und sogar bei einem in die Länge gezogenen Ton ist ein Fellwechsel möglich und manchmal notwendig. In diesen Fällen kommt es auf eine unmerkliche, sanfte Veränderung der Fellbewegung an, die die Entwicklung des musikalischen Denkens nicht stören, nicht unterbrechen würde.

Der Schüler soll in der Lage sein, die Luftzufuhr im Knopfakkordeonbalg beim Spielen umsichtig zu nutzen, d.h. die notwendige Kraft und Klangqualität bei sparsamem Luftverbrauch zu erreichen. Um sich vor versehentlichem Luftmangel, Stößen beim Fellwechsel zu schützen, sollten Sie das Fell nicht an die äußersten Grenzen der Kompression und Dehnung bringen.

Einen besonderen Platz in der Arbeit an der Komposition nimmt die Bewältigung technischer Schwierigkeiten ein, deren Überwindung die Hauptbedingung für die Freiheit und Ausdruckskraft der Aufführung ist. Zuerst müssen Sie einen technisch schwierigen Ort zerlegen: um seine Textur und seine Position auf den Tastaturen zu verstehen, um die Elemente der Technologie zu bestimmen. Von dieser Analyse hängt die Wahl der Arbeitsmethode zur Überwindung von Schwierigkeiten und insbesondere des rationalen Fingersatzes ab. Der Fingersatz kann als korrekt angesehen werden, wenn er zur Verwirklichung einer künstlerischen Aufgabe beiträgt, für einen bestimmten Schüler geeignet ist und auf dem natürlichen Wechsel der Finger und ihrer normalen Streckung basiert. Aber die Hauptsache ist, dass der Fingersatz zum freien Spiel beitragen soll. Sie sollten nur die etablierten Fingersätze verwenden und nicht einmal versehentlich andere Finger im Spiel verwenden - dies dient als Garant für ein schnelles und dauerhaftes Erlernen technisch schwieriger Stellen. Die Arbeit an technischen Schwierigkeiten erfolgt in der Regel durch wiederholte Wiederholungen in langsamem Tempo kleiner, gleichmäßiger Konstruktionen. Langsames Tempo ermöglicht es Ihnen, die notwendigen Spielbewegungen zu finden und zu festigen; außerdem hat der Schüler Zeit, alle Töne sicher mit dem richtigen Fingersatz zu spielen und, was nicht weniger wichtig ist, die Qualität der Darbietung sorgfältig nach Gehör zu kontrollieren. Nach dem Auftreten von Selbstvertrauen und einem gewissen Bewegungsautomatismus muss das Tempo beschleunigt werden, um es allmählich auf das erforderliche Tempo zu bringen. Treten jedoch nach mehreren Spielen Schwierigkeiten auf, sollten Sie zu einem langsamen Tempo zurückkehren.

Das Ergebnis dieses Arbeitsschrittes soll der freie und selbstbewusste Besitz des Studierenden über alle Mittel sein, den künstlerischen Inhalt der Arbeit zum Ausdruck zu bringen.

Jetzt können wir alles synthetisieren, was zuvor gemacht wurde. Wir stellen die semantische Zuordnung von Phrasen innerhalb von Sätzen, Sätzen innerhalb von Punkten und Punkten innerhalb größerer Konstruktionen her; wir offenbaren den Haupthöhepunkt des Werkes, die Konjugation privater Höhepunkte damit, und von hier aus wird eine einzige Entwicklungslinie des musikalischen Materials bestimmt. Dazu empfiehlt es sich, das gesamte Werk oder große Teile davon zu bearbeiten und dann zu einem vollständigen Ganzen zusammenzufügen.

Um eine zusammenhängende Komposition zu schaffen und das künstlerische Bild eines musikalischen Werkes tiefer zu enthüllen, muss man sich auf die Anweisungen des Autors im Notentext verlassen. Die richtige Interpretation des Werkes hängt vom genauen Lesen des Notentextes in all seinen Details ab. Natürlich kann jeder Bajanist seine eigene Interpretation der Komposition und individuelle Art der Aufführung haben, aber dies sollte nicht im Widerspruch zu dem stehen, was der Komponist in den Noten niedergeschrieben hat. So wird die Hauptmethode zum Studium eines musikalischen Werks offenbart: vom Allgemeinen (Schaffung einer musikalischen und auditiven Vorstellung vom Werk als Ganzes) - zum Besonderen (Ausarbeiten der Elemente) und wieder - zum Allgemeinen, aber in einer neuen Qualität (Schaffung eines ganzheitlichen künstlerischen Bildes).

Das Studium polyphoner Kompositionen erfordert besondere Aufmerksamkeit und Sorgfalt des Lehrers. Polyphonie klingt großartig auf dem Knopfakkordeon. Aber auch die virtuose Technik des Akkordeonisten füllt nicht die Lücken in der Entwicklung des polyphonen Denkens. Die Entwicklung des Intellekts und des Gehörs des Schülers zum Verständnis polyphoner Musik sollte schrittweise erfolgen in großen Zahlen funktioniert. Und natürlich müssen Sie mit den einfachsten polyphonen Stücken beginnen, die einem Schüler der 1. Klasse der Schule bereits zur Verfügung stehen. Welche konkreten Methoden zur Bearbeitung polyphoner Stücke können in der Schule empfohlen werden? Erstens spielt der Lehrer dem Schüler nicht nur das ganze Stück als Ganzes vor, sondern auch jede Stimme einzeln. Dann - die Analyse des Stückes durch den Schüler mit jeder Hand getrennt; gemeinsamer Auftritt eines Schülers einer Stimme und eines Lehrers einer anderen (und umgekehrt); Aufführung des gesamten polyphonen Stoffs des Stücks durch den Lehrer und durch den Schüler - eine der Stimmen. Ein sehr gutes Ergebnis beim Studium polyphoner Stücke wird auch durch folgende Methode erzielt: Der Lehrer stellt dem Schüler die Aufgabe, das Thema von Anfang bis Ende zu spielen, egal in welcher Stimme es vorübergeht; dann vervollständigt der Lehrer das vom Schüler vorgetragene Thema mit einem Spiel aus Unterstimmen und Kontrapunkten. Und umgekehrt: Der Lehrer spielt das Thema, der Schüler - die restlichen Stimmen. Natürlich erschöpfen die vorgeschlagenen Techniken zur Bearbeitung der Polyphonie nicht ihre ganze Vielfalt. Hier sollte es erscheinen kreative Fantasie Lehrer auf der Suche nach Methoden, um dem Schüler die Fähigkeiten des polyphonen Denkens beizubringen.

Die Auswahl des künstlerischen Materials sollte sich an den Anforderungen einer konsequenten und vielseitigen Entwicklung des Schülers orientieren: seinem künstlerischen Geschmack, Denken, emotionales System, Technische Fähigkeit. Je breiter die Palette musikalischer Bilder, desto vielfältiger stilistische Merkmale, die Sprache der aufgeführten Werke, desto mehr Bedingungen für die Lösung dieses Problems.

Die Aufgabe eines Musiklehrers ist es, das Problem der musikalischen Erziehung und Bildung nicht auf Information zu reduzieren, sondern mittels Kunst Denken, Fühlen, Einfühlen zu lehren, damit die Schüler nicht nur den Intellekt, sondern auch die Seele entwickeln. Der Lehrer soll die Schüler in der Welt der Musik orientieren, auf den Geschmack bringen und sie mit den Mitteln der Kunst an die höchsten geistigen Werte heranführen, deren häufige Wiederholung als Wahrheit empfunden werden soll, die durch den Sinn für Schönheit in der Kunst den Weg weist Liebe, Mitgefühl, Barmherzigkeit, Pflichtgefühl gegenüber dem Leben...

Illustratoren - Schüler der Klasse:

Kharchenko Denis 1-7 R.n.p. "Und ich bin auf der Wiese"

Popov Sasha 3 -7 r.n.p. "Ich sitze auf einem Stein"

Dolgikh Anton 4-7 G. Belyaev "Jazz March"

Zagonova Alena 5-5 E. Derbenko "Emelya auf dem Herd", A. Popov "Oben

Monatsfenster "

Ershov Denis 7-7 G.Ketsshler „Prelude and Fughetta for

Akkordeon"

Gebrauchte Bücher

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  V.Semenov moderne Schule Bajanspiele Yu.Akimov Schule des Knopfakkordeonspiels

• 
  Reader Accordion Grade 1-3 B. Milic Ausbildung eines Pianistenschülers